Al Kunstgewerbemuseum, il Museo delle Arti Applicate di Berlino, è stata inaugurata una mostra che ripercorre il mondo di Germaine Émilie Krebs, meglio conosciuta come Madame Grès. Tra le prime grandi couturier francesi, al pari di Coco Chanel ed Elsa Schiaparelli, Madame Grès si afferma a partire dagli Anni Trenta. Tant’è che, spinta dalla sua passione per l’architettura, creò abiti per dive di Hollywood come Marlene Dietrich, Greta Garbo e Grace Kelly.

La carriera di Madame Grès

Nel 1932 apre il salone “Alix Couture”, specializzato nelle allora popolari tute sportive e cappelli femminili. Nel 1936 viaggia in Medio Oriente, dove rimane affascinata dall’abito Delphos di Mariano Fortuny: da quel momento il suo stile si orienta sempre più verso forme fluide e drappeggiate, prive di tournure e corsetti, ma rigorose dal punto di vista sartoriale. Nel 1942 torna nella Parigi occupata insieme alla figlia per ricominciare da capo. Tre anni prima, dopo il successo ottenuto all’Esposizione Universale di Parigi, aveva venduto il proprio marchio. È in questo periodo che Germaine Émilie Krebs assume il cognome del marito e diventa definitivamente Madame Grès. Gli anni dell’occupazione tedesca segnano profondamente la carriera della stilista. Rifiuta di vestire le mogli dei gerarchi nazisti e, secondo la stampa francese dell’epoca, fa sfilare esclusivamente capi blu, bianchi e rossi – i colori della bandiera francese. Nel 1943 la maison viene chiusa e Madame Grès potrà tornare a lavorare a Parigi soltanto dopo la Liberazione.

1 / 5 Exhibition “Many Shades of Grès” Photo: Staatliche Museen zu Berlin / David von Becker

2 / 5 Exhibition “Many Shades of Grès” Photo: Staatliche Museen zu Berlin / David von Becker

3 / 5 Exhibition “Many Shades of Grès” Photo: Staatliche Museen zu Berlin / David von Becker

4 / 5 Exhibition “Many Shades of Grès” Photo: Staatliche Museen zu Berlin / David von Becker

5 / 5 Exhibition “Many Shades of Grès” Photo: Staatliche Museen zu Berlin / David von Becker

La persona pubblica di Madame Grès

Per oltre quarant’anni Madame Grès costruisce una personale idea di moda francese: strutturale ma raffinata, fatta di tessuti dalle tonalità pastello, silhouette morbide e drappeggi ispirati ai pepli greci. Ammorbidisce le linee della moda del suo tempo, introducendo però una costruzione del capo architettonica. Tagli, sartoria e cuciture seguivano una visione libera e quasi scultorea. Spessorealizzava gli abiti direttamente sul corpo della modella anziché sul manichino. “Il mio migliore amico sono le forbici”, diceva lei.

La mostra “Molte sfumature di Madame Grès”

E lo si comprende in questa mostra speciale, aperta fino all’11 ottobre 2026, per cui il Museo delle Arti Applicate di Berlino espone 25 capi di Madame Grès distribuiti in nove sale. Accanto agli abiti originali della stilista, il percorso presenta accessori, borse, manichini, disegni, fotografie e oggetti tessili ispirati al suo universo creativo. Realizzata in collaborazione con la Scuola di Cultura e Design dell’Università di Scienze Applicate di Berlino, la retrospettiva Molte sfumature di Madame Grès mette in dialogo i capi iconici della designer con le opere create dagli studenti, che reinterpretano l’estetica e l’eredità di Madame Grès attraverso progetti artistici contemporanei. L’eleganza senza tempo delle sue creazioni, ispirate all’antichità classica, dimostra ancora oggi la straordinaria attualità del suo lavoro. E sebbene la maison non sia sopravvissuta fino ai giorni nostri, la famiglia Grès continua a custodire l’archivio della designer parigina. Infatti, alcuni dei suoi abiti più importanti sono oggi conservati al Metropolitan Museum of Art di New York, al Palais Galliera di Parigi e al Victoria & Albert Museum di Londra.

Vova Motrychuk

Molte sfumature di Grès. La moda diventa arte
Fino all’11 ottobre 2026
Kulturforum
Matthäikirchplatz, 10785 Berlino
https://www.smb.museum/home

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“Scrivere musica significa mettersi alla prova, non esser mai contento, scontrarsi con i lati nascosti della personalità e dell’inconscio. È un viaggio che mi arricchisce ogni giorno, come uomo e musicista”, dice Fabio Massimo Capogrosso (Perugia, 1984). Pochi giorni dopo la vittoria del David di Donatello 2026 come Miglior Compositore per Primavera, esordio alla regia cinematografica di Damiano Michieletto liberamente tratto da Stabat Mater di Tiziano Scarpa, il compositore racconta una partitura costruita tra scrittura originale e repertorio barocco, con Vivaldi al centro del racconto. Eseguita dai Solisti Aquilani, da Daniele Orlando e dall’Orchestra e Coro del Teatro La Fenice, la colonna sonora nasce dal dialogo con le immagini, con gli interpreti e con la voce interiore della protagonista Cecilia. Con lui abbiamo parlato del premio, della musica come spazio di libertà e disciplina, del lavoro con Marco Bellocchio e Francesca Calvelli, e di cosa significhi scrivere oggi dentro la grande memoria della musica per il cinema italiano.

Intervista a Fabio Massimo Capogrosso

Quanta emozione ha provato nel ricevere il premio?
Moltissima. Ricevere un premio significa vedere riconosciuto il valore del lavoro fatto, e diventa anche un’occasione per dire grazie a chi ha accompagnato quel percorso con supporto, vicinanza e sacrifici importanti. Per me condividere ogni traguardo con le persone che amo e sento più vicine è sempre la parte più bella.

Sul palco ha detto che la musica le ha cambiato la vita, l’ha resa libero ed è stata un contenitore anche per le cose brutte. Cosa vuol dire comporre partendo da questa idea di libertà?
Significa tutto! La musica esige grande sacrificio, solitudine, assoluta dedizione. L’atto creativo nella sua complessità è per me anche espressione di grande libertà creativa. È complesso da spiegare ma, anche se da una parte un compositore trascorre gran parte del proprio tempo in solitudine, in una stanza con lo sguardo perennemente rivolto alla partitura, dall’altra è proprio nel rapporto con quella partitura che il pensiero può trovare la sua libertà di espressione.

Ha iniziato da bambino col pianoforte, poi la composizione al Conservatorio dell’Aquila. Cosa c’è ancora di quella formazione nel suo modo di scrivere per il cinema?
Resta tanto, non trovo particolari differenze tra lo scrivere musica per il cinema e musica da concerto. Il mio approccio alla partitura non cambia assolutamente. Forse, paradossalmente, il cinema offre maggiori possibilità di sperimentazione e di ricerca. Bisogna saper uscire dai canoni e mettersi continuamente alla prova perché ogni film esige il suo suono, e trovarlo significa mettersi sempre in discussione.

Carlo Boccadoro ha detto che i suoi lavori sono “complessi, ma fruibili al massimo”. È complicato scrivere una musica “colta” che arrivi a chi ascolta?
Per me è una necessità. Ho iniziato giovanissimo a scrivere musica con la consapevolezza che nel linguaggio musicale trovavo la capacità di dire cose che con le parole non riuscirei mai a comunicare. La complessità della musica deve essere un’opportunità per scavare in maniera profonda, senza diventare una barriera con il pubblico. Studiare e sviluppare una solida tecnica compositiva significa acquisire tutti i mezzi necessari per poterrealizzare le proprie idee.

Primavera tra scrittura contemporanea e repertorio barocco, con Vivaldi al centro del racconto: come si trova l’equilibrio tra tradizione e ricerca del nuovo?
Conoscere la tradizione è imprescindibile per un compositore. La mia estetica musicale si è formata attraverso l’ascolto e lo studio delle partiture dei grandi compositori del passato e, in qualche modo, ne è figlia. Primavera per me è stata una preziosa opportunità per ristudiare e approfondire la musica di uno dei più fulgidi geni della storia della musica e cercare di costruire una colonna sonora che avesse una sua compattezza formale è stata per me una sfida estremamente stimolante.

Per questa colonna sonora ha scelto interpreti d’eccellenza, dai Solisti Aquilani all’Orchestra e Coro del Teatro La Fenice. Conta immaginare la musica attraverso chi la eseguirà?
Il confronto con l’esecutore è per me un qualcosa di imprescindibile. Sono grato a Indigo Film per avermi dato l’opportunità di lavorare con musicisti straordinari con cui ho costruito nel tempo un rapporto di grande stima e fiducia. Carlo Boccadoro, i Solisti Aquilani, Daniele Orlando, Orchestra e Coro del Teatro La Fenice, David Romano rappresentano un pezzo importante del mio percorso musicale e ritrovarli tutti in questo progetto è stato per me molto importante.

Il film di Michieletto nasce da una storia in cui il talento musicale è anche “costrizione”. Come ha tradotto quella tensione senza “andar sopra” le immagini?
Come sempre faccio, ho cercato di sviluppare un’idea musicale a partire dalla lettura della sceneggiatura. Pensando agli archi, e immaginando il violino come strumento di connessione tra il mondo musicale di Vivaldi ed il mio, ho pensato alle diverse articolazioni come fonte di espressione della personalità di Cecilia: lo spiccato, il pizzicato, le note sospese al ponticello in qualche modo mi portavano a raccontare il carattere di questo personaggiopotente e complesso. Poi con Damiano Michieletto c’è stato un confronto continuo che è stato per me fondamentale per la comprensione di ciò che lui voleva fosse il compito della musica in questo film. È stata davvero, anchecon il montatore Walter Fasano, una bellissima esperienza che mi ha arricchito molto.

Prima di oggi ci sono stati concorsi, festival, orchestre e istituzioni internazionali. È stata importante questa palestra nella costruzione del suo lavoro?
Qualcuno prima di me ha detto che “le gare le fanno i cavalli, non gli artisti”… Direi, quindi, che i concorsi a mio avviso contano poco, servono al massimo a offrire un pizzico di visibilità e magari nuove opportunità di collaborazione. La dedizione, lo studio, la fame di conoscenza, la libertà di pensiero, la sincerità, l’umiltà sono invece fattori imprescindibili, vera palestra per la costruzione del lavoro.

Ha ringraziato Marco Bellocchio e Francesca Calvelli per averle fatto scoprire la musica per il cinema. Cosa le ha insegnato il lavoro su Esterno Notte e Rapito?
Marco e Francesca sono tra le persone più importanti della mia vita. Ancora oggi mi commuove pensare che il mio esordio cinematografico sia stato su un capolavoro assoluto come Esterno Notte. Non basterebbero cento interviste per poter raccontare quanto importante sia stato per me e quanto io abbia appreso da loro. Però posso dire che in loro ritrovo tutti i valori di cui ho parlato in questa intervista e, in più, una smisurata quantità di purissimi talento e genialità.

Da Cannes al Soundtrack Stars Award, fino al David: come si resta fedeli alla propria voce?
Restando fedeli ai principi che stanno alla base della stesura di una partitura e di cui abbiamo già discusso.

Con CAM Sugar il rapporto nasce con Rapito e arriva a Primavera. Che ruolo ha avuto nella crescita del suo percorso? E cosa significa scrivere dentro la grande memoria della musica per il cinema italiano?
Con CAM Sugar stiamo costruendo un bel percorso. Ho la sensazione che ci sia grande attenzione verso il mio lavoro e che si faccia sempre il possibile per comprendere le mie idee e offrirmi l’opportunità di realizzarle. Questa attenzione all’aspetto artistico per me è molto importante; inoltre far parte di un catalogo che vede la presenza di compositori che davvero hanno lasciato un segno importante nella grande memoria della musica per il cinema italiano è per me motivo di grande orgoglio.

Ginevra Barbetti

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Il nostro Paese, si sa, vive un periodo molto delicato in termini demografici, economici e occupazionali. Una condizione in cui il mismatch tra competenze e mansioni richieste diviene sempre più all’ordine del giorno, e dove il tasso di over-education, al di là delle statistiche, è talmente diffuso che basta semplicemente ricorrere alle proprie esperienze personali e riflettere su quanti laureati incontriamo ogni giorno in posizioni per le quali la laurea, tutto sommato, è tutt’altro che necessaria.

Le cause della situazione attuale

Sono condizioni note, che nascono da condizioni altrettanto chiare. La prima è una dinamica di mercato: quando c’è una riduzione della domanda di lavoro da parte delle imprese, in genere, c’è un incremento della concorrenza tra chi offre lavoro (i lavoratori); tale concorrenza si traduce da un lato in una condizione occupazionale a vantaggio delle imprese, e dall’altro ad una spinta verso l’alto delle richieste espresse da quest’ultime, con il moltiplicarsi di titoli in eccesso. La seconda è invece legata ad una discrasia tra gli obiettivi comunitari e la demografia d’impresa: la spinta che negli ultimi decenni è stata impressa affinché ci fosse un tasso sempre più elevato di persone con un’istruzione formale di terzo livello è stata maggiore di quella impressa affinché ci fosse un sistema imprenditoriale in grado di valorizzare tale forza lavoro. Il risultato di questo processo, evidentemente, ha condotto a non poche contraddizioni, che nell’ambito culturale sono, se vogliamo, ancora più evidenti, perché il settore è ancora ampiamente caratterizzato dalla presenza del settore pubblico, e perché il settore pubblico è notoriamente, più vischioso (o meno agile) con la conseguenza che richiede più tempo di altri settori per adeguarsi a cambiamenti sociali.

Un caso concreto nel mondo della cultura

Un esempio può essere utile: per anni, non mesi, anni, e neanche pochi, il nostro sistema universitario ha proposto agli studenti corsi di laurea magistrale con un taglio legato al management della cultura, proponendo loro un percorso che sotto il profilo amministrativo gli conferiva un titolo di storia dell’arte. Così, all’interno della stessa classe di laurea coabitavano persone che avevano trascorso giorni, settimane e mesi a fare esercizi di riconoscimento (riuscire a comprendere da un dettaglio di un dipinto, il periodo, l’autore e nei casi più fortunati il dipinto stesso), e persone che invece si esercitavano a riconoscere, analizzando un bilancio, quali fossero le voci più critiche per una specifica organizzazione, e quali cause organizzative e produttive potessero spiegare l’emersione del sintomo (la voce di bilancio).

Il rischio di essere formati per lavori inesistenti

Una banalità burocratica, anche piuttosto noiosa, che però ha dei risvolti molto importanti sul castello di regole affastellate della nostra burocrazia: si pensi ai concorsi per i dirigenti o per i funzionari. Si pensi al necessario periodo di “gavetta”, che è necessario in ogni caso avere prima di poter padroneggiare una materia: quale gavetta per una posizione che non esiste? Non è che se una persona esce da un percorso di studi di management culturale ha la capacità reale di poter dirigere un Museo al suo primo impiego, così come qualunque altra specializzazione richiede un percorso graduale. E quindi il risultato finale: oggi, probabilmente, l’Italia conta tra i suoi cittadini un numero di potenziali direttori (manager) di museo più elevato del seppur cospicuo numero di musei sul territorio nazionale. E contemporaneamente, la maggior parte dei direttori di Museo ha specializzazioni non legate all’economia e al management.

Perché i giovani laureati italiani vanno all’estero

Sia chiaro, non è del tutto innaturale che chi dirige un museo abbia competenze scientifiche legate alla tipologia di museo diretto. Non è in altri termini “sbagliato” in valore assoluto nominare un archeologo direttore di un museo archeologico, o uno storico dell’arte direttore di una pinacoteca. È però del tutto assurdo che, all’interno di una Nazione, che si tratti dell’Italia o di qualunque altra, le Università, che quando non statali hanno comunque una connessione diretta con le istituzioni politiche, abbiano per anni costruito competenze e che nessuno, nemmeno lo Stato, si sia impegnato a trasformare tali competenze in valore aggiunto. Certo, si può sempre evocare il diritto all’autodeterminazione, così come si può sempre affermare che le ambizioni dei ragazzi non possono essere limitate al solo contesto nazionale. Però c’è differenza tra voler andare all’estero ed essere costretti a farlo. C’è differenza tra sviluppare competenze di cui il nostro Paese ha bisogno, e tutti sappiamo quanto siano necessarie, e non adeguare le proprie strutture per poter accogliere quelli che potrebbero essere dei talenti, lasciando loro l’unica possibilità di accontentarsi di una posizione amministrativa.

Non può trattarsi di disattenzione. Si tratta di una condizione che è stata scelta. Voluta. Va bene anche questo, ma non meravigliamoci se gli italiani che hanno più successo sono quelli che dall’Italia se ne sono andati.

Stefano Monti

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Pietrasanta si prepara ad accogliere un nuovo spazio dedicato alla cultura e alla vita della comunità. Tra i progetti della neonata Fondazione LMDV, costituita su iniziativa dall’imprenditore Leonardo Maria Del Vecchio (figlio di Leonardo Del Vecchio, fondatore di EssilorLuxottica), figura infatti la nascita di un futuro polo culturale pensato come un luogo aperto e accessibile dove cultura e servizi possano dialogare con le esigenze del territorio. Un progetto che rafforza il ruolo di laboratorio culturale che ha la città di Pietrasanta, affiancando alla consolidata vocazione artistica una riflessione sul valore della cultura come strumento di partecipazione e coesione sociale. Poiché il progetto è stato appena presentato non abbiamo date precise sull’apertura, ma sappiamo che “rivitalizzerà l’ex palazzo municipale”, come suggerito dal sindaco Alberto Stefano Giannetti, a cui abbiamo rivolto qualche domanda.

Tutti i progetti della Fondazione LMDV – Leonardo Maria Del Vecchio

La Fondazione LMDV ha avviato diversi progetti a forte impatto sociale, tra cui Finalmente Casa!, realizzato con la Comunità di Sant’Egidio nel quartiere di Tor Sapienza, che prevede il recupero di un’ex area industriale di 2.400 mq da destinare ad appartamenti per anziani soli e famiglie arrivate in Italia tramite i corridoi umanitari, promuovendo non solo l’inclusione abitativa ma anche la creazione di relazioni e percorsi di integrazione. Come sottolineato da Leonardo Maria Del Vecchio, l’obiettivo è trasformare l’abitare in un’esperienza di partecipazione, sostegno reciproco e riscatto sociale. Parallelamente, la Fondazione porta avanti il progetto MASTRI 4.0, dedicato all’inserimento lavorativo di persone fragili attraverso formazione e accompagnamento professionale, sostiene la realizzazione di un nuovo polo per l’infanzia ad Agordo, nonché il centro culturale a Pietrasanta.

1 / 4 Museo Archivio Pietrasanta

2 / 4 Museo Archivio Pietrasanta

3 / 4 Museo Archivio Pietrasanta

4 / 4 Chiostro S Agostino panoramica

Intervista ad Alberto Stefano Giannetti, sindaco di Pietrasanta

Pietrasanta è già riconosciuta a livello internazionale come città d’arte. In che modo questo nuovo hub culturale si inserisce nel tessuto culturale esistente e quali esigenze specifiche del territorio intende soddisfare?
Due esigenze su tutte. La prima è rivitalizzare l’ex palazzo municipale da un punto di vista architettonico e funzionale. In particolare, tenendo conto della sua centralità nel percorso che sta prendendo forma fra Via Marconi, dov’è in dirittura d’arrivo un nuovo polo culturale ed espositivo ricavato dalla riqualificazione dell’ex Cooperativa di Consumo e dedicato ai giovani e all’inclusione artistica e Via Oberdan, dove abbiamo appena inaugurato il Museo Igor Mitoraj. La seconda renderlo sede di attività coerenti fra loro, nella fattispecie il museo dell’Archivio Storico di Pietrasanta e la biblioteca comunale che, negli ultimi anni, è cresciuta in modo esponenziale e ha bisogno di nuovi spazi.

La Fondazione LMDV definisce il progetto come un’infrastruttura sociale contemporanea. Quali saranno, concretamente, le funzioni e i servizi che distingueranno questo spazio da un tradizionale centro culturale?
L’intento comune, nostro e della Fondazione, è sviluppare un’oasi culturale aperta e multifunzionale, un luogo dinamico dove la memoria storica possa dialogare con la creatività contemporanea e offrire a cittadini e visitatori un punto di riferimento per l’arricchimento culturale, lo studio ma anche l’aggregazione sociale.

Quanto è stato importante per l’amministrazione comunale attrarre un partner privato come la Fondazione LMDV per lo sviluppo di un progetto di questa portata?
Al di là del sostegno economico che è stato, ovviamente, fondamentale, l’elemento più prezioso ritengo sia rappresentato dalla voglia della Fondazione di partecipare attivamente allo sviluppo di questa nuova realtà, pianificando con noi strategie di crescita su alta e vasta scala grazie allo straordinario bagaglio di competenze, conoscenze ed esperienze che essa stessa porta in dote a questo progetto.

Negli ultimi anni si parla sempre più spesso di collaborazione tra pubblico, privato e Terzo Settore. Questo hub può diventare un modello replicabile di cooperazione per altri territori?
Valuto in modo positivo l’interazione pubblico-privato nello sviluppo culturale di un territorio. Oggi la cultura non può più dipendere esclusivamente dalle risorse pubbliche né può essere lasciata alle sole logiche del mercato: quando questi due mondi dialogano bene, si crea un’alleanza in cui ciascuna parte colma le lacune dell’altra e produce valore in termini di tutela del bene comune, ottimizzazione delle risorse e innovazione, generando un ritorno economico e sociale a cascata su tutto l’indotto locale.

Il nuovo polo creativo di Fondazione LMVD a Pietrasanta: tra cultura e formazione

Quale ruolo avranno gli artisti, le associazioni culturali e le realtà del territorio nella programmazione e nella gestione delle attività del nuovo hub?
Al momento non possiamo ancora individuare ruoli definiti: l’impegno condiviso di Comune e Fondazione è certamente quello di creare opportunità di coinvolgimento per tutti.

Ci saranno spazi dedicati alla formazione, alle professioni culturali e alle nuove generazioni? Se sì, con quali obiettivi
Vogliamo e dobbiamo ragionare in termini di “sistema”. Questa nuova realtà va letta nel contesto di una progettazione d’insieme legata alla formazione culturale: già citavo l’ex Cooperativa di Consumo, ma anche ilCav – Centro Arti Visive che si trova poco distante e il museo Mitoraj.

Se dovesse sintetizzare in una frase il valore che questo hub porterà a Pietrasanta tra dieci anni, quale sarebbe?
Nel mondo ci sono diverse città che, grazie alla loro capacità di fare rete, si sono attestate come hub finanziari, logistici o tecnologici. Mi piacerebbe che Pietrasanta diventasse un hub internazionale della formazione culturale.

Valentina Muzi

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L’Osservatorio Innovazione Digitale per la cultura della School of Management del Politecnico di Milano compie dieci anni e in occasione dell’evento Innovazione nella Cultura tra passato e futuro: i megatrend dei prossimi 10 anni svela al pubblico i dati più significativi delle ricerche sull’adozione di soluzioni digitali d’avanguardia nelle sedi museali, nelle biblioteche e archivi, nei teatri e nei luoghi di spettacolo. In primo luogo gli studi raccontano che in Italia, rispetto al 2025, gli ingressi in musei, monumenti e aree archeologiche sonocresciuti del 4% rispetto al 2024 (tra 2023 e 2024 l’incremento era però stato del 9%), e gli incassi segnano un +2%, tuttavia il 47% delle istituzioni – ovvero quasi la metà – non investe ancora nel digitale.

Istituzioni culturali e tecnologie digitali: pochi investimenti, scarse competenze

Deborah Agostino, direttrice dell’Osservatorio, evidenzia che il 53% dei musei che ha destinato una parte del proprio budget all’innovazione digitale ha impiegato i fondi principalmente per la catalogazione del patrimonio (nel 22% dei casi), oppure per i servizi di supporto alla visita e la creazione di contenuti online (18% dei musei), mentre le potenzialità digitali per attività di marketing e comunicazione o educative sono state colte da poche istituzioni. Il settore cresciuto di più in termini di digitalizzazione nell’ambito museale è stato il ticketing online, che oggi è disponibile nel 58% delle sedi (nel 2018 coinvolgeva solo il 25% dei musei). A proposito di catalogazione digitale, solo il 9% dei musei ha completato la schedatura delle opere che sono consultabili pubblicamente sono in percentuali marginali; il 26% degli enti invece non ha nemmeno cominciato la schedatura digitale.

Istituzioni culturali e tecnologie digitali: migliora il supporto alla visita

Musei & co. si trovano più a loro agio nell’uso di tecnologie all’avanguardia per la realizzazione di strumenti di supporto alla visita: il 36% delle sedi si affida al digitale per predisporre le audioguide (le quali peraltro, nel 25% dei casi, rappresentano fonte di monetizzazione essendo a pagamento); il 30% mette a disposizione delle app e il 22% mezzi di realtà aumentata o virtuale. Rimane comunque una quota del 26% di istituzioni culturali che non adotta alcuno strumento digitale. Il convegno è stato inoltre occasione per assegnare il Premio Spina per l’innovazione, che è andato alla Veneranda Fabbrica del Duomo di Milano per il progetto Duomo Highlights Tour, un percorso che si avvale di visori di realtà aumentata e virtuale capace di abbattere le barriere dello spazio e del tempo.

Istituzioni culturali e tecnologie digitali: primi passi nell’uso dell’IA

La situazione è ancora più grigia se ci si riferisce allo sfruttamento delle potenzialità dell’AI generativa, una delle grandi sfide da affrontare nel presente e nel futuro: il 94% dei musei ne consente l’utilizzo – in modo ancora informale e non governato -, ma solo 14% li promuove attivamente, soprattutto a supporto alle attività operative e per la creazione di contenuti (un impiego estremamente basico, insomma); nella maggior parte dei casi ci si affida a piattaforme gratuite. Emergono quindi criticità sostanziali: nel 58% dei musei mancano competenze specifiche sull’uso dell’AI e nel 25% delle istituzioni si riscontrano difficoltà a comprenderne i possibili usi. Tra le case history più virtuose presentate durante il convegno, spicca invece quella del Museo Nazionale del Risorgimento Italiano di Torino: il direttore Alessandro Bollo ha infatti illustrato sia la formidabile spinta verso l’innovazione digitale della sede espositiva, sia la redazione e pubblicazione del Manifesto per l’uso consapevole dell’intelligenza artificiale messo a punto grazie a un lungo lavoro di analisi e ricerca che ha coinvolto tutto lo staff del museo.

Istituzioni culturali e tecnologie digitali: il futuro in 10 megatrend

È Francesca Cruciani, ricercatrice, a chiudere il convegno con uno sguardo su un futuro possibile. L’Osservatorio ha delineato i dieci trend più significativi che nei prossimi cinque-dieci anni potrebbero agire in modo sostanziale nel contesto dei musei e della cultura. Dall’iperpersonalizzazione dell’esperienza grazie all’AI (si pensi ai percorsi su misura, alle interazioni in linguaggio naturale o alle traduzioni istantanee), al potenziamento del lavoro degli operatori con l’intelligenza artificiale e con gli AI agent, fino all’uso dello stesso strumento per sviluppare l’offerta culturale (progettazione di siti, app e interfacce a prezzi irrisori). I visitatori inoltre potranno interagire sempre più con gli ambienti mediante tecnologie intelligenti (ad esempio con gli smartglass) o con più futuristici dispositivi neurali. Luoghi dotati di sensori high tech potranno contribuire alla tutela e alla diagnostica di opere e monumenti, nonché al monitoraggio dei flussi o dei comportamenti a rischio. Ci si aspetta anche una forte mediazione algoritmica delle piattaforme, che tuttavia comporta un rischio di standardizzazione; e si intensificheranno auspicabilmente le pratiche collaborative di condivisione dei dati tra le istituzioni. Dal punto di vista sociale, occorrerà scommettere sulla Silver Economy, rispondendo alle nuove esigenze degli over 65, mentre alle Gen Z e Gen Alpha, digitali e interconnesse, andrà garantita un’offerta culturale al passo con i tempi, partecipativa e impegnata. I musei, infine, saranno sempre più – nelle ipotesi dell’Osservatorio – degli spazi comunitari, dove creare senso di appartenenza per migranti, detenuti, persone svantaggiate.

Marta Santacatterina

L’articolo "Istituzioni culturali e tecnologie digitali. Qui il punto dell’osservatorio del Politecnico di Milano" è apparso per la prima volta su Artribune®.

Nel 2012, durante il caso Pussy Riot, Pyotr Pavlensky (San Pietroburgo, 1984) mise in scena un gesto quasi impossibile da ignorare: rimase in piedi davanti alla Cattedrale di Kazan con le labbra cucite. Non era una metafora. Era un atto pubblico pensato per mettere a nudo il potere attraverso la catena di reazioni che avrebbe provocato. Da allora, il suo lavoro insiste su un punto cruciale: un evento artistico non si esaurisce nella sua immagine, ma nella sequenza di istituzioni che mette in moto, dalla polizia ai tribunali, dalle prigioni ai media fino ai musei. L’opera non è soltanto ciò che si vede. È anche ciò che il potere è costretto a rivelare quando viene chiamato in causa.
Questa posizione oggi ha anche una forma teorica. Nel dicembre 2025 Pavlensky ha pubblicato Subject-Object Art Theory, un libro in cui definisce la propria pratica come “subject-object art” e rifiuta l’etichetta, sempre più vaga, di “arte politica”. Se tutto può essere definito politico, allora il termine smette di dire qualcosa di preciso. A partire da questa distinzione, la conversazione interroga il significato della libertà artistica oggi, soprattutto nelle democrazie in cui la censura non si presenta più necessariamente come divieto, ma come normalizzazione, gestione e assorbimento.

L’intervista a Pyotr Pavlensky

In Seam e Carcass, il corpo diventa il luogo in cui il potere mette a tacere e immobilizza. Quelle immagini parlano ancora soprattutto della Russia, oppure parlano anche all’Occidente?
Quando ho realizzato questi eventi di subject-object art, rendevo visibile la condizione dell’artista contemporaneo in Russia, perché non sapevo cosa stesse accadendo in altri Paesi. Dopo essermi trasferito in Francia, posso ora dire con assoluta certezza che la situazione per gli artisti qui è esattamente la stessa: non esiste libertà artistica. In realtà, dal 2012, per me non è cambiato nulla. Continuo a sentirmi come una persona con la bocca cucita e avvolta nel filo spinato. E, a giudicare da ciò che gli artisti francesi mi raccontano della loro vita, questa percezione del mondo non è qualcosa che io viva da solo.

Guardando oggi alla Russia di Putin, vede un’eccezione autoritaria oppure una versione semplicemente più esplicita di un meccanismo più ampio che esiste anche altrove?
La Russia non può essere definita un’eccezione autoritaria nel suo atteggiamento verso gli artisti. Per correttezza, devo chiarire che ho lasciato il Paese alla fine del 2016 e dal 2022 la censura lì è diventata più dura. Eppure, se si confrontano i modi in cui gli apparati del potere in Russia e in Francia hanno cercato di costringermi a interrompere la mia pratica artistica, i meccanismi di base erano gli stessi. In certi metodi di repressione, la Francia si è rivelata molto più sofisticata e, stranamente, persino più crudele.

Dopo l’esilio in Francia e opere come Lighting, il suo conflitto con il potere ha cambiato forma? L’esilio le ha portato più libertà oppure solo una forma più abile di repressione?
No, non ho ottenuto più libertà, perché in Francia non esiste libertà artistica. La Francia tratta l’arte contemporanea come uno strumento di propaganda politica, un modo per evitare l’agitazione diretta e al tempo stesso trasmettere i dogmi ideologici fondamentali traducendoli in un altro sistema di segni e riproducendoli in nuovi materiali e nuove forme. Le autorità fanno in modo con grande attenzione che l’arte esposta pubblicamente svolga questa funzione e produca un vantaggio ideologico. Per mostrare quanto la questione sia seria: dal 2015 al 2021 il presidente del Centre Pompidou è stato Serge Lasvignes, un alto funzionario dei servizi segreti francesi. La domanda è semplice: perché il governo dovrebbe nominare un alto agente dell’intelligence alla guida di uno dei musei più importanti del mondo?

In “Threat e Fixation”, il bersaglio sembrava inequivocabile. Nelle democrazie occidentali di oggi, dove risiede il potere in modo più visibile: nello Stato, nei media, nelle istituzioni, nella paura economica o nell’autodisciplina degli artisti?
Né in Russia né in Francia ho mai avuto dei “bersagli” fisici nel senso in cui intende lei. Ciò di cui avevo bisogno era un contesto che rendesse possibile un evento di subject-object art. Contesto, gesto e titolo costituiscono insieme un’immagine, e la trasformazione della realtà in nuove immagini è l’unico scopo dell’arte visiva. Siamo nel ventunesimo secolo, ma in questo senso non sono diverso da Caravaggio o dagli artisti delle epoche precedenti. Quanto agli altri artisti, non è semplicemente che sia stata sottratta loro l’indipendenza; sono stati costretti a dimenticare che cosa sia l’indipendenza. Dovrebbero suscitare pietà, non essere trattati come “bersagli”.

Gran parte dell’arte contemporanea parla il linguaggio della politica dall’interno di istituzioni che possono neutralizzare facilmente il conflitto. Quanta della cosiddetta arte politica agisce ancora come opposizione e quanta invece è diventata una forma raffinata di obbedienza?
Nel 2021 ho rifiutato di usare il termine “arte politica” per la mia pratica, perché questa espressione è stata estesa a tal punto che ormai vi finisce dentro quasi tutto ciò che ha a che fare con la “politica”, dalle vignette politiche alla propaganda di Stato. Alcuni la usano anche per definire qualsiasi forma di agitazione oppositiva. Il termine che descrive con maggiore precisione la mia pratica è subject-object art. Nel modo più sintetico possibile, è l’unica forma d’arte oggi capace di cambiare la posizione dell’arte nei confronti del potere e di costringere il potere a lavorare per l’arte.

Dopo opere in cui il corpo è diventato insieme prova e campo di battaglia, e in cui perfino il processo è entrato a far parte del lavoro, quale direzione conta di più per lei oggi: una nuova azione, una nuova forma espositiva o un linguaggio più preciso per dire ciò che la sua arte sta facendo?
Penso a molte cose. Ma la pratica di un artista è più sfaccettata di quanto comunemente si creda. In questo momento devo risolvere due problemi. Il primo riguarda il discorso intorno al mio tipo di arte, nel quale mancavano con evidenza termini e definizioni precise. Ho già cominciato ad affrontare questo problema e a dicembre è stato pubblicato il mio libro Subject-Object Art Theory. Il secondo riguarda l’esposizione. Per undici anni la mia pratica si è concentrata soltanto sugli eventi, quindi, era inevitabile che nessuno si occupasse adeguatamente delle questioni espositive. Per questa ragione, a mio avviso, tutte le mostre sono state mediocri. Anche questo problema deve essere risolto.

Se il potere ha imparato ad assorbire quasi tutto, compreso il dissenso, lo scandalo e perfino l’arte stessa, crede ancora che esista un gesto che non possa neutralizzare fino in fondo?
Hmm… Certo, non è facile essere un artista, e molte volte le autorità di diversi Paesi hanno intrapreso vari tentativi per distruggere le mie opere d’arte. Le autorità hanno agito con particolare crudeltà nei confronti dell’evento Pornopolitics. In Francia, oltre a una pesante persecuzione giudiziaria, è stata lanciata nei media una campagna di disinformazione di portata incredibilmente vasta, finalizzata a screditarmi come artista e alla distruzione totale di questa opera. Tutto questo è durato tre anni, ma non posso dire che alla fine le autorità siano riuscite a neutralizzare completamente Pornopolitics o le mie altre opere.

Antonino La Vela

L’articolo "Ecco ciò che il potere rivela quando l’arte smette di obbedire. Parola all’artista dissidente Pyotr Pavlensky " è apparso per la prima volta su Artribune®.

Dal 16 al 19 giugno 2026, Firenze torna a essere il centro nevralgico della moda uomo internazionale con la 110ª edizione di Pitti Uomo. Un appuntamento che, stagione dopo stagione, continua a consolidare il proprio ruolo strategico all’interno del sistema. Come da tradizione, il cuore della manifestazione sarà la Fortezza da Basso, ma l’evento estenderà la propria presenza ben oltre gli spazi espositivi, coinvolgendo l’intero tessuto urbano con presentazioni, installazioni, eventi e appuntamenti dedicati agli addetti ai lavori. I numeri confermano la centralità della manifestazione: saranno oltre 720 i brand presenti, tra moda, accessori, lifestyle e ricerca progettuale. Di questi, il 44% proviene dall’estero, con aziende e realtà creative rappresentative di più di trenta Paesi. Una dimensione internazionale che rende Pitti Uomo uno dei più importanti osservatori sulle trasformazioni del menswear contemporaneo.

Pitti Uomo 110 a Firenze

Per la stagione Primavera/Estate 2027, il tema scelto è The Pool: la piscina diventa metafora di uno spazio aperto all’incontro, alla scoperta e alla contaminazione tra linguaggi differenti. Un’immagine che suggerisce movimento, energia e immersione, sviluppata attraverso una narrazione visiva firmata dai creativi Chris Vidal Tenomaa e Tuomas Laitinen. Tra i momenti più attesi figurano, come sempre, gli eventi dedicati ai Guest Designer. L’edizione numero 110 ospiterà due protagonisti della scena internazionale: Kei Ninomiya, che presenterà il proprio show il 17 giugno alle ore 22, e Simone Rocha, attesa il giorno successivo alle 17. Due visioni profondamente diverse ma accomunate da una forte ricerca formale e da un approccio sperimentale al design contemporaneo.

I giovani talenti della moda

L’attenzione verso i nuovi talenti trova spazio anche nella collaborazione tra Pitti Uomo e Copenhagen Fashion Week, che porterà a Firenze il marchio danese Sunflower. Il brand sarà protagonista di una sfilata in programma il 17 giugno alle 19, confermando il crescente dialogo tra le principali piattaforme europee dedicate alla moda emergente. Poi, tra i progetti speciali spicca inoltre la partecipazione del designer sudcoreano Jiyong Kim, semifinalista del LVMH Prize 2024, che presenterà un’iniziativa sviluppata con il supporto di Fondazione Pitti Discovery e Korea Creative Content Agency. Un intervento pensato per esplorare nuove connessioni tra creatività, innovazione e ricerca culturale.

Gli eventi da non perdere a Pitti Uomo 2026

Sul fronte espositivo, tornano le sezioni che negli anni hanno contribuito a definire l’identità della manifestazione: Fantastic Classic, Futuro Maschile, Dynamic Attitude e Superstyling. A queste si aggiunge una novità significativa. L’area tradizionalmente dedicata all’outdoor evolve infatti nel progetto “Outopia“, sviluppato insieme alla rivista Vanish. Il nuovo spazio si propone come una piattaforma di incontro tra moda, performance, natura e sperimentazione visiva. Dopo il positivo riscontro ottenuto nell’edizione di gennaio, torna anche Hi Beauty, il format dedicato alla profumeria artistica e alla cosmetica indipendente. La sezione presenterà una selezione di quindici marchi internazionali accomunati da una forte attenzione alla ricerca olfattiva e all’artigianalità. Come accade a ogni edizione, uno degli elementi simbolici dell’evento sarà l’installazione allestita nel Piazzale Centrale della Fortezza da Basso. Quest’anno l’intervento porta la firma di Philéo Landowski e Pascal Hachem, chiamati a tradurre il concept di “The Pool” in un’esperienza spaziale capace di accogliere visitatori e operatori sin dal loro ingresso nel salone. Pitti Uomo 110 conferma così il proprio ruolo di piattaforma privilegiata per osservare le direzioni future della moda maschile.

Giulio Solfrizzi

L’articolo "Moda maschile a Pitti Uomo 110. Torna il salone del menswear a Firenze " è apparso per la prima volta su Artribune®.

Dopo una solida esperienza museale e manageriale che l’ha visto alla testa di un’istituzione multisfaccettata come le OGR di Torino e di una importante fiera d’arte contemporanea come il miart di Milano, Nicola Ricciardi ha ormai superato i 40 anni ed è pronto per far partire un nuovissimo progetto in proprio: una scuola di alta formazione post graduate dedicata agli artisti. “Si parla tanto della debolezza del sistema italiano, dell’assenza di artisti del nostro paese a manifestazioni importanti come la Biennale di Venezia ma poi non vedo grandi iniziative per invertire la rotta“, contestualizza Ricciardi ad Artribune.

Afterclass la nuova scuola post graduate per artisti fondata da Nicola Ricciardi a Bergamo

Afterclass – questo il nome della scuola – vuole essere una risposta alle mancanze del sistema. “Insegnando all’accademia di belle arti mi sono reso conto di quanto i ragazzi abbiano bisogno di essere indirizzati, consigliati, aiutati sia durante ma anche dopo la fine del percorso accademico. E così mi è venuto in mente il mio percorso di studi negli Stati Uniti al Bard College: un corso molto intenso, con tante lezioni, nello stesso spazio fisico, tenute da tanti visiting professor, importanti curatori, grandi artisti. Mi sono detto che non c’era niente del genere in Italia e ho provato a immaginarlo costruendo alleanze, trovando finanziatori e soprattutto individuando uno spazio“.

L’ispirazione al Bard College dello stato di New York

Il famoso Bard College è una prestigiosissima università americana che si trova nella zona di Upstate New York, nella valle del fiume Hudson: sufficientemente vicino alla grande città, ma distaccato, nella natura, a un’oretta e mezzo di treno da Manhattan. “Mi è sembrato un contesto davvero simile a Bergamo, la città dove ho deciso di vivere da alcuni anni per mettere un po’ di distanza da Milano“, spiega Ricciardi. E quindi il manager-curatore ha creato dapprima un team ristretto di co-fondatori facendosi affiancare da Francesco Pedrini (ex direttore dell’Accademia di Bergamo) e da Viviana Bertanzetti (storica dell’arte con una lunga esperienza alla galleria di Massimo Minini) e poi ha individuato uno spazio in un edificio storico nel centro della Città Bassa che sarà la sede di Afterclass.

Pochi docenti interni, tanti professori a invito, lezioni intensive

Quello che manca saranno poi i visiting professor, che sono in corso di selezione con largo anticipo in queste settimane: artisti, curatori, figure istituzionali, editori, galleristi, collezionisti. Perché Afterclass sarà una scuola con un team didattico molto snello (tre persone appunto) ma con una vasta scuderia di professori invitati per approfondire specifiche materie con gli studenti. “M’interessava proporre una scuola fisica, in presenza, con delle aule, dei banchi, delle lezioni da frequentare in determinate ore, tutti i giorni e tutte le settimane da ottobre a giugno“. Ci sarà una retta, ma ancora è da definire (“dipende molto da quali sponsor, mecenati e investitori decideranno di supportarci fin da principio“) e si sa già che gli studenti non potranno essere più di 15.

Il recupero dell’Ex Principe di Napoli a Bergamo

Dicevamo dunque dello spazio del tutto particolare dove nascerà questa scuola. Afterclass sarà infatti un progetto della Fondazione Nuovo Principe, un ente del terzo settore presieduto da Luigi Ferrara e costituito per gestire la rinascita e il rilancio dell’ex Principe di Napoli, un complesso seicentesco di proprietà del Comune di Bergamo che versa in condizioni di abbandono da trent’anni e che finalmente dopo restauri pagati da privati e dopo un bando risorgerà con 2000 mq di contenuti: un ristorante, un giardino, un teatro da attivare con un public program, alcuni spazi commerciali, aule per bambini, un coworking. E poi naturalmente la scuola Afterclass. Al di là della guida della scuola, Nicola Ricciardi ha la direzione artistica di tutto il polo: “La facciata inganna perché ha una piccola estensione di 12 metri, ma poi all’interno lo spazio è molto articolato, profondo e pieno di sorprese. Mi fa ripensare alla complessità e la varietà che gestivo ai tempi in cui dirigevo le OGR a Torino. Diventerà il vivaio culturale della città“, continua Ricciardi. L’ex Principe di Piemonte è stato per decenni un asilo che serviva questi borghi un tempo esterni alla città, nel 1998 è stato donato al Comune che non è mai riuscito a dargli una direzione fino alla svolta di questi ultimi mesi: dovrà vedere conclusi i suoi lavori edilizi verso dicembre 2026 per poi iniziare ad essere allestito con un progetto di architettura dello studio 2050+ guidato da Ippolito Pestellini Laparelli: Anche le soluzioni per gli interni, modulari e integrate, saranno un pezzo dell’esperienza formativa dei ragazzi e contribuiranno a dare identità al progetto e all’offerta didattica” aggiunge Ricciardi parlando di questa ingente operazione di rigenerazione urbana nel cuore di Bergamo.

Afterclass a Bergamo: la nuova scuola che accompagna gli artisti a diventare professionisti

Oltre al Bard College o al Californian Institute of The Arts fondato da Walt Disney, Afterclass si ispira alle interminabili lezioni intensive e profonde che erano il metodo di insegnamento dell’artista Michael Asher. “Un maestro che non ho mai conosciuto ma che mi ha sempre influenzato“, dice Ricciardi.
Per presentare e far conoscere il progetto, si partirà già da quest’estate con un ciclo di iniziative pubbliche tra giugno e agosto 2026 a Bergamo, poi prossimo step gennaio 2027 con l’apertura delle iscrizioni e infine a ottobre 2027 la prima lezione: “Daremo una concreta mano agli artisti nel transitare dalla fase di formazione al mondo del lavoro“, conclude Nicola Ricciardi.

Massimiliano Tonelli

Via Pignolo, 11 – Bergamo
www.afterclass.it – info@afterclass.it
https://www.instagram.com/afterclass_school

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Cosa può raccontare oggi la fotografia, a due secoli dalla sua nascita? Andando oltre la documentazione del reale, può forse anticiparne le fratture, intercettarne le tensioni e renderne visibili le conseguenze. È da questa premessa che prende le mosse Before it Happens, la mostra che la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo inaugura il 13 giugno 2026 negli spazi di Palazzo Re Rebaudengo a Guarene, nelle Langhe, e che resterà visibile al pubblico fino al 26 luglio. Curata da Filippo Maggia, l’esposizione celebra i duecento anni dalla nascita della fotografia riunendo otto artisti internazionali che utilizzano immagini, video e installazioni come strumenti di osservazione critica del presente.

La mostra “Before it Happens” della Fondazione Sandretto a Guarene

Così, Before it Happens presenta una mappa delle tensioni che attraversano il mondo contemporaneo. Le opere selezionate raccontano infatti territori e comunità alle prese con trasformazioni profonde: migrazioni, crisi ambientali, diseguaglianze economiche, conflitti legati alle risorse naturali, discriminazioni di genere e persistenti eredità coloniali. Una geografia complessa che si sviluppa soprattutto attraverso prospettive provenienti dall’Asia meridionale, dal Medio Oriente e dall’America Latina, lontano dagli sguardi tradizionalmente dominanti della cultura occidentale.

La mostra “Before it Happens”: gli artisti

Il percorso si apre con il lavoro dell’artista nepalese Sheelasha Rajbhandari: le sue opere, che prendono forma anche grazie al dialogo con il collettivo Artree, affrontano le aspettative sociali che continuano a gravare sulle donne nelle società patriarcali. Dal Nepal proviene anche Hit Man Gurung, che con The Revolutionary Dreams riflette sugli effetti della migrazione economica su un Paese segnato dalla partenza di intere generazioni. L’India occupa, poi, una posizione centrale all’interno della mostra attraverso diversi progetti. Vinit Gupta documenta una delle più grandi mobilitazioni sociali degli ultimi anni nel subcontinente, quella dei contadini che tra il 2020 e il 2021 hanno circondato Delhi per contestare le riforme agricole del governo. A interrogare, invece, il rapporto sempre più problematico tra cittadini e rappresentanza politica è Uzma Mohsin con l’installazione Stick no Bills che raccoglie e rielabora manifesti elettorali deteriorati, cancellati o modificati dagli stessi abitanti delle città.

Ishan Tankha pone la sua ricerca sulle battaglie delle comunità locali contro i grandi interventi infrastrutturali e lo sfruttamento delle risorse naturali, mentre un registro più intimo ma non meno politico caratterizza il lavoro dell’artista bangladese Ashfika Rahman attraverso un archivio poetico costruito lungo le rive dei fiumi che passano per Bangladesh e India. Lo sguardo si sposta poi verso il continente sudamericano con il fotografo peruviano Musuk Nolte. Nel progetto in continua evoluzione Geographies of Water, l’acqua legge gli effetti del cambiamento climatico tra Amazzonia e Ande. E, infine, chiudono il percorso i lavori video di Alia Farid, che indagano territori segnati da delicati equilibri tra cultura, ambiente e sviluppo economico.

La mostra “Before it Happens”: tra forme di resistenza, solidarietà e immaginazione politica

Evitando la retorica della denuncia per costruire una riflessione più articolata sulla contemporaneità, le opere raccolte da Maggia raccontano un mondo attraversato da instabilità e trasformazioni profonde, ma al tempo stesso mostrano come, all’interno di queste crisi, continuino a emergere forme di resistenza, solidarietà e immaginazione politica. “Siamo davvero certi che il mondo che ci circonda stia andando nella direzione giusta? Mentre la fotografia occidentale continua a celebrare la propria storia e a concentrarsi su temi di immediata riconoscibilità, nei Paesi del Sud globale le immagini diventano un terreno di analisi, confronto e rivendicazione. Qui gli artisti, eredi di una realtà postcoloniale ancora presente, utilizzano la fotografia per interrogare il reale e immaginare il futuro, costruendo nuove identità senza perdere il legame con le proprie origini”, racconta Maggia ad Artribune.

Caterina Angelucci

Before it Happens
dal 13 giugno al 26 luglio 2026
Palazzo Re Rebaudengo, Piazza Roma, Guarene (CN)

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A Roma, Nicola Maria Martino, nato a Lesina nel 1946, era arrivato dalla Puglia per studiare all’Accademia di Belle Arti, dove ebbe come maestro Sante Monachesi, e si diplomò nel 1970, discutendo la tesi con Maurizio Calvesi.

La pittura dopo la pittura secondo Nicola Maria Martino

Proprio il fermento artistico romano degli Anni Settanta avrebbe impresso una forte accelerazione alla sua ricerca, prima con le azioni concettuali-comportamentali dei primi anni della decade, poi con il ritorno, nella seconda metà dello stesso decennio, a temi e tecniche appartenenti a una pittura di matrice postmoderna. Al 1976 data la sua prima mostra personale, Macondo, che diede il là alla riflessione sulla memoria culturale e sul linguaggio pittorico, portato a una riduzione estrema, nel tentativo di ritornare a un’infanzia originaria del segno. E tutto il suo percorso, da allora, è stata una continua reinvenzione della pittura dopo la pittura.

Nicola Maria Martino tra pratica artistica e insegnamento

Vicino a festeggiare gli 80 anni – li avrebbe compiuti il prossimo 5 ottobre – Martino si è spento a Roma nella giornata di venerdì 12 giugno. Lo ricorda l’Accademia di Belle Arti di Sassari, come un maestro di vita e di arte: “Il suo segno, sulla tela così come nella crescita della nostra città, resterà indelebile”. Dell’istituzione sassarese Martino è stato direttore per diciassette anni (dal 1993 al 2010), lui che all’attività artistica ha sempre affiancato l’impegno nelle Accademie, insegnando anche a Roma e Torino, e dirigendo la stessa Accademia di Belle Arti di Torino, oltre a ricoprire l’incarico di Presidente dell’Accademia di Belle Arti di Foggia.

La fortuna critica di Nicola Maria Martino

La sua lunga carriera artistica è stata premiata dalla partecipazione alla Biennale di Venezia (Il tempo del Museo, 1980) e alla Biennale di Istanbul (1989). Ha esposto, inoltre, in numerose gallerie in Italia e all’estero, ha lavorato a Roma con la Galleria Soligo (negli Anni Settanta) e la Galleria Il Ponte (negli Anni Ottanta), a Torino con la Galleria Paolo Tonin e a Genova con la Galleria Rinaldo Rotta.

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