Disclaimer : Cet article a été écrit par Lohan Bueno-Ravel, photographe spécialisé dans la macrophotographie et auteur du site ProxyMacroPhoto.fr.

C’est donc lui qui s’exprime ici.

Vous rentrez d’une sortie photo avec la carte pleine. Des oiseaux en vol, des attitudes intéressantes, peut-être même une scène rare.

Vous ouvrez tout ça sur votre écran… et vous ressentez une drôle de sensation. Oui, certaines images sont bonnes. Mais mises ensemble ?

Elles ne racontent rien. Juste un enchaînement de clichés sans lien entre eux. Pas de fil conducteur, pas d’unité, pas de message.

Et pourtant, vous y avez passé du temps. Vous vous êtes levé tôt, vous avez attendu, observé, patienté. Tout ça pour quoi ? Pour quelques images que l’on regarde… puis que l’on oublie.

C’est frustrant.

Mais c’est aussi un tournant. Parce que cette prise de conscience, beaucoup de photographes l’ont. Et c’est souvent à ce moment-là qu’ils passent à un autre niveau.

Ce niveau, c’est celui du projet photographique construit. Une série cohérente. Pensée en amont. Qui parle d’un sujet, d’une ambiance, d’un lien entre espèces ou entre lieux.

Et qui, surtout, fait passer quelque chose à ceux qui la regardent.

Dans cet article, je vais vous guider pas à pas pour créer une série photo animalière forte. Nous verrons :

• comment trouver une idée qui tient la route,
• comment préparer vos prises de vue pour ne pas vous disperser,
• comment garder une cohérence visuelle,
• et comment organiser vos photos pour raconter une histoire.

Si vous voulez que votre travail marque davantage — et qu’il vous ressemble vraiment —, vous êtes au bon endroit.

1. Définir l’idée et l’intention de votre série

Vous rentrez d’une sortie photo. Vous copiez vos fichiers, vous ouvrez votre dossier.
Des dizaines d’images.

Certaines sont nettes. D’autres un peu floues, mais la scène est intéressante.
Vous faites défiler. Encore. Et encore.

Et là, un sentiment familier : je ne sais pas quoi en faire.
Elles sont là, mais elles ne racontent rien. Pas de lien entre elles.
Juste une collection d’instants isolés.

C’est frustrant. Parce que vous sentez que vous pourriez aller plus loin.
Mais vous ne savez pas par où commencer.

C’est exactement pour cela que construire une série photo cohérente change tout.
Et cela commence ici : en posant une idée claire. Et une intention forte.

Trouver un fil conducteur : choisir ce que vous voulez vraiment raconter

Le point de départ d’une série animalière, c’est souvent une envie assez vague : “photographier les oiseaux”, “raconter la forêt”, “montrer les insectes du jardin”.

C’est un bon début. Mais ce n’est pas encore assez précis pour construire une série forte.

Une série cohérente a besoin d’un fil conducteur. Un axe autour duquel chaque image va s’organiser.
Ce fil peut prendre plusieurs formes. À vous de choisir celui qui résonne le plus avec votre regard. J’ai parlé de cette thématique en détail avec Stéphane Hette, autour de sa série Art of Butterfly.

Voici quelques pistes pour vous inspirer :

• Un comportement spécifique : la prédation, les parades amoureuses.
• Une espèce en particulier, photographiée dans différents contextes ou à différents moments de sa vie.
• Un habitat ou un milieu naturel : la mare, le sous-bois, la zone humide, la lisière.
• Une relation entre espèces : pollinisateur/plante, parasite/hôte, prédateur/proie.
• Une saison et ses transformations : les premières gelées, l’explosion printanière, la sécheresse estivale…

Plus votre axe est clair, plus il devient facile de savoir quoi photographier.
Et surtout, quoi laisser de côté.

📸🌿J’ai construit ma série Fragments Organiques (promis, vous la verrez dans l’article) autour du fil conducteur suivant : mettre en valeur des plantes du quotidien, qu’on retrouve même en ville.

La précision fait la force

Prenons deux approches différentes :

• “Je vais faire une série sur les insectes de mon jardin.”
• “Je vais documenter la vie des fourmis noires sous la pierre plate, de juin à septembre.”

La première vous laisse trop d’options. Vous allez vous disperser.

La seconde, en revanche, vous donne un cadre précis. Vous savez où aller, à quelle période, et quel comportement observer.

Ce cadre n’est pas une contrainte. C’est une boussole.

Et plus vous affinez votre sujet, plus vous creusez en profondeur.
C’est là que naissent les séries les plus puissantes.

Clarifier votre intention : qu’est-ce que vous voulez faire passer ?

Une série n’est pas une succession de jolies images.
C’est une narration visuelle. Un discours. Une émotion.

Alors posez-vous cette question essentielle :
Pourquoi est-ce que je veux faire cette série ?

Souvent, on veut juste “montrer ce qu’on a vu”. Mais si vous voulez toucher les autres, il faut aller un cran plus loin.

Vous voulez :

• sensibiliser à un espace menacé ?
• montrer la beauté d’un comportement invisible à l’œil nu ?
• faire ressentir la poésie d’un monde minuscule souvent ignoré ?

Toutes les raisons sont valables. L’essentiel, c’est d’en avoir une. Même si elle ne tient qu’en quelques mots.

Cette démarche, Régis Moscardini l’explique très bien dans sa formation sur l’intention photographique. Il y partage des pistes simples mais efficaces pour se poser les bonnes questions avant de déclencher, et construire des images qui ont quelque chose à dire.

Retenez une chose : ce que vous avez à raconter compte autant que la qualité technique de vos photos.
L’intention, c’est ce qui donne du relief à votre travail. Ce qui le rend personnel.
Et c’est aussi ce qui fera que vos images parleront… même à ceux qui ne connaissent rien à votre sujet.

📸🌿Dans ma série, mon objectif était de sensibiliser à cette végétation urbaine souvent délaissée.

Un exemple concret : donner vie à votre idée

Prenons un exemple simple.

Vous aimez photographier les insectes du jardin. C’est large. Trop large pour créer une série cohérente.
Alors vous affinez.

Un jour, vous tombez sur une colonie de pucerons installée sur une tige de rosier. Il y a là bien plus qu’un simple sujet : une scène de vie complète.
Les pucerons sont immobiles, mais autour d’eux, ça bouge : les fourmis patrouillent, une coccinelle approche, une larve guette.

Et là, une idée naît :
“Je vais raconter la micro-société qui gravite autour de cette colonie.”

Et tout change.

Vous ne photographiez plus des insectes au hasard.
Vous racontez une dynamique. Un écosystème miniature. Une tension.

Vous savez que vous allez devoir :

• revenir plusieurs fois au même endroit, pour documenter l’évolution,
• observer attentivement les rôles de chaque espèce : les gardiennes, les prédatrices, les opportunistes,
• varier les angles de vue : vue de dessus pour la scène globale, contre-plongée pour incarner les acteurs,
• jouer avec la lumière naturelle pour créer une ambiance cohérente (lumière rasante du matin, reflets sur les corps brillants, ombres marquées).

En macro, ce type de sujet est idéal pour construire une série.
Vous êtes contraint par le lieu, le décor, la météo.
Mais vous apprenez à en tirer parti. À composer avec les éléments. À faire parler ce petit monde sans jamais l’inventer.

Ce n’est plus un empilement de portraits d’insectes.
C’est un récit. Avec un décor, des personnages, des tensions, des surprises.

Une phrase pour tout résumer

Une bonne astuce pour clarifier votre idée et votre intention : formulez votre série en une seule phrase.
Un peu comme une accroche de reportage.

Par exemple :

• “Raconter le quotidien d’une famille de renards pendant l’été.”
• “Montrer l’impact de la sécheresse sur la faune d’un étang.”
• “Suivre la chasse nocturne des araignées-crabes dans une prairie fleurie.”

Cette phrase, vous pouvez la garder pour vous.
Ou la publier avec votre série.
Mais elle vous servira de repère tout au long du projet.

📸🌿Montrer la végétation des villes, c’est encore trop flou comme thème. Donc j’ai encore restreint pour retenir la phrase suivante : « Documenter le cycle de vie d’un pissenlit » en me fixant comme contrainte de réaliser les photos dans un environnement urbain.

Votre cap est posé

Cette première étape est la plus importante.

Sans idée claire, vous accumulerez des images qui ne dialoguent pas entre elles.
Avec une intention forte, vous allez créer un tout. Quelque chose qui fait sens.

Alors prenez le temps.
Écrivez. Clarifiez. Ajustez.

Vous verrez : ça change tout.

2. Préparer et anticiper ses prises de vue

Vous avez votre idée. Vous savez ce que vous voulez raconter.
C’est le moment de passer à l’action.

Mais pas n’importe comment.
Ce n’est pas une séance photo classique. Ce n’est pas : “je sors, je shoote, on verra bien ce que ça donne”.

Pour construire une série cohérente, chaque sortie compte.
Et surtout : chaque image doit avoir une raison d’exister dans l’histoire que vous voulez raconter.

Alors, avant de déclencher, vous allez devoir observer, planifier… et parfois patienter.

Observer avant de photographier

C’est une règle de base en photographie animalière.
Mais elle prend encore plus de poids lorsque vous vous engagez dans une série.

Vous devez apprendre à connaître votre sujet.

• Ses habitudes.
• Ses horaires d’activité.
• Ses lieux de passage.
• Ce qui l’alerte.
• Ce qui le rend visible.

Et cela, vous ne l’apprendrez pas l’appareil à la main.

Commencez par du repérage. Sans objectif photo. Juste vos yeux. Ou des jumelles.
Notez les heures, les comportements, la lumière.

Petit à petit, vous construisez une carte mentale du lieu et de ce que vous y observez.

Sur ce point, un autre article du site approfondit très bien cette idée : il montre comment la connaissance du comportement animal permet de mieux anticiper les scènes intéressantes — et donc de renforcer la cohérence de votre série. Vous le trouverez ici : Comment mieux connaître les animaux qu’ils ne se connaissent eux-mêmes.

C’est chronophage, oui. Mais c’est aussi ce qui fera toute la différence entre une série forte… et une suite d’images sans cohérence.

📸🌿J’ai fait des recherches sur les différentes espèces qu’on appelle couramment des pissenlits et sur les différents cycles de vie : germination, fleurissement, montée en graine…

Choisir ses lieux et ses périodes

Une bonne série commence souvent… au même endroit.

Vous n’avez pas besoin de parcourir des centaines de kilomètres pour construire quelque chose de fort.
Au contraire.

Vous gagnerez énormément à choisir un lieu unique, que vous connaissez bien.
Une mare. Une haie. Un champ. Une rivière. Une souche en forêt.

Et à y revenir. Encore et encore.

Pourquoi ?
Parce qu’à force d’observer, vous verrez ce que vous ne voyiez pas au départ.
Parce que votre regard va s’affiner. Votre timing s’améliorer. Votre compréhension du lieu s’enrichir.

Et vous pourrez jouer avec les saisons, les ambiances, les lumières.

Une série sur les araignées en septembre n’aura pas la même tonalité qu’en juin.
Un même site, sous la pluie ou givré, devient un tout autre décor.

📸🌿Dans mon cas, ce fut simple : les différents coins de verdure (parc ou contour d’arbres) autour de chez moi pour pouvoir y aller couramment.

Adapter votre matériel au sujet (et non l’inverse)

La tentation est grande de se dire : “je vais tout prendre, au cas où”.
Mais plus votre sac est lourd, plus vous êtes lent, visible… et limité.

Alors soyez stratégique.

Commencez par vous poser cette question :
De quoi ai-je réellement besoin pour illustrer ce que je veux raconter ?

Vous cherchez à capter des comportements discrets chez des oiseaux farouches ?
Une longue focale, d’un bon camouflage et de la discrétion seront vos meilleures alliées.

Vous souhaitez documenter la vie au ras du sol dans une prairie ?
Un objectif macro, une bonne stabilisation, et peut-être un diffuseur de lumière seront plus adaptés.

Ne pensez pas seulement en termes de “qualité d’image”.
Pensez efficacité. Maniabilité. Et surtout : cohérence avec votre intention.

Anticiper les contraintes techniques

Elles sont souvent négligées. Pourtant, elles peuvent faire dérailler votre série si vous ne les prenez pas en compte dès le départ.

Voici quelques contraintes courantes en photographie animalière :

• La faible lumière : en sous-bois, à l’aube ou au crépuscule. Vous devrez maîtriser les hautes sensibilités, ou bien stabiliser votre appareil.
• Les sujets rapides : oiseaux en vol, insectes, scènes de prédation. Il faudra des vitesses d’obturation élevées, donc gérer lumière et ISO en conséquence.
• La distance de sécurité : vous ne pouvez pas toujours vous approcher. Il faudra ruser, vous camoufler, et attendre.
• Les imprévus météo : pluie, vent, brouillard… Ces conditions peuvent ruiner une session ou, au contraire, créer une ambiance exceptionnelle. À vous de vous y adapter.

Plus vous anticipez ces contraintes, moins vous serez pris au dépourvu.
Et plus vous aurez de chances de produire des images solides et utilisables dans votre série.

Organiser vos sessions pour construire une narration

Chaque sortie n’est pas un tirage au sort.
C’est un chapitre de votre série.

Pensez votre session comme une étape.
Qu’avez-vous besoin de ramener aujourd’hui ?

• Une ambiance particulière ? (brouillard, lumière rasante, après l’orage…)
• Une scène clé ? (nourrissage, accouplement, prédation…)
• Un nouveau point de vue ? (au ras du sol, depuis les airs, en contre-jour…)

Chaque sortie peut apporter une pièce du puzzle.

Et au fil des jours, vous enrichissez votre narration, vous comblez les manques, vous densifiez votre propos.

📸🌿Je savais exactement quelles photos il me manquait pour compléter ma narration et donc j’adaptais mes sorties selon les repérages que j’effectuais lors de mes trajets quotidiens (un autre avantage de photographier autour de chez soi)

Accepter de ne rien photographier

Ce n’est jamais agréable. Mais cela arrivera.
Vous sortirez… et vous ne prendrez aucune photo.

Pas par manque de volonté. Mais parce que les conditions n’étaient pas réunies.

Et ce n’est pas un échec.

C’est du temps d’observation. De présence. D’ajustement.
C’est aussi ce qui affine votre regard, votre compréhension du terrain, votre capacité à anticiper.

Et surtout, cela vous évite de “remplir” votre série avec des images qui n’apportent rien.

Résumons

Préparer vos prises de vue, ce n’est pas simplement une question de matériel ou de réglages.
C’est une démarche complète.

Vous observez, vous planifiez, vous adaptez.
Et surtout, vous gardez en tête ce que vous voulez transmettre.

C’est ce travail de fond qui rendra votre série fluide, lisible… et marquante.

3. Construire la diversité des images tout en restant cohérent

Vous êtes sur le terrain. Vous avez votre idée, votre sujet, votre fil conducteur.
Et peu à peu, vous commencez à accumuler des images.

C’est là qu’une autre difficulté apparaît. Peut-être même la plus subtile.

Comment éviter la monotonie sans perdre le sens de votre série ?
Comment créer une narration visuelle forte, sans vous répéter ni vous disperser ?

La réponse tient en deux mots : diversité contrôlée.

Il va falloir varier vos images… tout en gardant une unité.

C’est un jeu d’équilibriste. Mais si vous maîtrisez cette étape, votre série prendra une toute autre dimension.

Varier les types de plans

C’est l’un des leviers les plus puissants. Trop souvent, on se contente d’un seul type de cadrage : un beau plan serré, net, bien exposé, et hop, on passe au suivant.

Mais pour raconter une histoire visuelle, cela ne suffit pas.

Essayez de penser comme un cinéaste.
Il ne filme pas tout en gros plan. Il alterne :

– Des plans larges : pour situer le contexte, montrer l’environnement naturel.
– Des plans moyens : pour introduire le sujet, poser une ambiance.
– Des gros plans : pour capter les détails, les émotions, les expressions.

Dans une série animalière, cette diversité est cruciale. Elle guide l’œil du spectateur. Elle crée un rythme. Et elle donne de la profondeur à votre narration.

Par exemple : une image large d’un terrier dans le paysage, un plan plus rapproché de l’entrée du terrier, puis un gros plan du renardeau qui sort sa tête.
Trois photos. Trois angles. Une seule scène.
Et surtout : une montée en intensité.

📸🌿J’ai photographié les pissenlits de près, de loin, de très près, pour varier les images

Explorer les angles de prise de vue

Vous pouvez aussi enrichir votre série en jouant avec les angles.

Le réflexe, c’est souvent de photographier à hauteur d’homme, appareil à hauteur des yeux.
Mais ce n’est pas là que se trouvent les images les plus immersives.

Essayez de vous mettre à hauteur d’animal. À ras du sol. Couché dans l’herbe. Accroupi au bord d’une flaque.

Ce changement de perspective transforme tout.
Il crée une proximité. Il met le spectateur dans la peau de l’animal.
Il gomme l’effet “humain qui observe”, pour entrer dans une relation plus intime.

À l’inverse, une plongée bien choisie peut créer une impression de fragilité.
Et une contre-plongée peut valoriser un sujet, le rendre majestueux ou dominant.

Ces choix ne sont jamais neutres. Ils participent pleinement au message que vous voulez faire passer.

📸🌿Vous avez pu le voir, j’ai des photos de face, en légère contre-plongée, vue de dessus…

Jouer avec la lumière et les ambiances

Une série forte, ce n’est pas seulement une succession de photos bien exposées.
C’est une succession de moments. D’émotions. D’atmosphères.

Et pour cela, la lumière est votre alliée la plus précieuse.

Sortez à différents moments de la journée. Le matin tôt, pour ses brumes et ses lumières dorées. En fin d’après-midi, pour ses ombres longues. Par temps couvert, pour une ambiance douce et homogène.

Essayez aussi les lumières plus dures. Celles de midi, celles qui découpent les silhouettes. Utilisées avec précaution, elles peuvent ajouter du contraste, du mystère.

Et n’oubliez pas les conditions particulières : brouillard, pluie, neige, givre, contre-jour… Elles transforment littéralement votre scène.
Elles peuvent apporter un caractère, une émotion qu’aucune mise en scène ne saurait créer artificiellement.

Une série où toutes les photos sont prises dans la même lumière neutre, c’est souvent une série plate.
Alors qu’en variant les ambiances lumineuses, vous donnez du relief à votre récit.

Créer des répétitions… sans tomber dans la redite

Une série ne doit pas être un patchwork. Elle doit avoir une ligne claire.
Cela suppose qu’il y ait des éléments récurrents.

Une couleur dominante. Une façon de cadrer. Un sujet central.
Ces répétitions créent l’unité.

Mais attention à ne pas tomber dans la redite. Cinq portraits d’insectes sur une fleur, tous à f/2.8, centrés, avec le même arrière-plan flou… Cela ne renforce pas votre série. Cela l’alourdit.

Posez-vous cette question : est-ce que cette image apporte quelque chose de nouveau à mon histoire ?
Si la réponse est non, vous pouvez sans doute vous en passer.

La cohérence visuelle ne veut pas dire répétition systématique.
Elle se construit par petites touches. Comme un refrain qui revient discrètement entre des couplets différents.

Si vous avez le sentiment de tourner en rond dans vos cadrages ou que vos images se répètent trop, c’est peut-être le moment d’explorer de nouvelles approches.
Cet article vous propose 10 techniques créatives simples à appliquer pour renouveler vos prises de vue — sans casser l’unité de votre série.
Parfois, une légère variation dans l’angle, le cadrage ou l’arrière-plan suffit à raconter autre chose… tout en restant fidèle à votre intention.

📸🌿La répétition ici est au niveau des pappus (les petites ombrelles qu’on souffle quand on est petit) : il y en a à chaque photo, mais jamais agencé pareil.

Trouver votre unité visuelle

Dernier point – et non des moindres – : l’unité visuelle.

Elle ne se décide pas forcément sur le terrain. Elle peut aussi se construire au moment du post-traitement.

Posez-vous cette question simple : à quoi doit ressembler ma série, visuellement parlant ?

Vous pouvez décider d’un traitement particulier :

– Noir et blanc ?
– Tons froids ou chauds ?
– Contraste marqué ou douceur pastel ?
– Netteté clinique ou rendu un peu onirique ?
– Recadrage panoramique ou format carré ?

Ce choix va dépendre de votre sujet et du message que vous voulez faire passer.
Mais une fois ce choix fait, tenez-vous-y.

Car c’est cette cohérence dans le rendu qui va donner à votre série son identité.
Et c’est aussi ce qui montrera que vous ne vous êtes pas contenté d’empiler des jolies photos, mais que vous avez construit une œuvre, avec un regard personnel.

📸🌿J’ai choisi de photographier uniquement au format carré et en noir et blanc, ce qui assure une cohérence entre mes images. Imaginez si, au milieu, il y en avait une en couleur et au format portrait ?

En résumé

Construire la diversité dans votre série photo animalière, ce n’est pas une question de quantité.
C’est une question de richesse visuelle, de rythme, d’angle, de lumière, de traitement.

Variez. Explorez. Osez.

Mais gardez toujours en tête votre fil conducteur. Ce que vous voulez dire. Ce que vous voulez faire ressentir.

C’est en respectant cette ligne que vos images, aussi différentes soient-elles, parleront d’une seule voix.

4. Sélectionner et organiser ses images pour raconter une histoire

À ce stade, vous avez passé des heures sur le terrain. Vous avez pris des dizaines, parfois des centaines de photos autour de votre sujet. Certaines vous plaisent beaucoup, d’autres un peu moins. Et maintenant vient une étape cruciale, souvent sous-estimée : le tri.

C’est ici que votre série va vraiment prendre forme.
Et ce n’est pas une simple opération de rangement. C’est un acte créatif à part entière.

Car une série forte, c’est autant ce que vous montrez… que ce que vous décidez de ne pas montrer.

Trier avec un œil critique

Ouvrez votre catalogue. Et regardez l’ensemble de vos photos. Pas une à une. Mais en mosaïque. En groupe.

Ce premier regard global est essentiel. Il va vous permettre d’identifier ce qui revient, ce qui détonne, ce qui vous parle vraiment. Il va faire émerger les grandes lignes de votre série.

Mais ensuite, il faut entrer dans le détail. Et là, il va falloir être impitoyable.

Posez-vous ces trois questions pour chaque photo :

1. Est-elle techniquement réussie ? (netteté, exposition, cadrage)
2. Est-elle pertinente dans le cadre de mon sujet ?
3. Apporte-t-elle quelque chose que les autres images n’ont pas déjà exprimé ?

Si la réponse est non à l’une de ces trois questions, alors cette photo n’a peut-être pas sa place dans votre série.

Et c’est parfois dur à accepter.
On a tous des coups de cœur. Des images qu’on aime “parce qu’on y était”.
Mais ce n’est pas le critère. Ce que vous ressentez en la regardant ne sera pas forcément ce que ressentira votre spectateur.

Gardez à l’esprit une chose simple : chaque image de votre série doit mériter sa place.

Aucune ne doit être là “pour combler”.
Chacune doit renforcer votre propos.

📸🌿Je pense que j’ai plus de 500 photos de pissenlits. J’en ai gardée que 7. Il y a une huitième qui arrivera lorsque j’arriverais enfin à la faire : une photo d’un pissenlit avec des pappus qui s’envolent.

Créer un rythme visuel

Une fois votre sélection resserrée, vous allez pouvoir jouer sur la mise en ordre.

Et ici, on entre dans la narration.

Imaginez que votre série est un petit film sans son. Vous allez devoir guider le regard, créer des respirations, surprendre, faire monter l’émotion.

Commencez par identifier les photos fortes. Celles qui claquent. Celles qui captent l’attention.
Elles peuvent servir d’ouverture ou de conclusion.

Puis intercalez des images plus calmes. Des images de contexte. Des transitions.

Alternez les plans. Les ambiances. Les rythmes.

Par exemple, une image dynamique d’un oiseau en vol peut être suivie d’un portrait apaisé. Un plan large dans la brume peut précéder une scène très colorée.

Ce jeu d’alternance va maintenir l’attention du spectateur.
Il va l’emmener d’une émotion à une autre, sans jamais l’ennuyer, ni le perdre.

C’est un peu comme en musique : il faut des notes hautes et des notes basses.
Des silences aussi.
Des respirations.

Construire une progression

Une bonne série n’est pas une simple suite d’images. C’est une histoire.
Et comme toute histoire, elle a un début, un développement, une fin.

Pensez à votre première image comme à une introduction. Elle doit poser le décor. Intriguer. Donner envie de voir la suite.

Les images suivantes doivent développer votre propos. Montrer la diversité. Explorer différents aspects de votre sujet. Creuser l’émotion.

Enfin, votre dernière photo doit marquer une conclusion. Pas forcément spectaculaire. Mais significative. Comme un point final. Une image qui résonne.

Ce schéma narratif n’est pas rigide. Il ne s’applique pas au pied de la lettre.
Mais si vous le gardez en tête, il vous aidera à organiser votre série de manière fluide et lisible.

📸🌿 Le sujet que j’ai choisi m’a facilité l’agencement entre les photos : j’ai utilisé un ordre chronologique de la vie d’un pissenlit en graine.

Trouver des liens entre les images

Parfois, ce sont de petits détails qui vont créer des connexions subtiles entre vos photos.

Une diagonale qui se répète. Un regard qui se prolonge d’une image à l’autre. Une couleur dominante qui revient comme un fil rouge.

Ces éléments peuvent paraître anecdotiques, mais ils participent à l’unité de votre série.
Ils créent un dialogue visuel entre les images.
Et ils montrent que vous avez pensé votre sélection comme un tout, pas comme une addition.

Vous pouvez même tester des associations inattendues. Deux images très différentes, mises côte à côte, peuvent parfois raconter plus que l’une ou l’autre séparément.

Faites des essais. Déplacez, réorganisez, changez de format.
Parfois, une série prend tout son sens à la faveur d’un simple ordre modifié.

Penser au format de diffusion

Votre sélection et votre ordre peuvent aussi dépendre du support final.

Si vous présentez votre série sur un site web, l’effet de scrolling vertical peut être mis à profit. Sur un mur d’exposition, la disposition spatiale devient essentielle. Et pour un livre, l’ouverture double page crée une toute autre dynamique.

Ne négligez pas ces contraintes. Car elles influencent la manière dont votre histoire sera perçue.

Adaptez votre rythme à l’espace.
Anticipez les ruptures de lecture.
Et testez, si possible, votre série dans son format final, pour voir ce qui fonctionne… ou pas.

📸🌿Pour cette série, je savais dès le début que je voulais en faire un recueil de nouvelles écrites à partir des photos. Je savais donc que les différentes images allaient être séparée par du texte et qu’on n’allait pas les voir les unes à la suite des autres immédiatement. Par exemple, cette série ne fonctionnerait pas du tout sous forme d’exposition car les transitions ne sont pas suffisamment fluide à mon goût.

En résumé

Trier et organiser vos photos n’est pas une simple formalité.
C’est un travail minutieux. Parfois frustrant. Mais profondément gratifiant.

C’est le moment où votre série prend forme. Où elle devient lisible. Touchante. Parlante.

Soyez exigeant. Soyez patient.
Et souvenez-vous que dans une bonne série, chaque image renforce les autres.

5. Mettre en valeur et diffuser sa série

Votre série est prête.
Vous avez pensé l’idée, préparé vos prises de vue, soigné la variété et la cohérence, sélectionné vos meilleures images, organisé leur ordre avec attention.

Il serait dommage d’en rester là.

Car une série, aussi réussie soit-elle, n’a de portée que si elle est vue.
Et surtout, comprise. Appréciée. Partagée.

C’est maintenant qu’il faut penser à la mise en valeur.

Pas seulement pour récolter des “likes”.
Mais pour faire vivre votre message. Toucher d’autres regards. Provoquer une émotion, une prise de conscience, une conversation.

Et pour cela, il y a plusieurs leviers.

Choisir le bon format de diffusion

Tout dépend de ce que vous voulez transmettre, et à qui.

Si votre objectif est de sensibiliser un public large, les réseaux sociaux restent un bon tremplin. Mais attention : la narration visuelle y est différente. Vous devrez souvent condenser votre série. Ou bien la publier en carrousel, avec un ordre bien pensé. Gardez une unité forte et évitez l’effet “patchwork” qui brouille le propos.

Si vous voulez proposer une immersion plus longue, optez pour une page dédiée sur votre site web. Vous pouvez y soigner la mise en page, intégrer vos légendes, écrire un court texte d’introduction. C’est un format idéal pour raconter une histoire du début à la fin, sans contraintes de format ni d’algorithme.

Autre option : le livre photo. Plus confidentiel, mais extrêmement gratifiant. Vous construisez un objet fini, tangible. Et vous pouvez le présenter à des concours, à des associations, à votre entourage. Il fige votre travail dans le temps.

Enfin, n’écartez pas l’idée d’une exposition. Même modeste, dans une médiathèque ou une salle associative. Ce type d’espace valorise l’image différemment. Le spectateur y prend le temps. Et vos photos y respirent autrement.

Chaque support a ses avantages. À vous de choisir celui qui sert le mieux votre intention.

Accompagner vos images avec des mots

Ne sous-estimez pas la force des légendes.

Une phrase bien choisie peut révéler un détail que l’image ne montre pas. Une ambiance. Un contexte. Une anecdote. Un enjeu écologique.

Cela ne veut pas dire qu’il faut tout expliquer.
Mais une légende bien dosée renforce le sens. Elle crée une connexion plus profonde avec celui qui regarde.

Et surtout, elle montre que vous avez réfléchi à ce que vous racontez.

Vous pouvez aussi, dans certains cas, écrire une introduction plus longue. Un texte qui présente votre démarche. Pourquoi ce sujet ? Qu’est-ce qui vous a poussé à le photographier ? Quels défis avez-vous rencontrés ?

Ces mots ne sont pas accessoires.
Ils sont une porte d’entrée dans votre univers.

Adapter votre message à votre audience

On ne parle pas de la même manière à un naturaliste passionné qu’à un public scolaire, ou à un curieux lambda croisé sur Instagram.

Pensez à votre cible.

Si vous vous adressez à un public averti, vous pouvez entrer dans des détails précis : comportement animal, espèces rares, écosystèmes.

Mais si vous visez un public plus large, restez simple. Pas simpliste, mais clair. Faites appel à des émotions universelles : la surprise, l’émerveillement, la peur, la tendresse.

Et surtout, restez fidèle à votre ton. Ne jouez pas un rôle.

Vos images sont déjà fortes. Vos mots doivent juste les accompagner. Les prolonger. Pas les écraser.

Faire vivre sa série dans le temps

Une série n’a pas besoin d’être figée.
Vous pouvez la faire évoluer. L’enrichir. La montrer dans des contextes différents.

Certaines séries prennent de l’ampleur avec le temps. Vous pouvez y revenir un an plus tard, y ajouter de nouveaux clichés, ou même en retrancher.
Parce que votre regard a changé. Ou parce que la nature, elle aussi, a évolué.

D’autres séries méritent d’être reprises sous un autre angle : une version plus courte pour les réseaux, une version commentée pour une conférence, une déclinaison pédagogique pour un public jeune.

Bref : ne laissez pas vos images dormir sur un disque dur.
Elles ont quelque chose à dire. Et vous aussi.

En résumé

Créer une série cohérente, c’est déjà un accomplissement.
Mais la valoriser, c’est ce qui lui donne sa raison d’être.

Prenez le temps de penser à la forme.
Choisissez le support qui correspond le mieux à votre sujet.
Ajoutez quelques mots bien choisis.
Et surtout, osez la montrer.

Car ce que vous avez photographié, avec sincérité et patience, peut résonner bien au-delà de votre écran.
Il peut toucher. Faire réfléchir. Éveiller des regards.

Et c’est bien là tout l’intérêt d’une série photo réussie, non ?

Conclusion

Créer une série cohérente, c’est bien plus que rassembler vos plus belles images.

C’est prendre du recul. Donner un sens. Offrir un regard personnel sur un sujet qui vous touche.
Cela demande du temps, de la rigueur… mais surtout de l’intention.
Et cette intention, c’est elle qui rendra votre travail mémorable.

Alors ne cherchez pas la perfection. Cherchez la clarté. Cherchez ce que vous avez vraiment envie de montrer.

Votre série n’a pas besoin d’être spectaculaire.
Elle a juste besoin d’être sincère, construite, réfléchie.

Et surtout : elle n’a pas besoin d’être parfaite du premier coup.
Vous allez peut-être tâtonner. Modifier votre idée en cours de route. Supprimer des images.
C’est normal.
C’est comme ça qu’on apprend.

Chaque série que vous créez vous apprend quelque chose sur votre sujet… et sur votre manière de le regarder.
En macro, je m’en rends compte à chaque projet : ce n’est qu’en avançant que les idées s’éclaircissent et que l’histoire se dessine.

Alors allez-y.

Faites le point sur vos dernières images. Cherchez un fil conducteur. Testez. Essayez.
Même un projet modeste, sur un seul coin de jardin ou une espèce banale, peut devenir un très bon point de départ.

Et souvenez-vous : vous ne construisez pas qu’une série.
Vous construisez votre regard.

L’article Créer une série photo animalière cohérente : de l’idée au projet final est apparu en premier sur Auxois Nature.

Disclaimer : Vous vous apprêtez à lire un article écrit par le photographe Lohan Bueno-Ravel du site ProxyMacroPhoto.fr

C’est donc lui qui s’exprime ici.

Les jours s’allongent, les températures remontent… La nature s’éveille doucement, et avec elle, les premiers sujets macro font leur apparition. Encore quelques semaines et la saison macro battra son plein.

Mais êtes-vous prêt ?

Un photographe, c’est comme un sportif avant une compétition : s’il veut donner le meilleur de lui-même, il ne se contente pas d’attendre le coup d’envoi. Il analyse ses performances passées, ajuste son équipement, peaufine sa technique et se fixe des objectifs clairs.

Plutôt que de ressortir votre matériel à la dernière minute, vous pourriez commencer dès maintenant à prévoir les beaux jours.
Entre trier ses photos, faire le point sur son matériel ou progresser sur une technique, les choses à faire avant de débuter la saison ne manquent pas.

Je vais vous partager comment je prépare la saison de la macro de manière efficace afin d’être au top dès que le soleil et les insectes pointent le bout de leurs antennes !

Faire le bilan de la saison passée

Avant de foncer tête baissée dans la nouvelle saison, faites le point sur l’année dernière. En plus d’être un boost de motivation, cela vous permettra d’éviter de reproduire les mêmes erreurs.

Trier ses photos

Si comme moi vous préférez l’étape prise de vue à celle post-traitement, vous avez sûrement un dossier bien trop gros de photo « à trier ».
C’est le cas ?
Alors occupez-vous-en maintenant. C’est votre priorité. Sinon, vous allez vous retrouver submerger.

C’est exactement ce qui m’est arrivé il y a deux ans : j’ai passé mon temps à repousser le tri et le post-traitement de mes photos pour favoriser la prise de vue. Une fois l’hiver arrivé, je m’y suis mis à contrecœur, au rythme de 50 photos… sur tout l’hiver. Sachant qu’il y en avait au moins 20 fois plus.
J’ai donc commencé la saison suivante avec cette corvée dans le coin de ma tête. J’en ai perdu le plaisir de photographier. Et j’ai failli laisser tomber la macro.

Suite à cet épisode, je me suis créé une routine pour trier mes photos tous les mois, en quelques heures j’ai traité celles qui m’intéressent et archivé les autres. Finit la longue liste d’attente démoralisante.

Donc triez vos photos, surtout que c’est nécessaire pour le point suivant :

Finir le post-traitement (ou revenir dessus)

L’avantage de post-traitement, c’est que vous pouvez rester bien au chaud devant votre ordinateur pour le faire.

Si vous n’avez pas traité toutes les photos sélectionnées de la saison précédente, vous connaissez le discours : faites-le rapidement.

Maintenant que tout est bien trié et traité, c’est l’heure de la re-traite.

Votre re-traite consiste à reprendre vos photos préférées de la saison dernière et de les repasser dans votre logiciel de post-traitement. Quand on traite ses photos juste après la prise de vue, on a pas forcément le recul nécessaire pour faire le meilleur choix, que ce soit dans la sélection ou dans le traitement.

Par exemple, cette photo de papillon qui s’envole, vous l’avez gardée car c’est la première fois que vous réussissiez à avoir le papillon net. Pourtant, avec le recul, vous voyez désormais l’antenne coupée et cette herbe qui divise l’aile en deux. Par rapport à vos autres photos, elle n’est pas ouf : direction les archives.

Ou cette coccinelle dont vous avez poussé la saturation pour faire ressortir le rouge sur le vert… à présent fluo. Il faudrait peut-être baisser la saturation (ou faire un masque sur la coccinelle pour faire ressortir uniquement le rouge, sans toucher le vert). En quelques clics, votre photo est encore mieux. Merci la re-traite.

Replonger dans ses archives (pour le meilleur et surtout le pire)

Avant de commencer une nouvelle saison macro, c’est toujours instructif de revivre les précédentes.

L’objectif est double : trouver des ambiances qui vous plaisent pour les reproduire, mais aussi analyser vos plus beaux loupés.

Honneur au pire. l’intérêt de revoir ses photos dignes de la poubelle est de comprendre quels sont les points à travailler qui amélioreront le plus vos photos.

En effet, ça ne sert à rien de s’acharner sur la composition si vous avez seulement une photo sur quatre de nette !

Voici mon ordre de priorité :

1. La netteté de vos photos
2. L’exposition
3. Les éléments qui perturbent la lecture (comme les brindilles qui coupent le sujet)
4. La composition
5. La gestion de l’avant et de l’arrière-plan
6. Votre touche personnelle

Mais ce travail est beaucoup plus simple si vos photos sont triées (et oui, on en revient toujours là).

La partie plus motivante est quand est venu le moment de s’intéresser à vos photos réussites.
L’idée est d’identifier ce qui vous plaît dans vos photos, pour pouvoir l’intégrer dans vos prochaines. Ça peut être une certaine composition, une ambiance, une couleur dominante, le sujet…

Pour ses deux exercices, je vous conseille vivement de les faire avec de quoi noter ! Vous pourrez ainsi relire vos remarques durant la saison pour savoir sur quoi vous concentrer.
D’ailleurs, vous pouvez vous faire un petit carnet de terrain dédié à la macro qui vous servira entre autres à noter vos connaissances !

Faire du ménage dans son matériel

C’est l’heure du grand ménage de printemps en avant première !
Profitez de la trêve hivernale pour faire un vrai point sur votre matériel : y a-t-il des objectifs ou des accessoires que vous n’utilisez plus ? Si oui, vendez-les !
Ça vous fera de la place, un peu d’argent et vous ferez un heureux (en plus de faire un geste simple pour la planète) !

Dans le même temps, listez ce qui pourrait vous manquer (notamment en vous appuyant sur les photos des années précédentes, encore le tri^^). Le but n’est pas de tout acheter, au contraire. Cette liste doit être réellement adaptée à vos besoins : ce n’est pas le dernier hybride qui répondra à vos besoins. Je parle plutôt d’accessoires comme des trépieds, des lampes ou des modeleurs.

Concernant le reste de votre matériel, faites un contrôle technique :

• Un grand nettoyage des objectifs pour enlever toutes les petites traces
• Un nettoyage du capteur s’il y a des taches
• Un formatage de vos cartes SD depuis le boîtier
• Un nettoyage des connectiques (entre le boîtier et l’objectif)

Parfaire ses connaissances

La macrophotographie ne se limite pas à appuyer sur le déclencheur. Il faut maîtriser les différents réglages, connaître son sujet et trouver le bon spot pour obtenir une bonne image avec le moins de raté possible.

Et le meilleur moment pour approfondir ses connaissances, c’est maintenant. Avant que la saison ne démarre, profitez de ce temps pour affiner votre technique, en apprendre plus sur la faune et la flore que vous photographiez et repérer de nouveaux terrains de jeu.

Les compétences photos

Un matin de printemps, après des semaines d’attente, Paul prend enfin son matériel et part en forêt. La veille, il a repéré un coin prometteur : une clairière où s’épanouissent de petites fleurs sauvages, parfaites pour la macro. Il s’installe, fait la mise au point… et déclenche.

Mais en regardant l’écran, la déception est immédiate : ses photos sont floues. Il change d’angle, refait ses réglages, essaie encore… Rien à faire. Peut-être un problème de stabilisation ? Peut-être qu’il tremble trop ? Il rentre frustré, sans la moindre image exploitable.

Quelques jours plus tard, nouvelle tentative. Cette fois, il s’attaque aux insectes. Un papillon se pose devant lui, ailes grandes ouvertes. Il cadre rapidement, déclenche… mais son sujet est déjà reparti. Toutes ses photos sont floues ou mal cadrées. Trop lent. Encore une sortie gâchée.

Au lieu de s’obstiner, Paul décide de changer d’approche. Il passe la soirée à regarder des vidéos, lire des articles. Il découvre que son problème de netteté vient de sa vitesse d’obturation trop basse et que pour les insectes, l’heure de la sortie est essentielle.

Quelques semaines plus tard, lorsqu’il repart sur le terrain, il sait exactement quoi faire. Ses réglages sont prêts, ses gestes plus fluides. Et cette fois, il rentre avec des images nettes et réussies.

Moralité ? Autant prendre les devants et apprendre la théorie dès maintenant. Profitez des journées pluvieuses pour revoir les bases, tester des réglages chez vous et éviter de perdre du temps une fois sur le terrain.

Parmi les compétences photos, il y a trois domaines sur lesquels vous pouvez agir :

• Les bases : la mise au point, l’exposition, les compositions classiques…
• Les techniques : l’éclairage artificiel, le focus-stacking, la gestion du bokeh…
• Post-traitement

Formez-vous maintenant dans un domaine pour mettre en application dès la première sortie (voir depuis chez vous).
Et pour choisir quelles compétences développer, vous pouvez vous référer au bilan de la saison précédente !

Les connaissances naturalistes

En macrophotographie, connaître son sujet est tout aussi important que de maîtriser son appareil. Savoir où et quand trouver une espèce, comprendre son comportement ou identifier les plantes qui l’attirent est essentiel pour réussir ses photos.

Imaginez : vous cherchez des mantes religieuses en lisière de forêt alors qu’elles affectionnent plutôt les hautes herbes sèches.

Pour réaliser un reportage, il faut connaître son sujet. C’est valable en macro : vous pouvez tomber par hasard sur une empuse et faire une photo correcte, mais pour avoir une exposition complète autour, vous devez savoir quel est son mode de vie, ses heures d’activités, son habitat, ses habitudes alimentaires…

Pour vous renseigner, les différents guides Delachaux et Niestlé sont une bonne base.

Vous pouvez également vous inscrire à la newsletter Natur’Hebdo dans laquelle je vous présente un sujet par semaine, avec des conseils pour le photographier.

En prenant le temps d’en apprendre plus sur les espèces que vous voulez photographier, vous augmentez vos chances de faire de belles rencontres et, surtout, d’obtenir des images bien plus intéressantes.

Faire du repérage

Une autre façon de réduire drastiquement votre quantité de sortie loupée est de faire du repérage.

Identifiez à l’avance vos futurs spots afin de prédire quels types de photos vous pouvez espérer y faire et si le déplacement vaut le coup.

Vous pouvez même faire un premier repérage depuis chez vous, avec deux outils : Google Earth (l’application Google Earth pro, qui est gratuite) et Google Maps.
Utilisez Google Maps en version plan et Google Earth pour repérer les zones d’intérêt proche de chez vous (forêts, parcs, friches, cours d’eau…) puis visitez-les grâce au mode Street View et aux photos des autres utilisateurs. Vous pourrez avoir un premier aperçu du type d’environnement et donc de photo faisable.

Sur Google Earth, il est possible de mettre en surbriance les « parcs et zones de loisirs », ce qui peut vous aider à localiser des idées de spots, comme ici, la forêt de Verrières en région parisienne. L’avantage de cet outil c’est que dans la majorité des cas, il ne propose pas les terrains privés comme « parcs et zones de loisirs », ce qui évite de rater une sortie !

Vous pouvez ensuite cliquer sur « En savoir plus avec google maps » afin d’avoir accès aux photos prises par d’autres personnes.

Se fixer un objectif

Le repérage est particulièrement intéressant si vous avez un objectif pour votre saison macro.

Je ne parle pas d’un objectif en nombre de photo ou de sortie, mais plutôt une ligne directrice, comme un projet photo ou de se spécialiser sur une espèce ou un environnement.

Essayer un projet photo

Pourquoi pas essayer un projet photo pour la nouvelle saison ?

Un projet photo, ça consiste à créer un ensemble de photo cohérent, pour une exposition ou un livre par exemple.

Vous pouvez vous appuyer sur une ambiance (comme du contre-jour ou des photos de nuit) pour apporter une cohérence à votre série.
Réfléchissez à ce que vous voulez montrer, aux contraintes que vous vous fixez, à un nombre de photo… Et c’est l’occasion de sortir de votre zone de confort ! Si vous faites de la couleur, testez le noir et blanc. Focalisez-vous sur la flore si vous photographiez principalement des insectes.

Se spécialiser sur une espèce

Vous le savez déjà : il faut connaître une espèce pour bien la photographier.

C’est pour ça qu’une partie des photographes se spécialisent sur une espèce (ou un groupe) après un certain temps. Ils acquièrent ainsi une connaissance pointue du mode de vie de leur sujet de prédilection ce qui leur permet d’obtenir des photos incroyables.

Si une espèce vous intrigue ou vous passionne particulièrement, documentez vous et organisez vos sorties autour de ce sujet (sans pour autant s’interdire de photographier les autres). Vous verrez qu’au bout de quelques sorties, vous réussirez à obtenir de meilleures photos.

Se spécialiser sur un environnement

Plutôt que de courir après tous les insectes et plantes que vous croisez, pourquoi ne pas concentrer votre attention sur un environnement précis ?

Forêt, prairie,mare, parc, jardin… Chaque milieu a son écosystème, ses ambiances lumineuses et ses sujets. En vous focalisant sur un environnement particulier, vous apprenez à mieux l’observer, à comprendre son fonctionnement et à anticiper les moments propices pour la photo.

Prenons l’exemple d’une mare :

• Le matin, les libellules encore engourdies par la fraîcheur sont plus faciles à approcher.
• À midi, la lumière dure crée des reflets intéressants sur l’eau.
• En fin de journée, les contre-jours offrent des ambiances féériques.

En choisissant un environnement et en y retournant régulièrement, vous développez une relation avec lui. Vous repérez les zones les plus intéressantes, vous apprenez à anticiper les apparitions d’insectes ou de fleurs, et vous obtenez des images bien plus travaillées qu’en multipliant les spots sans vraiment les connaître.

Et puis, c’est aussi une belle façon de redécouvrir un lieu proche de chez vous et d’y voir des détails que vous n’auriez jamais remarqués autrement.

Se cultiver

Regarder le travail d’autres photographes, s’intéresser à différentes approches artistiques, assister à des expositions… Tout cela nourrit votre créativité et affine votre style. Parfois, une simple image peut déclencher un déclic, une nouvelle idée, ou même vous faire voir votre propre pratique sous un autre angle.

Découvrir le travail d’autres photographes

Que vous soyez amateur ou expert, il y a toujours à apprendre des autres. Et pas uniquement des photographes de nature ou de macro. Explorer d’autres genres comme la photographie de portrait, de paysage ou même de street photographie peut vous donner des idées innovantes pour appliquer à votre propre discipline.

Par exemple, comment un photographe de portrait utilise-t-il la lumière ? Quelles compositions un photographe de rue privilégie-t-il pour capter des moments spontanés ? Ces techniques peuvent enrichir vos propres photos de macro, en vous apportant une vision différente de la lumière, du cadre et de l’approche générale.

Suivre des photographes que vous admirez sur les réseaux sociaux, lire des livres spécialisés, ou encore regarder des interviews peut vous apporter une grande richesse d’informations. Prenez l’habitude de vous inspirer des œuvres de ceux qui ont marqué leur époque ou des talents émergents. Cela vous permettra de faire évoluer votre propre vision et de trouver de nouvelles pistes à explorer.

Aller voir des festivals et expositions

Les festivals de photographie et les expositions sont des lieux parfaits pour se cultiver et élargir ses horizons. Ils vous permettent de découvrir des œuvres en grand format, de voir des séries complètes qui racontent une histoire, et d’entrer en contact avec d’autres passionnés.

Visiter ces événements est aussi l’occasion d’échanger avec d’autres photographes ou d’assister à des conférences en lien avec la macrophotographie, de quoi vous donner des idées pour la nouvelle saison.

Prendre le temps de se préparer pour mieux avancer

La nouvelle saison macro approche, et c’est le moment idéal pour mettre en place les bases solides qui feront de vous un photographe plus accompli. En prenant le temps de faire un bilan de la saison précédente, de réorganiser votre matériel, de parfaire vos connaissances et de vous cultiver, vous vous préparez à aborder la saison avec un regard neuf et une meilleure maîtrise de votre pratique.

Si vous avez des astuces ou des conseils à partager pour bien se préparer à la nouvelle saison macro, n’hésitez pas à les laisser en commentaire ! J’adorerais connaître vos pratiques et vos expériences.

L’article Comment préparer la nouvelle saison macro ? est apparu en premier sur Auxois Nature.

Disclaimer : Vous vous apprêtez à lire un article écrit par le photographe David Jutier du site LaPhotoNature.com

C’est donc lui qui s’exprime ici.

J’espère que mon premier article « ne jetez plus vos négatifs numériques » vous a convaincu que vous devriez absolument conserver vos données brutes et donc régler votre appareil sur « RAW ». Si ce n’est pas encore le cas je vous donne, photos à l’appui, 5 bonnes raisons de le faire dès que vous aurez fini la lecture de cet article.

1. Rallumez la lumière !

Une belle lumière est l’élément clé d’une image qu’on apprécie. Et c’est justement dans le rendu des lumières que votre appareil est le plus mauvais par rapport à vos yeux et votre cerveau.

Je ne vais pas vous assommer avec des histoires de plage dynamique et d’indices de luminance. Ce qui compte vraiment, c’est de savoir qu’avec le raw vous allez conserver beaucoup plus de nuances parmi les lumières qui éclairent réellement une scène et qui la rendent si agréable.

Vous allez retrouver l’éclairage initial que le .jpeg du boîtier fait disparaître. Comme ici avec cette feuille en contre-jour :

Les petits conseils « lumière » :

👉 Assombrir une photo (ou une zone) trop claire fait apparaître moins de bruit au développement qu’éclaircir une photo trop sombre. À avoir en tête lors de la prise de vue.

👉 Les masques sont les outils ultimes pour gérer les lumières, apprendre à s’en servir change la vie (de photographe…).

2. Faîtes revenir les couleurs

Vous arrive-t-il de vous dire après avoir pris une photo que les couleurs ne correspondent pas vraiment à la scène que vous avez vue ? Voire d’être carrément déçus par les teintes ou par le manque d’intensité des couleurs ?

C’est tout à fait normal : le jpeg du boîtier est un terrible réducteur de couleurs.

À partir de votre négatif numérique vous pourrez non seulement retrouver les couleurs de votre scène mais aussi créer ou renforcer une ambiance et affiner les teintes : le raw offre une formidable palette pour sublimer vos images.

Les petits conseils « couleur » :

👉 Une bonne balance des blancs est indispensable : toujours commencer le travail des couleurs par cette étape.

👉 Retravailler séparément les couleurs dans les ombres, les tons moyens et les hautes lumières donne un rendu plus fort et plus naturel.

3. Obtenez une netteté digne des objectifs pro

Grâce au format raw, vous pouvez produire des images d’une netteté incroyable. Vous n’avez pas le super objectif pro, celui avec la petite marque distinctive et le prix à 5 chiffres ?

Eh bien croyez-le ou non, mais en développant vos raw vous pouvez atteindre le même niveau de piqué qu’avec ces optiques de prestige. Si si.

Alors pas de malentendu : le post-traitement n’apportera jamais tous les avantages des objectifs très haut de gamme, on est d’accord. Mais coté piqué le raw comble largement l’écart entre les optiques.

La preuve en image avec cette mésange photographiée avec un zoom « best-seller » au prix accessible.

Les petits conseils « netteté » :

👉 Une touche de netteté bien placée peut avoir un impact bien supérieur à un renforcement global de l’image.

👉 Oui c’est grisant de jouer avec la netteté. Mais pousser les curseurs trop loin peut rendre l’image assez étrange. Toujours garder le contrôle 😉

4. Développer vos propres noir et blanc

Vous voulez plonger vos spectateurs dans des noirs et blancs à la fois profonds, précis et qui reflètent votre patte ? Là encore c’est une mission pour le format raw et sa richesse d’informations.

Car cela peut paraître paradoxal, mais pour faire un bon noir et blanc en numérique, il faut conserver un maximum d’informations de couleurs ! Elles sont indispensables pour ajuster finement les contrastes, les nuances et les intensités.

Les petits conseils « noir et blanc » :

👉 Pour convertir l’image en niveaux de gris, utiliser la luminance est la méthode la plus simple. Elle fournit une très bonne base pour la suite.

👉 Vous allez adorer les masques en N&B sur l’ordinateur !

5. Accédez aux techniques avancées

Avez-vous déjà été bluffé par un magnifique paysage surplombé par la Voie Lactée, par un panorama à couper le souffle ou par un superbe clair-obscur d’intérieur fourmillant de détails ?

L’« effet wahou » de ces fameuses images est souvent obtenu grâce à des techniques photos avancées : HDR, assemblages, empilements… L’accès à cette dimension photo est réservée aux 1 % des photographes qui utilisent les fichiers bruts de leur appareil.

Voulez-vous faire passer vos photos dans une nouvelle dimension en faisant sauter ces 5 limites ? Rien de plus simple !

👉 allez dans le menu de votre appareil et choisissez l’option raw

👉 découvrez dans le prochain mail de Régis la méthode pour développer en 5 minutes votre première photo 🙂

L’article Les 5 limites que vous allez faire sauter grâce au raw. est apparu en premier sur Auxois Nature.

Disclaimer : Vous vous apprêtez à lire un article écrit par le photographe David Jutier du site LaPhotoNature.com

C’est donc lui qui s’exprime ici.

J’aimerais commencer cette série d’articles par une question : que penseriez-vous d’un·e photographe qui utilise le film argentique et qui, aussitôt ses photos tirées sur papier, jette ses négatifs à la poubelle ?

Est-ce que vous diriez que ça n’a aucun sens ?

Eh bien c’est ce que font 99 % des photographes avec leurs images numériques, le plus souvent sans le savoir.

Car oui, quand on prend une photographie numérique, un négatif est produit. Toujours. C’est ce qu’on appelle le fichier « raw », et ce n’est pas encore une image. Il faut le développer et le tirer, exactement comme en argentique.

Pour un film argentique on utilise pour cela la chimie, en numérique tout se fait avec un logiciel. Mais dans les deux cas ces étapes sont obligatoires et déterminantes pour le résultat final.

Et c’est pour cela que j’ai choisi de vous parler de ce sujet : maîtriser cette phase de développement numérique est une technique photo très puissante.

Alors vous vous dîtes peut-être « mais lorsque je prends une photo je vois tout de suite le résultat au dos de l’appareil, pas besoin de développement ! ».

Donc avant d’aller plus loin je vous pose à nouveau une petite question :

Avez-vous déjà vu le négatif numérique de vos images ?

Comme il est fort possible que ce ne soit pas le cas, je vous en montre un tout de suite. Voici d’abord une image de fleur « normale », après développement :

Et voici le négatif numérique de cette image avant développement, c’est-à-dire ce que « voit » le capteur de l’appareil :

La transcription à l’écran des données « brutes de capteur » montre que pour l’appareil photo :

• chaque pixel n’est composé que d’une seule couleur : rouge, vert ou bleu,
• les pixels verts sont deux fois plus nombreux que les rouges et que les bleus,
• deux pixels de même couleur ne diffèrent que par leur luminosité.

Bref, pour notre œil et notre cerveau humain, ça ne ressemble à rien. Pour obtenir une image regardable, il faut développer ce négatif, reconstruire les couleurs, les lumières et les contrastes.

Et c’est ce que fait l’appareil photo juste après chaque prise de vue :

1. il réalise un développement express,
2. il exporte le résultat sous forme d’un fichier .jpeg visualisable,
3. par défaut il efface le négatif qui lui a servi à produire ce jpeg,
4. il se tient prêt pour la photo suivante !

Est-ce un problème de laisser ainsi l’appareil produire un jpeg et détruire les données brutes ?

Si vous n’accordez pas plus d’importance que cela à certaines images, non aucun souci. Dans tous les autres cas, oui c’est un problème, pour deux raisons principales :

La première est technique.

Les développements réalisés par les appareils sont des compromis d’usine conçus pour donner des résultats à peu près acceptables dans un maximum de situations.

Malheureusement, ces compromis et les limites techniques des capteurs empêchent bien souvent l’appareil de retranscrire fidèlement la scène telle que notre couple œil/cerveau peut la voir.

C’est d’autant plus marqué que les lumières sont complexes et intéressantes ! Seul un développement à partir du raw peut donner à l’image tout son rendu. Je vous donne un exemple typique d’un paysage dont je voulais absolument préserver le ciel lors de la prise de vue :

La seconde raison pour laquelle vous ne devriez plus laisser votre appareil décider à votre place du rendu de votre image est A R T I S T I Q U E.

Le .jpeg est comme un tirage papier : il est une interprétation de la prise de vue qui ne peut plus être modifiée. Laisser l’appareil produire un seul tirage avant d’en détruire la source c’est se priver du prolongement naturel de la prise de vue.

À l’inverse, développer vous-même à partir du négatif va vous permettre d’exprimer votre style, votre sensibilité, votre créativité. Non seulement vos images seront meilleures, mais elles vous procureront la fierté et la satisfaction de les avoir vous-même produites de A à Z. Et rien que ça, c’est top, et on en reparle très vite.

Alors rendez-vous dans le menu de votre appareil pour sélectionner l’option « RAW », et on se retrouve demain pour un nouveau billet au sujet qui va vous plaire : Les 5 limites que vous allez faire sauter grâce au raw.

En attendant demain, vous pouvez compléter la lecture avec cet article.

L’article Ne jetez plus vos négatifs à la poubelle ! est apparu en premier sur Auxois Nature.

Disclaimer : Vous vous apprêtez à lire un article écrit par le photographe Denis Coeur. C’est donc lui qui s’exprime. Retrouvez son travail sur son site internet : www.deniscoeurphotographe62.com

Nous sommes beaucoup de photographes en France. Mais la plupart d’entre nous n’a pas un matériel dernier cri.

Ni le dernier boîtier expert à 3000€, ni les meilleures optiques à grande ouverture au prix d’une voiture.

Cependant, avec notre matériel d’entrée et de moyenne gamme, nous pouvons largement nous faire plaisir. Avoir ce sentiment de bien faire les choses avec ce que nous avons.

Nous sommes également beaucoup à vouloir explorer des zones géographiques assez éloignées de notre domicile.

Avec cet article, je vais vous emmener dans la nature locale.
Celle qui se trouve à notre porte ou à quelques kilomètres de chez nous.

Je veux vous faire redécouvrir ces plaisirs simples qui valent mille fois un grand voyage. Je veux vous montrer qu’apprécier prendre en photo des choses simples peut nous remplir de bonheur.

Je tiens à remercier Régis de me donner l’opportunité de réaliser cet article sur son blog.

1/ Le matériel

Peu de personnes ont la chance de posséder des optiques à plus de 2000€.
Nous sommes pour la plupart équipés d’objectifs qui ouvrent au maximum à f5,6 voir f6,3.

C’est ce que l’on appelle une ouverture et c’est elle qui va faire en sorte d’apporter de la lumière ou pas sur notre photo et de provoquer un joli flou d’arrière-plan ou augmenter la zone de netteté.

Elle fait partie des éléments du triangle d’exposition.

Associée à la vitesse et aux Iso, notre photo sera bien exposée (à notre convenance) et nous permettra de créer de belles images.

Cet ensemble va nous permettre de créer du mouvement, de le figer, d’apporter du flou ou au contraire de produire beaucoup de netteté.

Pour cet article, je me limiterai aux optiques allant du 18 mm au 300mm.

Oui pour la simple et bonne raison, qu’au-delà, le prix sera conséquent malgré de faibles ouvertures. Je pense notamment au 150-600mm f/6.3, qui coûte tout de même plus de 1000€.

Côté boîtiers, entre l’entrée de gamme et la moyenne gamme, sont parfaits pour commencer à se faire plaisir. Nous avons dorénavant des boîtiers performants.

Il y en a beaucoup qui offrent entre 18 et 24 mégapixels. Ce qui est suffisant et incroyable pour obtenir une belle qualité d’image.

Lorsque j’ai commencé, j’étais équipé du Canon 600D, placé sur le haut de l’entrée de gamme (à l’époque, il y a 10 ans). Il avait 18 MP et s’en sortait pas si mal. Vous comprenez maintenant que nous sommes (en tout cas que nous avons été) au même niveau.

J’étais dans la même situation au point de vue matériel.

Bien sûr si vous possédez un boîtier expert et des objectifs lumineux… C’est très bien aussi…hein…pas de souci sur ce point !

Mais les optiques de base peuvent vraiment vous donner de bons résultats. Et je vous encourage vivement à ne pas vous … décourager !

Vous allez voir que vous allez progresser et que vous serez fier de vos images.

Ah oui, un dernier petit conseil pour le matos : lorsque vous trouverez que vous êtes limité dans votre travail… Pensez d’abord à changer vos optiques avant le boîtier.

Vous verrez, vous serez très étonné des résultats.

2/ Redécouvrir la nature locale

Comme je l’ai dit plus haut, une grande majorité d’entre nous a besoin de liberté, d’espaces …

Et bien souvent pour trouver ce que l’on veut, on ne va pas se limiter dans ses déplacements.

Je veux vous inciter, vous encourager à redécouvrir ce que vous avez derrière chez vous. Je veux que vous ouvriez les yeux pour voir cette nature qui s’offre à vous.
Et elle est juste à vos pieds.

Par ces mots je ne vous dis pas de ne pas voyager, de ne pas faire beaucoup de km pour trouver ce que vous cherchez.

Je désire simplement vous proposer autre chose…

Vous montrer que l’on peut voyager en restant proche de chez soi.

Dans les différents espaces où je vais vous emmener, il y aura plusieurs actions à mettre en place :

– Regarder/Observer

– Écouter

– Toucher

– Prendre son temps

Ma liste d’endroits :

Le premier endroit, auquel je pense, est le jardin. Notre jardin. Ce n’est pas loin et ça grouille de merveilles.

Les haies, les plantes, les arbres sont non seulement des éléments qui donnent beaucoup de positivité et de calme, mais c’est aussi un endroit ou la vie est partout.
Entre les fleurs et les insectes et les oiseaux, vous aurez beaucoup de choix.

Peut-être que certains d’entre vous auront plus de plaisir que d’autres avec la venue de quelques mammifères.

Mais le jardin c’est aussi le potager.

Vous allez voir que toute une microfaune se bouscule en son sein. Non seulement vous allez vous faire plaisir à récolter vos légumes… Mais vous allez aussi vous faire plaisir à prendre de superbes images.

Si vous n’avez pas de jardin, alors vous pouvez vous tourner vers les jardins publics de votre ville. Ils sont simples d’accès, parfois il suffit de s’y rendre à pied.

Ils sont constitués pour la plupart de bois, donc de parties fermées grâce à des arbres, buissons, haies.

Mais ils possèdent également des zones ouvertes, telles des prairies ou des espaces fleuris.

Nous retrouvons les mêmes avantages que nos propres jardins. Regardons bien autour de nous, prenons le temps de nous ralentir. La faune et la flore y sont présentes à profusion.

Sachons regarder et nous émerveiller aussi bien d’une coccinelle que d’un écureuil. Du vent dans les feuilles … ou simplement d’un arbre. S’assoir sur un banc pour se ressourcer de la nature.

Les zones humides

Mais ces parcs peuvent aussi accueillir des pièces d’eau. Lieu d’une autre vie avec des espèces différentes. Encore une bonne excuse de s’y promener.

En général un maillage se forme entre tous les habitants de ces lieux et nous offre un écosystème à part entière dans nos villes.

Les autres lieux :

Enfin nous avons 3 lieux différents qui nous plongeront dans la nature plus lointaine, mais toujours locale.

J’ai nommé la campagne , la forêt (ou bois) et les zones humides.

Il y a près de chez vous l’un de ces 3 domaines.

La campagne est pour moi un milieu ouvert avec des champs, des prairies, des bocages et des haies.

Je me souviens lorsque j’habitais chez mes parents, la campagne environnante était toute proche. Il me suffisait de partir à pied, de marcher moins de 10 minutes et j’étais dans les champs.

C’est là que j’ai fait mes premières armes dans l’observation de la nature. Juste regarder ce qui se passait autour de moi. C’est ce que l’on devrait tous faire pour commencer.

Les campagnes sont riches en biodiversité.

Entre les insectes, les oiseaux et les mammifères nous avons pas mal de choix. Nous avons aussi toute une végétation bien particulière formée par les cultures agricoles.

Souvent nous pouvons observer des lapins, des lièvres, des faisans. Des animaux courants, mais qui sont très intéressants à regarder. Le simple fait de voir un faisan ou une perdrix, nous permet de nous rapprocher de la nature.

Je suis actuellement dans la même situation. Les champs sont à 5 minutes de chez moi. C’est une aubaine qu’il ne faut pas laisser de côté.

Pour d’autres, se seront forêts ou bois qui seront proches de chez eux.

Depuis toujours les arbres et plus généralement la végétation ont une action positive sur nous. Lorsque nous entrons dans une forêt, il se passe des choses, des émotions nous viennent.

Nous nous trouvons très rapidement dans un état d’apaisement, de relaxation. Le vert des feuilles accentue d’autant plus toutes ces émotions.

Ici nous avons des possibilités de contempler de manière différente la nature. La dimension de ce lieu sauvage est divisée en strates.

En levant les yeux, une nouvelle richesse s’ouvre à nous. Restons encore une fois dans les choses simples.

Observons simplement la vie qui s’y trouve.

Partons du sol

Le tapis de feuilles mortes, qui se décompose en humus riche pour la macrofaune. Les petites plantes y ont élu domicile et s’y développent de façons diverses.

Parfois quand la canopée est couvrante, rien ne pousse ou presque. Parfois les rayons du soleil pénètrent suffisamment pour créer une végétalisation des sols. Deux environnements particuliers mais très inspirants.

Montons un peu

Nous allons découvrir quelques arbustes, les troncs et les branches. Ici c’est le domaine des oiseaux principalement.

Petits passereaux, comme les mésanges, pinsons, troglodytes, merles… Commence ici l’écoute des chants. Essayer de reconnaître à qui appartient ces phrases mélodieuses.

Nous allons pouvoir également toucher les troncs, feuilles, branches.
Fermez les yeux, prenez quelques minutes pour sentir les structures des écorces. Une formidable sensation de bien-être va vous envahir.

Enfin les étages supérieurs.

La canopée … royaume du vent et des plus grands oiseaux.

Enfin les zones humides nous donnent la possibilité d’apprécier une toute autre nature. Elles se déclinent sous différentes formes. Etangs, marais, lacs, rivières, fleuves, canaux, mares, marécages, mais aussi bords de mer.

Nous voici donc dans des cas de figure très différents les uns des autres. Une faune et une flore différentes suivant les lieux et les régions. Roselières, nénuphars, peupliers, saules têtards, canards, grèbes, hérons, mouettes ou Grands cormorans…

Grenouilles, libellules, poissons. Toujours des animaux faciles à apercevoir. Connaître des choses simples, permet de mieux les apprécier et par-là même les protéger.

Ma liste d’endroits est non exhaustive, mais représente les principaux lieux de nature que nous pouvons trouver à moins de 15km de chez nous. Alors profitons-en pour nous dépayser et partir faire des images.

3/ L’approche photographique

Maintenant que nous avons défini les différentes possibilités d’immersions dans la nature, nous allons pouvoir sortir nos appareils photo.

Une grande richesse d’éléments simples à photographier nous ouvre les bras.

La première chose à connaître est bien sûr de savoir exposer une image. Pour cela le (fameux) triangle d’exposition sera du plus grand secours.

Petit rappel : triangle d’exposition = vitesse/ouverture/iso

Comme son nom l’indique la vitesse va permettre de figer ou provoquer du mouvement dans l’image.

Plus la vitesse sera élevée plus nous réussirons à obtenir de détails sur le sujet.
Plus nous utiliserons une vitesse basse, plus nous créerons du mouvement sur le sujet.

Attention, plus nous utiliserons une vitesse basse plus nous laisserons entrer de la lumière. Au contraire plus la vitesse sera élevée moins la lumière pénétrera jusqu’au capteur.

Pour l’ouverture, nous allons intervenir également sur la quantité de lumière qui entre dans l’appareil photo et sur la profondeur de champ (zone de netteté).

– Plus les chiffres seront grands (f/14, f/16, f/22) plus le diaphragme sera fermé, plus nous aurons une grande zone de netteté et moins de lumière entrera.

– Plus les chiffres seront petits (f/6.3, f/5.6, f/4) plus la zone de netteté sera petite et plus nous aurons de lumière.

Enfin les Iso sont utiles pour accentuer luminosité grâce à une meilleur sensibilité du capteur. Vous pouvez les mettre en automatique. Choisissez juste une plage pour ne pas aller trop haut.

Une montée en Iso trop importante augmente une détérioration de la qualité des images (bruit numérique).

Ce petit rappel étant fait, nous pouvons sortir appareil en main. Photographier des sujets courants est à l’origine d’une double idée :

– Se faire plaisir

– Développer son travail photographique : Nous allons pouvoir nous essayer à différents domaines et choisir 1 ou 2 sujets pour les photographier sous tous les angles.

Si vous n’avez aucune idée des sujets qui peuvent vous intéresser, commencer avec ce que vous aurez découvert lors de vos premières balades. Que ce soit des arbres, des plantes, des insectes, des oiseaux, des mammifères ou des paysages, faites le plein d’images et voyez ce qui vous donne de l’inspiration. Prenez les feuilles, les petites plantes au sol, les fleurs de votre jardin.

Avec le printemps, toute une foule de petits insectes fourmille, peu importe les endroits où vous vous trouvez.

Prenez en photo ce que vous trouvez.

Au fur et à mesure de vos pérégrinations, des sujets vont devenirs plus évidents.
Utilisez vos modes priorité à l’ouverture ou à la vitesse pour vous essayer à créer de l’image.

Mettez du mouvement sur vos sujets ou sur l’image entière. Au contraire, figez l’action ou le moment pour dévoiler les détails d’un élément. Par exemple obtenir beaucoup de détails dans le plumage d’un oiseau qui s’envole.

Produisez du flou d’arrière-plan et/ou d’avant-plan pour mettre en valeur votre sujet. On peut citer ici le portrait d’un cheval, d’un chien. Mettre en valeur une fleur unique parmi tout un groupe.

Ou au contraire augmenter la profondeur de champ pour accentuer la netteté.
Peut-être jusqu’à l’ensemble de la photographie.

Mettre en valeur une scène de vie, comme un animal dans son environnement, peut offrir de magnifiques images.

Mon souhait…

J’aimerais vraiment que vous vous penchiez sur les choses les plus simples que vous rencontrez dans vos balades quotidiennes en nature.

J’aimerais que vous vous posiez la question de comment faire pour les mettre en valeur.

J’aimerais qu’avec votre matériel, aussi simple soit-il, vous réfléchissiez à vos réglages pour sublimer vos sujets.

Retrouvez de la gratitude envers ce qui nous entoure.

Retrouvez l’amour des choses simples, va vous permettre d’évoluer et de vous faire grandir.

Je ne vous dis pas que cela va être simple, que vous allez y arriver du premier coup…

Mais je vous assure qu’avec un peu de travail, vous allez découvrir de merveilleuses émotions.

Pour continuer avec Denis Coeur

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L’article Redécouvrir les plaisirs simples, et les photographier est apparu en premier sur Auxois Nature.

Disclaimer : Vous vous apprêtez à lire un article écrit par le photographe Samuel Faure. C’est donc lui qui s’exprime. Il est en train de créer  » Picture For Nature « , le Festival Nature de la Photographie Ecologique 2022 en Auvergne.

Découvrez son projet sur sa page Ulule

Avril 2020, plein confinement : tout est parti d’ici.

Alors que je reçois mes derniers tableaux pour ma prochaine exposition « Mare’veilleuse Nature », je me retrouve face à ce constat : 12 tableaux imprimés sur aluminium Dibond livrés en 4 fois et emballés dans 15 m2 de cartons et 15 m2 de papier bulle.

Moi, passionné de photographie et de nature, conscient qu’il faut que chacun fasse des efforts à sa petite échelle pour protéger notre planète, je me trouve nez à nez avec une montagne de déchets !

Poussant ma réflexion plus loin, je me renseigne alors sur la composition et la fabrication de l’aluminium Dibond : 2 couches d’aluminium (métal produit principalement à partir de la roche bauxite) entourant une couche de polyéthylène (plastique produit majoritairement à partir de pétrole), en résumé que des énergies fossiles !

La goutte d’eau qui fait déborder le vase.

Après plusieurs jours de réflexion, j’en suis arrivé au questionnement suivant :

Comment la photographie nature peut- elle continuer d’exister sans nuire à notre écosystème ?

Chaque année des centaines de milliers d’œuvres photographiques nature sont imprimées, collées, contrecollées avec pour la majorité des matières premières extraites de nos sols ou de nos forêts. Nous, photographes nature, ne pouvons-nous pas trouver des alternatives pour mettre en lumière la beauté du monde qui nous entoure ?

Ma réflexion s’est alors portée sur la possibilité d’imprimer ces œuvres sans participer indirectement à la déforestation ou à l’appauvrissement des sols, avec un regard tout particulier sur la qualité du papier. 

Le projet que je souhaite porter peut désormais voir le jour : créer ma propre association « PICTURE FOR NATURE » afin d’allier photographie et écologie.

Projet novateur et fédérateur, Picture for Nature, déjà riches d’alternatives écologiques à offrir aux impressions photographiques, rassemblera ses adeptes du 3 au 5 juin 2022 lors d’un grand festival qui se déroulera en Auvergne.

Retour sur les étapes d’un projet inédit en France (et même au-delà), de la recherche d’informations aux initiatives concrètes.

Impressions photos : état des lieux

L’impression photographique est la rencontre d’un papier, d’un support, et du savoir-faire d’un imprimeur.

Il existe 2 types de papiers :

• Les papiers « classiques » : blanchis au chlore, ils sont recouverts sur chaque face d’une fine couche de polyéthylène (plastique).
• Les papiers « haut de gamme » : en fibres naturelles et non blanchis artificiellement au chlore, on retrouve notamment les papiers « Rag » et « Baryta ».

Ces deux types de papiers peuvent être combinés avec une grande diversité de supports :

• Cadre photo « classique » : en bois, en résine, ou autre
• Caisson américain : encadrement bois donnant un aspect de profondeur
• Plaque d’aluminium
• Plaque « Dibond » : 2 couches d’aluminium entourant une couche de polyéthylène
• Plaque de verre acrylique + photo avec filtre anti-UV + plaque d’aluminium : c’est à ce jour le support « haut de gamme » proposé par les maisons d’impressions

L’impression actuelle : tout sauf écologique

Que ce soit en premier prix ou en tirage d’art, le marché de l’impression photographique ne tient pas réellement compte de l’impact sur la planète, participant un peu plus à l’appauvrissement des sols et à la déforestation.

Actuellement il y a deux grandes tendances :

– Les impressions « bon marché » : proposées sur un papier (et/ou un support) bas de gamme, les photographies voient leurs prix tirés au plus bas pour toucher une population désireuse de s’offrir des œuvres à moindre frais. A quel prix pour notre planète ?

– Les impressions « haut de gamme » : pompeusement appelées « Fine Art » ou « Photographie d’Art », leur atout commercial réside dans un papier « propre » et conçu pour durer. Ils sont pourtant très fragiles et s’abiment à la moindre rayure. Ajoutez à cela des tirages « limités » (souvent à plusieurs centaines ou milliers d’exemplaires) et vous avez l’impression de vous offrir une œuvre unique…qui ne l’est finalement pas.

Si le papier semble moins nocif pour la planète qu’un papier classique, les supports proposés sont ce qu’il y a de pire. Plus nous montons en gamme, plus l’impact sur la planète est grand.

De l’extraction à la production, il semblerait que les étapes de fabrication d’un tirage en photographie nature soient en total décalage avec les démarches écoresponsables que véhiculent bien souvent les œuvres et leurs artistes.

Des solutions écologiques concrètes : le papier Washi 100% naturel

Ne nous cachons pas, la planète étouffe et la photographie y participe.

Pouvons-nous continuer d’épuiser nos sols juste pour de l’impression photo ?

Actuellement, la quasi-totalité du marché de l’impression est détenue par des papiers traités sur des supports issus d’énergies fossiles.

Après m’être longuement penché sur des alternatives d’impression moins polluantes et plus écoresponsables, j’ai découvert un papier méconnu du grand public : un papier Washi 100% naturel.

Maitres papetiers dans le sud de la France, Benoit et Stéphanie produisent des papiers dans la plus pure tradition Japonaise.

La matière première, le kozo ou mûrier à papier, est récoltée à la main dans un périmètre de 50 km autour de leur atelier.

Cette plante invasive, importée en France dans la seconde moitié du 18^ème siècle, est utilisée pour la fabrication d’une pâte à papier (manuellement uniquement).

L’eau utilisée est issue d’une source naturelle.

Aucun procédé chimique n’intervient dans la confection ni le blanchiment du papier, seulement du temps et du savoir-faire.

Ces papiers, d’une grande robustesse, sont conçus pour durer 400 ans sans faire perdre aux images leur éclat.

C’est en me rendant directement à leur atelier que l’impression écologique a pris tout son sens. L’éthique est au cœur de leur pratique, et leur perfectionnisme donne à chaque feuille de papier un caractère unique.

Ici, pas de bruit de machines, pas de fabrication à la chaine, juste le crissement des outils pour extraire et sélectionner les meilleures fibres du kozo pour la fabrication d’une feuille artisanale à la qualité inégalable.

Ce papier est l’alchimie entre Dame Nature et le savoir-faire d’un maitre papetier motivé par l’amour de son art et du travail bien fait.

Il est la base essentielle pour remettre la photographie à son rang d’œuvre d’art en privilégiant des impressions qualitatives et non quantitatives.

Un papier 100% naturel n’a de sens que si son support véhicule la même éthique.

Nous travaillons actuellement sur des encadrements en matières recyclées et recyclables.

Le bois semble naturellement être la matière la mieux adaptée pour ce type d’utilisation, que ce soit pour des cadres « classiques », des caissons américains ou des kakemonos (rouleaux de suspension traditionnels japonais).

« Picture for Nature » : le festival photo de demain…

Afin de promouvoir ces valeurs écoresponsables de production en photographie, nous avons choisi de regrouper les différents acteurs autour d’un seul et unique évènement : le premier Festival de Photographie Nature Écologique en Auvergne en 2022

Réunissant photographes nature engagés, maitres papetiers, artisans d’art et associations de protection de la nature, avec un objectif commun : informer sur les alternatives écologiques de l’impression photo tout en partageant de belles images et créations.

Alimenté par des conférences et projections de films nature, le festival souhaite fédérer les différents acteurs autour d’une réflexion commune :

Comment la photographie nature peut- elle continuer d’exister sans suire à notre écosystème?

… pour un projet commun

Il est évident qu’un tel projet ne pourra voir le jour sans le soutien d’une municipalité engagée pour cette cause, d’une Région porteuse d’un message écoresponsable, d’associations ouvertes à des projets concrets d’actions sur le terrain, et d’individus conscients de l’importance de modifier nos habitudes en matière d’écologie.

Pour soutenir ce projet une cagnotte participative a été mise en place jusqu’au Mercredi 24 février 2021 sur le site Ulule.

L’objectif est de récolter suffisamment de fonds pour définitivement lancer le projet de festival.

En contrepartie les généreux donateurs recevront des tirages photos, des cartes postales ou des marques-pages sur ce papier d’exception.

Vous trouverez ci-dessous le lien pour contribuer à ce projet inédit :

https://fr.ulule.com/picture-for-nature/

Dans ce projet TOUT LE MONDE Y GAGNE : on crée des œuvres d’art en limitant au maximum l’impact sur la planète, on aide les associations de protection de la nature par des dons directs, et l’acheteur possède une œuvre conçue pour durer 400 ans !

Quoi de plus gratifiant pour un artiste que d’être mis en lumière par un autre artiste ?

En visitant Benoit et Stéphanie, maitres papetiers, je n’ai pas simplement découvert un papier, j’ai découvert une éthique.

Comme la pratique de la photographie nature doit être raisonnée et respectueuse de l’environnement et de leurs habitants, l’impression a besoin de faire « peau neuve » en matière d’écologie.

Si certaines maisons d’éditions veulent démocratiser les impressions d’art, « Picture for Nature » a pour objectif de démocratiser les impressions d’art écologique en travaillant exclusivement avec des photographes engagés pour la protection de la planète.

Il existe encore de nombreux domaines à explorer pour des éditions encore plus écologiques (supports, encres, conditionnement, emballages, expéditions…), mais ce papier pourrait bien impulser un nouvel élan écoresponsable à l’impression en photographie nature.

Pour mettre en lumière ce papier et le travail de photographes engagés, nous organisons le 1er Festival Photo Nature Ecologique en Auvergne au printemps 2022 dans le but d’informer et de présenter ces alternatives écoresponsables à l’impression d’art actuellement pratiquée.

Si vous souhaitez soutenir un tel projet, ou tout simplement vous rendre compte par vous-même du rendu de ces impressions sur papier Washi, rendez-vous sur la page « Picture for Nature » du site Ulule :

https://fr.ulule.com/picture-for-nature/

Samuel Faure, photographe amateur et président de l’association « Picture for Nature »

Instagram : @picture.for.nature

L’article Photographie et impression : l’urgence d’agir est apparu en premier sur Auxois Nature.

Disclaimer : Vous vous apprêtez à lire un article écrit par le photographe Laurent Duperier. C’est donc lui qui s’exprime. Il a créé un guide PDF à télécharger gratuitement.

10 conseils pour les débutants en photo nature

Après 25 ans passés à photographier la nature, je me suis aperçu que c’est grâce à elle que je suis arrivé à trouver un équilibre dans ma vie quotidienne.

Ce constat m’a poussé à aider les autres en devenant formateur. Je ne souhaite pas seulement vous apprendre comment photographier la nature, mais surtout pourquoi !

Cette fois c’est décidé, vous voulez voir la vie en XL, XXL, panoramique !!!

Pourquoi voir le monde à travers une petite lucarne quand on peut le contempler depuis une grande baie vitrée ? Vous voilà tout(e) excité(e) à cette idée, mais seulement comment faire ?

Il existe bien une solution rapide : recadrer en format panoramique une photo contenant suffisamment de pixels. En fait, ça équivaut à tailler dans la petite lucarne pour n’en garder qu’un bout… Déprimant. ☹

Non, vous ne voulez pas d’un pansement, mais d’une vraie solution.

Ok, voyons grand ! Suivez-moi à travers 10 étapes pour maîtriser la photo de nature panoramique !

Etape # 1 : Choisissez le bon matériel

Soyons clairs, faire une photo panoramique exceptionnelle demande un peu de matériel. En fait, ça dépend de vos objectifs. Entre réussir la photo et faire une photo à tomber par terre, la différence peut tenir à quelques accessoires.

Plus vous mettrez de chances de votre côté, plus le résultat sera facile à atteindre. Gardez bien en tête que même aujourd’hui, avec les progrès impressionnants des algorithmes des logiciels d’assemblage photo, si vous n’avez pas utilisé à la prise de vue le matériel adéquat, la photo sera décevante, voire bonne pour la corbeille.

Il existe 2 écoles de photographes :

• Panoramique rapide à main levée.

C’est faisable si vous n’avez pas de trépied avec vous et êtes pressé, à condition de vraiment maîtriser la technique photo spécifique au panoramique. Sinon, vous allez au crash…

• Panoramique précis sur trépied.

Préférable que l’on soit débutant ou expert. Ce qui est valable pour la photo de paysage classique l’est encore plus pour la photo panoramique.

Voici mes recommandations de matériel, classé par priorité :

Vous vous dites sans doute : il est fou d’avoir classé l’objectif grand angle en 11^ème et le filtre polarisant en 12^ème positions !

C’est clair, ces deux-là font partie de mes incontournables en photo de paysage classique !

Mais si vous saviez le nombre de photos panoramiques que j’ai jetées à cause d’un :

• sujet principal perdu et minuscule au milieu d’un immense espace vide à cause du grand angle,

• ciel avec une zone bleu très foncé et le reste du ciel bleu clair (en fonction du soleil) à cause du filtre polarisant.

Je m’en mords encore les doigts !!!

Croyez-moi, l’objectif grand-angle et le filtre panoramique sont de faux amis en photo panoramique !

Etape # 2 : Choisissez le lieu adéquat

Voir grand c’est bien, mais tous les sujets ne se prêtent pas au panoramique.

Vous avez flashé sur un lieu précis parce qu’il y a un élément qui a retenu votre attention. Aïe, ça commence mal.

Pour photographier en panoramique, il faut voir en panoramique. Ne restreignez donc pas votre attention sur un point précis mais au contraire, scrutez l’ensemble de la scène.

2 points importants pour choisir votre lieu de prise de vue :

1. Pour qu’une photo panoramique soit réussie, il faut que toute la largeur de l’image soit intéressante !

S’il y a trop de zones vides ou des éléments parasites, ça ruinera la beauté de votre photo…

2. Attention aux éléments mobiles dans l’image !

Si des éléments bougent d’une vue à l’autre (animaux, vagues…) ça créera des images fantômes lors de l’assemblage des photos car ils apparaîtront plusieurs fois à des endroits différents. Votre logiciel risque de ne pas pouvoir corriger ce problème et votre panoramique finira à la corbeille…

Comment faire alors pour bien composer ma photo ? Ne bougez pas, on voit ça ensemble dans l’étape #3.

Etape # 3 : Voyez large, mais composez juste

Composer une scène photographique, c’est faire des choix : retenir les éléments importants pour les mettre en valeur et écarter les autres.

Le problème avec le panoramique, c’est que le premier réflexe des débutants (ou photographes pressés) est de capturer l’ensemble de la scène qui se présente sous leurs yeux. C’est une erreur !

Rappelez-vous de l’étape # 2 : vos yeux filtrent naturellement ce qu’ils voient pour ne retenir que l’essentiel, pas votre appareil photo. Il capture tout : le bon et le mauvais.

Soyez attentif aux bases de la composition (règle des 1/3, utilisation des diagonales, équilibre des plans, etc…). La photo panoramique est très exigeante et laisse peu de marge de manœuvre pour composer car le champ est très large. La conséquence ? Négligez cette étape et aucun logiciel ne pourra sauver votre photo…

Etape # 4 : Choisissez le bon format de prise de vue

Vous allez être tenté(e) de placer votre boîtier en format paysage (horizontal) pour couvrir plus rapidement l’ensemble de la zone du panoramique. Stop ! Basculez le boîtier en format portrait (vertical). Pourquoi ? Il vous faudra certes davantage de photos pour couvrir la zone, mais vous allez également couvrir un plus large champ vertical.

Pourquoi c’est important ? Dans l’exemple ci-dessous, à gauche il aura fallu seulement 3 photos pour faire le panoramique, mais il manque des éléments importants de la scène (sommet de la montagne et 1^er plan).

A droite, 6 photos auront été nécessaires mais le résultat est sans comparaison…

De plus, lors de l’assemblage des photos sur ordinateur, vous aurez plus de marge en cadrant en vertical pour rogner dans la photo et ne conserver que le meilleur du panoramique !

Etape # 5 : Anticipez la bonne exposition

De la même manière qu’un filtre polarisant peut ruiner votre ciel en panoramique, les écarts d’exposition seront très difficiles à corriger lors de l’assemblage.

Plus le champ photographié sera large et plus les écarts d’exposition seront visibles. En effet, vous pouvez très bien démarrer avec le soleil presque dans votre dos et terminer face à lui ! Imaginez les écarts de luminosité sur une même image !

Alors, comment faire ? Reprenez la main sur les automatismes !

1. Passez en mode d’exposition manuelle (mode M).
2. Observez la position du soleil par rapport à la scène à photographier.
3. Mesurez la lumière dans la zone à mi-chemin (exposition moyenne) entre le soleil et la zone la plus sombre.
4. En prenant les photos, corrigez manuellement l’exposition vis-à-vis de la valeur moyenne :
   • +0.3 IL pour chaque photo qui va en direction de l’ombre,
   • -0.3 IL pour chaque photo qui va en direction du soleil.

Plus clairement, ça ressemble à ça si vous commencez votre panoramique à gauche et allez vers le soleil à droite :

Le résultat final devrait être une exposition homogène sur toute la surface de la photo.

Etape # 6 : Apprenez à bien pivoter

Ne croyez pas qu’il suffit de pivoter sur vous-même et d’enchaîner les vues pour réussir un assemblage parfait des images. En photo panoramique, pour que les vues s’assemblent parfaitement il est indispensable qu’elles aient été prises depuis le même point de vue ! Si ce n’est pas le cas, vous vous exposez à des raccords mal ajustés.

4 points importants :

• Pivotez autour du point nodal (plus exactement de la pupille d’entrée) de votre objectif. Ne fixez pas votre boîtier au trépied à partir du pas de vis situé sous la semelle de celui-ci. Utilisez une tête panoramique en « L ».

• Attention avec les zooms, la pupille d’entrée (et donc l’axe de rotation) se déplace dans l’objectif si l’on zoome ou dé-zoome. Ne l’utilisez pas en position grand-angle et repérez l’axe de la pupille d’entrée (en collant par exemple une pastille sous l’objectif) pour chaque focale que vous comptez utiliser en panoramique.

• N’utilisez pas d’objectif grand-angle (encore ce faux ami) car les distorsions de ce type d’objectif amplifient les problèmes d’ajustement des vues (sauf si le sujet et le 1^er plan sont distants).

• Plus le 1^er plan est proche, plus il faut être précis en pivotant car le moindre écart de raccord se verra lors de l’assemblage.

Mais c’est quoi ce point nodal ?

Il correspond à « l’œil » de votre objectif et se situe au niveau du diaphragme (équivalent à l’iris de l’œil humain). L’appellation juste est : pupille d’entrée.

Rien de mieux que quelques dessins pour comprendre.

Comment pivoter ?

Etape # 7 : Ne vous précipitez pas

Vous avez correctement positionné votre boîtier sur le trépied et n’avez qu’une idée en tête : déclencher !

Pas si vite. D’abord, faites un balayage intégral de la scène avec l’œil dans le viseur, pour vérifier que :

• Vous avez bien l’intégralité du 1^er plan qui entrera sur la totalité de l’image finale. Et oui, ça peut être bon sur les 1ères vues et en pivotant vous vous rendez compte qu’il vous manque un bout de rocher plus proche de vous.

• Vous ne coupez pas un des sommets de la montagne ou d’un arbre (vous n’y croyez pas ? Pourtant ça m’est arrivé ☺).

• Si vous avez le soleil dans le dos, votre ombre ne se projette pas dans le cadre (dans l’enchaînement des vues ça peut arriver).

• Aucun élément parasite ne vient ruiner votre photo (déchet…).

Ces conseils peuvent paraître évidents car ils s’appliquent déjà à toute photo de paysage, mais la difficulté du panoramique c’est que vous ne devez pas être attentif sur 1 photo mais 5, 7, 9 ou plus enchaînées…

Etape # 8 : Maîtrisez l’art du recouvrement

Pour assembler correctement vos photos, votre logiciel a besoin de votre aide.

Si vous associez vos photos sans les faire se chevaucher sur environ 25% de leur surface, vous ne donnez pas de repères à votre logiciel d’assemblage. Déception assurée…

Par exemple, si un arbre se trouve à droite de la 1^ère vue, placez ce même arbre à l’extrême gauche de la 2^ème vue. Votre logiciel reconnaîtra la forme de l’arbre et fera ainsi un ajustement précis.

Egalement, dans la même logique que l’étape #9 qui suit, facilitez-vous la lecture de vos photos panoramiques en les prenant toujours de la gauche vers la droite. C’est le sens de lecture habituel. Ainsi, tant sur l’écran arrière de votre boîtier que sur celui de l’ordinateur, l’enchaînement des vues constituant le panoramique vous apparaîtra facilement.

Etape # 9 : Taguez vos photos panoramiques

Ouf, ça y est ! Vous avez réussi la prise de vue de votre superbe photo panoramique. Bravo, le plus dur est fait.

Le problème pourtant, c’est que les 7 (ou plus) photos verticales sont mélangées sur votre carte mémoire à toutes les autres prises le même jour, de façon classique cette fois.

Le risque ? C’est que si vous n’exploitez pas de suite vos photos, vous risquez d’oublier que ces photos verticales mal composées de manière individuelle sont en fait chacune un bout d’une image panoramique.

Vous voyez où je veux en venir ? Vous risquez de les supprimer de la carte (ou du disque dur de l’ordinateur) car tant qu’elles ne sont pas assemblées, elles semblent plutôt moches.

Mon astuce : taguez vos photos panoramiques. Il existe généralement une fonction de protection sur les boîtiers. Ainsi, pas de risque de boulette !

Etape # 10 : Choisissez le bon logiciel pour assembler vos photos

Vous avez parfaitement réalisé chaque étape de la prise de vue panoramique et vivez enfin l’excitation de voir le résultat lors de l’assemblage final des photos.

A l’heure actuelle, beaucoup de logiciels sont capables de faire de l’assemblage panoramique. Certains utilisent des plug-ins dédiés à cette fonction. C’est pratique pour débuter…

Pourtant, si cette méthode photographique vous plait et que vous souhaitez en tirer le meilleur, je vous conseille de choisir un logiciel dédié.

Il en existe plusieurs qui sont excellents, en particulier actuellement PT Gui semble être le meilleur.

J’utilise pour ma part depuis de nombreuses années Autopano pro. L’un des pionniers, qui n’est malheureusement plus en vente depuis 2018 mais est excellentissime en rendu et simplicité d’utilisation.

Conclusion

Au travers de ces 10 étapes, vous avez le chemin à suivre pour débuter de la meilleure des manières dans le domaine particulier de la photo nature panoramique.

Je vais être honnête avec vous. Même avec les progrès constants du matériel photo et des logiciels d’assemblage, c’est une technique qui demande de la rigueur et de la persévérance. Au début, il y aura des ratés.

La bonne nouvelle, c’est qu’une fois que vous maîtrisez la recette, il suffit de la reproduire à chaque fois pour obtenir des résultats époustouflants !

Maintenant, c’est à vous de jouer. Lancez-vous et voyez la photo nature en XXL !!!

Vous souhaitez aller plus loin dans le domaine de la photo panoramique et cherchez l’inspiration ?

Pour son immense travail pédagogique sur la technique panoramique, je vous conseille le site d’Arnaud Fritch

Pour vous inspirer et vous en mettre plein les yeux, je vous recommande le site de Samuel BITTON

A bientôt.

Laurent Dupérier

Après 25 ans passés à photographier la nature, je me suis aperçu que c’est grâce à elle que je suis arrivé à trouver un équilibre dans ma vie quotidienne.

Ce constat m’a poussé à aider les autres en devenant formateur. Je ne souhaite pas seulement vous apprendre comment photographier la nature, mais surtout pourquoi !

• Site : https://www.laurentduperierphotographie.com/
• Instagram : https://www.instagram.com/laurent_duperier/
• Facebook : https://www.facebook.com/LaurentDuperierPhotographie/

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NOTE DE RÉGIS : cet article a été rédigé par David Tuleu, photographe et auteur du site www.davidtuleu.com. Son travail original mêle photos, voyages et cinéma et je ne peux que vous conseiller de le suivre en vous abonnant à sa newsletter de grande qualité en cliquant ici.

À présent, je laisse la parole à David, vous allez vous régaler …

Préambule

Bienvenue dans cet article qui va aborder toutes les grandes étapes de la mise en place d’un projet photographique.

Tout d’abord, en guise d’introduction, je tiens à vous dire que ce qui suit n’a pas la prétention de vous apporter des réponses toutes prêtes pour créer votre projet. Désolé pour le spoiler, mais je préfère annoncer la couleur tout de suite. 

Mon but ici est plutôt de vous pousser à vous poser les bonnes questions et de vous fournir quelques clefs de réflexion qui vous permettront de trouver votre chemin tout seul. 

La raison en est toute simple : Nous avons toutes et tous des projets photographiques très différents, des manières de travailler qui ne sont pas les mêmes et nous n’avons pas les mêmes buts, envies ou ambitions.

Vous voilà averti.es, entrons ensemble dans le vif du sujet !

Trouver l’idée

C’est peut-être la partie la plus difficile de la mise en place d’un projet ou la plus facile, ça dépend. Vous allez me dire que je ne vous aide pas beaucoup, et vous avez raison ! Mais c’est vous qui devez trouver votre inspiration, l’Idée avec un I majuscule, ce qui vous motive le plus.

Pour ma part, que ce soit pour ma série Instant à Maison Chance ou mon projet ON SET, cela s’est imposé à moi, c’est « venu tout seul ». J’ai su que je voulais photographier ces sujets et je pense que c’est ainsi que cela doit fonctionner. Je ne suis pas un partisan du « Il me faut absolument quelque chose à photographier !

Qu’est-ce que je peux photographier ? Je dois photographier à tout prix et tous les jours !». Il m’arrive de ne pas toucher à mon appareil pendant des mois. Vous allez trouver l’idée et ce qui vous inspire, mais pour ça il va falloir stimuler un peu votre créativité. 

Puisez dans ce qui vous passionne, dans ce en quoi vous croyez, et ce qui vous plait. Pour moi, c’est le cinéma, mes lectures, des causes auxquelles je suis sensible. Cela pourrait aussi venir de la musique que vous écoutez, de la cuisine, de votre quotidien, d’une histoire que vous a raconté votre grand-maman, de jeux-vidéo, etc. 

L’inspiration peut venir d’absolument tout ce qui vous entoure ! 

Cela dépend beaucoup de votre curiosité et de votre perméabilité à votre environnement. Voyez ceci comme votre bagage de connaissance personnelle qui influencera forcément votre photographie. Il est très important de l’enrichir avec de la bonne culture.

Imprégnez-vous aussi du travail des grand.es photographes, ils et elles sont de vraies sources d’inspiration dont il ne faut pas se priver !

Nick Brandt, Vincent Munier, Joël Meyerowitz, Sebastião Salgado, Steve McCurry (pour ne citer qu’eux) sont des photographes incroyables à la carrière impressionnante et qui ont fait un travail photographique remarquable.

La photographie, comme toutes les disciplines, a ses « Maîtres » et ses références. Comme dans toutes les disciplines, il faut voir et apprendre ce qui a déjà été fait. Pas pour faire la même chose ou pour copier, vous aurez de toute manière votre propre style photographique, mais pour comprendre ce qu’est la photographie, ses possibilités et, encore une fois, vous inspirer ! 

Pour résumer, si vous voulez trouver une idée de projet, il vous faudra être curieux et vous intéresser au travail des grand.es photographes.

Et ensuite ?

Maintenant que vous avez l’idée, que vous savez ce que vous voulez photographier et pourquoi vous voulez le photographier, la question à se poser est « Qu’est-ce que je veux faire de mes images, de cette série à laquelle je vais consacrer du temps ? ».

Une exposition ? Un livre ? Un article pour votre blog ? Un portfolio ? Vous pouvez ne pas répondre à cette question bien sûr, mais je suis sincèrement convaincu que cela vous aidera pour tout un tas de choix futurs, vous motivera beaucoup et posera un cadre dans votre manière de travailler.

Vous pouvez commencer votre travail sans savoir ce que vous voulez en faire, il n’y a aucune règle pour ça. Il n’y a d’ailleurs aucune vraie règle en photographie. Rappelez-vous, c’est de l’art, il faut laisser parler votre créativité, faire ce qui vous plait et aller au bout de vos idées.

N’ayez pas peur des contraintes

On va parler des contraintes que vous vous imposerez à vous-même. Il ne faut pas en avoir peur. Elles vous permettront de rester cohérents tout au long du processus de création de votre projet, de vous aider à faire les bons choix et de rester focus sur votre travail. Posez un cadre le plus en amont possible. 

Vos contraintes font partie de votre projet et servent à en définir les lignes principales. Vous devez aussi savoir « pourquoi » vous avez choisi telle ou telle contrainte, par exemple : Si je veux montrer du mouvement dans mes images, je vais peut-être utiliser la pose longue pour montrer l’action de mes sujets ;

Si je veux faire une série de portraits, je pourrais utiliser la même méthode et le même cadrage pour chaque personne ; Si je veux montrer des lieux de tournages, je vais choisir un seul genre de films dont je veux photographier les décors.

Le même sujet peut être traité de mille manières : vous devez en choisir une. Ce sont les contraintes que vous vous êtes fixées qui vous aideront à aller dans la même direction tout au long de votre travail.

Ces contraintes ne doivent pas être gratuites, elles doivent servir votre projet. Elles font partie de votre démarche créative. Faites de ces contraintes la force et l’originalité de votre future série d’images.

Le choix du matériel

Autant vous prévenir tout de suite, il n’y aura pas de test avec les spécificités des derniers appareils sortis, pas d’avis sur la meilleure marque du moment, ni de conseil sur le meilleur objectif à utiliser ici. Non.

Par contre, je vais vous inviter à réfléchir sur les bonnes questions à vous poser pour choisir votre matériel. Parce que si vous voulez vraiment travailler en projet, vous devez vous demander « quel appareil conviendra le mieux aux photos que je veux faire ? ».

La réponse sera peut-être le dernier appareil à la mode, mais pour être honnête il y a peu de chance. Vous pourriez vous surprendre à vous rendre compte que votre smartphone sera peut-être ce qu’il y a de finalement plus adapté à votre projet. Oui, je joue un peu la carte de la provoque là, mais après tout pourquoi pas ? Cela peut aussi être un polaroïd, un type précis d’appareil argentique ou un réflex qui doit résister aux intempéries parce que vous partez en expédition pour le Pôle Nord. 

Si vous ne savez pas quel est le meilleur appareil photo pour votre projet, la réponse est très probablement : celui que vous avez déjà ! Dans le doute, commencez avec le matériel que vous possédez chez vous et adaptez-le si nécessaire. Il ne sert à rien d’acquérir un nouvel appareil photo sans savoir pourquoi vous achetez précisément ce modèle.

« Oui mais il peut prendre 56 images par secondes tu comprends » n’est pas une réponse valable à moins que votre projet soit de faire de la photo animalière d’espèces ultra-rapides par exemple.

Vous l’aurez compris, le matériel n’est pas la première question à vous poser. La première vraie question est : Quel type de photographies je veux faire et quel est le rendu que je souhaite obtenir ?

PS : Je viens peut-être de vous faire économiser plein d’argent. Si c’est le cas : de rien, je suis très content pour vous 😉 Investissez cet argent dans l’une des autres étapes de votre projet justement (livres photo, voyages, impressions, etc.).

Faire des essais… et des erreurs

Ici un paragraphe pour vous rappeler que faire des essais, des erreurs, revenir en arrière : cela fait partie du processus d’un projet et vous ne pourrez pas y échapper ! Cette phase est même très importante pour la réussite de votre projet et elle ne doit pas vous effrayer.

Cela peut être apprendre à maitriser la photographie d’oiseaux en vol, trouver LA composition que vous voudrez utiliser à chaque fois, trouver l’heure de la journée qui correspondra le mieux à vos attentes en matière de lumière ou de fréquentation d’un lieu précis, essayer le noir et blanc à la place de la couleur dans vos images, trouver le bon post-traitement ou encore le bon papier pour l’impression finale.

Pour chaque étape, faites des essais et trouvez ce qui convient le mieux à votre projet. Pour vous donner une idée, je travaille actuellement sur une nouvelle série de photos où je vais, pendant les prochains mois, photographier les animaux de mon pays, la Suisse.

Il me manque des connaissances naturalistes et même photographiques pour certaines espèces que je vais rencontrer. J’ai donc pris la décision de m’entourer de spécialistes dans le domaine qui vont m’emmener sur le terrain tous ces prochains mois afin qu’ils m’apprennent ce dont j’ai besoin et que je puisse faire mes essais « in situ ».

Je vais faire des erreurs, d’ailleurs j’en ai déjà fait. Je suis rentré de ma dernière sortie sans aucune photo qui me plaît et ce n’est pas grave. Déjà parce que j’ai passé un super moment, que j’ai quand même appris pleins de nouvelles choses et surtout parce que je sais ce que je ferai de différent la prochaine fois. C’est tout bénéfique pour la suite de mon projet.

La cohérence

Je vous parle beaucoup de cohérence depuis le début de cet article, et ce n’est pas un hasard.

Pour revenir sur le travail des grand.es photographes qui ont fait la photographie, il suffit de regarder comment sont pensées et présentées leurs œuvres.

Prenez le livre « Theaters » de Hiroshi Sugimoto. Il a photographié des salles de cinéma, toujours avec le même cadrage, en noir et blanc, en pose longue durant toute la durée du film projeté et le résultat est sans appel : on a une cohérence dans le livre incroyable (ce projet lui a pris quatre décennies au passage) !

Un autre exemple, le livre « Arctique » de Vincent Munier où le blanc règne en maître sur toutes les images. Il a une approche très minimaliste de la présentation de son sujet, parfois en portrait, parfois dans son environnement, mais il y a une poésie qui se dégage de toutes les images du livre. On ressent le froid, la rudesse du climat et la fragilité de la faune arctique : il y a là aussi une cohérence dans tout le travail de Vincent Munier.

C’est pour cette raison que je vous encourage grandement à regarder le travail des photographes reconnus. Si l’on regarde bien, la cohérence n’est pas propre à la photographie et est importante dans tous les arts, que ce soit le cinéma, la peinture, l’écriture, etc. 

La cohérence donne du sens à votre série photographique, permet au lecteur de comprendre votre démarche et, encore une fois, vous aide à structurer votre projet.

Le développement de vos images

Le post-traitement fait entièrement partie de votre démarche artistique, c’est un des outils à votre disposition, alors profitez-en. 

Pour toutes celles et ceux qui pensent que post-traiter ses images c’est tricher, je suis navré de vous le dire mais non, c’est un choix artistique ! Choisir de ne pas traiter ses images est aussi un choix artistique (sauf si vous ne savez pas utiliser un programme de post-traitement, mais là c’est autre chose).

La question est de trouver le traitement cohérent avec votre projet et avec votre personnalité parce que oui, je pense que le développement de vos images va plus loin qu’un seul projet et que ça devient même un trait reconnaissable du ou de la photographe. Un peu comme sa signature.

Parce que j’aime vraiment citer les photographes que j’aime, regardez les noirs et blancs de Sebastião Salgado qui sont immédiatement reconnaissables ou les couleurs si particulières des images de Joël Meyerowitz.

Le post-traitement ne doit pas être utilisé comme seul outil pour donner de la cohérence à vos images, ce n’est pas une baguette magique, mais il participe au processus de création photographique. Servez-vous en.

L’editing

Voilà un sujet bien compliqué. Mais commençons peut-être par vous expliquer ce qu’est l’editing. C’est la phase du projet où vous aller trier, sélectionner et surtout exclure les images de votre projet.

La première fois que je m’y suis trouvé confronté, c’était pour mon projet Instants à Maison Chance et cela a été vraiment difficile. J’imagine que c’est dur pour tous les photographes parce que c’est le moment où il faut se séparer de ses propres images, mais c’est une étape-clef. Peut-être l’une des plus importantes.

Quelque chose qui marche pour moi, après avoir fait une « première sélection », c’est de la présenter à ma femme. Je lui explique pourquoi j’ai pris chaque image et ce que je veux raconter avec ma série. Je lui montre aussi les images que je n’ai pas retenues. Là elle me fait ses remarques, son retour et ses propositions.

Le but de tout ceci ? Avoir quelqu’un d’externe à votre projet qui puisse vous dire si vous êtes cohérent dans votre démarche ou non. Il faut garder à l’esprit que vous avez la tête à 100% dans votre projet et que vous manquez de recul. Un nouveau regard avec un œil externe et critique peut être très intéressant. Il faut juste que vous trouviez quelqu’un d’honnête et de pertinent, même si cela peut parfois être dur à entendre. Le but est toujours de vous faire avancer.

Une autre chose que j’aime beaucoup faire pour mon editing, c’est d’imprimer toutes les images « candidates » à ma série en format carte postale et les étaler sur le sol. Je les mets ensuite les unes à côté des autres, je les déplace, j’en enlève certaines, je les remets, je les groupe, bref je joue avec.

Le but de cet exercice est de trouver ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas et de faire l’assemblage d’images le plus cohérent possible. Là encore il n’y a pas de méthode toute prête, il vous faut essayer, passer du temps sur cette étape. Laisser reposer, revenir dessus, modifier votre choix si nécessaire.

Je suis convaincu que si je devais refaire un editing de ma première exposition Instants à Maison Chance, il serait sûrement différent de celui que j’ai fait en 2017. Je pense que c’est une étape si personnelle que votre vécu, votre état d’esprit, le message que vous voulez faire passer peuvent complètement changer vos choix.

De plus, un editing pour une même série changera selon le but final. Si vous devez faire un editing pour une exposition de 12 photos ou 50 ce n’est pas la même chose. Pareil si, avec cette même série vous devez plutôt créer un livre. 

L’editing dépend énormément du contexte et il peut y en avoir plusieurs pour une même série. C’est une étape que je redoute et qui me passionne à la fois. C’est à partir de cette étape-là que votre projet approche de la fin et que vous entrez dans la sphère des photographes qui veulent sincèrement créer un projet.

Le terme de votre projet… et son début !

Pour finir, revenons à la finalité de votre projet photo. En ce qui me concerne, j’ai choisi pour mes deux séries de les exposer, c’était mon but final.

Après la phase d’editing, j’ai dû me poser la question pour la première fois, de comment passer de mon fichier numérique sur l’ordinateur à un vrai objet tangible, réel : mes photographies imprimées. Cela a été un vrai déclic.

J’ai découvert que pour moi c’était ça la photographie. Le fait d’imprimer mes images donnait un vrai sens à ce que je faisais. J’avais une impression d’abouti que je n’avais jamais ressentie jusque-là, sans parler du fait que j’ai découvert que le choix du papier et du format est l’une de mes étapes préférées de tout le processus. C’est cela que j’ai envie de vous transmettre avec cet article aujourd’hui.

Il faut aller au bout de vos projets, donner du sens à votre travail. Ne gardez pas vos photos sur votre disque dur, faites-en quelque chose. Si vous voulez aller plus loin dans votre photographie, quelle que soit la forme et l’envergure de votre projet, cela vous fera grandir dans votre pratique personnelle. Vous évoluerez et vous deviendrez meilleur.es.

Bien entendu, la fin de votre travail sur votre projet photo ne signifie pas sa vraie fin. Au contraire, c’est le début de sa vie et c’est maintenant que le plus impressionnant commence. Ce projet que vous avez fait germer, que vous avez nourri, qui vous a pris tant de temps et d’énergie, vous allez maintenant le présenter et dévoiler votre créativité alors, BONNE CHANCE !

Il faut savoir que tous ces « chapitres » n’abordent les sujets évoqués qu’en surface et qu’il faut tous les développer plus en profondeur, point par point.

C’est d’ailleurs l’un des thèmes que je vais vous proposer sur mon site internet et dans ma newsletter. Mon but est de vous aider avec la mise en place de vos projets et de vous aiguiller dans la bonne direction. J’ai envie de vous amener à faire votre propre cheminement dans votre photographie. 

Je ne peux pas le faire pour vous, mais je peux vous aider VOUS (comme dirait Sam Gamegie – pour les connaisseurs).

Si vous avez des questions ou envie de me parler de vos projets, n’hésitez pas à me contacter. Et si vous voulez en apprendre plus sur mes projets personnels, c’est ici que ça se passe. Merci de m’avoir lu jusqu’ici et je vous dis à très vite pour parler photographie 🙂

David Tuleu

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Pour écouter l’épisode directement sur votre plateforme de podcast préférée, cliquez ici

L’invitée

Régulièrement, sur mon compte Instagram de photos animalières www.instagram.com/regis_moscardini j’organise une interview en Live avec un.e invité.e passionné.e comme moi de photo nature.

On discute tranquillement et sans prise de tête, sur tous les sujets liés à la photographie nature

Pour ce 8ème épisode, je reçois la photographe Marlène Piraud que vous pouvez retrouver sur le compte www.instagram.com/marlenepiraud

Je suis très fier de la recevoir ici car, déjà, c’est une fille, et dans le monde de la photo nature, elles sont encore trop rares et c’est bien dommage.

Et aussi, et surtout parce qu’elle est super talentueuse ! Elle n’a que 24 ans, pourtant, ses photos dégagent une sacrée force, il y a beaucoup de maturité dans ses images.

Certaines sont assez dingues, je pense par exemple à sa série sur le Pic Epeiche qui mérite sérieusement le détour.

Avec Marlène, on a parlé des appareils qu’elle utilise, des animaux qu’elle photographie, de ses nombreuses astuces qu’elle met en place pour faciliter son travail de photographe.

Des conseils concrets en entrepreneuriat photo

Envie de lancer votre propre business photo ? De tenter l’aventure de la reconversion et de changer de job. Mon club WhatsApp est parfait pour ça car j’y donne tous les jours des conseils audio, courts et efficaces. C’est ici : www.auxoisnature.com/groupe-whatsapp

Notez-moi !

Si le podcast vous plaît, le meilleur moyen de me le faire savoir (et c’est ce qui m’aide le plus à le faire connaître) c’est simplement de laisser un avis 5 étoiles ou un commentaire sur l’application Apple Podcast. Ça m’aide vraiment, alors n’hésitez pas !

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L’invité

Régulièrement, sur mon compte Instagram de photos animalières www.instagram.com/regis_moscardini j’organise une interview en Live avec un.e invité.e passionné.e comme moi de photo nature.

On discute tranquillement et sans prise de tête, sur tous les sujets liés à la photographie nature.

Pour ce nouvel épisode, je reçois le photographe Adrien Favre (que j’ai déjà interviewé ici) que vous pouvez retrouver sur le compte www.instagram.com/adrien_favre_wildlife

Adrien Favre, est un des photographes nature que j’apprécie le plus, autant par sa personnalité que par ses photos. Ce qu’on remarque d’emblée chez Adrien, c’est sa sensibilité.

Ça peut paraitre bête dit comme ça, mais pour suivre un paquet de photographes sur Instagram ou ailleurs, je peux vous dire que ça n’est vraiment pas donné à tout le monde d’être capable de retranscrire en photo les émotions et les sentiments.

Adrien y parvient magistralement.

Surtout, cerise sur le gâteau, il a aussi cette faculté rare de parler photo nature aussi bien qu’il les prend !

Son discours sur la protection de la nature est rempli d’humanité et l’écouter fait un bien fou, autant que ça peut parfois déranger.

Des conseils concrets en entrepreneuriat photo

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