azulbleu

Joie: Pina Bausch, Klimt.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 12 Feb 2012 21:15:00 +0000

Der Fensterputzer, Foto: Detlef Erler para Tanztheater Wuppertal

Nelken, Foto: Ulli Weiss para Tanztheater Wuppertal

Des amis, un flacon de vin, du loisir,
un livre, un coin parmi les fleurs...
Je n'échangerai pas cette joie pour un monde,
présent ou à venir.
Chams al-Dîn Muhammad Hâfiz

Campo de amapolas (1907) - Gustav Klimt (1862/1918)

Jardín. Gustav Klimt (1862/1918)

web Pina Bausch, bailarina y coreógrafa.

web Gustav Klimt, pintor.

Plato del Día es Arte a la carta en la Galeria ARTlinavalero: Jesús Olmo, video.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Fri, 03 Feb 2012 22:37:00 +0000

La Galería ARTlinavalero de Barcelona, ofrece el Plato del día. Hasta el 21 de marzo, cada día puede verse en loop un video diferente de Jesús Olmo.
El día que fui, después de ver la pieza 3929 me quedé con ganas de ver más belleza, así que Lina me ofreció un segundo Plato del Día suculento, la pieza titulada 0124.

El excelente video de Jesús Olmo tiene sorpresa que no voy a desvelar. Aunque nada de lo que explique puede equivaler a contemplar esos cinco minutos de imágenes metafísicas en el recogimiento de esta sala pequeña, blanca y desnuda como una capilla privada, con la música de la pieza.

Con este encuadre donde una masa esponjosa de agua, con forma de nube pintada por Tiépolo, ocupa el cielo y con esa luz del crepúsculo que lleva a la noche, me parece estar frente a un cuadro de Caspar David Friedrich que ha dejado la pintura al óleo. Ha cogido la cámara de video para volver a ponernos frente a una Naturaleza que al tiempo nos acoge y nos sobrepasa, como en su cuadro "Der Monk am Meer". Pero Jesús Olmo no es un pintor romántico del XIX, sino un video artista del XXI, y muestra una Naturaleza donde la Física ya no es solo newtoniana, sino cuántica.

Sobre la lámina de agua del horizonte, lisa como un espejo, los seres humanos pescan, caminan, contemplan, corren, se reúnen o se alejan, siempre unidos a su reflejo.

web Jesús Olmo
Plato del día: Del 19 de enero al 21 de marzo 2012
martes a sábado, de 18 a 21 h.
web Galeria ARTlinavalero

Pintar la vida cotidiana de un super héroe envejecido.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Thu, 02 Feb 2012 14:26:00 +0000

El pintor Andreas Englund dice que el humor puede ser el vehículo para transmitir ideas que de otro modo sería difícil transmitir. El humor libera sus pensamientos y sus ideas de ser pretenciosas, al tiempo que le abre puertas a caminos y ángulos nuevos.

Andreas Englund nació en Falun, Suecia, en 1974. Ahora vive y trabaja en Estocolmo.

Tal vez sea mi manera de verlo, pero el suyo me parece un humor melancólico. Sus escenas son de un realismo que no deja espacio a ninguna vana esperanza, son descorazonadoras, aunque su super héroe vuele por los aires como es debido, o reúna a un grupo de gente en una celebración. Los puntos de vista son contemporáneos, los hemos visto en las películas, los comic, la televisión, y tienen ángulos propios de una cámara de fotos o de cine, más que de una persona. Su pintura, basada en el dibujo, con trabajo preciso de pincel y escasa materia, me recuerda a la pintura de Mark Tansey, otro pintor que introduce el humor en sus cuadros de factura realista y decimonónica, creando un contraste muy atractivo entre lo que dice y cómo lo dice.
Este super héroe envejecido es tan humano como cualquiera de nosotros, podríamos encontrarlo en la cola del supermercado o en la sala de espera del dentista y eso nos hace vernos a nosotros mismos con una objetividad y una compasión muy instructivas.

web de Andreas Englund

Pintura con P de Proust

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 22 Jan 2012 11:09:00 +0000

El diminuto libro "Petit pan de mur jaune" recoge un fragmento de À la recherche du temps perdu de Marcel Proust. Le bastan esas pocas páginas para hacer una profunda reflexión sobre la pintura de Vermeer y lo que puede dar sentido a una vida.

El libro es diminuto en tamaño y en número de páginas: sólo 57, incluyendo un extenso prólogo, por lo que el texto en sí solo son unas 15 páginas, pero a Proust le caben en ellas los últimos años de vida de Bergotte. Un personaje en el que se ven rasgos autobiográficos ya que es un escritor con una delicada salud y una aguda capacidad de observación, que nos describe su proceso de creación literaria, así como su enfermedad y a los médicos que le tratan.

Finalmente, Bergotte agoniza en una sala de exposición donde ha acudido para ver el cuadro "Vista de Delft" de Vermeer, que creía conocer muy bien. Sin embargo, descubre al mirar en el cuadro un pequeño trozo de muro amarillo, que quizá ha malgastado sus últimos años porque no ha escrito con la misma laboriosidad que ha utilizado el pintor para la elaboración de las sucesivas capas de pintura. Porque no ha dedicado a su escritura la misma profunda atención con la que el pintor hace brillar la materia, en ese fragmento del cuadro, mediante una luz preciosa.

"Petit pan de mur jaune"
Marcel Proust
Ed. La Différence.

Essential Vermeer

Bach, puntos, círculos y rayas.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Thu, 19 Jan 2012 23:16:00 +0000

Suite para violonchelo nº 1 de Bach. Preludio.

Baroque.me: J.S. Bach - Cello Suite No. 1 - Prelude from Alexander Chen on Vimeo.

Alexander Chen, programador informático, ha desarrollado una nueva manera de visualización musical.

"La anotación musical clásica es conveniente y concisa pero, visualmente, no tiene ninguna relación con las características físicas del sonido. Por el contrario, la longitud de las cuerdas son una representación visual de las frecuencias que producen los sonidos.

Un arpa está construida a partir de la longitud de sus cuerdas, que se reducen cuanto más ascienden de tono. Esta pieza se comporta como un arpa imposible, ya que las cuerdas se transforman solas en las longitudes necesarias para cada sonido.

Calculé la longitud de las cuerdas usando afinación Pitagórica. Son matemáticas basadas en la fracción 2/3. Empecé con la cuerda más larga, dándole una longitud simbólica en pixels. Cuando se corta a 2/3 de su longitud, da una quinta parte. Si la cortas por 1/2, da un octavo. 3/4 de longitud, una cuarta parte. A partir de estos sencillos números, calculé las longitudes relativas de todas las notas de la pieza musical."

Web de Alexander Chen

Ramón Gaya en Pestum

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 01 Jan 2012 22:41:00 +0000

Ramón Gaya en el Palatino, 1958

Ramón Gaya (1910 - 2005) Pintor

PESTUM

Pobreza Divina

"En pocos lugares he sentido como aquí, en este mendrugo de lo griego, una emoción tan difícil, tan compleja, de solemnidad y mendicidad mezcladas. Aquellos templos me parecieron tres mendigos majestuosos, sabios (están construidos, como se sabe, con una piedra caliza llena de agujeros como una esponja endurecida o un rostro marcado por la viruela), y llegando a ellos desde Roma y lo romano –mi recorrido era ese-, me pareció que le pertenecían por completo a la cristiandad; comprendí entonces algo que ya sentía desde antes: que en lo griego hay mucho más cristianismo que en lo egipcio y lo romano, posiblemente por su absoluta falta de soberbia, de enemistad, de terquedad materialista; lo egipcio y lo romano son dos energías voluntariosas, empeñosas, hábiles, es decir, privadas de la Gracia, y por eso las veremos actuar siempre como si fueran dos ingenieros concienzudos, desconfiados. En lo griego hay una limpieza que vale lo que la pobreza en lo cristiano, que son, quizá, una misma cosa, una misma purificación. Lo egipcio y lo romano se producen, viven como enfrentándose a lo que pueda venir, imponiéndose a la Historia misma, mientras que lo griego no parece sospechar competencia alguna, y, salvo su incurable ideal de perfección, todo en lo griego nos resulta natural, sencillísimo. Lo chino, lo griego y lo cristiano parecen fragmentos de una misma línea central, recta infinita, una línea que no es otra cosa que espíritu, más aún, alma sola, el Alma. Lo griego –como lo chino y lo cristiano- está siempre lleno de creencia, de trascendencia, de fatalidad –sí, de fatalidad, y por lo tanto, claro es, de salvación-; lo griego quiere perdurar y no, como Egipto y Roma, durar simplemente. Lo chino, lo griego y lo cristiano quieren perdurar porque perdurar es un sentimiento, mientras que durar no es más que un propósito. Ante aquellos templos de color pan, oro pan, caí en la cuenta de que todo cuanto los historiadores de arte han creído ver en lo griego de perfección estética, de perfección estilística, no es más, en realidad, que ascetismo, pobreza divina."

Ramón Gaya. Italia 1953.

El Coliseo, Roma, 1956.
Pintura de Ramón Gaya.

web de Ramón Gaya
blog sobre Ramón Gaya
Ramon Gaya en wikipedia

Ramón Gaya en Firenze, 1959

Gracias a Ulises Cortés, por el texto de Ramón Gaya.
web de Ulises Cortés

fotografias de Pestum: Rolf Gross

Antonio López, conferencia en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Mon, 12 Dec 2011 21:28:00 +0000

Antonio López, pintor.

Fotografía: UNAV

''No me interesa la pintura técnicamente excelente pero sin contenido.
Crecí en Tomelloso, un pequeño pueblo de la Mancha. Yo iba a ser oficinista o algún trabajo así, no estaba previsto que fuera a la Universidad y que fuera médico o arquitecto, mi familia era muy humilde. Nada en mi ambiente anunciaba que me dedicaría a esto. Tenía un tío pintor que venía a visitarnos de vez en cuando, Antonio López Torres, un pintor que ahora considero excelente. Cuando yo tenía doce años, durante el verano, de pronto, me fascinó verle pintar las notas que hacía del natural y dejé de jugar a fútbol con mis amigos, para ir con él y copiar los cuadros que él hacía. También empecé a copiar unas láminas de unas revistas de mi abuelo, unos grabados de los que yo copiaba las líneas con lápiz y conseguía una copia fiel. Se vió que tenía una facilidad para el dibujo, y llegó un momento que mi tío me cogió de la mano y dijo que tenía que seguir el aprendizaje. Por eso fui a Bellas Artes, a San Fernando, en Madrid.

Yo sabía copiar muy bien y creía que lo tenía muy fácil. A los tres años de Bellas Artes, con el trato con chicos mayores que yo, tuve la certeza de que pintar era algo más que eso. A los 15, 16 años, no sabía qué hacer con la técnica que yo tenía. Recuerdo que el verano del 52 dibujé y pinté mucho, pero fue realmente angustioso, porque creía que no tenia nada que decir. Pero entonces descubrí que había unos elementos que me interesaban. De la inmensidad que es el mundo real, hice una selección porque noté que me identificaba con ellos y ahí estuvo mi salvación. Noté algo decisivo, que es tener algo que decir.

La pérdida que se produce de ciertos lenguajes de la figuración, yo no le doy importancia a eso. Lo importante es transmitir algo con la pintura, decir algo que sea inteligible, estar en el medio donde lo que dices pueda ser entendido. Desde mi etapa de formación tuve el instinto de rodearme de unas personas que te acompañan en un camino tan largo, que te ayudan, te acompañan, te enseñan. Más que en el Museo del Prado, o con los libros de Picasso, de Matisse o de Henry Moore, porque entonces no había las exposiciones que hay ahora, yo me hice con esas personas. Personas que me han acompañado muchos años, algunas hasta hoy, otras ya han muerto.

Lo que hagas tiene que estar habitado por algo emocional fuerte. Los artistas estamos en manos de las personas que nos apoyan. A veces lo hemos estado demasiado, hemos pactado con los gustos de la época, por agradar. Hay mucha trampa en relación con la habilidad técnica y también en simular emoción. Es necesario saber si la obra tiene peso y es verdadero. Cuando se consigue, ofreces a los demás y a ti mismo.

La escultura para mi es menos dificultosa que la pintura, que es sumamente laberíntica.Yo aprendí poco de la escultura que vi en el Prado, pero en el Casón del Buen Retiro había reproducciones en yeso de toda la historia de la escultura. Ahí es donde voy a serenarme, cuando necesito encontrar calma. Hay un libro muy bueno, "El retrato de Giacometti", que escribió el modelo al que Giacometti hacia el retrato y que recoge las sesiones, los comentarios que hacia, las situaciones que ocurrían. Estoy muy cercano a Giacometti. No puede trabajar sin el modelo. No hacia nada si el modelo no estaba delante, en cuanto se iba dejaba de trabajar hasta que volvía. Limitación, dificultad y riqueza que te da el mundo real.

Hay momentos de la historia en que surge una pintura que gusta más que la verdad. En esos momentos tal vez había demasiadas batallas, demasiadas enfermedades y desgracias. Querían unas señoras desnudas que bailan, rodeadas de amorcillos, es el arte escapista. Hay un bodegón de Zurbarán, que no se puede decir más con menos: una jarra con agua y un platito en el que hay una rosa. Ahí está el mundo. Y eso no lo hacía Poussin, que no trabajaba de la realidad.

PREGUNTAS DEL PÚBLICO, ALUMNOS Y PROFESORES DE LA FACULTAD.

Alumno:
_. En esta Facultad no se pueden usar los talleres fuera de las horas de clase. ¿Qué opina de esto?
_. En mi época no se hacía otra cosa más que pintar. Pintamos muchas caras y pies y culos. Eso no salvó al que no se tenía que salvar.

(...) Es la mafia de la mediocridad, que se cuela por todas partes. Hay que volar por encima de eso y salvarse. Tú sálvate. De todos modos, si hoy tuviera un nieto que quisiera aprender le diría: ve a Bellas Artes, estate entre los demás, haciendo el recorrido de los primeros años. Nosotros no les hacíamos caso a nuestros profesores. Y eran muy buenos pintores y escultores, de los que hubiéramos podido aprender mucho. Pero estaban resentidos, y una persona amargada no puede llevarte de la mano a enseñarte.
La técnica necesaria, en un año la adquieres. Lo difícil es formarte, iniciarte en un recorrido, que esté en armonía con lo que eres, que llene tu vida.

(...) Dices que la figuración (la pintura figurativa en relación a otros estilos artísticos considerados más contemporáneos: abstracción, video, instalación, etc) no tiene el apoyo que se merece. La figuración, como la Derecha, está pagando siglos de abuso. Creo que artistas como Hopper, como Henry Moore,... aportan algo imprescindible a la totalidad del arte contemporáneo.

(...) El quid está en saber lo que tienes que hacer. Muchos jóvenes me preguntan, ¿qué hago ahora?
El vínculo con el mundo real te va generando un camino. La fotografía (pintar a partir de fotografías) rompe el vínculo con el mundo real.

(...) A mí pintar me mejora la vida. Cuando pinto estoy mejor de la espalda, mejor de la cabeza... Yo quiero pintar.

(...) Hay dos realidades, la realidad objetiva y la realidad subjetiva. Las cuevas de Altamira es pintura realista, pero no está hecho de la realidad: el pintor no tenía un bisonte dentro de la cueva posando para él mientras lo pintaba. Un cuadro de El Bosco no está hecho de la realidad. Recuerdo haber visto la exposición "El retrato y la máscara", y recuerdo los cuadros de Stanley Spencer. Unos copiados de la realidad, como un retrato de una mujer con una falda de tablas, que es un tema bastante banal, pero él lo había hecho de tal modo que sólo podía ser así. Otros cuadros son místicos, pinta experiencias, que eso no lo puedes tener delante para pintarlos. Son dos formas de trabajo en el mundo real: proporcionar una historia o dar una forma literal.

_. (...) Soy una alumna que para aprender estoy copiando cuadros, pero eso no está bien visto porque no es original.
_. Yo hablaría de autenticidad más que de originalidad. (...) El crear de modo que sea una ayuda para los demás. Creo en el contenido secreto de las cosas. No siempre aparece lo mejor de una manera inmediata. (...) Lo primero es hacer algo que tenga veracidad y autenticidad. Después surgen personas que ayudan.

_. ¿Cómo debe utilizar el pintor las nuevas tecnologías?
_. Son una herramienta más. No ha cambiado nada, está nuestro cerebro, nuestra mirada y un impulso que nos lleva a hacer algo. El pintor siempre se ha sabido adaptar. Los nuevos procedimientos han creado nuevos lenguajes. (...) Para mí la dificultad es encontrar modelos y encontrar fuerza para realizar una obra que va a necesitar toda mi energía.

(...) He tenido un problema en un ojo y no se acoplaban. Lo maravilloso es que se acople lo que vemos y lo que somos.

(...) Yo no hablaría de las dificultades, sino de los logros.

(...) Todo se hace para que digas algo que sólo puedes decir tú.

(...) Los niños que he hecho (en pintura o escultura) los he tenido cerca: primero mis hermanas, después mis hijas, ahora mis nietos. Yo trabajo con cosas que amo. No puedo trabajar con cosas que no me importan, eso me destruiría.

_. ¿Cómo se enfrenta al lienzo en blanco?
_. Llevo varios cuadros en marcha a la vez. No conozco la angustia del lienzo en blanco. Eso es una etapa, el cuadro es como un iceberg, hay mucho trabajo preparatorio que no se ve. Cuando llego al lienzo en blanco tengo ganas de pintarlo.

_. Como docente ¿qué les diría a sus discípulos?
_. Cada cual ha de contar sus propias historias. ¿Qué es lo que más amas? ¿Qué es lo que más odias? Ten más respeto a lo que tú sientes y confía. Sin violentar nada. Yo he copiado también a Picasso y he aprendido de otros. Si lees libros, si ves películas, te van haciendo luz. (...) En los talleres que hago, los alumnos trabajan con la realidad y ahí sale su verdad, aunque muchas veces no se den cuenta. Después, vuelven a su estudio, y a su cárcel.

(...) De la realidad a mí me interesa pintar lo que permanece, lo que mañana cuando vuelva seguirá estando ahí."

Cuaderno de Apuntes, El Taller / Dibujando del natural en Barcelona

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Mon, 24 Oct 2011 18:15:00 +0000

´Cuaderno de Apuntes, El Taller´ de Nuria Armengol
Dibujando del Natural en Barcelona

Noviembre 2011:
miércoles por la tarde, o sábados por la mañana.

No es necesario conocimiento previo de dibujo

El notebook es el lugar más íntimo y privado donde registrar observaciones personales. ¿Sabemos utilizarlo? Con este taller fijarás el hábito de guardar y retener tus ideas y percepciones útiles mientras contemplas o te mueves en la ciudad. No es un taller de dibujo, es la adquisición de un gadget, de papel, insustituible para profesionales y amateurs contemporáneos.

Este Taller práctico está dirigido a fotógrafos, escritores, estudiantes, científicos, músicos, diseñadores, artesanos, ingenieros, arquitectos, biólogos, artistas, etc. Utilizando la Observación y la Reflexión previas a la Acción, probaremos distintas técnicas de dibujo del natural en distintos espacios de Barcelona, y adquiriremos el hábito de utilizar el cuaderno con las técnicas de registro que nos sean más útiles según nuestras necesidades profesionales.

Al final del taller tendremos las herramientas y los hábitos necesarios para registrar nuestras ideas siempre que lo necesitemos.

Lugar de inicio:

Taller Carmen Balada.

c.Freixures, 29 (frente Mercado Santa Catalina)

08003 Barcelona

Fechas:

2, 9, 16 y 23 Noviembre 2011

5, 12, 19 y 26 Noviembre 2011

Horarios:

miércoles tarde: de 18,30 a 20,30 h

sábados mañana: de 11,30 a 13,30 h

Precio:

80 €

Contactar:

nuriaarmengol@gmail.com

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Flora Goldberg, dibuja, pinta y esculpe "a golpe de corazón".

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Thu, 20 Oct 2011 22:22:00 +0000

Cientos de dibujos de dinosaurios a todo color. Las viñetas ordenadas en las páginas como en los álbumes de cromos que rellenábamos de niños, y escrito al pie, el nombre en latín de cada uno, desde el Brontosaurus al Thyrannosaurus Rex. Los dibujos de los dinosaurios son realistas, con un perfil grueso de rotulador negro, coloreados a lápiz y situados en un paisaje. Me impresiona ver cómo van saliendo páginas y páginas que completan un atlas exhaustivo de dinosaurios, de la carpeta que nos enseña esta mujer de pelo cano y expresión dulce y firme:

_Los he dibujado para mi nieto. Es autista. Tiene siete años y lo sabe todo todo todo sobre los dinosaurios. A veces me corrige, y me dice:
"_No, abuela, no se escribe así, lo has hecho mal. Pero no te preocupes, me gustan igual."
Y sonríe recordando a su nieto.

Acabo de conocer a Flora Goldberg, pintora, grabadora y escultora mejicana, en casa de Ulises Cortés y Helena Martínez. Levanto la vista de los dinosaurios, porque me dice señalando la pared que tengo a un lado:

_Esos dos grabados son míos.

Son dos figuras a tamaño natural, de trazo firme y expresión serena.

Flora Goldberg me explica que nació en París, y a los siete años tuvo que huir a México con su madre cuando los nazis invadieron Francia. Muy joven, con diecinueve años, su padre le enseñó unas de sus acuarelas a su amigo Diego Rivera, el gran pintor muralista mejicano, que al verlas la invitó a acudir a su casa como discípula. Yendo a su casa coincidió con Frida Kahlo, a la que recuerda pintando siempre doliente:

_"Al entrar por primera vez en la casa de Altavista me sentí cautivada por la magia que se respiraba y por la deslumbrante personalidad del maestro Diego Rivera, que pintaba con pasión al tiempo que explicaba historias fantásticas. Decidí ser pintora y dejé la carrera de Química."
Rivera le habló de la libertad en el arte y la constancia en el oficio:
_"El pintar no es solo inspiración, sino diligencia."

En 1957 Flora se casó con Pablo Rudomín, eminente científico que ha recibido el Premio Principe de Asturias por sus trabajos de biología, con quien ha tenido dos hijos.

_"La maternidad fue un período muy importante para mi. El ver día a día cómo mis hijos crecían, fue un período mágico, milagroso. La maternidad es un tema constante en mi obra.
Mi experiencia en lo que concierne a seguir trabajando en el arte teniendo una familia, es que todo el tiempo desde que mis hijos eran bebés, siempre encontré la forma y el tiempo para trabajar en el arte, fué a base de organizarme y sacrificar sueño y vida social. (Y claro también porque no tenía que trabajar para la manutención de la familia, de eso se encargaba y sigue encargándose mi marido). Lo que yo siento es que la labor creativa se vuelve un vicio para ciertas personas, por lo que si no lo hacía sentía que me faltaba algo y me sentía vacía y hacía hasta lo imposible para trabajar. Hace algunos años pasé mucho tiempo enferma, pero inclusive entonces seguí trabajando."

La crítica Marta Traba ha dicho que Flora Goldberg "dibuja a golpe de corazón, con líneas profundamente humanas y reales". Creo que ese golpe de corazón se ha hecho más evidente si cabe desde hace unos años, al iniciarse en la escultura.

Flora nos dice que:
_"El cuerpo es nuestra posesión más preciada y solo se nos presta temporalmente. Quizá por eso queremos plasmarlo y darle eternidad a través del arte".
La suya es una pintura costumbrista que ha leído del realismo mágico. Mientras hojeo las páginas del libro monográfico que muestra su obra pictórica, me llaman la atención el cuadro de unas figuras con coronas de flores en la cabeza.

_Son gente de Chalma, un pueblo cerca de Toluca. Es tradición que en Cuaresma, todo el pueblo, niños, hombres, mujeres y ancianos, salgan a la calle adornados con coronas de flores en la cabeza, para ofrecerlas después a San Nicolás.

En el libro se suceden los cuadros de hombres, de mujeres y niños, de flores y de aves, mostrando que esta artista no ha dejado de trabajar incansablemente todos estos años. Inspiración y diligencia.

Su dibujo es estilizado, de texturas trabajadas y líneas airosas, sus temas son en muchos casos alegorías, como en "Susana y los viejos" o "Caligrafía".

Tiene series dedicadas a frutas o a flores, encarnadas en una figura femenina.

En 1972 decidió aprender grabado y se dirigió a un renombrado Centro de arte que lamentablemente ya no existe, donde se formaron importantes grabadores mejicanos en un ambiente artístico y creativo muy fructífero:
_"Cuando llegué al Molino de Santo Domingo creí llegar al mundo de Alicia en el País de las Maravillas. Un lugar de silencio y sosiego."

Hace algunos años empezó de una manera autodidacta a trabajar la escultura en madera, un material que selecciona no solo por su textura sino también por el carácter simbólico de su color.
Utiliza madera de caoba:

madera de ceiba:

o madera de cedro blanco:

Sin boceto previo, esculpe para sacar a la superficie la escena que ella ve en el trozo de madera que ha elegido para trabajar. Sigue centrada en la figura como ocurre en su pintura, aunque con formas más sintetizadas, por lo que a veces las cabezas pierden el rostro, tal como puede verse en las esculturas de Henry Moore, que creo es uno de sus referentes. La expresión del movimiento, que se hace tridimensional y palpable, es por lo tanto más sensual que en su pintura. Los tamaños varían mucho, algunas son piezas pequeñas, otras son grandes, o enormes, como el torero y el toro bravo que han surgido con ímpetu del enorme tronco de nogal en el que trabajó durante meses.

Flora Goldberg es una mujer hermosa, con una espléndida
vitalidad, que ha puesto su corazón en una vida dedicada al arte.

Abans que el temps ho esborri

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sat, 10 Sep 2011 17:08:00 +0000

Retrato de Teresa Mestre de Baladía (1869-1949), pintado por Ramón Casas (1866-1932). En la película documental "Abans que el temps ho esborri" (Antes de que el tiempo lo borre) se cuenta la historia de este cuadro y cómo influyó decisiva y trágicamente en la vida de la retratada.

Cartel de la película.

El libro que escribió su bisnieto Javier Baladía, se ha convertido en una película cuyo guión han escrito Victoria Bermejo y él, y ha dirigido Mireia Ros. Una película hecha con fotografías en blanco y negro y filmaciones de época, alternadas con imágenes del mismo Javier Baladía como narrador moviéndose en la Barcelona actual. Se utilizan con mucha agilidad recursos visuales de postproducción con humor, que ayudan a sobrellevar las a veces desmesuradas biografías de los Baladía, y nos descubre personajes que crearon una Barcelona cosmopolita y culta, que atrajo entre otros a Diaghilev y Nijinski, a Einstein, a Richard Strauss o a Carlos Gardel. Entre las dos Exposiciones Universales de 1881 y 1929, los Baladía fueron parte de la alta burguesía industrial que amasó grandes fortunas. Tuvieron tiempo de divertirse en París, apoyar a Pompeu Fabra, crear el Conferentia Club, encargarle casas a Puig i Cadafalch y pusieron en el mapa de los veranos de miles de turistas posteriores lo que entonces eran remotos pueblos de pescadores como Cadaqués o Palamós.

Teresa Mestre era una belleza, además de una mujer inteligente e independiente, que se casó con Jaume Baladía i Soler, con quien tuvo tres hijos. La madre de su marido murió en el parto y fué su tía Ramona Soler quien lo crió. Esta temible mujer era una fuerza de la naturaleza, capaz de dirigir una empresa textil con miles de obreros que le llamaban "el amo" y acudir al despacho de la fábrica con un revólver en la liga y tener un rifle Winchester encima de la mesa para cuando tenía que enfrentarse a las reclamaciones obreras. Era viuda, sin hijos, dominante, y muy fea, lo que con los años había empeorado un carácter ya de por sí poco afable.

Ramón Casas realizó este retrato de Teresa y dicen que cuando Eugeni d'Ors lo vió en su estudio, reconoció en ella a "La ben plantada", la protagonista de las glosas que publicó el verano de 1911 y en las que quisieron reflejarse todas las mujeres de su época, ya que personificó las virtudes de belleza e independencia de la ética noucentista. Sin embargo, el retrato no había sido un encargo. Se supone que lo hizo a partir de dibujos que hizo a escondidas, cuando pintó a sus tres hijos por encargo de la matriarca Baladía. La temible tia Ramona tuvo siempre celos de Teresa y descubrir el retrato le dió la oportunidad de perjudicarla. Ante las sospechas que generó el retrato, y el escándalo consiguiente, le retiró la custodia de sus tres hijos y la recluyó en la casa de Argentona, fuera de Barcelona. Su marido se encontró entre dos fuegos, entre el amor por su mujer y la ira de tía Ramona. Teresa resistió algún tiempo y al cabo de unos meses tomó la única vía posible para una mujer en aquella época: huir. Huyó a Suíza con Josep Pijoan, un intelectual más joven que ella, que le había mostrado su apoyo durante el doloroso proceso de separación de sus hijos. La película incluye la grabación sonora de Teresa en su lecho de muerte en 1949, pidiendo perdón a sus hijos y mostrándoles todo su amor, a pesar de no haber podido volver a verlos en todos esos años, aislada como quedó por tía Ramona.

Una historia trágica, desencadenada a raíz del retrato de una mujer muy hermosa, pintada por un excelente retratista.

Existe otro cuadro de Ramón Casas en que pintó a Teresa Mestre de Baladía. Es un cuadro de cuerpo entero que se conserva en el MNAC, Museu Nacional d'Art de Catalunya, en Barcelona.

Respecto a ambos cuadros, Javier Baladía me explica que:

_ El de la túnica es más formal, pero es curioso que este cuadro, pintado por el retratista del Modernismo por excelencia, sea la obra fundacional del Noucentisme, su movimiento opuesto. Es un cuadro excepcional en el conjunto de la obra de Ramón Casas, porque a una persona real y conocida, la descontextualiza y la disfraza y peina de diosa griega. Realmente curioso. Es la única vez que lo hizo.

_ ¿Este cuadro lo pintó por encargo?

_ Ninguno de los dos cuadros fue por encargo. Los pintó en secreto mientras retrataba a tía Ramona, Gip y Niní (niños, dos de los hijos de Teresa). Como Ramón Casas era amigo de la familia, hubo lio por este tema. Antes de venderlo al Museu d'Art Modern -luego MNAC- , pidió permiso a mi bisabuelo. Guardamos la carta original de Ramón Casas en la que se lo pide. Por eso Casas lo vendió al MNAC con la condición expresa de que nunca figure en una galería de retratos.

El retrato en que está sentada, creo que se lo vendió Casas poco antes de morir a mi abuelo. El poder que tenía ese cuadro presidiendo el salón de casa de mis abuelos era tremendo. Nadie podía apartarle la mirada solo entrar. Lo llenaba todo con una vibración de belleza, serenidad y elegancia. Cuando te acercabas te miraba con una sonrisa muy amable pero con un punto de tristeza.

El retrato de la túnica es también muy potente, pero personalmente para mi no tiene tantos matices. És más mitológico y épico, pero menos humano.

Fotografías: Archivo / Fons Baladía - Llorach

Links:
Trailer de "Abans que el temps ho esborri"
Ramón Casas
Eugeni d'Ors
Novecentismo
Noucentisme
Javier Baladía

Taller de pintura con Antonio López

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Tue, 16 Aug 2011 22:38:00 +0000

Durante una semana he asistido al Taller de pintura que dirige Antonio López, acompañado por su mujer la pintora Mari Moreno, y los pintores José Maria Mezquita y Juan José Aquerreta, en la Universidad de Navarra, en Pamplona.

Del 8 al 12 de agosto, en un aula de la Facultad de Arquitectura temporalmente cubierta de caballetes de pintor, nos reuníamos unos 30 pintores y pintoras, donde estaban dispuestos dos bodegones de alimentos sobre mesas, dos bodegones volumétricos con cajas de cartón apiladas y para los que preferían trabajar figura del natural, posaban una modelo por la mañana y un modelo por la tarde.

apuntes del natural:óleo sobre papel

Para los pintores que solemos trabajar solos en el estudio, es fantástico tener un lugar en el que compartir tiempo y trabajo con otros pintores. Las conversaciones que tenemos sobre pintura, el olor de la esencia de trementina, la organización tan personal de los colores que puede verse en la paleta de cada uno, los comentarios de los profesores a cada cuadro o a cada etapa de cada cuadro, animándonos y corrigiéndonos, orientándonos y apoyándonos, son auténtico alimento del bueno.
Vernos trabajar de maneras tan diversas, incluso partiendo de una premisa realista como es la pintura de Antonio López y los temas de bodegón y figura del natural, es una lección de pintura non stop. Convivir nos permite conocernos, explicar nuestros problemas, consultar dudas técnicas, escuchar y ser escuchados, superar los bajones de ánimo y compartir las alegrías.

Apuntes rápidos a lápiz que hice durante el curso:

En una pausa del montaje de dos bodegones sobre mesas que se utilizarán como temas para pintar, Gonzalo Goytisolo le comenta a Antonio López que la gente de nuestra profesión se está quejando mucho, a lo que éste le responde:
_ En el mundo del arte no hay que estar con gente estropeada. La gente se queja mucho, llora mucho, y la gente estropeada hace más mal que bien..."

El pintor José Mº Mezquita, el primer día del Taller, nos explica en una pizarra:
_"En la realidad, ya sea el mundo vegetal o animal, se da un orden. Si entendemos ese orden y somos capaces de trasladarlo al lienzo, podemos transmitir la sensación que produce."

_"¡La herramienta para representar la realidad es el rigor!". Nos recomienda el uso de herramientas: la regla y el metro para medir las cosas en la realidad y trasladar esas medidas al cuadro, la plomada para comprobar las verticales y horizontales en la realidad y trasladarlas al dibujo, la calculadora para calcular la escala a la que hemos de traducir las medidas que tomamos.

Se realizó una mesa redonda abierta al público en el Museo de Navarra, que pudieron hacer todo tipo de preguntas a Antonio López, José Maria Mezquita y Juan José Aquerreta, mientras Maria Moreno escuchaba desde la primera fila.
La respuesta de Juan José Aquerreta a una de las preguntas del público:

_"(...) Como ahora no hay curas y los políticos han perdido todo el prestigio, la gente busca a los más raros para que les explique algo de sus propias vidas."

En una de las tertulias espontáneas que se organizaban en el taller cuando se juntaba un corro de gente, una alumna comentó el bajo nivel de exigencia que veía en las clases de la facultad de Bellas Artes, a lo que Antonio López comentó:
_ El método es que no haya método. Eso es más cómodo y más divertido. Hay que educar a la gente a la libertad, si no, es una irresponsabilidad. Eso es muy cómodo, para los profesores y para los alumnos. Mucha gente que enseñan allí no se ganan el pan bien y mucha gente que estudia allí le está quitando el sitio a niños que se diviertan y a viejos. Un rato les puedes decir: _haced lo que os dé la gana._ , pero incluso eso lo tienes que hacer con atención, porque esas personas están ahí para aprender, si no, es una irresponsabilidad."

Creo que lo que he vivido esta semana va a resonar durante meses de trabajo en el estudio. Eso es lo que me han comentado varios veteranos de asistencia a estos Talleres que cada verano, desde hace seis años, da Antonio López en la Universidad de Navarra. Pintores como Gonzalo Goytisolo, Elena Goñi, Maite Piñero, o Juan Sorroche, han asistido varios años porque la experiencia es muy positiva. Otros novatos, como Gemma Pichot, Aina Sánchez, Emilio Vidal, Pablo Giménez o yo misma, nos vamos con la intención de volver el año que viene. Aunque hay una selección de los participantes que hace Antonio López a partir de un cv y dos fotos de cuadros, por lo que ya veremos si tengo esa suerte otra vez.

Enlaces:
Taller de pintura en la Universidad de Navarra
Antonio López
Jose Maria Mezquita
Juan José Aquerreta
Elena Goñi
Gonzalo Goytisolo
Maite Piñero
Emilio Vidal
Gemma Pichot
Pablo Giménez Olavarria
Juan Sorroche

Fotografías y dibujos: Nuria Armengol

Vivian Maier, fotógrafa.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 09 Jan 2011 22:20:00 +0000

Vivian Maier trabajó como niñera para varias familias durante cuarenta años en la ciudad de Chicago. En sus días libres salía siempre a la calle con una cámara de fotos, pero nunca enseñó sus fotos a nadie.

Los niños a los que cuidó en los años 50 la describen como una Mary Poppins, siempre sorprendente e interesante. Otros empleadores la describen como una mujer de carácter fuerte, que hablaba con acento francés, con opiniones firmes en política y un marcado anti-catolicismo.

Este video de un reportaje de tv, entrevista a John Maloof, un vendedor inmobiliario de Chicago que en 2007 preparaba un libro sobre un barrio de su ciudad y encontró en un mercadillo una caja con negativos que incluía alguna vista de Chicago que podía serle útil. Al mirar los negativos con calma se quedó cada vez más admirado. De hecho, como él mismo explica, ver sus fotos le inspiró para hacerse fotógrafo también él y, conforme hacía progresos, cada vez "veía" más en las fotos de Vivian Maier. Compró una cámara como la suya y fué a las calles que Maier había fotografiado, con lo que comprobó lo difícil que era obtener una foto de ese calibre.

Blog de John Maloof sobre Vivian Maier: fotografías, Biografía, calendario de documental, libro, etc:
http://vivianmaier.blogspot.com/
El artículo de wikipedia es muy completo y bien documentado:
http://en.wikipedia.org/wiki/Vivian_Maier
Exposicion en Chicago, del 8 de enero al 3 de abril de 2011:
http://www.explorechicago.org/city/en/things_see_do/event_landing/events/dca_tourism/FindingVivianMaier_ChicagoStreetPhotographer.html

Couleur 2011. Color 2011

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Fri, 31 Dec 2010 09:22:00 +0000

photo: David Ranc

Le réel c'est une apparence infinie, une constante et inépuisable possibilité d'apparaître.

Antonio Machado

L'image du début 2011 c'est un chemin peint en bleu qui dessine un horizon rond, avec des lumières et des ombres, vraies comme les joies et les tristesses que nous pouvons trouver dans la vie, et que dans cette image rappellent des voiles hissées au vent. Il y a aussi le rouge, le couleur de la terre, pour nous maintenir liés au sol.

Je voudrais partager ce chemin avec tous ceux qui ont été importants pour Azulbleu en 2010: Cristina Chi, Cristina Ballesteros, Elena Vecino, Victoria Morera, Mercedes Unzeta, Peter Nesbett et Shelly Bancroft, Andy Goldsworthy, Anne Murat, Ramón Sangüesa, Jesús Olmo, et tous les lecteurs qui ont passé par ici en laissant une trace bleue.

Pendant l'année 2011 Azulbleu va grandir, peut-être même fleurir, parce que l' ambition d'aller plus loin fera qu'il aie des collaborateurs et une orientation plus professionnelle. Je vais demander du conseil à ceux qui savent plus que moi, qui sont légion, et d'aide à des collaborateurs qui veulent parler de peinture en quelconque façon.
Parce que la Unión hace la Fuerza.

La photo de David Ranc, à été prise au Museu Nacional da República, à Brasilia, oeuvre de l'architecte Oscar Niemeyer.
Vous pouvez visiter sa web: www.davidranc.com et son blog: davidikus.blogspot.com

Oscar Niemeyer est dans wikipédia.
Sa web: www.niemeyer.org.br
Centre Culturel Oscar Niemeyer à Asturias, Espagne: www.niemeyercenter.org/

Lo real es una apariencia infinita, una constante e inagotable posibilidad de aparecer.

Antonio Machado

fotografía: David Ranc

La imagen que inicia 2011 es la de un camino pintado en azul que dibuja un horizonte curvo. Con luces y sombras, reales como las alegrías y tristezas que podemos encontrar en la vida, y que en esta imagen parecen las velas de un barco izadas al viento. Hay también algo de color rojo, el color de la tierra, para mantenernos con los pies en el suelo.

Me gustaría compartir este camino con todos aquellos que han sido importantes para Azulbleu durante 2010: Cristina Chi, Cristina Ballesteros, Elena Vecino, Victoria Morera, Mercedes Unzeta, Peter Nesbett y Shelly Bancroft, Andy Goldsworthy, Anne Murat, Ramón Sangüesa, Jesús Olmo, y todos los lectores que han pasado por aquí dejando un rastro azul.

Durante este año 2011 Azulbleu va a crecer, quizá incluso florecer, porque la ambición de hacerlo llegar más allá hará que tenga colaboradores y una orientación más profesional de la que ha tenido hasta ahora. Pediré consejo a quienes saben más que yo, que son legión, y ayuda a colaboradores que quieran hablar de pintura en cualquiera de sus formas.

Parce que la Unión hace la Fuerza.

La fotografía de David Ranc, fué tomada en el Museu Nacional da República, en Brasilia, obra del arquitecto Oscar Niemeyer.

Pueden visitar su web: www.davidranc.com y su blog: davidikus.blogspot.com

Oscar Niemeyer está en wikipedia.

Su web: www.niemeyer.org.br

Centro Cultural Oscar Niemeyer en Asturias: www.niemeyercenter.org/

Exposiciones en París. Calendario / Calendrier par Anne Murat

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Wed, 22 Dec 2010 21:30:00 +0000

Fotografías: Exposición Moebius en la Fondation Cartier, Paris.

Anne Murat nos envía desde París un calendario de exposiciones seleccionadas para visitar durante los próximos seis meses:
Anne Murat nous envoie dés Paris, un calendrier d'expos selectionnées, à visiter pendant les prochains six mois:

Musée du Moyen Age de Cluny

Hasta el 10 de enero 2011: Arte Eslovaco de finales de la Edad Media.

Jusqu'au 1O janvier 2011: Art Slovaquie à la fin du Moyen Age

web

Grand Palais

Hasta el 10 de enero 2011: Francia 1500: entre la Edad Media y el Renacimiento.

Jusqu'au 10 janvier 2011: France 1500 : entre Moyen Age et Renaissance

Hasta el 24 de enero 2011: Monet

Jusqu'au 24 janvier 2011 : Monet

web

Petit Palais

Hasta el 16 de enero 2011: Giuseppe de Nittis

Jusqu'au 16 jan 2011: Giuseppe de Nittis

web

Orsay

Del 8 de marzo hasta el 29 de mayo 2011: fotografía Prerafaelita.

8 mars-29 mai 2011: photographie Préraphaélite

Del 5 de abril hasta el 3 de julio 2011: Manet.

5 avril-3 juillet 2011: Manet

web

Louvre

Hasta el 3 de enero 2011: Museos de papel. La Antigüedad en los libros, 1600-1800

Jusqu'au 3 janvier 2011: Musées de papier. L'antiquité en livres, 1600-1800

Abril - Julio 2011: Claude Lorrain

Avril - juillet 2011 : Lorrain

web

Jacquemart André

Hasta el 24 de enero 2011: Rubens, Poussin.

Jusqu'au 24 Janvier 2011: Rubens, Poussin

web

Fondation Cartier

Hasta el 13 de marzo 2011: Moebius.

Jusqu' au 13 mars 2011: Moebius

web

BNF Mitterrand

Hasta el 9 de enero 2011: Depardon.

Jusqu' au 9 janvier 2011: Depardon
web

Pintura, ja, ja, ja!

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 05 Dec 2010 21:55:00 +0000

Las Grandes Obras de la Pintura occidental revisitadas con mucho humor en el video clip del grupo Hold your horses!

Los que quieran jugar a adivinar todas las obras que parodian estos chicos, pueden darle al play cuantas veces quieran.

Y después pueden visitar el blog de rtfm, que ha elaborado la lista completa de las obras originales, con la imagen y el enlace a wikipedia, para seguir el tema por vías más históricas.
rtfm.es

Gracias a Anne Murat por el video de la canción 70 million de Hold your horses

Birmania, el arte e internet, por Anne Murat

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Fri, 03 Dec 2010 01:08:00 +0000

Birmania evoca más a menudo la imagen de militares que la imagen de pintores. Y sin embargo, a pesar de la dictadura, la sociedad birmana es una sociedad creativa, bulliciosa, en movimiento, En su proyecto Rangoon Cocoon, la realizadora Anne Murat y el fotógrafo Brice Richard han recogido numerosos testimonios de artistas birmanos, de los que aquí explican un extracto.
Vous pouvez lire l'article original en français aprés la traduction en espagnol.

Mapa de Birmani a

La censura, la carencia de medios y la mediocridad de la educación afectan a todos los sectores de actividad en Birmania, sobre todo las artes. Mientras que el arte contemporáneo a nivel internacional ha invertido en el campo de las nuevas tecnologías desde hace tiempo, los pintores birmanos han de pelearse todavía para acceder a las escasas impresoras, programas de tratamiento de imágenes y publicaciones anglófonas disponibles en la capital, sin hablar de los libros de arte, inencontrables o inalcanzables.

D.A. Es un caricaturista comprometido y nos comenta: “Para conocer el nivel de desarrollo de un país hay que tener en cuenta su nivel de creación. En un país subdesarrollado los artistas deben emplear todo su tiempo en trabajos alimenticios, en vez de emplear el tiempo en encontrar inspiración. La situación política, económica y artística están relacionadas. Hoy día, en Birmania, la mayoría de los artistas no pueden vivir de la actividad artística.”.

Maung Maung Thein, pintor tradicional, es propietario de una pequeña galería en Yangon y confirma: “El público no responde. Y no sólo por cuestiones financieras. Hay que formar a la gente en el arte, enseñarles a apreciarlo y comprenderlo”. Maung Maung Thein nos confiesa que su galería no le da suficiente para vivir: desde hace años da clases de pintura para subsistir.

La galería de Maung Maung Thein en Yangon.

Si la minúscula clase media no está preparada para invertir en arte contemporáneo, la mayoría de las obras son adquiridas por los expatriados y los turistas, una clientela volátil, que desaparece en las épocas de disturbios o de huracanes. Los años buenos, Birmania tan solo acoge a unos 300.000 visitantes, cuarenta veces menos de los que visitan Tailandia. Y sin embargo, la calidad de las obras creadas en Birmania ha mejorado considerablemente estos últimos años, gracias a una comunidad de pintores en pleno desarrollo. Las exposiciones dedicadas al arte birmano se han multiplicado en Asia, lanzando la carrera de estrellas en alza tales como Zaw Win Pe, Kin Zaw Latt, Thank Kiaw Thay, Nann Nann, U Soe Moe, Aye Ko, Chaw Ei Thein... Un puñado de artistas que hoy forman parte del circuito artístico internacional y pueden esperar vivir decentemente de su arte.

El artista Zaw Win Pe

Susan Anderson, propietaria de una lujosa galería de arte en Rangoon, ha sido la testigo más entusiasta de esta evolución reciente:

“En 2002, tan solo había un puñado de artistas que se ganaban correctamente la vida y exponían en el extranjero. Hoy día se han convertido en dos o tres puñados. Los coleccionistas empiezan a interesarse en el arte birmano y los artistas locales han aprendido a entrar en contacto con los promotores y a situarse en los simposios de arte asiáticos. Los pintores encuentran cada vez más la manera de ir a trabajar al extranjero. Myanmar ha pasado de ser una isla que lo ignoraba todo del mundo exterior a convertirse en una península.. El relativo aislamiento de Myanmar es una ventaja y un inconveniente. Es cierto que los artistas están raramente al corriente de las últimas tendencias del mercado del arte, pero en este sentido se mantienen muy puros. Encuentran su inspiración en lo que les rodea, en esta herencia cultural, esta tradición, esta religión budista de la que están tan orgullosos. Para muchos artistas crear es un auténtico acto de devoción”.

La galerista Susan Anderson

Paralelamente, una nueva generación de artistas parece haberse dado cuenta de que, en un país donde el acto de creación es como mínimo difícil y en el peor de los casos peligroso, la unión hace la fuerza. Las asociaciones se multiplican, algunas son muy ambiciosas, como el proyecto New One, una galería creada y gestionada por un colectivo de 30 artistas, y otras son más espontáneas. Cada domingo, en casa de la fotógrafa Kyiasng Pyo y el escultor Ko Hla, se reúnen una decena de artistas alrededor de una vela para intercambiar ideas y cantar canciones:

“La generación anterior tenía tendencia a permanecer aislada, explica Kyiang Pyo. Pero nosotros, la joven generación, aprendemos idiomas extranjeros y vemos la televisión, que es una ventana abierta al exterior, al mundo. Nosotros nos acercamos los unos a los otros, tenemos un espíritu más abierto, nos gusta compartir, crear redes. Todo el mundo tiene conocimientos diferentes. Hablando nos enriquecemos mutuamente. Al reunirnos, nos ayudamos entre nosostros”.

Ko Hla

Esta joven generación es mucho más consciente de las posibilidades que abre internet en materia de inspiración y de promoción artística. Según Aung Aung, un joven prodigio de 24 años que ya vende sus telas por más de 4000 euros cada una, la web está a punto de cambiar Birmania:

“En la escuela de arte solo copiábamos las telas de los maestros. Después llegó internet... En la web he podido descubrir y analizar el trabajo de artistas extranjeros contemporáneos y darme cuenta de que existían muchos estilos diferentes. Me inspiré en ellos para desarrollar mi propio estilo. Internet también ha cambiado la manera en que la gente percibe el arte en Birmania. Antes, la gente solo admiraba pasivamente la pintura. Ahora hacen preguntas, comparan, buscan qué novedades hay. Es muy positivo. Cada vez se ve menos arte realista y más arte conceptual”.

Aung Aung

El fenómeno internet está todavía en sus inicios pero poco a poco las ciudades se conectan. Los cibercafés se encuentran con bastante facilidad en Rangoon y Mandalay. Aunque el coste de la conexión, 0,50 euros es elevado, la conexión es poco fiable y la web está estrechamente vigilada por la Junta militar, Birmania cuenta hoy en día con 50.000 usuarios regulares: se acaba de abrir una pequeña ventana al exterior. El acceso a los nuevos medios de comunicación transforma la manera en que la nueva generación se informa, consume y aprende.

Para la joven artista y madre de familia Na Wuh: “Todavía hoy se percibe a los artistas de manera negativa: ¡ser artista equivale a no trabajar y ser pobre! Mi madre quería que fuera una mujer de negocios por el dinero y el prestigio. Para mí, la manera de cambiar estas percepciones se consigue vendiendo mis obras en el extranjero, porque hay museos que organizan grandes exposiciones, hay colecciones privadas... Aquí en Birmania, es más difícil, pero internet contribuye a transformar esta percepción.”

Na Wuh

Texto: Anne Murat www.annemurat.net

Fotografías: Brice Richard www.bricerichard.com/

Traducción del francés: Nuria Armengol
Mapa de Birmania: BBC

Más información en la web: www. rangooncocoon.com

La Birmanie, l’art et Internet

La Birmanie évoque plus souvent l’image de militaires que celle de peintres. Et pourtant, malgré la dictature, la société birmane est une société créative, bouillonnante, en mouvement.

Dans leur projet Rangoon Cocoon, la réalisatrice Anne Murat et le photographe Brice Richard ont ramené de nombreux témoignages d’artistes birmans, en voici quelques extraits.

La censure, le manque de moyens et la médiocrité de l’éducation touchent tous les secteurs d’activité en Birmanie, notamment les arts. Alors que l’art contemporain international a investi le champ des nouvelles technologies depuis longtemps, les peintres birmans se battent encore pour avoir accès aux rares imprimantes, logiciels de traitement d’images et publications anglophones disponibles dans la capitale, sans parler des livres d’art, introuvables ou inabordables.

D.A. caricaturiste engagé commente : « Pour connaître le niveau de développement d’un pays, il faut considérer son niveau de création. Dans un pays sous développé, les artistes doivent consacrer tout leur temps à des boulots alimentaires plutôt que prendre du temps pour trouver leur inspiration. Situation politique, économique et artistique sont liées. Aujourd’hui en Birmanie, la majeure partie des artistes ne peut vivre de son activité artistique. »

Maung Maung Thein, peintre traditionnel, est propriétaire d’une petite galerie à Yangon confirme : « Le public ne suit pas. Et pas simplement pour des raisons financières. Il faut former les gens à l’art, à l’apprécier, à le comprendre. » Maung Maung Thein confie que sa galerie ne lui permet pas de vivre : depuis de nombreuses années, il dispense des cours de peinture pour subsister.

La galerie de Maung Maung Thein, Yangon

Si la minuscule classe moyenne n’est pas prête à investir dans l’art moderne, la plupart des œuvres sont raflées par les expatriés et les touristes, une clientèle versatile, qui disparaît en période d’émeute ou d’ouragan. Les bonnes années, la Birmanie n’accueille qu’environ 300 000 visiteurs, soit quarante fois moins qu’en Thaïlande.

Et pourtant, la qualité des œuvres produites en Birmanie s’est considérablement améliorée ces dernières années, portée par une communauté de peintres en plein essor. Les expositions dédiées à l’art birman se sont multipliées en Asie, lançant les carrières d’étoiles montantes telles que Zaw Win Pe, Kin Zaw Latt, Thank Kiaw Thay, Nann Nann, U Soe Moe, Aye Ko, Chaw Ei Thein…… une poignée d’artistes qui, aujourd’hui, font partie du circuit artistique international et peuvent espérer vivre décemment de leur art.

L’Artiste Zaw Win Pe

Susan Anderson, propriétaire d’une luxueuse galerie d’art à Rangoun, a été le témoin enthousiaste de cette évolution récente :

« En 2002, il n’y avait qu’une poignée d’artistes qui gagnaient correctement leur vie et exposaient à l’étranger. Aujourd’hui, il y en a plutôt deux ou trois poignées. Les collectionneurs commencent à s’intéresser à l’art birman et les artistes locaux ont appris à rentrer en contact avec les promoteurs et à se faufiler dans les symposiums d’art asiatique. De plus en plus de peintres trouvent le moyen de partir travailler à l’étranger. D’une île ignorant tout du monde extérieur, le Myanmar est devenu une péninsule.

L’isolement relatif du Myanmar est un avantage et un inconvénient. Certes les artistes sont rarement au courant des dernières tendances du marché, mais en ce sens ils restent très purs. Ils trouvent leur inspiration dans ce qui les entoure, dans cet héritage, cette tradition, cette religion Bouddhiste dont ils sont si fiers. Pour beaucoup d’artistes, créer est un véritable acte de dévotion. »

la galeriste : Susan Anderson

En parallèle, une nouvelle génération de jeunes artistes semble avoir réalisé que, dans un pays où l’acte de création est au mieux difficile et au pire dangereux, l’union fait la force. Les associations se multiplient, certaines très ambitieuses, comme le projet New One, une galerie créée et gérée par un collectif de 30 artistes, d’autres plus spontanées. Chaque dimanche, chez Kyiang Pyo la photographe et Ko Hla le sculpteur, ils sont une dizaine à se rassembler autour d’une bougie pour échanger des idées et chanter des chansons :

« La génération précédente avait tendance à rester isolée, explique Kyiang Pyo. Mais nous (la jeune génération), nous apprenons les langues étrangères, la TV est une fenêtre sur le monde, sur l’extérieur. Nous nous rapprochons les uns des autres : nous sommes plus ouverts d’esprit, nous aimons partager, créer des réseaux. Tout le monde a un savoir différent. En discutant, on s’enrichit mutuellement. En se réunissant, on s’entraide. »

Ko Hla

Cette jeune génération est bien plus consciente des possibilités qu’ouvre Internet en matière d’inspiration et de promotion artistique. Selon Aung Aung, un jeune prodige de 24 ans qui vend déjà ses toiles pour plus de 4 000 euros pièce, le web est en train de changer la Birmanie :

« En école d’art, nous ne faisions que copier les toiles de maîtres. Puis Internet est arrivé... Sur le web, j’ai pu découvrir et analyser le travail d’artistes étrangers contemporains, et j’ai réalisé qu’il existait beaucoup de styles différents. Je m’en suis inspiré pour développer mon propre style. Internet a aussi changé la manière dont les gens perçoivent l’art en Birmanie. Avant, les gens ne faisaient qu’admirer passivement la peinture. Maintenant, ils posent des questions, comparent, demandent ce qu’il y a de nouveau. C’est très positif. On voit moins d’art réaliste et de plus en plus d’art conceptuel. »

Aung Aung

Le phénomène Internet est encore à ses débuts, mais peu à peu les villes se connectent. Les cybercafés se trouvent assez aisément à Rangoun et Mandalay. Le coût de la connexion (0.5 euro) a beau être élevé, la connexion peu fiable et le web étroitement surveillé par la junte, la Birmanie compte aujourd’hui près de 50 000 utilisateurs réguliers : une petite fenêtre vers l’extérieur vient de s’ouvrir. L’accès aux nouveaux médias transforme la façon dont la nouvelle génération s’informe, consomme et apprend.

Pour la jeune artiste et mère de famille Na Wuh : « Aujourd’hui encore, les artistes sont perçus de manière négative : être artiste, c’est ne pas travailler et être pauvre ! Ma mère voulait que je sois une femme d’affaire pour l’argent et le prestige. Pour moi, la manière de changer ces perceptions, c’est de réussir à vendre mes œuvres à l’étranger, parce qu’il y a des musées qui organisent de grandes expositions, des collections privées… Ici, en Birmanie, c’est plus difficile, mais Internet contribue à transformer les perceptions. »

Artiste : Na Wuh

Texto: Anne Murat http://www.annemurat.net

Crédits photographiques : Brice Richard www.bricerichard.com

Plus d’informations sur le site : www.rangooncocoon.com

MOMA. Exposición Abstract Expressionist New York vista por Ramón Sangüesa.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Thu, 11 Nov 2010 23:17:00 +0000

Me ha gustado ver la evolución de Rothko. De la primera sala a la tercera ni te puedes imaginar que sea el mismo autor.

Me ha sorprendido también Philip Guston de la época que lo tenía conceptuado de otra manera.

Y la pequeña salita de fotografia me ha permitido volver a ver trabajos de Minor White:

y descubrir a Harry Callahan que ha sido una sorpresa:

También ver que Ashile Gorky "se inspiró" en algunas formas de Miró más de la cuenta.

Y claro, Jackson Pollock como siempre. Aunque redescubrí que su mujer, Lee Krasner, era una colaboradora-inspiradora de primer orden. No sé quién va primero, la verdad.

Puedo añadir alguna cosa del MOMA con la pieza participativa de Yoko Ono. Es toda una experiencia estar en el quinto piso y escuchar los alaridos que suben desde el primero:

Aquí el website
http://www.moma.org/visit/calendar/exhibitions/1098

Ramón Sangüesa, informático especializado en Inteligencia Artificial, profesor en la Universitat Politècnica de Catalunya y derivando en los últimos tiempos hacia diseñador de patrones culturales para la innovación social. Con Ramón es un placer hablar de todo, menos de física cuántica, de la que dice que hay una parte que no entiende: "la que viene en el libro de física cuántica inmediatamente después de abrir la portada con el título". Ha aceptado enviar crónicas pictóricas durante su estancia en Nueva York los próximos meses. Así que ahora azulbleu tiene un corresponsal excelente, alguien que por fin va a decir algo inteligente en este blog. ¡Bienvenido a azulbleu, Ramón!
www.ramonsanguesa.com

Aunque parezca Chinatown, la foto está tomada en Akihabara, el barrio "geek" de Tokyo donde puedes econtrarte a Super Mario Bros del brazo de un guerrero imperial reclamando respeto para los "otakus" ("frikis") en los medios de comunicación: http://www.kirainet.com/manifestacion-otaku/

La foto me la hizo el autor del blog "Kirai: un geek en Japón". Héctor lleva un montón de años en Japón... y eso que no supera los treinta y algo. Buen fotógrafo es, y no por mi retrato sino como dejan claro sus propios libros de fotografía:
http://www.kirainet.com/exposicion-de-mis-fotos-de-momentos-en-la-fnac-de-triangle/

http://www.kirainet.com/un-geek-en-japon-momentos/

La pátina de la vida. Escultura submarina de Jason de Caires.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sun, 31 Oct 2010 21:28:00 +0000

Reproduzco la newsletter del escultor Jason de Caires tal como me ha llegado porque las imágenes y el texto son todo lo elocuentes que el tema requiere. Dan noticias de su trabajo en Cancún, Méjico, llevando a cabo el mayor proyecto hasta el momento de esculturas figurativas sumergidas, llamado Silent Evolution. La Evolución Silenciosa se refiere al proceso por el que el mar se apropiará de estas esculturas, que serán desgastadas por la acción del agua y habitadas por corales, pólipos y todo tipo de fauna y vegetación marinas, como puede verse en las imágenes que envía de su anterior instalación Vicissitudes en la isla de Granada.
Jason de Caires agradece a los modelos que posaron pacientemente untados de vaselina y en ropa interior, cubiertos de yeso durante una hora, para realizar las esculturas. Y como en toda ceremonia de inauguración que se precie, la lista de agradecimientos es larga, desde los colaboradores más cercanos a los más esporádicos y también los padres.
El proyecto no está finalizado porque ahora empieza el trabajo de escultor del mar, cubriendo las esculturas con la pátina de la vida.
The latest Jason deCaires Taylor News
So here we finally have it… The world’s largest underwater collection of contemporary sculpture in history; The Silent Evolution.
400 permanent life-size sculptures forming a monumental artificial reef in Cancun/ Isla Mujeres, Mexico. (click here)

The Journey

The road has been long, taken 18months, required 120 tons of cement, sand and gravel, 3800m of fiber-glass, 400kg of silicone, 8,000miles of red tape,120hrs working underwater and $250,000. Sculpting close to the mangroves in Puerto Morelos the team received over 2500 mosquito bites, tabano bites, fire ant stings and more than 20 nips from Damsel fish during installations in the sea.

Of course on a journey of this scale I have many people to thank along the way and without their help, dedication and faith none of this would have been possible.

Firstly I would like to thank all the models who patiently stood in their underwear covered in vaseline and plaster for over an hour, thus requiring trust and bravery. We are pleased to have immortalized (and removed a few hairs) of the following people: Roy, Vanessa, Joaquin, Marcelo, Tania, Karen, Fernando, Mangala, Froylan, Paz, Charlie Brown, Paulina, Rosario, Angelica, Brian, Jim, Carlito, Karen S, Grace, Amandeep, Valaria, Blanca, Kelly, Lily, Henri, Lucky, Angel, Veronica, Aida, Sarah, Cecil and little Santiago (only 3 years old).

Most importantly a special thanks to the artist assistants: Rodrigo, Jorge, Lucio, James and Karen, who have worked though very tough conditions and have been incredibly loyal and hardworking. In particular Karen, who has been there from the start and a key element of this project. I feel very fortunate to have worked alongside each one of them.

During the development and installation we encountered many logistical and engineering challenges and a heart-felt thanks goes out to Mario from Marenter, his family and all the crew on BD1.

Additional thanks to: The National Marine Park of Cancun, with valuable help from Juan Carlos, Roberto, Henri, Tonio, Joel and Patricia Santos.
Todd Barber from Reefball, Alfredo, Ruben, Luis, Mario, Luzma, Franciso from PESCA, Raul, Donna, Pedro Frentes and of course Rita the cat.

This project was realized almost 2 years ago when I sat down with Jaime Gonzalez Cano, Director of the Marine Park and Roberto Diaz President of the Nautical Association, from this initial meeting we laid down the blueprints of the underwater museum. Their enthusiasm, faith and support have been the driving force of this projects success.

Finally I would like to dedicate this work to my parents Christine and Roy who have been the bow that fired this arrow, providing both foundations and support, regardless of all circumstances. You really have been the cornerstone and catalyst to change ideas into reality, and for this I will be eternally grateful.

I would also like to point out that this installation is by no means over and the second phase is dependant on nature’s artists of the sea, to nurture, evolve and apply the patina of life.

New Silent Evolution Film

Grenada News

After a recent trip to Grenada in September the coral and marine life growing on Vicissitudes has beyond all expectations.

And finally

For further details or press information on any of the above please contact:

Jason deCaires Taylor
divetaylor@yahoo.com
www.underwatersculpture.com
Tel: +52 1 9981921189

Premio Nobel de Literatura y...pintor.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Fri, 29 Oct 2010 13:08:00 +0000

"Cuando me vaya al cielo, pienso pasar una parte considerable de mi primer millón de años pintando y de ese modo aprender a hacerlo bien. Pero entonces necesitaré una paleta más alegre que la que tengo aquí abajo. Espero que el naranja y el bermellón serán los colores más oscuros y fríos de esa paleta, y a partir de ellos habrá toda una gama de nuevos colores maravillosos que serán un deleite para el ojo celestial".
Winston Churchill, tras ser Primer Ministro de Inglaterra, recibió el Premio Nobel de Literatura en 1953. Se dedicó a pintar con auténtica pasión de amateur tras retirarse de la política. Buena prueba es este párrafo de su libro: "Painting as a pastime", "La pintura como un pasatiempo".

Durante sus viajes privados o como estadista siempre encontró tiempo para pintar al menos un cuadro al óleo, preferentemente de paisajes: Francia, Italia, Palestina, Marruecos, Madeira,...  Ya en 1921 expuso en una galería de París con el seudónimo Charles Morin. Y cada año, entre 1947 y 1959, sus cuadros fueron seleccionados para la exposición de verano en la prestigiosa Royal Academy de Londres, con el seudónimo David Winter.


Hay varios libros dedicados a su faceta de pintor:


En cambio, estos paisajes realizados en tinta son muy diferentes a los de Churchill, porque tienen elementos de la tradición pictórica oriental y occidental.

Son cuadros del Premio Nobel de Literatura en el año 2000, Gao Xingjian.

Fotografía: Robert Wilson

El escritor chino que reside exiliado en París desde 1987, y que ha escrito su obra más conocida "La montagne de l'âme" en francés, es también un consumado pintor: "La peinture vient de l'endroit où les mots ne peuvent plus s'exprimer" (...) "L'esprit vient de la vie: il est dans les montagnes, les rivières, l'herbe et les arbres" (...) "Il ne faut pas sonder les âmes, il ne faut pas rechercher les causes et les effets, il ne faut pas rechercher le sens, tout n'est que chaos".

Gao Xingjian, Marseille, 2003. Fotografía cortesía de Alain Melka/Jean-Louis Darmyn y Triangle Méditerranée.
La ciudad de Marsella en Francia, declaró 2003 como el año Gao Xingjian, con una exposición de sus obras y la realización del film "Silhouette / Shadow" que trata de su trabajo pictórico y que él describe como un poema cinemático o una fábula moderna, ya que la película muestra imágenes de sus actividades a lo largo de ese año, sin seguir una línea narrativa.
En España Gao Xingjian expuso en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid en 2002 y pudimos ver sus pinturas en tinta china sobre tela y papel en Barcelona cuando las expuso la Galería Senda en 2008.

Escultura y Luz. Kumi Yamashita.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sat, 23 Oct 2010 08:16:00 +0000

Hay escultores que trabajan no sólo con la solidez de los materiales: piedra, metal, madera. Son escultores que trabajan con un elemento inmaterial, que carece de peso, volumen o textura: la luz.
La obra escultórica de la escultora Kumi Yamashita son unos perfiles en metal que cobran todo el sentido al iluminarlos.

Publico el e-mail que ha enviado:

Hi Everyone!

I hope this email finds you well.

I'm in Kaohsiung Design Festival in Taiwan through November 28th, 2010.
http://travelkaohsiung.com/whats-on/kaohsiung-design-festival/

Please come and visit the show if you are in the area!

Have a lovely fall or spring depending on your hemisphere...

Best,
Kumi
www.kumiyamashita.com

«O che dolce cosa è questa prospettiva!»

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Sat, 16 Oct 2010 21:56:00 +0000

"O che dolce cosa è questa prospettiva!" le contestaba Paolo Uccello a su mujer cuando allá por 1450* pasaba las noches en vela dibujando, en vez de ir a dormir con ella. El nombre de Uccello le fué dado, a él que se llamaba Paolo di Dono, por su afición a pintar pájaros y otros animales, en paisajes que nadie había pintado antes con la perfección con que lo hizo él. Nos lo explica Vasari, en Le Vite de più eccellenti architetti, pittori et scultori, que escribió 70 años después de la muerte de Uccello: "En la casa de los Médicis ejecutó al temple, sobre tela, algunas escenas de animales, por las cuales tenía mucha afición, empeñándose para realizarlas bien. En su casa siempre tenía dibujos y pinturas de pájaros, gatos, perros y toda clase de animales extraños, porque, siendo pobre, no podía poseer los ejemplares vivos. Y como lo deleitaban más que nada los pájaros, le dieron el apodo de Paolo Uccelli".

Sigue explicando Vasari:

"Trabajó también en Santa Maria Maggiore, en una capilla al lado de la puerta lateral que conduce a San Giovanni, donde están la tabla y la predella de Masaccio: allí pintó al fresco una Anunciación en que representó una casa que merece atención, pues era tarea nueva y difícil en aquella época, siendo la primera obra en que se mostró a los artistas el buen modo de establecer la fuga de las líneas con gracia y proporción, y de representar amplio espacio y lontananza en una superficie muy pequeña. Quienes son capaces de agregar a esto las luces y las sombras en sus debidos lugares, sin duda logran engañar al ojo y dar vida y relieve a la pintura. Y no bastándole esto a Paolo, quiso superar mayor dificultad aún, representando una columnata en perspectiva, que rompe el ángulo vivo de la bóveda, allí donde están los cuatro Evangelistas. Esa realización fue considerada bella y difícil y, a la verdad, Paolo fue ingenioso y capaz en tal especialidad".

Su obsesión por la perspectiva, aplicada a la descripción de paisajes, figuras y animales ha dejado cuadros como la Batalla de San Romano, que se encuentra en Londres:

Y otra versión de la misma Batalla de San Romano, que se encuentra en Florencia:

Uccello dibujaba sin descanso:
"Considerables fueron, realmente, los esfuerzos desplegados por Paolo en materia de pintura, y dibujó tanto que dejó a sus deudos, según por ellos mismos he sabido, cajones llenos de proyectos. Pero si bien vale mucho proyectar, mejor es llevar los proyectos a la práctica, pues tienen más larga vida las obras que las hojas de papel dibujadas. Y aunque en nuestro Libro de dibujos hay bastantes figuras, perspectivas, pájaros y animales maravillosamente bellos, lo mejor de todo es un mazzocchio puramente lineal, tan hermoso que sólo la paciencia de Paolo era capaz de ejecutarlo. Aunque era un individuo de hábitos retraídos, admiraba el talento de los artistas y para dejar el recuerdo de algunos de ellos a la posteridad, pintó con su propia mano, en una larga tabla, los retratos de cinco hombres prominentes, que conservaba en su casa: uno era Giotto, pintor, lumbrera y padre del arte, Filippo di ser Brunelleschi representaba a la arquitectura, Donatello a la escultura, Paolo mismo a la perspectiva y la pintura de animales, y Giovanni Manetti, su amigo, con quien conversaba bastante y comentaba las cosas de Euclides, a las matemáticas".

Vasari inicia su relato de Uccello con una visión crítica de su obsesión por la perspectiva:
"Paolo Uccello hubiera sido el más delicioso y original genio después de Giotto en el arte de la pintura si se hubiese esforzado tanto en las figuras y los animales como se esforzó y perdió tiempo en las cosas de la perspectiva, pues aunque éstas son ingeniosas y bellas, quien se dedica inmoderadamente a ellas derrocha tiempo y más tiempo, gasta sus dotes naturales, acumula dificultades para su talento y a menudo lo convierte, de fecundo y fácil que era, en estéril y difícil. Y quien cuida más de la perspectiva que de las figuras, cae en un estilo seco y lleno de perfiles, producido por la voluntad de desmenuzar demasiado las cosas. Además, a menudo se vuelve solitario, extraño, melancólico y conoce la pobreza, como le ocurrió a Paolo Uccello que, dotado por la naturaleza de un ingenio sofístico y sutil, no encontraba placer mayor que el de investigar problemas difíciles e imposibles de la perspectiva. Y ésta, aunque bella y llena de fantasía, lo trabó tanto en la ejecución de las figuras que, a medida que iba envejeciendo, las hacía cada vez peor. Y no cabe duda de que quien, con estudios demasiado terribles, violenta la naturaleza, si bien por un lado aguza su ingenio, por otra parte nunca hace nada que parezca realizado con esa facilidad y esa gracia que naturalmente tienen aquellos que ponen cada pincelada en su lugar, moderadamente, con deliberada inteligencia llena de discreción, y eluden ciertas sutilezas que más bien dan a la obra un no sé qué forzado, seco, difícil y de pésimo estilo, que causa compasión a quien la mira, en vez de causarle asombro. En efecto, el instinto reclama ser utilizado en la misma medida en que el intelecto se empeña en obrar y en que el entusiasmo está encendido: entonces es cuando se ven surgir las maravillosas concepciones y los rasgos excelentes y divinos".

Le reprocha Vasari que cuando trabajó en los frescos de San Miniato, en las afueras de Florencia "hizo los campos azules, las ciudades rojas y los edificios de varios colores, según su fantasía".
Sin embargo, el escritor y erudito francés Marcel Schwob , que en su libro Vies imaginaires también utiliza la fantasía, lo hace para ensalzar la obsesión de Paolo Uccello por la perspectiva mediante imágenes de gran belleza literaria:
"Il représentait aussi toutes les bêtes et leurs mouvements, et les gestes des hommes afin de les réduire en lignes simples.
Ensuite, semblable à l’alchimiste qui se penchait sur les mélanges de métaux et d’organes et qui épiait leur fusion à son fourneau pour trouver l’or, Uccello versait toutes les formes dans le creuset des formes. Il les réunissait, et les combinait, et les fondait, afin d’obtenir leur transmutation dans la forme simple, d’où dépendent toutes les autres. Voilà pourquoi Paolo Uccello vécut comme un alchimiste au fond de sa petite maison. Il crut qu’il pourrait muer toutes les lignes en un seul aspect idéal. Il voulut concevoir l’univers créé ainsi qu’il se reflétait dans l’œil de Dieu, qui voit jaillir toutes les figures hors d’un centre complexe. Autour de lui vivaient Ghiberti, della Robbia, Brunelleschi, Donatello, chacun orgueilleux et maître de son art, raillant le pauvre Uccello, et sa folie de la perspective plaignant sa maison pleine d’araignées, vide de Provisions ; mais Uccello était plus orgueilleux encore. À chaque nouvelle combinaison de lignes, il espérait avoir découvert le mode de créer. Ce n’était pas l’imitation où il mettait son but, mais la puissance de développer souverainement toutes choses et l’étrange série de chaperons à plis lui semblait plus révélatrice que les magnifiques figures de marbre du grand Donatello". (...) Quiso concebir el universo creado tal como se reflejaba en el ojo de Dios, que ve surgir todas las figuras a partir de un centro complejo".

Schwob crea, con la fantasía que tanto le gustaba al pintor, la narración de cómo pudo ser la muerte de Paolo Uccello: "Son visage était rayonnant de rides. Ses yeux étaient fixés sur le mystère révélé. Il tenait dans sa main strictement refermée un petit rond de parchemin couvert d’entrelacements qui allaient du centre à la circonférence et qui retournaient de la circonférence au centre." "Su rostro estaba surcado de arrugas. Sus ojos miraban fijamente al misterio revelado. Sujetaba en su mano firmemente cerrada un rollo pequeño de pergamino cubierto de líneas entrelazadas que iban del centro a la circunferencia y que regresaban de la circunferencia al centro".

Vasari en castellano
Vasari en italiano
Marcel Schwob en castellano
Marcel Schwob en français

*Vasari da la fecha de 1432 para el fallecimiento de Paolo Uccello. Sin embargo, en todas las biografías que he consultado, se da la fecha de 1475. La fecha de 1450 para esta cita es una invenzione.

Gracias a Jesús Olmo por recordarme a Uccello y enviarme las Vidas Imaginarias de Marcel Schwob.

Pintura mural en Philadelphia. A love letter for you.

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Mon, 11 Oct 2010 21:13:00 +0000

Approaching a City. Edward Hopper. 1946.

Si el pintor Edward Hopper viviera hoy día en Philadelphia, ¿pintaría así?

Su cuadro "Approaching a City", de 1946, parece haber inspirado la atmósfera y la paleta de color de este video de Will Roegge.
El cuadro "Approaching a City" de Edward Hopper tiene una paleta de color sombría y densa, alejada de la paleta de otros cuadros suyos de temas urbanos, como "Casa junto a las vías del tren", de 1925, o "Pennsylvania Coal Town", de 1947, o "Early Sunday morning", en los que Hopper pintaba las sombras que se producen en un día soleado con una luz limpia y nítida. Una luz que daba ligereza a la soledad casi metafísica de los habitantes de sus pinturas. En una entrevista que le hizo John Morse en 1959, Hopper habla del miedo y de la ansiedad que hasta cierto punto nos produce el aproximarnos en tren a una gran ciudad y de cómo quiso captar ese sentimiento en el cuadro "Approaching a City". John Morse comenta que la primera vez que lo vió expuesto le llamó poderosamente la atención el juego de planos y volúmenes geométricos de este cuadro. Visto con ojos contemporáneos, llama la atención el muro que lleva al túnel, porque está vacío como un lienzo en blanco. Hoy día estos muros están seguramente llenos de pinturas, firmas y graffiti.

El video del proyecto "A love letter for you" nos lleva a dar un paseo junto a las vías del tren y por las calles de la zona oeste de la ciudad de Philadelphia para mostrarnos las pinturas murales de Stephen Powers. El proyecto, patrocinado por el Programa de Arte Mural de la ciudad de Philadelphia consta de 50 pinturas murales y pudo recorrerse en un tren especial el día de San Valentín.

¿Para cuándo un proyecto como el de Philadelphia Mural Arts Program en Barcelona? ¿Cuándo descubrirá el Ayuntamiento de Barcelona que promover y gestionar la creatividad con que tantos pintores murales llenan espontánea y gratuitamente las paredes de graffiti es mucho mejor que prohibirla? Lo que aquí se considera un problema, y por lo tanto se persigue y se prohíbe, en Philadelphia se promueve y se convierte en patrimonio artístico de todos.

Sigue soñando...

Andy Goldsworthy responde a un joven artista

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Wed, 22 Sep 2010 08:44:00 +0000

Fotografía: Cristina Chi

El proyecto de Refugios de arte que Andy Goldsworthy lleva a cabo en Digne, en la Alta Provenza francesa, sigue adelante.
Este mes de septiembre, Andy Goldsworthy pasa quince días en el refugio de l'Escuichière realizando una nueva escultura en una nueva sala, un muro con el dibujo de un aspa. En este refugio de l'Escuichière realizó en 2004 el muro de regueros de agua sugeridos mediante las líneas de calcita blanca en piedra calcárea negra que se encuentra en una cantera de la zona. La piedra con la x en blanco necesaria para realizar el cruce de las líneas del aspa se encontró al finalizar el muro de regueros de agua y se ha guardado en el Musée Gassendi de Digne, en la sala Goldsworthy, hasta que ha sido posible colocarla. Andy Goldsworthy ha previsto realizar en el futuro otra sala en este mismo refugio, de la que pueden verse los apuntes en el Musée Gassendi de Digne, en la que el dibujo de línea blanca en la piedra será un círculo.
En el libro Refuges d'Art, Andy Golsworthy explica sobre esta escultura: "The river is a very strong expression of flow, connexion and movement. I'd like to feel that I can find the river in a tree, in a stone. I think that the sculpture that I make in here is an attempt to find the stream, the water in the stone, the fluidity. It is a line of energy, movement and flow". Una línea de energía, movimiento y fluidez.

Andy Goldsworthy trabaja acompañado por un equipo de siete hombres, expertos en el trabajo en piedra, dirigidos por Gordon, que colabora con él desde hace años en la realización de muros en piedra, como los que pueden verse en el extraordinario documental Rivers and Tides.

Las piedras han de cortarse para encajar entre sí al hacer el muro y al mismo tiempo para que las líneas continúen el dibujo. Se seleccionan, se tallan, se colocan en el suelo para comprobar que encajan de manera adecuada y finalmente se llevan al muro, donde se hacen los cortes definitivos para su ajuste perfecto.

Al final del día, en un encuentro organizado por Jean-Pierre Brovelli guía de Refuges d'art y Nadine Gomez, directora del Musée Gassendi, entre los que hicimos este año el recorrido de Refugios de arte y Andy Goldsworthy, pude hablar con él y hacerle una pregunta relacionada con el libro Cartas a un joven artista.

._ I would like to know, now that so far you have accomplished a substantial part of your work, what would you say to a young artist who asks you for advice?

._ I think that the only thing I would say is: place your art first.

._ First of everything?

._ Yes, just place your art first. Don't wait to.., don't say: “I will make my art when I am thirty or forty or fifty”, and you still have not made your art, no?

._ Yes

._ So, if you have no studio, you still make your art, if you have no gallery, you still make your art, if you have no money, you still make your art. That's all, probably.

He traducido así la respuesta de Andy Goldsworthy a un joven artista que le pide consejo:

Pon tu arte por delante de todo lo demás. No esperes a tener treinta, cuarenta o cincuenta años, porque llegarás a tenerlos y todavía no habrás hecho nada. Así que no importa si no tienes estudio, tú haz tu obra, no importa si no tienes galería, tú haz tu obra, no importa si no tienes dinero, tú haz tu obra. Eso es todo.

Fotografías: Cristina Chi y Nuria Armengol

Cuento azul. Marguerite Yourcenar

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Mon, 13 Sep 2010 23:21:00 +0000

Cuadro de Nuria Armengol La Tierra Prometida, óleo sobre lienzo, 150 x 150 cm, 2000

Los mercaderes procedentes de Europa estaban sentados en el

puente, de cara a la mar azul, en la sombra color índigo de las

velas remendadas de retazos grises. El sol cambiaba constantemente

de lugar entre los cordajes y, con el balanceo del barco,

parecía estar saltando como una pelota que rebotara por encima

de una red de mallas muy abiertas. El navío tenía que virar

continuamente para evitar los escollos; el piloto, atento a la maniobra,

se acariciaba el mentón azulado.

Al crepúsculo, los mercaderes desembarcaron en una orilla

embaldosada de mármol blanco; vetas azuladas surcaban la superficie

de las grandes losas que antaño fueran revestimiento de

templos. La sombra que cada uno de los mercaderes arrastraba

tras de sí por la calzada, al caminar en el sentido del ocaso, era

más alargada, más estrecha y no tan oscura como en pleno mediodía;

su tonalidad, de un azul muy pálido, recordaba a la de

las ojeras que se extienden por debajo de los párpados de una

enferma. En las blancas cúpulas de las mezquitas espejeaban

inscripciones azules, cual tatuajes en un seno delicado; de vez

en cuando, una turquesa se desprendía por su propio peso del

artesonado y caía con un ruido sordo sobre las alfombras de un

azul muelle y descolorido.

Se levantó la luna y emprendió una danza errática, como

un espíritu endiablado, entre las tumbas cónicas del cementerio.

El cielo era azul, semejante a la cola de escamas de una sirena,

y el mercader griego encontraba en las montañas desnudas

que bordeaban el horizonte un parecido con las grupas azules y

rasas de los centauros.

Todas las estrellas concentraban su fulgor en el interior del

palacio de las mujeres. Los mercaderes penetraron en el patio

de honor para resguardarse del viento y del mar, pero las mujeres,

asustadas, se negaban a recibirlos y ellos se desollaron en

vano las manos a fuerza de llamar a las puertas de acero, relucientes

como la hoja de un sable.

Tan intenso era el frío, que el mercader holandés perdió los

cinco dedos de su pie izquierdo; al mercader italiano le amputó

los dedos de la mano derecha una tortuga que él había tomado,

en la oscuridad, por un simple cabujón de lapislázuli. Por fin,

un negrazo salió del palacio llorando y les explicó que, noche

tras noche, las damas rechazaban su amor por no tener la piel

suficientemente oscura. El mercader griego supo congraciarse

con el negro merced al regalo de un talismán hecho de sangre

seca y de tierra de cementerio, así es que el nubio los introdujo

en una gran sala color ultramar y recomendó a las mujeres que

no hablaran demasiado alto para que no despertaran los camellos

en su establo y no se alterasen las serpientes que chupan la

leche del claro de luna.

Los mercaderes abrieron sus cofres ante los ojos ávidos de

las esclavas, en medio de olorosos humos azules, pero ninguna

de las damas respondió a sus preguntas y las princesas no aceptaron

sus regalos. En una sala revestida de dorados, una china

ataviada con un traje anaranjado los tachó de impostores, pues

las sortijas que le ofrecían se volvían invisibles al contacto de su

piel amarilla. Ninguno advirtió la presencia de una mujer vestida

de negro, sentada en el fondo de un corredor, y como le pisaran

sin darse cuenta los pliegues de su falda, ella los maldijo invocando

al cielo azul en la lengua de los tártaros, invocando al

sol en la lengua turca, e invocando a la arena en la lengua del

desierto. En una sala tapizada de telas de araña, los mercaderes

no obtuvieron respuesta de otra mujer, vestida de gris, que sin

cesar se palpaba para estar segura de que existía; en la siguiente

sala, color grana, los mercaderes huyeron a la vista de una mujer

vestida de rojo que se desangraba por una ancha herida

abierta en el pecho, aunque ella parecía no darse cuenta, ya que

su vestido no estaba ni siquiera manchado.

Pudieron al cabo refugiarse en el ala donde estaban las cocinas

y allí deliberaron acerca del mejor medio para llegar hasta

la caverna de los zafiros. Constantemente los molestaba el trajín

de los aguadores, y un perro sarnoso fue a lamer el muñón

azul del mercader italiano, el que había perdido los dedos. Al

fin, vieron aparecer por la escalera de la bodega a una joven esclava

que llevaba hielo granizado en un ataifor de cristal turbio;

lo depositó sin mirar dónde, sobre una columna de aire, para

dejarse las manos libres y poder saludar, levantándolas hasta la

frente, donde llevaba tatuada la estrella de los magos. Sus cabellos

azul-negros fluían desde las sienes hasta los hombros; sus

ojos claros miraban el mundo a través de dos lágrimas; y su

boca no era sino una herida azul. Su vestido color lavanda, de

fina tela desteñida por hartos lavados, estaba desgarrado en las

rodillas, pues la joven tenía por costumbre prosternarse para

rezar y lo hacía constantemente.

Poco importaba que no comprendiera la lengua de los

mercaderes, pues era sordomuda; así, se limitó a asentir gravemente

con la cabeza cuando ellos inquirieron cómo ir hasta el

tesoro mostrándole en un espejo sus ojos color de gema y señalando

luego la huella de sus pasos en el polvo del corredor. El

mercader griego le ofreció sus talismanes: la niña los rechazó

como lo hubiera hecho una mujer dichosa, pero con la sonrisa

amarga de una mujer desesperada; el mercader holandés le tendió

un saco lleno de joyas, pero ella hizo una reverencia desplegando

con las manos el pobre vestido todo roto, y no les fue

posible adivinar si es que se juzgaba demasiado indigente o demasiado

rica para tales esplendores.

Luego, con una brizna de hierba levantó el picaporte de la

puerta y se encontraron en un patio redondo como el interior

de un pozal, lleno hasta los bordes de la fría luz matinal. La joven

se sirvió de su dedo meñique para abrir la segunda puerta

que daba a la llanura y, uno tras otro, se encaminaron hacia el

interior de la isla por un camino bordeado de matas de aloe.

Las sombras de los mercaderes iban pegadas a sus talones, cual

siete víboras pequeñas y negras, en tanto que la muchacha estaba

desprovista de toda sombra, lo que les dio que pensar si no

sería un fantasma.

Las colinas, azules a distancia, se volvían negras, pardas o

grises a medida que se aproximaban; sin embargo, el mercader

de la Turena no perdía el valor y para darse ánimos cantaba

canciones de su tierra francesa. El mercader castellano recibió

por dos veces la picadura de un escorpión y sus piernas se hincharon

hasta las rodillas y cobraron un color de berenjena madura,

pero no parecía sentir dolor alguno e incluso caminaba

con un paso más seguro y más solemne que los otros, como si

estuviera sostenido por dos gruesos pilares de basalto azul. El

mercader irlandés lloraba viendo cómo gotas de sangre pálida

perlaban los talones de la muchacha, que andaba descalza sobre

cascos de porcelana y de vidrios rotos.

Cuando llegaron al sitio, tuvieron que arrastrarse de rodillas

para entrar a la caverna, que no abría al mundo más que

una boca angosta y agrietada. La gruta era, sin embargo, más

espaciosa de lo que hubiera podido esperarse y, así que sus ojos

hubieron hecho buenas migas con las tinieblas, descubrieron

por doquier fragmentos de cielo entre las fisuras de la roca. Un

lago muy puro ocupaba el centro del subterráneo, y cuando el

mercader italiano lanzó una guija para calcular la profundidad,

no se la oyó caer, pero se formaron pompas en la superficie,

como si una sirena bruscamente despertada hubiera expelido

todo el aire que llenaba sus pulmones. El mercader griego empapó

sus manos ávidas en aquella agua y las sacó teñidas hasta

las muñecas, como si se tratara de la tina hirviendo de un tintorero;

mas no logró apoderarse de los zafiros que bogaban, cual

flotillas de nautilos, por aquellas aguas más densas que las de

los mares. Entonces, la joven deshizo sus largas trenzas y sumergió

los cabellos en el lago: los zafiros se prendieron en ellos

como en las mallas sedosas de una oscura red. Llamó primero

al mercader holandés, que se metió las piedras preciosas en las

calzas; luego, al mercader francés, que se llenó el chapeo de za29

firos; el mercader griego atiborró un odre que llevaba al hombro,

en tanto que el mercader castellano, arrancándose los sudados

guantes de cuero, los llenó y se los puso colgados al

cuello, de tal suerte que parecía llevar dos manos cortadas.

Cuando le llegó el turno al mercader irlandés, ya no quedaban

zafiros en el lago; la joven esclava se quitó un colgante de abalorios

que llevaba y por señas le ordenó que se lo pusiera sobre

el corazón.

Salieron arrastrándose de la caverna y la muchacha pidió

al mercader irlandés que la ayudara a rodar una gruesa piedra

para cerrar la entrada. Luego, colocó un precinto confeccionado

con un poco de arcilla y una hebra de sus cabellos.

El camino se les hizo más largo que a la ida por la mañana.

El mercader castellano, que empezaba a sufrir a causa de sus

piernas emponzoñadas, se tambaleaba y blasfemaba invocando

el nombre de la madre de Dios. El mercader holandés, que estaba

hambriento, trató de arrancar las azules brevas maduras de

una higuera, pero un enjambre de abejas ocultas en la espesura

almibarada le picaron profundamente en la garganta y en las

manos.

Llegados al pie de las murallas, el grupo dio un rodeo para

evitar a los centinelas y se dirigieron sin hacer ruido hacia el

puerto de los pescadores de sirenas, que estaba siempre desierto,

pues hacía largo tiempo que no se pescaban ya sirenas en

aquel país. La barca flotaba blandamente en el agua, amarrada

al dedo de un pie de bronce, único resto de una estatua colosal

erigida antaño en honor a un dios del que ya nadie recordaba el

nombre. En el muelle, la esclava sordomuda hizo intención de

despedirse de los hombres, saludándoles con las manos puestas

en el corazón; entonces, el mercader griego la tomó por las muñecas

y la arrastró hasta el barco, movido por el propósito de

venderla al príncipe veneciano del Negroponto, de quien se sabía

que le gustaban las mujeres heridas o afectadas de alguna

invalidez. La doncella se dejó llevar sin oponer resistencia y sus

lágrimas, al caer sobre las maderas del puente, se transforma30

ban en bellas aguamarinas, así es que sus verdugos se las ingeniaron

para darle motivos que la hicieran llorar.

La dejaron desnuda y la ataron al palo mayor; su cuerpo

era tan blanco que servía de fanal al barco en aquella noche

clara navegando entre las islas. Cuando hubieron terminado su

partida de palillos, los mercaderes bajaron a la cabina para

echarse a dormir. Hacia el alba, el holandés subió al puente

aguijoneado por el deseo y se acercó a la prisionera, dispuesto a

violentarla. Mas he aquí que la niña había desaparecido: las ligaduras

colgaban, vacías, del tronco negro del mástil, como un

cinturón demasiado ancho, y en el lugar donde se habían posado

sus pies suaves y delgados no quedaba otra cosa que un

montoncito de hierbas aromáticas que exhalaban un humillo

azul.

En los días que siguieron reinó una calma chicha, y los rayos

del sol, que caían a plomo sobre la lisa superficie color de

algas, producían un chirrido de hierro candente sumergido en

agua fría. Las piernas gangrenadas del mercader castellano se

habían puesto azules como las montañas que se columbraban

en el horizonte y purulentos regueros se deslizaban desde las

tablas del puente hasta el mar. Cuando el sufrimiento se hizo

intolerable, el hombre sacó del cinturón una ancha daga triangular

y se cercenó a la altura de los muslos las dos piernas envenenadas.

Murió agotado al despuntar la aurora, después de haber

legado sus zafiros al mercader suizo, que era su enemigo

mortal.

Al cabo de una semana recalaron en Esmirna y el mercader

de Turena, que siempre había temido al mar, optó por desembarcar,

con intención de continuar su viaje a lomos de una buena

mula. Un banquero armenio le cambió los zafiros por diez

mil monedas con la efigie del Preste Juan. Eran piezas perfectamente

redondas y el francés cargó alegremente con ellas hasta

trece mulos; pero, así que llegó a Angers, tras siete años de viaje,

se encontró con la sorpresa de que las monedas del monarcapreste

no tenían curso en su país.

En Ragusa, el mercader holandés trocó sus zafiros por una

jarra de cerveza servida en el mismo muelle, pero tuvo que escupir

aquel insulso líquido aventado que no tenía el mismo gusto

que la cerveza de las tabernas de Ámsterdam. El mercader italiano

desembarcó en Venecia con el propósito de hacerse proclamar

Dogo, mas pereció asesinado al día siguiente de sus nupcias

con la laguna. En cuanto al mercader griego, se le ocurrió

atar los zafiros a un cabo largo y suspenderlos en el costado de

la barca, esperando que el contacto con las olas fuera benéfico

para su hermoso color azul. Al mojarse, las gemas se volvieron

líquidas y apenas si añadieron al tesoro del mar unas pocas gotas

de agua transparente. El hombre se consoló pescando peces

y asándolos al rescoldo de la ceniza.

Un atardecer, al cabo de veintisiete días de navegación, el

barco fue atacado por un corsario. El mercader de Basilea se

tragó sus zafiros para sustraerlos a la avaricia de los piratas y

murió de atroces dolores de entrañas. El griego se echó al mar

y fue recogido por un delfín, que lo condujo hasta Tinos. El irlandés,

molido a golpes, fue dejado por muerto en la barca, entre

los cadáveres y los sacos vacíos; nadie se tomó la molestia de

quitarle el colgante de falsas piedras azules, que no tenía ningún

valor. Treinta días más tarde, la barca a la deriva entró por sí

misma en el puerto de Dublín y el irlandés echó pie a tierra para

mendigar un pedazo de pan.

Estaba lloviendo. Los tejados oblicuos de las casas bajas

sugerían grandes espejos destinados a captar los espectros de la

luz muerta. La calzada desigual se encharcaba más y más; el cielo,

de un parduzco sucio, parecía tan cenagoso que ni los ángeles

se hubieran atrevido a salir de la casa de Dios; las calles estaban

desiertas; el puesto de un mercero ambulante, que vendía calcetines

de lana cruda y cordones para los zapatos, se veía abandonado

al borde de una acera debajo de un paraguas abierto. Los reyes

y los obispos esculpidos en el pórtico de la catedral no hacían

nada para impedir que cayera la lluvia sobre sus coronas o sus

mitras, y la Magdalena recibía el agua en sus senos desnudos.

El mercader, todo desalentado, fue a sentarse bajo el pórtico

junto a una joven mendiga, tan pobre que su cuerpo, azulenco

de frío, se veía a través de los desgarrones de su vestido gris. Sus

rodillas se entrechocaban ligeramente; sus dedos cubiertos de

sabañones apretaban un mendrugo de pan. El mercader le pidió

por el amor de Dios que se lo diera, y ella se lo tendió en el acto.

El mercader hubiera querido regalarle el colgante de abalorios

azules, puesto que no tenía ninguna otra cosa que ofrecer; mas

en vano buscó en sus bolsillos, alrededor de su cuello, entre las

cuentas de su rosario. No hallándolo, se echó a llorar desconsolado:

no poseía ya nada que pudiera recordarle el color del cielo

y la tonalidad del mar en donde había estado a punto de perecer.

Suspiró profundamente y, como el crepúsculo y la fría niebla

se espesaban en derredor, la muchachita se apretujó contra

él para darle calor. El hombre le hizo preguntas acerca del país

y ella le contestó en el tosco dialecto del pueblo que dejara antaño,

siendo aún muy chico. Entonces, apartó los cabellos desgreñados

que cubrían el rostro de la mendiga, pero tan sucio

estaba que la lluvia iba trazando en él regueritos blancos, y el

mercader descubrió horrorizado que la niña era ciega y que una

siniestra nube velaba el ojo izquierdo. No dejó por ello, sin embargo,

de posar su cabeza en aquellas rodillas mal cubiertas de

harapos y se durmió sosegado: el ojo derecho, que había visto

privado de mirada, era milagrosamente azul.

Cuento azul. Marguerite Yourcenar.

Cuentos completos. Editorial Alfaguara.

Cámara oscura, herramienta de pintores

noreply@blogger.com (Nuria Armengol) — Thu, 26 Aug 2010 08:43:00 +0000

4 dibujos de Canaletto, dibujados en Venecia con cámara oscura. Gallerie dell'Accademia.

La cámara oscura ha sido una herramienta utilizada por los pintores desde el siglo XV. Proyectando la imagen invertida sobre un papel o una tela, han dibujado sobre la proyección desde Vermeer a David Hockney. En este video del documental Genios de la fotografía de la BBC, vemos un ejemplo espectacular del principio óptico que siglos más tarde dió origen a la cámara fotográfica, filmado en Venecia.