arteactualidad

La noche de los Museos

2010-05-14T01:52:00.000+02:00

El día 15 de mayo se celebra en Europa la Noche de los Museos en la que museos de toda España, Francia, Alemania, Italia, Rusia, Portugal, Austria o Polonia no sólo abrirán sus puertas en horario nocturno extraordinario sino que además ofrecerán al visitante un sinfin de actividades que tendrán continuidad el Día Internacional de los Museos, el 18 de mayo.

El Festival Cosplay del MNAD, la visita guiada a la Biblioteca Nacional, al Museo del Traje, al del Prado, Sorolla y el Templo de Debod, Danzas Africanas en el Museo Nacional de Antropología, visitas guiadas organizadas por jóvenes científicos en el Museo Arqueológico Nacional y danza, teatro y poesía, música en el Museo Romántico son las actividades con las que la capital animará tan señalada noche.

Arte Sonoro

2010-05-09T16:06:00.009+02:00

La Casa Encendida presenta la exposición Arte Sonoro hasta el 13 de junio. Una propuesta en la que han participado artistas nacionales e internacionales que recoge su trabajo durante los últimos diez años. Además, se incluyen talleres relacionados y se van a ir desarrollando con motivo de la muestra distintos eventos.

La Casa Encendida acoge en distintos sitios las representaciones artísticas de esta exposición, ya sea en las salas como en la terraza; otros escenarios tales como El jardín del Observatorio de la Colina de las Ciencias también colaboran albergando otras obras de artistas como Steve Roden o Dawn Scarfe.

Dentro de la Casa Encendida se halla en el vetíbulo la obra Between forms of representation and interpretation, 2005 de Andrés Ramírez Gaviria, que nos da paso a la sala A . Dentro se produce un juego entre la luz y la oscuridad en relación con el sonido, la creadora de esta obra es Angela Bulloch.

En la sala B se presenta Anti y Reflex (2004) de Carsten Nicolai. Este artista , conocido por sus trabajos multimendia, investiga el lazo de unión entre las dos palabras que conforman el título de la muestra. En el espacio C se ubica test pattern nº2 creada por Ryoji Ikeda que explora el sonido y la relación con la luz.

Arriba, en la terraza, donde culmina el recorrido de esta exposición, se sitúan varias obras como por ejemplo The Thinking Machine, creada por Martin Riches y Masahiro Miwa. A través de fórmulas matemáticas han desarrollado una máquina capaz de generar notas.

Arte turco en Madrid

2010-05-09T14:22:00.003+02:00

CaixaForum en Madrid alberga distintas exposiciones. En estos momentos, puede visitarse hasta finales del mes de mayo Las Obras Maestras contemporáneas de Turquía en la colección del Banco Central de la República de Turquía. En la obras se ve la influencia de la escuela de París y del expresionismo abstracto.

La muestra contempla las obras de dintintos artistas turcos como Mustafa Ata, Nejad Devrim o Zeki Faik Izer, entre otros. Cada uno de ellos aborda la abstracción desde su punto de vista, pero todas sus composiciones se dotan de gran colorido.

Otras exposiciones que acoge CaixaForum son Fotopres "la Caixa" 09, XIX certamen de fotografía de prensa española y Miquel Barceló 1983-2009. La primera estará hasta el 22 de agosto y la segunda hasta el 13 de junio.

Cuando Indie y Arte se dan la mano II

2010-05-05T14:27:00.004+02:00

Este año, concursos como el Eurodemo Santander 2016, premian no sólo la música sino también la imagen de las bandas y el trabajo de sus ilustradores, el trampolín perfecto para que grupos y diseñadores se den a conocer como un todo, que es la manera en la que habitualmente operan. Esta semana HoffaMM y Guille de Ingenieros Alemanes ponen el punto final a nuestras entrevistas y nos cuentan qué opinan en todo lo que al diseño de bandas se refiere.

HoffaMM además de fotografiar el Underground (fotografiando y diseñando para que lo que hoy es ignorado, pueda ser admirado, como se merece, cuando llegue su momento, como él mismo dice en su página web), también lo diseña; entre sus trabajos encontramos portadas para Mata a tus Ídolos, Ingenieros Alemanes o Alborotador Gomasio, carteles para Aplasta tus Gafas de Pasta y el revolucionario imagotipo de Starsky Records.

Hemos visto en tu página web que has diseñado mucho para diferentes grupos, pero cuéntanos de qué te sientes más orgulloso, cuál de tus diseños te gusta más o incluso cuál te gusta menos.

Qué difícil...bueno, pues seguramente la portada del EP de Lanzallamas es mi favorita, curiosamente es el único que nunca se ha llegado a utilizar; de los carteles de collage, en el que utilizo en cuadro de "American Gothic" es mi preferido. Y el imagotipo del sello discográfico Starsky Records.

Muchos de estos diseños están realizados para emergencias, muchos no tienen más de 30 minutos de viaje entre la necesidad, mis neuronas, el planteamiento, la realización y el uso. No me gusta pensar mucho las cosas. Soy un perfeccionista y acabaría liándolo todo y seguro que se acabaría perdiendo la idea original. El problema es que algunas veces, si la idea no es del todo buena desde el principio, no queda tiempo para dar marcha atrás. Luego la fecha del concierto pasa y nadie jamás se acordará de que hiciste un truño (y muchas veces nadie excepto unos pocos nota la diferencia entre una genialidad y un desastre).

¿Cómo se mete uno en esto del diseño musical? ¿Ganando concursos, diseñando para sus amigos, enviando proyectos?

Yo, en realidad, siempre he diseñado online, para Internet. Cuando creamos, mis amigos y yo, un pequeño sello discográfico en CDr tuve que encargarme de los diseños: la imagen corporativa, cómo sería el packaging, de las portadas y de los carteles de los conciertos.

Ahora soy una pequeña ONG para grupos noveles.

El diseño de un cartel o una portada es importante para un grupo, ¿pero hasta qué punto crees que se valora? ¿Sientes a veces que los diseñadores trabajáis mucho pero se os reconoce poco?

Depende mucho del nivel en el que te muevas. Para los grupos indies, noveles, es muy importante que el público les tome en serio, un buen diseño ayuda mucho.

¿Se puede uno ganar la vida con esto?

Yo no lo hago, como ya os dije, soy una ONG.

¿Crees que se puede llegar a ser conocido como diseñador haciendo cosillas para grupos musicales o hay que abrirse a diseñar para todo lo que te llamen?

Por supuesto, la mayoría de diseñadores famosos llegaron a la cima gracias a portadas de discos. Pero todo el mundo hasta el estudio más prestigioso necesita hacer otras cosas para comer.

Guille es cantante, bajista y guitarrista en Ingenieros Alemanes y teclista y guitarrista ocasional en Alborotador Gomasio, además de bloggero musical en su propio blog, colaborador eventual en Indie Spain y excolaborador en otros.

¿Quién ha diseñado para Ingenieros? ¿Les dais libertad para que hagan lo que quieran o o tenéis claro lo que queréis que diseñen y les dais instrucciones?

Nuestros dos últimos trabajos han sido diseñados por HoffaMM y nuestra primera "imagen de marca" nos la hizo Diana, Douxamer. Solemos dar directrices de lo que queremos y luego nos proponen un diseño.

¿Dónde encontráis quien os haga los diseños? ¿Amigos vuestros u os ponéis en contacto con gente desconocida?

Hasta ahora siempre han sido amigos, gente joven que, además, nos hacen un gran favor.

¿Hasta qué punto crees que tener un buen diseño o una buena imagen es importante para un grupo?

Creemos que es muy importante porque, al fin y al cabo, todo entra por los ojos, así que un buen diseño que se recuerde, atraerá a más gente a nuestro trabajo.

¿Crees que el hecho de que un grupo se haga conocidillo puede ayudar a la persona que ha diseñado para ellos?

Desde luego. Hay muchos diseñadores que han crecido junto a grupos, el mejor ejemplo en España es el de Javier Aramburu, que junto a los Planetas principalmente, se ha hecho uno de los diseñadores más famosos de este país.

Rainer Gross

2010-05-02T14:44:00.006+02:00

La galería de arte Arnés y Röpke presenta la exposición de Rainer Gross, Works on paper hasta finales de este mes.

El artista trabaja con dos lonas, una la prepara con pigmentos a base de agua y a la otra aplica la pintura. Después une ambas y dependiendo de la fuerza que ejerza el artista el resultado es uno u otro. Su técnica depurada con los años refleja un arte abstracto que adquiere matices ya sea tanto por el color que utiliza como por la textura. En esta ocasión, la muestra ofrece sus composiciones elaboradas sobre papel.

Rainer Gross nació en Colonia (Alemania) y reside actualmente en New York. Sus trabajos se han expuesto en Alemania, España, Austria y en distintas ciudades de Estados Unidos, entre otros sitios.

Cuando Indie y Arte se dan la mano I

2010-04-28T13:58:00.017+02:00

Si la buena música es importante para un grupo, no lo es menos tener una buena imagen (aunque abunden los grupejos en los que no se aprecia ni lo uno ni lo otro). Javier Aramburu es uno de los nombres que más se recuerdan en este país, e incluso el chanante Joaquín Reyes es conocido por hacer portadas para Mercromina o los Punsetes, pero hay que caminar mucho para que un diseñador o una banda sean recordados por sus diseños. Hemos hablado con Alejandro Masferrer y HoffaMM del lado de los diseñadores, con Guille y Koldo, sendos miembros de los Ingenieros Alemanes y Alborotador Gomasio, del lado del mundillo y esta semana os ofrecemos la primera parte de nuestras entrevistas.

El sevillano Alejandro Masferrer tiene una carrera más que prometedora en esto del diseño y además de encargarse de la imagen del Contempopranea de 2009, ha diseñado carteles para bandas como Lentejas los Viernes, proyecciones para los conciertos de Mañana y mis favoritos, los pósters de la Semana Santa Sevillana

Hemos visto en tu página web que has diseñado mucho, pero cuéntanos de qué te sientes más orgulloso, cuál de tus diseños te gusta más, o incluso cuál te gusta menos.

Uno de mis proyectos favoritos es sin duda El Alternador. Es un festival de música pequeñito que se hace en un pueblo de Sevilla. Desde que nos conocimos, hace ya unos 3 años, la organización ha confiado siempre en mi y me ha dado total libertad creativa. Disfruto mucho con el proyecto y es genial saber que tienes el apoyo para los que trabajas, y que encima, tienen buen gusto.

Es tremendamente difícil encontrar clientes así, por lo que una vez que los consigues no los dejas escapar de ninguna forma.

¿Cómo se mete uno en esto del diseño musical? ¿Ganando concursos, diseñando para sus amigos, enviando proyectos?

Realmente no fue nada planeado, simplemente un día empiezas haciéndole favores a algún grupo amigo tuyo, y luego, otro día te das cuenta de que estás trabajando para festivales y grupos importantes.

Supongo que en general debe ser un sector bastante difícil, pero en mi caso salió como algo natural. Tengo muchos amigos con grupos, y en Sevilla conocía a mucha gente que organizaba conciertos, gente de salas, sellos… así es normal que si van gustando tus trabajos acabe llamándote todo el mundo. Además Sevilla es un pueblo pequeño para eso.

El salto a nacional sí fue más difícil y buscado. El año pasado acabé haciendo el cartel del ContemPOPranea por un cúmulo de casualidades y “estar en el sitio”. Fue un trabajo con el que disfruté mucho, aunque quizás no sea el más de mi estilo.

El diseño de un cartel o una portada es importante para un grupo, ¿pero hasta qué punto crees que se valora? ¿Sientes a veces que los diseñadores trabajáis mucho pero se os reconoce poco?

Los diseñadores trabajamos mucho, eso es muy cierto. Puede parecer un trabajo muy bonito desde fuera (¡que lo es!) pero no conozco ni a un solo diseñador que no trabaje una media de 12 horas al día, y si no lo hace, malo.

Hoy en día cada vez se valora más el diseño gráfico de un grupo, es algo que vende, llama, y ayuda a fijarte en un grupo. Aún recuerdo de más joven cuando compré mis primeros disco de Los Planetas o Radiohead y me pasaba horas mirando el artwork con las letras. Es algo que seguro que todos hemos hecho y que es innegable que le añade valor al trabajo de los músicos. Ellos también necesita de una presentación, de un soporte físico que haga su música más tangible.

Sobre la valoración… bueno, creo que en general se valora mucho el diseño de un disco, pero también porque en España todos entendemos de todo y hablamos de todo, y por supuesto de diseño aún más. He leído tanto terribles críticas de mis diseños como tremendo halagos. Yo en general intento no echarles mucha cuenta, lo que me interesa es que funcionen dentro del público que tienen que funcionar y que se entienda el concepto que hay detrás. Sino, se puede decir que hice mal mi trabajo.

¿Se puede uno ganar la vida con esto?

¿Sólo con grupos? Lo dudo, o tienes que ser un diseñador de muy largo recorrido con muchos trabajos a tus espaldas. Realmente de diseñadores gráficos que hayan vivido de esto sólo conozco a Aramburu. Y tampoco me sé si realmente viviría sólo de esto.

Por lo general los grupos y las discográficas tienen poco dinero (incluso los grandes festivales, te sorprendería lo poco que se llega a cobrar por la imagen de algunos) y encima, en los tiempos que estamos, todo son recortes y ahorros a la hora de hacer un disco.

De todas formas, y hablo en mi caso, no es el objetivo. Me interesan muchos más campos; soy un apasionado de la música, pero también de la cultura en general. Ahora mismo empecé hace poco a llevar toda la comunicación gráfica de una compañía de teatro. Es un trabajo muy bonito y que te permite hacer muchas piezas en un sólo mes.

Me encantaría también poder llevar el diseño de una galería de arte o de un cine, por ejemplo.

¿Crees que se puede llegar a ser conocido como diseñador haciendo cosillas para grupos musicales o hay que abrirse a diseñar para todo lo que te llamen?

Como te decía antes, no es mi intención cerrarme sólo al tema musical. Es muy difícil vivir de ello y hay más cosas interesantes en la vida.

Además de lo que dije antes del tema económico hay otro tema complicado en el mundillo indie del diseño y que va relacionado también con la fama y son las modas; es muy fácil que un diseñador o ilustrador se ponga muy de moda y de repente esté en todas partes. Son booms que suceden y que pasan igual que llegan, se endiosa a la figura de turno y encima todo lo que se haga fuera de ese estilo se critica con fuerza. Supongo que es inevitable, pero el público en general debería poder tener más cultura visual y criterio para saber distinguir en alguien que realmente se merece todas esas alabanzas y otro que simplemente copia el patrón que sea más cool del momento.

Ser conocido haciendo un buen trabajo gráfico y conceptual desmarcado de las tendencias es tremendamente difícil, porque nunca te apreciarán tanto como si sigues lo que se lleve en ese momento.

Koldo es miembro de las prometedoras bandas Alborotador Gomasio y los Ingenieros Alemanes (que ostentan unos más que merecidos 22º y séptimo puesto en el concurso de bandas del festival Contempopranea de este año), además de socio de Starsky Records y colaborador de la emisión de radio Aplasta tus Gafas de Pasta.

¿Quién ha diseñado para vosotros? ¿Les dais libertad para que hagan lo que quieran o tenéis claro lo que queréis que diseñen y les dais instrucciones?

El diseño de la portada de Ingenieros alemanes ha corrido a cargo del diseñador Josué Muñoz (“Hoffa”). La verdad es que damos libertad total para que desarrolle el diseño que tiene en mente. Si una vez acabado el diseño hay puntos que queremos cambiar, obviamente se comentan sin problemas.

¿Dónde encontráis quien os haga los diseños? ¿Amigos vuestros u os ponéis en contacto con gente desconocida?

En principio tenemos la suerte de estar rodeados de gente que tiene conocimientos en el mundo del diseño, con lo cual no nos es necesario complicarnos mucho buscando contactos.

¿Hasta qué punto crees que tener un buen diseño y una buena imagen es importante para un grupo?

En los tiempos que corren, intentar llamar la atención del consumidor a través de cualquier detalle es importantísimo. Por lo tanto, que la primera impresión que se lleve una persona al ver la portada de un disco sea positiva se convierte en algo de primera necesidad.

¿Crees que el hecho de que un grupo se haga conocidillo puede ayudar a la persona que ha diseñado para ellos?

Por supuesto, los grupos nos fijamos mucho en las portadas de los demás y si hay un diseño que te gusta corres a descubrir quién ha sido la persona que lo ha hecho. Para un diseñador esto se puede traducir en más trabajo.

Mientras sea posible

2010-04-28T12:59:00.003+02:00

Varios artistas de distintas nacionalidades: españoles, argentinos, mexicanos, colombianos, chilenos se compromenten con el planeta en Mientras sea posible, una exposición que puede visitarse en la Casa de América en Madrid hasta el 23 de mayo. Ocho formas de entender el entorno donde vivimos a través del arte.Cada una de ellas es una reflexión sobre la capacidad de transformar aquello que nos rodea.

Las obras se han realizado utilizando materiales como troncos, cajas de cartón, hojas, tierra, semillas de trigo y plásticos, entre otros.

La artista argentina Valeria Maculan hace uso de plantas naturales que sitúa a la entrada de la exposición. Ana Gallardo, en su obra, Los pedimentos, nos invita a formular un deseo esculpiéndolo con nuestras manos utilizando la tierra depositada en el suelo. Algunos han querido reflejar el paso del tiempo como la artista chilena Catalina Bauer, que coloca a la entrada de una de las salas su obra realizada con medias rellenas de tierra y semillas de trigo que van germinando. Su creación artística dispuesta en forma diagonal y colgada del techo hace que el visitante tenga que atravesarla para ver otras obras situadas al otro lado. El uso del espacio también se observa en otras propuestas como Atravesando el Mikado, donde cuatro troncos de madera aparecen distribuidos en una sala de la instalación.

Otros artistas que también participan en la muestra son : Felipe Arturo, Aggtelek, Jerónimo Hagerman, Catalina León y Héctor Zamora. A parte, la exposición cuenta con una sala de consultas para explicar el mensaje que recogen los artistas con su trabajo.

LA FIGURA FEMENINA EN EL ARTE IBERICO:LA DAMA DE BAZA

2010-04-26T11:46:00.000+02:00

En el arte ibérico las figuras femeninas tendrán una gran importancia, esta clase de esculturas predominan sobre el resto ya sean enteras o en fragmentos, entre ellas predominan el tipo oferente o donante, en pie, cubierta con alto tocado, envuelta en largos ropajes y presentando un bajo que sujeta con ambas manos, a este grupo se le añade un buen numero de cabezas sueltas, la mayoría con tiara, otro grupo podía formarse con las figuras sedentes las cuales exhiben a menudo grandes tocados.

Clasificaremos las figuras en tres grandes grupos:

Las más importantes serán las estatuas erguidas entre ellas destacara la Dama del Cerro, presentada recta y en una estricta frontalidad, sosteniendo con ambas manos un recipiente que parece ofrecer, sus ropajes consistirán en un amplio manto con el que cubre hombros y brazos, dando lugar a un plegado geométrico, sus adornos muestran una gran riqueza la frente se ciñe con una rica diadema, de la cual descienden dos trenzas, a su vez por ambos lados del cuello asoman dos rodetes de rica labor, sobre el pecho tres collares y un enorme pectoral metálico.

Bustos y cabezas lo más destacables de este apartado son los tocados, formados por una especie de peineta, este tipo de tocados suele poseer formas diversas y alcanzar enormes dimensiones.

Las estatuas sedentes se dividen en trono y sillón, en su totalidad forman casi una docena, la mayoría surgidas del cerro de los santos, su tamaño será pequeño debido a que no serian imágenes de culto sino de seres humanos simples exvotos, la actitud de estas será idéntica entre sí, sentadas en sillones de madera con actitud protocolaria, vestidas de gala luciendo sus joyas y tocados espectaculares. La figura mas destacada en este campo será la gran dama sedente en el santuario del Llano de la Consolación, citaremos que es de tamaño casi natural, envuelta en un amplio manto, se encuentra sentada en un gran sillón, con actitud estrictamente frontal y rígida, contrastara con la flexibilidad de los pliegues.

LA DAMA DE BAZA:

La Dama ocupaba el centro de uno de los lados cortos de una tumba rectangular.

La Dama de Baza como la de Elche tiene una profunda cavidad pero no en su dorso sino en el loado derecho del cubo de su trono, y aquí se ha podido comprobar lo que en la Dama de Elche se suponía, que el destino de esta cavidad era contener restos humanos incinerados. La estatua representa a una mujer joven, sentada en un trono con actitud rígida, frontal y solemne. Sus pies están separados pero los dos en una misma línea, calzados con champines de suela y puestos sobre una almohadilla o escabel. Viste tres túnicas visibles encima de los pies y un manto subido sobre la parte trasera y alta de la cabeza, que cubre los hombros y los brazos para caer luego a los lados de las piernas en sendos picos con pesas de plomo los brazos de la dama descansan en los del trono, pero las manos se apoyan en las rodillas; la derecha abierta mostrando el dorso y la derecha abierta aprisionando un pajarillo.

La piedra es una caliza como a la empleada habitualmente por los escultores iberos, el tamaño de la estatua será el de una mujer de la época alcanzando una altura de 1,32, la piedra esta revestida de una delgada capa de yesos con silicatos pintado con diversos colores: las cejas y pestañas de negroy en este mismo colr pero con mayor intensidad las ondas del pelo y los rodetes discoidales que rondan los pómulos, la tunica y el manto de color azul celeste, bastante intenso como indican los restos conservados pero no de conservación tan buena como el rojo bermellón de los chapines, el trono esta pintado de ocre imitando a la madera.

La cabeza de la dama esta cubierta de una cofia de fibra vegetal a la que se superpone una sarta de veintisiete glandes que probablemente eran de oro en realidad. Los pendientes constan de una morcilla cuyos extremos atraviesan los lóbulos de las orejas y de unos grandes prismas rectangulares de infinidad de colgantes a modo de flecos.

El cuello esta ceñido por tres collares en los que alternan finas cuentas discoidales, otros dos collares surcan el pecho uno de lentejuelas y otro de hojas acorazonadas, sus muñecas llevan cinco pulsera redondas y sus manos toda una colección de anillos.

El trono o sillón es un asiento de cuatro patas las delanteras terminadas en garras leoninas yen el respaldo unas grandes orejas o alas.

El tipo de estatua es griego y la podemos situar en el siglo IV a.c representando a una afrodita o diosa madre.

EL Retablo más importante del Museo del Prado

2010-04-26T11:38:00.000+02:00

El retablo de Sancho de Rojas, fue encargado por el propio arzobispo para la primitiva iglesia de san Benito el Real de Valladolid, ya que era arzobispo de Valladolid o Palencia, pero se convertirá en el sucesor de don Pedro Tenorio en la diócesis toledana. Pasó a la iglesia de san Ramón de Hornija y se tiene referencias de él gracias a Gómez-Moreno que declaró que era el más grande y con más tablas originales. En 1929, el Museo del Prado adquiere la obra, pero descompuesta y tuvo que recomponerse, aunque faltan escenas y otras están retocadas.

Encontramos varias referencias a la obra en la documentación. Por ejemplo, en el siglo XVIII, un fraile de la orden de san Benito, Fray Mauricio de Torres, realiza un libro sobre la fundación del Museo de san Benito el Real y alude al encargo de la obra por Sancho de Rojas para el altar mayor, desde donde pasó a los pies.

Otra referencia la tenemos en Pedro Venocci, que recoge datos más tardíos, situándolo ya en san ramón de Hornija, aunque también hace referencia a que estuvo en san Benito el Real.

El retablo se dedica a la vida de Cristo, siendo más significativo por la iconografía que por el estilo. Recoge las escenas desde la anunciación hasta Pentecostés, pero no con un orden iconográfico exacto, lo que hace suponer que la disposición de las escenas se vio alterada. Se organiza en siete calles, una espiga que acaba con el Cristo Salvador y una predela, pero cabe suponer que en la forma primitiva tuvo tres cuerpos ya que las dos tablas de los extremos no se corresponden por tamaño, a lo que hay que añadir el salto iconográfico. Remata en un pináculo.

El retablo está presidido por la imagen de Cristo triunfante a cuyos lados se sitúan dos profetas como testigos, además de suponer el enlace entre el Nuevo y el Antiguo Testamento.

Las escenas que componen el retablo son: a. infancia: anunciación, natividad, adoración de los reyes y presentación en el templo; b. pasión: Cristo en el templo, Cristo ante Caifás, flagelación, camino del calvario y crucifixión; c. muerte y glorificación: Pentecostés, resurrección y descenso al limbo.

Aparece el tema mariano en el centro del retablo con la virgen coronando al obispo, además de un tema que desconecta iconográficamente y que le da un carácter funerario a toda la obra, la misa de san Gregorio; remitiendo así a la devoción mariana del obispo y a la intención del retablo.

En la predela se conservan restos de cuatro escudos de la familia Rojas (cinco estrellas de plata sobre un fondo azul) como enseña del promotor.

El Cristo salvador aparece sentado, con la bola del mundo en la mano. El trenzado del pelo y la barba partida presentan similitudes con el modelo impuesto en san Blas. La nota del estilo internacional lo dan los tonos suaves que utiliza el maestro. La volumetría se consigue mediante la colocación de una de las manos en scorzo y el escabel. Los nimbos se decoran con punteados. La nota general es puramente trecentista.

La figura de Abraham conecta con el mismo modelo del retablo del maestro de Horcajo, así como el David.

La anunciación se representa partida, en los galdetes, siguiendo el modelo trecentista. El ángel posee una nota distintiva del maestro: el rostro con ojos un poco saltones. El ángel está posado y la virgen aparece con los brazos cruzados y el libro. Está en la línea del modelo italiano impuesto por Giotto en la capilla Scrovegni. Casi todas las escenas se organizan en eje de simetría y las figuras tienen peso. La composición sigue un esquema piramidal, construido a base de verticales que si se descomponen se rompen en diagonales o línea semicirculares en profundidad. Esto también es algo dado a conocer por Giotto. Las actitudes, los gestos y las miradas van a ser algo significativo de este taller. El trono de la virgen casi genera una caja espacial, pero no tan reconocible como la pseudo-perspectiva del Trecento.

La escena del nacimiento está muy dañada, pero se ve la figura de la virgen que sigue el modelo de ojos saltones y los mofletes marcados. Las escenas están flanqueadas por columnas como en la capilla de san Blas.

La presentación en el templo se representa en un interior, que presenta una arquitectura como telón de fondo y que presenta el problema de los techos y los suelos. El niño es hercúleo, como en Cataluña, y la virgen sigue el modelo relacionado con el taller de Toledo.

La adoración de los reyes aparece con una iconografía peculiar: un velo transparente que cubre el rostro de Cristo. Los motivos decorativos del manto azul de Cristo son iguales a los que aparecen en san Blas. También es una escena de interior en la que se representan bóvedas de crucería. Los rostros son los característicos de todo el retablo.

La flagelación presenta unos suelos muy castellanos y unos verdugos muy característicos. Posee el carácter escenográfico propio de lo italiano que da un corte especial al interior. Podemos ver los casetones de la bóveda que van hacia abajo. El modelo de Cristo también es muy similar al de san Blas.

El descenso al limbo tiene perdida la figura de Cristo. Adán y Eva salen de las fauces del Leviatán y repite el modelo de san Blas. También repite el modelo de la figura de David por el trenzado del pelo.

La escena de la crucifixión permite la relación más clara con san Blas por tener una composición muy similar: la cruz ocupa el centro de la composición y nos da, aunque con características más castellanas, una crucifixión con dos grupos diferenciados y gran aparato. Es una composición más clara y sencilla, por razones de soporte. El eje central es la figura de Cristo. Uno de los grupos es el de la virgen desmayada acompañada por las marías y san Juan, y el otro, es el grupo de los soldados, cuyas lanzas se colocan en verticales muy acusadas. Repite el personaje con la mano en la boca, en actitud dubitativa. Es una escena muy expresiva, lo que la sitúa cerca del estilo internacional. Los modelos para las figuras son los empleados en todo el retablo y tan característicos de la obra de Rodríguez de Toledo.

El camino al calvario es muy semejante al del retablo de san Eugenio, el primero de mano española, que da la figura unida a Cristo, que no se identifica muy bien.

En la escena del entierro emplea una diagonal muy marcada, así como la posición del sarcófago y los personajes para darnos la profundidad en la escena. Las figuras, que siguen los modelos empleados en todo el retablo, son muy expresivas. En san Blas es la Magdalena la que aparece delante del sepulcro, mientras que aquí es la virgen la que ocupa ese lugar, replegada sobre sí misma, recogiendo la tradición italiana de crear un primer plano. Todas las figuras presentan volumen y peso, así como denotan la importancia del dibujo.

La piedad es una composición piramidal. Aparece la Magdalena como modelo. Detrás de la virgen hay un grupo de manos que generan problemas por la pérdida del original.

En la escena de Pentecostés introduce a la virgen en cenáculo, lo que nos habla de una especial devoción mariana y está en relación con la llamada compasio mariae. El trenzado del pelo y el modelo de las figuras nos remiten a san Blas, lo que nos da de nuevo la idea de la relación entre ambas obras. Se repiten modelos de figuras que conectan con la capilla, como las de la ascensión, en la que solamente cambia la posición. Se repite la idea de composición en diagonal y piramidal en profundidad, también muy similar a las de san Blas.

La misa de san Gregorio le da el carácter funerario al retablo. Se desarrolla en un interior que está poco logrado ya que vemos que el artesonado del techo se cae hacia abajo, cayendo las líneas fuera de la composición, aunque si que organiza la escena en planos de profundidad. Este va a ser un tema que se repita mucho en el siglo XV, siendo esta una de las primeras representaciones. Será muy común por la relación con las misas de difuntos. Se presenta a Cristo varón de dolores, rodeado por los instrumentos de la Pasión, figura que pervive en el Barroco, aunque se elimina la de san Gregorio. En la capilla de la Concepción franciscana aparece otra misa de san Gregorio que sigue los mismos modelos, por lo que podemos hablar de una conexión entre ambas obras.

La virgen con el niño remite al mundo bizantino. La virgen se representa con el niño, rodeada de ángeles, que se sitúan escalonados en vertical y en profundidad, alrededor del eje de la virgen, que es lo que nos da la relación con el mundo bizantino y del Trecento, en que se nos presenta a la virgen como protectora e intermediaria para la salvación humana. Además la virgen impone la mitra al arzobispo, mientras que el niño corona al rey, que sería Fernando de Antequera, lo que es una alusión al origen divino tanto del poder eclesiástico como real. Establece un paralelismo entre la madre y el hijo que se retoma en la pasión. Otra novedad es la introducción del donante introducido por un santo, en este caso, san Benito, que además es al que está dedicado el monasterio. El santo que introduce al rey podría ser santo Domingo de Guzmán o san Vicente Ferrer. También se ha especulado que el rey fuera Juan II, lo que retrasaría la ejecución de retablo. Esta tabla nos lleva a la forma de componer del taller toledano que se caracteriza por la simetría ponderada perfecta y por un esquema compositivo a base de verticales, además de ver una relación con el mundo florentino en las composiciones geométricas, como las pirámides que constituyen la virgen o la figura del rey. Sin embargo, el brocado del dosel ya tiene influencias del estilo internacional, así como las encontramos en el naturalismo de los mofletes de los ángeles que está soplando, así como en las manos que ya se acercan a las llamadas manos en garra del estilo internacional.

La fecha de ejecución de este retablo es difícil de precisar porque carecemos de documentación y se viene aceptando que fuera hacia 1420, cuando el obispo deja de ser arzobispo de Palencia para trasladarse a Toledo. Según Torres, el retablo estuvo 80 años en san Benito el Real y en su remodelación pasó a un altar lateral. En 1596 se traslada a san Román de Hornija, lo que permite fechar la obra en el primer cuarto del siglo XV coincidiendo con la regencia de Sancho de Rojas. Fernando de Antequera muere en 1416 y su aparición también nos sirve para dar una fecha aproximada.

Desde el punto de vista técnico, en 1991, en la restauración, se levantaron muchos repintes en óleo y acuarela y se vio que la técnica responde al modo italiana descrito por Cennino Cennini.

Este retablo podría considerarse el de mayor importancia artística de la época castellana, una verdadera obra maestra del Medievo español que actualmente forma parte de la colección del museo del Prado.

El Pabellón de Barcelona

2010-04-26T11:24:00.000+02:00

Desde un principio, la función del pabellón era la de constituir un edificio representativo de Alemania en la Exposición Universal, alojar la recepción del rey de España a las autoridades alemanas así como otros eventos oficiales. Por tanto, el proyecto no abarcaba en ningún caso una función vivencial o de habitabilidad. Su uso iba a ser el ser visitado, visto, no vivido, y por ello su función principal es estética, decorativa y sobretodo representativa.

El podium supone un elemento importante en el proyecto ya que cumple la función de marcar el referente horizontal, sobre el que se sitúan el resto de los elementos del pabellón. La cubierta, sustentada por los ocho pilares, también actúa como elemento horizontal en el juego de contrastes que establece Mies.

Los muros pierden su función tradicional, la de sustentar otros elementos (cubiertas etc.), dejan de ser estructurales y pasan a servir para definir espacios salvaguardando su continuidad y fluidez, crear recorridos, definir colores y texturas. Como elementos verticales, junto con los pilares, (cuya función sí que es la de soportar el peso de la cubierta) realizan un juego de contraste con los elementos horizontales.

El muro de ónix fija la altura del edificio, y servirá para componer la bandera de Alemania en el interior, como veremos más adelante. Los de vidrio le sirven a Mies para realizar un juego de transparencia interior-exterior, y el doble como lucernario. Los muros de diferente mármol contribuyen al juego de contrastes.

Los estanques, el de mayor tamaño en la parte anterior y el menor en la posterior cumplen un papel importante ya que sirven para fomentar el juego horizontal-vertical, al reflejarse el pabellón en el agua, creándose un juego de masa contra vacío. La estatua “El amanecer” de G.Kolbe está situada en el estanque posterior y representa a una mujer protegiéndose contra el sol de la mañana. Su situación es estratégica, estudiada para que reciba el sol en el momento adecuado. Es el único elemento de forma natural que Mies incorpora, y el motivo fue la calidad del escultor y el hecho de que fuera alemán, ya que la función principal era esa, representar a Alemania.

En la inauguración, Mies diseña hasta los dos mástiles destinados a sustentar las banderas alemana y española, y su función era la de contrastar con el pabellón dada su extrema verticalidad.

Los materiales, cuyos colores son los naturales, permiten crear un contraste entre el claro travertino del podium y el verde oscuro del mármol en los muros.

a utilización funcional de los colores alcanza su máxima expresión en el espacio principal del pabellón, donde con el rojo de una cortina, el negro de una alfombra y el amarillento muro de ónix, Mies compone la bandera de Alemania, logrando así la anhelada representación del país.

Las sillas en el interior, la famosa Silla Barcelona de Mies, fue diseñada para el evento, y la idea de su función era que el rey pudiese sentarse durante un tiempo breve durante la recepción. Actualmente su uso es posible al público general y al igual que el banco frente al estanque mayor, permite al visitante sentarse y admirar la grandeza de la edificación.

La zona de oficinas, frente al estanque, a la izquierda del banco, sirve para el uso administrativo.

Tras este repaso por el pabellón de Barcelona les invitamos a hacer una visita por la ciudad condal , insistiendo en la visita de este pabellón tan importante en su forma como en su funcionalidad y que tan desapercibido pasa ante el turista que visita Cataluañ

LA GRAN OLVIDADA: MINIATURA GOTICA ESPAÑOLA

2010-04-26T11:16:00.000+02:00

La miniatura medieval tuvo una gran importancia en la Edad Media, España es uno de los puntos geográficos mundiales que contiene gran patrimonio artístico medieval. Dentro de la alta o baja edad media encontramos la miniatura, tan importante en el arte pero que pasa desapercibida de la mirada del espectador. En Espaaña tenemos obras de miniatura tan relevantes como Las Cantigas de Santa María o El Códice Rico del Monasterio del Escorial y con este breve texto queremos acercar al lector estas obras maestras del patrimonio español que están muy olvidadas.

Si la incorporación de Europa a las nuevas corrientes de estilo lineal fue lenta, en España tenemos la penetración de corrientes renovadoras, que podemos considerar protogóticas desde la segunda mitad del siglo XII.

De esta manera, la miniatura utilizará un lenguaje iconográfico, partiendo de fórmulas bizantinas, en relación con el arte que se impone en Europa en torno al 1200. Por lo tanto, durante buena parte del siglo XIII, no sed producen grandes avances. Los centros de producción siguen siendo los monasterios (Beato de San Andrés del Arroyo, Beato de las Huelgas, Tumbo A de Santiago de Compostela, etc.). Por otra parte, hay que hacer notar la llegada a Castilla hacia 1250 de ejemplares franceses como la Biblia Moralizada de san Luis, de la catedral de Toledo.

Sin embargo, el capítulo que merece especial atención es la miniatura alfonsí, que supone la ruptura definitiva con la tradición. Se trata de una serie de obras encargadas por el propio monarca, fuera del monasterio, y para su propio deleite, a imitación de la corte francesa y del reino de Nápoles. La novedad estriba en que la mayoría son obras de carácter profano. Sin embargo, su obra principal, las Cantigas de Santa María, de carácter religioso, constituye una obra excepcional dentro de la época gótica, por el desarrollo de sus temas que se separan del resto de Europa. Se ha querido hacer derivar esta obra de la miniatura francesa, aspecto que queda descartado precisamente por la temática empleada. Sin embargo, se apuntan mayores relaciones con manuscritos anteriores del sur de Italia en relación con la corte de Manfredo (hijo de Federico II). Pero el verdadero valor de la obra radica en que, junto a estas dos tradiciones apuntadas, los artistas han desarrollado una personalidad única y un estilo totalmente original.

La figura de Alfonso X desempeñará un papel fundamental en la evolución de la Corona de Castilla: hemos de considerarle como un gran estadista, pero al mismo tiempo como un renovador cultural y científico. Hay una mirada a la realidad pero está muy imbuido, dentro de las concepciones religiosas; sigue la tradición escolástica. Las cantigas son una creación poética, la más importante es la lírica gallego-portuguesa del s XIII. Se dan textos que se relacionan con el milagro, equiparables a la literatura del momento que hay en España. Hay un aspecto musical fundamental. Responden a la religiosidad del momento, a la devoción de la Virgen. Se da una obsesión por las cantigas.

- El códice rico del monasterio del Escorial: no se llega a terminar, se interrumpe con la muerte del monarca, en cada página miniada, se agrupan los recuadros en grupos de 6 en 6, tradición de la miniatura francesa, nos da una organización en cuadrícula que nos remite a la preocupación por la división. Además sirve para unir las escenas con un carácter narrativo, en orden perfecto, dándose en el último las gracias a la Virgen. Van enmarcadas por una orla. Se busca una riqueza decorativa. Hay una alternancia de colores. Encima de cada miniatura, hay una franja blanca donde en lengua gallega, aparece el resumen del pasaje. Además la orla se enriquece con motivos heráldicos, en las esquinas aparecen escudos de Castilla y León, como una peculiaridad hispánica. Además hay una representación del águila de Alemania, que iba ha ser heredada por Alfonso X en las Cantigas, lo que da una cronología, se comienzan en torno a 1275. El momento final se relaciona con la muerte en 1284, de Alfonso X, quedándose sin terminar. Otro problema es la autoría, es obra de taller, se han dado muchos nombres, aparecen músicos, escribanos, pintores….

- La mujer que robó harina a los peregrinos: del Códice del Escorial; une aspectos en galaico-portugués. Subdivisión en 6, en cuadrícula de 2 a 2 con inscripción sobre cada recuadro. Las cenefas se solucionan, no sólo con la influencia francesa, si no con notas hispánicas, azulejos hispánicos, que funcionan como una orla, desde el punto de vista cromático, retiene un esquema. En las cruces tenemos castillos y leones, lo que conlleva una importancia de la heráldica en Castilla a partir del s XIII.

More to love

2010-04-25T20:20:00.007+02:00

La sala de exposiciones del Centro Casa Asia en Madrid acoge la exposición More to love. Pensar en el sida desde el arte hasta finales de julio. En ella se puede ver el trabajo de quince artistas con un objetivo en común, reflexionar sobre el sida. La base del proyecto se sustenta en utilizar el arte para combatir una enfermedad que azota a países como Tailandia donde el sida afecta a miles de personas. Para desarrollar la exposición se ha contado con la ayuda de artistas tailandeses y occidentales.

La muestra, fruto de la colaboración entre Casa Asia y la Fundación Arts Aids, tiene como objetivo concienciar a la sociedad para acabar con los prejuicios.

A la entrada se sitúa el trabajo de Leo Copers que ha realizado un vídeo cuyo guión se centra en una sola palabra que es repetida por diferentes personas , Hello!.Con ella se nos da la bienvenida a la instalación. Si continuamos por las salas vemos las obras de artistas como Manit Sriwanichpoom que ofrece una nueva mirada utilizando la fotografía como instrumento, se nos invita a un cambio de actitud gracias a la risa, la de catorce niños. La obra se titula Life is beautiful.

Otros han hecho uso de la pintura, han dejado escritos mensajes en la pared, utilizado papel pintado, han realizado esculturas para desafiar nuestro significado acerca de las cosas e incluso hay impresoras que imprimen su propio mensaje "No patents on"( obra de Pratchaya Phinthong), todos para hacer reflexionar.

Detrás de este proyecto está la Fundación Art Aids, creada por Han Nefkens, escritor y coleccionista de arte, que pretende a través de la creación artística luchar contra esta enfermedad tratando todo lo que tiene que ver con ella.

Hablamos con el Museo Nacional de Artes Decorativas

2010-04-21T12:04:00.004+02:00

Muchas son las exposiciones que desde arteactualidad hemos presentado a nuestros lectores, ¿pero cómo ven los Museos y Fundaciones la situación actual de Arte y exposiciones de Madrid? Hemos preguntado en el Museo del Prado, el del Traje, la Fundación Mapfre, Matadero de Madrid (a quienes también agradecemos su atención aunque por tratarse de un centro de creación contemporánea no pudieran contestar nuestras preguntas) y muchos otros y esto es lo que nos han contado desde el Museo Nacional de Artes Decorativas, a quienes agradecemos enormemente su colaboración:

¿Están contentos con las estadísticas de visitantes a sus exposiciones temporales?

Desde que el Museo Nacional de Artes Decorativas se ha lanzado a organizar exposiciones de diseño contemporáneo y de temas de actualidad, como por ejemplo "Fascinados por Oriente", que hace una incursión que creemos novedosa en la interculturalidad, el número de visitas casi se ha triplicado. Y, lo que es más importante: estamos captando nuevos tipos de público, más jóvenes y más comprometidos con la contemporaneidad.

¿Por qué creen que en Madrid las que tienen más éxito son exposiciones como la del Impresionismo de Mapfre, o las de Prado y Thyssen en general?

La publicidad tiene mucho poder de convocatoria, más que el boca a boca o los blogs. Y es difícil resistirse al atractivo de los grandes centros que nos tientan con grandes firmas, como Mapfre. Varios de ellos presentan, además, exposiciones conceptualmente interesantes. Para los museos pequeños es más difícil atraer mareas de público, pero tenemos la ventaja de que somos menos esclavos del éxito.

¿Qué creen que el visitante de Arte en Madrid demanda o qué espera ver cuando acude a un museo o fundación? Un tipo de exposición en concreto, determinados artistas, etc.

Depende de los públicos. Nuestras encuestas revelan motivaciones muy diversas. Pero en general la calidad acaba abriéndose camino.

Por otra parte a principios de junio se presentarán los resultados del Laboratorio Permanente de Público de Museos. Además la exposición temporal que se puede visitar ahora en el museo ha contado también con una evaluación de la exposición. Actualmente se está realizando el estudio de la evaluación sumativa.

Lo feo como categoría artística

2010-04-15T17:04:00.009+02:00

Todas las artes son susceptibles de ser reflejo de la belleza, pero no se puede decir lo mismo de ellas cuando lo que se quiere representar es la fealdad; según Karl Rosenkrantz en Estética de lo Feo, la fealdad como tal no existe, sino que lo hace en tanto en cuanto se la pueda considerar negación de la belleza (y a la vez, como dice el propio Rosenkrantz, la fealdad puede ser utilizada como realce de la belleza, tal y como aparece en los cuadros de Dánae recibiendo la lluvia dorada , en los que a esta siempre le acompaña una señora vieja)

Es por esto por lo que de las artes tradicionales, la arquitectura sea la que con más dificultades se preste a representarla más allá de lo que podríamos denominar como mal gusto u horterismo, en gran parte porque el elevado coste de las creaciones arquitectónicas limita su fealdad a una especie de abominación del buen gusto y la estética urbana.

En la película de Volker Schlöndorff, el Joven Torless, ambientada en la época de esplendor de los Habsburgo, dos estudiantes de un internado deciden maltratar a uno de sus compañeros porque robó dinero, Torless ve cómo sus amigos lo hacen, pero no les ayuda, tampoco ayuda al joven que es maltratado; cerca del final de la película, confiesa que no ha hecho nada porque quería presenciar hasta dónde es capaz de aguantar el ser humano, hasta dónde es capaz de aguantar el chico que está siendo humillado, hasta dónde son sus amigos capaces de llegar con él y hasta dónde es él mismo capaz de llegar contemplando las escenas, busca el límite del ser humano, el límite del dolor y de la crueldad mientras se encuentra encerrado.

En Saló o los 120 días de Sodoma, de Pasolini, no hay límites, el límite está en el tiempo que el espectador esté dispuesto a aguantar la película. Blue Velvet de David Lynch es una pesadilla desagradable de la que nadie quiere ser partícipe. Al final de ambas, terminas odiando a todo el mundo. La curiosidad morbosa de Torless casi la comprendes, pero ¿dónde está el límite entre lo aceptable y lo repugnante, entre la empatía hacia el que sufre o la curiosidad por la capacidad de sufrimiento y el cambio de canal? La línea está tan poco definida que en numerosas ocasiones se ha superado con creces, y más teniendo en cuenta que al igual que en la Tragedia de Aristóteles, el sufrimiento de los demás tiene en cierto modo valores catárticos según nos alejamos de él y nos damos cuenta de que lo que contemplamos no es si no una representación que bien podría ser una película o un telediario, y de ambos, estamos saturados.

Tanto belleza como fealdad se asocian ya desde Grecia al reflejo de estas como cualidades internas del ser humano en el exterior, pero en muchísimas ocasiones desde entonces, se han subvertido los valores, ya que en el cine los personajes más bellos pueden ser malvados así como los feos serán bellísimas personas. En las Tentaciones de San Antonio Abad, bellas mujeres tientan al santo mientras que la imagen del diablo que las acompaña, es un ser espantoso y monstruoso, al igual que en el Tríptico de las Delicias, en el que en la parte del Infierno se cometen las peores atrocidades. El Ángel Caído de Bellver aún es bello, quizá porque está recién caído, los vampiros son seres bellísimos o al menos la literatura los narra con un poder de atracción fuera de lo normal, capaces de llevar al abismo hasta al más bondadoso de los mortales, pero el culmen de la bella atrocidad quizá sea Dorian Gray, cuyo rostro permanece impertérrito, ni la mácula de las arrugas lo perturba, mientras la imagen de su retrato muestra toda la putrefacción de su propia alma.

Teniendo en cuenta que no todo lo desagradable es vomitivo, el Arte lo muestra de muy distintas maneras, es por eso que vamos a dar un paseo por algunos artistas y algunas obras del pasado que partiendo de parámetros un tanto extremos, bien sea por desagradables o por rozar algún límite, abrieron la puerta a personajes contemporáneos; el empleo del maquillaje de algunos de ellos ya los hemos visto en este blog, de otros nunca hemos hablado pero no es este el lugar para hacerlo. Sea como fuere, la cuestión es que artistas como Paul McCarthy, Cindy Sherman, Günter Bruss o Richard Billingham, no serían nada son sus antecedentes históricos.

A nivel católico devocional, encontramos los exvotos, ofrendas que los fieles hacen en agradecimiento a un favor que Dios o un santo ha concedido a quien se lo pidió, una galería de, generalmente, miembros amputados tan siniestra como cotidiana, al modo de algunas obras de Gericault. De peor gusto, y esta vez de carácter artístico, son las representaciones trinitarias condenadas en Trento y prohibidas en 1628, que por estar muy de moda en Hispanoamérica siguieron haciéndose con posterioridad (gracias a esto, algunas imágenes se han conservado); aunque las prohibiciones se extendieron a cualquier representación del Misterio que incluyera la imagen de Padre, Hijo y Espíritu Santo como una misma persona con el mismo aspecto pero por triplicado, esto dio paso a una Trinidad tricéfala y a la peor de todas, una única persona con tres caras distintas.

Cuando se trata de representar a Cristo y los santos mártires, después de Trento las representaciones se vuelven más sangrietas y cruentas, haciéndose popular el Ecce Homo, el Cristo varón de dolores y todas las imágenes relacionadas con la pasión o las nuevas devociones a los mártires ante y postrentinos, cuyos martirios gozaban plenamente del fervor popular, como Santa Ágata cuyos pechos le fueron arrancados por no querer casarse con Quintiliano, Santa Bárbara primero encerrada en una torre y después decapitada, Santa Catalina de Alejandría a quien intentaron torturar con ruedas tachonadas con dientes de hierro, San Erasmo y los numerosos martirios a los que fue sometido como la flagelación con varas de plomo o el desagarro de sus carnes con garfios de hierro (al igual que a Santa Eulalia), Santa Lucía con la espada que atravesó su garganta y tantos otros.

No fue hasta el siglo XXI cuando la complacencia en el dolor vivió su apogeo, con la Pasión de Mel Gibson, en la que el deleite por el sufrimiento remueve las conciencias de algunos que han tenido que salirse del cine. En el reverso tenebroso del lado cristológico no hay más que buscar Anticristo en Google para dar con que David Hasselhoff es el anticristo y hay quien lo puede demostrar, eso sí que es siniestro.

"Estrujados"

2010-04-08T12:32:00.015+02:00

Llega a la galería Max Estrella de Madrid la nueva exposición del artista Javier Arce titulada " A mil cuatrocientos metros de los dibujos rectificados" que podrá visitarse hasta el próximo 8 de mayo.

El nombre de la exposición centra la esencia de lo que el artista pretende transmitir con su última creación. Esos "mil cuatrocientos metros" hacen referencia a la distancia que hay entre las obras que expone el Museo del Prado y las de Arce en la galería Max Estrella. El nexo se debe a que Arce ha querido "copiar" algunas de las obras más relevantes dentro de la historia del arte. Ha tratado, entre otras, algunas de las "pinturas negras" de Francisco de Goya para la Quinta del Sordo, que se encuentran ahora en el Prado, con la finalidad de jugar con el concepto de original y de copia. Detrás de esta reflexión hay un objetivo mucho mayor por parte del artista, y es el hecho de qué entendemos por arte. Además, Arce se preocupa por su evolución.

La muestra se exhibe en dos salas. En la primera de ellas, se ven las creaciones de Arce a modo de pared con relieve conseguido a base de estrujar el papel con el que está hecha la obra. En esta doble pared elaborada por el artista se reproducen obras pictóricas como por ejemplo el Aquelarre.

En la otra sala, las obras de Arce son de pequeño tamaño, están colgadas en la pared de la propia galería y tratan de los desastres de la guerra realizados por Goya en el siglo XIX. A un lado coloca su "copia" del trabajo de Goya y al otro, también una "copia", la interpretación sobre esos mismos grabados elaborada por los Chapman Brothers. El artista se ha basado en las creaciones del pintor aragonés para la exposición y las utiliza para su análisis.

Arce ha desempeñado su trabajo utilizando un papel irrompible que "estruja" hasta dar la forma deseada. Así puede observarse su obra en forma de bolita de papel arrojada en el suelo o colgada de la pared según el tamaño deseado por el artista, de tal forma que envuelve toda la habitación o es colgada como un cuadro más. Mediante el uso de una técnica mixta ha dado lugar a su obra artística. Lo curioso es que están hechas con rotulador.

Mascaradas: elogio de la lentejuela

2010-04-07T16:51:00.004+02:00

Crema hidratante. Corrector violeta para iluminar los ojos, verde para tapar rojeces, color carne para disimular las ojeras y naranja para las más pronunciadas. Base de maquillaje, lo más parecido posible al tono de cada piel. Polvos traslucidos, para evitar los brillos. Eye Liner, sombra de ojos (nunca hay demasiada sombra de ojos), mucha purpurina. Colorete. Pintalabios. Un gran peinado, el pelo, nunca hay que dejarlo al azar. Un bonito vestido, muchas lentejuelas (nunca hay demasiadas lentejuelas). Y unos bonitos zapatos a juego. La noche requiere muchos esfuerzos que no siempre son recompensados, pero todo vale para ser la más moderna de Malasaña y para dejar a todo el mundo fascinado desde el primer pie que se pone en la calle hasta los últimos sacrilegios por el maldito dolor de pies que provocan los tacones.

Dice Baudelaire en el pintor de la vida moderna que el maquillaje nunca debe ser natural, no sirve para imitar a la naturaleza, porque según este, “la mayoría de los errores relativos a lo bello nace de la falsa concepción del siglo XVIII relativa a la moral; la naturaleza se tomó como base, fuente y modelo de toda belleza posible, pero no enseña nada, si no que fuerza al hombre a comer, beber, dormir, protegerse del mal... a matar a sus semejantes, a comérselos, a torturarlos...” En definitiva, lo que Baudelaire intenta demostrar en Elogio del maquillaje es la capacidad que tienen la moda o el maquillaje para tapar el, llamémoslo, primitivismo, inherente a todo lo que ha creado la naturaleza, en contra del cual se encuentra gran parte de la población del planeta, empezando por las tribus ancestrales que entendían perfectamente la alta espiritualidad del atuendo y el adorno como uno de los signos de la nobleza primitiva del alma humana (Baudelaire). Si la vestimenta del ser humano, desde tiempos remotos ha sido signo distintivo de las castas, hoy en día se ha convertido en signo distintivo de las tendencias, llegando a convertir algunas prendas en Marca Registrada.

Muchos son los que emplean el maquillaje para intentar cubrir defectos, pero, siguiendo el Elogio del Maquillaje, este no debería servir para embellecer la fealdad, sino ser aliado de la belleza. E incluso yendo más allá, fue Oscar Wilde quien dijo que sólo las máscaras dicen la verdad y la naturaleza imita al arte; en el terreno artístico el artificio siempre ha sido caldo de cultivo para gran número de creaciones, pero es a partir de comienzos del siglo XX cuando esta artificialidad es llevada al extremo, siendo muchos los que se han valido del carácter fantasmagórico del disfraz para servir sus fines. No pretendemos que estén todos los que son, pero sí que todos los que están, sean, por tanto he aquí algunos de los artistas que han visto en la mascarada mucho más que un simple artículo de feria.

Cindy Sherman

Nacida en 1954, su obra se ha centrado casi exclusivamente en autorretratos en los que se ha valido de toda clase de artificios para esconder su verdadero rostro y trasmitir al espectador una larga galería de reivindicaciones de carácter feminista en contra de los clichés femeninos de la sociedad de consumo. Si en el pintor de la vida moderna, podíamos leer que la mujer se maquilla para idealizar su frágil belleza, idea transmitida a lo largo de los años gracias a la concepción de la mujer como objeto de colección, Cindy crea esa misma imagen femenina a partir de faldas, camisetas y zapatos de tacón, a las que se unen prótesis de silicona, máscaras de carnaval, pelucas, y elementos desagradables o espeluznantes como monstruos de pesadilla, vómitos o coágulos de sangre, que no son exclusivos de su obra.

Paul McCarthy

En la línea de los artistas que se deleitan en la repugnancia del ser humano como generador de desechos, tenemos al también norteamericano Paul McCarthy, que se vale de escenografías teatrales tomadas de universos oníricos de basurero y de disfraces que satirizan el autoritarismo del consumismo americano y la American Way of Life; disfrazarse de personajes como Heidi o Pinocho para performar vestido de esa guisa, le ha servido para crear su propia Disneylandia de pesadilla, como denuncia a los modelos que se ofrecen a los niños en su infancia que condicionan su comportamiento. A un mismo nivel, transformaba en sus primeras performances la cena familiar americana tipo ketchup y hamburguesa en rituales de mutilación sexual, gracias al empleo de materiales como pintura, mayonesa y otros condimentos, carne podrida, aceite y algunas partes de coche, vaselina, helado, comida de perro, muñecas, animales, máscaras y decorados artificiales. Pop Art + horror y absurdo, que se convierten en un todo efectivo más allá de una mera teatralidad vomitiva.

Rebecca Horn

A otro nivel, surge la artista Rebecca Horn, que crea sus propios disfraces basándose en la experimentación sobre el cuerpo humano, bien sea por estar dispuesta a inmovilizarlo o a explorar su comportamiento en torno al movimiento: después de la demostración del funcionamiento de Trompa, tuvo que ser hospitalizada de urgencia a causa de una aguda afección pulmonar provocada por el artilugio, lo cual hizo posible que se dedicara casi exclusivamente a esbozar los modelos para sus primeras esculturas corporales, que más tarde realizaría individualizadas, empleando como modelo para cada una de ellas a una sola persona. El resultado fueron cosas como Cornucopia (“sesión para dos pechos. Aisla los pechos del cuerpo y a su vez los vincula al resto del cuerpo”), Máscara de Lápiz, tipo sadomaso, o Máscara de Gallo, para ser usada por dos personas.

Bruce Nauman

1.Esta es mi máscara de fidelidad a la verdad y a la vida. 2. Esto es para tapar la máscara del dolor y el deseo. 3. Esto es para enmascarar el refugio de necesidad de compañía humana. 17. Esta es la máscara de mi necesidad doliente aturdida por la verdad y la compasión humana. 19. El deseo es mi máscara. (Máscara perfecta de Roca, 1975). Bruce Nauman es quizá el artista que mejor ejemplifica la idea del rostro como máscara, ya que convierte su propio cuerpo en algo manipulable gracias al simple empleo de la mueca o la ridiculización de la tradición escultórica de idealización del cuerpo masculino (Autorretrato en Forma de Fuente). Más relevantes son las grabaciones que a fines de los años 60 realizó de sí mismo en su estudio (“si yo era un artista y estaba en el estudio, entonces todo lo que estuviera haciendo en el estudio debería ser arte”); una de ellas en las que aparecía inclinándose, poniéndose en cuclillas, sentándose y tumbándose durante 45 segundos en cuatro orientaciones diferentes, fue la inspiración para la presentación de una de las colecciones de 1998 de la firma Devota y Lomba, que hizo que sus modelos posaran en las cuatro orientaciones bajo los focos que iluminaban la pasarela.

Jürgen Klauke

Este artista alemán, bien podría pasar por ser la versión trasnochada del alter ego de Marcel Duchamp, Rrose Célavy, pero lejos de serlo es de esa clase de artistas cuya estética se acerca más al ideal glamrockero de cuero, tacones y transparencias. Con la ayuda del humor y la sátira, transforma imágenes de actualidad en la metamorfosis de sí mismo con la señorita que tiene al lado, o, gracias al empleo del disfraz, crea una personalidad andrógina en la que el hombre termina por convertirse en una mujer que muestra orgullosa su vulva. Para este hombre, tanto el disfraz como el desnudo sirven para el mismo propósito, y no es difícil que algunas de sus fotografías retrotraigan a nuestras cabezas imágenes del Cremaster, las muchachas con pelucas de colores de Vanessa Beecroft o los autorretratos y las videoinstalaciones de nuestra artista más petarda, Ana Laura Aláez.

Para Miguel Cereceda, la fascinación de Baudelaire por la muerte, los cadáveres y la carroña, podría estar directamente relacionada, e incluso podría proceder de la absoluta convicción de este del carácter efímero de la belleza y que, a su vez, el Pintor de la Vida Moderna es la reivindicación de la parte efímera y frívola de la belleza, lo cual casi viene a decirnos que lejos de considerar las modas como encantadoras por acercarse hacia lo bello, el ideal que excita el espíritu humano no satisfecho, aquel se sigue la moda no es más que un ser frívolo quizá descontento por lo que la naturaleza ha hecho de él. Se cuenta que cuando Madame Dubary no quería recibir a Luis XV, que sólo gozaba con la simple naturaleza, se ponía el pintalabios, y por nuestra parte es difícil saber hasta qué punto los maquillajes perfectos de David Bowie o los chicos de T-Rex nos han marcado aún inconscientemente cada vez que nos pintamos la raya del ojo antes de salir de casa, pero como no lo sabemos, lo único que podemos decir es que nos quedamos con el casi manifiesto artístico-estético-superficial de Nancys Rubias: Mírate, ¿no lo ves? Así no procedes nada, o te maquillas o te operas ya la cara. Maquíllate para salir, maquíllate para dormir, para bajar, para subir, maquíllate. Maquíllate para comer, maquíllate para beber, para ganar para perder, maquíllate. Maquíllate para vivir, maquíllate para morir, para llorar, para reír...”

Cosas que nunca se dicen

2010-04-01T16:21:00.005+02:00

Semana Santa en Madrid. Además de no perderse ni una sola de las procesiones, la mejor opción de ocio es visitar cualquiera de los museos de la capital que, salvo Viernes Santo en el Prado, apenas cierran los días festivos; pero una afluencia masiva a los museos durante estos días, también implica que los trabajadores de los mismos no descansen "los días santos". Lo que nunca se dice (y muchos sufren) es que para los trabajadores de las subcontratas de la sección de audioguías, seguridad y guardarropa, nunca hay días de fiesta.

En Madrid, el sueldo medio por hora que ofrecen las subcontratas que funcionan en la mayoría de los museos de la capital ronda los seis euros, algo aceptable si no se tiene en cuenta que dos de los requisitos fundamentales que estas empresas exigen es ser licenciado o estudiante de Historia del Arte, con abundantes conocimientos en la materia y al menos un idioma además del castellano; conforme los conocimientos del aspirante aumentan, sus posibilidades de entrar a formar parte del equipo de trabajo ascienden, pero los seis euros la hora son inamovibles, la mayoría no ofrece plus de idioma o gratificación por licenciatura.

Ahora bien, si de quien estamos hablando es de un vigilante de sala del Museo Thyssen, estos seis euros a la hora se reducen a cuatro y de esa insignificante cantidad se les descuenta, además, el tiempo que inviertan en alimentarse, estrictamente necesario cuando los fines de semana se dobla turno (muy habitual en los museos, así se consigue tener, al menos, un fin de semana libre de cada dos). A los guardias de Museo del Thyssen los mueve una contrata, los requisitos son los mismos que para las demás salvo que además el aspirante debe estar al tanto de las colecciones del Museo y de las exposiciones pasadas; exactamente lo mismo que para el personal de guardarropa, tienda, taquillas y accesos, con la diferencia de que estos trabajan directamente para el museo, gracias a lo cual su sueldo vuelve a ascender a seis euros la hora y por cada uno de los idiomas con los que puedan dirigirse al visitante, se incrementa en 30 euros más.

Por trabajar una media de 30 horas semanales cabría pensar que no es bagatela embolsarse entre 400 y 600 euros mensuales, al menos en los días que corren en los que uno tiene que dar las gracias por tener trabajo, pero la cosa se complica cuando enfrentamos el sueldo de un vigilante de sala que trabaja para una subcontrata con los que trabajan directamente para el Museo del Prado o el Reina Sofía: en el primer caso, el sueldo mensual ronda los 1200 euros, en el segundo, 1000. El requisito indispensable para alcanzar el puesto de auxiliar de servicios en ambos museos es el graduado escolar.

Y aún hay más: en el Museo Reina Sofía, cada festivo laborable para el trabajador tiene una gratificación extraordinaria, 60 euros y dos días libres; cada domingo que se trabaja se recompensa con un día libre en la siguiente semana de domingo laborable (en el Reina Sofía se trabajan domingos alternos, en el Prado se dobla uno de cada tres y así se consigue que cada trabajador tenga dos domingos libres seguidos). En los cuadrantes mensuales se presta especial atención a los festivos que cada trabajador ha tenido que acudir al Museo con el fin de que, al concluir el año, todos hayan podido trabajar o descansar los días de fiesta y además en Semana Santa, Navidad y los meses de verano el personal fijo se amplía y refuerza con contrataciones temporales cuyas gratificaciones por servicio son más que suculentas.

Cuando el servicio en festivos se presta para una subcontrata, no hay gratificaciones extraordinarias, ni dinero ni días libres, además en muchas de ellas los cuadrantes ni siquiera se personalizan mensualmente, lo cual implica que una misma persona se vea obligada a trabajar todos los festivos que hagan falta hasta que las rotaciones semanales permitan que pueda tener alguno libre.

El Museo del Prado posee una bolsa propia que cada año permite que, previo paso de un examen , una entrevista personal y la evaluación de méritos, decenas de personas entren a formar parte del equipo de vigilantes de sala del Museo, pero es difícil acceder a ella ya que el tiempo trabajado en una subcontrata no computa a efectos de méritos.

Amén de todo esto, muchas de estas subcontratas ni siquiera se dignan a hacer contratos a sus trabajadores, los que redactan frecuentemente están mal y los finiquitos en la mayoría de los casos, brillan por su ausencia. Trabajar en días festivos es estresante, las colas provocan que los visitantes siempre están de mal humor, las quejas y reclamaciones aumentan parejas a las malas formas y los malos modales que los trabajadores se ven obligados a soportar, y todo ello por el módico precio de 500 euros al mes. El personal no se queja de las condiciones en las que trabajan porque se exponen a ser despedidos y los que se van porque no aguantan más son sustituidos al día siguiente, la demanda es grande, no se echa de menos a nadie. La próxima vez que tengan que hacer cola para ver a Monet en Jueves Santo, páguenla con Carmen Thyssen, no con la azafata de información, háganme ese favor.

El dibujo como eje de la obra

2010-03-28T19:30:00.008+02:00

La galería Marlborough de Madrid exhibe una nueva exposición de Alberto Corazón titulada "Papeles del Bosque" que podrá visitarse hasta el día 30 de abril. Se trata de una obra reciente del artista quien ha querido plasmar en sus dibujos no lo que vemos sino lo que recordamos.

Para esta muestra se ha servido de un único soporte, el papel, y de una técnica concreta, la del dibujo. Las obras han sido elaboradas con carboncillo, grafito y acrílico sobre papel. Algunas de ellas llevan impregnadas, además, diferentes mensajes tales como "las cosas pueden ser amadas" o " el maestro desconfía de las palabras".

En "Papeles del bosque" Corazón ha examinado el hecho de dibujar, es más a lo largo de su carrera se puede ver la importancia que confiere al dibujo. "Es el modo que tengo para apropiarme de las cosas. Dibujo de forma rápida, como una sacudida automática entre la mano y la cabeza. Un gesto ansioso", indica el artista.

Alberto Corazón (1942) ha desarrollado distintas facetas : es pintor, escultor y diseñador gráfico. Tal vez la más conocida de ellas es está última puesto que algunos de sus diseños son logotipos que están presentes en nuestras vidas. Entre los premios más relevantes ha sido galardonado con el Premio Nacional de Diseño, el Gold Medal Award del Arts Directors Club (New York) o la medalla de oro del Design Council International. También es miembro de la Real Academia de las Artes de San Fernando. Su obra ha sido expuesta en distintos países como España, Alemania, Italia, Estados Unidos y Gran Bretaña, entre otros.

Aquí hudizo

2010-03-21T22:02:00.008+01:00

La sala Alcalá 31 ofrece la exposición Aquí huidizo del escultor contemporáneo Isidro Blasco hasta el próximo 16 de mayo. Es una retrospectiva del artista aunque también hay obras elaboradas de forma específica para esta muestra. En total se presentan 46 esculturas desarrolladas entre 1999 y 2010.

La concepción arquitectónica de la escultura es algo que se mantiene presente a lo largo de todas las piezas. Isidro Blasco ha querido mostrarnos la importancia del espacio y la visión que tenemos acerca del mundo dónde vivimos y que nos rodea. En su trabajo une la escultura, la fotografia y la arquitectura. En sus obras se ve la influencia del cubismo y de su padre, Arcadio Blasco, quien también es artista.

Al comienzo de la exposición vemos su obra When I Woke Up realizada con materiales austeros, es la única de las piezas de esta recopilación que no tiene fotografías. Lo interesante es que ha sido rehecha pero no con la finalidad de conseguir la obra original, Blasco ha captado el espíritu con el que fue concebida pero parte del punto de vista actual que tiene de las cosas.

La exposición queda dividida en dos partes: una denominada Dentro y otra Fuera. En la primera hacemos un recorrido a través de los espacios interiores que nos llevan a conocer cómo es la casa del propio Blasco e incluso el apartamento de algunos de sus amigos. Descubrimos desde su habitación hasta las zonas comunes del edificio donde reside como la lavandería. Todas están confeccionadas con materiales como la madera y la fotografía.

En la zona catalogada como Fuera hay obras que muestran el espacio exterior, las calles, por ejemplo el recorrido que hace el artista para ir a su estudio. Reflejan cómo es New York , el sitio donde reside Blasco, y cómo lo percibe el propio autor haciendo referencia en algunas de las obras a la sensación de inseguridad. En otras además incluye el paso del tiempo. También la muestra acoge algunos trabajos sobre Shanghai, ciudad a la que viajó el artista, y que representa con gran dinamismo.

Además, Blasco ha incorporado en la exposición vídeos, algunos de ellos realizados para la ocasión. Entre ellos está When The Time Comes, donde hace una reflexión acerca de la muerte, de cuando llega la hora, de ahí el título. También se exponen las maquetas que hace antes de llevar a cabo una obra, de esta forma se comprende mejor el proceso de trabajo que desarrolla.

La muestra está organizada por la Comunidad de Madrid y la Diputación Provincial de Huesca. A partir de diciembre de 2010 la exposición se podrá visitar en Huesca.

La Primavera en los Jardines de la Granja

2010-03-21T21:17:00.003+01:00

El arte y la escultura de los jardines responden casi exclusivamente a la influencia francesa.

La traza y dirección de las primeras obras fue hecha por Rene Carlier. En 1722 el primer arquitecto muere y le sustituye un tal Solís que debía ser español y estaba acompañado de Etienne I Boutelou antepasado de jardineros de los reyes de España.

Desde un principio se le da al jardín un interés prioritario en el proceso constructivo y no se escatima en medios económicos y humanos para darle el mayor esplendor posible.

Los jardines contribuyeron a dar dignidad al sitio y a los reyes , propiciando una vinculación con la imagen de Versalles y de Luís XIV

Por las sucesivas reformas que se realizaron en los jardines, este espacio no tiene un orden lógico pero podemos hacer una división de tres zonas:

1. Una primera zona ante la fachada oriental del palacio donde se sitúa la cascada nueva y el jardín principal inspirado no tanto en Versalles, si no en la cascada del palacio de Marly, lugar de descanso de Luís XIV en Francia.

2. A la derecha de la cascada se encuentra el parque, una plantación selvática que se extiende en forma de estrella a partir de una plaza llamada de las ocho calles, que van a desembocar a las fuentes de:

Las tazas, los dragones, del canastillo y de Latona.

3. En la zona meridional en la amplia calle de Valsaín se ubica la fuente de la Fama.

Más tarde se incorporaría el parque de caza que se decoró con bellas fuentes, entre ellas la más monumental, La fuente de los baños de Diana.

Con respecto a la escultura, Felipe V había decidido que el vaciado se hiciera de bronce y mando llamar a un fundidor romano, Fernando Rey, pero surgió un conflicto entre este y los dos artistas que llevaban el jardín ya que propusieron el empleo de plomo comprometiéndose a darle apariencia de bronce mediante la aplicación de un producto especial.

Así una parte de las esculturas fue tallada en mármol y las restantes hechas de plomo bien bronceadas en verde o en dorado o bien blanqueadas para imitar el propio mármol.

Los abundantes juegos de agua, esculturas jardines… dotaron al lugar de una magnificencia total y una de las estaciones más idóneas para pasear por este regalo de la naturaleza y de la mano del hombre , es la primavera, ya que las flores están en pleno esplendor , los arboles , el paisaje ,el canto de las aves, dotan a este lugar de una magia y un interés increíble para el paseante. Por esto motivos, el recorrido por el enclave paisajístico donde se encuentra el Palacio de la Granja es mi especial apuesta para que nuestros lectores empiecen esta nueva estación que hoy comienza, la primavera.

Inspiradas

2010-03-18T16:46:00.005+01:00

En el marco de la 6ª edición del programa Ellas Crean, la Sala de Exposiciones Delegación Principado de Asturias en Madrid acoge del 11 al 26 de marzo la exposición de la fotógrafa checa Dana Kyndrová, Mujeres, entre la inspiración y la expiración, organizada por el Centro Checo en España.

En 1971, Linda Nochlin se preguntaba ¿por qué no ha habido grandes mujeres artistas? y 40 años más tarde, con la pregunta aún en el aire, alguien podría preguntarse por qué entorno al día 8 de marzo, en el que se celebra el día de la mujer, España se llena de actividades en femenino que se olvidan hasta el año siguiente, o por qué a estas mismas actividades se les da más espacio en las páginas de revistas "femeninas" que en las de cualquier otra publicación. Tal es el caso de la exposición de la artista Dana Kyndrová, que lejos de ser únicamente una pequeña contribución al 'arte de mujeres', es casi una reflexión antropológica sobre los diferentes aspectos de la vida de las personas, aunque, eso sí, protagonizada por mujeres.

Dividida en siete apartados entrelazados, juventud, maternidad, trabajo, relaciones sociales, convivencia, vejez y muerte, la fotógrafa se convierte en voyeur de la vida privada, a veces cotidiana y otras extraordinaria, de sus personajes; Kyndrová, al igual que Degas, es una estudiosa de los lugares más recónditos de las personas, pero a diferencia de este, lo hace como una igual, como la mujer que espía a las jóvenes que representan su pasado, como la madre que sabe lo que significa serlo o la trabajadora que sufre viendo cómo lo hacen las demás.

Estas Conversation Pieces dieciochescas transformadas en reflejo de una sociedad de personajes anónimos que podrían llevar el nombre y apellidos de cualquiera, son un repaso por la década de 1970, 80 y 90 en diferentes aspectos, desde el punto de vista anecdótico de la vida que pasa, para dar un giro en la última etapa, ya que con la muerte nada ocurre, sino que todo concluye.

El éxito de la exposición radica en la delicadeza sutil con la que la fotógrafa retrata la vida de los personajes y la manera de unir los diferentes momentos de la misma: la juventud no es sólo la de las madres, sino también la de las hijas, la rebeldía adolescente que da paso a una maternidad de sacrificios y alegrías. Uno de los puntos claves del relato es que la artista sale de su Praga natal para narrar los mismos sucesos desde lugares diferentes: el Norte de Inglaterra, Ucrania, Suiza, Zurich o París, gracias a lo cual el visitante juega un doble papel, espectador de las escenas que le son lejanas y partícipe en aquellas que le resultan familiares.

Si durante las fotografías de la niñez hay una tendencia a explorar tópicos (conciertos, manifestaciones, clases de baile), conforme llegamos a la edad adulta, estos van desapareciendo en pos de una cierta individualización de las mujeres representadas; el mundo del deporte, las reuniones de amigos o las manifestaciones religiosas dotan a cada personaje de una característica que les haga únicos.

Podría decirse, además que la artista hace una reflexión acerca del papel de la mujer en la historia del Arte, más como objeto que como creadora, con fotografías en las que la modelo es observada o pintada o es el plato fuerte de un espectáculo erótico. ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas? Porque la sociedad les ha negado la posibilidad de serlo convirtiéndolas en mero objeto de la representación artística, nunca sujeto. Dana Kyndrová recoge el testigo de sus predecesoras y demuestra que la mujer no es sólo este objeto sino que es capaz tanto de crear como de representar su propio universo en el que la creación artística le pertenece.

Las galerías Olivia Arauna, Joan Gaspar y Fernando Pradillo, el espacio de arte Tres en Suma y diferentes intervenciones artísticas en escaparates podrán seguir visitándose hasta el 11 de abril, fecha en la que Ellas Crean abandonará las calles hasta el año próximo.

La galería múltiple está de aniversario

2010-03-14T23:45:00.015+01:00

La galería múltiple acoge la exposición "1825" días hasta el próximo 15 de mayo. El título se debe a la celebración de su quinto aniversario para el que han seleccionado una serie de obras que son el reflejo de lo que ha ido ofreciendo este espacio durante estos cinco años de vida. Podemos hallar una muestra de exposiciones anteriores de autores como Chillida, Riera i Aragó o Jacinto Moros, entre otros.

La galería múltiple ha apostado siempre por la obra seriada en distintos formatos (papel, fotografía y escultura), tal y como afirman ellos mismos, de ahí que en esta exposición colectiva hayan escogido piezas representativas de esta idea. Además, han querido plasmar en esta selección otro de los objetivos por los que nació la galería, mostrar el trabajo de artistas de la segunda mitad del siglo XX.

Manteniendo el primero de sus principios enseñan diferentes formas de trabajar el papel como el agua fuerte, aunque ésta no es la única técnica utilizada (xilografía, serigrafía), la exposición cuenta con una gran variedad de propuestas.

Así a la entrada encontramos una obra de Eduardo Chillida, un sitio privilegiado para el artista con el que se realizó la primera de las exposiciones en 2005 "Chillida: obra gráfica", aunque no fue la única "Palazuelo/Chillida" (2008). Chillida es uno de los escultores españoles más reconocidos, uno de los importantes del siglo XX, que ha obtenido premios tan distinguidos como el Príncipe de Asturias de las Artes o el Premio Kandinsky. Entre sus trabajos cabe resaltar el Peine del Viento, en San Sebastián.

Continuando con la muestra, en el pasillo vemos litografías iluminadas a mano. Lo más curioso es que la técnica litográfica, que data del siglo XVIII, en la actualidad está prácticamente en desuso. Pero lo más destacado se halla en otra de las salas, donde concluye la selección de piezas, y es la obra de Jacinto Moros titulada Emerging. En ella el escultor aragonés ha definido con gran maestría el relieve y ha logrado perfiles muy limpios, todo ello sobre un papel blanco y gracias a la técnica del gofrado. Esta creación forma parte de la exposición Jacinto Moros: Movements. Entre otros artistas también podemos ver a Carlos Barrantes o Nicola De Maria.

A un paso de Madrid: la desconocida Guadalajara rural.

2010-03-14T22:45:00.000+01:00

La ruta del románico rural de Guadalajara recorre la comarca de la Serranía, al norte de la provincia. Nos adentraremos en pequeños pueblos que, poco a poco han ido quedándose vacíos, pero que todavía guardan un legado arquitectónico de gran valor.

Se trata de obras de arte sencillas, sin destalles ostentosos, de un encanto caracterizado por su pequeño tamaño, con la única excepción de Sigüenza y Atienza, que cuentan con grandes monumentos entre sus calles.

Nuestro punto de partida será Campisábalos. Son visitas indispensables la iglesia de San Bartolomé (s. XII) , de la que destaca su galería porticada pero, sin duda, el detalle más llamativo del románico de esta localidad lo encontramos en la pequeña capilla de San Galindo (s.SV), que nos muestra, a lo largo del muro exterior, un friso que representa los meses del año según las faenas agrícolas.

Iglesia de San Bartolomé

Ha de saber el viajero, que todo tesoro tiene un guardián, por lo que será imprescindible preguntar por Severino Simeone, que es quien nos abrirá las puertas de los monumentos para poder visitar su interior.

Pinche aquí para saber cómo llegar

Continuamos por la carretera CM-110 hasta Albendiego. Allí nos encontraremos la iglesia de Santa Coloma, construida a finales del siglo XII en arenisca bermeja. De gran belleza son sus vanos, rellenos con celosías y abrazados por tres arquivoltas.

Detalle de los vanos de la iglesia de Santa Coloma

Atienza, a 18 km. de Albendiego, es otra parada obligatoria. Se trata de una villa monumental, en la que aún perduran cinco templos románicos: San Gil, San Bartolomé, Santísima Trinidad, Santa María del Rey y Santa María del Val. Otra de las joyas arquitectónicas de la población es el castillo, desde donde se puede observar una bonita panorámica de la serranía guadalajareña.

Iglesia de San Bartolomé

Hay quien afirma que la iglesia de Santa María del Rey fue construida sobre una antigua mezquita tras la reconquista de la población, así, en uno de los arcos puede leerse la siguiente inscripción: "Alá es grande". Otra muestra de la influencia árabe en el arte de Atienza son las figuras que sujetan las arquivoltas de la ermita de Santa María del Val, que han sido identificadas como musulmanes.

La iglesia de San Gil conserva del arte románico la cabecera, pues fue reconstruída en el siglo XVI, caso muy similar es el de la Santísima Trinidad.

Pinche aquí para saber cómo llegar desde Albendiego hasta Atienza.

Antes de acercarnos a otra de las localidades monumentales de Guadalajara, sería muy recomendable realizar una parada en la villas de Carabias y Palazuelos.

La iglesia de San Salvador, en Carabias, fue construida en el siglo XIII. Si bien a primera vista parece tratarse de una iglesia románica con el clásico pórtico de arcos de medio punto, al observar más detenidamente, podemos sorprendernos con los capiteles de las columnas laterales, que recogen las figuras de una sirena de doble cola y una cabeza humana.

No menos sorprendente es la muralla fortificada de Palazuelos, que llama la atención por el buen estado en el que se encuentra. Los muros abrazan a toda la localidad, a la que sólo se puede acceder por dos de sus portones.

Muralla de Palazuelos

Pinche aquí para llegar de Atienza a Carabias.

Por último, nos detendremos en Sigüenza. La catedral de Santa María reclamará nuestra atención según vayamos aproximándonos y, una vez en la villa, resultará difícil escapar a su encanto. Dentro de ella, merece la pena visitar el sepulcro del Doncel, todo un símbolo para los seguntinos, que honra a un caballero de la orden de Santiago: Martín Vázquez de Arce.

El Doncel

Varios estilos artísticos confluyen en la catedral, pero quizá el detalle más propio del románico lo encontramos en la portada principal, donde el rosetón de doce radios preside de forma majestuosa la entrada.

Otro monumento románico destacable es la iglesia de San Vicente, construida en el siglo XII en honor al patrón de la localidad, que, a pesar de poseer una única nave, muestra una portada con arquivoltas muy rica por su decoración. Similar es el caso de la iglesia de Santiago, cuya decoración es aún más elaborada pues las hojas de acanto talladas en sus capiteles están perfectamente definidas.

Pinche aquí para llegar desde Palazuelos a Sigüenza.

Hemos de decir que los monumentos de los que hablamos en esta entrada son tan solo una muestra de los tesoros arquitectónicos de la provincia de Guadalajara, no obstante, podrían incluirse algunas otras localidades como Villacadima, Cantalojas o Galve de Sorbe, que compiten en belleza y singularidad con las aquí citadas.

Relaciones de proximidad

2010-03-13T21:24:00.004+01:00

El Museo Colecciones ICO presenta la exposición Iluminación de contraste. Obras escogidas de las colecciones ICO, una nueva revisión de las colecciones de la fundación ICO, a cargo esta vez de Óscar Alonso Molina, como ya lo hicieran en su momento Chus Martínez (El efecto Bola de Nieve, 2004) y William Jeffet (Silent Rain, 2006). La exposición podrá visitarse hasta el 23 de mayo.

A través de las 72 obras de más de 22 artistas españoles que componen la exposición, Óscar Alonso Molina pretende dar al espectador una serie de iluminaciones y contrastes sobre las diferentes obras de la muestra, dado que el hecho de situar unas piezas al lado de otras de una manera determinada, condiciona la visión que el público tiene de las mismas, una visión que se vería alterada si los cuadros y esculturas se hubieran colocado de manera diferente. La obra de Arte no signica en sí misma, sino que su significado está supeditado al espacio y los objetos que la rodean, bien sean otras obras de Arte o el propio espacio del museo o la galería.

En 2004, Chus Martínez , aludía al "juego de relaciones y conexiones causa-efecto que puede establecer un ojo ajeno al acercarse a un conjunto de obras de tan diferente naturaleza unidas por un denominador común: pertenecer a una colección", y William Jeffet en 2006 seleccionó fondos que le permitieran demostrar que a partir de los años 80 "las posiciones conceptuales y poéticas definieron la actitud artística a la hora de crear imágenes u objetos". Más en la línea de la primera, la actual muestra de ICO hace al espectador formar parte de lo que está viendo, porque, sin un ojo que lo contemple, las obras carecen de significado, uno diferente para cada persona, el que cada uno quiera darle a lo que de manera deliberada, se muestra ante sus ojos.

Acompañadas de las propias declaraciones de artistas e historiadores, las relaciones de proximidad/lejanía entre las obras son evidentes: pinturas y esculturas que se atraen y se repelen, tanto por la continuidad con la que se las presenta como por la diferencia de materiales y significados entre ellas: los cuadros de Carlos Alcolea dan paso a la "funcionalidad y el pragmatismo" de las esculturas de Miquel Navarro; el Antropófago de Luis Gordillo no puede alimentase de las piezas atemporales de Adolfo Schlösser.

Esta misma dualidad se va desgranando a medida que el espectador avanza por la exposición, en contrastes de pintura figurativa con la no figurativa, Tulip 10 de Jose María Sicilia junto a Toda la ciudad habla de ello de Eduardo Arroyo; espacios que sugieren una presencia pero están inhabitados en Infinity Task de Eva Lootz, los juegos de presencias y ausencias de Juan Muñoz o las "cosas que son y no son" y los "espacios imaginarios" de Juan Navarro Baldeweg; bodegones macabros de Miquel Barceló dan paso a las reflexiones feministas de Eva Lootz y los mensajes de Rogelio López Cuenca, para concluir la muestra con la involución lógica de la Historia del Arte, los cuadros mitológicos y religiosos de Carlos Franco a los que la cortina idealista de Jaume Plensa materializa con su tintineo.

El Museo de colecciones ICO abrió sus puertas en marzo de 1996 con el objetivo de difundir la colección de pintura española contemporánea del Instituto de Crédito Oficial; en 1999 incrementa su actividad iniciando un programa de exposiciones temporales y actividades didácticas y divulgativas, conferencias y talleres infantiles. Sus fondos se dividen en tres colecciones, la colección de pintura española contemporánea, la colección de Escultura Española Moderna con Dibujo y una de las pocas series completas de la Suite Vollard de Picasso. Además trabaja en la realización de exposiciones temporales que parten de tres líneas, la primera dedicada a exposiciones de arquitectura y diseño, la segunda a la colaboración anual que el museo mantiene con el festival de fotografía PHotoEspaña y la tercera a la difusión de la obra poco conocida de artistas presentes en las colecciones ICO.

La Verdadera Identidad de la Maja Desnuda

2010-03-10T18:53:00.003+01:00

La relación del pintor y la decimotercera Duquesa de Alba ha sido objeto de numerosas leyendas, que tienen su origen en los dos retratos que Goya realiza a la Grande de España. Cuadros en los que Cayetana, luce dos anillos yuxtapuestos con los nombres de “Alba” y “Goya”, mientras señala al suelo donde se lee: Solo Goya. Manuela Mena, subdirectora del Museo del Prado e investigadora del pintor, lo interpreta como: Solo Goya, me pinta. Alejándose de cualquier tipo de leyenda romántica.

En el verano de 1795, la viuda duquesa invita al pintor a pasar una temporada en su residencia de Cádiz, donde Goya realizará el llamado Álbum de Sanlúcar, en el que aparece la duquesa en escenas muy íntimas, como los dibujos que la representan saliendo del baño semidesnuda. Según Gudrun Muhle-Maurer gran especialista en arte, afirma que dos de estos dibujos, son los preparatorios para el retrato de la Maja desnuda, obra fechada en 1800, por lo que tendríamos que adelantar la fecha del cuadro a 1795. Esta fecha coincidiría con el año en el que Godoy, quien encargó el cuadro, empezaba a formar su colección de pinturas. Esta nueva datación, abriría la posibilidad de que la leyenda sobre la maja desnuda fuese una realidad.

Este novedosa teoría coincide, con la investigación del especialista en arte Robert Hughes, quien en su libro “Goya” dice que la mujer del cuadro no es la Duquesa, ya que en 1800 (dos años antes de su muerte) la duquesa estaría muy enferma de tuberculosis y del dengue, por lo que es imposible que posara desnuda con un aspecto tan saludable, y solo, si se comprueba que el cuadro es anterior a 1800 estaríamos ante la posibilidad de que fuese Cayetana la retratada.

Las investigaciones que ha hecho sobre Goya Manuela Mena, detractora de las leyendas que envuelven a estos dos personajes, la ha llevado a realizar una nueva datación de la primera serie de estampas de Goya, los "Caprichos", que pudo haber comenzado en 1795 y no en1798, como se creía hasta ahora. La base documental, la encuentra en el cuaderno de pinturas de Sanlúcar, donde ve dibujos de la Duquesa de Alba que pueden ser el preludio de caprichos, como el famoso Volaverunt. Esta afirmación, da veracidad no solo a la nueva datación de los caprichos, sino a la nueva fecha de la Maja desnuda, aumentado la posibilidad de que Cayetana posase para Goya.

Con motivo de los datos de la investigación que puede dar un giro radical a la historia de uno de los cuadros más polémicos de Goya ,la maja desnuda, les invitamos a dar un paseo por uno de los palacios más interesantes y artísticamente ricos que posee la Comunidad de Madrid, El Palacio de Liria, ubicado en pleno barrio de Argüelles pasa desapercibido ante la mirada de turistas y madrileños que pasean por una de las calles más concurridas de Madrid sin detenerse a contemplar este edificio histórico que alberga una maravilla pictórica entre sus muros.. El Palacio es residencia de la Duquesa de Alba pero al ser considerado Patrimonio de la Humanidad esta bella arquitectura llena de riqueza pictórica abre sus puertas al público una vez al mes.