ARTES VISUALES EN EL PARAGUAY - ÓLEOS, ESCULTURAS, INSTALACIONES, FOTOGRAFÍA, AUDIOVISUALES

LA SINFÓNICA NACIONAL CIERRA SUS ACTIVIDADES DEL AÑO 2012

2011-12-16T11:53:00.000-08:00

LA SINFÓNICA NACIONAL

CIERRA SUS ACTIVIDADES DEL AÑO 2012.

Este fin de semana la Orquesta Sinfónica Nacional del Paraguay (OSN), de la Secretaría Nacional de Cultura y cuyo director titular es el Maestro Juan Carlos Dos Santos, cerrará sus actividades del 2011 con importantes presentaciones.

“MANECO SINFÓNICO”, en SAN BERNARDINO: Este viernes, 16 de diciembre, a las 20:00 hs., la OSN Paraguay estará presente en la Inauguración de la Ciclovía y Apertura de la Temporada Veraniega, de la ciudad de San Bernandino. El evento cuenta con la organización de la Municipalidad de la mencionada ciudad y cuenta con el apoyo de la Comisión Nacional del Bicentenario.

“Maneco Sinfónico” es un trabajo realizado con el Grupo Sembrador, en el cual la OSN le da el toque sinfónico a las famosas obras del popular compositor paraguayo Félix Roberto “Maneco” Galeano. Fue exitosamente estrenado el pasado 9 de diciembre de 2010, en el Gran Teatro “José Asunción Flores”, del Banco Central del Paraguay, en conmemoración a los 30 años del fallecimiento del recordado Maneco. Este gran espectáculo ahora podrá ser apreciado por el público en esta conocida ciudad veraniega.

GRUPO SEMBRADOR

“GRAN CLAUSURA DE LA TEMPORADA 2011”: Este sábado, 17 de diciembre del corriente, a las 20:30 hs., la a Orquesta Sinfónica Nacional del Paraguay (OSN) brindará su Décimo Tercer Concierto “Gran Clausura de la Temporada 2011. Será en el Gran Teatro “José Asunción Flores” del Banco Central del Paraguay (BCP). La entrada será libre y gratuita.

En la oportunidad la OSN, dirigida por el maestro Juan Carlos Dos Santos, homenajeará a dos renombrados compositores paraguayos interpretando sus creaciones más conocidas. Ellos son: Juan Carlos Moreno González, de quien se conmemora los 100 años de su nacimiento, y Maneco Galeano, a 31 años de su tempranera muerte.

Se contará con la prestigiosa presencia del GRUPO SEMBRADOR, fundado por Maneco Galeano, de la soprano CAROLINA LÓPEZ KENNEDY y del tenor MARCOS VILLALBA GIANGRECO; quienes con su aporte vocal darán realce al evento.

En la primera parte se escucharán obras de Juan Carlos Moreno González como: Obertura de “María Pacurí”, Pequeña suite orquesta, Vals de la primavera, y Debe ser ella paraguaya. En la segunda parte los presentes podrán deleitarse con la Obertura Sinfónica, (arreglo y orquestación de Remigio Pereira sobre obras de Maneco Galeano); además el grupo Sembrador, siempre con la OSN, interpretará las más conocidas creaciones del recordado Maneco, entre las que se encuentran: Para un rostro labrador, La Chuchi, Ceferino Zarza compañero, Soy de la Chacarita, Dos trocitos de madera, y Despertar.

Los conciertos de la OSN, de la Temporada 2011, se concretan en el marco de un convenio de cooperación mutua entre el Banco Central del Paraguay y esta Institución.

Esta y otras actividades similares pueden llevarse adelante con el respaldo de la Secretaría Nacional de Cultura, la Municipalidad de Asunción, y entidades amigas que apoyan la cultura. Son sus presentadores oficiales: El Hotel Guaraní Esplendor, Asunción Vanpack; Ateneo Paraguayo, Microsystems; Show Time, Unión Libanesa, y Villandry Flores.

MARCOS VILLALBA (TENOR)

* ACERCA DE LOS HOMENAJEADOS Y SUS OBRAS:

JUAN CARLOS MORENO GONZÁLEZ (1911 – 1983)

Descendiente de una familia de intelectuales, desde niño sintió vocación por la música. Se formó en Buenos Aires (Argentina) y en San Paulo (Brasil) con destacados maestros. Fue director del Ateneo Paraguayo, del Conservatorio Municipal de música y Director de Cultura de la Municipalidad de Asunción.

Su “Pequeña suite para orquesta” comprende 4 partes de gran belleza melódica. La pieza “Junto al Piraretá” forma parte de esta suite; en la cual se describe una escena de amor a orillas de los Saltos del arroyo Piraretá.

En la década del 1950, junto al autor teatral Manuel Frutos Pane, creó la zarzuela paraguaya, género derivado de la zarzuela española con motivos típicos del ambiente campesino de nuestro país. Una de las zarzuelas paraguayas más célebres es “María Pacurí”, de la que se escucharán los fragmentos más destacados.

De igual modo también compuso obras como: El poema sinfónico “kuarahy Mimby”, Movimiento de concierto para piano, Cuarteto de cuerdas y una amplia producción de piezas para piano.

Recordando los cien años del nacimiento de este eximio compositor compatriota está noche los presentes podrán apreciar algunas de sus obras.

FUENTE:

Aires Nacionales- Volumen VII-

Ed. Sociedad Filarmónica de Asunción (SFA)

MANECO GALEANO (1945 – 1980)

Su nombre real es Félix Roberto Galeano. Cantautor y periodista deportivo, formó parte de los primeros grupos de compositores compatriotas de música popular alineados en la corriente de la Nueva Canción Latinoamericana y cuya vertiente en Paraguay se conoce como “Nuevo Cancionero”.

Su relación con la música comenzó en 1962, en Buenos Aires, Argentina, donde formó, junto a otros jóvenes músicos paraguayos, un conjunto orquestal. De regreso al país se dedico al periodismo deportivo y a componer canciones con temas sociales. Fue miembro de la “Joven Alianza”, cooperativa de creadores y artistas disuelta debido a persecuciones políticas.

En 1973 integra el Quinteto Vocal de la Facultad de Derecho de la Universidad Nacional con el que obtuvo el Primer Premio en Festival Universitario de la Canción con el tema de su autoría: “San Si Juan No que Sí”. Así nace el Grupo Sembrador, del cual es fundador.

En 1980 su canción “Poncho de Sesenta Listas” obtuvo el Segundo Premio en el Primer Festival Ypacaraí. Es autor de difundidas composiciones del género, varias de ellas grabadas por solistas y grupos de Latinoamérica.

Sus principales composiciones son: Yo soy de la Chacarita, Despertar (1973), San Si Juan No que Sí, Dos trocitos de madera, La Chuchi, El Ejecutivo, José Trombón, Pinasco, Poncho de 60 Listas, Ceferino Zarza Compañero (con Jorge Garbett), DOonde la Guarania Crece (con letra de Augusto Roa Bastos), Don José de todas partes, y otras.

El estilo musical de Maneco Galeano se caracteriza por la sencillez de sus melodías y sus originales giros armónicos. En algunas de sus creaciones se perciben influencias de la música llamada “del litoral” (lado argentino de las riberas del Río Paraná). La mayor concentración de elementos expresivos se encuentra en los textos de su autoría; de aguda visión, ironía y desenfado en el tratamiento de sus personajes, gran parte extraídos de sectores de la burguesía nacional y de los políticos, a quienes ridiculizó, y por otro, un extraordinario compromiso con las causas populares y el espíritu de hermandad latinoamericana.

A 31 años de su fallecimiento la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), con el grupo Sembrador, le rinde su más sentido homenaje.

FUENTE: Portal Guaraní.

CAROLINA LÓPEZ (SOPRANO)

CIERRE DEL CICLO CULTURAL “VAMOS AL CONCIERTO”: En la parroquia “San Francisco de Asís” (Asunción): La orquesta brindará un concierto en la parroquia “San Francisco de Asís y estará dirigida por los Maestros Juan Carlos Dos Santos y Gabriel Graziani. El evento se realizará el próximo domingo 18 de diciembre, a las 19: 00 hs., en el local de la antes mencionada parroquia, ubicada en Herrera casi Caballero. Así esta agrupación cierra su ciclo cultural, del presente año, denominado “Vamos Al Concierto”; el cual incluye conciertos didácticos y de extensión cultural con obras clásicas, populares y folklóricas.

Se contará con la participación especial de la soprano Carolina López y del tenor Marcos Villalba Giangreco.

Así esta agrupación despide un año fructífero y altamente positivo, con lo mejor de su arte. Todas las actividades del presente año se concretaron gracias al respaldo de la Secretaría Nacional de Cultura, el Banco Central del Paraguay, la Municipalidad de Asunción, y entidades amigas que apoyan la cultura. Son los presentadores oficiales: El Hotel Guaraní Esplendor, Asunción Vanpack; Ateneo Paraguayo, Microsystems; Show Time, Unión Libanesa, y Villandry Flores.

ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL - O.S.N.

http://www.osn.gov.py/

Oficina:

El Paraguayo Independiente Nº 515 c/ 14 de Mayo

Edificio Don Carlos Piso 7.

Teléfono: (595 21) 441 333

Asunción - Paraguay

Email: info@osn.gov.py

FÉLIX TORANZOS - ASUNCIÓN, UNA ESCENOGRAFÍA UTÓPICA, 2011 / CENTRO CULTURAL DE LA REPÚBLICA EL CABILDO, DICIEMBRE 2011

2011-12-11T07:49:00.000-08:00

“ASUNCIÓN, OTRA ESCENOGRAFÍA UTÓPICA”

Obras de

FÉLIX TORANZOS

en el Centro Cultural de la República El Cabildo

Asunción, Diciembre 2011

En el Centro Cultural de la República El Cabildo se habilitará la exposición “Asunción, otra escenografía utópica” de Félix Toranzos, el lunes 12 de diciembre a las 19 hs.

Félix Toranzos es un significativo representante del grupo de artistas plásticos contemporáneos, cuyo entrenamiento arquitectónico y su propia sensibilidad, nos remite al tema del patrimonio cultural y de la necesidad de su conservación. Balcones, murallas, fachadas, edificios de los siglos XIX y XX, sirven de soporte al artista para sus intervenciones. Pinturas, dibujos, técnicas mixtas o el registro casi sistemático de edificios y espacios urbanos, algunos de los cuales ya solo permanecen en sus obras.

Con estas -otras- escenografías, Félix Toranzos hace revivir en los papeles, fragmentos de la Avenida Mariscal López. ‘Cotidianidad sin cotidianos’; pero cargados de imágenes y perfiles de uno de los ejes urbanos más pintorescos de Asunción. Un perfil que dista mucho, en el presente, de lo que fuera originalmente el camino -real- a San Lorenzo y luego la plácida Avenida Asunción o Colombia, como se la denominó posteriormente, con villas, con jacarandás y naranjos, calles de tierra y polvareda.

Un camino/avenida que fue cambiando su carácter y función primeras, pero que aún conserva remanentes importantes que sirven al artista de referencia y soporte para transmitir al observador impresiones de espacios y tiempos, que sin ser necesariamente mejores, existieron y hoy permanecen con fuerza entre el intenso tráfico, los nuevos proyectos, las construcciones en altura y las humaredas de un nostálgico montaje escenográfico.

Óscar Centurión Frontanilla describe a Félix Toranzos como “un artista que proyecta sus propias intervenciones en proyecciones y copias fotográficas de fachadas de algunos de los edificios que más le impresionan. Los resultados finales muestran dos tiempos en una sola imagen, contraponiendo el presente de unas escenográficas intervenciones con el pasado de unos edificios con sus propios valores plásticos esenciales. Elementos artísticos y arquitectónicos, decorados que son preservados y respetados por la expresión y el sentimiento de este artista.

SOBRE EL ARTISTA

Félix Toranzos nació en Asunción, Paraguay en 1962. Es artista plástico, arquitecto, diseñador gráfico y escenógrafo. Realizó estudios de Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Asunción respectivamente. Dictó clases de dibujo y pintura en los Talleres del Centro de Artes Visuales.

Su obra forma parte del acervo del Museo Paraguayo de Arte Contemporáneo del Centro de Artes Visuales. Integra además la colección del Museo de Arte de las Américas de la Organización de los Estados Americanos, Washington.

Desde 1979 se exponen sus trabajos en numerosas exposiciones colectivas e individuales organizadas por diversas galerías y centros de arte de Asunción y el extranjero.

Se le ha otorgado el premio “Pedro Agüero” en 1998, por su trayectoria artística. Y ha ganado el primer premio del concurso “Expression” organizado por Fuschia, en el año 2003.

Participó en diversas Bienales de Arte, tales como la 9º Exposición Internacional de Dibujo del Museo de Arte Moderno, en Rijeka, Yugoslavia; en la 1º Bienal Latinoamericana de Arte sobre papel, en Buenos Aires, Argentina; en 19º Bienal Internacional de Arte de Sao Paulo, Brasil; en entre otras.

Departamento de Prensa

Centro Cultural de la República El Cabildo

Av. República y Alberdi

Tel. (595 21) 452 454

Asunción - Paraguay

MÚSICA SINFÓNICA PARAGUAYA EN EL DÉCIMO SEGUNDO CONCIERTO DE TEMPORADA DE LA OSN / TEATRO JOSÉ ASUNCIÓN FLORES DEL BANCO CENTRAL DEL PARAGUAY, VIERNES 2 DE DICIEMBRE 2011

2011-12-01T14:46:00.000-08:00

MÚSICA SINFÓNICA PARAGUAYA EN EL

DÉCIMO SEGUNDO CONCIERTO

DE TEMPORADA DE LA OSN

En la ocasión se realizará la primera audición de una obra del destacado compositor argentino Germán Lema y también se pondrá a consideración un trabajo orquestal del músico compatriota Remigio Pereira.

El viernes 2 de diciembre del corriente, a las 20:30, la Orquesta Sinfónica Nacional del Paraguay (OSN), dependiente de la Secretaría Nacional de Cultura, dará su Décimo Segundo Concierto de la Temporada 2011. Dicho evento tendrá lugar en el Gran Teatro “José Asunción Flores” del Banco Central del Paraguay, en la fecha y hora antes mencionadas, con entrada libre y gratuita.

La música sinfónica paraguaya, con obras de nuestros grandes compositores, será la gran protagonista de la noche.

Es importante mencionar que se realizará la primera audición de “EL SILENCIO DEL TURÚ”, poema Sinfónico de Germán Lema, destacado compositor argentino, con una solida y completa formación musical, quien actualmente reside en nuestro país. Además los presentes tendrán la oportunidad de escuchar por primera vez “ESCENAS SINFÓNICAS DE LA HISTORIA PARAGUAYA”, trabajo de composición y arreglo orquestal de Remigio Pereira, profesional paraguayo con una gran trayectoria nacional e internacional. Ambas obras fueron creadas, exclusivamente para la ocasión, a petición de la dirección de la Sinfónica Nacional del Paraguay.

Cabe resaltar que “ESCENAS SINFÓNICAS DE LA HISTORIA PARAGUAYA” está complementada con glosas de José Antonio Galeano y contará con participación especial de los bailarines del Ballet Nacional del Paraguay, Gloria Morel y José María Villanueva.

Bajo la dirección del M°. Juan Carlos Dos Santos, la OSN Paraguay desarrollará el siguiente programa:

- "ESCENAS SINFÓNICAS DE LA HISTORIA PARAGUAYA" - ORQUESTACIÓN: REMIGIO PEREIRA, POEMA SINFÓNICO

- PAS DE DEUX PARAGUAYO - DANIEL LUZKO Y NANCY LUZCO

- EL SILENCIO DEL TURÚ- POEMA SINFÓNICO - GERMÁN LEMA (ESTRENO MUNDIAL)

- PIZZICATO EN CASCADA - HERMINIO GIMÉNEZ

- ARASY - SUITE PARA BALLET - FLORENTÍN GIMÉNEZ

- LA EPOPEYA (OBERTURA SINFÓNICA) - HERMINIO GIMÉNEZ

El Maestro Juan Carlos Dos Santos, Director titular de la OSN Paraguay, es un profesional de reconocida trayectoria artística a nivel nacional e internacional y ha dirigido importantes orquestas en el país y en el extranjero; el pasado 21 de octubre dirigió la Orquesta de Cámara de Vitória, capital del estado de Espíritu Santo (Brasil). Es también Arquitecto y Master en Educación Universitaria, ejerciendo funciones docentes en la Universidad Nacional de Asunción, la Universidad Católica y la Universidad Americana. Además ha dictado conferencias en la Pittsburg State University (Universidad del Estado de Pittsburg- EE.UU.).

Los conciertos de la OSN, de la Temporada 2011, se concretan en el marco de un convenio de cooperación mutua entre el Banco Central del Paraguay y esta Institución.

SOBRE LAS OBRAS:

ESCENAS SINFÓNICAS DE LA HISTORIA PARAGUAYA

(PRIMERA AUDICIÓN)

REMIGIO PEREIRA (PARAGUAY)

Este poema sinfónico hace un recorrido musical por las diferentes etapas de nuestra historia; desde antes de la llegada de los españoles a estas tierras hasta nuestro periodo independiente.

Tiene las siguientes partes: 1-La tierra sin mal; 2-Colonizacion Española; 3-Epoca de la Colonia; 4-Independencia-"Un nuevo Amanecer"; 5- Triple alianza; 6-Muerte de Solano López; 7-Capricho Paraguayo; 8-Jose Asunción Flores; 9-La Guerra del Chaco.

Así el músico Remigio Pereira, en el marco del bicentenario patrio, con creaciones propias y un compendio de las obras de nuestros compositores más representativos; como Emiliano R. Fernández, José Asunción Flores y Herminio Giménez, realizó una gran labor de orquestación para recordar con melodías y ritmos más de 200 años de historia paraguaya que esta noche pone a la consideración del público. La obra está complementada con glosas y danzas.

PAS DE DEUX PARAGUAYO

DANIEL LUZKO- NANCY LUZKO (PARAGUAY)

Es una obra para ballet creada especialmente por los hermanos Daniel y Nancy Luzco, reconocidos músicos compatriotas que residen en EE.UU., como parte de las celebraciones por el Bicentenario de nuestra Independencia. El pasado 15 de mayo fue exitosamente estrenada por el Ballet Municipal de Asunción, acompañados de la Orquesta Sinfónica Nacional del Paraguay, bajo la dirección del maestro Juan Carlos Dos Santos. En la oportunidad participaron como invitados especiales el bailarín del Teatro Colon de Buenos Aires, Juan Pablo Ledo, y la bailarina paraguaya Sofía Schittner.

La coreografía fue idea original de Miguel Bonnin, Director de del Ballet Clásico y Moderno Municipal, quien pidió a Nancy Luzco crear una música que tenga melodías paraguayas y estructura de un Pas de Deux Clásico.

Con este trabajo se demuestra que la música, la danza y el espíritu paraguayo pueden unirse para ser interpretados en un lenguaje Universal.

EL SILENCIO DEL TURÚ- POEMA SINFÓNICO (PRIMERA AUDICIÓN)

GERMÁN LEMA (ARGENTINA)

Germán Lema, destacado compositor, pianista, docente y organista de jazz, de nacionalidad argentina, describe su obra “El Silencio del Turú” como un poema sinfónico que transita por diferentes climas y paisajes sonoros, con conceptos de música cíclica y modal basados en la música indígena. La obra no tiene una estructura definida, sino que los pequeños fragmentos melódicos que la componen la van construyendo de acuerdo a cómo se superponen unos con otros.

El Silencio del Turú contrasta secciones minimalistas de armonía estática con pasajes politonales en los que se suceden fragmentos melódicos en distintas tonalidades simultáneamente.

Esta es la segunda pieza orquestal del autor y fue compuesta especialmente para la Orquesta Sinfónica Nacional, con el apoyo de la Secretaría Nacional de Cultura.

PIZZICATO EN CASCADA

LA EPOPEYA

HERMINIO GIMÉNEZ (1905 - 1991)

Herminio Giménez uno de los autores más representativos del Paraguay, con más de un centenar de composiciones musicales, entre las que se destacan inspiradas guaranias, polcas y canciones; a las que se suman piezas orquestales de carácter sinfónico-popular y música netamente sinfónica.

Gran parte de sus obras se basan en historias, leyendas, argumentos o temas específicos, sobre los cuales crea la música; un digno ejemplo es “PIZZICATO EN CASCADA”, donde las cuerdas destacan con lirismo y belleza melódica la majestuosidad de la naturaleza.

Con el objetivo de rendir un homenaje al heroísmo del hombre paraguayo en la contienda del Chaco, como ya lo hiciera en su canción épica Cerro Corá, Herminio Giménez compone la Obertura Sinfónica “LA EPOPEYA”. En la misma acude a citas del Himno Nacional Paraguayo, de la canción Cerro Corá y otros motivos, obteniendo resultados de gran emotividad. Sonoridades de gran modernidad, en el manejo de los metales, la incorporación de sirenas y efectos variados en la percusión otorgan a esta pieza momentos culminantes, transmitiendo con profundidad y fuerza exterior los más altos valores de la dignidad humana y el heroísmo patrio.

FUENTE: “El mundo sonoro de Herminio Giménez”, publicado por Luis Szarán el 4 de setiembre de 2007.: CANCIO GIMENEZ, Ediciones Intento, 1987 (212 páginas).

ARASY (SUITE PARA BALLET)

FLORENTÍN GIMÉNEZ (PARAGUAY)

Con argumento y música de Florentín Giménez, “Arasy” es una suite para ballet basada en una beldad de la mitología guaraní, cuyo nombre lleva la obra; sin embargo en su estreno tuvo la forma de concierto.

Consta de ocho movimientos o partes:

- Preludio Orquestal: Se oye los últimos truenos de una noche tormentosa que va callando para anunciar el amanecer.

- Nuevo Día: Los árboles empiezan a mover sus follajes, los pájaros inician sus cantos.

- Metamorfosis: De entre las malezas surgen elementos que lentamente van tomando forma humana; entre ellos está Arasy que vuelve a la tierra, reencarna a la vida.

- Fantasía: Un enjambre de hombres yu mujeres, ya en sus formas reales, representan a seres de su tiempo. Arasy danza y con ágiles piruetas despierta la atención, logrando que todos la acompañen en una fantasía triunfal.

- Danza del Espanto: Una aterradora música describe la lucha entre hermanos. Arasdydanza desesperadamente entre ellos hasta el cese de la lucha y el retorno a la paz.

- Tristeza e Invocación: Entre los despojados humanos Arasy danza invocando a los cielos perdón por los pecados humanos.

- Danza de los muertos: Tétrico misterio; dantesco espectáculo en la danza de los muertos.

- Rito de fe: Arasy vuelve en sí y clama por la absolución de los hombres. Todos festejan el ansiado laudo que se avecina con danzas que rinden culto a Arasy para festejar el triunfo final.

Para mayores datos:

María Aidée Recalde Alcaráz

[ aidee_prensa-osn@hotmail.com]

FUENTE: Archivo OSN Paraguay

LANZAMIENTO DE CONCURSO INTERNACIONAL DE CORTOMETRAJES "MAKEIT SHORT" / PLANTA ALTA, 1º DE DICIEMBRE 2011

2011-12-01T10:54:00.000-08:00

LANZAMIENTO DE CONCURSO INTERNACIONAL

DE CORTOMETRAJES

MAKEIT SHORT

El jueves 1 de diciembre a las 19 hs, se lanza oficialmente el concurso internacional de cortometrajes denominado MAKEIT SHORT. La cita será en PLANTA ALTA (Mcal. EStigarribia esq. Caballero). El concurso está organizado por Antonio Banderas Fragances y representado en nuestro país por AJ Boston. Podrán participar de dicho concurso, jóvenes cineastas de España e Iberoamérica. El ganador recibirá clases de cinematografía en una escuela de cine española, de gran prestigio internacional.

Dirigido a jóvenes talentos mayores de edad y menores de 30 años, que no hayan dirigido un largometraje aún. Antonio Banderas Fragances producirá los 5 mejores guiones seleccionados, con 15.000 euros de presupuesto cada uno para su realización.

En su primera edición, el concurso internacional de cortometrajes está destinado al mundo de las mujeres y los secretos que las rodean. Los interesados en participar del concurso podrán inscribirse y enviar sus guiones hasta el 31 de enero de 2012.

Para obtener mayor información acerca del concurso se puede ingresar a la web: http://www.makeitshort.net, en donde hay un video donde aparece el mismo Antonio Banderas, en el que invita a los jóvenes a demostrar su talento.

En el lanzamiento oficial del cortometraje, hablarán representantes de AJ Boston, representantes de Antonio Banderas Fragances, además de emblemáticos representantes de la cinematografía nacional, de manera a dar un testimonio y voz de aliento a los más jóvenes que ansían incursionar en el apasionante mundo del séptimo arte.

Para más información de prensa:

Lic. ALBA ROJAS

Prensa y Comunicación

Tel (+595 21) 211775

Cel (+595 971) 979141

www.harveycomunicacion.com

Lic. PAOLA SOSA

Prensa y Comunicación

paola@harveycomunicacion.com

Tel (+595 21) 211775

Cel (+595 971) 224277

www.harveycomunicacion.com

JORGE OCAMPOS ROA - GINECEO, 2011 / Galería ARTE ACTUAL

2011-11-29T15:32:00.000-08:00

GINECEO

Obras de JORGE OCAMPOS ROA

Galería ARTE ACTUAL

Asunción - Paraguay

2011.

ESPACIO EN LA GALERÍA DE ARTES

DEL PORTALGUARANI.COM

DEL ARTISTA JORGE OCAMPOS ROA

LAS IMÁGENES SON DETALLES DE OBRAS, OBRAS,

VISTAS GENERALES, y PRESENTACIÓN EN LA GALERÍA ARTE ACTUAL

Fotografías de JORGE OCAMPOS

OSVALDO SALERNO - LOS DERECHOS HUMANOS EN EL ARTE / Museo de la Justicia y Centro de Documentación y Archivo para la Defensa de los Derechos Humanos, Noviembre 2011

2011-11-29T07:44:00.000-08:00

OBRAS DE OSVALDO SALERNO

SE EXPONEN EN EL MUSEO DE LA JUSTICIA

"LOS DERECHOS HUMANOS EN EL ARTE"

En el Museo de la Justicia y Centro de Documentación y Archivo para la Defensa de los Derechos Humanos fue abierta ayer la muestra “Los Derechos Humanos en el Arte”, de Osvaldo Salerno. Incluye obras que en su mayoría fueron realizadas durante la dictadura de Stroessner.

Osvaldo Salerno habla sobre sus obras al camarista

José Agustín Fernández y al ministro de la Corte Víctor Núñez,

ayer en la inauguración.

El Museo se constituye en una pausa dentro del ajetreo diario del Palacio de Justicia. Allí están los documentos encontrados en el “ARCHIVO DEL TERROR”, y desde ayer alberga esta exposición que reúne los grabados de Salerno, además de una instalación reciente dedicada a JUAN CARLOS DA COSTA, líder de la ORGANIZACIÓN PRIMERO DE MARZO, asesinado en abril de 1976.

La misma incluye una obra de Salerno, además de las dos fichas de Da Costa, cuando fue preso por la Policía, en 1970 y el fragmento de un texto escrito por su hija CARLA DA COSTA.

Entre los grabados se encuentran figuras de llaves y cerraduras, así las impresiones corporales de fragmentos de cuerpos “quebrados, anudados, colgantes. No son la representación del sacrificio militante, de la heroicidad, sino una pregunta sobre el cuerpo historiado por el arte y la política”, según la presentación de la muestra.

3 de Noviembre de 2011

Fuente digital: http://www.abc.com.py/

ENLACE AL ESPACIO DE

OSVALDO SALERNO

EN LA GALERÍA DE ARTES DEL PORTALGUARANI.COM

SERIE DE FOTOGRAFÍAS DE LA EXPOSICIÓN

GENTILEZA DE JORGE OCAMPOS

FÉLIX TORANZOS - JAMÁS FUE LA SOMBRA, 2011 (PINTURAS Y OBJETOS RECIENTES)

2011-11-29T04:33:00.000-08:00

JAMÁS FUE LA SOMBRA

CON PINTURAS Y OBJETOS RECIENTES

OBRAS DE

FÉLIX TORANZOS

FABRICA GALERÍA DE ARTE

TEL.: 595 21 604782

Correo: fabrarte@click.com.py

ASUNCIÓN - PARAGUAY.

Fuente de la imágenes:

FABRICA GALERÍA DE ARTE

CRISTINA PAOLI - EXPOSICIÓN PEQUEÑECES, 2011 - CENTRO CULTURAL CITIBANK

2011-11-26T08:08:00.000-08:00

PEQUEÑECES

(TÉCNICA MIXTA e INSTALACIONES)

Obras de CRISTINA PAOLI

Curador independiente: OSVALDO REAL TORRES

CENTRO CULTURAL CITIBANK

Asunción - Paraguay

Octubre 2011

ENLACE AL DETALLE DE OBRAS EXPUESTAS EN

PEQUEÑECES de CRISTINA PAOLI

ROBERTO HOLDEN JARA, BEATRIZ HOLDEN, ROBERTO y VIRGINIA ROJAS HOLDEN - “HOLDENJARA, LEGADO Y GENERACIÓN” / GALERIA PLANTA ALTA, MIERCOLES 30 DE NOVIEMBRE, 20 HORAS

2011-11-21T07:56:00.000-08:00

LANZAMIENTO DEL AVANCE DEL DOCUMENTAL

“HOLDENJARA, LEGADO Y GENERACIÓN”

Y EXPOSICION DE OBRAS

MIERCOLES 30 DE NOVIEMBRE, 20 HORAS

GALERIA PLANTA ALTA

El miércoles 30 de noviembre a las 20 horas en CENTRO CULTURAL LARISSA JIMÉNEZ, PLANTA ALTA, Caballero 294 y Mcal. EStigarribia, se realizará el lanzamiento del avance del documental“HOLDENJARA, LEGADO Y GENERACIÓN” juntamente con una exposición de pinturas de su hija y nietos.

El documental que en su totalidad duraría aproximadamente 45 minutos y del que se mostrará solo un avance de tres minutos fue realizado por MIFENICIA Producciones con la dirección, idea original de MÓNICA ISMAEL, edición de Federico Espinosa y la colaboración de VIRGINIA ROJAS HOLDEN.

Se expondrán algunas obras de ROBERTO HOLDEN JARA para ilustrar distintas etapas de su producción y técnica así como pinturas de BEATRIZ HOLDEN, ROBERTO y VIRGINIA ROJAS HOLDEN. Las obras del maestro solo se exhibirán la noche del lanzamiento y las demás quedarán hasta el martes 6 de diciembre.

ROBERTO HOLDEN JARA (HOLDENJARA) nació en Asunción el 24 de junio de 1900 y falleció en febrero de 1984. Estudió Dibujo y Pintura en Asunción, Buenos Aires y fue becado por el Gobierno a Europa donde permaneció 5 años, 3 en Madrid y 2 años en Francia e Italia. Si bien su obra abarcó prácticamente todos los géneros siendo un gran retratista se lo identifica principalmente con la pintura indigenista. Peleó en la Guerra del Chaco y se conservan muchos diseños y esbozos realizados por el artista durante la contienda. Fue Director Fundador de la Escuela de Bellas Artes de Asunción dependiente en ese entonces de la UNA, Presidente de la Asociación Indigenista del Paraguay. Recibió del Gobierno Francés la distinción de Comendador de la Orden de las Artes y de las Letras.

Además de pintar indios al óleo creó una técnica nueva que llamó “agua pastel” sobre la cual Josefina Plá escribió:

“...Dibujo pintura, este procedimiento le permite dar a sus cuadros en simultaneidad expresiva línea y color, forma y carácter ... síntesis que es toda verdad artística...”Holden, Pintor Indigenista. Josefina Plá. EL PAIS, 7 set. 1940.

Los makás lo llamaban “Kananá” y en las obras al agua pastel que vendía en Buenos Aires utilizaba el seudónimo de un cacique maká, Wenitá.

ESCULTURAS DE GUSTAVO BECKELMANN - EXPOSICIÓN "GÜEMBÉ" / VERÓNICA TORRES COLECCIÓN DE ARTE, NOVIEMBRE 2011

2011-11-16T13:56:00.000-08:00

EXPOSICIÓN "GÜEMBÉ"

ESCULTURAS DE GUSTAVO BECKELMANN.

El día 16 de Noviembre del 2011, será habilitada en el Paseo de las Artes del Mcal. López Shopping la EXPOSICIÓN "GÜEMBÉ", con obras recientes del escultor nacional GUSTAVO BECKELMANN.

El GÜEMBÉ o FILODENDRO, es una especie vegetal que crece con profusión en nuestro territorio, cuyo clima es ideal para su crecimiento.

Las esculturas, realizadas en acero inoxidable y madera, contraponen el frío del metal con la calidez de la materia orgánica, consiguiendo sin embargo la cualidad vital de las bellas hojas de estas plantas. Esto, unido al sutil tallado de la madera de donde surge el acero, constituyen conjuntos de alto valor decorativo.

GUSTAVO BECKELMANN cuenta con una extensa trayectoria, tanto nacional como internacional. Expone sus obras en el país desde el año 1989, y ha realizado exposiciones y esculturas en diferentes países, como Alemania, Holanda, España, Italia, Argentina, Bolivia, México, EEUU y China.

La exposición está organizada por VERÓNICA TORRES COLECCIÓN DE ARTE y podrá ser visitada en el horario habitual de la galería.

VERÓNICA TORRES COLECCIÓN DE ARTE

Mariscal López Shopping, planta baja, local 27

Teléfono 608 512

veronicatorresarte@gmail.com

Asunción, Paraguay

TICIO ESCOBAR - EL MITO DEL ARTE Y EL MITO DEL PUEBLO, CUESTIONES SOBRE ARTE POPULAR / CENTRO DE ARTES VISUALES - MUSEO DEL BARRO, 2011

2011-11-11T13:44:00.000-08:00

EL MITO DEL ARTE Y EL MITO DEL PUEBLO

CUESTIONES SOBRE ARTE POPULAR

TICIO ESCOBAR

CENTRO DE ARTES VISUALES / MUSEO DEL BARRO
Director: OSVALDO SALERNO
MUSEO DE ARTE INDÍGENA
Directora: LIA COLOMBINO
Asesores: CARLOS COLOMBINO, TICIO ESCOBAR
Secretaría General: DIEGO PEDROZO
DEPARTAMENTO DE DOCUMENTACIÓN E INVESTIGACIONES .
Coordinadora: HELENA MALATESTA
El Centro de Artes Visuales/Museo del Barro agradece a Paula Barría y Sergio Parra, de Ediciones Metales Pesados, Santiago de Chile, por la cesión de la composición y el diseño de este texto que fuera publicado por dicha editorial.
Diseño y diagramación: PALOMA CASTILLO
Corrección: DERLIS ESQUIVEL
Diseño de Tapa: OSVALDO SALERNO
Foto de tapa: Ticio Escobar. Arete Guasu. Fiesta Ceremonial guaraní occidental. Sta. Teresita, Chaco paraguayo, C. 1999.
El mito del arte y el mito del pueblo. Cuestiones sobre arte popular Primera edición: RP Ediciones/Museo del Barro. Asunción, 1986. Segunda edición: Ediciones/Metales pesados, Santiago de Chile, 2008. Ticio Escobar
Reg. de Prop. Int. No 168.490
© Centro de Artes Visuales/ Museo del Barro
Grabadores del Cabichuí entre Cañada y Emeterio Miranda Tel. (595 21) 607 996
e-mail: info@amuseodelbarro.org
www.museodelbarro.org
Asunción - Paraguay
ISBN 978-99953-869-5-5
2011, 256 páginas

PRÓLOGO A LA SEGUNDA EDICIÓN INTRODUCCIÓN

Revisar con criterio editorial una obra propia escrita hace más de veinte años resulta una tarea complicada: EL MITO DEL ARTE Y EL MITO DEL PUEBLO fue redactado entre 1985 y 1986 en el contexto de circunstancias históricas muy diferentes a las actuales; pero también en la escena de un debate que a lo largo de dos décadas ha desplazado perspectivas e incorporado otras cuestiones. Creo que, a pesar de estos cambios (o incluso, en razón de ellos mismos) puede resultar útil reeditar un texto que traduce (a su manera) el estado de aquel debate y arriesga una interpretación del lugar del arte en un terreno poco claro.

El trabajo de revisión se vio dificultado, además, por el intento de respetar el sentido de la primera edición, su valor documental y su carácter testimonial de época. Por eso, este reajuste editorial se limitó a realizar correcciones e introducir aclaraciones y reordenamientos mínimos del material, cuidando que esas intervenciones no alterasen el contenido de la publicación de 1987 ni modificasen el estilo de su escritura.

Se ha circunscrito, así, a abreviar algunos párrafos, aligerar en ciertos puntos la sintaxis y agregar determinados subtítulos. También ha añadido notas aclaratorias de situaciones históricas muy coyunturales, así como datos relativos a cambios ocurridos luego de la primera publicación. En lo posible se han conservado las fotografías originales, pero ante la pérdida de algunas de ellas y la oportunidad de contar con nuevas imágenes que aportasen a la ilustración del tema, se ha optado por incluir también éstas.

Por último, este prólogo vuelve sobre algunos conceptos empleados en el texto original desde la perspectiva de pensamientos posteriores y destaca cuestiones que, esbozadas de manera incipiente en aquel texto, adquieren interés en la discusión contemporánea sobre el tema.

LA ESCENA PROPIA

EL MITO DEL ARTE... fue escrito durante la dictadura de ALFREDO STROESSNER (1954-1989); el fatídico régimen se encontraba ya a pocos años de su fin, pero entonces no se intuía su tan deseado derrocamiento: el mito de la dictadura hacía, que ésta fuera percibida como eterna. Ya se sabe que el gobierno militar stroessnerista se basaba en rigorosos sistemas de represión y censura, de modo que la escritura del libro, por más que osara nombrar algunas figuras innombrables, hubo de recurrir a prudentes rodeos y omisiones. Quiero ilustrar esta situación con un solo caso: la referencia bibliográfica del libro de GIUSEPPE PRESTIPINO titulado LA CONTROVERSIA ES TÉTICA EN EL MARXISMO, tuvo que ser amputada, de modo que "en el marxismo" quedó afuera. Quise conservar la cicatriz de esa mutilación -que en cualquier otra circunstancia constituiría un atentado al rigor académico- como una pieza pequeña de la memoria: un gesto de testimonio personal de las frases calladas, las palabras prohibidas y los libros quemados, confiscados o enterrados durante esas décadas demasiado largas. No es casual que la portada correspondiente a la primera edición, diseñada por OSVALDO SALERNO, se encontrara ilustrada con la imagen de un grafitti callejero censurado: las tupidas manchas negras pintadas por la policía aparecían sofocando las cifras propiciatorias del clamor o la esperanza.

En 1982 yo había publicado un libro, UNA INTERPRETACIÓN DE LAS ARTES VISUALES EN EL PARAGUAY, cuya escritura me llevó a enfrentar la cuestión del arte popular: sus imágenes tenían (siguen teniendo) una presencia tan fuerte que se volvía inevitable considerarlas a la hora de hablar de arte. No resulta necesario aclarar que el Paraguay es un país duro de vivir. Pero tiene sus compensaciones: una de ellas consiste en la periódica eclosión de antiguas formas desconocidas, consideradas extinguidas o ignoradas por los estudios de la cultura (no digamos ya del arte). Entre 1984 y 1986, quienes estábamos trabajando en el Museo del Barro, inaugurado pocos años antes, tuvimos acceso ("descubrimos" es la palabra, aunque suene pretenciosa) a rituales potentes que, en UNA INTERPRETACIÓN... figuraban como perecidas: la desmesurada ceremonia de los ishir, el ritual de los chiriguano-guariní y las celebraciones de los kambá ra’angá, los enmascarados ceremoniales. La primera de estas representaciones estaba consignada por la etnografía académica como desaparecida en 1954; las otras dos, figuraban rutinariamente registradas por los calendarios oficiales "de fiestas", como carnaval, la una y como festividad religiosa patronal, la otra (o las otras, porque son varias), desprovistos ambos casos de esplendor escénico, carentes de la belleza bárbara del rito: privados del aura que por sentencia benjaminiana les corresponde. Como se verá, el encuentro con estas manifestaciones marca fuertemente el discurso del libro; se vuelve argumento central de un concepto de arte que, desde su diferencia, conserva extrañamente el esquema básico de la definición ilustrada del arte: esa manipulación de formas sensibles que perturba la producción del sentido. Ninguna otra expresión cultural se acerca tanto a ese modelo de arte heredado de la Ilustración. Y ese hecho resulta inquietante y pide ser explorado.

La consideración de las formas populares (mestizas e indígenas) como genuinas expresiones de arte tuvo alcances mucho más amplios que la redacción del texto ahora reeditado: sirvió de libreto museológico al CENTRO DE ARTES VISUALES/MUSEO DEL BARRO de Asunción, que progresivamente fue articulando sus acervos distintos hasta presentar, en pie de igualdad, el arte indígena, el popular y el ilustrado como momentos diferentes de la producción artística desarrollada en el Paraguay. Es decir, las piezas populares e indígenas no están mostradas en clave etnográfica, folclórica o histórica, sino estrictamente artística, aunque su puesta en exhibición se encuentre abierta a la pragmática social de los sectores indígenas y populares a través de distintas instancias de mediación.

EL PUEBLO, LO POPULAR

Desligado de todo anclaje sustancialista y acoplado a los conceptos de "cultura" y de "arte", en este texto el término "pueblo" se presta más a ser empleado como un adjetivo -lo "popular"- que como un nombre. En sentido amplio, dicho término designa los sectores subalternos, "los de abajo": los excluidos de poder, participación y representación plenos. Razones que luego serán expuestas determinan que en EL MITO DEL ARTE..., el concepto de pueblo se restrinja básicamente a las comunidades indígenas y los sectores rurales o suburbanos, aunque, en principio, se encuentre dispuesto a designar genéricamente el campo amplio de lo no-hegemónico. Por eso, de entrada el concepto se refiere más a un locus, un espacio cruzado por actores diferentes, que a un sujeto único dotado de cualidades inherentes. También por eso, aunque se emplee el concepto gramsciano de hegemonía para ubicar la categoría de lo popular, ésta no corresponde a la totalidad orgánica y coherente bajo la cual concebía Gramsci una posible cultura popular: como se verá, uno de los mayores desafíos de aquellos sectores dispersos se encuentra. marcado, justamente, por la necesidad de su articulación de cara a la construcción de un espacio público.

Amenazado de desalojo por la posmodernidad, como lo fueran todos los grandes conceptos, hoy el de pueblo reaparece en el debate teórico bajo formulaciones que oscilan desde la de Laclau (1), que lo considera el significante aglutinador de la democracia moderna-el nombre político por excelencia-, hasta la figura de "multitud" de Hardt y Negri, que lo disuelve en un amorfo sujeto emancipatorio movido más allá del formato de la identidad y fuera del escenario del Estado y la representación política (2). En todo caso, la reaparición de este concepto tiene que ver con las nuevas posibilidades de empleo que abre su deconstrucción: exento de soportes sustanciales, librado a la contingencia histórica e impulsado por subjetividades variadas, el concepto de pueblo vuelve a recobrar su utilidad para marcar el lugar de posiciones culturales y emplazamientos políticos alternativos. Un lugar construido pragmáticamente, borroso en sus límites, entreabierto a discursos y prácticas variables.

Desde allí se definen los dos grandes desafíos que los sectores populares enfrentan hoy: por un lado, el de articular políticamente sus posiciones en proyectos orientados a la construcción de lo público; por otro, el de afirmar su diferencia cultural. El primer reto, que rebasa el ámbito de este trabajo, remite a la posibilidad de cruzar los conceptos de identidad y ciudadanía en los terrenos, también nebulosos, de la res publica. El segundo, se abre a la discusión acerca de los condicionamientos que debe asumir lo popular contemporáneo, básicamente el de su relación con la cultura ilustrada y, especialmente, la de masas. Es cierto que las oposiciones popular-ilustrado y, sobre todo, popular-masivo han dejado definitivamente de ser consideradas disyunciones binarias inapelables, pero su persistencia en registro de tensión contingente sigue planteando cuestiones que serán consideradas bajo el siguiente título.

1.- Ernesto Laclau. La razón populista, Fondo de Cultura Económica, Buenos Aires, 2005.

2 Toni Negri y Michael Hardt. Imperio, Paidós, Barcelona, 2002.

EL PUEBLO, LO MASIVO

En el curso de un debate que ya tiene décadas, los vínculos difíciles que mantienen las culturas populares con las instituciones del arte ilustrado y la acometida de las industrias culturales son considerados no tanto en clave de despojo y alienación, cuanto en términos de trasculturaciones, cruces y desencuentros. La "teoría de la recepción" ha abierto perspectivas nuevas al analizar el destino que dan los públicos a los discursos mediáticos y letrados y considerar las experiencias y deseos propios con que los vinculan, así como la diversidad de mediaciones que establecen con esos circuitos culturales distintos. Diversos autores, entre quienes se destacan -por su afinidad con el tema que tratamos- Jesús Martín-Barbero y Néstor García Canclini, han subrayado el momento del consumo para analizar procesos plurales de apropiación de modelos culturales hegemónicos (asimilación, reformulación, rechazo, adulteración, etc. )3.

Pero la figura de recepción cultural no pretende resolver todas las espinosas cuestiones relacionadas con la cultura popular ni sirve para encarar el tema de lo artístico popular.

Por una parte, es cierto que la industrialización de la cultura puede facilitar un acceso más amplio y equitativo a los bienes simbólicos universales (incluidos los de la cultura erudita) y permitir apropiaciones activas por parte de grandes públicos excluidos; pero la democratización de los mercados culturales trasnacionalizados requiere condiciones propicias: niveles básicos de simetría social e integración cultural, institucionalidad democrática y mediación estatal a través de políticas culturales capaces de promover la producción de los sectores desfavorecidos y regular el mercado global de la cultura. En el Para-guay, como en la mayoría de los países latinoamericanos, hay déficit de Estado y de sociedad y superávit de mercado, lo que acerca el riesgo de que, ante una contraparte dispersa y endeble, el poderoso complejo industrial de la cultura exacerbe las des-igualdades, aplaste las diferencias y termine postergando las posibilidades alternativas de integración cultural y, por lo tanto, de movilidad y cohesión social.

Por otra parte, es indudable que las industrias culturales han devenido un factor fundamental en la trasformación de los imaginarios y las representaciones sociales y, aun, en la constitución de nuevas identidades culturales. Este hecho determina que una parte importante de lo cultural popular se encuentre hoy configurada por pautas, figuras y discursos provenientes de la cultura industrializada y justifica hablar de culturas populares e n registro masivo.

3 Véanse, a título de ejemplo, entre una nutrida bibliografía: Jesús Martín-Barbero. De los medios a las mediaciones. Comunicación, cultura y hegemonía, Gustavo Gili, México, 1987, y Néstor García Canclini, Consumidores y Ciudadanos. Conflictos multiculturales de la globalización, Grijalbo, México, 1995.

EL PUEBLO, EL ARTE

La cuestión de la cultura popular se complica cuando enfocamos una zona conflictiva y liminar de lo cultural: el arte, ese ángulo autocrítico, ese resquicio suyo que pone en jaque la estabilidad de los códigos de significación social y crea, así, franjas de turbulencia; los juegos incordiosos del arte sobresaltan la familiaridad de la inserción social, discuten los límites del orden simbólico instituido por la cultura, traspasan el círculo de la representación.

En este sentido, el concepto de arte popular designa un punto de torsión en la cultura popular capaz de producir en su economía retrasos y discordancias, pliegues y contracciones, e irradiar en torno a sí una zona que sustenta el sentido social y, simultáneamente, impide su estabilidad. Conviene nombrar rápidamente tres notas de este arte para desmarcar-lo de otras formas que comparten su equívoco oficio de sostén e impugnación del orden simbólico: lo negativo, lo afirmativo y lo diferente. De entrada, el atributo que lo acompaña define el arte popular desde el rodeo de una omisión y lo asienta en una columna negativa: al ser inscrito en el espacio espectral de lo no hegemónico, crece marcado por el estigma de lo que no es. Ante ese menoscabo ontológico conviene caracterizar el término no sólo desde la exclusión y la falta, sino recalcando un momento activo suyo: el arte popular moviliza tareas de construcción histórica, de producción de subjetividad y de afirmación de diferencia. Este m omento constituye un referente fundamental de identificación colectiva y, por lo tanto, un factor de cohesión social y contestación política. Por último, la creación artística popular tiene rasgos particulares, diferentes de los que definen el arte moderno occidental: no aísla las formas, ni reivindica la originalidad de cada pieza, ni recuerda el nombre de su productor. Pero, aunque estas notas no se ajusten al régimen de la autonomía estética, el arte popular es capaz de imaginar modalidades alternativas que no significan ni la cancelación de la belleza ni el desaire de sus funciones sociales: puede conservar al mismo tiempo la eficacia de la forma y la densidad de los significados. Este movimiento, que oscila sobre los límites de la representación, resulta afín al que trata hoy de imprimir el arte contemporáneo a sus producciones para zafarse del dilema que le plantea su impugnación de la estética.

EL ARTE, LO MASIVO

Según lo recién expuesto, cabe hablar de una cultura popular masiva e, incluso, de una estética popular masiva, pero cuesta detectar casos correspondientes a un arte crecido del lado del consumo globalizado. Se podría objetar que el cumplimiento de dichos casos exigiría un concepto de arte diferente del ilustrado. Pero justamente ahí radica el problema: seguimos utilizando ese modelo ilustrado; no hay otro. El concepto de arte se ha trasformado en sus notas y en su extensión, ha abierto sus claustros a otras sensibilidades y ha logrado desprender su propio círculo significante y asumir

los intrincados contenidos que acerca la historia y, aun, los muchos alcances pragmáticos de sus formas. Sin embargo, aun así, deconstruido y reformulado, sigue refiriéndose obstinadamente a un complejo de operaciones estéticas que comprometen el sentido: un conjunto de maniobras imaginarias empeñadas en burlar el dintel de lo simbólico, el límite de la representación, para dar cuenta de lo real imposible. Nos guste o no esa acepción de arte (formulada en términos lacanianos en este caso), nos parezca ella anacrónica o demasiado estrecha, el problema es que sigue vigente: es la acepción que salta cuando hablamos de arte. Y, la verdad es que seguimos hablamos bastante de arte. (Benjamin detectó bien el problema: el aura es incompatible con la reproducibilidad mecánica; el problema es que la reproducibilidad telemática, impulsada por mercados planetarios, se ha ingeniado para reauratizar, en clave puramente estética, las muchas figuras de la sociedad del espectáculo).

Dentro de ese formato cuesta, pues, imaginar prácticas artísticas en el campo de la industrialización masiva de la cultura, donde las producciones corresponden a corporaciones trasnacionales que se nutren de la sensibilidad popular para complacer a las grandes audiencias. Lo que sí resulta cada vez más visible es la apropiación que hace el arte popular (como el erudito) de mensajes, figuras, discursos y gustos provenientes de la cultura de masas. Por eso, aunque no cabe, sustancializar las distinciones entre los productos populares y los de la cultura hegemónica de masas, sí conviene conservar los trazos de sus diferencias. Paralelos a la gran marcha de la trasnacionalización cultural, en América Latina operan procesos que conservan reservas alternativas de sentido. Una y otros comparten imágenes, señales e, incluso, poéticas, pero los registros simbólicos y las economías imaginarias son distintas (a pesar de todos los inevitables, y aun, saludables, procesos de complicidad y negociación, de permuta, hibridez, apropiación y decomiso intercultural). Así, pues, por lo menos a nivel del arte, la cuestión no pasa por desmontar las distinciones entre lo culto, lo popular y lo masivo, sino por considerarlas de manera contingente y provisoria: la diferencia no se construye más que en el discurrir específico de los procesos históricos.

AFINIDADES

Lo recién expuesto nos lleva a una conclusión que puede resultar desconcertante: las formas del arte erudito de filiación vanguardística desarrolladas en América Latina comparten con las del popular tradicional escenarios paralelos; éstos parecen constituir hoy los sitios más propicios desde donde resistir el esteticismo concertado de la cultura hegemónica global. Desde ubicaciones que son básicamente periféricas, aunque en distintos grados, unas y otras formas desarrollan modalidades de apropiación creativa y crítica de las representaciones masivas y sus innovaciones tecnológicas, cautelando, o intentando cautelar al menos, zonas insumisas a la lógica cultural del mercado planetario. Una vez más: ésto no significa imaginar áreas incontaminadas, sino marcar puntos contingentes de emplazamiento.

La extraña afinidad entre estas posiciones diferentes constituye una de las razones por las cuales se ha restringido lo artístico popular a la producción de las culturas de tradición rural y origen precolonial. La comprobación de que ciertos acorralados sectores parecen constituir hoy los mejores exponentes de un modelo de arte amenazado de extinción. (toda forma histórica de arte se encuentra por definición sujeta a esa amenaza) justifica su consideración separada (provisional, analíticamente recortada). Esa situación no los hace superiores, obviamente, pero los posiciona en una perspectiva que permite revelar cruces inesperados entre el arte contemporáneo popular y el erudito.

Antes de considerar estos cruces conviene justificar el tratamiento de "contemporáneo" otorgado acá a las culturas tradicionales. Tal título no les convendría ciertamente desde los prejuicios etnocentristas modernos, según los cuales la "actualidad" tiene un solo derrotero, pero se vuelve pertinente desde una visión de la historia que admite temporalidades diversas. Así, aunque exista un modelo privilegiado de lo contemporáneo -figura fraguada en el molde hegemónico occidental- resulta insostenible la existencia de una contemporaneidad en el sentido en que sí pudo imaginarse un modelo moderno. En el ámbito del quehacer artístico, lo contemporáneo designa el intento de enfrentar con formas, imágenes y discursos las cuestiones que plantea cada presen-te. Desde este ángulo, cabe considerar contemporáneos los esfuerzos de todos los artistas que buscan rastrear los indicios esquivos de su propio tiempo. Aunque reitere patrones formales varias veces centenarios, un atavío ceremonial indígena resultará contemporáneo en cuanto mantenga su vigencia. Y, según nuestros conceptos -estrictamente occidentales, por cierto- seguirá siendo una obra de arte mientras apele, aun instrumentalmente, a los argumentos irrefutables de la belleza. El mito colonialista según el cual sólo el arte occidental alcanza la contemporaneidad (ante toda otra forma condena-da al anacronismo siempre) impide asumir los conflictos que tiene el arte con su propia actualidad: la vocación de retraso y destiempo que anima gran parte del arte contemporáneo.

EL CRUCE

Luego de esta digresión acerca de lo contemporáneo cabe retomar el tema del cruce entre el arte popular y el erudito; el encuentro se produce en torno a la litigiosa figura de la autonomía del arte. Supuestamente, el sacrificio de esta autonomía ha tenido un sentido progresista y un alcance democratizador: la cancelación de la distancia aurática promovería, por fin, la avenencia entre arte y vida, la soñada síntesis entre forma y función y el acceso de las grandes mayorías a los privilegios de la fruición artística. Pero, ya se sabe, las cosas no fueron tan fáciles y la utopía emancipadora fue birlada por el mercado: la estetización de todas las esferas de la vida humana ocurrió no en escenario abierto por las vanguardias, sino desde las vitrinas y las pantallas de la sociedad de la información y el espectáculo. Ese desborde de la belleza concertada terminó invirtiendo, o por lo menos oscureciendo, el signo revolucionario que marcaba la revocación de la autonomía del arte, la inmolación del aura.

Por eso, ante el imperio de la estética vaporosa, puede adquirir un signo contestatario la reconquista de aquella mínima distancia que precisa la mirada para renovar el deseo, para cautelar el otro lado y sustraerlo de los spots del entretenimiento mediático y los formatos pautados del diseño publicitario. La densidad de la experiencia y el resguardo del enigma pueden levantar barreras ante la nivelación del sentido promovido por las lógicas rentables. El extrañamiento inquietante que produce el aura puede, en fin, resultar un antídoto contra la consumación de la imagen y la integridad del significado. Pero, ¿qué posibilidades habría de restaurar el juego pendular del aura sin reponer su tradición idealista y sus fueros autoritarios? Acá el arte popular -sobre todo el indígena- presenta, si no una respuesta definitiva, sí un indicio considerable. Recordemos que, en sentido benjaminiano, el culto primitivo es el origen del aura; las formas rituales rodean los cuerpos y los objetos con un cerco de ausencia: los inviste con el poder de la imagen. Ahora bien, en las sociedades rurales e indígenas contemporáneas, el aura del culto se mantiene; se conserva habilitado el lugar de ausencia que per-mite diferir el cumplimiento, sostener la diferencia. Velada por el aura, la escena de la representación "primitiva" es un espacio abierto al acontecimiento. Y esta apertura permite imaginar otros medios para perturbar el mundo cotidiano: maneras contingentes de proyectar sombras, crear pliegues y provocar resonancias en una gran pantalla demasiado brillante, transparente y chata.

El aura de los ritos bárbaros guarda el sitio nublado del enigma-el lugar de la falta-sin jactancias de autenticidad, sin nombrar el ejemplar último y primero. Promueve una belleza libre de los fulgores exclusivistas y las jerarquías que otorga el aura ilustrada. Y mantiene un breve margen de franquicia para la estética, sin comprometerla con delirios de síntesis totales. En el arte "primitivo", el aura que ofrece y sustrae el objeto a la mirada invoca el poder de la forma para sumergirla enseguida en el cuerpo espeso de la cultura entera: busca así trastornarla y reavivarla, como se afana en hacerlo el arte erudito desde los inicios de su periplo largo.

TICIO ESCOBAR

10 de julio de 2007

INTRODUCCIÓN

Este trabajo no pretende llegar a conclusiones definitivas, sino remover cuestiones, identificar algunos de los obstáculos que se interponen en la comprensión de ciertas prácticas culturales producidas en América Latina y sumarse, así, al debate desarrollado en torno a éstas. En el curso de tal intento, debe enfrentar ciertos conceptos que, aun confusos y molestos, integran el paisaje de aquellas prácticas y el trasfondo de estos debates y expresan las ambigüedades que nublan vastas regiones de la incipiente teoría latinoamericana. Por eso algunas de las categorías básicas empleadas en este texto son problemáticas y discutibles, pero no pueden ser soslayadas.

El concepto de "popular", por ejemplo, es insorteable. Teóricamente incierto e ideológicamente turbio, deviene fuente de problemas antes que instrumento esclarecedor; pero está ahí, prendido de tantos nombres y agazapado en el fondo de tantas historias que no puede, sin más, ser reemplazado por nuevas convenciones que ignoren su presencia inveterada. Para referirnos a ciertas prácticas tradicionalmente definidas desde esa presencia, no tenemos, pues, más remedio que cargar sus conceptos con el atributo de lo "popular", aun conscientes de la zozobra que puede producir fardo tan pesado. Por otra parte, es evidente que la oscuridad del vocablo en cuestión no es gratuita: expresa bien esa mezcolanza propia de nuestro momento, cuando distintas historias y tiempos diversos se entremezclan y superponen sobre una realidad escurridiza y compleja, difícilmente asible por una sola palabra.

Por eso, tratando de abarcar la mayor extensión que ocupa su curso errante, usamos el término "popular" para nombrar la posición asimétrica de ciertos sectores con relación a otros y considerando los factores plurales que intervienen en las situaciones de subordinación. Éstas, a su vez, son entendidas a partir de distintas formas de opresión, explotación, marginación o discriminación realizadas en diferentes ámbitos (políticos, económicos, culturales, sociales, religiosos, etc.) en perjuicio de sectores que resultan, así, excluidos de una participación efectiva en cualquiera de tales ámbitos. Se incluyen en la categoría de lo popular las comunidades indígenas, puesto que éstas constituyen el término subalterno de las relaciones de exclusión establecidas con la Conquista y desarrolladas a lo largo del periodo colonial y los tiempos poscoloniales.

El uso del concepto "arte" presenta desafíos similares al de "popular": a pesar de las muchas confusiones que genera, su larga y terca trayectoria vuelve más práctico contar con él que ignorarlo. Si decidimos promoverlo para referirnos a ciertas zonas intensas de la cultura popular, lo hacemos más para esquivar manipulaciones ideológicas que por confiar demasiado en su fidelidad teórica, comprometida por devaneos frecuentes y derroteros dudosos.

El término "mito" es también esencialmente vago. Incluye tanto las ficciones de origen como ciertas actuales ilusiones profanas; se refiere igualmente a la extraña tarea de cimentar el sentido como a la falsa conciencia ideológica; designa tanto un mecanismo tramposo que encubre la historia como el deseo ineludible de lo incondicionado. Antagonista obstinado del logos, el mito es alienación o poesía, simbolización o mistificación, oscura rémora sin destino o refugio del sueño amenazado. A veces deliberadamente, otras no, partimos de sus posibilidades o caemos en la trampa de sus sentidos inestables. Por eso, el contexto en el que se usa es a menudo el único responsable de cada acepción concreta.

Por otra parte, el término "arte popular" es teóricamente híbrido: el vocablo "arte" proviene de la jurisdicción de la Estética, mientras que el "popular" es oriundo de los dominios de las ciencias sociales. Tanto la doble ciudadanía de sus componentes como el carácter apátrida que acaba adquiriendo el término, son causantes de desencuentros que no pueden resolverse por la falta de un territorio propio donde puedan coincidir esos vocablos nómadas y someterse a los mismos códigos. Si no todas, por lo menos muchas de las incongruencias metodológicas del tema que nos ocupa se originan en esa falta.

Aunque pretendemos que las cuestiones tratadas en este texto puedan ser referidas genéricamente al arte popular de América Latina, ellas parten, y toman sus ejemplos, de la realidad del Paraguay, pues es la que mejor conocemos. Análogas razones de competencia temática promueven que el término "arte" se refiera fundamentalmente a las manifestaciones visuales, sin que ese recorte implique el menoscabo de otras expresiones de la cultura popular, que bien podrían ser comprendidas en la mayoría de los temas que se exponen acá (teatro, música, literatura, etc.).

En este texto se utiliza la grafía del idioma guaraní para escribir vocablos pertenecientes a esta lengua. Se mencionan las convenciones más comunes: lay indica la sexta vocal del guaraní, gutural; las diéresis colocadas sobre las vocales vuelven éstas nasales; la h se pronuncia en forma aspirada, como en inglés, y la j, como la y en español; por último, en guaraní sólo se marca el acento de las palabras llanas: todas las que no llevan tilde son leídas como agudas. Sin embargo, se ha optado por obviar en este texto la última convención citada y marcar los acentos de las palabras agudas a los efectos de facilitar la lectura por parte de los no guaraní-parlantes. Siguiendo la tradición, no se emplea la grafía guaraní en la escritura de los nombres étnicos Se mantiene la convención de no pluralizar los nombres de las etnias atendiendo a que los mismos responden a sistemas propios de pluralización (los ayoreo, los nivaklé, etc.).

Tanto la necesidad de incursionar en terrenos que nos son desconocidos como la de confrontar nuestras posiciones con otras que encaran momentos diferentes de un devenir sociocultural complejo, nos llevaron a recabar consultas, pedir opiniones y recibir sugerencias y correcciones de otras disciplinas. En este sentido agradecemos la colaboración ele Line Bareiro y José Carlos Rodríguez, con quienes, desde el inicio lo de este trabajo, discutimos largamente conceptos fundamentales para su desarrollo. También reconocemos los aportes de CARLOS COLOMBINO, OSVALDO SALERNO, BENJAMÍN ARDITI, LUIS CARMONA, JORGE LARA CASTRO, y ADOLFO COLOMBRES, que leyeron los manuscritos y aportaron valiosas observaciones.

TICIO ESCOBAR

10 julio 1987, Asunción

BIBLIOGRAFÍA

Esta lista comprende sólo las publicaciones citadas en el texto. Para identificar la bibliografía referida por cada cita se ha empleado el apellido del autor, el año de publicación y el número de página. Ante dos títulos de un mismo autor correspondientes ambos a un mismo año, se ha individualizado cada uno de ellos con la letra a o b según correspondiera al primero o segundo de los editados en ese año.

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MERQUIOR, José Guilherme. La estética de Levi-Strauss, Ediciones Destino, Barcelona, 1978.

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MUKAROVSKY, Jan. Escritos de Estética y Semiótica del Arte, edición crítica de Jordi Llovet, Gustavo Gill S.A., Barcelona, 1977.

NAJENSON, José Luis. Cultura nacional y cultura subalterna: dos categorías para la antropología de América Latina, Universidad Autónoma de México, México, 1979.

PORTANTIERO, Juan Carlos. Los usos de Gramsci, Folios Ediciones S.A., México, 1981.

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WEFFORT, Francisco. "Clases sociales y crisis política en América Latina", en Raúl Benítez Zenteno (coord.) Seminario de Oaxaca, Instituto de Investigaciones Sociales de la UNAM, Siglo XXI, 2a edic., México, 1979.

ÍNDICE

CATEGORÍAS IMPURAS Y DEFINICIONES EN SUSPENSO - POR NELLY RICHARD

PRÓLOGO A LA SEGUNDA EDICIÓN

INTRODUCCIÓN

LA ESCENA PROPIA

EL PUEBLO, LO POPULAR

EL PUEBLO, LO MASIVO

EL PUEBLO, EL ARTE

EL ARTE, LO MASIVO

AFINIDADES

EL CRUCE

INTRODUCCIÓN

CAPÍTULO I

LA CUESTIÓN DE LO ARTÍSTICO

OTROS CONCEPTOS, OTROS MITOS

LOS BAJOS FONDOS DEL ARTE

LO ARTÍSTICO Y LO ARTESANAL

CUESTIONES DE AUTONOMÍA

LOS LÍMITES

LOS OFICIOS DE LA BELLEZA

DISPERSIONES, DESBORDES

INDUSTRIA, FORMA Y FUNCIÓN

ACERCA DE LO ÚNICO

RECAPITULACIONES

CAPÍTULO II

LA CUESTIÓN DE LO POPULAR

LO POPULAR COMO MITO

PUEBLO, NACIÓN, INDIO Y TRADICIÓN

LOS TUTORES

HEGEMONÍAS

LA CULTURA OFICIAL ESTATAL

LA CULTURA ERUDITA

LA CULTURA OFICIAL DE LA IGLESIA

LA CULTURA HEGEMÓNICA INTERNACIONAL

LA CULTURA DE MASAS

LA CULTURA POPULAR

CAPÍTULO III

LA CUESTIÓN DE LO ARTÍSTICO POPULAR

LO POPULAR COMO POPULARIDAD

LO POPULAR COMO VANGUARDISMO

LO POPULAR COMO ACCIÓN EMANCIPADORA

EL COMPROMISO

AMBIVALENCIAS

LO POPULAR COMO TEMA

UN CONCEPTO DE ARTE POPULAR

CAPÍTULO IV

CUESTIONES SOBRE ARTE POPULAR

LA CUESTIÓN DEL CAMBIO

ESENCIAS, MUDANZAS

LOS CASOS

LA CUESTIÓN DEL DESTINO DEL ARTE POPULAR

EXTERMINIO Y REDENCIÓN

1. EL ARCHIVO

2. LA TÉCNICA ORIGINAL

3. LA ESCISIÓN

A. EL ESTETICISMO

B. EL FUNCIONALISMO

LA INEXORABLE MODERNIDAD

1. LOS A-CAPITALISTAS

2. EL DIVINO DOMINIO

3. LOS CONTORNOS DE LA DIFERENCIA

4. EL FUTURO DE LAS FORMAS CONDENADAS

LOS DUEÑOS DEL SÍMBOLO

LA MODERNIDAD DEL ARTE POPULAR

BIBLIOGRAFÍA

JORGE CODAS y VANESSA TIO-GROSET EN EXPOSICIÓN COLECTIVA EN FRANCIA / NOVIEMBRE, 2011

2011-11-05T13:20:00.000-07:00

LOS JUEGOS DEL PARAISO (LES JEUX DU PARADIS).

Obras de

JORGE CODAS

Galerie des Charmilles, en Gravigny Balizy,

Francia - 2011

JORGE CODAS y VANESSA TIO-GROSET

EN EXPOSICIÓN COLECTIVA EN FRANCIA

La exposición tendrá lugar en la Galerie des Charmilles, en Gravigny Balizy, a partir del 19 noviembre y se extenderá hasta el 24 de diciembre, con un vernissage el viernes 18 noviembre a las 17:30 hs., al cual estan invitadas importantes personalidades del ámbito local y también la prensa especializada.

Participan en esta exposición JORGE CODAS, VANESSA TIO-GROSET, Françoise Caillette, Delphine Chatel, Tom Butler, Jean Pierre Condat, Dany Denis, Josette Lambert, Thierry Lefort y Taka Mizukami.

JORGE CODAS, artista paraguayo, expresionista y pleno de ese humor tan especial que lo caracteriza, presenta su nueva colección LOS JUEGOS DEL PARAISO (LES JEUX DU PARADIS).

Son obras con un contenido lúdico que se desarrollan en una fronteraextremadamente delicada, desde donde se abren diversas rutas que ofrecen una perspectiva nueva a ser descubierta y completada.

Utiliza, como es habitual, trazos y contenidos perfectamente definidos, aunque sugiriendo, desde la perspectiva de un juego abierto, diversos puntos de lectura. Los caminos propuestos expresan un sentimiento de controlada estabilidad positiva y abren nuevas puertas hacia diferentes posibilidades expresivas.

Jorge Codas reflexiona aquí, sutilmente, sobre el concepto del juego y su imprescindibilidad, o sea, creando sus propios juegos remarca las múltiples posibilidades que estos ofrecen para analizar y transformar la condición humana.

Están construidos con colores vibrantes y líneas netas, siempre jugando con la tensión que insinúa la sorpresa y sin ocultar la intención de imponer un orden especial a un juego colectivo en proceso de creación permanente. Utiliza un lenguaje predominantemente pictórico, pero incluye otros elementos como la fotografía, la escultura, la música y la literatura, materias en las que ha incursionado en incontables oportunidades, en nuestro país y en el exterior, mostrando trabajos integrados de una factura muy profesional. En uno de ellos llamado « la inteligencia de la mano », utiliza como fondo musical una composición para guitarra y violín compuesta por nuestro compatriota Orlando Rojas, también residente en París, Francia.

« El juego tiene la gran responsabilidad de participar en la construcción de la realidad a través de un millón de espejos, que reflejan siempre, expresa o tácitamente, nuestros mejores sueños », dice Jorge Codas.

Otra de las expositoras: VANESSA TIO-GROSET, quien ha expuesto en muchas oportunidades en Paraguay y representando a nuestro país, presenta una magnífica selección de fotografías en blanco y negro con pequeños detalles en color, ligeramente retocados y saturados siempre respetando la integridad de la toma real, que representan muy bien su universo íntimo. Estas fotografías son muy seductoras, atrapantes, de una gran delicadeza y no se limitan a reproducir la realidad sino que prefieren trascenderla con una sutileza típicamente femenina. Tienen un excelente contraste y una perspectiva bien estudiada. El disparo en todos los casos es limpio y muy preciso.

Realmente una muy hermosa selección de fotos, cada una de ellas más magnífica que la otra, constituyéndose en un verdadero placer para los ojos y para el corazón.

Esta exposición colectiva de pequeños formatos presentada por la Galerie des Charmilles, ofrece una pluralidad de expresiones muy singulares. Reunir en un mismo espacio sensibilidades tan distintas y ponerlas en resonancia, es un verdadero logro de artista. Precisión, sensualidad, poesía, fuerza del trazo y del color, poder de evocación, delicadeza, equilibrio de las composiciones, son las características principales de estos grandes talentos reunidos, en esta oportunidad, para presentar sus pequeños formatos.

GALERIE DES CHARMILLES

7, Place des Charmilles, 91160, Longjumeau

Tel. : 06 42 04 27 85

Galerie.des.charmilles@orange.fr

HUGO GAMARRA ETCHEVERRY - PROFESIÓN CINERO © 2007 / EL CINE DOCUMENTAL PARAGUAYO PRESENTE EN LA 21º MUESTRA DEL DOCUMENTAL ANTROPOLÓGICO Y SOCIAL "DocAnt 2011"

2011-11-01T09:44:00.000-07:00

EL CINE DOCUMENTAL PARAGUAYO PRESENTE EN LA

21º MUESTRA DEL DOCUMENTAL ANTROPOLÓGICO Y SOCIAL

DocAnt 2011

La prestigiosa Muestra del Documental Antropológico y Social DocAnt 2011 tendrá su 21º edición presentada por el Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano en la ciudad de Buenos Aires del 1 al 4 de noviembre.

Paraguay estará por primera vez representado. El documental paraguayo seleccionado por el comité directivo del DocAnt 2011 ha sido PROFESIÓN CINERO (60 minutos, director Hugo Gamarra E.) que será exhibido el día martes 1 de noviembre a las 19 hs en el Centro Cultural de España en Buenos Aires - CCEBA sitio en Calle Paraná 1159. La exhibición contará con la presencia del director de la película quién tendrá a su cargo las palabras de presentación para dicha función.

"El evento reúne desde 1991 las principales producciones fílmicas y en video que abordan la temática antropológica y social, efectuadas por realizadores nacionales y extranjeros".

La muestra tiene como objetivos: "Promover la producción audiovisual sobre la diversidad sociocultural entre investigadores y realizadores nacionales y extranjeros; y difundir los trabajos audiovisuales que aborden temáticas antropológicas".

Dentro de las actividades previstas se realizarán conferencias, proyecciones de materiales de Argentina, Latinoamérica y de diversas partes del mundo y una retrospectiva del cine documental peruano.

El cineasta Hugo Gamarra E., docente y fundador del Festival Internacional de Cine -Arte & Cultura- Paraguay, fue invitado para dictar una de las conferencias, bajo el título de "Descubrimiento, testimonio, retrato y relato", el 2 de noviembre en la sede principal de la muestra el CCEBA.

Se adjunta la programación en PDF. http://www.cceba.org.ar/v3/ficha.php?id=865

Cabe destacar que PROFESIÓN CINERO, una producción totalmente paraguaya de las empresas Ara Films Producciones y SynchroImage, ha sido seleccionado por 15 festivales internacionales de las Américas, Europa y Asia, obteniendo distinciones en Brasil, Argentina y México.

MÁS DATOS SOBRE LA PELÍCULA

un documental de

HUGO GAMARRA ETCHEVERRY

SINOPSIS

El oficio de Tito Juan Vera era portar la magia del cine a los habitantes del interior del Paraguay. Él y su familia ya no viven de ese trabajo, pero conserva miles de rollos de películas, afiches y equipamientos de aquella época. Juan cuenta sus vivencias, muestra los elementos y secretos de su arte y conmemora el cine en una función especial realizada para este documental.

FICHA TÉCNICA

Guión y Dirección: Hugo Gamarra E.

Productor: Hugo Gamarra E. - Coproductor: Richard Careaga

Imagen: Richard Careaga, Emilio Ojeda y Christian Nuñez -

Edición: Eduardo Mora y Jorge Peralta - Sonido directo: Luis Aveiro - Postproducción Sonido: Alfredo Galeano - Música: Eric Chapelle y Jorge Garbett

Con: Tito Juan Vera y su familia; Don Alejandro y Fidela Echagüe; Rosa Echagüe de Olmedo; Porfirio Benítez; Francisco Arnaldo Moria Berta Aquino; Francisco Ramón Aquino; Arsenio Sosa Aquino; Pobladores de Guarambaré

Jefa de Producción: Liza Rubiani - Ayudante de producción: Javier Brun

Asistente de cámara: Javier Fleitas - Fotos en estudio: Emilio Ojeda y Luis Aveiro

Coordinación de Post Producción: Claudia Caballero y Make Peña

Duración: 60 minutos - Formato de rodaje: MiniDVCam

Rodado en: locaciones del Departamento Central del Paraguay en verano del 2004

Producción paraguaya de Ara Films Produc. y Synchro Image finalizada en el 2007

DISTINCIONES INTERNACIONALES:

Seleccionada para Inauguración 14º Festival Cine Iberoamericano CINESUL 2007, Rio de Janeiro, Brasil

Mención de Honor en el 14º Festival de Video Latinoamericano de Rosario 2007

Mención Honorífica en el V Encuentro Hispanoamericano de Cine y Video Documental Independiente: Contra el Silencio Todas las Voces 2008, México DF.

SELECCIONADA PARA LOS SIGUIENTES FESTIVALES

29º Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba 2007

1º ATLANTIDOC – Festival Internacional de Cine Documental de Uruguay 2007

14º Festival de Video Latinoamericano de Rosario 2007, Argentina

V Encuentro Hispanoamericano de Cine y Video Documental Independiente: Contra el Silencio Todas las Voces 2008, México DF

24º Festival de Cine Latino de Chicago, USA 2008

Festival de Cine Contemporáneo de América Latina y el Caribe en New Delhi 2008

Festival Valencia España X Premis Tirant 2008

Festival de la Memoria: Cine Documental Iberoamericano en Tepoztlán, México 2008

11º Festival Internacional de Cine de Punta del Este 2008

Festival Internacional de Cine Mudo La Serena, Chile 2009

12º Cine Las Américas International Film Festival, USA 2009

4ª Muestra de Cine Iberoamericano en Chile 2010

7ª Muestra de Cine Latinoamericano en La Paz 2010

9ª Muestra de Documental Etnográfico Espiello, España 2011

XVIII Muestra Cine y Video Documental del Instituto Nacional Argentino de Antropología y Pensamiento Latinoamericano, Arg. 2011

PROYECCIONES

DOC ANT 2011

DEL 01/11/2011 AL 04/11/2011 A LAS 17:00 HS.

CCEBA SEDE PARANÁ 1159

21ª MUESTRA DEL DOCUMENTAL ANTROPOLÓGICO Y SOCIAL

HOMENAJE AL DOCUMENTAL PERUANO

Con el apoyo de INCAA, SICA, Asociación Amigos del INA (AINA), Colegio de Graduados de Antropología de Argentina (CGA), Secretaria de Cultura de la Nación

El objetivo es promover la participación de realizadores de Argentina y el mundo y atender la demanda de un público interesado en temáticas que abordan la construcción social de la identidad. En este tiempo se ha constituido en un espacio de reflexión e intercambio de experiencias y producciones, entre científicos sociales y realizadores independientes. Cuenta con la presencia de destacadas personalidades nacionales e internacionales del mundo de la Antropología Visual y del Cine Documental y se realizan homenajes a destacados realizadores, conferencias, paneles, etc.

PROGRAMACIÓN

MARTES 1 DE NOVIEMBRE DEL 2011

17.00 - PUEBLOS ORIGINARIOS III: PILAGÁ. BAÑADO LA ESTRELLAde ULISES ROSELL

Duración: 28'

País: Argentina.

Sinopsis: El Descanso es una pequeña comunidad en la provincia de Formosa, ubicada a orillas del Bañado La Estrella. Desde 1993 el gobierno de la provincia comenzó una serie de obras hidráulicas sobre la ruta nacional 28 que inundan de forma permanente tierras indígenas ubicadas en el Bañado y producen grandes deterioros ambientales. El documental nos muestra las implicancias de esa obra y los reclamos no escuchados de una comunidad que tiene más de la mitad de sus tierras bajo agua.

17.30 - PANORAMA DE CAMBIOS Y CONTINUIDADES EN TEMÁTICAS, COMPROMISOS, FORMAS NARRATIVAS, ETC. DEL DOCUMENTAL PERUANO. Conferencia de JOSÉ E. BALADO DÍAZ (Director DOCUPERU)

BALADO DÍAZ es productor, realizador audiovisual y documentalista. Graduado de la Univ. de Puerto Rico, con cursos de especialización en Sao Paulo y maestría en Artes Visuales en Emerson College. Director de DOCUPERU, asociación civil sin fines de lucro, dedicada a la difusión, documentación, producción y enseñanza artística, técnica y profesional de procesos y productos documentales en la región andina.

19.00 - PROFESIÓN CINERO de HUGO GAMARRA

Duración: 60'

País: Paraguay

Sinopsis: El oficio de Tito Juan Vera era portar la magia del cine a los habitantes del interior del Paraguay. Él y su familia ya no viven de ese trabajo, pero conserva miles de rollos de películas, afiches y equipamientos de aquella época. Juan cuenta sus vivencias, muestra los elementos y secretos de su arte y conmemora el cine en una función especial realizada para este documental.
Presentación a cargo del director

GAMARRA es realizador audiovisual, productor, guionista, crítico cinematográfico y docente. Estudió en Kent State University y en la Universidad de Texas, donde egresó en Cinematografía. Se dedica al desarrollo de la cultura cinematográfica en el Paraguay a través de la Fundación Cinemateca del Paraguay, del Festival Internacional de Cine del Paraguay y el FESTIDOC Paraguay (fundador y director).

20.30 - CONSEJOS de MARIO CUESTA

Duración: 12'

País: España

Sinopsis: Recién estrenada la crisis económica me despidieron... por segunda vez. Esa "segunda vez" hizo que mis padres reaccionaran con vehemencia cuando se lo conté. Mientras les grababa con cámara oculta, cada uno me ofreció su ayuda y consejos, pero tan opuestos que me dejaron aún más confundido.

MIÉRCOLES 2 DE NOVIEMBRE DEL 2011

17.00 - EL IMPERIO DE LOS COLORES de MARCOS ALTAMIRANO y HUGO CURLETTO

Duración: 23'

País: Argentina

Sinopsis: recorre tres historias de inmigrantes bolivianos en la ciudad de Río Cuarto. El documental resalta los aspectos positivos del fenómeno de la migración como una estrategia de vida, como un derecho esencial e inalienable que contribuye a la inclusión social y el respeto por la diversidad cultural.

17.30 - DESCUBRIMIENTO, TESTIMONIO, RETRATO Y RELATO. Conferencia de HUGO GAMARRA ETCHEVERRY (Director Festival Internacional Arte y Cultura de Paraguay)

19.00 - ISABEL NEIROT, TEJIENDO MELODÍAS de MARIO DEL BOCA

Duración: 13'

País: Argentina

Sinopsis: Filme documental antropológico-cultural, sobre Isabel Neirot. Mujer arpista, nacida y criada en Santiago del Estero, encuentra en su arpa una cierta similitud con el telar. Por eso suele decir, que su arte, consiste en ir "tejiendo melodías". Melodías, canciones santiagueñas, porque al decir de ella misma se considera "más santiagueña que la algarroba".
Presentación a cargo del director DEL BOCA es licenciado en Cinematografía (UNC), documentalista etnográfico, productor asociado del Fondo para la Cultura y el Cine Etnográfico, profesor titular de la Universidad Nacional de Río Cuarto e investigador. Coordinador de la Muestra de Filmes Documentales Etnográficos de Río Cuarto Córdoba).

20.00 - ALPAQUEROS EN APURIMAC de MIKO MELONI

Duración: 20'

País: Perú

Sinopsis: El departamento de Apurimac, en el Sur del Perú, se presenta fascinante, con sus tierras verdes y bajas, y sus carreteras difíciles que suben hasta lugares muy remotos. Los alpaqueros viven aquí, por cuidar las alpacas y producir una lana fina, eligiendo de quedarse, lejos del progreso, de las ciudades, privados de comodidades y servicios básicos: igualmente, la fuerza de su elección de vivir aquí no se puede discutir, el silencio de estas tierras la cuenta perfectamente.

20.30 - LA PRESA de JORGE RIVERO

Duración: 16'

País: España

Sinopsis: En 1946 se comenzó uno de los proyectos más colosales llevados a cabo en Europa: la construcción del embalse del Salto de Salime, en una remota y escarpada comarca de Asturias. Joaquín Vaquero Turcios llegó allí con 22 años para pintar el mural de la sala de turbinas, una experiencia que le cambió para siempre y marcó su trayectoria personal y artística.

JUEVES 3 DE NOVIEMBRE DEL 2011

17.00 - DOÑA ISABELde INGRID HUGHES

Duración: 20'

País: Argentina

Sinopsis: Una señora de 70 años que enriquece su vida haciendo pan y tortitas para sobrevivir.

17.30 PROYECTO CARAVANA DOCUMENTAL DE DOCUPERU. UNA RUTA ITINERANTE DE PRODUCCIÓN, EDUCACIÓN Y USO DE LOS MEDIOS AUDIOVISUALES EN TODO EL PAÍS. Conferencia de José E. Balado Díaz (Director DOCUPERU)

19.00 - MEMORIA DE UNA PIEDRA SEPULTADAde JORGE JÄGER

Duración: 55'

País: Argentina

Sinopsis: el trabajo se basa en un informe de Osvaldo Maidana, docente e historiador argentino, en el que asegura que "no existe el descubrimiento de América. Eso es una expresión literaria", y nos invita a "descubrir la América profunda".

La realización, que integra el Proyecto Audiovisual y Multimedial "Somos los de esta tierra", intenta generar un debate en torno a la "prehistoria argentina" y a lo que nos enseñaron en la escuela. "Prehistoria como un concepto mal aprendido, porque nos enseñan de las culturas Maya, Azteca, Inca y del descubrimiento de América, cuando en realidad los españoles no descubrieron nada. Nosotros existimos desde 10 mil años antes de la llegada de Colón", explicaron desde la producción del documental y agregaron: "Maidana habla de reivindicar esas culturas milenarias y originarias que son nuestros predecesores y desde donde realmente venimos".

Presentación a cargo del director : JÄGER es realizador audiovisual y multimedial. Jefe del Departamento de Investigación y Promoción Cultural y docente del Área Realización en la Escuela Provincial de Cine y TV (Rosario).

20.20 - DISTANCIAS de MARIONA GUIU y VIOLETA RONZONI

Duración: 37'

País: Cuba/España

Sinopsis: A través de tres vidas y tres generaciones (Rebeca, Massiel y Christian) Distancias se aproxima a la opción individual de permanecer en Cuba. A pesar de que la mayoría de los seres queridos esté fuera del país. A pesar también de haber tenido una oportunidad real para abandonar la isla. Permanecer por amor, por convicción, por la voluntad de hacerlo, porque otros lo han decidido en tu lugar. Es justamente esta decisión la que conforma el reto que asumen nuestros protagonistas: aprender a vivir siendo la persona en la que uno se convierte a partir de la nueva vida de ausencias.

VIERNES 4 DE NOVIEMBRE 2011

17.00 - LA MINA: HISTORIA DE UNA MONTAÑA SAGRADA de SURVIVAL INTERNATIONAL

Duración: 16'

País: España

Sinopsis: Los dongria kondh son uno de los pueblos indígenas más remotos de la India. Viven en las colinas de Niyamgiri, en el estado de Orissa, y veneran una montaña como a un dios. Mientras Vedanta Resources, una empresa con sede en Londres, se prepara para destruir sus bosques y su montaña sagrada con el fin de construir una enorme mina a cielo abierto, el nuevo documental de Survival se pregunta.
¿Qué hará un pueblo indígena para salvar todo cuanto conoce?

17.30 - ANTROPÓLOGAS/GOS Y LOS USOS DEL DOCUMENTAL. Panel

Participan: Juan José Cascardi, Cristian Juré (UNLP), Carlos Masotta, Cecilia Pisarello (Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano)

Coordina: Marcelo Álvarez (INAPL).

CASCARDI es antropólogo (FCNyM-UNLP, Argentina), realizador audiovisual y documentalista. Encargado de la Sección Antropología Visual de la División Etnografía del Museo de La Plata (FCNyM- UNLP). Profesor de Antropología e Imagen de la Carrera de Antropología (FCNyM-UNLP). Miembro del Comité Asesor de la Muestra del Documental Antropológico y Social del INAPL.

MASOTTA es antropólogo, docente e investigador de la Universidad de Buenos Aires. Miembro del CONICET. Documentalista en temática indígena en la Argentina. En 2010 fue curador de las muestras fotográficas Fotos en el cuerpo. Fotografía, Memoria y archivos y Almas Robadas. Postales de Indios. Dirige el proyecto Lugares de la mirada. Comunidad, alteridad y conflicto entre el espacio y la imagen (UBA).

PISARELLO es antropóloga egresada en la Universidad Nacional de Buenos Aires (UBA), Investigadora del Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano (INAPL). Documentalista. Desarrolla el proyecto de investigación El tradicionalismo argentino en los inicios del siglo XXI.

19.00 - EL FANTASMA DEL CACIQUE FOYEL de CARLOS MASOTTA

Duración: 30'

País: Argentina

Sinopsis: relatos de pobladores rurales en la cordillera de la provincia de Río Negro, que cuentan apariciones del Cacique Foyel, uno de los últimos vencidos por la "Conquista del Desierto" en el siglo XIX.
Presentación a cargo del director

20.00 - ¡COPIAD MALDITOS! de STÉPHANE M. GRUESO

Duración: 58'

País: España

Sinopsis: "Vamos a producir un documental para colgarlo en internet... ¡es fácil!" Con ¡Copiad, malditos! ponemos sobre la mesa los nuevos retos éticos y morales que la revolución digital está planteando. Vamos a descubrir a los personajes que están ahora mismo en el centro de esta lucha entre las estructuras tradicionales y gente que entiende que hay una nueva forma de crear y explotar la cultura... Intentaremos desenmarañar la red legal que regula hoy en día la propiedad intelectual y haremos una profunda reflexión en las implicaciones éticas y morales de los modelos de copyright actuales y en qué nuevas vías se están abriendo y explorando para una evolución en el futuro de los modelos actuales. ¡Copiad, malditos! pretende ir más allá de la teoría, y de forma autorreflexiva documentar también la producción del mismo documental bajo una licencia de Creative Commons. Ello convierte al documental en una película singular y extraña. Con ello permitirá la libre copia y distribución de la película para uso no comercial.

Fuente digital: http://www.cceba.org.ar

Registro de enlace : Octubre 2011

LILIANA SEGOVIA - GALOPERAS (PINTURAS - INSTALACIÓN) / CENTRO CULTURAL DE LA REPÚBLICA "EL CABILDO", MARTES, 01 DE NOVIEMBRE / 2011 - 19:00 HORAS

2011-10-26T10:34:00.000-07:00

GALOPERAS

(PINTURAS - INSTALACIÓN)

DE LILIANA SEGOVIA

LA COMISIÓN NACIONAL DEL BICENTENARIO

Y EL CENTRO CULTURAL DE LA REPÚBLICA "EL CABILDO"

INVITAN A LA EXPOSICIÓN "GALOPERAS"

Y A LA PRESENTACIÓN DEL MATERIAL AUDIOVISUAL

DE RENATE COSTA

MARTES, 01 DE NOVIEMBRE / 2011 - 19:00 HORAS

PROF. DR. OSVALDO REAL TORRES

CURADOR INDEPENDIENTE

HOMENAJE A LAS GALOPERAS DEL BARRIO RICARDO BRUGADA

DE LA CHACARITA, BAILANDO AL SON DE LA MÚSICA

DE LA BANDITA KOYGUA

CARLOS ROLANDI - IMÁGENES MONTADAS / CASA MAYOR GALERÍA DE ARTE, Apertura de exposición: Jueves, 27 de Octubre de 2011.

2011-10-26T07:00:00.000-07:00

IMÁGENES MONTADAS

Collages de

CARLOS ROLANDI

CASA MAYOR GALERÍA DE ARTE

Apertura de exposición: Jueves, 27 de Octubre de 2011, 19:30 horas

Dirección: MALUTIN Nº 263

Tel.: 595 21 663.627

IMÁGENES MONTADAS DE CARLOS ROLANDI

La aventura consiste en hallar una imagen que encaje en otra(s) mediante asociaciones cercanas o bien distantes. Así la Obra de Arte considerada mayúsculas va perdiendo su origen solemne e intocable; un aire fresco limpia la imagen antigua descubriendo historias más recientes y más sorprendentes.

Viaje hacia civilizaciones y culturas diferentes, el humor, la lectura y la música, el arte mayor y menor, con “ismos” y sin ellos, y sobre todo una curiosidad constante hacia el entorno cercano y lejano, ayudaron que estas distintas obras de diferentes artistas sean revisitadas y transgredidas sin concesiones, mezclándose con ironía y desparpajo lo sagrado profano clásico moderno contemporáneo; lo serio dentro de una sonrisa cómplice.

Carlos Rolandi hizo exposiciones individuales de dibujo, grabado, pintura en el país y en el exterior. Tiene Licenciatura en Artes Plásticas de la Universidad Paris 8 de Francia. Es Docente en Bellas Artes. Vive y trabaja en Areguá.

Contacto: Centro Cultural El Cantaro

[ el.cantaro@hotmail.com ]

ENLACE A SIGUIENTE SECUENCIA DE OBRAS DE

IMÁGENES MONTADAS, 2011 :

PRIMERA EXPOFERIA DE ARTESANÍA INDÍGENA “MANOS DE ESTA TIERRA” / Lugar: Plaza de la Democracia, del 26 de Octubre al 2 de Noviembre del 2011.

2011-10-24T13:50:00.000-07:00

PRIMERA EXPOFERIA DE ARTESANÍA INDÍGENA

“MANOS DE ESTA TIERRA”

Fecha: Miércoles 26 de octubre de 2011

Hora: 17:00 hs

Lugar: Plaza de la Democracia

(Independencia Nacional y Cerro Cora)

El Presidente del Instituto Paraguayo de Artesanía Don FREDY OLMEDO, se complace en invitarles a participar del Acto Inaugural de la Primera Expoferia de Artesanía Indígena MANOS DE MI TIERRA que se realizara el 26 de octubre del corriente a las 17:00 en la Plaza de la Democracia (Independencia Nacional y Cerro Cora).

DEPARTAMENTO DE COMUNICACIÓN

E-mail: prensa@artesania.gov.py / prensa.ipa@gmail.com

Sitio Web: www.artesania.gov.py

Teléfono: (595 – 21) 498343

CRISTINA PAOLI - EXPOSICIÓN PEQUEÑECES, 2011 - CENTRO CULTURAL CITIBANK

2011-10-19T14:50:00.000-07:00

PEQUEÑECES

Obras recientes de

CRISTINA PAOLI

CENTRO CULTURAL CITIBANK

Asunción, Octubre 2011

CENTRO CULTURAL CITIBANK

Av. Mcal. López 3794 y Cruz del Chaco – Villa Morra

centrocultural@citi.com - Tel. 620 2410

AMALIA RUIZ DÍAZ - MODESTO DELGADO RODAS, SERIE GRANDES PINTORES PARAGUAYOS - Con el apoyo del FONDEC, Asunción – Paraguay 2011

2011-10-06T16:29:00.000-07:00

MODESTO DELGADO RODAS

SERIE GRANDES PINTORES PARAGUAYOS

AMALIA RUIZ DÍAZ

Con el apoyo del FONDEC

Asunción – Paraguay

Marzo, 2011 (148 páginas)

ÍNDICE

Presentación I

Presentación II

Presentación III

Presentación IV

Introducción

Contexto socio-cultural del artista

Modesto Delgado Rocías - Una síntesis de su vida

Escritos y Publicaciones

a- Jorge Báez

b- Hipólito Sánchez Quell

c- Josefina Plá

d- Presentación Catálogo de Exposición de Modesto Delgado Rodas

e- Nélida Amábile

f- Luly Codas

Compilación Fotográfica

Resumen Biográfico

Bibliografía

Catálogos y otros

PRESENTACIÓN III

En una conversación con la autora del libro, Amalia Ruiz Díaz, me decía que una de las mayores dificultades de escribir un libro de esta naturaleza, era poder encontrar algún material que pudiera tener relación con el tema y que ayudara a enriquecer la investigación.

Aunque en nuestro país todos presumimos de historiadores, paradójicamente no existe la tradición de documentar ni la vida oficial ni la vida cotidiana, ni los hechos políticos, ni bélicos, ni culturales. Es por eso que resulta tan difícil ponernos de acuerdo sobre tantos puntos que hacen a nuestra historia, nuestra historia tomada aquí en su sentido más amplio. Y si no ponernos de acuerdo, por lo menos poder disentir pero con razones que sean valederas tanto de un lado como de otro.

De este modo, vamos haciendo una historia que, a manera de un calco defectuoso de la realidad, la construirnos en base a aquellas cosas que alguien parece ser que escuchó al respecto. No acudimos a las fuentes, sino a terceros que nos dan su versión ya digerida de lo que alguna vez le contaron.

Amalia Ruiz Díaz, aquella alumna del ISA (Instituto Superior de Arte) silenciosa, introvertida, que parecía hacer todo lo necesario para pasar desapercibida, comprendió en un momento dado esta enorme carencia. Su silencio y recogimiento ocultaban, sin embargo, una energía -ojalá fuera contagiosa- que la dirigió en el sentido que mejores frutos podía dar. Un día me preguntó mi opinión sobre la idea de catalogar los murales que había en Asunción de cara a la calle. Le respondí que me parecía de una gran importancia, si bien los murales existentes no eran muchos y le cité dos o tres de los que en ese momento me acordaba. Tiempo después, un pequeño libro, cuidadosamente diagramado y muy bien impreso, recogía todos los murales que había en la ciudad. Quedé sorprendido al descubrir que un buen número de ellos no los había visto nunca. O, al menos, no había caído en la cuenta que allí estaban.

Siguieron otros libros sobre temas puntuales de nuestras artes visuales; después de todo, eso es lo que ella estudió, además de aprender la disciplina y el rigor en el trabajo que la directora del instituto, Olga Blinder, transmitía a sus alumnos. Y en todos ellos los resultados fueron valiosos porque han enriquecido lo que sabíamos a tientas de muchos aspectos de nuestro pasado pictórico.

Ahora la autora ha dedicado sus esfuerzos para indagar en la vida y el trabajo de MODESTO DELGADO RODAS (1880-1963), como segundo volumen de la serie "GRANDES PINTORES PARAGUAYOS". El primero estuvo dedicado a "JAIME BESTARD, ARTE Y DIGNIDAD". Además de zambullirse en archivos y bibliotecas donde el trabajo no siempre es fácil por un motivo o por otro, tuvo la suerte de encontrar a gente que conoció y habló con el artista. Historias ciertas o no, anécdotas, recuerdos arrumbados en la memoria de alguien, estas son las simples herramientas, pero tan difíciles de conseguir, con las que trabaja un investigador. A la simplicidad de tales herramientas, sin embargo, hay que agregarle la disciplina y el rigor que impone una labor de esta naturaleza. De esto va a depender, en gran medida, que el trabajo termine enriqueciendo no a un grupo más o menos numeroso de personas, sino a todo el proceso cultural que vive un país.

Sé lo difícil que es editar un libro; sé los obstáculos con los cuales uno tropieza en el camino; pero sé también que si no hiciéramos todo esto, nuestro pueblo hoy sería un pueblo sin memoria. Y sin memoria no podemos comprender el presente ni mucho menos proyectarnos hacia el futuro.

JESÚS RUIZ NESTOSA*

Salamanca, España, febrero 8 de 2011

*JESÚS RUIZ NESTOSA (Paraguay -1941) : Fotógrafo. Periodista, Escritor Crítico de cine. Académico de Número de la Academia Paraguaya de la Lengua Española y correspondiente de la Real Academia de Madrid. Estudió fotografía en Nueva York. Se inicia en esta disciplina en 1958 y expone desde 1963 Bienales. Porto Alegre 1999, XXV Sao Paulo 2002. Casa de las Américas Madrid, 2001 Tercer Premio de Fotografió Concurso Touring Club Paraguayo 1963. Tiene publicado varios libros. Actualmente reside en Salamanca-España.

INTRODUCCIÓN

Este nuevo material que se ocupa del pintor MODESTO DELGADO RODAS, es el segundo de la SERIE DE GRANDES PINTORES PARAGUAYOS INICIADA con la publicación del libro JAIME BESTARD, ARTE Y DIGNIDAD. Mantiene el mismo objetivo de brindar una reseña informativa acerca de estos artistas nacionales que sobresalieron a principios del siglo pasado, luego de haber pasado por academias y talleres europeos, donde pudieron acrecentar experiencias y fortalecer sus conocimientos sobre la técnica pictórica.

En su primera parte incorpora una cronología biográfica y una serie de escritos, consistente en memorias y relatos de personas que tuvieron la oportunidad conocer la trayectoria del artista de manera más directa y cercana. En la segunda parte se ofrece una interesante compilación fotográfica de una diversidad de sus pinturas, seguida de algunos bocetos que agregan un matiz muy particular al origen y la realización de sus obras.

Sus familiares, sobrinos en especial, aportaron testimonios y relatos de suma importancia sobre el artista, que además sirvieron de nexo para acceder a otros archivos. A estos datos y referencias se sumaron detalles y comentarios que destacan la gran amistad que unió a Don Modesto con el escultor Erminio Blotta (Escultor italiano que vivió hasta su fallecimiento en Rosario. Argentina. (1893-1976) Fue muy amigo de Delgado Rodas).

Igualmente, fue de gran importancia acceder a la Biblioteca del Ateneo Paraguayo, a la Biblioteca Nacional; a la Biblioteca de la Universidad Nacional, de la Universidad Católica, del Centro Cultural Juan de Salazar; a la Biblioteca del Instituto Superior de Arte, a la del Instituto Superior de Bellas Artes; a los archivos privados; a los locales que ofrecen libros antiguos, así como a los diarios, revistas, catálogos y otros medios de difusión que se ocuparon del artista, desde las primeras décadas del siglo pasado hasta nuestros días.

Mi infinito agradecimiento al FONDEC, entidad que convierte en realidad mis proyectos; al Instituto Superior de Arte ISA de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional de Asunción, institución que fortalece mi pasión investigativa; a los grandes coleccionistas por la generosidad de compartir su patrimonio; a las profesoras Nélida Amábile y Verónica Verón por compartir su selecto archivo; a los historiadores, profesores, artistas, periodistas, alumnos y a todos quienes contribuyeron a ampliar las páginas de esta edición.

Mi gratitud a los presentadores, Emma Perasso, Jesús Ruiz Nestosa y Carlos Sosa Rabito, por honrar con sus palabras esta edición. Espero que este trabajo pueda contribuir a la difusión de la importante herencia que nos dejara este destacado pintor, Don Modesto Delgado Rodas, quien optó por volver a su patria para vivir y morir en su Villeta natal.

LA AUTORA

MODESTO DELGADO RODAS - UNA SÍNTESIS DE SU VIDA EN EL CONTEXTO SOCIO-CULTURAL

En la pos Guerra de la Triple Alianza, ya a finales del siglo XIX surge el Instituto Paraguayo, una academia de pintura fundada por los pintores italianos HÉCTOR DA PONTE, GUIDO BOGGIANI y otros, con lo cual se promueve el surgimiento de artistas locales, impulsándose además el otorgamiento de becas a Europa para algunos alumnos destacados, a partir del año 1903, brindadas por el Gobierno de Italia, con la intervención de Boggiani. Si bien MODESTO DELGADO RODAS pertenece a esa generación de artistas surgidos en esos tiempos, se acoge a este beneficio recién en el año 1913.

MODESTO DELGADO RODAS nace en la ciudad de Villeta (ca. 1880). Son sus padres DANIEL DELGADO y EUGENIA RODAS. Sus hermanos Enrique, Daniel, José María, Salvador. (Este último fue escultor). Enrique estuvo radicado en Argentina y Daniel en Brasil. (Esto justifica los pasos posteriores como estudiante y artista por estos países.) Realiza sus estudios secundarios en el Colegio Nacional de la Capital. Según archivos del Ateneo Paraguayo, estudia Dibujo y Pintura en el Gimnasio Paraguayo con los maestros HÉCTOR DA PONTE (1879-1956) y JULIO MORNET (.....), durante la dirección del artista JUAN ANSELMO SAMUDIO (1879 -1935).

Más tarde prosigue sus estudios de dibujo y pintura en la ciudad de Buenos Aires, fue uno de sus maestros el afamado pintor argentino EDUARDO SÍVORI (1847 - 1918) (Pintor argentino considerado el introductor y máximo exponente del realismo pictórico). Al culminar este ciclo en 1907, recibe una mención de honor.

Regresa al país con el propósito de realizar gestiones para obtener una beca de manera a proseguir sus estudios en Europa, dada la dificultad para realizar un viaje como éste, sin un apoyo económico. Esta ansiada beca se concreta recién en el año 1913, gracias a la intervención del Presidente de la República de entonces, Doctor ELIGIO AYALA, quien fuera su profesor en el Colegio Nacional. Este maestro conocía las habilidades del artista en sus tiempos de estudiante.

Viaja a Italia y se instala en Roma, donde ingresa a academias de Dibujo y Pintura. Los problemas sociales generados en los inicios de la Primera Guerra Mundial dificultan la comunicación con Paraguay y deja de recibir los beneficios de la beca.

Limitado de dinero, para subsistir se dedica a hacer copias de pinturas clásicas por encargo de negociantes en Roma y Nápoles. En estos tiempos conoce a un religioso, quien lo contrata para realizar tareas de pintura en un monasterio, lugar donde encontró trabajo y abrigo, aprovechando su tiempo para estudiar, por las noches, arte decorativo y pintura mural.

Estando en ese país, conoce a MARIETTA VICARIO, ciudadana norteamericana con quien contrae matrimonio y luego se radican por varios años en la ciudad de Detroit, Estados Unidos de América. De este matrimonio nace su única hija, Elena. Durante su permanencia en esa ciudad dicta clases de Dibujo, Diseño del Vestido y Gramática Castellana.

Luego, la nostalgia del terruño hace que regrese con la familia a su Villeta natal, donde trabaja con gran entusiasmo en la producción artística, aplicando los conocimientos teóricos y prácticos adquiridos durante su carrera en el exterior.

Siendo profesor de Dibujo y Pintura en el Ateneo Paraguayo, tuvo como alumna a OFELIA ECHAGUE VERA. Años después, esta artista manifestaba en un diario local, que la influencia de su maestro Delgado Rodas fue vital para su crecimiento profesional, heredando especialmente la mirada hacia el género del desnudo.

En coincidencia con este fructífero momento, participa nuevamente en exposiciones en Río de Janeiro, Buenos Aires y Estados Unidos, recibiendo elogios de los críticos culturales, según testimonian sus familiares.

Su esposa e hija vuelven a los Estados Unidos porque no logran adaptarse al modo de vida paraguayo. Esta disolución familiar fue un duro revés para el artista, a quien afectó profundamente este abandono, generándose un cambio adverso en su vida para siempre.

MODESTO DELGADO RODAS experimentó todos los géneros de pintura. En su primera etapa pintó paisajes romanos y florentinos a los que dio continuidad con los paisajes bucólicos del Paraguay, especialmente de Villeta, y el río que siempre está presente en sus obras. La representación de la figura humana es otro género que apasionó al artista. Los retratos nos hablan claramente de la fuerza interna y la importancia del momento sicológico del modelo. Fue el primero en tomar el desnudo como tema inspirador, según afirman sus críticos, luciendo en ellos impecable su técnica en la carnación.

Los bocetos que se conservan de paisajes y figuras humanas nos dicen claramente que no fue un artista improvisado. Ha realizado innumerables variaciones y estudios; en ellos además nos muestra que la figura humana ha sido su gran curiosidad y ha hecho de ella su género predilecto plasmando en sus bocetos toda la técnica academicista y su temperamento.

En la soledad que no lo ha abandonado desde la partida de Marietta y principalmente de Elena, su hija, cuentan los familiares que sólo le devolvían la sonrisa a su rostro las llamadas telefónicas recibidas de su pequeña hija.

Don MODESTO DELGADO RODAS deja de existir en la ciudad de Villeta el 15 de mayo del año 1963, a la edad de 83 años aproximadamente. Días después los diarios locales se hacen eco de esta partida comenzando a recordar al artista.

BIBLIOGRAFÍA

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Báez, Jorge (2007) Artes y artistas paraguayos, Edición El liberal, Asunción

Báez, Jorge (1955) La Torre del Silencio y otros ensayos, Imprenta Nacional, Asunción

Benítez, Luis G. (1986) Breve Historia de Grandes Hombres, Gráfica Comuneros, Asunción

Blinder, Olga (1985) Comentarios 1956 - 1985 (1a. Edición) Editorial IDAP, Asunción

Blinder, Olga; Plá, Josefina y Escobar, Ticio (1983) Arte Actual en el Paraguay 1900 -1980, (1a. Edición.) Ediciones IDAP, Asunción

Blinder, Olga; Plá, Josefina y Escobar, Ticio (1997) Arte Actual en el Paraguay 1900 - 1995 (1a. Edición.) Editorial Don Bosco, Asunción

Cardozo, Efraím, Apuntes de Historia Cultural del Paraguay, 3a. Edición, Litocolor, Asunción

Centurión, Carlos (1961) Historia de la cultura paraguaya, Biblioteca Ortiz Guerrero, Asunción

Centurión, Carlos (1997) Historia de la cultura paraguaya, Tomo III, Editorial El lector, Asunción

Díaz Pérez, Viriato (1982) De Arte, (segunda Edición), Editor Luis Ripoll, Palma de Mallorca, España

Escobar, Ticio (1984) Una interpretación de las Artes Visuales en el Paraguay (1a. Edición.) Colección de las Américas, Asunción

Escobar, Ticio (2004) El Arte fuera de sí (la. Edición) CAV Museo del Barro, Asunción

Fernández, Miguel Ángel, Escobar, Ticio, Codas, Luly, (1999) Siglo XX Una Interpretación de los Artistas Paraguayos, Imprenta Arte Nuevo, Asunción

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González, Natalicio Procesos y formación de la cultura paraguaya (1a. Edición.) Buenos Aires

Instituto Paraguayo Alemán, (2003) Museo Nacional de Bellas Artes, AGZ, Asunción

Plá, Josefina (1973) Treinta y tres nombres en las Artes Plásticas Paraguayas, Editorial Cultura, Asunción

Sánchez Quell, Hipólito (1981) Arquitectura, vestimenta y costumbres asuncenas, librería Comuneros-Casa América, Asunción

Sánchez Quell, Hipólito (1977) Auto antología, Instituto Colorado de Cultura, Casa América, Asunción

Velázquez, Rafael Eladio (1965) Breve Historia de la Cultura en el Paraguay, Asunción Catálogos, Diarios, Suplementos y otros

Catálogo de Exposición, 40 joyas de Delgado Rodas, Instituto Colorado de la Pintura, 24 octubre al 24 de noviembre de 1973, Asunción

Diario Hoy, Dominical, 29 de octubre de 1978, págs. 10 y 11

Diario última Hora, Correo Semanal, 22-23 de agosto de 1998, pág. 32 Diario última Hora, Correo Semanal, Pág. 4

Diario El Diario, jueves 28 de setiembre de 1933

Diario última Hora, Correo Semanal, Jorge Báez, pág. 8 y 9. Diario ABC Color, Suplemento Dominical, 28/02/1971.

Portal Guaraní - www.portalguarani.com

ENLACE INTERNO RECOMENDADO :

LA SINFÓNICA NACIONAL OFRECERÁ SU DÉCIMO CONCIERTO DE TEMPORADA - VIERNES, 7 DE OCTUBRE DEL 2011 - SALA DE CONVENCIONES DEL BANCO CENTRAL DEL PARAGUAY

2011-10-06T11:32:00.000-07:00

LA SINFÓNICA NACIONAL OFRECERÁ SU

DÉCIMO CONCIERTO DE TEMPORADA

EN LA OCASIÓN SE CONTARÁ CON LA PRESENCIA DE LA DESTACADA VIOLONCELLISTA MYRIAM SANTUCCI, COMO SOLISTA INVITADA.

El viernes 7 de octubre del corriente, a las 20:30, la Orquesta Sinfónica Nacional del Paraguay (OSN), dependiente de la Secretaría Nacional de Cultura, brindará su 10mo. Concierto de la Temporada 2011. Dicho evento tendrá lugar en la Sala de Convenciones del Banco Central del Paraguay, en la fecha y hora antes mencionadas, con entrada libre y gratuita.Estará como invitada especial la violoncellista argentina Myriam Santucci, profesional de larga y reconocida trayectoria internacional.

En esta oportunidad, bajo la batuta del M°. Juan Carlos Dos Santos, la OSN Paraguay desarrollará un repertorio con las siguientes obras: : La obertura de “Nabucodonosor", de Giuseppe Verdi; El Concierto en RE Mayor, para violoncello y orquesta, de Joseph Haydn; Capricho Español, Op. 34 de Nicolai Rimsky- Korsakov, y Capricho Italiano,Op. 45, de P. I. Tchaikovsky. La destacada artista argentina Myriam Santucci tendrá a su cargo la parte solista del “Concierto En RE Mayor, para Violoncello y orquesta”, de Haydn.

El Maestro Juan Carlos Dos Santos, Director titular de la OSN Paraguay, es un profesional de reconocida trayectoria artística a nivel nacional e internacional; y ha dirigido importantes orquestas en el país y en el extranjero. De sólida formación académica, es también Arquitecto y Master en Educación Universitaria, ejerciendo funciones docentes en la Universidad Nacional de Asunción, la Universidad Católica y la Universidad Americana. Además ha dictado conferencias en la Pittsburg State University (Universidad del Estado de Pittsburg- EE.UU.).

Los conciertos de la OSN, de la Temporada 2011, se concretan en el marco de un convenio de cooperación mutua entre el Banco Central del Paraguay y esta Institución.

Esta y otras actividades similares pueden llevarse adelante con el respaldo de la Secretaría Nacional de Cultura, el Viceministerio de Culto, la Municipalidad de Asunción, y entidades amigas que apoyan la cultura. Son sus presentadores oficiales: El Hotel Guaraní Esplendor, Asunción Vanpack; Ateneo Paraguayo, Microsystems; Show Time, Unión Libanesa, y Villandry Flores.

Mº JUAN CARLOS DOS SANTOS

DIRECTOR TITULAR- OSN

Director Titular de la Orquesta Sinfónica Nacional del Paraguay, nació en Asunción en el seno de una familia de músicos. Sus primeros estudios musicales los realizó con su padre, Carlos Dos Santos, destacado director de orquesta, y los culminó en el Conservatorio Municipal de Música de Asunción.

Estudió Composición con los maestros José Luis Miranda y Luis Szarán, usufructuando una beca de dos años otorgada por el Centro Cultural Paraguayo Americano del Paraguay.

Posteriormente entre 1994 y 1997 estudió Dirección Orquestal con el Maestro Luís Szarán en el Conservatorio Municipal de Asunción. Entre 1996 y 1997 estudió en Buenos Aires dirección con el Maestro Argentino Miguel Angel Gilardi y entre 1997 y 1999 con la Directora rusa Madinat Iandeva. Asistió a varios cursos internacionales en el Brasil, la Argentina, los EEUU y España. Algunos de sus maestros fueron Luís Szarán (Paraguay) Miguel Angel Gilardi (Argentina) Dominique Fanal (Francia) Roberto Farias (Brasil) León Burke (EEUU), Madinat Iandeva (Rusia); todos destacados profesionales de gran trayectoria internacional.

Su carrera profesional la inició en la Argentina, incorporándose luego a la actividad musical del Paraguay como cellista solista de sus orquestas más importantes, con las que realizó giras por el Brasil, Argentina, Uruguay y España.

Fue Director del Conservatorio Municipal “Agustín Barrios” de la capital del Paraguay por espacio de 20 años, desde donde promovió intensamente la actividad musical entre los jóvenes, organizando las primeras orquestas juveniles del Paraguay.

Se desempeñó como Presidente de “Jeneusses Musicals” en su sección Paraguay, representando al país en Alemania, fue Presidente de la Asociación Nacional de Profesores de Educación Artística, creador del Conservatorio de Música y Danza del Centro Paraguayo Japonés de Asunción y Secretario de Cultura de la Asociación de Músicos del Paraguay.

Es representante del Paraguay ante la Asociación Internacional de Compositores, Arregladores y Directores de Banda Sinfónica,

Una de las facetas más interesantes de su labor ha sido la promoción de la actividad musical entre los jóvenes, introduciendo el concepto de la práctica de conjunto como eje central de la educación musical, logrando despertar el interés de los jóvenes por la música erudita, y dar inicio a un movimiento musical juvenil que en los últimos años adquirió enorme vigor.

Esta actividad le permitió crear numerosas agrupaciones infantiles, juveniles y profesionales, especialmente en el ámbito de las universidades. En éste campo es de señalar particularmente el hecho de haber dado creación a todas las orquestas universitarias existentes en el Paraguay

El Maestro Dos Santos ha dado creación a las siguientes orquestas:

- La Orquesta Juvenil del Paraguay, creada con el apoyo de la UNESCO.

- La Orquesta del American School of Asunción. (ASA)

- La Orquesta Juvenil de Cámara del Conservatorio Municipal de Asunción.

- La Orquesta Juvenil de Asunción. (OJA) de la Municipalidad de Asunción.

- La Orquesta Infantil del Centro Paraguayo Japonés, creada con el apoyo del BID.

- La Orquesta Sinfónica Juvenil de la Itaipú Binacional de Ciudad del Este.

- Todas las orquestas universitarias existentes en el país que incluye a:

La Orquesta de la Universidad del Norte.

La Orquesta de la Universidad Americana.

La Orquesta de la Universidad Católica de Asunción.

La Orquesta de la Universidad Nacional de Asunción dependiente de la Facultad de Arquitectura Diseño y Arte.

Como director de Orquesta desarrolla una intensa actividad con numerosas presentaciones anuales. Ha brindado conciertos en todo el Paraguay, así como en Italia, Brasil, EEUU, España, Islas Canarias y la Argentina, incluyendo el célebre Teatro Colón de Buenos Aires en el que ha dirigido en cinco ocasiones. En visita oficial y en representación del estado paraguayo ha estado en Moscú y San Petersburgo donde fue invitado a dirigir la Orquesta Klassica.

Fue Director del Conservatorio Nacional de Música (CONAMU), de Asunción- Paraguay.

Actualmente también se desempeña como Director de la Licenciatura en Música de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Arte de la Universidad Nacional de Asunción.

De sólida formación académica, es también Arquitecto y Master en Educación, ejerciendo funciones docentes en la Universidad Nacional de Asunción, Universidad Católica y Universidad Americana, habiendo dictado conferencias en la Universidad de Pittsburg State University de los EEUU en tres ocasiones.

Por sus méritos ha recibido innumerables reconocimientos entre los cuales destacan:

-Medalla de Ciudadano ilustre de la Municipalidad de Asunción.

-Medalla y placa de “Cónsul” de la Municipalidad de Mariano Roque Alonso

-Medalla de oro del Conservatorio de Asunción.

-Placa de Reconocimiento del plantel de profesores del Conservatorio Municipal de Asunción.

-Placa de reconocimiento del despacho de la Primera Dama de la República.

MYRIAM SANTUCCI

(SOLISTA DE VIOLONCELLO)

Nació en Buenos Aires, Argentina y creció en la ciudad de Las Vegas, EE.UU.

Comenzó a estudiar violoncello a la edad de 8 años con el maestro Itchiro Mitsumoto y más tarde con el maestro Tibor Kertesz. Estudió música de cámara y perfeccionamiento con los maestros: Gabor Rejto, Lilian Fuchs, Gary Graffman, Laslo Varga, Felix Galimar, William Llincer, integrantes del Julliard String Quartet y Rubén González.

Después de debutar en un recital a los 11 años, actuó como solista con “Las Vegas Civic Symphony”, y a los 15 años tuvo un resonante éxito de público y prensa ejecutando el concierto de Dvorak Op.104 con “Las Vegas Chamber Symphony”.

En 1982 ganó el primer premio de cuerdas de la ”Competición Nacional de la Asociación de Profesores de Música de Estados Unidos” en la ciudad de Houston, Texas, actuando como solista con la “Houston University Symphony”.

En Coronado (California- EE.UU.), recibió el premio Golden Eagle, acordado por la “American Academy of Achievement” y en el Estado de Nevada, por cuatro años consecutivos, fue ganadora del “All-State Command Performance”, otorgado anualmente a la mejor actuación como solista en la categoría de cuerdas.

En 1983 fue admitida en la “Juilliard School of Music” (Nueva York), donde ganó una beca que le permitió estudiar con el maestro Harvey Shapiro en cello y con los miembros del “Cuarteto Juilliard” en música de cámara, obteniendo el “Bachelor y Master en Música en Cello Performance”.

Con la “Juilliard Orchestra” actuó como solista en conciertos de cámara y con la “Juilliard Philarmonic” en conciertos sinfónicos. Integró como solista prestigiosas orquestas de Estados Unidos, Canadá y Japón, entre las que podemos mencionar la “Sunset Symphony”, “Las Vegas Symphony Orchestra”, “New York Film Orchestra”, “American Symphony Orchestra”, la “Nevada Symphony Orchestra” y la “Nevada Opera Orchestra”. También integró la fila de cellos de “St. Bartholomew Chamber Orchestra”, “Nevada Chamber Symphony”, “Symphony in the Glen”, “Fresno Philharmonic” y “Boise Philharmonic”.

En Estados Unidos se desempeñó como asistente de Harvey Shapiro en “Johannessen International School of the Arts” y en la “Juilliard School”, luego en “Carrescia´s Music House”, “Las Vegas Youth Camerata” como String Coach y “Las Vegas Academy” como Studio Teacher – Chamber Music Coach.

Entre sus premios más importantes se encuentran el “Alpha Delta Kappa Fine Arts Grant Competition”, “Won Reno Chamber Orchestra String Competition”, “Music Teacher´s National Association – High School Competition National String Winner” y el “Recipient of Rena Robbin´s Schapiro Memorial Scholarship”.

Radicada en Buenos Aires desde el año 2004, integra, en un cargo de solista, las siguientes orquestas: “Orquesta Sinfónica Nacional”, “Orquesta de Cámara Mayo” y “Orquesta Armonías”. Participa en conciertos con la “Orquesta Estable del Teatro Colón”, “Camerata Bariloche” y en el "Ciclo de Música en Plural " (organizado por Bárbara Civita y Haydeé Francia), y en las temporadas 2005, 2006 y 2009 de la “Semana Musical Llao Llao”.

Ha sido invitada a tocar como solista con la Orquesta Sinfonica de Salta, la Orquesta Sinfonica de Entre Rios, Orquesta Sinfonica de Rosario (Santa Fe), la Orquesta Sinfonica de Cordoba, la Orquesta Sinfonica Nacional y la Filarmonica de Buenos Aires.

Paralelamente a su carrera como solista, integra diversas agrupaciones de música de cámara, como el Cuarteto de Cuerdas Austral, Ensemble Instrumental de Buenos Aires y el Nuevo Trío Argentino (que realiza ciclos en el Teatro Colón desde hace 9 años) y ganadores del Premio Konex, entre otros. Con igual esmero, se desempeña como docente tanto en la formación individual de instrumentistas, como en la enseñanza especializada de música de cámara.

Para mayores datos:

María Aidée Recalde Alcaráz

[ aidee_prensa-osn@hotmail.com]

CENTRO CULTURAL CITIBANK CONVOCA A PRESENTAR PROYECTOS PARA EL 2012

2011-10-06T08:21:00.000-07:00

CENTRO CULTURAL CITIBANK CONVOCA

A PRESENTAR PROYECTOS PARA EL 2012.

LA CONVOCATORIA VENCE EL

30 DE NOVIEMBRE DE ESTE AÑO.

Asunción, Paraguay, Octubre 3, 2011. El Centro Cultual Citibank (CCC) abre su Convocatoria de proyectos culturales para la Temporada Cultural 2012, e invita a todos los interesados a presentar sus propuestas hasta el próximo 30 de Noviembre del cte. año. Así también, aquellas organizaciones, asociaciones y fundaciones sin fines de lucro pueden solicitar sus reservas en el Calendario Anual para el acceso al espacio cultural del CCC.

Las propuestas deben presentarse en Av. Mcal. López y Cruz del Chaco de 8.30 a 18:00hs. de lunes a viernes, ó vía correo electrónico a centrocultural@citi.com

Para más información comunicarse al 620 2410.

Los interesados deben presentar una descripción de su proyecto, breve curriculum del artista si corresponde o de la organización, adjuntar un registro fotográfico de sus obras más recientes o de los trabajos a exponer y especificar la fecha aproximada de interés para la exposición. El CCC se reserva el derecho de la elección de los proyectos conforme a la agenda prevista. Todas las personas que presenten sus proyectos serán comunicadas oportunamente de la elección o no del trabajo.

Se podrán presentar proyectos tanto colectivos como individuales en las diferentes disciplinas artísticas: plástica, pintura, escultura, cerámica, grabados, dibujos, fotografía, instalaciones, música, teatro, audiovisuales, literarios, seminarios y otras manifestaciones artísticas.

UN ESPACIO DONDE EL ARTE CONVIVE CON LA CIUDAD

El CCC cumple este año su 12º Aniversario y funciona en una antigua casona de Villa Morra del siglo pasado que el Citi la preservó en su apoyo a la conservación del patrimonio arquitectónico de la ciudad de Asunción creando en ella un centro cultural donde se realizan más de 70 actividades culturales por año y recibe a aproximadamente 4.000 visitantes cada temporada. El Citi es el único banco de plaza que cuenta con un su propio centro cultural y con un proyecto cultural consolidado.

CENTRO CULTURAL CITIBANK

Av. Mcal. López 3794 y Cruz del Chaco – Villa Morra

centrocultural@citi.com - Tel. 620 2410

ASOCIACIÓN AMIGOS DEL ARTE INVITA A LA INAUGURACIÓN DE LA EXPOSICIÓN “PRIMAVERA 2011: EDICIÓN BICENTENARIO” / GALERÍA AGUSTÍN BARRIOS DEL CENTRO CULTURAL PARAGUAYO AMERICANO, MARTES 20 DE SETIEMBRE 2011

2011-09-17T16:00:00.000-07:00

AMIGOS DEL ARTE

INVITA

A LA INAUGURACIÓN DE LA EXPOSICIÓN

“PRIMAVERA 2011: EDICIÓN BICENTENARIO”

La asociación cultural y artística “AMIGOS DEL ARTE” inaugura su EXPOSICIÓN ANUAL DE ARTES PLÁSTICAS que este año lleva por título “PRIMAVERA 2011: EDICIÓN BICENTENARIO”, el martes 20 de septiembre a las 19:30 hs. en la GALERÍA AGUSTÍN BARRIOS DEL CENTRO CULTURAL PARAGUAYO AMERICANO (Av. España 352). En esta exposición podrán ser apreciadas obras de pintura, grabado, escultura, dibujo de diversos estilos y técnicas, creaciones de los socios artistas que integran la entidad. La misma cuenta con el apoyo del CENTRO CULTURAL PARAGUAYO AMERICANO y permanecerá abierta hasta el lunes 3 de octubre, pudiendo ser visitada de lunes a viernes de 9 a 20 hs. con entrada libre y gratuita.

Los artistas que exponen son: TERESA ALBORNO, NÉLIDA AMÁBILE, KARIN BADER, VANIA BOIDANICH, MICHAEL BURT, CRISTINA CABAÑAS, ANY CAZZOLA, BEATRIZ FERREIRA DE GREENWOOD, NANNINA GALLUPPI, HERMANN GUGGIARI, ANI HERNÁEZ, BEATRIZ HOLDEN, KITTY KIMSEY, VERONIKA KOOP, MARITÉ LAMAR y GLADYS LEÓN DE LOZANO.

También exponen: GLORIA MARECOS, STELLA COSCIA DE MARTINO, GLORIA MIRANDA DE PISTILLI, EUGENIA ORTIGOZA, MABEL ORUÉ, JULIA PEREIRA, GENARO RIERA HUNTER, OSVALDINA SERVIÁN, NIRMA SOLÍZ DE FERREIRA, MARTÍN VALLEJOS, ADRIANA VILLAGRA, AMALIA WAGENER y LIDIA WAGENER.

AMIGOS DEL ARTE

Asociación Cultural y Artística

Fundada en 1947
Facebook: www.facebook.com/amigosdelarte.py

E-mail: amigosdelarte.py@gmail.com

CAMINOS DEL ARTE POPULAR BRASILEÑO - Colección del MUSEO CASA DO PONTAL de RÍO DE JANEIRO / Centro de Artes Visuales/Museo del Barro, Setiembre 2011

2011-09-06T14:06:00.000-07:00

“CAMINOS DEL ARTE POPULAR BRASILEÑO”

El Centro de Artes Visuales/Museo del Barro (CAV/MdB)

y la Fundación Ricardo Migliorisi (FRM)

Apertura: Martes, 6 de Setiembre de 2011

Calle Grabadores del Cabichuí e/ Cañada y Emeterio Miranda

Tel.: 595 21 607.996

La muestra permanecerá abierta al público hasta el 15 de Octubre

Horario del CAV/MUSEO DEL BARRO:

Miércoles y Jueves de 15:30 a 20:00 horas.

Viernes y Sábado de 9 a 12 y de 15:30 a 20:00 Horas

El prestigioso MUSEO CASA DO PONTAL de RÍO DE JANEIRO presenta el martes 6 en el Museo del Barro, una rica colección de arte popular, indígena y contemporáneo brasilero

En el marco de la conmemoración del Bicentenario patrio, cuya articulación corresponde la Secretaria Nacional de Cultura, se presenta la exposición denominada “CAMINOS DEL ARTE POPULAR BRASILEÑO”

La muestra reúne cerca de 200 piezas de las distintas zonas del país vecino y es el resultado de un convenio firmado con el Ministerio de Cultura del Brasil, que tiene como objetivo de intensificar las relaciones bilaterales entre los países miembros del MERCOSUR, fortaleciendo la circulación y el intercambio de bienes culturales.

Las obras representan las actividades cotidianas diarias, el imaginario popular festivo y religioso y otros temas que entremezclan la realidad y los sueños.

La selección de las piezas, explica Ángela Mascelani, “se caracterizó por traer al Paraguay una colección que sintetizara la diversidad del arte popular brasilero”.

“Estarán presentes reconocidos nombres como el Maestro Vitalino con la obra Lavoura; Ze Caboclo, con dos piezas que será el tema de la exposición: Fotógrafo y Bom día, además de Manuel Eudocio y Antonio Luiz, con su fascinación por las maquinas”, añade.

Refiere asimismo que se exhibirán “obras potentes, capaces de transmitir al público la fuerza de esta producción cultural en el que florece al arte popular brasileño”.

Cabe señalar que el Museo Casa do Pontal es el más prestigiosos del Brasil debido “a la excelencia de su colección en la historia de sus operaciones y la pertinencia conceptual de sus responsables y curadores.” Este reconocimiento se proyecta igualmente a nivel internacional, pues durante los últimos 40 años concibió, produjo y realizo con éxito decenas de exposiciones de su colección en varias capitales brasileñas al igual que en Francia, Alemania, Bélgica, Argentina, España, Estados Unidos de Norteamérica e India.

La muestra se realizará en el Museo del Barro por la similitud que presenta el trabajo de ambas instituciones: “que se dejaron seducir por la riqueza, la belleza y la fuerza de la producción plástica popular”.

“CAMINOS DEL ARTE POPULAR BRASILERO” cuenta, además de la SECRETARIA DE CULTURA, con el patrocinio de Petrobras, Vale Institucional y con apoyo financiero del BNDES

PROYECTO CONTINENTES, 8ª BIENAL DEL MERCOSUR, PORTO ALEGRE/SANTA MARIA/CAXIAS DO SUL / EXPOSICIÓN "LO QUE SE VA" - GALERÍA PLANTA ALTA, AGOSTO 2011

2011-08-09T09:50:00.000-07:00

PROYECTO CONTINENTES,

8ª BIENAL DEL MERCOSUR,

PORTO ALEGRE/SANTA MARIA/CAXIAS DO SUL

Larissa Jiménez Planta Alta Galeria Bar y Residencia para artistas ha sido invitada a participar a la 8a Bienal de Mercosur, para trabajar conjuntamente con el Grupo Sala Dobradiça,
espacio de Santa María, Rio Grande do Sul una de las ciudades que acoge las muestras y proyectos de la 8ª Bienal del MERCOSUR

La participación de Larissa Jiménez Planta Alta, forma parte del c...omponente denominado CONTINENTES y consiste en la invitación a tres espacios independientes de Rio Grande do Sul (en tres ciudades: Porto Alegre, Santa María y Caxias do Sul) a ser anfitriones durante la Bienal donde recibirán, cada uno de ellos, a dos espacios de América Latina por un lapso de tres semanas.

Viajaran por Larissa Jimenez Planta Alta , Laura Mandelik y Wolfgang Krauch. Quienes llevaran a cabo el proyecto planteado para esta 8ª edición de Bienal del MERCOSUR

IDEA CURATORIAL

Activar la escena artística de estas ciudades mediante la presencia de artistas que trabajen en esos sitios durante tres semanas, por un lado, y establecer un vínculo de colaboración entre los
espacios huéspedes y los espacios invitados, por otro lado, de tal manera que la experiencia no sólo genere algo concreto durante ese tiempo de estancia, sino generar un compartir estrategias
de trabajo y de operar desde los distintos contextos.

Al respecto Caue Alves curador que visito el espacio, considero importante el papel que Larissa Jiménez Planta Alta desempeña dentro de la escena cultural de Asunción.

Se ha elegido como anfitrión de LJPA al Grupo Sala Dobradiça, grupo de artistas que se reúnen para realizar acciones puntuales en espacios diferentes de la ciudad de Santa María tienen actividades
tanto de artes visuales, teatro y música como LJPA.

ACTIVIDADES PROPUESTAS
LJPA ha propuesto a los curadores Paola Santoscoy, Dulphe y al Grupo Sala Dobradiça para "Continentes" lo siguiente:

Exposición: LO QUE SE VA

Invitamos a 25 artistas (artistas plásticos, video-artistas, poetas) para producir una obra relacionada a los temas propuestos por la bienal: sobre la territorialidad a partir de las perspectivas geográfica, política y cultural, cartografía y frontera, el Mercosur como construcción geopolítica. Con las obras, realizar una muestra colectiva en LJPA, a partir de la cual será re contextualizada a través de la reproducción fotográfica dentro del Espaço Recombinante como contenedor de la muestra, ficcionando el espacio LJPA a escala 1:1, impreso en soporte empapelado en el

ESPAÇO RECOMBINANTE

en Santa. María. Así tanto el publico de Asunción como el anfitrión serán participes de la muestra. Podríamos decir que en simultaneo.

LO QUE SE VA será inaugurada el próximo 12 de agosto de 2011 en Larissa Jiménez PA, y permanecerá abierta en Asunción del 12 de agosto al 29 de octubre de 2011 .La 8ª Bienal abre el 10 de septiembre
y finaliza el 15 de noviembre del corriente.

El ESPAÇO RECOMBINANTE se ubicará en dos lugares de la ciudad de Santa María, en los espacios de la Secretaria de Cultura (Antigua estación del ferrocarril) y en la Plaza Central de la Ciudad de Santa Maria,
Rio Grande do Sul. Los lugares han sido elegidos por la afluencia de personas.

El motivo del empapelado además del reproducir el ambiente que planteamos en Asunción con sus exposiciones. Servirá de espacio simulado LJPA y el Grupo Sala Dobradiça para todas las actividades que se
realizaran en Santa. María.

Convivencia del Chimarrão y del Tereré, llevaremos un cargamento de yerba mate (Ílex paraguaiensis) de distintas marcas nacionales guampas y bombillas. Con el fin de realizar el encuentro de gestos comunes en la Region del Rio de la Plata que son la sorber la yerba mate sin descanso.

Invitaremos a exponer / intervenir a artistas de Santa. María dentro del Espaço Recombinante, realizaremos eventos, como conciertos de músicos locales y visitas guiadas de escuelas para los que propondremos conjuntamente con el Grupo Sala Dobradiça una actividad (puzzle de mapa)

KAFFI WAK
CLAUDIA CASARINO
CRISTINO BOGADO
DAIANA STANLEY
DANIEL MILESSI
EDGAR POU
ENRIQUE ESPÍNOLA
GABRIELA ZUCCOLILLO
GRUPO SALA DOBRADIÇA
HUGO CATALDO
INGRID SEALL
IRON LOBO JR.
JAVIER RODRÍGUEZ ALCALÁ
JAVIER VALDEZ
JAVIER Y ERIKA
JUANCHI FRANCO
LAURA MANDELIK
LUVIER CASALI
MARCELO MEDINA
OZ MONTANIA
SARA LEOZ
SEBASTIAN BOESMI
TONY ROBERTO
VIDALISTICO

Página de la 8ª Bienal del MERCOSUR

http://www.bienalmercosul.art.br/

http://www.bienalmercosul.art.br/blog/relatorio-de-viagem-paraguai/

Página del Grupo Sala Dobradiça

http://saladobradica.blogspot.com/

Página de Larissa Jiménez Planta Alta

Páginas de los demás espacios que participan de esta residencia.

Atelier Subterrânea (Porto Alegre, RS, Brasil)

http://www.subterranea.art.br/

Batiscafo (Havana/Cuba)

http://www.batiscafo.org/

Proyecto Circo (Havana/Cuba

http://www.proyectocircocuba.org/

y http://proyectocircocuba.blogspot.com/

ceroinspiración (Quito/Ecuador)

http://ceroinspiracion.org/

KIOSKO galería (Santa Cruz de la Sierra/Bolivia

http://www.kioskogaleria.com/

NAVI - Núcleo de Artes Visuais (Caxias do Sul, RS, Brasil)

http://pt.wikipedia.org/wiki/N%C3%BAcleo_de_Artes_Visuais_de_Caxias_do_Sul

--

Fuente:

http://www.flickr.com/photos/larissa_jimenez/

http://www.facebook.com/plantaaltagaleria

http://plantaaltagaleria.blogspot.com/

DIEGO SCHÄFER - MUESTRA “PAISAJES MENTALES”. / CENTRO CULTURAL CITIBANK, AGOSTO 2011

2011-08-08T13:23:00.000-07:00

MUESTRA “PAISAJES MENTALES”.

Obras de

DIEGO SCHÄFER

CENTRO CULTURAL CITIBANK

Asunción - Paraguay

Agosto 2011

El Centro Cultural Citibank invita a la muestra de pinturas recientes “ PAISAJES MENTALES ” del artista plástico Diego Schäfer el día Lunes 8 de agosto a las 19:30 hs. La misma cuenta con la curaduría del Prof. Dr. Osvaldo Real Torres y puede ser visitada hasta el 19 de Agosto.-

El artista nos cuenta: “Un paisaje mental, es un conjunto de ideas, estrategias, una herramienta que tiene la persona, que la impulsa a tomar la decisión de crear una serie de acciones que la ayudan en su proceso de aprendizaje, tomando como recurso las alternativas que le presenta el medio ambiente, o un paisaje natural: el agua, el sol, los árboles, o en su defecto, un paisaje artificial o urbano, entendiéndose como tal, el creado por el hombre.

En el paisaje mental lo principal son las ideas del ser humano que se conjugan de manera tal, que forma modelos mentales, es decir, los pensamientos dan forma a lo que se quiere expresar, construyendo ideas con imágenes basadas en la observación, percepción, o experiencias, pero siempre influenciadas por la riqueza personal.

Estos paisajes mentales orientan los actos de cada individuo, dando significado a los acontecimientos que vive, orientando la interpretación hacia la exteriorización de la experiencia. La creación de los paisajes mentales nace de la propia imaginación, las costumbres sociales y culturales por eso en la elaboración del paisaje mental, influyen la visualización. En la visualización se proyectan muchas imágenes mentales sobre algún tema determinado, los cuales al plasmarse mediante el paisaje mental, se convierten en realidad.”

COMENTARIO:

Magnífica demostración de la existencia y valor de los trenes de ideas, que es cómo funciona la creatividad en tu mente y escenario mental Tridimensional. Quiera Dios, me la contagies y multipliques. Fernando Recalde A. Treiner PNL. Otra voz Como se dice en el ejército.

Al contemplar las obras de Diego, no puedo menos que valorar todo lo que el ser humano almacena dentro suyo, en forma de conocimientos, experiencias, vivencias, que cada quien expresa como le es más propio en su creatividad.

En el caso de Diego, las imágenes se abren como ráfagas de viento para expresar la riqueza de su pensamiento, de su creatividad y de sus vivencias.

Esta muestra sigue a una primera de la que guardo memoria en la que Diego nos mostró su paso por la PNL y su concepción de la experiencia humana y nos regaló la posibilidad de observar nuestro pensamiento.

Me llena de satisfacción ser testigo de su desarrollo, crecimiento y madurez, de cómo, creativamente, es capaz de demostrar que somos como Mamushkas, esas muñecas rusas que van metidas una dentro de otras sin que se pierda nada ni se olviden las experiencias antiguas. Esta muestra es eso, una muestra de tu enorme capacidad creativa que creo nos va a seguir enriqueciendo por mucho tiempo.

Éxitos y Felicidades.

FERNANDO RECALDE AMMIRI

(Treiner PNL) y Alba Aguirre (Treiner PNL)

Otra información

El CCC puede ser visitado de lunes a viernes de 8:30 a 18:00hs. en horario continuado. Las instituciones educativas que deseen participar del programa de visitas guiadas pueden comunicarse el 620 2410 o a la dirección de correo electrónico. Las personas interesadas en conocer las diversas actividades de la Agenda Cultural 2011 pueden solicitar información al correo: centrocultural@citi.com

SILA ESTIGARRIBIA PINTURAS, 2008 - Crítico de Arte: JAVIER RODRÍGUEZ ALCALÁ - Fotografía de LUIS VERA / Centro Cultural de la Embajada de Brasil en Asunción, 2008

2011-07-11T16:38:00.000-07:00

SILA ESTIGARRIBIA PINTURAS

Galería Livio Abramo

Centro Cultural de la Embajada de Brasil en Asunción

Asunción – Paraguay, 2008

Crítico de Arte: JAVIER RODRÍGUEZ ALCALÁ

Fotografía de LUIS VERA

Impresión ARTE NUEVO

JAVIER RODRÍGUEZ ALCALÁ ENTREVISTA A SILA ESTIGARRIBIA

El crítico de arte y arquitecto, JAVIER RODRÍGUEZ ALCALÁ y SILA ESTIGARRIBIA mantuvieron una entrevista en el taller del pintor, tocando diferentes temas relacionados a la obra y pensamientos del artista.

J.R.A. ¿Cómo ubicarías esta muestra en relación a la inmediatamente anterior, en particular, y a las orientaciones de tu trabajo, en general?

S.E. El desarrollo de una obra pictórica es un camino de búsqueda, en el cual hay aciertos y desaciertos. En la anterior exposición, en el 2006, presenté trabajos que fueron el resultado de un desafío que me había propuesto: el de investigar aspectos del paisaje en Paraguay. Esto desde nuevos enfoques técnicos, como los colores más luminosos y tintas mas diluidas. Y fue un desafío, por varias razones. Antes no había hecho paisaje (salvo esporádicamente) También porque en gran medida se trataba de un tema tabú, un genero maltratado, tanto técnica como conceptualmente, aquí, sobre todo, pero también en otros países.

Esto implicó exigencias, ya que mi trabajo anterior siempre fue bastante creativo, desde formas que yo mismo establecía, y en el caso del paisaje tuve que "apaciguar" ese lado creativo, por las características de esa temática. Pero al mismo tiempo, gracias a eso se me abrieron nuevas posibilidades técnicas.

Con los trabajos que presento en esta exposición, intenté encontrar nuevamente un poco más de libertad expresiva, tratando de incorporar el aprendizaje técnico y conceptual que me reportó la experiencia paisajística.

COMPOSICIÓN CON SCINDAPSUS AUREUS (SOLTERONA)

Óleo sobre tela, 132 x 162 cm., 2008

J.R.A. Al inicio de los 90's, desde el lenguaje pictórico -ya que también te habías dedicado a otros medios-, planteabas obras de filiación abstracta; Incluso -durante tu estadía en el Brasil- y para usar tu propia expresión, obras basadas "en lo gestual e intuitivo de la práctica pictórica". Desde allí; ¿ a que razones se debería tu giro hacia planteos más figurativos (o aun abiertamente realistas)?

S.E. Hace 25 años que expongo y es cierto que durante los primero 5 o 6, mis obras fueron totalmente abstractas. En ese entonces creía que por medio de la abstracción podría indagar ciertos aspectos intemporales y trascendentes de la pintura (en la línea de las postulaciones ya clásicas de Klee, Kandinsky, y otros)

Pero ocurrieron dos cosas que cambiaron aquello. La primera -data de 1998- cuando Carlos Scliar, un pintor muy respetado en Brasil -hoy desaparecido- al conocer mi trabajo, me sugirió que lo plantease desde la figuración. Incorporé su sugerencia, porque se trataba de una persona con mucho criterio y me parecieron validas sus observaciones sobre mi trabajo.

La segunda fue que en ese tiempo comprendí que el arte abstracto -en gran medida- es una expresión narcisista, en donde el artista sólo mira a su yo creativo que se refleja en su obra: Al margen ni de mirar ni de intentar comprender otras realidades importantes que le rodean.

Fue esta concepción la que me alejó de la abstracción, ya que deseaba avanzar en otras indagaciones sobre el tiempo y el espacio que me rodeaban. Esto es: consideré que si fuera capaz de observar otros elementos que me rodeaban (animados e inanimados) esto permitiría aproximarme más eficazmente a la problemática de esos elementos, de comunicarme con ellos. Así la pintura dejaría de ser un juego narcisista, un espejo de mi yo interior o de mi impulso creativo. El narcisismo tiene sus límites y está muy relacionado con el individualismo, que no te da la posibilidad de entender otros niveles de conciencia.

Debo aclarar que no deseché totalmente la abstracción: en mi obra actual convive lo figurativo y lo abstracto. Tampoco me opongo a la abstracción en general y en un sentido absoluto; Estoy hablando de mi propio proceso.

En este planteo, durante mi nuevo realismo, paralelamente al desarrollo de esta obra figurativa, también aparecieron elementos nuevos, simbólicos, que las denominaba "metáforas visuales". Fue con este estilo simbólico que obtuve -en 1998- el Gran Premio del Jurado en la Bienal Internacional del Cairo. Considero este premio como un hito en mi carrera; Mas aun considerando que en ese momento estaba trabajando en la embajada de Paraguay en Paris y no tenía muchos estímulos artísticos.

COMPOSICIÓN CON CALATHEA ZEBRINA

Óleo sobre tela, 89 x 116 cm., 2008

J.R.A. ¿Cómo te parece que la técnica -sino como fin en sí mismo, como un elemento central en tu trabajo- se relaciona o condiciona la significación de tu propuesta?

S.E. Antes que nada quisiera comentarte que no existe -desde hace décadas- una tradición pictórica en Paraguay (como la que existe, por ejemplo, en el Río de la Plata) No se han cultivado los conocimientos del medio pictórico (esto es, su técnica). Y en las ultimas 4 décadas, entre los artistas que estaban en Paraguay, circulaba la afirmación de que era fundamental tener un estilo propio en las obras. Para mí esto es falso si es que no se tiene el conocimiento y el dominio técnico necesario. Tener un estilo sin tener un conocimiento del oficio es contraproducente, ya que la obra tenderá a repetir continuamente la misma fórmula, la misma estética, incluso -incapaz de avanzar- correrá el riesgo de volverse meramente decorativa.

En el universo todo avanza continuamente, y así debería ser la obra de los artistas. Este sería el lugar esencial de la técnica, ya que no existen límites para la investigación sobre la imagen; Sea en la esfera formal o conceptual. Además, hablando de la técnica, parece interesante citar que existe una velada interrelación alquímica entre la vida personal del artista y el avance técnico de la obra que produce.

COMPOSICIÓN CON AGAVE ATTENUATA

Óleo sobre tela, 116 x 89 cm., 2008

J.R.A. ¿No sería igualmente peligroso el otro extremo: reducir la obra a un expediente técnico?

S.E. Es un riesgo real, pero la técnica es un instrumento, está sujeta a la expresión. Si se antepone a la expresión no se podrá acceder a ningún espesor del significado, que constituye el fin del arte.

COMPOSICIÓN CON ORQUIDEA CIMBYDIUM

Óleo sobre tela, 89 x 116 cm., 2008

J.R.A. Considerando el "estado de cosas" actual, tanto en lo que se refiere a una tradición referencial-mimética, extensamente explorada (la representación pictórica realista); así como el extenso empleo y/o disponibilidad de medios mecánicos para consumar dichos fines "referenciales" ¿Qué cabria agregar a lo ya dicho desde un planteo pictórico como el tuyo?

S.E. Desde 1996 al 2006 viví en Paris, y pude comprobar que en el realismo existen verdaderos maestros contemporáneos, cuya obra tiene la capacidad de expresar la compleja realidad del ser humano actual. Artistas aquí poco conocidos (como Old Nerdrum, Sandorfi, entre otros, sin contar a los de la tradición figurativa anterior, como Lucien Freud, Balthus, Bacon o Antonio Lopez) con propuestas que distan mucho del agotamiento. Por el contrario, esta práctica está viva y con propuestas muy claras; Una pintura que, apoyada en la tradición, al mismo tiempo va mas allá de esa tradición de la historia del arte.

En cuanto a lo que yo mismo podría aportar, no propondría ningún "programa" especifico. En este momento pretendo profundizar con sinceridad el desarrollo de mi trabajo, que a su vez es un compromiso con el sentido de mi vida, ya que para mí la pintura es un llamado interno.

Pero quiero agregar que la pintura es una actividad solitaria, al margen del sistema, de todos los sistemas y que toma su fuente de lo absoluto y no de la cultura o de las exigencias sociales. La pintura propone un contacto con el no tiempo y con la valoración de las potencias encontradas, y es allí donde reside el verdadero poder del artista.

LOS TRES SILAS

Óleo sobre tela, 110 x 135 cm.

J.R.A. ¿Propondrías una pintura exterior al tiempo, aun que ésta remita siempre a la historia?...

S.E. Sin duda, la impronta temporal está marcada, pero la trasciende. Para entender este concepto, hay que remitirse a la psiconeurología, que explica la funcionalidad del cerebro humano con sus dos hemisferios: el derecho y el izquierdo. En el hemisferio izquierdo del cerebro están las funciones del lenguaje, del poder, de lo mesurable, del tiempo; y en el hemisferio derecho las funciones del inconsciente, de la creatividad, de la intuición, de lo trascendente (del "no tiempo"). Y es del cerebro derecho que vienen la mayoría de los elementos de la pintura. De ahí que cuando una obra tiene un desarrollo técnico que viene del "no tiempo", tiene la potencia de lo universal.

Por eso cuando estamos frente a un Rembrandt, pintado con imágenes del siglo XVII, tiene la capacidad de impactar-nos y conmocionarnos en pleno siglo XXI, porque está cargada de una potencia técnica centrada en la intemporalidad. El "no tiempo" trasciende al tiempo.

COMPOSICIÓN CON ORQUIDEA VANDA

Óleo sobre tela, 73 x 100 cm., 2008

J.R.A. ¿Cuáles fueron tus inquietudes e intenciones, tanto técnicas como en lo que refiere a los contenidos que desearías transmitir desde las obras?

S.E. Quizás proponga una estrategia de contraste o de complementación entre los componentes de los cuadros; relacionada con la problemática tiempo/espacio que antes mencionara. En esta exposición, los elementos que aparecen en los primeros planos tienen definido el tiempo y el espacio, son objetos concretos y "realistas". No así el fondo -soporte de esas figuras, que generalmente es abstracto-; Este fondo estaría fuera del tiempo y espacio. Deseé desarrollar esta relación (y lo que podría significar): La interacción entre tiempo/espacio (conjeturables) con otro no-tiempo y no-espacio. Obviamente, no se puede escapar de la intencionalidad; en este caso ligada a la relación mencionada y a otras que existen entre la representación y la significación en la pintura.

No entiendo a la pintura como descriptiva y de allí me interesa la reflexión de la doble lectura de la misma. Una doble lectura que debe ser inducida por la sensación. Se puede leer una pintura desde un punto de vista -digamos-teórico, pero hay otras lecturas. Y las figuras que aparecen en un cuadro remiten a la emoción pictórica subyacente, que va más allá de los elementos formales del cuadro, que resultan un vehículo o pretexto. El cuadro es un universo cerrado, donde cada elemento es puesto al servicio de una significación, a su vez derivada de la atmósfera pictórica de la obra.

COMPOSICIÓN CON CALAVERA

Óleo sobre tela, 130 x 89 cm., 2008

COMPOSICIÓN CON FRUTAS

Óleo sobre tela, 63 x 92 cm., 2007

COMPOSICIÓN CON FRUTAS

Óleo sobre tela, 61 x 115 cm., 2008

COMPOSICIÓN CON FRUTAS

Óleo sobre tela, 63 x 92 cm., 2007

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