Articolo da: Artoong

Soul kitchen di Fatih Akin

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Perchè questo succeda occorre il talento di un artista visionario, che riesca ad avere una percezione del possibile, non del futuro, ma del possibile.

Occorre colui che riveli la potenza dell’arte, che indichi la meta, che raccolga le forze dei singoli e li infiammi. Un artista presuntuoso e fragile, ostinato nel perseguire l’improbabile, a tratti temerario, bisognoso di vette e di abissi. Il miracolo lo compiono gli uomini quando anche per pochi istanti operano all’altezza di se stessi. Così è il protagonista del film, un direttore d’orchestra costretto a scontare la sua fedeltà alla musica contro le ragioni del partito e subire per questo l’eslcusione dalla sua orchestra di elementi ebrei e subire ancora l’ esilio dal proprio cuore, rinchiuso in altre pelli, lontano dalla sua arte. I musicisti verranno raccolti dopo anni sulla via dell’ oblio grazie all’opportunità colta dall’ostinato sognatore, per essere, anche se per un solo concerto, la vera orchestra interprete della meraviglia di Čajkovskij.

Radu Mihaileanu è un regista di grande talento, un funambolo della magia del quotidiano. Ha numerosi capolavori all’attivo: “Train de vie” tra i miei preferiti. Film che si ricordano, che ti cambiano la vita lasciandoti la dolcezza del possibile e il desiderio di volare più in alto di quanto normalmente permettiamo a noi stessi.

Patrizia Genovesi

Articolo da: Artoong

Il concerto – di Radu Mihaileanu

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Invito inaugurazione: giovedì 14 gennaio ore 19.00

Circolo del Ministero degli Affari Esteri

Lungotevere dell’Acqua Acetosa 42 – Roma

Con la Roma International Orchestra

Direttore Giorgio Proietti

Programma:

E.Grieg (1843-1907): “Aus Horberg Zeit” Suite op.40
W.A.Mozart (1756-1791):”Eine Kleine Nachtmusik” Serenata
KV 525
S.Barber (1910-1981): Adagio op.11
E.Britten (1913-1976): Simple Symphony op.4

Articolo da: Artoong

Arte e Scienza: mostra multimediale di Patrizia Genovesi e Corrado Giustozzi

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Lo scatto di Paolo Piccolo è risultato vincitore del Primo Premio della sezione Fotografia della prima edizione del Premio Nazionale letterario fotografico “Roma nel Tempo” 2009.

In questa fotografia l’elemento antropomorfo si diluisce in quello strutturale effondendo due contrastanti sentimenti dello scorrere del tempo: la transitorietà dell’uomo contemporaneo con la sua vita frenetica, volatile, frugale e l’immanenza granitica della storia che, attraverso la solennità delle vestigia romane, proietta ininterrottamente evanescenze di un tempo remoto, un tempo di altri uomini transitori eppure congelati per sempre nel pigmento di un flusso temporale.
La fotografia è la metafora della vita: in questo scatto l’uomo è un “passaggio” in dissolvenza sullo sfondo della stratificazione del tempo.

A “La repubblica dei gatti”, racconto di Jessica Carrieri, la Giuria ha assegnato il Premio Speciale per la sezione Narrativa della prima edizione del Premio Nazionale letterario fotografico “Roma nel Tempo”2009.

Il mio racconto vuole essere un piccolo tributo alle visionarie emozioni che Roma mi ha regalato quando mi sono traferita in questa città, oramai sedici anni fa, da un paese contadino del Sud Italia. Incanto e rapimento e nuovi occhi per guardare.

LA REPUBBLICA DEI GATTI

Il cielo di Roma in una notte densa di molti anni fa.

<<Pronto, ciao Flavio che fai?>>

<<Guardo la televisione, mi annoio>>.

<<Ci vediamo? Non ho sonno>>.

<< Va bene, ma cosa facciamo?>>

<<Non so davvero, vediamoci fra mezz’ora poi decidiamo>>.

Era sera inoltrata, un lunedì uggioso, gli esami lontani, la televisione, un cielo novembrino senza nuvole, le strade vuote per il lungo ponte di Ognissanti.

Un colpo di clacson. Eccolo. La borsa, le chiavi.

Flavio era un buon amico, un quasi architetto con velleità artistiche e lo sguardo sempre curioso. Gli volevo bene, in sua compagnia mi sentivo speciale, diversa, sempre emozionata e pronta a guardare il mondo attraverso i suoi occhi.

<<Che aria fresca stasera e che pace, allora che facciamo Fla’?>>

Sui sedili posteriori la sua macchina fotografica.

<< Inseguiamo i gatti questa sera>>.

<<Di che gatti parli?>> Il mio sguardo doveva essere tra l’attonito e il divertito.

Sorrisi ma non indagai oltre, mi sembrava più stralunato del solito.

La macchina scivolava nella notte a velocità moderata per non turbare la percezione di quella desolazione. Guidammo per venti minuti ascoltando le note di una stazione radio che trasmetteva underground notte e giorno.

Parcheggiammo senza difficoltà, a mezzanotte piazza Venezia era solo per noi. Flavio indossò la macchina fotografica e insieme ci dirigemmo verso le scale del Campidoglio.

Salimmo senza scambiarci una parola ascoltando l’eco dei nostri tacchi per le scale, avevamo quasi lo stesso passo. L’immensa ragnatela, la statua di Marco Aurelio.

Il profumo della quiete notturna ci riempiva; il nostro affanno dopo la lunga scalinata appariva il giusto tributo a quella immensità immobile e rarefatta.

Un piede dopo l’altro giungemmo dinanzi a quel bivio che si presenta al viandante chiedendogli di scegliere fra i due declivi che dolcemente discendono verso i fori accarezzandone i contorni.

Una tentazione quella di dividerci e lasciarci rotolare come palle nel nero vetusto di quella Roma antica.

Invece rimanemmo immobili con i piedi pesanti e gli occhi che cercavano intorno e in tondo; il vento arrivava sottile e pungente. Come per scrollarmi dal torpore Flavio mi spinse con la spalla:

<<sei silenziosa questa sera>>.

Abbassai lo sguardo, avrei ricordato a lungo quel momento. Mi prese sottobraccio e lentamente mi sospinse. Mi lasciai guidare mentre lo ascoltavo:

<<ti porto a vedere la luna>>.

La luna? Mi sembrava una sera tanto buia e densa che non mi ero accorta ci fosse e infatti non la vedevo. Ero molle. Abdicai a lui la mia volontà e mi lasciai trascinare in quel nero.

<<Arrivati>>, mi disse all’improvviso destandomi da quel torpore fluido.

Spinsi in là lo sguardo, un ultimo passo, e quasi non credetti ai miei occhi: sotto di me un teatro a cielo aperto nascosto sino a quel momento dal Palazzo Senatorio. Mi avvicinai alla balaustra. Una luce bianca e irreale si irradiava in ogni direzione.

Quella sera la luna era una mongolfiera gonfia di vento. Ferma come un immenso faro rischiarava col suo freddo ogni profilo. Sotto di noi il Foro Romano mi appariva come un magazzino di quinte teatrali dismesse e accantonate.

Ero scossa. Aggrappata al passamani non parlavo per l’emozione. Sforzai gli occhi per abituarmi a quella nuova luce e a quelle nuove forme.

Mi sembrava di violare un luogo sacro, di guardare dritto negli occhi qualcosa che non mi era permesso guardare.

Respirai profondamente, mi abbandonai alla balaustra, mi sporsi con il busto in avanti e dilatai gli occhi su quel teatro lunare.

Le colonne del Tempio di Saturno accarezzate da una luna abbondante e flaccida sembravano di carta colorata.

Flavio cominciò a scattare fotografie, poi mi passò la macchina predisposta con un potente zoom che indossai come si fa per inforcare un paio di occhiali: l’architrave, i fregi, i capitelli ionici, le colonne di granito rosastro…

Intravidi qualcosa fra le basi delle colonne. Guardai Flavio che non distoglieva gli occhi dal mio viso. Riguardai nell’obiettivo.

Un gatto scuro, immobile seduto sulle zampe posteriori era lì come se stesse scrutando la vallata, testa in su e muso ad annusare l’aria. Non si muoveva, nero, pesante, lucido.

Deglutii, mi spostai con l’obiettivo per guardare la luna, ma dopo qualche secondo ritornai ai piedi del Tempio.

Uno, due, tre, quattro, cinque, forse sei gatti che non avevo visto prima dormivano ai piedi delle colonne. Tra loro il gattone nero sempre seduto diritto sulla schiena come se fosse in trono.

Un po’ stizzita ripassai la macchina fotografica a Flavio che mi chiese: << e allora?>>

<<Allora cosa?>> Feci finta che quel teatrino felino non mi avesse toccato.

<<Chiudi gli occhi>>, mi disse Flavio <<e apri i sensi a questo silenzio e a questo buio>>.

Rimanemmo con le palpebre serrate per qualche minuto. Credetti, dal torpore dei muscoli, di essermi addormentata per qualche secondo. Sentivo l’aria fresca che cristallizzava quelle sensazioni. Aprii gli occhi e come dopo un momento di lunga cecità all’inizio non vidi bene.

Il mio viso era rivolto al podio della Basilica Giulia e ai suoi gradini sottostanti; quell’immenso rettangolo pieno soltanto di qualche semicolonna decapitata sembrava un campo di calcio senza giocatori.

Non era così. Dovetti ricredermi. Una colonia infinita di gatti popolava quell’area vuota di storia. Molti erano addormentati sui gradini, altri accovacciati sulle colonne o sui pilastri. Ma la maggior parte passeggiava con passo lento all’interno del perimetro della basilica. Un tappeto felino in movimento.

<<Ti presento i veri cittadini di Roma>>, mi sussurrò Flavio stendendo una mano come si fa per annunciare l’entrata in scena di un artista. Mi stavo perdendo in quei piccoli e lenti movimenti mentre cercavo di dare un senso a quello che vedevo.

Ero spaventata da quella folla felina, spaventata da Flavio che mi aveva portata lì, spaventata da quelle centinaia di iridi fosforescenti e intermittenti che il buio sollecitava e che si diluivano rimandandomi l’immagine di un prato colmo di lucciole.

Guardavo Flavio e fingevo di non sentire i miagolii che piano piano il vento ci riportava amplificati. Lamenti, richiami, conversazioni feline si trasformavano in cantilene. Il brusio animale diventava sempre più familiare man mano che mi abituavo allo stridore di quei suoni. Mi pareva di cogliere parole.. frasi..

Feci un passo indietro e strizzai gli occhi per abbracciare con lo sguardo la massima porzione di quello spazio. Erano infiniti, mobili, urlanti i gatti che vivevano e popolavano il Foro muovendosi al suo interno come in una sagra di paese affollata.

Suggestioni mi dicevo: la notte, la luna, il mio stravagante amico.

Avvertivo la presenza di Flavio che con voce calma mi parlava in un orecchio dello spirito degli antichi romani che si incarnava di notte nei gatti di Roma. Con l’altro orecchio, invece, mi sembrava di udire sferruzzamenti, voci umane, litanie, applausi e grida. Mi vennero in mentre le descrizioni di Plinio il Giovane sugli affollati processi a cui i romani partecipavano in massa.

Era davvero troppo. Un tonfo. Il buio. Silenzio.

Il suono sordo e metallico del telefono fu come uno squarcio improvviso.

<<Pronto>>, sentii la mia voce rispondere bassa e cupa.

<<Sono Flavio, ti aspetto sotto al portone da oltre mezz’ora, cos’hai deciso? Scendi o no?>>

Mi ci volle un lungo attimo per realizzare che mi ero addormentata aspettando Flavio. Balzai in piedi. La borsa. Le chiavi. Uscii sbattendo la porta.

<<Ciao Flavio, scusa, mi sono addormentata>> gli dissi vedendolo appoggiato sul cofano dell’auto a braccia incrociate.

<<Ti perdono, dai sali in macchina>>. Sui sedili posteriori la sua macchina fotografica. Il motore si avviò rumorosamente mentre, come da lontano, sentivo Flavio che mi diceva:

<< Stasera ti porto a vedere la luna>>.

Sprofondai nel sedile e socchiusi gli occhi. Sapevo che saremmo andati a caccia di gatti.

Jessica Carrieri

Articolo da: Artoong

Premio nazionale letterario fotografico “Roma nel tempo”

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Un po’ emozionato, ancora visibilmente sopraffatto dall’inaspettato ritorno al successo dovuto al singolo “Bang Bang!” tratto dal suo ultimo album, dopo averci presentato tutti i componenti della sua band – la cantante Ottavia Fusco, il dj Coccia (Antonello Aprea), il bassista Ciccio (Mario Rivera) e alle tastiere Gionfri (Gianfranco Mauto) – il leader protagonista di questo spettacolo racconta ad un immaginario intervistatore di nome Red (evidente il riferimento a Red Ronnie e al Roxy Bar) il suo passato di star travolta dal mondo del rock, fatto di mondanità, frenesia, donne e soprattutto droghe di ogni genere. Ma ne parla in maniera quasi innocente come giustificandosi ed ispira simpatia mentre beve tranquillo il suo the caldo, cercando di convincerci che ormai ne è fuori.

Ricorda, così, la prima esperienza “mistica” o addirittura – come dice, esaltato, lui – “esoterica” in cui, sotto effetto delle droghe, riuscì a produrre musica di alto livello con i suoi amici musicisti. Rivederlo e ascoltarlo mentre interpreta di nuovo quei brani, a distanza ormai di 10 anni dalla loro nascita, ispira a tratti persino un po’ di compassione… e forse è per questa ragione che la Fusco lo interrompe con una risata quasi disperata.

Questo breve excursus introduttivo che ci narra il passato della band arriva al culmine quando un giorno il leader rimane “fulminato” da una frase banale, piena di luoghi comuni, pronunciata dal presentatore di un talk show e ascoltata per caso alla tv, che lo porta a decidere di farla finita con le droghe.

Edoardo riesce a raccontare ogni aneddoto, più o meno significativo, con una leggerezza ed una spontaneità incredibili, si tratti di descrivere momenti all’apparenza drammatici o semplici bravate: il nostro leader se la cava sempre con un sorriso, facendo apparire tutto come la conseguenza naturale ed ovvia delle circostanze.

Il primo brano tratto dall’album presentato si intitola “Noi siamo il mondo”, versione italiana chiaramente parodistica di “We are the world”. Il testo dice tutto: “Viviamo in una fogna immensa in un mondo di merdaaaa!” canta la band con passione ed enfasi e parte del pubblico si piega dalle risate, ma forse dentro ciascuno di noi nasce una riflessione su quanto sia verosimile la situazione descritta in quel brano, facendo un raffronto con la condizione che viviamo oggi…

Si passa poi al secondo brano dal titolo “Essere cane” e con esso si delinea pian piano la differenza sempre più marcata tra i personaggi presentati in ciascuna canzone (e nel nostro caso sul palco). Protagonista stavolta è un cane – e senza risparmiarsi Edoardo abbaia e scodinzola abilmente per calarsi nella parte – che ci presenta il suo punto di vista, il mondo umano, quello che definisce “normale”, visto dalla sua prospettiva di cane dell’italiano medio. Valuta l’ipotesi di ricercare anche lui una “vita normale” ma l’abbandona subito: il suo sogno è diventare ricco e famoso per azzittire tutti quelli che lo hanno umiliato in passato, augurandosi così di ottenere una parvenza di rispetto… ma non appena il discorso si fa troppo serio, ecco che per sdrammatizzare e giustificare tutto, Edoardo riprende ad abbaiare e scodinzolare, per non rendere i toni mai eccessivamente pesanti e fingere che si tratti sempre solo di uno scherzo, anche se in conclusione -  ci dice – lui è l’unico che sa di essere un animale mentre tutti noi “normali” siamo ciechi a non accorgerci di appartenere alla sua stessa razza…

Il terzo brano è “L’ultimo amico va via” ed il protagonista qui è il bassista Ciccio che si trova a un passo da un matrimonio non desiderato solo per via di una scommessa persa. Quello che viene descritto è il suo folle addio al celibato – con qualche accenno disilluso sull’amore e la vita matrimoniale ai nostri giorni – e se il contenuto del racconto è quasi inconsistente (non succede nulla di davvero interessante o significativo), la ricchezza della narrazione sta in una serie di piccole trovate a livello linguistico, che riescono a catturare l’attenzione dello spettatore, come quel tornare continuamente al momento in cui Ciccio “strizza il coso del ketchup in faccia al butta fuori”.

Si va ancora avanti con “Qui si sta bene” dove Sylos Labini si trasforma magnificamente in un fragile disadattato metropolitano che si accontenta di vivere ogni giorno con un tramezzino tonno e pomodoro, un caffè, una sigaretta, il giornale e un posto per dormire. È estremamente semplice ed efficace nei suoi ragionamenti, balbetta un po’, ha un sorriso aperto ed ingenuo, si accalora per l’aumento del prezzo del caffè e ci dice così che ha deciso di privarsi anche di quei due piccoli vizi, il caffé e le sigarette. Ci fa una tenerezza incredibile, quando da inguaribile ottimista conclude che “Un bicchiere mezzo pieno è… meglio di niente, ecco!”.

Il brano numero 5 è “Sono una trans, non sono una santa” ed è uno sketch breve e leggero, il sesto invece “Top manager”  Vede entrare il trasformista Edoardo alle spalle del pubblico nei panni di un uomo d’affari che parla al telefono arrabbiato col suo avvocato e passando tra le file delle poltrone ci trasmette tutta la sua agitazione. Tutto l’episodio consiste in un susseguirsi di telefonate di ogni genere in cui il protagonista si trasforma ogni volta indossando una maschera diversa per rispondere alle esigenze di ciascun interlocutore e dirgli sempre quello che vuole sentirsi dire. Intelligente l’idea di usare un apparecchio telefonico diverso per ogni chiamata, che ne rappresenti il più possibile il carattere (come quello fuxia a forma di labbra, per la telefonata clandestina all’amante).

Il settimo brano “Scarfeis” parla di un boss camorrista che proclama “C’è chi è nato per servire e chi per comandare” ed offre la sua prospettiva cinica della realtà, comandata da un Dio che segue i suoi umori ed esercita un potere senza giustizia né pietà.

Arriviamo alla conclusione: il brano numero 8, dal titolo “Bang Bang!”. L’uomo è ormai visto  come un topolino in gabbia che deve far girare la ruota sempre più veloce senza un senso né una direzione perché “Se non facciamo quello che ci dicono di fare… perdiamo tutto”. Si immagina un futuro non troppo lontano in cui il mondo sarà controllato da macchine e videofonini privi di emozioni. Secondo questa prospettiva, anche l’uso di droghe rischia di essere giustificato “Secondo voi perché la gente si fa le canne? Perché se fosse lucida mollerebbe tutto e smetterebbe di vivere”.

Il leader comincia così a spogliarsi – è, a questo punto, Edoardo che si spoglia del personaggio e dell’arte – fino a rimanere in mutande, mentre ci spiega che l’unico modo per sfuggire a questo sistema è non fare niente e non produrre più nemmeno l’arte, limitandosi a crearla nella propria testa, dove nessuno può entrare.

L’espressività di Edoardo Sylos Labini non conosce limiti ed è questo che ci conquista. Riesce a sostenere per un’ora e mezza il palco, quasi completamente da solo e ad esserne protagonista assoluto senza esitazioni, anche grazie a tante piccole trovate e dettagli importanti – quel berretto rosso calzato con la visiera di lato, i pantaloni che calano e scoprono la pancia esibita con tanta disinvoltura.

Tutto lo spettacolo è costruito con cura dei dettagli, il testo è riscritto in maniera coerente ed uniforme, cercando continuamente di affrontare tra le righe con apparente leggerezza ed evitando la seriosità, argomenti e situazioni terribilmente attuali e cocenti.

Non ne sbagliano una quelli della “band”, che sostengono e caricano la narrazione con una scelta perfetta di  suoni e musiche; da notare l’intervento discreto ma efficace alla fisarmonica di Gianfranco Mauto nel settimo episodio.

Laura Mancini

Articolo da: Artoong

Bang Bang

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Lodevoli, poi, gli intenti che muovono l’Associazione “I Fools” in tutte le iniziative realizzate fin dall’apertura della sala, durante la scorso inverno, ad oggi, tutti volti ad avvicinare il quartiere all’arte popolare ma di buon livello a costo bassissimo ed allo stesso tempo a dare ai giovani artisti spazi per esibirsi, sempre a costi sostenibili.

Venerdì  2 Ottobre i ragazzi della compagnia Fools, che curano appunto la direzione artistica della sala, hanno scaldato simpaticamente l’atmosfera con una piccola sigla/presentazione introduttiva, visibilmente emozionati ed entusiasti.

A seguito di questa prima semifinale, sono passati alla finale del 10 ottobre 3 corti: poco mi convince il primo, un adattamento da Jaques Prévert, “Il cavallo solitario” per la regia di Cristina Spizzamiglio. La prima parte del corto è noiosa ed incomprensibile: le due giovani protagoniste si sfidano in un gioco dal significato oscuro usando quattro pupazzetti “Mio Mini Pony” a testa. “Trovare una relazione mantenendo una distanza…” vanno declamando nella loro insolita partita a scacchi. Ha scritto la compagnia, nella presentazione di questo lavoro, che chi alza la voce fuori dal coro non viene ascoltato e la poetica di Prévert, in tal senso, rivela una scomoda attinenza con la nostra civilissima realtà… e così le ragazze/cavalle si mettono a gridare “imbizzarrite” le lamentele dell’animale che decide di ribellarsi ai maltrattamenti subiti dall’uomo. Ma il significato non passa, la messa in scena è frammentaria e non assume una direzione chiara e l’interpretazione lascia a desiderare.

Il secondo è “Vacanze d’estate”, testo molto bello, decisamente più chiaro e comprensibile, tratto dall’opera di Quim Monzò, diretto ed interpretato da Teodora Grano e Daniele Bernabei. La giovane coppia alle prese con un tema drammatico come quello dell’aborto è presentata dall’autore catalano in maniera a tratti cinica a tratti grottesca. Brava ed espressiva la protagonista femminile (anche se dovrebbe tirar fuori un po’ di più la voce), buone le pause, le variazioni di toni, la mimica del volto; va bene anche il marito che, da semplice comparsa distratta quale può sembrare all’inizio, fa invece poi davvero suo il personaggio. Toccante l’umanità dei due coniugi che anche nell’assurdità della situazione presentata, fanno emergere, commuovendoci, il loro desiderio di essere genitori.

Il terzo finalista ci ha rallegrato un po’: si tratta di “Dopo le Ventiquattro” scritto, diretto ed interpretato da Angela Bruni e Elena D’Angelo che si presentano come compagnia di cabaret dell’assurdo “Idiomi e idioti”. Le due ragazze perdono troppo tempo nell’allestimento – per carità, accuratissimo e grazioso – della scena e nei cambi d’abito – anche quelli scelti bene – che avvengono davanti ai nostri occhi. Sembrano addirittura provarci gusto e mostrano in questo una punta di presunzione. Sfuggono, in alcuni momenti del primo sketch i legami che dovrebbero essere dettati dal linguaggio, nella conversazione astratta tra marito e moglie e sono forse solo le loro “facce buffe” a far sorridere. Più caricaturale e ilare e riuscita, nel secondo sketch, l’interpretazione delle due vecchie pettegole.

Non è passato in finale, invece, “Wafer al cioccolato”, testo di Lucia Lasciarrea, per la regia di Antonella De Angelis.

Sabato 3 Ottobre sono stati scelti altri due finalisti, dai 5 corti presentati. Il primo è “Dulcinea va a sposare” di Francesca De Rossi, per la regia di Massimo Roberto Beato e Jacopo Bezzi. Protagonista Dulcinea, interpretata da un’intensa Nicoletta La Terra, la quale ogni volta che tenta di diventare sposa di un uomo, vede ricomparire il fantasma del suo primo amore carnale, Don Chisciotte, qui realizzato con forza e presenza scenica da Francesco Montanari, e spinta dall’esasperazione si trova  a chiedergli di portarla con lui nel mondo degli inferi. Un corto breve, conciso, completo, che alterna rapidamente ed efficacemente umori e sentimenti senza dimenticarsi mai dello spettatore.

L’altro finalista è invece “Il cantico del lamento”, scritto e diretto da Davis Tagliaferro, consiste in un monologo interpretato da Annarita Colucci. La ragazza – davvero troppo giovane per farci vedere, anche con tutto il lavoro di trucco, una donna anziana nei suoi atteggiamenti e nelle sembianze – declama il testo dando l’impressione di viverlo poco e risulta artificiosa, fredda, finta. A poco servono, così, le bellissime musiche, il testo interessante, riflessivo ed interiore e dell’atmosfera “inquietante” preannunciata dalla compagnia nella presentazione del lavoro non arriva nulla. La protagonista è una donna che rifiuta la sua esistenza e da questa condizione dovrebbe sgorgare il lamento, lo sfogo. Persino il costringersi a stare su una sedia a rotelle si rivela una scelta dovuta alle profonde insicurezze della donna, che è arrivata a considerare quell’inutile oggetto il suo trono. Ma ahimé, questo “esplodere” della tensione emotiva della protagonista non è reso minimamente e neanche le lacrime che abilmente l’attrice riesce a far sgorgare nel finale riescono ad andare oltre l’esercizio tecnico e a commuovere.

Non passano, invece, i corti “Mogli ebree alle ceneri” tratto da Brecht e Pinter, di e con Daniela Ferri, “Il gioco del silenzio” scritto, diretto ed interpretato da Massimo Dobrovic e “Nuovo Ordine Mondiale” ispirato ad un testo di Harold Pinter e riadattato e diretto da Rosario Mastrota, con Laura Garofoli e Desirée Cozzolino.

E veniamo alla finale: i tre Corti premiati dal Festival proclamati a conclusione della sera di sabato 10 Ottobre non hanno vinto denaro, ma luoghi, sostegno tecnico e pubblicità per poter rappresentare gli sviluppi delle proposte in concorso. Il coordinamento  delle attività proposte e la direzione artistica saranno a cura dell’Associazione culturale Fóòls, patrocinata dall’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio D’Amico.

Non sono mancati i “colpi di scena”: due dei corti passati in finale non si sono potuti presentare e così è stato ripescato “Nuovo ordine mondiale” e a concorrere per i 3 premi (più quello del pubblico) sono state quattro compagnie.

Vince il primo premio ed anche il premio del pubblico “Il cantico del lamento”: stavolta vediamo la protagonista godersi un po’ di più il testo con tutte le sue pause, anche se c’è ancora molto lavoro da fare sulla mimica facciale e nella costruzione del personaggio.

Il secondo premio va proprio ai “ripescati”: “Nuovo ordine mondiale” stavolta presenta una performance un tantino più uniforme e credibile ma anche a loro auguriamo di sfruttare bene il tempo a venire per arricchire lo spettacolo di contenuti, che altrimenti, dopo la simpatica introduzione musicata e coreografata con grande cura dei dettagli, latitano. Bravissimi ed espressivi, comunque, i tre interpreti.

Il terzo premio è per “Vacanze d’estate” che inspiegabilmente, stavolta, viene presentato con poca convinzione degli attori, i quali sembrano meno immersi nelle rispettive parti; resta però la profondità del testo e l’impressione di una grande potenzialità della compagnia.

Resta fuori il cabaret dell’assurdo “Dopo le Ventiquattro” che risulta più lento e meno coinvolgente e a differenza della prima volta, non riesce a strapparci nemmeno un sorriso: forse non è serata ma senza dubbio le due attrici devono lavorare ancora molto sulla loro coalizione.

La peculiarità del Festival è quella di proporsi come occasione di crescita e di integrazione artistica, mettendo alla pari tutte le discipline artistiche che possono trovare nel teatro il loro luogo di esposizione, senza distinzioni e ponendo nella giuria esperti di ogni disciplina artistica contemplata. È così che, a conclusione delle performance e a seguito delle premiazioni si è svolta una tavola rotonda tra giurati e compagnie partecipanti, per un interessante confronto.

Laura Mancini

Articolo da: Artoong

Grafie – Il festival delle arti performative

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Akina è un po’ lo spirito critico e leggero con cui soltanto una bambina riesce a guardare alle cose del mondo. Con il suo occhio molto particolare e la sua inseparabile macchina fotografica, Akina ci offrirà uno spaccato originale di quello che maggiormente l’ha colpita degli avvenimenti che la circondano.

Oggi Akina si presenta ai suoi nuovi lettori, sfogliate con il mouse il suo album e imparatela a conoscere.

di: Roberta Morucci

Articolo da: Artoong

Akina

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Si può solo notare che  a 100 anni esatti  dall’euforia futurista per le folle metropolitane e la velocità,  l’inizio del nuovo secolo appare assai più indeciso nella esaltazione di questi  elementi che pure continuano a costituirlo.

La fotografia ha  accompagnato la traiettoria della modernità  fin dall’inizio,  proponendo un modello esemplare di  produzione di immagini seriale e massificata  e di semplificazione meccanica, di velocizzazione estrema della manualità.  Il precocissimo rifiuto di Baudelaire di considerare la fotografia come arte  rappresenta  la più chiara espressione di un atteggiamento assai diffuso  alla metà del XIX secolo.  L’approvazione o il rifiuto del nuovo mezzo si accompagnava spesso all’accettazione entusiasta  oppure al rigetto del nuovo mondo borghese disegnato dalla prima rivoluzione industriale. L’ideologia positivista fa da sfondo culturale al primo cinquantennio dell’’invenzione fatale’.

Ma la fotografia  è troppo implicata nel rapporto con il tempo, con la sua complessità,  per non  riuscire ad esprimere anche un orientamento  inverso a quello finora descritto.

Negli anni ’30  la codificazione  bressoniana dell’’attimo privilegiato’, affidata più alla sua pratica fotografica che ai  rari  contributi teorici,  propone un modello di operatività  fondato sull’attesa, sulla sperimentazione cioè di  un tempo superfluo, sovrabbondante e lungamente inutile, e sulla cattura puntiforme e irripetibile dell’istante operata dalla decisione del fotografo.

Forse non è un caso che la lezione bressoniana abbia attraversato un cinquantennio intenso e decisivo per l’insieme delle critiche alle  forme della modernità, conclusosi negli anni’80.

E’ stato quel cinquantennio il periodo d’oro del fotogiornalismo, durante il quale l’aura svanita dalla riproduzione seriale delle stampe sembrava ricostituirsi attorno al singolo scatto, a quell’istante sottratto alla scomparsa dalla decisione di un fotografo, che rimaneva talvolta come icona emblematica di un evento storico, di una condizione umana. La fotografia di reportage, proponendosi come sbrigativo mezzo di informazione, cominciava  anche a costruire un suo proprio codice linguistico non privo di valenze estetiche,  veniva ospitata nelle gallerie, entrava nei musei.

La rivoluzione del digitale ha rischiato di travolgere questa impostazione.  Nell’ultimo trentennio il turbocapitalismo globalizzato ha  rotto gli argini che, dalla crisi del ’29, avevano trattenuto gli ‘spiriti animali’ del mercato: spreco, consumismo, massificazione, velocizzazione vertiginosa del tempo e sua conseguente scarsità, hanno raggiunto misure estreme. La rivoluzione del digitale ha   assecondato questa tendenza.

Chi oggi  impara a fotografare con una reflex digitale tende ad usarla come una videocamera, scattando a ripetizione, approssimando il limite oltre il quale il carattere discontinuo, discreto, puntiforme dello scatto fotografico si oltrepassa e si nega  in una  ripresa  del flusso temporale tendente a riprodurne la continuità. Il tempo dell’attesa, il suo vuoto, viene riempito da uno spreco di scatti. Poi, davanti al monitor, si sceglierà quello migliore.

Le fotocamere digitali non comandano ma assecondano la produzione del superfluo, una specie di  bulimia produttiva, di pulsione dissipativa, e la conseguente  disattivazione del dispositivo bressoniano fondato sull’attesa dell’attimo privilegiato.

Una recente mostra a Rovereto  di Lillo Rizzo  riassume bene  l’incrociarsi delle traiettorie percorse dalla fotografia negli ultimi   decenni, il loro articolarsi  all’interno di  un itinerario professionale che registra in modo assai marcato la crisi  determinata dall’irruzione del digitale.

La mostra raccoglie 15 scatti del fotografo, dalla seconda metà degli anni ’80 ad oggi. Una mostra antologica essenziale, quindi.

Se si osservano le date, la maggior parte delle fotografie scelte appartengono al primo decennio della sua produzione,  segnato dall’uso esclusivo della pellicola.

Fin dall’inizio la  fotografia di Rizzo si orienta verso le periferie geografiche e sociali e verso una decisa impostazione bressoniana: geometrie, a volte complicate dall’uso del 28 ml., e attesa paziente dell’attimo in cui la realtà ‘si mette in posa’.

Se lo spreco delle risorse e la scarsità  di tempo abitano le metropoli, le periferie ospitano una drammatica scarsità di risorse ed  uno spreco, una  inutilizzata sovrabbondanza di tempo: ma per il fotografo    quello spreco è una risorsa, quella sovrabbondanza non è inutile. E’ la premessa, al contrario,  della sua vigile attitudine contemplativa. Le periferie di Rizzo ospitano anche una marginalità ed eccentricità dei corpi, dei gesti, degli sguardi, del gioco casuale delle apparenze, che restituisce la  fotografia  alla sua antica   attitudine predatoria dell’improbabile.

In Marocco, India, Nepal, ma anche al manicomio di Agrigento, Rizzo non ha solo descritto frammenti di vita profondamente segnati dalla scarsità delle risorse e dalla  marginalità sociale, ma  ha  raccontato della  periferia  anche quella temporalità rallentata, al cui interno le sue attese hanno lungamente preceduto la decisione dello scatto, il prodursi di una epifania, e in cui è  riconoscibile   la disposizione ‘zen’ di tanta fotografia bressoniana.

Sono le  sue foto  migliori, spesso risolte in geometrie  ardite, al limite della rottura, e sostenute da  una curiosità  culturale  autentica e da una sincera  simpatia umana  per i soggetti irretiti nel gioco fotografico.

Su 15 scatti 12 appartengono a questa  produzione iniziale di Rizzo. Forse ne avrebbe potuti scegliere  altri, soprattutto fra i suoi viaggi in Marocco, però sempre del periodo   che precede l’uso della camera digitale e l’inizio delle sue collaborazioni con le agenzie fotografiche.

Significativamente nella  sintetica mostra antologica non c’è  infatti traccia   della sua estesa produzione in digitale per le agenzie e i giornali.

La mostra viene  conclusa da tre scatti realizzati negli ultimi anni, durante i quali  il fotografo agrigentino ha ripreso a fotografare esclusivamente con la pellicola.

La traiettoria di Lillo Rizzo non è paradigmatica. Straordinari reporter continuano a fotografare in digitale braccando nell’attesa l’improbabilità  dell’evento.

Rimane tuttavia, quello di Rizzo, un percorso particolarmente interessante proprio per  la maniera  in cui esibisce l’impatto che l’avvento del digitale ha prodotto sulla pratica professionale di molti fotografi. E per come, con il  suo ritorno alla fotografia analogica, sembra indicare nel recupero della migliore tradizione novecentesca una via ancora felicemente percorribile.

Fotografie di Lillo Rizzo

Articolo da: Artoong

Itinerari fotografici: Lillo Rizzo

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L”abbiamo contattato e ci auguriamo che questa intervista sia la prima evidenza di ulteriori pubblicazioni in cui avremo il piacere di seguire il suo peregrinare in quel continente. Rimarrà in Sud America fino al febbraio 2010. In questa intervista ci risponde da Lima dove è andato per cambiare il biglietto aereo del ritorno. Tra qualche giorno partirà per Lucanas a sud del Perù.

Artoong: perchè il Perù, perchè il sud dell’America?

L.R. : Il  Perù e’ stato una scelta casuale. La mia compagna doveva fare delle ricerche in questo paese, tra il 2004 e il 2005, e io ho deciso di seguirla. In quel periodo abbiamo viaggiato per buona parte dell’America Latina, dove ho realizzato diversi reportages, dai “paseros” in Bolivia alle vittime della violenza politica in Peru, dai bambini di strada ai “Cartoneros”di Buenos Aires. A febbraio di quest’anno sono tornato nuovamente per continuare il lavoro fotografico che avevo iniziato. L’ultimo lavoro completato e’ stato quello sulle miniere di Potosi in Bolivia. Penso di restare in America Latina sino a febbraio del prossimo anno.

Artoong: ti consideri un nomade?

L.R. : Credo di si, mi piace viaggiare molto, conoscere, vedere, e soprattutto imparare… Forse si tratta di un modo per confrontarsi con se stessi. Nelle situazioni estreme devi confrontarti prima di tutto con te stesso, e quindi capisci se hai delle capacità o meno, perché non hai possibilità di replica, o di smentita. Non puoi sbagliare. Mi sono interessato ai sud del mondo, e questo mi ha portato a viaggiare otto volte in Marocco, due volte in India e Nepal. Ho vissuto per un anno in America Latina, viaggiando tra il Perù, l’Ecuador, la Bolivia e l’Argentina. Mi spinge, come dicevo, la curiosità di conoscere e di vedere.

Artoong: la tua fotografia è racconto/denuncia/testimonianza?

L.R. : La foto può essere tante cose. Racconto, denuncia, testimonianza. Quello che cerco di fare è di raccontare, con le mie immagini, storie e questioni sociali, situazioni di persone che non hanno “parola”, che vivono ai margini. La fotografia è prima di tutto un modo per conoscere e raccontare storie e persone. Per questo faccio fotogiornalismo. Io mi sento “un cane sciolto”: ho bisogno di andare da solo, fermarmi un’ora ad un incrocio, parlare, perdere tempo. A volte aspetti e non succede niente; a volte aspetti e, oltre alla luce per cui ti sei fermato, si innesca anche il resto.

A me piace concentrarmi su un luogo fisico, e, attraverso la sua rappresentazione, parlare anche di altro. Con la macchina fotografica voglio cercare di dare dignità a queste situazioni, cerco di esserci. Ed è anche fondamentale la buona tecnica, la sensibilità, l’originalità dello sguardo, l’onestà nel racconto: sono tutti elementi necessari che si esprimono al meglio se sono accompagnati da un lavoro giornalistico rigoroso, fatto di contatti, fonti e raccolta d’informazioni accurate. Un altro ingrediente fondamentale è il tempo: non si può pensare di cogliere il senso di una realtà sfiorandola superficialmente.

Artoong: curiosità- interesse- solitudine- paura- condivisione- rabbia. quali di queste parole ti sono maggiormente compagne in questo viaggio?

L.R. : Credo che mi accompagnino tutte…  La curiosità, pero’, e’ il motivo primo che mi porta a muovermi per capire le cose e i fatti stando sul posto, guardando con i miei occhi e parlando con la gente. E, ancora, il pensiero e la speranza di riuscire a smuovere la coscienza di qualcuno attraverso le foto realizzate che raccontano fatti e aspetti legati al sociale, è già una gratificazione. Come per le persone, per me vale anche il posto.

Artoong: quando nasce la tua passione per l’immagine?

L.R. : Ho iniziato in una strana maniera: con la camera oscura. Mi piaceva vedere stampare le foto a casa di un mio amico, mi sembrava una cosa magica, tutta l’atmosfera è magica: la stanza buia illuminata da una luce soffusa rossa e, soprattutto, vedere come da un foglio bianco immerso nell’acido spuntava l’immagine. Tutto ciò mi affascinava e continua ad affascinarmi. Questo l’ho fatto per qualche anno, prima di iniziare a fotografare. Poi, in un primo viaggio in Marocco, compro una macchina fotografica: una Yashica F3X super, tutta manuale. Siamo nel 1984. Arrivo un po’ tardi alla fotografia, sono “vecchio” ma ho l’entusiasmo e la curiosità di un bambino, che si stupisce per le cose che vede attraverso l’obiettivo. E’ da li che inizio a fotografare in b/n. Fotografo tutto ciò che mi colpisce, che mi incuriosisce, soprattutto seguo la “luce”. Il primo vero reportage lo faccio ad Agrigento. Insieme a un altro fotografo, Tano Siracusa, cominciamo un lavoro durato più di sei mesi all’interno dell’ospedale psichiatrico, documentando il disagio mentale, ma principalmente lo stato di abbandono in cui si trovavano i pazienti. È sconvolgente vedere i ricoverati che gironzolano nudi in spazi enormi o che stanno in mezzo all’urina e le feci, quel cattivo odore che le foto non ti trasmettono. Il reportage non riusciamo a venderlo. Così organizziamo una mostra denuncia e da li scoppia lo scandalo sull’Ospedale psichiatrico di Agrigento.

Artoong: il rapporto tra la tua fotografia e il tempo

L.R. : Per me e’ importante “l’attesa” della buona luce, del soggetto, della situazione che si crea. Il termine fotografia, per me, significa “scrittura con la luce”: io l’ho preso alla lettera. È quella scintilla che mi incastra in un luogo e mi obbliga a scattare finché non sono contento; oppure, incontro una persona, cerco di fare delle foto e non funziona, allora dico: ”seguila, sali con lui nella metro, sul treno… e aspetta che la foto ti scelga”, e magari poi sento qualcosa che mi dice di scattare. Adesso lavoro solamente con una Leica M6, con un 50mm summicron 1:4, e con una contax g1, con 28mm, 35mm e 45mm, pellicola rigorosamente in b/n, T-Max 400 , Tri-X o Ilford HP5. Per me è importante che la macchina fotografica venga vissuta come un prolungamento del proprio corpo: di solito giro sempre con un solo corpo macchina e una sola ottica.

Artoong: quando e se la fotografia diventa arte?

L.R. : Non so se la fotografia e’ arte, la fotografia da “parete” non mi interessa. La fotografia deve raccontare la storia.  L’arte è sempre stata al servizio di un potere: a volte quello religioso, a volte quello politico, altre quello industriale. D’altra parte l’artista deve sempre confrontarsi con il mercato. Ma l’arte deve trascendere il potere per il quale lavora, deve riuscire a lanciare il dubbio, e questo è difficilissimo. Il rapporto tra fotografia e arte non è propriamente identificato nel confronto diretto tra le due, ma piuttosto nell’utilizzo che si fa della fotografia nell’arte. Questo è il concetto. Quindi penso sarebbe bene mettere da parte anche lo pseudo dilemma tra fotografo-artista o artista-fotografo. La fotografia è una forma espressiva che si può definire ambigua, e non veritiera.

Artoong: Hai un progetto prima di partire, o segui l’ispirazione del luogo?

L.R. : Mi ritengo un fotografo di “strada”. Cerco sempre di documentarmi sul posto dove vado, parto magari con un progetto, ma una volta sul posto l’abbandono, perché capita che leggendo su qualche quotidiano una notizia breve questa stimoli la mia curiosità. Come è stato, per esempio, in Perù, dove avevo letto una “breve” su un quotidiano sul ritrovamento di una fossa comune risalente al periodo di “Sendero Luminoso”. Questo mi ha portato ad Ayacucho per realizzare un servizio sulle vittime della violenza politica, realizzando una serie di ritratti ai parenti delle vittime. Non si trattava semplicemente di fare delle foto. E’ stato per me umanamente emozionante, e spesso mi veniva la pelle d’oca a sentire le storie drammatiche e dolorose che queste persone mi raccontavano. Mi hanno fatto capire cos’è il “dolore” e la sofferenza. Oppure, un’altra storia che mi ha colpito, è stata tra La Bolivia e l’Argentina: avevo trovato una storia sui “paseros” o “uomini mulo”, quasi quattromila persone, tra cui donne, bambini e anziani che lavorano portando addosso sacchi di 70 chili, a volte anche due, da una frontiera all’altra per un dollaro al giorno; persone sfruttate che lavorano 12 ore al giorno senza alcun diritto. Tutto questo, per me, è stato sconvolgente. Mi sembrava un girone infernale. Sono stato li una settimana a cercare di capire perché tutto ciò possa accadere, persone che sfruttano i propri simili…

Artoong: vuoi dirci qualcosa di “come sei vissuto” dalle persone che incontri?

L.R. : Dal punto di vista pratico cerco sempre una persona del posto, e passo un sacco di tempo “lavorando” sui rapporti con le persone locali per far capire loro che non sono il classico fotoreporter che arriva per fare la foto d’agenzia e se ne va. Ci vuole umanità, voglia di stare con la gente e soprattutto di mischiarsi a loro con umiltà. In generale cerco di stare con le persone, non vado mai nei grandi hotel, se devo dormire in pensioni me ne scelgo una marginale, semplice, per far capire che sono una persona umile. E poi se possibile mangio con le persone che voglio fotografare, dormo con loro.

Artoong: Un’altra questione riguarda la qualità formale di questo tipo di fotografia. Come mantieni l’equilibrio tra l’aspetto estetico e quello “documentario”?  Ti senti “autore” o “interprete” delle immagini che scatti?

L.R. : Non è una questione di sentirsi autore o interprete. Hai una buona foto quando tutti gli “elementi” si trovano al posto giusto. Diceva Henri Cartier-Bresson che tutti gli elementi si devono trovare nello stesso asse: occhio, mente e cuore. Oppure Robert Capa cercava sempre di essere il più vicino possibile alle situazioni che documentava. Infatti, sosteneva: se le tue foto non vanno bene, vuol dire che non ti sei avvicinato abbastanza. Per me bastano queste risposte.

Il sito di Lillo Rizzo

Intervista di Patrizia Genovesi

Fotografie di Lillo Rizzo : tutti i diritti riservati

Articolo da: Artoong

Intervista al fotografo Lillo Rizzo

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Da un testo “profetico” di Bogosian del 1992 alle problematiche della nostra società

Martedì 7 luglio 2009, alle ore 21 30 presso Macro Future Testaccio, in anteprima nazionale ZTL Associazione Culturale presenta “Bang Bang !!”. Una famosa band musicale ed il suo leader presentano al pubblico il loro nuovo album “Bang Bang!!”, composto da sette pezzi più il singolo che da il nome alla rappresentazione. La prima  si svolgerà quindi nell’ambito di “Roma in Scena (Estate romana)” evento organizzato dall’Ass. alle Politiche Culturali del Comune di Roma ed in seguito la compagnia sarà in tour, tornando a Roma presso il Teatro Cassia dal 14 al 20 Ottobre 2009.

Lo spettacolo, che vede Edoardo Sylos Labini all’opera per la terza volta in questa stagione teatrale, ancora con un lavoro ed un’idea completamente nuovi, si presenta come un’occasione per ridere delle nostre nevrosi di massa: ma ridere non è necessariamente un sintomo di divertimento.

Protagonisti della scena, sono infatti otto caratteri che affrontano quello che stiamo vivendo politicamente, socialmente ed affettivamente ai giorni nostri, in una irrefrenabile ed ironica compilation di personaggi in deflagrazione. Si passa dall’artista disilluso alla trans neomelodica, dal manager iperteso al cane dell’italiano medio, dal boss camorrista anti–Saviano fino al fragile disadattato metropolitano.

“Bang Bang !!”, omaggio al profetico “Sesso Droga E Rock ‘N Roll” (1992), è un ironico canto disperato di chi sa che ormai non è più lecito nemmeno il desiderio di poter esser ciò che si vorrebbe essere… forse di ciò che si dovrebbe essere.

Sylos Labini presenta la sua nuova “stand up commedy”, coaduivato da un juke box vivente, Ottavia Fusco e dalla sua “strampalata” e straordinaria band, il dj Antonello Aprea (Coccia), il bassista Mario Rivera (Ciccio), le tastiere di Gianfranco Mauto (Gionfri).

Novanta minuti esilaranti che fanno da specchio distorto dei nostri giorni.

Ce ne parla l’ideatore ed interprete, Edoardo Sylos Labini.

- Come ti è venuta l’idea di questo soggetto, quanto hai tratto ispirazione dalla realtà quotidiana e quanto da Sesso Droga E Rock ‘N Roll?

“Sesso Droga” è stato il punto di partenza. Il profetico testo di Bogosian ci ha raccontato nel 92 quello che sarebbe successo nella nostra società occidentale. Bogosian parla però dell’era Reaganiana e di fatti avvenuti in quegli anni negli Stati Uniti; venti anni dopo situazioni simili sono si sono verificate qui da noi. Io ho preso spunto da quel climax, per dipingere otto

personaggi della nostra società italiana in deflagrazione. Non si tratta di un adattamento ma di una riscrittura, un omaggio ad una drammaturgia ancora tagliente e dissacrante.

Mi interessava parlare della nostra vita quotidiana, dei nostri fantasmi, di ciò che viviamo freneticamente e famelicamente ogni giorno. Dopo il positivismo del Futurismo la sua speranza verso il futuro ed il progresso, mi sembrava giusto raccontare il nichilismo che 100 anni dopo ha attanagliato la società occidentale.

- Come ti sei preparato per interpretare il tuo personaggio, chi ti ha aiutato?

Il lavoro che faccio da anni con il mio staff e più in particolare con il dj Antonello Aprea è un percorso di costruzione di spettacolo ormai collaudato: arrivo all’interpretazione di un personaggio

appoggiandomi alle musiche, alle sonorità che provengono dalla consolle dj. La drammaturgia diventa come una partitura ed il personaggio esce, si materializza quasi da solo. Non c’è psicologia del personaggio per arrivare all’interpretazione, c’è suggestione, “pancia” applicata ai suoni di un

vinile ai rumori musicati. Ormai è una mia cifra  è un linguaggio che un critico anni fa ha ribattezzato discoteatro. In questa nuova avventura oltre ad Aprea poi sono accompagnato da due straordinari musicisti Mario Rivera al basso e Gianfranco Mauto alle tastiere e dalla bravissima interprete Ottavia Fusco, presenza dark di “Bang Bang!!”.

- Che reazioni speri di ottenere dal pubblico?

Voglio far divertire il pubblico (abbiamo bisogno di ridere) ma farlo anche ragionare, far fare allo spettatore i conti con se stesso. Tutti i personaggi che affronto hanno qualcosa di ognuno di noi.

- Non hai paura di disorientarlo, presentandoti sempre in una veste ed in un genere totalmente nuovo?

Essere eclettici oggi è una risorsa basilare per un attore. Bisogna adeguarsi al mercato: saper recitare in una soap, in uno spot, in un film, in uno spettacolo classico in uno di sperimentazione. Esser pronti al cambiamento senza ridicole snobberie, in un momento come questo dove più che mai i cast si fanno tra ville e ristoranti ed è necessario farsi trovare sempre preparati per poi dimostrare sul campo quello che si sa fare. Al pubblico il giudizio.

- Nello staff di “Bang bang!!” tornano dei nomi a fianco dei quali ti sei già trovato a lavorare. Come è nata questa collaborazione e credi che proseguirà ancora con altri spettacoli?

Come ti dicevo prima, Antonello Aprea è un prolungamento delle mie ideazioni è il mio deus ex machina, senza la sua presenza dovrei sicuramente rivedere il mio lavoro…

- Questa è stata per te una stagione davvero intensa e di successo: “Rum & Vodka” portato in scena già per diversi anni consecutivi, “Donne Velocità Pericolo” che ci ha fatto scoprire un Edoardo “futurista” in occasione del Centenario del Movimento ed ora “Bang Bang!!”. E’ possibile per te dire quale di queste esperienze ti ha dato di più?

Questi spettacoli sono come dei figli per me, non posso dire che c’è n’è uno che preferisco. Li amo in modo alternato… ma l’ultimo innamoramento è per “Bang Bang!!”: è il più giovane e lo voglio viziare un po’!

- Non sei certo un interprete alle prime armi, ma in un anno teatralmente impegnativo come questo, ti sei sentito crescere in senso artistico? Cosa hai imparato, anche a livello umano?

Si cresce, per me soltanto lavorando ed in questo momento difficile per l’arte e la cultura nel nostro Paese, l’importante è creare comunque qualcosa anche sotto casa, non per forza in un teatro da mille

posti. Bisogna recuperare l’artigianato anche in campo teatrale, credere e combattere per un progetto è una grande risposta a chi vorrebbe fare della nostra Nazione un villaggio Valtur (con tutto il rispetto parlando..).

Quindi è inutile piangersi addosso ma bisogna rimboccarsi le maniche e combattere, se si ha la necessità di farlo. I soldi che ho guadagnato con la tv negli ultimi anni li ho tutti investiti nei miei progetti perché ci credo e non potrei fare altro, poi non esistono più produttori coraggiosi, il teatro

italiano si è incacrenito attorno ai soliti titoli e ai soliti nomi in via d’estinzione. Vuoi mettere la soddisfazione di fare tutto da solo… e non dover bussare la porta di nessuno? Si dorme meglio la notte!

Con: Edoardo Sylos Labini, Ottavia Fusco, Dj Antonello Aprea, Mario Rivera (basso), Gianfranco Mauto (tastiere) e con la partecipazione straordinaria di Maurizio Partino in arte Poldo. Coordinamento alla regia Stefano Reali, Disegno luci Angelo Ugazzi, Costumi Beatrice Gigli, Fonica Paolo Astolfi, Aiuto regia Giovanna Guida, Coordinamento artistico Pierpaolo De Mejo, Foto Pino Le Pera.

Laura Mancini

Articolo da: Artoong

“Bang Bang!!” di Edoardo Sylos Labini

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