Richard Avedon revolucionó el retrato en la fotografía porque fijó su mirada en lo que los otros descartaban. Abandonó todo lo que no era esencial  y dejó un fondo blanco para que el rostro nos contara lo que un ser humano es capaz de no esconder. Marilyn estaba triste, la grandeza de Borges era infotografiable, Samuel Becket no actuaba.

Richard Avedon revolucionó la fotografía  porque puso firma al contraste. Indagó en la fragilidad de los poderosos,  recuperó la dignidad de los olvidados, exploró el glamour, la locura, el precio de la belleza y con todos esos matices hizo un retrato de su propia biografía. El fotógrafo ahora estaba en  el centro y la fotografía se había convertido en una interacción para hallar  la piedra angular que conectaba todas las contradicciones.

(…) Y fotografiando aquello que me atemorizaba o que me interesaba, exploré, aprendí y expulsé los fantasmas. Me dejaban a mi y se quedaban en la página…”

Richard Avedon  - “Darkness and Light” -  Helen Whitney

 JR empezó como grafitero en las calles de París hasta que encontró una cámara en el metro y se atrevió a desafiar los cánones del arte callejero rompiendo las limitaciones verticales de los muros y sustituyendo el spray por la fotografía. Fotografió primero a sus amigos  y en el 2006 se encontró con las revueltas de París, los jóvenes enfurecidos y los coches en llamas. Los medios de comunicación se hicieron eco de la fuerza de sus imágenes y él respondió cambiándolo todo. Volvió a los barrios de los cristales rotos y esta vez fotografió a los mismos “delincuentes” como jóvenes quinceañeros capaces de reírse y de caricaturizar su suerte de barrio bajo. Puso nombre a sus rostros y colgó sus retratos gigantes en las calles de los bien avenidos. El resto lo hizo el Ayuntamiento que, en lugar de encerrar a JR,  acabó por bautizar su arte pegándolo en las paredes de la ciudad. 

Con toda su juventud a cuestas, JR comprendió que “el arte no puede cambiar el mundo pero si nuestra percepción del mismo” y aprovechó su fama  para remover los paradigmas que enfrentan a los seres humanos en los puntos más enmarañados del planeta.

En Oriente Próximo su proyecto ”Face2Face” abrió un camino inexplorado en las relaciones palestino/israelíes, poniendo sobre la pared lo que unía a taxistas, profesores  o peluqueros de ambos lados del muro. Allí descubrió que los héroes auténticos están  en todas partes y que  los verdaderos  valientes del proyecto  fueron los palestinos y los israelíes que le permitieron pegar las fotos de la paz en las fachadas de sus casas.

JR, con  su compromiso de traer a la cotidianidad de las ciudades a los que habitualmente están fuera de la pantalla,  ha convertido las calles en el museo más grande del mundo. En Kenya, en las favelas de Brasil, en los suburbios de Los Ángeles, los sin nombre “se levantan por lo que les importa” y participan en los proyectos artísticos de JR, apropiándose de ellos para recuperar su espacio de identidad.

(…)En Kenya, por ejemplo usé vinilo en los tejados, para proteger a los vecinos de la lluvia. En cada lugar la gente tiene que encontrar lo que le interesa del proyecto.

En lugares como Kenya o Brasil la confrontación y la experiencia con la gente fue tan fuerte que quisimos regresar y mantener un vínculo con esas personas…hay muchos más lugares a los que quiero regresar para  continuar con el proyecto, porque a veces la onda de la imagen  puede ser leída incluso cuando la photo se ha ido.  La foto es como el papel, es efímera, se va con el tiempo, pero siempre se queda una imagen en tu cabeza.

No estoy intentando cambiar el mundo, pero cuando veo a la gente sonreír en las favelas o en Camboya, de alguna manera siento que he alcanzado mi objetivo.

Meet JR – TED Prize

(…) “Cuando empecé a trabajar con platos me dí cuenta de las posibilidades que ofrecían para  que la apariencia de las pinturas fuera completamente diferente. Los platos, al ser blancos y reflectantes, se podían utilizar como fuente de luz  y además daba la impresión de que la imagen que pintaba sobre ellos estaba  flotando. Aunque estuvieran pegados, parecía como si los platos hubieran sido lanzados y estrellados contra la pintura y la sensación era  de  explosión. La percepción era la de una imagen destruida, en lugar de adherida. y eso hacía que la obra respirara,  que de alguna manera estuviera viva”. 

Julian Schnabel - Un nuevo espíritu en la pintura - Michael Blackwood

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La idea de romper la superficie del lienzo con trozos de platos surgió al contemplar los mosaicos de Gaudí en el Parque Güell de Barcelona, a finales de los 70. Por aquel entonces, los críticos definieron su insistencia en superar  la pintura bidimensional  como neoexpresonismo o bad painting.  Después los más rígidos no comprendieron que lo que realmente definiría la obra de Schnabel sería su necesidad de mezclar recursos y estilos para expresar con obras monumentales  los grandes temas del hombre.

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La lona, la madera, el terciopelo, la película… son los instrumentos del creador para trascender lo que Schnabel llama “las cargas insoportables de la vida” y lo explica a menudo citando a Tarkovsky  “La vida contiene la muerte. Una imagen de la vida, por contraste, la excluye, o si no ve en ella un potencial único para la afirmación de la vida. Sea lo que sea que exprese – incluso destrucción y ruina – la imagen artística es por definición una personificación de la esperanza (…)”.  En este sentido el tema recurrente de las películas más aplaudidas de Schnabel, Basquiat, Antes de que anochezca y La escafandra y la mariposa, es la capacidad del ser humano para convertir en arte los momentos de oscuridad. Por eso Schnabel fija  su mirada en los malditos, porque ve en la tragedia la oportunidad del hombre para liberarse. Dice de Baubi, el protagonista de La escafandra y la mariposa: “Cuando se encuentra más cerca de la muerte, es cuanto está más vivo, porque es su tragedia lo que le convierte en un artista”.

 Trailer de La escafandra y la mariposa de Julian Schnabel 

Schnabel desde hace muchos años es un artista multimillonario que, cuando quiere, recibe a los periodistas en pijama, pero lo esencial en su visión del arte no ha cambiado: “La gente olvida a menudo que hacer una obra de arte es un acto de paz, es un acto de afirmación de la vida, hagas una película o una pintura(…) y si tienes la suerte de ser un privilegiado, entonces también tienes la responsabilidad de hacer algo por los demás”. Parece que Schnabel sigue aferrándose a lo humano que hay en él para sobrevivir.

Esta es una canción para el niño genio./ Cántala suavemente, es una canción salvaje./ Cántala suavemente, todo lo que puedas./ Deja que la canción fluya.
(Nadie ama a un nño genio)
¿Puedes amar a un águila domesticada o salvaje?/ ¿Puedes amar a un águila salvaje o domesticada?¿Puedes amar a un monstruo de nombre temible?
(Nadie ama a un nño genio)
Mátalo y deja que su alma huya salvaje.
 Langston Hughes 

“Cuando trabajo no pienso en el arte, intento pensar en la vida”

Jean Michel Basquiat

La obra de Alex Katz parece sencilla a primera vista: sus retratos, sus paisajes marinos, sus estudios sobre la naturaleza… toda su producción parece hacer alusión a esa famosa frase con la que pretendía definirse “Yo quería hacer pinturas que pudieran ser colgadas en Times Square”. Durante más de seis décadas, este pintor americano de Brooklyn, ha hecho de la simplificación el paradigma de lo inconfundible en su arte: los contornos de figuras casi naifs sobre fondos planos de grandes colores vivos. Una “receta” que en los años 50, cuando empezó a pintar, precedía al Pop Art sin llegar nunca a confundirse con él, ni por espíritu, ni por concepción. Su arte no es irónico para nada   y lo sencillo no es tan sencillo.

Cuando Alex Katz empieza  a exponer, el expresionismo abstracto de Mark Rothko y Jackson Pollock dominan la escena del momento. Katz reconoce  su importancia pero se libera de esa influencia para hacer algo vivo relacionado con lo que él considera su tiempo: “La pintura es muy técnica, muy remota y mi preocupación es conectarla con el presente”. Y el presente para Katz son el cine, la televisión o la publicidad de la que procede. Sus figuras realistas sobre fondos planos no son sólo la herencia de Matisse o de Hoper, son también una especie de declaración de principios que acompañan toda su carrera: “Para mí la superficie es donde está todo“.

Katz es consciente de nuestra incapacidad para conocer lo que sucede en el interior de otras personas y la profundidad de sus figuras planas proviene del reconocimiento de esa limitación. Esa especie de desapego con el que muestra una y otra vez el mismo tipo de escenas  es su  manera de acercarse a la realidad del momento presente. El sol, el mar, los momentos de tranquilidad compartida, la sutileza de los gestos repetidos, son la elección que el artista hace para reflejar la belleza de su pedazo de eternidad. “Quiero que suene a jazz. La eternidad sólo existe en el presente”.

En 1975, en una muestra de Alex Katz en París, la gente chillaba “¡Esto es terrible!”. Hoy su estilo inconfundible ha transcendido 60 años de modas y su obra se expone en los mejores museos del mundo. Cuando le preguntan por el secreto, él siempre responde lo mismo “No tienes que pintar deprisa, sino más lento que tus pensamientos”.

]]> http://arterecord.com/alex-katz/feed/ 2 http://arterecord.com/william-klein-nueva-york/ http://arterecord.com/william-klein-nueva-york/#comments Thu, 10 Jan 2013 09:18:36 +0000 arterecord http://arterecord.com/?p=34 En 1955 la revista Vogue encargó a William Klein un ensayo fotográfico sobre la ciudad de Nueva York…

William Klein, que acababa de llegar de Europa, hizo esas fotografías “tratando  a los neoyorquinos como un explorador hubiera tratado a los Zulús: buscando la foto más cruda, el grado cero de la fotografía”. Vogue nunca publicó esas imágenes. Años más tarde William Klein se expresaba así: “Esto es lo que está pasando, esto es Nueva York (…). Que se vayan a la mierda.(…) Esa es la filosofía de la fotografía”

“Out of necessity” Entrevista a William Klein (subtitulada)

“Soy gitano” - Camarón de la Isla - Festival de Montreux – 1991

Entrevista a Camarón de la Isla – 1988

“The film of tomorrow appears to me as even more personal than an individual and autobiographical novel, like a confession, or a diary.  The young filmmakers will express themselves in the first person and will relate what has happened to them.  It may be the story of their first love or their most recent; of their political awakening; the story of a trip, a sickness, their military service, their marriage, their last vacation … and it will be enjoyable because it will be true, and new . The film of tomorrow will not be directed by civil servants of the camera, but by artists for whom shooting a film constitutes a wonderful and thrilling adventure.  The film of tomorrow will resemble the person who made it, and the number of spectators will be proportional to the number of friends the director has. The film of tomorrow will be an act of love.”  Francois Truffaut. 1.957

Los 400 golpes - 1959 (Escena Final)

Camarón, el dios gitano, ABC.es

Camarón de la Isla con su madre

2010 – Spot Martini con Monica Bellucci

1993 – Spot Martini con Charlize Theron

“Sei la casa” (La dolce Vita/Fellini) 1960