Quando parla di esibizionismo culturale, il team che ha ideato e cresciuto il progetto Edicola 518 non vuole certo alimentare il proprio ego. Piuttosto, “ribaltiamo in positivo il concetto di esibizionismo” spiega Antonio Brizioli “ritenendo che in questi tempi di difficoltà culturale la lettura non possa essere più solo un privato esercizio intellettuale ma debba essere un gesto da ostentare su pubblica piazza, per propagare l’abitudine e innescare reazioni a catena positive”.
C’è dunque un rinnovato invito alla partecipazione dietro all’evoluzione di Edicola 518, che a dieci anni esatti da quando fu inaugurata nel centro di Perugia festeggia la sua maturità cambiando passo. O, meglio, approfondendo la sua attitudine a coinvolgere la comunità valorizzando lo spazio pubblico.

La storia di Edicola 518 negli ultimi 10 anni

Iniziava così, nel 2016, la nuova vita del vecchio chiosco di giornali ai piedi delle scalette di Sant’Ercolano, recuperato con l’obiettivo di farne un presidio culturale, in nome dell’editoria di qualità, a partire dall’intuizione del collettivo formato da Antonio Brizioli, Antonio Cipriani, Valentina Montisci e Kristina Borg, già fautore del progetto artistico/editoriale Emergenze. Uno spazio nato per colmare il vuoto di infrastrutture adibite alla vendita e alla promozione di progetti piccoli, innovativi, fuori dal circuito main stream. Da allora, il chiosco-libreria, con i suoi “4 metri quadri di spazio infinito”, ha esposto una collezioni di titoli provenienti da tutto il mondo, selezionati tra le produzioni più raffinate del panorama editoriale contemporaneo, tra magazine indipendenti, libri d’artista, carte anarchiche, fanzine. Nel frattempo, in corso Cavour (al civico 9) è nata la libreria Paradiso 518; e poi, nel 2023, proprio dirimpetto alla libreria, la vineria e caffetteria di quartiere Quasi 518.
Insomma, il progetto Edicola 518 – nel frattempo diventato cooperativa, con sei dipendenti – ha fatto scuola in tutta Italia e all’estero, forse perché non ha mai smesso di ripensarsi dall’interno, e di mettersi in discussione. Oggi si possono contare oltre duecento eventi culturali nello spazio pubblico promossi dal collettivo di Edicola 518: una sorta di festival culturale continuativo che non si è mai arrestato.

1 / 7 Edicola 518. Photo Giovanni E. Galanello

2 / 7 Edicola 518. Photo Giovanni E. Galanello

3 / 7 Edicola 518, Giuseppe Arezzi. Photo Giovanni E. Galanello

4 / 7 Edicola 518, gli sgabelli. Photo Giovanni E. Galanello

5 / 7 Edicola 518. Photo Giovanni E. Galanello

6 / 7 Edicola 518, la fonte d'acqua. Photo Giovanni E. Galanello

7 / 7 Edicola 518. Photo Giovanni E. Galanello

Il ruolo dell’edicola nello spazio pubblico. Edicola 518 rinuncia all’attività commerciale

L’ultimo anno è stato segnato da un percorso di avvicinamento all’anniversario del primo giugno 2026: L’Edicola che vorrei, peraltro progetto vincitore della sesta edizione del bando Laboratorio Creatività Contemporanea della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, è stato un viaggio condiviso, nello stile di Edicola 518, mirato a configurare il restauro del chiosco e il nuovo assetto dello spazio urbano che lo circonda, attraverso il coinvolgimento della cittadinanza, chiamata a intervenire su centinaia di bacheche bianche affisse in città, con suggerimenti, consigli, esigenze. Anche attraverso una radio autogestita (Radio Edicola) e a un laboratorio di improvvisazione nello spazio, sono state individuate le funzioni portanti del nuovo chiosco: il riposo, la lettura, la presenza di acqua potabile e la possibilità di organizzare incontri autogestiti nello spazio pubblico.

Per arrivare a oggi, con l’inaugurazione dell’Oasi urbana per l’esibizionismo culturale: un passaggio che vede Edicola 518 rinunciare alla sua attività commerciale, per diventare avamposto per la lettura, il riposo, l’incontro e l’iniziativa culturale a beneficio della cittadinanza. “L’idea è che l’edicola debba enfatizzare la sue funzioni sociali, di spazio pubblico. L’edicola è una licenza privata che si esercita su suolo pubblico, anche a livello regolamentare oltre che morale”, sottolinea Brizioli “Avevamo già affrontato il tema nel 2016 rimettendo mano al chiosco, ma oggi, in un’epoca in cui la vendita dei giornali è antieconomica e rischia di restare appiattita su un romanticismo sterile, proviamo ad attualizzare la parte del servizio alla cittadinanza, per fare sul suolo pubblico”. Del resto, anche il grande successo del format Edicola 518, molto chiacchierato e imitato, ha portato a riflettere sulle distorsioni generate dai fenomeni di tendenza: “Il nostro esperimento, nel suo piccolo, ha avuto molto successo. Per noi, perché intorno ci abbiamo costruito un progetto ben più articolato, ma anche perché fortemente ispiratore e imitato. Nella dinamica delle neoedicole, però, è arrivata anche la microspeculazione immobiliare: se riaprire un’edicola significa prendere a basso prezzo immobili poco costosi per farne in buona sostanza dei pop up o degli spazi pubblicitari per qualche brand, non possiamo parlare di riqualificazione. Si tratta, invece, di una messa a reddito degli ultimi spazi residuali delle grandi città, di un’attività commerciale che non riattualizza le funzioni sociali originali, le stressa”. Su questa riflessione è impostata la pubblicazione che uscirà a ottobre 2026, “una mappatura del contesto in Italia, per individuare gli esempi virtuosi che restano fuori dai radar, ma anche per indagare il fenomeno delle edicole effimere”.

La nuova Edicola 518: uno spazio pubblico per lettura e refrigerio

A Perugia, intanto, il riallestimento di Edicola 518 è finalmente pronto per essere goduto dal pubblico. Il progetto è stato elaborato dal designer siciliano Giuseppe Arezzi, e ha coinvolto tanto gli interni del chiosco che lo spazio all’aperto, ora dotato di un mobile-gradinata ligneo verniciato di rosso progettato per accogliere la sosta e la lettura, con una fonte in acciaio inox per l’erogazione di acqua potabile al centro, e di moduli in legno che possono fungere sia da sgabello che da leggio (Ambo, modulo di 20 cm progettato ad hoc per le scalette di Sant’Ercolano, per compensare il dislivello dei gradini). I nuovi infissi fungono invece da sistema espositivo per una selezione editoriale consultabile gratuitamente, e attraverso una pedana esterna che estende la superficie calpestabile, l’intervento integra una seduta spontanea fruibile anche durante la chiusura notturna. La differenza la faranno gli utenti, arricchendo e reinterpretando lo spazio completamente donato alla cittadinanza. “Ho voluto preservare il rito della quotidianità che storicamente appartiene all’edicola” spiega Arezzi “Se un tempo ci si fermava per acquistare informazioni, oggi ci si ferma per elaborarle attraverso il riposo e la lettura. Il cuore del progetto è la fontana: l’acqua potabile è un bene primario, esattamente come lo è l’informazione di qualità. Ho interpretato il chiosco non solo come architettura minima, ma come un mobile abitabile e adattabile, dove ogni elemento tecnico è pensato per favorire l’incontro e la libera fruizione dello spazio pubblico”. Sulla saracinesca, inoltre, il muralista Nic Alessandrini ha realizzato la testa di Sant’Ercolano, patrono di Perugia, che nel 549 fu spellato vivo e decapitato da Totila per aver difeso la città dall’invasione dei barbari. Secondo leggenda, la sua testa fu gettata proprio sulle scalette dove si trova Edicola 518, e il murale omaggia questo mito fondativo, anche se ha già dato adito a faziose e sterili polemiche.

Prendersi cura dello spazio pubblico

“La cura della città non è più primariamente compito del pubblico, partecipa il privato” continua Brizioli “Questa è la mia visione positiva sul futuro: ognuno faccia qualcosa, ma non a chiacchiere. Attraverso gesti concreti”. Quindi cosa succederà nella nuova Edicola 518? “Ci sarà anche una programmazione culturale, che si costruirà strada facendo. Sfideremo artisti, divulgatori, scrittori e intellettuali a interagire con questo spazio minimo. Ma lasceremo spazio anche ad altri, con curatele collaterali, per non essere univoci. Perugia ha tante realtà attive interessanti in ambito musicale, artistico, performativo. Il nostro spazio vuole essere anche vetrina e megafono di questo fermento culturale cittadino”.
Dopo la festa inaugurale del primo giugno, con tanto di paella di quartiere, poetry slam e jam session, dal 2 giugno il chiosco sarà aperto tutti i giorni come uno spazio pubblico: “Lo apriamo la mattina, lo chiudiamo la sera. Si tratta di uno spazio non presidiato. Ci saranno libri e riviste in consultazione, ma anche possibilità di portarne altri. Dobbiamo favorire una consuetudine, perché si ricrei un’abitudine allo scambio. Chi legge non è l’ultimo estimatore di una pratica che la morale comune ritiene in via estinzione”.
E sempre a ottobre 2026, in concomitanza con la pubblicazione sulle edicole, si terrà alla Rocca Paolina una mostra, “per ragionare sui fenomeni urbani, e sulla fine che fanno le idee quando vengono messe in gioco”.

Livia Montagnoli

Edicola 518
Via Sant’Ercolano 42a, Perugia
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Gli artisti sanno leggere i segnali deboli della realtà, quelle tracce minime e frammentarie che attraversano il presente e annunciano le trasformazioni in arrivo prima che diventino tendenza misurabile. È quello che gli studi sul futuro chiamano weak signals: indizi che sfuggono all’analisi statistica perché non hanno ancora una serie storica alle spalle, ma che uno sguardo allenato, come quello degli artisti mossi da un’attitudine visionaria, sa intercettare.

“L’arte anticipa il futuro”. La nuova serie video in 14 puntate di School of Vision

Da questa premessa prende le mosse il progetto L’arte anticipa il futuro, rubrica editoriale promossa dalla School of Vision in collaborazione con ENI e ROAD, che troverà spazio ogni due settimane, il lunedì, su Artribune. Una serie video in 14 puntate, per analizzare opere di artisti contemporanei internazionali che stanno anticipando il futuro della mobilità, dell’energia, delle città e della sostenibilità. Per il mondo dell’impresa e della scienza, mettersi all’ascolto di questo sguardo significa attingere a un’intelligenza del futuro, una bussola di immaginari a disposizione di chi progetta il domani. Ogni puntata è introdotta e raccontata da Marco Bassan, fondatore di Spazio Taverna e direttore scientifico della School of Vision.

Tomás Saraceno è il primo protagonista della serie “L’arte anticipa il futuro”

Ad aprire il ciclo è Tomás Saraceno, artista argentino classe 1973. La sua ricerca attraversa arte, architettura, ecologia, scienza e cosmologia: ossessionato dall’Antropocene, cerca di rimettere l’uomo dentro l’ecosistema che lo circonda. Le sue opere esplorano quindi forme di relazione tra esseri umani, specie viventi, atmosfere e sistemi planetari. Come nell’universo di Aerocene, un progetto che Saraceno porta avanti da oltre dieci anni e che immagina una nuova relazione tra movimento, energia e atmosfera.
Il futuro della mobilità secondo Saraceno con “Aerocene” Attraverso sculture aerosolari, voli sperimentali e pratiche collettive, Aerocene apre una riflessione sul futuro della mobilità in un pianeta segnato dalla crisi climatica e dalla transizione energetica. Il progetto propone un’idea di movimento fondata sulla leggerezza, sull’energia solare e sulla collaborazione con le correnti dell’aria. Il futuro della mobilità, visto attraverso Aerocene, diventa una questione culturale prima ancora che tecnologica: riguarda il modo in cui abitiamo la Terra, consumiamo energia, costruiamo infrastrutture e immaginiamo nuove forme di coesistenza.
E Saraceno stesso, nel video, a raccontare e condividere il significato della sua ricerca, che ci coinvolge tutti. Intanto, l’artista argentino, collabora con scienziati del MIT e della Nasa, per trasformare le sue visioni utopiche in realtà.

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Quando uno street artist viene assoldato per realizzare un grande murale di quartiere è inevitabile che l’attenzione della comunità si calamiti verso il cantiere dell’opera: questo è quello che è successo anche con l’intervento di Nico Lopez Bruchi a Roma. Classe ’84, questo artista di Volterra ha portato in una periferia della Capitale la sua visione della salvezza, raffigurata da un’ancora e dalla solidarietà reciproca dei singoli che compongono la collettività. Da sempre impegnato per diffondere messaggi positivi attraverso le sue creazioni, Bruchi ha trovato nel III Municipio un’istituzione pronta ad accogliere la sua opera, che lui stesso ci ha raccontato così.

Com’è nato il progetto di realizzare un murale su un palazzo di Roma? Chi è il committente e come è giunto a te?
Ero stato coinvolto per il Giubileo del 2023, ho fatto questo progetto per realizzare un murale, ma i permessi e le complicazioni burocratiche hanno rallentato i tempi. Per non perdere il bozzetto, ho cercato un assessore di Roma Capitale che mi permettesse di realizzare l’opera e sono incappato in Luca Blasi, del III Municipio. Abbiamo così spostato il progetto al Tufello, in Piazza degli Euganei, dove a mio avviso è stata trovato il sito perfetto per realizzarlo. Non succede mai nulla per caso.

Descrivici l’opera. come hai scelto il soggetto da realizzare?
Volevo realizzare un lavoro che avesse una duplice lettura. In primo luogo, una visione che da lontano rappresentasse un’ancora, sporca, carica di residui marini. La seconda lettura, avvicinandosi, è quella che lascia vedere con chiarezza che la sagoma è composta da scene di vita, di personaggi eterogenei del mondo reale e della fantasia, che insieme interagiscono per convivere in questa ancora. Il significato è che tutti necessitiamo di un gesto di solidarietà per sopravvivere e stare bene. L’ancora è un’ancora di salvezza. Si dice che l’ancora di salvezza che ti porti dietro serve per trovare la pace: quando si getta in mare vuol dire che si sta fermi e si può stare tranquilli, trovando anche affinità con l’attualità. Mi sembra perfetta per questo quartiere, che visto da vicino è vissuto da persone che si danno quotidianamente una mano l’una con l’altra.

Secondo te la street art svolge ancora una funzione politica? O si è assoggettata ad essa?
Dipende dagli artisti. La street art e il muralismo è un mezzo di comunicazione molto forte e a volte anche antidemocratico, perché si impone su una comunità un disegno grande, visibile a tutti. Credo sia importante utilizzare i murales per creare un processo di copartecipazione alla ricerca e al risveglio del bello. Spesso capita di realizzare opere in luoghi dove si vive in uno stato di abbandono: come la prima lucina di Natale e poi tutti sono indotti ad accendere la loro per creare l’atmosfera di festa, così io tento di portare il bello e coinvolgere gli altri in tale ricerca, che non finisce mai. La politica centra con i contenuti, i messaggi: io sono uno che lavora con il concetto prima di tutto e non ho mai un’estetica fissa e riconoscibile, per sfidarmi ogni volta a trovare la funzionalità, che abbia anche un lato esteriore di valore. Ci sono artisti che si impongono con un loro disegno astratto, privo di senso, e chi tenta invece, attraverso queste occasioni creative, di conoscere nuove persone e capire quali sono le dinamiche di un luogo per proporre tematiche forti e anche molto utili per la comunità, in cui essa si riconosce. Chi fa questo si può dire che utilizza la street art come strumento politico, chi la fa come lavoro prettamente estetico direi di no.

Nel quartiere ci sono altre opere realizzate da autori come Jorit, Lucamaleonte, Giò Pistone. Tra i tuoi colleghi, c’è qualcuno che preferisci e con cui ti piacerebbe collaborare?
Ce ne sono molti. Premetto che io ho già collaborato con tantissimi artisti sia nella street art che nel mondo del video e della fotografia. Ho lavorato per 17 anni con Umberto Staila, mio socio, Sera, Joke, Rame 13 che fanno parte della mia crew, la EDF crew nata a Pontedera nel 2003. La street art è per natura una disciplina che porta alla collaborazione; i graffiti nascono con questo spirito, diffusi anche con le jam, in cui diversi artisti si univano per disegnare uno stesso muro. Mi piacerebbe ora lavorare con Vesod e di quelli che hai citato potrebbe piacermi molto Jorit, perché condivido spesso la sua idea politica di arte.

La tendenza di valorizzare le periferie con azioni imponenti come la tua è ormai diffusa da diversi anni. Si sta ponendo anche la questione del restauro e del mantenimento di tali opere monumentali. Ti è mai capitato di dover tornare ad intervenire su alcuni tuoi lavori?
Non mi è mai capitato perché probabilmente uso tanti colori buoni e mi prendo cura delle superfici che vado a dipingere, facendo sistemare il muro qualora necessario, perché un buon artista murale deve pensare anche a come far mantenere il proprio lavoro. L’altro aspetto è che mentre studio il progetto mi immagino sempre il lavoro tra vent’anni e cerco di dipingerlo facendo in modo che quando scolorirà o certe cose andranno a sgretolarsi, rimanga sempre interessante. Il restauro non so nemmeno se abbia senso per queste opere: quelle che devi restaurare devi stare attento a pensarle e a costruirle in modo che siano ripristinabili con una certa facilità.

Mentre lavori su queste grandi pareti, immagino che avrai molti occhi puntati addosso. Raccontaci un aneddoto divertente se ce l’hai.
Ce ne sono molti. Mi viene in mente due anni fa a Detroit, mentre stavo disegnando una parete di fianco ad un ristorante messicano, l’arrivo dei sostenitori di Trump che si sono indignati perché stavo realizzando una bandiera italiana per il Consolato, che loro avevano scambiato per quella messicana; ho dovuto interrompere il lavoro per le rimostranze. Un’altra potrebbe essere la signora che ci dice: “Che bello! Ma domani lo rimbiancate il muro, vero?”. Qui al Tufello invece proprio ieri ho sentito un signore che, mentre tratteggiavo il profilo dell’ancora, risponde ad una signora che chiedeva cosa rappresentasse: “Come non lo vedi? È una svastica!”, e io da sopra il cestello mi sono goduto il siparietto.

Qual è l’opera che ti ha dato maggior soddisfazione fino ad ora e perché
L’opera che al momento mi ha dato più soddisfazione è stata quella fatta a Corleone nel 2010. Un progetto di pittura in spazi tolti alla mafia e destinati all’Arci che ha voluto farli rivivere per la comunità. Ho dipinto questo muro insieme a Staila, il mio socio, durante la notte, scortato dalla polizia. A presentare il lavoro ultimato è stata Rita Borsellino, che ci concesse anche la cittadinanza onoraria.

Roberta Pisa

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Årabrot è una band norvegese noise-rock fondata nel 2001 dal carismatico frontman, cantautore e chitarrista Kjetil Nernes, ora con base a Djura, in Svezia. Il progetto vanta una vasta discografia, collaborazioni con produttori importanti, inclusi Billy Anderson (Melvins, Neurosis, Swans), Steve Albini (Nirvana), Greg Norman (Godspeed You Black Emperor) e Alain Johannes (Queens of the Stone Age, PJ Harvey, Arctic Monkeys), ha vinto il Norwegian Grammy Award nel 2011 come Best Metal ed è stata nuovamente nominata come Best Rock e Album of the Year nel 2017. Dopo diversi cambiamenti nella line up, la band è rinata dopo che Kjetil ha sconfitto una dura battaglia contro il cancro, accanto alla compagna e musicista svedese Karin Park, che ha all’attivo un suo rinomato progetto musicale pop – elettronico, qui in veste di tastierista, organista, cantante e co-produttrice.

La storia di Årabrot

Dopo aver registrato il piano per l’album omonimo di Årabrot del 2013, Karin è diventata membro fisso della band dopo l’album The Gospel del 2016. Dal 2020, durante la creazione del nono album di Årabrot, intitolato Norwegian Gothic, con la partecipazione di molti musicisti internazionali, inclusa la violoncellista inglese Jo Quail, il bassista italiano Massimo Pupillo della band Zu e Tomas Järmyr dei Motorpsycho, Karin è diventata parte decisionale del progetto insieme a Kjetil. Sono seguiti gli acclamati album Of Darkness and Light (2023) e Rite of Dionysus (2025), che ha vinto nel 2026 il premio svedese Dalecarlia Awards come Best Album.

La musica di Årabrot

La coppia vive con le due figlie a Djura, il piccolo villaggio nel centro della Svezia dove Karin è cresciuta, e dove nel 2016 ha acquistato una suggestiva chiesa sconsacrata dalle pareti di legno – la Djura Missionshus – allestita a studio di registrazione e centro di residenza per artisti, che contribuisce a conferire alla band, insieme agli abiti di scena, un’estetica da Far West americano. Il sound ammaliante e sperimentale di Årabrot è difficilmente collocabile in un genere, essendo ricco di inflessioni gotiche, rock’n’roll, musica per organo, momenti onirici e intimi, alternati a momenti più synth-pop e noise. Tra le influenze musicali, gruppi come Death in June, Melvins, The Birthday Party e Swans. Tra le ispirazioni letterarie, citazioni da tematiche storiche contenute nella Bibbia e della Divina Commedia di Dante, l’esistenzialismo di Camus e Sartre, l’erotismo di De Sade e le scritture romantiche di Poe e Coleridge. La band si è esibita in festival e palchi internazionali prestigiosi. Le prossime date annunciate sono il 31 luglio al Loft Festival di Raversbeuren, in Germania e il 12 agosto al Dark Bombastic Evening di Alba Iulia in Romania.

Intervista a Kjetil Nernes

La tua definizione di arte.
Una creazione umana. La vera arte è indiscutibilmente umana e, nella sua dimensione più profonda, tocca qualcosa che potremmo definire anima. I robot, come l’intelligenza artificiale, non sono in grado di imitarla. 


La tua definizione di musica.
La forma d’arte più vicina alla magia.

Ti definisci un “artista”?
Sì, in realtà sono più di un semplice musicista. Sono il tipo di musicista che non sa nemmeno accordarsi la chitarra. Di solito compongo seguendo un tema o un concetto. 


L’opera di arte visiva che più ami.
Se il cinema è arte visiva, allora è 2001: Odissea nello spazio. Altrimenti, qualsiasi opera di Odd Nerdrum. 


La canzone che più ami.
Ashes To Ashes di David Bowie. Almeno finché non riascolterò Big Eyed Beans From Venus di Captain Beefheart. 



I tuoi recenti progetti.
Il nuovo album degli Årabrot, Rite Of Dionysus, è stato prodotto e mixato da Alain Johannes. Stiamo anche lavorando a nuovi brani. Molti nuovi brani. Probabilmente abbastanza da riempire un intero album. Saranno un vero e proprio pugno in faccia.

Un ricordo della tua vita.     
Una volta ho trascorso una settimana a Wembley con tutte le più grandi rock star del mondo. Ho capito subito che in quei contesti non sono ammessi né telefoni né macchine fotografiche, quindi non ho alcuna prova. A volte mi sembra quasi che sia stato solo un sogno, ma sono ancora in contatto con alcune di quelle rock star, quindi deve esserci un fondo di verità.

Samantha Stella

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Edicola480 è una vetrina affacciata sulla strada, inserita nel tessuto urbano di Napoli, aperta ai passanti a tutte le ore, che non richiede alcun biglietto, nessun appuntamento, né una decisione consapevole di entrare. Non è una galleria nel senso convenzionale del termine. Questo particolare formato – l’opera racchiusa dietro un vetro, accessibile a chiunque con uno sguardo – trasforma ogni incontro in qualcosa di casuale, quasi cinematografico. È un formato che trova risonanza in I Secondi Soldati di Gabriele La Torre (Palermo, 2003), un dipinto sulle cose che sono sempre lì, sempre visibili, che abbiamo semplicemente imparato a ignorare. 

L’opera di Gabriele La Torre in mostra da Edicola480 a Napoli

Il direttore artistico Massimiliano Bastardo porta in mostra un olio su tela del pittore palermitano, la cui composizione risulta immediatamente leggibile e al tempo stesso inquietante: soldatini disposti su uno sfondo arancione fiammeggiante, alcuni in piedi in posizione di combattimento, altri già caduti. A destra, figure raffigurate in verde; a sinistra, altre in un beige pallido — due forze, apparentemente opposte. Eppure, nella parte inferiore della tela, un soldatino verde e uno beige stanno vicini, apparentemente mentre si salutano, facendo crollare la dicotomia tra nemico e alleato in qualcosa di più ambiguo e più umano. 

La forza del colore nell’opera di Gabriele La Torre

Ciò che rende il dipinto davvero avvincente è proprio ciò che La Torre omette. Non c’è alcun paesaggio, nessun campo di battaglia identificabile – solo quell’arancione piatto e denso; non raffigura tanto un luogo specifico quanto una condizione: potrebbe essere terra bruciata, potrebbe essere la calda astrazione del fuoco, oppure potrebbe non essere affatto una geografia – uno spazio puramente interiore, il colore di un ricordo che non si riesce a collocare con precisione. Anche la prospettiva rifiuta la coerenza: un soldato è visto di profilo, un’altra figura caduta è vista dall’alto con un’angolazione che stravolge la logica spaziale; vi è un’occupazione simultanea di molteplici punti di vista. La scena non può essere risolta in un unico punto di osservazione, il che è proprio il punto: la guerra, sembra suggerire il dipinto, resiste a qualsiasi lettura stabile e autorevole.

1 / 3 La mostra di Gabriele La Torre da Edicola480 a Napoli, Danilo Donzelli Photography

2 / 3 La mostra di Gabriele La Torre da Edicola480 a Napoli, Danilo Donzelli Photography

3 / 3 La mostra di Gabriele La Torre da Edicola480 a Napoli, Danilo Donzelli Photography

Il significato dell’immagine di Gabriele La Torre a Napoli

I soldatini sono una scelta volutamente carica di significato. Si tratta di oggetti dell’infanzia, prodotti in serie e intercambiabili, concepiti per rendere il conflitto comprensibile e gestibile alle mani dei bambini. La Torre li traspone nella pittura senza addomesticarli ulteriormente; semmai, la superficie pittorica riattiva la loro violenza latente, spogliandoli dell’innocenza che questi oggetti di plastica fingevano di offrire. In un’epoca di guerre incessanti, l’opera si chiede silenziosamente quando inizi la normalizzazione – come la logica del conflitto venga assorbita, miniaturizzata, trasformata in gioco e tramandata. Le figure oscillano tra il gioco e il fantasma, i loro contorni morbidi e instabili, come se potessero dissolversi nuovamente nello sfondo arancione in qualsiasi momento. 

Rappresentare la guerra oggi

Mi ritrovo a riflettere su come la guerra sia diventata una sorta di rumore di fondo – qualcosa che esiste, con assoluta certezza, altrove. Sappiamo che sta accadendo, ne vediamo le immagini ogni giorno, eppure ci giunge già filtrata, da una distanza di sicurezza. I Secondi Soldati individua l’origine di quella distanza non nell’età adulta o nei media, ma nell’infanzia stessa – nel giocattolo, nel gioco, nell’innocente simulazione della violenza. I soldati nel dipinto di La Torre sono già entrambe le cose allo stesso tempo: giocattoli e vittime, familiari e irrimediabilmente perduti. Quell’ambiguità non si risolve. Ti rimane dentro, come rimane un’immagine vagamente ricordata, molto tempo dopo essere andato via dalla vetrina. 

Kush Jariwala

Napoli // fino all’8 giugno 2026
Gabriele La Torre. I secondi soldati
EDICOLA480, Via San Pasquale, 61
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Negli ultimissimi anni Topolino ha saputo evolversi e intercettare pubblici differenti, grazie a una ricca produzione di storie inedite ispirate a personaggi e iniziative più vicini alla cultura pop che a quella dell’infanzia e dei lettori più giovani. Si pensi ad esempio alle recenti storie dedicate a Dante Alighieri e Marco Polo, o alle uscite speciali nei vari dialetti della nostra Penisola. Alla base di questa lodevole strategia editoriale c’è la volontà di ampliare la platea degli appassionati, trasformando il settimanale in un contenitore di storie impegnate, biografie e approfondimenti sociologici destinati a fasce di lettori sempre più ampie e diversificate. Si inserisce in questa prospettiva il nuovo numero della serie, interamente firmato da uno dei personaggi più amati dal pubblico italiano: Max Pezzali, chiamato eccezionalmente (e solo per un episodio) a vestire i panni di direttore artistico dello storico fumetto targato Panini Comics.

Le parole di Alex Bertani, direttore di “Topolino”

Il numero in questione è il 3680 della serie, che farà il suo debutto in edicola mercoledì 3 giugno. “Questo numero di Topolino è una vera chicca, un esperimento mai fatto prima. Un concept comics costruito sulla falsariga di un concept album, in cui ogni storia rappresenterà una specie di traccia e dove ogni pagina contribuirà a un racconto più grande sorprendente e corale”, ha dichiarato Alex Bertani, direttore di Topolino. Si tratta dunque di un “test insolito”, prosegue l’editore. “Talmente ‘personale’ che dopo 400 numeri ininterrotti ho deciso, per una settimana, di alzarmi dalla sedia di direttore e di godermi Topolino dalla poltrona! La lascerò a Max Pezzali, direttore d’eccezione, che ha portato in redazione tanta energia e un’idea precisa di narrazione”.

Il nuovo numero di “Topolino” diretto da Max Pezzali

Ad aprire il numero, caratterizzato dalla copertina di Alessandro Perina ispirata all’album Nord sud ovest est degli 883, di cui Pezzali è stato frontman per quindici anni, è il fumetto Paperino e il suono del tempo, scritto da Tito Faraci (compagno di università del cantante) e disegnato da Alessandro Perina, con Pezzali protagonista in un’inedita versione “paperizzata”. Si prosegue con quattro storie autoconclusive illustrate da Claudio Sciarrone: L’ispirazione arriva quando meno te l’aspetti, Nord, Sud, Ovest ed Est. Completano il sommario altre cinque avventure ispirate all’universo narrativo e alle passioni del cantante di Pavia: Chilometri di lettere di Marco Nucci e Davide Cesarello, Manetta e la squadra che vince sempre di Roberto Gagnor e Luca Usai, Il paperotto che leggeva Rider Duck di Francesco Pelosi e Giampaolo Soldati, Paperino e la lunga giornata dell’eroe di Marco Nucci e Andrea Maccarini e Vecchia storia, stessi amici di Corrado Mastantuono.

Il commento del cantante degli ex 883

“Quando Alex Bertani mi ha proposto un passaggio di consegna, ho iniziato a pensare a come far sì che questo numero potesse essere conforme al livello di una pubblicazione così alta, ma allo stesso tempo contenere elementi che raccontassero la mia storia, in armonia con il mondo di Topolino”, racconta Max Pezzali. Un equilibrio non semplice, costruito attraverso richiami alla cultura pop degli Anni Novanta, suggestioni autobiografiche e una narrazione pensata per dialogare sia con i lettori storici del settimanale sia con chi è cresciuto ascoltando le canzoni degli 883.

Alex Urso

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A metà strada tra Firenze e Siena, esiste un luogo che racchiude due tradizioni di famiglia che si tramandano da oltre 600 anni, la produzione vinicola e la passione dell’arte contemporanea al suo tempo. È in questo intreccio, e in una cantina di 58.000 mq ospitati nel ventre della collina, secondo un riuscito progetto di Marco Casamonti Archea, che si aggiunge il rispetto per il paesaggio chiantigiano classico che circonda la struttura, con il quale si realizza un’osmosi continua, accompagnata dalle trasparenze delle vetrate che permettono la fusione progressiva tra interno ed esterno. Elementi che permettono alla cantina, che è anche luogo di degustazioni, di itinerari guidati, sede del ristorante Rinuccio 1180 dedicato al capostipite mevievale della famiglia, di essere uno dei luoghi più visitati del territorio, accogliendo un turismo internazionale nell’ordine di decine di migliaia di visitatori l’anno.

L’Antinori Art Project

È all’interno di questa relazione tra arte, vino, cultura e natura che nasce nel 2012 l’Antinori Art Project, raggiungendo nel 2026 dieci grandi commissioni artistiche all’interno della cantina. L’obiettivo? Lo spiega Alessia Antinori, che ha lanciato, con la progettazione della nuova cantina, l’idea di un mecenatismo contemporaneo per questa leggendaria famiglia del vino: “mostrare il nostro legame con il territorio e con l’arte, oltre che con il vino, ovviamente. La nostra famiglia colleziona e commissiona opera da 26 generazioni (il marchio Antinori è affiancato dalla data 1385, anno in cui Giovanni di Piero Antinori entrò a far parte dell’Arte Fiorentina dei Vinattieri, ma le prime testimonianze della famiglia risalgono al 1180, ndr). Ho dunque pensato che era molto importante, data la lungimiranza della nostra famiglia per il futuro, rappresentare e mostrare ciò che un giorno sarà il passato”.

Il primo progetto è stato il Sun Clock di Rosa Barba, una sorta di macchina ottica che registra il passare del tempo, attraverso la luce del sole. Il resto è storia, un percorso che si svolge in collaborazione con la curatrice Ilaria Bonacossa. “Ogni anno pensiamo ad una nuova collaborazione, cercando un artista che davvero s’innamori un po’ di questa cantina e della storia della nostra azienda”. Negli anni si susseguono le produzioni site-specific con il tappeto di Elisabetta Benassi, la grande tela che accoglie la mutevolezza del tempo e della natura di Sam Falls, unico artista americano in collezione, le biosfere nella tromba delle scale di Tomas Saraceno, l’interpretazione della lunetta di Giovanni Della Robbia, La resurrezione di Cristo commissionata dagli Antinori nel XVI Secolo e oggi in una collezione americana da parte di Stefano Arienti, tra le altre.

L’opera di Armin Linke per Antinori Art Project

La primavera del 2026 si apre con il lavoro Armin Linke (Milano, 1966), nato dal dialogo costante tra l’artista e i professionisti della cantina Antinori. Un artista “prismatico”, che è stato in grado di fare proprio il processo del vino, seguendo tutti i momenti fondamentali delle stagioni e della produzione, realizzando oltre 3000 fotografie. Da una selezione pensata di queste è nato il progetto Sampling the Vineyards, che ha saputo, secondo Antinori “mostrare il lato umano del nostro settore e soprattutto della nostra famiglia”. L’aspetto scientifico della produzione del vino, le tempistiche, la storia dell’archivio: con lo sguardo che lo contraddistingue, che fonde lo still life con l’architettura, la poesia con la tecnica, Linke crea un racconto per immagini che restituisce un ritratto artistico, veridico e allo stesso tempo artigianale della viticoltura contemporanea.
“Quello che mi ha estremamente colpito”, spiega l’artista, “è la percezione del tempo nella produzione del vino: ci vogliono quindici anni per scegliere un buon terreno e 15 minuti per decidere il destino di un vino”. Due tempi radicalmente opposti che si intrecciano con quelli del processo artistico.

1 / 4 Armin Linke, Sampling the Vineyard, Antinori Art Project

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3 / 4 Armin Linke, Sampling the Vineyard, Antinori Art Project

4 / 4 Armin Linke, Sampling the Vineyard, Antinori Art Project

Il cambiamento climatico e il mondo del vino

“Il progetto è nato con l’obiettivo di raccontare l’impatto del cambiamento climatico, anche a partire dal pensiero del filosofo Bruno Latour (che peraltro proveniva da una famiglia di commercianti di vino in Borgogna, ndr.), sulla viticoltura contemporanea. Armin Linke ha chiesto di poter seguire almeno dodici mesi di lavoro e le varie fasi di lavorazione, dalla vendemmia alla bottiglia. L’artista ha quindi interagito in maniera costante con le persone che lavorano qui, creando un dialogo costruttivo”, spiega Bonacossa. Il risultato è una serie di immagini che diventano in qualche modo anche scultura, grazie ad un sistema di cavalletti che permette una scansione filmica della narrazione, e anche di girarci intorno. Con un dialogo costante con l’esterno che si realizza soprattutto nel controluce di un trittico monumentale, stagliato sulla grande vetrata e sul paesaggio delle vigne e del Chianti Classico alle sue spalle, che è un po’ un inno alla vita e al vino. I grappoli neri e bianchi, messi a seccare su trabattelli esposti al meteo, si fanno scultura – e c’è la storia dell’uomo, del mondo e dell’arte, della grande pittura, evocate dal susseguirsi di queste tre immagini -. “Ciò che mi interessava”, conclude Linke, “è mostrare come per la produzione del vino esista una tradizione culturale, che è anche una produzione scientifica. Alla base del vino c’è la geologia – i sassi, la terra che dà gli elementi, e dall’altra parte il clima, ovvero l’atmosfera e, in un certo senso, anche l’acqua che poi penetra nella terra -. E in qualche modo volevo fare capire come questo sapere, che ha una tradizione centenaria, viene continuamente aggiornato. E qui… e qui ad Antinori viene aggiornato per trovare la giusta combinazione tra tradizione e innovazione”.

Santa Nastro

Bargino (FI)
Antinori Art Project
ANTINORI – Via Cassia per Siena, 133
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Nel Magazzino del Ferro, edificio dell’Arsenale adiacente alle Corderie, dov’è attualmente in corso la 61. Esposizione Internazionale d’arte curata da Koyo Kouoh, l’Archivio Storico delle arti Contemporanee della Biennale di Venezia, che documenta l’attività della Fondazione fin dalla prima Esposizione Internazionale d’Arte del 1895, trova finalmente una nuova casa.
Nel frattempo, a partire dal 2021, l’Archivio – finora ospitato nel padiglione Cygnus del parco VEGA di Porto Marghera, dov’era dagli Anni Duemila, dopo il trasferimento da Ca’ Corner della Regina – ha potenziato le sue attività, avviando in collaborazione con Università e Istituti di alta formazione il Centro Internazionale della Ricerca sulle Arti Contemporanee.
Ma il traguardo del trasloco in Arsenale, dove le funzioni del polo di conservazione, studio e ricerca potranno ampliarsi ulteriormente, è certamente attesissimo.

1 / 9 La nuova sede dell'Archivio Storico della Biennale di Venezia all'Arsenale. Photo Andrea Avezzù

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8 / 9 La nuova sede dell'Archivio Storico della Biennale di Venezia all'Arsenale. Photo Andrea Avezzù

9 / 9 La nuova sede dell'Archivio Storico della Biennale di Venezia all'Arsenale. Photo Andrea Avezzù

La nuova sede dell’Archivio Storico della Biennale all’Arsenale

In uno spazio di 8mila metri quadri, ci sarà modo di sperimentare come un archivio culturale possa svolgere un ruolo attivo nel presente, e per propiziare progetti di ricerca rivolti al futuro, anche grazie all’incremento costante dei fondi e delle collezioni conservati. Già oggi, nell’ambito del loro incarico, i Direttori Artistici dei diversi settori sono coinvolti direttamente nell’ideazione e nello sviluppo di progetti di ricerca fondati sui materiali d’archivio, finalizzati alla realizzazione di percorsi espositivi e progetti speciali.
I lavori per la trasformazione dello spazio storico, avviati nel marzo 2024, sono stati finanziati tra gli interventi strategici del Piano Nazionale Complementare (PNC) al Piano Nazionale di Ripresa e Resilienza (PNRR) per i Grandi Attrattori Culturali del Ministero della Cultura, su edifici del Comune di Venezia: il nuovo Archivio rappresenta uno degli interventi più complessi del percorso pluriennale di riqualificazione dell’Arsenale, del Lido e dei siti in terraferma operato dalla Biennale e iniziato nel 1999.

Il progetto di trasformazione del Magazzino del Ferro in sede dell’Archivio Storico della Biennale

Finanziato con 38 milioni di euro stanziati dal Ministero della Cultura, il progetto – sotto la direzione dell’architetta Arianna Laurenzi, sviluppato dal raggruppamento temporaneo composto da TA Torsello Architettura | Alberto Torsello e Studio SERES, dall’architetto Ottavio di Blasi & Partners, da Studio Milan Ingegneria per la progettazione strutturale e dalla società TFE Ingegneria per la progettazione degli impianti – ha previsto il recupero, il restauro conservativo e la valorizzazione di cinque edifici storici accorpati tra loro, parte del compendio Arsenale Sud di Venezia, che si estendono per oltre 200 metri parallelamente alle Corderie. Gli spazi accoglieranno aree polifunzionali dedicate alla consultazione cartacea e multimediale, alle attività College e di ricerca (attraverso una nuova infrastruttura integrata), workshop, mostre e produzione di progetti speciali, ma anche aree per deposito, catalogazione e restauro. Spazio anche per un ristorante. Il lavoro di conservazione – dislocato nell’edificio dei Congegnatori e Aggiustatori, lungo 90 metri – sarà agevolato da scaffalature compattabili su più livelli, laboratori di restauro, ambienti per la catalogazione e box climatici in grado di garantire condizioni termoigrometriche adeguate alla tutela del patrimonio documentale. Mentre si continua a lavorare sulla digitalizzazione dei fondi (audio, video e fototeca). E gli spazi di archiviazione beneficeranno di un significativo ampliamento, con circa 8mila metri lineari a disposizione rispetto ai 5mila della sede di Marghera. “Abbiamo lavorato con duplice obiettivo” spiega Debora Rossi, che è Responsabile dell’Archivio Storico della Biennale “da un lato la necessità di avere uno spazio supertecnologico e qualificato di conservazione, dall’altro l’intenzione di fare dell’Archivio un luogo vivo di ricerca, dove studenti, curatori, artisti, ma anche chi ha semplicemente la curiosità di entrare in contatto con la nostra realtà può accedere. Qui ci sarà anche spazio per mostre, workshop e progetti speciali”.

La missione dell’Archivio Storico delle Arti Contemporanee della Biennale

La nuova collocazione, pone l’Archivio al centro delle attività (Biennale Arte e Architettura, Festival di Danza, Musica, Teatro) dell’Arsenale, e attualizza l’impegno a farne un luogo vitale, di scambio continuo tra memoria e produzione, tra ricerca e creazione. Si compie, inoltre, il riavvicinamento con la Biblioteca specializzata nelle arti contemporanee e situata nel Padiglione Centrale ai Giardini, che è parte del patrimonio dell’ASAC insieme al Fondo Storico, che raccoglie oltre 10mila fascicoli, una vasta fototeca e mediateca, il Fondo Artistico, manifesti, rassegne stampa e materiali eterogenei, tra cui fotografie, carteggi, audiovisivi, partiture, opere d’arte e dischi in vinile. “Corre parallelo alla Biennale di Venezia il suo Archivio, e lo fa da 131 anni” sottolinea Pietrangelo Buttafuoco, Presidente della Biennale di Venezia “La lungimiranza dei fondatori ha difatti garantito sin da subito all’istituzione una sua memoria, che dopo oltre un secolo diventa di diritto l’Archivio delle Arti Contemporanee più vasto al mondo. E così quel correre in parallelo si fa architettura, si fa luogo, proprio nel cuore di una delle sedi della Biennale e di Venezia, l’Arsenale. Finalmente l’ASAC ha una casa definitiva nella perpetua e vivissima fucina di Venezia”.

Il programma di attivazione dell’Archivio della Biennale all’Arsenale

Non stupisce, quindi, che la presentazione al pubblico della nuova sede, sia accompagnata da uno speciale programma di attivazione, protratto per tre giorni, dall’1 al 3 giugno, chiuso dalla giornata di Open Day prevista per mercoledì. Al centro, tutti i linguaggi universali delle arti contemporanee, per un cartellone che ha visto collaborare i Direttori Artistici dei diversi settori a partire dai materiali custoditi nell’Archivio.
Nel pomeriggio di lunedì 1° giugno (dalle ore 15.30 alle 17 e dalle 18 alle 19.30), il programma di performance prevede: Body as Archive, progetto della Biennale Danza sviluppato da Wayne McGregor con AISOMA, strumento coreografico alimentato dal machine learning; WATERMARKS, di e con Maria Magdalena Campos-Pons e Kamaal Malak; We Were Together, I Forget the Rest, azione performativa della Biennale Teatro, a cura di Willem Dafoe, dedicata al tema della memoria e costruita a partire dai materiali dell’Archivio Storico.
Il 2 giugno, invece, il programma si aprirà alle ore 11 con la lecture di Wang Shu e Lu Wenyu, curatori della Biennale Architettura 2027. Nel pomeriggio, dalle 15.30 alle 17.00, saranno riproposte le performance Body as Archive, WATERMARKS e We Were Together, I Forget the Rest. Poi, alle 17.30, Alberto Barbera, direttore artistico della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica, converserà con cinque giovani studiose e studiosi di cinema. Alle 21.30, il concerto Yet Darkness Held No Seraphim di Caterina Barbieri, direttrice della Biennale Musica, ideato appositamente per i nuovi spazi dell’Archivio, con il light design site-specific di Marcel Weber alias MFO e i visual di Ruben Spini.
Mercoledì 3, il pubblico potrà accedere allo spazio dalle 11 alle 19, con visite guidate. Poi, al termine dei lavori di allestimento e di trasferimento dal VEGA di Marghera, la nuova sede dell’ASAC sarà aperta 365 giorni l’anno al pubblico. E promette una fruizione innovativa dei contenuti conservati dal polo.

Il cronoprogramma per il trasloco all’Arsenale

Perché questo si concretizzi, però, bisognerà attendere il 2027, come specifica Debora Rossi: “Anche il piano di trasloco sarà di per sé un percorso significativo di ricerca, vista la ricchezza e la specificità dei materiali da trasferire. E abbiamo sviluppato un programma che tutela la continuatività della consultazione. Le operazioni inizieranno a novembre, e si concentreranno soprattutto nel mese di dicembre, che per Biennale è il mese di sospensione delle attività, quando si fermano gli uffici. Avremo una coda dei lavori fino a gennaio, è l’idea è quella di aprire nella nuova sede a febbraio 2027, con l’operatività al completo”. Quest’estate, intanto, il nuovo spazio potrà ospitare eventi o progetti speciali, come la Biennale della Parola, che proseguirà con un nuovo ciclo dopo l’esordio durante i giorni inaugurali della Biennale d’Arte. E intanto l’Archivio è al lavoro anche su un’iniziativa per ricordare l’anniversario dell’Acqua Granda che colpì Venezia il 4 novembre del 1966.

Livia Montagnoli

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Lontana dai canonici percorsi del turismo internazionale e dai riflettori costantemente puntati sulla capitale Istanbul, Mardin è sede di una delle manifestazioni artistiche più significative del panorama culturale turco contemporaneo. In un momento in cui la Türkiye sta cercando di ridefinire il proprio posizionamento nel sistema globale dell’arte, decentralizzando l’attenzione dai grandi poli culturali storici, la città si propone oggi come laboratorio territoriale in grado di intrecciare identità storica e ricerca contemporanea.

La città di Mardin in Turchia

Nella città di Mardin, nel sud-est della Türkiye, il tempo si manifesta come una stratificazione visibile di tracce che modellano ancora oggi l’identità della città. Le iconiche architetture in pietra color miele, disposte lungo il pendio che guarda verso la pianura mesopotamica, restituiscono l’immagine di un contesto urbano costruito attraverso secoli di attraversamenti, convivenze e conflitti. La dimensione storica si presta come elemento attivo che condiziona inevitabilmente anche la lettura della Biennale.

La VII edizione della Biennale di Mardin

Dal 15 al 21 giugno 2026 la città ospita la VII edizione della Biennale di Mardin, curata da Çelenk Bafra, direttrice artistica di Istanbul Modern e figura di riferimento della curatela contemporanea europea. La manifestazione nel corso degli anni ha progressivamente consolidato la propria presenza all’interno della scena artistica del Mediterraneo e del Medio Oriente. A guidare questa nuova edizione dal titolo GÖKzemin” / “SKYground è una riflessione che prende forma attorno alla figura dell’uccello, presenza simbolica profondamente radicata nell’immaginario mesopotamico.

La figura simbolica dell’uccello come fil rouge della Biennale di Mardin 2026

L’elemento alato ritorna nelle opere di quasi tutti gli artisti coinvolti, ciascuno secondo la propria grammatica visiva e poetica, un’immagine che accompagna costantemente il visitatore durante il percorso espositivo, quasi sovrapponendosi ai suoni reali che attraversano i cieli della regione.
Tra i lavori presentati emergono installazioni e interventi che utilizzano l’immagine dell’uccello come traccia fragile di memoria collettiva, talvolta attraverso registrazioni sonore ambientali, talvolta mediante sculture sospese o videoproiezioni che trasformano il volo in una figura di attraversamento geografico ed esistenziale. Alcuni artisti lavorano invece sul tema della migrazione e della distanza, costruendo opere in cui piume, reti, ombre e materiali organici diventano elementi capaci di evocare appartenenze instabili. In altri casi, la simbologia dell’animale si intreccia con una riflessione più spirituale sul paesaggio mesopotamico, restituendo immagini contemplative in cui il cielo della regione diventa parte integrante dell’opera stessa.

Nella sua VII edizione la Biennale di Mardin si estende oltre il centro storico della città

Per la prima volta, inoltre, la Biennale abbandona una concentrazione esclusiva nel nucleo storico della città antica per espandersi verso aree periferiche e siti di grande rilevanza storica e archeologica. Tra questi figurano l’antica città di Dara, l’Hammam di Kızıltepe e il Deyrulzafaran Monastery, luoghi che amplificano la dimensione esperienziale della manifestazione e instaurano un dialogo diretto tra opere, architettura e territorio.
Pur mantenendo un forte radicamento territoriale, reso evidente anche dalla significativa presenza di artisti provenienti dalla regione e dal contesto turco, la Biennale sembra oggi muoversi verso una progressiva apertura a una dimensione sempre più internazionale. Una direzione che potrebbe ulteriormente svilupparsi nei prossimi anni attraverso forme di dialogo ancora più estese tra pratiche artistiche differenti e geografie culturali eterogenee.

Diana Cava

Mardin // 15 – 21 giugno 2026
Biennale di Mardin, VII edizione 2026
MARDIN, Turchia
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Figura centrale dell’arte italiana del secondo dopoguerra, e chiamato “il corsaro della pittura”, Concetto Pozzati (Vo’, 1935 – Bologna, 2017) è stato uno dei protagonisti della stagione della Pop Art italiana, sviluppando un linguaggio originale capace di mettere in dialogo suggestioni surrealiste, riferimenti alla tradizione pittorica e un immaginario legato alla quotidianità. Accanto all’attività artistica, Pozzati è stato anche un intellettuale attivo e influente: docente in diverse accademie italiane, tra cui Bologna, Firenze e Venezia, direttore dell’Accademia di Urbino, curatore e organizzatore di rassegne in Italia e all’estero, nonché figura impegnata nella vita culturale e politica. È questa eredità che oggi viene celebrata in una mostra a Roma, da Studio SALES di Norberto Ruggeri
 in collaborazione con Archivio Concetto Pozzati.

La mostra da Studio SALES a Roma

L’esposizione si inserisce nel cinquantesimo anniversario della storica antologica di Pozzati inaugurata il 4 maggio 1976 presso il Palazzo delle Esposizioni di Roma, offrendo l’occasione per rileggere un momento cruciale della sua produzione artistica. In occasione di quella mostra, il catalogo raccoglieva interventi di alcuni tra i più importanti critici del tempo (come Giulio Carlo Argan, Renato Barilli, Enrico Crispolti, Filiberto Menna, Giulio Briganti, Lea Vergine) restituendo la centralità della sua ricerca nel dibattito contemporaneo.

Una fase meno studiata di Concetto Pozzati

Le opere selezionate per Studio SALES di Norberto Ruggeri – quattro di grandi dimensioni (tutte presenti nella rassegna del 1976), più una di formato più contenuto, a cui si affianca una selezione di lavori su carta incorniciati in plexiglass secondo una soluzione espositiva ideata dallo stesso artista – testimoniano una fase meno indagata ma estremamente fertile della sua produzione: quella degli Anni Settanta. Caratterizzato da sperimentazioni tecniche e linguistiche che si discostano dalla sua cifra più riconoscibile, questo periodo apre a nuove possibilità: Pozzati introduce nel quadro reperti oggettuali, scritte e immagini serigrafate, mescolando tecniche diverse, come nell’uso della pittura a spruzzo nelle grandi tele. Tutte le opere in mostra provengono dall’Archivio Concetto Pozzati e includono nuclei di lavori che non sono più stati esposti al pubblico dopo la mostra romana del 1976.

Il ricordo del critico e curatore Danilo Eccher, già direttore della Galleria d’Arte Moderna di Bologna

“Ho sempre provato un grande affetto per Concetto Pozzati, sentimento credo ricambiato perché nato da stima, attenzione e, soprattutto, sincerità. In realtà all’inizio era solo ammirazione, studiavo all’università di Bologna e la città era Concetto Pozzati, lo trovavi alla galleria De Foscherari con Pasquale Ribuffo o alla G7 con Ginevra Grigolo, all’osteria del Sole, in via Zamboni tra Università, Accademia e il suo atelier. Studiare estetica a Bologna alla fine degli Anni Settanta significava misurarsi con giganti come Luciano Anceschi, Paolo Fabbri, Umberto Eco, Renato Barilli e, appunto, Concetto Pozzati. Ma in quel periodo era un rapporto distaccato di semplice ammirazione per un artista che anche fisicamente appariva prepotentemente presente. È però stato alcuni anni più tardi quando, verso la metà degli Anni Novanta, sono stato nominato direttore della Galleria d’Arte Moderna della città, il museo che avevo frequentato mille volte da studente, dove avevo visto la grande collezione di Panza di Biumo nel rapporto Europa-America, dove dieci anni prima della mia nomina Francesca Alinovi aveva presentato la mostra Arte di Frontiera con i “graffitisti newyorkesi” per la prima volta in Europa, è stato allora che il rapporto personale con Concetto Pozzati si è formato e consolidato.

È stato in quell’occasione che l’ammirazione dello studente si è trasformata in stima professionale e complicità intellettuale attraverso un confronto basato dall’inizio sulla schiettezza e sulla sincerità. La GAM di Bologna all’epoca era un’istituzione autonoma del Comune ed era gestita da un solido e prestigioso Consiglio di Amministrazione alla cui presidenza era stato chiamato Lorenzo Sassoli de Bianchi, Concetto Pozzati era l’Assessore alla Cultura della città, e io, per dovere e garbo istituzionale decisi, come mio primo incontro ufficiale, di andarlo a trovare in assessorato. Lui conosceva benissimo il mio lavoro alla Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Trento e io avevo avuto altre occasioni di incontro nelle sue attività espositive. Senza preamboli e con voce potente mi disse subito che io non ero il “suo” candidato alla direzione, che lui, pur riconoscendo le mie capacità, avrebbe preferito un altro candidato e per questo si era anche esposto pubblicamente. Ovviamente lo sapevo ma questo essere diretto, franco, semplice aveva spostato l’asse del confronto da Assessore-Direttore a quello di Artista-Curatore, un piano di confronto che entrambi sentivamo più consono, più corretto fra noi. Sono convinto che quella conversazione, solo tra noi due nel suo studio, sia stata la vera origine di un’amicizia che ha segnato i nostri rapporti futuri e ha plasmato la stima professionale. Forse è proprio sulla base di questa intesa che, riorganizzando la collezione permanente del museo, ho dedicato la prima sala alla ricostruzione della presenza di Concetto Pozzati alla Biennale di Venezia del 1964, quella che divenne famosa per la presenza della Pop Art Americana e del leone d’oro assegnato a Robert Rauschenberg. Una mostra storica alla quale Pozzati partecipava con una sala personale, presentando alcune opere che sapevano cogliere lo “spirito del tempo”, con gli accenni alle dinamiche narrative della società dei consumi, e, allo stesso tempo, non potevano tradire la tradizione pittorica europea, liberando una colta e sofisticata gestualità. Credo che a suggerire la capacità di Pozzati nell’afferrare i segnali di un immaginario frenetico sia stata anche l’eredità dello zio Severo Pozzati, Sepo, attentissimo, visionario artista e pubblicitario degli Anni Trenta. Più complesso mi sembra invece l’analisi del confronto strettamente pittorico, dove penso abbia svolto un ruolo importante l’insegnamento di Francesco Arcangeli che dall’università ha sostenuto le ricerche più avanzate dell’arte italiana: “Lo amavamo molto ma dovevamo combatterlo criticamente” scrive Pozzati. Così, l’oggetto quotidiano che per gli americani si plastifica in immagine, e Pozzati, come molti artisti europei, non riesce a rinunciare al proprio abito pittorico, al suo sapore di manualità, di materia e colore. Allo stesso modo, il passo interpretativo di un’ironia concettuale detta la costruzione narrativa, conferisce agli oggetti un proprio, autonomo, ruolo recitativo. Forse in questi lavori si scorgono i profili di Marcel Duchamp più che di Andy Warhol, quelli di René Magritte più che di Jasper Johns, più le colline europee che le distese americane.

Più come artista che come Assessore, Concetto Pozzati mi ha aiutato ad aprire molte porte della Bologna colta e intellettuale: ha contribuito all’amicizia con Pier Giovanni Castagnoli con cui avevo già collaborato negli anni precedenti, mi ha sostenuto con Eugenio Riccomini, allora direttore dei Musei Civici d’Arte Antica, e con Andrea Emiliani, storico e prestigioso Sovrintendente dei Beni Artistici. E poi la comune simpatia con Vittorio Boarini capace come pochi a coniugare l’acuta ironia dell’Emilia con il rigore dello studioso e la cultura cinematografica. Ecco, Concetto Pozzati per me era Bologna ma non la città medievale chiusa nei propri portici ma la città colta, coraggiosamente imprenditoriale, curiosa delle sperimentazioni scientifiche, quella un po’ folle della musica sulla via Emilia, della velocità, quella aperta al mondo. È questa l’arte di Pozzati, quella che dalla Biennale del 1964 ha saputo arrampicarsi sui più prestigiosi palcoscenici artistici nazionali e internazionale, è bello, oggi, ricordare a cinquant’anni di distanza la sua grande mostra al Palazzo delle Esposizioni di Roma, un ulteriore segnale della sua importanza allora come oggi quando, guardare al suo lavoro significa guardare al futuro”.

Danilo Eccher

Concetto Pozzati. 50 anni dopo // Dal 4 maggio al 20 giugno 2026
Studio SALES di Norberto Ruggeri
Piazza Dante 2, Roma

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