Fabrizio Arcuri arriva all’Estate Teatrale Veronese, aperta fino al 18 settembre 2026, da strade diverse. Fondatore di Short Theatre, già al Teatro della Tosse e al CSS del Friuli Venezia Giulia, è il nuovo direttore artistico del festival più longevo d’Italia: 78 edizioni, una tradizione shakespeariana consolidata. E lui che cerca, da subito, di farlo uscire dai luoghi deputati.

Intervista al direttore dell’Estate Teatrale Veronese 2026 Fabrizio Arcuri

Lei entra in un festival molto radicato. Qual è il primo rischio che ha scelto di assumersi?
Renderlo più contemporaneo, e quindi farlo parlare a più pubblici. L’obiettivo era inserirlo tra i festival con un panorama davvero internazionale, partendo dall’identità e dalla storia del festival ma traghettandolo verso una dimensione più globale. Questo è stato il primo rischio condiviso con l’amministrazione. E immagino che sia stato anche il motivo per cui hanno scelto me.

Come lega Arcuri di Short Theatre con Arcuri direttore di un festival storico?
Sono esperienze diverse. Nel corso degli anni mi è capitato di dirigere il Teatro della Tosse a Genova, il CSS. Sono dimensioni che costringono a un confronto con la realtà e il territorio. La mia tendenza è sempre lavorare sul contemporaneo e sulle dimensioni più interessanti che la nuova scena propone. Ma per evitare di sembrare un’astronave atterrata in un posto sbagliato, bisogna capire dove ci si trova. Short Theatre l’ho inventato io, a Roma, in un territorio dove ci si poteva permettere di guardare in una direzione lacunosa. Arrivando altrove, bisogna vedere cosa è successo lì, e capire come connettere lentamente quel territorio alla nuova scena europea. In Italia questo non è normale, semplicemente perché le persone che finiscono in un luogo ci rimangono a vita e lo fanno diventare a loro immagine e somiglianza. Per fortuna la vita mi ha offerto la possibilità di essere nomade, com’è giusto che sia per chi fa questo lavoro.

Shakespeare al centro dell’Estate Teatrale Veronese

Shakespeare resta il centro del festival. Che cosa deve fare una direzione artistica per sottrarlo alla musealizzazione? E anche a utilizzi bislacchi…
Cercare gli spettacoli che trattano Shakespeare come una materia viva e che lo connettono con quello che sta accadendo. Shakespeare ha scritto talmente tanto, e su tutto, che non è difficile rintracciare testi che si prestino a raccontare l’attualità. La questione è capire come fare in modo che questi classici riescano davvero a parlarci. È stato un lavoro di ricerca di figure disposte a pensare Shakespeare in questi termini. Massini, per esempio, ha deciso di riscrivere Romeo e Giulietta in chiave israelo-palestinese partendo dalla radice del testo: Romeo e Giulietta non sono mai esistiti, e di fatto la storia racconta contese di quartiere, simbolizzata da due figure adolescenziali senza colpa che subiscono le circostanze. Massini entra nelle maglie di un conflitto secolare che adesso è ai minimi termini. Ecco cosa vuol dire fare di Shakespeare una materia viva, non un oggetto da perpetuare.

Estate Teatrale Veronese è un festival multidisciplinare. Qual è il rischio: aprirsi davvero o portare semplicemente l’etichetta del contemporaneo perdendo identità?
L’aggiunta che ho fatto è stata tentare di farlo uscire dai luoghi deputati. Questo mi sembra uno dei tratti che distingue un festival che vuole essere davvero contemporaneo: non essere solo centripeto, ma anche centrifugo. Verona è una città invasa ogni giorno da diecimila, quindicimila turisti che rischiano di non accorgersi che esiste un festival. Ho cercato di fare in modo che ci fosse un pezzo di festival per le strade: un inciampo, per il turista sbadato che si trova coinvolto in una performance.

A proposito di scelte non convenzionali: Rex Destruens porta Massimo Cacciari come interprete di Shakespeare. Perché un filosofo e non un attore?
Da qualche anno Cacciari ha avviato un rapporto con il teatro: affronta dei temi utilizzando Shakespeare in un formato ibrido: un po’ conferenza, un po’ spettacolo. Lo ha fatto con Macbeth, ora con Re Lear. Lui non recita: tiene la conferenza. Ho trovato che completasse bene la piega che sono riuscito a dare a questa edizione. Lella Costa fa Otello centrato su immigrazione e femminicidio, Massini con Romeo e Giulietta. Cacciari dava un’ulteriore possibilità di dimostrare come Shakespeare possa ancora parlarci direttamente.

Valorizzare i giovani all’Estate Teatrale Veronese 2026

Donnellan, Massini, Cacciari, Timi, Vacis, Latini. Ma anche giovani artisti, Premi Scenario, Nuove Orbite. Come si evita che i giovani diventino la sezione laterale del festival, mentre il centro resta occupato dai nomi forti?
Non si evita facilmente. Non si evita perché il Teatro Romano è uno spazio da 1700 posti e un festival può prendersi una parte di responsabilità. Il resto lo dovrebbero fare le politiche culturali di una nazione. L’importante è mettere in cartellone giovani e personalità affermate allo stesso piano, poi agire su spazi e promozioni diverse per non mettere in difficoltà nessuno. Ma il problema dei giovani artisti in Italia non lo può risolvere un festival. È un problema strutturale, tutto italiano. E questa cosa, a me, è sempre stata abbastanza antipatica. L’età non dovrebbe essere mai un problema, né per il giovane né per l’anziano. Perché mai Romeo Castellucci dovrebbe valere più o meno di Babilonia Teatri? Un festival deve permettersi di mettere in comunicazione artisti diversi e pubblici diversi, che a quel punto vengono a conoscenza di percorsi artistici che non conoscevano. Questo era già un pallino di Short Theatre.

Cosa ha portato della sua storia dentro Verona e cosa Verona le ha imposto di disimparare?
Ho portato un’esperienza coltivata sul campo e un pallino che rimane: costruire contenitori trans-generazionali che propongano contenuti di accesso immediato, che non richiedano un’alfabetizzazione per essere fruiti. Credo che il teatro abbia perso la capacità di essere popolare nel momento in cui, tra l’avvento del teatro di regia e certe forme estreme di ricerca, ha preteso dallo spettatore una conoscenza come chiave di accesso. Questo fa perdere al teatro popolarità. Si può andare a vedere uno spettacolo esattamente come si va a vedere un film: non serve conoscere la storia del cinema. È ovvio che chi la conosce legge più livelli, ma la fruizione immediata ha comunque la possibilità di parlare. Spesso si parla di inclusività per essere poi estremamente esclusivi; senza rendersi conto che, proprio al grido di inclusività, si lasciano fuori fette intere di pubblici. Quanto a Verona: non è che mi abbia chiesto di disimparare qualcosa. Mi ha messo dei paletti: la tradizione shakespeariana è imprescindibile e intorno a quei paletti ho costruito qualcosa che va comunque nella direzione che rispetta la mia idea di festival. È normale. Il problema è che in Italia non è considerato normale.

Alessia De Antoniis

Estate Teatrale Veronese — 78ª edizione
Dal 25 giugno al 18 settembre 2026
(H)Earth of GlassVerona, Teatro Romano e spazi urbani

L’articolo "Riparte l’Estate Teatrale Veronese. “Il teatro ha perso la capacità di essere popolare” dice nell’intervista il direttore Fabrizio Arcuri" è apparso per la prima volta su Artribune®.

Il piacere del possesso, un tempo imprigionato nell’oggetto di lusso, si sta spostando altrove. Altri status hanno cominciato ad impegnare tempo e denaro disponibili: tra questi avanzano inarrestabili benessere e salute psico-fisica. Fino al 60% di Millennial e Gen Z intervistati nel rapporto Future of Wellness di McKinsey affermano che l’impegno per invecchiare in salute è una priorità “massima” o “molto importante” per loro. Se Millennial e Gen Z, in particolare donne, mostrano consapevolezza per la propria salute, padri della Gen X e i nonni Boomer hanno iniziato a considerare la loro inedita longevità status di cui andare fieri. Così l’accesso al cosiddetto “lusso” non dipende più esclusivamente dalla capacità di esibire oggetti trofeo, ma si sposta verso acquisti legati ad esperienze che hanno a che fare con il benessere fisico.

L’allenamento come lifestyle si traduce in moda oltre che in pratica quotidiana

Accade che l’esercizio sia sempre meno considerato come qualcosa che ha che fare con la disciplina da infliggere al proprio corpo per superarne i limiti naturali, piuttosto come un “divertimento da prendere sul serio”: è un modo di pensare che sostituisce l’esibizione all’autostima. Proprio quello di cui va in cerca chi pratica la passeggiata veloce in città o il turismo lento in bicicletta, chi imbraccia le racchette per camminare sui sentieri di montagna, chi fa yoga in casa, pilates in palestra o Tai Chi in un giardino pubblico.

Il successo dei brand di lusso nello sportswear

La lezione di Torch’d Workout tenutasi dal trainer Isaac Boots all’interno della Biblioteca Braidense a Milano e quelle organizzate dal brand americano New Balance all’interno di Santo Spirito in Sassia a Roma qualche perplessità l’hanno sollevata, ma sarebbero state inconcepibili sino a pochi anni fa. Così come inconcepibile sarebbe stato apprendere dal CEO di Gucci il lancio di sotto-brand come Gucci Gym o Gucci Life (pillole per la longevità)

Il fatto è che i brand dell’abbigliamento, hanno registrato velocemente la situazione reagendo ognuno a suo modo. Se Pelagia Kolotouros (con un passato in marchi come Yeezy, The North Face e Adidas), giunta alla direzione artistica Lacoste, prova a rendere urbani i capi di un marchio nato per la terra rossa, Pier Paolo Piccioli nel gennaio scorso ha presentato un lookbook per Balenciaga dove propone ardite combinazioni di sartoriale e techwear. Dal canto loro giganti dello sportswear agonistico come Nike e Adidas, stanno cercando di riposizionarsi in segmenti di produzione prima non attenzionati. Il successo di brand come Alo, Lululemon, Beyond Yoga o Vuori, nati nella nicchia specifica dello yoga ma divenuti fenomeno globale, hanno risvegliato il loro interesse.

Il caso di Alo, brand nato dalla passione per lo yoga che si sta avvicinando al lusso

Il caso di Alo (acronimo di Air Land Ocean) è esemplare. Questo brand nato dalla passione per yoga e mindfulness nel 2007 a Los Angeles ha fatto scalpore. I suoi capi sono presenti da qualche anno in tutte le luxury gym del mondo: il design è pulito, i toni neutri, il logo discreto. Alo deve la sua fortuna iniziale ai social, ma sta provando ora ad avvicinarsi all’area tradizionale del lusso. Entro il 2026 è prevista l’apertura di un flagship store accanto all’hotel Louis Vuitton sugli Champs-Élysées, mentre in arrivo ci sono altri negozi a Capri, Saint-Tropez e Porto Cervo.

Nike e Kim Kardashian per una linea sportswear che “ti trasforma in un atleta”

Così Nike nel 2025 ha dato il via a una collaborazione con Skim di Kim Kardashian. Per la linea NikeSkims è stato coniato lo slogan “If you have a body, you are an athlete”: la collezione, pensata per la fitness, comprende leggings che sollevano i glutei, reggiseni sportivi push-up e tute in spandex un tessuto capace di espandersi sino a otto volte la lunghezza originale: taglie previste dalla XXS alla 4XL.

L’esordio della nuova linea premium di Adidas alla New York Fashion Week

Non poteva mancare la risposta di Adidas: l’azienda tedesca sta collaborando con il marchio di prêt-à-porter Entire Studios di Los Angeles per una linea destinata al segmento performance. Durante l’ultima fashion week a New York il produttore tedesco ha inoltre lanciato una nuova linea premium: la A-Type Adidas Originals appartiene alla fascia premium: sneakers a 800 dollari, giacche in pelle a 1.500, tute a 2.700. Adidas è stato il primo player del segmento sportswear a intuire il potenziale di collaborazioni speciali: le limited edition firmate a quattro mani con Rick Owens, Craig Green, Wales Bonner, Jeremy Scott e Willy Chavarria hanno raggiunto prezzi elevati rispetto al price point medio, ma la A-Type rappresenta un unicum: è la prima linea interna decisamente posizionata nella fascia entry-lusso.

Sportswear tra l’intramontabile eleganza italiana e l’inarrestabile avanzata cinese

La moderna cultura del fitness ha origini americane. Tuttavia, nel secolo scorso, nel segmento dell’abbigliamento sportivo il nostro Paese ha espresso grandi cose. È stato quello un momento di grande successo per Ellesse e Arena (distretto umbro), Fila e Sergio Tacchini (distretto piemontese). Le polo Fila erano realizzate in filo di Scozia e la qualità dei cardigan della linea Bijon Borg risultavano irraggiungibili. Il mitico Ayrton Senna, i celeberrimi Ilie Năstase, John McEnroe, Mats Wilander indossavano in pista come in campo capi firmati da Sergio Tacchini. Del resto, non era stato Emilio Pucci nel 1947 a confezionare la prima tuta da sci e il mondo? E il mondo guardava al bellissimo Gigi Rizzi (all’alba del 1968 fidanzato di Brigitte Bardot) come a un maestro dello stile vacanziero-chic. Ne secolo scorso appunto. Perché oggi Ellesse appartiene al gruppo britannico Pentland Group, Fila e Sergio Tacchini sembrano in eterno palleggio tra proprietà coreane e cinesi, Arena è francese.

Tutto questo prescindendo dalla temibile avanzata del gruppo cinese Anta sport che si appresta a insediare la leadership mondiale di Nike e Adidas. Qualcosa tuttavia anche da noi, magari sul confine, continua a germogliare.

Così accade per Salewa un marchio specializzato in abbigliamento ed attrezzature per la montagna che sta trovando sempre nuovi estimatori anche in città. Salewa, che ha sede a Bolzano, è stata trascinata a valle da un pubblico di appassionati delle vacanze in quota: Milano è spuntata in Corso Garibaldi dove non sembra proprio voler escludere chi non arrampica su pareti a strapiombo.

Aldo Premoli

L’articolo "Via libera allo sportswear. Ecco perché allenamento e benessere sono le nuove frontiere del lusso " è apparso per la prima volta su Artribune®.

La casa è tornata a essere un’emergenza urbana. A Padova, città universitaria, polo sanitario e centro di servizi qualificati, la domanda cresce più in fretta delle risposte. Tra il 2015 e il 2020 ATER ha investito oltre 70 milioni tra interventi di manutenzione e nuove opere; nel 2026 gestisce circa 9.000 alloggi, ma uno su cinque resta vuoto (circa 1.500). Un dato che fotografa il divario: emergenza abitativa da un lato e un patrimonio che fatica a essere rimesso in circolo. Recuperi e riqualificazioni energetiche sono iniziati, con prime sperimentazioni di housing studentesco calmierato, ma il problema è strutturale e richiede una svolta di scala e di governance.

Alle origini della città pubblica: il caso Padova

Padova possiede una lunga tradizione di edilizia sociale. Nel Cinquecento nasce la Corte di Ca’ Lando, considerata tra i primi esempi europei di abitazioni popolari organizzate. Nel Novecento, con lo IACP e soprattutto con il piano INA‑Casa del 1949, l’intervento pubblico assume una dimensione sistematica, articolata nei due settenni che segnano la più ampia operazione abitativa dell’Italia repubblicana. Nel Secondo Dopoguerra, infatti, i bombardamenti alleati hanno colpito il tessuto urbano e infrastrutturale, e le condizioni abitative in diversi quartieri popolari sono drammatiche. Intere famiglie vivono in ambienti insalubri nelle aree di via Conciapelli, nel ghetto ebraico, nei vicoli del centro storico e al Portello. Intanto l’industrializzazione attira nuova popolazione dalle campagne, mentre la crisi agricola spinge migliaia di persone verso il capoluogo.

Gli architetti Mansutti e Miozzo e il loro lavoro nella ricostruzione di Padova

In questo scenario l’edilizia residenziale privata e pubblica diventa un motore della trasformazione urbana. Visitabile gratuitamente a Padova, nella sede di Palazzo del Monte, fino al 31 luglio 2026, la mostra dedicata agli architetti Mansutti e Miozzo consente di leggere i processi di costruzione della città moderna attraverso documenti d’archivio in gran parte conservati presso l’Archivio del ’900 del Mart. Ma chi sono i due progettisti? Francesco Mansutti (Donada, 1899 – Padova, 1969), laureato in ingegneria, e Gino Miozzo (Padova, 1898 – Padova, 1969), diplomato all’Accademia di Belle Arti, entrambi poi abilitati architetti, stringono un sodalizio professionale negli Anni Trenta. Un legame che si consolida con gli incarichi per l’Opera Nazionale Balilla e li vede protagonisti della ricostruzione patavina. Mansutti, attivo nella vita politica e civile, nel dopoguerra guida per tre mandati l’Ordine degli Architetti; Miozzo porta una spiccata sensibilità del disegno. Operano fra committenza privata, grandi infrastrutture ed edilizia popolare, restituendo l’immagine di una Padova in pieno fermento economico e urbanistico. Via Altinate, simbolo del benessere del dopoguerra, conserva interventi significativi, dai Magazzini Coin agli edifici per abitazioni e uffici della società IRE, fondata dallo stesso Mansutti per contribuire alla ricostruzione delle aree bombardate.

1 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

2 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

3 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

4 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

5 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

6 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

I progetti di Mansutti e Miozzo nel contesto padovano

È nelle periferie che il loro lavoro incrocia un momento cruciale della trasformazione urbana del Novecento, evidenziando l’architettura come dispositivo economico, politico e collettivo. La produzione spazia dall’edilizia residenziale privata, case unifamiliari e condomini, a interventi pubblici: si va dai progetti per le sistemazioni dell’area Conciapelli, di via Goito, fino alle numerose realizzazioni per INA‑Casa. Il confronto tra i complessi di edilizia popolare di via Crescini (oggi via Vlacovich) e il quartiere di via Forcellini, dove lavorano anche altri importanti architetti padovani come Giulio Brunetta e Virginio Vallot, mette in luce l’evoluzione tipologica e insediativa: in coerenza con i due settenni INA‑Casa, si passa da edifici puntuali collocati nei vuoti urbani a veri quartieri, capaci di estendere fisicamente il perimetro cittadino. È il caso dell’asse di via Forcellini, pensato come nuova direttrice sud‑est nell’ex quartiere Terranegra, area campestre e bombardata, perfetto per ospitare un intervento integrato con edilizia a riscatto e servizi di prossimità.

Il ruolo del verde urbano nell’approccio architettonico di Mansutti e Miozzo

In questa transizione emerge una sensibilità specifica: oltre alla dimensione civile e morale del mestiere, i due progettisti ed in particolare Mansutti, attraverso scritti e interventi pubblici, attribuiscono al verde un valore urbanistico e sociale. “Il regno vegetale fa parte della vita. Ed è vita dovunque ed a tutti gli effetti: nella foresta, nel campo coltivato, nella casa, nella città”. Il verde urbano viene sottratto al puro decoro e assume il ruolo di estensione dello spazio pubblico, con corti, giardini e percorsi che organizzano relazioni e continuità urbana. Emblematico il caso degli edifici di via Forcellini: una rete di percorsi pedonali immersi nel verde estende lo spazio pubblico e diventa infrastruttura quotidiana della vita collettiva. Guardare oggi quei complessi attraverso fotografie in mostra, trasformati dalla privatizzazione e da nuove esigenze abitative, significa chiedersi che cosa resti dell’idea di edilizia pubblica come infrastruttura sociale.

La mostra Padova, la città che cresce. Francesco Mansutti e Gino Miozzo

La retrospettiva Padova, la città che cresce Francesco Mansutti e Gino Miozzo offre una lettura della trasformazione urbana del secondo Novecento attraverso disegni, fotografie e materiali d’archivio. Promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo e dalla Fondazione Barbara Cappochin e curata dai professori Elena Svalduz e Stefano Zaggia (Università di Padova), si inserisce nel programma della Biennale di Architettura Barbara Cappochin. Ad affiancarla, lo scorso 5 giugno, è stato un convegno dedicato al social housing che ha approfondito i temi dell’abitare sociale, mentre installazioni diffuse in città hanno esteso il racconto nello spazio pubblico. Nel complesso si tratta di un percorso che decide di interrogare il presente: cosa significa oggi progettare città inclusive e quale ruolo può ancora avere l’architettura nella costruzione della comunità?

Chiara Clerici

Padova // fino al 31 luglio 2026
Padova, la città che cresce Francesco Mansutti e Gino Miozzo
PALAZZO DEL MONTE – Via Arco Valaresso
Scopri di più

L’articolo "Tra ricostruzione e diritto alla casa, Padova riscopre l’architettura di Mansutti e Miozzo" è apparso per la prima volta su Artribune®.

Rotterdam è oggi uno dei principali laboratori europei di rigenerazione urbana. Di anno in anno si aggiungono edifici che contribuiscono a ridefinire lo skyline cittadino. Un processo continuo che a tratti dà la sensazione di non riuscire a starne al passo. In questo scenario, Powerhouse Company, studio di progettazione fondato nel 2005, si inserisce come attore progettuale e sviluppatore, contribuendo a una nuova idea di città contemporanea basata su un approccio multidisciplinare. “Crediamo che la collaborazione sia il modo migliore per ottenere i risultati migliori”, affermano i progettisti. “Solo mettendo insieme competenze diverse con architettura, ingegneria, sviluppo e costruzione si possono ottenere risultati davvero innovativi e duraturi”. A raccontarci l’evoluzione dello studio, dei progetti realizzati e di quelli attualmente in corso, è Stefan Prins, Partner Associato dello studio, che ci ha accolto all’interno di uno dei loro edifici più significativi: il Floating Office, una struttura-manifesto che galleggia nell’area del Rijnhaven, oggi protagonista di un importante processo di rigenerazione urbana.

Dalle ville all’identità integrata dello studio: i primi lavori di Powerhouse

Il primo grande riconoscimento di Powerhouse arriva con Villa 1, progetto candidato al Premio Mies van der Rohe nel 2008, che segna l’inizio della loro visibilità internazionale. Tuttavia, questo successo genera anche una tensione interna: il rischio di essere identificati esclusivamente come studio di ville di lusso. “Il nostro peggior incubo era diventare uno studio di ville, e che poi quello fosse l’unica cosa che fai”, afferma scherzosamente Prins. Il lavoro sulle residenze private tuttavia non viene abbandonato, ma evolve verso un approccio più tecnico e integrato. Villa B a Monaco rappresenta un passaggio importante in questa direzione. “È stato uno sviluppo importante nel modo in cui capiamo questo tipo di design integrato e ingegneria di case su misura”. All’interno di questo ambito, lo studio sviluppa anche soluzioni sperimentali sui dettagli costruttivi, come le grandi superfici vetrate senza telaio.

1 / 8 Powerhouse Company, ASICS, Atrium. Image by Sebastian van Damme. © Powerhouse Company

2 / 8 Powerhouse Company, ASICS. Image by Sebastian van Damme. © Powerhouse Company

3 / 8 Powerhouse Company, ASICS. Image by Sebastian van Damme. © Powerhouse Company

4 / 8 Powerhouse Company, ASICS. Image by Sebastian van Damme. © Powerhouse Company

5 / 8 Powerhouse Company, ASICS. Image by Sebastian van Damme. © Powerhouse Company

6 / 8 Powerhouse Company, Villa, Wooden furniture element. Photo by Bas Princen © Powerhouse Company

7 / 8 Powerhouse Company, Villa, Wooden furniture element. Photo by Bas Princen © Powerhouse Company

8 / 8 Powerhouse Company, Villa, Wooden furniture element. Photo by Bas Princen © Powerhouse Company

RED Company: architettura e sviluppo immobiliare come unico sistema

Esattamente dieci anni dopo la fondazione dello studio, Powerhouse Company decide di ampliare il proprio orizzonte progettuale, affiancando all’attività di progettazione anche quella di sviluppo immobiliare. L’ASICS Headquarters nei Paesi Bassi segna un passaggio fondamentale in questa direzione, portando alla nascita di RED Company. “A un certo punto ci siamo resi conto di non essere più soltanto progettisti, ma parte attiva del processo di sviluppo immobiliare, con una responsabilità diretta sul modo in cui l’architettura prende forma e si realizza nel tempo”, racconta Prins. Questo approccio consente di seguire i progetti in tutte le loro fasi, dalla concezione fino alla realizzazione, garantendo un controllo più ampio sul processo decisionale.

Powerhouse e la costruzione della città contemporanea

Negli ultimi anni Powerhouse Company ha ampliato ulteriormente la propria scala operativa, lavorando sulla città verticale e sulla densità urbana. Tra questi figura la BaanTower, attualmente in costruzione. “È un’iniziativa piuttosto unica”, racconta Prins. “Si tratta interamente di appartamenti in affitto arricchiti da un ampio sistema di servizi condivisi: una piscina, una sala comune prenotabile per eventi e spazi di lavoro individuali. L’obiettivo non è semplicemente offrire un alloggio, ma favorire la nascita di una comunità e migliorare la qualità della vita nel centro della città”. Nella stessa direzione si colloca Rise, destinato a diventare entro il 2027 uno dei complessi residenziali più alti d’Europa, con un’altezza prevista di circa 280 metri. L’intervento si caratterizza per la sua articolata composizione funzionale, che combina diverse forme dell’abitare, dall’housing sociale alle residenze private, con attività complementari, tra cui hotel e uffici ospitati nel basamento dell’edificio.

1 / 4 Powerhouse Company, Floating Office Rotterdam. Image by Marcel IJzerman © Powerhouse Company

2 / 4 Powerhouse Company, Floating Office Rotterdam. Image by Mark Seelen © Powerhouse Company

3 / 4 Powerhouse Company, Floating Office Rotterdam. Image by Mark Seelen © Powerhouse Company

4 / 4 Powerhouse Company, Floating Office Rotterdam. Image by Mark Seelen © Powerhouse Company

Floating Office a Rotterdam: costruire sull’acqua come risposta progettuale

Il Floating Office Rotterdam rappresenta uno dei manifesti più chiari di questo approccio integrato. Situato nel porto di Rijnhaven, nasce da un’esigenza specifica: realizzare rapidamente la sede del Global Center on Adaptation. “L’istituzione aveva la sede a Rotterdam. Inizialmente avevano solo un piano concesso dal Comune per lavorare”, spiega Prins. “Poi nel 2017 il sindaco promise loro un ufficio galleggiante, se avessero mantenuto la sede in città. Due anni dopo però non era ancora stato fatto nulla, ma l’apertura era prevista per il 2021. La situazione era diventata urgente”. Dopo una serie di tentativi per far funzionare la struttura, la soluzione definitiva vede una piattaforma composta da circa 20 cassoni in cemento armato galleggianti su cui si sviluppa una struttura in legno, leggera e regolare, suddivisa in unità flessibili. L’edificio integra solai irrigidenti, terrazze progressive verso l’esterno e una copertura altamente performante: circa 900 m² di pannelli fotovoltaici che producono più energia del fabbisogno (110–115%) e un tetto verde. Si tratta di un edificio autosufficiente sotto ogni punto di vista. “Il sistema di scambio termico sfrutta direttamente l’acqua del porto, che mantiene una temperatura bassa tutto l’anno. In estate si scalda solo nei primi centimetri superficiali, mentre in profondità resta sempre fredda. È quindi un sistema energetico estremamente locale ed efficiente”.

1 / 6 Codrico Terrain © Powerhouse Company

2 / 6 Codrico Terrain, boulevard © Powerhouse Company

3 / 6 Codrico Terrain © Powerhouse Company

4 / 6 Codrico Terrain © Powerhouse Company

5 / 6 Codrico Tower © Powerhouse Company

6 / 6 Codrico Tower © Powerhouse Company

Codrico Terrain e il nuovo skyline del Rijnhaven

Il passaggio successivo dello studio è la scala urbana: sulla sponda opposta del Rijnhaven rispetto al Floating Office si estende un’ampia area destinata a diventare un intero quartiere. Qui, fino all’anno scorso, sorgeva lo stabilimento Codrico, uno degli ultimi grandi complessi industriali ancora attivi nel porto cittadino; nei prossimi dieci anni, invece, prenderà forma un nuovo pezzo di città. “L’ambizione è quella di creare una sorta di nuovo centro attorno al porto”, spiega Prins. “E l’aspetto interessante è che, essendo acqua, ci sono meno problemi legati all’ombreggiamento. Quindi è più facile densificare quest’area, creando di fatto un nuovo centro urbano”. Al suo interno ci saranno circa 2.000 abitazioni, oltre a una serie di funzioni commerciali e terziarie e a una torre di circa 220 metri.

La riqualificazione del porto e il nuovo rapporto con l’acqua

Powerhouse, con il Floating Office Rotterdam e il masterplan del Codrico Terrain, anticipa una nuova direzione per la città: l’acqua non è più soltanto un’infrastruttura, ma diventa un elemento centrale dell’identità urbana. In questa visione, infatti, si inserisce anche la riqualificazione del Rijnhaven che, entro il 2035, trasformerà l’ex porto in un nuovo quartiere fatto di residenze, spazi pubblici, parchi sull’acqua, connessioni pedonali e addirittura una spiaggia urbana. Si tratta di una grande operazione promossa dal Comune di Rotterdam, che mira a riattivare la memoria del porto integrandola in un waterfront più accessibile e vissuto collettivamente. “Rijnhaven era un grande porto, uno dei punti importanti già in passato”, ricorda Prins. “C’è anche l’Hotel New York: era il luogo in cui si trascorreva l’ultima notte prima di imbarcarsi per New York, con le valigie pronte”. Oggi quella stessa infrastruttura storica sta per diventare il supporto per una nuova idea di città, in cui il rapporto con l’acqua si fa più diretto, quotidiano e abitabile. “A Rotterdam non abbiamo un rapporto molto diretto con l’acqua: siamo sempre un po’ sopraelevati sui moli. Con queste nuove configurazioni, però, la stiamo riscoprendo sempre di più e stiamo comprendendo quanto possa essere una risorsa preziosa in un contesto urbano”.

Carolina Chiatto

L’articolo "Dall’ufficio galleggiante alla città: come Powerhouse Company sta ridisegnando Rotterdam" è apparso per la prima volta su Artribune®.

C’è un’immagine che riassume la quarta edizione del Festival della Maiolica andato in scena dal 5 al 7 giugno: una tavolata collettiva in “bianco e blu” nel cuore di Albissola Marina, dove la ceramica non è un reperto da museo, ma un oggetto d’uso quotidiano. La Baia della Ceramica – il brand territoriale che unisce Savona, Albissola Marina, Albisola Superiore e Celle Ligure – dimostra come un distretto storico possa rigenerarsi attivando una progettualità diffusa che connette mostre d’avanguardia, riflessione teorica e partecipazione orizzontale. Ma anche una prospettiva orientata al futuro, come riconosce la giovane Project manager del Festival della Maiolica, Paola Gargiulo: “C’è vitalità, con nuove botteghe di ceramisti trentenni che aprono sul territorio e dialogano con le storiche come Ceramiche Mazzotti e San Giorgio”.

Una cabina di regia per il territorio: il modello gestionale

Dietro la complessità di un cartellone che supera i cinquanta appuntamenti c’è un modello di governance culturale ben preciso, giunto al suo secondo anno di rodaggio. Rispetto al passato, quando a organizzare il festival erano gli stessi quattro comuni liguri coinvolti più la Confcommercio locale, la sua direzione è infatti affidata dall’anno scorso alla Fondazione Museo della Ceramica di Savona ETS, ente strumentale della Fondazione De Mari CR Savona. Questa sinergia istituzionale si riflette direttamente sulla gestione del Museo della Ceramica di Savona: l’immobile storico che lo ospita — il prestigioso Palazzo del Monte di Pietà — e gran parte delle preziose collezioni esposte sono di proprietà della stessa Fondazione De Mari. Un’organizzazione che vede la Fondazione ETS muoversi in stretta collaborazione con la Cooperativa A.R.C.A., delineando un modello di cooperazione tra pubblico, privato sociale e fondazioni bancarie che si sta dimostrando capace di superare i vecchi frammentarismi locali per produrre visibilità di respiro nazionale e testare nuovi format di fruizione della ceramica appetibile per un pubblico giovane.

1 / 9 Cabina d’Artista, Albissola Marina, photo Claudia Giraud

2 / 9 Casa Museo Jorn, photo Claudia Giraud

3 / 9 Casa Museo Jorn, photo Claudia Giraud

4 / 9 Celle Ligure, photo Claudia Giraud

5 / 9 Ceramiche Mazzotti nell’edificio futurista disegnato da Diulgheroff, Albissola Marina, photo Claudia Giraud

6 / 9 Ceramiche Pierluca, Albissola Marina, photo Claudia Giraud

7 / 9 Ceramiche San Giorgio, Albissola Marina, photo Claudia Giraud

8 / 9 Forte del Priamar, Savona, photo Claudia Giraud

9 / 9 Forte del Priamar, Savona, photo Claudia Giraud

La mostra di Ugo Nespolo nel nuovo allestimento del MuDA

L’evento centrale del festival e, più in generale, della stagione estiva in Liguria (visitabile fino al 6 settembre 2026) è senza dubbio la mostra Nespolo e Albisola. Fuoco ritrovato, un’ampia rassegna a cura di Riccardo Zelatore e promossa dalla Fondazione savonese insieme al Comune di Albissola Marina. Il titolo evoca tanto l’alchimia della cottura quanto il rinnovarsi di una tensione creativa che Ugo Nespolo (Mosso, Biella, 1941) coltiva fin dagli Anni Sessanta. Il percorso si articola su due sedi emblematiche. Il fulcro è il Centro Esposizioni del MuDA, chiamato a inaugurare il nuovissimo display museografico firmato dallo studio Gianluca Peluffo & Partners. Qui le opere di Nespolo — in prevalenza sculture autoportanti sferiche e cilindriche, piatti graffiti e di poesia visiva — trovano una perfetta collocazione: il MuDA sorge infatti a pochissimi metri dalle Ceramiche Pierluca, la bottega artigiana dove i pezzi sono stati forgiati, e dal celebre Lungomare degli Artisti, la galleria a cielo aperto popolata dai maestri che Nespolo ha conosciuto e frequentato, Lucio Fontana in primis.

La mostra di Ugo Nespolo al Museo della Ceramica di Savona

La seconda parte della mostra (che presenta un numero di opere più contenuto) si sviluppa proprio tra le mura di Palazzo del Monte di Pietà al Museo della Ceramica di Savona, dove l’“alfabeto essenziale” delle forme di Nespolo viene inserito nell’ala più antica dell’edificio, creando un cortocircuito visivo con le maioliche rinascimentali e barocche di proprietà della Fondazione De Mari. Ad accompagnare la genesi dei lavori sono gli scatti del fotografo e architetto Marcello Campora, che restituiscono la poesia del dialogo in fornace, mentre il catalogo è firmato Moebius Books.

1 / 8 Giardino di Casa Barile, Albisola Superiore, photo Claudia Giraud

2 / 8 Giardino di Villa Paola con Sfere di Lucio Fontana, Celle Ligure, photo Claudia Giraud

3 / 8 Giardino di Villa Paola, Celle Ligure, photo Claudia Giraud

4 / 8 Giardino di Villa Paola, Celle Ligure, photo Claudia Giraud

5 / 8 Giardino di Villa Paola, Celle Ligure, photo Claudia Giraud

6 / 8 Mostra di Ugo Nespolo al Muda di Albissola Marina, photo Claudia Giraud

7 / 8 Mostra di Ugo Nespolo al Museo della Ceramica di Savona, photo Claudia Giraud

8 / 8 Piscina disegnata da Ugo Nespolo, Albissola Marina, photo Claudia Giraud

Giardini d’artista e parchi segreti

Tornando al Festival della Maiolica, il fil rouge di quest’anno è stato il giardino d’artista, un’indagine sul rapporto tra plasticità ceramica e spazio verde. Il festival ha aperto cancelli solitamente inaccessibili, come quelli del parco privato di Villa Paola a Celle Ligure, una dimora storica liberty di fine ‘800, dove dagli Anni 80 le pavimentazioni e sculture del pittore e ceramista Gianni Celano Giannici e dell’artista svedese Ansgar Elde dialogano con la macchia mediterranea. Un giardino lussureggiante che svela anche le celebri Sfere di Fontana che fanno il paio con quelle presenti sul Lungomare degli Artisti. Una piacevole scoperta anche il giardino di Casa Barile ad Albissola Marina con le creazioni di animali fantastici dell’artista Paolo Anselmo. Il viaggio si conclude con un luogo sacro della modernità come Casa Museo Jorn, che conserva l’eredità selvaggia di Asger Jorn (e che ospita Kotykeye, personale di Luca Trevisani vincitrice dell’Italian Council). Situata sulle immediate alture di Albissola Marina, la casa dove l’artista danese ha vissuto per vent’anni è un tributo alla sua stessa filosofia di vita e arte: l’errore come forza creatrice e fusione di ambiente naturale e architettonico.

Claudia Giraud

L’articolo "In Liguria si è svolta una mega festa diffusa per celebrare l’artigianato della ceramica. Reportage dal Festival della Maiolica 2026" è apparso per la prima volta su Artribune®.

Nel panorama sempre più saturo della divulgazione culturale su web, spicca pastelantiques, la pagina Instagram che negli ultimi mesi ha attirato l’attenzione di appassionati di arte e curiosi grazie a una serie di video dedicati alla vita e alle opere dei grandi artisti della storia dell’arte (e non solo).

Nasce Pastel Antiques, la pagina Instagram che racconta la storia dell’arte

Non si tratta di semplici contenuti educational. I reel pubblicati dall’account utilizzano una grammatica visiva precisa. immagini pittoriche animate, dettagli ravvicinati, musica malinconica, una calda voce narrante e montaggi precisi, trasformando la narrazione artistica in esperienza emotiva. Rembrandt, Cézanne, Gauguin, Botticelli o Antonello da Messina diventano così protagonisti di micro-documentari capaci di condensare episodi storici rilevanti, mito e atmosfera in una manciata di minuti. Ma oltre ai grandi protagonisti della storia dell’arte, ci sono tanti reel che raccontano la storia e gli aneddoti più famosi di personaggi come Michael Jackson, Paul Newman, l’imprenditore Lennox Cato e collezionisti di oggetti vintage di cui si ripercorre la storia.

Pastel Antiques: qual è la forza di questa nuova forma di comunicazione?

I video sembrano costruiti secondo le regole del cosiddetto “slow content”, contraddistinto da ritmo rallentato, palette cromatiche morbide, dissolvenze delicate e testi brevi ma evocativi. In questo modo artisti storicizzati come Rembrandt o Paul Cézanne vengono sottratti all’impostazione accademica tradizionale per entrare in una dimensione narrativa più vicina alla cultura visuale social. L’obiettivo non è fornire una lezione frontale, ma coinvolgere il pubblico con poche ma precise informazioni. Particolarmente efficace è il modo in cui l’account utilizza il volto degli artisti e le loro vicende personali come dispositivi narrativi. La tormentata esistenza di Paul Gauguin, la spiritualità malinconica di Sandro Botticelli o il mistero psicologico dei ritratti di Antonello da Messina diventano elementi quasi cinematografici, pensati per catturare l’attenzione dello spettatore nei primi secondi del reel.

Una nuova estetica della divulgazione culturale

Nel caso di Pastel Antiques, la storia dell’arte viene filtrata attraverso una sensibilità che mescola nostalgia digitale e cultura editoriale. Anche per questo motivo il format dell’account ha iniziato a generare imitazioni e tutorial dedicati. Esiste persino una guida online che spiega come ricreare video simili, analizzandone struttura, montaggio e palette cromatiche: Alici.ai – How to Make Videos Like Pastel Antiques. La pagina descrive nel dettaglio alcuni degli elementi ricorrenti del format: movimenti di camera lenti, color grading polveroso, testi minimali e un uso della musica pensato per amplificare il senso di nostalgia.

Scopri di più

L’articolo "La storia dell’arte può diventare un linguaggio adatto ai social? Il profilo Instagram che fa documentari con l’AI" è apparso per la prima volta su Artribune®.

La mostra Kounellis | Warhol. La messa in scena della tragedia umana: la classicità di Jannis Kounellis e il pop di Andy Warhol, alla Galleria Fumagalli di Milano, si è presentata come un esperimento curatoriale ambizioso: non un semplice “dialogo inatteso”, ma un tentativo di interrogare due poli dell’arte occidentale del Novecento attraverso la categoria più sfuggente e al contempo necessaria del nostro tempo: la tragedia. La curatrice Annamaria Maggi costruisce un percorso che non cerca affinità superficiali, né indulge nella retorica dell’accostamento improbabile. Al contrario, la mostra si fonda su una tesi tanto originale quanto potente: Kounellis e Warhol, pur opposti per linguaggio, condividono una medesima urgenza, un bisogno di restituire all’immagine – o alla materia – una densità spirituale in un mondo che ha smarrito ogni trascendenza.

Se Kounellis presenta installazioni e oggetti che trasformano la materia in simbolo di memoria e sofferenza, le opere di Warhol mostrano il lato oscuro del glamour e mettono in scena una tragedia nascosta dietro la superficie, una superficie in cui la ripetizione delle immagini instaura un rituale meccanicistico, nel quale ogni spessore umano risulta rimosso. La materialità rituale di Kounellis e la superficie raggelata di Warhol si rispecchiano e si interrogano a vicenda, restituendo al visitatore una visione profonda e complessa della “tragedia” contemporanea.

La mostra “Kounellis | Warhol” alla Galleria Fumagalli di Milano

Già dall’ingresso prendiamo un assaggio di questo dialogo incentrato sul tema del tragico: le polaroid eseguite nel 1981 da Warhol scandiscono un susseguirsi di oggetti colti in un loro limbo ontologico, come un ritratto di gruppo che veda protagonisti coltelli da cucina e scarpe femminili, mentre Kounellis ci confida il suo sentimento della finitudine e della vulnerabilità in un Senza titolo del 2006: un cappotto capovolto, mutilato, compresso contro il ferro di una spessa lamiera e schiacciato da una pietra.

1 / 7 Veduta della mostra “KOUNELLIS _ WARHOL. La messa in scena della tragedia umana”, Galleria Fumagalli, Milano, 2025. Foto Guido Rizzuti. Courtesy Galleria Fumagalli

2 / 7 Veduta della mostra “KOUNELLIS _ WARHOL. La messa in scena della tragedia umana”, Galleria Fumagalli, Milano, 2025. Foto Guido Rizzuti. Courtesy Galleria Fumagalli

3 / 7 Veduta della mostra “KOUNELLIS _ WARHOL. La messa in scena della tragedia umana”, Galleria Fumagalli, Milano, 2025. Foto Guido Rizzuti. Courtesy Galleria Fumagalli

4 / 7 Veduta della mostra “KOUNELLIS _ WARHOL. La messa in scena della tragedia umana”, Galleria Fumagalli, Milano, 2025. Foto Guido Rizzuti. Courtesy Galleria Fumagalli

5 / 7 Veduta della mostra “KOUNELLIS _ WARHOL. La messa in scena della tragedia umana”, Galleria Fumagalli, Milano, 2025. Foto Guido Rizzuti. Courtesy Galleria Fumagalli

6 / 7 Veduta della mostra “KOUNELLIS _ WARHOL. La messa in scena della tragedia umana”, Galleria Fumagalli, Milano, 2025. Foto Guido Rizzuti. Courtesy Galleria Fumagalli

7 / 7 Veduta della mostra “KOUNELLIS _ WARHOL. La messa in scena della tragedia umana”, Galleria Fumagalli, Milano, 2025. Foto Guido Rizzuti. Courtesy Galleria Fumagalli

La spiritualità di Kounellis e Warhol a Milano

Entrare nella sala principale è come varcare una soglia liturgica: avanziamo cercando di assestare lo sguardo alla penombra ovattata di questa stanza che assume le sembianze di un’ariosa cripta. In fondo a sinistra ci sorprende un’inedita Marilyn Monroe (1978) di Warhol, stampigliata in una serigrafia che ne riproduce il volto in negativo, una Marilyn eccezionalmente nera che emerge nella luce oscurata col fioco bagliore di un cammeo funebre. Ai lati dell’angolo opposto, seguendo un percorso diagonale, si posizionano due tele realizzate in acrilico e inchiostro serigrafico della serie Knives (1981-1982), anche queste nella loro versione in bianco e nero, in cui le lame si stagliano come silhouettes tipografate sullo sfondo chiarissimo, e, smarrito ogni riferimento culinario e domestico, si profilano minacciose in un’impassibile successione. A queste immagini fanno riscontro su un’altra parete, in una sorta di polittico materico (Senza titolo, 2005), i coltelli e le asce di Kounellis, fuoriuscenti da ciocche di capelli femminili, ancorate a lamine di piombo a loro volta accomodate su una grande lastra di ferro: taciturna memoria del corpo, richiamo ammutolito di immedicabili ferite. Così come assenza, silenzio, e perdita evocano i cappotti schiacciati tra le consuete, spesse placche metalliche in un altro Senza titolo del 2009.

La suggestione della luce nel percorso espositivo “Kounellis | Warhol” a Milano

Ma c’è da dire che in questa sala è la luce a dettare i tempi della percezione, coinvolgendoci in un teatro di umbrae silentes, incorniciate in un’aureola fantasmatica, emergenti dalla penombra. Le condizioni di luce sono infatti pensate come un dispositivo performativo: non si tratta di visibilità neutra, ma di una messa in scena che richiama la teatralità penitenziale del Barocco, con i suoi chiaroscuri, le fenditure di luce e le ombre che diventano presenze. L’allestimento sembra quasi riecheggiare quelle prescrizioni installative caldeggiate per commemorare la morte di Cristo dagli ecclesiastici seicenteschi, come il cappuccino milanese Zaccaria Castiglione, il quale, nelle Istruzioni che corredano il sermonario da lui dato alle stampe nel 1653, prevede che l’apparato “si faccia […] col dovuto decoro, […] procurando che l’luogo riescha ben’oscuro, acciò i lumi compaiono meglio, ed esso rendi maggiore divotione”. E anche qui gli spot direzionali e la penombra calibrata ci inducono a una riflessione sulla caducità della materia e sulla vanità dei simulacri del moderno, per accompagnarci in un rituale che da contemplativo diventa empatetico.

La tragedia come etica della percezione alla galleria Fumagalli di Milano

Ecco allora che la tragicità, in ultima analisi, si presenta come un’etica della percezione, ma una percezione intesa a riconciliare una condizione di spaesamento e di scissione, a riconoscere in un’unica impressione totalizzante il peso e la perdita, la presenza e la sparizione. E mentre ci ritornano in mente le considerazioni di Jean-Luc Nancy sull’ambiguo potere delle immagini, ci troviamo qui nella condizione ideale per superare un atteggiamento solo contemplativo e assumerci una sorta di responsabilità personale, a sentire il sentimento del tragico risuonare nelle nostre stesse corde: la luce che isola, la materia che pesa, la superficie che svanisce nel suo ripetersi non sono effetti scenografici ma modi in cui l’immagine mette in scena la nostra finitudine e la tragicità diventa un’esperienza condivisa.

Alberto Mugnaini

Milano // Fino al 12 giugno 2026
KOUNELLIS | WARHOL. La messa in scena della tragedia umana: la classicità di Jannis Kounellis e il pop di Andy Warhol
GALLERIA FUMAGALLI, Via Bonaventura Cavalieri, 6
Scopri di più

L’articolo "I grandi artisti Kounellis e Warhol insieme in una mostra a Milano: una condivisa spiritualità " è apparso per la prima volta su Artribune®.

A Parigi esiste una fondazione che ha realizzato uno degli archivi fotografici più interessanti d’inizio novecento, dedicato alle culture dell’Africa e dell’Asia. Si tratta della Fondation Albert Kahn. Situato all’interno di un bellissimo giardino botanico il Museo e Giardino Albert-Kahn è uno dei tesori botanici e culturali più affascinanti e insoliti alle porte di Parigi. Questo spazio di quattro ettari fonde una serie di spettacolari giardini storici come il Giardino Giapponese, con arbusti topiati in un tradizionale villaggio di campagna; il Giardino Inglese, con finti ruderi, prati e laghetti; il Giardino alla Francese, con roseti e alberi da frutto.

L’edificio è stato interamente rinnovato e ampliato nel 2022 dall’architetto giapponese Kengo Kuma, il quale ha creato un interessante dialogo tra l’edificio e il giardino.

Il Museo Albert Kahn di Parigi dedicato alla fotografia e alla pace nel mondo

Il museo accoglie oltre 600.000 visitatori all’anno, è dedicato alla fotografia e alla pace nel mondo. Difatti Albert Kahn, appassionato di fotografia e di etnografia, ebbe l’idea di creare un ampio archivio basato sulla convinzione che conoscere meglio altri paesi e altre culture avrebbe ridotto distanze e conflitti.

Le missioni fotografiche in terre così lontane venivano finanziate dallo stesso Khan. Siamo agli inizi del’900, epoca in cui la fotografia è ancora agli albori. Oltre alle fotografie il progetto includeva anche sequenze cinematografiche. L’impresa si interruppe con la crisi mondiale del 1929.

1 / 5 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

2 / 5 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

3 / 5 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

4 / 5 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

5 / 5 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

L’archivio Memory of the World e la collezione Archivi del Pianeta al Museo Albert Kahn

L’immenso patrimonio visivo costituisce oggi un esempio unico, riconosciuto nel 2025 dall’UNESCO come archivio documentario Memory of the World. Il museo conserva una straordinaria collezione antropologica, chiamata gli Archivi del Pianeta (Les Archives de la Planète). Formata da 72.000 autocromie – le prime foto a colori della storia, procedimento su lastre di vetro inventato dai fratelli Lumiere – oltre a 4.000 lastre stereoscopiche, immagini in bianco e nero che ricreano un effetto tridimensionale se guardate con appositi visori. Questo nucleo costituisce la più grande collezione al mondo del genere, oltre a centinaia di filmati d’epoca.

1 / 2 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

2 / 2 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

La mostra fotografica sul Benin al Museo e Giardino Albert-Kahn

Attualmente al museo è visitabile la bellissima mostra Bénin, aller-retour (Benin, un viaggio di andata e ritorno). L’esposizione ripercorre la missione antropologica intrapresa nel 1930 nel Dahomey (l’attuale Benin) dal missionario Francis Aupiais e dal regista Frédéric Gadmer per conto degli Archivi del Pianeta. Attraverso filmati d’epoca, immagini in autocromia e oggetti storici (concessi in prestito dal Musée du quai Branly), la mostra documenta i culti voodoo e le cerimonie reali dell’epoca. Molte delle immagini sono dedicate alle famose Regine del Dahomey più precisamente, le guerriere del Regno del Dahomey (l’odierno Benin). Queste donne formavano un temuto reggimento militare d’élite, chiamato Amazzoni del Dahomey. La tradizione attribuisce la loro organizzazione alla Regina Tasi Hangbè. Questi corpi armati femminili venivano addestrati fin da giovani a sopportare il dolore, a non temere la morte e a combattere con machete, fucili e cannoni. Si votavano al celibato e obbedivano solo al sovrano. Queste figure sono state l’unico reggimento militare interamente femminile della storia moderna. Il corpo militare si sciolse definitivamente a fine ‘800, a seguito della guerra con la Francia.

1 / 5 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

2 / 5 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

3 / 5 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

4 / 5 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

5 / 5 Museo Albert Kahn Paris, Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930 , Installation view, ph Claudia Zanfi

L’arte contemporanea nella mostra dedicata alle Regine del Dahomey a Parigi

Il percorso espositivo include anche le opere di artisti contemporanei beninesi come Ishola Akpo, Roméo Mivekannin, Angelo Moustapha, che offrono uno sguardo moderno e critico su questa eredità culturale, attraverso opere (molte delle quali realizzate appositamente per la mostra) che combinano pittura, fotografia, installazioni e performance, reinterpretando e dando nuova vita alle fotografie e ai film della collezione.

Claudia Zanfi

Parigi // Fino al 14 giugno 2026
Bénin aller-retour. Regards sur le Dahomey de 1930
FONDATION ALBERT KAHN, 2 Rue du Port, 92100 Boulogne-Billancourt
Scopri di più

L’articolo "Una mostra a Parigi racconta il Benin con un focus sulle guerriere conosciute come Regine del Dahomey" è apparso per la prima volta su Artribune®.

Quello che resta. Frammento, maceria, rudere, reperto. Sul limite del crollo. Immagini complesse della frammentarietà, le rovine sollecitano processi spontanei di evocazione e ricomposizione, mentre, come scrive Salvatore Settis, superano la soglia della memoria: “innescando pensieri creativi, generano ipotesi sul futuro“. Francesca Polizzi (Palermo, 1988), dedita a una scultura che sfida tecniche, linguaggi e ispirazioni molteplici, maneggia con grazia forme e concetti connessi al flusso del tempo e a quel destino terreno di metamorfosi ribadito nell’esercizio del rituale plastico. Un andare e venire tra cocci sparsi e materiali risorti, tra ricordi emersi e gesti ripetuti, protetti. Un costruire e decostruire cercando lo splendore imperfetto delle cose perdute, non più vive eppure vivificate, trasformate in creature nuove. All’orizzonte il volto spietato e astratto della storia, oltre il conforto della misura, delle cronologie, dei passaggi ordinati e delle linee visibili.

L’omaggio di Polizzi alla “Lunaria annua”

Si intitola Lunaria la sua ultima personale da RizzutoGallery, mostra dalla notevole forza estetica e simbolica. La stessa luna che s’immagina irradiare la sua luce figurata sul corpus di lavori – tutti realizzati ad hoc – e sull’impianto poetico che li sostiene, è qui un satellite-metafora, pianeta sentinella in cui ritrovare il senso del tempo in natura, scandito dalla danza dei cicli e delle fasi. Ed è un’immagine che si fa scoria infinitesimale nel riferimento botanico alla Lunaria, genere di pianta erbacea nota per la particolare siliqua contente i semi, la quale una volta essiccata trova ampio uso in ambito ornamentale: fragile residuo della fioritura, la membrana perlacea tonda e piatta assomiglia a una moneta, a un’ostia, a una goccia di luce. A una piccola luna imperfetta. Polizzi realizza dei rami di Lunaria annua in ottone e bronzo, preziosi manufatti mimetici su cui i dischi minuti sembrano quasi muoversi a ogni fremito d’aria, insieme ai grappoli di ombre proiettate sui muri per effetto dell’illuminazione radente.

Natura e architettura per Francesca Polizzi

Elemento fondativo del suo lavoro, la natura viene spesso ibridata con l’architettura, oppure raccontata come agglomerato di configurazioni riconducibili a una spontanea vocazione architettonica del creato: grotte, stalattiti e stalagmiti, rovi, concrezioni geologiche, montagne e strutture vegetali tornano spesso nell’immaginario dell’artista, convivendo con tradizionali elementi costruttivi e decorativi (colonne, archi, volte, fino ai tipici “muqarnas” islamici). Monumentali o gracili, questi corpi complessi sperimentano il senso della fine: resti naturali e rovine storiche sono paesaggi ibridi esposti al disfacimento e alla trasformazione.

Ad aprire il percorso è una grande scultura bianca in ferro, lana e gesso: Volta, frammento di soffitto capovolto, è un dispositivo vertiginoso che inverte il suolo con il cielo e sposta il punto d’osservazione; intanto la forma concava realizza il senso dell’oscillazione, del crollo, della caduta. La volta a crociera ribaltata è dunque un misterioso oggetto sopravvissuto, capace di dominare lo spazio per farne teatro atemporale. Subito si rivela il materiale prediletto dall’artista (che convive con resine, cere, pigmenti, metalli): la lana grezza infeltrita, ibridata, lavorata come fibra duttile, diventa materia generativa connessa al desiderio, alla nostalgia, al rapporto con l’animalità e la lentezza, in un ritorno all’origine scandito da pratiche agresti, da riti pastorali, dal ritmo dei giorni e delle stagioni. Mondi lontani da cui attingere per generare altri paesaggi, altre visioni.

1 / 6 Francesca Polizzi, Tillite #7, 2024, encausto su feltro di lana grezza, 100 x 250 x 20 cm – In Antis II, 2026, resina e silice. 300 x 36 x 36 cm

2 / 6 Francesca Polizzi, Distico 5, 2026 – feltro di lana grezza e ruggine, 40 x 31 x 6 cm – Courtesy RizzutoGallery

3 / 6 Francesca Polizzi, Frammento, 2026 – cera d’api e paraffina, 50 x 15 x 8 cm – Courtesy RizzutoGallery

4 / 6 Francesca Polizzi, Lunaria, 2026 – exhibition view – RizzutoGallery, Palermo

5 / 6 Francesca Polizzi, Lunaria 1, 2026, ottone e bronzo, 100 x 40 x 15 cm

6 / 6 Francesca Polizzi, Liria 2, 2026 – pittura a encausto e olio su feltro di lana grezza, 62 x 42 x 10 cm – Courtesy RizzutoGallery

Lana grezza, grotte e rovine archeologiche

In certi casi la lana viene processata ricorrendo a tecniche di stampa digitale, pittura a encausto o serigrafia con inchiostri alla ruggine. Ne derivano le serie a parete, vere e proprie sculture trattate come immagini bidimensionali ma straordinariamente materiche grazie allo spessore, alla consistenza ruvida, ai bordi spessi e irregolari, frutto della stratificazione dei feltri. Protagonisti di queste elaborazioni fotografiche e pittoriche sono ancora una volta luoghi naturali o brani di architettura: la materia scabra e corposa si fonde con la natura dei soggetti, fino a generare nuclei visivi tendenti all’astrazione. Nel caso dell’imponente dittico orizzontale Tillite si scorgono – tra gli avvallamenti e le rugosità del supporto – scorci di siti rupestri, grotte aguzze e profonde su cui il tempo agisce lungo i millenni, erodendo, plasmando. Luoghi impervi che furono nidi, tombe, rifugi, nonché scrigni di segni primordiali incisi. In un rapporto simmetrico esatto, dialoga con Tillite un’altra opera doppia, stavolta sviluppata in senso verticale. Le due colonne o stalattiti di Enantis II, realizzate in resina e silice, segnano la soglia sacra di una caverna o di un tempio: come corpi archeologici e immaginifiche spoglie sfumano tra l’ombra di ere trascorse e l’avventura di una contemporaneità che sfugge a sé stessa, mentre si compie.

Paesaggi di rovine, sperimentando con la ceramica

A Francesca Polizzi dedica un bel testo di presentazione l’artista Daniele Franzella, chiamato a introdurre la mostra con il suo sguardo sensibile e analitico. E non poteva esserci scritto curatoriale più ispirato, intimo, delicatamente chirurgico. Il progetto espositivo, scrive Franzella, “si costruisce su questa soglia tra pieno e vuoto, tra funzione e reliquia; tra lo stupore dell’Hiersein (l’esserci) e la paura delNirgends (il nessun luogo/modo). Le opere ne assumono la logica e come per le rovine, o per la Lunaria annua, si configurano per disseccamento, peralleggerimento della propria stessa massa o per un vero e proprio cambiamento di stato“. Cambiamento che anima la spettacolare installazione Elegia, con il suo palcoscenico ligneo intagliato, evocazione di una nuda struttura con doppio portale dalla forgia gotica.
Qui trovano posto una decina di sculture di medio formato, prima esperienza per l’artista con la ceramica. In questo caso la lana è usata come legante: consumandosi durante il processo di cottura, la fibra animale lascia la sua impronta nell’argilla originando solchi, buchi, rilievi, dunque continuando dall’interno a modificare il volume degli oggetti. Quella dialettica tra pieni e vuoti, tra disossamento e morfogenesi, è spinta fino all’estremo nelle piccole carcasse architettoniche. I soggetti sono ancora colonne, absidi, nicchie, scalinate, vestiboli, prospetti, angoli o stanze di antichi edifici ischeletriti, ridotti in rovina: un paesaggio di luoghi morti, arsi dal fuoco o polverizzati dal tempo, in cui la vita è scintilla ininterrotta di memoria e di rinnovamento. Sembra quasi di scorgervi l’ispirazione novecentesca di giganti come Fontana, Leoncillo, Giacometti, nell’armonia non conforme di masse avviluppate, esplose, scavate, allungate, franate, là dove la figura migrava e migra verso la sintassi dei segni e delle sensazioni pure.

1 / 5 Francesca Polizzi, Elegia, 2026 – argille miste, lana, smalto, 39 x 27 x 27 cm – Courtesy RizzutoGallery

2 / 5 Francesca Polizzi – Elegia, 2026 – argille miste, lana, smalto, 21 x 22 x 22 cm – Courtesy RizzutoGallery

3 / 5 Francesca Polizzi, Elegia, 2026 – argille miste, lana, smalto, 34 x 26 x 14 cm – Courtesy RizzutoGallery

4 / 5 Francesca Polizzi, Elegia, 2026 – argille miste, lana, smalto, 31 x 17 x 10 cm – Courtesy RizzutoGallery

5 / 5 Francesca Polizzi, Lunaria, 2026 – exhibition view – RizzutoGallery, Palermo 2

Polizzi, immagini di un tempo puro

Fragili ed evanescenti, proiettate verso un destino di sparizione, le opere di Polizzi trovano un efficace bilanciamento in quella sensualità o verità tattile che risiede nella qualità dei materiali e nell’intensità dei gesti. Mentre continuano a dissolversi e a spostarsi all’indietro, le immagini si radicano nel qui e ora, custodendo la memoria fisica di oggi e di ieri: così restano figlie di quel “tempo puro, non databile“, dunque “senza storia“, di cui – secondo Marc Augè – “solo l’individuo può prendere coscienza e di cui lo spettacolo delle rovine può offrirgli una fugace intuizione“. Tempo opposto a quello odierno, violento e bulimico, che vede prolificare con foga immagini, simulacri, ricostruzioni, e “in cui le macerie non hanno il tempo di diventare rovine. Un tempo perduto che l’arte talvolta riesce a ritrovare“.

Helga Marsala

Palermo//fino al 20 giugno 2026
Francesca Polizzi – Lunaria
RizzutoGalleryVia Maletto, 5

L’articolo "Le rovine contemporanee dell’artista Francesca Polizzi in mostra a Palermo. Paesaggi in dissolvenza" è apparso per la prima volta su Artribune®.

Per lungo tempo la storia della fotografia italiana è stata raccontata attraverso uno sguardo prevalentemente maschile, lasciando ai margini il contributo di intere generazioni di autrici che hanno documentato le trasformazioni sociali e culturali del Paese. È a partire da questa consapevolezza che, nel 2014, la fotografa e archivista Donata Pizzi avvia un progetto di collezionismo volto a valorizzare il lavoro delle artiste italiane attive dagli Anni Sessanta a oggi. Negli ultimi dieci anni la raccolta è stata protagonista di numerosi progetti espositivi ospitati da istituzioni come la Triennale Milano, il Palazzo delle Esposizioni e la Galleria d’Arte Moderna di Roma, il Museo di Santa Giulia di Brescia, il Fotografie Forum Frankfurt, il Castello Campori di Soliera, il Fotogalleriet di Oslo e il Palazzo del Duca di Senigallia.Dopo un lungo percorso itinerante, la collezione ha trovato una sede stabile a Roma nel gennaio 2026, in Via di Sant’Ippolito, nel quartiere Nomentano. Firmato dall’architetto Luigi Filetici, l’intervento di ristrutturazione conserva la dimensione dello spazio originario trasformandolo in un ambiente dedicato alla ricerca e alla fruizione delle opere.

Collezione Donata Pizzi: la storia

Dalle figure pionieristiche di Letizia Battaglia, Lisetta Carmi, Carla Cerati e Paola Agosti fino alle ricerche più recenti di artiste come Silvia Camporesi, Moira Ricci, Silvia Rosi, Giulia Parlato e Alba Zari, la collezione attraversa oltre mezzo secolo di produzione fotografica, mettendo in dialogo pratiche documentarie, sperimentazioni concettuali e narrazioni autobiografiche. Ne emerge un racconto plurale di oltre trecento opere, restituendo uno spaccato complesso della società italiana.

1 / 9 Collezione Donata Pizzi, Roma, © luigifiletici

2 / 9 Collezione Donata Pizzi, Roma, © luigifiletici

3 / 9 Collezione Donata Pizzi, Roma, © luigifiletici

4 / 9 Collezione Donata Pizzi, Roma, © luigifiletici

5 / 9 Collezione Donata Pizzi, Roma, © luigifiletici

6 / 9 Collezione Donata Pizzi, Roma, © luigifiletici

7 / 9 Collezione Donata Pizzi, Roma, © luigifiletici

8 / 9 Collezione Donata Pizzi, Roma, © luigifiletici

9 / 9 Collezione Donata Pizzi, Roma, © luigifiletici

Le artiste della Collezione Donata Pizzi a Roma

Un patrimonio in continua evoluzione che riunisce le opere di Paola Agosti, Eleonora Agostini, Meris Angioletti, Pippa Bacca, Martina Bacigalupo, Isabella Balena, Marina Ballo Charmet, Liliana Barchiesi, Letizia Battaglia, Betty Bee, Mariella Bettineschi, Silvia Bigi, Tomaso Binga (Bianca Menna), Giovanna Borgese, Giovanna Brogna Sonnino, Fatma Bucak, Giulia Caira, Marcella Campagnano, Silvia Camporesi, Lisetta Carmi, Monica Carocci, Gea Casolaro, Elisabetta Catalano, Rä di Martino, Anna Di Prospero, Bruna Esposito, Irene Fenara, Elena Franco, Eva Frapiccini, Linda Fregni Nagler, Milli Gandini, Vittoria Gerardi, Simona Ghizzoni, Bruna Ginammi, Elena Givone, Nicole Gravier, il Gruppo del Mercoledì (Bundi Alberti, Diane Bond, Mercedes Cuman, Adriana Monti, Paola Mattioli e Silvia Truppi), Adelita Husni-Bey, Giulia Iacolutti, Luisa Lambri, Ketty La Rocca, Elisa Magri, Allegra Martin, Sara Masini, Paola Mattioli, Malena Mazza e Libera Mazzoleni, per citarne solo alcune.

Non solo opere, ma anche pubblicazioni

Oltre a custodire alcuni dei nomi più significativi della fotografia italiana, la Collezione Donata Pizzi guarda anche all’editoria con Quaderni, una nuova collana dedicata all’approfondimento del proprio patrimonio e delle pratiche artistiche sviluppate dalle fotografe attive dal secondo Novecento a oggi. La pubblicazione nasce con l’obiettivo di offrire nuove chiavi di lettura della raccolta attraverso temi monografici individuati dal team curatoriale. Il primo volume, realizzato in collaborazione con FOTODOK di Utrecht, è dedicato al re-enactment, una pratica che negli ultimi decenni ha assunto un ruolo centrale nelle ricerche artistiche legate alla fotografia, alla memoria e alla costruzione del racconto storico. Il numero approfondisce il lavoro di artiste italiane e olandesi attraverso interviste e materiali di ricerca che documentano non soltanto le opere finite, ma anche i processi che le hanno generate. Completano la pubblicazione i contributi critici di Daniele De Luigi e Jorne Vriens, le interviste realizzate da Steve Bisson, Alessandra Capodacqua, Daria Tuminas e Lisanne Van Happen e una selezione di lavori di Marilisa Cosello, Moira Ricci, Pippilotta Yerna e Mariken Wessels.

Collezione Donata Pizzi
Via di Sant’Ippolito, Roma

Scopri di più

L’articolo "A Roma un ex garage ospita un’importante collezione d’arte. Le immagini" è apparso per la prima volta su Artribune®.