Arts et Culture

2020-04-24T03:26:00.000-07:00

LE STREAMLINE

1929-1950

OU?
Le mouvement est né aux Etats Unis

Quelques objets?

Raymond LOWRY, Coldspot Super Six, 1935

Bel GEDDES, Pavillon du Futurama de la General Motors, NY, 1939

La Lincoln-Zephir, Ford, USA, 1936

Le train Coronation-Scot, GB, vu à la foire internationale, 1939

COMMENT ET POURQUOI?

Interêt porté à la vitesse et au dynamisme de la vie moderne aux moyens de transport de l'époque, à l'industrie. Ils considèrent la forme d'une larme comme la perfection.
Ils appliquent le design industriel aux objets domestiques comme les meubles, les radios ...
= design novateur et aérodynamique.

En 1929, les Etats-Unis connaissent un crash boursier catastrophique qui plonge le pays dans de grandes difficultés économiques pendant plus de 10 ans.

C'est dans ce contexte difficile que se généralise la production de produits en série.

De jeunes créateurs américains étendent cette fabrication aux objets du quotidien : c'est la naissance du design industriel et du "streamline". Raymond Loewy, Donald Deskey, Henry Dreyfuss, Norman Bel Geddes, Walter Norwin Teague en sont les initiateurs.

Ils s'inspirent de l'aérodynamisme, recherchent les lignes courbes adaptées à leur contexte ou à leur maniement, comme par exemple le sèche-cheveux dont le manche cherche à s'adapter à la main.

En plus des lignes épurées, ces créateurs utilisent les nouvelles matières que la modernité met désormais à leur disposition : la résine synthétique, la bakélite, les différents plastiques etc.

Le design envahit alors la maison : chaises, table, aspirateur, batteur-électrique, aérodynamiques, fer à repasser profilé...

Le design gagne ensuite le monde du travail : le mobilier veut traduire l'esprit d'innovation de l'entreprise à travers par exemple le dessin de ses tables et de ses chaises (voir le diaporama).

Le mouvement américain se fait connaître dans le reste du monde grâce à deux expositions mondiales : "Century express" et l'exposition universelle à New-York en 1939, sur un thème résolument moderne : "Le Monde de Demain".

Le mouvement rayonne alors jusque dans les années 1950.

Après cette période, la dynamique semble s'essouffler, mais elle reprend de la vigueur depuis une vingtaine d'années, et on peut aujourd'hui constater que le graphisme issu du "streamlining" est omniprésent, notamment dans l'habillement.

Les nouveaux matériaux ne font que multiplier les possibilités de création (caoutchouc, polyuréthane, contreplaqué, plastiques sous toutes ses formes, etc).

QUI?

La France peut s’enorgueillir d’avoir compté 2 figures majeures qui ont donné au design industriel du XXe siècle ses lettres de noblesse.
Le premier, Roger Tallon, a accompagné le décollage économique de l’industrie française de l’après-guerre. Il a travaillé au développement de l’image de la SNCF, en particulier le TGV.
Le second, Raymond Loewy, né à la toute fin du XIXe siècle, a incarné plus qu’aucun autre designer, l’American Way of Life triomphant des Etats-Unis d’Amérique du XXe siècle.
Si Raymond Loewy est né en France à Paris en 1893, l’essentiel de sa carrière s’est faite aux Etats-Unis.
C’est pourquoi en France, il est perçu comme le grand pionnier américain, l’émigré français parti tenter sa chance, avec une success story stupéfiante aux USA. En 1949, il fait la couverture du Time. Ses créations ont inondé et continuent de s’afficher dans le monde entier.
Il a crée le logo de la coquille Shell, le concept de station services , le paquet de cigarettes Lucky Strike, et travaillé pour les enseignes l’Oréal, Air France, Monoprix

Raymond Loewy:

Elevé dans un milieu bourgeois et intellectuel, Raymond Loewy montre rapidement des capacités supérieures à la moyenne pour le dessin et les mathématiques.
En 1919, il part tenter sa chance aux Etats-Unis, comme ses deux autres frères.
Loewy commence sa carrière en tant que dessinateur de mode et entre dans la haute-société new-yorkaise de l’époque. Sa carrière décolle véritablement 1à ans plus tard, où il obtient le poste de directeur artistique de la Westinghouse.
Puis, très vite, il ouvre sa propre agence de design à son nom.

Les premiers succès vont alors s’enchaîner, avec comme réalisation notable, la nouvelle ligne du réfrigérateur Coldpsot de la société Sears Roebuck (société de vente par correspondance) en 1934. Le nouveau frigidaire possède une ligne avant-gardiste. Le designer ayant conçu une enveloppe extérieure à base de pâte à modeler peinte et équipée de fausses poignées, d’enjoliveurs et d’écussons. Pour le côté pratique, une pédale qu’actionne la ménagère permet d’ouvrir le frigidaire avec le pied ou le coude.

Le style moderne du produit ménager fait un carton : en un an, les ventes explosent de 300%, les 275.000 exemplaires commandés sont atteints rapidement et Raymond Loewy augmente en proportion ses honoraires.
D’autres réalisations viendront confirmer le talent de Loewy pour faire décoller les ventes d’appareils ménagers.

Le designer commence à avoir une certaine notoriété et c’est tout naturellement que le Metropolitan Museum de New York lui fait appel pour réaliser une version idéale de ses bureaux de design pour l’Exposition annuelle d’art industriel américain de 1934. En collaboration avec le décorateur d’intérieur Lee Simonson, Loewy conçoit un bureau design très moderne pour l’époque. L’horloge murale, par exemple ne comporte pas de chiffres, le mobilier est en grande partie en tubes métalliques.

En 1935, Loewy agrandit son agence en lui ajoutant un département d’architecture spécialisée, dont il confie la direction à William Snaith, un architecte new-yorkais brillant, avec qui il formera un duo efficace en affaires. Ce dernier a compris très tôt le succès à venir des grandes surfaces commerciales, temples de la grande consommation.
Le tandem Loewy-Snaith va donc concevoir durant des décennies des supermarchés, des grands magasins, mais aussi des bâtiments publics comme les gares.

Leur réflexion s’étend aussi au design d’intérieur : halls d’accueil et bureaux. Loewy étant d’ailleurs souvent consulté par les plus grandes firmes américaines pour les aider à concevoir leurs stands gigantesques lors de salons ou shows. Les puissantes entreprises américaines qui prospèrent rapidement dès la fin de la seconde guerre mondiale s’arrachent désormais les services du « French designer ». Loewy invente un design efficace et esthétique, au service de la diffusion des produits de l’American Way of Life…

Raymond Loewy doit en effet sa renommée à des réalisations symboles du rêve et du marketing américain.

En 1940, Raymond Loewy s’exécute, et très habilement va moderniser l’image de Lucky sans pour autant dénaturer la marque. Loewy propose d’habiller le paquet d’un blanc brillant alors qu’à l’époque les grands cigarettiers américains se contentent d’un papier kraft brun très masculin, en référence au tabac. La célèbre cible rouge qui caractérise la marque est eIle conservée. Il envisage aussi de faire imprimer le logo des deux côtés du paquet, une publicité gratuite pour la marque car, dixit le stratège en marketing : « La marque a mathématiquement deux fois plus de chance d’être lue ». Plus tard, Loewy concevra un accessoire supplémentaire au packaging de l’étui : un film de cellophane que l’on arrache en tirant sur un discret filet rouge, invention qui a toujours cours aujourd’hui d’ailleurs ! La cure de jouvence proposée par Loewy à l’étui Lucky marche formidablement bien. La marque avec le papier brillant blanc se distingue de ses concurrents et depuis, pas un seul marketer avisé n’a eu l’idée de retoucher au célèbre cercle rouge sur fond blanc !

D’autres coups de maître dans le travail sur le logo et l’identité de la marque jalonneront la carrière de Loewy. C’est ainsi à lui que l’on doit en 1971 le fameux logo très géométrique en forme de coquille de la marque Shell qui n’a pas changé depuis. Simple, facile à retenir et élégant, c’est toujours le même aujourd’hui.

Plus tôt en 1957, Loewy avait déjà frappé avec la création du logo de la marque de biscuits Lu.

On lui doit aussi en 1969 la création du logo de l’enseigne française de prêt-à-porter masculin New Man, qui possède la particularité de se lire dans les deux sens.

Loewy travaillera aussi pour deux grandes autres sociétés pétrolières dont il réalisera les logos : La British Petroleum (BP) et EXXON. À ceux-là on peut encore ajouter les logos de L’Oréal, Monoprix et Spar. En quelque sorte, un Who’s Who de marques mondiales et françaises…
Entouré d’équipes compétentes, Raymond Loewy agit même en visionnaire, lorsqu’avec sa société française la C.E.I (Compagnie d’Esthétique Industrielle, pendant français de son agence américaine), il suggère aux dirigeants de Shell de faire entrer la station-service dans une nouvelle ère. Il pense au design des pompes à essence qui doivent permettre aux clients de se servir seuls à la pompe, sans que le tuyau ne touche le sol.
Mais Raymond Loewy a manifesté très tôt une grande passion pour les moyens de locomotion, qu’ils soient roulants ou aériens. trois grandes passions illumineront ainsi la carrière du designer : les trains, l’automobile et l’aviation.

Pré-adolescent Raymond Loewy était déjà fasciné par les engins de locomotion moderne. Ainsi, il allait contempler les locomotives à vapeur au dépôt des Chemins de Fer et assiste en 1904, au décollage d’une « Demoiselle » sur la pelouse de Bagatelle au bois de Boulogne. Quelques années plus tard, arrivé de l’autre côté de l’Atlantique, Loewy réalise un rêve : celui de pouvoir travailler sur l’aérodynamisme des locomotives des Chemins de Fer de la Pennsylvania Railroad.

Le designer conçoit une nouvelle enveloppe pour la locomotive GG-1 de la compagnie. Loewy va alors démontrer sa capacité à proposer un design pragmatique et rationnel et, grande nouveauté pour l’époque : une simplification dans la conception de la carrosserie d’un monstre de 600 chevaux. Loewy propose en effet de faire souder bord à bord les plaques de la caisse en un élément unique assemblé au sol, comme cela se fait déjà dans l’industrie automobile. Autre nouveauté : Loewy fait poser sur la carrosserie du véhicule de grandes bandes dorées qui permettent aux équipes de maintenance d’avoir un repère visuel avant le passage de la locomotive. Les initiatives de Loewy s’avèrent un grand succès : la carrosserie simplifiée, revient moins chère à entretenir et les coûts de fabrication sont abaissés. Cette réussite marque le début d’une longue collaboration entre l’agence de design américaine de Raymond Loewy et la Pennsylvania Railroad, de 1934 à 1959.
En 1937, Raymond Loewy reçoit la médaille d’or des transports récompensant ses travaux pour sa locomotive GG-1.

Il rentre en négociation avec le constructeur américain Studebaker qui lui demande d’intervenir sur un de ses modèles, La Champion.
Un an plus tard, en 1938, Loewy connaît son 1er succès pour la firme de l’Indiana avec la berline Président, qui sera élue « Plus belle voiture de l’année ». En 1939, il devient directeur général du design de toutes les voitures Studebaker. Comme lors de son travail pour la locomotive GG-1, Loewy débarrasse les modèles Studebaker du surplus inutile sur la carrosserie et met au point des concepts de carrosserie moderne. Loewy conçoit des véhicules aérodynamiques pour l’époque, dont la forme semble « bondir vers l’avant ». Au début des années 50, Loewy perfectionne et conçoit définitivement un style d’avant de voiture que les Américains dénommèrent « Bullet Nose ». La ligne devient agressive, au milieu de l’avant se trouve un rond avec deux parties chromées en forme d’hélice de chaque côté. Deux entrées d’air imposantes font leur apparition et divise la carrosserie avant en 2. Au final, Loewy régna en maître sur le design des Studebaker de 1938 à 1962, produisant des modèles avant-gardistes pour l’époque, comme le modèle Avanti que ne renieraient pas ses homologues italiens, avant la fermeture de la branche automobile du groupe en 1966.

Raymond Loewy, désormais installé comme LE designer industriel à succès – en 1955 l’agence américaine Raymond Loewy emploie 250 personnes pour un CA annuel de 3 Milliards de dollars – rencontre les plus grandes célébrités de son époque. Lors d’une visite officielle du président américain John Fitzgerald Kennedy à Palm Springs, Loewy confie à son ami Godfrey McHugh, « attaché aux forces aériennes du Président » que décidément, l’avion présidentiel manque de standing avec ses couleurs rouge infirmerie. Loewy, sans le savoir, tape une nouvelle fois dans le mille. JFK en personne le recevra pour quelques séances de travail et Loewy modifie totalement l’aspect extérieur d’Air Force One. Exit le rouge criard et place à des couleurs nobles, le fuselage porte désormais un élégant bleu pâle. Plus tard, le président lui commandera la décoration intérieure d’Air Force One.

Toujours dans l’aéronautique, Loewy se voit confier par Air France l’aménagement intérieur du Concorde et de ses plateaux repas en 1976. Puis Loewy exerce son talent pour la NASA, la tête dans les étoiles, pour réaliser le design de l’intérieur de la station spatiale Skylab, la première station spatiale lancée par l’agence spatiale américaine. Agé bientôt de 75 ans, le grand designer se passionne pour un projet ambitieux : ouvrir l’ère des vols spatiaux habités en offrant de vraies conditions de travail et de confort aux astronautes en vol. Au final, l’ensemble des propositions émises par Loewy pour l’aménagement de Skylab ont accouché de petites améliorations à l’intérieur de la station spatiale, mais ont considérablement fait avancer la réflexion sur le cadre de vie et le bien-être lors de vols spatiaux habités. Raymond Loewy, en étroite collaboration avec William Snaith ont ainsi travaillé sur de multiples sujets : des combinaisons spatiales des astronautes aux maquettes des équipements hygiéniques de la station orbitale, en passant par la conception de la salle à manger de Skylab.

Raymond Loewy a irrigué comme personne de son ingéniosité et de son sens du marketing le design industriel américain du XXe siècle. Ce n’est pas un hasard s’il est ainsi l’unique « étranger » d’une liste publiée par le magazine Life en 1969, des 100 événements les plus importants de l’histoire des Etats-Unis depuis 1767. Il fut notamment le premier à comprendre que le design avait des conséquences sur le succès commercial d’un produit. Il joua à la perfection un rôle : celui de faire comprendre aux capitaines d’industrie et autres ingénieurs que les produits industriels se vendent mieux s’ils sont esthétiques, en induisant des réductions dans les coûts de fabrication grâce à un design simplificateur.
Raymond Loewy exprima cette pensée dans un livre désormais culte : « La laideur se vend mal » – 1ère parution en 1953 -. Dans cet ouvrage, Loewy crée la profession d’esthéticien industriel. Son crédo : donner une harmonie parfaite à l’objet, qu’il s’agisse d’une locomotive, d’une voiture, d’une poubelle, d’un aspirateur… 30 ans après sa mort, le discours et l’empreinte de Loewy sur le monde industriel contemporain reste toujours d’actualité…

1919- 1933 L'ECOLE DU BAUHAUS, Allemagne

2020-04-22T09:47:00.002-07:00

L'ECOLE DU BAUHAUS

→ Marianne BRANDT, Théiere, 1924

Où?

Né en Allemagne, c'est la fusion des beaux-arts et des arts déco à WEIMAR

Qui?

Par Walter Gropius, pour former un seul établissement: l'école du Bauhaus

Quand?

De 1919 à 1933

J. Schmidt, affiche pour l'exposition du Bauhaus de 1923 ←

Comment et Pourquoi?

Son objectif est de créer une collaboration entre artistes-industriels et techniciens.

En réaction à ce qui s'est fait dans le passé, ils ne veulent plus d'ornement, ni de motifs surchargés.
Place aux formes claires et géométriques
Ils exploitent les matériaux et les moyens de l'industrie.

L'architecture et l'aménagement intérieur doivent être étroitement liés pour créer le nouveau cadre de vie de l'homme moderne.

→ Fauteuil Vassily, de Marcel BREUER, 1926

1er siège dont la structure est en tubes d'acier chromé en hommage à son ami Vassily KANDINSKY.

Le tube métallique était jusque là seulement utilisé pour la structure des avions et les cadres de bicyclette.

http://blog.ac-versailles.fr/lmc78hda/index.php/post/10/03/2020/Le-Bauhaus-%3A-une-nouvelle-%C3%A9cole-d-art

Mies Van Der Rohe, directeur du Bauhaus, devient le précurseur du minimalisme avec la doctrine "Less is More".

Wagenfeld, Bauhauslampe, 1923-24 ←

https://artsrtlettres.ning.com/group/grandspeintres/page/le-bauhaus

https://www.paris-art.com/lesprit-du-bauhaus/

1917-1932, DE STIJL, Pays-Bas

2020-04-22T08:36:00.000-07:00

DE STIJL

C'est un mouvement en réaction aux "Arts and Crafts"

Où?

Né aux Pays-bas

Qui et Quand?

Le mouvement est né en 1917 avec la création d'une revue par 2 peintres abstraits:
Piet MONDRIAN et Théo VAN DOESBURG,
avant d'atteindre d'autres disciplines comme le textile et la décoration intérieure.
Des designers comme Gerrit RIETVELD et Jjp OUD rejoignent le groupe.

Le mouvement se termine en 1932 à la mort de Van Doesburg

Comment et Pourquoi?

Ils ont un objectif commun : le Néo-Plasticisme, qui consiste à épurer au maximum le tableau, les objets, en se limitant au Noir + Blanc + 3 couleurs primaires et à une géométrie parfaite de lignes droites et de plans qui ne se croisent pas.

Quoi?

Les créations sont des oeuvres-manifeste

Chaise Red-BLue, Rietveld, 1917-1918, Pays-bas

http://ressources.hda.free.fr/wp-content/uploads/HDA-3e-Chaise-rouge-et-bleue-bis.pdf

La Schroder House, Rietveld, 1924, Utrecht, Pays bas

Chaise Zig Zag, Rietveld, 1934

https://lasoutdp1719.wordpress.com/2017/10/11/chaise-zig-zag-gerrit-rietveld-1934/

1859, la chaise THONET, Vienne

2020-04-22T08:12:00.000-07:00

LA CHAISE THONET N°14

Où?

Crée à Vienne

Qui?

Par Michael Thonet pour répondre à la commande d'Anna Daum qui rêve pour son café de chaises pratiques, élégantes et peu encombrantes.

Quand?

En 1859. Dés lors, les commandes s'enchainent et Thonet décide de fabriquer en série.

Dès 1930, 50 millions d'exemplaires sont vendus!

Comment expliquer cette success story?

Design à toute épreuve
Ergonomie
qualité-prix

Aujourd'hui, la "chaise bistrot" est devenue une icone du design.
Elle est toujours produite sous le n°214 au catalogue.

Elle est constituée de 6 pièces de bois+10 vis+ 2 écrous (environ 20 éléments).

Elle se monte et se démonte très facilement.

Le transport est également facilité 1m3 = 36 chaises.
C'est l'ancêtre du mobilier en kit.
= économie de transport.

Technique du bois courbé (hètre) grâce aux machines à vapeur, le bois est mouillé et chauffé (environ 30 minutes) puis cintré

=fabrication industrielle trés rapide

= baisse des prix

Matériau peu cher, facile à transformer
Ouvrier spécialisé dans une tache précise

IDEES CLES à retenir:

Passage de la fabrication artisanale à une production en série.

Avant la révolution industrielle, le mobilier est fabriqué par des ébénistes, on parlait des "arts utiles".

La production en série transforme l'organisation du monde du travail

http://fr.shop.thonet.de/classiques/programme-214?orderId=&a=526

GETTY MUSEUM CHALLENGE

2020-04-21T10:33:00.000-07:00

Seul(e), à deux, en famille…

Si vous le souhaitez, participez à cette idée originale du musée GETTY de Los Angeles, qui a invité les internautes à reproduire avec les moyens du bord des tableaux célèbres.

Confinés, confinées, posez !!

Donc :

Vous vous prenez en photo en recréant un tableau célèbre.
Vous mettez en regard votre photo avec le tableau original (vous avez quelques créations sur le doc joint).
Vous m’enverrez votre création au format JPEG (pas trop lourd).
Vous pouvez également la déposer dans le dossier sur l’ENT.
Vous pouvez partager votre résultat sur les réseaux sociaux en taguant le compte du musée (@GettyMuseum sur Twitter ou @gettymuseum sur Instagram) et/ou en mentionnant le hashtag #gettymuseumchallenge sur Twitter!!

Belle aventure à tous !!

DESPERATE HOUSEWIVES, analyse du générique

2020-04-21T09:07:00.001-07:00

Un peu d’explication

Dès le départ, Marc Cherry avait une idée bien précise de l’aspect qu’il souhaitait donner au générique de sa série : la séquence d’ouverture devait représenter des femmes désespérées à travers différentes époques, en utilisant des œuvres picturales plus ou moins célèbres.

A partir de cette idée, les artistes de la société yY+Co ont conçu un générique, dans lequel les images s’enchaînent comme dans un livre animé.

Essayons de décrypter cette fameuse introduction pleine d’un humour parfois caustique :

La première image du générique est inspirée d’un tableau de Lucas Cranach l’Ancien, un peintre du XVème siècle, représentant Adam et Eve dans le jardin d’Eden.

Comme dans la toile du peintre de la renaissance allemande, le générique nous montre, Eve, une pomme à la main, proposant le fruit interdit à Adam hésitant.

Dans la version biblique, c’est Adam qui mord dans le fruit détendu, symbole du pêché.

Mais le générique nous montre une toute autre version, puisque c’est Eve qui croque dans la pomme alors qu’Adam se fait écraser par un fruit géant. La femme est donc la tentatrice et l’homme la victime de son pêché.

Et comme, les images suivantes vont nous le montrer, l’homme va lui faire payer cette humiliation !

La suite du générique nous plonge dans l’univers de l’antiquité égyptienne.

Néfertari, reine et épouse du pharaon Ramsès II, est ici représentée entourée d’une multitude d’enfants tellement envahissants qu’ils finissent par la faire tomber.

Dans la réalité, Néfertari donna naissance à dix enfants pour son pharaon de mari, ce qui nous renvoie à la situation de Lynette, submergée par l’éducation de ses quatre bambins.

La vengeance des hommes a commencé !

L’image ci-contre est un clin d’oeil à l’un des plus grands maîtres de la peinture flamande : Jan Van Eyck et son tableau « Les Epoux Arnolfini »(1429).

Le sujet de cette toile est le mariage d’un riche marchand italien avec une jeune femme issue d’un rang inférieur.

La femme a l’air soumise et dévouée, prête à se plier au moindre souhait de son époux.

A l’arrière-plan, on remarque qu’un petit balai est accroché au montant du meuble. Notre femme est donc promise à une désespérante vie de ménagère !

Un détail repris dans le générique puisque la femme s’en sert pour nettoyer la peau de banane que jette négligemment son mari.

Deuxième arme de vengeance : les corvées ménagères !

La banane balayée est liée à la pochette de disque réalisée par Andy Warhol pour le Velvet undergrount and Nico

La suite nous renvoie à « American Gothic »(1930) célèbre tableau du peintre américain Grant Wood.

Hommage aux fermiers protestant du Middle West américain, cette toile nous présente un couple relativement peu accueillant.

L’homme tient dans sa main une fourche, qui fait office de barrage. Toute intrusion extérieure est interdite !

Mais ce barrage peut tout aussi bien être dressé entre sa femme et d’éventuels séducteurs, preuve que celle-ci reste toujours enfermée dans une attitude de soumission.

Mais dans le générique de la série, c’est le mari qui est séduit par une pin-up peinte par Gil Elvgren.

Sa femme, plus âgée et évidemment bien moins attirante, se fait alors mettre dans une boîte de sardines…
… Boîte qui se retrouve dans les bras très chargés d’une autre ménagère.

Celle-ci sort tout droit d’une affiche propagande datant de la seconde guerre mondiale et signée par Dick Williams.

Cette publicité était censée inciter les jeunes femmes à rationner leurs aliments pour éviter toute pénurie alors que la guerre faisait rage. « Je suis fière de combattre la famine «affirme la jeune femme !

Mais dans le générique, la femme qui croule sous le poids de ses provisions les laisse finalement tomber. Une boîte de Campbell’s Tomato Soup, peinte par Andy Warhol, atterrit alors dans une nouvelle illustration…

Nous sommes alors dans une image typiquement Pop Art, mouvement artistique des années 60 qui utilise notamment comme source d’inspiration la société de consommation et les bandes dessinées.

Les mœurs ne sont désormais plus les mêmes, et dans cette combinaison de deux œuvres de l’artiste Robert Dale, la femme est maintenant à bout. Après avoir vécu des siècles d’humiliation, après avoir vécu passivement sous le joug masculin, la voilà qui se révolte.

Elle craque, tout comme nos héroïnes dans la série !

Le générique s’achève comme il a commencé : nos femmes au foyer désespérées se retrouvent dans le jardin d’Eden, le fruit de la tentation à la main.

Cependant, on note qu’elles ne mordent pas dedans ! Jusqu’à quand pourront-elles tenir?

Conclusion

L’idée est ingénieuse d’emprunter au passé les représentations de la femme dans la société. Le générique de Desperate Housewives propose ainsi, une réflexion sur la place de la femme dans la société.
D’abord écrasée par les tâches ménagères (courses, ménage, les enfants) puis trompée, la femme se rebelle.
Cette satire féministe se déroule de façon bien moins artistique et originale que l’annonce puisqu’elle se centre sur les rapports de couples d’un quartier.

Ce document peut servir d’amorce en histoire des arts pour être complété par des questions autour du recyclage, du plagiat, du pastiche et de ce qui fait art.

Le statut des images sera aussi à discuter et pourra déboucher vers une création personnelle…

1851-1914, REVOLUTION INDUSTRIELLE ET NAISSANCE DU DESIGN, Europe

2020-04-21T08:34:00.005-07:00

Le design est né en Europe au cours du XIX ème siècle grâce à l'industrialisation (synonyme de production en série)

1ère révolution industrielle:

Invention de la machine à vapeur par James WATT en 1769

Qu'est ce que cela change?

Fait tourner les machines outils qui fabrique les objets en série
Permet le développement des transports bateaux et trains = révolution du commerce
Entraine une mutation profonde de la société = émergence de la bourgeoisie et des ouvriers, déclin des paysans
Le travail à la chaine permet de fabriquer beaucoup de produits (= baisse des couts)

2ème révolution industrielle

Invention de l'électricité par Thomas Edison, USA, 1879

Qu'est ce que cela change?

Le courant remplace la vapeur pour faire tourner les machines
L'électricité arrive dans les villes, puis dans les foyers (fin XIX ème)
Moyen de production plus efficace = invention de nouveaux objets, nouveaux outils

Pour en savoir plus : https://www.gralon.net/articles/materiel-et-consommables/materiels-industriels/article-l-electricite---histoire-des-decouvertes-successives-1481.htm

3ème révolution industrielle = le nucléaire en 1969

4ème révolution industrielle = l'industrie numérique 4.0

2 idéologies s'affrontent (issues de mouvements et d'écoles)

Certains sont méfiants à l'égard de l'industrialisation car le progrès technique ne bénéficie pas à tous et les produits de la machine ne semblent pas embellir le monde

D'autres pensent que l'idéal d'un environnement fonctionnel et moderne va devenir accessible à tous grâce à l'union de l'art et de la technologie.

2 idées clés à retenir:

Dans les années 30, aux E.U le design est mis au service d'une stratégie commerciale "Les belles formes se vendent mieux que les laides!" Malcom Lowry

Au cours du 20ème siècle, l'apparition de nouveaux matériaux et de nouvelles techniques vont engendrer des formes inédites.

Le design s'adapte au présent et se distingue par sa capacité à toujours innover.

1851, CRYSTAL PALACE, Londres

2020-04-21T07:31:00.000-07:00

Verre et Fer

Pourquoi le Crystal Palace est il un élément majeur de l'histoire du design?

Où?

A Hyde Park, au centre de Londres.
Puis démonté et déplacé au sud est de la ville où il brula en 1936!

Qui?

Joseph PAXTON
(à la base il est concepteur de serres et paysagiste!)

Quand?

1851, c'est la 1ère exposition universelle

( =" la grande exposition des oeuvres de l'industrialisation de toutes les nations")

qui vante le libre échange comme vecteur de cohésion entre les peuples.

C'est quoi?

C'est une vitrine internationale des productions humaines, de l'industrie et de l'artisanat. Un temple du progrès et de l'abondance!

Le palais était le lieu idéal pour accueillir des expositions du monde entier.

Une armure de cavalier cosaque y fut présentée, à laquelle succédèrent des costumes indiens incrustés de pierreries, les dernières moissonneuses, puis le mythique diamant Koh-i Nor.

Ces expositions successives remodèlent la physionomie des villes organisatrices:

Le Grand Palais, la Gare d'Orsay ont été construits pour l'Exposition Universelle de 1900

La Tour Eiffel pour celle de 1889 (appelée aussi tour de 300 m, elle fait mieux que la Centennial Tower construite à Philadelphie et qui symbolise l'indépendance américaine...)

Comment et Pourquoi?

C'est une cathédrale de fer et de verre.

C'est un défi architectural, tant par le temps imparti de sa construction (9 mois) que par ses dimensions (500mX120mX39m) qui célèbre la supériorité technique et économique de la Grande Bretagne.

Absence de murs opaques, l'extérieur et l'intérieur s'interpénètrent, la perception des distances se brouille et les perspectives s'ouvrent.

Radicale nouveauté: la standardisation des éléments de construction, l'assemblage des pièces et des éléments préparés à l'avance permet d'éviter la lenteur, la complexité et le désordre sur le site.
Cette méthode apparait au 19ème siècle avec la mécanisation, la grande avancé a été l'utilisation d'éléments interchangeable, et une baisse de la main-d'oeuvre.

Avec sa structure en acier et ses centaines de milliers de panneaux vitrés, le Crystal Palace était un exemple pionnier de préfabrication industrielle, ainsi qu’un modèle d’ingéniosité victorienne.
Les pièces en verre et en fer, fabriquées dans des usines éloignées, furent livrées à Hyde Park ou une armée d’ouvriers les assembla.
La structure modulaire du bâtiment permit de l’ériger à une vitesse record 80 hommes pouvaient installer plus de 8000 plaques de verre en une semaine. À la fin de l’exposition il fut tout aussi facile de le démonter et de le déplacer dans le sud de Londres.

IDEES CLES à retenir:

1851: 1ère date à retenir pour l'histoire du design

La production en série transforme les processus de construction

1850-1920, ARTS AND CRAFTS, Angleterre

2020-04-21T06:00:00.002-07:00

ARTS AND CRAFTS

1850-1920

"N'ayez rien dans vos maisons que vous ne savez utile ou que vous ne trouvez beau."

Cette déclaration de W.Morris en 1877 reflète son engagement social et politique. Il fait entrer les arts décoratifs dans la vie moderne.

Avec John Ruskin , il rejette la division industrielle du travail et exalte la liberté de l'artisan contre la déshumanisation de l'ouvrier machine.

Militant socialiste, il porte un regard critique sur le capitalisme Victorien, et l'exprime par sa conception de l'art dans laquelle la beauté, la fraternité et la justice participent d'un même idéal.

Le mouvement ARTS AND CRAFTS dégage une exigence éthique qui passe par une volonté pédagogique ( R. AShbee, Should we stop teaching art?, 1911)

Le mouvement "Arts and Crafts" promouvait:

l’artisanat traditionnel

l’emploi de matériaux locaux

la maîtrise complète de la fabrication.

Où?
Il est né en Grande-Bretagne
Quand?
A la fin du XIXe siècle, en pleine révolution industrielle!
Qui?
Sous la houlette d’écrivains comme John Ruskin et William Morris qui souhaitent réhabiliter le travail artisanal et les techniques traditionnelles.

Pourquoi?
Ils rejetaient la production en série et la qualité souvent médiocre des objets manufacturés, alors courants dans les foyers.

Quoi? Morris croyait à l’importance de l’artisan, prônait le retour au savoir-faire et du travail manuel pour produire de plus beaux meubles, poteries, textiles et autres objets, tout en permettant aux gens de mener une vie meilleure, plus épanouissante.
La production de masse, estimait- il, était responsable du déclin des valeurs.

De quoi s'inspire le mouvement? Quelles sont ses influences?
Les designers du mouvement "Arts and Crafts" s'inspirèrent souvent de l'artisanat médiéval, et leurs objets et décors intérieurs tirèrent le meilleur parti des matériaux naturels, du chêne travaillé aux tapisseries tissées à la main.
Mais d'autres cherchèrent plus loin leur inspiration, dans les couleurs vives de l'art Moyen-Oriental ou dans les motifs égyptiens.

L'ornementation était néanmoins utilisée avec parcimonie.
L'Arts and Crafts rejetait les décors trop chargés caractéristiques des intérieurs bourgeois de l'époque Victorienne.
Les pièces étaient modérément meublées, de telle sorte que les éléments du mobilier, les céramiques, les ferroneries et les revêtements de sol constituent un tout harmonieux, le décor adéquat à la vie simple que défendaient Morris et Ruskin, et qui était au coeur de leurs idéaux.

La vérité des matériaux:
Si William Morris tenait à ce que le design Arts And Crafts soit accessible au plus large public, nombre des objets produits étaient trop couteux pour les personnes à faible revenus.

Cependant, le mouvement entraina un renouveau de l'artisanat qui se poursuivit pendant tout le 20ème siècle et encouragea les designers à respecter la vérité des matériaux.
Cette notion inspira les mouvements ultérieurs, tel le Modernisme des années 20.

Comment reconnaitre le style Arts and Crafts?

Les vitraux:

Morris était architecte de formation et passionné par les vitraux médiévaux.
Les designers "Arts and Crafts" redonnèrent vie à cet art en l’intégrant aux fenêtres, aux appareils d’éclairage, etc.

Les motifs celtiques:

Noeuds, spirales, croix celtiques et entrelacs inspirés de l’art Celte figurent dans l’œuvre de nombreux designers "Arts and Crafts", en particulier dans le travail du métal par Archibald Knox.

Les ornements islamiques:

les designers du mouvement Arts and Crafts admiraient l’art islamique et la profusion de ses motifs aux riches couleurs. Ils s’inspirèrent de leurs carreaux et céramiques, ainsi que de l’architecture mauresque.

Fabrication artisanale:

Le travail manuel et les techniques traditionnelles recelait de vertus intrinsèques.
Les meubles étaient donc simples, et les détails d’assemblage nettement visibles.

Influence médiévale:

Morris avait une vision romantique de la période médiévale.
L’influence de l’architecture gothique, de la peinture et des tapisseries du Moyen Âge transparaît souvent dans les objets Arts une Crafts.

Travaux d’aiguille:

Morris a relancé la tapisserie et les travaux d’aiguille, en réaction aux étoffes fabriqué en série de la révolution industrielle.
Les motifs des tissus étaient inspirés par la nature.

L'INFLUENCE DE "ARTS AND CRAFTS":

Le mouvement s'est étendu depuis la Grande-Bretagne à toute l'Europe, surtout l'Autriche et l'Allemagne, puis aux Etats -Unis, où le mouvement fut très puissant.

Il a donné naissance au:

WIENER WERSTATTE (Atelier Viennois) en Autriche.

DEUTSCHER WERBUND (Association Allemande des artisans), fondé à Munich, fermé par les nazis en 1938 et reconstitué aprés la 2nde guerre mondiale.

Le règne du "NEO"

Du mobilier à l’architecture, le XIXe siècle fut la période du "NEO".

Les architectes et les designers puisaient leurs inspirations dans le passé, et beaucoup de meubles empruntaient au travail des ébénistes du XVIIIe siècle, au design rococo, plus ornementé, de la même période, et aussi aux styles de la Renaissance, plus anciens.

Il y a eu aussi une mode durable du Moyen Âge et de Neo gothique flamboyant.

Peu de meubles médiévaux ayant survécu, les ébénistes et les designers s’inspirèrent des détails architecturaux des églises et des cathédrales gothiques, reprenant en particulier des arcs brisés, des pinacles, voir des dessins d’arcades.

Le mobilier Neo répondait au goût de l’époque pour une décoration luxuriante qui rappelait le passé.
Ébénistes, doreurs et peintres produisirent ainsi certains des meubles les plus élaborés de l’histoire du design.

Quelques Noms Clef:
Michael Thonet (1796-1871)
William Morris (1834-1896)
Christopher Dresser (1834-1904)
Gustav Stickley (1858-1942)

Idées et Concepts Clef:
Le mobilier artisanal
La Céramique d'art et l'entreprise RookWood (1880-1967)
Les Arts de la table en métal (Archibald Knox, Charles Robert Ashbee) et les objets décoratifs en métal
Tissu et papier peint (la grammaire de l'ornement 1856)
L'esthétisme (1818-1894)
Le japonisme (1854-1890)
Liberty (1875- )

Comment adapter le style "Arts and Crafts" en 2020?

Prise de conscience écologique oblige, la déco se tourne de plus en plus vers le fait main. Les tendances s’inspirent de la nature avec des matières naturelles et fibres végétales. Le minimalisme devient un art de vivre ; on consomme moins et mieux. Les objets et meubles qui ont une histoire à raconter sont privilégiés. Et quand ils sont imparfaits, c’est encore mieux… Cela les rend uniques !

Voilà autant de raisons qui ont propulsé l’artisanat sur les devants de la scène déco ces derniers mois. La bonne nouvelle ? La tendance Art & Crafts incite à acheter local et durable et à privilégier les circuits courts. En fin de compte, tout le monde est gagnant !

Pour résumer, le style Art & Crafts, c’est des matières naturelles, des lignes simples et irrégulières et des couleurs neutres et chaleureuses.
En pratique, on imagine un salon avec un canapé en lin, une table basse en bois sculpté, un fauteuil en rotin, des coussins en laine, un tapis tissé main, un panier tressé, une poterie, une lampe en papier, un macramé mural…
N’hésitez pas à varier les textures pour apporter du relief et à multiplier les motifs pour un mix and match réussi. Choisissez des couleurs inspirées de la nature et des teintes argileuses et terreuses comme le terracota, l’ocre, le sable…

La nouveauté en 2020 ? Le style Art & Crafts se modernise et ajoute son grain de sel pour un résultat encore plus élégant ! On l’appelle même désormais Modern Craft. Le principe est le même mais viennent s’ajouter d’autres matières brutes comme le béton, le laiton ou encore la terre cuit. De quoi donner davantage de caractère à ce style qui n’en manquait déjà pas…