Arte Sacrosanta

Tirso de Molina

2019-01-21T20:43:00.001-08:00

Gabriel Tellez (Madrid, 1579-Almazan, Soria, 1648), conhecido no mundo literário com o pseudônimo de Tirso de Molina, teve uma carreira vital, ao contrário de Lope de Vega, com poucas surpresas e estridência. De origem humilde entrou como jovem no convento de Madri de La Merced para professar um ano depois em Guadalajara. A partir deste momento sua vida estará ligada aos desígnios de seus superiores, cujos ditames Tirso sempre cumpriram com dignidade e obediência. Ele visitou vários conventos mercenários (Guadalajara, Toledo, Soria, Segóvia, Sevilha, Trujillo, Cuenca, etc.) ocupando o cargo de comandante em qualquer um deles. Junto com Madri, Toledo era a cidade preferida de Tirso. Na cidade de Tajo, no início da segunda década do século XVII, tornou-se nosso escritor um dos seus momentos mais felizes: dedicado à sua vocação religiosa, à leitura, produção de teatro, ensino e tratamento com os amigos . Nesta cidade ele é encontrado quando é selecionado para uma missão pastoral na ilha caribenha de Santo Domingo (1616-1618). Desta forma, Tirso é um dos poucos escritores barrocos que tiveram a oportunidade de aprender sobre a realidade do Novo Mundo. Ela irá se referir em algumas de suas peças, especialmente na trilogia de Pizarro (1626-1629) e da História Geral da Ordem da Misericórdia (1639), obra que Tirso escreve na sua condição de cronista geral a ordem.

O único evento sério nesta biografia sem estridência ocorre em 1625, quando o Conselho de Reforma Aduaneira ataca o Mercedário, dedicando-se a escrever "comédias profanas e incentivos ruins". Isso força Tirso a sair da quadra, especificamente para Sevilha. Anos mais tarde (1627-1636) aparecem, até um total de cinco volumes sucessivos ou partes que recolheu a maior parte da sua produção teatral, bem como a sua miscelânea religiosa de desenho Deleytar (1635), de estrutura idêntica à sua grande miscelânea laico os Cigarrales de Toledo (1624).

Talvez afetado pelo episódio do Conselho da Reforma e pelas pressões recebidas dentro da Ordem, Tirso lentamente abandona a produção de comédias e textos profanos. Seus últimos anos são gastos como comandante do convento de Soria. E no início de 1648 adoeceu no convento de Soria de Almazán. Ele morreu em 20 de fevereiro e foi enterrado na capela funerária dos frades.

Tirso de Molina sabia perfeitamente harmonizar o seu estatuto mercedário frade e escritor de comédias, a partir do qual ele chegou a escrever cerca de quatrocentos por sua própria admissão, ainda que só tenhamos alcançado sessenta. Dentro da história da comédia espanhola constitui uma das cimeiras junto com Lope de Vega e Calderón de la Barca. Ele sempre se orgulhou de seu talento literário e defendeu a nova comédia com grande zelo contra os ataques dos moralistas e dos classicistas. Em sua opinião, a comédia se configura como um espetáculo total e globalizante capaz de atrair todos os espectadores dos currais da comédia. A tarefa do comediante deve ser entreter, entreter, provocar a admiração desse público heterogêneo, exigente e barulhento. E é precisamente aí que o valor fundamental do teatro de Tirsia reside, na elaboração de mundos cómicos, em ações coerentes e complexas, num universo de provocações e envolvimentos admiráveis. O que significa humor, portanto, no teatro tirsiano é refinado, situações ousados, o esprit de personagens rústicos e servos urbanas, a atmosfera de diversão e jogos que reina em grande parte de sua produção teatral, finalmente, a riqueza da mídia lingüística cheia de criações originais. A este respeito são claramente as palavras que seu amigo Juan Pérez de Montalbán deixou escritos nas preliminares da Parte IV das comédias de Tirso, em louvar as peças de mercedario da seguinte forma: "o sententious de conceitos admira , pastelão de erros corrigidos, o engraçado de donaires entretém,-lo emaranhado arranjo deleita-lo de bom grado cadências amor e política do conselho convence e adverte, e sua variedade discreta como um nosegay diferente , além de beleza e fragrância, amor diversidade e compostura ».

Todas essas características estão presentes em seus mais conhecidos e admirados comédias: Don Gil das calças verdes, a piedosa Marta, A vergonha no palácio, o vilão da Sagra. É verdade que Tirso também escreveu peças graves, entre os quais incluem O Malandro de Sevilha eo Stone Guest, a peça que mais fama deu as tabelas trazer o mítico Don Juan Tenorio, o condenado por desconfiava, Prudence nas mulheres e outras obras inspiradas nas Sagradas Escrituras ou na História da Espanha.

Michelangelo

2018-05-26T07:12:00.001-07:00

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni ou mais comumente conhecido por seu primeiro nome Michelangelo (ˌmaɪkəlˈændʒəloʊ /; italiano: [mikeˈlandʒelo di lodoˈviːko ˌbwɔnarˈrɔːti siˈmoːni]; 6 de março de 1475 - 18 de fevereiro de 1564) foi um escultor, pintor, arquiteto e poeta italiano do Alto Renascimento nascido na República de Florença, que exerceu uma influência inigualável no desenvolvimento da arte ocidental.
Considerado por alguns o maior artista vivo durante sua vida, ele já foi descrito como um dos maiores artistas de todos os tempos.
Apesar de ter feito poucas incursões além das artes, sua versatilidade artística era de tal ordem que ele é frequentemente considerado um candidato ao título do homem arquetípico da Renascença, junto com seu rival, o companheiro florentino e cliente dos Medici, Leonardo da Vinci. .
Várias obras de pintura, escultura e arquitetura de Michelangelo estão entre as mais famosas da existência.
Sua produção nesses campos era prodigiosa; dado o grande volume de correspondências sobreviventes, esboços e reminiscências, ele é o artista mais bem documentado do século XVI. Ele esculpiu duas de suas obras mais conhecidas, a Pietà e David, antes da idade de trinta anos. Apesar de ter pouca opinião sobre a pintura, ele também criou dois dos afrescos mais influentes da história da arte ocidental: as cenas do Gênesis no teto da Capela Sistina, em Roma, e O Juízo Final, na parede do altar. Seu projeto da Biblioteca Laurentiana foi pioneiro na arquitetura maneirista.
Aos 74 anos, ele sucedeu Antonio da Sangallo, o Jovem, como o arquiteto da Basílica de São Pedro. Ele transformou o plano de modo que o extremo oeste foi finalizado para o seu design, como foi o domo, com algumas modificações, após a sua morte.
Michelangelo foi o primeiro artista ocidental cuja biografia foi publicada enquanto ele estava vivo.
De fato, duas biografias foram publicadas durante sua vida. Um deles, de Giorgio Vasari, propôs que o trabalho de Michelangelo transcendia o de qualquer artista vivo ou morto, e era "supremo em não uma só arte, mas em todos os três".
Em sua vida, Michelangelo foi chamado de Il Divino ("o divino").
Seus contemporâneos freqüentemente admiravam sua terribilidade - sua capacidade de incutir um senso de reverência. Tentativas de artistas posteriores de imitar o estilo apaixonado e altamente pessoal de Michelangelo resultaram no maneirismo, o próximo grande movimento na arte ocidental depois do Alto Renascimento.
Michelangelo nasceu em 6 de março de 1475 [a] em Caprese, conhecida hoje como Caprese Michelangelo, uma pequena cidade situada em Valtiberina, perto de Arezzo, Toscana.
Durante várias gerações, sua família tinha sido banqueiros de pequena escala em Florença; mas o banco faliu, e seu pai, Ludovico di Leonardo Buonarroti Simoni, assumiu brevemente um posto no governo em Caprese, onde Michelangelo nasceu.
Na época do nascimento de Michelangelo, seu pai era o administrador judicial da cidade e podestà ou administrador local de Chiusi della Verna. A mãe de Michelangelo era Francesca Di Neri del Miniato de Siena.
Os Buonarrotis alegaram descender da Condessa Mathilde de Canossa - uma afirmação que ainda não foi comprovada, mas que Michelangelo acreditava.
Vários meses após o nascimento de Michelangelo, a família retornou a Florença, onde foi criado. Durante a doença tardia de sua mãe, e depois de sua morte em 1481 (quando ele tinha seis anos), Michelangelo viveu com uma babá e seu marido, um lapidário, na cidade de Settignano, onde seu pai possuía uma pedreira de mármore e uma pequena Fazenda.
Lá ele ganhou seu amor pelo mármore. Como Giorgio Vasari cita:

"Se há algo de bom em mim, é porque nasci na atmosfera sutil do seu país de Arezzo. Junto com o leite da minha ama, recebi o jeito de lidar com o cinzel e o martelo, com os quais faço minhas figuras."
Quando menino, Michelangelo foi enviado a Florença para estudar gramática com o humanista Francesco da Urbino.
No entanto, ele não mostrou interesse em sua educação, preferindo copiar pinturas de igrejas e procurar a companhia de outros pintores.
A cidade de Florença era na época o maior centro de artes e aprendizado da Itália.
A arte era patrocinada pela Signoria (a prefeitura), pelas corporações mercantis e por ricos patronos como os Medici e seus associados bancários.
O Renascimento, uma renovação da erudição clássica e das artes, teve seu primeiro florescimento em Florença.
No início do século XV, o arquiteto Filippo Brunelleschi, tendo estudado os restos de edifícios clássicos em Roma, criara duas igrejas, a de San Lorenzo e a de Santo Spirito, que incorporavam os preceitos clássicos.
O escultor Lorenzo Ghiberti trabalhou durante cinquenta anos para criar as portas de bronze do Batistério, que Michelangelo descreveria como "As Portas do Paraíso".
Os nichos exteriores da Igreja de Orsanmichele continham uma galeria de obras dos mais aclamados escultores de Florença: Donatello, Ghiberti, Andrea del Verrocchio e Nanni di Banco.
Os interiores das igrejas mais antigas eram cobertos com afrescos (principalmente no final da Idade Média, mas também no estilo do início do Renascimento), iniciados por Giotto e continuados por Masaccio na Capela Brancacci, cujas obras Michelangelo estudou e copiou em desenhos.
Durante a infância de Michelangelo, uma equipe de pintores foi chamada de Florença ao Vaticano para decorar as paredes da Capela Sistina. Entre eles estava Domenico Ghirlandaio, um mestre em pintura a fresco, perspectiva, desenho de figura e retrato que tinha a maior oficina em Florença.
Em 1488, aos 13 anos, Michelangelo foi aprendiz de Ghirlandaio.
No ano seguinte, seu pai persuadiu Ghirlandaio a pagar Michelangelo como artista, o que era raro para alguém de catorze anos.
Quando, em 1489, Lorenzo de 'Medici, governante de fato de Florença, pediu a Ghirlandaio seus dois melhores alunos, Ghirlandaio enviou Michelangelo e Francesco Granacci.
De 1490 a 1492, Michelangelo frequentou a academia humanista que os Medici haviam fundado ao longo das linhas neoplatônicas. Lá seu trabalho e perspectiva foram influenciados por muitos dos mais proeminentes filósofos e escritores da época, incluindo Marsilio Ficino, Pico della Mirandola e Poliziano.
Nesta época, Michelangelo esculpiu os relevos Madonna dos Passos (1490-1492) e Batalha dos Centauros (1491-1492), este último baseado em um tema sugerido por Poliziano e encomendado por Lorenzo de Medici.
Michelangelo trabalhou por um tempo com o escultor Bertoldo di Giovanni. Quando ele tinha dezessete anos, outro aluno, Pietro Torrigiano, atingiu-o no nariz, causando a desfiguração que é visível nos retratos de Michelangelo.
A morte de Lorenzo de 'Medici em 8 de abril de 1492 trouxe uma reversão das circunstâncias de Michelangelo.
Michelangelo deixou a segurança da corte dos Medici e voltou para a casa de seu pai. Nos meses seguintes, ele esculpiu um crucifixo de madeira policromada (1493), como um presente para o prior da igreja florentina de Santo Spirito, que lhe permitiu fazer alguns estudos anatômicos dos cadáveres do hospital da igreja.
Entre 1493 e 1494, ele comprou um bloco de mármore e esculpiu uma estátua maior do que a vida de Hércules, que foi enviada para a França e posteriormente desapareceu em algum momento do século XVIII.
Em 20 de janeiro de 1494, após pesadas quedas de neve, o herdeiro de Lorenzo, Piero de Medici, encomendou uma estátua de neve, e Michelangelo novamente entrou na corte dos Medici.
No mesmo ano, os Medici foram expulsos de Florença como resultado da ascensão de Savonarola. Michelangelo deixou a cidade antes do fim da agitação política, mudando-se para Veneza e depois para Bolonha.
Em Bolonha, ele foi contratado para esculpir várias das últimas pequenas figuras para a conclusão do Santuário de São Domingos, na igreja dedicada a esse santo. Neste momento Michelangelo estudou os robustos relevos esculpidos por Jacopo della Quercia ao redor do portal principal da Basílica de São Petrônio, incluindo o painel da Criação de Eva cuja composição reapareceria no teto da Capela Sistina.
No final de 1494, a situação política em Florença era mais calma. A cidade, anteriormente ameaçada pelos franceses, não estava mais em perigo quando Carlos VIII sofreu derrotas. Michelangelo retornou a Florença, mas não recebeu comissões do novo governo da cidade sob Savonarola. Ele retornou ao emprego dos Medici. Durante o meio ano que passou em Florença, ele trabalhou em duas pequenas estátuas, uma criança São João Batista e um Cupido adormecido. De acordo com Condivi, Lorenzo di Pierfrancesco de 'Medici, para quem Michelangelo havia esculpido São João Batista, pediu que Michelangelo o "consertasse de modo que parecesse ter sido enterrado" para que ele pudesse "enviá-lo para Roma ... passá-lo como um trabalho antigo e ... vendê-lo muito melhor ". Tanto Lorenzo quanto Michelangelo foram involuntariamente enganados pelo valor real da peça por um intermediário. O cardeal Raffaele Riario, a quem Lorenzo o vendeu, descobriu que era uma fraude, mas ficou tão impressionado com a qualidade da escultura que convidou o artista para Roma.
Este aparente sucesso em vender sua escultura no exterior, bem como a situação conservadora florentina, pode ter encorajado Michelangelo a aceitar o convite do prelado.
Michelangelo chegou a Roma em 25 de junho de 1496, aos 21 anos de idade. Em 4 de julho do mesmo ano, ele começou a trabalhar em uma comissão para o cardeal Raffaele Riario, uma estátua do deus do vinho romano Bacchus. Após a conclusão, o trabalho foi rejeitado pelo cardeal, e posteriormente entrou na coleção do banqueiro Jacopo Galli, para o seu jardim.
Em novembro de 1497, o embaixador francês na Santa Sé, o cardeal Jean de Bilhères-Lagraulas, encarregou-o de esculpir uma Pietà, uma escultura que mostrava a Virgem Maria em luto pelo corpo de Jesus. O assunto, que não faz parte da narrativa bíblica da crucificação, era comum na escultura religiosa do norte da Europa medieval e teria sido muito familiar para o cardeal.
O contrato foi acordado em agosto do ano seguinte. Michelangelo tinha 24 anos no momento de sua conclusão.
Em breve seria considerada uma das maiores obras-primas do mundo da escultura, "uma revelação de todas as potencialidades e força da arte da escultura". A opinião contemporânea foi resumida por Vasari: "É certamente um milagre que um bloco de pedra sem forma pudesse ter sido reduzido a uma perfeição que a natureza dificilmente é capaz de criar na carne". Agora está localizado na Basílica de São Pedro.
Michelangelo retornou a Florença em 1499. A república estava mudando após a queda de seu líder, o padre anti-renascentista Girolamo Savonarola, que foi executado em 1498, e a ascensão do gonfaloniere Piero Soderini. Michelangelo foi convidado pelos cônsules da Guild of Wool para concluir um projeto inacabado iniciado 40 anos antes por Agostino di Duccio: uma estátua colossal de mármore de Carrara retratando David como um símbolo da liberdade florentina a ser colocada na empena da Catedral de Florença.
Michelangelo respondeu completando sua obra mais famosa, a estátua de Davi, em 1504. A obra-prima estabeleceu definitivamente sua proeminência como escultor de extraordinária habilidade técnica e força da imaginação simbólica. Uma equipe de consultores, incluindo Botticelli e Leonardo da Vinci, foi chamada para decidir sobre a sua colocação, em última análise, a Piazza della Signoria, em frente ao Palazzo Vecchio. Ele agora está na Academia enquanto uma réplica ocupa seu lugar na praça.
Com a conclusão do David veio outra comissão. No início de 1504, Leonardo da Vinci foi contratado para pintar A Batalha de Anghiara na câmara do conselho do Palazzo Vecchio, representando a batalha entre Florença e Milão em 1440. Michelangelo foi então contratado para pintar a Batalha de Cascina. As duas pinturas são muito diferentes: Leonardo retrata soldados lutando a cavalo, enquanto Michelangelo tem soldados sendo emboscados enquanto se banham no rio. Nenhum dos trabalhos foi concluído e ambos foram perdidos para sempre quando a câmara foi reformada. Ambas as obras foram muito admiradas, e as cópias permanecem delas, a obra de Leonardo tendo sido copiada por Rubens e Michelangelo por Bastiano da Sangallo.
Também durante este período, Michelangelo foi contratado por Angelo Doni para pintar uma "Sagrada Família" como presente para sua esposa, Maddalena Strozzi. É conhecido como o Doni Tondo e está pendurado na Galeria Uffizi em sua magnífica estrutura original, que Michelangelo pode ter projetado.
Ele também pode ter pintado a Madonna and Child com John the Baptist, conhecido como Manchester Madonna e agora na National Gallery, em Londres.
Em 1505 Michelangelo foi convidado de volta a Roma pelo recém-eleito Papa Júlio II e encarregado de construir o túmulo do papa, que deveria incluir quarenta estátuas e ser concluído em cinco anos.
Sob o patrocínio do papa, Michelangelo experimentou constantes interrupções em seu trabalho no túmulo, a fim de realizar inúmeras outras tarefas. Embora Michelangelo trabalhou no túmulo por 40 anos, nunca foi terminado para sua satisfação.
Ele está localizado na Igreja de San Pietro in Vincoli em Roma e é mais famoso pela figura central de Moisés, concluída em 1516.
Das outras estátuas destinadas ao túmulo, duas, conhecidas como o Escravo Rebelde e o Escravo Morrer, estão agora no Louvre.
Durante o mesmo período, Michelangelo pintou o teto da Capela Sistina, que levou cerca de quatro anos para ser concluído (1508-1512).
De acordo com o relato de Condivi, Bramante, que estava trabalhando na construção da Basílica de São Pedro, se ressentia da comissão de Michelangelo pelo túmulo do papa e convenceu o papa a comissioná-lo em um meio com o qual ele não estava familiarizado, a fim de tarefa. Michelangelo foi originalmente encarregado de pintar os Doze Apóstolos nas pendentes triangulares que sustentavam o teto e cobrir a parte central do teto com ornamentos.
Michelangelo persuadiu o papa Júlio a dar-lhe uma mão livre e propôs um esquema diferente e mais complexo, representando a Criação, a Queda do Homem, a Promessa de Salvação através dos profetas e a genealogia de Cristo. A obra faz parte de um esquema maior de decoração dentro da capela que representa grande parte da doutrina da Igreja Católica.
A composição se estende por mais de 500 metros quadrados de teto e contém mais de 300 figuras.
No seu centro estão nove episódios do Livro do Gênesis, divididos em três grupos: a criação da terra por Deus; Criação de Deus da humanidade e sua queda da graça de Deus; e finalmente, o estado da humanidade representado por Noé e sua família. Nos pendentes que sustentam o teto estão pintados doze homens e mulheres que profetizaram a vinda de Jesus, sete profetas de Israel e cinco sibilas, mulheres proféticas do mundo clássico. Entre as pinturas mais famosas no teto estão A Criação de Adão, Adão e Eva no Jardim do Éden, o Dilúvio, o Profeta Jeremias e a Sibila Cumaeana.
Em 1513, o Papa Júlio II morreu e foi sucedido pelo Papa Leão X, o segundo filho de Lorenzo dei Medici.
O papa Leão mandou que Michelangelo reconstruísse a fachada da Basílica de San Lorenzo em Florença e a adornasse com esculturas. Ele concordou com relutância e passou três anos criando desenhos e modelos para a fachada, além de tentar abrir uma nova pedreira de mármore em Pietrasanta especificamente para o projeto. Em 1520, o trabalho foi abruptamente cancelado por seus fregueses financeiramente amarrados antes de qualquer progresso real ter sido feito. A basílica não tem fachada até hoje.
Em 1520 os Medici voltaram a Michelangelo com outra grande proposta, desta vez para uma capela funerária familiar na Basílica de San Lorenzo.
Felizmente para a posteridade, este projeto, ocupando o artista por grande parte das décadas de 1520 e 1530, foi mais plenamente realizado. Michelangelo usou seu próprio critério para criar a composição da Capela Medici, que abriga os grandes túmulos de dois dos membros mais jovens da família Medici, Giuliano, duque de Nemours, e Lorenzo, seu sobrinho. Também serve para comemorar seus predecessores mais famosos, Lorenzo, o Magnífico e seu irmão Giuliano, que estão enterrados nas proximidades. Os túmulos exibem estátuas dos dois Medici e figuras alegóricas representando Noite e Dia, e Dusk and Dawn. A capela também contém a Madonna Medici de Michelangelo. Em 1976, um corredor escondido foi descoberto com desenhos nas paredes que se relacionavam com a própria capela.
O papa Leão X morreu em 1521 e foi sucedido sucintamente pelo austero Adriano VI e depois por seu primo Giulio Medici como papa Clemente VII. Em 1524, Michelangelo recebeu uma comissão de arquitetura do Papa Medici para a Biblioteca Laurentina na Igreja de San Lorenzo.
Ele projetou tanto o interior da biblioteca como seu vestíbulo, um edifício que utiliza formas arquitetônicas com um efeito tão dinâmico que é visto como o precursor da arquitetura barroca. Foi deixado aos assistentes para interpretar seus planos e realizar instruções. A biblioteca não foi aberta até 1571 e o vestíbulo permaneceu incompleto até 1904.
Em 1527, os cidadãos florentinos, encorajados pelo saque de Roma, expulsaram os Medici e restauraram a república. Seguiu-se um cerco da cidade, e Michelangelo foi em auxílio de sua amada Florença, trabalhando nas fortificações da cidade de 1528 a 1529. A cidade caiu em 1530, e os Médici foram restaurados ao poder.
Michelangelo caiu em desgraça com o jovem Alessandro Medici, que havia sido instalado como o primeiro duque de Florença. Temendo por sua vida, ele fugiu para Roma, deixando assistentes para completar a capela Medici e a Biblioteca Laurentina. Apesar do apoio de Michelangelo à república e resistência ao regime Medici, ele foi recebido pelo papa Clemente, que restabeleceu uma mesada que ele havia concedido anteriormente ao artista e fez um novo contrato com ele sobre o túmulo do papa Júlio.
Em Roma, Michelangelo viveu perto da igreja de Santa Maria di Loreto. Foi nessa época que ele conheceu a poeta Vittoria Colonna, marquesa de Pescara, que se tornaria uma de suas amigas mais próximas até sua morte em 1547.
Pouco antes de sua morte, em 1534, o papa Clemente VII comissionou Michelangelo a pintar um afresco de O Juízo Final na parede do altar da Capela Sistina. Seu sucessor, Paulo III, foi fundamental para que Michelangelo começasse e completasse o projeto, do qual trabalhou de 1534 a outubro de 1541.
O afresco retrata a segunda vinda de Cristo e seu julgamento das almas. Michelangelo ignorou as convenções artísticas habituais em retratar Jesus, mostrando-o como uma figura maciça e musculosa, jovem, sem barba e nua.
Ele é cercado por santos, entre os quais São Bartolomeu tem uma pele esfolada e esvoaçante, com a aparência de Michelangelo. Os mortos se levantam de seus túmulos, para serem enviados para o céu ou para o inferno.
Uma vez concluída, a representação de Cristo e da Virgem Maria nua foi considerada um sacrilégio, e o cardeal Carafa e o monsenhor Sernini (embaixador de Mântua) fizeram campanha para que o afresco fosse removido ou censurado, mas o papa resistiu. No Concílio de Trento, pouco antes da morte de Michelangelo, em 1564, decidiu-se obscurecer os genitais e Daniele da Volterra, um aprendiz de Michelangelo, foi encarregado de fazer as alterações.
Uma cópia sem censura do original, de Marcello Venusti, está no Museu Capodimonte de Nápoles.
Michelangelo trabalhou em vários projetos arquitetônicos nessa época. Eles incluíram um projeto para o Monte Capitolino com sua praça trapezoidal exibindo a antiga estátua de bronze de Marco Aurélio. Ele projetou o andar superior do Palazzo Farnese e o interior da Igreja de Santa Maria degli Angeli, na qual ele transformou o interior abobadado de uma antiga casa de banhos romana. Outras obras arquitetônicas incluem San Giovanni dei Fiorentini, a Capela Sforza (Capella Sforza) na Basílica di Santa Maria Maggiore e a Porta Pia.
Enquanto ainda trabalhava no Juízo Final, Michelangelo recebeu outra comissão para o Vaticano. Isto foi para a pintura de dois grandes afrescos na Cappella Paolina, representando eventos significativos nas vidas dos dois santos mais importantes de Roma, a Conversão de São Paulo e a Crucificação de São Pedro. Como o Juízo Final, esses dois trabalhos são composições complexas contendo um grande número de figuras.
Eles foram concluídos em 1550. No mesmo ano, Giorgio Vasari publicou seu Vita, incluindo uma biografia de Michelangelo.
Em 1546, Michelangelo foi nomeado arquiteto da Basílica de São Pedro, em Roma.
O processo de substituir a basílica constantiniana do século IV estava em andamento há cinquenta anos e, em 1506 fundações, haviam sido lançadas as plantas de Bramante. Arquitetos sucessivos haviam trabalhado nisso, mas pouco progresso havia sido feito. Michelangelo foi persuadido a assumir o projeto. Ele retornou aos conceitos de Bramante e desenvolveu suas idéias para uma igreja planejada centralmente, fortalecendo a estrutura física e visualmente.
A cúpula, não concluída até depois de sua morte, foi chamada por Banister Fletcher, "a maior criação do Renascimento".
Como a construção estava progredindo em São Pedro, havia a preocupação de que Michelangelo falecesse antes que a cúpula terminasse. No entanto, uma vez iniciado o edifício na parte inferior da cúpula, o anel de suporte, a conclusão do projeto era inevitável.
Em 7 de dezembro de 2007, um esboço de giz vermelho para a cúpula da Basílica de São Pedro, possivelmente a última feita por Michelangelo antes de sua morte, foi descoberto nos arquivos do Vaticano. É extremamente raro, já que ele destruiu seus desenhos mais tarde na vida. O esboço é um plano parcial de uma das colunas radiais do tambor da cúpula de São Pedro.
Michelangelo era um católico devoto cuja fé se aprofundou no final de sua vida.
Ele era abstêmio em sua vida pessoal, e uma vez disse ao seu aprendiz, Ascanio Condivi: "Por mais rico que eu tenha sido, sempre vivi como um homem pobre".
Condivi disse que ele era indiferente a comida e bebida, comendo "mais por necessidade do que por prazer" [59] e que ele "freqüentemente dormia em suas roupas e ... botas". Seu biógrafo Paolo Giovio diz: "Sua natureza era tão rude e grosseira que seus hábitos domésticos eram incrivelmente sórdidos e privavam a posteridade de qualquer aluno que pudesse segui-lo." [60] Ele pode não ter se importado, já que era por natureza pessoa solitária e melancólica, bizzarro e fantastico, um homem que "se retirou da companhia dos homens".
É impossível saber com certeza se Michelangelo tinha relações físicas (Condivi atribuiu a ele uma "castidade monástica"), mas a natureza de sua sexualidade é evidenciada em sua poesia.
Ele escreveu mais de trezentos sonetos e madrigais. A sequência mais longa que apresenta uma grande amizade romântica, foi escrita para Tommaso dei Cavalieri (c. 1509-1587), que tinha 23 anos quando Michelangelo o conheceu em 1532, com 57 anos de idade. Estes compõem a primeira grande seqüência de poemas. em qualquer língua moderna dirigida por um homem para outro; eles datam de cinquenta anos os sonetos de Shakespeare para a juventude justa:

Eu me sinto como iluminado pelo fogo um semblante frio
Isso me queima de longe e se mantém gelada;
Uma força eu sinto dois braços bem formados para preencher
Que sem movimento move todo equilíbrio.

- (Michael Sullivan, tradução)
Cavalieri respondeu: "Juro devolver o seu amor. Nunca amei um homem mais do que amo você, nunca desejei uma amizade mais do que a sua." Cavalieri permaneceu dedicado a Michelangelo até sua morte.
Em 1542, Michelangelo conheceu Cecchino dei Bracci, que morreu apenas um ano depois, inspirando Michelangelo a escrever quarenta e oito epigramas fúnebres. Alguns dos objetos das afeições de Michelangelo, e temas de sua poesia, se aproveitaram dele: o modelo Febo di Poggio pediu dinheiro em resposta a um poema de amor, e um segundo modelo, Gherardo Perini, roubou dele descaradamente.
A natureza abertamente homoerótica da poesia tem sido uma fonte de desconforto para as gerações futuras. O sobrinho-neto de Michelangelo, Michelangelo Buonarroti, o Jovem, publicou os poemas em 1623 com o gênero dos pronomes mudados, e não foi até que John Addington Symonds os traduziu para o inglês em 1893 que os gêneros originais foram restaurados. Mesmo nos tempos modernos, alguns estudiosos continuam a insistir que, apesar da restauração dos pronomes, eles representam "uma re-imaginação sem emoção e elegante do diálogo platônico, através do qual a poesia erótica era vista como uma expressão de sensibilidades refinadas".
No final da vida, Michelangelo alimentou um grande amor platônico pela poeta e nobre viúva Vittoria Colonna, que conheceu em Roma em 1536 ou 1538 e que estava com quarenta e tantos anos na época. Escreviam sonetos um para o outro e mantinham contato regular até a morte. Esses sonetos lidam principalmente com as questões espirituais que os ocupavam. Condivi lembra que Michelangelo está dizendo que seu único arrependimento na vida é que ele não beijou o rosto da viúva da mesma maneira que ele tinha na mão.
A Madonna dos Degraus é o primeiro trabalho conhecido de Michelangelo em mármore. É esculpida em relevo superficial, uma técnica frequentemente empregada pelo mestre-escultor do início do século XV, Donatello, e outros como Desiderio da Settignano.
Enquanto a Madonna está no perfil, o aspecto mais fácil para um alívio superficial, a criança exibe um movimento de torção que se tornaria característico do trabalho de Michelangelo. O Taddeo Tondo de 1502 mostra o Menino Jesus assustado por um Dom-fafe, um símbolo da Crucificação.
A forma animada da criança foi posteriormente adaptada por Raphael em Bridgewater Madonna. A Madonna de Bruges foi, na época de sua criação, ao contrário de outras estátuas, representando a Virgem orgulhosamente apresentando seu filho. Aqui, o Menino Jesus, contido pela mão da mãe, está prestes a sair para o mundo.
O Doni Tondo, representando a Sagrada Família, tem elementos de todos os três trabalhos anteriores: o friso de figuras no fundo tem a aparência de um baixo-relevo, enquanto a forma circular e formas dinâmicas ecoam o Taddeo Tondo. O movimento de torção presente na Madona de Bruges é acentuado na pintura. A pintura anuncia as formas, movimentos e cores que Michelangelo empregaria no teto da Capela Sistina.
O anjo ajoelhado é um dos primeiros trabalhos, um dos vários que Michelangelo criou como parte de um grande esquema decorativo para a Arca di San Domenico na igreja dedicada a esse santo em Bolonha. Vários outros artistas haviam trabalhado no esquema, começando com Nicola Pisano no século XIII. No final do século 15, o projeto foi gerenciado por Niccolò dell'Arca. Um anjo segurando um candelabro, por Niccolò, já estava no lugar.
Embora os dois anjos formem um casal, há um grande contraste entre os dois trabalhos, o que retrata uma criança delicada com cabelos esvoaçantes vestidos com vestes góticas com dobras profundas, e a de Michelangelo retratando um jovem robusto e musculoso com asas de águia, vestido com uma peça de estilo clássico. Tudo sobre o anjo de Michelangelo é dinâmico.
Baco de Michelangelo foi uma comissão com um assunto específico, o jovem Deus do vinho. A escultura tem todos os atributos tradicionais, uma grinalda de videira, uma taça de vinho e um fulvo, mas Michelangelo ingeriu um ar de realidade no assunto, retratando-o com olhos turvos, uma bexiga inchada e uma postura que sugere que ele está instável em seu rosto. pés.
Enquanto o trabalho é claramente inspirado pela escultura clássica, é inovador por seu movimento rotativo e qualidade tridimensional, que incentiva o espectador a olhar para ele de todos os ângulos.
No assim chamado Escravo Moribundo, Michelangelo utilizou novamente a figura com um marcado contraponto para sugerir um estado humano particular, neste caso, despertar do sono. Com o escravo rebelde, é uma das duas figuras anteriores do túmulo do papa Júlio II, agora no Louvre, que o escultor levou a um estado quase acabado. Estas duas obras tiveram uma profunda influência na escultura posterior, através de Rodin, que as estudou no Louvre.
O Escravo Ligado é uma das figuras posteriores do túmulo do Papa Júlio. As obras, conhecidas coletivamente como Os Cativos, mostram cada uma a figura lutando para se libertar, como se das amarras da rocha em que está alojada. As obras dão uma visão única sobre os métodos esculturais que Michelangelo empregou e sua maneira de revelar o que ele percebia dentro da rocha.

Antonio del Pollaiuolo

2018-01-02T04:32:00.001-08:00

Antonio del Pollaiuolo (17 de janeiro de 1429/1433 - 4 de fevereiro de 1498), também conhecido como Antonio di Jacopo Pollaiuolo ou Antonio Pollaiuolo, foi pintor, escultor, gravador e orfebre italiano durante o Renascimento italiano.Tobias e o anjo, Antonio del PollaioloEle nasceu em Florença. Seu irmão, Piero, também era um artista, e os dois frequentemente trabalhavam juntos. O seu trabalho mostra as influências clássicas e o interesse pela anatomia humana; alegadamente, os irmãos realizaram dissecções para melhorar seu conhecimento sobre o assunto. Eles tiraram seu apelido do comércio de seu pai, que na verdade vende aves de capoeira (pollaio que significa "galinheiro" em italiano). Os primeiros estudos de goldsmithing e metalurgia de Antonio estavam sob o pai ou Andrea del Castagno: o último provavelmente o ensinou também na pintura.Outras fontes relatam que ele trabalhou na oficina de Florença de Bartoluccio di Michele, onde Lorenzo Ghiberti também recebeu seu treinamento.
Durante este tempo, ele também se interessou pela gravura.

Algumas das pinturas de Pollaiuolo exibem forte brutalidade, das quais as características podem ser estudadas no seu retrato de São Sebastião, pintado em 1473-1475 para a Capela Pucci das SS. Annunziata de Florença. No entanto, em contraste, seus retratos femininos exibem uma calma e uma atenção meticulosa aos detalhes da moda, como era a norma no retratamento do final do século XV.Ele alcançou seus maiores sucessos como escultor e metalúrgico.A descrição exata de suas obras é duvidosa, pois seu irmão Piero fez muito em colaboração com ele.A adição do século XV dos gêmeos infantis Romulus e Remus a uma escultura de bronze existente da loira mitológica romana antiga que os cuidou foi atribuída por alguns.Ele só produziu uma gravura sobreviva, a Batalha dos Homens Nus, mas, tanto em seu tamanho quanto em sua sofisticação, levou a impressão italiana a novos níveis e continua sendo uma das cópias mais famosas do Renascimento.

Em 1484, Antonio tomou a residência em Roma, onde executou o túmulo do Papa Sixto IV, agora no Museu de São Pedro (terminado em 1493), uma composição na qual ele manifestou novamente a qualidade do exagero nas características anatômicas de as figuras. Em 1496, foi a Florença para dar os últimos retoques ao trabalho já iniciado na sacristia de Santo Spirito.Ele morreu em Roma como um homem rico, acabando de terminar seu mausoléu do Papa Inocêncio VIII, também em São Pedro, e foi enterrado na igreja de San Pietro em Vincoli, onde um monumento foi levado para ele perto do de seu irmão.O seu principal contributo para a pintura florentina situava-se na sua análise do corpo humano em movimento ou sob condições de tensão, mas também é importante para o seu interesse pioneiro na paisagem. Seus estudantes incluíram Sandro Botticelli.

Paolo Uccello

2018-01-01T17:06:00.000-08:00

Paolo di Dono, ou Paolo Doni, conhecido como Paolo Uccello (Pratovecchio, 15 de junho de 1397 - Florença, 10 de dezembro de 1475), era um pintor e mosaico italiano.Ele estava entre os protagonistas da cena artística florentina de meados do século quinquenal.De acordo com Vasari em suas Vidas, Paolo Uccello "não teve outro prazer senão investigar algumas coisas difíceis e impossíveis de perspectiva", sublinhando seu traço distintivo mais imediato, ou seja, o interesse quase obsessivo na construção em perspectiva. Esta característica, combinada com a adesão ao clima de fadas do gótico internacional, faz de Paolo Uccello uma figura na fronteira entre os dois mundos figurativos, de acordo com uma jornada artística entre os mais autônomos do século XV.De acordo com Vasari, ele foi apelidado de "Paolo Uccelli", porque ele amava especialmente os animais de pintura e especialmente os pássaros: adoraria pintá-los para decorar sua casa, não podendo pagar animais reais.Ele era filho de um cirurgião e barbeiro, Dono di Paolo di Pratovecchio, cidadão florentino desde 1373, e da nobre Antonia di Giovanni del Beccuto. O pai pertencia a uma família rica, o Doni, que entre os séculos XV e XV tinha dado oito priores, enquanto a mãe era de uma família de nobres senhores feudais, que tinham suas próprias casas perto de Santa Maria Maggiore, uma igreja na qual a família Del Beccuto Eles tinham e tinham três capelas decoradas (uma delas pelo próprio Paulo). Na medida em que o cadastro de 1427 o lembra de trinta anos, então ele teve que nascer em 1397.

Em apenas dez anos, de 1407 a 1414, foi junto com Donatello e outros, na oficina de Lorenzo Ghiberti, envolvida na construção do portão norte do Batistério de Florença (1403-1424). Percorrendo o livro dos salários do Ghiberti garzoni, observa-se que Paolo teve que trabalhar por dois períodos separados, um dos três anos e um de quinze meses, no qual gradualmente aumentou os salários, o que sugere um crescimento profissional dos jovens. Apesar de seu aprendizado na oficina de um escultor, sua estátua ou bas-relief não é conhecida; Era comum, em vez disso, os pintores que mais tarde se estabeleceram para serem iniciados na prática artística por escultores ou ourives, pois poderiam cultivar a arte na base de qualquer produção artística, o desenho. De Ghiberti ele teve que aprender esse gosto pela arte gótica tardia, que era um dos componentes fundamentais de sua linguagem. Estes eram elementos estilísticos ligados ao gosto linear, ao aspecto mundano dos assuntos sagrados, ao refinamento das formas e movimentos e à atenção aos mais minuciosos detalhes, sob a bandeira de um naturalismo rico em decorações.Neste período, o uso do apelido de "Pássaro" nasceu devido à capacidade de preencher os vazios prospectivos com animais, especialmente pássaros. Inscrito na Compagnia di San Luca em 1414, matriculou-se no dia 15 de outubro do ano seguinte na Arte dei Medici e Speziali, que incluiu pintores profissionais.

As obras desses anos são bastante obscuras, quer porque estão perdidas, quer porque se baseiam em um gosto gótico tradicional que é difícil de combinar com o trabalho de maturidade, com atribuições ainda discutidas. Como os quase contemporâneos Masaccio e Beato Angelico, as primeiras obras independentes tiveram data dos anos vinte. De acordo com Ugo Procacci, um tabernáculo na área de Lippi e Macia (Novoli, Florença) seria uma exceção. Uma antiga inscrição datada de 1416 à mão de Paolo Uccello: um trabalho gótico completamente tardio, no qual podem ser encontradas algumas afinidades com a Starnina.Em algumas Madonnas muito cedo com uma atribuição mais compartilhada (a da casa Beccuto, agora no Museu San Marco, ou que em uma coleção privada em Fiesole), percebe-se um gosto pela linha falcata, tipicamente gótico, a que uma abordagem inovadora esforço para a interpretação mais expressiva dos protagonistas, com acentos humorais e ironicos sutis, quase inéditos na solemnidade sagrada florentina.Parece claro que a família da mãe teve que desempenhar um papel ativo na entrada do menino na cena artística local. Além da mencionada Madonna afresada em sua casa, pelo "oposto" Paolo Carnesecchi, que tinha suas casas próximas aos de Del Beccuto, Paolo executou uma Anunciação perdida e quatro profetas em uma capela de Santa Maria Maggiore, uma obra que Vasari viu e definiu "encurtado" de uma "maneira nova e difícil naqueles tempos". Outros trabalhos daqueles tempos, agora perdidos, eram um nicho no Spedale di Lelmo com o abade Sant'Antonio entre os santos Cosma e Damiano e duas figuras no mosteiro de Annalena.Não está claro se ele participou das primeiras histórias do fresco no Claustro Verde de Santa Maria Novella, onde ele trabalhou com certeza nos anos seguintes. Nessas lunetas, hoje atribuídas principalmente a artistas anônimos, há um certo "gibertismo", com figuras arqueadas, com ondulações fluidas e em movimento, que alguns estudiosos indicam o alcance.
A viagem a Veneza Entre 1425 e 1431, ele ficou em Veneza: são anos fundamentais, durante os quais Masaccio afogou a capela Brancacci, que teria tido muita influência sobre os jovens pintores florentinos, eclipsando rapidamente o marco recente Gothic tardio do Altar de Strozzi de Gentile da Fabriano (1423). Com a estrada pavimentada com a ajuda de um parente rico, Deo de Deo Beccuti, que atuou como procurador, dall'allenaza entre as repúblicas florentinas e venezianas e, sobretudo, a presença recente na lagoa de seu professor Ghiberti (inverno 1424-1425 ), Paolo Uccello atingiu a capital veneziana, onde permaneceu por seis ou sete anos. Antes de sair, como de costume, ele fez uma vontade em 5 de agosto de 1425. Esse pouco conhecido desses anos está ligado ao testemunho de uma carta a Pietro Beccanugi (embaixador florentino acreditado na Serenissima) da Ópera do Duomo de Florença, de 23 de março 1432, que pede uma conta e uma referência a Paolo di Dono, "magistro musayci", que fez um San Pietro para a fachada da Basílica de San Marco (uma obra perdida, que pode ser vista no telero de Gentile Bellini com a Procissão em piazza San Marco, de 1496). Algumas incrustações de mármore para o chão da basílica são atribuídas hoje com prudência. Longhi e Pudelko também falaram sobre os mosaicos da Visitação, Nascimento e Apresentação no Templo da Virgem da Capela de Mascoli em San Marco, interpretado por Michele Giambono: as três cenas, atribuídas pela maioria das críticas ao design de Andrea del Castagno , ativo alguns anos depois na cidade, tem um design de perspectiva de uma certa complexidade. Em 1427 foi certamente em Veneza, enquanto alguns anos depois, no verão de 1430, é possível que ele tenha visitado Roma, juntamente com dois ex-alunos, como ele, por Ghiberti, Donatello e Masolino. Com o último talvez ele colaborou no ciclo perdido de homens ilustres no palácio de Orsini, hoje conhecido através de uma cópia em miniatura de Leonardo da Besozzo. A hipótese baseia-se, no entanto, apenas em conjecturas, relacionadas à atração de artistas no momento da renovação de Roma, promovida por Martino V. A experiência veneziana acentuou sua propensão a representar evasões fantásticas, provavelmente inspiradas pelos afrescos perdidos de Pisanello e Gentile de Fabriano no Palácio dos Doges, mas ele o retirou de Florença durante um período crucial para desenvolvimentos artísticos. Alguns se referem a esse período a Anunciação de Oxford e São Jorge e o Dragão de Melbourne. Em 1431, ele voltou para sua terra natal, onde encontrou seus colegas jovens na oficina de Ghiberti, agora lançado para uma carreira estabelecida, como Donatello e Luca della Robbia, acompanhadas de dois monges já conscientes da extensão da revolução Masaccio, como Fra Angelico e Filippo Lippi. Os patrocinadores florentinos tiveram que demonstrar uma certa desconfiança com o artista repatriado, conforme evidenciado pela carta de referências enviada a Veneza pelos Trabalhadores da Catedral de 1432, que já foi mencionada. Em 1431, o lunette com a Criação dos animais e a criação de Adão e a caixa abaixo da Criação de Eva e Pecado originais no claustro verde de Santa Maria Novella, nos quais podemos captar em alguns detalhes a influência de Masolino (a cabeça) da serpente no pecado original), enquanto a figura severa do Pai Eterno lembra Ghiberti. O trabalho também mostra, no entanto, um primeiro contato com as novidades, em particular o Masaccio, sobretudo na inspiração para o corpo nu de Adão, pesado e monumental, bem como anatomicamente proporcional. Em geral, já existe a tendência geométrica do artista, com as figuras inscritas em círculos e outras formas geométricas, fundidas com reminiscências tardogóticas, como a insistência decorativa de detalhes naturalistas. O artista então certamente trabalhou em uma segunda, mais famosa lunette (Dilúvio e recessão das águas e Histórias de Noé) em 1447-1448. Talvez uma certa hostilidade em casa o trouxe por um breve período a Bolonha, onde percebeu uma grandiosa Adoração da Criança na igreja de San Martino, em cujos fragmentos sobreviventes podemos ler hoje uma adaptação rápida e inequívoca aos volumes sólidos e à pesquisa prospectiva de um estilo Masaccio. Com base na data praticamente legível, há aqueles que denunciam esse trabalho até 1437. No início da década de trinta ele trabalhou em algumas histórias franciscanas na Basílica de Santa Trinita, em Florença, de que só resta uma cena muito experiente dos estigmas de São Francisco acima A porta esquerda na contra-fachada. Em 1434, ele comprou uma casa em Florença, testemunhando sua vontade de trabalhar e se estabelecer na paisagem da cidade. Em 1435, Leon Battista Alberti publicou De pictura, um tratado que trouxe, direta ou indiretamente, Paolo Uccello e muitos outros. artistas de uma decisão decisiva
Lzo adiante no campo da experimentação mais peculiarmente renascentista, colocando em segundo plano o gosto e o estilo gótico tardio: os pintores foram obrigados a consistência, verossimilhança e senso de harmonia, em nome de uma "narrativa ornamentada" que logo se tornou o padrão estético dominante. A esses novos pedidos, no entanto, Paolo Uccello sempre se aproximou de seu gosto pessoal, elegante e abstrato, derivado do exemplo de Ghiberti. Em 26 de novembro de 1435, o lã e comerciante de Prato Michele di Giovannino di Sandro, sessenta e quatro, ditou sua vontade, organizando fundos para fundar e decorar uma capela dedicada à Assunção na Catedral de Prato, preparando o caminho para o Irmão Padre, que será o primeiro reitor. Chamou para decorar as três paredes da capela Paolo Uccello, que teve que começar a empresa entre o inverno 1435 e a primavera de 1436. Paolo Uccello tem direito a uma parte das Histórias da Virgem (Natividade de Maria e Apresentação de Maria al Tempio) e Histórias de São Estêvão (Disputação de São Estêvão e Martírio de São Estêvão, exceto a metade inferior), bem como quatro santos em nichos nos lados do arco (San Girolamo, San Domenico, San Paolo e San Francesco ) e o afetuoso Beato Jacopone da Todi na parede atrás do altar, hoje destacado e mantido no Museu Cívico. É uma presença rara (seus restos foram encontrados apenas em 1433) e a forte conotação franciscana, provavelmente devido à devoção pessoal do cliente que, em sua vida, havia sido condenado e preso várias vezes por dívidas, de acordo com ele sem culpa. Particularmente significativa é a escadaria vertiginosa na Apresentação de Maria no Templo, onde vemos a rápida maturação da capacidade de representar elementos complexos no espaço, mesmo que o virtuosismo de alguns anos depois ainda não esteja presente. Já o contemporâneo Giovanni Manetti, em sua biografia de Brunelleschi, havia incluído Paolo Uccello entre os artistas que tinham conhecimento imediato dos experimentos prospectivos do grande arquiteto. A partir daí, na literatura seguinte, a fama de Paolo começou como professora que "entendia bem a perspectiva", por exemplo, já nos escritos de Cristoforo Landino de 1481. Nos afrescos de Prato um certo isolamento metafísico dos edifícios, a faixa de cor fria e brilhante e, acima de tudo, o curioso repertório de rostos esquisitos espalhados nas histórias e as características das festas decorativas trazem um caráter extravagante, original e amante das irregularidades. A atribuição dos afrescos Pratesi não é certa: Pudelko falou com mais prudência do que um Mestre de Karlsruhe, Mario Salmi relatou-os ao Mestre de Quarate, enquanto Pope-Hennessy falou de um "Mestre de Prato". Em 1437, o trabalho em Prato é considerado concluído, devido à presença de um tríptico para a Galeria Accademia de Florença datada de naquele ano, que cita explicitamente a São Francisco de Paulo. Não está claro por que o artista deixou a cidade antes do final do ciclo (mais tarde completado por Andrea di Giusto), talvez devido à estipulação, em 1436, de um contrato mais atraente com a Ópera do Duomo de Florença. Satisfeito com os afrescos Eu sou a Santa Freira com duas meninas da Coleção Contini Bonacossi, Madonna e Criança da Galeria Nacional da Irlanda e a Crucificação do Museu Thyssen-Bornemisza em Madri. O ciclo Prato foi de repente deixado inacabado (será Andrea di Giusto para realizá-lo), provavelmente porque as empresas muito maiores em prestígio e lucro foram oferecidas enquanto isso. De fato, ele voltou a Florença para trabalhar no estaleiro de Santa Maria del Fiore, muito ativo para a inauguração da cúpula e consagração solene na presença do papa Eugenio IV. Em 1436, afogou o monumento equestre ao condottiere Giovanni Acuto (John Hawkwood) executado em apenas três meses e assinou com seu nome na base da estátua. O trabalho é monocromático (ou verdeterra), usado para dar a impressão de uma estátua de bronze. Ele usou dois implantes de perspectiva diferentes, um para a base e um para o cavalo e o cavaleiro. As figuras são curadas, cortês, bem tratadas volumetricamente através de um rascunho adequado de luz e sombra com claroscuro. Ao mesmo tempo, ele teve que traçar o ciclo perdido em terra verde com as Histórias de São Bento em Santa Maria degli Angeli. Neste trabalho, ele assinou, pela primeira vez, como "Pavli Vgielli": não está claro em que circunstâncias ele adotou O que parece um apelido simples como um nome verdadeiro, não menos importante em uma comissão pública de grande importância e visibilidade. Alguns também ligaram essa escolha com um vínculo com a família bolonhesa dos Aves. Em 1437 ele fez uma viagem a Bolonha, onde o afresco da Natividade permanece na primeira capela de
da igreja de San Martino. Entre 1438 e 1440 (mas alguns historiadores datam de 1456) perceberam as três pinturas que celebram a Batalha de San Romano, em que os florentinos, liderados por Niccolò Mauruzi de Tolentino derrotaram os sieneses em 1432. Os três painéis, exibidos até 1784 em uma sala do palácio Medici na Via Larga, em Florença, estão agora dispersos separadamente em três dos museus mais importantes da Europa: a Galeria Nacional em Londres (Niccolò da Tolentino à frente de fiorentini), os Uffizi (Desircionamento de Bernardino della Ciarda) e o Louvre em Paris (intervenção decisiva ao lado dos florentinos de Michele Attendolo), o último talvez realizado em uma data posterior e assinado pelo artista. O trabalho foi cuidadosamente preparado e permanecem vários desenhos com os quais o artista estudou construções geométricas em uma perspectiva particularmente complexa: eles permanecem hoje tanto nos Uffizi quanto no Louvre e pensa-se que neste estudo ele provavelmente foi ajudado pelo matemático Paolo Toscanelli. Em 1442 nós temos o primeiro documento que atesta a existência de sua oficina. Entre 1443 e 1445, ele executou para a Catedral de Florença o quadrante do grande relógio de relógio e os desenhos para duas janelas da cúpula (Ressurreição, realizada pelo vidente Bernardo di Francesco , e Natividade, criado por Angelo Lippi). Em 1445 ele foi chamado a Pádua por Donatello, e aqui ele percebeu no palácio Vitaliani afrescos com gigantes em terra verde, agora perdidos; Eles foram estimados em "grande conta" por Andrea Mantegna, que talvez tenha se inspirado nas Histórias de São Cristóvão na Capela de Ovetari. Voltou a Florença no ano seguinte. Em torno de 1447-1448, Paolo Uccello voltou a participar dos afrescos no claustro verde de Santa Maria Novella, em particular na luneta com o dilúvio e a recessão das águas, nas quais Noé pode ser visto para sair da arca , e sob o painel com o Sacrifice de Noah e a embriaguez. Na lunette, ele adotou um duplo ponto de cruzamento que acentuou, juntamente com a irrealidade das cores, o drama do episódio: à esquerda vemos a arca no início do dilúvio, logo após a inundação; Noah está presente tanto no ato de tomar o ramo de oliveira e em terra. As figuras se tornam menores se afastando, e a arca parece chegar ao infinito. Nos nus se sentiu a influência das figuras de Masaccio, enquanto a riqueza dos detalhes ainda era influenciada pelo estilo gótico tardio. Nesses mesmos anos, para o claustro do Hospital de San Martino della Scala, afogou uma luneta com a Natividade, hoje muito arruinada e Depósitos dos Uffizi em conjunto com a sinopia relativa: acima de tudo neste último, observa-se a atenção reservada pelo artista à construção em perspectiva, com uma definição muito breve das figuras, que são então encontradas em outras posições na versão final. Em 1447-1454 sobre a espera dos afrescos com Histórias dos santos eremitas no claustro de San Miniato, apenas parcialmente preservado. Em 1450, um tabernáculo é documentado em San Giovanni e, em 1452, uma pintura com a Beata Andrea Corsini no Duomo de Florença, ambas as obras perdidas. A tabela entre 1450 e 1475 é a mesa com a Thebaid, um tema amplamente difundido nesses anos e protegido na Galeria Accademia em Florença. A 1450 é também atribuído o pequeno tríptico com a crucificação, mantido no Metropolitan Museum of Art, em Nova York, provavelmente produzida por uma célula do convento de Santa Maria del Paradiso em Firenze.Sposò Tommasa Malifici em 1452 e tiveram duas filhas, as uma freira Antonia, uma freira carmelita que é lembrada por seus dons pictóricos, mas nenhum rastro de suas obras sobreviveu. Antonia é talvez o primeiro pintor florentino mencionado nas crônicas. Naquele ano é a mesa com uma Anunciação, agora perdida, da qual a predela é preservada com Cristo em piedade entre Madonna e São João Evangelista no Museu de San Marco, em Florença. Por volta de 1455, a mesa com São Jorge e o dragão da Galeria Nacional de Londres remonta. Entre 1455 e 1465, ele percebeu para o retábulo da igreja de San Bartolomeo (primeiro chamado San Michele Arcangelo) em Quarate, do qual apenas a predela permanece. composto por três cenas com a Visão de São João em Patmos, a Adoração dos Magi e dos Santos James, o Grande e Ansano, mantidos no Museu Diocesano de Santo Stefano na Ponte de Florença. Em 1465 pintou para Lorenzo di Matteo Morelli, uma mesa com São Jorge e o Dragão (Paris, Museu Jacquemart André) e o afresco com a Incredulidade de São Tomás na fachada da igreja de São Tomás no Mercado Antigo (perdido). Os retratos foram amplamente debatidos é a origem de um núcleo de retratos de Perfil da área florentina, data do início do Renascimento. Nessas obras, nas quais podemos ver as mãos diferentes, tentamos reconhecer a mão de Masaccio, agora de Paolo Uccello, agora de outros. Embora estes sejam provavelmente os retratos independentes mais antigos
da escola italiana, a ausência total de evidências documentais impede uma atribuição precisa. Em particular, Paolo Uccello em particular refere-se ao delicado retrato feminino do Museu Metropolitano, cujos traços lembrariam as princesas salvas pelo dragão nas mesas de Uccello (mas hoje é para um seguidor do artista), ou o Retrato de um jovem Musée des Beaux-Arts de Chambéry, das cores reduzidas em tons de vermelho e marrom, como em outros painéis do artista. Em uma idade avançada, Paolo Uccello foi convidado pelo Federico da Montefeltro para Urbino, onde permaneceu de 1465 a 1468, envolvendo-se na decoração do Palazzo Ducale. Aqui está a predela com o milagro profetizado do Anfitrião, encomendado pela Companhia de Corpus Domini, que foi então completada por um grande retábulo de Giusto di Gand. Provavelmente, esses anos, pertence o comprimido com a Caçada noturna do Museu Ashmolean em Oxford. Entre o final de outubro e o início de novembro de 1468, Paolo estava de volta a Florença. Velho e agora incapaz de trabalhar, ele permanece no registro de terra de 1469, no qual ele escreveu: "Truovomi velho e sem uso e não posso exercer e minha mulher está doente." 11 de novembro de 1475, provavelmente doente, será feito e ele morreu em 10 de dezembro de 1475, sendo enterrado no Espírito Santo, 12 de dezembro. Ele deixou muitos desenhos, incluindo três nos Uffizi com estudos prospectivos. Neste artigo, o artista provavelmente se juntou ao matemático Paolo Toscanelli. O estilo mais marcante das obras de maturação de Paolo Uccello é a construção da perspectiva ousada, que, ao contrário de Masaccio, não serve para dar ordem lógica à composição, dentro de um espaço finito e mensurável, mas sim criar cenografias fantásticas e visionárias, em espaços indefinidos. O seu horizonte cultural manteve-se ligado à cultura do gótico tardio, mesmo que seja interpretado com originalidade. As obras de maturidade estão contidas numa gaiola de perspectiva lógica e geométrica, onde as figuras são consideradas volumétricas, colocadas em função de correspondências matemáticas e racionais, onde são excluídas o horizonte natural e o dos sentimentos. O efeito, bem percebido em obras como a Batalha de San Romano é o de uma série de manequins que se passam por uma cena com ações congeladas e suspensas, mas o caráter emblemático e sonhador de sua pintura nasce dessa fixação inescrutável. O fantasma também é acentuado pelo uso de céus e fundos escuros, nos quais as figuras se destacam, bloqueadas em posições não naturais. Críticos da FortunaVasari in the Lives elogiou a perfeição a que Paolo Uccello liderou a arte da perspectiva, mas o repreendeu por dedicá-la "Grande", deixando de lado o estudo da rendição de figuras humanas e animais: "Paulo Uccello teria sido o talento mais gracioso e caprichoso que ele possuía, de Giotto aqui, a arte de pintar se ele estivesse tão cansado nas figuras e animais, quanto ele trabalhou e perdeu tempo em coisas de perspectiva ". Esta visão crítica limitada foi, de fato, aceita por todos os estudiosos subsequentes até Cavalcasell e, sublinhando como o estudo científico da perspectiva não empobrece a expressão artística, deu lugar a uma compreensão da arte de Paolo Uccello mais completa e fundamentada. Entre os estudos subseqüentes, um problema que muitas vezes enfrentava era o da interpretação do perspectiva fragmentada de algumas obras, de acordo com alguns, como Parrochi, ligados a uma "não aceitação do sistema de construção redutora com pontos de distância aplicados exemplarmente pelo arquiteto [Brunelleschi] em seus comprimidos experimentais". Mas talvez seja mais correto falar de uma interpretação pessoal desses princípios, em vez de uma oposição real, sob a bandeira de um senso maior "abstrato e fantástico" (Mario Salmi). Para Paulo, a perspectiva sempre permaneceu um instrumento para colocar as coisas no espaço e não para tornar as coisas reais, como é especialmente evidente em obras como a inundação universal. Mantendo a meio caminho entre o mundo gótico tardio e as novidades do Renascimento, Paolo Uccello fundiu "ideais antigos e novos meios de investigação" (Parronchi). O Mestre de Karlsruhe, Prato ou Quarate A crítica do início do século XX, encontrando uma certa descontinuidade estilística no grupo de obras referidas ou referentes a Paolo Uccello, ele freqüentemente assumiu a existência de alunos, a quem ele deu vários nomes convencionais, referindo-se a pequenos grupos de trabalhos, hoje geralmente todos se referiram, novamente, ao professor. Eles são o "Mestre de Karlsruhe", tendo como obra epónima a Adoração da Criança com os santos Girolamo, Maddalena e Eustachio (Pudelko), o "Mestre de Prato" (afrescos da Capela da Assunção, para o Papa Hennessy) ou o "Master of Quarate" (para a predela de Quarate, de acordo com Mario Salmi). Apesar das diferenças rescontrariáveis entre as várias obras, parecem estar ligados por características homogêneas. Seria, afinal, muito improvável, como Luciano Berti apontou, que um mestre do peso e da fama de Paolo Uccello não havia atingido as obras principais e que todos os menores eram de um estudante sortudo de quem, por outro lado, nenhum trabalho importante foi preservado.
Além disso, todo trabalho, mesmo o mais passável, mostra sua marcada originalidade, que é a prerrogativa do mestre e não de um imitador.
Por todas estas razões, está inclinado a trazer todos esses alter ego para a figura única do mestre, talvez deslocando as várias obras em diferentes fases e períodos. Paolo Uccello em literaturaPaolo Uccello, juntamente com Gioachino Rossini e Lev Tolstoj, é um dos três composições que formam os Poemas Itálicos de Giovanni Pascoli, publicados um ano antes da morte do poeta em 1911.
O poema Paulo Ucello, uma cena de dez capítulos onde Paulo pinta o rouxilão que ele não pode comprar, é uma celebração do poder escapista da arte e um desafio para reproduzir na poesia o estilo floral e descritivo do pintor florentino.Marcel Schwob dedica um capítulo de seu livro "Imaginary Lives" (1896), no qual imagina Paolo Uccello imerso na contemplação e decomposição do mundo em linhas e círculos simples tanto de separar tudo de toda percepção dos fenômenos terrestres da vida e da morte.

Racionalismo

2017-08-03T10:01:00.001-07:00

O Racionalismo é uma corrente filosófica que atribui particular confiança à razão humana, ao passo que acredita que é dela que se obtém os conhecimentos.
Saber de onde vinha o conhecimento era uma preocupação da Filosofia. A tentativa de responder a essa questão resulta no aparecimento de pelo menos duas correntes filosóficas:

Racionalismo, que do latim ratio significa "razão";
Empirismo, que do grego empeiria significa “experiência”.

A doutrina do racionalismo alega que tudo o que existe tem uma causa inteligível, ainda que essa causa não possa ser provada empiricamente. Ou seja, somente o pensamento por meio da razão é capaz de atingir a verdade absoluta.
O Racionalismo baseia-se no princípio de que a razão é a principal fonte de conhecimentos e que essa é inata aos humanos.
Assim, o raciocínio lógico seria construído através da dedução de ideias, tal como os conhecimentos de Matemática, por exemplo.

Racionalismo Cartesiano

O Racionalismo Cartesiano ou Racionalismo de Descartes é uma referência que se faz ao pensamento de Descartes - um dos principais pensadores desta corrente.
René Descartes (1596-1650), de quem é célebre a frase: “Penso, logo existo”, lançou as bases do racionalismo. Para esse filósofo e matemático francês, havia três conjuntos de ideias:

Adventícias, representadas pelas ideias que abrolham por meio de informações obtidas pelos nossos sentidos;
Factícias, ideias que têm origem na nossa imaginação;
Inatas, que não dependem da experiência e estão na nossa mente ao nascermos.

Conheça as bases do racionalismo em Descartes.

Racionalismo e Empirismo

Ao contrário do Racionalismo, que é basicamente razão, a corrente filosófica Empirismo prega que o ponto de partida para os conhecimentos é a própria experiência.

O Humanismo Renascentista

2017-08-03T09:42:00.001-07:00

O humanismo foi um movimento de glorificação do homem e da natureza humana, que surgiu na Itália em meados do século XIV.
O homem, a obra mais perfeita do Criador, era capaz de compreender, modificar e até dominar a natureza. O pensamento humanista provocou uma reforma no ensino das universidades, com a introdução de disciplinas como poesia, história e filosofia.
Os humanistas buscavam interpretar o cristianismo, utilizando escritos de autores da Antiguidade, como Platão.
O estudo dos textos antigos despertou o gosto pela pesquisa histórica e pelo conhecimento das línguas clássicas como o latim e o grego.
A partir do século XIV, ao mesmo tempo que os renascentistas se dedicavam ao estudo das línguas clássicas, diferentes dialetos davam origem às línguas nacionais.
Gestado nessa época, o humanismo se tornou referência para muitos pensadores nos séculos seguintes, inclusive para os filósofos iluministas do século XVIII.

Aelbrecht Bouts

2015-05-20T11:46:00.000-07:00

Aelbrecht Bouts (1450 - março 1549) foi um pintor belga da era adiantada de Netherlandish. Às vezes Seu primeiro nome está escrito 'Albert', 'Aelbert "ou" Albrecht ". Eu nasci em uma família de pintores em Leuven. O pai de Aelbrecht foi Dieric Bouts the Elder (ca.1415-1475), e seu irmão foi Dieric Bouts the Younger (ca.1448-1490). Jan Bouts (ca.1478-ca. 1530), filho de Dieric Bouts, o Jovem, também se tornou um pintor. Dieric Bouts, o filho, herdou a loja de seu pai em 1475, enquanto Aelbrecht estabeleceu sua própria oficina, também em Leuven. Considerando Dieric o Jovem continuou no estilo de seu pai, inconfundível Aelbrecht desenvolveu seu próprio estilo com cores fortes, textura rica e detalhes finos. Ele morreu em Leuven.
Bob Jones University Museum and Gallery (Greenville, Carolina do Sul), Harvard University Art Museums o Museu de Arte McNay (San Antonio, Texas), o Museu de Arte de Cleveland, o Museu Fitzwilliam (Cambridge), Honolulu, o Museu de Arte, o capuz Museum of Art (Hanover, New Hampshire), o Museu Norton Simon (Pasadena, Califórnia), dos Museus Reais de Belas Artes da Bélgica, o Museu Czartoryski eo Staatsgalerie Stuttg.

Sandro Botticelli

2013-10-12T13:18:00.001-07:00

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, dito Sandro Botticelli (Florença, 1º de março de 1445 – 17 de maio de 1510), foi um célebre pintor italiano da Escola Florentina do Renascimento. Igualmente receptivo às aquisições do introduzidas por Masaccio na pintura do Quatrocento e às tendências do Gótico tardio, seguiu os preceitos da perspectiva central e estudou as esculturas daAntiguidade, evoluindo posteriormente para a acentuação das formas decorativas e da atenção dispensada à harmonia linear do traçado e ao vigor e pureza do colorido. Suas obras tardias revelariam ainda um expressionismo trágico, de agitação visionária, fruto certamente da pregação de Savonarola.

Protegido dos Médici, para os quais executou preciosos registros da pintura de cunho mitológico, foi bem relacionado no círculo florentino, trabalhando também para o Vaticano, produzindo afrescos para a Capela Sistina. Foi ainda destacado retratista, e seu talento excepcional de transpor para a linguagem formal as concepções de seus clientes tornou-o um dos pintores mais disputados de seu tempo. Sua reputação, alvo de um curto reavivar de interesse no século XVI, logo esvaiu-se, e somente com o reaparecimento de uma crescente curiosidade pelo Renascimento, registrada no século XIX, e, em particular, pela interpretação filosófica de suas obras, é que sua arte volta a adquirir o êxito e a fama que mantém até hoje.

Nasceu no dia 1 de Março de 1445 e faleceu no dia 17 de Maio de 1510. Filho de um curtidor de peles.

Na adolescência trabalhou na casa de um ourives, possivelmente , na oficina de Filippo Lippi , a quem teria ajudado nas decorações da Catedral de Prata.

Protegido dos Médicis, para os quais executou preciosos registos da pintura de cunho mitológico, foi bem relacionado no círculo florentino, trabalhando também para o Vaticano, produzindo frescos para a Capela Sistina.

Botticelli foi sepultado na Igreja de Ognissanti, para a qual pintara, trinta anos antes, a Êxtase de Santo Agostinho.

Nascido em Florença, no popular rione (bairro) de Ognissanti, aprendeu inicialmente ourivesaria com seu irmão e depois foi aprendiz de Fra Filippo Lippi, e com ele aprendeu a arte de Masaccio. Também estudou com Andrea del Verrocchio, entre 1467 e 1470, na mesma época em que com ele estudava Leonardo da Vinci. Em 1470, aos vinte e cinco anos, abriu seu próprio ateliê. Nesse ano, foi encarregado de pintar o quadro A Coragem, que seria colocado no Tribunal do Palácio do Mercado.

Em 1481, esteve em Roma, para participar dos trabalhos na Capela Sistina, onde pintou os frescos As Provações de Moisés, O Castigo dos Rebeldes e A Tentação de Cristo. Em 1505, fez parte do Comitê Florentino, organizado para decidir onde seria colocado o Davi de Michelangelo. Na temática religiosa destacam-se também São Sebastião (1473) e um afresco sobre Santo Agostinho. Na década de 1490, quando os Médici foram expulsos de Florença, Botticelli passou por uma crise religiosa e tornou-se discípulo do monge beneditino Girolamo Savonarola, que pregava a austeridade e a reforma, mas Botticelli jamais deixou Florença. Nessa nova fase destacam-se: A Natividade Mística (década de 1490), e A Crucificação Mística (c. 1496). Todos expressam intensa devoção religiosa e representam certo retrocesso no desenvolvimento de seu estilo.

Faleceu em 17 de maio de 1510. Está sepultado na Abbazia Di Ognissanti em Florença.

Nesta linha pagã, destacam-se também a série de quatro quadros Nastagio Degli Onesti, produzidos em 1483, nos quais o artista recria uma das histórias do Decameron, deBoccaccio. Também pintou diversos quadros de temática religiosa, como A Virgem Escrevendo O Magnificat (1485); A Virgem de Granada (1487) e A Coroação da Virgem (1490), todas expostas na Galeria Uffizi, e Virgem com o Menino e Dois Santos (1485), exposta nos Museus Estatais de Berlim (Staatliche Museen). Em 1472 ingressou na Companhia de São Lucas, uma fraternidade dedicada à caridade gerida por artistas. No ano seguinte, Botticelli foi chamado a Pisa, para pintar um fresco na catedral da cidade (essa obra foi perdida pelo desgaste do tempo).

Fra Angelico

2013-10-11T18:32:00.001-07:00

Giovanni da Fiesole, nascido Guido di Pietro Trosini, mais conhecido comoFra Angelico, (Vicchio di Mugello, 1387 — Roma, 18 de Fevereiro de 1455) foi um pintor italiano, considerado o artista mais importante da península na época do Gótico Tardio ao início do Renascimento.

É também chamado Beato Angelico, fra Giovanni ou fra Giovanni da Fiesole (fra é italiano para frei) por ter ingressado no convento dominicano de Fiesole, em 1407. Guido di Pietro, ou Guidolino "da Pietro" (i.e., filho de Pietro), porém, foi seu nome de batismo.

Ao ingressar no convento já tinha recebido treinamento artístico. Entre 1409 e1418 foi exilado, com o resto da comunidade, por se oporem ao Papa Alexandre V. Em 1436 ele e a comunidade se deslocaram para o convento de São Marcos, em Florença, onde começou a pintar as paredes. Em 1447 e 1448 esteve em Roma, e de novo em 1452, trabalhando na corte do papa, decorando as paredes da capela do Papa Nicolau V, no Vaticano e aceitando encomendas em Orvieto. Prior do Convento de Fiesole entre 1448 e 1450, continuou a trabalhar em Roma e Florença.

Supõe-se que estudou a arte da iluminura com Lorenzo Monaco, cultivador do estilo gótico internacional. Influenciado por Gentile da Fabriano, e por Lorenzo Ghiberti, Fra Angelico adotou novas formas da Renascença em seus afrescos e nos painéis, desenvolvendo um estilo único, caracterizado por cores suaves, claras, formas elegantes, composições muito contrabalançadas. Acrescenta a sua linguagem pictórica as contribuições de Masaccio, enriquecidas com um achado genial:

o uso da luz com uma intenção nada naturalista mas estética, expressa através de um uso inteligente da cor. Sua pintura essencialmente religiosa está dominada por um espírito contemplativo pois concebe a pintura como uma espécie de oração. Seus temas mais frequentes e característicos são a Virgem com o Menino, a coroação da Virgem e a Anunciação.

Nas suas representações do paraíso, pinta com dedicação e amor franciscanos flores e ervas dos prados por onde caminham os escolhidos. Uma das suas obras de mais substância é «A Descida», em que se presta mais atenção à veneração e amor dos santos que ao sofrimento de Cristo.

Do ponto de vista técnico, Fra Angélico parte do gosto preciosista e delicado do gótico internacional, enriquecido com o interesse pela perspectiva característico da época. Insiste mais na linha que na cor. Pelos seus temas, pelo seu tratamento da natureza, pela sua incorporação da arquitectura, é inequivocamente renascentista. Pinta frequentemente em colaboração com os seus discípulos.

Em suas pinturas também expressa o sentimento interior das pessoas, como na Obra O Juízo Final, Fra Angelico tenta expressar o amargo e a alegria numa sintonia de cores vivas saindo do padrão Medieval que era voltado somente a Deus e entrando no Renascimento que era voltado ao homem.

A maior parte das suas obras conservam-se no claustro, nas celas e nas salas do mencionado Convento de S. Marcos, cujas paredes mostram murais com cenas e figuras religiosas («Dois Dominicanos Atendendo Jesus Peregrino», «S. Pedro Mártir»). De entre os frescos da Capela Nicolina, a capela do Papa Nicolau V no Vaticano, destacam-se «A Lenda da Santo Estêvão» e «A Lenda de S. Lourenço».

Entre as suas obras principais estão o "Retábulo da Madona", em Perugia; a "Coroação da Virgem cercada por anjos músicos" (Louvre, Paris); o "Cristo cercado de anjos, patriarcas, santos e mártires" (National Gallery, Londres); a "Anunciação" (Prado, Madri); e o "Juízo final" (Galeria Nacional, Roma).

Foi beatificado pelo Papa João Paulo II em 1982 passando a ser chamado "Beato Fra Angelico".

No dia 14 de novembro de 2006 foram encontrados mais dois painéis por eles pintados, perdidos há mais de 200 anos, numa modesta casa em Oxford, na Inglaterra.

Biagio d'Antonio

2013-10-11T18:10:00.001-07:00

Biagio d'Antonio foi treinado em Florença, onde foi influenciado principalmente pelo estilo elegante, linear de Fra Filippo Lippi. Por 1476, ele havia se estabelecido como um pintor independente em Faenza, onde permaneceu por pelo menos 30 anos e construiu uma grande Bottega, ou workshop. Ele continuou a trabalhar em outras partes da Itália também. Biagio colaborou com Domenico Ghirlandaio, considerado o melhor pintor afresco em Florença, incorporando as composições de Ghirlandaio e tipos faciais em suas próprias pinturas.

Biagio favoreceu as cores brilhantes, cristalinos, tapetes de flores, detalhes do gênero, e fundos de paisagem da arte do norte da Europa, embora os estudiosos estão incertos sobre exatamente como ele ficou exposto a pintura flamenga e alemã.

Biagio pintou muitos assuntos religiosos, em especial a Madonna e Criança, e ele também pode ter feito miniaturas para uma Bíblia. Em seus temas mitológicos e clássicos, Biagio animado suas narrativas pictóricas com trajes e armaduras ricas e altamente colorido. Ele criou muitos painéis para Cassoni, os baús casamento elaboradamente esculpidos e decorados que detinham enxoval de noiva.

Antonello da Messina

2013-10-11T17:49:00.000-07:00

Antonello di Giovanni d'Antonio, em siciliano Antonellu di Giovanni d'Antoniu di Missina, de seu nome artísticoAntonello da Messina (Messina, 1430 — Messina, 1479) foi um dos melhores pintores do Renascimento italiano.

Nativo da Sicilia, Antonello da Messina é considerado um dos introductores das técnicas pictóricas de óleo na Itália.

Fazendo parte de uma família de artesãos, Antonello da Messina teve, desde cedo, um grande contacto com as artes, sobretudo com a pintura, arte pela qual se apaixonou.

Realizou a sua aprendizagem de 1445 a 1446 com o mestre Niccolò Antonio Colantonio, em Nápoles. Aqui começou a perceber a importância da luz, que já vigorava na pintura italiana, mesmo estando na pré-Renascença.

Supõe-se que trabalhou em Milão, por volta de 1450, para os patronos da cidade: os Sforza. Tal hipótese revela-se quase uma certeza, já que nas actas dos Sforza figuram pintores contratados, entre eles "Antonellus Sicilianus", que se supõe ser Antonello da Messina.

Os seus trabalhos eram muitas vezes confundidos com trabalhos de artistas flamengos, devido ao seu detalhismo e solene rigor, à harmonia dos tons e das cenas representadas, à delicadeza das cores, aspectos tipícos dos "Primitivos Flamengos", como Jan van Eyck e Rogier van der Weyden.

Porém, a partir de 1460, decidiu voltar-se para a pintura italiana e notoriamente renascentista, começando a usar a perspectiva, a destacar as figuras representadas e a dar mais ênfase às cores, sendo , neste período, proeminente a influência de Piero della Francesca. Tais aspectos são visíveis no quadro A Virgem e o Menino.

Mestre conhecido em toda a Itália, foi contratado em Veneza, onde realiza uma das suas obras-primas:Retábulo de São Casiano, em 1476.Contudo, sentindo-se doente volta a Messina, a sua terra natal, onde morre dias depois.

Da sua obra há que denotar A Virgem da Anunciação, obra pintada em 1475 e albergada actualmente pelo museu siciliano "Palazzo Abatellis", e São Sebastião, quadro exposto, hoje, numa galeria de arte em Dresden.

A sua obra influênciou muitos artistas, entre eles Petrus Christus, Lorenzo Lotto, Zanetto Bugatto, Pier Maria Pennacchi e Giovanni Bellini.

Boccaccio Boccaccino

2013-10-03T06:57:00.000-07:00

(Ferrara, ante 1466 – Cremona, 1525) è stato un pittore italiano.

Figlio del noto ricamatore Antonio de Bochacis al servizio degli Estensi, i primi testi di arte studiati furono quelli della scuola ferrarese e soprattutto di Ercole de' Roberti, come testimoniano le opere realizzate negli ultimi quindici anni del XV secolo, un serie diMadonne col Bambino e Santi e la famosa Andata al Calvario conservata alla National Gallery londinese oltre alla pala per gli agostiniani di Genova del 1493 andata perduta.

In queste prime opere, il pittore manifestò una certa predilezione per tinte calde e intense, oltre alla ricerca di luminosità e volumetria di derivazione belliniana. Inoltre non mancarono spunti di scuola umbra, per il formalismo ed il ritmo, imparati studiando il polittico delPerugino a Cremona, dove Boccaccino era impegnato per raffigurazioni di santi, che costituirono il primo vero e proprio caposaldo della sua carriera, con gli affreschi diSant'Agostino a Cremona, 1497 e del Duomo di Ferrara, 1503, una parte perduti e un'altra conservati in frammenti, per cui pur non essendo completamente chiaro il suo percorso formativo, gli storici dell'arte sono certi che sia avvenuto nell'ambito del classicismo delle corti padane dell'inizio del XVI secolo (Francesco Francia e Lorenzo Costa il Vecchio).

Nei primi anni del secolo l'artista dovette soggiornare a Venezia (dove è documentato nel1506) e conoscere la pittura di Giorgione; agli anni immediatamente successivi risalgono i primi lavori per la decorazione a fresco del Duomo di Cremona (Cristo in gloria nell'abside eAnnunciazione sull'arco trionfale, 1506-1507), nei quali rafforzò ancora di più la tendenza a un ordine classicheggiante con colori accesi.

Negli anni successivi Boccaccino dovette soggiornare a Roma intorno al 1513 assieme a Gianfrancesco Bembo (le fonti ricordano una sua pala a Santa Maria in Traspontinadistrutta nel tempo), mentre tra il 1523 e il 1524 riprese la sua attività cremonese affrescando la navata del Duomo con otto Scene della vita della Vergine e la Disputa di Gesù nel tempio, unanimemente considerate tra i suoi capolavori e ispirati anche dalle bellezze artistiche osservate nella capitale, quali le stampe mariane del Dürer.

Boccaccio Boccaccino fu padre di Camillo Boccaccino, anch'egli pittore.

Andrea di Francesco di Cione

2013-10-03T05:51:00.003-07:00

Andrea del Verrocchio, (Florença, 1435 - † Veneza, 10 de Outubro de 1488) foi um artista florentino italianoque esteve ativo durante a Renascença.

Conhecido como

Era escultor, ourives e pintor, e trabalhou na corte de Lorenzo de Médici. É considerado um dos pintores mais influentes de seu período. Entre seus alunos incluem-se Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Perugino e Ghirlandaio. Também influenciou Michelangelo e foi um escultor de primeira grandeza.

Verrocchio nasceu em Florença em 1435. Andrea começou a trabalhar como ourives na oficina de Giulio Verrocchi, de quem tomou o sobrenome. Não se sabe se foi aprendiz de Donatello. Suas primeiras pinturas são de 1460, quando trabalhava comFilippo Lippi.

Em 1474 e 1475, pintou O Batismo de Cristo, agora na Galeria Uffizi, em Florença. Nesse trabalho, foi ajudado por Leonardo Da Vinci ainda jovem, que terminou a paisagem e o anjo na extrema esquerda. Segundo Giorgio Vasari, Andrea decidiu então nunca mais pintar, pois Leonardo tinha o ultrapassado em técnica e genialidade. Em 1475, Verrocchio começou a se dedicar quase inteiramente àescultura.

Em 1478, Verrocchio começou seu trabalho mais importante, uma estátua equestre de Bartolomeo Colleoni, que tinha morrido três anos antes. O trabalho foi encomendado pela República de Veneza. Era a primeira tentativa de produzir uma estátua com uma das pernas do cavalo não tocando o chão. A estátua é também notável pela expressão firme de comando no rosto de Colleoni. Verrocchio enviou para seus clientes um modelo de cera em 1480 em em 1488, ele finalmente mudou-se para Veneza para ajudar na fundição da estátua. Contudo, ele morreu antes de terminar o trabalho.

dirigiu em Florença um atelie com muitos alunos de pintura. É provável que tenha estudado pintura com Alesso Baldovinetti e escultura com Antonio Rossellino. Em 1467 dava inicio a sua obra mais importante em Florença," Cristo e São Tomé" na fachada de Or San Michelle, concluída em 1483. Sua primeira obra de grande porte foi o suntuoso sepulcro de Pedro e João de Médici na igreja de San Lorenzo em Florença, que foi concluído em em 1472, notável pelo uso de mármore e pórfiro coloridos em associação com ornatos de bronze. Sua morte deixou inacabado o túmulo do cardeal Foteguerri (11476-1488) na catedral de Pistoia, que foi terminado por escultores barrocos do século XVII.

El Greco

2013-02-02T05:00:00.003-08:00

Toledo, 7 de abril de 1614) foi um pintor, escultor e arquiteto grego que desenvolveu a maior parte da sua carreira na Espanha. Assinava suas obras com o nome original, ressaltando sua origem.

Nasceu em Creta, que naquela época pertencia à República de Veneza, e era um centro artístico pós-bizantino. Treinou ali e tornou-se um mestre dentro dessa tradição artística, antes de viajar, aos vinte e seis anos, para Veneza, como já tinham feito outros artistas gregos. Em 1570 mudou-se para Roma, onde abriu um ateliê e executou algumas séries de trabalhos. Durante sua permanência na Itália, enriqueceu seu estilo com elementos do maneirismo e da renascença veneziana. Mudou-se finalmente em 1577 para Toledo, na Espanha, onde viveu e trabalhou até sua morte. Ali, El Greco recebeu diversas encomendas e produziu suas melhores pinturas conhecidas.

O estilo dramático e expressivo de El Greco foi considerado estranho por seus contemporâneos, mas encontrou grande apreciação no século XX, sendo considerado um precursor do expressionismo e do cubismo, ao mesmo tempo em que sua personalidade e trabalhos eram fonte de inspiração a poetas e escritores como Rainer Maria Rilke e Nikos Kazantzakis. El Greco é considerado pelo modernos estudiosos como um artista tão individual que não o consideram como pertencente a nenhuma das escolas convencionais. É mais conhecido por suas figuras tortuosamente alongadas e uso freqüente de pigmentação fantástica ou mesmo fantasmagórica, unindo tradições bizantinas com a pintura ocidental.

Em sua época teve somente dois seguidores de seu estilo: o seu filho Jorge Manuel Theotokópoulos e Luis Tristán.

O número exacto das obras de El Greco é uma questão controversa. Em 1937, um estudo fortemente influente, pelo historiador de arte Rodolfo Pallucchini, fez com que houvesse um número muito maior de obras aceites como sendo de El Greco. Pallucchini atribuiu a El Greco um tríptico na Galeria Estense, emMódena (ver imagem), com base numa assinatura, na parte de trás do painel central do tríptico ("Χείρ Δομήνιχου", criado pela mão de Doménikos). Houve consenso quanto a que o tríptico era de fato uma das primeiras obras de El Greco e, portanto, a publicação de Palluchini tornou-se a bitola para as atribuições das obras ao artista.No entanto, Wethey negou que o tríptico de Módena tinha alguma relação ao artista e, em 1962, publicou um catálogo raisonné, em reação, com uma reduzidíssima lista de obras. Considerando que José Camón Aznar, historiador de arte, atribuiu entre 787 e 829 quadros ao mestre cretense, Wethey reduziu esse número para apenas 285 obras autênticas e Halldor Sœhner, pesquisador de arte espanhola, reconheceu apenas 137.Wethey e outros estudiosos rejeitaram a noção de que Creta tivesse algum crédito na sua formação e sustentou a eliminação de várias séries da obra de El Greco.

Desde 1962 a descoberta de Dormition e a extensa pesquisa arquivada gradualmente convenceram os estudiosos de que as afirmações de Wethey não eram totalmente corretas, e que o seu catálogo pode ter distorcido a percepção da inteira natureza das origens, desenvolvimento e obra de El Greco. A descoberta de Dormition conduziu à atribuição de três outras obras assinadas "Doménicos" para El Greco (Tríptico de Modena, St. Luke Painting the Virgin and Child, e A Adoração dos Magos) e daí à aceitação de mais obras, como autênticas – algumas assinadas, outras não (tais como Paixão de Cristo (Pietà com Anjos) pintada em 1566), – que foram trazidas para o grupo das primeiras obras de El Greco. El Greco é agora encarado como um artista com treino e formação cretenses; uma série de obras iluminaram o estilo inicial de El Greco, algumas pintadas enquanto ele ainda se encontrava em Creta, algumas da sua época de Veneza, e algumas de quando ele estava em Roma.Até Wethey afirmou que "ele [El Greco] provavelmente pintou o disputado tríptico da Galeria Estense antes de deixar Creta".No entanto, controvérsias sobre o número exato de obras autênticas de El Greco continuam por encontrar um desfecho, e o status do catálogo de Wethey está no centro desses desentendimentos.

Hieronymus Bosch

2013-02-02T04:42:00.000-08:00

Jeroen van Aeken, cujo pseudónimo é Hieronymus Bosch, e também conhecido como Jeroen Bosch, ('s-Hertogenbosch, c. 1450 — Agosto de1516), foi um pintor e gravador Holanda dos séculos XV e XVI.

Muitos dos seus trabalhos retratam cenas de pecado e tentação, recorrendo à utilização de figuras simbólicas complexas, originais, imaginativas ecaricaturais, muitas das quais eram obscuras mesmo no seu tempo.

Pintores alemães como Martin Schongauer, Matthias Grünewald e Albrecht Dürer influenciaram a obra de Bosch. Apesar de ter sido quase contemporâneo de Jan van Eyck, seu estilo era completamente diferente.

Especula-se que sua obra terá sido uma das fontes do movimento surrealista do século XX, que teve mestres como Max Ernst e Salvador Dalí.

Pieter Brueghel o Velho foi influenciado pela arte de Bosch e produziu vários quadros em um estilo semelhante.

O seu nome verdadeiro era Jheronimus (ou Jeroen) van Aken. Ele assinou algumas das suas peças como Bosch, derivado da sua terra natal, 's-Hertogenbosch. Em Espanha é também conhecido como El Bosco.

Sabe-se muito pouco sobre a sua vida. A não existência de documentos comprovativos de o pintor ter trabalhado fora de Hertogenbosh levam a que se pense que Bosch tenha vivido sempre na sua cidade natal. Aí se terá iniciado nas lides da pintura na oficina do pai (ou de um tio), que também era pintor.

Foi especulado, ainda que sem provas concretas, que o pintor terá pertencido a uma (das muitas) seitas que na época se dedicavam às ciências ocultas. Aí teria adquirido inúmeros conhecimentos sobre os sonhos e a alquimia, tendo-se dedicado profundamente a esta última. Por essa razão, Bosch teria sido perseguido pela Inquisição. Sua obra também sofreu a influência dos rumores do Apocalipse, que surgiram perto do ano de 1500.

Existem registros de que em 1504 Filipe o Belo da Borgonha encomendou a Bosch um altar que deveria representar o Juízo final, o Céu e o Inferno. A obra, atualmente perdida (sem unanimidade julga-se que um fragmento da obra corresponde a um painel em Munique), valeu ao pintor o reconhecimento e várias encomendas posteriores. Os primeiros críticos de Bosch conhecidos foram os espanhóis Filipe de Guevara e José de Sigüenza. Por outro lado, a grande abundância de pinturas de Bosch na Espanha é explicada pelo fato de Filipe II de Espanha ter colecionado avidamente as obras do pintor.

Bosch é considerado o primeiro artista fantástico.

Atualmente apenas se conservam cerca de 40 originais seus, dispersos na sua maioria por museus da Europa e Estados Unidos. Dentre estes, a coleção do Museu do Prado de Madri é considerada a melhor para estudar a sua obra, visto abrigar a maioria daquelas que são consideradas pelos críticos como as melhores obras do pintor.

As obras de Bosch demonstram que foi um observador minucioso bem como um refinado desenhista e colorista. O pintor utilizou estes dotes para criar uma série de composições fantásticas e diabólicas onde são apresentados, com um tom satírico e moralizante, os vícios, os pecadose os temores de ordem religiosa que afligiam o homem medieval. Exemplos destas obras são:

O Carro de Feno - (Museu do Prado, Madrid)
O Jardim das Delícias - (Museu do Prado, Madrid)
O Juízo Final - (Akademie der Bildenden Künste, Viena)
As Tentações de Santo Antão - (Obra principal no Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa e suposto estudo da obra no Museu de Arte de São Paulo - MASP, São Paulo, Brasil)
Os Sete Pecados Mortais - (Museu do Prado, Madrid)
Navio dos Loucos ou A Nau dos Insensatos - (Museu do Louvre, Paris)
Morte e o Avarento - (Galeria Nacional de Arte em Washington, DC.

A par destas obras, que imediatamente se associam ao pintor, há que referir que mais de metade das obras de Bosch abordam temas mais tradicionais como vidas de santos e cenas do nascimento, paixão e morte de Cristo.

O original tríptico As Tentações de Santo Antão está incorporado no Museu Nacional de Arte Antiga a partir do antigo Palácio Real das Necessidades. Desconhecem-se as circunstâncias da chegada da obra a Portugal, não sendo certo que tenha feito parte da coleção do humanista Damião de Góis, como algumas vezes é referido.

Renato Russo-Dolcissíma Maria.

2011-08-14T19:34:00.003-07:00

Obras de Michelangelo

2011-08-10T09:18:00.000-07:00

obras de Rafael

2011-08-09T12:10:00.000-07:00

Rafael Sanzio

2011-08-09T12:05:00.000-07:00

Raffaello Sanzio da Urbino (italiano: [raffaˈɛllo ˈsantsjo da urˈbiːno]; 28 de março ou 6 de abril de 1483 - 6 de abril de 1520),
conhecido como Rafael (/ ˈræfeɪəl /, US: / ˈræfiəl, ˌrɑːfaɪˈɛl /), foi um pintor e arquiteto italiano da Alta Renascença. Seu trabalho é admirado por sua clareza de forma, facilidade de composição e realização visual do ideal neoplatônico de grandeza humana. Junto com Michelangelo e Leonardo da Vinci, ele forma a tradicional trindade de grandes mestres daquele período.
Raphael foi enormemente produtivo, conduzindo uma oficina extraordinariamente grande e, apesar de sua morte aos 37 anos, deixando um grande corpo de trabalho. Muitas de suas obras são encontradas no Palácio do Vaticano, onde as salas Raphael com afrescos foram o principal e o maior trabalho de sua carreira. A obra mais conhecida é a Escola de Atenas no Vaticano Stanza della Segnatura. Depois de seus primeiros anos em Roma, muito de seu trabalho foi executado por sua oficina a partir de seus desenhos, com considerável perda de qualidade. Ele foi extremamente influente em sua vida, embora fora de Roma seu trabalho fosse mais conhecido por sua gravura colaborativa.
Após sua morte, a influência de seu grande rival Michelangelo foi mais difundida até os séculos XVIII e XIX, quando as qualidades mais serenas e harmoniosas de Rafael foram novamente consideradas os modelos mais elevados. Sua carreira cai naturalmente em três fases e três estilos, descrita pela primeira vez por Giorgio Vasari: seus primeiros anos na Úmbria, depois um período de cerca de quatro anos (1504-1508) absorvendo as tradições artísticas de Florença, seguidos por seus últimos doze anos agitados e triunfantes. anos em Roma, trabalhando para dois Papas e seus colaboradores próximos.
Raphael nasceu na cidade italiana de Urbino, pequena, mas artisticamente importante, na região de Marche, onde seu pai Giovanni Santi foi pintor da corte do Duque. A reputação do tribunal fora estabelecida por Federico III da Montefeltro, um condottiere de grande sucesso que fora criado pelo papa Duque de Urbino - Urbino fazia parte dos Estados Pontifícios - e que morreu um ano antes do nascimento de Rafael. A ênfase da corte de Federico era mais literária do que artística, mas Giovanni Santi era um poeta e um pintor, e havia escrito uma crônica rimada da vida de Federico, e ambos escreveram os textos e produziram a decoração para mascarar. como entretenimentos de tribunal. Seu poema para Federico mostra-o ansioso para mostrar a consciência dos mais avançados pintores do norte da Itália, e os primeiros artistas neerlandeses também. Na muito pequena corte de Urbino, ele provavelmente estava mais integrado ao círculo central da família governante do que a maioria dos pintores da corte.
Federico foi sucedido por seu filho Guidobaldo da Montefeltro, que se casou com Elisabetta Gonzaga, filha do governante de Mântua, o mais brilhante dos tribunais italianos menores, tanto para a música quanto para as artes visuais. Sob eles, o tribunal continuou como um centro de cultura literária. Crescer no círculo dessa pequena corte deu a Raphael as excelentes maneiras e habilidades sociais enfatizadas por Vasari.
A vida da corte em Urbino logo após este período seria definida como o modelo das virtudes da corte humanista italiana através da representação de Baldassare Castiglione em sua obra clássica O Livro do Cortesão, publicada em 1528. Castiglione mudou-se para Urbino em 1504 , quando Raphael não estava mais lá, mas frequentemente visitava, e eles se tornaram bons amigos. Tornou-se próximo de outros visitantes regulares da corte: Pietro Bibbiena e Pietro Bembo, ambos cardeais posteriores, já estavam se tornando conhecidos como escritores, e estariam em Roma durante o período de Rafael ali. Raphael misturou-se facilmente nos círculos mais altos de toda a sua vida, um dos fatores que tendiam a dar uma impressão equivocada de falta de esforço em sua carreira. Ele não recebeu uma educação humanista completa; não está claro com que facilidade ele lê o latim.
Sua mãe Màgia morreu em 1491 quando Rafael tinha oito anos, seguido em 1 de agosto de 1494 por seu pai, que já havia se casado novamente. Rafael ficou órfão aos onze anos; seu guardião formal tornou-se seu único tio paterno Bartolomeo, um padre, que posteriormente se envolveu em litígio com sua madrasta. Ele provavelmente continuou a viver com sua madrasta quando não estava ficando como aprendiz com um mestre. Ele já havia mostrado talento, segundo Vasari, que diz que Raphael foi "uma grande ajuda para o pai".
Um autorretrato de sua adolescência mostra sua precocidade.
A oficina de seu pai continuou e, provavelmente junto com sua madrasta, Raphael evidentemente desempenhou um papel na administração desde muito cedo. Em Urbino, ele entrou em contato com os trabalhos de Paolo Uccello, anteriormente o pintor da corte (d. 1475), e Luca Signorelli, que até 1498 foi baseado na vizinha Città di Castello.
Segundo Vasari, seu pai o colocou na oficina do mestre da Úmbria Pietro Perugino como aprendiz "apesar das lágrimas de sua mãe". A evidência de um aprendizado vem apenas de Vasari e de outra fonte, e foi contestada - oito era muito cedo para um aprendizado começar. Uma teoria alternativa é que ele recebeu pelo menos algum treinamento de Timóteo Viti, que atuou como pintor da corte em Urbino a partir de 1495.
A maioria dos historiadores modernos concorda que Rafael pelo menos trabalhou como assistente de Perugino por volta de 1500; a influência de Perugino nos primeiros trabalhos de Rafael é muito clara: "provavelmente nenhum outro aluno de gênio jamais absorveu tantos ensinamentos de seu mestre como Rafael", de acordo com Wölfflin. Vasari escreveu que era impossível distinguir entre suas mãos nesse período, mas muitos historiadores de arte moderna afirmam fazer melhor e detectar sua mão em áreas específicas de trabalhos de Perugino ou de sua oficina. Além da proximidade estilística, suas técnicas são muito semelhantes, por exemplo, com tinta aplicada grossa, usando um meio de verniz de óleo, em sombras e roupas mais escuras, mas muito finamente em áreas de carne. Um excesso de resina no verniz freqüentemente causa rachaduras nas áreas de pintura dos dois mestres.
A oficina de Perugino foi ativa em Perugia e Florença, talvez mantendo dois ramos permanentes. Raphael é descrito como um "mestre", isto é, totalmente treinado, em dezembro de 1500.
Seu primeiro trabalho documentado foi o retábulo Baronci para a igreja de São Nicolau de Tolentino em Città di Castello, uma cidade a meio caminho entre Perugia e Urbino.
Evangelista da Pian di Meleto, que havia trabalhado para o pai, também foi nomeado na comissão. Foi encomendado em 1500 e terminado em 1501; agora apenas algumas seções de corte e um desenho preparatório permanecem.
Nos anos seguintes, ele pintou obras para outras igrejas de lá, incluindo a Crucificação da Lua (por volta de 1503) e o Casamento da Virgem de Brera (1504), e para Perugia, como o Retábulo de Oddi. Ele provavelmente também visitou Florença neste período. Estas são grandes obras, algumas em fresco, onde Raphael confiantemente organiza suas composições no estilo um pouco estático de Perugino. Ele também pintou muitas pequenas e requintadas pinturas de gabinetes nesses anos, provavelmente principalmente para os conhecedores da corte de Urbino, como as Três Graças e São Miguel, e ele começou a pintar Madonas e retratos.
Em 1502 ele foi para Siena, a convite de outro aluno de Perugino, Pinturicchio, "ser amigo de Rafael e conhecê-lo como um desenhista da mais alta qualidade" para ajudar com os desenhos animados, e muito provavelmente os desenhos, para um afresco série na Biblioteca Piccolomini na Catedral de Siena. Ele evidentemente já estava muito em demanda, mesmo neste estágio inicial de sua carreira.
Raphael levou uma vida "nômade", trabalhando em vários centros no norte da Itália, mas passou um bom tempo em Florença, talvez a partir de 1504. Embora haja uma referência tradicional a um "período florentino" de 1504-8, ele era possivelmente nunca um residente contínuo lá.
Ele pode ter precisado visitar a cidade para garantir materiais em qualquer caso. Há uma carta de recomendação de Rafael, datada de outubro de 1504, da mãe do próximo duque de Urbino ao Gonfaloniere de Florença: "O portador deste será encontrado para ser Raphael, pintor de Urbino, que, sendo muito dotado em sua profissão determinou que passasse algum tempo em Florença para estudar, e porque seu pai era muito digno e eu era muito ligado a ele, e o filho é um jovem sensato e bem-educado, em ambos os relatos, eu lhe dou grande amor. ... "
Como anteriormente com Perugino e outros, Raphael foi capaz de assimilar a influência da arte florentina, mantendo seu próprio estilo em desenvolvimento. Frescos em Perugia de cerca de 1505 mostram uma nova qualidade monumental nas figuras que podem representar a influência de Fra Bartolomeo, que segundo Vasari era amigo de Rafael. Mas a influência mais marcante no trabalho desses anos é Leonardo da Vinci, que retornou à cidade de 1500 a 1506. Os números de Rafael começam a assumir posições mais dinâmicas e complexas, e embora seus temas pintados ainda sejam na maior parte tranquilos, ele fez estudos elaborados de luta contra homens nus, uma das obsessões do período em Florença. Outro desenho é um retrato de uma jovem que usa a composição piramidal de três quartos da Mona Lisa recém-concluída, mas ainda parece completamente com o Raphaelesque. Outra das invenções compositivas de Leonardo, a piramidal Sagrada Família, foi repetida em uma série de obras que permanecem entre suas mais famosas pinturas de cavalete. Há um desenho de Rafael na Coleção Real de Leda e Cisne perdida de Leonardo, da qual ele adaptou o contraponto de sua própria Santa Catarina de Alexandria.
Ele também aperfeiçoa sua própria versão da modelagem de sfumato de Leonardo, para dar sutileza à sua pintura de carne, e desenvolve a interação de olhares entre seus grupos, que são muito menos enigmáticos que os de Leonardo. Mas ele mantém a luz suave de Perugino em suas pinturas.
Leonardo era mais de trinta anos mais velho que Rafael, mas Michelangelo, que estava em Roma para esse período, tinha apenas oito anos mais do que ele. Michelangelo já não gostava de Leonardo, e em Roma passou a desgostar ainda mais de Rafael, atribuindo conspirações contra ele ao homem mais jovem.
Raphael teria conhecimento de seus trabalhos em Florença, mas em seu trabalho mais original destes anos, ele se lança em uma direção diferente. Sua Deposição de Cristo baseia-se em sarcófagos clássicos para espalhar as figuras na frente do espaço da imagem em um arranjo complexo e não totalmente bem-sucedido. Wöllflin detecta na figura ajoelhada à direita a influência da Madona em Doni Tondo, de Michelangelo, mas o resto da composição está muito distante de seu estilo, ou de Leonardo. Embora altamente considerado na época, e muito mais tarde retirado à força de Perugia pelos Borghese, ele fica bastante sozinho no trabalho de Rafael. Seu classicismo mais tarde tomaria uma direção menos literal.
No final de 1508, Raphael mudou-se para Roma, onde viveu pelo resto de sua vida. Ele foi convidado pelo novo Papa Júlio II, talvez por sugestão de seu arquiteto Donato Bramante, então engajado na Basílica de São Pedro, que veio de fora de Urbino e era parente distante de Rafael. Ao contrário de Michelangelo, que permanecia em Roma por vários meses após sua primeira convocação, Raphael foi imediatamente encarregado por Júlio de afixar o que se pretendia tornar a biblioteca particular do papa no Palácio do Vaticano.
Esta foi uma comissão muito maior e mais importante do que qualquer outra que ele tenha recebido antes; ele havia pintado apenas um retábulo na própria Florença. Vários outros artistas e suas equipes de assistentes já estavam trabalhando em salas diferentes, muitos pintando sobre pinturas recentemente concluídas encomendadas pelo antecessor odiado de Júlio, Alexandre VI, cujas contribuições e armas, Júlio estava determinado a apagar do palácio.
Michelangelo, enquanto isso, foi contratado para pintar o teto da Capela Sistina.
Este primeiro dos famosos "Stanze" ou "Raphael Rooms" a ser pintado, agora conhecido como a Stanza della Segnatura após o seu uso no tempo de Vasari, foi para causar um impacto impressionante na arte romana, e permanece geralmente considerado como sua maior obra-prima, contendo a Escola de Atenas, o Parnaso e a Disputa. Raphael foi então dado mais salas para pintar, deslocando outros artistas, incluindo Perugino e Signorelli. Ele completou uma sequência de três salas, cada uma com pinturas em cada parede e muitas vezes os tetos também, deixando cada vez mais o trabalho de pintar de seus desenhos detalhados para a grande e qualificada equipe de oficinas que ele havia adquirido, acrescentando uma quarta sala, provavelmente incluindo apenas alguns elementos desenhados por Rafael, após sua morte prematura em 1520. A morte de Júlio em 1513 não interrompeu a obra, pois foi sucedido pelo último papa de Rafael, o papa Medici Leão X, com quem Rafael formou um relacionamento ainda mais próximo. e quem continuou a comissioná-lo.
O amigo de Rafael, o cardeal Bibbiena, também era um dos antigos tutores de Leo e um grande amigo e conselheiro.
Raphael foi claramente influenciado pelo teto da Capela Sistina de Michelangelo no curso da pintura da sala. Vasari disse Bramante deixá-lo em segredo. A primeira seção foi concluída em 1511 e a reação de outros artistas à assustadora força de Michelangelo foi a questão dominante na arte italiana nas décadas seguintes. Raphael, que já havia mostrado seu dom para absorver influências em seu próprio estilo pessoal, chegou ao desafio talvez melhor do que qualquer outro artista. Um dos primeiros e mais claros exemplos foi o retrato na Escola de Atenas do próprio Michelangelo, como Heráclito, que parece extrair claramente dos Sybils e ignudi do teto da Capela Sistina. Outras figuras e pinturas posteriores na sala mostram as mesmas influências, mas ainda coesas com o desenvolvimento do estilo de Rafael.
Michelangelo acusou Rafael de plágio e anos após a morte de Rafael, queixou-se em uma carta que "tudo o que ele sabia sobre arte ele tirou de mim", embora outras citações mostrem reações mais generosas.
Essas composições muito grandes e complexas têm sido consideradas desde então entre as obras supremos da grande maneira do Alto Renascimento, e a "arte clássica" do Ocidente pós-antigo. Eles dão uma representação altamente idealizada das formas representadas, e as composições, embora cuidadosamente concebidas em desenhos, alcançam "sprezzatura", um termo inventado por seu amigo Castiglione, que definiu como "uma certa indiferença que esconde toda a arte e faz qualquer coisa". um diz ou parece desinteressado e sem esforço ... ".
De acordo com Michael Levey, "Rafael dá suas uma clareza e graça sobre-humanas em um universo de certezas euclidianas".
A pintura é quase toda da mais alta qualidade nas duas primeiras salas, mas as composições posteriores da Stanze, especialmente aquelas que envolvem ação dramática, não são tão bem-sucedidas tanto na concepção quanto na sua execução pela oficina.
Os projetos do Vaticano levaram a maior parte do tempo, embora ele tenha pintado vários retratos, incluindo os de seus dois principais patronos, os papas Júlio II e seu sucessor Leão X, o primeiro considerado um dos seus melhores. Outros retratos eram de seus próprios amigos, como Castiglione, ou o imediato círculo papal. Outros governantes pressionaram pelo trabalho, e o rei Francisco I da França recebeu duas pinturas como presentes diplomáticos do papa.
Para Agostino Chigi, o imensamente rico banqueiro e tesoureiro papal, pintou o Triunfo de Galatea e desenhou outros afrescos decorativos para sua Villa Farnesina, uma capela na igreja de Santa Maria della Pace e mosaicos na capela funerária de Santa Maria del Popolo. Ele também projetou algumas das decorações para a Villa Madama, o trabalho em ambas as moradias sendo executado por sua oficina.
Uma de suas comissões papais mais importantes foi a Raphael Cartoons (agora no Victoria and Albert Museum), uma série de 10 desenhos animados, dos quais sete sobrevivem, para tapeçarias com cenas das vidas de São Paulo e São Pedro, para a Capela Sistina . Os cartuns foram enviados para Bruxelas para serem tecidos na oficina de Pier van Aelst. É possível que Rafael tenha visto a série finalizada antes de sua morte - eles provavelmente foram concluídos em 1520.
Ele também projetou e pintou o Loggie no Vaticano, uma galeria longa e fina que depois se abre para um pátio de um lado, decorado com grottesche de estilo romano.
Ele produziu uma série de retábulos significativos, incluindo o Êxtase de Santa Cecília e a Madona Sistina. Seu último trabalho, no qual estava trabalhando até sua morte, foi uma grande Transfiguração, que junto com Il Spasimo mostra a direção que sua arte estava tomando em seus últimos anos - mais proto-barroco que maneirista.
Raphael pintou várias de suas obras em suporte de madeira (Madonna of the Pinks), mas ele também usou tela (Sistine Madonna) e ele era conhecido por empregar óleos de secagem, como óleos de linhaça ou noz. Sua paleta era rica e ele usava quase todos os pigmentos então disponíveis, como ultramarine, chumbo-tin-amarelo, carmim, vermelhão, lago mais louco, verdete e ocres. Em várias de suas pinturas (Ansidei Madonna) ele até empregou o raro lago de pau-brasil, o ouro em pó metálico e até mesmo o bismuto metálico em pó menos conhecido.
Vasari diz que Raphael eventualmente teve um workshop de cinquenta alunos e assistentes, muitos dos quais mais tarde se tornaram artistas importantes por direito próprio. Esta foi, sem dúvida, a maior equipe de oficina reunida sob um único pintor de antigos mestres, e muito superior à norma. Eles incluíam mestres estabelecidos de outras partes da Itália, provavelmente trabalhando com suas próprias equipes como sub-contratados, bem como alunos e artífices. Temos muito pouca evidência do funcionamento interno do workshop, além das obras de arte em si, que muitas vezes são muito difíceis de atribuir a uma determinada mão.
As figuras mais importantes eram Giulio Romano, um jovem aluno de Roma (com apenas 21 anos na morte de Rafael) e Gianfrancesco Penni, já mestre florentino. Eles foram deixados muitos dos desenhos de Rafael e outros bens, e até certo ponto continuaram a oficina depois da morte de Raphael. Penni não conseguiu uma reputação pessoal igual à de Giulio, já que após a morte de Rafael tornou-se o colaborador menos que igual de Giulio, por sua vez, durante grande parte de sua carreira subsequente. Perino del Vaga, já mestre, e Polidoro da Caravaggio, supostamente promovido de um trabalhador que transportava materiais de construção no local, também se tornaram pintores notáveis por direito próprio. O parceiro de Polidoro, Maturino da Firenze, foi, como Penni, ofuscado na reputação subsequente por seu parceiro. Giovanni da Udine tinha um status mais independente e era responsável pelo trabalho de estuque decorativo e grotescos em torno dos afrescos principais. A maioria dos artistas foram dispersos depois, e alguns foram mortos pelo violento Sack of Rome em 1527.
Isso contribuiu, no entanto, para a difusão de versões do estilo de Rafael ao redor da Itália e além.
Vasari enfatiza que Raphael fez uma oficina muito harmoniosa e eficiente, e teve uma habilidade extraordinária em suavizar os problemas e discussões com os patronos e seus assistentes - um contraste com o padrão tempestuoso das relações de Michelangelo com ambos.
No entanto, apesar de Penni e Giulio serem suficientemente habilidosos para distinguir entre suas mãos e a de Raphael às vezes ainda é difícil, não há dúvida de que muitas das pinturas posteriores de Raphael, e provavelmente algumas de suas pinturas de cavalete, são mais notáveis por suas pinturas. design do que a sua execução. Muitos de seus retratos, se em bom estado, mostram seu brilhantismo no manuseio detalhado da pintura até o final de sua vida.
Outros alunos ou assistentes incluem Raffaellino del Colle, Andrea Sabbatini, Bartolomémo Ramenghi, Pellegrino Aretusi, Vincenzo Tamagni, Battista Dossi, Tommaso Vincidor, Timóteo Viti (o pintor Urbino) e o escultor e arquiteto Lorenzetto (cunhado de Giulio).
Os impressores e arquitetos no círculo de Rafael são discutidos abaixo. Afirmou-se que o flamengo Bernard van Orley trabalhou para Rafael por um tempo, e Luca Penni, irmão de Gianfrancesco e mais tarde membro da Primeira Escola de Fontainebleau, pode ter sido um membro da equipe.
Após a morte de Bramante, em 1514, Rafael foi nomeado arquiteto da nova São Pedro. A maior parte de seu trabalho foi alterada ou demolida após sua morte e a aceitação do projeto de Michelangelo, mas alguns desenhos sobreviveram. Parece que seus projetos teriam tornado a igreja bem mais sombria do que o desenho final, com maciços pilares até a nave, "como um beco", segundo uma análise póstuma crítica de Antonio da Sangallo the Younger. Talvez se assemelhasse ao templo no fundo da Expulsão de Heliodoro do Templo.
Ele projetou vários outros edifícios, e por um curto período foi o arquiteto mais importante de Roma, trabalhando para um pequeno círculo ao redor do papado. Júlio fizera alterações no plano de ruas de Roma, criando várias novas vias de comunicação e queria que elas fossem preenchidas por palácios esplêndidos.
Um edifício importante, o Palazzo Branconio dell'Aquila para o camarista papal de Lion, Giovanni Battista Branconio, foi completamente destruído para dar lugar à praça de Bernini para São Pedro, mas os desenhos da fachada e do pátio permanecem. A fachada era excepcionalmente ricamente decorada para o período, incluindo tanto painéis pintados no topo (de três), quanto muita escultura no meio.
Os principais projetos da Villa Farnesina não foram de Rafael, mas ele projetou e decorou com mosaicos a Capela Chigi para o mesmo patrono, Agostino Chigi, o Tesoureiro Papal. Outro prédio, para o médico do papa Leão, o Palazzo di Jacobo da Brescia, foi transferido nos anos 1930, mas sobreviveu; isso foi projetado para complementar um palácio na mesma rua de Bramante, onde o próprio Rafael viveu por um tempo.
A Villa Madama, um luxuoso retiro encampado para o cardeal Giulio de 'Medici, mais tarde papa Clemente VII, nunca foi terminado, e seus planos completos devem ser reconstruídos especulativamente. Ele produziu um projeto a partir do qual os planos de construção final foram concluídos por Antonio da Sangallo, o Jovem. Mesmo incompleto, foi o projeto de moradia mais sofisticado já visto na Itália e influenciou grandemente o desenvolvimento posterior do gênero; parece ser o único edifício moderno em Roma do qual Palladio fez um desenho medido.
Apenas algumas plantas permanecem para um grande palácio planejado para ele mesmo na nova via Giulia, no río de Regola, para o qual ele estava acumulando a terra em seus últimos anos. Foi em uma ilha irregular perto do rio Tibre. Parece que todas as fachadas deviam ter uma gigantesca ordem de pilastras subindo pelo menos dois andares até a altura total do piano nobile, "uma característica gililanqüila sem precedentes no design do palácio particular".
Em 1515, recebeu o título de "prefeito" de todas as antiguidades desenterradas dentro da cidade ou a uma milha de distância. Rafael escreveu uma carta ao papa Leão sugerindo maneiras de impedir a destruição de monumentos antigos e propôs uma pesquisa visual da cidade para registrar todas as antiguidades de maneira organizada. As preocupações do papa não eram exatamente as mesmas; ele pretendia continuar a reutilizar a antiga maçonaria na construção de São Pedro, mas queria garantir que todas as antigas inscrições fossem registradas e a escultura preservada antes de permitir que as pedras fossem reutilizadas.
Rafael era um dos melhores desenhistas da história da arte ocidental e usava desenhos extensivamente para planejar suas composições. De acordo com um quase contemporâneo, ao começar a planejar uma composição, ele colocava no chão um grande número de desenhos de ações, e começava a desenhar "rapidamente", emprestando figuras daqui e dali.
Mais de quarenta esboços sobrevivem para a Disputa no Stanze, e pode muito bem ter havido muitos mais originalmente; mais de quatrocentas folhas sobrevivem completamente. Ele usou diferentes desenhos para refinar suas poses e composições, aparentemente em maior extensão do que a maioria dos outros pintores, a julgar pelo número de variantes que sobrevivem: "... É assim que o próprio Rafael, que era tão rico em inventividade, costumava trabalho, sempre chegando com quatro ou seis maneiras de mostrar uma narrativa, cada um diferente do resto, e todos eles cheios de graça e bem feito ". escreveu outro escritor após sua morte.
Para John Shearman, a arte de Raphael marca "uma mudança de recursos da produção para a pesquisa e o desenvolvimento".
Quando uma composição final era alcançada, desenhos animados ampliados em escala maior eram feitos com frequência, os quais eram então espetados com um alfinete e "atacados" com um saco de fuligem para deixar linhas pontilhadas na superfície como um guia. Ele também fez uso extraordinariamente extenso, tanto em papel quanto em gesso, de uma "caneta cega", arranhando linhas que deixavam apenas um recuo, mas nenhuma marca. Estes podem ser vistos na parede da Escola de Atenas e nos originais de muitos desenhos.
Os "Desenhos Animados de Raphael", como desenhos de tapeçaria, foram totalmente coloridos em um meio de cola, já que foram enviados a Bruxelas para serem seguidos pelos tecelões.
Em trabalhos posteriores pintados pela oficina, os desenhos são muitas vezes dolorosamente mais atraentes do que as pinturas.
A maioria dos desenhos de Raphael é bastante precisa - até mesmo esboços iniciais com figuras de contornos nus são cuidadosamente desenhados, e desenhos de trabalho posteriores geralmente têm um alto grau de acabamento, com sombreado e às vezes realces em branco. Eles não têm a liberdade e a energia de alguns dos esboços de Leonardo e Michelangelo, mas são quase sempre esteticamente muito satisfatórios. Ele foi um dos últimos artistas a usar o metalpoint (literalmente, uma peça pontiaguda de prata ou outro metal) extensivamente, embora também tenha feito um uso excelente do meio mais livre de giz vermelho ou preto.
Em seus últimos anos, ele foi um dos primeiros artistas a usar modelos femininos para desenhos preparatórios - os alunos masculinos ("garzoni") eram normalmente usados para estudos de ambos os sexos.
Raphael não fez cópias pessoalmente, mas entrou em uma colaboração com Marcantonio Raimondi para produzir gravuras para os desenhos de Rafael, que criaram muitas das mais famosas gravuras italianas do século, e foi importante na ascensão da impressão reprodutiva. Seu interesse era incomum em um artista tão importante; de seus contemporâneos, foi compartilhado apenas por Ticiano, que trabalhou muito menos com sucesso com Raimondi.
Um total de cerca de cinquenta impressões foram feitas; alguns eram cópias das pinturas de Raphael, mas outros desenhos foram aparentemente criados por Raphael puramente para serem transformados em gravuras. Raphael fez desenhos preparatórios, muitos dos quais sobrevivem, para Raimondi traduzir em gravura.
As estampas originais mais famosas que resultaram da colaboração foram Lucretia, o Julgamento de Paris e O Massacre dos Inocentes (dos quais duas versões virtualmente idênticas foram gravadas). Entre as gravuras das pinturas, o Parnassus (com diferenças consideráveis) e Galatea também eram especialmente bem conhecidos. Fora da Itália, as gravuras reprodutivas de Raimondi e outros foram a principal maneira pela qual a arte de Rafael foi experimentada até o século XX. Baviero Carocci, chamado "Il Baviera" por Vasari, um assistente que Raphael evidentemente confiava em seu dinheiro, acabou no controle da maioria das placas de cobre após a morte de Raphael, e teve uma carreira de sucesso na nova ocupação de uma editora de gravuras.
De 1517 até sua morte, Rafael viveu no Palazzo Caprini no Borgo, em grande estilo em um palácio projetado por Bramante. Ele nunca se casou, mas em 1514 ficou noivo de Maria Bibbiena, sobrinha do Cardeal Médici Bibbiena; ele parece ter sido convencido por seu amigo, o cardeal, e sua falta de entusiasmo parece ser demonstrada pelo casamento não ter ocorrido antes de sua morte, em 1520.
Diz-se que ele teve muitos casos, mas um elemento permanente em sua vida em Roma foi "La Fornarina", Margherita Luti, filha de um padeiro (fornaro) chamado Francesco Luti de Siena, que morava na Via del Governo Vecchio.
Ele foi feito um "noivo da câmara" do papa, que lhe deu status na corte e uma renda adicional, e também um cavaleiro da Ordem Papal do Esporão de Ouro. Vasari alega que ele havia brincado com a ambição de se tornar um cardeal, talvez depois de algum incentivo de Leo, que também pode ser responsável por atrasar seu casamento.
A morte prematura de Rafael na Sexta-feira Santa (6 de abril de 1520), que possivelmente foi seu aniversário de 37 anos, deveu-se a causas pouco claras, com várias possibilidades levantadas pelos historiadores.
Vasari também diz que Raphael também nasceu em uma Sexta-Feira Santa, que em 1483 caiu em 28 de março.
Seja qual for a causa, em sua doença aguda, que durou quinze dias, Rafael foi composto o suficiente para confessar seus pecados, receber os últimos ritos e colocar seus assuntos em ordem. Ele ditou seu testamento, no qual deixou fundos suficientes para o cuidado de sua amante, confiado a sua fiel servente Baviera e deixou a maior parte de seu conteúdo de estúdio para Giulio Romano e Penni. A seu pedido, Rafael foi enterrado no Panteão.
Seu funeral foi extremamente grandioso, assistido por grandes multidões. A inscrição em seu sarcófago de mármore, um distílico elegíco escrito por Pietro Bembo, diz: "Ille hic est Raffael, timuit quo sospite vinci, rerum magna parens et moriente mori", significando: "Aqui jaz o famoso Rafael de quem a natureza temia ser conquistada enquanto ele vivia, e quando ele estava morrendo, temia a si mesma para morrer ".
Rafael era muito admirado por seus contemporâneos, embora sua influência no estilo artístico em seu próprio século fosse menor que a de Michelangelo. O maneirismo, começando na época de sua morte, e depois no barroco, tomou a arte "em uma direção totalmente oposta" às qualidades de Rafael; "com a morte de Rafael, a arte clássica - a Alta Renascença - diminuiu", como disse Walter Friedländer.
Ele logo foi visto como o modelo ideal por aqueles que não gostavam dos excessos do maneirismo:

a opinião ... foi geralmente realizada em meados do século XVI que Rafael era o pintor equilibrado ideal, universal em seu talento, satisfazendo todos os padrões absolutos, e obedecendo a todas as regras que deveriam governar as artes, enquanto Michelangelo era o gênio excêntrico, mais brilhante que qualquer outro artista em seu campo particular, o desenho do nu masculino, mas desequilibrado e carente de certas qualidades, como graça e contenção, essenciais ao grande artista. Aqueles, como Dolce e Aretino, que sustentavam esse ponto de vista, eram geralmente os sobreviventes do humanismo renascentista, incapazes de seguir Michelangelo enquanto ele se mudava para o maneirismo.
O próprio Vasari, apesar de seu herói permanecer em Michelangelo, passou a ver sua influência como prejudicial em alguns aspectos, e adicionou passagens à segunda edição da Vidas expressando visões semelhantes.
As composições de Rafael eram sempre admiradas e estudadas, e se tornaram a pedra angular do treinamento das Academias de arte. Seu período de maior influência foi do final do século XVII até o final do século XIX, quando seu perfeito decoro e equilíbrio foram muito admirados. Ele foi visto como o melhor modelo para a pintura da história, considerado o mais alto na hierarquia de gêneros. Sir Joshua Reynolds em seus discursos elogiou sua "dignidade simples, grave e majestosa" e disse que "em geral é o principal dos primeiros [isto é, os melhores] pintores", especialmente para seus afrescos (nos quais ele incluiu os "Desenhos de Rafael"). ), enquanto "Michael Angelo reivindica a próxima atenção. Ele não possuía tantas excelências como Raffaelle, mas aqueles que ele tinha eram do mais alto tipo ..." Ecoando as visões do século dezesseis acima, Reynolds prossegue dizendo de Raphael:
A excelência desse homem extraordinário reside na propriedade, beleza e majestade de seus personagens, em seu julgamento criterioso de sua composição, correção de desenho, pureza de gosto e acomodação habilidosa das concepções de outros homens para seu próprio propósito. Ninguém se destacou nesse julgamento, com o qual ele uniu suas próprias observações sobre a natureza a energia de Michael Angelo, e a beleza e simplicidade da antiguidade. Para a questão, portanto, que deve ter o primeiro posto, Raffaelle ou Michael Angelo, deve-se responder que, se é para ser dado àquele que possuía uma maior combinação das qualidades superiores da arte do que qualquer outro homem, não há dúvidas, mas Raffaelle é o primeiro. Mas se, de acordo com Longino, o sublime, sendo a mais alta excelência que a composição humana pode alcançar, compensa abundantemente a ausência de todas as outras belezas e expia todas as outras deficiências, então Michael Angelo exige a preferência.
Reynolds ficou menos entusiasmado com as pinturas em painel de Raphael, mas o leve sentimentalismo delas as tornou enormemente populares no século 19: "Estamos familiarizados com elas desde a infância, através de uma massa muito maior de reproduções do que qualquer outro artista no mundo. já teve ... "escreveu Wölfflin, que nasceu em 1862, das Madonas de Raphael.
Na Alemanha, Rafael teve uma imensa influência na arte religiosa do movimento nazareno e na escola de pintura de Düsseldorf no século XIX. Em contraste, na Inglaterra, a Fraternidade Pré-rafaelita reagiu explicitamente contra sua influência (e a de seus admiradores como Joshua Reynolds), buscando retornar a estilos anteriores ao que eles viam como sua influência perniciosa. De acordo com um crítico cujas idéias os influenciaram bastante, John Ruskin:
A destruição das artes da Europa partiu daquela câmara [a Stanza della Segnatura], e foi provocada em grande parte pelas excelentes excelências do homem que marcaram assim o início do declínio. A perfeição da execução e a beleza da característica que foram alcançadas em suas obras, e naquelas de seus grandes contemporâneos, tornaram o acabamento da execução e a beleza da forma os principais objetos de todos os artistas; e, daí em diante, a execução foi mais procurada do que pensada, e a beleza, e não a veracidade.
E como eu lhe disse, estas são as duas causas secundárias do declínio da arte; o primeiro é a perda do propósito moral. Por favor, note-os claramente. Na arte medieval, o pensamento é a primeira coisa, executar o segundo; na arte moderna a execução é a primeira coisa, e pensou o segundo. E mais uma vez, na arte medieval, a verdade é a primeira, a beleza segundo; na arte moderna, a beleza é a primeira, a segunda verdade. Os princípios medievais levaram a Raphael, e os princípios modernos o conduziram.

Arte Sacrosanta: Obras de Rubens

2011-08-09T10:57:00.000-07:00

Arte Sacrosanta: Obras de Rubens

Obras de Rubens

2011-08-09T10:53:00.000-07:00

Peter Paul Rubens

2011-08-09T09:48:00.000-07:00

Rubens nasceu fora da terra em que passou a maior parte de sua vida e à qual serviu com muito patriotismo, Flandres (hoje uma parte da Bélgica). Seus pais encontravam-se exilados na cidade de Siegen, no Sacro Império Romano-Germânico, por apoiarem a luta dos Países Baixos pela independência da Espanha. Além do crime político, o pai de Rubens ainda caiu em desgraça quando foi descoberto seu envolvimento amoroso com a Princesa de Orange, simplesmente esposa do líder do movimento separatista. Só escapou da condenação à morte porque sua esposa Maria Pypelinckx, a futura mãe do pintor, lhe concedeu um perdão público, fazendo a pena ser substituída por exílio.

Com a derrota dos separatistas em Flandres (o norte dos Países Baixos, Holanda, conseguiu a independência, mas o sul permaneceu sob autoridade espanhola) e a morte de seu pai, Peter Paul e a família (mãe e o irmão mais velho, Philip) retornam à cidade de Antuérpia, onde se instalam novamente e onde veio a se tornar católico, em 1589, dois anos depois da morte de seu pai. A religião figurou de modo proeminente em muitos dos seus trabalhos e Rubens mais tarde veio a se tornar uma das principais vozes do estilo de pintura da Contra-reforma católica.Providenciam, então, uma educação de nível para os dois jovens, de forte caráter humanístico, como convinha aos valores da sociedade flamenga. Philip torna-se advogado, e Peter Paul, mesmo que estimulado pelo direito e pela filosofia, acaba se interessando mais pela arte – e em poucos anos ele deixará de ser o rapaz Peter Paul para tornar-se o conhecido Rubens.

Ao contrário de vários outros pintores posteriormente famosos, Rubens não enfrentou oposição da família pela carreira que escolhera – muito menos naquela região que valoriza até hoje sua tradição artística. Pelo contrário, recebeu estímulo e incentivo, desde que correspondesse ao talento que lhe fosse exigido; algo que não tardou a acontecer.

Já aos 15 anos tinha certeza da vocação e era aprendiz de pintores. Começou com Adam van Noort, depois Tobias Verhaeght e finalmente Otto van Veen, que exerceu sobre ele a maior influência. Foi Van Veen que fez nascer em Rubens uma grande admiração pela Itália e pela cultura latina clássica. Isso marcou toda a sua obra e o fez integrar a escola italiana e servir aos reinos latinos católicos, mesmo sendo germânico protestante.

Quando alcançou o título de mestre pela Corporação dos Pintores da Antuérpia (espécie de autorização que era necessária para se exercer uma profissão), desligou-se do tutor e acabou transferindo-se para a Itália, onde chamou a atenção do Duque Vicenzo Gonzaga de Mântua, que empregou o jovem flamengo como seu pintor oficial, sem, contudo, restringi-lo ao enclausuramento na corte. Rubens podia viajar a outras cidades, e inclusive prestar serviços a outros clientes. Nessas viagens, Rubens conheceu Florença e Roma, e passou um bom tempo estudando as pinturas de Michelangelo na Capela Sistina.

Não tarda a chegar a fama. A partir da primeira encomenda, feita pelo Cardeal da Áustria e muito bem recebida, sucedem-se várias outras, principalmente pinturas para igrejas e retratos da aristocracia. Pinta duques, condes e também burgueses, a classe em franca ascensão nos estados italianos. Fica famoso, e é conhecido entre as elites por ser, além de excelente pintor, uma pessoa de fácil relacionamento e grande simpatia.

Por essas qualidades, o Duque de Mântua o envia em missões diplomáticas, destacadamente à Espanha, onde acaba se familiarizando com a corte. Nessas ocasiões pintou seu famoso retrato equestre do Duque de Lerma, primeiro-ministro de Filipe lll

É nessa época que prospera em fama e patrimônio. Desposa a filha de um advogado bem-sucedido, dirige bem suas finanças e adquire um imóvel de médio porte para construir uma mansão, um pouco afastado da cidade. Rubens revela um terceiro talento, à parte da pintura e da diplomacia, que é sua hábil condução dos negócios.
Organiza, a partir de então, seu estúdio, que até a morte do pintor chegou a produzir dois mil quadros. Contava com um elenco de discípulos dos quais se destacaram vários, mais tarde, como Brueghel e Van Dyck. A produção dos quadros obedecia a um esquema montado por ele, segundo o qual ele realizava todos os primeiros esboços e encarregava os aprendizes de montar um modelo em escala menor, que era apresentado ao cliente. Se aprovado, Rubens traçava a lápis na tela e os discípulos colocavam a cor e o óleo, cabendo ao mestre de novo fazer a "arte final". É quando vêm "O Rapto das Filhas de Leucipo" (ver mais adiante) e "A Derrota de Senaqueribe".

Chegada de Maria de Médici em Marselha, 1622-1625. Louvre. Parte do grande ciclo de pinturas sobre a rainha da França
Rubens possuía uma clientela literalmente poderosa, e que pagava em dia. Um dos mais belos trabalhos que realizou, então no auge de sua carreira, foi a série de quadros contando, alegoricamente, a vida da regente da França, a Rainha Maria de Médici. Seguindo os parentescos das casas reais europeias, Rubens acabou pintando para os principais reis, príncipes e duques de sua época.
Para Carlos I da Inglaterra, por exemplo, genro de Maria de Médici, pintou a "Alegoria de Paz e Guerra" entre outras obras. Para Filipe IV de Espanha (filho do antecessor), pinta quadros que retratam caçadas, para o palácio de veraneio real. Na Espanha, também, toma contato com Velázquez, provavelmente influenciando-o.
Foi a serviço da Espanha (da qual tinha cidadania, já que Flandres permanecia sob controle espanhol) que Rubens desempenhou as principais missões diplomáticas, principalmente negociando as pazes entre Espanha e França (católicos) e Inglaterra (protestante, com rei anglicano), durante as lutas da Guerra dos 30 Anos, que ele morreu sem ver terminada. E isso sendo Rubens um flamengo católico.
Após cumprir seu papel na busca pela paz mundial, que ele dizia tanto almejar, Rubens retorna finalmente à Antuérpia, de onde passa a produzir e enviar os quadros. A essa altura já é enviuvado, e seu irmão Philip morrera ainda jovem. Mas casa-se de novo, com a irmã mais nova de uma fidalga que Rubens retratara anos antes. E com ela tem seu filho. Desta fase são "O Julgamento de Páris" e "O Rapto das Sabinas".
Rubens morreu em 1640, rico e bem-sucedido. Teve êxito em tudo que fez e deixou para a posteridade um legado de muita arte e expressão do mais puro Barroco, de forma sincera e verdadeiramente vivida.