Revista Digital Arte y Psicoanálisis

Nota de Tapa

2014-10-21T01:17:00.000-03:00

Presentamos la Revista Digital de Arte y Psicoanálisis y sus secciones.

Entrevistas a Destacados: La profesora de artes plásticas Andrea Salman entrevista a referentes artísticos que nos cuentan en primera persona sobre sus procesos creativos y sus obras.
Reflexión mensual: La Psicoanalista Gilda Palmieri expone en diversos artículos sobre El Psicoanálisis y su relación con el arte.
Recorrida por el Teatro: Las mejores críticas teatrales con el acento puesto en la mirada psicoanalista.
Tendencia y Diseño: Entrevistas a jóvenes emprendedores.
Las paredes nos hablan: Los invitamos a visitar el barrio de Palermo en Capital Federal a través del lenguaje de sus muros.
Espacio Literario: Entrevistas a referentes que nos presentan sus producciones.

BIENVENIDOS A ÉSTE VIAJE!!!
Editorial Arte y Psicoanálisis

STAFF
Andrea Salman | Artista Plástica - Profesora de artes plásticas UNLP
www.andreasalman.com.ar
Gilda Palmieri | Licenciada en Psicología USAL
Javier Pisochin | Diseñador industrial especializado en gráfica - Profesor universitario de diseño UNCUYO
www.pisochindesign.com.ar

Entrevistas a destacados

2014-10-20T19:14:00.000-03:00

Las rondas de las madres en el Bicentenario

2010-05-27T19:30:00.000-03:00

Vivimos los festejos del bicentenario y la Co-Directora de arte&psicoanalisis Andrea Salman nos presenta su trabajo como Asistente de Dirección de las esculturas que representan a las Madres de Plaza de Mayo en sus rondas.

Obra dirigida por el artista plástico Andrés Zerneri, quién es reconocido por la escultura al Che que se realizó gracias al aporte de llaves de bronce de gran cantidad de colaboradores que apoyaron éste proyecto. Zerneri ahora emprende un nuevo desafío aun mayor al plantearse la construcción colectiva con el aporte de llaves para un gran monumento de 10 metros de alto a la Mujer Originaria.

El equipo, que se conformó especialmente para la concreción de las esculturas que se presentaron en el paseo del bicentenario, contó con la asistencia técnica de Andrea Salman y con un grupo de realizadores encabezado por los integrantes del grupo Ikatú, el Diseñador Industrial Santiago Doljanin y la Diseñadora de Interiores Andrea Gómez.

También contamos en el equipo de trabajo con Mariana Ravioli, escenógrafa; Ivana Portnoy, Diseñadora Textil y Maia Heidel, entre otros.

En la obra encargada por las Madres de Plaza de Mayo hemos realizado un total de 20 figuras ordenadas en parejas representadas de manera realista y con detalles de gran precisión, coronadas con la escultura que se ubica sobre la pirámide de la Plaza de Mayo.

Están realizadas en resina poliéster reforzada con fibra de vidrio, un material que se caracteriza por ser muy resistente.
El proceso de construcción tomó más de un mes y medio de trabajo.

En cada madre se puede ver una expresión diferente en sus rostros y sus manos, podemos identificar posturas que simbolizan los reclamos, la fuerza de voluntad en la búsqueda de verdad y su esfuerzo por mantener intacta la memoria.

Con mucho orgullo por el trabajo realizado les presentamos el resultado en imágenes.

Tendencia & Diseño

2009-10-24T17:18:00.000-03:00

Entrevista a Baumm
Lucas Desimone y Rodrigo Chapero diseñana mochilas y bolsos reutilizando el material de los parapentes en desuso.
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Entrevista a Andovolando

Creadoras del emprendimiento Andovolando. Juguetes, sets y objetos didácticos pensados
especialmente para acompañar el crecimiento y favorecer el desarrollo integral de los niños.
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Entrevista a Santiago Doljanin

Operación once intenta romper el punte que existe entre el arte, la artesanía y el diseño. El hacer- hacer, se hace desde el interior hasta el exterior. El arte en cada minúsculo enlace de las partes, lo concreto, la artesanía reflejando la intervención humana en las cosas
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Recorrida por el Teatro

2009-10-23T19:14:00.000-03:00

Y con esta luna…cartas desde la cárcel

Por la Lic. Gilda Palmieri
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Ye Katherina

Por la Lic. Gilda Palmieri

Hay de lo indecible en esta obra, de lo indecible que no se puede enunciar en ningún idioma
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Siempre estamos en mayo

Por la Lic. Gilda Palmieri

“Cuando la intimidad no se comparte el que habla se confiesa” expresa Daniel, padre de Lina, luego de que ella irrumpiese en su casa después de mucho tiempo, ahora, es más una extraña para él, que para ella él desconocido, aunque el último día en que se vieron fue el mismo para ambos.

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Santos de Yeso

Por la Lic. Gilda Palmieri

Una obra polémicamente correcta, que en el más atinado movimiento educado y atrevido se las ingenia para poner en discusión un tema que a veces bajo la máscara de la negación circula frente a los ojos de todos haciendo de la discriminación lo común.

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Entrevista a Eleonora Lotersztein
Por la Lic. Gilda Palmieri
Psicóloga, autora, directora, creadora de varias obras teatrales, presenta todos los domingos a las 19.30 hs. en el teatro El Piccolino, “Mi psiliconado amor”.

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Síntoma
Por la Lic. Gilda Palmieri

La identidad es aquello que siempre es un interrogante para el sujeto, es una búsqueda permanente que se escapa sola en su cometido al dominio consciente de cualquier ser humano que en su dificultad neurótica la deforma de la “original”.

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Pan Dulce
Por la Lic. Gilda Palmieri

Padre e hija se encuentran para definir la situación de una empresa familiar de estilo tradicional que produce pan dulce, ya nada parece quedar de la misma, sino la fantasía de la joven que la mantiene ilusoriamente viva
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“HUMANO”
El unipersonal de Lucas Lauriente

Por la Lic. Gilda Palmieri
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Vos me decís que esto no es morir

Por la Lic. Gilda Palmieri
Con desparpajo e intrepidez un grupo revolucionario rescata de la muerte a Eva Perón, para revivirla con un procedimiento que la devuelve a la continuidad de la existencia. Dos años después de acontecido su deceso y con el peronismo proscripto.

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Eso que falta

“No hay relación sexual” Así se refiere Lacan a eso que falta. Describe a lo sexual en tanto hay algo allí que no sucede, que no se produce, la relación…Esto tiene que ver con esos dos seres hablantes que la conforman y con la discordia en cada distinto tipo de goce y el lenguaje que no lo abarca.
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El mito y el chiste

Un trabajo de laboratorio…Así describe Virginia Lombardo directora de esta nueva propuesta de Elenco Psi que está en su fase de “preparación”.
A partir de un work in progress (trabajo en proceso) se presentó la obra El Mito y el Chiste a modo de testear el trabajo de todo un año.
Cinco mujeres en escena, vociferan frases que en lo cotidiano se pronuncian, muchas veces sin reparo. Cargadas de mitos, representan a través de estos distintos personajes y utilizando como vehículo el humor, diferentes estereotipos de mujeres que fácilmente se confirman en lo social.
Al modo de un “open house” , (las actrices están en escena, cada una en su mundo y los espectadores espían desde la platea sus intimidades que se van sucediendo sin solución de continuidad en un mecanismo que las protege) el público escucha lo que no pudo detener la represión.
“Es la primera vez que encaro un material sin un texto previo y que tiene la exigencia de hablar de estas dos variables icónicas (el mito y el chiste) y entretener a los espectadores a la vez.” Expresa Lombardo quien también forma parte de la elaboración de los textos.
Habrá que esperar un poco para verla, se estrena en mayo de 2015. Lo mitológico también causa gracia…

Gilda Palmieri

El Mito y el Chiste
Autor: Creación Colectiva de Elenco Psi
Asistencia de Dirección: Marina Olivera
Iluminación: Santiago Crivelli
Jefe de Sala: Santiago Crivelli
Coordinación artística: Anahi Martella
Dirección: Virginia Lombardo y Javier Picu

Elenco:
- Gabriela Marini
- Natalia Alperovich
- Silvia Weitzman
- Mercedes Vergara
- María Laura González

Estreno:
Mayo de 2015, en el Auditorio de la Facultad de Psicología. Viernes a las 20 hs.

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“Las buenas muertes” “El chico de la última fila”Gilda Palmieri

¿Hay buenas muertes…? Las que seguro no lo son, son las que en vida lo están…

Tres ancianas hermanas encerradas en su propia casa esperan el final de sus días. Un noticiero da letra a su sin sentido cotidiano. Dos realizadores de un reality las filman. Un joven irrumpe queriendo salvar a la humanidad congeniando un siniestro plan que terminará con la vida de varios. Ellas están en la lista.

Esta obra de Gabriel Calderón con adaptación de Pehuén Gutiérrez mantiene al público preso de la trama, turbado, estupefacto, de estar viendo lo que ya todos saben pero que nadie se detiene a pensar, lo cínico de la televisión y sus tremendas consecuencias.

De las tres hermanas, Clara parece ser la menos alienada, denuncia a viva voz y ante un Dios que todo lo ve el insoportable juego perverso de este como creador y titiritero de sus miserables vidas, las otras dos hermanas parecen adormecidas no saber nada de que se trata la continuidad, como ese público televisivo que frente a la pantalla idiotizante se mantiene inmóvil.

Destacadas actuaciones de Fernando Alegre y Alicia Naya. Excelente dirección de Agustina Soler.

Hay que verla.

Gilda Palmieri

Desborde Teatro

Chile 630

sábados a las 19.30

“Una obra sobre el placer de asomarse a las vidas ajenas (…)” Expresa el autor español, Juan Mayorga sobre esta pieza teatral excepcional.
Un profesor y un alumno, y una redacción escrita por el adolescente a partir de un trabajo escolar. Clase a clase una nueva presentación, es el guión que escribe Claudio, un chico que no vacila en destacar que su vida carece de referentes y de un sostén familiar, en esa búsqueda hace uso de sus habilidades en Matemática para a partir de las clases particulares a Rafael, un compañero de colegio, apropiarse de la realidad de quien sí parece “tenerlo todo” y entra en la casa de este para compartir sus días.

El protagonista queda capturado por la bella misteriosa madre de Rafa, quien resulta ser la inspiración de Claudio a la hora de la escritura luego ese enamoramiento.
El maestro, Germán, se ve identificado con este chico de la última fila de su clase, y es llevado por un camino regresivo que lo ubica en el momento en que transitaba la misma edad, como queriendo “rescatar” a aquel que no pudo ser, supervisa el texto de su alumno quien parece atraparlo.
Entonces relata el texto del joven autor frente a su esposa Juana, testigo inmediata del encuentro.

Para Claudio, el profesor opera como un gran Otro, cumpliendo claramente una función paterna, función que parece estar bastante ausente por parte de quien sería su verdadero padre. Actuando como ley, como corte, en la relación edípica que el adolescente encuentra en Ester, madre de Rafa. De quien se muestra encantado. Reafirmando así que la paternidad es un hecho cultural y que tiene poca evidencia natural. Es lo que posibilita ser un sujeto del lenguaje.
En el transcurso de la obra circula de mano en mano una birome, símbolo fundamental de la palabra escrita y que hace hablar a los personajes.
Es una obra exquisita que habla de la salida a la exogamia, de las diferencias sociales y culturales, de lo que se dice y de lo que no se puede decir.
Con actuaciones ejemplares mantiene al público adentro de la escena participando de la conmoción de escuchar lo propio en una voz por la que es hablado a partir de cada uno de los personajes.
Hay que verla.

"EL CHICO DE LA ÚLTIMA FILA" en ELKAFKA. Lambaré 866 C.A.B.A.
Todos los sábados hasta el 29/11/2014 a las 20,15 hs.
Reserva y venta de entradas: www.alternativateatral.com

Actúan: NILDA RAGGI - JULIO ORDANO - JUAN TUPAC SOLER - DIEGO SEGURA - MANUEL LONGUEIRA - MARISA VIOTTI
Asist. de dirección: ARIEL RAGUSA - JIMENA MARTÍN
Dirección: ENRIQUE DACAL

“Como si le estuviese hablando a la pared!”

2009-10-22T17:15:00.001-03:00

En general en cualquier relación amorosa, surge, casi como por intervención de un “tercero” el reproche de uno hacia otro, “¡cuando te hablo es como si le estuviese hablando a la pared!”, palabras que dejan cierta satisfacción al ser arrojadas a la vereda de enfrente, que parece ser el otro, a veces…

A continuación veremos distintos decires, a través de los stenciles de nuestra ciudad, queriendo mostrar un dialogo, que aunque esconde el reconvenir por una palabra que se pierde en la sordera de alguien, queda eterna en la pared que escucha en tanto haya quienes lean sus grabados...

Espacio Literario

2009-10-21T17:18:00.000-03:00

Entrevista a la Periodista Lidia Pantychowski Lerner de Pisochin

por la Prof. Andrea Salman

La autora del libro “Pequeñas Historias” nos envía el poema "NOCHE DE HOSPITAL - Impresiones de un acompañante". Los invitamos a conocer la sensibilidad de sus palabras.

INTRODUCCIÓN

En el trascurrir de la vida los humanos tenemos dos puntos de semejanza universal, el nacer y el morir, las diferencias son sólo externas, más o menos lujo, más o menos flores.

En el desarrollo de ese giro se suscitan las diferencias, los "antónimos" que construyen el lamentable desequilibrio social que a muchos nos preocupa.

NOCHE DE HOSPITAL – IMPRESIONES DE UN ACOMPAÑANTE

Agrede furiosa la lluvia tardía arrastrando el otoño.
La noche, sorprendida, escurre su tiempo en incontables lentejuelas
vistiendo de fiesta el césped
y la tierra, bohemia, insaciable
bebe un delirio de nubes.
Ofuscados relámpagos sacuden el sueño
descubriendo una tempestad de almas en las pupilas sufridas.
Pabellón Benegas, panal heterogéneo
especie amorfa en la naturaleza perpetua del dolor.
Celdas, celdas, celdas grandes.
Celdas, celdas, celdas chicas.
Celdas que aprisionan todas las historias, únicas y repetidas.
Historias de la carne, gemidos, sonrisas, muecas, suspiros...
Celdas saturadas de aliento denso,
murmullos cómplices de plegarias y esperanzas.
Partidas breves, pasos apresurados camino al sol descubriendo la vida.
Pies cansados, reinventando la rutina de curar y comprender, sin lágrimas.
Tu simétrica caverna es un convoy matemático,
anónimo y cierto de humanidades desgarradas.
Setenta y cinco números, setenta y cinco números
en un sólo segmento nocturno de ronquidos guturales.
Humo viejo escupiendo sin piedad.
la bruma oscura de algún pecho abatido por cenizas.
Flatulencias abandonadas en camas indiferentes,
aprisionando identidades transitorias.
Y ese rostro amable, siempre presente, con su índice universal de silencio,
nada, nada logra calmar.
Celdas, celdas, celdas.
Cuanta miel amarga, cuanta ingrata miel.
Colmenar laborioso destilando dolores
atrapados en la intimidad.
Manos que acarician y alguna flor con perfume de amistad.
Heridas, muchas, que no cierran, al filo de la sin razón.
Demasiadas las miradas, opacas ya,
que, como tímidas luciérnagas sueñan un rostro sin delantal,
soledades de la vida, olvidadas de piedad y amor.
Para recordarte, obsesivamente tu nombre se extiende
Pabellón Benegas, Pabellón Benegas, Pabellón Benegas,
lado a lado de tus fauces abiertas.
¿Acaso importa grabarlo para el ceremonial donde fluyen,
irreverentes, la vida y la muerte?
Al alba, exhalo la vigilia retenida y me sumerjo
entre la sombra y la luz,
entre el tumulto y el silencio.
Atravieso la débil frontera de lo evidente,
siento frío donde no hay abrigo, saludo, me despido, admito
y me invaden la memoria y el espacio
de la sacra conciencia de nuestra finitud.

LIDIA PANTYCHOWSKI LERNER DE PISOCHIN
Mendoza, Hospital El Carmen- 2 de abril de 2001

- Lidia crees que la gente puede verse reflejada en este poema?

Absolutamente SI. Sobre su esencia nadie esta exento de ser protagonista o espectador.
En este caso, relatado en primera persona, como espectadora, se trata de una experiencia cierta que nació bajo la luz, casi inexistente en una habitación de hospital.

- Que te motivó a escribir éste poema?

Estoy segura que la indiferencia no circula por mis venas. Conviví muchas noches en ese clima especial hasta que el motivo de mi presencia, cuidar a una querida amiga y el entorno multiplicando situaciones movilizadoras me llevaron a tomar un pequeño block y la birome de mi cartera.

Fue un principio y un final, sin pausa, sin respiro.
El arte en las letras puede descubrir las luces y sombras que nos habitan.
Yo creo que estas palabras son un homenaje y un reconocimiento al esfuerzo de quienes trabajan en el campo de la salud y también un modo personal quizás, de interpretar que, ni el afecto, la amistad, el amor, se pierden como sentimientos cuando la materia parte.
Ahora sólo espero el juicio de los lectores y si se concreta "el puente", abro mi corazón para recibir sinceramente sus opiniones.

Podés acceder al libro “Pequeñas Historias” de Lidia Pantychowski Lerner de Pisochin en http://www.lidiapisochin.blogspot.com/

Desde el Psicoanálisis

2009-10-20T19:15:00.000-03:00

Dialogando sobre Clinica con lo Traumático
Entrevista a la Lic. Gabriela Insua
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Para contactarse con la Psicoanalista Gilda PalmieriMail : gildapalmieri@hotmail.comConsultorio Tel.: (011) 4774-7317

Links

2009-10-19T16:56:00.000-03:00

* www.andreasalman.blogspot.com

*www.pisochindesign.com.ar

* www.andreszerneri.com.ar

*www.operaciononce.com.ar
*www.terzaghimurales.com.ar

*www.rafaelmartinescultor.com

*www.flickr.com/nico_k

Entrevistas a destacados

2009-10-13T19:14:00.000-03:00

Entrevista a Empy Trash

por Andrea Salman

¿Qué es Empty Trash?

Como trabajamos con residuos nos autodenominamosEMPTY TRASH que es una función de las computadoras que sirve para eliminar los archivos y mantiene la papelera o basurero vacío.
Es decir que sacamos de lo que se descarta la materia prima para desarrollar un estilo propio dentro del arte fantástico.

¿Qué es el arte fantástico?

Es un arte definido por su temática. Podríamos decir que lo extra-ordinario, lo mágico, lo futurista, lo mítico, el horror, es el tema del arte fantástico. También no debemos dejar de lado la realidad, que siempre supera a la ficción, ¿Quién podría imaginar que existe un tabaco luminoso porque le han insertado genes de luciérnagas?....sin embargo esto es real.
Estamos ante las puertas de grandes cambios que nos llevan a reflexionar sobre hacia donde vamos y el arte fantástico es una herramienta de expresión sobre estos aspectos.

¿Quienes integran Empty Trash?

Alejandro Semiz y Eduardo Martín, somos diseñadores gráficos de Mendoza (ARGENTINA) y estamos dedicados al Arte Fantástico desde hace 15 años.

¿Cómo se formó el grupo?

En las juntadas para hacer los prácticos de la facultad, descubrimos nuestra afición por lo fantástico, luego nuestros lápices portaminas fueron “maqueteados” entonces ya eran además dragones….de ahí
en adelante no paramos de trabajar en equipo hasta el día de hoy. Nuestra inquietud de incursionar en el mundo de la plástica se debe a nuestra pasión por la fantasía, la mitología y la ciencia ficción, lo que nos hizo observar y descubrir en los desechos cotidianos y otros no tanto, un universo de formas aplicables a nuestro arte.

¿Qué temática desarrollan en las obras?

Nuestra obra la componen esculturas, objetos de arte y cuadros tridimensionales que abarcan un variado espectro de seres fantásticos provenientes de distintas fuentes inspiradoras, ajenas y propias. La estética que logramos está cargada de simbolismos y mensajes subconscientes.
La teoría de que el todo es más que la suma de las partes es lo que confirman a gritos nuestros seres fantásticos. En estas creaciones la libertad de percibir infinidad de realidades alternativas van en desafío a nuestras vivencias cotidianas y nos hacen reflexionar sobre la realidad que nos rodea, la que frente a estas criaturas ya no será absolutamente determinante.
La propuesta de que todo lo que percibimos es el resultado de procesos organizadores de carácter no innato, es destrozada ante la clara y vehemente organización de lo inconsciente en nuestras creaciones, las que ponemos al servicio del espectador al materializar lo mágico, lo supra-real, lo extra-ordinario, en definitiva todo lo fantástico de nuestra más profunda, oculta e instintiva imaginación.
Podemos intentar desglosar las partes, ver su origen y comprender para que servían, de reconocerlas como nuestras….pero esto solo hará más inquietante, más incomoda la propuesta porque podremos descifrar bajo las pinturas y las terminaciones “el como y con que….” pero no tendremos claro “el porque….”.
Entonces cuando estamos en presencia de las obras, las preguntas quedaran formuladas, y las reflexiones para hallar las respuestas aguardándonos.

¿Qué técnicas utilizan?

Las piezas están desarrolladas con diversas técnicas de ensamble y están hechas en su totalidad con materiales provenientes de residuos domésticos y también huesos, plantas, materiales industriales, etc. El acabado de las mismas se realiza a través de técnicas propias y tratamientos químicos donde se mezclan baños plásticos, tintas, cosméticos, óxidos, cargas vegetales y minerales, en definitiva reciclamos cuanto material hay a nuestro alcance para desarrollar un bestiario que cada vez crece más.

¿Qué proyectos tienen ó en qué están trabajando actualmente?

En estos momentos estamos participando de un concurso de arte fantástico en Portugal y estamos en tratativas para una gran muestra en La Plata gracias a la gestión del maestro Ricardo “rocambole” Cohen.
También están en desarrollo varios proyectos con piezas nuevas y en un futuro no muy lejano tener nuestro propio sitio web.

¿Cómo es la movida cultural en Mendoza?

Mendoza es una gran plaza para el arte, pero de corte académico, o sea de las llamadas bellas artes…..la pintura, escultura, música y fotografía, etc. están en un alto porcentaje dentro de esta corriente, y lo demás queda como arte alternativo, y por lo tanto mucho menos difundido, en consecuencia la mayoría del publico desconoce mucho de lo que se genera en la provincia.

¿Hay mercado para el arte?

En Mendoza para el arte fantástico no, pero en el exterior observamos que cada vez hay mayor auge y estilos en desarrollo, no solo en EEUU y Europa, sino también en países vecinos como por ejemplo Bolivia que cuenta con una bienal internacional una vez por año.
Ojala que a niveles institucionales y de medios de difusión este gran arte, encuentre en nuestro país, el lugar que realmente merece.

Tim Noble & Sue Webster

2009-10-11T19:56:00.000-03:00

Tim Noble & Sue Webster

Pertenecientes a la conspicua y agresiva generación de artistas británicos que fueron dados a conocer a mediados de los noventa, Tim Noble (Stroud, 1966) y Sue Webster (Leicester, 1967) se consagraron internacionalmente, gracias a su extraordinario eco mediático, en la colectiva Apocalypse, celebrada en la Royal Academy of Arts de Londres en 2000. Los distintivos de marca eran la provocación, la irreverencia, la capacidad de influir en los medios de masas y la versatilidad de su propuesta, sobre todo, de su técnica y material de trabajo, increíblemente maleable para adaptarse a cualquier circunstancia, haciendo uso de cualquier técnica, material o procedimiento siempre que se aviniese a sus objetivos e intereses.

Después, se hicieron famosos con sus atrevidos y desconcertantes autorretratos, invariablemente presentados como consecuencia de la proyección a modo de sombras chinescas de instalaciones consistentes en considerables montañas de basura, el detritus de nuestra sociedad consumista y opulenta, haciendo gala aquí de una estética del desperdicio, combinada con la disecación de animales, principalmente aves. Lo curioso, no obstante, era que en realidad esas sombras que se proyectaban en el muro no procedían del montón de basura, sino de la colocación estratégica de unos cañones de luz. Unas veces las escenas estaban hechas con una apariencia deliberadamente sangrienta, como cuando un pájaro picotea los ojos de sendas cabezas clavadas en estacas y que no son otras que las de nuestro par de artistas; otras, más abundantes, los autores se entregan a las caricias, descansan relajadamente en un prado o se entregan a la reflexión individual.

Dirty White Trash (With Gulls), (arriba) es el resultado de seis meses de residuos domésticos más dos gaviotas muertas. La pareja necesitó esos seis meses para terminar la obra. Al fondo, la representación de los artistas tomando un descanso con un cigarrillo y una copa de vino.

1er. Concurso Internacional de Fotografía y Video Arte

2009-10-11T15:48:00.000-03:00

Premio 1er. Concurso Internacional de Fotografía y Video Arte:[LA CARA DE LOS OTROS]

Fecha de cierre: Sábado 31 de Octubre de 2009

Convoca: Leedor

Sitio web: www.leedor.com

Más info

En Internet las personas somos invisibles, pero detrás de la pantalla hay muchas caras. Personas, máscaras, más y más caras. Caras reales, ficticias, amigas o no. Los retratos de la felicidad o de la angustia. Las caras que nos marcan, que nos dicen sí o nos castigan. Y también las caras que ven esas caras cuando andan por la calle y abandonan las pantallas.

Queremos exponer esos recorridos. El camino de las caras, de nuestras certezas, de nuestros asombros, nuestros recuerdos y nuestros olvidos.

Por eso, y para festejar nuestro 10º aniversario en la red convocamos desde Leedor.com a aficionados y profesionales a un 1er concurso Internacional de Fotografía y Video Arte.

Tema: Retratos. La cara de los otros.

Entrevista a Adrián Taboada

2009-10-10T20:13:00.000-03:00

Escultor. Pionero de la escultura digital e impresión 3D. Referente local y del mundo en modelado de figuras y dioramas de colección.

Tu formación universitaria es en Cs. biologicas, ¿cómo fue que te orientás al mundo del arte escultórico?

Así es, promediando los 3 años de la carrera y ante la necesidad de cambiar de aire en los tiempos libres, retomé la escultura; modelaba retratos, figuras en yeso, miniaturas en tiza, mascaras, etc. De una forma muy improvisada claro. Eso se transformó mas tarde en un trabajo; me sumé a proyectos de construcción de dinosaurios a gran escala y a figuras que hacía en el marco de proyectos educativos. Terminé abandonando la carrera y me asumí escultor recién muchos años después, fue una transición larga que por momentos todavía me persigue, leo a Stephen J. Gould y me apasiono con el teorema de Gödel por una extraña melancolía producto de ese cambio.

Contanos acerca de tu compromiso con la conservación de la fauna nacional.

Además de estudiar biología, me sumé, en la Universidad Nacional del sur a un grupo de investigación que desarrolla proyectos de conservación de mamíferos carnívoros, eso dejó una huella, o muchas huellas, y cuando busco inspiración para hacer una escultura, la belleza de esos animales me lleva a querer modelarlos. Siempre con respeto y como una forma de mantenerme en contacto con ellos. Estos animales están a mi parecer, escasamente representados y vemos mas leones que aguara guazúes en el mundo del arte, claro que eso tiene una explicación bastante obvia, pero quiero sumar mi granito de arena a darle la necesaria importancia al enorme abanico de posibilidades que nos ofrece la biodiversidad argentina.

¿Cómo describirías tu trabajo?

Mi trabajo consiste en darle la correcta representación volumétrica a un concepto, en general figurativo y en general a pedido, soy un escultor comercial, eso significa que muchas veces (no siempre) ese concepto viene ya establecido y uno tiene que copiarlo lo mas fielmente posible. Luego se transformará en un producto de consumo. Pero en términos personales, ya sea un dragón o un personaje de Marvel, la lucha diaria es con el volumen, con entenderlo.

¿Qué técnicas y materiales utilizas?

Se modela en materiales como masilla epoxi, arcillas poliméricas, plástico, y el que corresponda para resolver la figura, eso te obliga a ser creativo en la resolución, no siempre se puede modelar todo con un solo material. Hoy por hoy, utilizo un software de modelado digital llamado zbrush y una impresora 3d para imprimirlos.

¿Qué referentes artísticos te interesan?

Tengo, como todos, referentes lejanos en el tiempo y en el espacio, los clásicos. Pero no todos los artistas que me gustan son escultores, me interesan por motivos dispares y Spinetta puede ser tan inspirador como Nick Bibby o Bugatti a la hora de encarar una escultura, de todas formas, si tengo que nombrar referentes locales, tengo que hablar de artistas como Pablo Viggiano, Pablo Sapia; Jorge Blanco y Osvaldo Tedesco, con quienes tuve el gusto de aprender y trabajar.

¿En la actualidad en qué proyectos artísticos estás trabajando?

En la actualidad, además de dar clases de modelado digital y modelado de figuras. Estoy desarrollando colecciones propias de figuras; hasta el momento son tres, una de ilustradores argentinos, una de fauna autóctona y una colección de dinosaurios para chicos que va a ser la primera en salir a la venta.

¿Cómo ves el futuro de la impresión 3D en el mundo y en particular en Argentina?

Al futuro lo veo acelerado e impredecible, todo cambia muy rápido, sin embargo, los cambios en el resto del mundo son mas radicales y vanguardistas, nosotros somos apenas un reflejo de lo que esta pasando afuera y un reflejo tardío, aun asi, los cambios llegan y son notorios, la industria del juguete y de las figuras de colección contratan cada vez mas diseñadores y escultores que entregan sus trabajos ya no como una escultura física, sino a través de un archivo compartido en la nube. Eso es un hecho hoy y nos plantea un cambio paradigmático al que tenemos que acostumbrarnos.

Contanos donde podemos tomar clases con vos de escultura y diseño digital 3D ZBrush.

En modelado digital pueden hacerlo de forma particular o en la escuela multimedial Da vinci y en modelado tradicional me encuentran dando un curso todo el año en la escuela de artes integradas la ola.

¿Cómo podemos acceder a una de tus obras y/o productos?

Comparto mi trabajo a través de mi blog y estoy presente y abierto a consultas y pedidos en mi mail y en mi facebook.

Para contactar al artista:

blog: www.alfaguarama.wordpress.com

mail: alfaguarama@gmail.com

fb: www.facebook.com/alfaguarama o www.facebook.com/levelmonkey3dprint
Entrevista realizada por la Prof. Andrea Salman

Entrevista a Marcelo Leónidas Di Pietro

2009-03-22T18:49:00.000-03:00

Entrevistamos al ganador del Primer Premio Adquisición en Escultura del XXVI Salón Anual de la Bolsa de Comercio con su escultura "Sueños de Prisión"

Desde la ciudad de Bahía Blanca, Marcelo Leónidas Di Pietro.

"Sueños de Prisión"

- Cómo comienza tu relación con el arte?

No puedo fijar un momento preciso pero desde muy chico me gustaba jugar con plastilina e inventar personajes…. Luego de adolescente concurrí al taller de cerámica y escultura de Rafael Martin y luego al terminar el secundario surgió como vocación estudiar arte pero fueron más fuertes los mandatos familiares relacionados con profesiones tradicionales como el derecho en mi caso.

- Dónde aprendiste?

Fui al taller de Rafael Martín y luego aprendí de forma autodidacta y con la ayuda de otros artistas el manejo de algunos materiales diferentes (en el caso de la resina con Andrea Salman)

- Quienes son tus referentes?

En lo nacional: en escultura Juan Carlos Distéfano y Pablo Suarez, a nivel mundial Miguel Angel… hay muchos en cada disciplina en pintura casi todos los surrealistas

- Que te llevó a presentarte en el Premio de la Bolsa de Comercio?

Fue un amigo escultor (Esteban González Garza) el que me motivo e incluso sugirió la obra que debía presentar.

- De qué tema trata tu obra?

No se si es bueno tratar de darle un sentido unívoco o una interpretación cerrada a una obra. Creo que una vez que se termino puede cobrar libremente muchos sentidos de acuerdo a la historia y a la subjetividad de cada espectador…

Igual la obra para el autor tiene un claro sentido: el tema es la libertad perdida y los sueños de liberación. Es una imagen de una detenida que tal vez en uno de sus peores momentos antes de morir o luego de ser torturada solo tiene como recurso soñar con algo placentero como que es rescatada de ese infierno por un ser amado para no sufrir más, al menos, por unos instantes…El tema también está relacionado con la historia Argentina de los setenta en donde hubo mucha muerte y represión. La prisionera no es una presa común es un preso político, es una detenida desaparecida de la dictadura.

- Qué significó para vos obtener éste premio?

Una gran alegría y un estimulo para tratar de seguir produciendo obra. Había dejado de trabajar hacia más de un año y retomé la actividad. Me imagino que nadie crea para obtener un premio pero a veces es bueno que alguien objetivo o ajeno al entorno de uno opine sobre lo que hiciste. Si vale la pena, si es bueno o no es malo. Igual creo que hay que relativizar el valor artístico de un premio por que depende mucho de la conformación del jurado y de sus tendencias.

- Cómo ves la movida artística en Bahía Blanca?

Quiere emerger y desarrollarse pero es muy difícil hacer todo desde el interior. Argentina es un país macrocéfalo con Buenos Aires como centro casi excluyente de todo lo más significativo o que posee reconocimiento.

Entrevista realizada por la Prof. Andrea Salman

Obra: Memoria

Entrevista a Johnny Bibas

2008-10-20T19:31:00.000-02:00

Entrevista de Arte & Psicoanálisis a Johnny Bibas
Por la prof. Andrea Salman

Johnny Bibas. Director de Arte. Fotógrafo. Dicta talleres de fotografía creativa. Actualmente dirige el proyecto Living in Art

¿Cómo fue tu introducción a la fotografía?

Mis comienzos fueron en el año 1998 cuando estaba terminando la secundaria ORT, con un poco dinero que tenia ahorrado me compre mi primera cámara, una Voighlander Vito Clr, y empece a practicar solo. Después la pude cambiar por una Minolta y luego lo agarre a mi viejo que siempre había hecho fotos por hobby y le pedí que me de consejos y que me enseñe lo básico. Me empecé a curtir solo gastando mucho dinero en rollos y revelados. Ya que de a poco se empezaba a convertir en una gran pasión en mi vida, anteriormente a la fotografía ya pintaba desde Niño, más precisamente desde los 4 años, pero bueno en la actualidad siento que mi fuerte es la Foto como expresión pictórica.

¿Cómo te describirías?
Me describiría o definiría como una persona simple, hibrida, inquieta, camaleónica, curiosa, apasionada, excéntrica, Divertida, con un gran sentido del humor y bue… Dicen que soy creativo jajajaja. Y me dicen JOHNNY LA GENTE ESTA MUY LOCA laralalalalala

¿Qué tipo de fotografía realizás?
Realice todo tipo de Fotografías, desde Moda, Producto, Publicidad, Bandas, etc., pero me di cuenta con el tiempo que realmente la que más disfruto es la Social donde pueda capturar los momentos más felices de la gente. Sé que muchos Fotógrafos le huyen pero bueno, considero que sobre gustos no hay nada escrito. Igualmente si me llaman para hacer otro tipo de Fotos las hago porque soy un apasionado de mi trabajo gracias a Dios.

Contanos acerca de tus producciones de fotografía artística, las temáticas que abordás y lo que intentás transmitir con ellas.
Bueno, actualmente estoy realizando dos proyectos artísticos en paralelo, uno son capturas de mi vida cotidiana, en blanco y negro (Gente que observo en la calle) que se puede ver en mi Face book entrando a mi pagina y el otro es un proyecto que es muy reciente que lo titule LIVING IN ART (Photo Stories) donde lo que hago es relacionarme con diversos artistas de distintas aéreas, ya sean otros fotógrafos, músicos, actores, artistas plásticos, directores de cine, etc . Y lo que hago es una entrevista, para conocerlos más y luego hacemos una producción donde los retrato en un su hábitat de trabajo o con sus respectivas obras. Finalizando esta etapa, revelo el trabajo que generalmente son fotografías tomadas en Color, y las subo las mismas difundiéndolas en todas mis paginas para que se puedan dar a conocer tanto a los artistas como así mismo mi mirada del mundo.

Contás con una gran afluencia de jóvenes interesados en tomar talleres con vos, ¿qué consejo les das a tus alumnos de fotografía creativa?
Si la verdad que sí, tengo una linda convocatoria generalmente, pero bueno considero que no es de la nada ya son más de 15 años que doy clases ininterrumpidamente, ni me tomo descanso casi en Verano. Los consejos que le doy son los siguientes:

- Visitar museos y ver obras.
- Ver mucho cosas relacionado con lo visual (Fotos, pinturas, ilustraciones, cine, algo de Tv interesante, etc., así se alimenta y se desarrolla la parte visual) ese bagaje en subconsciente luego sirve de inspiración para futuras fotografías.
- Ser Curiosos, tratar de siempre ir más allá, no quedarse, estar a la vanguardia.
- Vincularse con gente del palo, que esté avanzada en el campo, así pueden aprender de la experiencia de la otra persona, ya sea de un profesor, amigos o conocidos.
- Observar a la gente en general, sus gestos, su indumentaria, sus rasgos personales.
- y como ultima sugerencia sacar mucho mucho mucho, equivocarse y volver a intentar. Generalmente los avances se dan después de muchas frustraciones, fracasos. Va por lo menos esa es mi experiencia.

¿Dónde se puede tomar un curso con vos?
Se pueden tomar cursos conmigo en forma particular, ya sea individual o grupal, en el centro cultural de la AMIA llamado STUDIO SHENKIN, o en la agencia de Publicidad DEDO.

Contacto
Johnny Bibas
Director de Arte; Fotógrafo profesional
15 59 23 73 28 / 4854 4798
hola@johnnybibas.com.ar / johnnybibas@gmail.com
www.facebook.com/JohnnyBibas
https://www.facebook.com/JohnnyBibas.fotografia
http://es.pinterest.com/johnnybibas/living-in-art/
Entrevista realizada por la Prof. Andrea Salman

El mecanismo del olvido de los nombres

2008-10-19T17:55:00.000-02:00

El mecanismo del olvido de los nombres

¿Que es lo que Freud quiso olvidar...?

Por la Psicoanalista Gilda Palmieri

Para que se produzca el olvido momentáneo de un nombre propio tenemos que pensar en un motivo para ello y además en un recordar fallido. Lo particular del mecanismo que lo fabrica es que en lugar del nombre que pretendemos evocar, deviene, regularmente, un recuerdo que no es el buscado. También en este proceso intervienen ciertas predisposiciones que resultan imprescindibles para que un elemento que se pierde “se apodere por vía asociativa del nombre buscado y lo arrastre consigo a la represión”. Decimos con esto que además del nombre olvidado existe un elemento anterior que tampoco recordamos y que a partir de un nexo de contenido que tienen ambos, son llevados a la represión.

Para mostrar esto el propio Freud prestó el recuerdo de un olvido, conocido ya por todos lo psicoanalistas, tomado de su experiencia personal en 1898, , en un viaje en auto desde Ragusa, en Dalmacia, hacia una estación de Herzegovina. Junto a él, “un desconocido”, testigo de lo que después Freud plantearía en Psicopatología de la vida cotidiana en 1901. Mientras el viaje transcurría comenzaron a conversar sobre Italia y Freud preguntó al hombre si ya había estado en Orvieto y quiso recordar el nombre del autor de las pinturas de las “cosas últimas”, “Signorelli” en su lugar aparecieron los nombres de “ Botticelli y Boltraffio” que inmediatamente eran rechazados por incorrectos.

Relevante resulta la conversación mantenida justo antes de este olvido, sobre de las costumbres de los turcos que viven en Bosnia y en Herzegovina sobre “la resignación” que sentirían ante el destino y “la total confianza” que muestran en el médico, frente a esto cuando se les anuncia que no habría cura para tal o cual enfermedad. Ellos responderían “Herr(señor), no hay más nada que decir”, exclama Freud ante su compañero.

Freud recuerda una conversación que resulto sofocada, una segunda anécdota, que esperó en su memoria hasta tiempo después, debido al tema que trataba y que según él luego deduce no quería mantener frente a un extraño.

Lo que no dijo frente al hombre es que los turcos de los cuales hablaba anteriormente estiman el goce sexual por encima de todo y se desesperan si tienen algún problema en este plano, esto sería bastante contrario a la actitud resignada que muestran frente a la muerte. En este recuerdo, Freud rescata el comentario de un paciente hacia un colega, “Sabes tú, cuando eso ya no ande, la vida perderá todo valor”. Y este es el rasgo del relato que reprimió Freud, y desvío su atención de este asunto quedando así unidos los temas “muerte y sexualidad”.

Además de esto, el autor, relata que por entonces estaba afectado por una noticia que tuvo, mientras estaba en Trafoi, una aldea de Tirol, semanas anteriores, sobre un paciente que apreciaba mucho, quien murió debido a una enfermedad sexual, este hecho no fue recordado durante el transcurso del viaje en ningún momento, devino tiempo después.

¿Que es lo que Freud quiso olvidar...? Sin duda no era solo el nombre del pintor, que actuó a través de una cadena asociativa para olvidar lo otro. Esto surgió por un error que se produjo en la meta que alcanzó su voluntad y conectó al nombre olvidado con los pensamientos sobre las costumbres de los turcos e impidió que sean movidos hacia la conciencia aquellos ligados que habían sido asociados a la noticia recibida en Trafoi. Con la misma fuerza que quería olvidar el episodio de su paciente, se produce entonces una insistencia conciente en querer recordar el nombre Signorelli. Los nombres suplentes que surgen tienen concomitancia con los que Freud quería olvidar y con los que se estableció un enlace entre el nombre buscado y el tema reprimido, “muerte y sexualidad”.

Ahora veamos la cadena asociativa que facilitó esto, El nombre Signorelli está separado en dos fragmentos. De los pares de sílabas, uno retoma inmodificado en uno de los nombres sustitutivos (Botticelli), y el otro, gracias a la traducción Signor – Herr (señor), tomamúltiples y diversos vínculos con los nombres contenidos en el tema reprimido, y por eso mismo se perdió para la reproducción. Su sustituto se produjo como si se hubiera emprendido un desplazamiento a lo largo de la conexión de nombres Her- zegovina yBosnia.

Dentro de los dichos del paciente de su colega: “Herr (señor), no hay nada más que decir.”, ya se encuentran las palabras y nombres Bosnia, Herzegovina, Herr, que se van intercalando de forma asociativa en la serie Signorelli y Botticelli – Boltraffio. Y que pueden contribuir a la suma de una serie de términos sucesivos entre los cuales están también Signorelli y Botticelli –Boltraffio.

El otro nombre que aparece en segundo lugar en la conciencia luego de Botticelli, al buscar el de Signorelli, es el de Boltraffio que se asocia con el episodio que freud “quiere” sofocar y que se presenta unido a la segunda anécdota que busca contar y no lo hace por estar frente a un extraño, sobre la sexualidad de los turcos, asociado a esto el de su paciente que muere a causa de una enfermedad sexual.

Vemos también la conveniencia entre Trafoi (sitio donde se encontraba Freud en el momento de la noticia) y Bol-traffio.

Según Lacan en la conversación en el tren, Freud, no habla de otra cosa que no sea del fin de la potencia sexual.

Este texto que Freud escribe “El olvido de los nombres propios”, muestra claramente a partir del “mito” de Nietzsche de Dios a muerto, con el que coincide, el refugio que el autor encuentra contra la amenaza de castración. Y en estos mitos que tienen que ver con la muerte del padre Freud alcanzaría la regulación de su deseo, al decir de Lacan, el inconciente se manifiesta siempre como lo que vacila en un corte del sujeto, de donde vuelve a surgir un hallazgo, que Freud asimila al deseo.

La relación de freud con su padre nos lleva a recordar la pregunta que no alcanzó a responder y que no pudo sustraer el olvido, “ ¿Qué quiere una mujer? ”...

Bibliografía:

Freud Sigmund, “Psicopatología de la vida cotidiana”, “El olvido de nombres propios”, tomo VI, Obras Completas, 1901, Editorial Amorrortu.
Lacan Jacques, Seminario 11, “Los cuatro conceptos fundamentales del psicoanálisis”, Buenos Aires, Paidós, 2006.

El Infierno, Luca Signorelli. Capilla de San Brizio en la catedral de Orvieto.

2008-10-19T13:40:00.000-02:00

El privilegio de los artistasPor la Psicoanalista Gilda Palmieri

La libido insatisfecha que los seres humanos pueden tolerar es limitada, impele Freud en la número veintidós de las Conferencias de introducción al psicoanálisis.

Esta insatisfacción aparece, en las neurosis, a partir de una “frustración”, que, como factor externo, accidental, esto es que puede suceder o no, sumado al interno, una “fijación” libidinal de la pulsión, predisponen a la etiología de la neurosis. Sin olvidar el tercer factor, un “conflicto” psíquico, que proviene del yo y que generado por el primero que nombramos, hace que la libido pierda su satisfacción y busque otros caminos, que por su parte generarán “un gran enojo” en alguna otra parte de nosotros rechazando así estos nuevos recorridos, en donde en definitiva, empiezan “los preparativos” para el viaje hacia un síntoma, que hace su aparición como la “satisfacción sustituta” nueva.

Entiéndase que se contrae una neurosis cuando no se puede satisfacer la libido, es importante que para producir efectos patógenos la frustración recaiga sobre la única forma que se tiene de satisfacción en un ser humano.

Ante esta privación incoercible, hay personas que no llegan a enfermarse. Podemos señalar como asociado a este resultado que las pulsiones parciales de la sexualidad así como su aspiración sexual, a donde apunta la frustración, tienen la particularidad de poder reemplazarse, son “plásticas” y pueden mudar su objeto.

Existe un proceso de suma importancia cuando hablamos de un final acertado que resguarda a algunas personas de las afiladas garras que esconde la enfermedad.

El mismo tiene mucha importancia cultural y se llama Sublimación, lo que genera es que una aspiración sexual que es frustrada abandona su meta y adopta otra que se relaciona con la resignada, pero lo particular de ésta nueva es que es “social”. La privación es tramitada, en cierta parte por este proceso del que solo algunos, aunque no exclusivamente, pueden hacer uso con más facilidad. Aquí entonces nos detendremos en llamar a éstos, artistas, ellos mudan estas pulsiones parciales a partir de esta plasticidad.

Lo que sucede con el Arte es que es la única, de las tantas consecuencias y adaptaciones que siguen a la ausencia de la satisfacción esperada, que logra dar libre curso en la vida de la fantasía a los deseos eróticos y de ambición. Las demás no consiguen lograrlo como aquel. Ellas son, a partir del establecimiento del “principio de realidad”; la importancia de la conciencia, con sus funciones de atención y su sistema de registro junto con la memoria, y el proceso del pensar que se constituyo desde el representar, provocando la suspensión de la descarga motriz de la acción; el fantasear, los sueños diurnos; el período de latencia; la doctrina de la recompensa a partir de la renuncia a los placeres terrenales proyectándose luego en forma de mito, como se presenta en el modelo religioso.

El artista es alguien que no logra concordar con la renuncia a la satisfacción pulsional que la realidad le impone. Consigue la regresión a partir de su mundo de fantasía a la realidad con total impasibilidad al final del recorrido. A partir de ciertas capacidades llega (sustitución del principio del placer por el principio de realidad mediante) a “nuevas realidades”, con el resultado de sus obras consigue la “eternidad” y produce en el “hombre común” la admiración al creador, al héroe, que de otro modo hubiese sido, quizá, esquivado, quizá olvidado en su poquedad al decir social.

Bibliografía relacionada:

-Freud, Sigmund "Formulaciones sobre los dos principios del acaecer psíquico" (1911), Ed. Amorrortu.
-Freud, Sigmund "22° conferencia. Algunas perspectivas sobre el desarrollo y la regresión. Etiología. Ed. Amorrortu.

Para contactarse con la Psicoanalista Gilda Palmieri

Mail : gildapalmieri@hotmail.com

Consultorio Tel.: (011) 4774-7317

Entrevista a Fabio Martín Risso

2008-08-10T19:47:00.000-03:00

Entrevista a Fabio Martín Risso
Entre Sauces

¿Qué temáticas abordás en tu obra?Supongo que las universales desde un terreno íntimo y cotidiano: los deseos, los miedos, el amor, la vida, etc.

"ENTRE SAUCES"

Me gustaría que desarrolles la temática de tu última muestra“Entre Sauces” es el resultado de un proceso de más de un año de trabajo, el cual abarcóno sólo la parte del hacer plástico, sino un ejercicio constante de reflexión, concluyendo enla apuesta de un profundo desnudamiento. Fue el estudio interno del transcurrir de los días,ampliamente atravesado por el análisis transitado en estos últimos años. Implicó develardiversas “situaciones” de a momentos cohabitantes de una misma temporalidad. Cada imagenrelató una instancia particular: una posible o supuesta resolución tanto como estancamientos,dependiendo o no de su propio momento singular. Documentos pulsionales, funerales yrenacimientos, celebraciones y vaciamientos.Cada obra tiene la finalidad de marcar(me), no sólo desde el significado que esconden y más allá de su construcción visual, sino incluso en sus títulos ya que en esta oportunidad no juegan como desviadores de sentido, sino contrariamente intentan anclar.Igualmente, al momento de ser expuestas, elegí no incorporar sus nombres pretendiendo no ser conductista por denominar este instante de algún modo.Con respecto a analizar las obras, lo realizé y realizo, pero prefiero no hacerlo de un modo público porque en algún aspecto es quitarle el encanto.

"ESTAS"

¿Qué papel juegan para vos los elementos naturales que observamos en tus obras?Me interesa abordar esta pregunta desde dos ángulos, por un lado los elementos "naturales" ofigurativos, y por otro aquellos que son naturales en su composición (orgánicos).1 - Los elementos que evocan a la naturaleza muchas veces aparecen como piezasescenográficas dentro de la composición del cuadro, reforzando o enmarcando la situación o el objeto presentado. En esa calidad son meros componentes del paisaje, siempre elegidos, enprimer instancia convocados a dar cuerpo - marco en una finalidad mayor que es la obra en sutotalidad.En otra lectura, muchos de estos elementos figurativos que evocan a la naturaleza adquierenotro protagonismo, desplazándose ya de un carácter simplemente decorativo aunqueconservando cuantiosas veces su posición dentro de este territorio situacional. Es decir cobranentidad simbólica y o icónica.En otras oportunidades son protagonistas (centrales) dentro de la composición tal el casode "CAPULLOS". Son en estas instancias estandartes de doble lectura, por un lado representandeterminado elemento y por otro vía este mismo elemento simbolizan.2 - Los elementos orgánicos incorporados en la obra (pan rallado, sémola, pimentón, yerba,etc.) más allá de la calidad visual que busco al utilizarlos, tienen finalidad sutilmente simbólica.

"UMBANDA"

¿Quiénes son tus referentes artísticos?Muchos.Generalmente aquellos que despiertan mi admiración, no sólo por sus obras (no siempre eslo que más me atrae de un artista) sino por su transitar en la vida, por sus elecciones, por susconvicciones, por sus deseos de contar algo.Entre ellos Klimt, Schiele, Hundertwasser, El Bosco, Kahlo, Botero, sólo por mencionar algunasbestias.

"LA ESCUCHA"

¿Cómo definirías la estética de tus obras?Me atrevo a decir que siento el atravesamiento de diferentes movimientos estéticos desdesituacionalidades distantes, y no por tal motivo que esto se traduzca o transparente en mitrabajo. Considero que estos son el simbolismo, el surrealismo, el pop, el expresionismo, laabstracción, etc.No sólo me siento atravesado por movimientos del arte, sino por cuestiones más mundanasparticularmente la calle, la gente y los “modismos” que estas encapsulan.

¿Considerás que la estética y técnicas que utilizas están ligadas a los temas elegidos?Absolutamente.Podría decir que encuentro tres modos a los que siempre recurro (aunque estos últimamente van entrelazándose) aunque un cuarto siempre está latente y cada tanto se corporiza.En rasgos generales:1 - Líneas negras de contorno: meticuloso, controlado y “programado”. La intención al utilizar este recurso es marcar con mayor claridad.2 - Gestuales (carentes de líneas negras de contorno, no obsatnte algunas veces estasaparecen manteniendo la misma gestualidad que el resto del cuadro): “azaroso” einmediato.3 – Ensamble de líneas negras y gestualidad (imágenes cercanas a las realizadas con líneas negras de contorno, pero que en su construcción son realizados más libremente): gestualidad contenida.4 - Objetos – instalaciones: ensambles de piezas significativas.

"PARTIDA"

¿Cómo conectás las temáticas abordadas en tu obra con tu vida personal?Todo lo plasmado en mi producción está atravesado por mi vida, de otro modo sería imposible conectarme con el arte.

¿Cual es el motivo de la repetición de ciertos elementos en tus composiciones?MARCAR. Encontrar constantes en la repetición y también diferencias. Advertirme de ciertasevoluciones en los conceptos e ideas y muchas veces sorprenderme con lo que acontece.

"PASAJE SONÁMBULA" - " LA CONTEMPLACIÓN"

¿Cuál es tu punto de partida para concebir una serie de obras ó una obra?No suelo trabajar en serie en cuanto a formatos, estéticas y/o temáticas, sin embargo reconozco que mis dos últimas muestras "Camino a Dorothyo" (2008 - Galería Appetite) y "Entre Sauces" (2010 - Centro Cultural Recoleta) fueron trabajos de construcción más seriada y enlazada en cuanto a narrativa.La primera pudo leerse como serie por su formalidad modular y construcción de tema (cincoretratos frontales y tres paisajes).La segunda tuvo el encadenamiento aportado por la repetición de un elemento (mi autorretrato) y la temática.Al momento de elegir plasmar determinada cuestión parto de un deseo previo, algo que tiene

nacimiento en otro territorio y que toma cuerpo una vez concluido el trabajo. Respecto de esto último considero que la construcción no concluye en ese punto, contrariamente creo y siento que es la instancia donde comienza a suceder.

¿Cómo definirías las diferentes instancias de produción según sean para producción personal, para una muestra como Arteba ó para una muestra personal en el Recoleta como se dio recientemente?Mis instancias de producción son siempre de índole personal, no dependen de un factor externo, sino todo lo contrario. Estoy en constante trabajo y no sólo el que le atribuyo a un hacer manual. Crear implica en mi hacer sentir, pensar y plasmar la obra, e incluso luego dialogar con ella.

"MONTE COSTERO"

En éste despegue exitoso que hace unos pocos años dejó la facultad atrás, ¿cualescrees que han sido tus logros para hoy ver tu obra en galerías, ferias y centros culturales?Gracias. Creo que ser sincero, no dejarme influir por factores externos. Ser consciente de que las cosas llevan tiempo, teniendo en claro que quizá no todo lo conseguiré del modo que espero. Siendo paciente y principalmente respetuoso, comprometido y agradecido de mí elección pese a todo.Intentar ser una persona humilde y no distraerme por los deseos y o proyecciones del otro.

¿Qué le recomendarías a un potencial artista?Que sea honesto, que persiga sus sueños, que no se deje engañar por una aceptación orechazo, que ser artista no significa estar inmerso en un determinado mercado y mucho menosvender. Ante todo que no corrompa sus deseos.

"MI RIQUEZA"

¿Cómo ves la movida cultural bonaerense?

Siempre interesante, pese a toda la crítica negativa que pueda existir. La oferta es amplia yabarca variadas posibilidades.Refiriéndome al mercado del arte considero que sucede en él lo mismo que en cualquier otro,tiene sus cosas positivas y negativas.

¿Crees que el artista tiene responsabilidad, gracias a la gran sensibilidad que posee, encuestionar y "despertar conciencias" en el público en general, de temas que son tabúes,inconscientes, negados, reprimidos, etc. a través de su obra (como lo puede hacer unpsicólogo por ejemplo)?En cierto aspecto sí, pero la mayor responsabilidad está en uno al asumirse como artista y verqué hacer con esa elección. Siempre late la posibilidad de despertar algo en el otro, y eso esbello en cualquier aspecto. Una obra no sólo se construye de un hacedor y su resultado, sinorealmente creo que la misma se consolida al ser entregada para la lectura y disfrute de un otro externo.

¿ A vos que te gustaría que le llegué al espectador?Un mensaje donde otro pueda sentirse reflejado, identificado. Mostrar que desde cierta simpleza se puede contar y no por eso estar vacío de contenido.

"EL REGRESO"

¿En dónde podemos ver tu obra?Hasta julio de este año pudo verse en permanente exhibición en la Galería Appetite dirigida por Daniela Luna (Chacabuco 551). Pertenecí a este espacio desde sus inicios hace cinco años atrás aproximadamente.Sitios web:http://fabiorissoysusfotosmalasdeobrasbuenas.blogspot.com/http://entretiemposbibujo.blogspot.com/http://boladenieve.org.ar/node/171http://www.whohub.com/rissofabio

Entrevista realizada por la Prof. Andrea Salman

Entrevista a Esteban González Garza

2008-07-27T20:41:00.000-03:00

Les presentamos a Esteban González Garza, un artísta que ha estudiado con grandes maestros como Rafael Martín, Miguel Harte, Alberto Goldesntein, Claudia Aranovich y Leo Vinci entre otros.

Del que cree y espera

¿En qué ramas artísticas te desarrollás?
Hago esculturas y objetos en distintos materiales y hace ya un par de años también me estoy dedicando a la fotografía. Por otro lado me interesa el cine y el video arte. Creo que todo depende de lo que uno quiera comunicar o expresar, entonces elije el medio que mejor se adapta a la idea.

Caricias Sinuosas

¿Cómo fue tu acercamiento al arte?
Ya de chico me intereso al arte y me daba mucha curiosidad ver a los artistas, saber que pensaban, como vivían, que decían. Así que cuando terminé la secundaria me anoté en la ESAV y en la Escuela de Teatro. Estaba fascinado, sentí que se me abría un mundo nuevo y estaba ansioso por explorarlo. En el transcurso de mi formación fui probando distintos medios de expresión, dibujo, pintura, escultura, creo que rescato eso de la Escuela de Arte, es que uno tiene la posibilidad de conocer diferentes técnicas y luego uno puede elegir cual le interesa más. A mi me interesó la escultura, por la posibilidad de utilizar el espacio real como medio de expresión, el volumen. Es como que la escultura es más “real”, algo que uno puede tocar y sentir epidérmicamente, pensándolo un poco más, en un punto es como un poco más “primitivo”, si se quiere, por que con una pintura uno también siente, pero a mi nunca me dio por tocar una pintura, en cambio muchas veces sentí un deseo de tocar una escultura, sentir el material, la forma, el volumen, sentir la obra desde lo físico.
Ya teniendo esto más claro, comencé a concentrarme en el conocimiento propio de la técnica escultórica y la búsqueda de la imagen propia. Así fue que comencé en el taller de Rafael Martín, donde tuve la posibilidad de trabajar sobre lo que me interesaba decir, lo que me interesaba comunicar de una manera personal, genuina y utilizando el material que mejor se adapte. En ese sentido la arcilla es un material “noble” por las posibilidades que brinda a quien comienza a utilizar el volumen.
Más tarde me interesó explorar otras técnicas escultóricas, así que concurrí al taller de Leo Vinci, en Capital Federal. Y allí se trabajaba en gran tamaño y con técnicas más complejas, como moldes de caucho de siliconas, vaciados, tallas etc. Y Leo nos hacia hincapié en las formas de la naturaleza, que observemos el volumen en la naturaleza, que determinadas formas se repiten desde lo microscópico a lo macroscópico, que hay una relación y hay un todo organizado.
Luego concurrí al Taller de Claudia Aranovich, también en capital, allí mi interés residía en el conocimiento de la Resina y como trabajar con ella.

¿Cómo describirías tu obra?
Mi obra es mayormente figurativa, me interesa el cuerpo humano como canal expresivo, creo que uno puede decir mucho con la mirada, con el lenguaje del cuerpo y las manos, y sobre todo si uno puede no respetar con exactitud la figura humana y puede exagerar determinados rasgos para poder comunicar o transmitir una idea.

¿Qué referentes artísticos te interesan?
Me interesan las obras de los artistas que hablen de su tiempo, de lo que les esta pasando, de los que se involucran con su presente, de los que corren su punto vista, y buscan mostrarnos eso que está tan a la vista que no logramos verlo, de los que quieran comunicar algo propio, genuino y de una de una manera original y creativa. Me interesa el mundo del artista, eso es lo que me fascina, la posibilidad del artista de crear mundos. Me gusta el mundo León Ferrari, el mundo Pablo Suarez, el mundo Miguel Harte, el mundo Maresca, el mundo El Bosco, el mundo David Lynch.

Mutatis Mutandis III

¿En la actualidad en qué proyectos estás trabajando?
Ahora estoy concurriendo a tomar clases con Miguel Harte, en su taller de Barracas. Haciendo obra pequeña, trabajando con moldes y resina.
Y recientemente terminamos con Guillermo Morelli, una escultura en homenaje a unos chicos que fueron fusilados en Bahía Blanca en el terrorismo de estado de los 70, que va a ir emplazada en la Plaza 4 de Septiembre de Bahía Blanca. Para nosotros fue un desafío y un honor poder realizar esta escultura. Para todos los que estamos vinculados con el proyecto de la Plaza 4 de Septiembre, emplazar la escultura, es como dejar una señal, un recordatorio de lo que pasó, y de lo que les pasó a estos jóvenes por pensar diferente, ser coherentes con ellos mismos y luchar por un mundo más justo.

Sabré recorrerte

Contacto: ban_lez@hotmail.com

Entrevista a Franco Fasoli JAZ

2008-07-22T20:14:00.000-03:00

Entrevista a Franco Fasoli

Por la Prof. Andrea Salman

Franco Fasoli, más conocido como Jaz, es escenógrafo, grafitero y muralista.
Franco nace en Buenos Aires el 29 de noviembre de 1981. Estudia cerámica y pintura desde corta edad y dibujo con el ilustrador Ruben Meriggi. Escenografia en el Instituto del Teatro Colon y Pintura en el Taller de Jose A. Marchi.

Desde 1999 realiza murales e intervenciones urbanas en la ciudad de Buenos Aires y el exterior Festival Kosmopolite (05/07 Paris-Francia), Festival de Muralismo en la ciudad de Cosenza (Strade del Paessagio 08 Cosenza – Italia), Muestra grupal Graffiti Mundo (09 Galeria L inc Bs.As.) entre otros.

¿Con qué materiales realizas tus pinturas murales?
Hoy día la gran mayoría los hago sobre una base de látex o cal y sobre eso con aerosol y pintura asfáltica.

¿Qué temáticas representas?
Principalmente hoy estoy trabajando sobre violencia o tipos de violencia ritual, peleas o encuentros violentos que van mas allá que la pelea por la simple pelea, sino que tienen un contenido en el enfrentamiento. En varios casos las peleas son festividades obligadas todos los años ya sea para ayudar en las cosechas, para mantener la paz entre los pueblos o para que llueva.

¿Junto a quien has realizado murales?
La verdad que con muchísima gente, esto es siempre o casi siempre un trabajo colectivo , por más que cada uno trabaje su imagen por separado, acá en Buenos Aires pinte con casi toda la generación de graffiteros y gente del arte urbano en general y con mucha gente del extranjero que viene a la ciudad a buscar grandes paredes y tranquilidad para pintarlas.

¿Cuánto tiempo dura el proceso de realización de los murales? ¿Y cuánto tiempo antes trabajas en la planificación?
La realización es bastante rápida, esa es mi idea además, trato de hacerlos muy rápido y que eso se note, pocas veces tomo más de 2 días para hacer una pared. El proceso para llegar a la imagen si tarda muchas veces más que la realización, pero siempre me gusto trabajar rápido.

¿Trabajás con bocetos?
A veces

¿Como es la interacción con el público?
Siempre es buena , muy variada pero buena , es difícil que a la gente no le guste que tomes tu tiempo y tu plata para hacer algo que queda para la ciudad , es divertido escuchar las interpretaciones que hace la gente sobre tus trabajos y el interés que ponen, por más que no entiendan lo que estás haciendo.

¿Contanos acerca del proyecto del CCEBA?
Fue muy rápido todo, en Febrero le presentamos el proyecto al CCEBA junto a Fernando Brizuela y nos dieron el ok inmediatamente, y de ahí fue una maratón para contactar a toda la gente del extranjero, los materiales, acondicionar el espacio para trabajar, fueron más de 35 personas trabajando al mismo tiempo cada una con un proyecto especifico para el lugar que le fue dado, pero por suerte salió redondo, a los artistas les gusto mucho la experiencia de la residencia y al publico la obra final.

contacto: fasolif@gmail.com

Entrevista a Luciana Ferraro

2008-06-25T14:50:00.000-03:00

Luciana FERRARO
Artista visual nacida en Bahía Blanca, Buenos Aires (Argentina) 2/5/1980 Licenciada y Profesora de Artes Plásticas egresada de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de la Plata. Realizó el Posgrado de Especialización en Lenguajes Artísticos Combinados en el (IUNA). Y desde el 2003 expone obra Visual y plástica, desde 2006 trabaja en obras interdisciplinarias junto a grupos de danza y de intervención sonora. Se formó junto a artistas y teóricos destacados como Mireya Baglietto, Valeria González, María Laura Rosa y Alejandro Quinteros, entre otros.
Ha realizado exposiciones en: UNLP, UNQ, Galería Méridion, C.C.Recoleta, Casa Esópica (B.Blanca), espacio “Una Casa”, La Noche de los Museos (museo de calcos Ernesto de la Cárcova), la Semana del Arte Contemporáneo Mar del Plata y en la Sala de exposiciones-Municipio de Pigüè.

Luciana nos cuenta sobre sus instalaciones espaciales.

¿En que te inspiras para el proceso creativo?

La obra surge desde una percepción personal. El tema que subyace en mis últimas producciones es sobre la trama, la configuración de realidades compartidas.

En este aspecto trabajo desde un lugar que linda con lo abstracto y con la frescura de la organicidad que va del micro al macro cosmos. Me interesa trabajar también con la posibilidad de incluir activamente al otro dentro de la obra.

¿Cuáles son las tácticas o técnicas que usas?

Trabajo en la propuesta y la elaboro desde una visión particular donde vincular las materialidades y los sentidos. Principalmente busco que la idea/obra (que ha surgido de mi propio proceso) me utilice como canal para su manifestación y aquí entra también la elección de los materiales y técnicas. Esto no excluye la toma continua de decisiones pero sí las orienta hacia un punto determinado.

Me encontré por ejemplo yendo desde la virtualidad del pixel como célula de la imagen digital a la palabra como eslabón unidad de la cadena de construcción de sentido, fragmentando la imagen, proyectándola en espejos e involucrando al público en su reconfiguración.

Para el desarrollo de un proyecto utilizo espacios y técnicas que me gustaría denominar como de sincronización con la idea/obra, y van desde el análisis conceptual a la experimentación o el dialogo directo con el material.

El soporte y la técnica se convierten en una materialidad más desde la cual construir el sentido, incluidas las posibilidades que brindan las tecnologías al arte. Mi intención es que la propuesta guarde sus propias condiciones y estas surjan del mismo proceso.

¿Cómo tomaste la decisión de plantear instalaciones en lugar de muestras más convencionales?

Bueno en el caso de la instalación Mapas Sobre el Territorio, allí confluye mi experiencia plástica en dibujo tradicional con exploraciones espaciales y de vínculo desde lo interdisciplinario. Con la instalación o la intervención tengo la intención de acortar o al menos reformular la distancia entre el espectador y la obra. Es un formato que me da la posibilidad de abrir el objeto tradicional e involucrar el entorno y el cuero del espectador. Me interesa esa coexistencia porque me permite buscar nuevos vínculos y sentidos, relacionar interior y exterior o espacio simbólico (obra) y espacio real.

Cuando en la instalación propongo la acción del público es con la idea de darle lugar a la sensibilidad creativa del espectador. Surge de una motivación por incluir al otro que se relaciona con el tema de la construcción de realidades compartidas.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Sigo en el terreno de la instalación y con trabajos en formato bidimensional también. En estos momentos me interesa atender el sentido de la obra como vehículo de sanación energética, en sentido interpersonal también. Además me encuentro trabajando en proyectos con similares lineamientos y objetivos como parte de un colectivo interdisciplinario; y prontamente, terminando de armar un seminario/taller sobre creatividad y percepción.

ferraro.lu@gmail.com
http://lucianaferraro.blogspot.com

Entrevista a Norma Pagliaro

2008-06-16T09:32:00.000-03:00

Entrevista a la talentosa artista Norma Pagliaro

Por la Prof. Andrea Salman

Norma junto a Gilda, la periodista platense que realizó el cruce de los andes.

Obra: Travesía de una platense por la ruta sanmartiniana.Técnica: acrílico s/ tela. Medidas 70 X 90

Norma Beatriz Tartarini de Pagliaro, nació en La Plata. Cursó el ciclo básico en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad, con los maestros Marín, Raúl Bongiorno, Soria, Aliberti, Marta Girard.
Estudio durante diez años, desde 1989, con el Maestro Carlos Pacheco en el Atelier “Viejo Molino”, en donde realizó cursos de visión, técnica de color (completo), espacio, composición, etc.
Realizó numerosas muestras colectivas e individuales.
Obra: Exodo
Técnica: acrílico s/ tela. Medidas 70 X 90

Cómo fue tu acercamiento al arte?
Norma Pagliaro nos cuenta que dibujó y pinto desde muy pequeña en sus cuadernos y carpetas, volcaba esa incipiente vocación ilustrando, cuando el tema se lo permitía absolutamente todo, desde carátulas hasta los mapas, los detallaba en tinta china y daba color. Siempre dibujó, le gustaba todo, pero siempre sintió la necesidad de plasmar la expresión de los rostros, la mirada, que es un poco reflejo del alma.
Estando en 3er. Grado, asistió a la Escuela de Bellas Artes de su ciudad y cursó todo el ciclo básico durante cuatro años con grandes maestros. Estudió dibujó, pintura y modelado. Al terminar Bellas Artes, también terminaba la escuela primaria, y como fue abanderada, le recomendaron a sus padres seguir magisterio. En realidad tendría que haber seguido en Bellas Artes el bachillerato y luego la facultad, pero bueno así se dieron las cosas.

No obstante siempre siguió dibujando. Luego se casó y Dios bendijo su hogar con tres hijos que son su vida. Cuando sus hijos estaban encaminados, decidió estudiar dibujo y pintura, así fue que en al año 1989 por recomendación del Dr. Osvaldo Nessi (Prof. de Historia del Arte), asistió al taller “Atelier Viejo Molino”, de su querido y admirado maestro, Carlos Pacheco, durante diez años, donde empezó a realizar muestras colectivas desde el año 1990. Allí, si no tenías necesidad y amor por aprender, dejabas por decantación, pues empezabas de cero, con humildad, y esa sed de conocimientos, muy riguroso, pero así se aprende. Que en realidad, nunca se sabe todo, siempre hay que seguir superándose, cuando se termina una obra, que son un poco hijos, siempre se piensa en la siguiente y quizás con más fuerza.

Demás está decir que ama toda expresión de Arte, y es muy melómana, mientras pinta le gusta escuchar un buen concierto, u ópera.

Obra: Llegada a hacer la América

Técnica: acrílico s/ tela. Medidas 70 X 80

Cuáles son tus referentes?
mis referentes artísticos, que difícil! Desde el Renacimiento, por nombrar Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Rembrandt, Velázquez, todos los impresionistas, Turner, Rodin, Zorolla, Picasso, De la Cárcova, Berni, Roux, Alonso, Lescano, etc, en fin son muchos.

En qué técnica trabajas?
Acrílico sobre tela. También con óleo.

Obra: Mujer Mapuche II

Técnica: acrílico s/ tela. Medidas 70 X 80

Qué temáticas abordas en tus trabajos?
El problema social, los inmigrantes, últimamente pinté sobre los mapuches y tres cuadros sobre el Bicentenario. Siempre reflejando en los rostros la problemática del tema.
También he pintado bodegones. En cuanto al paisaje, me gusta, pero pienso que hay que pintarlo en el lugar, o por lo menos bocetar y tomar notas de valores y colores y luego terminarlo en taller. No obstante reconozco que la figura humana lo que más me atrae.

Obra: Ay! Patria querida! (Bicentenario)
Técnica: acrílico s/ tela. Medidas 70 X 90

En qué proyecto estás trabajando actualmente?
Anécdota: Estaba terminando de trabajar para esta muestra sobre el tema del Bicentenario, cuando vio en la tapa del suplemento del Diario El Día la foto una periodista platense que cruzó la ruta sanmartiniana a lomo de mula, le gustó para redondear el tema de la muestra.
Así es cómo surgió mi último trabajo. Casi finalizando el cuadro me contacté con esta periodista a través del Diario. Me dio una gran alegría, ya que vino a la muestra en compañía de su madre. Y en ella nos contó los detalles de esta emocionante travesía. Y de allí en más nació nuestra amistad.
En cuanto a proyectos recién levanté la muestra del Museo del Servicio Penitenciario. Trabajé todo el verano para esta muestra y por supuesto que ya estoy proyectando y ponerme a trabajar con muchas fuerzas. Tengo invitaciones para exponer, pero no he concretado nada aún.

Entrevista a Andrés Zerneri

2008-06-07T16:27:00.000-03:00

Andrés Zerneri es un artista argentino que se destacó desde muy temprana edad en las técnicas del dibujo, la pintura y la escultura sin haber pasado por escuela, instituto o taller de arte alguno. Consideró como sinónimos las palabras, arte, comunicación, militancia y expresión. Participó en la agrupación H.I.J.O.S. De perfil poco comercial, realizó numerosas muestras en Tour, Paris Stuttgart, Karlsruhe y Buenos Aires, ganando las distinciones más prestigiosas como escenógrafo y premios en el país y en el exterior.

Es autor del primer monumento de bronce a Ernesto Che Guevara en la Argentina; obra que se realizó con la colaboración de miles de personas que aportaron llaves y otros objetos de bronce, que terminaron fundiéndose para realizar la escultura del legendario guerrillero en la ciudad de Rosario el 14 de junio del 2008, año en que el Che cumpliría su 80 aniversario.

Siete meses después, enfrenta un nuevo desafío, que supera en términos cuantitativos a aquella escultura, se trata del monumento a la Mujer Originaria, con más del doble de altura y peso, la intención es, hacer otra colecta de llaves, con ellas cubrir el costo de la obra e inaugurarla en el marco de las celebraciones por el bicentenario de nuestra independencia en el 2010.

Monumento a la Mujer Originaria

Qué Tras a la masiva campaña de recolección de llaves que hizo realidad al primer monumento de bronce a Ernesto Che Guevara en Argentina, inaugurado el 14 de junio de 2008 en la ciudad de Rosario, nos proponemos un desafío mayor en términos cuantitativos, bajo la misma estructura organizativa y apelando a la solidaridad de una gran cantidad de personas de todo el país y el exterior. La construcción del "Monumento a los Pueblos Originarios", simbolizados en la figura de una mujer de 10 metros y varias toneladas de bronce solidario, será una nativa en su entorno natural, íntimamente ligada a la Pachamama. La fuerte mención a la vida que representa esa figura es el concepto central. La resistencia indígena y su renacer en todas las naciones hermanas estarán reflejados en la Wiphala, enarbolada orgullosamente en sus brazos.

Por qué Vemos al arte colectivo como un generador de actos simbólicos que inspiran cambios de conciencia necesarios para consolidar modificaciones a nivel social. Es importante que la misma ciudadanía se reapropie de lo público y de nuestra historia, asumiendo un rol participativo y protagónico.

Para qué Creemos necesario que en el marco de los festejos de nuestra independencia se haga un reconocimiento a nuestros pueblos originarios, en un acto que signe con firmeza un cambio de actitud respecto a nuestra identidad como país, a quiénes somos, ligando la reafirmación de los derechos humanos con la construcción de un espacio, con lo que nace, con la vida, con la memoria y con la fuerza de lo que se crea colectivamente.

El arte es una herramienta para ello: la construcción de nuestra memoria histórica nos permitirá revisar aspectos del pasado aún no resueltos. Reivindicar los más de 500 años de ardua resistencia contra la conquista y la explotación, recordar a las tribus diezmadas y exterminadas en la Patagonia a manos del sable militar subordinado al modelo agroexportador pro británico, revalorar la cosmovisión indígena de respeto hacia todo lo vivo en absoluta armonía con la madre naturaleza, y acompañar desde el sur del continente el vigoroso renacer nativo de nuestra Patria Grande.

Quiénes Encabezan el proyecto el artista plástico Andrés Zerneri, autor de la segunda escultura al Comandante Che Guevara en nuestra América y el Caribe, después de la emplazada en Cuba, junto al reconocido historiador Osvaldo Bayer, quien fue mentor de la idea.

Cómo Convocando a miles de personas para que aporten llaves u otros objetos de bronce en los centros de acopio que se constituirán en distintas provincias, escuelas, bibliotecas, clubes, sindicatos, fabricas, etc. Será de mucha ayuda la participación de los maestros en las escuelas para que convoquen a sus alumnos a participar. Es importante que el pueblo se sienta co-autor de esta expresión artística, dándole la categoría de La obra popular y colectiva del Bicentenario.

Dónde Contemplamos donar la proyectada escultura a la ciudad de Buenos Aires, con la condición que sea emplazada en reemplazo de la figura ecuestre del Gral. Roca, responsable del asesinato de cientos de miles de originarios en la Patagonia. Si por diversos motivos insalvables no fuese posible emplazarla en ese lugar y ésta fuera destinada a otro sitio público, la consideraríamos una obra inconclusa y bregaremos junto a las fuerzas populares por trasladarla cuando la coyuntura política y las herramientas legislativas nos lo permitan.

Cuándo Nos proponemos un reto inaugurar la escultura en octubre de 2010, en el marco del Bicentenario de la Revolución de Mayo. Estamos convencidos que con el apoyo de organizaciones indígenas, Derechos Humanos y la voluntad popular lo lograremos.

Todos pueden participar ayudando a difundir este proyecto o acercando llaves u otros elementos de bronce al taller del artista plástico Andrés Zerneri en Cabrera 3653 - Palermo Viejo, Buenos Aires, los Sábados de 9 a 20hs. - Tel: 4862-8051
mail: zerneria@hotmail.com
ó a tu centro de acopio cercano:
http://www.mujeroriginaria.com.ar/centros_de_acopio.php

www.andreszerneri.com.ar

www.mujeroriginaria.com.ar

Entrevista a Rocio Colman Serra

2008-06-06T12:41:00.000-03:00

Rocío Colman Serra (artista plástica)

Rocío nace en la ciudad de La Plata en 1981. En 1986 su familia se muda a la localidad de Mar de Ajó, y allí vive hasta terminar la escuela secundaria. En el año 2000 ingresa a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, donde estudia por dos años, hasta que por motivos personales decide mudarse a la ciudad de Mar del Plata. Allí estudia la carrera de Tecnicatura en Esmalte sobre Metales en la Escuela Superior de Cerámica Rogelio Yrurtia y comienza a perfeccionarse en pintura, dibujo y escultura en el taller del artista plástico marplatense Eduardo Minardi. En 2005 obtiene el título de Técnico Superior Esmaltador. Actualmente está terminando el Profesorado en Letras en la Universidad Nacional de Mar del Plata.

En todos estos años ha realizado numerosas exposiciones individuales y grupales, y le han otorgado diferentes premios y menciones.

Rocio nos cuenta sobre de su forma de trabajar:

¿Qué técnicas utilizás?

En mis últimos trabajos estoy pintando exclusivamente al óleo, que a diferencia del acrílico, me permite trabajar con más intensidad el detalle y volver una y otra vez sobre la obra.

El primer paso antes de comenzar la obra tiene que ver más bien con una reflexión personal: inquietudes que me movilizan a crear una imagen que me satisfaga intelectualmente. La serie de las nenas con las rayuelas, está relacionada con una búsqueda interior que me conecte con los recovecos del recuerdo y la niñez. A su vez, tiene una motivación si se quiere más metafísica, ya que nace de una intención de encontrar aquél punto de contacto entre mi abuela materna, mi madre y yo: desde un plano exclusivamente femenino apunto a observar ciertos aspectos que se repiten y se renuevan en cada una de las individualidades.

El segundo paso en mi proceso creativo es tomar una serie de fotografías (las niñas son los personajes de las pinturas, pero también me resulta operativo fotografiar diferentes texturas para incorporar a los distintos planos del fondo), que luego se digitalizan y modifican en la computadora (contraste, tono, intensidad, etc.) y que me sirven como modelo para el boceto previo.

Cuando tengo el boceto listo y me satisface plenamente, lo paso a la tela y recién en ese momento comienzo a pintar.

¿De qué manera influye la literatura en tu arte?

Creo que entre el lenguaje literario y el lenguaje plástico existen muchas semejanzas, y que a su vez, gracias a las características propias de cada disciplina, se complementan perfectamente. Me interesan mucho la crítica literaria y la filosofía como textos disparadores de la imaginación para la creación de nuevas obras.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Continúo con esta última serie de las nenas, pero buscando un giro más individual, con más hincapié en lo femenino, a través de texturas que establecen un contacto con el mundo de la moda y los diseños.

También mis pinturas están sirviendo como punto de partida para una antología de la que van a participar diferentes escritores argentinos, y que esperamos poder publicar en octubre de este año.

Además junto con otros dos artistas plásticos marplatenses (Martín Cigara y Daniela Ramirez) estamos trabajando en un proyecto de pintura mural en los barrios periféricos, con la intención de acercar el arte a todos los barrios. Si bien está sólo en sus inicios, estamos muy entusiasmados con esta movida.

Contacto:

e-mail: rocio.colmanserra@gmail.com

blog: www.rociocolmanserra.blogspot.com

Entrevista a Julio Ibarra

2008-06-03T21:24:00.000-03:00

Julio Ibarra

Dibujante, Pintor, ilustrador y caricaturista argentino. - Nació en Buenos Aires el 16 de mayo de 1974. Realizó talleres de pintura y dibujo en "Casa de Cultura Americana". Obtuvo los títulos de Maestro Nacional de Cerámica y de Maestro Nacional de dibujo en La Escuela Manuel Belgrano. Trabajó con modelo vivo durante diez años en Estímulo de Bellas Artes. - Asistió a los talleres de caricatura en la Escuela Garaycochea. - Pertenece a la Asociación de Dibujantes Argentinos. - Realizó la animación de "El Sodero de mi Vida" para Pol-ka producciones y “Survivors” para Discovery Channel - Ha trabajado como ilustrador y caricaturista en medios gráficos como "El Pasajero de la Cultura”, “El Sur También se ríe”, “El Este Rionegrino”, “FDH - Fuera de Hora”, "Simi Informa" de México “Buenos Aires Libre” y actualmente publica en “Revista Sudestada”. Ha realizado la ilustración de tapa del libro “El Faro”, editado por ADA. - Ha ejercido como profesor de caricaturas en el Museo Severo Vaccaro. - Durante su desarrollo artístico ha realizado más de 50 exposiciones y obtenido diversos premios y menciones en salones y concursos. Sus obras se encuentran en distintos países (España, Francia, Rumania, Alemania, Canadá, Estados Unidos, Irlanda, Costa Rica).

El silencio de los inocentes

El talentosisimo Julio Ibarra nos acerca al divertido mundo de la caricatura y nos cuenta los detalles de su trabajo

¿Que técnicas utilizas en tus trabajos?

Utilizo técnicas variadas según lo que necesite el trabajo que quiera realizar. Las técnicas que utilizo por ejemplo en mis caricaturas son: lápices de grafito y color, pastel, acuarela y acrílico. Comienzo con lápiz para los bocetos o trabajos en grises. Tanto el lápiz como los lápices de colores, lo que me obligan es a detenerme más en las formas, en los detalles, a generar más un tema volumétrico a través de las sombras. Con estos materiales uno se detiene un poco más en la imagen, logrando un mayor pulido.

La acuarela sola permite un grado de plasticidad en el cual genero manchas a través de la aguada. Casi siempre superpongo los lápices con la acuarela logando un efecto de integración entre los planos sombreados. El acrílico lo utilizo como último recurso, para detalles y grandes contraste, todo en forma aguada, ya que este material de por si es muy cubriente.

Dr.House

¿Como encarás los trabajos? ¿Trabajás a partir de fotografías?

Los trabajos los empiezo con un boceto previo, con un sombreado ligeramente rápido, justamente para acercarme al personaje retratado. Necesito estudiarlo, estudiar el rostro frente y perfil preferentemente para entender bien la forma y los volúmenes. Luego de esto, una vez que dibujo en lápiz con grandes trazos, acercándome hacia la estructura, paso a la parte más compleja de encontrar el volumen trabajando por capas. Estas capas empiezan demasiado suaves y después se van contrastando cada vez más, hasta encontrar bien el efecto volumétrico. En el caso de que la caricatura sea a color, logro con ellas una yuxtaposición de colores generando volumen.

Cuando me encargan un trabajo, normalmente los realizo a través de una fotografía, salvo cuando dibujo en vivo en eventos sociales ya que en ese caso se realizan los dibujos de todos los invitados en el momento. Pero hablemos de la fotografía, ya que este es otro tema.

La fotografía me da la posibilidad de un punto de partida. Siempre pido que me envíen una fotografía 3/4 perfil, y esto no es algo arbitrario. Las fotos ¾ perfil son las ideales tanto para realizar un retrato como para una caricatura, ya que permiten ver parte del frente y parte del perfil de la persona, entender un poco más cómo son sus rasgos, estudiando desde el volumen y la forma en general. Hay distintas posibilidades en el rostro que no se perciben a primera vista sino que se tienen que llegar a entender. En el caso de mis dibujos, para buscar algo aproximado, necesito estudiarlo desde la parte geométrica. La geometría me permite encontrar más rápido una forma en general. Hay formas geométricas en el rostro humano, tanto en la forma general de la cabeza como en la parte interna hay formas más redondeadas, triangulares y cuadradas. Se requiere un tiempo de convencimiento para encontrar una forma que a uno le agrade y llevarla al dibujo. Hay veces que se puede encontrar más rápidamente y otras veces el proceso es más lento y requiere de varios intentos y bocetos, dependiendo de la complejidad.

Una vez que encuentro una forma que me convence, paso a un pulido con materiales que tienen que ver con la técnica, por ejemplo los lápices de colores.

Quiero que la fotografía sea simplemente una escusa, pero el personaje tiene que seguir manteniendo su fisonomía intacta, así como su parecido. Lo que trato es de darle un acento mío, personalizando ese rostro para salir un poco de la fotografía dándole un margen a mi imaginación. La caricatura tiene que ver con algo mío, ya que es una interpretación y una manera de ver mía. Para que sea la fotografía, preferiría sacarle una foto y listo. La foto da una posibilidad, pero uno tiene que hacer el resto, tiene que tratar de divertirse, de que el personaje que estamos dibujando nos genere algo. Puede resultar algo más dramático o más alegre según lo que trasmita el personaje a retratar. A veces la interpretación es más libre que otras. Si me piden un encargo, trato de sacar la cara tal cual es, dentro de lo que me permite la caricatura. En los encargos hay un compromiso económico, hay que tratar de hacerlo con cierta benevolencia para evitar ofender y crear un clima simpático en el dibujo. Si tiene los dientes exagerados se los voy a hacer, pero la idea no es buscar la maldad en la caricatura sino tratar de que genere algo.

En el caso mío, a veces realizo caricaturas mas exageradas, pero no llego a la exageración de la “caricatura extrema”. Me divierte la caricatura que explota por todos lados, creo que aprender a reírse de uno mismo y de nuestros defectos físicos. Por ejemplo, yo tengo una gran cantidad de caricaturas que me han realizado amigos y colegas y al principio no me veía parecido, pero después noté que casi todas las formas que habían hecho cada uno de los dibujantes tenían relación entre sí y que ése era mi verdadero rostro y no la imagen mental que yo tenía de mi mismo, así que volvimos a ser amigos de nuevo (risas).

Stalin y Trotzky

¿Cual es tu concepto de caricatura?

La caricatura a mi parecer es una forma de interpretar la realidad según nuestra visión, creando un mundo propio.

Franz Kafka

¿Qué personalidades te interesan a la hora de retratar?

Las personalidades pueden ser muchas, desde músicos, pintores, escritores, los mediáticos que aparecen en la tele y son muy divertidos ya que trasmiten la parte decadente del ser humano y cultura de masas. Una vez expuse varios de mis trabajos de pintores, músicos y artistas en general y la gente se detuvo más en ver el personaje de Zulma Lobato que había realizado satíricamente que el resto de los personajes con gran peso cultural. Los pintores son los que más me gusta retratar, tengo toda una colección de caricaturas que fui realizando a lo largo de los años, ya que para mi la pintura es una cuenta pendiente en mi vida. Cuando realizo a un pintor, un músico o escritor trato de meterlo en su contexto y dentro de un ambiente físico, que no sea sólo una cara, sino que la cara sea parte de un todo en el dibujo.

Zulma Lobato

¿En qué te basás para elegir el personaje en caso de que no sea un encargo?

Lo elijo por lo que me trasmite el personaje y su contexto, según lo que me genere. Cada personaje tiene una vida y esa vida uno la puede interpretar de distintas maneras. Si hago un tanguero voy a tratar de darle el carácter alicaído y el clima melancólico que merece. Si realizo a un pintor busco el clima de atellier, el mundo que vivió o elementos de su vida cotidiana.

A veces elijo por personaje y otras por serie, por ejemplo “actores”, “escritores”, etc. Otras simplemente necesito dibujarlas.

Russell Crowe

En qué proyectos trabajás actualmente?

Estoy por suerte con muchos encargos de trabajo pero en varios proyectos, algunos tienen que ver con la caricatura, otros con el humor gráfico y otros con la ilustración. Con respecto a la caricatura, que es lo que estamos hablando, estoy en el proyecto de hacer un libro con mis caricaturas.

Web: http://www.julioibarra.com.ar

Blog: http://julioibarracaricaturas.blogspot.com/

e-mail: info@julioibarra.com.ar

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