ARTE, PINTURA Y GENIOS.

Adolfo Arenas Alonso: Deliciosa decrepitud.

2014-06-02T13:05:00.000-07:00

Adolfo Arenas Alonso, (Sevilla, 1972). Artista español. Formado en La Escuela de Artes y Oficios de Sevilla, para después continuar su formación en La Facultad de Bellas Artes de la misma ciudad.

Hecho a si mismo, de paso firme y mente lúcida. Marcado a fuego en el espíritu aventurero y romántico de los tenaces. Potencial a punto de estallar, en un juego de avance sin tiempo para frenar.

Decadencia, elegante banalidad, alardes de decrepitud y oscura lujuria recorren una obra reflejo de simbolismo. Salvaje estructura en una fórmula amarrada a luces y sombras, tenebrismo sin defecto, atisbos fieles de genialidad en un claro recuerdo a Durero, Kubin o Dix sin una mínima intención por imitar. Music Hall, Broadway o las míticas coreografías de Bob Fosse con poses extremas, retorcidas e icónicas, se vislumbran en unos trabajos enriquecidos por su sabia cultura visual. Sello único en un universo propio, oculto y reconocible para los que lo saben apreciar. Byron, Shakespeare, Dickens o Goya entremezclan sus esencias, resultado de tradición, evolución y traducción propia a un idioma personal. Sin excusas, frontal. Conceptual, técnico y envuelto en un aroma digno de siglos pasados. Su apetito voraz le concede a la creatividad un punto salvaje al alcance de minorías.

A continuación, os dejamos una pequeña muestra de algunos de sus trabajos. Que los disfrutéis…

Amore_amore (Lápiz sobre papel).

Bambalina_La Dolce Donna (Lápiz sobre papel)

Beso (Lápiz sobre papel).

Domenico (Lápiz sobre papel).

El conquistador (Lápiz sobre papel).

Faith Credo (Lápiz sobre papel).

Habitación 206 (Lápiz sobre papel).

Sinenobilitate Stravaganzza (Lápiz sobre papel).

Tempus Fugit (Lápiz sobre papel).

Franz von Stuck: Perversidad, pecados y misoginia

2013-04-23T12:03:00.002-07:00

Autorretrato en el estudio, 1905.

Franz von Stuck, pintor, escultor, grabador y arquitecto simbolista y modernista alemán, (Tettenweis, 24 de Febrero de 1863- Munich, 30 de Agosto de 1928). Hijo de una familia de campesinos de la Baja Baviera, será tras instalarse en Munich desde 1878 cuando forje su futura progresión y relevancia como artista. Formado en la Escuela de Bellas Artes Plásticas de la ciudad y con posterioridad en La Academia Real de Bellas Artes. Expone por primera vez en 1889, su obra "El guardian del paraiso" en el palacio de cristal de Munich con motivo de la Exposición Internacional celebrada en la ciudad. Obra por la cual, recibe su primer premio al obtener la medalla de oro del certamen. Con posterioridad, en 1892 se convierte en uno de los miembros fundadores de la denominada "Muchener Sezession" ("Secesión de Munich"). Un símbolo de la reacción de los jóvenes creadores contra un arte imperante y oficial anclado en el pasado. En definitiva, una pretendida defensa de la modernidad frente al anacrónico academicismo reinante.

En otro orden de cosas, a partir de la década de los noventa integra sus creaciones en un mensaje, contenido y forma eminentemente simbolista. De hecho, tan sólo un año después ve la luz la que será hasta la fecha su obra simbolista más reconocida: El Pecado (1893). Además en ese mismo año, obtiene la medalla de oro de la Feria Mundial de Chicago y es nombrado profesor real.

Docente en la Academia de Arte de Munich desde 1895 y posteriormente director, tuvo entre sus alumnos a figuras clave como: Paul Klee o Wassily Kandisky entre otros. Influido en gran parte por el prodigio de Arnold Böcklin, sus cuadros están repletos de referencias mitológicas en forma de faunos, ninfas o centauros. Especializado en el desnudo femenino, destaca en su producción la presencia de las llamadas: "femmes fatales", utilizadas en gran medida como excusa para plasmar desnudo el cuerpo de mujer y como escudo para un mensaje puramente moralizador. En un juego misógino, tendencioso y perverso que es conveniente denunciar.

Entre sus trabajos como arquitecto, es necesario destacar, la construcción y diseño de los planos, muebles y decoración interior de la llamada "Villa Stuck" entre los años 1897 y 1898. No en vano, su excelente talento para la estética, le valió la consecución de la medalla de oro en la Feria Mundial de París en 1900 por el referido diseño de los muebles. Además, como curiosidad especial atención merecen los marcos de sus pinturas diseñados o tallados por el mismo y considerados como un elemento incorporado a sus pinturas.

Excluido y relegado al ostracismo, sus detractores siempre alegaron una falta de originalidad en toda su producción. Simbolista de escaso desarrollo y mero plagiador de Böcklin, fueron los argumentos críticos que no le permitieron perdurar y alcanzar una dilatada celebridad. A ello, le debemos sumar un hecho de notable relevancia para frenar su impulso y reconocimiento posterior. Su obra bien recogida y alabada por el régimen nazi y la figura de Adolf Hitler, en particular, debido a la notoria exaltación de la masculinidad en sus trabajos, no hizo más que aumentar, aún si cabe, su marginal posición. Si bien, su genuino estilo mezcla de alegorías, enigmas y siniestras atmósferas le han valido un espacio que es inevitable recordar.

Amor Imperator, 1887-88.

Wild Chase, 1889.

Lucifer (grabado), 1890.

Lucifer, 1890.

The murderer, 1891.

El pecado, 1893.

Der Krieg, 1894.

El beso de la esfinge, 1895.

Wild Hunt, 1899. Caza salvaje.

Wounded amazon, 1903.

Sphinx, 1904.

Dos hombre luchando por una mujer, 1905.

Salomé, 1906.

Inferno, 1908.

El baño de Susana, 1913.

Agua y fuego, 1913.

Tilla Durieux, 1913.

Judith y Holofernes, 1927.

Adán y Eva.


Medusa.

Arnold Böcklin: Vibrante y dulce serenidad.

2013-04-22T12:19:00.001-07:00

Autorretrato con la muerte tocando el violín, 1874

Arnold Böcklin, pintor suizo (Basilea, 16 de Octubre de 1827- Fiesole, Florencia, 16 de Enero de 1901). Formado inicialmente en dibujo en la ciudad de Basilea, con posterioridad, prosigue sus estudios en la Academia alemana Kunstakademie de Düsseldorf, donde entra en contacto con artistas de la talla de: Carl Friedrich Lessing y Anselm Feuerbach. Tan sólo un año después decide trasladarse a París, aunque a comienzos de los cincuenta se asienta en Roma para instalarse durante cinco años continuados en tierras italianas, un periodo fundamental para impregnar a su pintura la luz y halo romanos que tanto le sirvieron. De hecho, el descubrimiento de la cultura clásica de primera mano ocasionó que se iniciase en la reproducción de escenarios intercalados con la mitología. Terminada su estancia en Roma, retorna a Basilea donde imparte clases en la Academia de Weimar. Ocupación que abandona para viajar de nuevo por Roma, Pompeya, Munich, Florencia y regresar otra vez a Basilea. Finalmente, seis años antes de morir fija su residencia definitiva en Florencia, concretamente en la Villa Bellagio, en San Domenico, donde ha de fallecer.

A lo largo de los años ochenta, comienza un relevante interés por su obra del rey Ludwig I, hecho capital para asegurarse un prestigio y éxito sólidos. Asimismo, el conde Von Schack, espléndido coleccionista le concede un gran número de encargos. Además a partir de la década de 1880, sus creaciones fueron adquiridas con gran notoriedad en los círculos de Berlín o Dresde. No obstante, es necesario apuntar que en vida no gozo de la comprensión y tratamiento (sobre todo en Francia) que su obra mereció.

Hombre muy temperamental, alejado de los sentimientos decadentes o descorazonados del simbolismo puro. Sus trabajos alegóricos, románticos y fantásticos plagados de referencias y figuras mitológicas pronto se convirtieron en un caballo de batalla inaudito y vehemente preludio ineludible de surrealismos futuros. Faunos, centauros, sirenas o ninfas subrayan una primera etapa creativa, definida décadas después por la conjunción de viejas leyendas germánicas que le confieren a su legado un aura fúnebre, onírica y tormentosa que es necesario descubrir. Suya es, una atmósfera insólita y obsesiva asociada inmediatamente a un hombre y su fantástica visión de la realidad.

Siniestra y dramática poesía de unas obras conectadas con unas vivencias y trayectoria fundamentales para entender su extraordinaria seña de identidad: "Con tan sólo veinticinco años de edad, durante su primer viaje a la capital romana, se casó con la hija de un guarda pontificio que entre 1855 y 1876 fue la madre de sus once hijos. Cinco de ellos fallecieron muy pequeños, y en dos ocasiones en 1855 y 1876, la familia al completo sufrió letales epidemias de cólera. No en vano, estás trágicas circunstancias no hacen más que profundizar su sensibilidad y nos ayudan a entender, el romanticismo y extraña alegoría tenebrosa de sus pinturas".

Influencia directa o cercana entre otros de: Giorgio de Chirico, Max Ernst o Salvador Dalí.

La Chasse de Diane, 1862

La Complainte du berger (Daphnis et Amaryllis), 1866.

Marie Madeleine pleurant le Christ mort, 1867.

La muerte de Cleopatra, 1872.

Angelica guarded by a dragon, 1873.

Vestale, 1874.

Idylle, 1875.

Medusa, 1878.

Le jeu des vagues, 1883.

La isla de los muertos, 1883.

Combat sur un pont, 1889.

La noche, 1895.

La guerra, 1896.

La guerra II, 1896.

La peste, 1898.

Centauro y ninfa.

Félicien Rops: Baudelaire, satanismo y muerte.

2013-03-07T11:32:00.000-08:00

Félicien Rops, grabador, diseñador y traductor pictórico belga del satanismo de Charles Baudelaire, (Namur, 7 de Julio de 1833- Essonne, cerca de París, 23 de Agosto de 1898). Formado originariamente en La Academia de artes de Namur, con posterioridad se traslada a La Universidad libre de Bruselas donde cursa estudios de derecho, y los compagina con sus repetidas visitas al estudio Saint-Luc. Fundador del medio satírico "Uylenspiegel" en 1856 en compañía del novelista Charles de Coster, ejerce durante algún tiempo como caricaturista para dicha publicación. Años después, su prestigio, imparable actividad y alta profesional, le confieren el rango de vicepresidente de La Sociedad libre de Bellas Artes de Bruselas, desde 1868 o la posibilidad de fundar la Sociedad de aguafuertistas en 1870. Asentado en París desde 1874, recibe una extraordinaria acogida en la capital francesa por eminentes figuras simbolistas tales como: Puvis de Chavannes o Gustave Moreau. Amigo personal e íntimo del escritor Charles Baudelaire, realiza el frontal en aguafuerte de la obra Los despojos "Les Épaves", una selección de 23 poemas censurados y provenientes de Las Flores del mal. Controvertida y escandalosa colección, censurada y dilapidada por el régimen de Napoleón III. No obstante, pese a la irreverencia y patente desafío en estas obras, le reportan un tremendo éxito y la fructífera colaboración con escritores como Josephin Péladan o Barbey d´Aureville, los cuales reclamaron sus servicios para ilustrar icónicos legados de su producción.
Creador incansable, la pérdida de visión en sus últimos años, no le impidieron centrarse en dos de ocultas y tardías pasiones: la botánica y la invención de novedosas variedades de rosas.

Fantástico, sórdido, nocturno, libertino, crápula, decadente, anticlerical, legendario, controvertido...estos son algunos de los términos que giran en torno a la descripción de su persona. Juzguen ustedes mismos.

Autorretrato satánico, 1860.

El orden reina sobre Varsovia, 1863.

La muerte del baile de máscaras, 1865-1875.

El ahorcado de la campana, 1869.

La vieja de Amberes, 1873.

La bronca, 1877.

Fuego, 1878.

La tentación de San Antonio, 1878.

Pornokrates, 1878.

Hipocresía, 1880.

Acoplamiento prehistórico, 1880.

El rapto, 1882.

El sacrificio. Las satánicas, 1882.

El secreto de una partida de Whist. Las diabólicas, 1883.

La muerte bailando, 1885.

Portada de Los despojos "Les Épaves"

Nick Knight: Moda, demonios y explosión.

2013-02-06T11:51:00.001-08:00

Nick Knight, (1958-), fotógrafo británico. Alumno en el Greenhead College de Huddersfield, con posterioridad ingresa en el Bounemouth and Poole College of Art and Design donde da por concluida su formación profesional. Dedicado al mundo de la moda y la publicidad, en cambio, durante su primera etapa productiva y de estudiante publica la obra Skinheads (1982) con un claro contenido crítico y social. Centrado en exclusiva en la imagen, la revista ID le brinda una oportunidad excelente para explotar a lo grande su ingente creatividad. De hecho, el encargo de cien retratos para dicha publicación y su excelente resultado, le otorgaron la posibilidad de enlazar con el catálogo del célebre Yohji Yamamoto de 1986. Una exitosa colaboración, fundamental, para su inmediato reconocimiento y prestigio internacional. No en vano, a partir de este momento su seña de identidad le convierte en autor de referencia ineludible para las principales marcas a nivel mundial.

En su dilatada producción, ha sido galardonado con multitud de premios, entre los que cabe destacar los recibidos por sus colaboraciones con revista como Vogue, W magazine o Visionaire, así como por proyectos de moda para marcas de la talla de Levi Strauss, Alexander McQueen ,Yves Saint Laurent, o la firma Dior.

Asimismo, convertido en un artista polifácetico e incombustible, en su haber destaca la realización de portadas de discos para David Bowie, George Michael, Paul Weller, Björk, Massive Attack y Suede, así como el lanzamiento del revolucionario portal virtual en el año 2000 de: Showstudio.com, centrado en la presentación de videos de moda, experimentales o de diseño.

Actualmente, gran parte del público lo reconoce como el "fotógrafo de Lady Gaga". Debido a la estrecha (y discutida) colaboración profesional que le une con la cantante.

Skinheads, 182.

Skinheads, 1982.

Susie Smonking, 1988.

War, 1997.

Levi Strauss, Denver Cowboy.

Devon, 1997.

Dolls, 2000.

Campaña para Alexander McQueen, 2004.

Beasting, Spring/ Summer 2007

Beasting, Spring/ Summer 2007.

Naomi.

Campaña para Alexander McQueen, 2010.

Lady Gaga, 2010.

Zac Freeman: Basuras con arte.

2013-02-04T11:16:00.000-08:00

Zac Freeman (1972-), artista norteamericano. Graduado por la universidad de Jacksonville, presenta en su producción un uso inédito de toda aquella basura que no volveremos a utilizar. Arte del reciclaje o "creación del desperdicio", sea como fuere, su portentosa creatividad y espléndida visión de futuro le han permitido generar multitud de obras originales y maestras sin género de discusión.
Inmerso en la recolección de materiales de desecho desde 1999, reconvierte y manipula hasta aportar un repleto colorido al ojo satisfecho del espectador.
Reconocido a nivel internacional, ha expuesto entre otros lugares en: Londres, Chicago, New York, Canadá, Chelsea, Miami,...

Dave, 2000.

Chuck, 2007.

Jerry, 2007.

Autorretrato, 2008.

Mike, 2010.

Travis, 2010.

Peter, 2011.

Steve, 2012.

Absolut Blank.

Detalle I.

Detalle II.

Gustave Courbet: Realismo, orígenes y revolución.

2013-01-29T12:04:00.001-08:00

Courbet por Nadar, 1855.

Jean Désiré Gustave Courbet, pintor realista francés, (Orleans, 10 de Junio de 1819- La-Tour-de Peilz, Suiza, 31 de Diciembre de 1877). Establecido en la capital parisina desde 1839, tras un fallido intento por estudiar derecho decide dirigir su formación al mundo de las artes. Formado en La Academia Suisse y consagrado a la pintura, sus visitas diarias al Louvre y las copias que realizó de los maestros flamencos o españoles, resultan ser su experiencia pictórica más elemental. Recursos, técnica y conocimientos que pone en práctica y demuestra al participar en El Salón de 1845, con su obra: "El guitarrero y el hombre herido".
Parte activa de La Revolución liberal que sacudió Francia en 1848, su intervención política le valío la etiqueta o apelativo de artista peligroso. En este sentido, su cercana amistad con la figura anarquista de Proudhom, sustentada en gran medida por su similar sentido de la lucha, la política y el concepto de sociedad, le otorgaban una carga ideológica que es necesario resaltar. Encarcelado y sancionado tras su participación en la célebre Comuna de París (Al ser elegido diputado de la misma, propuso desmontar la columna de Vendome para transportarla a los Inválidos. Fue declarado responsable del deterioro de este monumento y condenado en 1871 a seis meses de prisión y a pagar 100.000 francos de indemnización), decidió exiliarse a Suiza en 1873 donde falleció apenas cuatro años después.

Pintor de paisajes y retratos durante el recorrido de su producción, desarrolla un estilo claramente naturalista que con posterioridad evoluciona hacia el realismo más puro. Opuesto frontalmente a la idealización, aboga por una muestra fidedigna del ambiente entroncado exclusivamente con lo real. Niega cualquier artificio y se encuentra a años luz de academicismos o espíritus clásicos. No cree en los cánones ni en arquetipos inventados, su pintura pretende ser un revulsivo vital, fresco y directo, a veces criticado por su excesivo y nefasto (a juicio de sus destractores) sentido de la vulgaridad o tendente gusto innecesario por la sensualidad. En definitiva, un empaste a base de vigorosas y tensionadas pinceladas, destinadas a conmover y suscitar certezas ante la enrarecida situación social.

Hombre moribundo, 1844.

Autorretrato. Hombre desesperado, 1845.

El hombre con el cinturón de cuero, 1846.

Charles Baudelaire, 1847.

Damas de pueblo, 1851.

El entierro de Ornans, 1851.

El estudio del pintor; Una alegoría real, 1855.

Desnudo con perro, 1862.

Pierre-Joseph Proudhon, 1865.

El arroyo sombreado, 1865.

El origen del mundo, 1866.

El sueño, 1868.

El lago Lemman y el pico Grammont, 1875.

Oliverio Toscani: Carácter, contenido y crítica en el mundo de la publicidad.

2013-01-16T11:57:00.004-08:00

Oliviero Toscani, fotógrafo italiano, (Milán, 1942). Nacido en el seno de una familia apasionada por el mundo de la imagen (Su padre era fotoperiodista para el célebre diario italiano: Corriere Della Sera), inicia su formación artística en La Universidad de Bellas Artes de Zurich a lo largo de la década de los sesenta. Ciudad en la que completa estudios superiores de diseño y fotografía en el año1965. Dedicado a la fotografía de moda a comienzos de su andadura profesional para prestigiosas marcas como: Vogue, Elle o Harper´s Bazar, será con posterioridad cuando centre en exclusiva su producción al mundo de la publicidad. De hecho, los años ochenta y su fructífera alianza con la firma italiana Benetton lo convirtieron inequivocamente en estandarte de la controversia y gurú del impacto o la estrategia comercial. No en vano, las más prestigiosas empresas (Toyota, Prenatal, Chanel,...) pretendían sus servicios, a fin de asegurar una icónica imagen promocional.
Asimismo, es responsable de la dirección del magazine Colors o de la creación del centro internacional de arte y de comunicación: La Fábrica. Un espacio abierto y dinámico destinado a la puesta en práctica de multitud de proyectos del terreno audiovisual o editorial: producción de programas para televisión, edición de libros,...

En los últimos años de su trayectoria profesional es necesario hacer mención al proyecto centrado y titulado La Raza Humana, es decir, un intento por dar cabida al conjunto de las expresiones físicas, culturales y sociales presentes en el planeta.
En otro sentido, su dilatada carrera le ha otorgado el beneficio de un reconocimiento merecido. Multitud de honores refrendan su talento: Premio Golden Lion, Premio Académico de La Universidad de Bellas Artes de Florencia o el premio de La UNESCO, entre otros ratifican, si cabe, su valía.

Dueño de un estilo tan ácido como particular (“Voy a enseñar la subversión. Hay que subvertir, es una energía que debe ser desarrollada por los jóvenes. El arte sin subversión no es necesario"), en su vasto recorrido ha perseguido en todo momento una memorable sensibilidad, reflejo crudo de la realidad e instintivamente sinónimo directo de una contundente provocación. Su obra alejada de los convencionalismos y deudora de un profundo espíritu crítico, retrata una temática fundada en la denuncia racial o la protesta ante los efectos (y acusada o relativa falta de interés institucional) del sida o la anorexia, siendo a la postre una antítesis de la frivolidad y vacío estético del reclamo comercial, la cual le concede una validez y embergadura que les recomiendo conocer.

Nota: En esta entrada, tan sólo se hara mención a las fotografías de sus campañas para Benetton.

Jane Evelyn Atwood: Condenas en una lente de cristal.

2012-12-20T14:58:00.000-08:00

Autorretrato.

Jane Evelyn Atwood, fotógrafa norteamericana residente en París desde 1971, (Nueva York, 1947) . Dedicada al mundo de la fotografía desde mediados de la década de los setenta. Una vez cumplidos los 30 años de edad, tra adquirir su primera cámara se decantó por retratar la postritución del barrio parisino en el que por entonces solía residir. Un excelente trabajo novel que imprimió a su incipiente carrera una fuerza y carácter unidosde por vida a su genial producción. Merecedora del galardón W. Eugene Smith en 1980, por su serie: Blinds (Ciegos), con posterioridad continuo por una senda combativa y crítica en constante maduración. No en vano, reportajes magistrales como: Women in prison (Un recorrido por más de cuarenta cárceles de EEUU, Europa o Europa del Este. 1989), Landmines (Víctimas de las minas antipersonas por territorios de Kosovo, Afganistán o Angola, captadas durante una investigación superior a los cuatro años), Darfur Reffuges, el seguimiento al primer enfermo de SIDA en Francia a lo largo de cuatro meses y medio o una de sus últimas series sobre la vida en Haiti antes del terremoto de 2010 (2008), le otorgan una posición capital en el devenir y conformación del fotoperiodismo actual a nivel internacional. Referencia obligada para las nuevas generaciones, en su extensa carrera profesional ha colaborado y trabajado para una inmensa lista de publicaciones: Life, Telegraph, The New York Times, The Independent,...
Premiada asimismo con multitud de distinciones, su obra ha sido exhibida a lo largo y ancho del planeta, siendo estas alguna de sus exposiciones más destacadas: Canon Gallery, Ginebra, 1982; Festival fotográfico St. Jean de la Ruelle, Francia, 1986; Villa Ghirlanda, Milán, 1990; Museo de Arte de Glasgow, 1994; Museo de Fotografía, Charleroi, Bélgica, 2001; Centro Francesca Bonnemaison, Barcelona, 2005; Meredith College, Raleigh, Carolina del Norte, 208;...

Como apunte final, especial mención merece una declaración de Jane sobre el discurso y proceso creativo desarrollado para llevar a cabo una de sus fotografías más icónicas y la serie Women in prison de una manera general: "Esta foto forma parte de un proyecto de diez años sobre mujeres encarceladas. Me concentré en delincuentes comunes de 40 centros penitenciarios -y algún corredor de la muerte- en Estados Unidos y otros nueve países europeos. Mi estímulo inicial fue la curiosidad, pero la sorpresa, el impacto y el desconcierto poco a poco ganaron terreno. Al final del reportaje el sentimiento ya era de rabia. Conseguir acceder [a las cárceles] fue extremadamente difícil. Pedía un permiso de siete días en cada prisión, pero aunque me lo concedieran desde las instancias más altas nunca sabía lo que me dejarían fotografiar. Dependía de los guardias, del alcaide y por supuesto de las reclusas. Nunca presioné a nadie para que me dejara hacerle una foto. Les explicaba a las mujeres lo que estaba intentando hacer y por qué, y ellas decidían si querían aparecer en mi libro. Algunas aceptaron ser fotografiadas, pero otras muchas no.

Jane en la actualidad.

Tan pronto como terminaba de fotografiar una cosa tenía que saber lo que quería fotografiar luego. Iba siempre acompañada por guardias, alguien de la administración y alguna persona de prensa, y por mi traductor cuando trabajaba en un país del que no conocía el idioma. Siempre había algo que no me dejaban fotografiar.
Esta foto la tomé en 1990 en la prisión de mujeres de Metz, en Francia, durante un 'parloir intérieur', un permiso de visita para parejas encarceladas simultáneamente por el mismo crimen. La pareja de la izquierda estaba en la cárcel por vender mobiliario de cocina inexistente. Fraude. Esperaban estas visitas con impaciencia, pero cuando se acababan solían deprimirse. No recuerdo con qué frecuencia se les permitía verse. Quizás una vez por semana.
La composición de la foto no necesita mucha explicación. Es perfecta para una doble página. Aun así, en algunas revistas en las que no se han parado a mirar la imagen ni leer el pie de foto me han llegado a pedir la 'fotografía de la izquierda' o la 'fotografía de la derecha'…
Por lo que vi mientras hacía el reportaje, la estrategia utilizada en las cárceles de mujeres era la humillación en lugar de la rehabilitación. Las que habían sufrido en el exterior continuaban siendo tratadas como ciudadanas de segunda clase cuando las encerraban. La cárcel no debería servir sólo para privar de libertad a la persona que ha cometido un crimen. No me gusta ver sufrir a nadie innecesariamente, ya sea hombre o mujer.
Por cada mujer que aparece en mis fotos cientos más pidieron que no las fotografiase, asustadas por las represalias que podían sufrir si decían la verdad, tanto fuera como dentro a cargo de los guardias. También hubo miles a las que ni siquiera dejaron que me acercara. Algunas se avergonzaban de hablar, a otras muchas les asustaba hacerlo. Pero la inmensa mayoría son simplemente silenciadas."

Prostitution, (1976-1977).

Blinds (Ciegos, 1980).

Women in prison (Mujeres en prisión, 1990).

George Hurrell: Glamour, esencia y épocas doradas.

2012-12-19T12:48:00.000-08:00

George Hurrell, fotógrafo norteamericano, (Kentucky, 1 de Junio de 1904-17 de Mayo de 1992). Formado en el Instituto de Arte de Chicago, desde la infancia mostró un especial interés por el mundo de la pintura o el dibujo. Disciplinas que una vez concluidos sus estudios en 1925, fueron vencidas por su exclusiva dedicación a la fotografía. Eleccion, quizás entre otras circunstancias, determinada por su experiencia como asistente de retratista para Eugene Hutchinson en 1923. En otro orden, definida su faceta artística tiene la suerte de retratar a la célebre aviadora Florence "Poncho" Barnes. Fabulosa carta de presentación para Hurrell, ya que Barnes encantada le recomienda para realizar una sesión de fotos a la estrella muda de cine Ramón Novarro. Una sesión espléndida para el actor que no duda en elogiar entre sus colegas el genial talento del autor. Así, y una vez introducido en el negocio de las celebridades, su relación con Hollywood y la MGM no puede ser más exitosa. Crawford, Gable, Garbo, entre otros muchos se deslizan delante de su flash. No obstante, a comienzos de los treinta (1932) un problema contractual con la Metro le lleva a independizarse y montar su propio estudio. Situado en pleno Sunset Boulevard, pasa a ser el punto de encuentro ineludible para el star system "actual". Con posterioridad, en 1938 decide dar por cerrada esta etapa e inicia una nueva aventura profesional esta vez vinculado a la Warner Brothers. Aquí, convierte en iconos a Bogart, Davis o Cagney, mientras que poco tiempo después, ya fichado por Columbia, es el principal valedor del éxito e icónica figura de la principiante Hayworth. Además de imortaliza a los esculpidos rostros de Hepburn o Harlow. Enrolado en la II Guerra Mundial dentro de la Unidad de Cine de la Fuerza Aérea estadounidense, de vuelta y expiradas las décadas de los treinta y cuarenta ya nada volvió a ser igual. El glamour había perdido toda la esencia que le hizo brillar. Ahora, Hurrell fuera de lugar y desposeído de la magia de épocas pasadas, se ve forzado a una reinvención profesional. Centrado en la publicidad o las maquetas, se refugia en la fotografía de películas como vía de escape a un portentoso ingenio que no se puede marchitar. De hecho, pese a estar retirado desde 1976 por su objetivo pasaron nuevas estrellas como Beatty, Travolta o Stone, sin olvidar el trabajo junto a leyendas como Newman o Redford. Además de esporádicas obras como la portada del disco del grupo de rock Queen: The Works (1984) con el retrato a Freddie Mercury como su valor capital.

Rey de la edad de oro del cine clásico, sus creaciones convertidas en iconos desde el instante del disparo le valieron el sobrenombre de "El señor del retrato hollywoodiense". Referenente obligado para las generaciones futuras, en su momento las glorias del séptimo arte peleaban por uno de sus flashes y se negaban a posar para nadie más. Dueño de una técnica basada en la delicadeza del enfoque, el exquisito manejo de la luz o la elegante imagen conferida a sus modelos, la publicidad paradigma del buen gusto y situada a años luz de cualquier atisbo de vulgaridad puede mostrarse como su definitiva seña de identidad.

Gary Cooper.

Bette Davis.

Clark Gable.

Joan Crawford.

Rita Hayworth.

Bette Davis.

Buster Keaton.

Carole Lombard.

Errol Flynn.

Veronica Lake.

Greta Garbo.

Humphrey Bogart.

Gene Tierney.

Joan Crawford.

Katharine Hepburn.

Marlene Dietrich.

Peter Lorre.

Marlene Dietrich.

Paul Newman.

Freddie Mercury.

John Heartfield: Fotomontaje, sátira y clamor proletario.

2012-12-17T11:57:00.001-08:00

Autorretrato con comisario de policía.

Helmut Herzfelde, artista alemán conocido como John Heartfield, (Berlín, 19 de Junio de 1891-Ídem, 26 de Abril de 1968). Formado en La Escuela de Artes Aplicadas de Munich desde 1909 y con posterioridad (1912) en la de Artes y Oficios berlinesa junto a Ernst Neuman, fue tras su vuelta del servicio militar (Periodo en el que conoce al expresionista de la llamada Nueva Objetividad, George Grosz) cuando decidió adoptar un nuevo nombre con una base contestataria y radical (Como crítica al ultranacionalismo alemán claramente anti-británico desplegado a lo largo de la I Guerra Mundial ). Director artístico de la editorial Malik (Obra de su hermano Wieland Herzfelde) desde 1916, poco después y también en compañía de Weiland se convierte en uno de los fundadores del partido comunista alemán a mediados de Diciembre de 1918, del cual pasa a ser el artífice principal para la elaboración de sus carteles a lo largo de los quince años posteriores. De igual manera, en el panorama artístico destaca su inicial vínculo con el grupo dadaísta, en práctica y desarrollado tras ingresar en la edición de la publicación de tirada semanal: Die Arbeiter Illustrierte Zeitung, algo así, como El periódico ilustrado de los trabajadores o en la revista AIZ, poniendo de manifiesto su exquisita sátira y ácida crítica sobre la realidad nazi y la absoluta permisividad por parte de la vigente República de Weimar mediante el uso de su geniales fotomontajes. Un fotomontaje que como afirmaba su colega Grosz se convirtió en el mayor éxito de su producción: "Cuando John Heartfield y yo inventamos el fotomontaje en mi estudio extremo del sur a las cinco en punto de la mañana de Mayo de 1916, ninguno de los dos tenía la menor idea de sus grandes posibilidades, ni del camino espinoso pero exitoso que iba a tomar. Como ocurre a menudo en la vida, había tropezado con una veta de oro sin saberlo."

En otro sentido su profundo rechazo a la maquinaria nazi, le obliga obviamente una vez encumbrado Hitler, al exilio inmediato de Alemania. Asi, una vez establecido el nazismo desde 1933, emigra a Checoslovaquia y con posterioridad, a partir de 1938, se traslada a Gran Bretaña donde colabora con la creación de fotomontajes para libros y diversas portadas en el News Reynolds, Picture Poste o el Penguin Post. Finalmente, retorna a tierras alemanas en 1950. Afincado en Berlín, será en la capital germánica donde pase sus últimos días ocupado en la elaboración del diseño de escenografías o colaborando estrechamente con el escritor Beltolt Brecht. El cual y a modo de curiosidad, refirió unas ilustres palabras al recuerdo de su persona: "John Heartfield es uno de los artistas europeos más importantes. Trabaja en un campo que él creo a si mismo, el campo del fotomontaje. Es a través de este arte cuando se ejerce la auténtica crítica social."

Italia encadenada, 1928.

Bellotas nazis, 1933.

Como en la edad media, 1934.

El obispo del Reich adiestra a la cristiandad, 1934.

Adolf: El super hombre. Traga oro y escupe mentiras.

Asesinos.

Berlín escucha.

Diálogo en el zoo de Berlín.

El fascismo es su última esperanza.

Goering: El ejecutor del III Reich.

Guerra.

Heil Hitler!

Hierro y sangre.

La cruz aún no pesaba lo bastante.

Las palomas de la paz de Hitler.

Las semillas de la muerte.

Los tres magos en la tierra de la tristeza.

Metamorfosis.

No pasarán.

Y todavía se mueve.

Jackson Pollock: Impacto, furia y abstracción.

2012-12-13T12:20:00.000-08:00

Jackson Pollock, pintor norteamericano, (28 de Enero de 1912, Cody, Wyoming-11 de Agosto de 1956, Spring, Nueva York). Formado en el Art Students League neoyorquino bajo la tutela del genial Thomas Hart Benton, el cual, a la postre, representará un fuerte influjo a lo largo de su primer periodo de creación. No en vano, obras colmadas por un carácter realista y naturalista,deudoras de Benton, cimentan los pilares de su carrera inicial. Sin embargo, será en los últimos años de la década de 1930 cuando de paso a un estilo alejado del formalismo, tendente ahora hacia un resultado libre de academicismos y dominado por la abstracción. Una vital renovación en su obra que se refleja y potencia con escasa posterioridad. Así desde 1943, evoluciona hacia un expresionismo abstracto a base del uso del dripping (pintura por goteo ejecutada con vehemencia o lanzada sobre lienzos sin tensar) y vertebrado por su revolucionario action painting como angulares señas de identidad. El caballete de inmediato pierde su verticalidad, sufre el ímpetu furioso e impulsivo de la acción y permite el choque directo de los materiales sobre un soporte descubierto a los deseos del autor. Vivo cromatismo y singulares mezclas compositivas junto a tramas de enorme densidad se traducen en el magnífico impacto que Pollock pretendía lograr. No obstante, poco después abandona la vertiente abstracta para retomar de nuevo el estilo figurativo. Una figuración exquisita de blancos y negros que debido a su trágica muerte en la carretera, completó el inagotable talento de un maestro en constante evolución.

Considerado como el mayor exponente de la denominada Escuela de Nueva York, su legado representa una de la mayores infuencias y referentes de todo el arte moderno a nivel internacional. Visionario e innovador, su estilo rompedor abrió las puertas de un arte venidero conquistado por la fuerza, las genuinas performances y seducido por la acción.

Como curiosidad apuntar que sus principales influencias fueron: Pablo Picasso, el muralismo mejicano de José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros o la extensa vanguardia surrealista.

Autorretrato, 1933.

Mujer, 1933.

La llama, 1938.

Hacia el oeste, 1938.

Mujer desnuda con cuchillo, 1940.

Birth, 1941.

Cabeza, 1941.

Cabeza naranja, 1941.

Mala mujer con esqueleto, 1941.

Hombre y mujer, 1942.

La mujer luna, 1942.

NIght mist, 1945.

Troubled queen, 1946.

Croaking movement, 1946.

El inconsciente azul, 1946.

Reflection on the big dipper, 1947.

Number 1A, 1948.

Number 8, 1949.

Sin título, 1950.

Levender mist number 1, 1950.

Lo profundo, 1953.

Ocean Greynes, 1953.

C215: El eco silencioso de la ciudad.

2012-12-11T12:12:00.001-08:00

Christian Guémy en plena acción.

C215, nombre artístico del maestro francés del street art Christian Guémy. Nacido en París, sus primeros trabajos se remontan a inicios de los noventa, sin embargo, la dedicación en exclusiva a este tipo de obras da comienzo en el año 2006, con un magnífico retrato a su hija Nina. Con posterioridad, enfoca su producción a la muestra de personajes dispares y "excluidos" del entorno urbano, a fin de otorgarles una propia voz. En este sentido, vagabundo, marginados, ancianos o niños representan la temática clave de su genuina carrera. Sirvan de ejemplo esta afirmación de boca del autor: "Yo pinto en cualquier lugar que haya retratos en las calles con el nombre de C215, y trato de rendir homenaje a las personas que constituyen la ciudad, especialmente a aquellos que viven en las calles, como los niños y las personas sin hogar, convirtiendo lo anónimo en iconos."

Dueño de una técnica basada en el dominio de las plantillas y el spray o la pintura a mano alzada (Tal y como demuestra en sus últimas creaciones), sumado a su gusto portentoso por la combinación del color, opta en la mayoría de las ocasiones por embellecer superficies deterioradas y estériles convertidas, ahora, en un exquisito ejemplo de nuevo arte mural.

Considerado actualmente como un artista de prestigio internacional, sus obras se han podido disfrutar en infinidad de calles y galerías por: Barcelona, Roma, Jerusalén, Atenas o Sao Paulo, entre otras.

Wanda Wulz: Montajes, futurismo y tradición.

2012-10-30T11:57:00.001-07:00

Wanda Wulz, fotógrafa italiana, (Trieste, 25 de Julio de 1903 - Ídem, 16 de Abril de 1984). Nacida en el seno de una estirpe forjada tras la cámara, disfrutó desde su infancia del contacto directo con la imagen. De hecho, su abuelo Giuseppe Wulz regentaba el afamado Fotografiaco Wulz Studio en Trieste desde mediados del siglo XIX (1868). Un negocio y tradición familiar continuado por su padre Carlo Wulz y heredado por sus hijas (Wanda y Marion) tras su fallecimiento en 1928. Inmersa en la actividad profesional descubre el dominio del retrato, la luz o la práctica del taller y conjuga sus firmes conocimientos técnicos con una endemoniada pasión por las vanguardias (futurismo, dadaísmo, surrealismo, etc) y sus ansias de transgresión. De esta manera, con el inicio de la década de los treinta su capacidad artística y talento creativo ponen de manifiesto su tremendo potencial. Superposiciones, montajes o experimentos plásticos, dibujan su genuina e original seña de identidad. No en vano, sus espléndidos y novedosos trabajos le valieron la participación en La Venecia Fotográfica Futurista de 1932. Un punto de inflexión en su trayectoria que demostró, a la postre, ser su más gloriosa carta de presentación. Recordada y alabada a nivel internacional, sus trabajos precursores del fotomontaje están, hoy día, a años luz en elegancia, clase y romanticismo del inerte photoshop y su envoltura digital.

Como curiosidad apuntar que mantuvo una estrecha colaboración artística y laboral junto a su hermana Marion Wulz hasta 1981, momento en el cual abandonaron su actividad profesional y ante la falta de herederos para proseguir con el negocio familiar legaron su producción al Museo de la Fotografía Fratelli Alinari de Florencia. No obstante, sus fotografías han sido exhibidas por los más prestigiosos museos de medio mundo.

Retrato de la joven Wanda.

Jass-band.

Mujer desnuda.

Pasos para la realización de: Gato+yo, 1932.

Tres sombreros, 1935.

Jonh Heinrich Füssli: Pesadillas, extravagancia e imaginación.

2012-10-15T11:17:00.000-07:00

John Heinrich Füssli, pintor suizo nacionalizado británico y conocido en Inglaterra como Henry Fuseli, (Zurich, 7 de Febrero de 1741-Londres, 16 de Abril de 1825). Formado durante su juventud en teología para ejercer como sacerdote( por expreso deseo paterno),con posterioridad se establece en Berlín e inicia su formación artística. Más adelante pasa una breve estancia en Londres, pero será a partir de la década de 1870 y hasta 1878 cuando al residir en Roma decide dedicarse en exclusiva al mundo de la pintura. De hecho, es en la capital italiana donde el descubrimiento de la atmósfera y arquitectura clásica de la época imperial romana sumado a las obras renacentistas de Miguel Ángel le empujan a determinan su futura evolución. Asentado nuevamente en Londres, esta vez para toda la vida, completa una de las carreras artísticas más sobresalientes, legendarias y expresivas de toda su generación. Considerado como una de las figuras artísticas centrales en la Inglaterra de finales del siglo XVIII y mediados del XIX, se relaciona con la intelectualidad más nutrida de la época y su producción (como muestra de su valía y repercusión) se expone repetidas veces en la Royal Academy londinense, en la cual pasará a ejercer como profesor en 1790 y en conservador de la misma desde 1804. Fallecido en 1825, su cuerpo a modo de homenaje se encuentra enterrado en la Catedral de San Pablo junto al del primer presidente de la mítica Royal Academy.

Dueño de un estilo innovador y pilar fundamental en el mundo del arte, su extraordinaria genialidad lo sitúa como el precursor de célebres corrientes como la simbolista, la romántica o la surreal. Maestro para autores románticos como John Constable o Benjamin Haydon, sus pinturas imaginativas, oníricas y macabras inscritas en universos de delicada extravagancia resultan forzosamente reconocibles. No en vano, sus obras repletas de efectos nocturnos, referencias a Shakespeare, el mundo bíblico u Homérico, poseen una fuerza inusitada e indómita que retrotae al espectador a un estado de embriaguez visual imposible de describir. Excéntrico y drámatico a partes iguales, se trata de un autor de obligada admiración.

Como curiosidad cabe añadir la evidente influencia de Füssli en la obra del, no menos colosal, William Blake.

La pesadilla o La pesadilla nocturna, 1781.

La pesadilla, 1782.

El sueño de la reina Catalina, 1783.

Las tres brujas, 1783.

Lady Macbeth, 1784.

Oedipus Cursing His Son. Polynices, 1786.

Thor in the Boat of Hymir, 1790.

Robin Goodfellow-Puck, 1790.

El despertar de Titania, 1794.

El conde Ugolino en la torre con su hijo, 1806.

La debutante, 1807.

Carlos Schwabe: Un mundo de genialidad, miedos y religión.

2012-10-13T14:24:00.000-07:00

Carlos Schwabe, 1909.

Carlos Schwabe, pintor y grabador simbolista suizo de origen alemán ( Holstein, 21 de Julio de 1866- Avon, Seine-et-Marne, 1926). Formado inicialmente en La Escuela de Artes Decorativas de Ginebra bajo la tutela de Joseph Mittey, será con posterioridad cuando se traslada a Francia y establece en París el momento en el que entra en contacto con los círculos artísticos e intelectuales de la ciudad. No en vano, expone en la Sociedad Nacional en 1891, Joséphin Peladán le encarga el diseño de la primera exposición del mítico Salón de la Rose+Croix en 1892, y colabora de manera asidua con sus dibujos, litografías y acuarelas en las obras de ilustres escritores como: Emile Zola, Charles Baudelaire, Stephane Mallarmé o Albert Samain, entre otros. Asimismo, exhibió parte de sus creaciones en el Salón de la Sociedad Nacional de Bellas Artes de París en 1897.

Minucioso y extremadamente diestro en el manejo del pincel, su gusto exquisito por la mujer, los paisajes y los temas religiosos le confieren a su producción una elegancia y aroma clásico que muchos comparan con las obras de genios como: Alberto Durero, Sandro Botticelli o la de sus colegas Prerrafaelitas.

Cartel para el primer Salón de la Rose+Croix, 1892.

El dolor, 1893.

El destino, 1894.

Año de esperanza, 1895.

La muerte del sepulturero, 1895.

Medusa, 1895.

Fervaal, 1898.

Crepúsculo, 1900.

Las bodas del poeta con la musa o El ideal, 1902.

Femmes Damness, 1903.

Elysian fields, 1903.

Tres vírgenes prudentes, 1907.

La Vague (La Ola) de 1907 y diversos estudios previos.

La esperanza levantando al amor herido, 1916.

El fauno, 1923.

Alexandre Séon: Pensamientos, quimeras y desesperación.

2012-10-12T03:08:00.002-07:00

Alexandre Séon, pintor, decorador e ilustrador simbolista francés (Chazelles-sur-Lyon, 1855-París,1917). Formado inicialmente en La Escuela de Bellas Artes de Lyon y de París, será más adelante cuando se convierta en discípulo y fiel colaborador del ilustre artista Puvis de Chavannes.Asimismo, con posterioridad y puesto de manifiesto su tremendo potencial, se integra en los círculos intelectuales de su generación e inicia espléndidas colaboraciones con notables resultados.
De hecho, su amistad con Joséphine Peladan o Antoine de La Rochefoucauld le permite co-fundar el mítico Salón de la Rose+Croix, donde expondrá con cierta asiduidad.

Orfeo, 1883.

La desesperación de la Quimera, 1890.

Retrato de Péladan, 1891.

La sirena, 1896.

Lamento de Orfeo, 1896.

El pensamiento, 1898.

El regreso, 1900.

Thinking.

Louis Welden Hawkins: Dulzura, suavidad y pasión.

2012-10-11T13:44:00.000-07:00

Louis Welden Hawkins, pintor simbolista de origen alemán nacionalizado francés en 1895 (Esslingen, Alemania, 1 de Julio de 1849- Bretaña francesa, 24 de Mayo de1910). Establecido en Inglaterra durante su etapa infantil, será con posterioridad cuando se traslada a la capital del Sena e inicia su formación en la prestigiosa Academia Julian de París para ingresar después en la Academia de Bellas Artes bajo la tutela del pintor Gustave Boulanger. Años después, es a partir de la década de los ochenta cuando se presenta como una figura relevante en el circuito artístico de su país. De hecho, participa en diversas exposiciones tales como: las exhibidas en el Salón de Artistas franceses, La Sociedad Nacional o El Salón de la Rose+Croix y pasa a relacionarse con afamados escritores y poestas simbolistas de su generación: Paul Adam o Stéphane Mallarmé, entre otros. Asimismo durante este periodo, ejerce como ilustrador en la publicación: L'Oeuvre d'Art Internacional. Una vez cerrada la revista en 1905, decide desplazarse junto a su familia al norte de la Bretaña Francesa. Enclave en el lleva a cabo una nueva temática centrada en el paisaje a base de un cromatismo suave, ligero y dotado de una exquisita luminosidad que no abandona hasta el final de sus días. Murió a la edad de 60 años a causa de un fatal ataque al corazón.

Refinado y minucioso en el manejo del pincel, es dueño de una temática insólita e imperecedera muy próxima, según los estudiosos de la materia, al arte Prerrafaelita e influida por las obras de Puvis de Chavannes.

Como curiosidad apuntar que tras su fallecimiento se llevó a cabo una retrospectiva su producción, organizada por la artistas coetáneos de su generación en El Salón Nacional de Bellas Artes de París.

Portrait of a young man, 1881.

Ángel con aureola, 1894.

Innocence, 1895.

Madame Severine, 1895.

Una oración a Dios, 1900.

Portrait of a Lady, reputed to be Sarah Bernhardt, 1905.

Máscara, 1905.

Clytie.

Xavier Mellery: Alegorías, poesía y reflexión.

2012-10-04T03:19:00.002-07:00

Xavier Mellery. Autorretrato.

Xavier Mellery, pintor simbolista belga (Laken, 8 de Agosto de 1845- Bruselas, 4 de Febrero de 1921). Alumno en la Academia de Arte de Bruselas desde 1860 a 1867, tras su etapa formativa recibe el prestigioso Premio de Roma (1870), el cual le permite recorrer Italia y descubrir a los maestros renacentistas. En este sentido, especial atención merece el influjo en la definición de su obra de Carpaccio o Miguel Ángel y su Capilla Sixtina. Finalizado su periplo por tierras romanas, retorna a su Bélgica natal y se embarca en un nuevo proyecto artístico. El escritor Charles de Coster, le asigna la ilustración de una obra propia sobre Holanda. Para ello, Mellery se establece en la tranquila isla holandesa de Marken y su estilo de vida pausado y tradicional. Un paraje aislado y calmo en el que el autor denota su palpable y creciente tendencia hacia la sobriedad y la reflexión. Más adelante, a mediados de la década de 1880 centra su atención en la denominada pintura mural y pone de manifiesto su tremendo gusto por las alegorías al estilo de Puvis de Chavannes. Alegorías tomando como referencia figuras de corte clásico y acompañadas de fondos a modo de telón o pequeños escritos que, a la postre, ponen de manifiesto sus sólidas señas de identidad y permiten reconocer facilmente cual es su legado artístico personal. Un mundo misterioso y onírico repleto de silencios, carácter e introspección, erigido como una ineludible fuente de inspiración.

Miembro del grupo de los "XX", expone en el "Salón de la Rose Croix" como artista invitado en cuatro ocasiones (1885, 1888, 1890 y 1892). Asimismo fue miembro original de Pour l'Art y partícipe de Kunt van Heden, La Sociedad Real de acuarelistas belgas o La Academia Real belga. Además fue maestro del ilustre simbolista Fernand Khnopff.

La escalera, 1889.

Mi pasillo, efecto de luz, 1889.

Melleryla delicatesse est fille de la force, 1890.

Renacimiento italiano, 1892.

Otoño, 1893.

Inmortalidad, sin fecha.

Las horas (La eternidad y la muerte), sin fecha.

Después de las oraciones nocturnas, 1910.

James Ensor: Sarcasmo, esqueletos y humanidad.

2012-10-01T03:28:00.003-07:00

James Ensor ( Ostende, 13 de abril de 1860 - Ídem, 19 de Noviembre1949). Formado entre 1877 y 1880 en la Academia de Bruselas bajo las directrices de Stallaers y Portaels, es uno de los miembros fundadadores del mítico grupo artístico los "XX". Colectivo, no obstante, que rechazó sus obras en repetidas ocasiones por mostrar un estilo "poco usual" (Incluso en el salón de 1889 tan sólo por un voto, el propio, quedó exento de la expulsión). Centrado en una temática tradicional, paisajística, de naturalezas muertas y retratos durante su primera etapa, será con posterioridad a lo largo de los años 80 cuando experimente una palpable evolución. Así, el vanguardismo y el influjo del arte flamenco, confieren a su producción y temática un novedoso significado desligado de su periodo anterior. Máscaras trágicas, ambigüas e insolentes, retratan a unos individuos vacíos, repulsivos e inertes como reflejo de una sociedad alienada y grotesca a modo de parodia burlesca y esperpética de sí misma. Considerado uno de los precursores del Impresionismo, expresionismo y del movimiento surrealista. Autor de referencia e ineludible en la evolución pictórica del siglo XX, sirvió de inspiración y modelo para ilustres artistas como Paul Klee o Emil Nolde, entre otros.

Dueño de un estilo personal e irrepetible y maestro en el dominio de los cromatismos y la luz, sus pinceladas de extrema rudeza, vehemencia y brusquedad muestran una agresividad y violencia inusitada en sus lienzos.
Víctima de una profunda depresión nerviosa, es a partir de 1900 cuando reduce considerablemente su actividad. De igual modo, suyo es un legado sarcástico, tenebroso e irracional que no deben dejar pasar.

Autorretrato con sombrero de flores (Ensor with Flowered Hat), 1883.

Skeleton Looking at Chinoiseries (1885).

(Niños lavándose) Children Washing, 1886.

Entrada de Cristo en Bruselas (Christ's Entry Into Brussels), 1888.

Skulls and masks (Calaveras y máscaras), 1888.

Strange insects (Insectos raros), 1888.

Ensor with masks (Autorretrato con máscaras), 1889.

La aniquilación del ángel rebelde, 1889.

Old woman with masks (Anciana con máscaras), 1889.

Skeletons Trying to Warm Themselves, 1889.

The Wise Judges, 1891.

The Man of Sorrows, 1891.

Esqueletos disputándose un arenque (Skeletons Fighting Over a Pickled Herring), 1891.

The bad doctors, 1892.

Demons teasing me, 1895.

The skeleton painter, 1896.

The dangerous cooks, 1896.

Death and the masks, 1897.

Gustav Adolphe Mossa: Fatalidad, vileza y femmes fatales.

2012-07-10T04:57:00.000-07:00

Gustav Adolphe Mossa, artista francés, (Niza, 28 de Enero de 1883- Ídem, 25 de Mayo de 1971). Hijo del también artista Alexis Mossa, autor de numerosos carteles para el Carnaval de Niza a lo largo del siglo XIX, su relación con el mundo del arte resultó ser prematura y la influencia paterna un pilar esencial en su evolución profesional. Formado en La Escuela de Artes Decorativas de su ciudad natal hasta 1900, allí aprende el manejo de la técnica y se familiariza con el célebre Art Nouveau. Sin embargo, el descubrimiento tan sólo un año después del simbolismo y modernismo tras visitar La Exposición Universal fijan el estilo de su producción posterior. De hecho, ya con su primera obra simbolista relevante: Salomé de 1901, da muestras de su notable valía. Si bien, en sus primeros años prosigue con la tradición familiar y se centra en el diseño gráfico de carteles carnavalescos. Impresiones y carteles, razón por la cual alcanzó una cierta notoriedad a lo largo de su carrera, en detrimento de sus espléndidos trabajos simbolistas valorados una vez fallecido el pintor.
Ilustrador, pintor y artista gráfico, en su haber destaca una ingente cantidad de obras acerca de la muerte, la perversión y la falta de moral. Cruel, misógino o vulgar, son algunos de los apelativos vertidos sobre su persona. Juzguen ustedes mismos.

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Salomé, 1901.

Circe, 1904.

El beso de Elena, 1904.

Sirena saciada, 1905.

Retrato psicológico del autor, 1905.

La dama distinguida y el yóquey, 1906.

La esfinge, 1906.

Cleopatra, 1906.

Elle, 1906.

Los cuatro evangelistas, 1906.

Pierrot se va, 1906.

El vals macabro, 1906.

El ciego, 1907.

María Magdalena, 1907.

The Dead Women, 1908.

La Curee au Parapluie et la Coloquinte, 1926.

Leon Spilliaert: Enigmas, vértigo y desolación.

2012-07-08T11:18:00.000-07:00

Autorretrato, 1909.

Leon Spilliaert, pintor y diseñador belga (Ostende, 28 de Julio de 1881- Bruselas, 23 de Noviembre de 1946). Formado en La Academia de Arte de Brujas, en breve abandona la disciplina académica para evolucionar al margen de disciplinas. Autodidacta e independiente, tiene en su primera etapa a los escritos de Friedrich Nietzsche o Maurice Maeterlinck como apreciable fuente de inspiración. Establecido en París en 1904, su periplo por la capital francesa le permite crecer como artista y conocer los trabajos de Edvard Munch, Henri de Toulouse Lautrec, Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, o relacionarse con genios de la talla de Pablo Picasso. Amistades coetáneas y referentes fundamentales que, a la postre, encarnaron un influjo directo en su producción. Además del evidente valor concedido por el pintor a la obra del simbolista Odilon Redon y su proceso de creación. Instalado en Bruselas desde mediados de la década de los treinta (1935), en dicha ciudad pasa a ingresar en diversos círculos artísticos de elevada relevancia tanto histórica como intelectual: El sillón, Los independientes, El Arte Contemporáneo, entre otros.
Avezado en el dominio de la técnica, cabalgó con igual brillantez en el uso de la tinta china, el pastel, las acuarelas o el guache, ya fuera en cartón o papel. Magnífico ejemplo de síntesis, expresionismo y simbolismo manejan el desarrollo de sus cuadros. Autor solitario y singular, su temática contenida por enigmas, misterios, melancolía y desolación le concede a sus obras una atmósfera axfisiante, oscura y silenciosa que conviene subrayar.

Como curiosidad, destacar que el extremo insomnio que sufría le permitió recorrer calles y playas tan solitarias como desiertas convertidas en unas excelentes fuentes de inspiración.

Vértigo, 1908.

Mujer en el mar, 1908.

Noche, 1908.

Claro de luna y luces, 1909.

Postes, 1910.

La elevación, 1910.

La travesía, 1913.

Fruta prohibida, 1919.

La puerta abierta, 1945.

Autorretratos.

Autorretrato, 1903.

Autorretrato, 1907.

Autorretato con luna, 1908.

Autorretrato, 1908.

Autorretrato, 1909.

Fernand Khnopff: Secretos, esfinges y tentaciones.

2012-07-07T05:56:00.000-07:00

Fernand Khnopff, pintor simbolista belga, (Grembergen-lez-Termonde,12 de Septiembre de 1858- Bruselas, 12 de Noviembre de 1921). Criado en Brujas hasta los siete años de edad, donde su padre ejercía de sustituto del procurador de Rey, con posterioridad fija su residencia en Bruselas. Ciudad en la que inicia sus estudios de derecho, sin embargo, interrumpe su formación a fin de poder ingresar en La Academia de Bruselas con Xavier Mellery. Ciudad que abandona temporalmente para visitar París a lo largo de 1877, capital donde entra en contacto con los trabajos de Eugene Delacroix, Gustave Moreau o Dante Gabriel Rossetti, entre otros prerrafaelitas. Miembro fundador del denominado grupo belga de los "XX", lleva a cabo su primera exposición en el Salón de la Rose+Croix allá por 1892, si bien, la más relevante de sus muestras nos retrotrae a 1898 y la Secesión de Viena.

Considerado como el más importante de los simbolistas belgas, su estilo enigmático, delicado y mágico sumado al caráter espiritual e interior de sus obras le otorgan una notable posición que es necesario recordar. Entre los galardones obtenidos durante su trayectoria profesional, cabe destacar el concedido por la prestigiosa Orden de Leopoldo.
Como curiosidad, apuntar que usaba con asiduidad fotografías para preparar futuros cuadros consiguiendo una calidad casi fotográfica una vez concluida la pintura. De hecho, su hermana: Marguerite Khonopff posó como modelo para algunos de sus lienzos como: Memorias (1889) o El secreto (1902)

La tentación de San Antonio, 1883.

Estudio de mujeres, 1887.

Istar, 1888.

Memorias, 1889.

Silencio, 1890.

La ofrenda, 1891.

Una ermitaña. I Lock my Door upon Myself, 1891

Isolation, 1894.

Nemesia, 1895.

La sangre de la medusa, 1895.

Estudio de mujer, 1896.

El arte. Las caricias; La esfinge, 1896.

Detalle de la anterior.

Fotografía de Marguarite Khonopff, como modelo para El secreto, 1902.

El Secreto

La ciudad abandonada, 1904.

Ferdinand Hodler: Simbolismo en la noche.

2012-07-03T04:03:00.000-07:00

Autorretrato, 1892.

Ferdinand Hodler, pintor suizo, (Gurzelen, 14 de Marzo de 1853- Ginebra, 19 de Mayo de 1918). Formado en su país natal de la mano del paisajista Ferdinand Sommer de 1868 a 1871, será con posterioridad y tras ingresar en La Escuela de Bellas Artes de Ginebra (1871-1878) en compañía del profesor de dibujo Barthélemy Menn, el que fuera amigo de Camille Corot y alumno de Jean Auguste Dominique Ingres, cuando complete su formación académica personal. Enriquecida incesatemente, gracias a sus numerosos viajes de juventud. Así, Madrid, Basilea o Munich se convierten en puntos de encuentro para el conocimiento capital, en lo que respecta a su propia producción posterior, de: Rafael, Alberto Durero o Hans Holbein el joven, entre otros. No obstante, es después de entrar en contacto con las corrientes simbolistas imperantes en Francia, cuando define un estilo y temática con alusiones de caráter metafísico, existencialista y filosófico. No en vano, los estados oníricos, el peso de la muerte, los rituales o los elementos alegóricos pasan a ser su seña de identidad. Consagrado desde 1890 como uno de los autores simbolista de obligada referencia, tras la realización de su obra: La Noche. Una obra escandalosa para la sociedad suiza de la época. Excluida de la exposición de Bellas Artes de Ginebra, su muestra debe ser en una sala privada y de pago donde Hodler encuentra su merecido reconocimiento y financiación. Ingresos económicos, por otro lado, que le permite alcanzar el tan ansiado éxito en París.Ciudad en la que expondra los años sucesivos e incluso obtendrá la medalla de oro en su Exposición Universal de 1900.
A lo largo de su trayectoria profesional ha participado en: El Salón de los artistas franceses, en El Salón de la Rose+Croix o en las secesiones de Berlín en 1900, Munich en 1902 y Viena junto a Edvard Munch en 1904.

Maestro en el manejo de la línea, los volúmenes y el color, fue además un destacado decorador. Así, El Palacio de Bellas Artes de Ginebra (1900), El Ayuntamiento de Hannover (1913) o La Universidad de Zurich (1917-), ponen de manifiesto su múltiple talento.
Como curiosidad, cabe añadir que en 1914 tras condenar las acciones bélicas alemanas en Reims sus obras fueron retiradas, como represalia, de todos los museos germánicos.

El lector, 1885.

La noche, 1890.

Alma decepcionada, 1891.

Comunión con el infinito, 1892.

Hartos de vivir, 1892.

Adoración III, desnudo arrodillado con ramas, 1893.

El otoño, 1893.

El día (Una figura), 1899.

El día I, 1899-1900.

Primavera, 1901.

La sensación, 1902.

La hora sagrada III, 1911.

Mirada a la infinitud, 1916.

My Dog Sighs: Arte en trozos de metal

2012-06-22T06:58:00.003-07:00

Latas aplastadas, oxidadas, desvencijadas y torcidas, de cerveza, conservas o típicas salsas de tomate. Su contenido es irrelevante, sólo el marco donde este artista tiene que pintar. Cientos de caras se descubren con el manejo del spray: miradas, expresiones y naturalezas narradas en un minúsculo lienzo de metal. Espero que disfruten con sus trabajos, los cuales fueron expuestos en la galería londinense Pure Evil el pasado mes de Abril.