Arte de Galería

“Hasta otra, Tàpies”

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Thu, 09 Feb 2012 04:15:40 PST

El mundo del arte se muestra sensible por la muerte, este lunes y a los 88 años, de uno de los grandes vanguardistas catalanes y genio del informalismo, Antoni Tàpies. Una noticia que además ha traspasado fronteras por su gran trayectoria y reconocimiento.

Antoni Tàpies era junto a artistas como Miró o Dalí un pintor y escultor admirable. En su tela plasmaba sentimientos y realidades que a lo mejor son muy pequeños y pasarían desapercibidos para algunas personas –como él decía–, pero que quería mostrar. Era como un toque de atención hacia distintas preocupaciones e ideas. Sus creaciones están llenas de simbolismo, donde predominan las fórmulas, las cruces, las palabras y letras, en especial la ‘T’ –tan y tan características en su obra–. Sus obras figurativas y abstractas, realizadas hasta donde éstas mismas le han exigido. Resultados increíbles, dignos de observar. Para muchos, su muerte no convertirá sus obras en gloriosas, pues ya las consideraban como tal.

Cuando una persona muere, “la tradición catalana es que se cierre el negocio algún día por luto, en cambio, la Fundació ha querido abrir en contra de esta tradición y ha optado por tener abierto por duelo”, ha explicado Xavier Antich, presidente de la Fundació Antoni Tàpies. Además, como petición de distintas personas de otros países que querían visitar la muestra, “se abrirá este sábado día 11, y domingo día 12 –el jueves y el viernes mantendrán algunas salas cerradas porqué están preparando la exposición– a un precio simbólico de tres euros”, ha añadido Antich.

En la planta principal han reunido cuatro obras escogidas para la ocasión. A éstas cuatro se le ha añadido una obra, ‘Terròs’ “que es la que la familia quería que estuviera, donde el mismo Tàpies representó la presencia de la muerte en el año 84. Esta muestra es una oportunidad para ver el universo más esencial de Tàpies”, ha manifestado el presidente de la Fundació.

Estas dos jornadas de puertas abiertas, tanto martes como miércoles, han sido un gesto de acercamiento hacia los amantes del arte. Es una forma de dar el pésame a través de la fundación. Según Antich, “la mayoría de personas se lo sentía como propio, aunque no le hubiera visto nunca”.

En la Fundació había mucho movimiento, era un continuo de gente, entrando y saliendo, mirando las obras, subiendo y bajando escaleras, pero con un silencio de respeto –digno de un espacio de arte–. Quiénes lo han deseado han podido escribir algunas palabras en un libro de pésame. De hecho había tres y suficientes o no había gente haciendo cola, esperando su turno para transmitir sus pensamientos. Las obras de Tàpies están llenas de reflexiones pero en unos momentos como éste, se podía percibir un ambiente donde fluía aún más la meditación, a lo mejor porqué su obra ya se ha vuelto limitada, por la sorprendente noticia de su muerte, o porqué obras así causan mucho respeto después de la desaparición del artista. Quién sabe, pero la gente ha querido estar allí, mostrar su admiración. La fundación ha hecho un gesto agradecido por parte de los visitantes, al abrir y que fuera gratuito, aunque los mejores gestos los hizo Tàpies con sus trazos y movimientos llenos de materia, materiales que utilizó junto con la pintura y que han conseguido que los cuadros sean observados y valorados para siempre jamás.

Observar sus obras es un buen ejercicio para la búsqueda e investigación del significado de su creación, un hecho apasionante y ejercitante y que siempre acaba estando en manos del público. Por suerte es un legado que podrán seguir disfrutando los amantes del arte. Sabemos que veremos alguna obra suya y al día siguiente otra o dentro de unos años otra u otras, así que podemos decir en nuestro interior: “Hasta otra, Tàpies / A reveure, Tàpies”.

Visitantes que observan la obra ‘Terròs’, de Antoni Tàpies

Personas haciendo cola mientras otras están escribiendo en los libros de pésame

Jan Baca, un artista polifacético que nos trae al paisaje del Baix Empordà

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Fri, 13 Jan 2012 01:27:27 PST

El catalán Jan Baca (Terrassa, 1934) es un artista polifacético: arquitecto, cineasta y dibujante. En estos mismos instantes una producción que consta de unos veinte dibujos está de cara al público, en la galería Alquímia de la ciudad egarense. Sus obras ya han sido expuestas previamente en distintas galerías de arte de esta misma población y de la ciudad Condal.

Enamorado de la comarca del Baix Empordà (Bajo Ampurdán), su creación está formada por distintos paisajes catalanes pertenecientes a esta zona, como Begur, Fontanilles, Pals o Torroella de Montgrí, además de marinas que plasman lugares tan bonitos como la Escala y el Estartit. En la mayoría de sus obras utiliza distintos lápices de color, aunque en algunas opta por utilizar un solo color como el tostado que representa el verano. Sus dibujos son modestos y muestran sencillez, ya que los paisajes se encuentran en el centro del papel con todo su alrededor es blanco. La galerista, Marta Riu, lo compara con una composición musical, dice que la parte de arriba y la de abajo del cuadro “es blanca, como si fueran los silencios” que se pueden encontrar en la música, y “el paisaje es la melodía”. De este modo, “el blanco toma protagonismo”. Este blanco, este silencio, en muchas ocasiones es cómodo y necesario para encontrar una serenidad.

Aún así, la faceta por la cual se conoce a este artista es por la arquitectura, ya que ha realizado –como arquitecto– edificios emblemáticos de Terrassa, como la sede central de Caixa Terrassa (Unnim), la sede del Diario de Terrassa y el Palacio Episcopal egarense. Como cineasta ha rodado más de 60 cortometrajes, la película ‘Un homenot, Josep Pla’ y tres films de temática urbanística para la Generalitat de Cataluña. Además es autor del texto y las ilustraciones –irónicas y graciosas- del libro ‘La casa a mida’, galardonado con el Premio de Humor y Sátira Pere Quart en 2004, y que trata sobre por qué uno decide hacerse una casa, explicado a partir de tres perfiles de personas distintos.

Demuestra ser bueno y tener vocación de artista, y ahora permite que los amantes del arte descubran sus limpios trazos. Sus paisajes estarán expuestos hasta el próximo día 28.

La primera etapa pictórica de Antoni Clavé en la galería Jordi Pascual

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Mon, 02 Jan 2012 01:07:15 PST

Antoni Clavé (Barcelona, 1913 – Saint-Tropez. Francia, 2005), uno de los grandes maestros de la pintura y que también estudió en la Escuela de París como lo hicieron Picasso, Miró o Saura, es el protagonista de la exposición ‘Antoni Clavé. Pinturas’ representada en la galería Jordi Pascual de Barcelona y que consta de una veintena de cuadros. Es un testimonio de la primera etapa del pintor que engloba desde los años 40 a los 60.

Ya desde el principio de su etapa pictórica se puede apreciar un estilo figurativo, aunque en ocasiones realista, donde el color tiene la suficiente fuerza como para dar un significado, y transmitir sentimientos y sensaciones.

Clavé, durante los años 50 desarrolló distintas series sobre reyes, reinas y caballeros, que poco a poco pasaron del terreno figurativo hacia el abstracto. Aún así, en obras como ‘Roi à l’oiseau’ (‘Rey del Pájaro’), del 1957, se puede observar que a partir de la técnica del óleo y el collage sobre tabla consigue una figura poco definida de un rey que mira a un pájaro. Para estos personajes utiliza colores oscuros como el marrón, el gris, el negro y el azul, representados sobre un fondo de color claro –resultado de una mezcla entre blancos y grises–. Aún así, al ver los distintos cuadros de Clavé, uno se percata de su atracción hacia los colores oscuros, que predominan y hasta forman parte de la totalidad de su obra –negros, marrones, azules, verdes y grises–. El toque de alegría lo dan algunos puntos de color rojo, azul, naranja, amarillo o rosa fosforescente, que forman manchas que se transforman en ‘toques artísticos’ muy bien encontrados y característicos en Clavé.

En esa época también pasó a marcar con fuerza los trazos de las caras de los distintos personajes, aunque con el tiempo, en muchas ocasiones, prefirió no dar tan protagonismo sino más bien, realizar rostros desdibujados. Un claro ejemplo es ‘Bailarines’ (1945) donde lo importante es la figura, en conjunto, de los bailarines y la posición en que se encuentran. Más tarde, hacia los 60, Clavé se vio influenciado por los clásicos y el barroco, reflejando una temática en la que se observa un caballero con la mano en el pecho, estableciéndose como un referente suyo y que fue apareciendo en distintas creaciones del artista, como en la obra ‘La main’ (‘La mano’), hecha en 1964, en la que hay una persona con un vestido negro y un rostro muy desdibujado en el que destaca una mano descansando en su pecho, una mano que además resalta por sus grandes dimensiones. Éstas y las demás obras se pueden apreciar hasta el 15 de febrero en la Jordi Pascual, situada en la zona de mayor concentración de galerías de la ciudad Condal.

‘Roi à l’oiseau’, de Antoni Clavé. Imágenes cedidas por la galería Jordi Pascual

África y Cataluña en el interior de Sergi Barnils

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Thu, 22 Dec 2011 02:02:44 PST

Nacido en África pero de familia española, Sergi Barnils (Bata, Guinea Ecuatorial, 1954) se sincera y explora su propio interior, en el que predomina un mensaje religioso. El Centro Cultural Unnim Caixa Terrassa ha reunido más de setenta obras suyas, bajo el título ‘Sergi Barnils. Hacia la ciudad esplendorosa’, para ofrecer una retrospectiva que va desde el 1988 hasta el 2011.

El comisario de la exposición, Luca Beatrice, describe al pintor, que vive en Barcelona aunque trabaja en Sant Cugat, como: “Español de adopción pero africano de sangre, porqué nació en Bata (Guinea Ecuatorial); en él se cruzan los sabores mediterráneos, los paisajes tanto de Bata como de Cataluña, los cálidos ritmos del continente negro con la cultura al rojo vivo de la España posfranquista”. Según Beatrice, a Barnils “no se le puede circunscribir en ninguna categoría pictórica concreta”. Ha tenido distintas tendencias –figurativas, abstractas, cubistas, informalistas–. Un claro ejemplo del cubismo es, ‘Doce estadios de los caminos de la estancia luminosa’ (1994) que reúne 12 paisajes y situaciones distintas a partir de figuras geométricas llenas de colores vivos, igual que en ‘Estadios de los jardines olvidados’ (1997). Con tan sólo dos colores opuestos, el blanco y el negro, crea una figura invadida por símbolos –redondas, cuadrados, triángulos,...– que forman un conjunto llamado ‘De los signíferos negros’ (1996). Un cubismo que luego evoluciona hacia un informalismo a partir de una técnica material que aporta la escultura en la pintura, como en ‘Pondero, Señor, las obras de tus manos’; o una técnica encáustica como en ‘Dios nos ha bendecido’, realizadas este año 2011. Su expresión gestual surge de un gesto improvisado y rápido aunque muy controlado que crea formas geométricas. Esta geometría que se quiere sumergir dentro de su alma, revela una inocencia como si se tratara de un niño.

Su fuerte creencia religiosa le lleva, principalmente a partir de los años 80, a fijarse en el cielo, especialmente del Vallès Occidental y con el tiempo a refugiarse en su espíritu; conduciéndole todo ello al Libro de la Revelación o Apocalipsis, que tanto le fascina. Como se explica en el catálogo de la exposición, el artista “se adentra en los últimos capítulos, el 21 y el 22, donde se describe la nueva Jerusalén, la ciudad celestial, imagen figurativa del paraíso que, en la visión del evangelista Juan a Patmos, baja del cielo como una novia engalanada”.

Es de admirar cómo utiliza la técnica de la encáustica, que consiste en aplicar una capa de cera caliente sobre la pintura y que luego se pule con trapos secos. Los asistentes pueden observar un documental que muestra el proceso de creación de algunas obras mediante esta técnica. Su producción aporta distintas formas y símbolos. Algunos de ellos, pueden recordar el estilo de Miró.

Barnils, al igual que muchos artistas, ha tenido más éxito en el extranjero que en España. Su gran reconocimiento queda demostrado en esta muestra que cuenta con la colaboración del comisario de la exposición, Luca Beatrice, y de la Galería Marcorossi Artecontemporanea de Milano. Los cuadros proceden de colecciones privadas y museos públicos de Cataluña y de la capital de La Rioja –Logroño–, a parte de distintos países como Alemania, Italia, Austria y Holanda. La retrospectiva se puede observar hasta el 15 de enero.

‘Dios nos ha bendecido’, de Sergi Barnils

Empieza Room Art Fair, una nueva feria de arte emergente

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Sat, 17 Dec 2011 05:40:05 PST

Este viernes ha abierto sus puertas la Room Art Fair Madrid, una nueva feria de arte emergente que se celebra hasta el próximo domingo en el hotel chic&basic Mayerling, situado en el centro de la capital.

Uno de los aspectos más originales de este evento es que los stands de las galerías son las habitaciones de este hotel de diseño y que durante este fin de semana acoge a 21 galerías jóvenes y emergentes de toda España, y un espacio colombiano llamado Casa Cuadrada de Bogotá. Las españolas presentes son, cinco de la capital –Galería Guerrero, PAC-Plataforma de Arte Contemporáneo, Pelayo, Arteuno y ASM28–; cuatro de Barcelona –Imaginart Gallery, Untitled BCN, etHALL y N2 Galería–; tres de Valencia –Espai Tactel, Trentatres Gallery y Mister Pink–; tres de Mallorca –Centre d’Art La Real, Addaya e Intersecció Art–; y con una sola presencia: Almería –Centro Meca-, Cantabria –Espiral-, Oviedo –Lola Orato–, Santiago de Compostela –Metro Arte Contemporánea– y La Coruña –Monty4arte–. Éstas pretenden ofrecer una visión panorámica de lo más actual en cuanto a creación artística española.

La organización describe a esta feria como “un evento joven que nace con vocación de servir de revulsivo al mercado emergente y al panorama artístico de la capital. Esta iniciativa apuesta por galerías jóvenes que plantean propuestas innovadoras y arriesgadas, y que han sido seleccionadas en función de su originalidad, juventud y compromiso con las nuevas generaciones de artistas”. Está dirigida a todos los públicos, pero pone énfasis en que quiere “atraer a un nuevo tipo de coleccionista, más joven”. En el acontecimiento se exponen obras de pequeño y mediano formato cuyos precios son accesibles para todos los bolsillos, sin perder la calidad y originalidad.

Room Art Fair se ha inspirado en experiencias llevadas a cabo con éxito en otros lugares del mundo. Las habitaciones del hotel sirven para presentar las obras de los artistas y al mismo tiempo son el alojamiento de los galeristas participantes. Según la organización, “es una fórmula de propiciar un ambiente relajado y de cercanía que favorezca la venta”. Esta iniciativa la lleva a cabo Espacio Plano B en colaboración con hoteles chic&basic, y cuenta con “un equipo emprendedor, multidisciplinar, experimentado y muy joven, con una media de edad de 30 años”.

METRO. Escultura. Rosendo Cid. Técnica mixta

El ‘FONSDART Galeria’ celebra sus 20 años con una exposición inédita de Cuixart

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Wed, 14 Dec 2011 11:59:44 PST

Este mes, ‘FONSDART Galeria’ de Olot cumple 20 años desde su creación. Por este motivo, durante todo un año, celebraran distintos actos conmemorativos tanto artísticos, como culturales y sociales. El primero de ellos ha sido la exposición de Modest Cuixart (Barcelona, 1925- Palafrugell, 2007), que lleva por nombre ‘Cuixart enigmático’, compuesta por varias obras que representan una muestra de las distintas épocas del pintor. Algunos de estos cuadros no se habían expuesto nunca anteriormente.

Cuixart es uno de los artistas catalanes más importantes de la posguerra y fue fundador del grupo ‘Dau al Set’ (‘Dado al Siete’), formado por artistas e intelectuales: Joan Brossa, Antoni Tàpies, Joan Ponç, Arnau Puig y Joan Josep Tharrats. Modest Cuixart plasma en sus obras surrealistas imágenes oníricas, mágicas y misteriosas, pero comunican una realidad. Pasó por el expresionismo pictórico, evolucionó hacia el abstracto y acabó sintiéndose muy cómodo en el informalismo, que le permitió utilizar distintos materiales no convencionales e investigar técnicas.

Se puede apreciar una tendencia a dejar su rastro a partir del marrón, ya que es el color que utiliza en gran parte de sus obras. Así en, ‘Ras de Tramot’ se puede observar el perfil de una figura con formas geométricas sobre un marrón que se mezcla en algunas zonas con el negro. Otro ejemplo, son algunos de sus acrílicos sobre papel que tienen un fondo de un marrón más claro y una figura abstracta de un tono más oscuro en el centro. Aún así, el atrevimiento en cuanto a color, lo podemos percibir en obras pertenecientes a su época expresionista, como ‘Helena’ donde aparece una mujer sola, con colores fuertes que manifiestan su energía a partir de un rosa que sale del cabello de la chica y que termina con una forma parecida a una mano como si cogiera una manzana roja de un árbol, un reflejo del pecado original, aunque en este caso el nombre no sea el de Eva.

La exposición se ha inaugurado este sábado y está constituida por una veintena de obras de grandes dimensiones –realizadas con óleo sobre tela– y pequeño formato –con la técnica de óleo sobre papel pegado a tablex–. Esta magnífica recopilación, ejemplo de las distintas etapas pintorescas de Cuixart, se puede visitar hasta el día 3 de febrero.

Inauguración de la exposición ‘Cuixart enigmático’

‘Helena’ (óleo sobre tela de 146 x 114 cm), de Modest Cuixart

Imágenes cedidas por ‘FONSDART Galeria’ de Olot

El reflejo de la sociedad de principios de siglo XX interpretada por Junceda

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Sat, 10 Dec 2011 07:50:48 PST

La Sala Rovira presenta la obra gráfica del dibujante Joan Garcia-Junceda (Barcelona, 1881 - Blanes, 1948), ilustraciones que formaron parte de publicaciones como el ‘Cu-cut!’, ‘En Patufet’, ‘Pelele’, ‘Virolet’ y ‘Esquitx’. Fueron el reflejo de la realidad cotidiana de principios del siglo XX con sus variadas formas de vivir, transmitidas a partir de un duro trabajo de escenificación e ilustración de situaciones diversas, que con el tiempo algunas de ellas se han convertido en históricas.

Su estilo expresivo fruto de una gran habilidad técnica iba en varias ocasiones asociado al humor y al romanticismo. Estas ilustraciones originales fueron compartidas por personas de distintas condiciones sociales. Viñetas muy bien logradas que producían una admiración y sonrisa en un fiel y extenso público formado por pequeños y mayores.

La mayoría de su obra gráfica es en blanco y negro, aunque también apostó por el color en publicaciones como las que se pueden observar en la exposición y pertenecientes al ‘Virolet’. En esta sala no pueden faltar distintos dibujos de ‘Pàgines viscudes’ (‘Páginas vividas’) de la revista ‘En Patufet’, que iban cogidos de la mano del texto de Josep Maria Folch Torres, director de este semanario de gran tirada que consiguió la consolidación, recuperación y auge del catalán. En esta muestra tampoco pueden faltar ilustraciones de la famosa Auca de Montserrat.

Los dibujos de Junceda, intérprete de la sociedad de principios del siglo XX, se pueden apreciar en la mencionada galería, hasta el 10 de enero.

Imágenes cedidas por la Sala Rovira

La Sala Vinçon acoge una gran variedad de obras a un precio económico

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Tue, 06 Dec 2011 08:43:34 PST

La Galería Safia de Barcelona ha organizado un año más una exposición al alcance de prácticamente todos los bolsillos. Consiste en una colectiva expuesta en la Sala Vinçon, situada en el Paseo de Gracia, que cuenta con una cincuentena de artistas, la mayoría pintores, algunos escultores y dos fotógrafos. La gran variedad de obras recogidas bajo el lema ‘Hipermerc’Art’, pone de manifiesto un encuentro del arte de calidad con el público en general sin el impedimento económico –hay obras a partir de 59 euros–. Además, es un autoservicio donde el público puede recoger las obras que se encuentran agrupadas por artistas junto al curriculum correspondiente, como si se tratara de un hipermercado.

Esta 28ª edición ofrece una gran variedad de estilos y producciones de distintas medidas de pequeño de formato. Cada artista tiene 60 obras en la muestra. La exposición recoge paisajes figurativos de Àngel Asensio; el fabuloso mundo imaginario de Jordi Pintó; el abstracto de Saskia Siebe; los colores intensos y la influencia de los viajes a África y Asia de Anna Agustí Hontangas; el cubismo y diversidad de colores de Miquel Paton; el constructivismo y también cubismo del francés Jean-Marc Hild, el cual expone por primera vez en Barcelona y trata temas como la música, la naturaleza, la mujer y la arquitectura –como la torre Agbar y el Hotel Vela– con un fondo realizado con cera aplicado a la técnica de collage y acrílico sobre papel.

La Galería Safia realiza cada año por estas fechas ‘Hipermerc’Art’, como una singular manera de promocionar a varios artistas. La gran pluralidad de estilos y obras se podrán observar hasta el próximo día 7 de enero.

Imagen cedida por la Galería Safia

Imagen de la obra ‘Vissi d’amore, vissi d’arte’ de Jean-Marc Hild, cedida por el mismo artista

Marta Moreu integra la naturaleza en el hombre

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Sat, 03 Dec 2011 05:22:20 PST

Figuras humanas, esbeltas, que muestran una ligereza ligada a la naturaleza. Marta Moreu (Barcelona, 1961) es su creadora que mediante el bronce consigue unas bellas y, en muchas ocasiones, atrevidas esculturas. Art Petritxol ha confiado en ella en varias ocasiones y ahora lo vuelve a hacer a partir de una exposición llamada ‘Los cuatro elementos’.

Moreu pasó un tiempo en Miami y se emocionó con los manglares por sus cualidades que permiten que vivan en tierras inundadas y estar en una zona de agua salada o dulce. Esto la inspiró a integrar la naturaleza en el hombre, mediante los cuatro elementos naturales, el fuego, el agua, la tierra y el aire. La tierra es el símbolo que más se representa en esta exposición. Hombres que les salen ramas de la cabeza o de alguna extremidad como si formaran parte de su cuerpo. Un estilo figurativo que muestra la existencia y la natura aplicada al movimiento, acción y desplazamiento. También hace una apuesta por el equilibrio junto al dinamismo, como se puede observar en ‘Buceando’ que consiste en una figura femenina sumergiéndose en el agua situada en diagonal sobre una base, experimentando una huída aunque sea de sus pensamientos. Curiosa y bella, una figura que parece que guíe hacia la libertad. En creaciones así uno se percata de la excelente labor de la artista, para compensar la gravedad y ofrecer agilidad. Cabe destacar una de las esculturas que luce una gran majestuosidad: la ‘Mujer tumbada IV’ mostrando su feminidad insinuadora aunque con su mano señala hacia algún lugar, como si intentara desviar la atención del público. Desnudos que esconden un lenguaje cargado de experiencias y vivencias de la artista aunque añadiendo algún aspecto surrealista. No quiere destacar la totalidad de una belleza física, por eso no se perciben con precisión los rostros. Es una forma de transmitir que el interior de una persona no se expone siempre aunque sea una parte importante de la belleza. De este modo, Moreu muestra su preocupación por ideas abstractas que son fruto de sus pensamientos.

Un claro ejemplo de los elementos de la naturaleza son las esculturas ‘Fuego’, ‘Agua’ y ‘Tierra’ donde la parte superior de la figura humana se convierte en ese elemento. Esta forma atrevida de aplicar la naturaleza en el hombre y la mujer se puede observar hasta el próximo día 10.

‘Mujer tumbada IV’, de Marta Moreu

Denys Rubio, un enamorado de Reus y la cultura popular

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Wed, 30 Nov 2011 09:09:12 PST

Con un gran aprecio a la ciudad de Reus y a la cultura popular catalana, el barcelonés Denys Rubio (Barcelona, 1947) expone en la Sala Constantí Art de Reus, bajo el título ‘Reus de Fiesta y Color’. Hay 43 obras realizadas con la técnica del óleo que son un testimonio directo de la festividad y la alegría.

Cada año, durante la fiesta mayor de Sant Pere (San Pedro), el artista se une al festejo como un ciudadano más. Esta popular celebración le inspira a realizar obras muy bien conseguidas, que no llegan a ser impresionistas a pesar de plasmar la luz y detener el tiempo. Es un estilo figurativo que proyecta la realidad destacándola con un entorno muy colorido y difuminado que parece que sea una ilusión.

El espectáculo de los rebeldes ‘diables’, la majestuosa figura de los ‘castellers’, los ‘gegants’ y los ‘nanos’ bailando al son de las gaitas y tambores que se convierten en su fiel banda sonora; todos ellos son los grandes protagonistas de la fiesta mayor y por eso en muchas ocasiones el pintor los perfila con nitidez, en cambio, los reusenses, están allí porqué sin ellos no existiría esta festividad pero son anónimos, ya que Rubio no quiere transmitir una exactitud al pintarlos. Los edificios son unos complementos perfectos a estas tradiciones, edificios señoriales frente a una cultura que perdura desde hace años. Movimientos llenos de alegría, sentimiento y emoción ligada a un patriotismo –directamente transmitido en alguna obra con la bandera de la ciudad o la señera– que se acentúa durante este tipo de celebraciones. Calles llenas de ciudadanos alegres, que forman una hermandad del cual se sienten muy orgullosos. Así es la cultura popular.

Denys Rubio ha expuesto en distintos países como Israel y Estados Unidos, además de distintos países de Europa. Sus cuadros, de calidad y con precios asequibles, están cautivando a enamorados del arte y la cultura catalana como se demuestra con las ventas que se están llevando a cabo, y de las cuales ha informado la galería. Las personas que quieran visitar esta exposición y acercarse a la cultura popular catalana, tienen tiempo hasta el 10 de diciembre.

Imágenes cedidas por la Sala Constantí Art

El mundo diversificado de Katerina Alavedra-Duchoslav

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Mon, 28 Nov 2011 07:51:13 PST

Katerina Alavedra-Duchoslav (Checoslovaquia, 1958) plasma sus vivencias sobre países que conoce muy bien. En su historia destacan tres países, ya que nació en la República Checa, su etapa adolescente y estudiantil la pasó en Suiza, y su vida más adulta en Cataluña, donde se instaló al encontrar el amor. Su producción es fruto de sus experiencias pasadas. De ahí, ‘Mi mundo’, título de su exposición más reciente, en la galería Traç d’Art de Sabadell.

Entre las obras destacan temas como Praga y Lisboa. Lo plasma aportando un aire bastante mediterráneo, a partir de distintos colores suaves y que aportan calma, reflexión y hasta nostalgia. Sentimientos muy bien construidos y estructurados, que le permiten expresarse satisfactoriamente en sus obras. En muchas ocasiones nos muestra una perspectiva lejana como en ‘Praga desde la torre’ y ‘Lisboa pequeña y panorámica’. Otra ostentosa visión, es la que representa la suma de dos cuadros (uno al lado del otro), y que forman una histórica fábrica y símbolo del vínculo fuerte que tuvo la ciudad de Terrassa con el textil: el Vapor Aymerich, tan conocido por los egarenses.

Del estilo figurativo de la artista mediante la técnica acrílico sobre tela resultan unos paisajes realistas con una iluminación muy bien encontrada, al igual que los pequeños detalles que completan sus cuadros como por ejemplo, las ventanas de las ciudades, las hojas de los árboles o las personas que dan vida a la ciudad. Esta pintora muestra su vocación no sólo en los paisajes sino también en las figuras humanas y los bodegones que, acompañados de fruta y plantas, constituyen una decoración muy completa.

Los cuadros de Alavedra-Duchoslav, afincada en Sant Cugat del Vallès, muestran una diversidad de sensaciones, fruto de haber vivido en distintos lugares. Un trabajo bien perfilado y expuesto en la galería Traç d’Art hasta el próximo día 30.

El misterio de la presencia del ser humano grabado por Montserrat Senserrich

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Fri, 25 Nov 2011 10:36:28 PST

Personas que revelan su existencia de una forma muy común: caminando. Montserrat Senserrich (Sabadell, 1939) ha querido transmitir su presencia a partir de las piernas de las figuras humanas y de las sombras que les acompañan siempre tomando protagonismo y no despegándose de ellas. Manifestado, todo ello, en grabados, la Galeria Nova 3 de Sabadell ha querido mostrar esta vitalidad acogiendo diferentes tiradas de 11 piezas.

El grabado es una técnica complicada. Hay artistas que no se ven capaces de realizarlo debido a su dificultad. Senserrich es una pintora que ha querido exponer su experiencia en grabados, realizados utilizando varias técnicas como la aguatinta –que requiere de distintos ácidos y crea zonas de distintos tonos–, el aguafuerte –que se recubre una lámina de una capa de barniz–, la puntaseca y el carborúndum mezclado con ácido o resina. Según el uso de los distintos materiales, coge un color u otro. Senserrich además ha querido utilizar collage en el fondo de algunas obras para darle un color más vivo.

Los protagonistas de sus obras son hombres y mujeres que están caminando hacia su destino o simplemente esperando a alguien. En algunos casos seguramente están charlando, como podemos observar cuando aparecen dos piernas de mujer frente a las de un hombre. Aún así transmite un misterio porqué no podemos percibir la cara de las personas, y en la mayoría de ocasiones ni la cabeza, ni el tronco. Las figuras que muestran movimiento, por los colores utilizados se podría llegar a pensar que están huyendo, pero siempre con su fiel amiga, la sombra.

La artista deja al público intrigado, porqué ofrece sólo una parte de la información enseñando las piernas y el espectador debe imaginar la figura entera. Es una manera de hacernos recapacitar sobre la existencia del ser humano. Los grabados reflejaran dicho misterio en la nombrada galería hasta el próximo 12 de diciembre.

Imagen del grabado cedida por la artista Montserrat Senserrich

Anna Seguranyes plasma la vida de los jóvenes

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Wed, 23 Nov 2011 13:30:26 PST

El ocio de los jóvenes y las relaciones interpersonales son el tema principal de las obras de Anna Seguranyes (1966, Vic). Ha decidido cazar de forma imprevista a personas que realizan alguna actividad: charlar, pasear, descansar, fotografiar u observar el paisaje, entre otras. Sabe encontrar la espontaneidad y ha captado la atención de la galería Bells Marcs (Vic, Barcelona) que ha decidido exponer sus cuadros.

La pintora estuvo un tiempo en los Estados Unidos, hecho que le ha influenciado en su creación. En algunas de sus obras muestra grandes referencias como matrículas estadounidenses, las famosas letras ‘Hollywood’ o de la cadena de televisión ‘NBC’ que son una clara pista sobre dicha influencia. Encaja su estilo realista en un fondo monocromático limpio, como también caracteriza a su padre, -el reconocido pintor y escultor Joan Seguranyes-, aunque ella utiliza colores más intensos como el azul y el verde vivos. Una manera de aportar un resultado más juvenil y atrevido.

En la mayoría de sus óleos, los protagonistas son un chico y una chica, y si nos fijamos bien podemos detectar que tiene un modelo, ya que son los mismos personajes en varios cuadros. Estos tienen la misma fisonomía aunque les cambia algún aspecto, como por ejemplo el pelo. Esta similitud se puede percibir en las obras ‘Felicitando al ganador’ y ‘Fondo salpicado’. Pero no sólo pinta personas en un agradable paisaje sino que también comida y bebida. En uno de sus cuadros se puede observar a dos trozos de melón junto a una lata de refresco –‘light’–, donde se muestra su marca conocida mundialmente, recordándonos este tipo de aparición “publicitaria” del estilo pop-art.

Su manera de representar la vida real está muy bien conseguida y es un reflejo de los jóvenes que buscan o encuentran la felicidad de distintas formas: valorando las personas de su alrededor, los paisajes o su vida cotidiana. Esta exposición se puede visitar hasta el próximo día 30.

‘Mini rojo’, de Anna Seguranyes

Los paisajes urbanos de la mano de Abel Florido

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Mon, 21 Nov 2011 12:21:30 PST

La galería Ausart de Vic apuesta por unos paisajes urbanos extraordinarios que invitan a estar un buen rato observando las corrientes escenas cotidianas de nuestras ciudades, fielmente representadas por el artista Abel Florido (Barcelona, 1963). De ahí, el título de la exposición: ‘Vistas a la ciudad’.

El artista utiliza el acrílico y consigue una creación desdibujada, que hace que el público entrevea las formas. Su estilo figurativo se va definiendo a medida que el espectador se aleja. Es entonces cuando uno puede observar una buena definición, como si aumentara la resolución del cuadro, una técnica complicada pero que está muy bien lograda. Dentro de estas ciudades pinta personas en movimiento, representando la vida en las grandes ciudades con el ambiente en los mercados, los taxis de Nueva York o sus edificios en los que impera la enorme publicidad que ha pasado a ser parte de sus fachadas.

En todos sus cuadros abundan los colores grises, negros y blancos. De hecho, Abel Florido empezó pintando sólo con estos colores, hasta que decidió añadir partes de color. Una manera de innovar y que además le ha salido bien, ya que aporta personalidad y vida. Este toque de energía lo da en determinadas zonas de la obra como en los anuncios, chaquetas, bolsos, taxis o autobuses. Partes que resalta con un color vivo. Emplea mayoritariamente el rojo pero también el azul o el amarillo. Colores bien escogidos y en lugares encontrados correctamente para que añadan importancia y fuerza.

Estas pinceladas que tanto resaltan aportan originalidad y una gran personalidad, por parte de Florido. Además sabe cómo lograr la atención del público que busca apreciar los detalles que se pueden observar en su obra. Paisajes urbanos donde nos hemos podido encontrar alguna vez en nuestra vida, como en el Paseo de Gracia de Barcelona, o en ‘Picadilly Circus’ de Londres, pero que hace que se conviertan en un lugar excepcional. Sus obras se pueden observar hasta el próximo día 30.

‘Picadilly Circus’, de Abel Florido

Joan Seguranyes muestra, por primera vez, sus óleos

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Wed, 16 Nov 2011 09:45:05 PST

El Carme Vic Galeria d’Art (Vic, Barcelona) es testimonio y protagonista de un hecho histórico. Es la primera vez que el artista local, Joan Seguranyes (Vic, 1932), ha expuesto sus óleos públicamente. Las pinturas junto a las esculturas y dibujos constituyen cerca de una cuarentena de obras.

En esta exposición se puede observar una representación completa de sus creaciones en las distintas vertientes artísticas que toman como protagonista a la figura femenina y el misterio de sus formas corporales. Mujeres pensativas, melancólicas y preocupadas pero que intentan cautivar mostrando a su vez, sensibilidad, ternura y sensualidad acentuada en algunos desnudos o semidesnudos pintados sobre un fondo monocromático de color claro para resaltar a la figura. En algunas obras, esa feminidad se encuentra desprevenida como se puede observar en cuadros en que la musa da la espalda al espectador; peina su pelo de distintos tonos marrones y dorado; se lamenta como en la pintura ‘Desnudo sobre fondo negro’; o simplemente reflexiona como en ‘Chica con vestido granate’, ‘Pensando’ y ‘Chica con jersey azul’. Si aparece alguna pieza de ropa, en los cuadros, es de un color oscuro –azul, negro o granate– que contrastan con la piel de las chicas.

Las esculturas expuestas son de bronce. En ellas también representa al cuerpo rotundo de la mujer destacando cualidades tan femeninas como ‘Maternidad’ o ‘Mirarse al espejo’. Seguranyes, reconocido sobre todo como gran escultor por su creación de figuras, muestra sensibilidad por lo clásico aportando, además, una perfección fiel a su estilo figurativo tanto en escultura, dibujo, como pintura.

Este artista, hijo de un escultor, muestra una vocación innata. Su admiración hacia la figura femenina se puede observar en esta galería hasta el 29 de noviembre.

‘Peinándose’, de Joan Seguranyes

Piezas de museo en la galería Artur Ramon Art

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Mon, 14 Nov 2011 09:41:27 PST

‘La edad de oro de la pintura catalana (1885 – 1930)’ es un periodo que abarca el modernismo y el novecentismo, épocas en las que coincidieron artistas catalanes excelentes. Con esta denominación se ha bautizado la exposición de la galería Artur Ramon Art formada por una veintena de obras que podrían encajar en un museo, elegidas de forma muy rigurosa y dando preferencia a la calidad de pintores: Ricard Canals (Barcelona 1876 – 1931), Ramon Casas (Barcelona 1866 – 1932), Joaquim Mir (Barcelona 1873 – 1940), Isidre Nonell (Barcelona 1872 – 1911), Ricard Urgell (Barcelona 1873 – 1924), Dionís Baixeras (Barcelona 1862 – 1943) y Ramon Pichot (Barcelona, 1871 – París, 1925), entre otros.

La pieza más antigua, que abre la exposición es ‘Barca, pescadores y niños en la playa de Barcelona’ (1885) de Dionís Baixeras. Representa un paisaje de la vida marinera, que él conoce muy bien, ya que sus abuelos paternos eran tejedores de velas. Pinta a unas niñas que juegan mientras su padre, pescador, repara la barca, su más valorada herramienta de trabajo. Al fondo del cuadro se puede observar otra embarcación con otro pescador. De este modo, el artista quiere mostrar cómo es el día a día de los pescadores. En la muestra se encuentran agrupadas distintas marinas, entre ellas: ‘Tres barcas en la playa’ de Modest Urgell (Barcelona, 1839 – 1919), ‘Cadaqués’ de Segundo Matilla (Madrid 1862- Teià 1937) y ‘Port Lligat’ de Eliseu Meifrèn (Barcelona 1859 – 1940).

Una creación también muy destacada es ‘La cría’ de Ricard Canals, que estuvo en manos de un coleccionista durante casi 80 años, hasta que la adquirió la galería. Este fabuloso cuadro refleja la Barcelona de 1896, con tonos de luz ocre que consigue seguir la silueta de las figuras centrales dorando su pelo. Además, cabe destacar la utilización de un color naranja muy vivo, casi fluorescente, por parte del artista, en la naranja de la niña situada en el centro de la creación. Canals era miembro de la ‘Colla del Safrà’ (Grupo del Azafrán), llamada así porqué en sus obras predominaba el color ocre o azafrán; en este grupo se encontraban Nonell, Mir, Vallmitjana, Adrià Gual y Ramon Pichot. Todos ellos representaban a personajes marginales que destacaban con la luz del sol.

Otra anécdota de la exposición es la pintura de Josep Cusachs (Montpeller, 1851 – Barcelona, 1908), ‘Genet’. En el proceso de limpieza de esta obra, la galería descubrió una dedicatoria que se había escondido en la que se leía: “A mi (…) amigo Pedro Llibre”, signado y datado en 1893.

Destacable es ver la composición de una pintura incorporando otro cuadro, como sucede en: ‘Esperando’, de Ricard Urgell, y ‘Retrato de un pintor en su estudio’, de Joan Bauzà. Ramon Casas también representa un utensilio del pintor, los bastidores estucados que hacen de fondo en el cuadro ‘Busto de mujer’. Éstas y las demás obras, la mayoría de carácter impresionista, que son el espejo de la sociedad de aquella época, se pueden observar hasta el próximo 7 de enero.

‘Barca, pescadores y niños en la playa de Barcelona’, de Dionís Baixeras (imagen cedida por la galería Artur Ramon Art)

‘La cría’ de Ricard Canals (imagen cedida por la galería Artur Ramon Art)

Vanguardias del Siglo XX en la Galería Manuel Barbié

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Thu, 10 Nov 2011 09:05:50 PST

Obras de vanguardistas destacados como Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Gustav Klimt, Joaquim Torres-Garcia, Alexander Calder y Constantin Brancusi han sido reunidas en la Galería Manuel Barbié bajo el título ‘Afinidades Selectivas’. Coincide con la inauguración de una nueva etapa de la galería, establecida de nuevo en su antigua ubicación de la calle Consell de Cent de Barcelona.

La muestra consta de una gran colección que hace un recorrido por el arte del siglo XX, empezando por el cubismo de Juan Gris, María Blanchard y Amédée Ozenfant; siguiendo con el choque del mundo moderno y maquinista, Jean Metzinger, Albert Gleizes; el redescubrimiento de la sensualidad de Pablo Picasso, Gustav Klimt, Pablo Gargallo y Julio González; la abstracción geométrica y cromática de Joaquim Torres-Garcia, Alexander Calder, Fernand Léger o Alexandra Exter; el arte matérico de Antoni Tàpies y Constantin Brancusi; el arte povera de Tàpies y Eduardo Chillida; abstracciones con Manuel Rivera; y la investigación sobre el espacio y el volumen por parte de Vladimir Lebedev, Robert Delaunay y Jean Arp.

El título de la exposición surge de la novela de J.W. Goethe , ‘Las afinidades selectivas’, que 1922 el ensayista alemán Walter Benjamin dedicó un artículo a analizar las ideas sobre el arte y la creación, que contiene dicho libro. En su escrito, Benjamin expuso una serie de ideas sobre el arte y el lenguaje que en buena parte se pueden aplicar al arte del siglo XX. El arte de aquél siglo se secularizó, perdió el carácter sagrado que tenía en otras épocas, pero al mismo tiempo, se convirtió en la morada de un saber oculto, de un misterio trascendente.

Desde la perspectiva de la novela de Goethe, el concepto de afinidad selectiva remite a la atracción imperativa y misteriosa que empuja a las personas a unirse. Lo mismo pasa con las obras de arte que establecen vínculos subterráneos, por razones formales o por una necesidad interior del artista. Siguiendo esta idea, las obras se estructuran en grupos de dos o tres piezas, alrededor de una sensibilidad o de un estado de ánimo, más allá del estilo o del movimiento. La mirada obsesiva de Klimt, en un dibujo de 1917, aporta un punto de encuentro con la voluptuosidad y la intimidad de una escultura de Gargallo que consiste en una mujer desnuda que se mira en el espejo (1934). Los planes sesgados de un estable Calder, de 1962, establecen una correspondencia con una composición constructivista de Alexandra Exter, una de las grandes figuras de la vanguardia rusa, de los años 20-21. Una extraordinaria escultura de Brancusi, ‘Vis sans Fins de Pressoir’ (1922) aparece junto a una pintura de Antoni Tàpies, de 1964, con una letra T invertida. En ambos casos la materia transmite una idea de ascensión y de trascendencia. Las obras de estos vanguardistas estarán expuestas hasta el próximo 17 de diciembre.

‘Paysage’ (1929), de Fernand Léger. Fuente: Galería Manuel Barbié

‘Bol et compotier’ (1925), de Juan Gris. Fuente: Galería Manuel Barbié

Susana Bernal exterioriza sus intensas emociones

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Wed, 09 Nov 2011 14:41:18 PST

‘Adagio para muros’ es el título de la exposición de Susana Bernal (Teruel, 1980) en la Galería Artevistas de Barcelona, que consiste en una síntesis pictórica de su vida a partir del abstracto realizado con una técnica mixta que une distintos materiales como pigmentos naturales, acrílicos, óleos, spray, hojas de libros viejos, periódicos, látex y cera. De este modo pretende crear muros que le sirvan de soporte para expresar lo que quiere transmitir al ejecutar cada obra.

La artista crea cuadros de un tamaño considerable aunque lo más llamativo es su técnica junto a la gama cromática utilizada a partir de colores muy vivos (verdes, azules, rosas,…) –que contrasta con blancos y negros–. Su creación transmite distintos mensajes y fórmulas inventadas que codifican y reúnen experiencias pasadas, fuertes sentimientos o pensamientos que le aturden. Como ‘Decirte’ donde aparece este escrito: “Todo lo que nunca me atreví a decirte”. Seguramente dedicado a un ser querido. El color que predomina en esta obra es el azul fosforescente, pintado como fondo. Encima, ha realizado un collage acompañado de tonos también vivos –armarillo, rojo, naranja y rosa–, aunque hay algunas manchas de color marrón claro y negro. Otro mensaje intenso, acompañado de colores muy variados, es el que también muestra en ‘Germen de Exilio’, que se lee: “Germen de exilio, el mundo desde un semáforo rojo”. Una manera de transmitir la impotencia del no poder hacer algo. Tiempo de nostalgia y recuerdos, de situaciones incómodas o de arrepentimiento pero que con su memoria, como bien indica el título de uno de sus cuadros, ‘Sa memòria’, hay una esperanza que la lleva hacia un lugar donde abunda la serenidad y el optimismo ante lo que podrían ser recuerdos o obstáculos pasados, y lo recalca con un verde fosforescente.

Un abstractismo muy particular a partir del collage y mensajes descifrables o por descubrir que se envuelven en los estados de ánimo de Bernal tratando temas como el lamento, la memoria y el silencio, entre otros. Las sensaciones y emociones acompañadas de un cromatismo muy vivo, se pueden percibir hasta el 27 de noviembre.

‘Decirte’, de Susana Bernal

Joan Mateu nos acerca la soledad

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Tue, 08 Nov 2011 10:17:13 PST

Joan Mateu (Salt, Girona, 1975) ha querido transmitir la soledad, tan buena y necesaria para cualquier ser humano, que nos lleva al pensamiento, a la reflexión, a la solución, al encuentro de uno mismo y como no a la predicción. Acciones llevadas a cabo cuando uno está predispuesto. La ‘Galeria d’Art El Claustre’ de Figueres (Girona) ha querido ser testimonio de esta soledad realizando una exposición –inaugurada el pasado viernes– compuesta por 16 cuadros del artista.

En sus creaciones, el pintor juega con la luz y las sombras, de un modo muy natural, una forma de sumergirse en el realismo. En la mayoría de obras expuestas aparece una chica sola. En todas, por casualidad o no, es rubia. Siempre transmitiendo una situación de reflexión, pensamiento y hasta, melancolía. Algunas veces parece que este momento sea buscado, pero no siempre es así. Es como si el artista se preguntara en todo momento qué pasa por la mente de las personas, pero sobre todo, del sexo opuesto.

En ‘A través de la muralla’ y ‘Vía Madonna’ se representa una persona anónima sola en plena calle, en movimiento, yendo hacia un lugar del cual sólo ella es conocedora. Aún así, uno necesita a veces quedarse en un lugar tranquilo que le permita pensar. La naturaleza es un lugar excepcional que asegura el proceso correcto para la meditación. Así, el agua, que forma parte de la vida, aparece en obras como ‘la playa’ y ‘la piscina’. Un agua llena de movimiento y vida, muy bien conseguida. Cabe mencionar la espectacular transparencia y espuma de la playa que aparece en el cuadro ‘Surfer Girl’ (‘Chica surfer’). Un excelente trabajo, junto con los granos de arena que parecen tan reales, y los trazos pictóricos que representan los mechones de la chica. En general, la creación del artista produce un misterio que conduce a distintas historias, algunas de ellas oscuras, pero donde el pintor –e incluso el espectador– se identifica. Transmitir esta actitud no es nada fácil, pero Mateu lo logra gracias a su talento.

En esta exposición, no sólo está presente la soledad y el pensamiento de la figura joven femenina, sino también la soledad de un abuelo o la de un rincón de un edificio antiguo. Todos estos escenarios se podrán observar hasta el próximo 26 de noviembre.

‘Like a theater’, de Joan Mateu (imagen cedida por la ‘Galeria d’Art El Claustre’)

‘A través de la muralla’, de Joan Mateu (imagen cedida por la ‘Galeria d’Art El Claustre’)

Los paisajes íntimos de Xavier Rodés

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Mon, 07 Nov 2011 12:45:21 PST

Paisajes íntimos que muestran la huella del hombre, su paso por el sitio que ahora resta solitario. Lugares ordinarios que se vuelven insólitos, pintados por Xavier Rodés (Barcelona, 1971). La galería ‘El Quatre, Sala d’Art’ de Granollers (Barcelona) bajo el título ‘Hallazgos’ expone sus óleos sobre madera y alguno sobre tela.

Las obras, realistas, plasman el más mínimo detalle, desde las roderas de los coches que pasan por la nieve, hasta las grietas de las baldosas que se encuentran en una terraza, se deduce, que de un bar, al observar la mesa, las sillas y el lugar donde se guardan las servilletas, tan típicos de estos establecimientos. Es un sitio tranquilo y hay una botella de vino vacía, de alguien que ha caído en la ‘Tentación’, como bien señala el título del cuadro.

La playa es muy frecuentada durante los meses de verano, pero cuando termina el buen tiempo todo cambia. Rodés refleja el vacío en la costa catalana, Formentera (Islas Baleares), Barbate (Cádiz), y en las casas que se encuentran junto a la ‘Laguna’, cuyos habitantes parece que hayan desaparecido. Todos estos lugares se convierten en paisajes desérticos, como las montañas nevadas que representa en algunas obras. Pero no sólo la naturaleza se siente abandonada. También edificios que aparecen en cuadros como ‘Almacenes Masnou’, ‘Fabrica’, ‘Creep’, ‘Neblinas’ y ‘Opera’ que pasaron de un momento eufórico y lleno de vida, a caer en la absoluta soledad fruto, a lo mejor, de su destino irremediable.

Esto transmite una sensibilidad hacia los lugares, la naturaleza y las cosas, que también se puede aplicar a las personas que en un determinado momento la situación les ha llevado a estar absolutamente solas. Estos paisajes extraordinarios se pueden observar hasta el 30 de noviembre.

‘Laguna’, de Xavier Rodés (imagen cedida por la galería ‘El Quatre, Sala d’Art’)

‘Creep’, de Xavier Rodés (imagen cedida por la galería ‘El Quatre, Sala d’Art’)

‘Olga de Sandoval Sarrias’ aprovecha ‘La taula és art’ para mostrar pinturas de primer nivel

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Fri, 28 Oct 2011 11:29:39 PDT

‘La taula és art’ (‘La mesa es arte’) es una actividad organizada por la Asociación para el estudio del mueble, ubicada en Barcelona, y que pretende organizar una ruta por distintos escaparates de tiendas de arte de Barcelona –anticuarios, galerías y libreros, entre otros–. El tema principal, como bien dice su lema: ‘la mesa es arte’, así que los aparadores deberán de tener una estrecha relación con la mesa. Para la ocasión se hacen distintas visitas guiadas, conferencias y un concurso donde se valorará la creatividad de las tiendas. De este modo, el ciudadano puede votar, a través de la página web de la asociación, la tienda que más le llame la atención y le guste.

El año pasado ganó la votación popular Olga de Sandoval Sarrias Antiguitats, así que este año requiere también una visita para ver si su originalidad y creatividad es tan excelente.

Nada mas llegar observamos en uno de sus escaparates distintos juegos del siglo XIX como por ejemplo unas fichas de un antiguo casino de Madrid, un domino cubano y la peregila, encima del tapete de una mesa de juegos. En el otro aparador se representa el estudio de un pintor, con los pinceles, frutas como modelo a pintar, una paleta que perteneció a Rafael Durancamps y un cuadro de Ramon Casas, entre otros detalles. Escaparates con buen gusto que atraen la mirada de los transeúntes o visitantes. Esta actividad de ‘La taula és art’ durará hasta el 1 de diciembre.

Pinturas inéditas

Lo visto en el exterior ya nos hace suponer que el interior no nos decepcionará, pues aprovechando la ocasión, este anticuario ha querido inaugurar un cambio de exposición dando la bienvenida a piezas inéditas.

Con tan sólo cruzar el umbral de la puerta enseguida nos sorprende gratamente las piezas de joyería, porcelana, vidrio, cerámica, tallas de madera, pintura,..., que cuidadosamente bien ordenadas se nos aparecen a la vista. La cantidad de pintura expuesta nos llama de nuevo la atención y fijándonos detenidamente observamos una selección de pintura catalana de primer nivel, de artistas tan reconocidos como Ramon Casas, Segundo Matilla, Durancamps, Emili Grau, Mir, Opisso, Dionís Baixeras, Albert Ràfols y Roman Ribera, entre otros de los grandes. Esto es algo muy inusual en un anticuario. Visitarlo detenidamente es como encontrarnos en un exposición en la que se visualiza la historia de la pintura catalana de finales del S.XIX hasta mediados del S.XX.

La gran mayoría son obras de pequeño formato que han sido muy bien escogidas y excelentemente presentadas. Vale la pena visitar la seguramente irrepetible coincidencia en la misma sala de tan excelentes artistas catalanes.

Penadès transmite la situación actual a partir de matices de surrealismo rítmico

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Wed, 02 Nov 2011 12:12:25 PDT

“La espontaneidad me ha llevado a expresar el mundo en el cual vivimos”, ha dicho el pintor Agustí Penadès (Manel, Valencia, 1935) al hablar sobre sus 25 obras expuestas en la galería ‘Espai G d’Art’ de Terrassa, bajo el título ‘Iconografía socio-contemporánea’. Es una de sus etapas. Simbolizar la situación actual mostrando la contundencia, la agresividad, el tratamiento y el caos.

En sus creaciones se encuentran trazos gruesos que transmiten movimiento que conducen hacia las distintas vivencias y sensaciones. El fondo de las pinturas acostumbra a ser de un color oscuro –gris, marrón o negro–, y el centro de colores más vivos –rojo, ocre, siena, amarillo– completan el potente sentimiento de lucha, aunque a su vez, transmite una expectativa hacia el orden.

Este artista, afincado en la comarca del Bages (Cataluña), utiliza materiales industriales que son muy poco comunes en la pintura pero que muestran un buen resultado, como la resina acrílica y pigmentos. Estos le permiten realizar pinturas que podrían estar a medio camino entre la pintura y la escultura. “Mi trabajo no es premeditado sino que cuando pinto surge esto. Las pulsaciones del subconsciente están al máximo”, exclama Penadès. Así que hace un proceso de reflexión y luego plasma esas imágenes premeditadas. Es una manera de “ir decidiendo espontáneamente”.

Maneja la estructuración, la materia orgánica y el gesto. Su estilo muestra matices de un surrealismo rítmico que sale de una forma gestual. Él va decidiendo, dándole importancia a la pieza, algo muy legítimo. Su creación pictórica podrá observarse hasta el próximo 3 de noviembre.

Obra de Agustí Penadès

El mundo fantástico de Jordi Pintó

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Tue, 25 Oct 2011 11:49:45 PDT

Un mundo fantástico lleno de imaginación, ironía, ilusión, e incluso, humor. De este universo forman parte la treintena de obras de Jordi Pintó (Cardona, 1968) que se han presentado en una exposición que lleva por título ‘De colores’ y que fue inaugurada el pasado viernes en ‘La Galeria’ de Sant Cugat.

En el trabajo del artista instalado hace años en Barcelona, se puede apreciar una gran variedad cromática, aunque también cabe destacar que hay cuadros en los cuales predomina un solo color como en ‘Ciudad dorada’, ‘Crepúsculo’, ‘Paraíso azul’ y ‘Qué verde era mi valle’ donde el paisaje urbano es el protagonista.

El pintor ha ido sintetizando la realidad hasta llegar a algo simbólico. “Llego a una realidad a partir de otra”, ha explicado el artista que ama tanto su profesión que no puede separar su vida personal de la familiar. “Cuando voy por la calle y veo un coche, por ejemplo, me imagino unos trazos simples para plasmarlo”, ha añadido el artista. Su obra provoca una sonrisa, por la simpatía que transmite en las formas de las figuras y los paisajes, y por el color utilizado, que aplica a modo de intuición. Convierte la pintura en mágica. Aún así, tiene influencias del constructivismo, el fauvismo, el estructuralismo, la pintura metafísica, el cubismo y el naif. De la combinación de un estilo y otro surge su creación. Además, ha dicho que a veces observa cuadros de otros artistas para representarlos a su manera. Otra forma de aprender y buscar inspiración, tan necesaria para representar en su mundo.

Cuando uno ve la creación que sale expulsada de su imaginario se queda atento, con una sonrisa, y al ver otra vez esa misma obra u otros cuadros del artista, el espectador se acaba sumergiendo en su mundo y sintiéndose muy cómodo, atraído por los lugares urbanos con formas extrañas, los cocineros chistosos y adorando los paraísos de colores. La exposición, muy recomendada, se puede apreciar hasta finales de noviembre.

‘Cambio climático’, de Jordi Pintó

El fauvismo y expresionismo de Martí Ceballos

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Mon, 24 Oct 2011 10:28:58 PDT

El restaurante Baladia de Argentona presenta una exposición –inaugurada el pasado jueves– compuesta por obras de Guillermo Martí Ceballos (Barcelona, 1958), bajo el título ‘Miradas’ y organizado por la galería Gal-Art de Mataró. En ella predominan las figuras femeninas, pero también se pueden observar paisajes y algún bodegón.

Mujeres que posan frente al espectador, que se muestran pensativas, dubitativas, insinuantes o melancólicas ya sea tomando un café, reposando en una “chaislonge” o en otro lugar que les permita estar tranquilas. El público es el encargado de adivinar el sentimiento que esconde cada una de estas misteriosas mujeres, como en la ‘Chica tomando café’ (2011), en qué aparece una figura femenina que reflexiona mirando fijamente, mientras su café se va enfriando.

Los paisajes también siguen esta línea. En ‘Multitud en las ramblas’ (2006) pinta con colores a las distintas personas que forman parte de esta multitud, simplemente para diferenciarlas entre sí aunque cada una de ellas sea sólo una “mancha” en forma de persona, sin entrar en ningún detalle. La música también aparece en sus obras. El ‘Contrabajista’ (2010) es un ejemplo. El fondo lo forman muchos colores distintos, una manera de representar a la melodía que componen las distintas notas musicales.

Ceballos muestra un enfoque distinto, lleno de colores intensos y contrastes. No sólo sus figuras o paisajes están pintados de distintos colores vivos, sino que también el fondo de su obra. Este artista destaca por su estilo que combina el fauvismo y el expresionismo alemán. Transmite fuerza y seguridad a partir de sus trazos muy marcados y los tonos utilizados. Su creación consta de una gama cromática valiente con la que consigue una obra atractiva y agradable. La creación de Martí Ceballos, hijo del pintor paisajista Oriol Martí, estará expuesta hasta el 5 de noviembre.

‘Multitud en las ramblas’, de Martí Ceballos

Las reflexiones de Pietro Ruffo

noreply@blogger.com (Gemma Casanovas) — Tue, 25 Oct 2011 11:19:00 PDT

Nos encontramos en una situación de constante transformación donde la gente anhela la libertad y ha decidido transmitir su deseo a partir de revoluciones como en Líbia, o manifestaciones más pacíficas, como se han podido observar en otros países. Es un momento histórico y el artista licenciado en arquitectura, Pietro Ruffo (Roma, 1978) es muy consciente de ello. Le preocupa y lo quiere transmitir a su público. La galería Tatiana Kourochkina de Barcelona quiere hacer llegar el mensaje de preocupación de Ruffo a través de una exposición que se inaugura este jueves y que lleva por título ‘Non siamo ancora stati salvati’ (‘Aún no hemos sido salvados’). Esta muestra reflexiona sobre la libertad, el poder y la ocupación política del espacio.

En los dibujos de gran formato que pertenecen a la serie ‘Sin Título’ (2010-2011) se puede apreciar una multitud de libélulas de papel, incrustadas sobre la superficie, como símbolo de libertad y a la vez delicadeza rendidas a una breve existencia.

Con ‘Flags’ (2010-2011) representa una serie de banderas dibujadas sobre distintos territorios. El artista, con este gesto de “contaminación” alcanzada en distintas zonas, pone en cuestión la construcción de la identidad colectiva y las fronteras geopolíticas.

Además de estas obras, el italiano inspirado en lo que se podría denominar “primavera árabe”, según la galería, ha realizado una instalación llamada ‘Liberty House’ (2011). Consiste en un dibujo de un bosque en el que el espectador se ve sumergido, sobre las paredes del interior de la casa. En una de estas se puede leer un pensamiento del poeta libanés Khalil Gibran: “Y, si es un déspota el que queréis destronar, ved primero que su trono, erigido dentro de vosotros, sea destruido”. Esta exposición, que nos enseña un hecho tan actual como es la persecución de la libertad hacia un mundo cambiante y la duda generalizada del pueblo hacia su poder, se podrá observar hasta el próximo 10 de enero.

‘Flag of Lebanon’, de Pietro Ruffo. Fuente: TK Galería d’Art