Bien que le jeu soit largement inspiré de Mario Kart, il n’en ressort pas moins des différences qui permettent de passer un bon moment vidéoludique. Pour accompagner l’hérisson, la plupart des grosses licences de SEGA sont présentes dans ce jeu, une manière de répondre aux attentes des fans et de porter la nostalgie sur console next gen. Loin de sentir la naphtaline, Sonic and Sega All Stars Racing exploite au mieux les possibilités actuelles de ces consoles (Wii mis à part pour les raisons précisées dans l’édito). 20 personnages, 24 circuits, 8 joueurs maximum via le live (gratuit sur PS3 / payant sur 360), permettent à ce jeu non seulement de partager de bons moments entre amis, mais lui confèrent surtout une durée de vie non négligeable.

La prise en mains est assez facile, le jeu n’est, en effet, pas trop dur, bien que les dérapages contrôlés demandent un peu d’entraînement (ils permettent d’avoir des turbos, donc sont quasi indispensables pour gagner). A chaque fin de course, quelque soit le mode de jeu, on gagne des SEGA miles, qui permettent d’acheter de nouveaux personnages, circuits (et chansons pour ces derniers). La maniabilité avec le six axis (paramétrable dans les options) demande également une certaine habitude, mais je trouve que le jeu gagne en agréabilité.

Les quelques points négatifs remarqués :

- Quelques bugs de collision (surtout lors de sortie de piste). - Les chargements entre chaque changement de menu assez lourds à la longue. - Les performances de certains personnages similaires. - Le fait de ne pas avoir plusieurs véhicules par personnage, ce qui aurait réellement multiplié les possibilités.

Les points positifs :

- Durée de vie correcte (bien que les personnages/courses se débloquent assez rapidement) - Le nombre de personnages (et le mode ALL-STAR propre à chacun) - La diversité des décors - Enfin un jeu de Kart qui reste avant tout un jeu de course

La suite dans une prochaine Full Review!

Où commander vos jeux ?

Amazon.co.uk : avec la valeur de la livre qui reste relativement « basse » depuis l’été dernier, les jeux outre-manche ont des prix défiants toutes concurrences.  Attention toutes fois aux frais de port si vous commandez plusieurs articles chez différents revendeurs amazon!

L’occasion? Chez Micromania, Games, Fnac et cie, le choix est vaste, tout comme la différence de prix pratiquée. Attention tout de même aux contenus additionnels (bonus fournis avec le jeu), qui ne sont souvent valables que pour le premier propriétaire du jeu (testé et désapprouvé par votre humble serviteur :/).

Les prix en livres dans cette petite sélection sont issus du site amazon.co.uk

Fable the lost chapters : 5.98 £

Fable est un RPG réalisé par Peter Molyneux (Populous, Syndicate, Theme Park, Dungeon Keeper, Black & White, The Movies), dans une esthétique bluffante (pour l’époque). Je me souviens encore d’avoir pesté contre les joueurs d’Xbox (première du nom) qui ont eu le jeu en exclus pendant une année. Mais la version PC propose 30% de contenu supplémentaire, avec tout un chapitre inédit, et je vous assure que l’attente en valait la peine. La suite est sortie sur 360, en attendant Fable III pour la fin d’année, espérons le.

City life : 3£

Un city builder français! Avec le succès des Sims, Maxis a délaissé le genre de jeux qui a pourtant fait son succès, le jeu de Monte Cristo (qui n’en sont pas à leur premier jeu de gestion), tombe donc à pic! Ils continueront dans leur lancée avec Cities XL (où l’on peut jouer en ligne, via abonnement)

Runaway 2 : dream of the turtle : 2.83 £

Un point & click comme on n’en voyait plus depuis le chevalier de baphomet (et sa suite). Style particulier de jeux, je vous l’accorde, mais celui-ci propose un design très “cartoon”, et une histoire fort intéressante. Le 3ème opus est sorti il y a peu de temps.

Deux RPG sur lesquels nous reviendront prochainement :

* Disgaea 3 : 14.19 £ là où la fnac le propose à  59.41€
* Cross Edge : 17 £/ 50 € fnac.com (15 € à Micromania en bonnes affaires)

Need for Speed Shift : 17.99£ ou 30€ en magasin.

Mirror’s edge : 6.99 £ contre 12.90 € sur fnac.com.

Micromania : Dynasty Warriors 6 : Xbox360 20€, PS3 30€

«Come Get Some !», ou la phrase culte d’un personnage de jeu video devenu légendaire (on ne présente plus Monsieur Nukem…) Pourquoi avoir choisi cette citation à la finesse sans égale pour un (modeste) site dédié à notre passion commune (Gaius + Vanguard, deux anciens potes réunis pour le pire par la magie de l’internet 2.0…) pour le jeu vidéo ? Nous n’avons pas l’ambition d’aborder tous les domaines de ce loisir en pleine mutation (selon les économistes) / évolution (selon les actionnaires de Nintendo) / régression (selon le Front des Retrogamers Réactionnaires), ni même de tester tous les jeux qui sortent – pas moyen de baptiser le site jeuxvideo.quelque chose, donc. Oublions également la prétention toute masculine et un rien infantile des gamerimpact, gamexplosion ou autres gamerxtreme…

Notre volonté à nous, c’est d’être à la fois hardcore (comme Duke Nukem), rétro (comme Duke Nukem) et authentiques (comme Duke Nukem). Sans pour autant renoncer à être accessibles à tous nos lecteurs potentiels (enfin, la plupart du temps…) et tolérants envers tous les points de vue (gniiii… tu aimes Call of Duty 6… grrr… bien… ve… nue… sur… notre site… Argh ! Ça arrache la gueule, mais on y arrive !)

• commenter l’actualité du jeu vidéo au jour le jour, au rythme où nous la vivons (avec un zeste d’aigreur et de mauvaise foi, mais encore des étoiles plein les yeux) ;
• vous proposer des réflexions et des analyses sur les tendances de l’industrie, les travers de la presse ou encore l’évolution des genres vidéoludiques ;
• nous vautrer dans la subjectivité la plus totale à l’occasion de tests / dossiers sur des titres ou des séries qui nous ont marqués (allergiques aux superlatifs, s’abstenir…).

L’avenir nous dira si nous parvenons à tenir nos engagements ; mais quoi qu’il arrive, si nous évoluons, si nous progressons, ce sera grâce à vous, amis lecteurs (selon la formule consacrée…) En d’autres termes, et pour paraphraser l’oncle Sam… WE NEED YOU !

Pourquoi faire un blog sur les jeux vidéo alors qu’il y en a déjà beaucoup (trop ?) ? C’est une question toute naturelle que vous êtes sûrement en train de vous poser en lisant cet édito – trouvé au gré de votre navigateur internet préféré. La réponse est  toute simple : après plusieurs décennies de pratique sur consoles et pc, nous avons notre vision des jeux, nos exigences, nos attentes en termes de divertissements, et nous souhaitons les partager avec vous.

On ne va pas aimer (et faire l’éloge ici même) un jeu uniquement pour son aspect esthétique (FFXIII), ni détester un jeu parce qu’il est vieux et pas en 3D (Capitalism II), auxquels cas, nous ne vous proposerions pas mieux que beaucoup de sites aux effets laxatifs permettant de mieux  digérer les tonnes de pub sur la dernière daube d’un gros éditeur.

Comme mon acolyte le mentionnait précédemment, nous avons besoin de vous ! Pour cela, vous pouvez nous lire (si vous appréciez notre prose), donner votre avis sur nos articles (argumentés de préférence, bien que les encouragements tout comme les critiques permettent d’avancer) et sur le site en général (ce que vous aimeriez voir en terme de services – un forum de discussions par exemple…).

Faire un test complet d’un jeu demande d’y jouer un sacré paquet d’heures (pour être un minimum intéressant et représentatif de ce qu’apporte réellement le jeu en terme de divertissement), nous vous proposons de ce fait différents types d’articles :

• First Contact : avis rapide après quelques heures de prise en mains ;
• Full Test : suite logique du First Contact (bien que non inéluctable), qui  se constitue d’un article complet sur le jeu en question ;
• Retro-Test : un test complet sur un jeu rétro (le titre parlant de lui-même…) ;
• News & Actus ;
• Dossier.

Dernier point, nous ne traiterons pas que des nouveautés, Come Get Some fera la part belle au retrogaming ! Pour ce qui est des consoles Next Gen, nous nous limiterons dans un premier temps à la PS3 et la Xbox 360 (n’ayant, l’un comme l’autre, pas de Wii).

En résumé : CGS c’est du jeu vidéo dans tout les sens du terme : anciens comme récents, bons comme moins bons, avec un regard, nous l’espérons, frais et agréable à partager.

A bientôt et fait de beaux rêves sur TrackBuns…

Bonne journée avec Trackbuns!

Petite dédicace à certaines personnes qui se reconnaitront

Dans Green Zone, sorti en salle le 14 avril, le réalisateur Paul Greengrass met en scène Matt Damon, dans le rôle de Roy Miller, envoyé avec son unité à la recherche d’Armes de Destruction Massive (ADM) sur le territoire irakien. Baladés de site en site sans résultat aucun, ils pensent être face à une terrible machination. Miller décide alors de découvrir la raison de leur présence en Irak et se retrouve confronté à une étrange vérité…

Le casting de cette production n’est pas énorme, hormis la présence toujours aussi perçante de Matt Damon qui emmène le film dans toute sa longueur. Le rôle de soldat lui va plutôt bien, même si on le préfère dans des interprétations plus dramatiques, comme Will Hunting ou la trilogie Jason Bourne (les deux derniers étant été réalisés par le Paul Greengrass). On y retrouve aussi Amy Adams (L’Echange) jouant la journaliste naïvement trahie.

L’histoire en elle-même traite d’un sujet encore sensible aujourd’hui (7 ans après le début de la guerre officielle en Irak) et qui dérange, du moins politiquement parlant. Les ADM étant censées être le point de départ du deuxième assaut en Irak, après la chute de Saddam Hussein, on imagine la difficulté de rester neutre pendant la réalisation. Ce que ne fait pas Greengrass, connu pour son goût pour la docu-fiction. Il s’engage ici à raconter, pour lui, le véritable plan machiavélique instauré par le gouvernement Bush de l’époque. Il propose au public une piqûre de rappel. Le film est très bien ficelé, malgré quelques explosions un peu trop répétitives. On nous montre un Bagdad saccagé par les bombes et une population méfiance face à l’armée américaine.

Personnellement, je reproche quelques points au film. Tout d’abord, son titre, Green Zone. Ok, il fait état d’institutions politiques se situant dans cette zone, mais hormis les quelques scènes mondaines près de la piscine, il n’y a pas de vraies comparatifs avec la zone verte mise en place dans la ville, comme “camp retranché” pour les militaires et personnalités lorsque les affrontements se sont avérés continuellement violents.

Et puis, le film ne va, pour moi, pas au bout des choses. Il n’est sûrement pas évident de mettre en scène une telle supercherie en évitant de dénigrer le peuple américain, mais en montrant du doigt les hauts dirigeants US. Le film reste très évasif, et l’intrigue se fait finalement très rapide (avec pourtant 1h55 d’images !).

Le scénario est bon, l’acteur principal a su se sortir de son précédent “grand rôle”, mais il manque ce petit quelque chose qui vous fait avoir des frissons face à de telles révélations.

• En avril, ne découvre pas qu’un film!

Sorti le 24 mars dans les salles, Alice au pays des merveilles est la dernière réalisation du très connu Tim Burton (notamment avec Batman, Edward aux mains d’argent, Les Noces Funèbres ou encore Beetlejuice…), et des productions Disney. Ne vous y trompez pas, le film n’est pas une adaptation de l’œuvre littéraire que l’on a pu voir en dessin-animé, mais la suite de celle-ci. Ici, l’histoire se déroule lors des 19 ans d’Alice (Mia Wasikowska). Après des cauchemars à répétition, elle se retrouve une nouvelle fois à la poursuite du Lapin Blanc. Mais dans cette “épisode”, Alice est embarquée dans l’histoire du Chapelier Fou (interprété par Johnny Depp)…ou l’inverse !! Les “habitants” du pays sont persuadés que c’est elle qui pourra les sauver de la tyrannie de la Reine Rouge (Helena Bonham Carter) et de la menace du Jabberwocky (une sorte de dragon).

Voila pour le début de l’histoire. Difficile de décrire du Tim Burton, pour les novices comme pour les initiés, l’univers de celui-ci étant tellement complexe et unique. Le film est un mélange de personnages incarnés par des acteurs et d’animation 3D (pas d’image par image pour ce nouveau Burton). Il est extrêmement coloré et lumineux ce qui pourrait interpeller quand l’on connait l’œuvre du réalisateur, plutôt sombre.

La trame se poursuit sans encombre, sans surprise. Peut-être pas assez d’ailleurs. Clairement, on sait dès le début du film la fin de celui-ci. Mais ça n’en laisse pas moins un intérêt, au moins artistique.

Le jeu des personnages est fait de bizarreries, de loufoqueries, ce qui rend le tout “amusant”. Bien sur, on ne se tord pas de rire, mais ce n’est pas le but. Petit détail : j’ai beaucoup aimé le parallèle entre le jeu de cartes de cœur de la Reine Rouge et le jeu d’échecs de la Reine Blanche (Anne Hathaway) dans la bataille finale. Ainsi qu’un petit clin d’œil au cochon repose-pied de la Reine Rouge ! Notons la nouvelle participation de Danny Elfman pour la bande originale du film, qui a participé à bon nombre de films de Tim Burton (comme L’Etrange Noël de Monsieur Jack, Sleepy Hollow, Big Fish). Pas de transcendance pour cette nouvelle prise de risque de Burton, mais pas de déception non plus. Par contre, personnellement, je le conseillerais plus en BR ou DVD pour les personnes n’étant pas accro au style burtonnien.

Je ne m’étends pas sur le sujet, car je vous donne rendez-vous dans quelques temps pour un dossier spécial Tim Burton.

Pas encore

My own love song (sorti depuis le 7 avril) : Olivier Dahan (la môme, les rivières pourpres 2…) nous livre une histoire poignante d’une musicienne handicapée et dépressive (jouée par Renée Zellweger) et d’un doux fou (Forest Whitaker) qui pense que les anges lui parlent. Sous fond de road movie, l’histoire de deux écorchés vifs qui s’entraident pour se (re)donner le goût de vivre. Pour les amateurs de drame, la bande annonce :

Le choc des titans (en salle depuis le 7 avril) : Louis Leterrier (L’incroyable Hulk, Dany the dog, mais aussi le transporteur I et II :/), nous propose un péplum (style longtemps tombé dans l’oubli et qui est revenu sur les devant de l’écran ces dix dernières années avec notamment Gladiator, Troie, 300) sous fond de mythologie grecque pas toujours respectée… Mais nous y reviendront prochainement dans un article plus complet. A noter que le film propose un excellent casting : Sam Worthlington (Avatar, Terminator Renaissance), Liam Neeson (Love Actually, Star Wars I, Batman Begins et bientôt dans l’Agence tous risques), Ralph Fiennes (Strange Days,  The Constant Gardener, Harry Potter, The Reader), et Alexa Davalos (que je n’ai plus vu dans un film depuis qu’elle a joué Kyra dans les Chroniques de Riddick!).

Remember me (en salle depuis le 7 avril) : Allen Coulter (réalisateur responsable du succès de nombreuses séries comme Sex in the city, les Sopranos et Rome (dont je vous parlais juste à l’instant)) nous plonge dans un drame mettant en scène Robert “Edward” Pattinson (Harry Potter IV, Twilight) et Emilie de Ravin (Roswell, Lost), dont je vous parlerai plus en détail très bientôt.

New York, I love you (sorti en salle depuis le 14 avril) : pour les amoureux de la grosse pomme, 11 scénaristes vous présentent, chacun à leur manière une rencontre amoureuse dans NY. A voir pour le casting, la curiosité et/ou si vous avez aimé le premier opus consacré aux quartiers de notre capitale “Paris je t’aime“.

Green Zone (en salle depuis le 14 avril) : Paul Greengrass (nom qui le prédestinait à faire ce film), met en lumière les faits survenus en Irak en 2003 à travers cette quête de vérité menée par Matt Damon (avec également Jason Isaacs méconnaissable par rapport à son personnage de Lucius Malefoy).

Kick-ass (le 21 avril) : les films sur les super héros ont le vent en poupe : Iron Man 2, The Avengers, les reboot de Spider-Man et de Daredevil, Thor, Captain America, X-men et j’en passe (si si, je vous assure), voici que Matthew Vaughn (a qui l’ont doit notamment Stardust) nous propose l’adaptation d’un comic peut ordinaire, en effet, il s’agit là de l’histoire d ‘un ado qui se prend pour un super héro… Effets spéciaux et humour garantis. Et petite cerise sur le gâteau : un titre sur la B.O. by Mika. En attendant l’article qui lui sera très prochainement consacré, je vous laisse avec la bande annonce.

Iron Man 2 (le 28 avril) : très certainement le film que j’attends le plus depuis le début de l’année! Jon Favreau (pour les fans de Friends, il a joué Pete dans la saison 3 – mississipete) nous offre 2 ans après jour pour jour (bon ok, à 2 jours près), la suite tant attendu des aventures d’Anthony Edward  Stark, venant de révéler,  à la fin du premier opus, qu’il est Iron Man! Pression médiatique et politique, il doit également faire face à deux ennemis  (Mickey Rourke et Scarlett Johansson)!! L’article est pour la semaine prochaine, la bande annonce, comme dirait Ty, it’s right now!

• Green Zone : un thriller politique explosif!

En cherchant des covers pour cette Musique du Matin, j’ai été surpris par plusieurs versions. Celle de Sheryl Crow, dont j’ai reconnu la voix qu’au refrain et dont l’étonnante douceur nous emmène vers une interprétation assez personnelle de la chanson. Ce n’est pas évident au début, il faut en effet attendre 2:16 pour avoir droit à « du Sheryl Crow« . Je pensais mettre dans cette selection la version du groupe pop-rock britannique Skrewdriver (en grand fan du Doctor Who, ça semble logique), mais deux choses m’ont retenue. La première c’est que la plupart du temps, Ian Stuart Donaldson joue trop sur son vibrato, ce qui donne une touche bêlemente assez insupportable, comme quoi n’importe qui ne peut pas prétendre refaire du Who. La seconde, plus politique on va dire, est que ce groupe a des tendances racistes est très prisés dans le milieu skinhead. Donc thanks but no thanks…

Silvertide et Lifehouse proposent leur versions, mais sans surprises, hélàs, contrairement à celle de Pearl Jam, où l’on peut apprécier la (toujours) sublime voix d’Eddie Vedder. Paula Fernandes dont je n’avais jamais rien entendu, livre une version ré-orchestrée, avec piano/violons qui intègrent parfaitement le calme qui découle de cette chanson. J’aime beaucoup la version de Chieftains, tout comme celle chantée par Bryans Adams, qui me permet de l’écouter à nouveau (mais je vous parlerai prochainement de ma chanson préférée de Bryan dans un autre article). Dilana choisi tant qu’à elle de réaranger les paroles sur la fin pour qu’elles lui collent davantage (no one knows what its like to be a bad girl… to be a sad girl…), et lui apporte en plus une dimension beaucoup plus rock. A l’opposé de la dernière cover que je vous propose ce matin, qui elle, vous réveillera, si les autres ne l’ont pas faites, vu qu’il s’agit de la version de Behind Blue Eyes de Tooga feat. Pit Bailay qui est très… dance… ce qui est loin d’être ma tasse de café, mais au moins, ça fait sortir du lit (au moins pour couper la musique :p)!

Miyasaki nous livre ici son film le plus mâture, le plus abouti et le moins japonais. En effet, l’histoire n’est pas vue à travers les yeux innocents de jeunes enfants mais par ceux d’une vieille femme sous l’emprise d’un maléfice. De plus, l’action se situe à ce qu’il semblerait à la fin du XIXème siècle dans un pays qui se rapproche de l’Allemagne, voire de la Prusse. Étonnamment, je ne peux pas le voir en VO, la langue nippone ne se prêtant pas très bien à ce contexte complètement européen.

Cela n’empêche pas le Maître de nous livrer toute une galerie de personnages enchantés dont il a le secret tels « Navet » l’épouvantail, « Calcifer » le démon du feu qui est enchaîné au château ou le chien, espion pas très coopératif de la magicienne au service du roi. Son long métrage est donc tout de même emprunt de magie et d’innocence (notamment par le biais du jeune Marco) et le thème de la guerre déjà évoqué dans Nausicaa et dans Princesse Mononoké est également très développé ici.

Quant au dessin, ma foi, il est somptueux, bourré de détails et de couleurs éclatantes. Et les ciels, comme toujours, sont un vrai bonheur pour les mirettes. Et la musique, whaaaa, elle est enlevée et alterne marches militaires et airs mélancoliques. Elle est orchestrée, comme d’habitude, par main de maître par l’habituel Joe Hisaishi. Et mention spéciale au Château, grand héros de ce long métrage, qui réunit en son sein tous les personnages, leur offre un foyer et les protège des attaques extérieures, parcourant la lande tel un fantôme se cachant dans le brouillard.

Vous l’aurez donc compris, un moment intense de cinéma me concernant. J’ai pris grand plaisir à revoir (pour la 20ème fois ?) ce Château Ambulant afin de vous livrer mon sentiment à son sujet. Il ne me reste plus qu’à vous souhaiter une bonne séance DVD si vous ne l’avez pas déjà vu.

Le Château Ambulant Sortie au cinéma : 12 janvier 2005 réalisé par Hayao Miyazaki titre japonais: Hauru no ugoku shiro Durée: 1h59

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Ce que raconte le scénario : un homme mûr, Maxime, joué par François Cluzet, a tout pour avoir la belle vie : réussite professionnelle dans la vente de voitures de luxe, femme, enfant, villa… Une étrange situation vient tout compliquer après le décès de son ami et associé, Simon (joué par Bouli Lanners). Maxime se retrouve alors embarqué dans une course poursuite contre le temps, l’argent et les armes, accompagné de ses deux frères à qui il a demandé de l’aide.

Blanc comme neige se révèle être un bon film à la française. Les bases du thriller sont là : suspense, sang, peur… L’enchaînement de problèmes donne au film un bon rythme malgré une mise en place plutôt longue à mon goût.

François Cluzet, après les succès de ses dernières années (Ne le dis à personne, A l’origine…), porte bien son rôle et permet au film de se tenir dans la peur et l’attente du dénouement. Louise Bourgoin est là, oui, mais pas assez. Jouant la femme “trahie” par le non-dit de son mari, elle aurait pu s’installer beaucoup plus dans le film que comme une pseudo actrice à l’allure américaine (grande robe et décolleté plongeant). Là encore, la faute au scénario ?

Bien que les 95 minutes se laisse regarder sans penser à sortir de la salle, il manque encore de la profondeur et de la recherche dans le scénario pour faire face aux films à l’affiche au même moment, comme Shutter Island de Scorsese…

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L’artiste est français, et pour une fois, il a décidé de faire tout un album en anglais. Malgré le changement de langue, l’album garde toujours la petite touche perso de cet artiste, auteur, compositeur, interprète : de la pop-rock avec un soupson d’electro et une bonne dose de mélancolie. Musicalement, et au risque de subir les foudre des fans de Radiohead, l’album me fait penser à du Thom Yorke, avec un peu de Tom McRae (dont je vous (re)parlerez bientôt).  Sa voix nasillarde passe, selon moi, mieux en anglais qu’en français, bien que j’apprécie ce qu’il fait dans notre langue.

Il est très rare qu’un album m’obsède autant que celui-ci, c’est pourquoi je pense partager avec vous plusieurs chansons au cours de ces prochains jours.

De tout les albums qu’il a sorti depuis le début de sa carrière (il y a plus de 10 ans maintenant), c’est sans nul doute le plus abouti, et l’anglais, qui pour moi offre des sonorités plus agréables que le français, y est sûrement pour quelque chose.

Introduit dans les bacs l’an dernier sous le nom de Yellow Tricyle, il était peu évident, au début en tout cas, de savoir qu’il s’agit d’un album de Damien Saez, sauf pour les fans qui ont pu apprécier certaines des chansons lors de ces concerts précédents la sortie de « A Lovers Prayer« . Je vous laisse donc pour ce soir, avec une chanson surprenante, perturbante, entêtante, rythmée à coups de percutions subtilement dosées et pourtant tellement mélancolique… Une pure merveille : Killing the Lambs.

Je défie tout les non fans de Damien Saez de ne pas aimer cette chanson!

Bonne nuit en musique!

Heaven’s in my hand / Nothing to pretend / How I miss you

Heaven’s upon me / I don’t wanna be / Nothing left to lose

Trying to forget / That we ever met / How I miss you

I’m a fake with blood in my hands / I’m the loneliest person in chains / And into the end alone / The shine in your eye is gone

What the hell am I doing here ? / In the world only myself to fear / I’m hiding to the end alone / The shine in your eye is gone

I’m sorry that I hurt you babe / Babe, we were just who we are / Hey, hey, hey, now the shining eye is gone / Hey, hey, hey, and they’re like the harvest stone

Hiding to the end / I just need your come / Help me baby / Standing on the edge / Looking for a sign / Of where I went on / Too much in my veins / And now I’m gone / Don’t you baby ?

In blood we will go in / We’re eveything, times to times / I don’t know, I don’t care / If it’s real, I’m not there

Cause in war you found peace / And in you, you found me / I suppose you’re okay / But you don’t mind if I stay

Sister don’t cry for me / Then that could be worst / I am with my friends / You’re the only brothers left

Burning and burning and breathing the spirit of God / That’s fallen upon us / Lost in the silence, breaking down heaven’s door / We’re killing the lambs

Sister don’t cry for me / Then that could be worst / I am with my friends / You’re the only brothers left

Burning and burning and breathing the spirit of God / That’s fallen upon us / Lost in the silence, breaking down heaven’s door / We’re killing the lambs

Tearing down heaven’s door / We’re killing the lambs

We’re breaking on heaven’s door / We’re killing the lambs / We’re killing the lambs

C’est toujours émouvant d’aller voir une première œuvre; alors bien sûr Christopher Thompson est loin d’être un petit nouveau dans le monde du cinéma. Chez lui c’est génétique: un grand père réalisateur (Gérard Oury), une mère réalisatrice et scénariste (Danièle Thompson) , lui enfin a débuté en tant qu’acteur et a fait ses premières armes de scénariste et dialoguiste aux cotés de sa mère.

Une bande annonce alléchante, de jeunes acteurs peu connus et une première œuvre tout était réuni pour attiser ma curiosité.

Bus Palladium c’est l’histoire d’une bande de potes qui fait de la musique, leur groupe s’appelle LUST. Tout d’abord il y a Manu le leader du groupe, un écorché vif, sans repères familiaux qui trouve un équilibre chez son meilleur ami Lucas, le pilier de la bande sur qui tout le monde se repose, puis Jacob prédestiné à la comptabilité, Philippe le batteur qui bosse dans un studio et Mario qui est leur manager.

Ils jouent dans un entrepôt mal insonorisé du père de Jacob jusqu’au jour où enfin la chance et une envoûtante jeune femme frappent à leur porte…

Bus Palladium c’est avant tout une boîte de nuit mais ce n’est pas l’histoire du lieu qui est raconté mais celle de LUST. Quand on fait un film sur un groupe il faut avoir une bande son qui tienne la route et là on dit merci qui? Merci Yarol Poupaud (frère de Melvil et ex membre de FFF) et Benjamin Biolay! Les chansons sont interprétées avec talent par Arthur Dupont, qui incarne le rôle de Manu, et restent en tête (mention spéciale pour “Non, Madame” et “Que tu le veuilles ou non” mais la musique n’est pas assez présente dans un film consacré à l’ascension d’un groupe de rock.

Les jeunes acteurs sont crédibles, bons, notamment mon québécois préféré Marc-André Grondin qui confirme après ses rôles dans CRAZY et Le premier jour du reste de ta vie.

La jeune Elisa Sednaoui est touchante, dans son rôle de muse qui a grandit trop vite,  un peu agaçante,  et outre sa plastique irréprochable j’avoue avoir été séduite par sa belle voix grave qui m’a rappelé Carole Bouquet. Néanmoins je n’ai pas trouvé son rôle indispensable…

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Pas encore

Et si son nom ne vous évoque rien, peut-être connaissez-vous mieux le duo du jour en tant que Bloodshy & Avant , ces derniers ayant composés et produits des titres pour de nombreuses célébrités. Et sinon, cela ne vous empêchera nullement d’apprécier les variations électro-pop de notre Musique de Matin.

Bonne journée sur TrackBuns !

Parmi les sorties cinémas de ce mois-ci, il est bon de retenir la sortie de l’excellente réalisation de Roselyne Bosch, La Rafle, en salle depuis le 10 mars. Commençons par noter l’interprétation de Mélanie Laurent, Gad Elmaleh et Jean Reno, sans oublier Hugo Leverdez (Joseph Weismann), Sylvie Testud (Bella Zygler) et bien d’autres…Des comédiens connus certes, mais pas omniprésents et écrasants dans le film.

Petit point sur l’histoire du film en elle-même : celle-ci est abordée du point de vue de Joseph, jeune garçon portant l’étoile, signe distinctif de la population juive depuis 1941 (et imposée par un décret allemand). Ce jeune homme commence donc sa vie d’adolescent pendant la Seconde Guerre Mondiale, sous les moqueries du voisinage, et les regards intempestifs des passants intolérants. Il est accompagné de ses amis et voisins et tente de vivre le plus normalement possible sous l’occupation. Mais tout sera chamboulé par la décision du gouvernement français de l’époque (dirigé par le Maréchal Pétain), qui est de suivre les instructions des forces allemandes emmenées par Hitler (décision prise notamment grâce à la forte collaboration de René Bousquet, secrétaire général à la Police). Ce que tout le monde connait sous le terme de La Rafle du Vel’ d’Hiv’ (Rafle du Vélodrôme d’Hiver, lieu où les Juifs seront séquestrés avant d’être dispatchés dans différents camps français puis allemands).

Voila ce que raconte le film : la violence de l’arrestation du 16 et 17 juillet 1942, l’incompréhension des familles coupables de vivre comme tout un chacun, l’entassement dans des camps dénués de toute propreté, la séparation des couples et des enfants trop jeunes, l’ignorance de la suite de l’histoire, l’horreur voire la monstruosité de la police française et allemande…La mise en scène retrace les vies de ceux qui ont subi sans avoir provoqué, de ceux qui ont contribué à la Rafle et qui ont orchestré son bon déroulement, de ceux qui ont cru à la bonne foi du gouvernement français, de ceux qui ont tenté de se dérober, de ceux qui ont voulu se rebeller…

La pléiade d’acteurs apporte au film une sincérité parfaite, avec une Mélanie Laurent (jeune infirmière qui suit les déportés) dramatiquement fabuleuse, un Gad Elmaleh (père de Joseph, et ancien combattant) dans un contre-emploi d’un touchant subtile, d’un Jean Reno (médecin juif, réquisitionné) presque impressionnant de tendresse. La touche extrêmement positive du film réside dans le fait que les “têtes d’affiches” ne sont pas mis en avant pour construire le film, bien au contraire. Ils sont mêlés à tous les autres pour rendre la production plus que réaliste. Oui, bien plus que réaliste…N’oublions pas la présence de Raphaëlle Agogué (ayant participé principalement dans des séries), qui est une découverte pour moi, qui se révèle être étonnante dans son jeu d’actrice.

Le scénario prend en compte les aspects émotionnels de toutes les personnes qui ont participé à l’horreur de cette arrestation. On voit ainsi la naïveté des enfants s’amusant comme ils le peuvent, l’espoir des parents qui ne veulent pas croire au pire, l’incompréhension et l’impuissance du peu de personnel médical, la prise de position des policiers (“je ne fais que mon métier”) avec une impuissance dans le regard. Pendant 1h55, vous êtes emportés dans un flot de sentiments qui vous mènent à la honte, à l’effroi, presque au désarroi. Comment est-ce possible ? Pourquoi ? Pas de réponse, juste la vérité et la réalité qui vous éclaboussent sans que vous ne puissiez rien n’y changer, et qui vous tirent les larmes malgré vous.

Le film est plongé dans des référence historiques qui provoquent un bouleversement, un émoi indescriptible mais profond. On parle trop peu souvent du devoir de mémoire, mais La Rafle est à ne pas oublier à ce juste titre.

Que dire de plus ? Allez le voir, et jugez par vous-même de l’intensité d’une partie (malheureusement bien trop longue) de l’Histoire de la Honte.

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Bon réveil et bonne journée sur TrackBuns.

Il n’y a pas réellement de surprise dans ce thriller (bien qu’un coté fantastique soit tout de même présent), mais on sent qu’il maitrise son sujet. En effet, c’est un peu comme si on se retrouvait dans un labyrinthe de portes fermées à clés, et qu’avec parcimonie on découvre des clés, sans savoir quelles portes elles ouvrent ni dans quel ordre il faut les ouvrir. On comprend certaines choses, petit à petit sans pour autant réussir à avoir une vision globale de ce qui se trame dans cet institut psychiatrique. Le film a d’ailleurs été tourné dans un véritable (et désaffecté) hopital psychiatrique.

Pour illustrer mes propos de début d’article, voici une des musiques extraite de la B.O. du film.

• Blanc comme neige

Chihiro est une petite fille japonaise comme les autres qui est déracinée de sa ville natale suite à la mutation professionnelle de son père. Pendant le voyage qui l’emmène elle et sa famille dans sa nouvelle demeure, ses parents font halte dans une gare abandonnée qui donne sur un parc d’attraction désaffecté. Alors que ces derniers sont transformés par magie en porcs sous ses yeux, la jeune Chihiro se retrouve livrée à elle même dans un monde magique et effrayant dans lequel elle est obligée de trouver sa place. Ainsi, elle va pouvoir chercher la solution lui permettant de délivrer ses parents de leur malédiction avant qu’ils ne soient transformés en jambon.

Sous le couvert d’un conte peuplé de fantômes, de magiciens et de sorcières, Miyazaki nous livre ici le parcours initiatique d’une enfant qui grandit et qui doit trouver sa voie, ses nouveaux repères dans une vie en pleine mutation. Il s’agit clairement d’une métaphore du passage de l’enfance à l’adolescence. D’un état de petite fille peureuse, pleurnicharde et un peu capricieuse, elle se voit obligée de mûrir et de prendre des responsabilités, de faire face aux réalités concrètes de la vie réelle. En cela, elle est épaulée par un jeune magicien qui semble jouer un double jeu. Voilà pour le côté sérieux du concept.

Car je dois le dire, lorsque j’ai vu pour la première fois ce long métrage, j’ai été transportée par la magie et la beauté parfois un peu rude des aventures de cette petite fille larguée dans un monde inconnu. Miyazaki est le roi pour peindre des mondes oniriques dans lesquels des scènes de la vie quotidienne créées avec justesse, tendresse et humour côtoient des moments forts d’aventures. Il décrit également toute une galerie de personnages secondaires hauts en couleur qui ont chacun une personnalité fouillée et originale. Tout cela illustré avec des couleurs chatoyantes et vives et la musique symphonique, magique et mutine du grand Joe Hisaishi.

Lorsque je regarde ce film, je retrouve mon âme d’enfant et un peu de cette candeur qui disparaît peu à peu lorsque l’on grandit. Voici le genre de cinéma qui nous fait retrouver des émotions pures et tendres sans toutefois tomber dans la guimauve et le gnan-gnan. Une vraie bouffée d’oxygène.

Du même réalisateur, mes films préférés sont « Le Château Ambulant », hymne à la famille recomposée, « mon voisin Totoro » qui parle de l’enfance et « Ponyo sur la falaise », sa dernière œuvre, superbe histoire d’amour entre deux enfants.

Le Voyage de Chihiro

Date de sortie cinéma: 10/04/2002 Réalisé par Hayao Miyazaki Titre original : « Sen to Chihiro no Kamikakushi » Durée 2h02 min

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Le prochain Ridley Scott promet d’être à la hauteur de nos (mes?) attentes. En effet depuis 20 ans (et oui 20 ans déjà!), nous n’avions pas eu de nouvelles versions de Robin des Bois, et encore la dernière était “gentillette”, avec un des acteurs phares de l’époque tombé dans l’oubli du monde des eaux (le “regretté” Kevin Costner). Seul la B.O. de Bryan Adams aura, un peu, survécu à ces deux décennies… A dire vrai, Sacré Robin des Bois de Mel Brooks était mieux! Tant qu’à la série de la BBC, je ne l’ai pas encore vu, mais ça ne serait tarder. La date de sortie de cette nouvelle version est le 19 Mai, et pour vous faire patienter d’ici là,une petite bande annonce (la 3ème en fait, et en H.D.!). Ce genre de rôle correspond mieux à un Russel Crow qu’à un Kevin, non?

Bons Films à vous et profitez bien du printemps du cinéma du 21 au 23 Mars!!!

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Bonne nuit sur TrackBuns et à bientôt!