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Presentación sobre las principales características de las Vanguardias

2026-10-29T16:40:07.295-03:00

Vanguardias de Claudia Solís Umpiérrez

Ejemplos de Neoclasicismo en nuestro país

2026-10-08T13:42:37.957-03:00

El Neoclásico colonial

La introducción del espíritu académico neoclásico borbón en la Banda Oriental está a cargo de Tomás Toribio, arquitecto egresado de la escuela de la Real Academia de Nobles Artes de San Fernando. Su viaje a estos territorios es a los efectos de conducir las obras de la Catedral montevideana con arreglo a los cánones neoclásicos, como para proyectar el edificio destinado a Cabildo y Reales Cárceles en la misma localidad.

La idea que van a desplegar los Borbones (dinastía española que sustituye a los Habsburgo, en la segunda mitad del siglo XVIII) es la de unificar la arquitectura de todos sus dominios, a través de la formación de los arquitectos en la academia real. Esta postura centralizadora que se da en el arte, responde en realidad a una búsqueda de unificación que en todas las áreas buscan imponer los Borbones. Como consecuencia de esto, apartan las ideas que adjudicaban al artista plena libertad de concepción ornamental (recordar las múltiples expresiones ornamentales que habían caracterizado al Barroco americano) y tienden a imponer un estilo previamente elegido: el clásico. El trabajo de Toribio entonces se inscribe en la unidad estilística que España impone a su arquitectura en el último cuarto del siglo XVIII.

La obra realizada por Tomás Toribio se completa, en la Banda Oriental, con la iglesia parroquial de Colonia y con su propia residencia. Y se prolonga en los dos trabajos más importantes de su hijo José Toribio: el ala del Hospital de San José y la Caridad, construida sobre la calle 25 de mayo (hoy Hospital Maciel) y la casa de los Montero (actual Museo Romántico).

El Cabildo

Programa: Cabildo y Reales Cárceles

Ubicación: Juan Carlos Gómez esq. Sarandí

Autor: Arq. Tomás Toribio

Fecha: 1804 proyecto, 1804-1869 construcción

Monumento Histórico Nacional 1975

Se ubica en un predio esquina de la que fuera la Plaza Mayor de la ciudad, frente a la Catedral, transgrede el modelo indiano por su condición frentista a la plaza y desplazada de su eje.

Su construcción se inicia en el período colonial según proyecto de Toribio y culmina su construcción en pleno período republicano con la planta alta.

La construcción cuya planimetría responde a una modalidad neoclásica, se organiza en forma simétrica en torno a cuatro patios, estando uno de los ejes definido por el acceso.

Planta Baja: Reales Cárceles

Planta Alta: dependencias capitulares

Modalidad neoclásica que se lee en el desarrollo de las fachadas en las que predominan paños lisos, en los que se destacan las ventanas adinteladas. Se destaca el acceso por medio de órdenes de columnas superpuestos desarrollándose una composición en forma de arco de triunfo en el piso bajo, con un frontón de coronamiento en el que aparecen ya símbolos de la República.

La unidad de la composición se refuerza al estar rematada por una cornisa de coronamiento a lo largo de sus dos fachadas.

Datos tomados de Guía Arquitectónica y urbanística de Montevideo.

CATEDRAL METROPOLITANA (Iglesia Matriz)

Programa: templo católico

Ubicación: Pza. Matriz (Ituzaingó esq. Sarandí)

Autor: Ing. Custodio de Saá y Faría, Arq. Tomás Toribio, Ing. Militar José del Pozo y Marquy, Arq. Bernardo Poncini, Arq. Rafael Ruano

Fecha: 1790 (proyecto)

Monumento histórico nacional desde 1975

La Iglesia de la Inmaculada Concepción, se encuentra situada frente a la Plaza Mayor de la ciudad colonial, ubicándose en forma retranqueada con respecto a la alineación de la manzana y levantándose –acorde a lo establecido por el modelo indiano- unos peldaños sobre el nivel de la plaza. Modelo que es respaldado en este aspecto pero no en otros, ya que se encuentra directamente frente a la plaza y desplazada del eje principal de esta.

La construcción se concretará a lo largo de varias décadas; será iniciada según proyecto del Ingeniero Militar portugués Custodio de Saá y Faría y continuada por el Arq. Tomás Toribio –egresado de la Academia de Nobles Artes de San Fernando- quien impondrá el academicismo neoclasicista borbón en la región. Hacia 1860 el Arq. Bernardo Poncini realizará cambios en la fachada principal, creando una composición de orden colosal. La actual fachada (1941-1960) es obra del Arq. Rafael Ruano, quien revierte en parte las actuaciones de Poncini.

La obra, con sus construcciones de volumetría simple muestra una imagen representativa del neoclasicismo español, la que podemos vincular por su austeridad al herreriano.

El edificio cuyo acceso se produce a través de un pórtico, es de tipo basilical de tres naves y crucero, con cúpula apoyada sobre tambor cilíndrico.

EL Neoclásico republicano

La “ciudad nueva”

El 25 de agosto de 1829 la Asamblea Constituyente del nuevo Estado Oriental aprobó la demolición de la fortificación de la parte de tierra de Montevideo, al igual que la de Colonia del Sacramento. Inmediatamente que se iniciaron los trabajos de demolición en Montevideo, se pasó a delinear la nueva población en el llamado “campo de Marte” que era la extensión comprendida entre la muralla Este y el ejido de la ciudad. Se delimitaron 136 manzanas y 2 plazas: la mitad este de la actual plaza Independencia y la actual plaza Cagancha.

En 1833 se dispuso la apertura de la Ciudadela, que ocupaba la mitad oeste de la actual plaza Independencia, posibilitando la comunicación entre la ciudad vieja y la ciudad nueva.

En 1835, frente al aumento de la población se crea el Cementerio Nuevo (actual Cementerio Central). Y en ese mismo año se dispuso la construcción de una gran plaza en la parte exterior, al este, de la ex – Ciudadela, llamada Independencia a partir de 1843.

Carlos Zucchi

El primero de los arquitectos importanes que se radica en la República y cuya formación responde a la ideología y modo de enseñar franceses es Carlos Zucchi. Carlos Zucchi, de origen italiano, se formó, no obstante, en Francia. Y su formación coincide con una época (la del imperio napoleónico) que le impone a la arquitectura una función de glorificación de la obra napoleónica. Por lo tanto, la arquitectura neoclásica, preocupada por la ornamentación medida, su disposición sobre las masas del edificio, ajustando las proporciones al conjunto, agregará, durante este período, una preocupación política: cumplir un rol apologético. El arquitecto, de acuerdo con la obra que se le encomiende, buscará proyectar edificios simbólicos de acuerdo con su finalidad.

Se le encomienda a Zucchi el diseño de la plaza Independencia. Lo hizo tomando un tipo de plaza ideado por el clasicismo francés para honrar a sus gobernantes: espacios cerrados donde los edificios circundantes se vuelcan hacia él unificando sus fachadas mediante pórticos, cuya unidad rítmica la constituía una arcada romana. Reservó, lo que en el momento de proyectarla, era su centro geométrico, para ubicar allí un monumento nacional. (Este proyecto de Zucchi sólo fue respetado parcialmente, y con los años se perdió su propósito estético original).

Corresponde a Zucchi el proyecto para el Teatro Solis, aunque se le adjudica a Francisco Xavier Garmendia la tarea de adaptar aquella a las exigencias financieras de la sociedad propietaria. Pero el aspecto exterior de su fachada principal seguramente no es el ideado por Zucchi ni por Garmendia, sino el resultado de la asesoría prestada a éste por Clemente Cesar, arquitecto uruguayo formado en Italia. Si la idea de adscribir un peristilo a la fachada es común a los tres arquitectos, el primero proyectó uno de seis columnas, de un piso de altura, descompuestas en doce piezas almohadilladas cada una. Esta idea, recogida por Garmendia, fue modificada a instancias de César y se le adicionó un peristilo octástilo, de impuro orden corintio, que involucra dos plantas.

De todos modos el edifico se inscribe, por su aspecto formal, dentro del cuadro neoclasicista. (En 1869 se le encarga al Arq. Victor Rabú el proyecto de las alas laterales anexadas al edificio).

La obra de Bernardo Poncini (arquitecto suizo de formación italiana)

Se ubica entre los años 1857 y 1863, y si bien intervino en obras empezadas por otros, imprimió en ellas un carácter distintivo. Actuó en la Iglesia Catedral de Montevideo, en la sistematización de la Plaza Independencia, en el Cementerio Central y en el Hospital de San José y la Caridad (hoy Maciel).

Fue el verdadero creador artístico del Cementerio Central. Diseñó un proyecto completo, pero sólo construyó, entre 1858 y 1863, el muro y la capilla, llamada corrientemente Rotonda (hoy Panteón Nacional).

La Rotonda traduce con precisión las características del neoclásico italiano. La disposición centralizada comprende planta circular y cubierta hemiesférica, y sigue la línea de edificios religiosos derivados del Panteón de Agripa.

Fuente: http://estudi-arte.blogspot.com.uy/

Hospital Italiano de Montevideo

El edificio en su conjunto tuvo sus orígenes en las escuelas para el estudio del arte en Italia. De esta fase arquitectónica surgen otros monumentos famosos como la Puerta de Alcalá en Madrid, obra de Francesco Sabatini.

El arquitecto encargado de dirigir y planificar la estructura de influencia historicista fue Luis Andreoni, también responsable de la fundación de la Estación Central y el Club Uruguay, y que se basó en un procedimiento tan artístico como científico en su precisión, característica de una época en la que se buscaba economizar en recursos. En este sentido, el hospital italiano es uno de los primeros representantes del arte progresista en Uruguay, de tinte simplista y objetivo frente a la subjetividad y decoro que habían caracterizado a etapas anteriores y que verían un ligero renacimiento en la edificación, también en manos de arquitectos italianos, del Palacio Legislativo de Montevideo, en 1925.

Los capiteles de estilo romano, construidos sobre una base firme y en dirección geométrica exacta, en dos de los cuatro frentes de la construcción, realzan el concepto de unión entre arte y ciencia, típico del neoclasicismo tardío. Se busca, además, revivir un modelo clásico y occidental, por lo que se emplean materiales como el mármol, el granito y azulejos importados de Europa con el fin de recrear una imagen que combinara los matices del arte antiguo con los avances de la ciencia moderna. El ala que da a Bulevar Artigas, conocido como "Pasiva del Hospital Italiano", es un entramado de esculturas y figuras en bronce que rememoran a grandes personalidades tanto de Italia como de Uruguay. El busto en homenaje al prócer nacional José Gervasio Artigas se erige también al lado del hospital.

La superficie del hospital es de aproximadamente 30.000 m² (teniendo en cuenta ambas plantas y territorios exteriores) y su antigüedad, de más de 110 años, lo sitúan entre uno de los hospitales activos más añejos de Montevideo y del país. Se ubica en el cruce de las avenidas 8 de Octubre e Italia, sobre la intersección de estas dos con Bulevar Artigas y la calle Jorge Canning.

Presentación sobre Arquitectura en el siglo XIX

2026-10-08T13:42:03.286-03:00

Presentación utilizada en clase a la hora de abordar las principales características de la Arquitectura en el siglo XIX.

Arquitectura siglo XIX by Claudia Solís Umpiérrez

Arquitectura Neoclásica: principales características

2026-10-08T13:41:28.999-03:00

Desde la mitad del S. XVIII la mirada de los artistas se dirige nuevamente a la antigüedad greco-latina abandonando las tendencias barrocas que se exageran en el Rococó. A su vez este estilo se decanta por las nuevas ideas de la Ilustración frente al absolutismo imperante en Europa.

Su expansión europea se debe a que los grandes artistas consideraban casi obligado hacer un viaje a Grecia, a pesar de estar dominada por los Turcos Otomanos, y con más frecuencia a Italia, cuna del antiguo Imperio romano.

La estética neoclásica

La teoría neoclásica se desarrolla en torno a 1750. En su conformación y difusión tuvieron importancias varios factores, uno de ellos son los trabajos arqueológicos realizados en Pompeya y Herculano y el estudio de la arquitectura griega, que aumentaron el conocimiento e interés por la Antigüedad. Muchos teóricos proponen una vuelta al arte griego como paradigma de belleza, "del verdadero estilo", que debe aspirar a la "noble sencillez y serena grandeza".

Pero, los neoclásicos no buscan sólo imitar, sino tomar como modelo el arte clásico para crear obras perfectas, universales y eternas. Es decir que hay una aspiración moral concebido como la búsqueda de una renovación social y lograr la perfección artística. Esta corriente tiene un fuerte componente intelectual, que comparte con el pensamiento ilustrado el carácter racional, búsqueda de valores universales y eternos, comunes a todos los hombres, y el rechazo explícito al rococó al que consideran decadente y propio de una nobleza ociosa.

"El arte neoclásico quiere ser arte moderno, comprometido a fondo con la problemática de su tiempo. (...) Los arquitectos neoclásicos saben que un nuevo orden social exige un nuevo orden de la ciudad y todos sus proyectos se inscriben en un plano de reforma urbanística. La nueva ciudad deberá tener, como la antigua, sus monumentos; pero el arquitecto deberá preocuparse también del desarrollo social y funcional. Se construyen iglesias a modo de templos clásicos, pero también escuelas, hospitales mercados, aduanas, puertos, cuarteles, cárceles, almacenes, puentes, calles, plazas.

...El arte neoclásico acompaña la transformación de las estructuras sociales con la transformación de las costumbres. El Neoclasicismo no está rígidamente unido a la ideología revolucionaria... De hecho, el Neoclasicismo, como estilo, no tiene una propia caracterización ideológica, está disponible para cualquier demanda social.

Al ideal barroco de la técnica «virtuosa» le sucede el ideal neoclásico, de la técnica rigurosa; ... A la imaginación barroca le sucede la ideación neoclásica; que aún es una imaginación, si se quiere, pero que uniforma sus propios procedimientos con los de la razón. La verdadera técnica del artista es la de proyectar, todo el arte neoclásico está rigurosamente proyectado. La realización es la traducción del proyecto mediante instrumentos operativos que no son exclusivos del artista, sino que forman parte de la cultura y del modo de vivir de la sociedad.

En este proceso técnico-práctico de adaptación se elimina por fuerza el toque individual, la arbitrariedad genial del primer hallazgo, pero en compensación la obra adquiere un interés directo para la colectividad y cumple esa tarea de educación cívica que la estética iluminista le asigna al arte, en lugar de su antigua función religiosa y didascálica. Era un sacrificio que la ética de la época consideraba necesario; no se puede fundar una sociedad libre y ordenada sin limitar el arbitrio individual, aunque sea de un genio. El artista ya no aspira al privilegio del genio, sino al rigor del teórico; no da al mundo hallazgos admirables sino proyectos realizables. (...)

La reducción de la técnica propia del arte a técnica (o método) del proyecto, señala el momento en que el arte se separa definitivamente de la tecnología y de la producción artesanal, y la primera posibilidad de unión entre el trabajo ideador del artista y la naciente tecnología industrial (...)

El arte neoclásico se sirve, sin ningún prejuicio, de toda disposición. En la arquitectura, el principio de la correspondencia de la forma con la función estática lleva al cálculo escrupuloso de los pesos y las tensiones, al estudio de la resistencia intrínseca de los materiales. Es precisamente la arquitectura neoclásica la que experimenta los nuevos materiales y revaloriza, en el plano estético, la investigación técnico-científica de los ingenieros..."

(Giulio Carlo Argán.- El arte Moderno. Fernando Torres Editor. 1977, Págs. 14-22)

Características de la arquitectura neoclásica

Algunos arquitectos aplicaron de forma rigurosa los principios más racionales del neoclasicismo _simplificación de formas y supresión de la decoración que conduce a geometrías puras_ Pero ésta no fue muy bien aceptada por clientes privados y la mayoría de las obras no llegaron a proyectarse (Ejemplos: "Barrièr de la Villette", Paris 1789 de Ledoux; "Diseño de Biblioteca Real" 1785 de Boullée o "Monumento a Newton" 1780-1790 de Boullée).

En cambio fue frecuente que la arquitectura mantuviera el lenguaje de tradición renacentista y barroca, aunque con mayor sencillez, predominio de formas rotundas y uso moderado de la decoración. A este se le incorpora elementos griego, como por ejemplo el uso del frontón.

Esta fórmula tuvo éxito y se mantuvo durante buena parte del siglo XIX, tanto en iglesias, palacios y también edificios que surgían de la nueva demanda, como bancos, bolsas, museos, etc. No sólo se difundió por Europa, sino también en América.

"Nuevo Palacio de la Guardia", Berlín 1816. En la sobria columna dórica se puede encontrar
las ideas del neoclasicismo más puro.

"Puerta de Alcalá", Madrid 1769, Arquitecto Sabatini, director de las grandes reformas urbanas en Madrid durante el mandato de Carlos III, seguía en sus obras modelos romanos.

Ejemplos:

Representativo de este estilo en Francia es la iglesia de la Madeleine en París. Se trata de un templo corintio y octástilo, ordenado construir por Napoleón como homenaje al gran ejército francés y terminada en 1842. Resulta fría y demasiado fiel a los cánones clásicos. En Inglaterra el estilo neoclásico no tuvo mucha aceptación porque todavía predomina el gusto neogoticista, el cual fue adoptado como el estilo nacional.

En Alemania el Neoclásico se difunde con más facilidad por los estados del norte mientras por los estados del sur todavía se prefieren los edificios barrocos. El monumento alemán más representativo de este estilo es la puerta de Brandenburgo. En España el arte Neoclásico tuvo que vencer un Barroco muy enraizado y por eso las mejores muestras del nuevo arte no se dan hasta el último cuarto de siglo XVIII.

Fue Carlos III quien mandó a Sabatini construir la Puerta de Alcalá en 1778. Este estilo siguió vigente durante la primera mitad del siglo XIX conviviendo con los edificios románticos y neogóticos, todo ello englobado en la arquitectura historicista.

Material elaborado gracias a: "Historia del Arte" Tomo 2. J.A. Ramírez, M. Arias, M. A. García Fuentes, B. Del Castillo y B. Pallol. Ediciones Sm, Madrid, 2003.
http://clio.rediris.es/

Breve recorrido sobre la arquitectura del siglo XIX

2026-10-08T13:40:51.255-03:00

Breve recorrido por la arquitectura del siglo XIX from Mónica Salandrú

Presentación del Neoclasicismo al Realismo

2026-09-29T15:49:45.346-03:00

Resumen sobre las Revoluciones burguesas y transformaciones sociocultural

2026-09-15T16:55:37.026-03:00

Ciclo de Revoluciones burguesas

Estas se inician antes de 1789, pero es la Revolución Francesa la que ejercerá mayor influencia en el resto del mundo. En el siglo XIX se concretan y vivencian varias experiencias transformadoras que ponen fin al Antiguo Régimen y la Monarquía Absoluta en detrimento de la división de poderes, aparecen las Constituciones escritas en varios estados y el sufragio censitario como mecanismo de elección y de toma de poder.

Estas revoluciones permiten a la burguesía acapara un poder, que hasta ahora parecía vedado para ella: el político; si a ello le sumamos el fortalecimiento que ostenta en el sector económico, gracias a la revolución industrial, comprenderemos porqué se afirma que es la burguesía la clase social que se consolida durante todo los siglos XVII y XIX.

Revolución Industrial

Esta revolución forma parte del concepto anterior de “revoluciones burguesas”[1], pero merece un tratamiento aparte por lo significativo de sus transformaciones. Si bien surge en Inglaterra, rápidamente se extenderá por toda Europa y fuera de ella en las últimas décadas del siglo XIX (por ejemplo: Estados Unidos y Japón). Inició como un profundo cambio en el área económica, modificando el sistema de producción artesanal por el fabril, el maquinismo puso fin al trabajo manual que no podrá competir con el sistema en serie de producción industrial. Poco a poco, las fábricas aparecerán como parte del paisaje de las principales ciudades europeas.

Pero, la revolución industrial produjo cambios radicales, no sólo en lo económico, sino en todos los aspectos que conforman la sociedad, creando un nuevo modelo de vida signado por:

-gran desarrollo industrial y minero,

-gran desarrollo de las comunicaciones y transportes,

-aumento de la producción y de la productividad,

-crecimiento de las ciudades y el desarrollo urbano,

-mejoras en el comercio regional e internacional,

-enorme crecimiento de la población producido por la caída de la mortalidad _ especialmente infantil_, mejora en la alimentación, higiene y desarrollo de la medicina…, una elevada tasa de natalidad, entre otros aspectos...

Consolidación de la sociedad de clases
La sociedad industrial-capitalista se estructurará en dos grandes clases sociales antagónicas. Por primera vez, la brecha entre ambas estará basada en el dinero, en la posesión de bienes y capital y no en la sangre o la herencia (característica típica de la sociedad estamental del Antiguo Régimen).

En la cúspide de la pirámide social encontraremos a la burguesía:

• Burguesía: sustituye a la nobleza como clase dominante y pasa a controlar la economía y la política. Son los dueños de los medios de producción y los principales beneficiados tras los cambios sucedidos en los siglos XVIII y XIX.

Como “oposición” surge una nueva clase social: el proletariado.

• Proletariado: son los trabajadores, los obreros de las fábricas o los “dueños de la fuerza de trabajo” que venden a cambio de un salario. La gran mayoría proviene del campo, ex campesinos que han emigrado a la ciudad en busca de trabajo o ex artesanos que ante la competencia fabril pasan a vivir en barrios marginales en las ciudades, en condiciones miserables.

Los conflictos entre ambos sectores sociales marcarán, en buena medida, el rumbo de los siglos XIX y XX.

Nuevas ideas y movimientos sociales

Las transformaciones económicas, políticas y sociales moldean la conformación de grandes relatos que explican, justifican o critican la sociedad de clases y proponen o aspiran a una sociedad nueva. Esos grandes relatos, clasificados como Ideologías serán de capital importancia para entender varios acontecimientos sociales del siglo XX, desde revoluciones, guerras, guerrillas, dictaduras, etc.

Para la burguesía los preceptos del Liberalismo les identifican: derecho y respeto a la propiedad privada y la igualdad ante la ley, acepta la desigualdad social y cree en el libre mercado como motor de la economía. Como contrapartida se desarrollan ideologías que tienen un fuerte peso en el movimiento social y de crítica a la sociedad decimonónica: Marxismo y Anarquismo; ambos ideologías critican a la burguesía, la propiedad privada y la desigualdad social, teniendo una gran identificación con el movimiento obrero; pero sus diferencias también serán un sello identitario, especialmente en aspectos como el rol del Estado, la toma o no del poder, entre ellos: el primero, propone la dictadura del proletariado tras la conformación de un único partido político de los trabajadores que mediante la toma de poder logrará una sociedad Comunista, mientras que el anarquismo se muestra contrario a la existencia del Estado e instituciones jerárquicas y no cree en los mecanismo de sufragio ni representación parlamentaria.

De forma paralela se desarrolla el sindicalismo y un importante movimiento obrero, además de diferentes propuestas como las asociaciones de ayuda mutua, pasando por el cooperativismo, hasta movimientos sufragistas feministas.

Consolidación del sistema económico Capitalista

El campo deja de ser el principal medio de producción. El Capitalismo, tanto comercial, industrial como financiero se desarrolla de forma espectacular. Las ciudades crecen enormemente, siendo los centros de vida económica. Se produce la concentración industrial y aparecen las sociedades anónimas y grandes conglomerados empresariales que controlan grandes capitales (Cartel, Trust, Holding) para la realización de fuertes inversiones que se desarrollan en las Bolsas de Valores y las Acciones.

Grandes adelantos científicos y tecnológicos

Si un aspecto marca de forma contundente el siglo XVIII y XIX, y se transmite hasta nuestros días, es el espectacular avance de la ciencia y la tecnología. Además de los múltiples adelantos que modifican la vida cotidiana, los aspectos más significativos son la utilización de nuevas fuentes de energía, por ejemplo: el petróleo, la electricidad, la importancia de acero y la industria siderúrgica, así como la estrecha relación que se dará entre ciencia-tecnología y producción (la ciencia aplicada a la producción industrial). Se desarrolla un importante espíritu científico y una especie de fe ciega en el progreso tecnológico como sinónimo de progreso social. Avances que serán aplicados a los transportes y las comunicaciones, a la medicina, a la ingeniería y arquitectura, pero, también a la industria bélica que dará muestra de su gran potencial con las Guerras Mundiales.

[1] Concepto historiográfico originado por la escuela del materialismo histórico o de vertiente marxista que se utiliza para afirmar que el componente social dominante en los movimientos revolucionarios que corresponde a la burguesía.

Imágenes extraídas de: https://www.histoire-image.org/fr

Resumen del Neoclasicismo al Realismo (Pintura)

2026-09-15T16:55:01.205-03:00

La pintura que se desarrolla entre 1750 y 1880 enlaza el arte barroco con el contemporáneo. Las tres grandes corrientes de este período son el neoclasicismo, el romanticismo y el realismo; en ella la pintura forma parte del movimiento cultural.

En España, la figura de Goya se destaca sobre las demás ya que en sus obras recoge las distintas corrientes artísticas del paso del siglo XVIII al XIX y con su lenguaje pictórico tan personal avanza a nuevas vías de expresión.

El papel de arte y del artista ante la realidad, su deseo de modificarla, de evadirse de ella o de reflejarla como es, son asuntos centrales en esta etapa. Los distintos movimientos exploran el lenguaje formal, en un proceso donde cada corriente no tiene propuesta cerrada y los estilos pictóricos se entrecruzan, dando lugar a multitud de fórmulas.

Contexto Social

El período estudiado abarca desde mediado del siglo XVIII hasta el último tercio del siglo XIX, en este tiempo la sociedad se transforma radicalmente, pasando de la sociedad agraria y estamental a una sociedad urbana, burguesa e industrial, en la que el liberalismo y el nacionalismo son las ideologías dominantes. Es, también, un período de convulsión y de propuestas revolucionarias y sus anhelos de transformar el orden establecido tendrá un importancias creciente.

El mercado del arte

En el siglo XVIII surgen las academias, que controlan la formación de los artistas y organizan los salones, exposiciones públicas en las que se fijan los criterios artísticos oficiales y se mantiene la jerarquía de los géneros pictóricos. Los salones y los museos, creados por la Ilustración, acercan el arte al público y favorecen el desarrollo de la crítica. Se desarrolla así el mercado del arte, en el que el artista es independiente, su obra es valorada por la crítica y comprada por un público en su mayoría burgués. También serán clientes el Estado y las instituciones gubernamentales.

Ejemplos a tener en cuenta:

Neoclasicismo

La teoría neoclasicista, en su búsqueda por un arte universal y eterno, valora el dibujo como elemento esencial. Propone composiciones claras, cerradas y reposadas, contención en la expresión, y una finalidad educativa y moralizante. En la práctica este programa sólo se llevó a cabo en algunas ocasiones.

El carácter moralizante del neoclasicismo se refleja en los temas seleccionados: héroes de la antigüedad que representan valores como el patriotismo, la abnegación o dignidad.

El lenguaje formal es sobrio, con predominio de la línea sobre el color y desconfianza hacia las texturas y los efectos de la luz. Se busca la claridad, y concentrar la atención en lo esencial, eliminando grandes decoraciones. El objetivo es conmover al espectador y despertar en él virtudes morales.

Jacques-Louis David

David es una de las figuras claves de este período, encarna la figura del artista comprometido políticamente, participó activamente en la Revolución Francesa y concibió el arte como un elemento transformador de la realidad y de trasmitir valores. Una de sus obras claves fue "Marat asesinado o la muerte de Marat" (1793)

Análisis de la obra

Ver artículo "Sobre la muerte de Marat"

La Pintura Romántica

El romanticismo no es un estilo pictórico, sino un movimiento cultural. Se inicia en el siglo XVIII y alcanza su plenitud en la primera década del siglo XIX.

La sensibilidad romántica subraya lo individual y subjetivo, valora la emoción, los sentimientos y la capacidad expresiva y rechaza el sometimiento a las normas. Los románticos creen en la idea del artista como un genio solitario, incomprendido y creador de obras que solo algunos pueden entender. Abundan temas como la locura, la muerte, los sueños, etc.

Frente a la propuesta universal del neoclasicismo, los románticos prefieren lo distinto y pintoresco.

Durante el romanticismo aumenta el interés por la naturaleza y eso se refleja en la pintura de paisajes, un genero considerado secundario por el academicismo. Los artistas románticos hallan en los fenómenos naturales (tormentas, aludes en enormes montañas...) la expresión y el reflejo de sus propios sentimientos. En algunos paisajes aparecen ruinas medievales, símbolo de la nostalgia por el pasado. Hay también paisajes tranquilos de naturaleza armónica. Para muchos pintores se valora el mundo rural, en oposición a la sociedad industrial. En Inglaterra y Alemania se desarrollan las dos principales escuelas del paisajismo romántico.

Caspar David Friedrich

Es el más valorado de los paisajistas alemanes. Sostenía que "un pintor no debe sólo pintar lo que ve ante sí, sino también lo que ve en el interior de sí mismo". En sus paisajes se reflejan su concepción simbólica y mística de la naturaleza, aunando una visión religiosa con lo sublime.

Este efecto se alcanza con contrastes entre el primer plano y el horizonte. En la siguiente obra "El caminante sobre el mar de nubes" (1818), la figura solitaria de perfil muy definidos, contrasta entre el abismo y la inmensidad del espacio, creando una imagen muy misteriosa típicas de sus obras.

La Pintura Realista

El nacimiento del Realismo será a mediados del siglo XIX, donde la situación en Francia (desde la proclamación de la República, en 1848, hasta el advenimiento de la Comuna de París) así como en buena parte de Europa es agitada: Marx y Engels desarrollan las ideas socialistas, las organizaciones proletarias tienen más fuerza y los enfrentamientos sociales son agudos. Muchos artistas adoptan una actitud crítica y de compromiso ético con la clase trabajadora y, rechazando el subjetivismo y el deseo de evasión del romanticismo, prestan atención a la realidad, con un evidente deseo de transformarla.
Se pretende una pintura que refleje la realidad de forma objetiva sin embellecerla. En este propósito influyó la aparición de la fotografía, que se hace público en 1839 tras años de investigaciones de Niepce y Daguerre y se populariza rápidamente. La fotografía proporcionó una nueva mirada sobre la realidad, colaboró a encontrar nuevos encuadres y a eliminar los gestos artificiales y las composiciones estudiadas.

En este contexto nace el Realismo, que se caracteriza por el interés de reflejar la realidad, romper con el academicismo, lograr provocar y transformar la sociedad. Se pinta la realidad desprovista de lo heroico: la vida cotidiana en el campo y la ciudad, la intimidad de una familia, el paisaje, el mundo del trabajo, etc.

Honoré Daumier

Es un artista políticamente comprometido, que considera que el arte no es una representación sino un instrumento de lucha para transformar la realidad social. A lo largo de su vida usó diversos medios de expresión (litografía, acuarelas, éleos, dibujos, esculturas) y fue encarcelado en varias ocasiones por sus caricaturas, publicadas en periódicos y revistas satíricas. Sus obras recogen la vida cotidiana de la clases obreras y la pequeña burguesía parisina en trenes, calles o juzgados. "El vagón de la tercera clase" (1860-1864) forma parte de una serie de obras que reflejan una penetrante descripción, fruto de la observación directa de la realidad. Daumier trabajaba con líneas fluidas y formas rotundas y un gran dominio del claroscuro que proviene de su larga experiencia como litógrafo.

El espacio y urbanismo Barroco

2026-09-08T15:56:47.749-03:00

Diego Velázquez y "Las Meninas"

2026-09-01T17:01:54.861-03:00

OBRA:

Título: Las Meninas o La familia de Felipe Cuarto.
Autor: Diego Velázquez.
Año: 1656
Óleo sobre lienzo, 318 por 276 centímetros, Museo del Prado, Madrid

DESCRIPCIÓN:

Se representa en esta obra el taller de Velázquez, en el antiguo Alcázar de los Austrias de Madrid: una habitación amplia de forma cuadrada, que se estrecha hacia el fondo...

En primer término y a la izquierda del espectador, aparece la parte posterior de un enorme bastidor sobre el que apoya un lienzo que está pintando Velázquez. Detrás se autorretrata el propio pintor.

A nuestra derecha, la pared se prolonga estrechándose hasta el fondo de la habitación. En ella se abren dos grandes ventanales por donde entra la luz al taller.

En el muro del fondo de la habitación cuelgan dos grandes cuadros en lo alto, debajo de ellos se dispone un espejo, en el que se intuyen reflejados los reyes, Felipe Cuarto y Mariana de Austria, y hacia la derecha se abre una puerta sobre la que se recorta la figura de Nieto Velázquez, aposentador de la reina.

Los demás personajes se distribuyen por toda la habitación. Destaca en primer término la infanta Margarita, de apenas cinco años, en el centro mismo de la composición, está acompañada a los lados por las dos meninas o doncellas adolescentes que dan nombre popular al cuadro: una, Isabel de Velasco, a nuestra derecha, de pie; y la otra, a la izquierda, es Agustina Sarmiento, quien arrodillada le ofrece una jarrita a la niña.

Otros personajes se disponen a nuestra derecha: en primerísimo plano un perro pastor alemán, plácidamente tumbado, y detrás una enana macrocéfala, Maribárbola, y un niño que juega junto a ella, Nicolás de Portosanto. Más al fondo, medio ocultos en la penumbra otros dos guardadamas de la reina.

Cierra el cubo que forma la habitación el techo, muy sencillo, plano y liso, del que penden dos lámparas, apenas perceptibles en la oscuridad que envuelve esa parte de la habitación.

COMENTARIO:

El cuadro de Las Meninas es uno de los más importantes de toda la historia de la pintura y sus características permiten conocer el estilo de uno de los pintores más grandes de todos los tiempos, Velázquez.

¿Por qué Velázquez es un pintor tan extraordinario? Porque es capaz de pintar de una forma distinta a como se hacía habitualmente, porque su técnica es diferente y porque es capaz de recrear en sus cuadros ambientes que parecen tan reales que es como si nosotros, los espectadores, nos encontráramos dentro del cuadro.

Algo así es lo que ocurre en esta obra: Las Meninas. Las Meninas reproducen una habitación de grandes dimensiones que era en realidad el taller del pintor. Un espacio que se va estrechando hacia el fondo y en el que se colocan una serie de figuras, pero de una forma muy espontánea, como si nosotros mismos hubiéramos entrado en la habitación, interrumpiendo el trabajo del pintor.

En efecto, Velázquez aparece con la paleta y los pinceles en la mano, a la izquierda de la habitación, detrás de un inmenso lienzo. Está en un segundo plano, pero se aprecia que ha querido autorretratarse mostrando toda la dignidad de su oficio, de ahí su porte distinguido y su actitud elegante.

A su lado, ocupando el centro del taller se representa la escena principal. Allí, de pie, está posando una niña..., la infanta Margarita, vestida de forma primorosa y que trasluce en su carita toda la inocencia y la alegría de la infancia. No es de extrañar que Velázquez tuviera predilección por esta niña y que eso se refleje en el cuadro. Está bellamente vestida con un traje de raso de tacto sedoso, en cuya pechera brota a modo de camafeo un ramillete de flores: está pintado con tanto empaste que tocándolo descubriremos sus formas...

Junto a ella y sirviendo a la infanta dos doncellas, las llamadas meninas, cuyo nombre en portugués definió con los siglos el título popular del cuadro. Una agachada, ofrece una jarrita a la niña, la otra, de pie, atiende complaciente. También ellas visten amplios vestidos de faldas muy anchas que caen sobre el suelo con todo el peso y la rugosidad de sus telas. En el cabello llevan un prendido del mismo estilo que el de la infanta Margarita.

La escena se completa a la derecha del taller con una muestra de esa espontaneidad a la que nos referíamos al principio, pues aparecen, como si se encontraran allí casualmente, una niña macrocéfala, Maribárbola, un niño que la acompaña, Nicolás de Portosanto, importunando con sus pies a un perro plácidamente tumbado.

Pero la habitación es muy grande y aún hay más personajes deambulando por ella. Dos servidores más de los reyes aparecen a la derecha detrás de las meninas, y al fondo del taller se abre una puerta por la que está saliendo otro personaje como si se despidiera de los demás, concretamente se trata de Nieto Velázquez, aposentador de la reina. Al fondo también, medio oculto entre sombras, cuelga un espejo con dos figuras reflejándose, y encima, dos cuadros que apenas se distinguen.

El conjunto que ha recreado Velázquez es como un gran escenario, en el que las figuras actúan de forma muy natural, consiguiendo ese efecto que ya hemos comentado de dar a la escena una gran espontaneidad y por ello también un destacado realismo. A ello contribuye sin duda su excelente técnica, y es que cuando Velázquez pinta, lo hace acumulando gruesos empastes de pintura sobre el lienzo de tela, tanto que el tacto del cuadro nos resulta rugoso y grueso, lo que acentúa su expresividad. Un buen ejemplo de ello son los adornos del cabello o del vestido de la infanta.

Por todo lo dicho, lo cierto es que no se trata de un típico retrato cortesano, porque aunque se representa a la infanta, no se hace como era habitual, con toda la pompa y el boato de los retratos reales.

También cabría preguntarse si el cuadro es verdaderamente un retrato real, aunque sea atípico, porque ciertamente la situación de Velázquez y del lienzo que se halla de espaldas a nosotros, siempre nos ha hecho preguntarnos qué estaría pintando Velázquez. La infanta no puede ser el objeto de su pintura, porque no está colocada de frente al pintor. Tal vez las figuras, que borrosas, aparecen reflejadas en el espejo colgado al fondo de la habitación. En ese espejo se intuyen las siluetas de los reyes: Felipe Cuarto y Mariana de Austria, y ciertamente según ese juego de reflejos podría pensarse que están delante del pintor.

Pero hay un detalle que nadie puede negar y es que delante de Velázquez y delante del lienzo, los que realmente estamos somos nosotros, los espectadores, los millones de espectadores que a lo largo de los siglos se han quedado delante de este cuadro embelesados con la magia de Velázquez. El propio pintor nos dirige su atención y es eso lo que nos convierte en protagonistas de la obra. Pocas veces como en esta ocasión el espectador está dentro del cuadro y participa de la obra de arte... Con él, además, Velázquez se reivindica como artista, pues al autorretratarse en medio de la familia real y trabajando en su taller, viene a decir que no es un vulgar artesano, sino un artista, con toda la importancia que eso tenía.

... El cuadro es un lugar real, en el que casi se respira el aire que ha pintado, y que nos emociona de una forma especial. No sólo por sentirnos protagonistas de la obra, sino porque hay algo en esta pintura que nos traslada a un mundo imaginario, pero lleno de intensidad y de vida. Algo que sólo podía lograr un artista igualmente especial y único: Velázquez, “el pintor de los pintores”.

Fuente: http://artecreha.com/las-meninas-de-velazquez/

10 características del Barroco

2026-08-22T12:50:46.367-03:00

El movimiento barroco se desarrolló en Europa y sus colonias americanas.

El estilo barroco es un conjunto de características expresadas en las diferentes ramas del arte en que se desarrollaron en Europa desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII.

El término barroco fue acuñado en la época inmediatamente posterior, el siglo XVIII, para referirse despectivamente a arte anterior, por considerarlo deforme y exagerado. Sin embargo, posteriormente se revalorizó este estilo por su capacidad para expresar sentimientos y pasiones, y por su profundo impacto sobre el espectador.

El estilo barroco suele oponerse al estilo clásico. Este último se caracteriza por el respeto de las proporciones, la representación casi matemática de la realidad, la armonía de los elementos y la selección de personajes calmos como dioses y reyes. Los historiadores del arte sostienen que en todas las épocas del arte europeo se ha alternado entre un estilo más similar al barroco y otro más similar al clásico.

Características del estilo barroco

1- Origen

El barroco se originó a principios del siglo XVII, en una época en que Europa estaba afectada por la llamada Guerra de los 30 años (1618 – 1648) pero también por múltiples revueltas y revoluciones locales.

Además, eran frecuentes las muertes por la peste. En este contexto de violencia y muerte, surge esta forma de arte que transmite no sólo el dolor con mayor intensidad, sino también el amor por la vida.

Por otro lado, la Iglesia Católica experimentaba su primera crisis, por lo que buscó convertir sus templos en lugares con multitud de esculturas que inspiraran fervor religioso. El estilo barroco, que comenzaba a surgir, respondía a estas necesidades. Es decir que el barroco encontró su origen en causas sociales y el impulso necesario en causas religiosas.

2- Sentimiento y espiritualidad

La principal característica del arte barroco es el objetivo de representar las pasiones internas. Entre ellas se encuentran los sentimientos como el amor o la furia, pero también las formas de la espiritualidad, como la fe, la paz y la misericordia. Además, el barroco buscaba representar el temperamento individual.

3-Proporciones artificiosas

El barroco buscaba una representación verosímil de la realidad, por eso, en la pintura y en la escultura, encontramos representaciones humanas muy similares a los modelos reales.

Sin embargo, las proporciones de los cuerpos humanos en muchos casos son exageradas, aunque esto no pueda notarse a simple vista. La exageración se utilizaba como una forma de crear movimiento y tensión, además de facilitar la expresión de las pasiones.

4- Temas

Catedral barroca.

Existen tres tipos de temas en el estilo barroco.

Por un lado, es muy frecuente la temática religiosa ya que fue durante más de un siglo el estilo más fomentado por la Iglesia Católica. Por otro lado, parte de este arte tenía un contenido político ya que tanto en la arquitectura como en la música o la pintura podía exaltar figuras políticas y reyes.

Y en menor medida su temática era burguesa, con escenas cotidianas y paisajes.

5- Arquitectura

En la arquitectura barroca se encuentra una decoración exuberante. Predominan las figuras curvas, tanto cóncavas como convexas. El sentido escenográfico de la arquitectura se observa en los diversos juegos ópticos que construían diferentes imágenes dependiendo del punto de vista del observador.

Tanto reyes como papas fomentaron la expresión de grandes ideales en la arquitectura barroca, a través de sus programas de urbanismo.

Ejemplos de arquitectura barroca son la fachada del edificio San Carlo alle Quattro Fontane (1640) de Francesco Borromini, en Roma, y el Palacio de Versalles (1685) de Louis Le vau y Jules Hardouin-Mansart.

6- Música

La música barroca se caracteriza por el uso de la armonía tonal, es decir, la combinación de sonidos simultáneos, con la presencia constante del bajo continuo. La música deja de estar supeditada a la palabra (lenguaje vocal) desarrollando un lenguaje instrumental propio.

El contraste propio del barroco se expresa en la música en el uso de la disonancia y de la contraposición entre partes fuertes y débiles del compás.

Ejemplos de música barroca son las cantatas de J. S. Bach y Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi.

7- Literatura

Don Quijote de la Mancha fue publicado en Perú en el año 1607.

La literatura del barroco expresa escepticismo y pesimismo. Recurre a múltiples recursos retóricos, como las alegorías y las metáforas, y su lenguaje es recargado y suntuoso, con multitud de adjetivos. En esta época comienza a abandonarse el latín y a utilizarse las lenguas vernáculas.

La vida es presentada como una lucha, o en otros casos como un sueño, una ilusión o una mentira.

Entre las obras barrocas se encuentran el Don Quijote, de Miguel de Cervantes, la Fábula de Polifemo y Galatea (1613) de Luis de Góngora y el poemario Parnaso español (1648) de Francisco de Quevedo.

8- Pintura

La vocación de San Mateo (1601) de Caravaggio.

Tanto la pintura como la escultura barrocas buscan una representación imitativa de la realidad, similar al naturalismo. A pesar de que dar la sensación de ser una representación fiel de la realidad, en realidad las formas son exageradas.

Específicamente en pintura, aparece el claroscuro, que es el contraste entre zonas iluminadas y oscuras. La técnica es el óleo sobre lienzo.

Ejemplos de pintura barroca son La vocación de San Mateo (1601) de Caravaggio y Retrato del cardenal Richelieu (1640) de Philippe de Champaigne.

9- Escultura

Apolo y Dafne (1625) de Gian Lorenzo Bernini.

La escultura también explora la representación imitativa pero exagerada del cuerpo y rostro humano. Los cuerpos suelen estar envueltos en telas que crean mayor dramatismo y permiten además crear contrastes entre colores y texturas.

En la escultura, estos efectos de luces y sombras se logran gracias al relieve. Cada escultura está pensada para un lugar específico, y por lo tanto está subordinada a la arquitectura y a la luz (natural o artificial) que recibe en ese sitio.

Ejemplos de la escultura barroca son Apolo y Dafne (1625) de Gian Lorenzo Bernini y la llamada “Columna de la peste” (1679) de Matthias Rauchmüller.

10- Teatro

La literatura dramática del barroco muestra características similares a otras formas literarias del barroco, como la multitud de adjetivos y figuras retóricas. Específicamente el espectáculo teatral se vio modificado porque por primera vez se dividió la platea del escenario.

La escenografía se volvió más compleja y con el objetivo de crear una ilusión de realidad, pero al mismo tiempo mostrando prodigios y valorizando la composición visual del espectáculo.

El teatro barroco se desarrolló principalmente en España, con autores como Tirso de Molina y Lope de Vega.

Fuente: https://www.caracteristicas.co/barroco/#ixzz5DAhSTMu8
Enciclopedia de Características (2017). "Barroco". Recuperado de: https://www.caracteristicas.co/barroco/

Presentación del Manierismo al Barroco

2026-08-18T14:54:03.467-03:00

El arbotante gótico

2026-08-07T21:16:14.619-03:00

Las edades del espacio de Bruno Zevi

2026-07-28T10:54:24.285-03:00

Las leyes de las medidas del espacio del siglo XV

"El Renacimiento ha sido por largo tiempo objeto de dos ideas antitéticas preconcebidas: la primera, quería presentarlo como una novedad absoluta respecto del período precedente y, por lo tanto incapaz de darle una historicidad; la segunda quería reducirlo a un ‘neo’, a un retorno a la arquitectura romana, privandole de todo predicado de vitalidad creadora. La crítica contemporánea para corregir estos prejuicios populares ha tenido, por tanto, que actuar en dos sentidos, reivindicando la originalidad del Renacimiento y su posición perfectamente insertada en la continuidad histórica de la cultura.

¿Cuál es el nuevo elemento que aparece a primera vista en la arquitectura del siglo XV, ya desde el tiempo de Brunelleschi? Esencialmente una reflexión matemática desarrollada sobre la métrica románica y gótica. Se busca un orden, una ley, una disciplina contra la inconmensurabilidad, la infinitud y la dispersión del espacio gótico y contra lo fortuito y casual del románico… todo lo que se comprende bajo el nombre de intelectualismo y humanismo del 1400 significa en términos espaciales que cuando se entra en San Lorenzo y en Santo Spirito, se mide en pocos segundos de observación todo el espacio y se puede poseer fácilmente sus leyes.

Se trata de una innovación radical desde el punto de vista psicológico y espiritual: hasta ahora el espacio del edificio había determinado el tiempo del camino del hombre, había conducido sus ojos a lo largo de las directrices buscadas por el arquitecto; con Brunelleschi, por primera vez, ya no es el edificio quien posee al hombre, sino es el hombre mismo que, aprendiendo la simple ley del espacio, posee el secreto del edificio… ya no somos atraídos por el ritmo paleocristiano… ni excitados por la mística vertical y la violencia longitudinal del gótico. Visitamos San Lorenzo con la conciencia exacta de estar en nuestra casa, en una casa construida por un arquitecto... por un arquitecto que razona según métodos y procesos humanos, que no oculta misterios… a causa de su escala humana, que depende de la relación entre el elemento escultórico y el hombre, el templo griego nos proporciona un equilibrio y una serenidad parecidas, y no es por eso acaso que quién no comprende a Grecia… se siente también hostil hacia el Renacimiento italiano".

Historia del Arte (Taller Miró)

2026-07-24T17:02:28.787-03:00

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La cúpula del genio por National Geographic

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Principales características del Renacimiento

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Presentación que intenta abordar las principales características del Arte renacentista, su contexto histórico, ideas y conceptos fundamentales junto con ejemplos en la plástica y la arquitectura.

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Renacimiento principales características by Claudia Solís Umpierrez on Scribd

En Internet hay muchos sitios de interés sobre Renacimiento y especialmente sobre artistas representativos, recomiendo Renaissance art que "explora todas las mayores obras de arte del Renacimiento italiano, artistas como Giotto, Botticelli, Donatello, Masaccio, Fra Angelico, Piero della Francesca y Mantegna con sus características. Por supuesto... Miguel Ángel maestros del Renacimiento, Leonardo da Vinci y Rafael están fuertemente representados".
También destaco, el comentarios de 25 fotografías del Renacimiento que nos permiten ahondar en dicho período histórico de national geographic.

El sitio Web del Museo de Ciencia de Boston dedicada en exclusiva a Leonardo Da Vinci también la biografía interactiva en español sobre este genio del Renacimiento.

El arte gótico y la arquitectura

2026-06-09T10:34:06.842-03:00

Durante el siglo XII aparecen en la arquitectura algunas innovaciones técnicas de construcción profundamente innovadoras que permitieron levantar edificios más altos y luminosos. El término gótico se acuñó en el siglo XVI para definir un tupo de arte que los hombres del Renacimiento consideraban bárbaro porque no se ajustaba a las normas del arte clásico. El romanticismo de comienzos del siglo XIX empezó a contemplarlo con entusiasmo, a restaurar y copiar sus monumentos, y hoy día es considerado como una de las cumbres de vitalidad y la espiritualidad europea.

Al igual que el románico, el gótico fue in estilo internacional, que abarcó desde la segunda mitad del siglo XII hasta principios del XVI, aunque existieron diferencias regionales. En Francia se construyeron las primeras catedrales góticas , y este nuevo lenguaje arquitectónico pronto de difundió por la cristiandad, dejando un sinfín de catedrales e iglesias, pero también palacios, torres, ayuntamientos, lonjas de comercio y hasta ciudades enteras.

En la artes figurativas, el gótico plasmó fielmente un mundo que se observaba cada vez con mayor detenimiento.

La Iglesia triunfante

El estilo románico no se prolongó más allá del siglo XII. Apenas habían conseguido los artistas abovedar sus iglesias y distribuir sus estatuas de forma nueva y majestuosa, cuando otra idea hizo que todas esas iglesias románicas y normandas parecieran vulgares y anticuadas. Esta idea nueva nació en el norte de Francia y constituyó el principio del estilo gótico... puede considerársela principalmente como una o innovación técnica, pero llegó mucho más allá en sus efectos. Fue el descubrimiento de que el método de abovedar las iglesias por medio de vigas cruzadas podía ser desarrollado mucho más consecuentemente y con más amplios propósitos que los imaginados por los arquitectos normandos. Si era cierto que los pilares bastaban para sostener las vigas de la bóveda, entre las cuales las piedras restantes eran simple relleno, entonces los muros macizos existentes entre pilar y pilar eran en realidad superfluos. Era posible levantar una especie de andamiaje pétreo que mantuviera unido el conjunto del edificio. Lo único que se necesitaba eran delgados pilares y estrechos nervios; lo demás entre unos y otros podía suprimirse sin peligro de que el andamiaje se hundiera. No se necesitaban pesados muros de piedra; en su lugar podían colocarse amplios ventanales. El ideal de los arquitectos se convirtió en edificar iglesias casi a la manera como se construyen los invernaderos. Solamente que carecían de estructura de hierro y de vigas de acero, y, por lo tanto, tenían que hacerla de piedra, lo que requería gran cantidad de minuciosos cálculos. Pero una vez conseguido que tales cálculos fueran correctos, resultaba posible construir una iglesia de un tipo enteramente nuevo; un edificio de piedra y de cristal como nunca se había visto hasta entonces. Esta es la idea que presidió la creación de las catedrales góticas, desarrolladas en el norte de Francia en la segunda mitad del siglo XII.

Naturalmente, el principio de las vigas cruzadas no era bastante por sí solo para producir este estilo revolucionario de la arquitectura gótica. Fue necesario cierto número de otras invenciones técnicas para que el milagro pudiera realizarse. Los arcos redondos del estilo románico, por ejemplo, resultaron inadecuados para los fines de los arquitectos góticos. Y ello por la razón siguiente: si nos proponemos salvar la distancia entre dos pilares con un arco semicircular, sólo podemos hacerlo de una manera, alcanzando la bóveda a determinada altura, ni mayor ni menor. Si deseamos hacerla más alta, tenemos que hacer el arco más empinado. Lo mejor, en este caso, es descartar el arco semicircular y lograr que dos segmentos de arco se encuentren en un punto. Esta es la idea a. que responden los arcos apuntados. Su gran ventaja es que se los puede variar a voluntad, haciéndolos más chatos, o puntiagudos de acuerdo con las exigencias de la estructura. Otro aspecto más ha de tenerse en cuenta. Las pesadas piedras de la bóveda no presionan solamente de arriba abajo, sino también hacia los lados, a la manera de un arco puesto en tensión. Los pilares solos no bastaban para resistir esta presión lateral, por lo que resultaron necesarios sólidos contrafuertes que mantuvieran el conjunto de la estructura. En las bóvedas de las alas esto no resultaba muy difícil, ya que los contrafuertes podían construirse por la parte de fuera; pero ¿cómo hacerlo para la nave central? Ésta tenía que ser aguantada desde el exterior a través de los tejados de las alas. Para ello, los arquitectos introdujeron los arbotantes, que completaron el andamiaje de la bóveda gótica. Una iglesia de este estilo parece quedar suspendida entre esas finas estructuras de piedra, como la rueda de una bicicleta entre sus débiles radios. En ambos casos es la propia distribución del peso la que permite reducir cada vez más el material necesario para la construcción, sin dañar la solidez del conjunto.

Sería equivocado, no obstante, considerar principalmente estas iglesias como proezas ingenieriles. Los artistas procuraron que percibiéramos y admiráramos el atrevimiento de su empresa... En el interior de una catedral gótica se nos hace comprensible el complejo juego de fuerzas que sostiene en su sitio a la elevada bóveda. Allí no existen muros compactos ni macizos pilares en parte alguna. El conjunto del interior parece entretejido de flechas y vigas sutiles; su red cubre la bóveda y se desliza a lo largo de las paredes de la nave para ser recogida por los pilares que forman como haces de varillas de piedra. Hasta los ventanales están distribuidos en medio de esas líneas entrelazadas, conocidas con el nombre de tracería.

Las grandes catedrales, iglesias episcopales (cathedra = sede del obispo) de finales del siglo XII y principios del XIII, fueron concebidas en tan atrevida y magnificente escala que pocas, si es que hubo alguna, se concluyeron exactamente como habían sido planeadas... sigue proporcionando una experiencia inolvidable penetrar en esos vastos interiores cuyas dimensiones parecen empequeñecer todo lo simplemente hum ano y minúsculo. Apenas podemos imaginar la impresión que esos edificios debieron causar en quienes sólo habían conocido las pesadas e inflexibles estructuras del estilo

románico. Esas iglesias más antiguas, en su solidez y fuerza, pudieron expresar algo de la Iglesia militante que ofrecía protección contra los ataques del mal.

Las nuevas catedrales proporcionaban a los creyentes un reflejo del otro mundo. Habrían oído hablar en himnos y sermones de la Jerusalén celestial, con sus puertas de perlas, sus joyas inapreciables, sus calles de oro puro y vidrio transparente (Apocalipsis 21). Ahora, esa visión descendió del cielo a la tierra. Las paredes de esos edificios no eran frías y cerradas. Se hallaban formadas de vidrios coloreados que brillaban como una piedra preciosa. Los pilares, nervios y tracerías se realzaban con oro. El fiel que se entregase a la contemplación de toda esta hermosura sentiría que casi había llegado a comprender los misterios de un reino más allá del alcance de la materia.

Hasta cuando se miran de lejos, estas construcciones maravillosas parecen proclamar las glorias del cielo. La fachada de Notre Dame de París es, tal vez, la más perfecta de todas ellas. Tan diáfana y sin esfuerzo aparente es la distribución de pórticos y ventanales, tan flexible y gracioso el trazado de las galerías, que nos olvidamos del peso de este monte de piedra, pareciendo elevarse el conjunto de la estructura ante nuestros ojos como un espejismo.

Extraído de "Historia del Arte" de Ernst Gombrich

Catedrales góticas: el triunfo gótico en Europa

2026-06-09T09:14:24.124-03:00

Catedrales, el triunfo gótico en Europa por Josep Tomás Cabot y Carles Padró Sancho(pdf, 19 páginas)

Tras una época de recogimiento basada en el temor y el respeto a Dios, nuevos aires tratan de mostrar su benevolencia. Las grandes catedrales góticas se elevaron al cielo a lo largo y ancho de Europa para transmitir la gloria divina mediante el culto a la luz, el color y la grandiosidad. Dossier publicado en la revista Historia y Vida nº482 (mayo, 2008).

Material obtenido gracias al aporte de: Saladehistoria.com

Por más bibliografía visita: http://depasoarte.blogspot.com/p/libros-revistas-articulo.html

Presentación sobre Arte y Cultura Medieval

2026-05-26T16:19:45.683-03:00

Publico una muy interesante presentación elaborada por el profesor Pablo Torre Costa para http://www.histo.tk/

Se abordan, de forma clara y con buenos ejemplos, las principales características y su significado del arte medieval, desde la pintura, arquitectura hasta la música. A su vez, nos permite ubicarnos en el contexto de dicho período histórico y las principales manifestaciones artísticas y culturales.

Arte y Cultura Medieval

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Características del Arte Románico

2026-05-26T16:17:30.766-03:00

Juicio Final (1130).
Portada de la Abadía de San Pedro.
(Moissac, Francia)

Iglesia de San Clemente
(Taull, Lérida).
Hacia 1123

Un arte al servicio de la religión

Debemos ubicarnos en Europa Occidental en torno al año 1000. Por todas partes (salvo excepciones) la importancia de las ciudades ha decaído, mientras predominan las pequeñas comunidades asentadas en aldeas y villas, dedicadas a las tareas agrarias y sometidas al poder de un noble o de un monasterio. El comercio se ha reducido a su mínima expresión, así como el uso de la moneda, y los niveles de vida y cultura han decaídos concentrados en pocas manos. Es, en este mundo de campesinos, donde se desarrollará el arte románico, "el primero de los denominados estilos europeos, dada la difusión que alcanzó en una gran parte del occidente continental". Si nos adentráramos en una comunidad aldeanas, dejando de lado el castillo donde el noble controla su feudo, "sólo un edificio llamará nuestra atención: la iglesia". No es de gran tamaño, pero está realizada en piedra y parece hecha para durar, si lo comparamos con las pobres viviendas campesinas. La construcción simboliza, por un lado, a la comunidad que la ha levantado y que en ella se reúne para la misa de los domingos; por otro, representa, sobre todo, el poder de la Iglesia. Otros ejemplos de la importancia religiosa en la sociedad alto medieval europea es los monasterios, dispersos por el territorio y organizados casi de forma autosuficientes.

Para fines del siglo XII, el arte románico se ha extendido también a las ciudades, sobre todo a aquéllas que se hallan en las rutas de peregrinación. En ellas, "la iglesia se ha convertido en catedral y su tamaño ha aumentado considerablemente".

En el románico, "la arquitectura juega un papel fundamental, mientras que la escultura y la pintura se supeditan a ella. De este modo, el templo románico sintetiza a la perfección la mentalidad de una época y de unos hombres para quienes Dios (y, por tanto, la Iglesia Cristiana, que lo representaba en la tierra) era el supremo poder, más allá de las fuerzas temporales que los nobles o los propios reyes pudiesen tener."

Escultura y pintura: la religión a través de las imágenes

Tímpano. Iglesia de la abadía de la Santa Fe. (1135). Francia

Majestad Batlló.
Mediados siglo XII

En una sociedad donde predominan los campesinos, que en su mayoría son analfabetos, las palabra del sacerdote se van a ver complementadas con las imágenes. Ese es el fin de la escultura y la pintura románicas: servir de adoctrinamiento visual, empleando la imagen al servicio de la religión.

Pantocrátor. (1123). Iglesia de San Clemente.
Taull, Lérida

Predominan las imágenes en las portadas de las iglesias y catedrales, de manera que los fieles puedan contemplarlas ya antes de entrar en el templo: relieves que muestran, por lo general, que "Jesucristo ha de volver una segunda vez a la tierra y que lo hará para juzgar a los vivos y a los muertos". Ese es el sentido del Pantocrátor o Cristo Juez que encontramos en muchos de los tímpanos románicos. Un modelo semejante se desarrollará también en los ábsides, espacios que cierran el presbiterio y hacia donde se dirigen las miradas de los fieles durante las ceremonias religiosas, aquí se recurrirá habitualmente a la representación pictórica. Pero el románico aprovecha otros soportes y otros espacios para difundir la doctrina, ya sean los capiteles de las columnas, los propios muros de las iglesias o las paredes de los claustros monásticos. En ocasiones, se recurre a la escultura en bulto redondo con las mismas finalidades.

Todas estas obras de carácter religioso comparten características similares: carecen de perspectiva, son geométricas y frontales y, muchas veces, la actitud de los personajes es hierática. "Pero, ¿qué importa todo ello si los fieles acaban percibiendo con claridad el mensaje de que o se salvan o acabarán eternamente condenados a las llamas del infierno?"

Arquitectura Románica: la Iglesia
Es la Iglesia la que simboliza, a la perfección, en qué consistió la arquitectura románica y cuáles fueron sus características básicas: una construcción de piedra, con gruesos muros y escasos vanos, por los que una escasa luz logra penetrar al interior del edificio. Desde es punto de vista técnico, las iglesias románicas son de gran simplicidad: los maestros constructores de la época no hacen grandes alardes; antes que nada lo que quieren es que el edificio se les venga abajo. "Por eso el grosor de los muros, por eso la presencia de contrafuertes que los refuerzan..."

Iglesia de San Martín. (1066).
Frómista. Palencia.

Interior de la iglesia de la abadía. de Saint-Georges.
Inicios del siglo XII.
Saint Martins de Boscherville. Francia.

Sin embargo, tal simplicidad no deja de transmitir belleza y armonía. "La iglesia es como una cruz alzada en piedra (cruz latina), dividida en naves mediante columnas o pilares, sobre los cuales apean arcos de medio punto, mientras las bóvedas son de cañón sencillo o de aristas. La portada principal suele disponerse a los pies, tal vez acompañada de torres, pudiendo haber otras entradas en los extremos del transepto. En el crucero, el alarde arquitectónico ha podido llevar a levantar un cimborrio, una cúpula si lo vemos desde el interior".

Claustro. Monasterio de Santo Domingo.
(Fines del siglo XI - Comienzos del siglo XII).
Silos, Burgos.

A su vez, en una época en la que la gran mayoría de la población era analfabeta, la iglesia va a convertirse en un soporte material que permite a los fieles ver los misterios de la religión cristiana: la vida y muerte de Cristo, los tormentos que esperan a quienes en la tierra no se ganen el cielo, el juicio final... Los elementos de la arquitectura se transforman relato religioso: el creyente visualiza lo que el sacerdote predica.

Con el tiempo este modelo inicial irá cambiando: por ejemplo con elementos para permitir mayor ingreso de luz o se desarrollaran las catedrales, en ámbitos urbanos, Todas ellas comparten, en distinta medida, estos principios, aunque su tamaño sea mayor y su planta y alzado más complejos.

Catedral. Iniciada en 1064. (Torre de 1173).
Pisa, Italia.

Otros sitios recomendados:
Guía sobre arte románico español
http://arthistoryresources.net/ARTHmedieval.html#Romanesque

Material elaborado gracias a datos e imágenes de: http://aprendersociales.blogspot.com/

La iglesia militante siglo XII

2026-05-22T11:41:26.536-03:00

"No es fácil imaginar hoy lo que significaba una iglesia para la gente de aquella época. Tan sólo en algunas antiguas villas de regiones agrícolas podemos vislumbrar algo de su importancia. La iglesia era a menudo el único edificio de J piedra de los alrededores, la única estructura considerable en varios Kilómetros a A la redonda, y su campanario era un hito o señal para todos los que se acercaban desde lejos. En los domingos y durante los servicios divinos, todos los habitantes de la ciudad podían congregarse allí, y el contraste entre el elevado edificio con sus pinturas y sus tallas y las moradas humildes y primitivas en las que transcurría en las vidas de aquellas gentes debió ser abrumador. No es de extrañar que la comunidad entera se interesase en la construcción de estas iglesias y se enorgulleciera de su ornamentación. Hasta desde el punto de vista económico, la construcción de un monasterio, que exigía años, debió transformar a toda una ciudad. Extraer piedras de las canteras y transportarlas, levantar andamios adecuados, emplear artesanos ambulantes que traían consigo relatos de lejanos países, todo esto constituía un verdadero acontecimiento en días tan remotos. La edad de las tinieblas no había borrado en modo alguno de su memoria el recuerdo de las primeras iglesias, las basílicas y las formas que utilizaron los romanos en sus construcciones. La planta, generalmente, era la misma: una nave central que conducía a un ábside o coro y dos o cuatro alas laterales. A veces, este simple plano se enriquecía con cierto número de adiciones. Algunos arquitectos preferían la idea de construir iglesias en forma de cruz y, así agregaron lo que recibe el nombre de crucero entre el coro y la nave. La impresión general que producen estas iglesias normandas o románicas es, sin embargo, muy distinta de la de las antiguas basílicas. En las más primitivas de éstas se emplearon columnas clásicas que sostenían rectas cornisas. En las iglesias románicas y normandas hallamos por lo general arcos semicirculares que descansan sobre pilares macizos. La impresión de conjunto que estas, iglesias producen, tanto desde dentro como desde fuera, es de compacta, solida. Hay en ellas escasa ornamentación, incluso escasos vanos, pero sí firmes y continuas paredes y torres, que nos recuerdan las fortalezas medievales. Estos poderosos y casi retadores cúmulos de piedra erigidos por la Iglesia en tierras de campesinos y de guerreros que acababan de emanciparse de la forma de vida que habían odiado, parecen expresar la idea misma de la Iglesia militante, esto es, la idea de que aquí, sobre la tierra, la misión de la Iglesia es combatir las fuerzas oscuras hasta que la hora del triunfo suene en el día del juicio final.

Hubo un problema relacionado con la construcción de iglesias que preocupó a todos los buenos arquitectos. Fue la tarea de dar a esos impresionantes edificios de piedra el digno remate de un techo también pétreo. Los techos de madera, que habían sido los usuales en las basílicas, carecían de dignidad y habían sido peligrosos por incendiarse fácilmente. El arte romano de abovedar tan espaciosas construcciones requería gran cantidad de conocimientos técnicos y de cálculos que, en gran parte, se habían perdido. Por ello, los siglos XI y XII se convirtieron en un período de experimentos incesantes. No era asunto de poca monta cubrir todo el vano de la nave principal con una bóveda. La solución más sencilla se diría que consistía en salvar la distancia a la manera de un puente sobre un río. Se construían enormes pilares a ambos lados para sostener las vigas de esos puentes. Pero pronto se vio claro que una bóveda de esta suerte tenía que quedar firmemente unida si no se quería que se hundiese, ya que el peso de las piedras era extremadamente grande. Para soportar esos pesos enormes, las paredes y los pilares tenían que ser construidos más fuertes y macizos todavía. Se necesitaban grandes masas de piedra para esas primitivas bóvedas de túnel o de cañón. Por ello, los arquitectos normandos comenzaron a intentar otro sistema. Vieron que realmente no era necesario hacer tan pesado todo el techo, pues bastaba con tener un cierto número de sólidas vigas que cubriesen la distancia para rellenar luego los intersticios con materiales más ligeros. Se advirtió que el mejor método para proceder así era extender las vigas o nervios cruzados entre los pilares, rellenando después los intersticios triangulares resultantes. Esta idea, que prontamente revolucionaría los sistemas de edificación, puede ser seguida retrocediendo hasta la catedral normanda de Durham, aunque el arquitecto que planeó la primera bóveda con nervios para su sólido recinto interior apenas se dio cuenta de sus posibilidades técnicas.

Donde se empezaron a decorar las iglesias con esculturas fue en Francia. La palabra actual decorar es un tanto engañosa. Todo cuanto perteneciera a la Iglesia tenía su función específica y debía responder a una idea concreta relacionada con el adoctrinamiento de la fe (...) No debemos esperar que tales esculturas parezcan tan naturales, ágiles y graciosas como las obras clásicas. Son más intensas, por su maciza solemnidad. Es mucho más fácil saber de un golpe de vista qué representan, y se ajustan mucho mejor a la grandiosidad del edificio. Cada detalle, en el interior de la iglesia, era cuidadosamente estudiado en relación con su mensaje y su sentido (...) Y lo mismo que con las formas sucede con los colores. Dado que los artistas ya no se sentían obligados a estudiar e imitar las gradaciones reales de las manchas que aparecen en la naturaleza, pudieron elegir libremente cualquier color que les gustara para sus ilustraciones. El oro brillante y los luminosos azules de sus obras de orfebrería, los colores intensos de sus libros iluminados, el rojo encendido y los verdes profundos de sus vidrieras muestran que esos maestros hicieron buen uso de su independización de la naturaleza. El verse libres de la necesidad de imitar el mundo de las cosas visibles fue lo que les permitió transmitir la idea de lo sobrenatural."

E. H. Gombrich "La historia del Arte", Ed. Phaidon P. L., 1997

Iglesia de San Martín de Tours (Frómista) España, situada en el Camino de Santiago de Compostela. Mediados del siglo XI

Fachada Oeste

Planta

Nave central

Catedral de Durham en Inglaterra, 1093.

Declarado Patrimonio de la Humanidad desde 1986

Plano

Nave central

Claves para comprender el arte medieval

2026-05-18T22:22:09.020-03:00

"La espiritualidad que impuso el cristianismo fue, en buena medida, una reacción contra el hedonismo corporal del paganismo grecorromano. Aquella nueva religión monoteísta... concebía el universo como algo lastrado por una parte baja, material, que el ser humano debía superar para ascender a otra dimensión más elevada, la espiritual. El cuerpo era ahora reprimido y denostado.

LO TRASCENDENTE Y LO SENSIBLE

La extraordinaria propagación del cristianismo y su conversión final en la religión oficial del Imperio trajo como consecuencia la ruina de muchos talleres artísticos: ya no se necesitan imágenes de dioses, y tampoco estaba bien visto halagar de a los sentidos con las creaciones... que pudieran estimular el deleite por las cosas terrenales.

Y sin embargo, también los cristinos quisieron representar sus creencias y contar la 'historia sagrada'. Había en su religión una vocación universal, lo cual implicaba la necesidad de llevar a todos los hombres y mujeres del mundo el mensaje del Salvador: si el pueblo no sabía leer era legítimo e incluso necesario enseñarle la verdad mediante imágenes clarificadoras.

De aquí arranca una contradicción fundamental que ha condicionado (y vivificado) mucho el desarrollo del arte medieval: cómo aludir a lo trascendental recurriendo a las representaciones sensibles; o dicho de otra manera, cómo hacer imágenes seductoras de los santos, de las personas divinas y de los relatos religiosos sin que eso significase complacencia en los "placeres mundanos". La solución parece haber sido estilizar las representaciones, geometrizar, eliminando las gradaciones sutiles del color y claroscuro. El arte no sería, pues,... una copia del mundo sino un medio para sugerirnos la existencia del más allá.

EL ARTE ROMÁNICO Y LA GEOMETRÍA

(...) con el románico se incrementó el primado de la geometría; el marco condicionaba la apariencia de las figuras y éstas se subordinaron... al lugar del edificio en el que se había de colocar; las cabezas eran muy grandes con relación al tamaño de los cuerpos, destacando mucho los ojos, habitualmente gigantescos, como si expresaran un impulso "visionario"... sugerir un mundo interior, una entidad inmaterial.

LA LUZ DEL GÓTICO

"El arte gótico está plagado de seres irreales y de ensoñaciones delirante: por todas partes hubo sirenas, grifos, híbridos demoníacos, hombres salvajes, unicornios y una prodigiosa flora inventada. Nunca se ha conocido, además, un sistema arquitectónico tan "desmaterializado" como el que se inventó en los alrededores de París a principios del siglo XIII (extendido en seguido por toda Europa): el muro de las iglesias desaparecía para ser sustituido por ventanales multicolores... las presiones se llevaron a los "nervios", el templo gótico ideal se concebía como una especie de jaula abierta... con la luz. Nada parecía tener peso. Gracias al sofisticadísimo artificio de la técnica constructiva, combinado con el arte de la vidriera, parecía lograrse el milagro de la ingravidez."

Selección de fragmentos de "Historia del Arte", Autor Beatriz del Castillo entre otros. Ediciones SM, Madrid, 2003.

Urbanismo Romano

2026-05-05T16:55:00.000-03:00

"(...) Tenía que ser (...) cosa del destino el nacimiento de tan grande ciudad y el comienzo de la mayor potencia después de la de los dioses. (Tito Livio)"

Entre las fechas míticas de la fundación de la ciudad de Roma (hacia el 750 a.C.) y la de su caída (476 d.C.), se desarrolla una de las civilizaciones más universales que ha existido. Roma, en principio era sólo una ciudad, se convirtió en la capital de un imperio inmenso. El ideal, para los habitantes, era imitar al ciudadano romanizado.

De la civilización romana admirables las características peculiares que supo desarrollar, pero también la forma en que asimiló la sabiduría de todas las grandes civilizaciones de la antigüedad que le precedieron y cómo difundió ese conocimiento por un extenso territorio, convirtiéndose en un modelo de civilización para toda la cultura occidental.

El mundo romano, a pesar de su magnitud, no hubo formas de artes locales, sino que en todas las provincias se trató de realizar el modelo de la capital; tampoco fue la evolución de la experiencia personal, como en Grecia, la que nos permite distinguir etapas, sino la realización de valores que ya están presentes desde los tiempos míticos: universalidad, utilidad y belleza.

Coliceo, Roma, Siglo I d.C.

Urbanismo y Arquitectura Romana

El concepto de ciudad romana es de origen etrusco, aunque Roma estará condicionada por una topografía difícil y sus vestigios del pasado. Roma, será una ciudad densa y caótica, con barrios humildes que se incendiaban regularmente, y atestada de monumentos. La tradición legendaria cuenta cómo desde sus orígenes se trazó un surco que se interrumpía para dejar espacio a las puertas y junto a la cual había una franja de terreno sagrado. Dos calles que cruzaban en ángulo recto: el cardo (Norte-Sur) y el decumanus (Este-Oste), simbolizando el universo y dividían la ciudad en cuatro sectores (Roma-quadrata), aquí se edifican los templos y los sacrificios fundacionales. Así se trazaban las otras ciudades. El trazado de vías menores se hacía de forma ortogonal. En el cruce de las vías principales estaba el Foro, Templos y Mercado. Otros edificios como: basílicas, termas, fuentes, bibliotecas, pórticos, monumentos conmemorativos, etc.

Las ciudades romanas, imitaban esta arquitectura monumental y se distinguía por edificios que plasmaban la gloria de Roma.
Exigían importantes obras de ingeniería, para mantenerla comunicada, limpia y abastecida. Los romanos también heredaron de los etruscos, que construyeron puentes, acueductos, etc.

Las calzadas y puentes aseguraban la comunicación entre las ciudades, el resto de los edificios de ingeniería (acueductos, cloacas, termas y cisternas) están en función del abastecimiento y evacuación del agua. Las termas, edificios públicos de baños, eran costeadas por el emperador o por los ciudadanos más ricos. Estas construcciones se fueron ornamentando y considerando parte de la arquitectura civil.

Atendiendo a su origen (campamento militar, nueva planta, heredera de un asentamiento anterior, etc.) y a su localización geográfica, la planta de las ciudades difería notablemente. Pero todas ellas fueron contando con los principales elementos de poder y prestigio entre las que sobresalían las construcciones públicas que son tan reconocibles en todas ellas: el Foro, las Termas, la Curia, templos, cloacas, vías, puentes,... Además algunas de ellas contaron con circos, teatros, anfiteatros, arcos de triunfo, etc. todas las ciudades contaban con dos calles principales denominadas Cardo Maximo y Decumano Maximo, además de otros elementos como aparecen explicados en el siguiente vídeo.

http://www.artehistoria.com/civilizaciones/videos/278.htm
http://reenciso2.blogspot.com

Datos extraídos de : "Historia del Arte 2" Belén Pallol, Ediciones SM, Madrid, 2003