Artistas por la Paz

DelBorde Espacio Teatral

2011-06-10T02:48:00.001-03:00

PROGRAMACION JUNIO 2011

DelBorde Espacio Teatral: CHILE 630 - SAN TELMO

Reservas: (011) 4300-6201 CIUDAD AUTÓNOMA DE BUENOS AIRES

Localidades $50 (descuentos estudiantes y jubilados $30)

EL INCIDENTE NORA – Sábados 20:30hs
WOYZECK – sábados 23.30h
CURUPAYTY – El mapa no es un territorio – domingos 18:00hs
SUCESO LATENTE – domingos 20:30hs

HACETE SOCIO DEL CLUB DE AMIGOS DE DELBORDE ESPACIO TEATRAL enviando un mail a prensa@delborde.com.ar con tu nombre y apellido, mail, teléfono, dni y fecha de cumpleaños y te enviaremos un carnet para que imprimas y obtengas entradas 2x1 en todas nuestras obras y muchos beneficios más!

BAFICI 2011 – Festival internacional de cine independiente

2011-04-09T12:36:00.001-03:00

El BAFICI nació en 1999, y año a año se consolidó como uno de los Festivales de cine más destacados del mundo, con un importante reconocimiento y un lugar de privilegio en la agenda cinematográfica internacional.

Es reconocido como vehículo fundamental de promoción para la producción independiente, que aquí puede mostrar los filmes más innovadores, arriesgados y comprometidos.

El Festival integra, a través de su amplia programación, diversas expresiones culturales y reúne a directores consagrados y nuevos talentos en un ámbito dinámico.

Con un amplio rango de películas que incluye premieres mundiales, argentinas y latinoamericanas, además de merecidas retrospectivas, es el evento más grande y prestigioso para el cine independiente en América Latina.

Las cifras de asistencia total aumentan año tras año: de los 184.500 personas que reunió en 2005, el BAFICI tuvo una concurrencia de más de 220 mil espectadores en 2008, repartidos en 1011 funciones concretadas en las 9 sedes del Festival. Estos y otros datos permiten concluir que se trató hasta ese momento de la edición más exitosa de su historia, con record de entradas vendidas (más de 167 mil) y la novedad de un interesante ciclo de cine argentino al aire libre, en el pasaje Carlos Gardel del barrio del Abasto.

Un año después, en su edición 2009, 245 mil personas disfrutaron de las 1069 funciones y accedieron a la venta de entradas unificadas que permite comprar localidades para cualquier cine o función. Asimismo se sumó la sección BAFICITO, para los más pequeños.

La edición 2010 concluyó con un total de 280 mil personas y con un total de 200 mil entradas vendidas. En los once días que duró el Festival se proyectaron 422 películas de 48 países diferentes, totalizando 1115 funciones además de la incorporación del taller para niños ANIMATIONBOX de entrada libre y gratuita. Todo esto representa un crecimiento de un 10 % con respecto a la edición 2009, tanto de entradas vendidas como concurrencia total.

Buenos Aires respira cine y el público porteño, célebre por su cinefilia y fidelidad, acompaña cada edición en creciente número.

Fuente: www.bafici.gob.ar

¡STAND UP ROSARIO: SEMINARIO INTENSIVO DE STAND UP COMEDY

2011-03-12T19:39:00.001-03:00

Información: contacto@cclanave.com.ar

Talleres

2011-03-05T20:34:00.001-03:00

TALLERES DE ACTUACIÓN - JORGE VILLALONGA

Nivel Inicial: jueves 19.30 hs (inicia 31-3-11) / Nivel Intermedio:
miercoles 19.30 hs (inicial 23-3-11)
$ 120 mensuales / C Calvo 877 (San Telmo)
Teléfono: 4307-5756 / culthorus@gmail.com

ESCRITURA PARA TEATRO, CINE Y NARRATIVA. A cargo de Maximiliano de la Puente

Dirigido a personas con o sin experiencia en los ámbitos de la escritura teatral, cinematográfica y narrativa.
Taller anual - Inicio a partir de marzo de 2011
Jueves de 19:30 a 21:30 hs
Inclán y Esteban De Luca, Parque Patricios, Ciudad de Buenos Aires
Consultas e inscripciones: todosquierenlagrimas@gmail.com //15 66 65 59 01

LABORATORIO DE PRODUCCIÓN TEATRAL: El intérprete como creador y autor teatral.
A cargo de Maximiliano de la Puente y Martín Flores Cárdenas
Martes de 19 a 22 hs - Sala Escalada: Remedios de Escalada de San Martín 332
A partir de marzo - Taller Anual
todosquierenlagrimas@gmail.com // 15 66 65 59 01
Dirigido a personas con experiencia teatral y a estudiantes de actuación, dirección y dramaturgia que quieran articular las tres instancias.

ESCUELA DE TEATRO UPEBE www.upebe.com.ar

• Juegos Teatrales para Niños Pequeños
• Taller De Expresión Teatral Para Niños
• Taller De Expresión Teatral Para Adolescentes
• Cursos De Formación Actoral Para Adultos

Universidad Popular de Belgrano Alfredo Fazio y Biblioteca Popular
Tel: (+54 11) 4701-3101
Web: www.upebe.com.ar
E-mail: informes@upebe.com.ar
Dirección: Campos Salles 2145 (Núñez) Capital Federal. (Altura de Av. Cabildo 3200)

TEATRO LA VOLTERETA

Todas las edades y niveles
Investigación.

Docentes: NORMA LICHTENSTEIN y DANIEL PERISSÉ
Segurola 2355/57
Tel: 4566-4440
teatrolavoltereta@fibertel.com.ar
Coletivos: 25 - 47 - 53 - 85 - 106 - 107 - 109 - 114 - 124 - 135

INICIACIÓN TEATRAL
TEATRO PARA ADOLESCENTES

A cargo de LORENA BALLESTRERO Tel: (011) 155-508-4935
lorenaballestrero@yahoo.com.ar
www.lorenaballestrero.wordpress.com

ANDAMIO 90
TALLERES DE TEATRO
TALLERES DE CLOWN
ENTRENAMIENTO CORPORAL

Adultos, niños, preadolescentes y adolescentes

www.andamio90.org
4374-1484 / 4372-8386
Marta Martínez: admisiones@andamio90.org

GUILLERMO GHIO
TALLERES DE TEATRO

Entrenamiento Actoral / Ejercicios sobre Texto / Composición de Personaje / Talleres Montaje

Télefono: 4307-3700
ggllghio@gmail.com
http://ghiocursosdeteatro.blogspot.com/

INVESTIGACIÓN TEATRAL
ANDREA CHACÓN ÁLVAREZ

Melodrama / Curso intensivo de verano
Del 17 de febrero al 17 de marzo

andychaconalvarez@hotmail.com
http://investigacionteatral.blogspot.com

ENTRENAMIENTO ACTORAL, PRODUCCIÓN TEATRAL Y ARMADOS DE NÚMEROS DE CLOWN

A cargo de FABIAN CAERO
Tel 4844 5827

fdcaero@hotmail.com
www.fabiancaero.blogspot.com

TALLER DE TEATRO PARA PRINCIPIANTES E INICIADOS

Sábados de 13 a 15hs. y 15 a 17hs.
ZONA CONGRESO - $ 120.- mensual

Teléfono: 4932-8481 danielrocchia@gmail.com
web: www.danielrocchia.blogspot.com

SEMINARIO DE COMICIDAD.
EL CUERPO Y LA PALABRA COMICA
Docente: Christian Forteza

Centro Cultural Borges / Centro Cultural Rojas
Comienza en ABRIL www.christianforteza.blogspot.com
Informes: christianforteza@yahoo.com.ar o al 155-339-8052

CLASES DE ACTUACIÓN
Profesora ALEJANDRA ARÍSTEGUI

PRINCIPIANTES: Miércoles de 19.30 a 22.00 hs. Un cuerpo dispuesto al juego. Desde allí la imaginación, y la construcción del aquí y ahora teatral.

AVANZADOS: Escenas de autores: Miércoles de 19.30 a 22.00 hs. Se comienza con realismo norteamericano y europeo, y termina con grotesco y construcción de personajes.

TEATRISTAS DEL IMAGINARIO Alsina 1886.
Teléfonos: 4361-7431 / 155-333-6288
aristeguialejandra@gmail.com
www.alejandraaristegui.com

DRAMATURGIA

LECTURA Y ESCRITURA TEATRAL // FEBRERO - MARZO 2011
Coordinado por SOL RODRÍGUEZ SEOANE

Dirigido a personas con o sin experiencia en la escritura (ya sea literaria o teatral) y/o en teatro

6 clases de 3 horas cada una / Del 07/02 al 14/03 - Lunes de 18 a 21hs
INSCRIPCIÓN: Lunes 31 de enero 19hs / Niceto Vega y Godoy Cruz

www.lecturayescriturateatral.blogspot.com /solrseoane@yahoo.com.ar
Entrevista a la docente:
http://dellattore.blogspot.com/2009/07/sol-rodriguez-seoane.html
CONSULTAR POR TALLERES ANUALES

ILUMINACIÓN

CARRERA ANUAL DE DISEÑO DE ILUMINACIÓN ESCÉNICA

OTROS CURSOS DE ILUMINACIÓN: LEDs, DMX, museos, arquitectura.
Director: Lic. MAURICIO RINALDI

Tel: 4361-9117 / 15-5491-7358
info@arslux.com.ar
http://www.arslux.com.ar

Fuente: www.criticateatral.com.ar

SERIE DE FICCIÓN FEDERALES

2010-10-09T19:38:00.000-03:00

Descripción:
Concurso para producir SEIS (6) series de ficción de OCHO (8) capítulos de VEINTISES (26´) minutos cada uno, una por región del país, de producción nacional.

Premio: $ 80.000 por capítulo, $ 640.000 el total de la serie.

Convocatoria: Abre 23/07/2010 y cierra el 12/10/2010.

Responsable: Antonella Denegri - Acción Federal
Tel.: (011) 3220-1927
E-mail: afficciones@incaa.gov.ar
El cierre del presente concurso se prorrogó al día 18 de octubre hasta las 17 Hs.

Descargar Bases

FAQ - Preguntas Frecuentes

Descargar Anexos

“ACERCA DE LA PRODUCCIÓN EXPRESIVA DEL ACTOR Curso con aplicación a la dirección de actores.”

2010-06-23T01:05:00.001-03:00

Docente: UKI CAPPELLARI

Dirigido a aquellas personas del ámbito teatral y cinematográfico que tengan la necesidad de aprender, analizar, adquirir y poner en práctica diversas herramientas necesarias para la dirección de actores.

Se requiere una entrevista previa.

Arancel: $ 160 mensuales

Horario: sábados de 11 a 14hs.

Informes en Delborde espacio teatral.

Chile 630

Tel: 4 300 6201 ó al 4 308 4691

TALLER DE TEATRO – NIVEL INTERMEDIO/AVANZADO

Prof. Marcelo Velázquez – Prof. Inés Echavarría

Duración: Agosto-Diciembre 2010

Comienza: Sábado 10 de abril

Horario: 11.30 a 14.00 hs.

Este curso apunta a desarrollar técnicas actorales para la interpretación de textos dramáticos. A partir del entrenamiento se profundizará en las posibilidades expresivas del cuerpo y de la voz para el armado de personajes.

El objetivo del entrenamiento es que el actor logre actuaciones solventes tomando como eje principal la acción que es su principal tarea, entrenar los motores de la actuación para lograr (como logro y no resultado) personajes con autonomía.

ENTRENAMIENTO ACTORA.

Intermedios y Avanzados. Trabajo con texto contemporáneo.

Docente: Cristian Drut
Jueves de 19:30 a 22:30hs.

Curso destinado a actores o alumnos avanzados de actuación. Se trabajará sobre escenas y monólogos de distintos textos y de esa manera indagar sobre dificultades personales.
Informes e inscripción: 43829949. 4300-6201 - cristiandrut@gmail.com
http://www.alternativateatral.com/persona624-cristian-drut

Espectáculos y cursos - Redes club de circo

2010-04-14T14:37:00.001-03:00

ARJE

“Parece imposible que se pueda sacar algo de la nada, pero el hecho de que una vez no había nada y ahora hay un universo constituye una prueba evidente de que se puede. “

Bill Bryson

Un espectáculo de danza y acrobacia aérea de la Cia. Aeroniñas

Sábados de abril y mayo

21:30 hs

Redes Club de circo

Castillo 629

Reservas: 4775-8898

www.aeroninias.com.ar / aeroninias@gmail.com

CURSOS

MARZO 2010

Circo para niños

Coordinadora: Laura Tugentman

De 3 a 5 años

Lunes y miércoles de 17 a 18 hs.

Sábados de 10:30 a 11:30 hs.

De 6 a 9 años

Lunes y miércoles de 17 a 18:30 hs.

Sábados de 15 a 17 hs.

De 9 a 12 años

Martes y jueves de 17 a 18:30 hs.

Sábados de 15 a 17 hs.

Circo para adolescentes

Prof.: Analía Cabanne

Viernes de 18 a 20 hs.

Sábados de 12 a 14 hs.

Cuerda y Tela

Prof.: Mariana Paz

Lunes y miércoles de 19 a 21 hs.

Martes y jueves de 9 a 11 hs.

Martes y jueves de 10:30 a 12:30 hs. principiantes

Prof.: Josefina M.

Lunes y miércoles de 18 a 20 hs principiantes

Prof.: Luciana M.

Trapecio fijo

Prof.: Roxana Rodríguez

Lunes y miércoles de 19 a 21 hs.

Martes y jueves de 18 a 20 hs.

Prof.: Javier Marra

Miércoles de 11 a 13 hs. Principiantes

Inicio: Abril

Dúo de Trapecio

Prof.: Candelaria Moreira

Sábados de 11a 13 hs.

Inicio: Abril

Trapecio a vuelo

Prof.: Lala Lafleur

Miércoles y viernes de 10:30 a 12:30 hs.

Martes y Jueves de 13 a 15 hs..

Prof.: Roxana Rodríguez

Lunes y miércoles de 18 a 19 hs.

Martes y jueves de 15:30 a 17:30 hs

Arneses

Prof.: Checha Petrilli / Matías De Padova

Martes y jueves de 19 a 21 hs.

Acrobacia

Prof.: Javier Zuker

Miércoles y viernes de 10 a 12 hs.

Prof.: Juan Pablo Gómez

Martes y jueves de 20 a 22 hs.

Parada de manos

Prof.: Florencia Valeri

Martes de 20 a 21:30 hs.

Palo Chino

Prof.: Luciano Ranieri

Viernes de 18 a 20 hs

Clown

Prof.: Gabriel Cohan (clown Imprevisto)

Miércoles de 20 a 22:30 hs

Inicio: Abril

Circo Especial

Para niños y jóvenes con capacidades educativas especiales.

Prof.: Fabián Barmak /Marcela Kurlat/Laura T.

Viernes de 16 a 16:45 hs

Viernes de 17 a 17:45 hs.

Martes de 16 a 16:45

Solicitar entrevista al 4775-8898

Cumpleaños con talleres de circo

Solicitar presupuesto por mail info@redesclubdecirco.com.ar

Castillo 629 - Villa Crespo / 4775-8898

www.redesclubdecirco.com.ar / info@redesclubdecirco.com.ar

Duelos de Poesía - II Torneo de Poesía Blog, Los Caballeros de la Dama de Cristal

2010-03-28T12:54:00.000-03:00

Te queremos invitar a un duelo poético

Este es un blog que ayuda a promover el quehacer poético. La idea no es la competición sino el compartir poesía. Es por eso que te invitamos a que propongas dos blogs que te gustaría que participen en un duelo poético y nosotros llevaremos la invitación para que ellos decidan si le hacen frente a distinguido reto.

El juez y verdugo será el mismísimo plebeyo.

En el Calendario se muestran los espacios disponibles para los duelos.

Miguel Hernández

2010-03-27T18:11:00.001-03:00

Miguel Hernández Gilabert retratado por Antonio Buero Vallejo (Revista Pájaro de Fuego)

Nombre
Miguel Hernández

Nacimiento
30 de octubre de 1910
Orihuela (Alicante)

Defunción
28 de marzo de 1942 (31 años)
Alicante, España

FIRMA

Recordar a Miguel Hernández que desapareció en la oscuridad y recordarlo a plena luz, es un deber de España, un deber de amor. Pocos poetas tan generosos y luminosos como el muchachón de Orihuela cuya estatua se levantará algún día entre los azahares de su dormida tierra. No tenía Miguel la luz cenital del Sur como los poetas rectilíneos de Andalucía sino una luz de tierra, de mañana pedregosa, luz espesa de panal despertando. Con esta materia dura como el oro, viva como la sangre, trazó su poesía duradera. ¡Y éste fue el hombre que aquel momento de España desterró a la sombra! ¡Nos toca ahora y siempre sacarlo de su cárcel mortal, iluminarlo con su valentía y su martirio, enseñarlo como ejemplo de corazón purísimo! ¡Darle la luz! ¡Dársela a golpes de recuerdo, a paletadas de claridad que lo revelen, arcángel de una gloria terrestre que cayó en la noche armado con la espada de la luz! Pablo Neruda^[1]

Miguel Hernández Gilabert. (Orihuela, 30 de octubre de 1910 - Alicante, 28 de marzo de 1942). Poeta y dramaturgo español.

De familia humilde, tuvo que abandonar muy pronto la escuela para ponerse a trabajar como pastor. A pesar de esto, desarrolla su capacidad para la poesía gracias a ser un gran lector de la poesía clásica española. Formó parte de la tertulia literaria en Orihuela, donde conoció a Ramón Sijé, con el que establecería una gran amistad.

A partir de 1930 comienza a publicar sus poesías en revistas tales como El Pueblo de Orihuela o El Día de Alicante. En la década de 1930 viaja a Madrid y colabora en distintas publicaciones y establece relación con los poetas de la época. A su vuelta a Orihuela redacta Perito en Lunas donde refleja las influencias recibidas de los autores que leyó en su infancia y conoció en su viaje a Madrid. En 1934, comienza su relación con Josefina Manresa, que será su mujer y su apoyo más importante a la que dedicará numerosos poemas de amor.
Ya establecido en Madrid, trabaja como redactor en el diccionario taurino de Cossío y en las Misiones pedagógicas de Alejandro Casona y colabora en importantes revistas poéticas españolas. En el aspecto estilístico, se aprecia en estos años la búsqueda de un estilo personal, lo que se aprecia en sus poemas titulados El silbo vulnerado e Imagen de tu huella que culminarán en El Rayo que no cesa (1936).

Tomó parte muy activa en la guerra civil española y acabada la guerra viajó a Portugal pero fue detenido en la frontera española. Condenado a pena de muerte, se le conmutó por la de treinta años, pero no cumple la condena porque muere de tuberculosis el 28 de marzo de 1942 en la enfermería de la prisión de Alicante. Es enterrado en el cementerio de Nuestra Señora del Remedio de Alicante.

Durante la guerra compuso Viento del pueblo (1937) y El hombre acecha (1938) con un estilo que se conoció como “poesía de guerra”. En la cárcel acabó Cancionero y romancero de ausencias (1938-1941).

Por su edad pudiera considerarse un epígono de la llamada generación de 1927. Con todo, no hay duda de que en su base se encuentran influencias de Garcilaso, Góngora, Quevedo y San Juan de la Cruz.

Fuente: www.cervantes.es

21 DE MARZO: Día Mundial de la Poesía

2010-03-27T17:57:00.001-03:00

La reunión de la Conferencia General de la Unesco, celebrada en octubre-noviembre de 1999, decidió proclamar el 21 de marzo como el "Día Mundial de la Poesía".

En estos momentos en que la poesía se halla en plena expansión, este Día podría servir de marco a las acciones y los esfuerzos que se efectúan en distintos planos para sostener la poesía, y más concretamente al fomento:

de los esfuerzos de los pequeños editores que tratan de entrar en el mercado del libro publicando cada vez más obras de poetas jóvenes;
de la vuelta a la oralidad, o, mejor dicho, al espectáculo vivo, pues hoy en día los recitales de poesía atraen cada vez a más gente;
del restablecimiento del diálogo entre la poesía y las demás artes -el teatro, la danza, la música, la pintura, etc.- y con los temas de actualidad como la cultura de la paz, la no violencia, la tolerancia, etc.;
de la asociación, con motivo del Día Internacional de la Poesía, de todas las artes y de la filosofía, que está muy próxima a ellas, para que vuelva a tener vigencia lo que escribió en su diario el pintor Delacroix: "No hay arte sin poesía";
de la imagen de la poesía en los medios de comunicación social para que deje de tenerse al arte poético por trasnochado y se considere que es un arte que permite a la sociedad en conjunto recuperar y afirmar su identidad.

Estreno documental "Herminia, la vida de una Madre"

2010-03-09T19:30:00.001-03:00

Sábado 20 de marzo de 2010, 19hs

en el Centro Cultural La Toma (Tucumán 1349)

Estreno del documental

"Herminia, la vida de una Madre"

"Herminia, la vida de una Madre", recorre la experiencia de una de las mujeres más emblemáticas de la ciudad de Rosario.
Herminia Severini salta a la escena pública como protagonista de una de las etapas más oscuras de la historia argentina: el proceso militar iniciado el 24 de marzo de 1976. Pero su historia de resistencia comienza antes de la desaparición de Adriana, su hija, a manos de los ejecutores del terrorismo de estado.
De origen humilde y obrero, enfermera de profesión, activista gremial, Madre de Plaza de Mayo y maestra de corazón, Herminia es una persona a través de la cual podemos conocer y comprender parte de la historia reciente de nuestro país.

Presenta

Contacto:

Alberti Sofía (0341) 156249474

nomadacoop@gmail.com

ESCUELA TEATRO DE LAS LUCES

2010-02-23T15:05:00.001-03:00

Manzana de las luces

Clases abiertas y gratuitas

Febrero 2010

Dirección: Perú 272 1er piso –entre Moreno y Alsina-

“Sala Ranchería”

Trabajo corporal

Con elementos de EUTONÍA Alineación ósea, Autoobservación, Equilibrio tensión/relajación

Miércoles 24, 14 hs. Sábado 27, 14 hs.

Jueves 25, 18 hs.

Confirmar asistencia al 4545-0353/1551105312 ó

aguiargabriela67@yahoo.com.ar

Técnicas corporales

Elongación y fortalecimiento, reeducación postural, autoconciencia

Miércoles 24, 18hs. Jueves 25, 16 hs.

Confirmar asistencia al 4545-0353/1551105312 ó

aguiargabriela67@yahoo.com.ar

Iniciacion al teatro

Prof. Jorge Gusman.

Jueves 25, 19.30HS.

Contacto: jagusman@yahoo.com.ar, laslucesgusman@yahoo.com..ar

Jóvenes y adultos con o sin experiencia.

Teléfono: 4545-0353/1551105312

Confirmar asistencia por teléfono o mail.

REDES CLUB DE CIRCO

2010-02-23T14:53:00.001-03:00

MARZO 2010

Inicio: miércoles 3 de marzo

Matricula anual: $50 para alumnos de Redes: $35.-

La matrícula se paga de febrero a octubre.

Circo para niños

Coordinadora: Laura Tugentman

De 3 a 5 años

Lunes y miércoles de 17 a 18 hs.

Sábados de 10:30 a 11:30 hs.

De 6 a 9 años

Lunes y miércoles de 17 a 18:30 hs.

Sábados de 15 a 17 hs.

De 9 a 12 años

Martes y jueves de 17 a 18:30 hs.

Sábados de 15 a 17 hs.

Circo para adolescentes

Prof.: Analía Cabanne

Viernes de 18 a 20 hs.

Sábados de 12 a 14 hs.

Cuerda y Tela

Prof.: Mariana Paz

Lunes y miércoles de 19 a 21 hs.

Martes y jueves de 9 a 11 hs.

Martes y jueves de 10:30 a 12:30 hs. principiantes

Prof.: Josefina M.

Lunes y miércoles de 18 a 20 hs principiantes

Trapecio fijo

Prof.: Roxana Rodríguez

Lunes y miércoles de 19 a 21 hs.

Martes y jueves de 18 a 20 hs.

Prof.: Javier Marra

Miércoles de 11 a 13 hs. principiantes

Dúo de Trapecio

Prof.: Candelaria Moreira

Sábados de 11a 13 hs.

Trapecio a vuelo

Prof.: Lala Lafleur

Miércoles y viernes de 10:30 a 12:30 hs.

Martes y Jueves de 13 a 15 hs..

Prof.: Roxana Rodríguez

Lunes y miércoles de 18 a 19 hs.

Martes y jueves de 15:30 a 17:30 hs

Arneses

Prof.: Checha Petrilli / Matías De Padova

Martes y jueves de 20 a 22 hs.

Acrobacia

Prof.: Javier Zuker

Miércoles y viernes de 10 a 12 hs.

Prof.: Juan Pablo Gómez

Martes y jueves de 20 a 22 hs.

Parada de manos

Prof.: Florencia Valeri

Martes de 20 a 21:30 hs.

Cama Elástica y minitrump

Prof.: Javos Frontera

Lunes de 20 a 22 hs.

Jueves de 13 a 15 hs

Palo Chino

Prof.: Luciano Ranieri

Martes de 11 a 13 hs.

Viernes de 18 a 20 hs

Clown

Prof.: Gabriel Cohan (clown Imprevisto)

Miércoles de 20 a 22:30 hs.

Seminario intensivo de malabares

Prof.: Emiliano Sánchez Alessi

Malabarista argentino radicado en Francia

Del 8/3 al 11/3

de 12 a 16 hs

Seminario de composición

“El circo en cruce con la danza, la música, el teatro y las artes plásticas”

Prof.: Mariana Paz

Lunes de 10 a 12:30 hs

del 29/3 al 31/5

Con experiencia circense

Circo Especial

Para niños y jóvenes con capacidades educativas especiales.

Prof.: Fabián Barmak /Marcela Kurlat/Laura T.

Viernes de 16 a 16:45 hs

Viernes de 17 a 17:45 hs.

Martes de 16 a 16:45

Solicitar entrevista al 4775-8898

Cumpleaños con talleres de circo

Solicitar presupuesto por mail info@redesclubdecirco.com.ar

Castillo 629 - Villa Crespo / 4775-8898

www.redesclubdecirco.com.ar / info@redesclubdecirco.com.ar

fiesta en la ciudad gótica

2010-01-26T17:26:00.001-03:00

Hola amigos. El jueves 28 abrimos el año en el espacio cultural de la gótica. Lo festejamos con una fiestita a partir de las 22 hs. Habrá música y tocará en vivo gente de la scola Terror do Corso de Victoria, como para que arranquemos con pilas.

Lugar: Urquiza 2031

Manuel de Falla y Matheu

2009-11-23T23:22:00.001-03:00

Padres:José María Falla y Franco (1849-1919) y María Jesús Matheu y Zabala (1850-1919)

Manuel de Falla y Matheu (23 de noviembre de 1876, Cádiz, España - 14 de noviembre de 1946, Alta Gracia, Argentina) fue un compositor español de música clásica. Con Isaac Albéniz y Enrique Granados, es uno de los músicos más importantes de la primera mitad del siglo XX en España.

Infancia y juventud

Manuel de Falla, disfrazado, en 1883.

Manuel María de los Dolores Falla y Matheu^[1] nació el 23 de noviembre de 1876 en el domicilio familiar de la Plaza de Mina número 3 en Cádiz, hijo de José María Falla y Franco y de María Jesús Matheu y Zabala. Recibió sus primeras lecciones de solfeo de mano de su madre, intérprete de piano, y su abuelo. A los 9 años de edad continuó sus estudios musicales con una profesora de piano llamada Eloísa Galluzo. Además su nodriza le enseñó nanas y canciones populares que dejaron huella en él. En 1889 prosiguió sus estudios de piano con Alejandro Odero y aprendió armonía y contrapunto con Enrique Broca.

A los quince años sus intereses eran principalmente la literatura y el periodismo. Con un grupo de amigos fundó la revista literaria "El Burlón" y en 1890 participó en una segunda titulada "El Cascabel", que terminó dirigiendo. En 1893, tras asistir a un concierto en Cádiz donde se interpretaron, entre otras, obras de Edvard Grieg sintió, según sus propias palabras, que su "vocación definitiva es la música".

Véase también

Anexo:Obras de Manuel de Falla

Referencias

↑ Añadió la partícula "de" a su primer apellido en torno a 1900.
↑ Viniegra y Lasso de la Vega, Juan J. (1966). Manuel de Falla. Vida Íntima, pp. 273 págs.. ISBN 84-95388-38-3.

La sección Biografía ha sido redactada a partir de la «Web oficial de Manuel de Falla. Sección cronología». Consultado el 12 de diciembre de 2008.

Enlaces externos

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Manuel de Falla.
La Fundación Manuel de Falla (en castellano e inglés)
Manuel de Falla y la Alhambra Manuel de Falla y la Alhambra: reseña bibliográfica
La Fantasía Bética de Falla
Manuel de Falla en Argentina

Fuente: www.wikipedia.org

René Magritte

2009-11-21T19:05:00.001-03:00

René François Ghislain Magritte (n. 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica) fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.

Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.

Biografía y obra

Poco se conoce acerca de los primeros años de Magritte. Nació en Lessines, provincia de Hainaut, en 1898, el mayor de los hijos de Léopold Magritte, quien era sastre y comerciante de telas, y Regina (nacida Bertinchamps). Comenzó sus lecciones de dibujo en 1910. El 12 de marzo de 1912 su madre se suicidó ahogándose en el río Sambre. Éste no fue su primer intento, ella lo había intentado por años, obligando a su esposo Léopold a encerrala en su dormitorio. Un día ella escapó y estuvo perdida por días. Más tarde fue descubierta, muerta, río abajo. De acuerdo a la leyenda, Magritte, que entonces tenía 13 años, estaba presente cuando el cuerpo fue recuperado del agua, pero recientes investigaciones han desacreditado esa historia. La imagen de su madre flotando, su vestido obscureciendo su cara, puede haber influenciado una serie de pinturas de 1927 a 1928, incluyendo Les Amants, pero a Magritte le disgustaba esta explicación

Realiza sus primeros cursos de pintura en Châtelet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del impresionismo. Entre 1916 y 1918 estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920 junto a Pierre-Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel. En 1923 participa con Lissitzky, Moholy-Nagy, Feininger y Paul Joostens de maria florecen una exposición en el Círculo Real Artístico.

Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran las influencias del cubismo, del orfismo, del futurismo y del purismo.

En 1922 ve una reproducción de La canción de amor de De Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de De Chirico.

Los seis elementos.

En obras como La túnica de la aventura (1926) expresa su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa.

En El asesino amenazado (1926), el espacio perspectivo deriva de De Chirico y de los decorados de los primeros melodramas cinematográficos. En este mismo año se une a otros músicos, escritores y artistas belgas, en un grupo informal comparable al de los surrealistas de París.

En 1927 se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con Éluard, Breton, Arp, Miró y Dalí). Aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate.

En 1928 participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París.

En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días.

Realismo mágico

A partir de 1926 el estilo de Magritte, también llamado "realismo mágico", cambia poco; entre 1928 y 1930 investiga las ambiguas relaciones entre palabras, imágenes y los objetos que éstas denotan. En La perfidia de las imágenes (1928-1929) retrata meticulosamente una pipa, y debajo, con igual precisión, pone la leyenda Ceci n'est pas une pipe, cuestionando la realidad pictórica. El espejo falso (1928) explora la misma idea: el ojo, como un falso espejo, reflejando las nubes blancas y el cielo azul pintados de forma realista; en este cuadro introduce el tema del paisaje ilusionista, interpretado en clave pictórica, alejado de toda intención naturalista. Magritte explora en toda su obra el problema del espacio real frente a la ilusión espacial, que es el trasunto de la pintura misma.

Hace muchas variaciones sobre este tema, quizá la más clara de todas sea Los paseos de Euclides (1955), donde muestra un caballete con un cuadro frente a una ventana, a través de la cual se ve un paisaje; la escena pintada corresponde exactamente al fragmento de paisaje sobre el que se sitúa el cuadro, llevando el problema de la pintura, como confrontación naturaleza-ilusión, a la cuarta dimensión.

En 1933 hace una exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas y en 1936 su primera individual en Estados Unidos en la galería Julien Levy de Nueva York.

En ese mismo año su obra está presente en Arte fantástico, Dadá, Surrealismo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En los años cuarenta la obra de Magritte adopta una paleta y una pincelada impresionistas y en 1947-1948 desarrolla sus cuadros llamados fauvistas.

La respuesta de la crítica es, en general, hostil hacia estas obras, y Magritte vuelve a su acostumbrado estilo. Son característicos de los años cincuenta los cuadros en los que tanto figuras interiores como paisajes y objetos aparecen convertidos en roca.

Museo Magritte.

"Las formas básicas y los temas, sin embargo, continúan la fantasía del lugar común durante los años sesenta. Una escena urbana nocturna a la que se le superpone un cielo azul con nubes de atardecer flotando; carreras de jockeys en coches y por habitaciones; o una elegante amazona paseando por un bosque mientras es segmentada por los árboles. Pero el mundo de Magritte contiene siempre al misterioso hombre invisible con bombín y abrigo negro solo o en grupos, como en Golconda (1953), donde una multitud de ellos desciende sobre la ciudad" (Arnason).

A lo largo de los años cuarenta expone asiduamente en la galería Dietrich de Bruselas.

En los dos decenios sucesivos recibe numerosos encargos para la ejecución de pinturas murales en Bélgica.

Desde 1953 expone frecuentemente en la galería Alexander Iolas de Nueva York, París y Ginebra. Se organizan retrospectivas sobre su obra en 1954 en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, y en 1960 en el Museo de Arte Contemporáneo de Dallas y en el Museo de Bellas Artes de Houston.

Viaja por primera vez a Estados Unidos en 1965, con motivo de una retrospectiva que el Museo de Arte Moderno de Nueva York le dedica.

Durante el año siguiente viaja a Israel.

Muere en Bruselas el 15 de agosto de 1967, pocos días después de la inauguración de una importante muestra de su obra en el Museo Boymans Van Beuningen de Róterdam.

21 de noviembre Día Mundial de la Televisión

2009-11-21T18:42:00.001-03:00

Desde cuando: 1996

Justificación: en conmemoración de la fecha en que se celebró el Primer Foro Mundial de la Televisión en las Naciones Unidas.

Recomendaciones: invitación a los Estados a promover intercambios mundiales de programas de televisión centrados en cuestiones como la paz, la seguridad, el desarrollo económico y social y la promoción del intercambio cultural.

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El 17 de diciembre de 1996, la Asamblea General de Naciones Unidas proclamó Día Mundial de la Televisión el 21 de noviembre, en conmemoración de la fecha en que se celebró en 1996 el primer Foro Mundial de Televisión en las Naciones Unidas.

Se invitó a los Estados Miembros a observar el Día alentando intercambios mundiales de programas de televisión referentes a cuestiones de la paz, la seguridad, el desarrollo económico y social y la profundización de los intercambios culturales.

Un medio de comunicación muy poderoso

Es indudable que la televisión es el medio de comunicación que más fuerza tiene actualmente en el mundo entero. Quizás las nuevas tecnologías como Internet le hagan sombra en el futuro, pero, si como dicen algunas encuestas, los españoles dedicamos a la televisión una media de tres horas y media diarias, nos pasamos gran parte de nuestra vida frente a este aparato.

En el mundo la capacidad de convocatoria de este invento de la década de 1920 es enorme. Hay una media de 228 televisores por cada 1.000 habitantes en todo el planeta.
Sin embargo, este dato también puede reflejar las diferencias entre países ricos y pobres: en 1995 en EE UU había 776 aparatos por cada 1.000 personas y 490 en España frente a 2 en Chad o 3 en Nepal. Pero lo más importante es su capacidad de influencia en la opinión pública, en la manera de ver el mundo que nos rodea; su capacidad de mostrarnos en directo lo que ocurre en otro lado del mundo o de ocultarnos lo que ocurre muy cerca de nosotros; sus posibilidades de divertirnos, informarnos o embaucarnos.

Televisión ¿cultural?

La finalidad de este día mundial es, como indica Naciones Unidas, promover una televisión que, además de entretener, promueva una cultura de paz, seguridad y desarrollo. Pero quizás la situación actual de las televisiones de todo el mundo, en especial en los países del Norte, no se acerque mucho a estas aspiraciones de NU. No es justo ignorar emisoras y programas que realizan labores sociales de gran valor cultural y educativo, especialmente en muchos países en desarrollo, pero la presión de beneficios económicos inmediatos, la falta de criterio cultural y social e, incluso, el desprecio por la audiencia nos acerca cada vez más a lo que se ha llamado la telebasura.

Este es el panorama que abunda cada vez más en muchas televisiones: programas con una calidad mínima que atraen al espectador con situaciones morbosas, sexo, violencia, sensiblería, supersticiones y humor grueso, un exceso de acontecimientos deportivos, telenovelas mediocres, concursos en los que se ridiculiza a los participantes, programas del 'corazón' donde aparecen personajes grotescos que quieren ser famosos a toda costa. Puede parecer que son programas inocentes que sólo buscan divertir, pero pueden tener sus consecuencias: son un obstáculo para la cultura, desinforman más que informar presentado la realidad de una manera simplista y demagógica y, en algunos casos, atentan contra derechos fundamentales como el honor, la intimidad, el respeto o la presunción de inocencia.

Los futuros contenidos de este medio de comunicación dependen también de nosotros, los espectadores. Elegir ver un programa u otro no es algo que carezca de implicaciones. Reclamar un entretenimiento inteligente y una programación de calidad, 'votar' con el mando a distancia cuestionando la calidad de los contenidos es algo que no pasa desapercibido por las grandes compañías que hacen televisión. Si nos conformamos con lo que nos den, por malo que sea, la telebasura seguirá ganando terreno en las emisoras.

Información sobre el día: http://www.enredate.org/enredate/calendario/diasmundiales/dia_mundial_de_la_television/

José Hernández

2009-11-10T09:17:00.001-03:00

En 1834, nace el poeta, político y periodista argentino José Hernández, autor de "Martín Fierro", obra cumbre de la literatura gauchesca.
Participó en el levantamiento militar del coronel López Jordán contra el gobierno de José Sarmiento, fue diputado provincial y, en 1880, siendo presidente de la Cámara de Diputados, favoreció la aprobación del proyecto de ley de federalización, con Buenos Aires como capital de la nación.
En los versos del "Martín Fierro" se reflejan todas las facetas de la vida en la pampa y, gracias a este poema, el gaucho se convirtió en un emblema de la argentinidad.
Todos los 10 de noviembre se celebra el día de la Tradición Argentina.

Obra

Se inició en la literatura con algunas composiciones poéticas cultas, sin mayor fortuna. Fue en la poesía gauchesca donde encontraría su inspiración.

En 1863 escribe Rasgos biográficos del general Ángel Peñaloza, en donde narra la vida de éste famoso caudillo riojano y que es llamado Vida del Chacho a partir de la segunda edición. Instrucción del Estanciero trata sobre las posibilidades económicas del campo argentino con consejos para el hombre de estancia. La descripción gaucha Los treinta y tres orientales y varios escritos dispersos que fueron recopilados póstumamente en Prosas del autor del Martín Fierro (1834-1886).

El 28 de noviembre de 1872 el diario La República anuncia El gaucho Martín Fierro (Martín en honor a Martín Güemes) y lo publica en forma de entregas. En diciembre aparece editado por la imprenta La Pampa, precedida por una importante carta del autor a su amigo y editor Don José Zoilo Miguens.

La obra comenzó a venderse en las zonas rurales. Era leída en grupo, en fogones o pulperías y su gran éxito se debió a que pintaba con veracidad las vicisitudes del gaucho y los paisanos se reconocían en la desgracia del protagonista.

En 1879 se publica la continuación de la obra, llamada La vuelta de Martín Fierro, en una edición ilustrada por Carlos Clérice. Ambas partes conforman el Martín Fierro, extenso poema nativo calificado de obra maestra en su género, que logra la interpretación sociológica de una época y de una sociedad, aúna lo lírico, lo descriptivo, lo satírico y lo épico, alcanzando los caracteres de una epopeya.

El gran mérito de José Hernández fue el de llevar a la literatura la vida de un gaucho contándola en primera persona, con sus propias palabras e imbuido de su espíritu. En el gaucho, descubrió la encarnación del coraje y la integridad inherentes a una vida independiente. Ésta figura era, según él, el verdadero representante del carácter argentino.

Lo que el autor no consiguió en su actividad política lo obtuvo por medio de la literatura. A través de la poesía consiguió un gran eco para sus propuestas, y el Martín Fierro fue su más valiosa contribución a la causa de los gauchos.

Obras

Vida del Chacho - 1863
El Gaucho Martín Fierro - 1872
La Vuelta de Martín Fierro - 1879
Instrucción del Estanciero - 1881
los treinta y tres orientales-1867

Para otros usos de este término, véase Martín Fierro (desambiguación).

Martín Fierro es un poema narrativo de José Hernández, obra literaria considerada ejemplar del género gauchesco en Argentina y Uruguay. Se publicó en 1872 con el título El Gaucho Martín Fierro, y su continuación, La vuelta de Martín Fierro, apareció en 1879.

Portada del libro

Narra el carácter independiente, heroico y sacrificado del gaucho. El poema es, en parte, una protesta en contra de las tendencias europeas y modernas del presidente argentino Domingo Faustino Sarmiento.

Aquí me pongo a cantar,

al compás de la vigüela
que al hombre que lo desvela
una pena estrordinaria,
como el ave solitaria

con el cantar se consuela.

José Hernández, primera estrofa del Martín Fierro.

Leopoldo Lugones, en su obra literaria El payador calificó a este poema como "el libro nacional de los argentinos" y reconoció al gaucho su calidad de genuino representante del país, emblema de la argentinidad. Para Ricardo Rojas representaba el clásico argentino por antonomasia. El gaucho dejaba de ser un hombre "fuera de la ley" para convertirse en héroe nacional. Leopoldo Marechal, en un ensayo titulado Simbolismos del "Martín Fierro" le buscó una clave alegórica. José María Rosa vio en el "Martín Fierro" una interpretación de la historia argentina.

Este libro ha aparecido literalmente en cientos de ediciones y fue traducido a más de 70 idiomas. La última fue al Quichua, tras nueve años de trabajo, por Don Sixto Palavecino y Gabriel Conti.

Fuente:http://es.wikipedia.org , http://encontrarte.aporrea.org

Pablo Picasso(España, 1881-1973)

2009-10-25T18:28:00.001-03:00

Pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas, inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber. Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta 1898 siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus obras, pero alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre. El genio de Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas, a la edad de 10 años hizo sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona), que representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama de una mujer enferma, ganó una medalla de oro. Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y del simbolismo de los pintores nabis. Los temas de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco. Poco después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido como el Bateau-Lavoir, Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Olivier. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos, los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su alter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan su amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los ricos estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo, quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron retratados por el pintor.
En el verano de 1906, durante una estancia de Picasso en Gosol, su obra entrará en una nueva fase marcada por la influencia del arte griego, ibérico y africano. El célebre retrato de Gertrude Stein (1905-1906, Metropolitan Museum of Art, Nueva York) revela un tratamiento del rostro en forma de máscara. La obra clave de este periodo es Las señoritas de Avignon (1907, Museo de Arte Moderno, Nueva York), tan radical en su estilo —la superficie del cuadro semeja un cristal fracturado— que no fue entendido, incluso, por los críticos y pintores vanguardistas de aquel momento. Frente a la pintura tradicional, Picasso rompe en esta obra con la profundidad espacial y la forma de representación ideal del desnudo femenino, reestructurándolo por medio de líneas y planos cortantes y angulosos. Inspirados por el tratamiento volumétrico de las formas pictóricas de Paul Cézanne, Picasso y Georges Braque pintaron en 1908 una serie de paisajes dentro de un estilo que un crítico describió después como si hubieran sido hechos a base de pequeños cubos, imponiéndose así el término cubismo. Entre 1908 y 1911 trabajaron en estrecha colaboración dentro de esta línea de descomposición y análisis de las formas, desarrollando juntos la primera fase del cubismo, conocida como cubismo analítico. La paleta monocromática prevaleció en estas representaciones de motivos totalmente fragmentados, mostrados de modo simultáneo desde varios lados. Los temas favoritos de Picasso fueron los instrumentos musicales, las naturalezas muertas y sus amigos, entre los que destaca el retrato de uno de sus marchantes Daniel Henry Kahnweiler (1910, Art Institute, Chicago). En 1912 realiza su primer collage, Naturaleza muerta con silla de paja (Museo Picasso, París), combinando pasta de papel y un trozo de hule sobre un lienzo pintado sólo en algunas zonas, que representa un vaso, un periódico, una pipa, una ostra y un limón. Esta técnica señala la transición hacia el cubismo sintético. Esta segunda fase del cubismo es más decorativa, y el color juega un papel más destacado, aunque nunca de manera exclusiva. Dos obras de 1915 demuestran la simultaneidad de estilos que utilizó, Arlequín (Museo de Arte Moderno) es un cuadro cubista sintético, mientras que un dibujo de su marchante, Vollard (Metropolitan Museum of Art), está realizado dentro de lo que se conoce como estilo ingrista, así denominado porque emula las formas artísticas del pintor francés Jean August Dominique Ingres. De 1923 es su Arlequín con espejo (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). Obra de su llamado periodo clásico (1921-1925), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia de su estancia en Italia en 1917. El busto de bronce de Fernande Olivier (también llamado Cabeza de mujer, 1909, Museo de Arte Moderno) muestra la consumada habilidad técnica de Picasso en el tratamiento de las formas tridimensionales. También realizó conjuntos —como Mandolina y clarinete (1914, Museo Picasso, París)— formados por fragmentos de madera, metal, papel y otros materiales, explorando con ello las hipótesis espaciales planteadas por la pintura cubista. Su Vaso de ajenjo (1914, Museo de Arte Moderno) es una escultura en bronce coloreada que representa un vaso de ajenjo sobre el que aparece colocada una cucharilla de plata y la reproducción exacta de un terrón de azúcar, tal vez se trate del ejemplo más interesante de escultura policromada cubista realizado por Picasso, anticipando con ella tanto sus posteriores creaciones de objetos encontrados del tipo Mandril y joven (1951, Museo de Arte Moderno), como los objetos Pop art de la década de 1960. Durante la I Guerra Mundial, Picasso viajó a Roma para realizar los decorados de los ballets rusos de Sergei Diáguilev. Conoció allí a la bailarina Olga Koklova, con la que se casó poco después. Dentro de un estilo realista, figurativo, en torno a 1917 Picasso la retrató en varias ocasiones, al igual que a su único hijo legítimo, Pablo (por ejemplo en Pablo vestido de Arlequín, 1924, Museo Picasso, París) y a sus numerosos amigos.
Aunque siempre declaró que no era surrealista, en muchos de sus cuadros se pueden apreciar cualidades y características propias de este movimiento artístico, como en Mujer durmiendo en un sillón (1927, Colección Privada, Bruselas) y Bañista sentada (1930, Museo de Arte Moderno). Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un cierto erotismo subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor, Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Marie Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo (1932, Museo de Arte Moderno). En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del minotauro y las corridas de toros, en esta obra, tanto la figura del toro como la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales más importante del siglo XX. El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española, la aviación alemana, por orden de Francisco Franco, bombardeó el pueblo vasco de Guernica. Pocas semanas después Picasso comenzó a pintar el enorme mural conocido como Guernica. En menos de dos meses terminó la obra, exhibiéndola en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937. El cuadro no retrata el acontecimiento en sí, más bien quiso expresar con él la violencia y crueldad del acontecimiento mediante la utilización de imágenes como el toro, el caballo moribundo, el guerrero caído, la madre con su hijo muerto o una mujer atrapada en un edificio en llamas. Pese a la complejidad de estos y otros símbolos, y a la imposibilidad de dar a la obra una interpretación definitiva, el Guernica logró un aplastante impacto como retrato-denuncia de los horrores de la guerra. El cuadro permaneció en el Museo de Arte Moderno de Nueva York desde 1939 hasta 1981, año en el que regresó a España, aquí se emplazó en el Casón del Buen Retiro, junto al Museo del Prado, en Madrid, hasta que en 1992 se trasladó de nuevo, esta vez de manera definitiva, a su actual emplazamiento en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, también en Madrid. El estallido y posterior desarrollo de la II Guerra Mundial contribuyeron a que la paleta de Picasso se oscureciera y a que la muerte fuera el tema más frecuente en la mayor parte de sus obras. Así lo vemos, por ejemplo, en Bodegón con calavera de buey (1942, Kunstsammlung Nordrhein-Wesfalen, Düsseldorf) y en El osario (1945, Museo de Arte Moderno). Conoce por entonces a la pintora Françoise Gilot, con la que tendrá dos hijos, Paloma y Claude, ambos aparecerán retratados en numerosas obras que recuperan los primeros estilos de Picasso. Su última compañera sentimental, a la que también retrató en bastantes ocasiones, fue Jacqueline Roque, a la que conoció en 1953 y con la que se casó en 1961. Desde entonces residió casi siempre en el sur de Francia. Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet, Eugène Delacroix y Édouard Manet. Además de en la pintura de cuadros, Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta de Fernande Mourlot. Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947, en Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes esculturas, El hombre del carnero (1944, Museo de Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño natural y La cabra (1950, Museo de Arte Moderno), también en bronce obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a cabo la maqueta de Cabeza de mujer, una monumental escultura levantada en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago. Picasso murió el 3 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie, su residencia cercana a Mougins. © eMe

1924 - 43 años
Pablo vestido de arlequin
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 130 x 97.5 cm.
Museo: Museo Picasso. París

1937 - 56 años
Guernica
Material: Óleo sobre lienzo.
Medidas: 349,3 x 776,6 cm.
Museo: Museo Reina Sofia. Madrid

Web Recomendada:

www.picasso.fr

Georges Bizet

2009-10-25T18:23:00.001-03:00

París, 25 de octubre de 1838 - Bougival, 3 de junio de 1875) fue un compositor francés perteneciente al periodo romántico. Llamado Georges por sus familiares y amigos, es conocido por este nombre, aunque su verdadero nombre era Alexandre César Léopold.

Ocupación Compositor

Procedente de una familia de músicos, resultó ser un niño prodigio capaz de ingresar en el Conservatorio de París cuando tenía nueve años, siendo allí discípulo de Zimmermann, Marmontel y Halévy. En 1857 compartió un premio ofrecido por Jacques Offenbach con la ópera en un acto Le Docteur Miracle, y obtuvo el codiciado Premio de Roma. Según las condiciones de la beca, estudió en Roma durante tres años. Allí fue desarrollando su talento con obras tales como la Sinfonía en Do y la ópera Don Procopio. Aparte de este periodo de residencia en Roma, Bizet vivió en el área de París durante toda su vida.

Composiciones claves

Tras su estancia en Roma volvió a París donde se dedicó enteramente a la composición. En 1863 compuso Les pêcheurs de perles (Los pescadores de perlas) para el Teatro Lírico. Durante este periodo Bizet escribió también la ópera La jolie fille de Perth (La hermosa muchacha de Perth), su famosa L'Arlésienne (La arlesiana) escrita como música incidental para una obra de Alphonse Daudet, y la pieza para piano Jeux d'enfants (Juegos de niños). También escribió la ópera romántica Djamileh, que es normalmente tenida como la precursora de Carmen.

La obra más conocida de Bizet es su ópera Carmen, de 1875, que está basada en una novela de 1846 del mismo título debida a Prosper Mérimée. Influenciado por Giuseppe Verdi, compuso el papel de Carmen para una mezzo-soprano. No teniendo éxito inmediatamente, Bizet llegó a desanimarse por el supuesto fracaso, pero recibió alabanzas de compositores tan preclaros como Camille Saint-Saëns, Piotr Illich Tchaikovsky y Claude Debussy, quienes reconocieron sus méritos. Sus opiniones fueron proféticas, pues el tiempo ha hecho de Carmen una de las obras más populares del repertorio operístico.

Bizet no tuvo ocasión de disfrutar del éxito de Carmen. Unos pocos meses después del debut de la ópera, mientras se encontraba bajo los efectos de una grave depresión mental, murió a la temprana edad de 37 años, coincidiendo con el sexto aniversario de su matrimonio. La causa oficial del fallecimiento fue un fallo cardíaco debido a «reumatismo articular agudo». Fue enterrado en el cementerio de Père Lachaise de París.

Aunque esta faceta no sea muy conocida, Bizet fue un extraordinario pianista que mereció los elogios del propio Franz Liszt. Después de haberle escuchado interpretar una compleja partitura, Liszt dijo que consideraba a Bizet como uno de los pianistas más brillantes de Europa.

Enlaces externos

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Georges Bizet en el Proyecto Biblioteca Internacional de Partituras Musicales.

Georges Bizet en el Proyecto Mutopía

Johann Strauss (1825-1899)

2009-10-25T18:11:00.001-03:00

Pues si Damas y Gérmenes, hoy se cumplen 110 años del fallecimiento de uno de los compositores más importantes de la historia de la música, Johan Strauss II (el más famoso de la familia de compositores Strauss). Ya os comento que éste si no recuerdo mal, es la primera referencia que hacemos en HoySeCumplen a la música clásica, os comento que también redactaremos más aniversarios sobre ésta materia, que aunque haga muchos años nunca perderá su calidad, me refiero a la música clásica, vamos allá…

Johann Strauss (hijo) nació el 25 de octubre de 1825 en ST. Ulrich (Viena). Su padre también famoso compositor, nunca quiso que su hijo se hiciera músico y siempre deseó que éste trabajara en el mundo de la banca. Sin embargo el jovencísimo Johann se puso a estudiar violín paradójicamente enseñado por uno de los violinistas de la orquesta de su padre. Hay que decir que solo su madre le dio su apoyo para que Johann fuera compositor musical.

Cuando Johann fue descubierto por su padre y como él mismo comentó, solo tenía recuerdos de una escena desagradable y violenta, me imagino que le daría fuerte …

Se comentó mucho en la época, que quizás su padre tenía miedo de que su propio hijo fuese su principal rival en el mundo de la música. Pues la verdad que su padre no se tomó muy bien esta decisión del chaval, y decidió abandonar a la familia y a irse con una amante, vaya tela…

A partir de ese momento, Johann Strauss II se puso las pilas y con solo 17 años y con la ayuda incondicional de su madre, comenzó el camino hacia la historia…

Strauss continuó con su formación y decidió estudiar junto a un conocido profesor de contrapunto y armonía (Joaquim Hoffmann). Pues así fue pasando el tiempo y coincidiendo con el mismo día que su madre se divorciaba de su padre, Johann se presentó ante las autoridades Vienesas y actuó en público para ellos. Paralelamente Johann fundó una pequeña orquesta donde contrataba a sus compañeros de escena de una famosa taberna austríaca Zur Stadt Belgrad.

Pues no os penséis que todo el camino de Johann fue de rosas, ya que muchas personas unidas al mundo de la música de la época, no se atrevían a contratarlo por miedo a que el padre pudiera tomar represalias contra ellos, tremendo. La prensa también se hacía eco de la rivalidad de ambos. Sin embargo hubo un establecimiento y más concretamente un casino (el Casino Dommayer) que se desmarcó de su padre que siempre había actuado allí, para contratar a Johann. Su padre entró en cólera y nunca más volvió a actuar allí.

El primer reconocimiento que tuvo Johann fue el de Maestro de Capilla del Segundo Regimiento de Ciudadanos de Viena. Voy a comentar otras de las trifulcas que tuvieron Johann y su progenitor y ya dejo aparcado este tema…

Resulta que no solo hubo rivalidad musical sino que incluso temas de política también separaron a ambos. Fue durante una revolución burguesa que hubo en Viena en 1848, cuando Johann apoyó a los revolucionarios y esto no gustó nada a su padre. Hizo varias obras musicales sobre ese suceso y ésto no le hizo ninguna gracia a la realeza austríaca que decidieron vetarle en uno de los títulos y reconocimientos más importantes como lo era el KK Hofballmusikdirecktor, en español, Director Musical del Baile de la Corte, que como no podía ser de otra manera le fue entregado dicho título a su padre, dándole un buen “bofetón” al bueno de Johann Strauss II.

Tampoco se libró el joven compositor de la cárcel, fue detenido por tocar en público La Marsellesa, mostrando su ideología revolucionaria, aunque al final fue felizmente absuelto.

A su padre le llegó el día que a todos los humanos nos acaba llegando tarde o temprano, el día de su viaje a Itaca, el día de su muerte vamos…

Murió de escarlatina en 1849 y para sorpresa de todos, Johann fusionó la orquesta de su padre con la suya, si hubiera levantado cabeza…

Johann compuso una serie de marchas patrióticas en homenaje al nuevo monarca de Austria, Francisco José I, tras la revolución de 1848.

Y ahora ya nos vamos a centrar en su carrera que es lo que a todos los que estáis leyendo el artículo seguro os interesa.

Johann logró superar con el paso del tiempo la fama de su padre y se convirtió en el indicutible rey del Vals. Viajó por Austria, Alemania y Polonia en numerosas ocasiones con su orquesta y para orgullo de todos los ciudadanos de dichos países, siempre que actuaba el compositor decían bien alto, Heut Spielt der Strauss! ,en español, ¡Hoy toca Strauss!. De todos modos no os creáis que Strauss solo tocaba ahí, también viajó por Italia, Francia, Gran Bretaña, Rusia e incluso en los Estados Unidos de América. Allí fue donde interpretó una de sus obras más conocidas, El Danubio Azul op. 314, vamos a escucharla…

* Danubio Azul - Johann Strauss

En este período de su carrera, Johann compuso otras grandes obras de éxito como Sängerfahrten op. 41, Mariposa nocturna op. 157, Accelerationen op. 234 o las polcas Annen op. 117, sin duda un maestro del vals, por eso se le conoció y se le conoce como El Rey del Vals.

En 1862 y repasando por encima un poco más de su vida, se casó con la cantante Hetty Treffz y postuló al título de Director Musical del Baile de la Corte, puesto que alcanzó en 1863, después de haberle sido negado en varias ocasiones por sus frecuentes trifulcas con las autoridades. Finalmente participó en el baile de la corte y consiguió así ser escuchado por la casa real de Austria.

Tiempo después se volvió a casar, siento deciros que no sé los motivos por los cuales no continuó con su primera mujer. Su segunda esposa fue la actriz Agelika Dittrich, con la cual tuvo una relación tormentosa ya que a la mujer no le gustaba el tipo de música que tocaba Johann, además de que la mujer no era demasiado discreta y contaba intimidades de su matrimonio con Strauss, y para más INRI todavía tenían posturas políticas opuestas. También tenían una gran diferencia de edad. Johann Strauss pidió finalmente el divorcio.

Haciendo referencia ahora a esto último que he explicado sobre el tema de su divocrcio, Johann tuvo problemas ya que no se separó por el método de la iglesia católica romana y esto le llevó a cambiar de religión y nacionalidad y se convirtió en ciudadano de Sajonia-Coburgo-Gotha. Con esta serie de problemas el austríaco buscó consuelo en la que sería su tercera esposa, Adele. Adele era de orígen judío al igual que su abuelo, y esto fue ocultado categóricamente por los nazis.

La verdad que la familia Strauss y sobre todo él, tuvieron un gran negocio ganado a pulso por la excelente calidad de sus composiciones. Strauss tuvo tanto trabajo a lo largo de toda su vida, que incluso lo tuvieron que ingresar en un sanatorio ya que sufrió de escalofríos y neuralgia. Lo ingresaron en dicho recinto en 1853. Que por cierto sus hermanos también le echaron un cable de vez en cuando, sustituyéndolo en varias de sus actuaciones cuando él se encontraba indispuesto. Su madre en todo momento intentó evitar que el negocio se fuese abajo, obligando entre comillas, a sus reacios hermanos que no estaban mucho por la labor en algunas ocasiones, para suplir a Johann. Josef y Eduard eran sus dos hermanos y el más talentoso de los dos fue Josef, como reconoció el propio Johann en varias ocasiones diciendo “Josef es el más talentoso de ambos, yo simplemente soy el más popular”. Cabe decir que la opinión pública austriaca y en general, acogieron muy bien a sus hermanos. Por cierto que también hubo rivalidad entre Josef Y Johann aunque no alcanzó ni mucho menos la que tuvo con su padre, incluso se habló de que esa rivalidad fue positiva para el correcto desarrollo del vals.

En el apartado de admiradores y detractores o rivales, pues fueron famosas sus rivalidades con Emile Waldteufel, con el cual competía desde París. Con Jacques Offenbach éste le planteó un desafío a Strauss en el campo de la opereta. En este mundillo de la opereta en cuanto llegó a la luz pública el maestro Franz Lehár, desplazó claramente a Strauss en este género en el comienzo de la denominada Edad de Plata en Viena, hay que decir que en el campo de la opereta Strauss no triunfó ni mucho menos salvando El Barón Gitano y poco más. Sin embargo Strauss tuvo a compañeros de profesión menos envidiosos, como por ejemplo Richard Wagner que dijo que amaba el vals de Strauss. Richard Strauss, que por cierto nada tiene que ver con la familia aunque se apellidara Strauss, dijo en su día “¿Cómo puedo olvidar al sonriente genio de Viena?”. Con el pianista Johannes Brahms todo fue más allá de la admiración musical, y fueron grandes amigos. Johann Strauss le dedicó su vals Seid umschlungen, Millionen! op. 443, en español, ¡Sed abrazados por millones!, dicho tema fue inspirado en la Oda a la Alegría de Friedrich Schiller.

Y ya para ir finalizando la biografía interesante e histórica de hoy, pues os diré que Johann tuvo numerosos problemas de salud durante toda su vida aunque no fue hasta que cumplió los 73 años de edad, cuando realmente la muerte vino a buscarlo. Falleció el 3 de junio de 1899 víctima de una neumonía. Murió en pleno trabajo de la obra Aschenbrödel, en español, Cenicienta. Está enterrado en el Cementerio Central de Viena, Zentralfriedhof.

Y como último comentario digo que el legado de la música y composiciones que dejó Strauss para la historia de la música es muy amplio. Por ejemplo cada año en Viena se celebra el Concierto de Año Nuevo por la Orquesta Filarmónica de Viena, donde se toca la música de Strauss regularmente. Además, la Orquesta de Viena Johann Strauss que se fundó en 1966, le rinde homenaje durante las giras de la susodicha orquesta.

Me quedo con la frase que le dijo su mayor detractor y crítico compositor de música, Eduard Hanslick, en el momento de la muerte del compositor austriaco, dijo las siguientes palabras;

“La desaparición de Johann Strauss supondrá el final de los tiempos felices de Viena”

Johann Baptist Strauss R.I.P.

Video fabuloso con imágenes virtuales del Rio Danubio y como no, con música de Johann Strauss

Johann Strauss en la WIKIPEDIA (se incluyen todas sus obras), click aquí

Arthur Rimbaud

2009-10-20T10:53:00.001-03:00

Lo primero que sorprende al estudiar la figura de Arthur Rimbaud es la precocidad y el corto espacio de tiempo en el que produce su obra. Consciente sin duda de que su vida iba a ser breve -pocos autores han sido tan autodestructivos como él- escribe todos su versos entre los 16 y los 20 años. Con posterioridad, olvidada por completo su actividad literaria, se dedica a las más diversas ocupaciones con un único interés: enriquecerse.

Nacido en el seno de la burguesía católica francesa, Jean-Nicolas-Arthur Rimbaud vino al mundo en Charleville el 20 de octubre de 1854. Fue su padre un extraño militar que, en el momento que sus ocupaciones en la guerra de Argelia se lo permitieron, redactó un ‘Corán’ anotado que nunca llegó a anunciar. A pesar de que, indiscutiblemente, el origen del esporádico interés por la literatura de nuestro poeta hay que buscarlo en esas veleidades literarias de su progenitor, Fréderic Rimbaud -el padre del prodigio- nunca llegó a anunciar nada.

Pese a la separación de sus padres, la infancia de Rimbaud es todo lo grata que puede serlo la de un hijo de la burguesía. “Alumno dócil, querido de sus maestros, aventajado en todas las disciplinas y ganador de todos los premios”, según alguno de sus biógrafos, el joven Arthur se “tuerce” tras la lectura de Théophile Gautier, Théodre de Banville, José María de Heredia, François Coppé y Paul Verlaine en ‘Le Parnasse contemporaine’. Lógicamente, será a dicha publicación a donde el poeta remita sus primeros versos; lógicamente además, no se los publican -según se ha escrito después puesto que en el momento que llegan el número en cuestión está cerrado-. Si anunciará, no obstante, ‘Les Étrennes des orphelins’ -que pasa por ser su primer poema- en la Revue pour tous. Corre el año 1870.

Cuando vuelve a Charleville sólo tiene una idea: “todo menos trabajar”. Del joven dócil y aplicado que meses atrás fuera no queda más que el recuerdo. De modo que en el momento que en París estalla la Comuna (1871), Rimbaud corre a la capital a reunirse con los comuneros. Junto a los revolucionarios redactará himnos y manifiestos, pero el burgués que hay en él no tardará en manifestarse: les abandona por sus groserías y la mala calidad de su dieta alimenticia. Es luego pues en el momento que el joven maestro, desengañado del ideal revolucionario, abraza el nihilismo, merced a ello concebirá algo inusitado hasta luego pues: una poesía que busca inspiración en la disipación, la negación absoluta de todos los valores -tanto los revolucionarios como los burgueses- y el abismo.

Rimbaud regresa a Francia para morir en Marsella en 1891. Su legado -una poesía que alcanza la grandeza por la negación de toda la tradición cultural- no tiene parangón.

Su influencia en la literatura moderna, en la música y en el arte es enorme. Rimbaud influyó en los siguientes artistas: en los poetas franceses posteriores en general, en los surrealistas, en los poetas beats, en Henry Miller, Anais Nin, William S. Burroughs, Pier Paolo Pasolini, Alejandro De Michele, Hugo Pratt, Mário Cesariny de Vasconcelos, Klaus Kinski, Patti Smith, Luis Alberto Spinetta, Bruce Chatwin, Penny Rimbaud, Jim Morrison, Mohamed, Bob Dylan, Kurt Cobain, Richard Hell, Joe Strummer, entre otros muchos.

Fuente: www.efemeride.net

Referencia Externa: www.clubdebrian.com

Miguel de Cervantes

2009-09-29T11:52:00.001-03:00

Miguel de Cervantes Saavedra fue un novelista, poeta y dramaturgo español. Se supone que nació el 29 de septiembre de 1547 en Alcalá de Henares y murió el 22 de abril de 1616 en Madrid, pero fue enterrado el 23 de abril y popularmente se conoce esta fecha como la de su muerte. Es considerado la máxima figura de la literatura española. Es universalmente conocido, sobre todo por haber escrito El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, que muchos críticos han descrito como la primera novela moderna y una de las mejores obras de la literatura universal. Se le ha dado el sobrenombre de Príncipe de los Ingenios.

Retrato atribuido a Juan de Jáuregui (c. 1600). Actualmente ninguno de las representaciones gráficas de Cervantes se considera auténtica.

Enlaces externos

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Obras completas de Miguel de Cervantes, en cervantesvirtual
Página oficial del IV Centenario del Quijote
El secreto oculto de Cervantes y Don Quijote
Proyecto Cervantes 2001 de Texas.
Cervantes Society of America (en inglés).
Estudios sobre Cervantes en Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes
Web dedicada a Miguel de Cervantes
CLM Quijote
Cervantes en la Universidad de Alcalá de Henares
Obras de Miguel de Cervantes en versión e-book (enlace roto)
Obras de Miguel de Cervantes: texto, concordancias y lista de frecuencia.
Biblioteca Miguel de Cervantes
Anuario de Estudios Cervantinos
Premio Internacional de Investigación Científica y Crítica “Miguel de Cervantes”
Retrato de Miguel de Cervantes con un epítome sobre su vida incluido en el libro Retratos de Españoles ilustres, publicado en el año de 1791.

Fuente: Wikipedia

Cancion Para Un Niño En La Calle ..Mercedes Sosa-Calle 13

2009-09-06T07:52:00.001-03:00

DON QUIJOTE

2009-08-20T20:33:00.000-03:00

No podría ser otra la tierra que produjera esta película animada basada en una de las obras más importantes no solo de la literatura española sino universal y del que todos en algún momento de nuestras vidas nos ha tocado oír hablar,”Don Quijote de la Mancha”. Son más de 30 producciones para cine y televisión las que se han elaborada de esta joya de la literatura y esta nueva versión es del director español quien adaptó su historia basándose en la segunda parte de este libro. Esta cinta estuvo nominada a los Premios Gaudi del cine Catalán como Mejor Película de Animación, después de que éste mismo director recibiera el premio dentro de esta misma categoría por la adaptación de otra de las grandes obras, El Cid.

¿Porqué Verla?
Película animada y familiar para acercar a los hijos al mundo de la literatura y permitirles conocer acerca de este legendario personaje y sus bellas aventuras.

FICHA TÉCNICA
Director: José Pozo
Género: Animación, Aventuras
Doblaje: José Luis Gil (Quijote), Andreu Buenafuente (Sancho), Duración: 1 Hr 26 Min
Clasificación: Todos
Guión: Ángel E. Pariente. Basado en los personajes del libro “El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de La Mancha” de Miguel de Cervantes Saavedra.
Doblaje: David Fernández (Rocinante), Sancho Gracia (Sansón), Sonia Ferrer (Dulcinea), Jordi González (narrador), Luis Posada (Rucio), María Luisa Solá (duquesa), Félix Benito (duque), Jordi Hurtado (cronista Estadio de Justas)
Música: Andrea Guerra
Montaje: Félix Bueno
País: España
Año: 2007

SINOPSIS
Rucio, el burro de Sancho, es el narrador de la verdadera historia de Don Quijote, de quién asegura, que más que un loco, fue un hombre inteligente, apasionado y entusiasta.