Arte em Ação

ARTE NA PRÉ-HISTÓRIA

2020-04-16T20:24:00.002-07:00

ARTE NA PRÉ-HISTÓRIA

A Arte na Pré-História expressa a forma de vida do homem primitivo, que a usavam para registrar e comunicar sua história. Desde os desenhos feitos em cavernas até os objetos usados para a caça, a arte desse período revela como os primórdios viviam e se comunicavam. Antes mesmo do surgimento da escrita, os homens já desenhavam figuras de animais e de pessoas em cenas de rituais religiosos. Além das figuras, eles produziam esculturas feitas em ossos e pedras.

Os vestígios desse período foram descobertos através de estudos periódicos realizados ao longo dos anos com a intervenção de pesquisadores e especialistas como biólogos, arqueólogos, historiadores, paleontólogos e etc.

A pré-história é um período que vai desde do aparecimento do homem até o desenvolvimento da escrita. Durante essa fase da história não existia nenhum tipo de desenvolvimento urbano ou civilização pré-definida.

O que permitiu estudar esse período foram os vestígios de ferramentas, objetos e desenhos deixados nas cavernas. Dessa forma, foi possível analisar a maneira de vida desses povos, a forma como eles caçavam, se alimentavam e se comunicavam.

Sendo assim, a pré-história foi dividida em dois grandes momentos: Paleolítico (ou Idade da Pedra Lascada) e Neolítico (Idade da Pedra Polida). Também tem o período da Idade dos Metais que está entre o fim da Pré-história e início da História.

LINHA DO TEMPO

Ø Período Paleolítico ou Idade da Pedra Lascada

Essa divisão da pré-história começa com o surgimento do homem e termina com o desenvolvimento da agricultura. Os homens do período paleolítico buscavam maneiras para sobreviver por meio da caça, da pesca e da coleta de frutos. Como tinham essa rotina de sair para caçar eles foram denominados de nômades (o que não tem moradia fixa, que vive permanentemente mudando de lugar) pelos historiadores.

PINTURA RUPESTRE

A fase foi marcada por pinturas rupestres, realizadas dentro e fora das cavernas, o que caracterizou a Arte na Pré-História. Os desenhos sem formas definidas apresentavam a naturalidade nos traços. Normalmente, os desenhos eram, em sua maioria, de animais, pois os primitivos acreditavam que ao representar o animal, acontecia o aprisionamento de sua alma, tornando-o mais fraco e muito mais fácil de capturá-lo

Para pintar os pré-históricos usavam como tinta: sangue e gordura animal, carvão vegetal, terras coloridas, extratos vegetais, etc.

Em geral as imagens são formadas por figuras de grandes animais selvagens, como bisões, cavalos, cervos, entre outros. A figura humana surge menos vezes, mas também é muito comum, sugerindo atividades como a dança, a luta e, principalmente, a caça, mas normalmente em desenhos esquemáticos e não de forma naturalista, como acontece com os dos animais. Paralelamente encontram-se também palmas de mãos humanas e motivos abstratos. Os pigmentos mais usados são o carvão, argilas de várias cores e minerais triturados. Os veículos para os pigmentos são de determinação mais difícil, mas presume-se que possam ter sido usados sangue, excrementos e gordura animal, ceras e resinas vegetais, clara ou gema de ovos e saliva humana. Acredita-se que estas pinturas tenham um cunho ritualístico ou mágico, com uma simbologia relacionada principalmente à caça e à fertilidade.

ESCULTURA

Além das pinturas, os homens paleolíticos produziam esculturas humanas, principalmente figuras femininas representadas com seios e ventre bastante volumosos, supostamente indicando a fertilidade. Pois, acredita-se que a imagem feminina daquela época estava associada a rituais de sexualidade e fertilidade.

A principal escultura deste período é a Vênus de Willendorf:

OS GRANDES BUSTOS DE PEDRA DA ILHA DE PÁSCOA
Os moais são as enormes estátuas de pedra erguidas na Ilha de Páscoa e com fins religiosos, pois acreditavam que serviam como guardiões do local.
Cercada de mistérios, a ilha, localizada no meio do Oceano Pacífico (mais precisamente a 3.706 km da costa chilena), instiga a imaginação de cientistas e visitantes a desvendar o mistério das enormes estátuas de pedra.

A arte das cavernas era feita com a ajuda de utensílios e objetos rudimentares como lanças, facas, machados, anzóis, arcos e pedra. As primeiras manifestações artísticas foram encontradas por meio de escavações arqueológicas realizadas na Ásia, Europa e África no século XX.

ARQUITETURA

Entre as construções arquitetônicas, vale destacar a construção monumental de grandes blocos de pedra, conhecidas como “Estruturas Megalíticas”.

Na fase pré-histórica essas estruturas faziam referência aos cultos de mortos e rituais de iniciação espiritual.

As mais conhecidas são:

MENIR – É um monumento religioso pré-histórico feito com uma única pedra cravada verticalmente no solo, às vezes de tamanho bem elevado.

DÓLMEN – O nome deriva do Bretão dol = mesa e men = pedra. É um monumento religioso pré-histórico feito com duas ou mais pedras cravadas verticalmente no solo, e outra sobreposta na horizontal, e, em sua maioria, de tamanho bem elevado.

A principal construção desse período é o Monumento de Stonehenge, na Inglaterra.

Ø Período Neolítico ou Idade da Pedra Polida

Esse período começou com o desenvolvimento da agricultura e termina com o surgimento da escrita. Nessa época, a pedra foi o instrumento mais utilizado e valorizado pelos homens primitivos, pois a Arte na Pré-História enxergou outras formas de usar as pedras, além dos desenhos feitos nas cavernas.

Com as técnicas de polimento das pedras foi possível transmitir para o neolítico um certo abstracionismo. As pinturas registravam a vida cotidiana e suas descobertas. As figuras desenhadas sugeriam a ideia de movimento e agilidade, como se fosse a reprodução de pessoas dançando. Assim, os desenhos foram criando formas geométricas.

Além disso, com os avanços alcançados pelo sedentarismo (o homem se fixa na terra) dos homens e o desenvolvimento da agricultura, os homens passaram de caçadores para agricultores e começaram a cultivar os próprios alimentos e a domesticar animais.

A criação de animais associada ao plantio de grãos permitiu a melhoria na qualidade de vida e, consequentemente, o desenvolvimento de sociedades mais civilizadas. Dessa forma, surgiram as primeiras vilas, aldeias e cidades, o que contribuiu para a ampliação da Arte na Pré-História.

ARTE NA MESOPOTÂMIA

2020-04-16T20:01:00.001-07:00

ARTE DESCRITA: Abaporu, de Tarsila do Amaral

2017-04-04T20:27:00.001-07:00

ARTE DESCRITA: Abaporu, de Tarsila do Amaral: Abaporu, 1928 - Tarsila do Amaral Abaporu é uma pintura, óleo sobre tela, com oitenta e cinco centímetros de altura por setenta e ...

2016-11-11T18:23:00.002-08:00

LEONARDO DA VINCI

(Clique acima para baixar imagens)

Vida e obra de Leonardo da Vinci

Resumo da vida e obra de Leonardo da Vinci, a história de um dos homens mais talentosos que já existiu e seus quadros imortalizados

Da Vinci, o polímata

Leonardo di Ser Piero da Vinci, ou simplesmente Leonardo da Vinci – como ficou conhecido no mundo todo – nasceu no dia 15 de abril de 1452, provavelmente numa cidade próxima a Vinci, na Itália. Filho de Piero di Antonio, um tabelião, e da camponesa Catarina. Logo após seu nascimento, seus pais se separaram e seu genitor casou-se com outra mulher, bem mais nova que ele. Da Vinci permaneceu com sua mãe até os seus 5 anos, quando teve que ser retirado da guarda materna para ser entregue ao seu pai. Sua infância na vida rural pode explicar o seu apego à natureza e porque era aficionado por cavalos – que no futuro tornaram-se alvo de suas pesquisas.

Saiba sobre a história da vida e obra de Leonardo Da Vinci, um dos maiores artistas e inventores de todos os tempos. | Imagem: Reprodução

Leonardo da Vinci foi um dos grandes polímatas (polímata é como se denomina uma pessoa cujo conhecimento não está restrito a uma única área) da humanidade, destacando-se como cientista, matemático, engenheiro, inventor, anatomista, pintor, escultor, arquiteto, botânico, poeta e músico. Muitas vezes foi descrito como o modelo do homem durante o Renascimento, pois sua curiosidade insaciável estava equilibrada com sua capacidade de invenção. Além de se tornar um dos pintores mais conhecidos e admirados até hoje, também é considerado a pessoa dotada de mais talentos diversificados que já viveu.

Suas habilidades

· Em 1469, com 17 anos, virou aprendiz de um dos mais bem-sucedidos artistas daquela época, Andrea del Verrocchio. O ateliê de Andrea garantiu ao jovem Leonardo uma educação nas ciências humanas. E mesmo depois de ter seu próprio ateliê, sua ligação com Verrocchio permaneceu e as colaborações continuaram.

· Com o tempo, as pessoas da corte começaram a fazer encomendas diretamente a Leonardo (a partir de 1472 ou 1473).

· Suas pesquisas no campo da anatomia começaram em 1472, por meio de vários desenhos do organismo humano, feitos por ele mesmo.

· Em 1482, ele vai para Milão, onde trabalha para Ludovico Sforza. Além da pintura, ele se dedica à engenharia e às esculturas. Posteriormente, dedica-se à arquitetura, até o ano de 1488. Foi antes de voltar para Florença, que Leonardo pintou A Última Ceia, para Sforza.

· Em 1500, já em Florença, voltou a dedicar-se à pintura. E foi nesse ano que pintou o seu quadro mais famoso: o retrato de Lisa del Giocondo, cônjuge de Francesco del Giocondo, a Mona Lisa.

· Suas produções científicas nunca obtiveram destaque como as artísticas. Permaneceu em rascunhos e codificações, mas ainda assim, eram geniais.

Leonardo da Vinci morreu em Clos Lucé, em 2 de maio de 1519. Ele havia se tornado amigo do Francisco I, e existem relatos de que o rei segurava a cabeça de Leonardo entre os seus braços quando ele morreu.

Principais obras

Mona Lisa, sua obra mais conhecida, 1503 – 1507. | Imagem: Reprodução

A Última Ceia, uma pintura que gera polêmicas até hoje. 1495 – 1498. | Imagem: Reprodução

http://www.estudopratico.com.br/

Por Camila Albuquerque em 23/11/2012

CEMTI o Teatro

2014-06-22T19:21:00.001-07:00

Durante um mês, enquanto estava estudando sobre teatro, foi proposto uma maratona de arte cênica na escola, tanto na disciplina de Arte como na de Literatura. Em arte, cada série recebeu diferentes desafios: na 1.ª série o desafio foi escolher uma crônica e transformá-la em uma peça; para 2.ª, cada sala foi dividido em dois grupos, um grupo ficou com Augusto Boal, e o outro com Nelson Rodrigues, onde deveriam apresentar cenas de três peças de cada autor e falar sobre a biografia deles; na 3.ª série foi feito o mesmo trabalho da 2.ª série, só que os dramaturgos seriam Willian Shakespeare e Molière. Tivemos excelentes apresentações. Foi uma explosão de criatividade. Maravilhoso!

Tarsila do Amaral

2014-01-10T13:58:00.000-08:00

TARSILA DOAMARAL

Nascida em Capivari, SP, em 1886, a pintora Tarsila do Amaral é, indiscutivelmente, um ícone da arte brasileira nesse século. Podemos dizer que Tarsila do Amaral encontrou soluções extremamente pertinentes para o que talvez seja o maior dilema da arte brasileira contemporânea: a difícil combinação entre as novas informações e a tradição advindas da arte europeia e o caldo cultural brasileiro, principalmente no que se refere à expressão popular.

Tarsila do Amaral teve uma formação acadêmica muito sólida, em São Paulo e em Paris, o que não resultou para a artista em amarras estéticas ou imposições formais. Muito pelo contrário, a formação acadêmica só reforçou a singularidade da cultura popular brasileira para Tarsila.

É essa cultura que seria reinterpretada e redescoberta à luz do modernismo brasileiro. Tarsila do Amaral é peça chave do movimento modernista, integrando o “grupo dos cinco”, formado por intelectuais e artistas fundadores do movimento, como Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti del Pichia. Nessa época começa o namoro com Oswald de Andrade, com quem se casaria em 1926.

Tarsila do Amaral foi uma artista muito consciente da sua importância no movimento modernista e da inserção da sua obra no panorama brasileiro das artes plásticas. Tarsila integrava a vanguarda intelectual e artística da época, cultivando uma forte amizade com o intelectual franco-suíço Blaise Cendrars.

Em 1928, pintou o Abaporu, tela batizada por Oswald e pelo poeta Raul Bopp, e que inspiraria o movimento o movimento antropofágico, importante movimento cultural da década de 1930, vinculado ao modernismo e encabeçado por Oswald de Andrade. Em 1950, Sergio Milliet organizou retrospectiva da artista no Museu de Arte Moderna de São Paulo. Tarsila participou também da I Bienal, em 1951. Em 1964, participou da Bienal de Veneza e em 1969 o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro inaugurou uma grande exposição de sua obra: 50 Anos de Pintura. Esse quadro de Tarsila bateu o recorde de preço de uma obra brasileira, estando situado hoje na Argentina.

É considerada uma das mais importantes artistas brasileiras que, embora tenha tido uma curta carreira, criou obras de expressão inigualável para a arte moderna no Brasil.

CRONOLOGIA

1886 – Nasce em Capivari, São Paulo.

1917 – Estuda com Pedro Alexandrino e Elpons, em São Paulo.

1920 – Estuda na Academia Julian, em Paris.

1922 - Liga-se ao grupo modernista em São Paulo, integrando o “grupo dos cinco”, formado por intelectuais e artistas fundadores do movimento, como Anita Malfatti, Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti del Pichia.

1923 – Viagem à Europa com Oswald de Andrade. Estuda com André Lhote e Albert Gleizes.

1924 – Início da fase Pau-Brasil.

1976 – Retrospectiva na Bienal de São Paulo.

1977 – Retrospectiva no MAM – RJ.

1983 – Retrospectiva Centro Cultural São Paulo.

1984 – Retrospectiva MAM-SP.

1984 – Exposição “Tradição e Ruptura, Síntese de Arte e Cultura Brasileira”, Fundação Bienal de SP.

Características de suas obras
- Uso de cores vivas
- Influência do cubismo (uso de formas geométricas)
- Abordagem de temas sociais, cotidianos e paisagens do Brasil
- Estética fora do padrão (influência do surrealismo na fase antropofágica)

Principais obras de Tarsila do Amaral

- Autorretrato (1924)
- Retrato de Oswald de Andrade (1923)
- Estudo (Nu) (1923)
- Natureza-morta com relógios (1923)
- O Modelo (1923)
- Caipirinha (1923)
- Rio de Janeiro (1923)
- A Feira I (1924)
- São Paulo – Gazo (1924)
- Carnaval em Madureira (1924)
- Antropofagia (1929)
- A Cuca (1924)
- Pátio com Coração de Jesus (1921)
- Chapéu Azul (1922)
- Auto-retrato (1924)

- O Pescador (1925)

- Romance (1925)
- Palmeiras (1925)
- Manteau Rouge (1923)
- A Negra (1923)
- São Paulo (1924)
- Morro da Favela (1924)
- A Família (1925)
- Vendedor de Frutas (1925)
- Paisagem com Touro (1925)
- Religião Brasileira (1927)
- O Lago (1928)
- Coração de Jesus (1926)
- O Ovo ou Urutu (1928)
- A Lua (1928)
- Abaporu (1928)
- Cartão Postal (1928)
- Operários (1933)

FONTES
http://www.suapesquisa.com/biografias/tarsila_amaral.htm

http://www.pinturabrasileira.com

Link das Obras: Álbum Tarsila do Amaral

Arte e Meio Abiente

2013-11-18T18:32:00.000-08:00

"Somente através da Arte nós conseguimos sair de nós mesmos e conhecer a visão do outro sobre o universo." (Marcel Proust)

DESCRIÇÃO

O Projeto Arte e Meio Ambiente – Criando e Reciclando Com Arte nasceu da necessidade de fomentar a capacidade criadora do estudante, levando-os a expressar suas ideias e sentimentos. Durante o processo criador foi promovidas diversas oficinas monitoradas por alunos nas diversas atividades artísticas.

Este projeto foi desenvolvido no Centro de Ensino Médio de Tempo Integral Polivalente Lima Rebelo, com alunos do Ensino Médio, pela professora de Arte Denise Nunes Leite Compasso, tendo o apoio total do corpo docente, discente e administrativo, envolvendo as áreas de Arte, Biologia, História, Geografia, Matemática, Língua Portuguesa e Inglesa, Química, História, Sociologia e Informática, perpassando por vários temas transversais, tais como: Pluralidade Cultural, Saúde, Ética e Cidadania, e Meio Ambiente.

Com isto, o projeto levou os alunos a conhecer as diversas linguagens artísticas e compreender melhor e respeitar o ambiente em que estão inseridos, tornando-os mais cônscios de seu papel no mundo que os rodeia.

OBJETIVOS

A realização deste projeto atingiu os objetivos propostos.

Sendo eles:

GERAL: Provocar no aluno compreensão do meio que o rodeia, seja ele natural ou criado pelo homem. Permitir a valorização do património artístico e cultural, a importância da preservação e valorização do meio dos impactos ambientais, buscando a interação e a convivência harmônica com a natureza.

ESPECÍFICOS:

Proporcionar a interação e construção do conhecimento através do ensino da arte ambiental, com base no exercício da cidadania e na vivência dos valores artístico e ecológicos;

Despertar a consciência ecológica dos alunos na preservação do meio ambiente;

Analisar os elementos degradadores do meio, bem como suas possíveis consequências e reais soluções;

Educar, através de práticas pedagógicas inovadoras, usando as diversas formas de arte ambiental;

JUSTIFICATIVA

De acordo com os Parâmetros Curriculares Nacionais (PCNs), a disciplina de Arte norteia todo processo pedagógico educacional, perpassando por todas as matérias, interagindo e dando suporte na educação e na formação social do professor-educador e estudante.

Sabe-se também que as questões ambientais são, no momento, o assunto de maior amplitude global, tanto na abordagem dos impactos causados pela agressão sofrida pelo meio ambiente, quanto por suas consequências, e que a origem dos problemas ambientais, normalmente, é atribuída ao crescimento econômico baseado na exploração dos recursos naturais, o qual provoca seu esgotamento ou contaminação.

Pensando nisto, o Projeto Arte e Meio Ambiente do Centro de Ensino Médio de Tempo Integral Lima Rebelo tem como abordagem a preservação e valorização ambiental oferecendo aos educandos um caminho para a criação, tomando como base o fazer artístico de forma sustentável, bem como, comemorar com essa parceria o Dia da Arte, e assim, através de diversas formas de arte oferecer oficinas de reciclagem e reaproveitamento de materiais reutilizáveis, buscando minimizar os efeitos degradantes do meio ambiente,

Assim, o projeto tem como campo de experimentação várias linguagens artísticas, tais como: o grafite, a customização de roupas, reciclagem de papel, etc. estimulando o uso da percepção e da criatividade de cada indivíduo, inserindo competências e habilidades artísticas de forma prática e dinâmica, em trabalhos individuais e em criações coletivas, além de despertar o interesse pela preservação do meio ambiente.

CONTEÚDOS CURRICULARES

Para iniciar o projeto, os alunos tiveram aulas teóricas sobre meio ambiente e como a arte poderia ajudar na conscientização da necessidade de preservar e respeitar o meio ambiente. Também foi feito coleta seletiva de materiais recicláveis (papel e garrafa pet, roupas usadas) na escola pelos alunos.

Em posse dos materiais reaproveitáveis, os alunos monitores deram início às suas oficinas, foram elas:

· Grafitagem.

· Customização de roupas usadas.

· Origami.

· Dança.

· Teatro.

· Música

· Papel: Papietagem e Reciclagem de Papel

· Reciclagem de Garrafa Pet.

· Modelo e Maquiagem.

Para dar ênfase nas questões ambientais como a degradação e preservação, professores e alunos participaram de aulas passeio.

A primeira aula passeio foi realizada na Lagoa do Portinho com alunos da 1ª série, para que pudessem perceber a ação degradante realizada com o desmatamento e construções indevidas feitas às margens da lagoa.

A segunda aula passeio foi realizada em Barra Grande, na Rota do cavalo marinho, com alunos da 2ª série, para contemplarem um ambiente preservado e protegido da ação degradante do homem.

Na culminância do projeto foram realizadas:

· Exposição e venda do material produzido nas oficinas.

· Desfile das roupas customizadas.

· Exposição de painéis com fotos das viagens.

· Apresentações de: Peças teatrais, Danças e Show musical.

METODOLOGIA

A execução deste projeto aconteceu na escola, através de oficinas de criações artísticas monitoradas pelos próprios estudantes da instituição, onde trabalharam as diversas formas artísticas, entre elas as que valorizam a sustentabilidade e a preservação do meio ambiente, bem como mostrando importância da Arte no processo de conservação do meio ambiente.

Também foram realizadas duas viagens: a primeira para a Lagoa do Portinho, no qual puderam observar um ambiente que sofreu e sofre as ações degradantes do homem; e a segunda para Barra Grande, na Rota do Cavalo Marinho, onde os alunos conheceram um ecossistema preservado e protegido da agressão ambientais.

As atividades realizadas:

· Estudo sobre a importância das artes na preservação do meio ambiente;

· Oficinas de diversas formas artísticas ambientais e culturais.

· Viagens: Barra Grande e Lagoa do Portinho.

· Exposição dos trabalhos criados pelos alunos.

· Desfile de moda.

· Apresentação de música, teatro e dança.

· Bazar dos materiais produzidos.

As atividades artísticas foram realizadas de forma criativa e autônoma. E em seguida realizou-se a exposição dos trabalhos.

AVALIAÇÃO

O projeto foi avaliado durante todo o procedimento de realização através do desempenho, participação e colaboração dos estudantes nas diversas atividades, resultando numa maior consciência ecológica, respeito ao meio ambiente, e aproveitamento integral no processo ensino-aprendizagem. Foram avaliados os seguintes aspectos: assiduidade, participação nas atividades, cooperação coletiva e compromisso e respeito com as ações ambientais propostas.

Os resultados foram surpreendentes. Os alunos que participaram do projeto entenderam bem os objetivos propostos. A maioria correlacionou com a matéria estudada, perceberam a importância da preservação do ecossistema e de como a arte pode contribuir para sustentabilidade ambiental. Participaram e se esforçaram nas oficinas e nas aulas passeio.

OFICINAS

LABORATÓRIO DE ARTES VISUAIS

2013-05-02T11:05:00.002-07:00

LABORATÓRIO DE ARTES VISUAIS:

EXPERIMENTAÇÃO PEDAGÓGICA.

A arte não representa ou reflete a realidade, ela é realidade percebida de outro ponto de vista. PCN Arte

IDENTIFICAÇÃO DO PROJETO

TÍTULO: Laboratório de Artes Visuais – Experimentação Pedagógica

ASSUNTO: Ampliação da capacidade criadora do estudante, fomentando o interesse pelas Artes, incentivando-os a experimentar e pesquisar formas de expressar suas ideias e sentimentos através das atividades artísticas.

AUTORES: Denise Nunes Leite Compasso

JUSTIFICATIVA

O Laboratório de Artes Visuais do Centro de Ensino Médio de Tempo Integral Lima Rebelo tem como foco oferecer aos educandos um caminho para a criação pessoal individual ou coletivo tomando como base algumas linguagens artísticas (tais como o desenho, a pintura, a escultura, a fotografia, o vídeo, etc.) e expressões das diversos movimentos artísticos no decorrer da história da humanidade.

O laboratório propõe a arte como campo de experimentação, estimulando o uso da percepção e da criatividade de cada indivíduo, inserindo competências e habilidades artísticas de forma prática e dinâmica, em trabalhos individuais e em criações coletivas.

Este ambiente além de despertar o gosto pela diversidade artística serve como estimulo de novas inspirações, por isso, a necessidade dos estudantes dispor de um espaço próprio para o desenvolvimento da capacidade criadora e da imaginação no processo educativo. O espaço visa à produção e a pesquisa daqueles interessados pela área educacional.

OBJETIVOS

GERAL

Construir o conhecimento, o gosto e o respeito pelas artes, valorizando o processo e a produção artístico-cultural; e a interação entre as áreas com base na formação de cidadãos críticos, criativos e sensíveis.

ESPECÍFICOS

2.1. Proporcionar a interação e construção do conhecimento através do ensino das artes com base no exercício da cidadania e na vivência dos valores artístico culturais;

2.2. Promovendo um espaço intelectual, educativo e cultural;

2.3. Educar, através de práticas pedagógicas inovadoras, a sensibilidade da criança e a percepção do mundo em seu entorno social;

2.4. Ampliar o conceito de arte, valorizando principalmente os aspectos criativos inerentes a todo ser humano;

2.5. Apresentar as várias formas de manifestações artísticas presente no universo cultural do Brasil e do mundo.

ATIVIDADES PROGRAMADAS

1. Aulas teóricas.

2. Oficinas de pintura.

3. Oficinas de esculturas.

4. Manuseio com tintas e pinceis.

5. Atividades artísticas.

6. Oficina de fotografia.

7. Exposição das obras de arte.

8. Feiras culturais.

METODOLOGIA

A metodologia de execução deste projeto acontecerá na cidade de Parnaíba através de experimentações e criações artísticas feitas por estudantes do ensino médio sobre a importância da Arte para a valorização da cultura e do conhecimento e identidade humana.

As atividades serão feitas:

Estudo sobre a importância das artes para o desenvolvimento sociocultural de uma comunidade;
Oficinas de diversas linguagens artísticas;
Exposição dos trabalhos criados pelos alunos;
Feira cultural interdisciplinar.

As atividades artísticas realizar-se-á de forma criativa e autônoma. E em seguida será realizada a exposição dos trabalhos.

RECURSOS DIDÁTICOS

Material Para o Laboratório de Artes Visuais

Cavalete para pintura

Tinta Guache cores variadas – pote de 500 ml

Tela para pintura 20x30

Tinta a óleo 20 ml conjunto com 8 cores

Bandeja para lavar pince

Pincel escolar redondo n.º 00 – 12 unidades

Pincel escolar redondo n.º 02 – 12 unidades

Pincel escolar redondo n.º 18 – 12 unidades

Pincel escolar redondo n.º 22 – 12 unidades

Pincel escolar redondo n.º 24 – 12 unidades

Pincel escolar redondo n.º 14 – 12 unidades

Pincel escolar chato n.º 00 – 12 unidades

Pincel chato n.º 04 – 12 unidades

Pincel chato n.º 08 – 12 unidades

Pincel chato n.º 24 – 03 unidades

Pincel chato n.º 06 – 12 unidades

Pincel chato n.º 18 – 06 unidades

Pincel chato n.º 10 – 12 unidades

Pincel chato n.º 12 – 12 unidades

Pincel chato n.º 16 – 12 unidades

Pincel filete redondo – 12 unidades

Argila escolar vermelha 1 Kg

Impermeabilizante para papel

Godê para mistura de tinta

Tesoura universal

Giz de cera pastel com 12 cores

Papel canson A3 20 folhas

Lápis 2B - 3B - 4B - 5B - 6B - HB - H

Base para modelagem de argila

Solvente Aguarrás 1000 ml

Espátula plástica tigre escolar conjunto com 06 un.

Câmera digital semiprofissional

Impressora multifuncional jato de tinta

Notebook

Papel fotográfico

Cartucho de tinta preto

Cartucho de tinta colorido

AVALIAÇÃO

O projeto será avaliado durante todo o processo de criação através do desempenho e participação dos estudantes nas atividades propostas para que haja um aproveitamento integral no processo ensino-aprendizagem, serão avaliados os seguintes aspectos: assiduidade, participação nas atividades e cooperação coletiva.

NORMAS DE UTILIZAÇÃO

1. A sala de artes é um laboratório pedagógico mantido pelo CEMTI, assim, sua prioridade de utilização é para estudantes e professores do mesmo. Não está excluído, porém o uso do espaço por outras Instituições de ensino.

2. A visita e utilização do espaço serão realizadas mediante a entrega das chaves que se encontram na secretaria do Colégio, onde o responsável pelo grupo assinará um termo de compromisso com a manutenção da sala.

3. Cada visita deverá ser acompanhada por um responsável, que orientará a utilização dos recursos bem como responderá às dúvidas sobre o espaço.

4. Como se constitui um ambiente educacional solicita-se ao final de cada visita e utilização do espaço, que o responsável acompanhe o retorno dos objetos a seu local de origem, a conservação da limpeza e o fechamento de portas e janelas.

5. Horário de funcionamento - O Laboratório de Artes está aberto à utilização e visita de 2ª a 6ª feira, de 07h 20min às 16h 35min.

Lixo Extraordinário

2013-01-01T12:11:00.003-08:00

O documentário Lixo extraordinário relata a trajetória do lixo dispensado no Jardim Gramacho, maior aterro sanitário da América Latina localizado na periferia de Duque de Caxias (RJ), até ser transformado em arte pelas mãos do artista plástico Vik Muniz e seguir para prestigiadas casas de leilões internacionais.

ARTISTAS BRASILEIROS

2012-09-28T07:26:00.000-07:00

Biografia de Lívio Abramo

Lívio Abramo (Araraquara / SP, 1903 – Assunção / Paraguai, 1992) filho de pais italianos, ele, os irmãos e irmãs cresceram em um ambiente especial e tornaram-se artistas, jornalistas e intelectuais, cujas contribuições foram importantes para o cenário cultural brasilero. Segundo Abramo, seus pais foram sua principal influência artística, pois, ambos sensíveis às Artes, incentivavam os filhos à frequentarem eventos artísticos gerais.

Seu sonho era ser arquiteto, mas problemas financeiros o impediram de concretizar seu ideal. Sua “fuga” foi se especializar na técnica da gravura, o que, para ele compensou a frustração; e foi no autodidatismo que aprimorou seu conhecimento e apaixonou-se por essa arte.

Foi pela influência de gravuras expressionistas alemãs de Kathe Kollwitz entre outros que ele disse: - É isso que eu quero fazer!

Interessava-se por Comunismo, Trotskismo e Socialismo. Nesse época colaborava fazendo ilustrações para tablóides sindicalistas. Depois foi expulso do Partido Comunista acusado de trotskismo.

Só foi reconhecido artisticamente quando suas xilogravuras alcançaram uma riqueza impressionante de detalhes precisos.

Ganhou diversos prêmios como o de Viagem ao Exterior do Salão Nacional de Belas Artes, em 1950, o 1º. Prêmio de Gravura da 2ª Bienal de São Paulo, em 1953 e algumas honrarias como a ordem do Rio Branco.

Lívio possuia uma personalidade forte, uma integridade inabalada e inteligência abrangente. Produziu gravuras, desenhos, charges, design de objetos, textos críticos, aulas e curadoria de exposições.

Em 1931, foi contratado pelo jornal Diário da Noite, para fazer desenhos comentando os principais acontecimentos do dia (suas charges).

Teve a honra de participar das transformações culturais não somente de seu país, como de conviver na realidade de outro país – o Paraguai. Passou metade de sua vida no Brasil e a outra metade no Paraguai.

Na década de 50 foi convidado para integrar a Missão Cultural Brasil Paraguai; participou da Fundação do Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico do Paraguai e fundou o Estúdio de Gravura, que segundo sua irmã Lélia Abramo foi uma de suas mais importantes realizações.

Teve contato com diversos artistas renomados como: Oswaldo Goeldi, Marcelo Grassmann, Fayga Ostrower, Oswald de Andrade, Tarsila do Amaral, Lasar Segall, Portinari, Bruno Giorgi, entre outros importantes artistas.

Homem Sentado 13 x 16 cm
Xilogravura

BIOGRAFIA DE ANTÔNIO HENRIQUE ABREU AMARAL

Antônio Henrique Abreu Amaral nasceu no ano de 1935. É formado em Direito pela Universidade de São Paulo.

Iniciou sua formação artística em 1952, na Escola do Museu de Arte de São Paulo, MASP, com Roberto Sambonet. Estudou gravura com Lívio Abramo no Museu de Arte Moderna de São Paulo, MAM/SP, em 1956. No ano seguinte, realiza a primeira exposição individual de gravura neste museu. Em 1958, viaja para a Argentina e Chile, realiza diversas exposições e entra em contato com Pablo Neruda, Arturo Edwards, Rodolfo Ofazo e Mario Carreño. Vai para os Estados Unidos em 1959 onde, além de expor em Washington, aperfeiçoa-se em gravura com Shiko Munakata e W. Rogalsky, no Pratt Graphics Center, em Nova York. Volta ao Brasil em 1960 e trabalha como assistente de Alfredo Bonino, na Galeria Bonino, Rio de Janeiro. Conhece Portinari, Bandeira, Djanira e Goeldi. Em 1961 volta para São Paulo, trabalha como redator e contato publicitário sem abandonar a atividade artística.

Após o golpe militar de 1964, sua obra passa a incorporar uma temática social agressiva. Em 1967 lança o livro O Meu e o Seu, na Galeria Mirante, com apresentação e texto de Ferreira Gullar e capa de Rubens Martins, e inicia seu trabalho em pintura.Nesse mesmo ano faz a primeira mostra individual de pintura, a série Bocas, na Galeria Astréia, em São Paulo.

Entre 1968 e 1975 elabora a série Bananas, composta de litografias e pinturas. É nesta fase que troca gradativamente a gravura pela pintura. Em 1971, com o prêmio de viagem ao exterior recebido no Salão de Arte Moderna do Rio de Janeiro, vai para Nova York e retorna ao Brasil em 1975. Nesse período realiza exposições nos Estados Unidos, entre outros países. Quando volta ao Brasil revitaliza sua pintura e chega gradativamente à pintura abstrata.

Expressionista, em suas gravuras desenvolveu uma temática social agressiva, transposta depois para a pintura. No final da década de 60 e no transcorrer da década seguinte, desenvolve a fase das bananas, numa aproximação às idéias veiculadas pelo Tropicalismo e, numa referência mais remota às figuras antropofágicas de Tarsila do Amaral, com a mesma pujança cromática que se verifica suas telas atuais mais próximas do ideário surrealista. Esta fase é constituída de duas séries, a primeira denominada Brasiliana, que vai até 1973 e a segunda, Campos de Batalha.

Expões com regularidade em várias capitais do Brasil, apresentando-se também em individuais, salões e coletivas no exterior.
Vive e trabalha em São Paulo.

CRONOLOGIA

1935 – Nasceu em São Paulo.

1952 – Estuda desenho com Roberto Sambonet, no Museu de Arte Moderna de São Paulo, MAM/SP.

1954 – Ingressa na Faculdade de Direito.

1958 – Faz sua primeira exposição individual de gravuras no Museu de Arte Moderna.

1959 – Vai para os Estados Unidos.

1961 – Volta para São Paulo e trabalha como redator de publicidade.

1964 – Golpe Militar.

1966 – Começa a pintar a óleo. Inicia a série “Bocas”.

1967 – Publica o álbum de gravuras “O meu e o Seu”. Faz sua primeira individual em pintura, na Galeria Astréia, com a série “Bocas”.

1971 – Ganha o prêmio de viagem ao exterior no Salão de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Expõe as “Bananas” na Galeria Bonino, no Rio de Janeiro.

1975 – Volta ao Brasil.

1978 – Participa da Bienal de Arte Latino-Americana de São Paulo.

1983 – Exposição “Caminhos de Ontem – Trabalhos de Hoje”, na Galeria Bonfiglioli, em São Paulo.

1989 – Vence o concurso para a criação do “Painel Bandeirantes”. Nesse ano trabalha na execução do painel.

1993 – Realiza a série dos “teatros” que são expostos no Museu de Arte moderna de São Paulo.

1995 – Desenvolve a série dos torsos, corpos e bambus.

1997 – Vive e trabalha em São Paulo.

*FOTO: MILLIET, Maria Alice / SULLIVAN, Edward J. / MORAIS, Frederico. Antonio Henrique Amaral: Obra em Processo (pág. 6). DBA; São
Paulo, 1997.

Naufrágio

Tronco com Espinhos

FONTE: http://www.pinturabrasileira.com/

Arte Contemporânea

2012-09-18T06:00:00.004-07:00

Definição
Os balanços e estudos disponíveis sobre arte contemporânea tendem a fixar-se na década de 1960, sobretudo com o advento da arte pop e do minimalismo, um rompimento em relação à pauta moderna, o que é lido por alguns como o início do pós-modernismo. Impossível pensar a arte a partir de então em categorias como "pintura" ou "escultura". Mais difícil ainda pensá-la com base no valor visual, como quer o crítico norte-americano Clement Greenberg. A cena contemporânea - que se esboça num mercado internacionalizado das novas mídias e tecnologias e de variados atores sociais que aliam política e subjetividade (negros, mulheres, homossexuais etc.) - explode os enquadramentos sociais e artísticos do modernismo, abrindo-se a experiências culturais díspares. As novas orientações artísticas, apesar de distintas, partilham um espírito comum: são, cada qual a seu modo, tentativas de dirigir a arte às coisas do mundo, à natureza, à realidade urbana e ao mundo da tecnologia. As obras articulam diferentes linguagens - dança, música, pintura, teatro, escultura, literatura etc. -, desafiando as classificações habituais, colocando em questão o caráter das representações artísticas e a própria definição de arte. Interpelam criticamente também o mercado e o sistema de validação da arte.Tanto a arte pop quanto o minimalismo estabelecem um diálogo crítico com o expressionismo abstrato que as antecede por vias diversas. A arte pop - Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg e outros - traduz uma atitude contrária ao hermetismo da arte moderna. A comunicação direta com o público por meio de signos e símbolos retirados da cultura de massa e do cotidiano - histórias em quadrinhos, publicidade, imagens televisivas e cinematográficas - constitui o objetivo primeiro de um movimento que recusa a separação arte e vida, na esteira da estética anti-arte dos dadaístas e surrealistas. Trata-se também da adoção de outro tipo de figuração, que se beneficia de imagens, comuns e descartáveis, veiculadas pelas mídias e novas tecnologias, bem como de figuras emblemáticas do mundo contemporâneo, a Marilyn Monroe de Andy Warhol, por exemplo. A figuração é retomada, com sentido inteiramente diverso, nos anos 1980 pela transvanguarda, no interior do chamado neo-expressionismointernacional. O minimalismo de Donald Judd, Tony Smith, Carl Andre e Robert Morris, por sua vez, localiza os trabalhos de arte no terreno ambíguo entre pintura e escultura. Um vocabulário construído com base em idéias de despojamento, simplicidade e neutralidade, manejado com o auxílio de materiais industriais, define o programa da minimal art. Uma expansão crítica dessa vertente encontra-se nas experiências do pós-minimalismo, em obras como as de Richard Serra e Eva Hesse. Parte da pesquisa de Serra, sobretudo suas obras públicas, toca diretamente às relações entre arte e ambiente, em consonância com uma tendência da arte contemporânea que se volta mais decididamente para o espaço - incorporando-o à obra e/ou transformando-o -, seja ele o espaço da galeria, o ambiente natural ou as áreas urbanas. Preocupações semelhantes, traduzidas em intervenções sobre a paisagem natural, podem ser observadas na land art de Walter De Maria e Robert Smithson. Outras orientações da arte ambiente se verificam nas obras de Richard Long e Christo.Se os trabalhos de Eva Hesse não descartam a importância do espaço, colocam ênfase em materiais, de modo geral, não rígidos, alusivos à corporeidade e à sensualidade. O corpo sugerido em diversas obras de E. Hesse - Hang Up, 1966 - toma o primeiro plano no interior da chamada body art. É o próprio corpo do artista o meio de expressão em trabalhos associados freqüentemente a happenings e performances. Nestes, a tônica recai, uma vez mais, sobre o rompimento das barreiras entre arte e não-arte, fundamental para a arte pop, e sobre a importância decisiva do espectador, central já para o minimalismo. A percepção do observador, pensada como experiência ou atividade que ajuda a produzir a realidade descoberta, é largamente explorada pelas instalações. Outro desdobramento direto do minimalismo é a arte conceitual, que, como indica o rótulo, coloca o foco sobre a concepção - ou conceito - do trabalho. Sol LeWitt em seus Parágrafos sobre Arte Conceitual (1967), esclarece: nessas obras, "a idéia torna-se uma máquina de fazer arte". É importante lembrar que o uso de novas tecnologias - vídeo, televisão, computador etc. - atravessa parte substantiva da produção contemporânea, trazendo novos elementos para o debate sobre o fazer artístico.Os desafios enfrentados pela arte contemporânea podem ser aferidos na produção artística internacional. Em relação ao cenário brasileiro, as Bienais Internacionais de São Paulo ajudam a mapear as diversas soluções e propostas disponíveis nos últimos anos. Na década de 1980, a exposição Como Vai Você, Geração 80?, no Parque Lage, Rio de Janeiro, e a participação dos artistas do Ateliê da Lapa e Casa 7 na Bienal Internacional de São Paulo, em 1985, evidenciam as pesquisas visuais.

http://www.itaucultural.org.br

EXPOSIÇÃO DE ARTE CONTEMPORÂNEA

2012-08-22T11:54:00.002-07:00

CEMTI - CENTRO DE ENSINO MÉDIO DE TEMPO INTEGRAL

POLIVALENTE LIMA REBELO

A exposição tem por objetivo fomentar a criatividade dos alunos, levando-os a buscar inspiração nos três grandes movimentos que abriram portas para a arte contemporânea: Impressionismo, Dadaísmo e Pop Art.Os alunos tiveram a oportunidade de conhecer, produzir obras baseadas nestes movimentos, contextualizando e experimentando novas possibilidades de manifestação artísticas.

Neoclassicismo

2012-08-20T08:23:00.002-07:00

Nas duas últimas décadas do século XVIII e nas três primeiras do século XIX, uma nova tendência estética predominou nas criações dos artistas europeus. Trata-se do Neoclassicismo (neo = novo), que expressou os valores próprios de uma nova e fortalecida burguesia, que assumiu a direção da Sociedade européia após a Revolução Francesa e principalmente com o Império de Napoleão.

Principais características:

Retorno ao passado, pela imitação dos modelos antigos greco-latinos;

Academicismo nos temas e nas técnicas, isto é, sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes;

Arte entendida como imitação da natureza, num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles.

ARQUITETURA

Tanto nas construções civis quanto nas religiosas, a arquitetura neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou o das edificações do Renascimento italiano. Exemplos dessa arquitetura são a igreja de Santa Genoveva, transformada depois no Panteão Nacional, em Paris, e a Porta do Brandemburgo, em Berlim.

PINTURA

A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana, sobretudo em Rafael, mestre inegável do equilíbrio da composição.

Características da pintura:

Formalismo na composição, refletindo racionalismo dominante.
Exatidão nos contornos
Harmonia do colorido

Os maiores representantes da pintura neoclássica são, sem dúvida:

Jacques-Louis David

Foi considerado o pintor da Revolução Francesa, mais tarde, tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. Durante o governo de Napoleão, registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo, mas algumas delas exprimem fortes emoções.
Obra destacada: Bonaparte atravessando os Alpes e Morte de Marat

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867)

O pintor foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. Ingres acreditava qua a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos. Ardoroso defensor da pureza das formas, ele afirmava, por exemplo, que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir. " A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola", repetia a seus alunos. Sua obra abrange, Banhista de Valpinçonalém de composições mitológicas e literárias, nus, retratos e paisagens, mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável.Madame Moitessier Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo, principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. Amante declarado da tradição. Ingres passou a vida brigando contra a vanguarda artística francesa representada pelo pintor romântico Eugène Delacroix, contudo foi Ingres, e não o retórico e inflamado Delacroix, o mais revolucionário dos dois. A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de sue retratados, na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles, numa época em que se cA Grande Odaliscaonsumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados, rendas, flores e jóias.

Para seu conhecimento

Forte influência da arquitetura neoclássica foi a descoberta arqueológica das cidades italianas de Pompéia e Herculano que, no ano de 79 a.C., foram cobertas pelas lavas do vulcão Vesúvio. Diante daquelas construções, num erro de interpretação, os historiadores de arte acreditavam que os edifícios gregos eram recobertos com mármore branco, ocasionando a construção de tantos edifícios brancos. Exemplo: Casa Branca dos Estados Unidos.

Fonte: www.historiadaarte.com.br

PIRÂMIDES DO EGITO

2012-05-25T12:17:00.003-07:00

Durante o período de aproximadamente um milênio (entre 2630 e 1640 a.C.) os egípcios construíram suas famosas pirâmides, dentre as quais três delas assombram o mundo até hoje. A mais antiga que se conhece data da III dinastia e era constituída por mastabas sobrepostas formando degraus.

O idealizador deste tipo de construção foi o sábio Imhotep, proeminente figura do reinado do faraó Djoser.

Essa é provavelmente a única pirâmide desse tipo que foi concluída.

No início da IV dinastia as pirâmides começaram a ser construídas com suas paredes inclinadas e não mais em forma de degraus, sendo que as últimas datam da XII dinastia.

As Mastabas

Até o final da II dinastia os túmulos dos soberanos e dos nobres egípcios eram constituídos de uma câmara funerária cavada profundamente no solo, sobre a qual se erigia uma estrutura baixa, de paredes verticais, de teto achatado, com base retangular, construída com tijolos de lama cozidos ao sol, que ficaram conhecidas com o nome de mastabas.

Tais estruturas, no passar dos anos, evoluíram: o material construtivo passou a ser a pedra; as paredes passaram a ser ligeiramente inclinadas, formando uma pirâmide truncada; as dimensões cresceram, inclusive em altura, com o acréscimo de vários andares em degraus, até atingirem a forma piramidal.

As Pirâmides de Degraus

Inovando totalmente em matéria de sepulcros, o faraó Djoser, da III dinastia, cujo reinado se estendeu aproximadamente entre 2630 e 2611 a.C., encarregou seu primeiro ministro e arquiteto Imhotep de construir um túmulo totalmente em pedra, material que até aquela época era usado apenas em partes isoladas das construções.

Superpondo seis mastabas progressivamente menores, o genial arquiteto ergueu uma pirâmide de degraus.

O local escolhido foi uma extensão de terras elevadas em Saqqara, a sobranceiro da cidade de Mênfis, próximo do grande cemitério de mastabas que havia sido usado no decorrer das duas primeiras dinastias. Posteriormente, outros faraós da mesma dinastia também ergueram pirâmides em degraus, embora menos majestosas.

A Pirâmide torta

O primeiro faraó da IV dinastia, Snefru, que reinou aproximadamente entre 2575 e 2551 a.C., mandou erguer na localidade de Dahshur uma pirâmide que se tornou única, entre tantas construídas, em função da forma final que acabou tendo. Inicialmente a obra fora planejada para ser uma pirâmide verdadeira.

Entretanto, houve uma redução abrupta no ângulo de inclinação das suas faces externas, num ponto um tanto acima da metade da altura prevista para o monumento, o que alterou a sua forma piramidal. O resultado final fez com que atualmente essa construção seja conhecida como pirâmide torta, falsa, romba, romboidal ou rombóide.

A Pirâmide de Quéops

Quéops, segundo faraó da IV dinastia, cujo reinado se estendeu de 2551 a 2528 aproximadamente, talvez influenciado pelo tamanho da pirâmide erguida por seu pai Snefru, escolheu um planalto situado nas bordas do deserto, mais ou menos a oito quilômetros de Gizé, e ali ergueu uma pirâmide de dimensões ainda maiores.

Conhecida como a Grande Pirâmide ou Primeira Pirâmide de Gizé, esse monumento marca o apogeu da época de tais construções, tanto no que se refere ao tamanho quanto no que se refere à qualidade do trabalho.

Tendo uma base que cobre quase 53 mil metros quadrados, esse é, sem dúvida, o monumento mais polêmico de toda a antiguidade egípcia e a única das Sete Maravilhas do Mundo que chegou até nossos dias.

A Pirâmide de Kéfren

O faraó Kéfren (em egípcio Khaef-Re), irmão de Kéops e quarto rei da IV dinastia, reinou entre 2520 e 2494 a.C. e mandou construir o monumento que hoje é, em tamanho, a segunda maior pirâmide do Egito antigo.

Imponente, era revestida de pedra calcária e granito vermelho e os antigos egípcios deram-lhe o nome de Grande é Kéfren e também chamavam-na de A Grande Pirâmide.

No seu interior foi achado um sarcófago com dois metros e 43 centímetros de comprimento por um metro de largura e 68 centímetros de profundidade, mas o corpo do rei não foi encontrado.

Nas proximidades do monumento, um conjunto rochoso foi aproveitado para que nele se esculpisse a famosa esfinge, cuja cabeça representa a face do faraó.

A Pirâmide de Miquerinos

Desde o século I da nossa era que a terceira dentre as mais famosas pirâmides do mundo teve sua construção atribuída a Miquerinos (em egípcio Men-kau-Re), filho de Kéfren e quinto soberano da IV dinastia, cujo reinado se estendeu de 2490 a 2472 a.C.

No século XIX descobriu-se seu nome escrito com ocre vermelho no teto da câmara funerária de uma pirâmide secundária do conjunto de monumentos a ele atribuídos, confirmando-se, assim, a informação que havia sido dada por Heródoto.

Ela ocupa menos de um quarto da área coberta pela Grande Pirâmide, mas mesmo assim seu tamanho é considerável e sua altura atingia mais de 66 metros, o que corresponde a de um prédio de 22 andares.

As outras Pirâmides

Além das três famosas pirâmides de Gizé e de mais algumas também bastante conhecidas, como a do faraó Djoser e a chamada pirâmide torta, dezenas de outras foram erguidas ao longo dos séculos pelos antigos egípcios.

A pirâmide vermelha, que leva esse nome porque nela foi empregado um calcário rosado; o complexo funerário de Sahure, dotado de um elaborado sistema de drenagem das águas pluviais e cujos relevos mostram a partida de navios para uma terra distante; o monumento de Wenis, que se destaca por nele terem sido encontrados os mais antigos textos das pirâmides que se conhecem, são apenas alguns exemplos.

A lista completa já conta com mais de 80 exemplares.

Os Textos das pirâmides

Os assim chamados textos das pirâmides são uma coleção de encantamentos reunidos sem uma ordem fixa determinada, não formando, portanto, uma narrativa contínua.

Eles foram encontrados nas pirâmides dos seguintes faraós: Wenis, da V dinastia; Teti, Pepi I, Merenre e Pepi II, todos da VI dinastia; Ibi, da VIII dinastia e nas pirâmides de três rainhas do faraó Pepi II.

A maioria das inscrições ocorre em mais de uma pirâmide, mas poucas são repetidas em todas as pirâmides nas quais tais textos são encontrados.

Na pirâmide de Wenis, por exemplo, existem apenas 228 inscrições de um total já conhecido que excede setecentas.

Porque Foram Construídas

O túmulo para um egípcio antigo era o seu castelo da eternidade e deveria durar para sempre.

Eles acreditavam que a sobrevivência após a morte dependia em primeiro lugar da preservação do corpo físico.

Além disso, todo material que se fazia necessário para o corpo e para o ka do morto deveria ser suprido ao longo dos anos após a morte.

Tais crenças levaram os antigos egípcios a dedicarem atenção especial à edificação de seus túmulos.

E embora o formado dos sepulcros possa ter mudado ao longo do tempo, seu propósito fundamental permaneceu o mesmo ao longo dos 3000 anos da história egípcia.

Como foram construídas

Não foram encontrados registros pictóricos ou textuais que expliquem como as pirâmides foram planejadas e construídas.

O estudo detalhado dos monumentos e o conhecimento crescente dos meios disponíveis na época tornaram possível determinar muitos detalhes construtivos.

Várias questões, entretanto, continuam sem solução e, nesses casos, as respostas sugeridas baseiam-se apenas na crença de que através dos meios propostos poderiam ser atingidos os resultados que são observados hoje em dia.

Além da visão clássica do problema, várias tentativas de explicações alternativas têm surgido ao longo dos tempos.

Fonte: http://www.omnix.hpg.ig.com.br

http://www.portalsaofrancisco.com.br/alfa/piramides/piramides-do-egito.php#ixzz1vuWCo5GT

Realismo

2012-05-17T06:18:00.002-07:00

REALISMO

Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias, sobretudo na pintura francesa, uma nova tendência estética chamada Realismo, que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades. O homem europeu, que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza, convenceu-se de que precisava ser realista, inclusive em suas criações artísticas, deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade.

São características gerais:

* o cientificismo
* a valorização do objeto
* o sóbrio e o minucioso
* a expressão da realidade e dos aspectos descritivos

ARQUITETURA

Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas, criadas pela industrialização. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. Elas precisam de fábricas, estações, ferroviárias, armazéns, lojas, bibliotecas, escolas, hospitais e moradias, tanto para os operários quanto para a nova burguesia.
Em 1889, Gustavo Eiffel levanta, em Paris, a Torre Eiffel, hoje logotipo da "Cidade Luz".

ESCULTURA

Auguste Rodin - não se preocupou com a idealização da realidade. Ao contrário, procurou recriar os seres tais como eles são. Além disso, os escultores preferiam os temas contemporâneos, assumindo muitas vezes uma intenção política em suas obras. Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um gesto humano.
Obras destacadas: Balzac, Os Burgueses de Calais, O Beijo e O Pensador.

PINTURA

Características da pintura:
* Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um fenômeno da natureza, ou seja o pintor buscava representar o mundo de maneira documental;
* Ao artista não cabe "melhorar" artisticamente a natureza, pois a beleza está na realidade tal qual ela é; e.
* Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade.

Temas da pintura:

* Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injusta; a arte manifesta um protesto em favor dos oprimidos.
* Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia. As pessoas das classes menos favorecidas - o povo, em resumo - tornaram-se assunto freqüente da pintura realista. Os artistas incorporavam a rudeza, a fealdade, a vulgaridade dos tipos que pintavam, elevando esses tipos à categoria de heróis. Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica.

Principais pintores:

Courbet - foi considerado o criador do realismo social na pintura, pois procurou retratar em suas telas temas da vida cotidiana, principalmente das classes populares. Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens mais pobres da sociedade no século XIX.
Obra destacada: Moças Peneirando o Trigo.

Jean-François Millet - sensível observador da vida campestre, criou uma obra realista na qual o principal elemento é a ligação atávica do homem com a terra. Foi educado num meio de profunda religiosidade e respeito pela natureza. Trabalhou na lavoura desde muito cedo. Seus numerosos desenhos de paisagens influenciaram, mais tarde, Pissarro e Van Gogh. É o caso, por exemplo, "Angelus".

Para seu conhecimento

Courbet dizia: "Sou democrata, republicano, socialista, realista, amigo da verdade e verdadeiro"

A palavra realismo designa uma maneira de agir, de interpretar a realidade. Esse comportamento caracteriza-se pela objetividade, por uma atitude racional das coisas pode ocorrer em qualquer tempo da história.

O termo Realismo significa um estilo de época que predominou na segunda metade do século XIX.

Romantismo

2012-05-14T08:32:00.006-07:00

ROMANTISMO

O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais, políticas e culturais causadas por acontecimentos do final do século XVIII que foram a Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção, provocando a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-de-obra, e pela Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmônica, em que os direitos individuais fossem respeitados, traduziu-se essa expectativa na Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão. Do mesmo modo, a atividade artística tornou-se complexa.

Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista.

Características gerais:

* a valorização dos sentimentos e da imaginação;
* o nacionalismo;
* a valorização da natureza como princípios da criação artística; e
* os sentimentos do presente tais como: Liberdade, Igualdade e Fraternidade.

ARQUITETURA E ESCULTURA

A escultura e a arquitetura registram pouca novidade. Observa-se, grosso modo, a permanência do estilo anterior, o neoclássico. Vez por outra retomou-se o estilo gótico da época medieval, gerando o neogótico.

Obra Destacada: Edifício do Parlamento Inglês

PINTURA

Características da pintura:

* Aproximação das formas barrocas;
* Composição em diagonal sugerindo instabilidade e dinamismo ao observador;
* Valorização das cores e do claro-escuro; e
* Dramaticidade

Temas da pintura:

* Fatos reais da história nacional e contemporânea da vida dos artistas;
* Natureza revelando um dinamismo equivalente as emoções humanas; e
* Mitologia Grega

Principais artistas:

Goya - Nasceu no pequeno povoado de Fuendetodos, Espanha, em 1746. Morreu em Bordeaux, em 1828. Goya e sua mitologia povoada por sonhos e pesadelos, seres deformados, tons opressivos. Senhor absoluto da caricatura do seu tempo. Trabalhou temas diversos: retratos de personalidades da corte espanhola e de pessoas do povo, os horrores da guerra, a ação incompreensível de monstros, cenas históricas e as lutas pela liberdade.
Obra destacada: Os Fuzilamentos de 3 de maio de 1808.

Turner - representou grandes movimentos da natureza, mas por meio do estudo da luz que a natureza reflete, procurou descrever uma certa atmosfera da paisagem. Uma das primeiras vezes que a arte registra a presença da máquina (locomotiva).
Obras destacadas: Chuva, Vapor e Velocidade e O Grande Canal, Veneza.

Delacroix - suas obras apresentam forte comprometimento político, e o valor da pintura é assegurada pelo uso das cores, das luzes e das sombras, dando-nos a sensação de grande movimentação. Representava assuntos abstratos personificando-os.
Obras destacadas: A Liberdade guiando o povo e Agitação de Tânger.

Para seu conhecimento:

A palavra romantismo designa uma maneira de se comportar, de agir, de interpretar a realidade. O comportamento romântico caracteriza-se pelo sonho, por uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em qualquer tempo da história.

Romantismo designa uma tendência geral da vida e da arte; portanto, nomeia um sistema, um estilo delimitado no tempo.

CDs Enciclopédia Multimídia de Arte (CARAS)

2011-11-21T09:27:00.001-08:00

CDs da Enciclopédia Multimídia de Arte da Revista Caras:

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Interveção na Arte

2011-08-26T04:06:00.000-07:00

Intervenção

Definição

A noção de intervenção é empregada, no campo das artes, com múltiplos sentidos, não havendo uma única definição para o termo.

Na área de urbanismo e arquitetura, as intervenções urbanas designam programas e projetos que visam à reestruturação, requalificação ou reabilitação funcional e simbólica de regiões ou edificações de uma cidade. A intervenção se dá, assim, sobre uma realidade preexistente, que possui características e configurações específicas, com o objetivo de retomar, alterar ou acrescentar novos usos, funções e propriedades e promover a apropriação da população daquele determinado espaço. Algumas intervenções urbanísticas são planejadas com o intuito de restauração ou requalificação de espaços públicos, como as conhecidas revitalizações de centros históricos, outras objetivam transformações nas dinâmicas socioespaciais, redefinindo funções e projetando novos atributos.

Como prática artística no espaço urbano, a intervenção pode ser considerada uma vertente da arte urbana, ambiental ou pública, direcionada a interferir sobre uma dada situação para promover alguma transformação ou reação, no plano físico, intelectual ou sensorial. Trabalhos de intervenção podem ocorrer em áreas externas ou no interior de edifícios.

O termo intervenção é também usado para qualificar o procedimento de promover interferências em imagens, fotografias, objetos ou obras de arte preexistentes. Intervenção, nesse caso, possui um sentido semelhante à apropriação, contribuição, manipulação, interferência. Colagens, assemblages, montagens, fotografias e desenhos são trabalhos que freqüentemente se valem desse tipo de procedimento.

Os projetos de intervenção são um dos caminhos explorados por um universo bastante diverso de artistas interessados em se aproximar da vida cotidiana, se inserir no tecido social, abrir novas frentes de atuação e visibilidade para os trabalhos de arte fora dos espaços consagrados de atuação, torná-la mais acessível ao público e desestabilizadora e menos mercantilizada e musealizada. Tal tendência, marcante da arte contemporânea, é geradora de uma multiplicidade de experimentações artísticas, pesquisas e propostas conceituais baseadas em questões ligadas às linguagens artísticas, ao circuito da arte ou ao contexto sociopolítico.

As linguagens, técnicas e táticas empregadas nesses trabalhos são bastante heterogêneas. Intervenções podem ser ações efêmeras, eventos participativos em espaços abertos, trabalhos que convidam à interação com o público; inserções na paisagem; ocupações de edifícios ou áreas livres, envolvendo oficinas e debates; performances; instalações; vídeos; trabalhos que se valem de estratégias do campo das artes cênicas para criar uma determinada cena, situação ou relação entre as pessoas, ou da comunicação e da publicidade, como panfletos, cartazes, adesivos (stickers), lambe-lambes; interferências em placas de sinalização de trânsito ou materiais publicitários, diretamente, ou apropriação desses códigos para criação de uma outra linguagem; manifestações de arte de rua, como o grafite.

Diferentes trabalhos de arte podem ser qualificados como intervenção, não havendo, portanto, uma categorização única ou fronteiras rígidas que a separem da instalação, land art, site specific, performance, arte postal, arte xerox, mas sim uma confluência entre as tendências.Tomando o significado do vocábulo intervenção - como ação sobre algo, que acarreta reações diretas ou indiretas; ato de se envolver em uma situação, para evitar ou incentivar que algo aconteça; alteração do estabelecido; interação, intermediação, interferência, incisão, contribuição - podemos destacar alguns aspectos que singularizam essa forma de arte: a relação entre a obra e o meio (espaço e público), a ação imediata sobre determinado tempo e lugar, o intuito de provocar reações e transformações no comportamento, concepções e percepções dos indivíduos, um componente de subversão ou questionamento das normas sociais, o engajamento com proposições políticas ou problemas sociais, a interrupção do curso normal das coisas através da surpresa, do humor, da ironia, da crítica, do estranhamento. A reversibilidade de sua implantação na paisagem, seu caráter efêmero, é outra características das intervenções.

Algumas referências teóricas importantes para essa forma de expressão artística são o movimento situacionista e a fenomenologia, e, entre os movimentos estéticos, o dadaísmo, o minimalismo, a arte povera e a arte conceitual. No plano internacional, entre as diversas práticas artísticas que podem ser identificadas com intervenções estão trabalhos de artistas bastante diferentes, como Richard Long (1945), Christo (1935), Richard Serra (1936) e Gordon Matta-Clark (1943 - 1978). No contexto brasileiro, alguns trabalhos de artistas como Flávio de Carvalho (1899 - 1973), Hélio Oiticica (1937 - 1980), Lygia Clark (1920 - 1988), Cildo Meireles (1948), Artur Barrio (1945), Paulo Bruscky (1949), grupo 3nós3, Dante Veloni (1954), podem ser considerados precursores das intervenções.

Como prática artística, as intervenções se consolidam no Brasil nos anos 1970, com propostas de grupos de artistas como o 3nós3, Viajou sem passaporte e Manga Rosa, que tomaram a cidade como campo de investigação e procuraram expandir o circuito de arte e a noção de obra de arte. Tais ações consistiam geralmente na introdução de elementos estranhos em situações cotidianas, com o objetivo de alterar a ordem habitual e buscar uma comunicação mais direta com o público.

No decorrer dos anos 1990 despontam intervenções orientadas por novas estratégias, trabalhos que mantêm em comum com os realizados em períodos anteriores a procura por alternativas aos circuitos oficiais e em atingir diretamente o público, mas que possuem um caráter marcadamente engajado, voltado a interferir numa situação dada para alterar seu resultado, numa tendência geral conhecida como artivismo. Tais projetos artísticos, geralmente empreendidos por coletivos de artistas existentes nas principais capitais do país, com freqüência se ligam a movimentos sociais ou comunitários, a iniciativas de organizações governamentais ou causas internacionais, como a diminuição da poluição e a crítica à globalização e ao neoliberalismo.

Diversas intervenções artísticas se concretizam sem licença para serem realizadas, por vezes ilicitamente. Tornam-se cada vez mais comuns as intervenções desenvolvidas com a aprovação institucional ou como encomendas especialmente projetadas para um determinado local, financiadas por uma instituição ou instância pública. Estas geralmente ocorrem no interior de museus, centros culturais ou galerias, espaço no qual o artista introduz elementos e materiais imprevistos, ou dispõe objetos corriqueiros, num arranjo inusitado, desvirtuando sua funcionalidade e provocando um estranhamento nos visitantes.

Fonte: http://www.itaucultural.org.br/

A Moça com Brinco de Pérola

2011-06-03T04:03:00.002-07:00

MOÇA COM BRINCO DE PÉROLA - Johannes Vermeer é considerado o segundo pintor mais importante da Holanda, ficando atrás apenas de Rembrandt. Durante sua existência, entre os anos 1632 e 1675, Vermeer viveu em Delft, foi comerciante de arte e pintou diversos quadros, entre eles Moça com Brinco de Pérola, classificado por alguns como a “Mona Lisa holandesa”. A exemplo da pintura italiana, muito se especula sobre a modelo que posou para o pintor, embora não existam registros sobre a origem da mesma.

Em 1999, a escritora Tracy Chevalier publicou um romance, no qual tenta desvendar a moça por detrás do quadro, que a todos encanta com sua expressiva beleza e um intrigante olhar, ao mesmo tempo alegre e triste. Baseado nesse livro (que vendeu mais de dois milhões de exemplares logo quando foi lançado), Olívia Hetreed criou o roteiro de Moça com Brinco de Pérola, para que Peter Webber o dirigisse, estreando em longas metragens.

Scarlett Johansson interpreta Griet, uma jovem camponesa que, por conta de dificuldades financeiras pelas quais passa sua família, é levada a trabalhar na casa do pintor (vivido nas telas por Colin Firth). Dentre suas inúmeras funções está a de limpar e arrumar o estúdio, onde Vermeer passa a maior parte de seu tempo, trabalhando e refugiando-se de sua caótica família, que ele pouco vê.

Aos poucos Vermeer começa a prestar a atenção na jovem de apenas 17 anos, e passa a treiná-la no preparo das tintas. Ela tem um natural olhar crítico, parecido com o dele, e o pintor a deixa opinar em seu trabalho, nascendo entre eles uma cumplicidade que vai gerar o ciúme do resto da família e dos outros serviçais da casa. Menos o da sogra (Juddy Parfitt), que é quem administra as contas da família quase falida, e consegue captar que a presença da criada melhorou o trabalho do pintor e, conseqüentemente, o fluxo de caixa.

O ponto forte do filme está nas atuações de Johanssom e Firth. Ela, que já havia encantando o mundo em Encontros e Desencontros, de Sofia Coppola, está mais linda do que nunca. Simplesmente hipnotizante. E ele a quer sempre ao alcance dos seus olhos, o que faz crescer entre eles uma tensão sexual, que culmina na cena em que ele fura sua orelha para colocar-lhe os brincos da esposa. Sensualidade à flor da pele.

O romance é uma fantasia, mas a história parece tão real que é difícil duvidar que as coisas tenham ocorrido de forma diferente da descrita no livro e no filme.Curiosamente, Johansson não foi a primeira escolha para interpretar a moça do brinco de pérola. Mas sua semelhança com a modelo que posou para Vermeer é tão grande, que é impossível pensar em outra pessoa que não ela para o papel.

O filme -- que recebeu três indicações ao Oscar (Fotografia, Direção de Arte e Figurino) e duas indicações ao Globo de Ouro (Atriz – Drama e Trilha Sonora) -- conta ainda no elenco com Cillian Murphy (interpretando Pieter, filho do açougueiro e pretendente da bela Griet) e Tom Wilkinson, que tem uma importante participação na trama, no papel de Van Ruijven, o mecenas que comprou diversos quadros de Vermeer, ajudando-o a sustentar sua família.

Ficha Técnica:
Moça com Brinco de Pérola (Girl With a Pearl Earring - Inglaterra - 2003 - 95 min)
Direção: Peter Webber
Roteiro: Olivia Hetreed, baseado no livro homônimo de Tracy Chevalier
Fotografia: Eduardo Serra
Figurino: Dien van Straalen

Elenco: Scarlett Johansson (Griet), Colin Firth (Johannes Vermeer), Tom Wilkinson (Van Ruijven), Judy Parfitt (Maria Thins), Cillian Murphy (Pieter), Essie Davis (Catharina).

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VERMEER

Para criar composições despojadas e de extrema
serenidade, Vermeer trabalhava seus quadros com minúcia. Sua obra ficou
esquecida até o século XIX, mas hoje Vermeer é reconhecido como um dos maiores
pintores da grande época da pintura holandesa.
Jan Vermeer nasceu em Delft, Países Baixos, em 31
de outubro de 1632. Entre 1652-1654 estudou pintura com Karel Fabritius, aluno
de Rembrandt.
Em 1663 entrou para a guilda de São Lucas, que
presidiu em 1662-1663 e 1670-1671. De suas 35 telas conhecidas, só duas são
assinadas: "A alcoviteira" (1656) e "O astrônomo" (1668). A
ausência de assinaturas e a abundância de telas apócrifas dificultam a apreciação
cronológica da obra de Vermeer.
Os temas que aborda são os de seus contemporâneos
Pieter de Hooch, Terborch e Metsu: interiores com uma ou duas figuras e
paisagens urbanas. Nos jogos de luz e sombra vê-se certa influência italiana. A
composição é geométrica, com seus elementos simetricamente equilibrados. Os
elementos típicos da obra de Vermeer já apontam em "Moça lendo uma
carta" (c. 1657): o quarto fechado, a luz que entra pela janela, tapetes
orientais e cortinas luxuosas. A luz é usada com mestria para ressaltar uma
expressão, aprofundar ou criar uma atmosfera.
Intimista, Vermeer retratou cenas da vida burguesa,
repletas de símbolos e intenções morais. Em "A leiteira" (1656-1660),
manifesta-se seu colorido particular: fusões de azul e amarelo, objetos
pontilhados de dourado.
Apenas duas magníficas cenas urbanas, "A
ruela" (c. 1658) e "Vista de Delft" (c. 1660), não foram
inspirados interiores. Vermeer foi enterrado em Delft em 15 de dezembro de
1675.

©Encyclopaedia Britannica
do Brasil Publicações Ltda.

Filme: Basquiat

2011-05-05T05:21:00.001-07:00

Basquiat - Traços de uma Vida

Lançamento: 1996 (EUA)

Direção: Julian Schnabel

Atores: Jeffrey Wright, Michael Wincott, Benicio Del Toro, Claire Forlani.

Duração: 106 min

Gênero: Drama

Sinopse

Em 1981, um jovem artista (Jeffrey Wright) das ruas é descoberto por Andy Warhol (David Bowie) e tem uma ascensão meteórica, tornando-se uma estrela no mundo das artes. Mas este sucesso repentino e inesperado terá um preço muito alto.

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parte 1 - parte 2 - parte 3 - parte 4 - parte 5

Link: Sugestão de Aula - Basquiat

Starry, Starry Night - Van Gogh

2011-03-25T08:38:00.000-07:00

Link para Download:

Starry, Starry Night - Van Gogh

Quem era Vincent Van Gogh

Van Gogh é considerado um dos principais representantes da pintura mundial. Nasceu na Holanda, no dia 30 de março de 1853. Teve uma irmã e um irmão chamado Theo. Com este irmão, estabeleceu uma forte relação de amizade. Através das cartas que trocou com com o irmão, os pesquisadores conseguiram resgatar muitos aspectos da vida e do trabalho do pintor.

Biografia

Começou a atuar profissionalmente ainda jovem, por volta dos 15 anos de idade. Trabalhou para um comerciante de arte da cidade de Haia. Com quase vinte anos, foi morar em Londres e depois em Paris, graças ao reconhecimento que teve. Porém, o interesse pelos assuntos religiosos acabou desviando sua atenção e resolveu estudar Teologia, na cidade de Amsterdã. Mesmo sem terminar o curso, passou a atuar como pastor na Bélgica, por apenas seis meses. Impressionado com a vida e o trabalho dos pobres mineiros da cidade, elaborou vários desenhos à lápis.

Resolveu retornar para a cidade de Haia, em 1880, e passou a dedicar um tempo maior à pintura. Após receber uma significativa influência da Escola de Haia, começou a elaborar uma série de trabalhos, utilizando técnicas de jogos de luzes. Neste período, suas telas retratavam a vida cotidiana dos camponeses e os trabalhadores na zona rural da Holanda.

O ano de 1886, foi de extrema importância em sua carreira. Foi morar em Paris, com seu irmão. Conheceu, na nova cidade, importantes pintores da época como, por exemplo, Emile Bernard, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin e Edgar Degas, representantes do impressionismo. Recebeu uma grande influência destes mestres do impressionismo, como podemos perceber em várias de suas telas

Dois anos após ter chegado à França, parte para a cidade de Arles, ao sul do país. Uma região rica em paisagens rurais, com um cenário bucólico. Foi neste contexto que pintou várias obras com girassóis. Em Arles, fez único quadro que conseguiu vender durante toda sua vida : A Vinha Encarnada.

Convidou Gauguin para morar com ele no sul da França. Este foi o único que aceitou sua idéia de fundar um centro artístico naquela região. No início, a relação entre os dois era tranqüila, porém com o tempo, os desentendimentos foram aumentando e, quando Gauguin retornou para Paris, Vincent entrou em depressão. Em várias ocasiões teve ataques de violência e seu comportamento ficou muito agressivo. Foi neste período que chegou a cortar sua orelha.

Seu estado psicológico chegou a refletir em suas obras. Deixou a técnica do pontilhado e passou a pintar com rápidas e pequenas pinceladas. No ano de 1889, sua doença ficou mais grave e teve que ser internado numa clínica psiquiátrica. Nesta clínica, dentro de um mosteiro, havia um belo jardim que passou a ser sua fonte de inspiração. As pinceladas foram deixadas de lado e as curvas em espiral começaram a aparecer em suas telas

No mês de maio, deixou a clínica e voltou a morar em Paris, próximo de seu irmão e do doutor Paul Gachet, que iria lhe tratar. Este doutor foi retratado num de seus trabalhos: Retrato do Doutor Gachet. Porém a situação depressiva não regrediu. No dia 27 de julho de 1890, atirou em seu próprio peito. Foi levado para um hospital, mas não resistiu, morrendo três dias depois.

Principais obras de Van Gogh :

- Os comedores de batatas (1885)

- A italiana

- A vinha encarnada

- A casa amarela (1888)

- Auto-retratos

- Retrato do Dr. Gachet

- Girassóis

- Vista de Arles com Lírios

- Noite Estrelada

- O velho moinho (1888)

- Oliveiras (1889)

Curiosidades da vida de Van Gogh:

- Durante sua vida, Vicent Van Gogh não conseguiu vender nenhuma de suas obras de arte.

- No final do ano de 1888, Van Gogh cortou a orelha direita. Alguns biógrafos da vida do artista afirmam que o ato foi uma espécie de vingança contra sua amante Virginie, depois que Van Gogh descobriu que ela estava apaixonada pelo artista Paul Gauguin. De acordo com esta versão, Van Gogh teria enviado a orelha ensanguentada, dentro de um envelope, para a amante.

Fonte: http://www.suapesquisa.com/vangogh3/

Obras