ArtePitturaScultura

Auguri di Buone Feste 2011

2011-12-22T01:44:00.000-08:00

Lorenzo Lotto Natività (1523)

Meravigliosa ed emozionante la natività di Lorenzo Lotto nella quale vediamo in primo piano, inginocchiati, in posizione simmetrica rispetto al Bambino, Maria e Giuseppe. Il santo acquista così un ruolo paritetico a quello della madre, secondo quelli che saranno i dettami della Controriforma che il Lotto sembra qui anticipare anche nella volontà di rendere più umano e diretto il quadro. Profonda devozione verso il Figlio inserita in un contesto rustico con vari elementi ed oggetti di vita quotidiana tendenti a rendere più acceso il messaggio teologico nei confronti dei più comuni fedeli.

Lucio Ranucci - "Vestigia di memorie" - Gall. d'arte Studio 10

2011-10-07T03:27:00.000-07:00

Comunicato Stampa

LUCIO RANUCCI

"Vestigia di memorie"

domenica 9 ottobre 2011 ore 17,00 - 19,30

presso la Chiesa di Santa Maria Annunciata di San Martino dall'Argine (MN)

La Galleria d'arte moderna "Studio 10" è lieta di invitarVi alla presentazione della

mostra personale dell'artista

Presentazione critica di Enzo Dall'Ara

Se l'espressione artistica è creazione ed estensione di un messaggio, la pittura di Lucio Ranucci, encomiabile decano e maestro ammirato in orizzonti nazionali ed internazionali, effonde la più sottile e profonda vibrazione dell'animo umano, impressa sull'eloquenza di una figurazione moderna ed intensa. L'eletta figura femminile, protagonista saldamente interiorizzata di numerosi dipinti, viene osservata ed ascoltata dall'autore in ogni istante di sollecitazione interiore, dall'abbandono della sorpresa, dalla riflessione alla voluttà. Essa non preclude, comunque, la scena pittorica ad altre mirabili realtà tematiche, quali il duro lavoro dei pescatori, le necessarie occupazioni domestiche, le pregnanti atmosfere del mercato, ma anche gli intervalli dedicati allo svago, agli incontri d'amore, alle relazioni sociali. Dal poliedro espressivo dell'autore emergono anche temi ispirati all'anima degli oggetti, ossia alle intime suggestioni della "natura morta". Eppure i dipinti aleggiano prevalentemente di una verità esistenziale che ricerca e scopre nella donna l'essenza assoluta della quotidiana realtà e del valore terreno e spirituale del vivere. Non v'è dubbio che l'artista, nel suo lungo iter espressivo, abbia configurato un diario personale in cui ha segnato le tappe di un percorso di vita reale, elevato all'emblema universale. Il transito al moderno-contemporaneo segue di pari passo il passaggio dal reale al "metareale" senza accusare iati o discordanze, evidenziando, anzi, una rara coerenza stilistica ed iconografica, propria degli autori di elevato spessore narrativo ed interpretativo.

Inaugurazione domenica 9 ottobre 2011 ore 17.00

San Martino dall’Argine (Mn), Chiesa di Santa Maria Annunciata

Lucio Ranucci "Vestigia di memorie"

Catalogo in mostra
Presentazione critica a cura di Renzo Dall'Ara

Apertura sino al 6 novembre 2011.

Orari:

giovedì e sabato dalle ore 16.00 alle ore 19.30;

domenica e festivi dalle ore 10.30 alle 12.30 e dalle 16.00 alle 19.30,

Organizzazione:

Galleria d’arte moderna STUDIO 10, via Garibaldi, 1 San Martino dall’Argine (Mn)

Info: tel: 0376-919360, cel: 339-2069027, mailto:galleriastudio10@tele2.it

ENZO SICILIANO - SUMIRAGO (VA)

2011-07-01T15:50:00.000-07:00

SALA CONSIGLIARE DEL COMUNE DI SUMIRAGO (VA)

2 – 24 LUGLIO 2011

ENZO SICILIANO, INCISIONI, DISEGNO e PITTURA

Opere dell’artista e carte di amici e colleghi.

Paz, Papetti, Togo, Valdet... e altri ancora!

COMUNICATO STAMPA

Enzo Siciliano si racconta attraverso i fogli realizzati in una vita di intensa dedizione all’arte. Un abile artigiano che ha usato il torchio a mano per molti anni dedicandosi con successo alle varie tecniche di incisione a cui ha sempre affiancato il disegno e la pittura.

Un Artista che ha avuto l’opportunità di crescere e far maturare le sue abilità tecniche negli studi dei “grandi milanesi” del secondo dopoguerra. La zona mitica (e mitizzata) dell’Accademia di Brera - oggi stravolta dalla modernità – era negli anni Sessanta e Settanta il fulcro del fermento artistico contemporaneo: luogo di sperimentazione visiva, di ingegno intellettivo; luogo di cultura e di perdizione.

Dai caffè centrali, sedi di incontri quotidiani tra pittori, scultori e poeti (Piero Manzoni, Eugenio Montale…) agli atelier di Corso Garibaldi.

Enzo Siciliano ha vissuto fino al 1976 nel quartiere di Brera assorbendo gli impulsi creativi e vitali che ha poi riportato nei suoi lavori, scegliendo un linguaggio personale e toccante.

In mostra numerose opere di Enzo Siciliano: ritratti di cantautori, letterati, poeti, uomini di cultura, gente comune. Esposte anche incisioni e grafiche dei maestri che ha avuto il piacere di incontrare, conoscere, frequentare e collezionare. Tra loro: Luca e Roberto Crippa, Gianni Dova, Piero Manzoni, Julio Paz, Alessandro Papetti, Valdet.

INAUGURAZIONE SABATO 2 LUGLIO DALLE ORE 18
CONVERSAZIONE CON ENZO SICILIANO
Segue rinfresco

INCONTRO CON L'ARTISTA DOMENICA 10 LUGLIO DALLE ORE 11
CONVERSAZIONE CON ENZO SICILIANO SUGLI ANNI DI BRERA.
IL FERVORE ARTISTICO E LETTERARIO DI MILANO NEL SECONDO DOPOGUERRA, L'AMICO PIERO MANZONI E IL QUARTIERE DI CORSO GARIBALDI.
a cura di Laura Orlandi

BIOGRAFIA

Enzo Siciliano nasce a Milano nel 1942, frequenta il Liceo Artistico di Brera quindi la facoltà di architettura. Già nel 1960 inizia l’attività espositiva poi ha una parentesi lavorativa come grafico e designer. Riprende la pittura nel 1970 e dal 1972 inizia una serie di presenze in mostre e manifestazioni in Italia e all’estero, da Milano a Modena, Verona, Varese, Parigi e Lugano. La grafica prevale sulla pittura dal 1985 quando inizia a collaborare con vari editori in Francia, Italia e Svizzera. Le sue opere grafiche sono pubblicate su libri di poesia, enciclopedie…

Dal 1976 l’artista ha lasciato Milano e la zona di Brera. Attualmente vive a Caidate (VA).

ENZO SICILIANO
INCISIONI, DISEGNO e PITTURA
DAL 2 AL 24 LUGLIO 2011
Sala Consigliare del Comune di Sumirago (VA)
Via San Lorenzo, 21 di fronte alla Chiesa Parrocchiale
ORARI: Lun. - merc. - giov. 9.30/13.00
sab. 9.30-13.00/15.00-18.30
dom. 9.30-12.30/15.00-18.30
Per informazioni rivolgersi alla Biblioteca di Sumirago (VA) – Sig.ra Nicoletta Martarello
biblioteca@comune.sumirago.va.it
tel. 0331905256

Comunicazione e stampa: Emanuela Rindi - info@rindiart.it

LA MOSTRA è REALIZZATA GRAZIE AL PREZIOSO CONTRIBUTO DELLA BIBLIOTECA DI SUMIRAGO E DELL’AMMINISTRAZIONE COMUNALE.
SI RINGRAZIA PER LA FATTIVA COLLABORAZIONE

Dino Villani - Museo della galleria del premio di Suzzara

2011-05-22T02:29:00.000-07:00

MUSEO DELLA GALLERIA DEL PREMIO SUZZARA

DINO VILLANI

Xilografie

dal 22 Maggio al 30 Giugno 2011

Luogo: Museo della Galleria del Premio Suzzara

Indirizzo: Via Don Bosco, 2/a - Suzzara (MN),

tel. 0376.535593

galleriapremio@comune.suzzara.mn.it

Mostra a cura di: Arianna Sartori

Presentazione di: Prof. Gilberto Cavicchioli

Inaugurazione: Domanica 22 maggio, ore 10.30

Catalogo: Centro Studi Sartori per la Grafica, Mantova

La mostra, promossa dal Centro Studi Sartori per la Grafica di Mantova e dalla Xiloteca Sartori di Mantova e patrocinaca dal Comune di Suzzara, propone, a poco più di vent’anni dalla scomparsa, una cinquantina di xilografie realizzate da Dino Villani (1898 - 1989) a partire dagli anni Trenta, dedicate al fiume Po e alla vita contadina e paesana della Bassa Padana. Sono opere poco conosciute, ma che a loro tempo avevano avuto riconoscimenti autorevoli da parte della critica più accorta che si occupava di incisione contemporanea (Luigi Servolini, Cesare Ratta) e che furono tenute a battesimo, per la loro prima e parziale edizione nel 1945, da Cesare Zavattini.

La mostra Ë accompagnata dal volume “Dino Villani. L’opera xilografica” edito dal Centro Studi Sartori per la Grafica di Mantova con testi di Mariella Milan, Luca Pietro Nicoletti e Maria Gabriella Savoia.

Il nome di Villani, abitualmente, riporta alla memoria la sua più nota attività di pubblicitario e di promotore culturale: basti ricordare, fra le sue numerosissime e geniali iniziative, l’ideazione del concorso di Miss Italia, del Premio Notte di Natale e del Premio di pittura “L’arte e il lavoro” di Suzzara (MN). Accanto a questo, però, Villani ha sempre coltivato la xilografia, dedicando una cura amorevole al racconto della civiltà dei campi della sua terra natale, di cui offre una meditata testimonianza poetica.

La mostra, che propone una nutrita selezione di opere di proprietà della Raccolta delle Stampe di Adalberto Sartori, consente di tornare a porre attenzione su questo lato meno noto del lavoro di Villani, ricordando come egli sia stato una voce significativa, a cavallo fra gli anni Venti e gli anni Cinquanta, nel dibattito sulla xilografia italiana moderna.

…DINO VILLANI…

Nel 2004 gli eredi di Dino Villani, donavano ufficialmente l’intero corpo delle matrici xilografiche e calcografiche che erano ancora in loro possesso ad Adalberto Sartori; affidavano a lui, la conservazione e la valorizzazione dell’importante e consistente opera grafica e, con la donazione, affidavano al Centro Studi Sartori un compito impegnativo e pieno di incognite; Adalberto, Arianna, ed io eravamo felici della grande fiducia dimostrataci, persuasi del nostro serio e costante impegno per confermare quelle che erano state le premesse alla Donazione.

Il nostro interesse per l’incisione antica e moderna, nato gi‡ trentacinque anni fa con la creazione della “Mostra del Libro e della Stampa Antichi”, organizzata per la prima volta in Italia ed ancora esistente, Ë continuato con il lungo lavoro che stiamo portando avanti da più di vent’anni quando abbiamo fondato il nostro mensile d’arte ARCHIVIO.

Da allora abbiamo compilato schede biografiche dedicate ai migliori incisori italiani; edito una “Agenda Sartori Per-Inciso”; collaborato alla fondazione del Museo della Grafica del Comune di Ostiglia; ideato la collana “Incisori italiani contemporanei”, che oggi comprende circa venti monografie dedicate agli incisori contemporanei; la collana “Temi incisi” che raccoglie incisioni di autori diversi legati tutte da un unico tema; collaborato con diversi Comuni (Tenno, Montichiari, Cassina de Pecchi, Sommacampagna, Ostiglia, Mantova, Quistello, Sant Agostino) allestendo mostre di grafica, oppure come prestatori di opere.

Importanti sono state la ricerca, la raccolta e la catalogazione di tutta l’opera incisa di Antonio Carbonati, attivo nella prima metà del secolo scorso, e curata la relativa mostra presso il Palazzo della Ragione di Mantova; scritto ed edito il primo volume di “Incisori moderni e contemporanei” e, grazie alla personale Raccolta delle Stampe di Adalberto Sartori siamo stati in grado di dedicare cicli di mostre all’Impresa dei Mille in “Garibaldi nelle due Sicilie”, ai “Trionfi di Sigismondo”, al Rubens, ad Adamo Scultori con l’opera “Pitture dipinte nella volta della Cappella Sistina nel Vaticano e, per la nuova collana “Album e cartelle”, all’“Eneide illustrata da Bartolomeo Pinelli” con la realizzazione di un volume dedicato al Pinelli e della relativa mostra presso la Ex Chiesa Madonna della Vittoria.

Questo Ë il quarto appuntamento espositivo dedicato alla grafica di Villani, realizzato a cura del Centro Studi Sartori, infatti in occasione del centenario della nascita, nel 2008, abbiamo allestito una prima mostra personale presso il Mulino Dugnani di Cassina de Pecchi, affiancata da un catalogo con riprodotte tutte le opere esposte; quindi un nuovo appuntamento con una mostra a Mantova presso la sede della Banca Fideuram e nel 2010 alla Fondazione Corrente di Milano.

L’impegno preso ci portava alla decisione di eseguire le tirature di tutte le centonovantanove matrici di Villani entrate in nostro possesso; per prima cosa si è provveduto al recupero con prudenti puliture dei rami e degli zinchi. Le relative tirature sono state fissate da tre ad un massimo di dieci esemplari per ogni matrice; mentre per le xilografie le tirature effettuate sono state di venticinque copie per ogni singola matrice. Per i legni più rovinati a causa del tempo, alcuni sono solcati da spaccature, altri hanno subito l’opera dei tarli, altri si sono “imbarcati”, per tutti questi si è provveduto ad una tiratura di soli cinque esemplari ciascuno, a scopo di pura documentazione.

Per la certificazione abbiamo punzonato a secco ogni singolo foglio, utilizzando il nostro simbolo (un piccolo scudo con il Leone rampante su una S), quindi a titolarle ed a numerarle.

Oggi, tutte le 126 matrici xilografiche (142 immagini) e le 73 calcografie tra acqueforti su rame e puntesecche su zinco sono state tirate, punzonate, titolate e numerate.

Dino Villani, pubblicista per antonomasia, inventore in Italia della comunicazione intergrata, precursore del marketing contemporaneo, autore di volumi, creatore delle più rinomate manifestazioni pubblicitarie, (il simbolo M per la nota industria dolciaria Motta, la Colomba Pasquale, la Festa di San Valentino, la Mille lire per un sorriso, poi diventata Miss Italia, il Piatto del Buon Ricordo, ecc.) e nel mondo dell’arte, curatore di mostre, pittore e incisore egli stesso (inserito dal Ratta, nel 1929, tra gli xilografi italiani), critico d’arte di fama nazionale, creatore del famoso Premio Suzzara, queste e altre iniziative lo evidenziano come uno straordinario personaggio eclettico, unico nel suo genere.

Villani, incisore, con il passare degli anni acquisisce uno stile personale, caratterizzato da un segno fortemente chiaroscurale, capace di raggiungere livelli di vera poesia.

Le sue incisioni, xilografie o acqueforti che siano, lo vedono raffigurare prevalentemente l’infinito paesaggio della pianura padana, la campagna, le piazze, i paesi, le borgate, colti nelle atmosfere delle varie stagioni dell’anno, il Po, con i suoi ponti di barche, i mulini, le golene, e le impressionanti e spaventose piene; le raffigurazioni degli antichi mestieri, quelli dove l’uomo operava in prima persona, solo con la propria fatica, in quello stretto rapporto con la natura e con il mondo animale, i fedeli buoi, il cane addormentato, che rendevano la vita molto faticosa, sì, ma dolcissima, sincera ed autentica, di una bellezza struggente, fatta di sudore e di rapporti veri.

Guardare le tavole di Villani, oggi, Ë come guardare e riscoprire il nostro passato, infatti, tutti siamo legati alla terra, abbiamo avuto un nonno, uno zio che lavorava la terra o viveva in campagna e, se in noi possono suscitare affettuosi ricordi d’infanzia, per i giovani si pongono quali fonti di conoscenza straordinari: come ci si vestiva? il vecchio tabarro! Ma che cosa Ë un tabarro, quanti sono i ragazzi che lo conoscono? E i ponti di barche, oggi vere rarità; ricordo che da bambina, abitavo a Sermide dove il Po è molto largo, c’era un ponte di barche, per accedervi bisognava pagare il pedaggio (una lira le biciclette), i carri trainati dai buoi, le motociclette, le automobili ed i camion (i più grandi d’allora erano come i nostri attuali autocarri), dovevano percorrerlo a bassissima velocità; durante la percorrenza, le assi che poggiavano sui barconi di cemento, stridevano fortemente, il rumore provocato che rimbombava nell’acqua era molto forte, ma su tutte le cose e le persone regnava un pesante silenzio perchè si era sul Po, e il Po faceva sentire il suo potere, la sua forza e incuteva sempre timore.

I mulini sul Po, dove si producevano le farine, funzionavano per mezzo delle poderose pale di legno che giravano, grazie alla forte corrente dell’acqua e mettevano a loro volta in funzione gli ingranaggi della macina; in verit‡ io non ne ho mai visti, li conosco perchè li ho visti nel 1971, alla televisione, nel famoso sceneggiato televisivo con la regia di Sandro Bolchi con Valeria Moriconi, Ottavia Piccolo e Raul Grassilli, quale adattamento al famoso romanzo di Riccardo Bacchelli, che già Alberto Lattuada, aveva diretto nel film girato nel 1949.

Ed ancora gli interni delle stalle, illuminate dalle fioche luci di piccole lanterne a petrolio, dove i nostri nonni trascorrevano parte della loro vita, sia durante l’estate per le cure che giornalmente attendevano alle poche bestie in loro possesso, ed anche e soprattutto d’inverno quando il calore della stalla riuniva quanti lavoravano nelle corti, per scaldarsi, per stare insieme e raccontare..., allora noi bambini ascoltavamo incantati, bevevamo un po’ di latte appena munto, cosÏ buono, tiepido, dolce. Ricordi d’infanzia...

Altre incisioni eseguite a puntasecca, più intime, per lo più dedicate agli affetti famigliari, il figlio Stelio, la madre, Berta, trovano nei segni morbidi, sicuri, che accompagnavano la silhouette della figura in una soluzione ottimale.

Il linguaggio dell’acquaforte non è particolarmente approfondito, i segni hanno spesso lo stesso peso, trasferiti sulla lastra con un’unica morsura; le incisioni sono affascinanti per i soggetti riportati più che per la tecnica incisoria, che trova in Villani un potente interprete. Curiosa la sua ricerca di un simbolo che potesse completare la firma posta sulle matrici: la sigla del nome con il cognome viene affiancata a volte dalla raffigurazione di un paio di pantaloni con un fallo uscente, oppure uno scudetto a forma di vanga V. che contiene la D., altre volte frasi o date precise, come se Villani avesse avuto in animo di comunicare il proprio stato d’animo.

Maria Gabriella Savoia

Arquà Polesine - Premio Raise 20^ edizione

2011-05-22T02:14:00.000-07:00

Comune di Arquà Polesine

Magico evento Montagna Veneta

FRITZ BAUMGARTNER - ASTRAZIONI. AL MA.CA. DI ACRI

2011-05-11T00:55:00.000-07:00

COMUNICATO STAMPA

FRITZ BAUMGARTNER. L’ASTRAZIONE
Il ritorno di un austriaco

A partire da sabato 25 giugno 2011, il MACA (Museo Arte Contemporanea Acri) ospiterà una mostra antologica dedicata al grande pittore austriaco Fritz Baumgartner (1929-2006), maestro del segno e del colore che, nel corso della sua carriera artistica, ha saputo sapientemente fondere la lezione espressionista a una sempre più urgente esigenza d’astrazione, dando vita a una collezione di dipinti, disegni e vetrate contraddistinti da una mirabile sapienza grafica ed una sferzante energia.
La mostra – la più ampia rassegna di opere dell’artista austriaco mai fatta in Italia – sarà composta di oltre cinquanta dipinti e tredici disegni che spaziano dai primi anni ’50, quando ancora frequentava l’Accademia delle Arti Figurative di Monaco di Baviera, sotto la guida di Oskar Kokoshka, fino alle ultime opere realizzate a pochi mesi dalla morte.

«Artista inquieto e poliedrico – ha scritto di lui il gallerista torinese Arturo Bottello, a cui si deve la proposta e la diffusione della sua opera in Italia – , senza alcun dubbio uno dei più in-teressanti disegnatori e grafici contemporanei, uomo colto, dotato di un senso totale dell’esistenza, un’intelligenza vitale e partecipazioni non comuni con un modo di pensare, ve-dere, segnare l’essenza della vita che si dilata anche fra la gente.»

Proprio l’essenza della vita è ciò che traspare maggiormente dalle sue opere, vere e proprie epifanie mondane, rappresentazioni sempre più fatte di un’astrazione singolare e personale dell’esistenza umana in tutte le sue sfaccettature, dai momenti più ironici e leggeri a quelli più profondi, tragici e appassionati. Non mancano i riferimenti mitici e biblici, trattati con intelligenza e sincera sensibilità culturale e spirituale, e nemmeno le celebrazioni della sensualità e della carnalità; una vasta gamma di temi che si rifrange nella poliedricità espressiva testimoniata da oltre cinquant’anni di costante ricerca e rinnovamento del proprio linguaggio pittorico.

FRITZ BAUMGARTNER, L’ASTRAZIONE
Il ritorno di un austriaco
Luogo:       MACA – Museo Arte Contemporanea Acri, Piazza G. Falcone, 1 – 87041 Acri (Cs)
Curatori:     Boris Brollo
Vernissage: 25 giugno 2011, ore 18:00
Periodo:     dal 25 giugno al 2 ottobre 2011
Orario:       dal martedì alla domenica, 9-13 e 16-20; lunedì chiuso
info:           Museo tel. 0984953309; Ufficio stampa tel. 0119422568,
                 maca@museovigliaturo.it, www.museovigliaturo.it

OTTORINO DE LUCCHI - GALLERIA D'ARTE STUDIO 10

2011-05-05T01:27:00.000-07:00

Comunicato Stampa

OTTORINO DE LUCCHI

"Il sottile fascino del quotidiano"

Il giorno 08 maggio 2011 ore 17,00

presso la Chiesa di Santa Maria Annunciata di San Martino dall'Argine (MN)

La Galleria d'arte moderna "Studio 10" è lieta di invitarVi alla presentazione della

mostra personale dell'artista

Presentazione critica di Giuliano Pisani

Nel panorama dell’arte contemporanea, un artista che dipinge soggetti inanimati, fiori, frutta, ortaggi, con un’attenzione maniacale al dettaglio, all’atmosfera, ai giochi di luce e di colore, sembra appartenere a un passato lontano, fuori moda e fuori gusto. Come se componesse poesia in terzine dantesche o in ottave ariostesche. Non è uno sperimentatore, non è nemmeno un provocatore. Magari è bravo, ma che cosa può comunicarci, oggi, un figurativo? Proviamo a rovesciare questo luogo comune e semplicemente non vero. Partiamo da una premessa: siamo sicuri che un’opera figurativa del passato si possa cogliere con maggiore facilità di un quadro astratto? Senza un’adeguata preparazione culturale se ne coglie al massimo il riflesso esterno. Ciò vale per la Gioconda come per la Cappella degli Scrovegni, per la Tempesta di Giorgione come per il san Gerolamo di Antonello da Messina. Calma dunque. E ragioniamo. La ricerca di Ottorino De Lucchi muove da un’osservazione rispettosa di quella che un tempo si chiamava la natura delle cose. Delle cose, appunto. E pare dire a noi tutti che abbiamo perso l’abitudine di guardare e considerare le piccole cose di ogni giorno, che non sappiamo più coglierne le peculiarità, che abbiamo perduto la capacità di stupirci di fronte alla perfezione di una mela o di una melagrana. Bastasse questo, ci avrebbe già comunicato molto, avrebbe stimolato in noi una fertile riflessione.

La natura parlava in passato con diversi linguaggi, quello realistico e quello simbolico. Un frutto non si esauriva nel suo sapore o nella sua forma, ma rappresentava l’opera creatrice di Dio ed era portatore di più significati, palesi e riposti, realistici e simbolici. L’allegoria della Caritas dipinta da Giotto nella Cappella degli Scrovegni ne è un esempio perfetto. La donna regge nella destra un canestro con spighe di grano, boccioli di rose, melagrane aperte e chiuse, fiori di melagrana, una castagna con il riccio, una noce. Una meravigliosa natura morta, hanno detto molti critici. Senza accorgersi, o capire, che per la tradizione cristiana sono tutti simboli della passione e morte di Gesù: la spiga di grano evoca l’eucarestia (con la sua farina si forma la particola, l’ostia sacra della Comunione), la rosa richiama le spine della corona posta sul capo di Cristo; la melagrana rappresenta la Chiesa, che sotto la stessa fede riunisce popoli profondamente diversi per cultura e tradizione (i chicchi separati eppure uniti), mentre il taglio rosso della melagrana aperta rappresenta il sangue di Cristo, il suo Amore misericordioso. La castagna avvolta dal riccio simboleggia il frutto della passione, la virtù nascosta circondata dalle spine che non riescono a intaccarne la dolcezza (le vie misteriose della Provvidenza divina che si attua, come nel caso di Cristo, attraverso le sofferenze e l’effimera vittoria della morte), mentre la noce rappresenta il frutto dell’albero da cui è tratto il legno della croce. L’uomo d’oggi ha perduto la dimensione del sacro, non sente di vivere immerso in una storia che viene da lontano, in un universo dove tutto ha un ruolo e un senso, dove anche lui è parte di questo tutto. La sacralità delle cose è estranea alla mentalità corrente. Si è più portati a credere alla magia o un soprannaturale effimero. L’aggettivo magico ha preso il sopravvento su sacro. ma ha perso anche la dimensione della bellezza. Eppure esiste e si vede un ordine perfetto, un kosmos, che è ordine, universo e bellezza insieme. La bellezza è ordine e vita, e non l’effimero riscontro che appaga i sensi, “E fea quell’isole feconde col suo primo sorriso”, dice Foscolo di Venere, dea della bellezza, che con la sua luce affolla di vita le isole dell’Egeo. La bellezza non è solo una questione di forme, colori ed equilibri compositivi. C’è una bellezza intrinseca nelle cose, anche in quelle esteticamente non codificate. Un pezzo di pane può non essere bello in sé, non rientrare in qualche canone estetico, ma può diventare bello per i suoi valori simbolici, laici o religiosi. L’obiettivo concettuale di Ottorino De Lucchi, la cifra della sua vocazione è proporre cose e oggetti comuni da un punto di vista artistico, per rendere apprezzabile ed esteticamente godibile ciò che appare comune e persino insignificante. Propone i suoi soggetti decontestualizzati da un qualsiasi ambiente, colti in sé, puri al punto che con loro c’è solo un fondo nero. C’è una religiosità nella cura riservata a queste umili creature, un’emozione che arriva fino a noi se andiamo al di là delle cose e cogliamo il messaggio che l’artista ci vuol dare.

Inaugurazione domenica 8 maggio 2011 ore 17.00

San Martino dall’Argine (Mn), Chiesa di Santa Maria Annunciata

Ottorino de Lucchi "Il sottile fascino del quotidiano"

Sarà presente l'artista.
Presentazione critica a cura di Giuliano Pisani. Catalogo in mostra

Apertura sino al 30 maggio 2011.

Orari:

dal giovedì al sabato dalle ore 16.00 alle ore 19.30;

domenica e festivi dalle ore 10.30 alle 12.30 e dalle 16.00 alle 19.30,

il venerdi sera dalle 21.00 alle 23.00 in occasione del mercatino.

Organizzazione:

Galleria d’arte moderna STUDIO 10, via Garibaldi, 1 San Martino dall’Argine (Mn)

Info: tel: 0376-919360, cel: 339-2069027, mailto:galleriastudio10@tele2.it

AUGURI DI BUONA PASQUA

2011-04-21T00:41:00.000-07:00

SINCERI AUGURI DI BUONA PASQUA A TUTTI

Expo internazionale di arti visive - Montegrotto Terme (PD)

2011-04-10T12:38:00.000-07:00

IN OCCASIONE DELLA IMPORTANTE MANIFESTAZIONE CITTADINA DELLA FESTA DEI FIORI

QUEEN_ART_STUDIO DI PADOVA

ORGANIZZA ED INVITA A:

Expo Internazionale di Arti Visive

'DELL'AMORE E DI ALTRI DEMONI'

OMAGGIO A GABRIEL GARCIA MARQUEZ

Expo Internazionale di Arti Visive: Pittura,Scultura,Grafica Fotografia

CENTRO CONGRESSI-PALAZZO DEL TURISMO-MONTEGROTTO TERME (PD)

8-15 MAGGIO 2011

Eventi correlati,spettacoli,performance.rappresentazioni ogni sera nel Teatro della stessa sede espositiva

Gli Artisti

Sono invitati ad esporre Artisti di fama nazionale e internazionale

La selezione avverrà tramite valutazione di curatori d’arte professionisti appartenenti all’Associazione Queen_Art_Studio,ma anche da critici d’arte esterni chiamati a giudicare valide le Opere degli artisti invitati a partecipare.

Discipline ammesse:

Pittura ,Scultura,Fotografia,Grafica

Partecipanti

Possono partecipare artisti professionisti maggiorenni di qualsiasi nazionalità (residenti e non-residenti in Italia)per le seguenti categorie: pittura, scultura, grafica, fotografia con un Opera per ogni partecipante.

MARIA TERESA PERULLI, ENZO DENTE, MAURO MALAFRONTE, ENNIO MONTARIELLO, VINCENZO REA, THOMAS FERRONATO, BENEDETTO CIOCIOLA, ANTONIO DE SIATI, CARLA BATTAGLIA, LILLIANA COMES, FEDERICA VEGGIATO, , ARDUINA SANTI, MAURO LACQUA, DAVIDE TIRELLI, NICOLA SORIANI, FRANCESCO DABERDAKU, MARIA LETIZIA PAIOLO, FRANCESCO GIRALDI, CARMINE ANTONUCCI, MARTINA CODISPOTI, ENRICA BERTAZZO, MARIANELA SALAZAR, CARLA RIGATO, VIRGINAI MILICI-VIRGY, PIERANGELA BILOTTA, IMMA VISCONTE, FABIOLA MURRI, HELENA GATH, PATRIZIA DA RE, MAURO ALICE, ANTONELLA IURILLI DUHAMEL, ODILIA LIUZZI, DONATO FUSCO, LUCIANO BUOSI, DIEGO DIEGOLANDI, SAMANTA LAI, ALESSANDRO BONFORTI, MONICA MARTINS, ELENA CLARA, ANNA BLOISE, ALEKSANDER LLESHI, GERARDO LAFRATTA, MANUELA BRONDIN, GIANFRANCO AMODEO, MARIABLU SCARINGELLA, LUNO, FRANCESCO MESTRIA, GIOVANNI TARLAO, CAROLEO ENZO, LORIS GERVASONI, SILVIA BOLDRINI, NICOLETTA PACCAGNELLA, MARCO MONTERISO

Il Tema dell'Expo

Il tema sarà dunque quello dell’Amore, ma amore inteso come demone ,e demone come amore nelle viscere dell'esorcismo e della più profonda umanità, ispirandosi alla lussureggiante favola d'altri tempi di G. Garcia Marquez,dove è cangiante il rispolvero delle paure primordiali tra sentimenti avversi all'ombra di belzebù; bello e magistrale. La passione senza confini.

La parola passione proviene dal latino passio, a sua volta derivato dal verbo ‘pati ‘che significava sopportare, patire. In realtà, in latino classico passio voleva dire solo turbamento dell’animo

La parola passione è stata usata fin dagli inizi della nostra letteratura, da autori come Dante e Iacopone da Todi.Nella cultura medievale il significato principale di passione è quello di sofferenza del corpo, tormento fisico, e poi esteso a qualsiasi dolore.

La passione è quindi un’emozione tanto violenta da dominare la volontà di chi la prova.

Chiamiamo infatti passioni i sentimenti incontrollabili come l’amore, l’odio o la gelosia, che spingono chi li prova ad azioni definitive, senza ritorno.

Passione può significare l’amore sensuale, anche violento, e indicare la persona che è oggetto di quell’amore. E’ passione il trasporto totale per un’idea o un’opinione: la passione politica, ad esempio, è l’attaccamento alla propria idea, visto sia in positivo, come impegno, appunto, appassionato, sia in negativo, come mancanza di quel distacco critico che permette di avere una visione chiara dei problemi e delle opinioni altrui.

SUL SITO INDICATO SOTTO: REGOLAMENTO E MODULO DI ISCRIZIONE DA INVIARE COMPILATO E COMPLETO DI FOTO DELL'OPERA IL PRIMA POSSIBILE all'email queenartstudiopadova@gmail.com

EVENTO VISIBILE AI LINK:
http://expogarciamarquez.blogspot.com/
http://www.equilibriarte.org/eventscal/5329
http://www.facebook.com/event.php?eid=156786887709248

Ass. Culturale Artistica ‘Queen_Art_Studio’ C.C,F.92214360288
Padova 35124 tel 3346447738
Email: queenartstudiopadova@gmail.com
Art Director
Maria Grazia Todaro

Patrizio Mugnaini - collettiva Firenze e dintorni

2011-04-06T08:56:00.000-07:00

Equilibri fiorentini

FIRENZE E DINTORNI - I TESORI

Con la primavera si apre una bella stagione di eventi per l’associazione culturale “La Rosa d’Oro dell’Arte”, primo fra tutti la mostra dal titolo “Firenze e dintorni - i tesori”, che avrà luogo nei locali della Galleria ”Via Larga”, resi disponibili dalla Provincia di Firenze, offrendo,così,la possibilità agli artisti di mostrare le loro opere al colto pubblico fiorentino.
Pittori, scultori, fotografi e poeti si sono cimentati in questo impegno con la passione e la curiosità di chi intraprende un viaggio,talvolta a ritroso nel tempo, ri-visitando luoghi e personaggi del passato storico-culturale della città e del suo territorio,oppure soffermandosi nel presente,traendo ispirazione da ciò che dà lustro e fa ancora bella questa città,o proiettandosi audacemente in un futuro immaginario, suggerendo, talvolta,con visioni onirico-surreali qualcosa che sussiste nel regno del possibile.
Il fascino di questa mostra sta anche nel fatto che le tecniche usate per la realizzazione delle opere sono funzionali al moto dell’anima che spinge ogni artista a stabilire un dialogo con lo spettatore, attraverso la ri-elaborazione della realtà per tradurla in un’opera spesso di notevole impatto visivo. Il trigono artista-spettatore con al vertice il soggetto,in questo caso “Firenze e dintorni - i tesori” esercita coinvolgimento e partecipazione emotiva per chiunque volga lo sguardo ad una città unica al mondo e all’incantevole bellezza della sua provincia, non priva, peraltro, di straordinari risvolti culturali.
Lucetta Risaliti

COLLETTIVA di
PITTORI, SCULTORI, FOTOGRAFI, POETI ...
Lunedì 11 Aprile 2011
inaugurazione alle ore 17,00
Galleria VIA LARGA - Via Martelli 5 - Firenze
Dal 12 al 19 Aprile 2011 Orario:
Dal Lunedi al Venerdi mattina 9 -13 pomeriggio 15 -18
Sabato e Domenica 15 -18
Dal 1 al 31 Maggio 2011
la mostra sarà trasferita nei locali della
Galleria “La Rosa d’Oro dell’Arte”
Orario: Dal Lunedi al Venerdi dalle 15,30 -18,30
Via Ghibellina, 92 r - Firenze

Partecipano

PITTORI
Annaluce Abbatecola
Vittorio Abrami
Renata Belluomini
Stefano Benelli
Laura Casini
Silvia Cesarini
Caterina Chieffo
Anna Crisci
Paola Crisci
Mara Faggioli
Alessandro Fusillo
Anna Di Gennaro
Paolo Giomi
Francesca Giglioli
Pia Lachi
Emanuele Li Pira
Adriana Lopreiato
Vincenzo Madeo
Alyosha Marino
Maris
Cristina Moretti
Patrizio Mugnaini
Dania Niccolai
Barbara Passerotti
Lucia Petroni
Lucetta Risaliti
Miriam Tacchi
Gabriella Tatini

SCULTORI
Laura Casini
Letterio Gagliardi
Giuseppe Manuelli

FOTOGRAFI
Maximiliano Cesarini
Alessio Mancini
Rose Ann Parisian
Massimiliano Puccini

POETI
Mara Faggioli
Rita Pini
Antonio Sabatino
Patrizia Tofani

Presenta la mostra il critico d’arte
Prof. Vittorio Abrami
e la Dott.sa Rita Pini

Pubbliche relazioni
a cura di Laura di Marco

Servizio televisivo a cura
del Dott. Fabrizio Borghini
di Toscana TV

La direzione ringrazia la
Provincia di Firenze per il patrocinio
e Giuseppe Pinzauti
per la sua Preziosa collaborazione

UMBERTO ZERBINATI - Galleria 2E di Suzzara (MN)

2011-03-28T12:37:00.000-07:00

Pur non discendendo direttamente dalla grande tradizione dell'incisione moderna mantovana, Umberto Zerbinati (Valeggio sul Mincio, 1885 - Mantova, 1974) ne è il prosecutore più illustre. Non si annoverano altri che abbiano saputo al pari di lui esprimere con gli acidi e la punta metallica i tradizionali valori del paesaggismo virgiliano e che ne abbiano intuito la definizione romantica con altrettranta chiarezza. Alcuni dubitano se sia da preferire in lui il letterato o l'incisore anche se non v'è dubbio che, come scrittore e soprattutto come poeta, ebbe maggior credito di quanto non gli fu dato per le tavole grafiche. Ma la sua qualità espressiva come artista figurativo è tale da porlo alla pari dei maggiori esponenti coetanei di fronte alla storia dell'arte mantovana. Oltreché con grandi poeti ebbe rapporti anche con famose personalità della pittura come Felice Casorati col quale collaborò alla rivista "Via Lattea" (Verona 1914).

Egli si approssima all'incisione dopo aver tentato anche la scultura (è amico di Clinio Lorenzetti) ma desiste a favore dell'incisione alla quale si dedica con cautela elaborando sensibili puntesecche prima di affrontare l'acquaforte. L'iniziale limitazione di non conoscere perfettamente le tecniche specifiche dell'arte lo mette su una posizione di curiosa, continua verifica delle possibilità espressive degli strumenti e dei materiali; è paradossalmente la sua inesperienza a farne uno sperimentatore puntiglioso ed entusiasta. Quando, agli inizi degli anni Cinquanta, realizza una cartella di acquetinte, queste sono realizzate con procedimenti inusitati e producono esiti particolarmente suggestivi. Si direbbe che i suoi primi lavori siano esemplati sull'opera di Antonio Carbonati, ma presto Zerbinati trae profitto anche dall'esperienza fotografica del fratellastro Carlo, incrociandola con la propria.

Dal naturalismo accademista con cui si presenta alle prime mostre, matura una complessità sensuosa e chiaroscurale, attribuendo alle immagini un soffio di mistero con evocazioni lontanamente redoniane, assommando in una stessa stampa finezze crepuscolari con l'uso disinvolto dei più vari strumenti, l'invenzione di procedimenti non ortodossi (è tra i primi a produrre puntesecche su lamina plastica trasparente) con risultati spettacolari, e raggiungendo un'amplissima varietà di toni emozionanti.

"Sono venuto all'arte incisoria dalle lettere" scrive in un brano autobiografico "Non ho avuto alcun maestro; lavoro d'istinto, non mi pongo assunti programmatici, non appartengo e non voglio appartenere a nessuna scuola: solitario in tanto baccano per natura e per elezione persuaso che travailler en troupe - come diceva Paul Fort - est indigne d'un poète". Come si vede, si preoccupava di essere, e di essere considerato, un poeta. Che lo fosse per le sue raccolte di versi, apprezzati da Emilio Cecchi, Eugenio Montale e Benedetto Croce, o lo fosse per la sua in certa misura segreta, opera d'incisore, non mette conto distinguere.

Renzo Margonari

L'Italia s'è desta 1945 – 1953 . Arte italiana del secondo dopoguerra, da De Chirico a Guttuso, da Fontana a Burri

2011-02-13T10:05:00.000-08:00

La mostra è posta sotto l ’Alto Patronato del Presidente della Repubblica Italiana Giorgio Napolitanoe gode dei patrocini del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, della Regione Emilia-Romagna, della Provincia di Ravenna.

Aligi Sassu, Via Manzoni 1952

Arte italiana tra il ’45 e il ’53, ovvero gli otto anni in cui davvero l’Italia s’è desta, il tempo più vivace, magmatico, contrastato di tutto il nostro Novecento.
Il progetto di mostra curato da Claudio Spadoni, promosso dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Ravenna e dal Museo d’Arte della città, con il sostegno della Fondazione Cassa di Risparmio di Ravenna, in programma nelle sale del Mar dal 13 febbraio al 26 giugno 2011, ha l'ambizione di ricostruire tutte le diverse fasi delle vicende artistiche dalla fine del secondo conflitto mondiale alla grande mostra di Picasso in Italia del 1953, a Roma e poi a Milano, che, per molti aspetti, segna uno spartiacque fra il dopoguerra del rinnovamento, dei dibattiti culturali, delle costituzione di gruppi e movimenti, e la seconda parte degli anni Cinquanta.
Per la prima volta verrà offerto un quadro complessivo di quelle stagioni cruciali della storia artistica italiana. Un fermo immagine che registra non solo il nuovo che ribolle, ma anche la vitalità di ciò che il montare di quest’ansia di modernità europea andava relegando ad una ingiustificata considerazione marginale, ovvero le opere ultime, eppure spesso sorprendentemente felici, dei grandi protagonisti della prima metà del secolo: da Morandi a De Pisis, da Balla a Carrà, da Casorati a De Chirico, da Martini a Marini e Manzù. Maestri, non ancora scomparsi, dei quali viene documentato il lavoro di quegli anni, fra storia e attualità.
Ma L’Italia s’è desta: 1945-1953. Arte italiana nel secondo dopoguerra è in primo luogo il racconto del voltar pagina, un mutar paradigma di una generazione alla ricerca, affannosa e creativa, di nuove possibilità espressive.
Milano, Torino, luoghi di resistenza degli ultimi anni della guerra, furono insieme a Roma e Venezia le principali città nelle quali la vita artistica italiana riprese impulso.
Erano gli anni in cui gli artisti italiani più impegnati identificavano in Pablo Picasso l'imprescindibile alternativa europea alla chiusura provincialista. Le sue opere rappresentavano un modello fondamentale della modernità, per linguaggio e contenuti ideologici. L'infatuazione Neocubista, secondo il modello di Guernica, trova riscontro in gran parte degli artisti, con figure di primissimo piano come Guttuso, Leoncillo, Morlotti, Pizzinato, mentre il bisogno di un legame tra arte e oggettività si esprime nelle diverse forme di Realismo di un Peverelli, di un Testori, di un Sassu, di uno Zigaina.
Quasi contemporaneamente l’esigenza di coalizzarsi in gruppi veniva espressa dal Fronte Nuovo delle Arti che accomunava presenze eterogenee (Birolli, Guttuso, Leoncillo, Morlotti, Pizzinato oltre a Levi, Santomaso, Vedova, Viani) ed ebbe la consacrazione alla Biennale del '48, pur nella difficile convivenza di figure e istanze incompatibili.
In ambito romano nel '47 nasceva Forma 1, ovvero il gruppo astratto votato a Balla, a Kandinskij, a Matisse, con artisti come Accardi, Attardi, Consagra, Dorazio, Guerrini, Perilli, Sanfilippo, Turcato. Il frenetico bisogno di cambiamento che caratterizzava le vicende della ricerca non figurativa, trovava riscontro ancora a Roma intorno alla Fondazione Origine (1949) con Ballocco Burri, Capogrossi, e a Firenze con il Gruppo dell’Astrattismo Classico (1950) capeggiato da Berti e Nativi.
Intanto Fontana, rientrato a Milano dall'Argentina, nel 1947 diede vita allo Spazialismo insieme a Crippa e Dova; pochi anni dopo, nel '51, sempre nel contesto milanese ricco di fermenti, nasceva il MAC Movimento Arte Concreta, composto fra gli altri da Dorfles, Munari, Radice, Reggiani, Sottsass.
Ne '52 Baj, Colombo, Dangelo sottoscrivevano il Manifesto della pittura Nucleare, nello stesso anno Lionello Venturi presentava il Gruppo degli Otto, (con Afro, Birolli, Corpora, Moreni, Morlotti, Santomaso, Turcato e Vedova) con la formula dell’Astratto Concreto.
Dopo diverse rassegne che hanno preso in considerazione solo singolarmente ogni movimento o gruppo, senza possibilità di confronti contestuali diretti, la mostra del Mar, attraverso le 160 opere fondamentali degli artisti del tempo, ripercorre tutte le complesse vicende del periodo.
Un particolare risalto viene dedicato anche a coloro che portarono avanti ricerche personalissime come Alberto Burri, Carol Rama, Luigi Spazzapan, Antonio Zoran Music, Tancredi, e alcuni giovani bolognesi come Romiti, Bendini, Vacchi figure sostanzialmente isolate rispetto ai gruppi ufficiali.
Pur concentrata sull’arte, la rivisitazione degli otto anni che traghettarono l’Italia alla contemporaneità trovano in mostra, esempi di intersezioni con le altre arti, dal cinema del Neorealismo, all’architettura. In un proteiforme mosaico che nella diversità e dissonanza delle sue tessere compone l’immagine estremamente composita di una Italia nuova.
Documenta l'esposizione un importante catalogo edito dalla casa editrice Allemandi, a cura di Claudio Spadoni, con saggi di Marco Antonio Bazzocchi, Luciano Caramel, Claudia Casali, Alberto Giorgio Cassani, Francesco Poli, Luisa Somaini e Claudio Spadoni, mentre gli apparati bibliografici sono di Irene Biolchini.

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Informazioni Evento:
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Data Inizio:13 febbraio 2011
Data Fine: 26 giugno 2011
Luogo: Ravenna, MAR Museo d’Arte della città di Ravenna
Telefono: 0544.482017 / 482775
Sito Web: http://www.museocitta.ra.it/

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Dove:
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Ravenna, MAR Museo d’Arte della città di Ravenna
Città: Ravenna
Indirizzo: via di Roma 13
Provincia: (RA)
Regione: Emilia-Romagna
Telefono: 0544.482017 / 482775
Sito web: http://www.museocitta.ra.it/

ARTE A MANTOVA, 2000-2010

2011-01-25T02:24:00.000-08:00

dal 23 gennaio al 25 aprile 2011

Dopo la ricognizione effettuata nel 1999 sull'arte del '900 a Mantova e nelle sue diramazioni, questa nuova esplorazione riprende i fili di quel passato per avviare una ulteriore messa a fuoco della situazione in atto. Con la consapevolezza che nulla vi è di esaustivo in questo sforzo di conoscenza, ma anche con la certezza che questi limiti impliciti non possono frenare l'impegno di costruire una mappa delle forze attive nel presente.
Come spesso avviene nella geografia artistica delle diverse città italiane anche a Mantova si respira l'atmosfera di una ricerca disseminata su più fronti operativi, con una compresenza non solo di generazioni diverse ma anche di comportamenti differenti all'interno delle stesse generazioni.
Questa situazione indica una "realtà in movimento" dove si intrecciano idee e pratiche individuali che rimandano a molteplici radici culturali, l'officina artistica mantovana è dunque esplorata attraverso quello che è sempre stato un rifiuto costante dell'omologazione e - ancor oggi - si può definire come impossibilità a riconoscersi in un'identità unitaria.
Il progetto espositivo curato da Claudio Cerritelli (docente di storia dell'arte contemporanea all'Accademia di Brera) esprime una volontà di calarsi nei percorsi diramati e fluidi delle opere scelte come segni emblematici di molteplici livelli di ricerca, non temendo di mescolare le differenti storie, anzi intrecciando senza remore esperienze innovative con ricerche più rivolte ai valori del passato. Lo scopo è di restituire al visitatore sia le persistenze dell'arte mantovana (le generazioni più consolidate e attive da diversi decenni) sia le verifiche delle generazioni venute alla ribalta nei due decenni finali del '900, sia - infine- le nuove presenze che comprendono innanzitutto i più giovani, ma non escludono autori più maturi che solo di recente hanno rafforzato la consapevolezza del proprio fare. Le proposte creative mostrano un ampio raggio d'azione riferibile alle temperature concettuali, analitiche ed espressive della pittura e della scultura, alle istallazioni e agli sconfinamenti ambientali, alle implicazioni tecnologiche e ai confronti linguistici con le nuove strumentazioni visive.
Visitando questa mostra lo spettatore si troverà di fronte ad un'avventura policentrica dello sguardo che comporta molteplici livelli di lettura, si tratta di un viaggio polisensoriale nei dinamismi messi in atto da dipinti, sculture, oggetti, assemblaggi, contaminazioni, fotografie, istallazioni, immagini tecnologiche.

ARTE A MANTOVA, 2000-2010
Persistenze Verifiche e Nuove Presenze
Casa del Mantegna
Via Acerbi 47 - Mantova
tel. 0376 360506 - fax 0376 326685
casadelmantegna@provincia.mantova.it

23 gennaio - 25 aprile 2011
A cura di: Claudio Cerritelli
da martedì a domenica
10:00 / 13:00 - 15:00 / 18:00

FRANCESCO TORALDO "COMPOSIZIONI MUSICALI" - M.A.C.A. DI ACRI

2011-01-21T05:30:00.000-08:00

COMUNICATO STAMPA

A partire da sabato 19 marzo 2011, nell’ambito della quarta edizione del progetto BANCARTIS indetto dalla BCC Mediocrati di Rende, il MACA (Museo Arte Contemporanea Acri) dedicherà un’ampia personale a Francesco Toraldo, artista dotato di una grande forza espressiva, i cui quadri – vere e proprie deflagrazioni cromatiche – possono essere paragonati a delle improvvisazioni jazzistiche tanto raffinate quanto vigorose.

Nato a Catanzaro nel 1960, Toraldo è un pittore la cui peculiarità espressiva è data da un suggestivo e coinvolgente intreccio di narrazioni figurative che non provengono tanto da un progetto precostituito, quanto da un ardore guidato dalla memoria e dalle emozioni. Dalla biografia di questo artista si evince un certo spirito ribelle. A suo tempo, infatti, egli non ha voluto portare a termine gli studi accademici, che gli sono comunque stati utili come base di apprendistato. Il suo vero maestro è stato il padre Enzo, anch’egli pittore, il quale ha saputo infondergli l'amore istintivo per una figurazione forte e calibrata. Le capacità espressive di Francesco Toraldo si effondono nella sua opere con gli effetti vibrati di colori primari e puri che sono evidenti sintomi di un animo che non ama certo tenere sotto controllo la propria fantasia, interpretando il mondo attraverso il filtro delle emozioni; un pittore dotato di un’estrema sensibilità per la rivelazione del particolare inserito in un contesto visivo dove prevale un espressionismo venato di dolcezze post-romantiche.

La collezione di oltre trenta dipinti che faranno parte della mostra offre la quintessenza dell’arte di Toraldo. A colpire immediatamente lo sguardo dello spettatore sono i colori brillanti degli strumenti musicali, esaltato dal contrasto con le mani bianche dei musicisti che sembrano volare sopra di essi, sfiorandoli e sfumando nel passaggio tra le note quasi fossero fatte di polvere di gesso. Il tutto da vita ad una figurazione calda intrisa di vibrazioni, di palpiti e di passione, fatta di un’immediatezza segnica che sembra nascere direttamente dal colore, senza la necessità di un disegno preparatorio. Il dipinto si genera dall’intreccio istintivo dei colori sulla tela che scaturisce in un’opera informale su cui, successivamente, il pittore costruisce le sue magnifiche figurazioni astratte.

Francesco Toraldo ha tradotto la sensibilità Fauve, lo studio sul movimento tipico dei Futuristi – e di Balla in particolare –, i visi espressionisti leggermente deformati, in una capacità tutta personale di dipingere la musica, di fare del jazz con gli strumenti della pittura, perdendosi in raffinati assoli fatti di esplosioni cromatiche e tempeste segniche.

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FRANCESCO TORALDO, composizioni musicali

Luogo: MACA – Museo Arte Contemporanea Acri

Piazza G. Falcone, 1 – 87041 Acri (Cs)

Curatori: Boris Brollo e Federico Bria

Vernissage: 19 marzo 2010 ore 18:00

Periodo: dal 19 marzo al 29 maggio 2011

Orario: dal martedì alla domenica, 9-13 e 15-19; lunedì chiuso

info: Museo tel. 0984953309; Ufficio stampa tel. 0119422568, maca@museovigliaturo.it

Dario Rossi

2011-01-08T21:44:00.000-08:00

Testo critico di Marzio Dall'Acqua

Apollo, dio della luce, solare corifeo delle Muse, della poesia e della musica, viene sfidato da Marsia, satiro dei boschi, dopo aver ritrovato il flauto inventato da Atena e dalla stessa dea gettato lontano, poiché la imbruttiva gonfiandole mostruosamente le gote mentre lo suonava. Marsia, ignaro della maledizione con la quale il flauto era stato abbandonato, che minacciava sventura a colui che lo avesse raccolto, si entusiasma suonandolo al punto da ritenersi più abile del dio Apollo, magistrale suonatore di lira.

Autoritratto

La sfida si svolge in un paesaggio aperto di pascoli, campi e natura selvaggia, e decreta la vittoria di Apollo, il quale sanziona definitivamente la sconfitta di Marsia condannandolo ad essere scuoiato vivo.

Apollo è il simbolo della vittoria della violenza, del dominio di sé nell’entusiasmo, dell’alleanza tra passione e ragione, la saggezza in lui è frutto di una conquista, di autocontrollo; è simbolo di una suprema spiritualizzazione, dell’ascesa umana, della metamorfosi verso la perfezione in una crescita individuale estrema.

Paesaggio a Bisulan

Il rimando alla pelle scuoiata di Marsia o a quella cristiana di San Bartolomeo, che riprende l’immaginario dell’antica punizione apollinea, ma annullando ogni simbolismo, ogni profondità simbolica ed emotiva, mi è apparso immediato vedendo le opere di Dario Rossi, il suo lavorare sul colore proprio come se fosse non solo epidermide, ma muscoli, nervi, ossature messe a nudo, scuoiate appunto, fatte affiorare da un chirurgo impietoso, freddo ed impassibile, che temporaneamente le dispone in molteplici ed inaspettate contorsioni che annullano ed esaltano la forma umana: una lezione di anatomia esercitata in spazi scabri, sopra cretti che esplodono prosciugati, su grumose nebbiosità d’aria mefitica o d’erbe in stucco.

El putel a caval

Lo sfondo come prospettiva lontana, a sé stante, sul quale si adagia, emerge, affiora, consolidandosi, la figura umana fatta di terra, di carne, di sangue che assume una sua disarticolata fisicità, oltrepassando l’originaria natura da ectoplasma per acquistare peso, spesso persino un volume fatto di colore accumulato ed impastato in un delirio materico e creativo che lascia alle mani, più che all’occhio, la modellazione di forme scomposte, slegate, che acquistano una dimensione oltre la tela, oltre la quinta davanti alla quale la loro esistenza acquista consistenza e solidità.

Non si tratta di evocazioni, di affioramenti né allusivi ad altre forme di esistenza, né mnemoniche.

Non hanno la consistenza dei sogni, ma sono “realistiche”, come lo sono le allucinazioni per chi le sperimenta, come queste appaiono e scompaiono, diventano non eludibili, autonome.

Me mada col so puten

Dario Rossi viene scrivendo con i colori sulla tela un diario personale, privato, delle sue visioni, che hanno la limitazione dell’autobiografia, come dimostrano i titoli in dialetto, nella sua parlata senza mediazioni e senza abbellimenti con rimandi ad eventi e presenze private e non comunicate se non attraverso allusioni, particolari, che richiedono una lettura attenta che superi il momento emotivo dell’impatto con torsioni drammatiche, innaturali, con materie magmatiche.


L'ucraino che l'è ciuk

Immagini che insieme diventano esperienza comune, che ciascuno di noi ritrova in quel subbuglio di paure, di ansie, di desideri e di pulsioni che avvolgono il pianeta del nostro inconscio nel quale ci avventuriamo con precauzione e trepidazione, spesso fermandoci prima dell’ingresso.

Lo sfondo è neutro, indifferente, estraneo all’immagine e all’immaginario, anche quando assurge ad invenzione di paesaggio, anche quando ambisce a diventare spazio, seppure approssimativo, periclitante e malsicuro. Su questi fondali le figure ricavano una propria energia vitale, si vengono espandendo come amebe, si gonfiano con un dinamismo tutto interiore ed interno che ha però la dinamicità ed il movimento della vita.

Dario Rossi trae da sé la forza delle sue visioni e gli auguriamo che a lungo abbia questa arrabbiata, aggressiva, genuina ed autentica capacità d’invenzione, ma egli sembra cogliere nell’aria vapori, nebulosità, relitti della grande pittura del novecento, echi delle avanguardie storiche, atmosfere dei grandi maestri, in un rimando insieme mutevole, cangiante ed indefinibile, proprio del tempo, di una cultura, visiva ricca di presenze, referenze, citazioni ormai fuori da qualsiasi schema, da qualsiasi codificazione, ideologia o tendenza in una mescolanza totale funzionale solo all’emozione, alle proprie necessità espressive e comunicative, con un linguaggio che nasce da un meticciato estetico, immaginativo.

L'airone della guerra

Dario Rossi è figlio di questa cultura che ha assorbito l’informale, l’astratto insieme alle molteplici elaborazioni della figura, senza porsi problemi né domande e senza complessi di inferiorità.

È un modo nuovo, finalmente libero ed antiaccademico per porsi di fronte all’operazione artistica. È forse il modo attuale di essere naïf. Tale infatti spesso viene definito Dario Rossi, proprio per questa autenticità, per questa ingenuità tardoromantica di poter gridare le proprie visioni, di poter coinvolgere tutti nella propria storia, nella propria vita.
Ed allora possiamo pensare all’influenza su di lui, nel clima del tempo, di artisti come Jean-Michel Basquiat, ai fumetti, al cinema ad un presente visivo che permette a Dario Rossi di orchestrare la propria sinfonia di sentimenti dal dramma, dal rimescolamento psicoanalitico, all’ironia, al rinnovo di una tradizione di arte da strada e di emozioni che non negano il grottesco, la satira ed il riso.
Parma, marzo 2007

Luce di Dio

La pietà


Al mattino presto la bambina prende la rugiada agli occhi per farli diventare più belli

I migliori Auguri di Buon Natale e Buon Anno

2010-12-19T02:14:00.000-08:00

Caravaggio. La bottega del genio. Palazzo Venezia, Roma.

2010-12-11T02:48:00.000-08:00

Per le celebrazioni del quarto centenario dalla morte di Caravaggio, il prossimo 21 dicembre 2010 la Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Roma, diretta da Rossella Vodret, presenterà una mostra del tutto inedita e in forma sperimentale e didattica per ricostruire la bottega di Caravaggio nelle cosiddette “Sale Quattrocentesche” di Palazzo Venezia.

La mostra, dal titolo “Caravaggio. La Bottega del Genio”, è organizzata dalla società Munus e ha come main sponsor Banca Etruria.

L’idea nasce dal fatto che, nonostante l’imponente bibliografia su Caravaggio, la sua tecnica esecutiva – cioè in che modo Caravaggio realizzava i suoi splendidi capolavori - è ancora un mistero, oggetto ancora oggi di studi approfonditi e specialistici.

Per cercare di capire meglio i suoi processi creativi ed entrare nei meccanismi delle sue composizioni e del suo singolare approccio alla realizzazione delle sue opere di sconvolgente modernità, sarà presentata nelle “Sale Quattrocentesche” un’ipotesi di allestimento dello studio di Caravaggio negli anni romani.

L’ipotesi, basandosi sulle recenti ricerche, prende spunto dalle fonti contemporanee all’artista, da quelle letterarie quali Mancini, Baglione, Sandrart, Bellori a quelle archivistiche come l’Inventario delle robbe del 1605, che elenca i beni posseduti dal pittore nel 1605. È da queste fonti, infatti, che è possibile desumere alcuni dati fondamentali per capire la tecnica usata da Caravaggio sia per ricreare la luce che illumina i suoi modelli, sia per indagare i modi utilizzati per la loro riproduzione sulla tela, anche attraverso l’utilizzazione di strumenti ottici, quali specchi e lenti, di cui l’artista probabilmente si serviva.

La mostra di Palazzo Venezia - ideata da Rossella Vodret e curata da Claudio Falcucci - presenterà le più importanti ipotesi avanzate dagli studiosi specialisti di questo argomento, tenendo presenti le conoscenze scientifiche dell’epoca di Caravaggio e offrendo al visitatore l’opportunità per comprendere la lettura, in chiave documentale, della complessità del dipingere del grande Maestro lombardo, sia dal punto di vista tecnico che concettuale.

Verranno messe in opera quattro ipotesi di ricostruzione delle tecniche esecutive di Caravaggio utilizzando come modelli sculture in vetroresina: dalla Canestra di frutta al San Girolamo scrivente, dal Bacchino malato alla Medusa.

Le prime tre ipotesi saranno in relazione alla Canestra e si baseranno sul ricorso a lenti, fori stenopeici - un semplice foro posizionato al centro di un pannello che funge da obiettivo - e specchi per la proiezione del soggetto sulla tela come guida per l’esecuzione pittorica, ma soprattutto come mezzo per osservare la realtà.

La Magia Naturale di Giovan Battista della Porta (1558, ma riedito con ampliamenti nel 1584, periodo nel quale Caravaggio studiò a Milano presso la bottega di Simone Peterzano) è una delle fonti che può aver ispirato questo metodo. La canestra di frutta, che sarà presente nell’allestimento grazie a una ricostruzione realizzata in vetro resina sul modello originale, verrà proiettato su tre tele per verificare la diversa messa a fuoco dell’oggetto osservato.

La quarta ipotesi consisterà nell’impiego di uno specchio piano, il cosidetto specchio grande citato nel prima ricordato Inventario delle robbe, usato come piano di riflessione per i modelli. Praticamente uno schermo di traduzione ottica bidimensionale della composizione scenica. Il visitatore potrà direttamente porsi al posto del pittore, vivere la scena visualizzando il modello nello specchio così come potrebbe averlo collocato Caravaggio nel mettere a punto la sua composizione, vedere accanto a lui la tela preparata con lo stesso tono e le medesime incisioni presenti nell’originale. Il modello, in questo caso, sarà il San Girolamo scrivente della Galleria Borghese, anch’esso realizzato in vetroresina in dimensioni al naturale. L’uso dell’immagine riflessa per lo studio del chiaroscuro e dello scorcio verrà illustrato e commentato attraverso i trattati di Leonardo, Leon Battista Alberti e Filarete.

Alla mostra sarà abbinato un ciclo di conferenze, che si svolgeranno tra gennaio e febbraio, a Palazzo Venezia, con cadenza settimanale, ideato da Rossella Vodret e curato da Marco Cardinali e da Maria Beatrice De Ruggieri. In esso, i curatori della mostra e i membri del comitato di studio avranno modo di spiegare e illustrare i processi creativi e tecnici di Caravaggio.

Nell’iniziativa della Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Roma rivivrà la sperimentazione ottica del grande artista lombardo e prenderà forma il suo modo di osservare la realtà, nella speranza di poter così afferrare con qualche certezza in più le motivazioni più profonde del suo “GENIO”.

Informazioni:

BIGLIETTO: intero €6,00 ridotto € 4,00 ridotto scuole € 3,00

PROMOSSA E ORGANIZZATA DA: Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Roma

IDEAZIONE DELLA MOSTRA: Rossella Vodret

CURA DELLA MOSTRA: Claudio Falcucci

COMMISSARIO DELLA MOSTRA: Giorgio Leone

COMITATO DI STUDIO: Riccardo Bellè, Filippo Camerota, Marco Cardinali, Keith Christiansen, Maria Beatrice De Ruggeri, Sven Dupré, Claudio Falcucci, Mina Gregori, Roberta Lapucci, Giorgio Leone, Giuseppe Molesini, Pietro Roccasecca, Sybille Ebert-Schifferer, Andreas Thielemann, Rossella Vodret, Robert Wald

ORGANIZZAZIONE:Munus

MAIN SPONSOR: Banca Etruria

RICERCHE BIBLIOGRAFICHE E ICONOGRAFICHE:
Belinda Granata, Elena Scarfo
con la collaborazione di Francesca Pasculli

ALLESTIMENTO: Eugenia Cuore

STRUTTURA ALLESTITIVA: Corridi sas

REALIZZAZIONE MODELLI in vetroresina: Plastikart Studio di Istvan Zimmermann

CATALOGO: edito da MUNUS e L'Erma di Bretschneider

UFFICIO STAMPA:
• della Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Roma: Anna Valerio con la collaborazione di Alessandro Gaetani:
• 06/69994218 - sspsae-rm.uffstampa@beniculturali.it
• dell’organizzazione: Arianna Diana:
• 06/692050258 - diana@civita.it

FRANCESCO TORALDO COMPOSIZIONI MUSICALI PROGETTO BANCARTIS

2010-11-30T06:31:00.000-08:00

COMUNICATO STAMPA

Sabato 18 dicembre, nell’ambito del progetto BANCARTIS, ormai giunto alla sua quarta edizione, presso la Sala De Cadorna del centro direzionale BCC Mediocrati di Rende, verrà presentata l’opera Buster Williams del pittore Francesco Toraldo. Il dipinto è un’anticipazione della mostra che il MACA (Museo Arte Contemporanea Acri) dedicherà all’artista a partire da marzo 2011.
Nato a Catanzaro nel 1960, Toraldo è un pittore la cui peculiarità espressiva è data da un suggestivo e coinvolgente intreccio di narrazioni figurative che non provengono tanto da un progetto precostituito, quanto da un ardore guidato dalla memoria e dalle emozioni. Dalla biografia di questo artista si evince un certo spirito ribelle. A suo tempo, infatti, egli non ha voluto portare a termine gli studi accademici, che gli sono comunque stati utili come base di apprendistato. Il suo vero maestro è stato il padre Enzo, anch’egli pittore, il quale ha saputo infondergli l'amore istintivo per una figurazione forte e calibrata. Le capacità espressive di Francesco Toraldo si effondono nella sua opere con gli effetti vibrati di colori primari e puri che sono evidenti sintomi di un animo che non ama certo tenere sotto controllo la propria fantasia, interpretando il mondo attraverso il filtro delle emozioni; un pittore dotato di un’estrema sensibilità per la rivelazione del particolare inserito in un contesto visivo dove prevale un espressionismo venato di dolcezze post-romantiche.
L’opera che entra a far parte della collezione BANCARTIS, è un esempio quintessenziale dell’arte di Toraldo. A colpire immediatamente lo sguardo dello spettatore è il rosso brillante del contrabbasso, esaltato dal contrasto con le mani bianche del musicista che sembrano volare sopra lo strumento, sfiorandolo e sfumando nel passaggio tra le note, quasi fossero fatte di polvere di gesso. Il tutto da vita ad una figurazione calda intrisa di vibrazioni, di palpiti e di passione, fatta di un’immediatezza segnica che sembra nascere direttamente dal colore, senza la necessità di un disegno preparatorio. Il dipinto si genera dall’intreccio istintivo dei colori sulla tela che scaturisce in un’opera informale su cui, successivamente, il pittore costruisce le sue magnifiche figurazioni astratte.
Francesco Toraldo ha tradotto la sensibilità Fauve, lo studio sul movimento tipico dei Futuristi – e di Balla in particolare –, i visi espressionisti leggermente deformati, in una capacità tutta personale di dipingere la musica, di fare del jazz con gli strumenti della pittura, perdendosi in raffinati assoli fatti di esplosioni cromatiche e tempeste segniche.

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Progetto BANCARTIS.
FRANCESCO TORALDO, composizioni musicali

Luogo: BCC MEDIOCRATI, Sala “De Cardona”, Centro Direzionale BCC Mediocrati, Via Alfieri, Rende (Cs)
Curatore: Federico Bria
Vernissage: 18 dicembre 2010 ore 17:00, L’opera rimarrà in esposizione fino al 17 dicembre 2011
info: BCC Mediocrati – tel. 0984841811
ufficio stampa MACA – tel. 0119422568, maca@museovigliaturo.it

Giacomo Favretto

2010-11-21T07:07:00.000-08:00

Venezia nell’Ottocento

Venezia durante l’Ottocento si trova in umiliante situazione del tutto particolare sotto la dominazione austriaca, dopo le vicissitudini napoleoniche seguite alla sua caduta come Repubblica Serenissima nel 1797.

La città della grande tradizione paesaggistisca settecentesca di Guardi e di Canaletto, soggetto vivo di infinite opere di artisti europei, meta dei maggiori intellettuali europei (Turner, Corot, Bonington). Le nuove idee pittoriche erano state introdotte dai numerosi artisti lombardi e toscani dopo la rivoluzione del 1848-49 mentre Domenico Bresolin insegnava una pittura ispirata direttamente alla natura.

Va imponendosi un filone realista, ricco di forti personalità artistiche, che conserva, rispetto alle altre realtà italiane, un peculiare accento.

L’unione con l’Italia nel 1866 determina la liberazione da un incubo: Venezia in questa posizione di povertà e di prostrazione comincia a ricostruire anno per anno la nuova realtà di provincia italiana indipendente.

Gli artisti più importanti dell’Ottocento a Venezia ebbero destini diversi: Canova, Hayez, Favretto, Zandomeneghi, Ciardi, Nono, perché giudicati su un diverso piano culturale.

Biografia

Giacomo Favretto nacque a Venezia l'11 agosto 1849.

Figlio di Domenico di professione falegname, padre di modestissime condizioni economiche, e di Angela Brunello, fece diversi mestieri. Le sue capacità nel disegno vennero seguite in primis dal Conte Antonio de Zanetti e dallo zio di questi, il pittore Gerolamo Astolfoni. Purtroppo la miseria in casa Favretto era grande, e s’imponeva la necessità che anche il ragazzo si guadagnasse il pane. Fu quindi fatto entrare come garzone in una bottega di cartolaio. Lì, nelle ore di quiete si dilettava a disegnare a matita delle figurine di persone e di animali e, con innata abilità, coglieva i profili dei clienti che frequentavano la cartoleria. Questi schizzi un giorno furono notati da tal Vincenzo Favenza, antiquario, che li ammirò tanto da insistere col padre del giovane ed ottenere che gli assicurassero un’educazione artistica. Venne mandato a bottega da un modesto pittore veneziano Francesco Vason, dal quale apprese le prime nozioni di pittura e lo iscrisse, nel 1864, all'Accademia delle belle arti dove ebbe quali insegnanti il Grigoletti ed il Molmenti. Continuerà a frequentare l’Accademia fino al 1877/’78, anche dopo la conclusione degli studi nel 1870.

Oppresso dalla leziosità romantica e dal manierismo accademico dominanti a Venezia verso la metà del secolo, faticò inizialmente a trovare la sua strada artistica ma tra il 1871 e il 1874 dipinse in modo sapiente e ben costruito piacevoli scene di interni familiari, in cui si mostra più attento ai valori e agli effetti del chiaroscuro che a quelli cromatici.

Nel 1873 dipinse un nuovo capolavoro, “La lezione di anatomia”, in cui vengono sperimentati con successo rapporti cromatici e di prospettiva del tutto nuovi. Il lavoro migliore di questo periodo è “I miei cari” 1874.

Intanto la fama della sua genialità cominciava ad uscire dalla piccola e chiusa Venezia: scrive Boito (, 1874): “Nei veneti ci sono due novellini eccellenti, Giacomo Favretto e Luigi Nono…”.

Dedicatosi poi allo studio della grande tradizione veneziana, ne trasse la spinta a uno sforzo costante per ottenere una potente impressione realistica, che già si rivela nel bozzetto “La sartoria” del 1876; mentre “Il sorcio” del 1878 mostra una scena vivacissima, la prima espressione di un episodio umoristico popolare.

Nasce a Venezia il “Verismo”, che vedrà in Favretto il maggiore artefice, l’iniziatore, e che probabilmente con la sua morte, nel 1887, in un certo senso chiuderà questo capitolo della pittura veneziana.

Nel 1879 partì, insieme a Gugliemo Ciardi per Parigi, il viaggio segnò l'inizio della sua fortuna artistica ed economica poiché ebbe moltissime richieste di lavoro da parte dei commercianti inglesi e tedeschi. Il profitto artistico tratto da questo viaggio è rappresentato da una pennellata più movimentata, ma in sostanze l'artista rimane sempre legato strettamente all'ambiente veneziano.

Intorno al 1880 raggiunge un grande equilibrio perseguendo un compatto oggettivismo, facendo tesoro delle esperienze altrui senza mai rinunciare alla propria originalità. Poiché possedeva una notevole memoria visiva, svolgeva il proprio lavoro senza necessità di alcun modello, dipingendo tutto a memoria.

Fu innovatore e anche un ribelle, temperato dal freno della tradizione e attento osservatore della vita quotidiana. Il Favretto non si può intendere se non in quella riproduzione della vita popolare, in una posizione del tutto mutata rispetto agli artisti veneti delle altre epoche e perciò per individuarlo in piena luce bisogna entrare nello spirito della città nella sua epoca. Molti dei suoi quadri riproducono la vita popolare veneziana: con “El difeto xe nel manego” del 1881 da un esempio di commedia maliziosa, con “Il mercato di San Polo” del 1883 offre un modello incomparabile di pittura chiara e squillante, in “Susanna e i Vecchioni” e “Dopo il bagno” giunge a trascurare la determinazione dei personaggi per rendere in un fiume di luce la poesia intima dell'ambiente.

Nel 1884 inviava all’Esposizione di Torino cinque quadri, che ottennero un lusinghiero successo di critica e pubblico. Sempre in questo periodo dipingeva quadri famosi come El liston, prezioso studio compositivo ispirato al costume settecentesco, La zanze, La Nina, El me dise rossa mia, Caldo, tanto per citare i più significativi.

In genere tutti i dipinti del pittore trionfarono alle esposizioni italiane e straniere e fù uno dei pochi pittori che ebbe in vita onori e ricchezze.

Ad un certo punto il suo genio equilibrato accenna a qualche stanchezza “un abuso di colore che non riesce a dissipare l'oscurità di fondo ed anzi toglie trasparenze alle ombre, forse un'eccessiva compiacenza al pezzo di bravura, sembrano svuotare il verismo integrale cadendo forse nel “generismo”. Ma nonostante le violente critiche rivolte a quest'ultimo Favretto restano molte le opere che testimoniano di lui come un grandissimo artista.

Sappiamo che l’Ottocento è molto lungo e con diversi aspetti, ma è necessario cogliere quello dei vent’anni in cui lavorò Favretto esattamente dal 1866, da quando era tra i banchi di scuola diciasettenne, a quando morì a trentotto anni.

La sua breve carriera terminò durante l’Esposizione di Venezia del 1887, che fu per lui un vero trionfo.

Non scampò alla febbre tifoide e morì il 12 giugno 1887.

Termina così con Favretto, un capitolo glorioso della pittura veneziana dell’Ottocento.

Mediterraneo da Courbet a Monet a Matisse, presso Palazzo Ducale a Genova

2010-11-15T06:57:00.000-08:00

Dopo il grande successo della prima giornata di apertura al pubblico della mostra di Castel Sismondo a Rimini, Parigi. Gli anni meravigliosi. Impressionismo contro Salon, con presentazioni, spettacoli e concerti che hanno richiamato quasi tremila persone da tutta Italia, Linea d’ombra è lieta di offrire a tutti i suoi affezionati visitatori altri grandi eventi in occasione della prima giornata di apertura al pubblico, il prossimo 27 novembre, della mostra Mediterraneo da Courbet a Monet a Matisse, presso Palazzo Ducale a Genova. Si tratta dell’attesissima esposizione dedicata a due secoli di pittura francese, dalla metà del Settecento alla metà del Novecento, condotta sulle rive di quel mare e nel suo immediato entroterra provenzale. Una straordinaria mostra sul colore, dal Settecento di Vernet e Robert, all’Ottocento di Courbet, Monet, Van Gogh, Renoir, Cézanne e Munch fino al Novecento di Braque e Matisse.

Il Salone del Maggior Consiglio di Palazzo Ducale a Genova sarà teatro, sabato 27 novembre, dalle 18 alle 23, di alcuni importanti appuntamenti, riservati a coloro che saranno in possesso del biglietto d’ingresso alla mostra, che eccezionalmente per quella giornata chiuderà all’una della notte. Dalle ore 17 fino alla chiusura di sabato 27 novembre, il biglietto d’ingresso sarà tra l’altro ridotto per tutti.

PROGRAMMA

Ore 18. Gianni Mura, il principale giornalista sportivo italiano, da quasi trent’anni inviato al Tour de France, dialogherà con Marco Goldin, curatore della mostra Mediterraneo da Courbet a Monet a Matisse, tra l’altro appassionato e praticante di ciclismo, sul tema “I paesaggi di Van Gogh, Monet e Cézanne al tempo del Tour de France”. Un inedito punto di vista sui più affascinanti paesaggi del sud della Francia, dai campi di lavanda in Camargue al monte Ventoux, mitica salita del Tour tra l’altro presente in un quadro del pittore d’inizio Ottocento Bidauld.

Ore 19. Il Quartetto Desueto in concerto, dal titolo Mari lontani. Giacomo e Mauro Da Ros, Aldo Betto e Cesare Ceschin, tra chitarre, basso e fiati tra cui spicca il sax di Ceschin, alla scoperta dei ritmi caraibici da un lato e dall’altro seguendo il filo di affascinanti canzoni scritte in proprio e dedicate al tema del mare.

Ore 20. Marco Goldin racconta la mostra Mediterraneo da Courbet a Monet a Matisse. Seguendo una consuetudine che negli ultimi dieci anni lo ha portato a presentare le sue mostre con grande successo e partecipazione di pubblico nei principali teatri italiani, lo storico dell’arte trevigiano introduce temi e motivi dell’esposizione, con la consueta capacità di descrivere i quadri attraverso le parole. Ad accompagnarlo sul palco, l’attore Gilberto Colla che leggerà brani dalle lettere di Van Gogh, Monet e Cézanne oltre a Renzo Ruggieri alla fisarmonica e Piero Salvatori al violoncello.

Ore 21.30. In anteprima assoluta, un grande evento musicale. Per la prima volta insieme Antonella Ruggiero e la PFM. Lo storico gruppo italiano insieme a una delle voci magiche della canzone d’autore italiana. L’omaggio a Fabrizio De Andrè sarà accompagnato anche dalla rilettura di qualche classico dei rispettivi repertori, in un concerto che promette di essere un’autentica sorpresa nel segno della meraviglia. Da non mancare!

Vi aspettiamo dunque tutti a Genova!

L’occasione di questa comunicazione è anche importante per segnalare che sul sito www.lineadombra.it da alcuni giorni è attivo lo straordinario virtual tour dedicato alle mostre di Rimini, Parigi. Gli anni meravigliosi. Impressionismo contro Salon e Caravaggio e altri pittori del Seicento. Capolavori dal Wadsworth Atheneum di Hartford. Si tratta di un’occasione unica per entrare in diretta nelle sale suggestive di Castel Sismondo e ammirare quasi dal vero la bellezza delle tante opere giunte da tutto il mondo per celebrare il clima affascinante della Parigi del secondo Ottocento e il mondo caravaggesco. Il successo di visitatori che le mostre hanno avuto nei primi venti giorni di apertura, testimonia di come il pubblico stesso abbia ben compreso la novità assoluta nella presentazione di un mondo così articolato come quello parigino del XIX secolo. Entrate dunque nel magico mondo del virtual tour e sarete proiettati nella Parigi di Monet e Renoir, di Van Gogh e Manet. E tuffatevi nella ricostruzione fedele di una sala parigina del 1880.

Ricordate che a Villa Manin di Passariano di Codroipo (Udine) è aperta un’altra grande mostra storica organizzata da Linea d’ombra, Munch e lo spirito del Nord. Scandinavia nel secondo Ottocento. Per la prima volta in Italia l’opera di Munch posta in relazione e a confronto con gli splendidi maestri della pittura in Danimarca, Finlandia, Svezia e Norvegia. Una mostra che ha davvero conquistato pubblico e critica.

Per le prenotazioni alle mostre è attivo il call center, e potete chiamare lo 0422.42999. Oppure inviare una mail a biglietto@lineadombra.it oppure naturalmente consultare il nostro sito www.lineadombra.it dove i privati possono anche prenotarsi autonomamente.

Sempre sul sito, a partire da questo indirizzo https://shop.lineadombra.it/articoli.asp?cat=1, potrete anche acquistare, con carta di credito o in contrassegno, i cataloghi di tutte le mostre. Vi verranno spediti con corriere espresso direttamente a casa vostra.

E da metà dicembre sarà pronto e consultabile sul sito anche il virtual tour della mostra di Genova dedicata al Mediterraneo.

Linea d’ombra - Ufficio comunicazione

Il Caravaggio una mostra impossibile. Milano

2010-11-08T12:16:00.000-08:00

Un nuovo straordinario evento dedicato a Caravaggio, nella sua terra di origine, chiude le celebrazioni per il quarto centenario della morte del maestro lombardo.

Tutte le opere di Michelangelo Merisi (1571 – 1610) si potranno ammirare nel loro folgorante splendore nella mostra Caravaggio. Una mostra impossibile allestita in Palazzo della Ragione a Milano, dal 10 novembre 2010 al 13 febbraio 2011. Ma non solo. Entrando nello spazio espositivo il pubblico sarà accompagnato da Caravaggio in un affascinante viaggio alla scoperta dei segreti della sua vita e della sua arte.

Promossa dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano, dalla Rai Radiotelevisione Italiana, e prodotta e organizzata da Arthemisia Group e Palazzo della Ragione, la Mostra impossibile del Caravaggio raccoglie 65 capolavori - l’intero corpus delle opere di Michelangelo Merisi, nessuna esclusa e comprese alcune attribuite – riprodotti ad altissima definizione e disposti lungo un itinerario cronologico. Un viaggio “impossibile” tra dipinti disseminati nei musei, nelle chiese e nelle collezioni private di tutto il mondo, che diventa realtà nell’era della riproducibilità digitale dell’opera d’arte.

"Un Caravaggio impossibile ma probabile, con una premessa: non c'è cultura senza educazione. Questo è il senso del progetto - spiega l'Assessore alla Cultura Massimiliano Finazzer Flory -. L'arte antica ha bisogno di futuro e questo Caravaggio virtuale ha qualcosa di molto reale: la possibilità di conoscere la bellezza dell'arte attraverso la tecnologia, con il sorprendente risultato di riuscire a vedere tutte le opere di Caravaggio in un unico spazio scenico".

Grazie a questo progetto ideato e curato da Renato Parascandolo, realizzato dalla Rai in collaborazione con il Ministero per i Beni e le Attività Culturali, e con un comitato scientifico composto da Ferdinando Bologna e Claudio Strinati, le opere di Caravaggio conservate da Parigi a San Pietroburgo, da New York a Princeton, da Dublino a Vienna, da Roma a Napoli, Firenze, Siracusa, ecc. sono oggi fruibili in uno stesso luogo. I quadri, riprodotti in digitale con tecnologie d’avanguardia ad altissima definizione, nel rigoroso rispetto delle dimensioni, dei colori e della luce originali, si trovano finalmente riuniti realizzando un sogno a lungo coltivato da studiosi, critici e appassionati.

L’esposizione supera spazio e tempo e fa rivivere a distanza di secoli il pittore più moderno e rivoluzionario della storia, seguendo passo dopo passo le tappe dalla sua opera e della sua vita burrascosa.

Entrando in una vera e propria wunderkammer, i visitatori saranno infatti accolti da performer nei panni del grande maestro e verranno condotti nel suo mondo attraverso aneddoti di vita vissuta e racconti sulle opere, scanditi in tre fasi temporali: gli esordi, la maturità, il periodo precedente la prematura scomparsa. Caravaggio rivive altresì attraverso numerosi film, documentari storici e spettacoli a tema, proiettati su grandi schermi televisivi; l’atmosfera dell’epoca si respira nella sezione con i quattro dipinti del maestro in cui compaiono strumenti musicali e spartiti. Un sottofondo sonoro di madrigali, cantati da un coro a quattro voci, pervade l’ambiente: sono le musiche dipinte dal Caravaggio in quattro opere famose: Riposo durante la fuga in Egitto (1596), le due versioni del Giovane che suona il liuto (1596-97) e Amore vincitore (1602).

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CARAVAGGIO
Una mostra impossibile
Milano, Palazzo della Ragione
10 novembre 2010 – 13 febbraio 2011

A cura di Renato Parascandolo

Orari
Martedì – domenica ore 9.30 > 19.30
Giovedì ore 9.30 > 22.30
Lunedì ore 14.30 > 19.30
La biglietteria chiude un’ora prima

Biglietti (Visita animata inclusa)
Intero € 9,00
Ridotto € 7,00
Scuole € 4,50

Diritto di prevendita
Singoli e gruppi € 1,50
Scuole € 1,00

Informazioni e prenotazioni
T 199 500 200
(dal lunedì al venerdì ore 8.00 > 20.00, sabato ore 8.00 > 13.00)

Biglietteria on line
http://www.vivaticket.it/

Visite animate partenza gruppi ogni 20 minuti
(la prenotazione non è richiesta)
Informazioni e prenotazioni scuole e gruppi
Ad Artem
T 02 6597728
info@adartem.it
www.comune.milano.it/palazzoreale
http://www.arthemisia.it/
http://www.caravaggio.rai.it/

Fonte: Ministero Beni culturali

Giuseppe Guindani

2010-11-01T08:17:00.000-07:00

Un artista dà quel che si porta dentro. Ma è pur necessario che giunga la scossa di un motivo esteriore a destare la pienezza del suo atto creativo; come l'urto improvviso di una brezza che s'alzi ed empia, spingendo, la vela della sensibilità artistica.

Esistono le «occasioni» (come le ha chiamate Montale) uniche e ineludibili per un' artista; gl'infallibili eventi, oggetti, luoghi, sui quali egli addensa le più urgenti affezioni del cuore; le corde più remote della sensibilità creatrice. Sono questi i momenti in cui il suo tesoro d'umanità e le sue qualità d'artista si fondono in un solo slancio; trovano quell'accordo, intimo e fervente, in grado di donare significato e valore di poesia a tutto ciò che vedono, sentono, esprimono. E' allora soltanto che le forme e il tempo delle «occasioni» esteriori diventano le forme e il tempo interiori dell'opera d'arte; come figli d'un unico sangue, di una sola volontà: rendere vivente nell' opera l'emozione provata dinnanzi allo spettacolo e al senso della vita. Anche se non può competere con Venezia e la sua laguna, nè con il Lago Maggiore e le sue isole deliziose (motivi prediletti da una sceltissima schiera di artisti che, tra Ottocento e Novecento, traluce di nomi come quelli di Ranzoni, Fontanesi, Bazzaro, Morbelli, Boccioni, Carrà, Marussig, Del Bon, Bresciani da Gazoldo e altri), il Lago di Garda è stato fonte d'ispirazione per un buon numero di pittori del nostro secolo.

Pittori schivi o appartati, in genere mal conosciuti; i quali, sapendo fin troppo bene il rischio del vedutismo banale, hanno saputo ricreare la bellezza vera delle sue acque e dei suoi cieli immensi e frastagliati, delle sue lontananze a quando a quando vaporanti e incombenti, dei suoi golfi e paesi voluttuosi e fioriti. Motivi e figure del Lago di Garda non sono mai mancati nel repertorio iconografico della tradizione artistica mantovana del nostro secolo: in Zerbinati (lo stretto collaboratore della rivista veronese «La Via Lattea», fondata da Casorati), Bresciani da Gazoldo, Zanfrognini, Facciotto, Perina, Dal Prato, Marini, Nene Nodari, Guindani.

Al vaglio della storia artistica passata e recente, Giuseppe Guindani resta tra i cantori più schietti, fedeli e memorabili del Lago di Garda. Di lui si conoscono i lunghi e abituali soggiorni a Malcesine dal 1924 al 1934 (con soste, brevi e intermittenti, prima e dopo questo decennio), nella casa circondata da una lussureggiante flora mediterranea, da dove lo sguardo poteva spaziare sulle rade e gli orizzonti lacustri. A Malcesine - in quegli anni ancor più di Mantova lontana dal rombo della storia - Guindani veniva a rifugiarsi come in un paradiso dorato, ai margini della scena artistica del suo tempo; per scelta di volontario isolamento e di una dignitosa solitudine; forse aristocratica, forse chiusa in una sua malinconia del vivere, ma artisticamente attiva; piena di idee creative; rigogliosa di momenti contemplativi che Guindani, tenendosi al fianco la moglie Aristea come l'essere più importante della sua esistenza d'ogni giorno, traduceva in apparizioni di colori inebrianti e preziosi; abitate dal sentimento che la vita è una lenta magnificenza da scoprire nel giorno che non finisce mai; nè mai d'incantare gli occhi di un pittore autentico.

Guindani e la sua pittura sono legati a Malcesine da fibre profonde. Non è eccesivo dire che il Lago di Garda ha plasmato parte della sua vita e della sua formazione artistica. II pittore mantovano ha fatto di Malcesine e del Lago di Garda quel che un Birolli ha fatto di Manarola e delle Cinque Terre: il luogo assoluto, previlegiato, dell'ispirazione felicemente e totalmente riversata nella visione e nella riflessione del paesaggio naturale. Vero e consolidato maestro nella pittura di ritratto e d'interni (sin dagli anni Dieci, quando riceve l'elogio beneaugurante di Boccioni), dopo Malcesine Guindani diventa paesaggista mirabile a tutti gli effetti.
Qui, ove anche Goethe aveva indugiato in estasi, assimilando scorci e atmosfere del Garda nei suoi disegni folgoranti e meticolosi allo stesso tempo, Guindani sapeva cogliere la soavità piena di questa luce veneta, tra le rive sinuose e animate da riverberi ora squillanti, ora velati. Nei suoi dipinti del periodo di Malcesine, le immagini del lago respirano di sè stesse, come bianchi lini nella calura; sciorinate nella fragranza amorosa di una pittura sempre più intrisa d'infinite modulazioni del campo cromatico che si accende d'impennate verdi, blu, bianche, rosa, gialle; a prova di un'immaginazione calda e moderna; nata sotto il segno della solarità di un Ingres e delle larghe stesure cromatiche di Gauguin; memore della scintillante e festosa «naturalità» di Armando Spadini e di quei brani pittorici di spontaneità quasi fisica creati dal suo vecchio insegnante di Brera, Cesare Tallone: maestro nell'orchestrare lo squillo d'un bianco o d'un rosso che empie di vibrati riflessi un verde, un bruno, un blu che si trovino accanto. Nella stretta e operosa alleanza tra spontaneità e riflessione, Guindani viveva Malcesine e i suoi scenari naturali con un sentimento esultante e rapito dalla bellezza delle cose che vedeva intorno. Senza mai indulgere al confuso trasformismo stilistico dei vari classicismi, arcaismi e avanguardismi di quei tempi, Guindani è stato un limpido, strenuo esempio di pittore coerente alle proprie ragioni interiori (come un Morandi, un Licini, un De Pisis). I dipinti gardesani lo testimoniano ampiamente, in modo commovente; schiusi come fiori tuffati in una specie di mimesi della luce che si profonde in macchie cromatiche risplendenti, illimitate, portatrici di un lirismo vivido, espanso, primaverile; talora sfiorato da crepuscolari delicatezze, tal' altra da chiarori a non finire, d'alto meriggio, che percuotono l'anima di un senso di gratitudine alla vita.

A Malcesine Guindani trova nuovi spazi di libertà creativa; stempera gli aspetti più compassati e levigati del suo tradizionale, nobile lavoro d' atelier; si dispone a inediti e corroboranti equilibri pittorici tra valori luministici e strutture compositive del quadro.

Il paesaggio lacustre inargentato da flutti appena turbino si, il fogliame dei broli trafitto dal sole, l'eburnea figura biancorosa di Aristea incisa su uno sfondo di perla, i morbidi pennacchi dell'elegante papiro elevati al cielo blu cobalto, i roridi intrecci delle vigne e degli olivi a fine estate, sembrano nascere sotto i nostri occhi; per un gioco di valori e di toni mai tanto immediato, sfolgorante e sugoso.

Senza mai sperdere la forbitezza plastica, la visione si dipana fino all'iridescenza pura, che dilata i confini dello spettro visibile, quasi sfuggendo alla «legge della cornice».

A differenza di gran numero di pittori attratti, in prevalenza, dalle linee d'acqua del paesaggio, Guindani ha dipinto volentieri l'entroterra delle riviere gardesane: le soleggiate stradine di campagna, i monti sorgenti di lontano, i declivi gremiti di olivi, gli orti e i giardini fiammeggianti d'erbe sempreverdi, di fiori variopinti; sovente abitati da figure muliebri iridate, irrigate, sforate dai battiti della luce e delle ombre colorate.

Guindani a Malcesine s'immerge nel cuore del visibile, sopprimendo la distanza che, nella pittura d'atelier, il «motivo» elevato a «soggetto» del quadro frappone tra sè e l'artista. Sul Garda la pittura di Giuseppe Guindani non si preoccupa di tenere il mondo sullo sfondo; come si può ammirare nel tema del giardino. Come un dono inesauribile e prezioso deve essergli parso il giardino. La cosa più desiderabile e seducente; l'emblema (come, ad esempio l'albero solitario nella pittura di Carlo Mattioli), il luogo dell'anima, il campo eliso in cui l'artista non solo trasfonde tutta la sua maestria e il suo amore della pittura; ma può crederlo la parte immortale della sua vita.
"Gian Maria Erbesato"

BIBLIOGRAFIA

1916
Boccioni, Le Arti plastiche - Mostra artistica mantovana, , in «Gli avvenimenti», anno II, numero 11, Milano, 5-12 marzo.

1922
Catalogo della «Esposizione Nazionale d'Arte», marzo-aprile. Catalogo della «XIII Esposizione Internazionale d'Arte della Città della Venezia», Venezia.

1923
Catalogo della «Quadriennale», Società Promotrice delle Belle Arti, Torino, marzo¬ottobre. Catalogo della 30^ Mostra Artistica Interprovinciale Mantovana», Palazzo Ducale, Mantova, primavera. catalogo della «Esposizione Nazionale d'Arte», Milano, settembre-novembre.

1924
Catalogo della «Seconda Esposizione di Arte e Industria Artistica», Palazzo Ugolani Dati, Cremona, maggio. Catalogo della «XIV Esposizione Internazionale d'Arte della Città di Venezia», Venezia 1924.

1925
Catalogo della «Terza Biennale Romana», Palazzo di Belle Arti, Roma, primavera. Catalogo della «Mostra d'Arte Pura ed Applicata all'Industria» Brescia, maggio-giugno. Catalogo della I Esposizione Fiumana Internazionale di Belle. Arti, Municipio di Fiume, agosto-settembre. Catalogo della «Mostra Nazionale di Belle Arti», Accademia di Brera, Milano autunno.

1926
Catalogo della «XV Esposizione Internazionale d'Arte della Città di Venezia», Venezia

1928
I 199 artisti ammessi alla XVI Biennale - 137 opere di pittura, 53 di scultura, 37 di bianco e nero, in «Gazzetta di Venezia», Venezia, 29 marzo.
Catalogo della «Fiera d'Arte Mantovana», Palazzo della Camera di Commercio, Mantova, aprile-maggio.
Catalogo del «XVI Esposizione Internazionale d'Arte della Città di Venezia», Venezia.
Piero Torriano, In giro per la mostra - confessioni e commenti, in «XVI Esposizione Internazionale d'Arte della Città di Venezia MCMXXVIII. VI» - numero speciale dell' «Illustrazione Italiana», Milano, supplemento al n. 40 del 30 settembre.

1932
Catalogo della «III Mostra del Sindacato Regionale Fascista Belle Arti di Lombardia», Biennale di Brera, Milano, febbraio.

1934
Catalogo della «V Mostra del Sindacato Interprovinciale Fascista delle Belle Arti di Lombardia», Palazzo della Permanente, Milano, maggio.

1936
Catalogo della «VII Mostra del Sindacato Interprovinciale Fascista di Belle Arti di Milano», Palazzo della Permanente, Milano, 15 febbraio - 15 marzo.
Aldo Pasetti, La VII Mostra sindacale delle Belle Arti di Lombardia, in «Gazzetta del Popolo della Sera», Torino, 24 febbraio.

1938
Catalogo della «IX Mostra d'Arte - I Mostra del Cartellone e Grafica pubblicitaria del Sindacato Interprovinciale Fascista Belle Arti Milano», Palazzo della Permanente, Milano 14 maggio - 14 giugno. Catalogo della «Mostra sociale d'autunno», della Società per le Belle Arti ed Esposizione Permanente, Milano novembre-dicembre.

1939
Catalogo della «Mostra dei Pittori, Scultori e Incisori Mantovani «800» e «900» - II Edizione», Palazzo Te, Mantova 14 maggio - 30 giugno.
Scorcio di uno dei saloni (opere di Guindani) della mostra del Premio Cremona, della quale avrà luogo oggi la vernice (fotografia in bianco e nero), in «Il Regime Fascista», Cremona; 18 maggio.
Il Premio «Cremona» (Illustrazione in bianco e nero del dipinto di Giuseppe Guindani (motto «Ardere») dal titolo: A Monaco noi abbiamo operato per la pace con giustizia, in «Il Regime Fascista», Cremona, 4 giugno.

1939
Illustrazione in bianco e nero del dipinto di Giuseppe Guindani La strada, in «Rivista Bimestrale Unione prof. e Artisti di Mantova», Mantova. Nicodemi - Bezzola, 1939, n. 2648.

1941
Catalogo della «VIII Mostra Sindacale degli Artisti Mantovani», Teatro Sociale, Mantova maggio-giugno.

1942
V.c., La XII Sindacale d'Arte Lombarda, in «Il Popolo d'Italia», Milano, 10 ottobre.

1947
Umberto Zerbinati, Ricordo di Giuseppe Guindani, in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 17 gennaio (pubblicato anche in estratto a off-set).

1949
Catalogo della mostra personale, Galleria Bolzani, Milano.

1950
Artisti mantovani scomparsi: Giuseppe Guindani, in «Le leggi dello spirito», numero unico, Mantova ottobre.

1951
Aldo Carpi, Giuseppe Guindani pittore, e Vincenzo Costantini, L'opera di Giuseppe Guindani, in catalogo della mostra personale, Palazzo della Ragione, Mantova giugno. Inaugurata la mostra di Giuseppe Guindani, in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 12 giugno.

1957
Da domani a Milano: «Personale» postuma di Giuseppe Guindani, in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 4 ottobre.
Ugo Nebbia, introduzione critica al catalogo della mostra personale, Galleria Barbaroux, Milano, ottobre
L.G., Carlo Carrà all'inaugurazione della «personale» di Guindani, in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 6 ottobre.
Mario Lepore, Mostre d'Arte, in «Corriere d'Informazione», Milano, Il - 12 ottobre. Mario Monteverdi, Andar per mostre, in «Corriere Lombardo», Milano, Il - 12 ottobre
M.D.M. (Mario De Micheli), Giuseppe Guindani, in «L'Unità», Milano, 16 ottobre. G.M., Giuseppe Guindani, in «L'Italia», Milano, 16 ottobre.
Dino Villani, Cronache d'arte - Impressioni sulla mostra milanese - Anticonformismo di Giuseppe Guindani, in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 18 ottobre. Mario Lattes, Le mostre a Milano, in «Nuovo Corriere degli Artisti», anno VII, n. lO, ottobre.
Fazio, Guindani alla Galleria Barbaroux, in «Auditorium», anno VI, n. 11, Roma, novembre.
Mario Portalupi, Giuseppe Guindani, in «Notiziario d'Arte», Milano

1959
Riproduzione in bianco e nero di Le amiche e di Contadino, in «Bancarella», anno V, fascicolo XXV, Mantova, maggio.
Inaugurata la mostra di Giuseppe Guindani, in «Il Resto del Carlino» - cronaca di Mantova, Bologna, 19 aprile.
Inaugurata alla Gonzaghesca la retrospettiva di Guindani (riproduzione in bianco e nero di Donna in riposo, 1911), in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 19 aprile. Personale a Mantova di Giuseppe Guindani (riproduzione in bianco e nero di Autoritratto), in «Il Corriere lombardo», 4-5 maggio.
Ugo Nebbia, presentazione in catalogo della mostra personale, Galleria Gonzaghesca, Mantova, 18 aprile - 3 maggio.
G.L. Verzellesi, La «riassuntiva» di Guindani" in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 30 aprile.

1964
Palazzo della Gran Guardia - Quarta mostra artisti scomparsi, in «La Vernice», anno III, n. 6-7, Venezia, giugno-luglio.
Renzo Margonari, L'arte a Mantova dal 194 5 a oggi, (riproduzione in bianco e nero di Nell'orto), in «Città di Mantova», n. 10-11, Mantova, settembre.

1965
Catalogo della «Exposition de la Peinture ltalianne Contemporaine», Modern Art Center, Zurigo, marzo.
Riproduzione in bianco e nero di Fanciulla con didascalia «Mostra artisti scomparsi: Giuseppe Guindani (1886-1946) in copertina di «La Rivista di Lecco», anno XXIV, n. 3-4; Lecco, maggio-luglio.

1966
Renzo Margonari, Giuseppe Guindani, presentazione in catalogo per la mostra per¬sonale alla Galleria La Saletta, Mantova, 8-21 gennaio.
Renzo Margonari, Giuseppe Guindani, in «Gazzetta di Mantova», gennaio.
Il messaggio di Guindani, in «Il Resto del Carlino», cronaca di Mantova, Bologna 13 gennaio.
Telegrammi: Mantova mostra postuma, in «Il Giorno», Milano gennaio.
Elda Fezzi, Guindani, introduzione al catalogo per la mostra personale alla Galle¬ria Portici, Cremona, 1 giugno.
E.F. (Elda Fezzi), Mostre d'arte - Giuseppe Guindani alla Portici, in «La Provincia», Cremona, 8 giugno.
A. Coccia, Una mostra postuma presso la «Portici», in «L'Italia», Milano 13 giugno. Gallerie - Mostra del paesaggio italiano, in «Corriere della Sera», Milano, 29 settembre. Gabriele Mandel, Omaggio a Giuseppe Guindani (1886-1946), presentazione in ca¬talogo per la mostra personale all'Istituto Europeo di Storia d'Arte, Milano, 15 ottobre.
Gallerie milanesi: la terza mostra dell'Istituto Europeo di Storia d'arte, in «L'Italia», Milano, 21 ottobre.
R.M. (Renzo Margonari), Ricordo di Giuseppe Guindani a venti anni dalla scomparsa, in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 17 dicembre.

1967
Catalogo della «Mostra d'Arte», Milano, 6 marzo; trasferita sull' «Augustus» in navigazione per l'America, e ripetuta a Buenos Aires, Rosario, Cordoba, Mendoza e Montevideo (riproduzione in bianco e nero di Fanciulla).
Catalogo-dépliant della «Quarta collettiva di Pittura e scultura», Istituto Europeo di Storia d'Arte, Milano, 17 giugno.
Sigue abierta la muestra que via;a con cuadros de artistas italianos, in «Los Andes», Mendoza, 16 ottobre.

1968
Jole Simeoni Zanollo, Alla sala «Boggian» di Castelvecchio quadri in galleria nel centenario (riproduzione in bianco e nero di Bambina), in «Vita veronese», anno XXI, n. 7-8, Verona, luglio-agosto.

1969
Lanfranco, Omaggio a Giuseppe Guindani (1886-1946), catalogo della mostra personale alla Saletta Giulio Romano - Palazzo degli abati, San Benedetto Po, 21 marzo.

1970
I «maestri» mantovani alla Galleria U.G.M., in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 28 febbraio.

1972
Mario Cattafesta, Le arti visive - Opere di Giuseppe Guindani alla Bottega «Isabella d'Este», in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 9 febbraio.
M. Cattafesta, Le arti visive - Insegnamento di Guindani, (riproduzione in bianco e nero di Contadino al sole), in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 16 febbraio. Renzo Margonari, Le mostre in città e provincia - Galleria Bottega d'Arte: Guindani (riproduzioni in bianco e nero di Contadino al sole), in «La donna mantovana», Mantova.
A.M. Comanducci, Dizionario Illustrato dei Pittori e incisori Italiani moderni, IV edizione, volume In, Milano (presente anche nella I, n, n. I edizione).

1974
Mario Cattafesta, La Galleria civica moderna (riproduzione in bianco e nero di Piazza Erbe), in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 5 ottobre.
Luciano Caramel-Carlo Pirovani, Galleria d'arte moderna - Opere del Novecento, Electa Editrice, Milano.

1975
Egisto Farina, introduzione critica al catalogo della mostra Giuseppe Guindani dal 1910 al 1931, (testimonianze di Umberto Boccioni e dello stesso Guindani), Ente Manifestazioni Mantovane, Loggia di Giulio Romano, Mantova, 15 marzo - 12 aprile (con 15 riproduzioni in bianco e nero e 8 a colori; breve cenno bibliografico).
Egisto Farina, Guindani con molti inediti (riproduzione in bianco e nero di Riposo, 1911), in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 15 marzo.
Vittorio Lusvardi, Guindani: l'arte come ragione di vita (riproduzione in bianco e nero di Ritratto della moglie), in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 29 marzo. Italo Friger, A trent'anni dalla morte - Riscoperta di Guindani grande artista del colore, in «Il Resto del Carlino» - cronaca del mantovano, Bologna, 9 aprile.

1976
V.L., In visita alle gallerie: Guindani, la mostra dedicata alla «fanciulle», (riproduzio¬ne in bianco e nero di Bambina con il pierrot, in «Gazzetta di Mantova», Mantova, l0 aprile.

1977
Ma. Cat., Giuseppe Guindani: «Taccuini» e incisioni, (riproduzione in bianco e nero di Piazza Leon Battista Alberti, acquaforte, e Ritratto di Aldo Fiozzi, carboncino), in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 19 marzo.
Riproduzione in bianco e nero di Mantova intima, incisione in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 2 aprile.

1978
Catalogo della «58 Mostra d'Arte», Palazzo Re Enzo, Bologna 20-31 marzo. Diverse citazioni e riproduzioni in bianco e nero nella monografia di Renzo Margonari, Mario Lomini, Mantova.

1980
F. Solmi, Introduzione al catalogo (Ed. Grafis) della mostra antologica, Chiostro di San Francesco, Mantova, febbraio.
Catalogo della mostra La Metafisica Anni Venti, Galleria d'Arte Moderna, Bologna, maggio-settembre.
L. Meneghelli, Giuseppe Guindani, Quaderni «Artisti Contemporanei» n. 231, (Ed. Ghelfi), Verona.

1981
Personale alla Galleria San Luca, Verona, marzo.
J.P. Jouvet, Il successo dopo la morte, in «L'Arena», Verona, 8 marzo. Personale alla Galleria Patrizia, Montecatini Terme, 20 agosto – l0 settembre. S. Ghiberti, Guindani a Montecatini, in «Gente», Milano, Il ottobre.

1982
Personale alla Galleria Il Trittico, Roma, 30 gennaio - 5 febbraio.
D. Petrocelli, Guindani, protagonista del silenzio, in «Il Tempo», Roma, 19 febbraio. B. Romiti, Giuseppe Guindani, in «Scena Illustrata», Roma, luglio.

1983
M. Capisani Polarolo, L'assillo di Guindani, dipingere lo spirito, in «Gazzetta di Mantova», Mantova, 23 settembre.

1984
R. Margonari, Introduzione al catalogo della mostra Incisori Mantovani degli Anni Trenta, Virgilio di Mantova, 7 aprile - 6 maggio.
G. Perocco, Giuseppe Guindani, 1886-1946, Centro d'Arte San Vidal, Venezia, 16-30 giugno.
R. Margonari, F. Bartoli, G.M. Erbesato, Disegno Mantovano del '900, Museo Civico di Palazzo Te, Mantova, settembre-dicembre.

1988
G. M. Erbesato, Disegni di Guindani, Galleria Comunale d'Arte Moderna, Quistello (MN), maggio.

Jean Siméon Chardin a Ferrara "Palazzo dei Diamanti"

2010-10-15T03:02:00.000-07:00

«Ci si serve dei colori, ma si dipinge con il sentimento.» Con queste parole, Jean Siméon Chardin (1699-1779), contrapponendosi alle regole accademiche allora in voga, sintetizzava il suo modo, all’epoca rivoluzionario, di fare arte.

A questo grande protagonista del Settecento, uno dei più straordinari pittori di tutti i tempi, Ferrara Arte dedica dal 17 ottobre 2010 al 30 gennaio 2011 un’importante mostra, la prima mai consacrata all’artista nel nostro paese. L’esposizione è organizzata in collaborazione con il Museo del Prado di Madrid, che la ospiterà dopo il debutto a Ferrara, ed è curata da Pierre Rosenberg, massimo esperto di Chardin, Accademico di Francia e Presidente-direttore onorario del Musée du Louvre.

Chardin è stato uno dei più originali artisti del suo tempo. Egli infatti rifiuta, sin da giovanissimo, i percorsi didattici accademici ed è uno dei pochi a non aver mai effettuato il viaggio in Italia. Inoltre, tra tutti i generi pittorici evita proprio quelli che nella Francia del secolo dei lumi sancivano la fortuna degli artisti, e cioè i dipinti di soggetto storico o mitologico. Nonostante ciò, nel 1728 l’Accademia reale di pittura e scultura – alla quale Chardin aveva sottoposto la sua candidatura presentando le proprie prime impressionanti nature morte – riconosce la sua qualità e lo accoglie nei suoi ranghi come pittore specializzato «nella raffigurazione di animali e frutta». La scelta del genere della natura morta, allora considerato minore, non ne vincola il successo e Chardin si impone presto sulla competitiva scena parigina.

Nel corso del decennio successivo, egli estende la propria ricerca anche alla figura, con esiti ancora una volta impressionanti. Infatti, ad una pittura dedita a rappresentare la contemporaneità attraverso la descrizione della vita di corte, Chardin oppone un’altra realtà: scene di interni in cui i domestici e i rampolli della borghesia francese sono raffigurati nelle più semplici attività di tutti i giorni. Ogni dettaglio ornamentale è bandito, la pittura diviene poesia del quotidiano, un mezzo per esaltare con sensibilità i gesti delle persone comuni che Chardin trasforma in grandi protagonisti della sua epoca. Nascono così capolavori come Il garzone d’osteria, La governante o Il giovane disegnatore ai quali si affiancano le toccanti raffigurazioni delle attività ludiche dei giovani come le Bolle di sapone, la Bambina che gioca col volano o il Bambino con la trottola. In ciascuna di queste opere, attraverso una tecnica pittorica stupefacente, incentrata sul rapporto tra tono e colore e sulla variazione degli effetti di luce, l’artista riesce a trasmettere all’osservatore l’emozione provata di volta in volta di fronte al soggetto.

È con questo spirito che Chardin continuerà a dipingere, anche quando, tornato alla raffigurazione di nature morte, realizza capolavori come il Mazzo di garofani, tuberose e piselli odorosi di Edimburgo, riguardo alla quale Charles Sterling, uno dei più grandi storici dell’arte del secolo scorso, scrisse: «Chardin è con Poussin e Claude Lorrain l’artista francese anteriore al XIX secolo che ha avuto la maggiore influenza sulla pittura moderna. Certe ricerche di Manet e di Cézanne sono inconcepibili senza Chardin. Sarebbe difficile immaginare qualcosa di più “avanzato” nella composizione e nel trattamento pittorico del Vaso di fiori di Edimburgo. Esso sorpassa tutto ciò che dipingeranno in questo genere Delacroix, Millet Courbet, Degas e gli impressionisti. Solo in Cézanne e nel suo seguito si può pensare di trovare tanta forza in tanta semplicità».

Il successo della pittura di Chardin è sancito anche dalle reazioni del pubblico alle tele che l’artista espone al Salon a partire dal 1737. Ad accoglierle con entusiasmo fu anche gran parte della critica, ad esempio una celebrità come Denis Diderot, che nel 1763 osanna pubblicamente il realismo delle nature morte del pittore. Chardin è molto apprezzato anche dal re di Francia Luigi XV, al quale dona la Madre laboriosa e il Benedicite, ricevendo in cambio la stima del sovrano e, nel 1757, il grande privilegio di dimorare e lavorare al Louvre.

Verso il 1770 i problemi di salute lo inducono a rallentare l’attività e ad abbandonare progressivamente la pittura ad olio. Tuttavia, senza perdersi d’animo, l’anziano maestro inaugura una nuova stagione della sua arte dando vita, con la delicata tecnica del pastello, a ritratti di straordinaria intensità psicologica. Con queste opere si conclude la lunga carriera di un artista che per tutta la vita aveva concepito la pittura come un mezzo per conoscere la realtà e rappresentarla, e che, evitando i contenuti aneddotici, ha raggiunto un’arte senza tempo che riflette un’armoniosa perfezione tra forma e sentimento.

L’aver elevato gli oggetti di uso quotidiano e i gesti delle persone comuni a materia di rappresentazione artistica e la sua straordinaria tecnica pittorica fanno di Chardin uno degli artisti più amati da pittori moderni come Cézanne, Matisse, Morandi e Paolini. Per non dire di Vincent Van Gogh che lo riteneva «grande come Rembrandt».

La mostra di Ferrara e Madrid offre l’occasione di ripercorrere le tappe salienti del percorso artistico di Chardin attraverso un’ampia selezione di opere provenienti da musei e collezioni private di tutto il mondo tra le quali emerge, per numero e qualità dei dipinti concessi, ben dieci capolavori, l’eccezionale collaborazione con Louvre.

Fonte: Ministero per i beni e le attività culturali.

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Matteo Massagrande. Mostra

2010-10-07T11:53:00.000-07:00

Matteo Massagrande

Diario di un cercatore di bellezza

Domenica 10 ottobre 2010 ore 17.00

San Martino dall’Argine (Mn), Chiesa di Santa Maria Annunciata

Presentazione critica a cura di Paola Artoni

La poetica bellezza della pittura di Matteo Massagrande (Padova, 1959) illumina gli spazi della chiesa di Santa Maria Annunciata a San Martino dall’Argine (Mn). Una mostra che presenta un ciclo di dipinti preziosi realizzati dall’artista, raffinato conoscitore delle tecniche antiche e moderno cantore della bellezza.

Come scrive Paola Artoni nel catalogo che accompagna la mostra: “(…) Per chi, come lui, è seguace devoto della sua autentica vocazione di artista è impossibile non rispondere al richiamo profondo della natura e della pittura. Una pittura stratificata, soffusa, diffusa e increspata, sapiente di disegno, di colore, di cultura, forte di un genius loci che lo arricchisce senza schiacciarlo nel confronto con il passato. È un fascino senza tempo quello che emerge dai suoi dipinti, una malìa che è indifferente alle mode e che, proprio per questo, è sempre attuale ed emozionante. Nel bosco il mistero è nell’intreccio di un ramo, è nell’andamento dello sguardo che cerca di pacificarsi e riconciliarsi con la natura, con la sua sofferenza e con le sue quotidiane rinascite. Lo sguardo dell’artista è un’azione di presa di coscienza, è il comprendere di essere una parte dell’universo, una scintilla del Divino, un pur flebile riflesso della Vita che pulsa in ogni angolo della Creazione. Talvolta compare la figura umana, a interrogare come una cartolina dal passato sul senso delle proprie radici, altre volte tale figura, anche se non presente, è evocata, in una necessaria riscoperta della sostanza dell’essere. E se non sono i volti a parlare, le metafore delle vite sono le città cariche di vapori e gli interni domestici, case deserte ma con le porte e le finestre socchiuse, con i muri che hanno registrato le impronte di vite passate, silenziose testimoni di abbandoni, saluti, ritorni. Il fluidificarsi del tempo è un’atmosfera rarefatta, sommessa, vagamente inquieta, è il mondo in una stanza che sembra risuonare delle voci di chi l’ha abitata. La luce filtra dalle finestre e si distende sui pavimenti ed è chiaro che il suo senso non è mera connotazione estetica ma sostanzialmente poetica. Quello che a noi resta è la fiducia e capita allora che il dialogo con l’opera diventi veramente profondo: ci lasciamo piano piano condurre dall’artista, accettiamo di placare ansie assaporando l’intima essenza delle cose. Sfogliando le pagine di un breviario minimo, comprendiamo che per Massagrande la natura morta adagiata su un tavolo da cucina è, in realtà, una natura “viva” e che la bellezza delle cose ama nascondersi o meglio, come affermava Eraclito, “l’intima natura delle cose ama nascondersi”. E ci si commuove pensando che questa bellezza sta racchiusa nella rotondità di una mela dalla buccia rossa e che, in fondo, in un semplice vaso di fiori c’è bellezza, vanitas, anelito all’eternità. Massagrande è un saggio, innamorato della terra d’Ungheria e contagiato in questo amore dalla sua compagna di vita, un pellegrino nel mondo che sa che ogni partenza è una discesa nell’abisso di sé stessi, nell’oscurità delle grotte dove si nascondono i mostri dell’anima, laddove si consuma la lotta estenuante con le paure che tolgono il respiro con i loro denti aguzzi e voraci. E ogni viaggio è lo scontro con il limite dell’angoscia, l’abbandono delle proprie certezze per diventare altro. Eppure nessuna traccia della metamorfosi sofferta della crisalide si coglie nelle ali leggere e trasparenti nel sole della nuova farfalla… Solo chi possiede questa coscienza ha la possibilità di volare alto come un’aquila, sentirsi una parte di questo pianeta e, al tempo stesso, distaccato dal mondo e rivolto verso l’eternità, commosso e appagato davanti alla goccia di rugiada scintillante sulla spiga di grano”.

Biografia artistica

Matteo Massagrande vive tra Padova e Hajòs (Ungheria), ha esordito nel 1973 partecipando a mostra collettive e a concorsi, ottenendo numerosi premi e riconoscimenti, tra i quali il Premio Internazionale Città di Pordenone 1980, il Premio Rizzoli per la grafica 1982, il Premio Burano di pittura 1986; il Premio Under 35 alla Terza Biennale d’Arte Sacra di Venezia 1987 (primo premio). Tra le mostre personali in sede pubbliche si ricordano nel 1992 quella presso la Fondazione Ghirardi a Villa Contarini, Piazzola sul Brenta con catalogo a cura di Giorgio Segato; nel 1995 a Palazzo Crepadona di Belluno Opere 1974-1994 con catalogo a cura di Paolo Rizzi, e nel 1996 a Palazzo Sarcinelli, Conegliano, Opere 1986-1996 , con catalogo a cura di Marco Goldin edito da Electa. Nel 1995 il Museo Civico di Padova dedica una mostra antologica presso l’oratorio di San Rocco, Incisioni 1974-1994, con catalogo a cura di Giorgio Segato. Nel 1997 a Casa dei Carraresi, Treviso, Opere su carta, con catalogo a cura di Marco Goldin edito da Marsilio. Nel 1997 Civiche Gallerie di Arte Moderna e Contemporanea, Ferrara, catalogo a cura di Franceso Loperfido edito da Corbo Editore. Nel 1998 con catalogo edito da Electa con testi di Enzo Siciliano, a cura di Marco Goldin, Incisioni 1974-1998 Casa dei Carraresi, Treviso. Nel 1999 Museo delle Mura di Borgotaro. Parallela a quella pittorica si è sviluppata l’attività grafica iniziata già nel 1974, sottolineata dalla presenza in numerose collettive di prestigio: nel 1984 Collezione grafica della Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia; nel 1998 Incisori trevigiani del Novecento a Palazzo Sarcinelli, Conegliano; nel 1992 Gabinetto delle Stampe dell’Accademia di Scienze e d’Arte di Zagabria, nel 1993 Prima Biennale dell’incisione Romeo Musa e Repertorio degli incisori italiani al Gabinetto delle Stampe Antiche e moderne, Bagnacavallo, Ravenna. Nel 1989 ha illustrato il libro Passato prossimo, edito dal Rotary Club International. Nel 1991 ha illustrato la raccolta Ne Tisini con poesie di Giorgio Segato, edito da Biscupic, Zagabria. Nel 1993 illustra il racconto Cercando Sisol, di Ermanno Olmi. Nel 1998 illustra il racconto di Fulvio Tomizza Le stelle di Natale. Recentemente alcune sue incisioni sono entrate a far parte del Gabinetto delle Stampe degli Uffizi di Firenze. Ha all’attivo oltre cento personali in Italia e all’estero. Le sue opere si trovano in numerosi musei, chiese, collezioni pubbliche e private.

Matteo Massagrande
Diario di un cercatore di bellezza
Inaugurazione domenica 10 ottobre 2010 ore 17.00
San Martino dall’Argine (Mn), Chiesa di Santa Maria Annunciata
Presentazione critica a cura di Paola Artoni. Catalogo in mostra
Apertura sino al 7 Novembre 2010 il giovedì e il sabato dalle ore 16.00 alle ore 19.30; domenica e festivi dalle ore 10.30 alle 12.30 e dalle 16.00 alle 19.30
Organizzazione: Galleria d’arte moderna STUDIO 10, via Garibaldi, 1 San Martino dall’Argine (Mn)
Info: tel: 0376-919360, cel: 339-2069027, galleriastudio10@tele2.it

ALDO MONDINO. Maestro di Fantasmagorie. Segnalazione mostra

2010-10-04T09:22:00.000-07:00

COMUNICATO STAMPA

A partire dal 20 novembre 2010, il MACA (Museo Arte Contemporanea Acri) dedicherà una personale al grande artista torinese Aldo Mondino, senza dubbio uno degli artisti italiani più eclettici della sua generazione, tra i principali protagonisti della sorprendente stagione creativa degli anni Sessanta del capoluogo piemontese. Poliedrico, dotato di una vasta e profonda cultura internazionale, di uno sguardo ironico capace di partorire doppi sensi eleganti e raffinati, e, soprattutto, di una curiosità instancabile, Mondino non ha mai cessato di reinventare se stesso e la propria arte durante tutto l’arco della sua carriera. Il suo percorso artistico è stato segnato da un fluire costante di ispirazioni sempre nuove, di influenze disparate che l’artista è stato in grado di assorbire, metabolizzare e successivamente riproporre attraverso il suo stile originale ed inconfondibile; dai primi passi parigini mossi presso l’Atelier 17 del pittore surrealista ed espressionista William Heyter, e gli studi sul mosaico fatti sotto la guida del futurista Gino Severini, per poi passare attraverso una fase citazionista dai forti richiami pop, e il successivo periodo orientalista nato negli anni Settanta con la serie King e proseguito con quella dei Dervisci e con le sperimentazioni formali estrose ed audaci. Proprio questo suo essenziale gusto per lo studio manipolatorio di materiali e medium artistici innovativi, ma mai distaccati dalla realtà quotidiana – sua fonte di ispirazione primaria sin dai tempi delle frequentazioni dell’artista con il gruppo dei poveristi –, lo ha portato a realizzare le famose sculture in cioccolato e zucchero di canna, o le opere fatte con confezioni di torrone, selle da cavallo o aringhe affumicate.

A cinque anni dalla sua morte, il MACA – grazie alla collaborazione con la Fonderia di Walter Vaghi e con il patrocinio dell’Archivio Mondino – ospiterà nei suoi spazi una collezione di venti opere di grandi dimensioni, tra sculture e dipinti, e una serie di gioielli, in grado di veicolare alla perfezione il carattere poliedrico, arguto ed esotico del grande artista torinese.

Riecheggiando un verso di Arthur Rimbaud, anche Mondino potrebbe essere definito un “maestro di fantasmagorie”, un artista che attraverso le sue opere affascinanti, ironiche e seducenti, sembra rivolgersi al suo pubblico come faceva il poeta francese in Notte all’Inferno: “Ascoltate!... Ho tutti i talenti!”

Mostra: ALDO MONDINO. Maestro di Fantasmagorie
Curatore: Boris Brollo
Luogo: MACA (Museo Arte Contemporanea Acri)
Palazzo Sanseverino – Piazza Falcone, 1, 87041, Acri (Cs)
Vernissage: 20 novembre 2010 ore 17:00
Periodo: dal 20 novembre 2010 al 20 febbraio 2011
Orari: tutti i giorni tranne il lunedì; h:10-13 15-19
Info: museo tel. 0984953309; ufficio stampa tel. 0119422568;
e-mail: maca@museovigliaturo.it
internet: http://www.museovigliaturo.it/