Nasce da un gioco di parole la mostra Per un attimo / Still life che, partendo dal gioco di parole contenuto nella definizione, anche nella sua declinazione olandese still laben, riflette sul tempo e sulla sua possibile sospensione; pretesa impossibile e paradossale – ma profondamente umana – che vorrebbe negare lo scorrere del tempo, per “congelare” l’attimo. Contraddizione da cui la curatrice, Melania Rossi, ha tratto ispirazione per offrire una panoramica sull’interpretazione contemporanea di questo genere attraverso le opere di José Angelino, Chiara Bettazzi, Krizia Galfo, Emiliano Maggi, Guglielmo Maggini, Beatrice Pediconi, Saverio Tonoli e FLOVVERS.

Ad accogliere i visitatori, nello spazio Label 201 di Roma, due lavori di Chiara Bettazzi (Prato, 1977) non solo fotografie ma documentazione di installazioni costruite per accumulo di oggetti ritrovati per ragionare sulla memoria e sull’oggetto di scarto che assurge a nuova vita attraverso l’arte. Di fronte, l’installazione Orchidelirium – Continua della flora designer Barbara Mattei, alias FLOVVER, riflette su come l’estetica contemporanea sia riuscita a trasformare una preziosa rarità in merce di massa, da usare a consumo. Nell’opera le orchidee sfiorite sono crocifisse al muro, martiri della contemporaneità ed evocazione del rischio di ridurre la natura a bene usa e getta…

Il parco di sculture al centro di Label201

Al centro un parco scultoreo innesca una dialettica tra disgregazione e creazione. L’armonico allestimento si apre con la scultura ibrida Arm (Every morning there was Endless Sleep preceding it), 2020, di Emiliano Maggi (Roma, 1977) che invita a girare intorno al gruppo. E se Guglielmo Maggini (Roma, 1992), con Stele di Cocci 2024, rende un omaggio alla Fontana dei Cocci di Piazza Testaccio, con le anfore rotte e accatastate; Josè Angelino (Ragusa, 1977) in bilico tra arte e scienza, agisce lo still life con Se-Mi, 2026, opera in cui un soffione sospeso in una campana di vetro davanti a una ventola funzionante, rimane integro grazie al vuoto creato all’interno.

1 / 4 Per un attimo / Still Life, Laberl 201, PH Omar Golli, Eller Studio

2 / 4 Per un attimo / Still Life, Laberl 201, PH Omar Golli, Eller Studio, Guglielmo Maggini

3 / 4 Per un attimo / Still Life, Laberl 201, PH Omar Golli, Eller Studio, Josè Angelino

4 / 4 Per un attimo / Still Life, Laberl 201, PH Omar Golli, Eller Studio

La caducità della vita e la possibilità di rinascita nella riflessione sulla natura morta a Roma

Il fiore come emblema della caducità della vita ritorna in Lotus Flowers at sunset, 2025 di Beatrice Pediconi (New York, 1972), opera in cui il valore simbolico del soggetto è amplificato dal suo essere altro da sé, dal momento che l’aspetto acquatico e fluttuante del “fiore” deriva dal suo essere realizzato con pellicola di Polaroid, attraverso un particolare procedimento ideato dall’artista. L’acqua è presente nei Water flower, 2024 di Saverio Tonoli (Lucca, 1984); opere ottenute con l’antica tecnica turca ebru che genera una sorta di marmorizzazione della superfice pittorica, articolata attraverso ripetuti bagni di colore. Tecnica in cui l’artista, rinunciando ai pennelli, accetta di avere un controllo solo parziale del processo creativo.

1 / 6 Per un attimo / Still Life, Laberl 201, PH Omar Golli, Eller Studio, Beatrice Pediconi

2 / 6 Per un attimo / Still Life, Laberl 201, PH Omar Golli, Eller Studio, Saverio Tonoli

3 / 6 Per un attimo / Still Life, Laberl 201, PH Omar Golli, Eller Studio, Saverio Tonoli

4 / 6 Per un attimo / Still Life, Laberl 201, PH Omar Golli, Eller Studio, Krizia Galfo

5 / 6 Per un attimo / Still Life, Laberl 201, PH Omar Golli, Eller Studio

6 / 6 Per un attimo / Still Life, Laberl 201, PH Omar Golli, Eller Studio, Emiliano Maggi

La sfilata di Vanitas alla mostra “Per un attimo / Still life” a Roma

Costituiscono una sfilata di vanitas i dipinti di Krizia Galfo (Ragusa, 1987) in cui l’Iperrealismo dell’impeccabile resa pittorica viene negato dalla palette psichedelica che, tutta virata sul magenta, trasferisce la scena su un piano surreale; mentre Maggi con Wolf Frieze on Blue, 2021 crea un coinvolgente memento mori, in cui lo specchio trasforma il visitatore in protagonista. Opera che posta a chiosa ideale del percorso lo traduce in un’esperienza estetica in grado effettivamente di sospende il tempo e regalare una parentesi di bellezza e viva intelligenza.

Ludovica Palmieri

Roma // Fino al 19 giugno
Per un attimo / Still Life
José Angelino, Chiara Bettazzi, Krizia Galfo, Emiliano Maggi, Guglielmo Maggini, Beatrice Pediconi e Saverio Tonoli, FLOVVERS
LABEL201, via Portuense, 201
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Dal 9 al 13 giugno 2026 torna OPENTOUR, la manifestazione organizzata dall’Accademia di Belle Arti di Bologna in collaborazione con l’Associazione Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea Confcommercio Ascom Bologna e la Fondazione Zucchelli. Giunta alla sua dodicesima edizione, l’iniziativa si conferma uno degli appuntamenti più attesi per scoprire le ricerche artistiche emergenti e osservare da vicino il lavoro delle nuove generazioni di artiste e artisti formati all’interno dell’Accademia.

La mostra “Openshow” all’Accademia di Belle Arti di Bologna

Ad aprire il programma sarà Openshow, il percorso espositivo allestito negli spazi dell’Accademia che presenterà oltre 500 opere realizzate dalle studentesse e dagli studenti dei Dipartimenti di Arti Visive e di Progettazione e Arti Applicate. Un’occasione per osservare da vicino la pluralità di linguaggi e pratiche che caratterizzano oggi la formazione artistica, dalle arti visive ai linguaggi audiovisivi, fino alle discipline progettuali.

I progetti nelle gallerie di Bologna

Il cuore della manifestazione sarà Giovani talenti in galleria, progetto curato da Carmen Lorenzetti e Giuseppe Lufrano che coinvolgerà 31 gallerie e spazi espositivi della città. Le opere delle studentesse e degli studenti dei bienni e degli ultimi anni dei corsi triennali saranno ospitate in contesti professionali consolidati, rafforzando il dialogo tra l’Accademia e il sistema dell’arte contemporanea e offrendo ai partecipanti una concreta occasione di visibilità.

Eventi, premi e performance: il programma di OPENTOUR 2026

Accanto alle mostre, OPENTOUR proporrà un ricco calendario di eventi, performance, progetti nello spazio pubblico e premi dedicati alla valorizzazione del talento emergente. Tra questi figurano i Premi Art Up 2026 della Fondazione Zucchelli, che assegneranno riconoscimenti alle migliori opere esposte nell’ambito di Giovani talenti in galleria, contribuendo all’ingresso dei giovani artisti nelle collezioni pubbliche e private.

“OPENTOUR” dialoga con le istituzioni di Bologna

Numerose anche le collaborazioni con istituzioni e realtà culturali del territorio, da Villa delle Rose alla Biblioteca Salaborsa, fino al Museo Morandi e al Padiglione de l’Esprit Nouveau. Il programma comprende inoltre iniziative che portano l’arte fuori dagli spazi espositivi tradizionali, uno degli aspetti più interessanti dell’edizione 2026, grazie alla capacità di intrecciare la dimensione espositiva con il tessuto urbano e sociale della città. Tra i progetti speciali figurano Taking Care_azioni di cura urbana, mostra diffusa composta da cento manifesti realizzati dagli studenti dei corsi di Pittura e La natura delle cose, esposizione site specific ospitata presso Ai 300 Scalini che mette in dialogo ricerca artistica, paesaggio e memoria del territorio.

Il programma completo degli eventi, delle mostre e delle iniziative collaterali sarà disponibile sul sito dell’Accademia di Belle Arti di Bologna.

Diana Cava

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Si concluderà a fine giugno 2026 il percorso di Francesco Stocchi alla direzione artistica del MAXXI di Roma. La decisione, maturata di comune accordo tra il curatore e la Fondazione MAXXI, segna la fine di un mandato triennale avviato il28 giugno 2023 dopo l’esperienza di Hou Hanru. In questi anni Stocchi ha promosso una riflessione sul ruolo sociale del museo contemporaneo, rafforzando “l’identità e ad aprire nuove prospettive di ricerca e di dialogo con il pubblico”, sottolinea Maria Emanuela Bruni, Presidente Fondazione MAXXI. “Il suo lavoro ha lasciato un segno importante nella vita del Museo, non solo attraverso le mostre e i progetti realizzati, ma anche nel modo in cui ha saputo interpretare il ruolo del MAXXI come spazio vivo, aperto e contemporaneo”. Pur lasciando l’incarico, il curatore continuerà a seguire alcuni progetti già avviati all’interno della prossima stagione espositiva, ovvero la retrospettiva di Gordon Matta Clark (New York 1943 – 1978), attesa per il 13 novembre.

Chi è Francesco Stocchi

Francesco Stocchi (Roma, 1975) è una delle figure più rilevanti della scena dell’arte contemporanea italiana. Nel corso della sua carriera ha ricoperto numerosi incarichi curatorali, collaborando con istituzioni come la Fondazione Carriero di Milano e il Museo Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, dove ha ricoperto il ruolo di curatore d’arte moderna e contemporanea per lungo tempo dal 2012 al 2023. Più recentemente è stato curatore del Padiglione Svizzero alla 59ª Biennale di Venezia per il progetto di Latifa Echakhch, insieme ad Alexander Babel, oltre ad aver firmato mostre come Leandro Erlich, come Oltre la soglia a Palazzo Reale di Milano e Giuseppe Penone. Gesti Universali alla Galleria Borghese di Roma.
Accanto all’attività curatoriale, Stocchi ha sviluppato un importante percorso editoriale come autore di saggi e testi critici, oltre a essere stato responsabile dell’inserto Arte del quotidiano Il Foglio.

Il record della mostra “Ambienti 1956–2010” al Museo MAXXI di Roma

Tra le mostre più significative ospitate al MAXXI durante la direzione di Francesco Stocchi spicca Ambienti 1956–2010. Environments by Women Artists II, curata insieme ad Andrea Lissoni e Marina Pugliese. Il progetto riuniva diciannove installazioni immersive realizzate da artiste appartenenti a tre diverse generazioni e provenienti da contesti geografici differenti, tra cui Judy Chicago, Lygia Clark, Laura Grisi, Aleksandra Kasuba, Léa Lublin, Marta Minujín, Tania Mouraud, Nanda Vigo, Tsuruko Yamazaki, Micol Assaël, Monica Bonvicini, Kimsooja, Christina Kubisch, Nalini Malani, Pipilotti Rist, Martha Rosler ed Esther Stocker.
“Una mostra che nella sua spinta evolutiva si sviluppa nell’architettura del MAXXI, verte su uno snodo continuo orizzontale, una trama spaziale intricata, un paesaggio da navigare dove ogni elemento si sovrappone all’altro”, scriveva Stocchi sulle nostre pagine, sottolineando la natura esperienziale del progetto espositivo e il suo dialogo diretto con l’architettura del museo. “Non c’è un sopra o un sotto, un interno o un esterno, tutto è continuamente sottoposto alla contaminazione attivata dalle scelte dello spettatore. Un orizzonte aperto e flessibile al movimento rispetto alla circoscritta, benché rassicurante, griglia modernista”. Con oltre 50mila visitatori, la mostra inaugurale del nuovo corso del MAXXI è diventata l’esposizione più visitata nella storia del museo.

Il dialogo tra generazioni e artisti nelle curatele di Francesco Stocchi

Tra giugno e settembre 2012 il Museo Boijmans Van Beuningen di Rotterdam ha ospitato Minimal Myth, la mostra di debutto del curatore romano nel museo olandese. La mostra metteva in relazione opere storiche del Minimalismo internazionale e del movimento olandese Nul con lavori di una generazione più giovane di artisti contemporanei, creando un confronto diretto tra pratiche, linguaggi e visioni apparentemente affini ma profondamente diverse. Nelle sale della Bodon Gallery, lavori di protagonisti come Carl Andre, Mel Bochner, Jan Schoonhoven e Ad Dekkers dialogavano con opere di artisti contemporanei quali Monika Sosnowska, Nathan Hylden e Oscar Tuazon. Più che ricostruire una genealogia storica del Minimalismo, il progetto intendeva interrogare l’eredità di quel linguaggio, mettendo in luce continuità e fratture tra generazioni differenti, attraverso sculture, dipinti, fotografie, disegni e installazioni.

Parola a Francesco Stocchi

“Lascio il MAXXI dopo un percorso intenso e straordinariamente stimolante, durante il quale ho avuto il privilegio di lavorare con artisti, curatori, ricercatori e professionisti di grande talento”, spiega ad Artribune Francesco Stocchi. “È il momento di aprire una nuova fase, guidata dalla curiosità e dal desiderio di confrontarmi con nuovi contesti. Credo che le istituzioni culturali, così come le persone che le guidano, abbiano bisogno di rinnovarsi periodicamente per continuare a crescere. Per il futuro guardo a progetti che mi permettano di esplorare nuove prospettive, proseguire il dialogo internazionale e misurarmi con stimoli inediti, mantenendo sempre al centro la ricerca, la cultura e il rapporto con il pubblico”.

Valentina Muzi

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Frequenta gli immaginari incarnati negli oggetti della manifattura e nei servizi del business b2b; conosce l’antropologia dei capitali coraggiosi che abitano i distretti industriali del made in Italy; ha visto arrivare le filiere e ha imparato che le storie del valore poggiano sempre su un sistema di valori. Marco Montemaggi è un pioniere, tra i primi in Italia a parlare di musei d’impresa, heritage marketing, company lands. Ogni suo progetto è un incrocio di talenti, intuizioni, comunità – tra l’unicum e l’ecosistema. Il Museo Zordan e il progettoTimelines di Tecnica prefigurano un salto di specie, un nuovo paradigma. Il primo è un innovativo museo d’impresa a Valdagno, in provincia di Vicenza, all’interno della sede dell’omonima azienda specializzata nella realizzazione di spazi commerciali per i brand del lusso più che presentare delle opere si propone come spazio esperienziale focalizzato su processi aziendali e sostenibilità; mentre, il progetto Timelines è la prima sessione del percorso, non tanto una linea del tempo aziendale, ma un intreccio tra la storia dell’impresa e quella del territorio, che mostra come i valori della Zordan si colleghino e si sviluppino in parallelo agli eventi storici locali e globali.

Intervista a Marco Montemaggi il pioniere dei musei d’impresa

Il valore della cultura industriale e l’iconografia della fabbrica sono entrati nell’immaginario culturale. Una bella novità…
Il valore della cultura d’impresa oggi è conclamato per moltissime aziende, in Italia e nel mondo, ma questa sensibilità è iniziata già nel secolo scorso – un nome su tutti, Adriano Olivetti. Penso che questo tipo di cultura, a lungo considerata funzione e strumento corporate di brand identity, si è affiancata a obiettivi e significati più ampi in ambito territoriale, sociale e istituzionale. È nato così, ad esempio, il turismo industriale, una mappa ulteriore per leggere i territori.

Riconoscere che la cultura d’impresa è un capitale cognitivo tout court, umanistico e politecnico insieme, un ambiente del problem solving, è una conquista recente?
La cultura industriale ha un significato simbolico più ampio della singola azienda, lì coabitano il particolare e l’area territoriale, la visione col sistema produttivo e socio-economico. In uno dei miei ultimi libri parlo di “Company Lands”, cioè di territori che diventano espressioni di una tradizione “del fare”. Questo coté culturale è importante perché rappresenta un tipo di cultura identitaria che traccia, con i confini geografici di una comunità le espansioni simboliche e relazionali. Network come Motor Valley in Emilia Romagna, il Paesaggio dell’Eccellenza nelle Marche o il Distretto dello Sportsystem in Veneto praticano questo interscambio, con visione sistemica e organica.

I network di Musei e Archivi aziendali ormai sono molto estesi. Come intercettano il futuro?
Fondazioni, Archivi e Musei d’impresa sono network importanti, fra tutti ricordo l’Associazione Nazionale Museimpresa – una delle più grandi e dinamiche in Europa. Agiscono di solito in direzioni complementari: verso i territori e le Istituzioni attivano consapevolezza e valorizzazione su un Patrimonio culturale importante per l’Italia, e fra gli iscritti favoriscono lo scambio e la conoscenza di saperi e metodologie. È un dialogo che può svilupparsi con esperienze simili al di fuori dei confini nazionali, in fondo è una forma di diplomazia nuova a base culturale.

La tua esperienza è legata alla centralità della cultura d’impresa come asset strategico. Quali sono le tappe più significative, le sperimentazioni, i prototipi progettuali?
L’inizio del mio lavoro risale a circa trent’anni fa. Il primo incarico fu in Ducati per la costituzione del Museo aziendale, un passaggio significativo sul piano professionale e umano. Poi sono arrivate collaborazioni nel campo della valorizzazione dell’Heritage con brand iconici del made in Italy – come Borsalino, Riva Yacht, Diesel, Montegrappa, Misano World Circuit – esperienze e confronti con storie, dimensioni e settori merceologici differenti che hanno strutturato un approccio metodologico solido e trasversale. Oggi collaboro con Tecnica Group, un gruppo leader mondiale nel campo della calzatura outdoor e dell’attrezzatura da sci, con un percepito e una storia lunga, complessa, immensa. Abbiamo costituito l’Heritage Department e stiamo sviluppando una strategia di valorizzazione complessiva – holding e galassia dei marchi di proprietà – e un’infrastruttura di relazioni che dialoga con istituzioni, musei, università. Il progetto “Timelines”, ad esempio, è una storia per immagini e narrazioni puntuali su grandi superfici in tutti i siti produttivi del Gruppo in Europa, per un dialogo diretto con tutte le communities professionali. Un lavoro sul prodotto il processo e l’appartenenza, l’identità e la relazione, a partire dalla memoria viva che si rigenera. La modalità che stiamo sperimentando dimostra che il patrimonio storico è un valore di conoscenza e consapevolezza, uno strumento di comunicazione d’impresa verso l’esterno – clienti, appassionati, stakeholder, media – e verso l’interno per chi lavora, anche se lontano dall’Headquarter.

Il Museo Zordan, il tuo ultimo spazio museale realizzato, è un luogo dinamico e in evoluzione, temporaneo e permanente insieme?
Una sfida a partire dal modello di business b2b – l’azienda produce spazi retail per marchi del lusso e non si rivolge quindi al consumatore finale. Questa diversità e la mancanza di un prodotto/oggetto mi hanno portato a un concept completamente nuovo, con una strategia espositiva basata sui valori, i processi, le relazioni a geometria variabile – dal territorio al mondo. E a considerazioni sull’idea di tempo, con un’area temporary di committenza a cadenza biennale. È un cambio di paradigma per un museo d’impresa, un’esperienza “idealtipica” considerato che aziende con queste caratteristiche sono migliaia in Italia. Del resto i format e le tendenze più interessanti guardano sia alle ibridazioni e ai linguaggi interpretativi – il gaming, l’uso della tecnologia che permette interazioni molteplici con i visitatori – sia alla reputazione e alla responsabilità sociale. Una postura da soggetti economici e culturali attivi che ridisegna le mappe dei “distretti di cultura industriale” in chiave contemporanea.

Da tanti anni rifletti sullo spazio museale: qual è oggi la sua funzione principale?
I Musei vivono di tempi lunghi, come gli alberi. Raccontano, educano, coinvolgono, emozionano. In sostanza rendono le persone migliori e quindi rendono migliore il mondo.

Cristiana Colli

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La Sezione 26 del Tribunale Rivoluzionario di Teheran ha confermato la condanna a un anno di reclusione per il famoso regista iraniano Jafar Panahi, respingendo il ricorso contro la sentenza emessa in contumacia lo scorso dicembre. Oltre alla pena detentiva, il provvedimento prevede il divieto di espatrio e l’interdizione per due anni da partiti, gruppi e associazioni politiche e sociali.

Accusato di propaganda contro la Repubblica Islamica

Panahi, tra i massimi esponenti del cinema contemporaneo iraniano, nel 2025 ha vinto la Palma d’Oro al Festival di Cannes con il suo ultimo film, Un semplice incidente. Le accuse a suo carico includono la diffusione di propaganda contro la Repubblica Islamica, il sostegno a dissidenti e prigionieri politici, la realizzazione di un film considerato clandestino e l’appoggio al movimento di protesta “Donna, Vita, Libertà”, nato in seguito alla morte di Mahsa Amini. A firmare la condanna è stato il giudice Iman Afshari, già sanzionato dall’Unione Europea per i suoi provvedimenti contro gli oppositori del regime. La sentenza resta appellabile entro venti giorni dalla notifica.

Panahi e un cinema impegnato, sociale e umanista

Il cinema di Jafar Panahi è da sempre caratterizzato da uno sguardo umanista e profondamente radicato nella complessa realtà sociale iraniana. Erede della tradizione “neorealista” del suo Paese, il regista usa la macchina da presa per raccontare la vita quotidiana e le contraddizioni del sistema, dando voce a chi si trova ai margini, non dimenticando la condizione femminile e l’infanzia. Le sue opere sono sapientemente costruite. Oscillano sul confine tra documentario e finzione, impiegando spesso attori non professionisti e scenari autentici per restituire un ritratto lucido e poetico della società contemporanea.

Un regista che da decenni convive con limitazioni alla propria libertà creativa

Costretto da decenni a convivere con pesanti limitazioni alla propria libertà creativa, Panahi ha saputo trasformare l’ostacolo della censura nel vero motore della sua arte. Impossibilitato a lavorare su set tradizionali, ha reinventato il proprio linguaggio visivo realizzando pellicole clandestine ambientate all’interno di un taxi, tra le mura domestiche o in villaggi isolati. Questa forma di “cinema di resistenza”, in cui il regista stesso appare spesso in scena sfidando le convenzioni narrative, non solo ribadisce la forza dell’arte contro l’oppressione, ma testimonia il suo inesauribile bisogno di dialogare con il mondo.

Il cinema di Panahi come resilienza

Questa ostinata necessità di raccontare si ritrova impressa nelle sue pellicole, che delineano un percorso di pura resilienza artistica. In Taxi a Teheran (2015), il regista si fa autista per raccogliere le confessioni e le micro-storie dei passeggeri, trasformando l’abitacolo dell’auto in un palcoscenico mobile per le tensioni del Paese. Un approccio meta-cinematografico che si fa ancora più cupo e complesso ne Gli orsi non esistono (2022), dove lo stesso Panahi dirige a distanza un set oltre il confine turco, riflettendo sulle conseguenze invisibili del potere, della paura e delle superstizioni. Infine, con il recente trionfo a Cannes nel 2025 di Un semplice incidente, il cineasta ha dimostrato ancora una volta come l’ingegno e la profondità etica possano superare qualsiasi sbarramento, firmando un’opera che eleva il dramma quotidiano a un livello universale.

Margherita Bordino

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Reverie è un’artista visiva conosciuta anche per la pratica della performance. Classe 1994, nata a Vinci, crea lì le sue opere mentre abita stabilmente nella sua casa studio di Milano.
Scrive di sé: Ha sposato Arte il 6 luglio 2016 e vivono insieme in un matrimonio aperto. Lavora per cicli tematici: “Sacramenti atei”, “Sogno” e l’attuale è “Il rito quotidiano”. Nella sua produzione non ha limiti espressivi: realizza sculture con qualsiasi oggetto e corpo (anche di animali vivi come la stella marina o deceduti come la placenta di agnellina o il teschio di una puledra): dalla parola ossessiva e costante all’istallazione, dalla fotografia al video, dall’abito alla malattia.

La pratica artistica di Reverie

La sua arte è radicale, disturbante e collettiva. Lei stessa sostiene che l’arte visiva è l’unica arte che si possa chiamare tale, che l’arte non deve curare e che non esiste l’arte-terapia; che esorcizza le esistenze di tutti attraverso la propria e solo così le sue opere possono essere lette da tutti attraverso le più personali visioni e concorrere così a rappresentare l’universale. Dopo nove anni bui Reverie racconta la sua nuova nascita nel mondo: sporca, sbagliata, fragile, viva.

La poesia e il nuovo libro di Reverie

L’artista ha ripreso a scrivere dopo un lungo blocco durante il secondo ricovero in psichiatria. Nasce da qui il nuovo libro Poesia Malata, in pubblicazione e distribuzione su Amazon. I testi di questo volume partono dal momento in cui si è rialzata davvero. Le abbiamo chiesto di raccontare questo progetto che si intreccia profondamente con la sua pratica artistica.

Intervista a Reverie

Reverie, il tuo Poesia Malata, in questa rubrica dedicata alla poesia italiana contemporanea, rappresenta una bella sorta di stranezza. Questo perché la tua opera non si limiterà alla raccoltacartacea ma farà parte di un progetto più ampio legato a una mostra personale e una performance. Ci racconti di cosa si tratta?
Ho ripreso a scrivere poesie durante il mio secondo ricovero in psichiatria, ma “Poesia malata” comprende i testi a partire da giugno 2025 quando sono tornata a Milano e ho ripreso in mano la mia vita perché erostanca di stare male e di sopravvivere e basta. L’intero corpus di lavori, opere e parole che da adesso, maggio, fino a settembre porterò alla luce parte da qui, da questo volume. Mi sono ritagliata i mesi estivi per elaborare poi non solo una mostra, “Amare non mi sazia” (che inaugura il 17 settembre 2026 presso C+N Gallery CANEPANERI a Milano accompagnata dal testo critico di Milovan Farronato), ma anche unaperformance, “Mangiata viva” (il 15 settembre 2026 presso Salone 14 Yellowsquare a Milano) che trattassero le stesse tematiche di fame, amore e salute mentale ma in modo diverso e con media diversi.

Ovvero?
Nelle poesie sono cinica, disillusa, una neo-diciottenne che scopre il sesso e il mondo nella sua interezza dopo dieci anni di castità a seguito di due abusi sessuali, cinque anni di bullismo e altri traumi anche sociali, cercando se stessa ma perdendo l’innocenza e il suo essere sognatrice per definizione (il mio nome è anagrafico, non d’arte) nella brutalità delle dinamiche che si trova a subire.
Nella mostra racconto senza filtri questa educazione affettiva e fisica, gli abusi subiti, il rapporto con la morte e col tempo, il mio corpo, l’illusione degli uomini che pensano di dominarti e usarti; invece sei tu a creare, con la loro saliva, opere e illusioni.

E nella performance?
Userò la stand up, che studio da settembre e con cui ultimamente faccio diversi open mic che mi hanno fatto scoprire, inaspettatamente, quanto ami questo linguaggio, per veicolare gli stessi messaggi: mi sputtanerò dandomi in pasto al pubblico, parliamoci chiaro, raccontando i miei date più rovinosi, il love bombing, i tentativi malandati di trovare escamotage per cancellare la mia dipendenza da cibo, che non mi lascerà mai, la risalita, le cadute, i giudizi… ma facendo assolutamente ridere.
In generale ciò che lega questa triade di progetti sarà la schiettezza e la cristallinità: sarò oscena e scomoda, estrema e sbagliata, e mi metterò alla pubblica gogna.
Mi piace pensarmi come un “Incendiario” di Palazzeschi nel 2026 nel centro di Milano: voglio che bruciamo tutti insieme, anche se io sono e resterò in gabbia.

Hai scelto di pubblicare la tua raccolta tramite Amazon senza passare dal sistema delle case editrici. Perché?
Non sono nuova nella pubblicazione di libri. Prima del Covid uscii con librosogni insieme a Skira Editore. Per Poesia Malata non nego essermi mossa nello stesso senso inizialmente e di aver attirato l’attenzione di importanti case editrici. Era una sfida data la schiettezza della raccolta e sinceramente sono stata subito stupita dell’apprezzamento e di trovare persone che credessero nel progetto. C’erano anche diversi nomi del mondo dell’arte interessati a scrivere il testo critico di apertura. Ma poi ho capito che a differenza del libro precedente o del mio primo libro d’artista, Sacramenti Atei, desideravo che questo fosse composto solo di parole che arrivassero direttamente e il più velocemente possibile al pubblico: una dose dritta in vena e senza possibilità di distrazione.

Spiegaci meglio.
Ho scelto quindi questa formula pop e il libro verrà presentato con un reading nella galleria che segue il mio lavoro, e in contemporanea con una diretta YouTube sul mio canale, Reverie in Arte. Ho voluto che nonavesse editore, non avesse testo critico introduttivo e che non avesse copertina. Infatti, come prima cosa chiedo a chi acquisterà il volume di strappare la copertina che considero provvisoria: è un obbligo, non semplicemente una volontà dell’autrice, solo così Poesia Malata potrà dirsi pronto per essere letto. Nel caso poi ci dovessimo incontrare, potrò fare una dedica speciale a chi mi porterà il libro acquistato e con strappo iniziale.

Che cosa è Poesia Malata?
È il diario di una persona malata che decide per la prima volta di vivere davvero e non più soltanto di sopravvivere. È il racconto di uno studio antropologico attraverso le dating app e i rapporti umani, usando gliuomini al posto delle sigarette, mentre loro vogliono soltanto l’esperienza di incontrare un animale esotico nella gabbia di un circo per poi lasciarlo lì e andarsene in silenzio.
Racconta un tentativo di rinascita, non ancora totalmente riuscito, e la scoperta di un amore che avevo conosciuto soltanto nella sua forma non consensuale. Ma credo possa dare anche speranza: che una persona, pur vivendo realmente all’inferno (e non lo dico in senso attraente o poetico), possa trovare il proprio equilibrio e almeno qualche attimo di purgatorio.

Perché?
Perché il paradiso è noioso e non interessante e perché io amo il fatto di essere speciale come uno scarto sociale. Vado nell’umido, accanto agli avanzi della cena della sera prima e ai fazzoletti usati. Ma io qui ci stobene e soprattutto sono consapevole della mia esistenza fisica e mentale. D’altronde dal letame nascono le rose dalle spine più vere. Se in “librosogni” scrivevo che il mio corpo è il mio muro e in generale ho sempre ritenuto e riterrò sempre lo stomaco il primo cervello, adesso sento che l’organo principale è la pelle: assorbo tutto, cambio colore, ma io non cambio mai.

David Foster Wallace diceva che la letteratura gli serviva per sentirsi meno solo. È così anche per te? Che legame senti con chi ti legge e cosa senti di provare per lei o lui?
Il grande motivo che muove la mia arte è indagare ed esorcizzare le vite di tutti e lo faccio concretamente attraverso la mia. Per me significa condividere tempo, l’unica cosa che realmente possediamo perchéneanche il nostro corpo ci appartiene. Potrei vivere serena e imperturbabile, “nascosta” come avrebbe voluto Epicuro, anche perché tutto ciò che ho attraversato e che vivo l’ho metabolizzato da tempo. L’arte è sociale e politica, non esiste l’arte-terapia e infatti non la concepisco.
Metto la mia vita in vetrina e a disposizione perché possa far respirare tutti: siamo tutti sulla stessa barca nell’oceano, siamo insieme malgrado le nostre solitudini e malgrado ciascuno si salvi da solo. Ciò che mi muove quando scrivo poesie o creo opere è arrivare al momento ultimo: quello della fruizione. Non amo spiegare i miei lavori, ritengo che ciascuno col proprio bagaglio possa percepire ciò che queste opere gli comunicano.

Qual è la tua relazione con il lettore?
Provo nei suoi confronti un grande legame, un filo rosso invisibile e indistruttibile. Ma la poesia non mi aiuta a sentirmi meno sola. Anzi. Ogni volta che rileggo i miei scritti, che ho volutamente buttato giù di getto in pochi secondi senza una grammatica corretta e con alcuni neologismi o onomatopee, a volte provo dispiacere, pena o stima per il mio coraggio e la mia incoscienza. Poesia Malata sono io negli ultimi dodici mesi in cui mi sono veramente buttata a vivere nel mondo senza paracadute per ritrovarmi. Dopo la malattia mi sono ritrovata a rinascere nel fango, scoprire me stessa, difendermi dalla malattia mentale e dalla dipendenza, provare finalmente piacere e incontrare l’altro. Mi piace pensare che questa raccolta porti alla luce ciò che ciascuno di noi vive ma non vuole dire a se stesso: non deve esserci vergogna, non devono esserci tabù con noi stessi e soprattutto non deve esserci giudizio.

Cosa intendi nello specifico?
Per il mio aspetto fisico ho subito giudizi costanti da parte di vecchie amicizie e nuovi amanti e ritengo che nessuno dovrebbe vivere una situazione simile: non accetto specchi non richiesti, fanno più male dellospecchio in bagno ogni mattina, che per mesi comunque ho tenuto coperto.
Di recente ho ripreso il mio “diario di specchi” e ho imparato a mandare a fanculo chiunque abbia da dare un’opinione non richiesta: è necessaria una certa dose di intelligenza emotiva, ma nel mondo di oggiscarseggia terribilmente. E appunto ciascuno si salva e si vive da solo, l’ho già detto e lo ribadisco. Io so chi sono e come sono fatta e a chi legge i libri dalla copertina posso solo dire di imparare a strapparla e a volte anche a cucirsi la bocca, o a ingoiare, dipende dalle circostanze…

A chi scrive si tende, talvolta, a chiedere quanto di vero e autobiografico ci sia nell’artificio del testo – che sia poesia o prosa. A me, invece, verrebbe da farti esattamente la domanda opposta: in “Poesia Malata” c’è qualcosa di te che hai lasciato non detto?
Assolutamente niente. Nella vita, nella virtualità, nelle opere, nella poesia non riesco a non essere cristallina. Mi sono cresciuta imponendomi di essere sempre e solo me stessa e con lo stesso approccio mi sono spogliata in questi mesi intensi e in “Poesia malata”.
Potete leggere del mio odio per i medici che trattano i pazienti nei ricoveri in psichiatria come deportati in campi di concentramento; del mio percorso con la terapia che nel mio caso è stata un flop; deglipsicofarmaci che ho smesso di prendere da sola; del tempo di cui mi sono riappropriata; della conservatorship alla Britney Spears in cui mi trovo e che mi pone in una prigione dorata in cui non decido niente e in cui dipendo da altri per tutto; della scoperta del sesso dopo due violenze subite a 15 e 21 anni; dello studio sociologico tramite le dating app e attraverso gli uomini che incontravo; dei giudizi subiti sul mio corpo e aspetto che, dopo anni di depressione e dipendenza da cibo, si erano trasformati; del mio tornare a riconoscermi; delle mie vittorie e delle mie ricadute; della mia solitudine; del lavorare, dell’innamorarmi e poiilludermi; del ghosting continuo ricevuto; della fame costante che non mi abbandona, perché sono come una cocainomane sempre in cerca di una dose e non sarò mai sazia soprattutto dopo l’ennesima abbuffata; del piacere nel farmi male; del non piacere nello scopare (perché appunto “amare non mi sazia”); dei graffiti illegali di notte; dei furti dalla spazzatura; del tentativo di fumare per cancellare l’altra dipendenza; deitentativi di suicidio prima col cibo o pensando all’impiccagione…

Cosa vorresti che arrivasse?
Un riflesso chiaro di me: non sono la gentile donzella stile Beatrice dantesca che molti pensano non conoscendomi, non lo sono mai stata. Io sono strega, una creatura aliena, una santa sbagliata, come tutti. E non ho paura di dirlo ad alta voce.
Con la mostra e col libro faccio male, lo riconosco, ma con la performance Mangiata viva farò ridere, lo prometto.

In una parola, cos’è la poesia per te? Ha più a che fare con la gioia o con il dolore?
La poesia è un tramite.
Ho sempre scritto, non solo poesia, e credevo che la scrittura sarebbe stata il mio lavoro. Poi ho trovato Arte, ci siamo sposate nel 2016 e il mio percorso è stato diverso e sì, ritengo di non poter far altro se non quello che faccio, e continuerò a lottare per questo.
Così attualmente uso la poesia come forma di espressione. Nel libro precedente avevo scelto la raccolta di sogni per raggiungere questo obiettivo. Nelle opere di adesso uso parti del corpo e anatomie. A volte si è trattato di un paracadute della Seconda guerra mondiale (come figura del mio “Icaro contemporaneo”), altre può essere la parola “antifame” scritta con gli strass su un perizoma e condivisa con una polaroid che inquadra il mio culo a veicolare un messaggio. La poesia ha a che fare con qualsiasi emozione. È universale e assoluta. Dovremmo cibarcene tutti.

Perché adesso che mi sento bene
È una condanna più atroce
Mi manca essere hummus
Umida e bagnata
Dalle lacrime
Invece adesso è il sudore
Che mi lubrifica il mediastino
Dove stava il cuore
Che non ho più
Perché l’ho buttato
In un sacchetto dell’umido
E non l’ho mai recuperato

Maria Oppo

L’articolo "L’artista-poeta che pubblica un libro con i suoi versi (e sceglie di farlo su Amazon)" è apparso per la prima volta su Artribune®.

Fabrizio Arcuri arriva all’Estate Teatrale Veronese, aperta fino al 18 settembre 2026, da strade diverse. Fondatore di Short Theatre, già al Teatro della Tosse e al CSS del Friuli Venezia Giulia, è il nuovo direttore artistico del festival più longevo d’Italia: 78 edizioni, una tradizione shakespeariana consolidata. E lui che cerca, da subito, di farlo uscire dai luoghi deputati.

Intervista al direttore dell’Estate Teatrale Veronese 2026 Fabrizio Arcuri

Lei entra in un festival molto radicato. Qual è il primo rischio che ha scelto di assumersi?
Renderlo più contemporaneo, e quindi farlo parlare a più pubblici. L’obiettivo era inserirlo tra i festival con un panorama davvero internazionale, partendo dall’identità e dalla storia del festival ma traghettandolo verso una dimensione più globale. Questo è stato il primo rischio condiviso con l’amministrazione. E immagino che sia stato anche il motivo per cui hanno scelto me.

Come lega Arcuri di Short Theatre con Arcuri direttore di un festival storico?
Sono esperienze diverse. Nel corso degli anni mi è capitato di dirigere il Teatro della Tosse a Genova, il CSS. Sono dimensioni che costringono a un confronto con la realtà e il territorio. La mia tendenza è sempre lavorare sul contemporaneo e sulle dimensioni più interessanti che la nuova scena propone. Ma per evitare di sembrare un’astronave atterrata in un posto sbagliato, bisogna capire dove ci si trova. Short Theatre l’ho inventato io, a Roma, in un territorio dove ci si poteva permettere di guardare in una direzione lacunosa. Arrivando altrove, bisogna vedere cosa è successo lì, e capire come connettere lentamente quel territorio alla nuova scena europea. In Italia questo non è normale, semplicemente perché le persone che finiscono in un luogo ci rimangono a vita e lo fanno diventare a loro immagine e somiglianza. Per fortuna la vita mi ha offerto la possibilità di essere nomade, com’è giusto che sia per chi fa questo lavoro.

Shakespeare al centro dell’Estate Teatrale Veronese

Shakespeare resta il centro del festival. Che cosa deve fare una direzione artistica per sottrarlo alla musealizzazione? E anche a utilizzi bislacchi…
Cercare gli spettacoli che trattano Shakespeare come una materia viva e che lo connettono con quello che sta accadendo. Shakespeare ha scritto talmente tanto, e su tutto, che non è difficile rintracciare testi che si prestino a raccontare l’attualità. La questione è capire come fare in modo che questi classici riescano davvero a parlarci. È stato un lavoro di ricerca di figure disposte a pensare Shakespeare in questi termini. Massini, per esempio, ha deciso di riscrivere Romeo e Giulietta in chiave israelo-palestinese partendo dalla radice del testo: Romeo e Giulietta non sono mai esistiti, e di fatto la storia racconta contese di quartiere, simbolizzata da due figure adolescenziali senza colpa che subiscono le circostanze. Massini entra nelle maglie di un conflitto secolare che adesso è ai minimi termini. Ecco cosa vuol dire fare di Shakespeare una materia viva, non un oggetto da perpetuare.

Estate Teatrale Veronese è un festival multidisciplinare. Qual è il rischio: aprirsi davvero o portare semplicemente l’etichetta del contemporaneo perdendo identità?
L’aggiunta che ho fatto è stata tentare di farlo uscire dai luoghi deputati. Questo mi sembra uno dei tratti che distingue un festival che vuole essere davvero contemporaneo: non essere solo centripeto, ma anche centrifugo. Verona è una città invasa ogni giorno da diecimila, quindicimila turisti che rischiano di non accorgersi che esiste un festival. Ho cercato di fare in modo che ci fosse un pezzo di festival per le strade: un inciampo, per il turista sbadato che si trova coinvolto in una performance.

A proposito di scelte non convenzionali: Rex Destruens porta Massimo Cacciari come interprete di Shakespeare. Perché un filosofo e non un attore?
Da qualche anno Cacciari ha avviato un rapporto con il teatro: affronta dei temi utilizzando Shakespeare in un formato ibrido: un po’ conferenza, un po’ spettacolo. Lo ha fatto con Macbeth, ora con Re Lear. Lui non recita: tiene la conferenza. Ho trovato che completasse bene la piega che sono riuscito a dare a questa edizione. Lella Costa fa Otello centrato su immigrazione e femminicidio, Massini con Romeo e Giulietta. Cacciari dava un’ulteriore possibilità di dimostrare come Shakespeare possa ancora parlarci direttamente.

Valorizzare i giovani all’Estate Teatrale Veronese 2026

Donnellan, Massini, Cacciari, Timi, Vacis, Latini. Ma anche giovani artisti, Premi Scenario, Nuove Orbite. Come si evita che i giovani diventino la sezione laterale del festival, mentre il centro resta occupato dai nomi forti?
Non si evita facilmente. Non si evita perché il Teatro Romano è uno spazio da 1700 posti e un festival può prendersi una parte di responsabilità. Il resto lo dovrebbero fare le politiche culturali di una nazione. L’importante è mettere in cartellone giovani e personalità affermate allo stesso piano, poi agire su spazi e promozioni diverse per non mettere in difficoltà nessuno. Ma il problema dei giovani artisti in Italia non lo può risolvere un festival. È un problema strutturale, tutto italiano. E questa cosa, a me, è sempre stata abbastanza antipatica. L’età non dovrebbe essere mai un problema, né per il giovane né per l’anziano. Perché mai Romeo Castellucci dovrebbe valere più o meno di Babilonia Teatri? Un festival deve permettersi di mettere in comunicazione artisti diversi e pubblici diversi, che a quel punto vengono a conoscenza di percorsi artistici che non conoscevano. Questo era già un pallino di Short Theatre.

Cosa ha portato della sua storia dentro Verona e cosa Verona le ha imposto di disimparare?
Ho portato un’esperienza coltivata sul campo e un pallino che rimane: costruire contenitori trans-generazionali che propongano contenuti di accesso immediato, che non richiedano un’alfabetizzazione per essere fruiti. Credo che il teatro abbia perso la capacità di essere popolare nel momento in cui, tra l’avvento del teatro di regia e certe forme estreme di ricerca, ha preteso dallo spettatore una conoscenza come chiave di accesso. Questo fa perdere al teatro popolarità. Si può andare a vedere uno spettacolo esattamente come si va a vedere un film: non serve conoscere la storia del cinema. È ovvio che chi la conosce legge più livelli, ma la fruizione immediata ha comunque la possibilità di parlare. Spesso si parla di inclusività per essere poi estremamente esclusivi; senza rendersi conto che, proprio al grido di inclusività, si lasciano fuori fette intere di pubblici. Quanto a Verona: non è che mi abbia chiesto di disimparare qualcosa. Mi ha messo dei paletti: la tradizione shakespeariana è imprescindibile e intorno a quei paletti ho costruito qualcosa che va comunque nella direzione che rispetta la mia idea di festival. È normale. Il problema è che in Italia non è considerato normale.

Alessia De Antoniis

Estate Teatrale Veronese — 78ª edizione
Dal 25 giugno al 18 settembre 2026
(H)Earth of GlassVerona, Teatro Romano e spazi urbani

L’articolo "Riparte l’Estate Teatrale Veronese. “Il teatro ha perso la capacità di essere popolare” dice nell’intervista il direttore Fabrizio Arcuri" è apparso per la prima volta su Artribune®.

Il piacere del possesso, un tempo imprigionato nell’oggetto di lusso, si sta spostando altrove. Altri status hanno cominciato ad impegnare tempo e denaro disponibili: tra questi avanzano inarrestabili benessere e salute psico-fisica. Fino al 60% di Millennial e Gen Z intervistati nel rapporto Future of Wellness di McKinsey affermano che l’impegno per invecchiare in salute è una priorità “massima” o “molto importante” per loro. Se Millennial e Gen Z, in particolare donne, mostrano consapevolezza per la propria salute, padri della Gen X e i nonni Boomer hanno iniziato a considerare la loro inedita longevità status di cui andare fieri. Così l’accesso al cosiddetto “lusso” non dipende più esclusivamente dalla capacità di esibire oggetti trofeo, ma si sposta verso acquisti legati ad esperienze che hanno a che fare con il benessere fisico.

L’allenamento come lifestyle si traduce in moda oltre che in pratica quotidiana

Accade che l’esercizio sia sempre meno considerato come qualcosa che ha che fare con la disciplina da infliggere al proprio corpo per superarne i limiti naturali, piuttosto come un “divertimento da prendere sul serio”: è un modo di pensare che sostituisce l’esibizione all’autostima. Proprio quello di cui va in cerca chi pratica la passeggiata veloce in città o il turismo lento in bicicletta, chi imbraccia le racchette per camminare sui sentieri di montagna, chi fa yoga in casa, pilates in palestra o Tai Chi in un giardino pubblico.

Il successo dei brand di lusso nello sportswear

La lezione di Torch’d Workout tenutasi dal trainer Isaac Boots all’interno della Biblioteca Braidense a Milano e quelle organizzate dal brand americano New Balance all’interno di Santo Spirito in Sassia a Roma qualche perplessità l’hanno sollevata, ma sarebbero state inconcepibili sino a pochi anni fa. Così come inconcepibile sarebbe stato apprendere dal CEO di Gucci il lancio di sotto-brand come Gucci Gym o Gucci Life (pillole per la longevità)

Il fatto è che i brand dell’abbigliamento, hanno registrato velocemente la situazione reagendo ognuno a suo modo. Se Pelagia Kolotouros (con un passato in marchi come Yeezy, The North Face e Adidas), giunta alla direzione artistica Lacoste, prova a rendere urbani i capi di un marchio nato per la terra rossa, Pier Paolo Piccioli nel gennaio scorso ha presentato un lookbook per Balenciaga dove propone ardite combinazioni di sartoriale e techwear. Dal canto loro giganti dello sportswear agonistico come Nike e Adidas, stanno cercando di riposizionarsi in segmenti di produzione prima non attenzionati. Il successo di brand come Alo, Lululemon, Beyond Yoga o Vuori, nati nella nicchia specifica dello yoga ma divenuti fenomeno globale, hanno risvegliato il loro interesse.

Il caso di Alo, brand nato dalla passione per lo yoga che si sta avvicinando al lusso

Il caso di Alo (acronimo di Air Land Ocean) è esemplare. Questo brand nato dalla passione per yoga e mindfulness nel 2007 a Los Angeles ha fatto scalpore. I suoi capi sono presenti da qualche anno in tutte le luxury gym del mondo: il design è pulito, i toni neutri, il logo discreto. Alo deve la sua fortuna iniziale ai social, ma sta provando ora ad avvicinarsi all’area tradizionale del lusso. Entro il 2026 è prevista l’apertura di un flagship store accanto all’hotel Louis Vuitton sugli Champs-Élysées, mentre in arrivo ci sono altri negozi a Capri, Saint-Tropez e Porto Cervo.

Nike e Kim Kardashian per una linea sportswear che “ti trasforma in un atleta”

Così Nike nel 2025 ha dato il via a una collaborazione con Skim di Kim Kardashian. Per la linea NikeSkims è stato coniato lo slogan “If you have a body, you are an athlete”: la collezione, pensata per la fitness, comprende leggings che sollevano i glutei, reggiseni sportivi push-up e tute in spandex un tessuto capace di espandersi sino a otto volte la lunghezza originale: taglie previste dalla XXS alla 4XL.

L’esordio della nuova linea premium di Adidas alla New York Fashion Week

Non poteva mancare la risposta di Adidas: l’azienda tedesca sta collaborando con il marchio di prêt-à-porter Entire Studios di Los Angeles per una linea destinata al segmento performance. Durante l’ultima fashion week a New York il produttore tedesco ha inoltre lanciato una nuova linea premium: la A-Type Adidas Originals appartiene alla fascia premium: sneakers a 800 dollari, giacche in pelle a 1.500, tute a 2.700. Adidas è stato il primo player del segmento sportswear a intuire il potenziale di collaborazioni speciali: le limited edition firmate a quattro mani con Rick Owens, Craig Green, Wales Bonner, Jeremy Scott e Willy Chavarria hanno raggiunto prezzi elevati rispetto al price point medio, ma la A-Type rappresenta un unicum: è la prima linea interna decisamente posizionata nella fascia entry-lusso.

Sportswear tra l’intramontabile eleganza italiana e l’inarrestabile avanzata cinese

La moderna cultura del fitness ha origini americane. Tuttavia, nel secolo scorso, nel segmento dell’abbigliamento sportivo il nostro Paese ha espresso grandi cose. È stato quello un momento di grande successo per Ellesse e Arena (distretto umbro), Fila e Sergio Tacchini (distretto piemontese). Le polo Fila erano realizzate in filo di Scozia e la qualità dei cardigan della linea Bijon Borg risultavano irraggiungibili. Il mitico Ayrton Senna, i celeberrimi Ilie Năstase, John McEnroe, Mats Wilander indossavano in pista come in campo capi firmati da Sergio Tacchini. Del resto, non era stato Emilio Pucci nel 1947 a confezionare la prima tuta da sci e il mondo? E il mondo guardava al bellissimo Gigi Rizzi (all’alba del 1968 fidanzato di Brigitte Bardot) come a un maestro dello stile vacanziero-chic. Ne secolo scorso appunto. Perché oggi Ellesse appartiene al gruppo britannico Pentland Group, Fila e Sergio Tacchini sembrano in eterno palleggio tra proprietà coreane e cinesi, Arena è francese.

Tutto questo prescindendo dalla temibile avanzata del gruppo cinese Anta sport che si appresta a insediare la leadership mondiale di Nike e Adidas. Qualcosa tuttavia anche da noi, magari sul confine, continua a germogliare.

Così accade per Salewa un marchio specializzato in abbigliamento ed attrezzature per la montagna che sta trovando sempre nuovi estimatori anche in città. Salewa, che ha sede a Bolzano, è stata trascinata a valle da un pubblico di appassionati delle vacanze in quota: Milano è spuntata in Corso Garibaldi dove non sembra proprio voler escludere chi non arrampica su pareti a strapiombo.

Aldo Premoli

L’articolo "Via libera allo sportswear. Ecco perché allenamento e benessere sono le nuove frontiere del lusso " è apparso per la prima volta su Artribune®.

Artisti del suono e curatori, illustratori e fumettisti, responsabili ricerca fondi sono i professionisti cui si rivolgono le offerte di lavoro che abbiamo selezionato per voi questa settimana. In questo spazio diamo, infatti, una breve panoramica degli ultimi bandi aperti recentemente in Italia o prossimi alla scadenza, e alle opportunità (anche senza scopo di lucro) da cogliere al volo. Vi ricordiamo che su Facebook trovate il gruppo Artribune Jobs: vi invitiamo a iscrivervi per poter contribuire alla condivisione di bandi, concorsi, opportunità, spunti e offerte in ambito creativo. Intanto, ecco 5 proposte da tenere presente…

Fondazione Gori – Celle – Call di residenza per 10 artisti e curatori

Da oltre 40 anni, Celle in Toscana è un luogo di sperimentazione e incontro tra arte e natura. Adesso la fondazione apre le porte a questa nuova esperienza offrendo alle future generazioni la possibilità di creare, confrontarsi e crescere insieme a professionisti del settore. È, infatti, online l’open call per la seconda residenza che ospiterà per 7 mesi presso la Fondazione Gori – Celle 10 giovani artisti e curatori, per produrre opere e testi, intitolata Coabitazioni: Arte, paesaggio e comunità. Previsti alloggio e una borsa di 500 euro netti al mese e fornitura di materiale per i propri lavori.

Scadenza: 1 luglio 2026

OTO Sound Museum – Bando per artisti del suono palestinesi

OTO Award è il premio istituito dal museo itinerante OTO SOUND Museum. Per il secondo anno il museo si impegna alla valorizzazione degli artisti del suono palestinesi (sia emergenti che affermati) con questo riconoscimento, e gli artisti selezionati lo scorso anno faranno parte del public program della mostra dedicata a Gaza a Fondazione Merz a Torino. Ora è online la seconda edizione del bando: Il vincitore riceverà 2mila franchi svizzeri, una mostra digitale presso l’OTO Sound Museum e supporto tecnico e tutoraggio durante la produzione della sua opera in vista della mostra.

Scadenza: 15 giugno 2026

Sharjah Art Foundation – Bando per illustratori e fumettisti del Golfo Persico

La Sharjah Art Foundation presenta un bando aperto a illustratori e fumettisti di tutto il Golfo Persico per contribuire a Corniche 8, l’ottava edizione della sua rassegna annuale di fumetti. Si invitano i candidati a presentare proposte per un fumetto di sei pagine, in inglese o in arabo, da valutare per la pubblicazione nell’ottava edizione dell’antologia. Gli artisti selezionati parteciperanno a uno scambio creativo di tre giorni a Sharjah, al termine del quale i fumetti completati verranno raccolti in una pubblicazione.

Scadenza: 30 giugno 2026

https://www.sharjahart.org/en/open-calls/details/open-call-corniche-8

Harley & Dikkinson e Fondazione Alessandro e Cristina Ponti – Premio per artisti under 35

È online il premio HaHaA – Habitat Habitus Arte promosso da Harley & Dikkinson in collaborazione con la Fondazione Alessandro e Cristina Ponti. Aperto ad artisti e collettivi di età compresa tra 18 e 35 anni, il premio invita a progetti interdisciplinari che affrontano il tema dell’abitare contemporaneo usando diversi linguaggi: arti visive, performance, musica, design, architettura e moda. I finalisti, selezionati a settembre 2026, parteciperanno a una mostra a novembre presso Spazio Profumo. I premi valgono fino a 5mila euro.

Scadenza: 30 giugno 2026

https://en.artmediaagency.com/b37b43ec26b1fa1278cb195a3035c907

Il Centro Pecci di Prato cerca una figura per il fundraising

La Fondazione per le Arti Contemporanee in Toscana – Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci ha aperto una selezione per l’inserimento di una persona all’interno dell’ufficio Fundraising. La figura selezionata contribuirà allo sviluppo delle attività di raccolta fondi, sponsorship, membership e Art Bonus, collaborando con la Direzione e i diversi dipartimenti del museo. Richiesti Diploma di laurea in materie affini alla posizione e almeno 4 anni di esperienza in posizioni simili a quella proposta. Inizio lavoro previsto a partire da luglio.

Scadenza: 22 giugno 2026

https://www.centropecci.it/centro-pecci-news/il-centro-pecci-cerca-una-figura-per-il-fundraising

Claudia Giraud

L’articolo "Lavorare nell’arte: opportunità da Fondazione Gori – Celle, OTO Sound Museum, Sharjah Art Foundation, Centro Pecci Prato" è apparso per la prima volta su Artribune®.

La casa è tornata a essere un’emergenza urbana. A Padova, città universitaria, polo sanitario e centro di servizi qualificati, la domanda cresce più in fretta delle risposte. Tra il 2015 e il 2020 ATER ha investito oltre 70 milioni tra interventi di manutenzione e nuove opere; nel 2026 gestisce circa 9.000 alloggi, ma uno su cinque resta vuoto (circa 1.500). Un dato che fotografa il divario: emergenza abitativa da un lato e un patrimonio che fatica a essere rimesso in circolo. Recuperi e riqualificazioni energetiche sono iniziati, con prime sperimentazioni di housing studentesco calmierato, ma il problema è strutturale e richiede una svolta di scala e di governance.

Alle origini della città pubblica: il caso Padova

Padova possiede una lunga tradizione di edilizia sociale. Nel Cinquecento nasce la Corte di Ca’ Lando, considerata tra i primi esempi europei di abitazioni popolari organizzate. Nel Novecento, con lo IACP e soprattutto con il piano INA‑Casa del 1949, l’intervento pubblico assume una dimensione sistematica, articolata nei due settenni che segnano la più ampia operazione abitativa dell’Italia repubblicana. Nel Secondo Dopoguerra, infatti, i bombardamenti alleati hanno colpito il tessuto urbano e infrastrutturale, e le condizioni abitative in diversi quartieri popolari sono drammatiche. Intere famiglie vivono in ambienti insalubri nelle aree di via Conciapelli, nel ghetto ebraico, nei vicoli del centro storico e al Portello. Intanto l’industrializzazione attira nuova popolazione dalle campagne, mentre la crisi agricola spinge migliaia di persone verso il capoluogo.

Gli architetti Mansutti e Miozzo e il loro lavoro nella ricostruzione di Padova

In questo scenario l’edilizia residenziale privata e pubblica diventa un motore della trasformazione urbana. Visitabile gratuitamente a Padova, nella sede di Palazzo del Monte, fino al 31 luglio 2026, la mostra dedicata agli architetti Mansutti e Miozzo consente di leggere i processi di costruzione della città moderna attraverso documenti d’archivio in gran parte conservati presso l’Archivio del ’900 del Mart. Ma chi sono i due progettisti? Francesco Mansutti (Donada, 1899 – Padova, 1969), laureato in ingegneria, e Gino Miozzo (Padova, 1898 – Padova, 1969), diplomato all’Accademia di Belle Arti, entrambi poi abilitati architetti, stringono un sodalizio professionale negli Anni Trenta. Un legame che si consolida con gli incarichi per l’Opera Nazionale Balilla e li vede protagonisti della ricostruzione patavina. Mansutti, attivo nella vita politica e civile, nel dopoguerra guida per tre mandati l’Ordine degli Architetti; Miozzo porta una spiccata sensibilità del disegno. Operano fra committenza privata, grandi infrastrutture ed edilizia popolare, restituendo l’immagine di una Padova in pieno fermento economico e urbanistico. Via Altinate, simbolo del benessere del dopoguerra, conserva interventi significativi, dai Magazzini Coin agli edifici per abitazioni e uffici della società IRE, fondata dallo stesso Mansutti per contribuire alla ricostruzione delle aree bombardate.

1 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

2 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

3 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

4 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

5 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

6 / 6 La mostra “Padova, la città che cresce: Francesco Mansutti e Gino Miozzo”. Photo © Celestia Studio

I progetti di Mansutti e Miozzo nel contesto padovano

È nelle periferie che il loro lavoro incrocia un momento cruciale della trasformazione urbana del Novecento, evidenziando l’architettura come dispositivo economico, politico e collettivo. La produzione spazia dall’edilizia residenziale privata, case unifamiliari e condomini, a interventi pubblici: si va dai progetti per le sistemazioni dell’area Conciapelli, di via Goito, fino alle numerose realizzazioni per INA‑Casa. Il confronto tra i complessi di edilizia popolare di via Crescini (oggi via Vlacovich) e il quartiere di via Forcellini, dove lavorano anche altri importanti architetti padovani come Giulio Brunetta e Virginio Vallot, mette in luce l’evoluzione tipologica e insediativa: in coerenza con i due settenni INA‑Casa, si passa da edifici puntuali collocati nei vuoti urbani a veri quartieri, capaci di estendere fisicamente il perimetro cittadino. È il caso dell’asse di via Forcellini, pensato come nuova direttrice sud‑est nell’ex quartiere Terranegra, area campestre e bombardata, perfetto per ospitare un intervento integrato con edilizia a riscatto e servizi di prossimità.

Il ruolo del verde urbano nell’approccio architettonico di Mansutti e Miozzo

In questa transizione emerge una sensibilità specifica: oltre alla dimensione civile e morale del mestiere, i due progettisti ed in particolare Mansutti, attraverso scritti e interventi pubblici, attribuiscono al verde un valore urbanistico e sociale. “Il regno vegetale fa parte della vita. Ed è vita dovunque ed a tutti gli effetti: nella foresta, nel campo coltivato, nella casa, nella città”. Il verde urbano viene sottratto al puro decoro e assume il ruolo di estensione dello spazio pubblico, con corti, giardini e percorsi che organizzano relazioni e continuità urbana. Emblematico il caso degli edifici di via Forcellini: una rete di percorsi pedonali immersi nel verde estende lo spazio pubblico e diventa infrastruttura quotidiana della vita collettiva. Guardare oggi quei complessi attraverso fotografie in mostra, trasformati dalla privatizzazione e da nuove esigenze abitative, significa chiedersi che cosa resti dell’idea di edilizia pubblica come infrastruttura sociale.

La mostra Padova, la città che cresce. Francesco Mansutti e Gino Miozzo

La retrospettiva Padova, la città che cresce Francesco Mansutti e Gino Miozzo offre una lettura della trasformazione urbana del secondo Novecento attraverso disegni, fotografie e materiali d’archivio. Promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo e dalla Fondazione Barbara Cappochin e curata dai professori Elena Svalduz e Stefano Zaggia (Università di Padova), si inserisce nel programma della Biennale di Architettura Barbara Cappochin. Ad affiancarla, lo scorso 5 giugno, è stato un convegno dedicato al social housing che ha approfondito i temi dell’abitare sociale, mentre installazioni diffuse in città hanno esteso il racconto nello spazio pubblico. Nel complesso si tratta di un percorso che decide di interrogare il presente: cosa significa oggi progettare città inclusive e quale ruolo può ancora avere l’architettura nella costruzione della comunità?

Chiara Clerici

Padova // fino al 31 luglio 2026
Padova, la città che cresce Francesco Mansutti e Gino Miozzo
PALAZZO DEL MONTE – Via Arco Valaresso
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