Da oltre trent’anni Melissa McGill (Rhode Island, 1969) esplora il rapporto tra acqua, paesaggio e comunità attraverso progetti espositivi e di arte pubblica. Tra questi AQUAE, la mostra visitabile alla galleria 10 & zero uno di Venezia fino al 20 giugno 2026, invita il pubblico a ripercorrere una ricerca che ha trovato proprio nella città lagunare uno dei suoi luoghi di elezione. Un percorso che si intreccia con Marea, il progetto partecipativo (recentemente concluso) nel sestiere di Castello e nato dal dialogo con i residenti di Corte Nova (e in collaborazione con la Galleria Mazzoleni).

Melissa McGill, l’artista che racconta e dà forma all’acqua

Artista interdisciplinare, attivista e “water storyteller“, Melissa McGill è conosciuta a livello internazionale per progetti site-specific che mettono al centro il dialogo tra acqua, territorio e comunità attraverso linguaggi che spaziano dalla pittura alla fotografia, dalla performance alle installazioni. Nel corso della sua carriera ha realizzato interventi in diversi contesti internazionali, ottenendo riconoscimenti come la residenza 2026 della Rockefeller Foundation presso il Bellagio Center e il National Endowment for the Arts ArtWorks Grant. Tra i suoi progetti più noti figurano Red Regatta, che nel 2019 trasformò la laguna veneziana in una grande installazione navigante, e A Lake Story, realizzato nel 2025 a Toronto con il coinvolgimento di centinaia di partecipanti.

La mostra “AQUAE” alla galleria 10 & zero uno di Venezia

La relazione tra Melissa McGill e Venezia è al centro di AQUAE, mostra ospitata negli spazi della galleria 10 & zero uno. Il titolo, che riprende il plurale latino di “acque”, suggerisce una riflessione sull’ elemento mobile e stratificato che viene maneggiato dall’artista e trasformato in soggetto attivo dell’opera (e nell’opera). Il percorso espositivo riunisce lavori che affrontano l’acqua da diversi punti di vista: tra questi spicca la serie Eridanus, realizzata intervenendo su mappe della Laguna di Venezia e del Delta del Po con pigmenti naturali e materiali organici, facendo emergere la vitalità del corso d’acqua e della sua potenzialità di guida per immergersi con consapevolezza nel presente. 
A questa si affiancano i Lagoon Watercolor Studies, acquerelli dipinti utilizzando direttamente l’acqua lagunare. In mostra è presente anche una fotografia di Red Regatta, il progetto che nel 2019 coinvolse oltre 250 veneziani in una grande azione collettiva sull’acqua e che ancora oggi rappresenta uno dei momenti più significativi della ricerca dell’artista.

1 / 6 Melissa McGill. AQUAE, 10 & zero uno, Venezia. Ph: Filippo Molena

2 / 6 RED REGATA (COPPA DEL PRESIDENTE DELLA REPUBBLICA , BACINO SAN MARCO), 2019, 10 & zero uno, Venezia. Ph: Filippo Molena

3 / 6 DELTA 1, 2024, 10 & zero uno, Venezia. Ph: Filippo Molena

4 / 6 OCEANIDS (LAGUNA DI VENEZIA), 2024, 10 & zero uno, Venezia. Ph: Filippo Molena

5 / 6 Melissa McGill. AQUAE, 10 & zero uno, Venezia. Ph: Filippo Molena

6 / 6 Melissa McGill, Marea. Ph: Marta Mancuso

L’arte partecipata che dà voce ai residenti

Realizzato tra aprile e maggio 2026 in Corte Nova, nel sestiere di Castello a Venezia, l’intervento ha coinvolto direttamente i residenti del quartiere utilizzando i tradizionali fili per il bucato della corte. Questi sono diventati supporti per grandi lenzuola dipinte che, mosse dal vento, evocavano le onde della laguna e le memorie della comunità.
 L’opera nasce con l’obiettivo di riflettere sul rapporto tra identità urbana, cambiamento climatico e pressione turistica, temi che incidono profondamente sul presente e sul futuro di Venezia.

Parola all’artista Melissa McGill

“Arrivare a Venezia a 22 anni dopo la laurea alla RISD mi ha trasformato. Questa città d’acqua possiede caratteristiche sensoriali così uniche: i suoi suoni, la luce e i riflessi hanno segnato profondamente la mia vita e la mia pratica artistica”, spiega ad Artribune l’artista Melissa McGill. “Anche se non ho una casa fisica qui, ne trovo una nella mia comunità di amici e collaboratori locali. Il ritmo con cui mi sposto tra Venezia e New York accentua ai miei occhi gli effetti impressionanti e devastanti del turismo di massa e l’impatto ambientale sulla popolazione locale. Marea celebra la resilienza di questa comunità nonostante queste intense pressioni globali”.

Valentina Muzi

Venezia // fino al 20 giugno 2026
Melissa McGill. AQUAE
GALLERIA 10 & ZERO UNO – Castello 1830, Via Garibaldi
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Se state cercando una newsletter dedicata all’arte del vestire e a tutte le pratiche creative ad essa legate, TAILOR fa al caso vostro. Nasce dall’idea che la moda debba essere letta come un dispositivo culturale che attraversa identità, memoria, politica e pratiche artistiche. Ogni due settimane raccoglie notizie, appuntamenti, libri appena usciti, mostre, opportunità e stimoli provenienti dai diversi settori della creatività e dai loro territori ibridi, approfondendo le storie più interessanti e inedite per comporre un quadro articolato della contemporaneità. Sempre nello stile di Artribune.

Il Focus di Tailor

Attraverso TexTiles, il progetto partecipativo di FASHIONCLASH a Maastricht, la moda diventa dispositivo di connessione sociale e riflessione sullo spazio pubblico europeo, a partire dal simbolico riferimento al Trattato di Maastricht e a Plein 1992. Il progetto sarà il punto di partenza per un approfondimento più ampio sulla piattaforma culturale olandese, che dal 2009 opera come ecosistema interdisciplinare tra moda, arte, performance e cinema. L’obiettivo è raccontare come FASHIONCLASH costruisca pratiche culturali basate su collaborazione, ricerca e processi condivisi. Il focus si estende verso la 18ª edizione del FASHIONCLASH Festival (novembre 2026), per anticiparne approccio curatoriale, formati e temi. Al centro del pezzo, la moda come strumento critico e sociale, capace di generare nuove narrazioni e forme di partecipazione culturale in Europa.

L’Ipse Dixit di Tailor

Poi, spazio alla moda di Andrea Alchieri, fashion designer milanese classe 1997 e fondatore del brand emergente Alchètipo. Dopo la formazione presso l’Istituto Marangoni e una serie di esperienze nel cuore dell’industria della moda, Alchieri decide di dare forma a un linguaggio personale che unisce sartorialità italiana, ricerca formale e una forte dimensione narrativa. In occasione della presentazione della collezione “A Ceremony Stitched to Break”, lo stilista racconta la nascita del brand, il suo approccio alla tradizione sartoriale e la visione futura del marchio.

Le anticipazioni sul nuovo numero di TAILOR

Dalle nuove mostre ai progetti speciali, dai designer emergenti alle campagne che dialogano con fotografia, cinema e ricerca curatoriale, TAILOR segue tutto ciò che accade lungo i confini — sempre più fluidi — tra discipline creative. Perché è proprio lì, nei punti di contatto tra i linguaggi, che oggi nascono le riflessioni più interessanti. Curato da Margherita Cuccia e Giulio Solfrizzi, TAILOR esce domenica 14 giugno 2026. L’iscrizione è gratuita e se non siete ancora abbonati potete farlo qui.

Giulio Solfrizzi

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È la Fondazione Aida che ha pensato e prodotto la mostra Fare scena, che a Villa Badoèr, a Fratta Polesine, rende omaggio a Paolino Libralato (Noale, 1958) uno dei più importanti scenografi realizzatori italiani, noto per aver collaborato con teatri e istituzioni di prestigio internazionale come la Scala di Milano, il New National Theatre di Tokyo e l’Opéra di Parigi; nonché i più grandi registi e scenografi al mondo come Bob Wilson, Beni Montresor o Jérôme Savary. Un tributo non solo all’artista ma anche all’arte della scenografia che, da sempre, riempie di meraviglia lo sguardo. Per approfondire abbiamo intervistato direttamente il Maestro che ci ha raccontato i segreti del suo lavoro…

Intervista al maestro scenografo realizzatore Paolino Libralato

Cos’è per Lei una scenografia?
La scenografia avvolge arte e tecnica. Ci vuole la maestria ma anche lo spirito che superi l’artigianalità. La scenografia sembra riproporre un antico dialogo tra arte e artigianato. Se lo spirito non collabora con le mani non è arte. La scenografia è un’idea di un altro e per lavorare con le idee altrui ci vuole l’anima altrimenti si è superati da una qualsiasi macchina. Senza lo spirito sarei un mero riproduttore di qualcosa che dovrei solo ingrandire.

Non è facile interpretare il bozzetto dello scenografo, tradurre su scala e con materiali diversi l’idea…
Realizzo questo mestiere relazionandomi con altre persone, che vorrei conoscere fisicamente, vorrei sapere la loro storia, la loro poetica, per dare significato profondo al progetto. La persona mi affida un sogno e io lo devo partorire. Questo lo posso realizzare con il bagaglio che mi sono costruito negli anni facendo questo mestiere. Ma il percorso può avere degli ostacoli e quelli li superi con l’ingegno. Sia che non si rispetti il bozzetto, o se lo si copi fedelmente, il gesto si accompagna all’anima, con quel “muscolo” che partorisce una pennellata viva, che porta vivezza al progetto.

Alla fine dello spettacolo non rimane nulla, spesso le scenografie vanno al macero, tanta fatica per…?
La scenografia è un giocattolo. Quando inizio so già che tutto finirà. Nel fare il gesto so già la fine. So che quella è la vita del gesto, nasce e muore quello che facciamo. Un happening tremendo. Sappiamo già che morirà. Fra due mesi o fra vent’anni. Non mi turba.

Canaletto è una sua fonte di ispirazione. In questo e in altri casi, copiare non è un esercizio meccanico…
Nel copiare ti abbandoni a un tempo che non è più il tuo. Quando hai finito hai bisogno di altre informazioni. Senti chenel copiare trai nutrimento e cerchi altre notizie. Per esempio, mentre copio Mantegna immagino e vorrei sapere come era quando dipingeva, come era vestito. Entri nellatrama del colore. Copiare per me è acquisire informazioni altre, contestuali. Copiare è un percorso che gli allievi dovrebbero fare. A scuola ti dicono che non va bene. Ma io sentivo che, copiando, imparavo qualcosa. La tecnica è l’alfabeto dell’arte. Io cercavo di copiare per avere più alfabeto di ciò che a scuola mi davano. La copia ti permette di calarti dentro nell’intimo di chi l’ha fatta e scopri tecniche movimenti del tuo polso. È una palestra. Dei maestri che copio mi rimangono alcuni ritmi, alcune scelte. Per esempio, se devo fare le nuvole penso a Canaletto e ai suoi nimbi, creste burrose. Quando le faccio sulla scena uso quelle forme, anche furbescamente.

E il dettaglio?
Copiare vuol dire saper guardare, andare con gli occhi sotto la pellicola del colore. Il dettaglio soprattutto. Non si è orefici ma voglio che ci sia il dettaglio. Il dettaglio di una sfumatura di colore. Ce ne vogliono cinque o sei di blu per fare un blu. Per fare un grigio. La poesia è questo. La tecnologia ci sta togliendo il tempo del pensiero. La macchina ti toglie il tempo per fare il gesto.

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Der Sandmann, Düsseldorfer Schauspielhaus, Bob Wilson, 2017

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Le fate (Die Feen), Teatro Lirico Cagliari, scenografia di Beni Montresor, 1998

Mi è capitato di ascoltarla parlare agli studenti. Lei non solo ha una vastissima conoscenza della storia dell’arte ma anche delle tecniche che l’hanno realizzata nei secoli. Come a dire che la pittura fiamminga non sarebbe tale senza i pennelli che usavano.
Più sottile è il pennello, più sottile è il pensiero profondo in cui vai a scavare. Col pennello possiamo raccontare cose diverse, ma fino a un certo punto; la tecnologia invece è infinita, ma non ci ha dato il tempo di usarla piano, piano.

Spesso le capita di ricevere bozzetti fatti dal PC, privi di espressività o peggio, di idee. Che si fa in quei casi?
Il committente mi dà da vivere. Cerco quindi sempre di trovare un compromesso. Una volta i bozzetti erano amati, coccolati, erano sostanzialmente dei quadri, delle stratificazioni di pensieri, anche se il gesto era asciutto, dietro c’era una storia. Ultimamente arrivano bozzetti che, non fatti a mano, risultano di una pochezza allarmante. Sono rendering che mettono assieme la melanzana col miele. Lì si deve risistemare tutta la baracca. Si fa intanto capire che bisogna migliorare l’idea. Se mi si dà la possibilità di dialogare. Se ci sono progetti anemici si tenta di puntellarli e di animarli e di nutrirli. Il progetto fatto non a mano non va bene per noi.

Ci racconti l’esperienza con Bob Wilson.
Mi ha presentato l’ultimo bozzetto al Teatro La Pergola, una parodia su Pessoa: ha scaricato da internet un quadro di un artista contemporaneo, ha ripulito gli elementi che fluttuavano su uno sfondo cielo-mare, lo ha contornato di un nero profondo e, lungo quel margine, il nero dialogava con il cielo-mare, lasciando emergere la materia. Non c’era nulla, solo essenzialità, ma sostenuta da una conoscenza profonda di ciò che voleva. I rendering, invece, non hanno nulla: offrono soltanto appagamento visivo.

Preferisce realizzare paesaggi o architetture?
Quello che faccio più volentieri è la frasca, il paesaggio. Trovo molto gusto nel fare gli alberi, cortecce contorte. Mi ricordo quando andavo all’Accademia a copiare gli alberi, “creme” espressioniste, amenità di paesaggi lontanissimi. In architettura mi piacciono le ombre proprie e portate.

Cosa ne pensa delle scenografie fatte con proiezioni, qual è il coefficiente di contemporaneità di una scenografia fatta col pennello?
Compio un’azione: posso riprodurre un Canaletto, scenografo anche lui, che verrà poi utilizzato con la tecnologia moderna. Va bene, purché si agisca con coscienza e animo gentile, senza prevaricare. Se vogliamo servirci dell’antico e della tradizione, ben venga: entrambe si sostengono e generano nuove visioni. Indietro non si torna. Se poi il Canaletto dipinto da me dovesse muoversi, spezzarsi o ricomporsi, va bene; ma chi opera in questo modo deve possedere una cultura visiva o una solida gavetta. La tecnologia non ci ha lasciato il tempo di creare un galateo per il suo utilizzo. Il mondo della scenografia è vero, ma al tempo stesso finto: siamo architetti “finti”, non costruiamo nulla. Eppure, in questo gioco, possiamo dare forma all’unione di spazio e tempo.

La mostra del 12 giugno in fondo ripropone il tema dello stupore barocco…
Il gesto deve aprire le porte alle palpebre del pubblico pagante. Stimolare perché così la gente possa andare a casa carica di qualcosa da raccontare e dire: “devi andarlo a vedere!”.

Simone Azzoni

Fratta Polesine (Ro) // fino al 16 agosto 2026
Fare scena. Paolino Libralato
FONDAZIONE AIDA DI VILLA BADOÈR – Via Giovanni Tasso
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Dedicato alla valorizzazione e alla diffusione della fotografia, il Fondo Malerba per la Fotografia prende forma nel 2004 con l’obiettivo di sostenere le nuove generazioni e favorire lo sviluppo di nuovi progetti. Un impegno che trova concretezza in mostre, workshop, grant e premi, come il Premio Mila, nato nel 2014 in memoria di Mila Malerba, cofondatrice del Fondo.

Ad aggiudicarsi la quinta edizione del riconoscimento dedicato alla fotografia contemporanea è l’artista Umberto Santoro (Palermo, 1995) con L’Ora o della Verità, opera selezionata dalla giuria composta da Caterina Angelucci, Matteo Balduzzi, Marta Cereda, Bernardo Follini, Francesca Lazzarini e Andrea Elia Zanini. Oltre a entrare a far parte della Collezione Malerba, il progetto vincitore è protagonista della mostra Premio Mila per la Fotografia Contemporanea 2026 insieme ai lavori finalisti di Edoardo Bonacina, Virginia Morini, Eva Rivas Bao e Leonardo Taddei, ospitata negli spazi di Careof, in Via Giulio Cesare Procaccini 4 a Milano e visitabile fino al 27 giugno.

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FONDO MALERBA 2026 ©Ermes Storer

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FONDO MALERBA 2026 ©Ermes Storer

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FONDO MALERBA 2026 ©Ermes Storer

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FONDO MALERBA 2026 ©Ermes Storer

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FONDO MALERBA 2026 ©Ermes Storer

Umberto Santoro vince il Premio Mila per la Fotografia Contemporanea 2026

Con L’Ora o della Verità, Umberto Santoro sviluppa una ricerca fotografica ed editoriale a partire dall’archivio dello storico quotidiano palermitano L’Ora, ponendolo come strumento di memoria collettiva. Attraverso sequenze, montaggi e regole editoriali, il progetto esplora il concetto di verità come processo politico e narrativo, mettendo in luce il ruolo di omissioni, scelte e gerarchie redazionali dello sguardo nella produzione del racconto storico. Radicata nel contesto siciliano e nelle tensioni del Novecento italiano, la ricerca pone il focus sul confine tra testimonianza e costruzione della realtà, rileggendo in chiave contemporanea l’archivio.

Umberto Santoro e l’archivio fotografico come strumento critico di produzione della memoria

“Per la capacità di interrogare l’archivio fotografico come organismo vivo e campo di forze, sottraendolo alla logica del deposito neutro per farne uno strumento critico di produzione della memoria”, spiegano ad Artribune i membri della giuria del Premio Mila.
Una scelta maturata anche per il modo in cui il progetto affronta “il tema della verità non come contenuto da ritrovare, ma come gesto politico e sociale, restituendo, a partire dall’archivio de ‘L’Ora’ di Palermo, la complessità di un Novecento italiano segnato da mafia, violenza, opacità istituzionale e narrazioni contese, e riaprendo nel presente le condizioni di ciò che può essere detto e visto”.

Tutti i finalisti del Premio Mila per la Fotografia Contemporanea 2026

Ciò che accomuna i finalisti dell’edizione 2026 del Premio Mila è la capacità di mostrare come la ricerca artistica contemporanea possa fungere da dispositivo critico per far emergere ciò che tende a rimanere nascosto, tanto sul piano mediatico e socio-politico quanto su quello privato. Un fil rouge che attraversa Cianfrusaglie di Edoardo Bonacina, progetto che esplora la vita materiale degli oggetti di consumo seguendone il percorso dalla produzione allo scarto e rivelando le logiche e i desideri, spesso indotti, che governano la quotidianità.
Si passa poi a Virginia Morini e al suoCan you keep a secret, che affronta il tema dell’incesto e dell’abuso sessuale sui minori attraverso una pratica che intreccia autobiografia, testimonianza e ricostruzione visiva. Eva Rivas Bao, invece, con Una storia italiana rilegge la vicenda di Imane Fadil e il processo Ruby come punto di osservazione privilegiato sulle relazioni tra immagine, potere e memoria pubblica. Infine, con Lekhallen, Leonardo Taddei indaga il gioco come pratica sociale e strumento di ridefinizione dello spazio, trasformando una sala comune in un laboratorio performativo aperto alla partecipazione della comunità.

Valentina Muzi

Premio Mila per la Fotografia Contemporanea
Careof – Via Giulio Cesare Procaccini 4, Milano
Dall’11 al 27 giugno 2026

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Tiziana Lippiello è sinologa, rettrice dal 2020 dell’Università Ca’ Foscari di Venezia e dal 2023 presidente di Eutopia European University. Da osservatrice privilegiata nel cuore di una città che è simbolo mondiale della bellezza ma anche dell’overtourism, può offrire una riflessione lucida sul futuro del turismo culturale.
Condividendo non solo un’analisi teorica, ma lo sguardo di chi dirige un’istituzione che, con corsi come EGArt o Hospitality Innovation, sta formando la nuova generazione di “manager della consapevolezza”, chiamati agestire il patrimonio senza svenderlo. L’abbiamo intervistata.

Perché il turismo consuma ciò che dovrebbe valorizzare?

“Oggi il turismo culturale in Italia vive un profondo paradosso: la cultura è il nostro principale motore d’attrazione, ma rischiamo di consumare ciò che dovremmo valorizzare. Il primo nodo è la forte concentrazione dei flussi. Milioni di persone si accalcano negli stessi monumenti iconici delle grandi città d’arte, generando congestione e conflitti con i residenti. C’è poi una grande superficialità: un turismo “mordi e fuggi” legato alla logica della cartolina, che riduce la cultura a mero scenario perdendo il legame con la comunità”. Il quadro generale tracciato da Lippiello è quello che in Italia abbiamo imparato a conoscere bene (e a temere) negli ultimi anni. “Inoltre, soffriamo per lo squilibrio tra grandi mete e territori minori, e per una tendenza a musealizzare solo il patrimonio materiale, scordando le tradizioni vive e le comunità che mantengono vivi questi luoghi”, aggiunge la rettrice.

Il modello Venezia. Da problema a laboratorio

In questo scenario, Venezia potrebbe diventare un modello apripista di un nuovo modo di viaggiare: “Venezia è il simbolo planetario dell’overtourism, ma proprio per questo può trasformarsi nel laboratorio ideale per un modello alternativo. Non è solo una questione di numeri, ma di governance. Per andare oltre l’immagine stereotipata dobbiamo diversificare l’offerta, promuovendo i sestieri periferici, la Laguna e l’artigianato attraverso esperienze lente e dedicate a visitatori motivati. Dobbiamo anche incentivare i repeaters, cioè chi torna più volte e si ferma più a lungo. Strumenti come la prenotazione non vanno visti come limiti, ma come un valore aggiunto per gestire flussi e mobilità, usando magari la rendita turistica per migliorare le infrastrutture e la vita di cittadini e pendolari”.

Il ruolo di Ca’ Foscari per il futuro del turismo

Si tratta di un cambiamento profondo che richiede nuove competenze. Un tema sul quale Ca’ Foscari sta investendo da anni attraverso percorsi dedicati. “Il turismo del futuro richiede competenze totalmente nuove, ed è qui che si inserisce il valore aggiunto dei nostri laureati. Con il percorso EGArt formiamo professionisti che integrano cultura e management, capaci di creare modelli gestionali territoriali autentici e non standardizzati. La magistrale internazionale ToMaS prepara invece manager capaci di leggere il turismo come un ecosistema complesso, affrontando overtourism e pianificazione della governance. Abbiamo poi il Master in Tourism Innovation, fortemente connesso al mondo aziendale per un approccio operativo alla qualità dell’esperienza, e il corso in Hospitality Innovation and eTourism, incentrato sul digitale e sulle nuove tecnologie. Vogliamo continuare a potenziare questa offerta puntando su IA e sostenibilità”. Uno sguardo al contesto internazionale aiuta a tracciare la rotta, anche se la via da seguire deve rimanere propria. “Non credo esista un modello univoco straniero da copiare ciecamente, perché il patrimonio italiano, così diffuso e stratificato, è unico al mondo. Tuttavia, guardiamo con molta attenzione ad alcune buone pratiche. Amsterdam e Barcellona offrono spunti preziosi sulla regolazione degli affitti brevi, la redistribuzione dei flussi nei quartieri e gli investimenti in trasporti efficienti per tutelare i residenti. Bilbao ci insegna come la cultura possa trainare una rigenerazione urbana complessiva, mentre Kyoto è un ottimo esempio di valorizzazione del patrimonio immateriale e promozione di un turismo lento. L’obiettivo finale resta comunque quello di creare una via italiana originale che sappia coniugare l’innovazione tecnologica con l’autenticità dei territori”.

Luisa Taliento

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Negli ultimi mesi il mondo dell’arte non ha smesso di interrogarsi sul proprio futuro. Le notizie riguardano spesso il rallentamento del mercato, ma anche la crescente pressione sulle istituzioni culturali, le difficoltà di molte gallerie (anche grandi o grandissime), la sostenibilità delle professioni artistiche e la capacità stessa del settore di continuare ad attrarre e trattenere talenti.

Eppure, accanto a queste narrazioni, esistono anche fenomeni che sembrano raccontare una storia diversa. È il caso dello Zurich Art Weekend (ZAW) appuntamento che negli ultimi anni ha continuato a crescere, coinvolgendo un numero sempre maggiore di partner, sedi e pubblici. Naturalmente non si tratta dell’unico format europeo ad aver trovato una propria dimensione. Il calendario internazionale è ormai ricco di art week e gallery weekend di successo. Ciò che rende interessante il caso zurighese è forse un altro aspetto.

Il successo dello Zurich Art Weekend

Come osserva Charlotte von Stotzingen, direttrice dello ZAW, negli anni il progetto si è progressivamente allargato ben oltre il programma espositivo, costruendo occasioni per entrare in contatto con l’arte contemporanea attraverso chi la produce, la cura, la colleziona o la studia. Accanto alle mostre, infatti, il programma comprende oggi performance, artist dinner, visite guidate, talks e incontri rivolti a pubblici e livelli di conoscenza molto diversi. Non solo attraverso le opere, ma anche attraverso le persone che ne costruiscono quotidianamente il contesto.Zurigo come città aperta all’arteNaturalmente, anche la fisionomia di Zurigo fa la sua parte. In pochi chilometri si concentra una straordinaria densità di “venues”, ovvero di istituzioni museali e accademiche, gallerie, off-space e collezioni private. Gran parte del programma è facilmente raggiungibile a piedi o grazie a una rete di trasporti pubblici incredibilmente comodi e efficienti.

Una caratteristica sottolineata anche da Jacqueline Uhlmann, Head of Communications di Löwenbräukunst, secondo la quale in questo weekend viene resa particolarmente visibile la forza di una scena artistica fortemente interconnessa, mettendo in relazione attori locali e internazionali. In una città di dimensioni relativamente contenute, tutto sembra così essere a portata di mano. Si può uscire da una mostra, assistere a un talk, fermarsi per un tuffo nel lago e ritrovarsi poche ore dopo a un cocktail party con artisti, curatori e collezionisti. Una dimensione informale che contribuisce a rendere possibili incontri e conversazioni che altrove richiederebbero molto più tempo e pianificazione.

Zurich Art Weekend: spazio alla sperimentazione

Un altro elemento che colpisce osservando la scena artistica zurighese è la vitalità del suo tessuto indipendente. Accanto alle realtà più consolidate convivono numerosi off-space e iniziative temporanee che contribuiscono a rinnovare costantemente il panorama cittadino. Si tratta spesso di realtà effimere, gestite con risorse limitate e destinate talvolta a trasformarsi o a scomparire nel giro di pochi anni. Eppure rappresentano una componente fondamentale della scena locale. Spazi come Chamberlin, FOMO Art Space, Kulturfolger o la storica Stiftung BINZ39 testimoniano approcci e modelli molto diversi tra loro, ma condividono la capacità di offrire visibilità ad artisti emergenti e sperimentazioni. Anche grazie al sostegno di enti come Pro Helvetia o l’università delle arti ZHdK questo tessuto indipendente continua a rappresentare una delle caratteristiche più interessanti della scena artistica svizzera contemporanea.

Ed è proprio da questa prospettiva, che Petra Tomljanovic di Kulturfolger legge il valore dell’iniziativa: “Sarebbe ingenuo fingere che tutti entrino nello Zurich Art Weekend sullo stesso piano. Il valore dell’evento non sta nel creare uguaglianza. Sta nel creare prossimità“. Per alcuni giorni, realtà che normalmente operano in mondi diversi finiscono infatti per condividere la stessa mappa. Un visitatore arrivato in città come cliente di una grande galleria può imbattersi in un project space indipendente; allo stesso modo, chi segue la scena emergente può scoprire una collezione privata o un evento che non avrebbe visitato altrimenti.

Zurigo, una città in movimento

Negli anni il weekend ha progressivamente ampliato la propria rete di collaborazioni, coinvolgendo non soltanto musei, gallerie e collezioni, ma una rete sempre più ampia di partner culturali distribuiti in tutta la città. A questa rete si aggiunge quest’anno anche il Landesmuseum Zürich e la Tonhalle Zürich, mentre prosegue la collaborazione con lo Schauspielhaus Zürich. Un segnale di come il weekend continui a intrecciarsi sempre più con la vita culturale della città.

Tra i tanti appuntamenti in programma, i talk ospitati allo Schwarzescafé presso il Löwenbräukunst incarnano bene questo principio di scambio e arricchimento reciproco. Tra gli incontri figurano Art in the Periphery, dedicato al ruolo dell’arte nelle regioni periferiche della Svizzera, On Gifting, Mutual Obligation and Economies of Circulation, organizzato dal Swiss Institute di New York, e Whose Contemporary? India from Heritage to the Global Arts, promosso da Swiss Indian Art Collaborative, solo per citarne alcuni.Anche la tradizionale curated dinner dello Zurich Art Weekend, ospitato dal Kunsthaus Zürich, riflette questa volontà di ampliare i punti di accesso all’arte contemporanea. Affidato ogni anno a una figura diversa, il format ha visto negli ultimi anni interventi di artiste come Monster Chetwynd e Alexandra Bachzetsis. L’edizione 2026 sarà invece curata dall’artista e coreografo Josh Johnson.

Zurich Art Weekend: focus gallerie

Tra le iniziative collaterali spicca il Gallery House, alla sua seconda edizione. Ospitato negli ex uffici della rivista Parkett sulla Quellenstrasse, il progetto riunisce sotto lo stesso tetto gallerie, editori e realtà indipendenti. “Zurigo non ha mai avuto una vera fiera d’arte”, osserva Lorenzo Bernet, che vede in Gallery House una risposta alla crescente frammentazione dell’offerta culturale durante il weekend. L’obiettivo è offrire ai visitatori la possibilità di incontrare in un unico luogo una pluralità di gallerie e proposte artistiche, mantenendo al centro il lavoro delle gallerie e degli artisti emergenti.

Ma il weekend è animato anche dalle numerose inaugurazioni che costellano la città. Sulla Rämistrasse, da tempo uno degli indirizzi più importanti della scena artistica svizzera, accanto a gallerie come Mai 36, Galerie Peter Kilchmann, Galerie Urs Meile, hanno recentemente anche aperto Fabienne Levy Gallery e Lea Bischofberger Gallery. Per Lea Bischofberger, entrata da poco nel progetto, uno degli aspetti più interessanti dello Zurich Art Weekend è la sua capacità di portare l’attenzione su realtà che spesso rimangono ai margini dei grandi circuiti internazionali. Gallerie emergenti, istituzioni di dimensioni più contenute e iniziative indipendenti condividono lo stesso palcoscenico, creando occasioni di incontro e scoperta che difficilmente troverebbero spazio all’interno di una fiera. È proprio questa convivenza tra realtà affermate e nuove voci a contribuire alla vitalità dell’ecosistema artistico cittadino.

La capacità di attrarre nuove realtà si accompagna inoltre a una crescente proiezione internazionale. Ne è un esempio il Zurich Art Forum, che riunisce a Zurigo artisti, curatori, direttori di museo e collezionisti provenienti da diversi contesti geografici e professionali, consolidando il ruolo della città come punto di incontro per il dibattito culturale contemporaneo.

Il successo dello Zurich Art Weekend

Forse è anche per questo che il caso zurighese merita attenzione. In una fase in cui il dibattito sul sistema dell’arte tende spesso a concentrarsi su indicatori economici e risultati di mercato, il weekend ricorda che un ecosistema culturale si misura anche attraverso la qualità delle relazioni che riesce a generare e la varietà di soggetti che riesce a coinvolgere. Alle soglie di Art Basel, Zurigo offre così un punto di osservazione privilegiato non soltanto sul mercato, ma sulle condizioni che permettono a una scena artistica di rinnovarsi e continuare a produrre nuove sinergie.

Caroline Rungger

Zurich Art Weekend
12-14 giugno
sedi varie, Zurigo
https://zurichartweekend.com/

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C’è il cinema che celebra i grandi classici e quello che continua a sperimentare nuovi linguaggi. C’è l’animazione che dialoga con la letteratura e il racconto visionario di un autore come Maurizio Nichetti. Dal 13 al 20 giugno la 62esima Mostra Internazionale del Nuovo Cinema trasforma Pesaro in un laboratorio a cielo aperto, confermando la sua vocazione a mettere in dialogo passato e futuro, maestri affermati e percorsi meno battuti.

Il manifesto e la sigla della 62esima edizione sono firmati dal maestro dell’animazione Roberto Catani, che nel suo progetto artistico dedicato alla Mostra costruisce un vero e proprio viaggio dentro l’immaginario del cinema attraverso sequenze ispirate a capolavori come Il dottor Živago, Ladri di biciclette, Una giornata particolare e La dolce vita.

Il quarantesimo anniversario de Il nome della rosa di Annaud

Il primo appuntamento da segnare in agenda è quello che inaugura il festival. Sabato 13 giugno Piazza del Popolo si trasforma ancora una volta nella sala cinematografica più suggestiva della città con la proiezione de Il nome della rosa di Jean-Jacques Annaud, proposto nel quarantesimo anniversario della sua uscita. Un omaggio a un titolo che ha attraversato generazioni, tratto dal romanzo di Umberto Eco e diventato un classico dell’immaginario europeo. A rendere speciale la serata sarà la presenza dell’attrice Antonia Fotaras, in veste di madrina, che ha interpretato la serie televisiva omonima e ispirata al celebre romanzo al fianco di John Turturro, Rupert Everett e Damian Hardung.

Una serata interamente dedicata a Pinocchio e Carlo Collodi

Se il Cinema in Piazza rappresenta il cuore popolare della Mostra, domenica 14 giugno sarà il momento di uno degli eventi più trasversali del programma. Il Pesaro Film Festival Circus dedica infatti un’intera serata a Pinocchio e al suo autore Carlo Collodi, nell’anno del bicentenario della nascita. Un viaggio tra diverse interpretazioni del burattino più famoso del mondo, attraverso i cortometraggi di Gianluigi Toccafondo e Roberto Catani e il lungometraggio di Enzo D’Alò, impreziosito dalle illustrazioni di Lorenzo Mattotti e dalle musiche di Lucio Dalla. Un appuntamento pensato per coinvolgere adulti e bambini, confermando la capacità del festival di parlare a pubblici differenti.

L’omaggio al grande Maurizio Nichetti

Tra gli eventi più attesi spicca poi l’omaggio a Maurizio Nichetti, protagonista dell’Evento Speciale dedicato al cinema italiano. Regista, sceneggiatore e autore capace di costruire un linguaggio unico, sospeso tra comicità, invenzione e sperimentazione, Nichetti sarà al centro di una retrospettiva che ripercorrerà tutta la sua carriera, da Ratataplan ad Amiche Mai, passando per titoli diventati cult come Ho fatto splash, Ladri di saponette e Volere volare. Ad accompagnare le proiezioni ci saranno una monografia dedicata al suo lavoro e una tavola rotonda conclusiva, mentre il regista incontrerà il pubblico nel weekend finale del festival.

Spazio al cinema di ricerca, i focus su Vom Gröller e Raban

La Mostra conferma però anche la sua storica attenzione verso il cinema di ricerca con due ampi focus internazionali ospitati nella Sala Pasolini del Teatro Sperimentale dal 16 al 20 giugno. Da una parte l’austriaca Friedl Kubelka Vom Gröller, che nei suoi film in 16 millimetri, spesso muti e in bianco e nero, trasforma l’osservazione del quotidiano in un’esperienza di rara intensità. Dall’altra il britannico William Raban, tra i protagonisti dell’avanguardia inglese, che intreccia memoria, paesaggio urbano e immagini d’archivio in una riflessione sul tempo e sulla storia. Due percorsi che raccontano una delle anime più autentiche della Mostra di Pesaro, da sempre attenta alle forme più innovative del linguaggio cinematografico.

A fare da cornice a tutto il programma sarà il Cinema in Piazza, vero simbolo del festival e della città, con proiezioni serali, incontri e ospiti che accompagneranno il pubblico per tutta la settimana. Anche quest’anno la Mostra Internazionale del Nuovo Cinema conferma così la sua identità: un festival che non si limita a mostrare film, ma costruisce occasioni di scoperta, confronto e partecipazione, trasformando Pesaro in un luogo dove il cinema continua a interrogare il presente senza dimenticare la propria storia.

Margherita Bordino

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Salari dignitosi e applicazione dei contratti collettivi, superamento dei contratti impropri, delle false Partite Iva e del volontarismo, stop ai tagli dei finanziamenti, agli investimenti bellici e all’artwashing e via alle assunzioni nel Ministero della Cultura, investendo su salute e sicurezza sul lavoro oltre ogni discriminazione. È un cambiamento radicale del modo di pensare il lavoro in campo culturale quello che diverse delle maggiori sigle sindacali italiane insieme a collettivi, associazioni, lavoratori e lavoratrici del settore chiedono a gran voce con lo sciopero nazionale del 12 giugno. Lo stato di agitazione, il più massiccio in campo culturale nella storia italiana e il primo così strutturato in 50 anni, coinvolge personale di musei, biblioteche, archivi e teatri, sia assunti sia in appalto, così come lavoratori e lavoratrici autonome in tutti gli ambiti di produzione artistica e culturale.

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Sciopero a Bologna. Foto Mi Riconosci

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Sciopero a Roma. Foto Mi Riconosci

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Sciopero a Torino. Foto Mi Riconosci

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Sciopero a Firenze. Foto Mi Riconosci

Uno sciopero storico per la cultura

L’ultimo grande sciopero degli istituti culturali, ricordano i promotori, risale agli Anni Settanta: è quello nel ’79 che portò alla nascita del Ministero per i Beni Culturali, oggi Ministero della Cultura. Da allora è diventato progressivamente più difficile, anche per il decreto del 2015 che ha limitato il diritto di sciopero dei lavoratori del settore (inseriti nei “servizi essenziali”): oggi, però, si torna in piazza per chiedere di “smettere di parlare di bellezza, orgoglio, eccellenze culturali: non c’è eccellenza se i lavoratori faticano ad arrivare alla fine del mese o sono costretti a cambiare settore per mangiare”, dice Giada Lattanzio, storica dell’arte e attivista di Mi Riconosci?, l’associazione che proprio nel 2015 iniziava una battaglia prima di tutto di riconoscimento e consapevolezza, e poi di riappropriazione di spazi e attenzione.

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Azione di Mi Riconosci a Napoli. Foto Mi Riconosci

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Azione di Mi Riconosci a Napoli. Foto Mi Riconosci

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Azione di Mi Riconosci a Napoli. Foto Mi Riconosci

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Azione di Mi Riconosci a Napoli. Foto Mi Riconosci

Una battaglia lunga dieci anni e più per focalizzare le istanze del mondo culturale italiano

“Il settore è così frammentato che è importante lavorare su e a partire da territori e singole vertenze: questo ci ha consentito di far dialogare diversi sindacati. A questo sciopero siamo arrivati con un anno e mezzo di lavori“, spiega ad ArtibuneRosanna Carrieri, storia dell’arte e attivista dell’associazione Mi Riconosci? Il risultato è una mobilitazione senza precedenti, in grado di abbracciare istanze storiche – la precarietà, il mancato rispetto del contratto Federculture in troppi luoghi di lavoro, l’assenza di garanzie – a richieste più recenti e di urgenza crescente: “Dopo lo sciopero dell’8 maggio alla Biennale è più facile parlare di artwashing e di investimenti bellici nascosti dietro il mondo dei beni culturali: è entrato nel dibattito pubblico”.

Sulla scia di una prima manifestazione culturale nel 2018, e al peggiorare progressivo delle condizioni dei lavoratori e delle lavoratrici della cultura, nella giornata di agitazione numerosi presidi in tutta Italia stanno portando la problematica in tutte le piazze italiane, dimostrando la capillarità del problema e la volontà di reazione di lavoratrici e lavoratori. Che hanno incrociato le braccia (laddove non precettati) da Firenze a Napoli, da Roma a Milano, da Bari a Venezia, da Torino a Palermo: diversi musei, siti archeologici e biblioteche sono infatti chiusi per sciopero, inclusi dieci padiglioni della Biennale Arte di Venezia, un intero piano agli Uffizi, il Museo Nazionale dell’Emigrazione Italiana di Genova e l’Archivio di Stato di Bologna.

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La nuova direzione del lavoro culturale secondo i manifestanti

“Il nostro desiderio è quello di contestualizzare le singole questioni in un sistema culturale nazionale, una messa a sistema dei regolamenti con l’introduzione di un salario minimo, un contratto collettivo di riferimento che sia rispettato, le reinternalizzazioni dei servizi esternalizzati. Deve esserci la disponibilità a essere ascoltati, però”, spiega Carrieri. “Con l’opinione pubblica abbiamo fatto molti passi avanti: il messaggio che la cultura non si prende cura di sé da sola, ma che c’è’ un sistema di lavoratrici e lavoratori sottopagati che consentono l’apertura, la pulizia, la tutela e la valorizzazione dei beni culturali è qualcosa che negli ultimi anni ha cominciato a circolare. Il passo successivo è il riconoscimento istituzionale: ecco perché scioperiamo”.

Giulia Giaume

L’articolo "Il primo mega sciopero del settore cultura italiano. Sindacati, lavoratori e associazioni uniti per cambiare il lavoro culturale: ecco le richieste" è apparso per la prima volta su Artribune®.

Con la scomparsa di David Hockney si chiude uno dei capitoli più significativi dell’arte contemporanea internazionale. Morto all’età di 88 anni (a poche settimane dal suo ottantanovesimo compleanno), l’artista britannico lascia un’eredità che attraversa oltre settant’anni di ricerca, innovazione e libertà espressiva. Dalle iconiche piscine californiane ai paesaggi dello Yorkshire e della Normandia, fino alle sperimentazioni digitali realizzate con iPad e tablet, Hockney ha saputo reinventarsi costantemente, mantenendo intatta la curiosità nei confronti del mondo e delle infinite possibilità della sua rappresentazione.

David Hockney: la storia

Nato nel 1937 a Bradford, nello Yorkshire, David Hockney si formò al Bradford College of Art e successivamente al Royal College of Art di Londra, dove entrò in contatto con una generazione di giovani artisti destinata a cambiare il volto dell’arte britannica. Pur venendo spesso associato alla Pop Art insieme a figure come Peter Blake, il suo lavoro si distinse fin dagli esordi per una forte componente narrativa e autobiografica. Negli Anni Sessanta si trasferì a Los Angeles, città che avrebbe segnato profondamente il suo immaginario e la sua produzione artistica.

David Hocnkey e i record d’asta per le celebri vedute di piscine

Fu proprio in California che nacquero le celebri vedute di piscine e ville immerse nella luce abbagliante della West Coast, immagini diventate simbolo della sua opera e della cultura visiva del secondo Novecento. Tra i maggiori interpreti della pittura figurativa in un’epoca dominata dall’astrazione, Hockney sviluppò una ricerca personale sul colore, sulla prospettiva e sulla rappresentazione dello spazio, dando vita a opere entrate stabilmente nella storia dell’arte contemporanea. Nel 2018 il dipintoPortrait of an Artist (Pool with Two Figures) fu battuto all’asta per oltre 90 milioni di dollari, confermando il suo status di artista vivente tra i più apprezzati e ricercati al mondo.

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David Hockney, A Year in Normandie, 2020-2021. Dettaglio. © David Hockney

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David Hockney 25, exhibition view at Fondation Louis Vuitton, Parigi

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David Hockney 25, exhibition view at Fondation Louis Vuitton, Parigi

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David Hockney, Still Life on a Glass Table (1971). Courtesy Christie’s Images Ltd.

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David Hockney, More Woldgate Timber, October 13th 2009. Courtesy Christie’s Images Ltd.

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David Hockney, L’Arbois, Sainte-Maxime (1968). Courtesy of Sotheby’s

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Vedere oltre. Un ritratto di David Hockney (Arka Edizioni, 2024)

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David Hockney
Woman With A Sewing Machine, 1954
Estimate: £10,000 – 15,000

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David Hockney’s, Dog Painting 41, 1995, dettaglio.

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David Hockney
The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire in 2011 (twenty eleven), 2 January, 2011
Estimate: £80,000 – 120,000

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Harry Styles, 31 maggio 2022 di David Hockney. Acrilico su tela. 1219,2 x 914,4 mm © David Hockney. Foto: Jonathan Wilkinson, Collezione dell’artista

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Celia, Carennac, August 1971 di David Hockney, matita colorata su carta , © David Hockney, Photo Credit: Richard Schmidt, Collection The David Hockney Foundation

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David Hockney, Dog Painting 19, 1995 © David Hockney. Photo Richard Schmidt Collection The David Hockney Foundation

L’eredità di David Hockney tra pittura e tecnologia

Nel corso della sua lunga carriera l’artista ha attraversato linguaggi e discipline diverse, dalla scenografia teatrale e operistica alla fotografia, dalla stampa alle tecnologie digitali. La sua profonda fascinazione per la prospettiva e per i meccanismi della visione lo portò a sperimentare costantemente nuovi strumenti. I celebri collage fotografici degli Anni Ottanta, costruiti attraverso una molteplicità di punti di vista, misero in discussione i limiti della fotografia tradizionale, mentre l’utilizzo di fax, computer e iPad rappresentò il naturale sviluppo di una ricerca sempre orientata a comprendere come gli esseri umani osservano e interpretano il mondo.
Negli ultimi anni aveva rivolto nuovamente la propria attenzione al paesaggio, celebrandone la bellezza e la capacità di trasformarsi nel tempo. La monumentale serie A Year in Normandie rappresenta forse la sintesi più compiuta della sua poetica: un invito a rallentare, osservare e riscoprire il valore dello sguardo in un’epoca dominata dalla velocità delle immagini. È questa, probabilmente, la sua eredità più importante.

Tra committenze pubbliche e paesaggio

Accanto ai grandi cicli pittorici e alla ricerca costante, David Hockney ha spesso esteso la propria pratica a progetti speciali e commissioni pubbliche, mantenendo però intatta la centralità del paesaggio come nucleo del suo immaginario.
Tra questi interventi si colloca la vetrata realizzata per l’Abbazia di Westminster, commissionata per celebrare il regno di Elisabetta II e collocata nel transetto nord al posto della cosiddetta Queen’s Window. Il progetto, concepito attraverso un disegno digitale su iPad e successivamente tradotto in vetro dal Barley Studio di York, raffigura una scena bucolica ispirata allo Yorkshire, terra profondamente legata sia all’artista sia alla sovrana. La composizione è animata da una gamma cromatica intensa e da elementi naturali simbolici, come i rami di biancospino, in un equilibrio tra semplicità formale e stratificazione di riferimenti culturali.

In una direzione diversa ma coerente con la sua poetica si inserisce anche la copertina realizzata per British Vogue, dedicata a un paesaggio dell’East Yorkshire. L’opera, parte della serie di dipinti avviata nel 2006, riflette la continua attenzione dell’artista per la natura e per le sue variazioni luminose e stagionali. Nel racconto dello stesso Hockney, il lavoro nasce da un’osservazione diretta e quotidiana del paesaggio, resa possibile anche attraverso l’uso dell’iPad come strumento di registrazione immediata. L’iniziativa editoriale si inseriva inoltre in un progetto benefico legato alla diffusione delle immagini e alla raccolta fondi per le organizzazioni impegnate nella lotta al Covid-19.

L’articolo "È morto David Hockney, il celebre pittore britannico che ha rivoluzionato il modo di guardare" è apparso per la prima volta su Artribune®.

Da qui al 2031 Parigi avrà 200 nuovi chilometri di metropolitana automatica serviti da 68 stazioni costruite per l’occasione. Oltre al prolungamento verso sud e nord della linea 14 già operativa, saranno attivate quattro nuove linee (15, 16, 17 e 18) che circonderanno la capitale e collegheranno aree periferiche dell’Île de France, senza dover necessariamente passare dal centro città, alleggerendo il carico sulle linee storiche. Il Grand Paris Express è un progetto ciclopico, il più imponente intervento di trasporto pubblico in Europa, che ha aperto i cantieri da oltre decina d’anni e prevede anche importanti interventi architettonici e artistici.

La collaborazione fra architetti e artisti

L’Art du Grand Paris, il programma culturale collegato al progetto delle nuove linee di metropolitana, ha in calendario la realizzazione di 70 installazioni permanenti frutto della collaborazione fra gli architetti progettisti e gli artisti che avranno il compito di rendere più attrattive le stazioni con le loro opere. Una serie di tandem creativi che ispira curiosità. Come quelli fra Michelangelo Pistoletto e l’architetto Thomas Richez, Fabienne Verdier e Denis Valode, Koîchi Kurita e Marc Barani, Felice Varini e Philippe Gazeau, Pablo Valbuena e Jérôme Brunet, JR e Benedetta Tagliabue, Daniel Buren e Jean-Marie Duthilleul, Sophie Calle e Eric Puzenat, Anselm Kiefer e Dietmar Feichtinger.

La linea 14: un assaggio del Grand Paris Express

Non occorre tuttavia attendere l’orizzonte del 2030 per scoprire le nuove stazioni, perché qualche tratto di quella che sarà la nuova rete del Grand Paris Express è già in funzione. Come il prolungamento della linea 14 che raggiunge ora l’aeroporto di Orly, a sud della capitale francese. Il vecchio capolinea di Olympiades è ormai superato e le nuove stazioni di Maison Blanche, Hôpital Bicêtre, Villejuif Gustave Roussy sono esempi della varietà architettonica e della creatività artistica che caratterizzerà il Grand Paris Express. Salendo a bordo della linea 14 si può fra l’altro sperimentare la velocità dei nuovi treni che possono raggiungere punte di 110 km/h e si presume possano innalzare la velocità commerciale oltre i 50 Km/h.

Le nuove stazioni già operative

Nella stazione Maison Blanche progettata dall’architetto Mark Wilson (Groupe-6 di Grenoble), l’artista californiano Ned Kahn ha costruito una copertura per i due ingressi costituita da una miriade di sottili placchette in alluminio unite da cavi per costruire una sorta di vela. Fonte d’ispirazione per l’artista è stata la superficie cangiante della Senna. “La mia intenzione è di suggerire la presenza dell’acqua, di creare l’impressione di stare osservando un fiume” ha spiegato Ned Kahn.

Una fermata più in là, a Hôpital Bicêtre, Eva Jospin in collaborazione con l’architetto Jean-Paul Viguier ha creato un’installazione sulla facciata, modellando strati di cemento sulle quali si abbarbicano liane di bronzo. In questo caso la fonte di ispirazione è stato il film Roma di Federico Fellini che evoca la scoperta vestigia archeologiche durante gli scavi della metropolitana.

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Grand Paris Express, la stazione di Saint-Denis Pleyel (in costruzione)

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Grand Paris Express, la stazione di Saint-Denis Pleyel

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Grand Paris Express, la stazione di Villejuif Gustave Roussy (esterno)

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Grand Paris Express, la stazione di Maison Blanche

La firma di Dominique Perrault…

La sorpresa più grande arriva alla stazione successiva, Villejuif Gustave Roussy, che serve uno dei maggiori istituti francesi specializzati nella ricerca oncologica. La stazione, scavata fino a 48 metri sottoterra, è una delle più profonde fra quelle previste nel piano del Grand Paris Express. La progettazione è stata affidata a Dominique Perrault, autore della Bibliothèque National François Mitterrand, che ha colto le specificità della sfida è si è impegnato a concepire una “connessione fra il mondo di sotto e quello di sopra”. Un impressionate incrocio di scale mobili distribuisce gli utenti, siamo alla connessione con un’altra linea di metro, ai vari livelli di questo enorme pozzo che si apre nell’atrio d’ingresso. È riflettendo su questa idea di passaggio che l’artista Iván Navarro ha concepito l’opera Cadran solaire, una sorta di cielo stellato composto di neon e specchi che accentua l’effetto di profondità.

… e quella di Kengo Kuma

Per scoprire qualcosa di già totalmente operativo, ci spostiamo al capolinea opposto della Linea 14. Siamo a Saint-Denis Pleyel, estremo nord parigino, ben oltre il Périphérique. Zona in pieno rinnovamento urbanistico che ha nella stazione progettata dall’archistar Kengo Kuma, già autore di numerose opere in Francia, fra cui la Cité des Arts et de la Culture di Besançon, un nuovo punto di riferimento. Per la nuova stazione, l’artista Prune Nourry, che lavora fra New York e Parigi, ha concepito un esercito di 108 Veneri, ispirate alle prime rappresentazioni della donna in epoca paleolitica. Sistemate nell’atrio, cuore del nuovo edificio, si offrono alla vista in disposizione verticale, ciascuna ricoperta con una patina di terra locale di diverso colore che simboleggia la ricchezza e la diversità del tessuto sociale dell’Île de France. Un progetto che è stato condiviso con le donne di Saint-Denis, area multietnica e a volte segnata da problemi di degrado.

Chi volesse saperne di più sul progetto del Grand Paris Express (anche sui futuri sviluppi architettonici e artistici), a Saint-Ouen-sur-Seine, può prenotare fino al 13 giugno una visita alla Fabrique du Métro, dove gli animatori raccontano in tempo reale l’avventura umana e tecnica del progetto. Si scoprirà come vengono scavate le gallerie, si salirà a bordo dei nuovi vagoni, si avrà modo di immergersi virtualmente in una nuova stazione con la segnaletica concepita per l’occasione.

Dario Bragaglia

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