E’ uscito recentemente il nuovo lavoro discografico di Micol Martinez intitolato LA TESTA DENTRO. Il disco vede la produzione artistica di Luca Recchia in collaborazione con Guido Andreani, ed è uscito su etichetta Discipline e distribuzione Venus.

“Un album più diretto, nudo, che non ha bisogno di decori, più incisivo del precedente ma anche più vario e “divertito” sia per quello che riguarda i testi che per quanto riguarda la scrittura musicale e la produzione artistica. Luci e ombre nette, questa volta. Ho voluto dare sfogo a tutte le possibili emozioni, compreso il divertimento nel giocare con parole e musica. In questo disco mi rivolgo più al presente e al futuro che al passato come nel precedente. Un album a mio avviso più maturo sotto tutti i punti di vista. Decisamente una sorpresa, mi auguro e credo, positiva, per chi già è affezionato al precedente disco Copenhagen” Micol Martinez

MICOL MARTINEZ: LA TESTA DENTRO – brano per brano

1) HAGGIS (la testa dentro) Milano. Rintanata in casa un pomeriggio come tanti. Gioco con suoni di batteria, scelgo solo una cassa. Ne faccio un loop. Prendo la chitarra e ci suono sopra. Il brano gira in cinque. Prendo un testo di mesi e mesi prima e canto sopra la base. Il pezzo in pochi minuti è lì. Quasi non ha bisogno di altro. “Ho camminato per ore lasciando passo dopo passo il peso del tuo peso, ho ascoltato per ore le mie ossa costruirsi, ricomporsi una ad una, e la tua testa è ancora dentro il tuo stomaco, la testa dentro”.

2) 60 SECONDI Immagino una canzone che vorrei sentire in auto… ed essendo il primo singolo, capiterà di ascoltarla mentre viaggio… So bene dove sto andando. Non ho dubbi né paure. So bene. E prendo quel che voglio. Spengo la mente. Mi lascio piegare. Non ho bisogno di conoscermi né di conoscerti. “60 giorni in una sola notte, 100 anni e un secolo in un solo giorno, la linea della mia bocca questa notte è la corda con cui mi legherò a te”.

3) QUESTA NOTTE Un inno alla quiete. Un dipinto di una notte di ottobre. Quelle poche notti a Milano, dove il cielo torna ad essere blu e le stelle tornano ad esistere, anche qui. La voglia di fermare quest’attimo. “Questa notte è quieta e non finge, e noi sdraiati sull’erba a masticare radici, e mille astri ci cadono addosso, questa notte…”.

4) L’ALVEARE Mi sveglio, una mattina, con una gran voglia di giocare. E gioco così. Una fiaba noir e sadicamente felice. Immagino personaggi di Tim Burton ballare e suonare la tromba su queste note. E le parole di un Bau Bau al femminile che canta… “Sono la strega dentro l’alveare, sono la madre dentro al tuo bicchiere, sono la terra prima di essere fango, sono l’incoscienza di una sola estate. E quando tu sarai con me…”.

5) SARA’ D’INVERNO Il brano in assoluto per me più importante da quando scrivo. Una visione di un futuro impossibile per l’umanità: cantato diventa possibile. “Noi saremo la cosa inutile più bella al mondo, noi avremo tutto ciò di cui abbiamo bisogno e non avremo più bisogno, noi cavalcheremo fantasmi fino a farli stancare, li cavalcheremo e poi li lasceremo dormire”.

6) NEL MOVIMENTO CONTINUO Non ero così convinta di questo brano. Non per il testo quanto per la parte musicale. Ma non sono riuscita a scartarlo. Non sono riuscita a cambiarlo. E una volta prodotto mi è piaciuta anche la parte musicale. Le mie viscere sono legate al quel nuoto e moto continuo… che, infatti, “non lascia”. Non mi lascia. “Mi porto addosso ogni alba che ho visto, le ho trascinate dietro una ad una e ancora nuoto, con l’alba sulla schiena e qualcosa di te sotto le palpebre… nel movimento continuo che non lascia”.

7) A FILO D’ACQUA Ore 19. Mar Morto. Giordania. Sono qui da tre settimane. Non c’è anima viva intorno a me. Posso ascoltare il silenzio. Questo strano mare è uno specchio. E qui scrivo una canzone. Musicalmente ha il sapore di un deserto d’acqua. “Dentro un mare di cielo, nel giorno arancio che si piega alla sera, la terra era sparita… il mondo… era un doppio perfetto, e noi a nuotarci in mezzo. A filo d’acqua io sono acqua a filo d’acqua”.

8 ) COPRIMI GLI OCCHI Parlo a un amore passato. E parlo così. Perché ora posso vederti solo nel buio. “… che il pavimento e ogni mobile e la terra siano neri, come i miei occhi neri la mia lingua nera sul tuo cuore nero. Fai buio, mio amore”.

9) UN NOME DIVERSO Non un sogno per l’umanità, come in “Sarà d’inverno”. Ma un sogno personale. O forse qualcosa che ha già iniziato ad essere realtà. Un pezzo di me e te. Un ringraziamento. Con tutta la dolcezza che posso raccogliere. Una canzone breve e semplice, che resterà chitarra e voce, così come è nata. “Inizierà con un sogno, con una parola lunga un giorno, con te che parli piano, inizierà con te, inizierà controtempo… e sarà come un soffio, quando inizierà…”.

Biografia:

Micol Martinez è un’artigiana dell’arte; crea la sua musica e la espone attraverso la voce, di palco in palco. E’ accaduto una 50ina di volte, tra la pubblicazione del suo esordio – acclamato da pubblico e critica – intitolato Copenhagen, e salutato con un caldo Bye Bye all’Arci Bellezza di Milano il 2 Dicembre 2011.
Radio e web radio l’hanno ospitata accogliendo a braccia aperte e mani tese, questo raro esempio di musica d’alto profilo femminile Made in Italy, mentre i critici delle riviste di settore scavavano nel loro idioma alla ricerca dell’aggettivo che meglio la poteva definire per far capire al lettore di turno quando quest’artista godesse della loro stima.
Mentre accadeva tutto ciò, Milano si bloccava, i locali dove si poteva far musica chiudevano e la città si piegava al dilagante menefreghismo culturale, tanto da convincere Micol a far quanto segue:
• promotrice del movimento Milano L’è bela a sostegno della cultura a Milano e parte attiva nell’organizzazione di iniziative culturali sul territorio a partire dalla manifestazione di Piazza Fontana del 19 marzo 2010;
• firmataria, a rappresentanza degli artisti e musicisti milanesi, del Decalogo per la Cultura con l’amministrazione comunale di Milano.
Le collaborazioni in questi anni si sono moltiplicate in maniera esponenziale, passando dagli esordi con opening act a Max Gazzè e Cristina Donà per arrivare alle complicità in studio: per Cesare Basile ha cantato all’interno del CD “Storia di Caino” accompagnandolo nella “Canzone dei Cani”, inclusa ne “Il Paese è reale” di Afterhours; per Dave Muldoon viaggiando tra le pieghe dell’album “Little Boy Blue”.
La curiosità tipicamente artistica oltre che femminile, le permettere di affiancare anche un’artista dai mille volti quale è Garbo, sia in tv (Scalo 76) che on stage (Alcatraz / Magnolia).
Le collaborazioni di Micol Martinez però non si limitano al mondo vocale: come attrice partecipa ai clip di Negrita, La Crus, Solidamor e Fabrizio Coppola; nel 2007 interpreta il suo primo film da protagonista, “Tagliare le parti in grigio” di Vittorio Rifranti (premiato al Festival di Locarno come miglior Opera Prima) e contemporaneamente affina il suo stile di ricercata DJ in noti locali milanesi (La Casa 139, il Cox 18, il Goganga). “Copenhagen”, nasce così: tra una consolle, un set cinematografico, teatri, palchi e grandi amici fidati come Cesare Basile e Luca Recchia che le producono artisticamente l’album – pubblicato nel Gennaio 2010 da Discipline – ed affiancati in studio da Enrico Gabrielli, Rodrigo D’Erasmo, Alessio Russo,Roberto Dell’Era, Fabio Rondinini e Alberto Turra.

Molto più recentemente compare in “Generazioni, tributo al Santo Niente” accompagnando con la voce la giovane band Kitsch; in “Sette pietre per tenere il Diavolo a bada” di Cesare Basile presta la voce nel brano che apre il disco “L’ordine del sorvegliante” e per il cd-libro “Anatomia femminile” dello scrittore e giornalista Michele Monina scrive e registra il brano “Sui miei fianchi”.

Arriviamo così alle ultime battute del 2011 e alla chiusura dei lavori sul nuovo capitolo discografico intitolato LA TESTA DENTRO, nuovamente prodotto artisticamente da Luca Recchia in questo caso in collaborazione con Guido Andreani, che è stato pubblicato il 3 Febbraio 2012 da Discipline.

Tracklist:

1. Haggis (la testa dentro)
2. 60 secondi
3. Questa notte
4. L’alveare
5. Sarà d’inverno
6. Nel movimento continuo
7. A filo d’acqua
8. Coprimi gli occhi
9. Un nome diverso

Sito dell’artista:

www.myspace.com/micolmartinez

www.myspace.com/disciplinemusica

E’ uscito il 24 gennaio, su etichetta Sony Music, “Italian Songbook vol. 2”, il nuovo album di Morgan. Con “Italian Songbook vol. 2” Morgan continua il percorso di ricerca e di approfondimento della canzone italiana iniziato con il precedente disco “Italian Songbook vol.1”, pubblicato nel 2009. Anche questa volta l’eclettico cantautore riscopre grandi brani del passato e li fa suoi rielaborandoli come sempre in modo personale e unico.

Sono 15, di cui 3 in inglese, le canzoni contenute in questo nuovo lavoro: brani scritti da importanti autori come “Marianne”di Sergio Endrigo, che è anche il singolo di lancio dell’album, “Hobby” di Tenco e “molti altri capolavori che hanno fatto la storia della musica italiana, sapientemente reinterpretati e riarrangiati dallo stesso Morgan. Quest’ultimo è anche autore dei due inediti inclusi nell’album “Desolazione” e “Una nuova canzone” e di “La sera”. L’album è disponibile in una doppia versione: Cd Standard o 2CD (contenente Italian Songbook vol. 1 e vol. 2).

TRACKLIST:

1. Desolazione (Instrumental)
(Castoldi)
2. Marianne
(S. Endrigo, Bigazzi / S. Endrigo)
3. Si può morire (feat. Cluster)
Svampa / Svampa
4. Io che non vivo (ENG)
(Pallavicini / Donaggio)
5. Hobby
(Tenco / Tenco)
6. Il gioco del cavallo a dondolo
(Simone / Simone)
7. Abbracciami
(Aznavour / Bardotti)
8. Donna Bella Non Mi Va
(Rodolfo / Rodolfo)
9. Speak Softly Love
(L. Kusic / Rota)
10. Sole Malato
(R.Pazzaglia/Modugno)
11. Una nuova canzone
(Castoldi / Castoldi)
12. Non insegnate ai bambini
(Luporini / Gaber)
13. Io che non vivo (senza te)
(Pallavicini / Donaggio)
14. Sole Malato (ENG)
(Pazzaglia/Modugno)
15. Parla più piano
(Boncompagni/Rota)
16. Il Denaro
(Piero Ciampi / Gianni Marchetti)
17. La sera (symphonic instrumental)
(Castoldi / Castoldi)

Siti dell’artista:

www.marcocastoldi.com

www.marcomorgan.it

www.sonymusic.it

Chi ama le commedie giovanili americane troverà sorprendentemente fresco e vivace questo “Mardi Gras”. Certamente, è un film che a tratti risulta sopra le righe e dove non mancano situazioni già viste, tuttavia l’ambientazione carnevalesca e i simpatici protagonisti, rendono il tutto guardabile. Tra i motivi di interesse, la presenza della bellissima Carmen Electra anche se è bene precisare che la stessa attrice appare solamente in alcune scene. In definitiva, con “Mardi Gras” si può avere una commedia divertente e senza particolari messaggi. Ovviamente, non è un tipo di commedia che attinga a situazioni fortemente realistiche. Vi sono anzi alcune scene improbabili con gags fantozziane però, nell’insieme, il film sembra reggere fin al suo epilogo.

Titolo Mardi Gras. Fuga dal college
Titolo originale Mardi Gras. Spring Break
Paese, Anno Stati Uniti, 2011
Regia Phil Dornfeld
Principali interpreti Nicholas D’Agosto; Josh Gad; Bret Harrison; Arielle Kebbel; Danneel Ackles; Charles Shaughnessy
Prezzo € 16,99
Film per tutti
Numero dischi 1
Genere Commedia
Produzione Sony Pictures Home Entertainment, 2011
Dati tecnici Durata 100 min.
9 Singola faccia, doppio strato (Formato schermo 1,85:1) PAL Area 2
Lingua audio italiano, Dolby Digital 5.1 – inglese, Dolby Digital 5.1 – francese, Dolby Digital 5.1 – spagnolo, Dolby Digital 5.1
Lingua sottotitoli arabo – danese – finlandese – francese – hindi – inglese – inglese per non udenti – italiano – norvegese – olandese – spagnolo – svedese

www.he.sonypictures.it

www.saywhat.it

Dopo Metodo di danza arriva Risparmio energetico, la nuova avventura de Il Cane, all’anagrafe Matteo Dainese (già, fra i molti: Dejligt, Il Moro e il Quasi Biondo, Meathead, Ulan Bator, Here). Scritto, registrato e arrangiato dallo stesso Dainese tra il 2010 e 2011, passando per Odense (DK), Udine, Roma e New York, è stato missato da Simone Sant all’Entropia Studios di Udine. Il secondo capitolo de Il Cane è un elenco di emozioni, un diario di bordo raccolto per lo più in viaggio, a bordo di treni, aerei e furgoni.

Il Risparmio energetico è l’unico sistema di autodifesa da tutto ciò che ci coinvolge emotivamente e che, nel bene e nel male, ci circonda. Proprio come per il cane del Moro (Lorenzo Commisso) che, in totale risparmio energetico, corre su tre zampe anziché quattro. Anche in questo nuovo lavoro non mancano gli ospiti, tra i quali Andrea Appino (Zen Circus), Enrico Molteni (Tre Allegri Ragazzi Morti), Franz Valente (Teatro degli Orrori), Enrico Berto (Amari), Lorenzo Commisso (Il Moro e il Quasi Biondo), Fabio Cussigh (Betzy), Ru Catania (Africa Unite, Wah Companion), Manuel Fabbro (Ulan Bator), Gianluca Liva (Alfabox).

Biografia Matteo Dainese

Matteo Matteite Dainese debutta in veste di batterista nel 1993, suonando rispettivamente sia con la band freak noise italiana Jitterbugs, sia con il quartetto punk italo-sloveno Warfare?.
Con i due pubblica, fra il 1994 e il 1995, diversi EP, CD e raccolte per l’etichetta di confine Nuclear Sun Punk.
Sempre del ‘94 è il sodalizio con Mauro Teho Teardo: Dainese entra in formazione Meathead, con cui lavorerà a tre album oltre a diversi singoli e split, insieme ad altre importanti band della scena industrial. Nel ’97 registra alcune sessioni di batteria destinate al primo lavoro degli Here, nuova creatura di Teardo e Jim Coleman (Cop Shoot Cop), con cui inizia una importante collaborazione live.
Nel ‘98 partecipa all’EP degli Here A Bit of Red.
Dal ‘99 collabora a tempo pieno con il gruppo post rock francese Ulan Bator, con cui lavorerà negli anni a quattro full length e alcuni video, sotto la regia di produttori del calibro di Michael Gira (Swans, Angels of Light) e Robin Guthrie (Cocteau Twins).
Nel 2002 si trasferisce a Newcastle, dedicandosi, oltre che agli Ulan Bator, anche al suo nuovo progetto di nome Sem, cimentandosi per la prima volta con altri strumenti, oltre la batteria.
Nel 2003 termina il primo provino dei Sem (prodotto da Mauro Teho Teardo con la speciale partecipazione di Troy Von Balthazar dei Chokebore), la cui traccia I Can’t be Arsed viene scelta per la colonna sonora del film CCTV/CCTV, diretto dal regista salonicese Vassilis Katsikis .
Nel 2005 lavora ancora a Rodeo Massacre, l’ultimo suo album ufficiale come Ulan Bator, con cui condividerà un tour diluito in due anni, in giro tra Italia ed Europa.
Finita la collaborazione con il trio francese, nel 2007, fonda l’etichetta indipendente Matteite Records, distribuita da Venus Dischi.
La prima pubblicazione della label è Dejligt, nuovo parto di Matteo condiviso con Enrico Molteni (già Tre Allegri Ragazzi Morti e Fargo), di cui esce Feed the Dog, album ricco di ospiti quali Carolyn Honeychild Coleman (Badawi , Apollo Heights e Here), Troy von Balthazar (Chokebore), Colin Lee (Bikini Bandits), Rob (Marzuraan) ed Enrico Berto .
All’inizio del 2008 pubblica con Matteite Questa è una parentesi : ), esordio di Lorenzo Commisso e Roberto D’Agostin, a nome Il Moro e il Quasi Biondo. Dopo aver partecipato al disco in qualità di batterista, inizia con loro un’intensa collaborazione dal vivo.
Alla fine del 2008 collabora ad Halo Inside (Come la luna), edito ancora da Matteite: il disco di esordio della amica e cantante newyorkese Honeychild Coleman. Dainese partecipa alla scrittura e alla registrazione dell’album, fra Brooklyn, Ferrara e Udine, mentre la produzione artistica è affidata a Manuele Fusaroli, aka Max Stirner. Ospiti speciali qui: Mad Professor , Robin Guthrie (Cocteau Twins), Molecule , DJ Olive, NatureBoy Jim Kelly e altri.
All’inizio del 2009 pubblica, sempre con Matteite , Trees are Talking While Birds are Singing, degli amici e talentuosi post-rockers padovani Flap. Nel disco Dainese suona la chitarra nel brano Alice.
Del giugno 2009 è l’idea de Il Cane: il suo alterego musicale, questa volta scritto interamente in italiano.
Sotto questo nome esce su La Tempesta Dischi Metodo di danza, debutto registrato e prodotto artisticamente da lui stesso, cui hanno partecipato in qualità di ospiti: Enrico Molteni , Ru Catania (Africa Unite), Il Moro e il Quasi Biondo, Flap, Enrico Librio (Amari) e Leo Virgili (Arbe Garbe).
Nel novembre 2010 Matteite Records pubblica Non è morto nessuno, il disco degli elio p(e)tri (nati da un incontro via web di Dainese con il giornalista Emiliano Angelelli). Registrato, arrangiato e prodotto artisticamente dal musicista friulano fra Udine e Odense, vede anche la sua presenza dal vivo alla batteria.
Recentemente Dainese ha collaborato al disco dei Margaret (Cromo liquido) e a quello di Lavinia (Madagasca), quest’ultimo uscito in download su Matteite Records.
Il 23 gennaio 2012 esce su Matteite Records il secondo album a nome Il Cane, dal titolo Risparmio energetico.

Tracklist:

01 Risparmio energetico
02 Lentiggine
03 Raderla al suolo
04 Il sole e poi la pioggia
05 Non prenderli
06 Mongolia
07 Mago sul muro
08 Cucina
09 Quanto pesi?
10 Obesa
11 Oggi
12 Dimmi

Sito Ufficiale:

www.matteite.com

www.venusdischi.com

Recensione di Andrea Turetta

Dopo aver saputo di avere una malattia terminale, per lasciare una ricca eredità alla sua famiglia, un professore di chimica comincia a produrre droga sintetica e da un giorno all’altro si trasforma da insegnante un po’ impacciato in un vero e proprio criminale. Questo cofanetto contiene gli episodi della seconda stagione dove vediamo che, mentre la società dei due protagonisti registra successi incredibili e insperati, Walt e Jesse iniziano a capire come gira il mondo dei narcotrafficanti. Se da un lato la loro metanfetamina blu li sta rendendo ricchi, dall’altro diventa sempre più difficile per Walt nascondere la verità a sua moglie Skyler, a suo figlio Walter Jr. e a suo cognato Hank, agente della squadra antidroga DEA. Walt cerca con difficoltà di mantenere il controllo della sua vita mentre è alle prese con pericolosi spacciatori, una moglie ed un figlio sempre più distanti, l’imminente nascita della figlia e con una battaglia con il cancro che l’ha colpito.

Sono rari i casi in cui una serie riesce a migliorarsi rispetto agli episodi dell’esordio. Con la Seconda Stagione, “Breaking Bad” ci riesce. I personaggi fanno vedere dei nuovi lati del loro carattere… Skyler si dimostra ad esempio, piuttosto determinata… Non è ben chiaro cosa riserverà il futuro a Walt e Jesse. Ogni puntata è diversa ed imprevedibile. Walt e Jesse si inseriscono sempre più profondamente all’interno del mondo della droga e capiscono quanto esso possa essere oscuro e crudele. Gli affari non conoscono ostacoli, tanto meno vittime innocenti e i due si troveranno a dover valutare con attenzione ogni mossa cercando di evitare complicazioni e situazioni pericolose. Walt è mosso nella sua nuova impresa illegale con l’unico motivo di lasciare una sorta di “assicurazione” alla sua famiglia eppure capisce quanto il suo percorso sia pericoloso e quanto stia cambiandolo come persona. Si trova a dover raccontare un sacco di menzogne per mantenere la sua famiglia all’oscuro di tutto.

In questa stagione, c’è una reazione a catena. Ogni azione può creare una conseguenza e non sempre positiva. La trama, le sceneggiature e i personaggi di “Breaking Bad”, sono la sua forza. In ogni episodio si avverte una sorta di tensione e ci si trova a pensare a quali possano essere i successivi avvenimenti. Bryan Cranston si dimostra un ottimo attore drammatico e non è certo l’unico ad esserlo, all’interno di un cast decisamente ottimale.

Lo spettatore si trova presto avvinto dalle vicende che si susseguono dove la posta in gioco è alta così come il rischio che corrono i protagonisti. Non sono solo Walt e Jesse ad essere personaggi in fase di sviluppo, ma anche Hank, Marie, Skyler. Nelle varie puntate non c’è mai un attimo di tregua. Il rapporto tra Walt e sua moglie Skyler appare sempre più teso, lui spesso si allontana a lungo senza spiegazioni e le sue bugie rischiano di diventare evidenti. Ciò innesca delle discussioni sconvolgenti. Questa serie dimostra che ci possono essere dei films televisivi di altissima qualità. Una tv realizzata come si deve e che sembra molto legata alla drammatica realtà. Decisamente, “Breaking Bad” si rivela come un capolavoro coinvolgente, emozionante ed innovativo.

Titolo Breaking Bad. Stagione 2
Titolo originale Breaking Bad
Paese, Anno Stati Uniti, 2009
Principali interpreti Bryan Cranston; Anna Gunn; Aaron Paul; Betsy Brandt
Prezzo € 25,20
Film da vedere in presenza di un adulto
Numero dischi 4
Genere Drammatico
Produzione Sony Pictures Home Entertainment, 2011
Dati tecnici Durata complessiva 590 min.
9 Singola faccia, doppio strato (Formato schermo Widescreen) PAL Area 2
Lingua audio italiano, Dolby Digital 5.1 – inglese, Dolby Digital 5.1 – ceco, Dolby Digital 5.1 – polacco, Dolby Digital 5.1
Lingua sottotitoli arabo – ceco – danese – ebraico – finlandese – inglese – italiano – norvegese – polacco – portoghese – svedese – turco
Contenuti scene inedite in lingua originale; foto; video musicale; spot tv; commenti tecnici; errori

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Di Andrea Turetta

“Mr. Thomas’ s Travelogue Fantastic ” (Automatic – Goodfellas) è l’album d’esordio dei THOMAS. “Mr. Thomas’s Travelogue Fantastic” raccoglie 10 brani tutti scritti ed arrangiati dai Thomas; a nome della band anche tutte le fasi della produzione artistica. Ecco l’intervista concessa dal gruppo per l’occasione…

Con il vostro nuovo album, avete messo insieme più generi ed un sound che fanno riferimento al pop, rock, funky… C’è molto da imparare dal passato?
Senz’altro, come in tutto del resto. Siamo grandi amanti della musica ne ascoltiamo molta senza soffermarci a pensare da quale periodo o parte del mondo arrivi. Puntiamo alle emozioni, se queste arrivano dal passato, ben vengano. Il nostro tentativo è stato quello di far convergere il tutto in un linguaggio che fosse attuale, “nostro” e senza paranoie.

Con quale criterio avete scelto le canzoni da inserire nel disco?
L’unico che conosciamo: le emozioni. Alcuni brani finiti nel disco, come “43 sunsets”, hanno subito negli anni delle vere metamorfosi molte volte sperimentate improvvisando nei concerti. Abbiamo cercato di conservare le emozioni provate in quei momenti e riversarle nei microfoni durante le registrazioni.

Ci sono state delle canzoni rimaste nel cassetto?
Anche se siamo all”esordio discografico è da molti anni che suoniamo insieme ed il materiale accumulato è parecchio; in ogni caso siamo sempre al lavoro su nuove canzoni: quello della composizione per i Thomas è un momento molto impegnativo ma divertente.

Quando scrivete le vostre canzoni vi piace prender ispirazione anche dal cinema, dalla letteratura e dall’arte in genere?
Non saprei dirti in quale misura e quanto coscientemente accada, ma sono sicuro che quelle elencate siano forme di espressione che i Thomas apprezzano molto.

E’ stato difficile trovare chi credesse nella vostra musica?
Sapevamo bene fosse uno degli aspetti più difficili per chi vuol fare musica e che spesso determina la fine di progetti anche molto validi. Noi siamo partiti proponendo un brano prima dei Thomas, nella fattispecie “Rollercoaster”. Abbiamo detto: “ascolta, se ti piace parliamo del resto”. Fabio Gallo de L’Altoparlante ha risposto positivamente e da lì si sono gettate le basi per la collaborazione con Protosound Polyproject ed Automatic che ci ha permesso di esordire e di questo siamo molto contenti.

Che cosa danno ad un artista le centinaia di concerti nelle piazze o nei locali?
Fino a qualche tempo fa si tendeva a dare all’aspetto live del musicista un significato quasi ludico, rock’n'roll, emozionale… a tutto ciò va aggiunto un significato di vero sostentamento che ha preso corpo negli ultimi anni. La crisi delle vendite dei cd ha riversato sulle autostrade centinaia di pulmini e furgoni carichi di musicisti pronti a far concerti ovunque essendo quello l’unico modo per sopravvivere e continuare la propria attività. Questo penso sia un valore che si è aggiunto a quella che resta la dimensione regina del mondo della musica: il concerto.

Cosa vi piace e cosa meno dell’ambiente discografico?
Abitiamo questo ambiente da troppo poco e francamente non ci siamo ancora posti certi quesiti. Da fruitori di musica resta sempre evidente la difficoltà cronica che hanno i piani alti dell’industria italiana, a rischiare un minimo e cercare di cambiare un po’ le carte in tavola con prodotti che rompano gli schemi. Si tende ad andare sempre sul sicuro insomma. Qualcosa sarà forse cambiato negli ultimi anni, ma son comunque briciole.

Quanto conta la musica nella vostra vita?
A parte gli affetti personali resta sempre l’ultimo pensiero prima di addormentarsi ed il primo da appena svegli… molte volte si presenta anche durante il sonno e nel mio caso lo disturba anche molto.

Qual è il vostro rapporto con la tecnologia applicata alla musica?
Ottimo. Ci ha permesso di realizzare tutti i passaggi di costruzione del disco: dalle riprese ai missaggi, dalla masterizzazione alle grafiche. Poter esordire con un prodotto completamente nostro ci rende molto orgogliosi: tutto ciò è stato possibile anche grazie alle tecnologie di ultima generazione.

Nelle vostre canzoni, nasce prima la musica o il testo?
La musica: quello delle liriche è un aspetto che da sempre assume un’entità “musicale”; va considerato come uno strumento aggiunto dove metrica e suono influenzano il significato. Non è nelle nostre intenzione dare valenze poetiche ai nostri testi tanto meno politico/sociali, saranno sempre le musiche e le melodie a dare lo spunto e sarà compito del significato adattarsi. E’ un processo molto istintivo spesso surreale che ci affascina molto.

Vi piacerebbe scrivere canzoni per altri artisti?
In tutta sincerità è una cosa alla quale non ho mai pensato, ma in effetti direi di si, ci piacerebbe.

Siete un gruppo che scrive parecchie canzoni o escono fuori con una certa difficoltà?
Non abbiamo mai avuto difficoltà a scrivere brani, siamo in sei di età diverse con background diversi, arrivano molti spunti e poi siamo un gruppo avvezzo all’improvvisazione, in sala prove come in concerto e questa attitudine si ripercuote positivamente. Purtroppo è il tempo a dettare legge: ognuno di noi ha un lavoro, alcuni una famiglia e tutto questo significa inevitabilmente meno tempo per i Thomas. Potessimo lo passeremmo tutto in studio a suonare, registrare, ci realizza e diverte davvero molto.

Per chiudere, quanto è utile l’esperienza che si acquisisce strada facendo?
Tantissimo, però lo dici anche tu: “strada facendo”. E’ troppo importante “farla” quella strada e che si creino le possibilità di essere dinamici. Solo così si può accumulare esperienza e renderla utile. Auspico per i Thomas un percorso dinamico come è dinamica la nostra musica, saremo ben felici di acquisire esperienza e magari utilizzarla tutta per il prossimo disco.

THOMAS on facebook
www.facebook.com/thomastheband

THOMAS official web
www.thomastheband.com

www.laltoparlante.it

www.protosound.it

Di Andrea Turetta

“Laika, Sylvia, Jeanne e… le altre.”, l’album di debutto dei Laika Vendetta, è una raccolta di ritratti in musica, ritratti di donne e di una femminilità dinamica, in chiave rock. L’album, è uscito in gennaio, sotto l’etichetta “Boleskine House Records” e distribuito da Udedi Musica e Cultura, è curato nella grafica dall’ artista Teramana Mokina, che ha arricchito il digipack Ecco l’intervista rilasciata dal gruppo…

Per iniziare una domanda classica: com’è nato il vostro gruppo?
Marcos: La nostra band nasce nell’estate del 2011, è un progetto molto giovane che proviene però da anni di esperienza in altri due gruppi, legati a generi diversi tra di loro. Ci siamo fatti il filo per un po’ di tempo, io mi sono trasferito nella zona di Teramo ed è nata prima un’amicizia tra me Emidio e Marvin. Dopo circa un paio di anni, in cui avevo praticamente smesso di credere in nuovi progetti musicali, Emidio mi ha fatto ascoltare le pre-registrazioni del nuovo album e cosi in me è riapparsa la scintilla. I brani mi sono da subito piaciuti, nel frattempo ho conosciuto e legato un amicizia anche con Alessandro e Luca, batterista e bassista della band. E’ stato tutto molto naturale. Prima prova in saletta e subito si era creato un feeling musicale pazzesco. Da li in poi è stato tutto un crescendo. Volevo fare un gruppetto da “hobby” della domenica e dopo due concerti siamo stati chiamati ad aprire un concerto a Paolo Benvegnù. Da li ho iniziato a capire che questo progetto, i Laika Vendetta, avevano ben più da offrire. Ci siamo dati una scossa a vicenda sai, dopo anni passati a suonare a volte capita che uno si scoraggi, non vede risultati e finisce veramente per prendere la musica come lo svago da mantenere per il tempo libero. Cosi non è stato, la musica è più una vocazione, abbiamo ricevuto quasi da subito un vasto consenso e abbiamo deciso tutti di crederci.

C’è voluto molto tempo per preparare il vostro nuovo lavoro discografico?
Alessandro: Per quanto riguarda la stesura delle tracce il lavoro è stato abbastanza intenso ed è iniziato nell’estate 2010 poco dopo l’arrivo di Luca al basso.
Luca: dopo il mio arrivo abbiamo subito cercato un nuovo sound che ci rispecchiasse. La stesura è stata lenta, soprattutto per fare evolvere il nostro genere, dopo l’estate invece è stato tutto più naturale e i pezzi sono scivolati fuori dalla mente. Siamo entrati in sala di registrazione a Gennaio del 2011 per uscirne dopo circa due settimane. C’è stata poi una pausa nel mixaggio perché sentivamo che al sound generale mancava qualcosa.
Emidio: Infatti, i brani erano lì, erano quelli che avevamo creato entusiasti in sala prove, ma non suonavano come li avevamo in mente!
Alessandro: Abbiamo messo in stand by il lavoro in quanto aspettavamo di trovare un secondo chitarrista adatto, e una volta entrato in “famiglia” Marcos siamo tornati di nuovo in studio con lui e con la sua creatività, per aggiungere quel tocco che mancava, così che anche lui potesse sentire suo questo progetto.
Emidio: Con le chitarre di Marcos che fanno l’amore deliziosamente con quelle di Marvin, e quegli accorgimenti in più, che da grande creativo è riuscito ad inserire, ecco! Il disco suonava Laika Vendetta!

Quanto contano la sincerità e la naturalezza, quando si fa un disco?
Emidio: Beh, direi che un disco è un riflesso del tuo mondo interiore. Se hai un rapporto conflittuale con te stesso avrai un disco conflittuale. Se però sei sincero in questa “relazione” con te stesso, sarà una conflittualità sincera e naturale. Quando componi musica, hai dentro te la tavolozza dei colori. È lì che devi intingere il pennello e lo fai con acqua pulita. O correttamente sporca. Nel modo più naturale colori l’esterno e sei tu a farlo, con te stesso, un’opera a più mani che ha del proprio e del condiviso, e devi pensarla nel totale l’opera. Se non sei sincero l’opera finale ne risentirà. Così per la scelta delle parole. Se fingi non riesci neanche a pronunciarle. Ti senti sporco. A volte non riesci più a cantare una canzone. E se sei costretto, ti si legge in faccia. Ti guardi intorno e avverti che la realtà deposita pigmenti nella tua vita. Devi rielaborarli in forme, in colori che possono anche essere tetri e tristi, alle volte, perché naturalmente li vedi così, e non riesci a non essere sincero. Non puoi dipingere un sorriso se credi sia ipocrita per te anche il solo pensarlo.

Quando preparate una canzone cosa vi fa decidere se è quella giusta per entrare a far parte di un disco?
Alessandro: Personalmente penso che le emozioni che ci scatena un pezzo siano i giudici di questa scelta, è grazie a loro che secondo noi un pezzo suona come vorremmo oppure no, e quindi se è adatto a un disco o meno.
Luca: Ogni canzone ha una propria storia, ci sono pezzi che vengono modificati svariate volte e pezzi che si scrivono da soli in 10 minuti. Se il pezzo trasmette, diventa nostro!

Quando il gruppo entra in sala prove e lavora ad un nuovo disco presumo ci sia un grande coinvolgimento in quello che sta per nascere o sbaglio?
Marvin: Decisamente. Anche se l’esperienza ci ha insegnato a non darci mai paletti per un disco ma di creare senza limite tutte le idee ed in pezzi che vengono fuori. Pensare subito a come possano incastrarsi in un disco è un lavoro utile ma che fatto a priori può togliere genuinità all’intero progetto. Ma ad ogni pezzo brindiamo sempre puoi stare tranquillo!
Alessandro: Direi un GRANDISSIMO coinvolgimento, normalmente siamo come un fiume in piena, le idee arrivano a raffica, e più un idea ci piace più ci lavoriamo sopra influenzandoci a vicenda, cercando di mettere al posto giusto ogni cosa affinchè la resa di ogni pezzo sia ottima. A volte capita anche che un’idea a primo impatto non ci colpisca e magari la mettiamo da parte per riprenderla più in là, quando saremo ispirati nel modo giusto; questo per dire che normalmente non buttiamo quasi nulla di quello che ci viene in mente.
Luca: Si le idee vengono buttate giù così come vengono proprio per questo grande coinvolgimento, poi si inizia a fare il punto della situazione e a cercare un legame fra le idee, il giusto compromesso per arrivare alla canzone.
Emidio: Io litigo sempre con Marcos. Sono quello pessimista, Hahaha.

Le canzoni del disco sono nate così, oppure hanno avuto bisogno di più stesure?
Marvin: Nessuna canzone del disco è nata con ‘buona la prima’ proprio perchè il nostro modo di comporre scaturisce dal confronto di idee musicali in sala prove, di riff e melodie che vengono proposte, stravolte, incastrate. Quello che si cerca di fare è sempre smussare al meglio gli angoli più difficili di un pezzo dove magari l’ascoltatore può incastrarsi perdendo poi il messaggio che intendiamo trasmettere. Di certo facciamo musica che ci piace e discutiamo molto sull’idea migliore anche per una singola frazione di un pezzo. E’ un lavoro che può sembrare impercettibile ma che poi all’ascolto fa la differenza e crea anche il valore aggiunto dell’opera.

Come nasce una vostra canzone?
Luca: Non c’è uno schema definito da seguire, siamo 5 ragazzi che buttano idee su idee ogni volta che proviamo. Se un’idea ci trasmette sensazioni positive e ha quel “giusto” sound allora viene naturale lavorarci fino allo sfinimento.
Emidio: In generale lavoriamo su un giro di chitarra, o di basso, e cerchiamo di costruire insieme una struttura che regga una melodia che, inizialmente provo sul momento, a cuore e orecchio, e che poi rielaboro a casa. Dopodichè prendo una delle mie poesie e la adatto alla melodia. È un lavoro di limare, di sillabe e sonorità. Piegando la parola alla musica senza che la prima perda il suo valore sensoriale, originale, evocativo.

E’ stato difficile trovare chi credesse nella vostra musica?
Marvin: Siamo un gruppo che per la sua personalità o lo ami o lo odi. Non ci sono vie di mezzo ed è un bene che sia cosi almeno sei certo delle persone che ti seguono e sai valutare bene le critiche costruttive. Abbiamo il nostro seguito che crede nel nostro progetto ma è la musica a fare tutto, se il messaggio arriva e piace allora ci sarà sempre qualcuno che crederà alla voce che lo esprime ma solo se questa voce è la prima a credere in se stessa. E’ la chiave per avere un buon pubblico e trovare la strada per vivere della propria arte.
Alessandro: Penso di rispondere a nome di tutti dicendo di si, è stato davvero molto difficile. Sia perché nella nostra zona non c’è una cultura musicale avviata, sia perché essendo quasi tutti studenti, o comunque neolaureati in cerca di lavoro, per le nostre famiglie in particolare è stato difficile accettare il fatto che il nostro obiettivo con la musica fosse molto più alto di quello che magari si aspettavano.
Luca: Sicuramente non è stato facile, spesso ci si aspetta di più da persone vicine. Ma è la nostra passione e la portiamo avanti con tutti i mezzi possibili, poi saranno il tempo e il pubblico a darci delle risposte.
Emidio: Per quanto io odi le frasi fatte, i proverbi e le banalità “Nessuno è profeta in patria” l’abbiamo e la continuiamo a sperimentare. C’è un rigetto immotivato proprio da chi vorresti ti sostenesse maggiormente.

Che cosa danno ad un artista le tante date live nelle piazze o nei locali?
Emidio: La possibilità di vivere. La possibilità di essere se stessi e non morire affogati dal quanto si vuole dire. Siamo come pozzi recettivi che non hanno un modo di esser svuotati se non esplodendo su un palco. E noi siamo pozzi, ma anche persone all’interno del pozzo, all’interno di noi stessi. Senza palco affoghiamo nel grigio. Continuiamo ad imbarcare acqua dalla realtà e abbiamo bisogno di svuotarla. Lo facciamo in modo energico per la tanta voglia di condividere acqua potabile. Diamo da bere sensibilità. Ovviamente abbiamo bisogno di stare al mondo e oggi sei costretto a trovare un ripiego economico per restaurare il tuo pozzo dalle intemperie terribili dell’ attuale situazione socio economica. E rischi di perderti nel restauro, affogando inconsapevolmente, togliendo la possibilità a chi non ha un lavoro di fare il restauratore, che magari sa fare meglio di te, e rinunciando a fare ciò che sai e vuoi fare meglio. Distribuire acqua potabile. Oggi è diventato un reato e lo combattono avvelenando l’acqua con restrizioni e formule del tipo tu suoni per il tuo piacere, io non ti pago. Perché è di musica che stiamo parlando. Hehehe detto senza metafore le tante date danno tanto all’anima e poco al portafoglio e siamo costretti a trovare lavoretti impegnando tutto il tempo, anche quello votato alla rielaborazione e al perfezionamento, in squadra e personale, della creatività. E il paese rimane ignorante, e la musica, e tutta l’arte, non cresce. Tuttavia siamo pozzi e continuiamo a distribuire acqua perché non possiamo farne a meno. hahaha

Cosa vi piace e cosa meno dell’ambiente discografico?
Marcos: L’ambiente discografico? Sono molto felice personalmente che il mondo di questo settore si stia muovendo verso una ribalta, quella delle minor contro le major. Mi spiace molto che molti lavoratori abbiano perso il lavoro ovviamente, ma guardando al macrocosmo della discografia è naturale che accada questo, se ieri c’erano le Big Four, oggi ne sono rimaste solo tre, e chissà che cosa ne sarà di loro tra dieci anni. Non mi piace che la musica sia vista come catena di montaggio, ovvero il classico percorso sognato da molti dove il discografico ti nota per strada mentre canticchi un brano, ti infarcisce di canzonette create ad hoc e ti sbatte in televisioni e radio per spolparti per due anni. Certo quei due anni saranno fantastici per il fenomeno di turno, ma poi? Credo che l’atteggiamento delle indipendenti sia più rispettoso riguardo ai tempi dell’artista, almeno parlando in generale perché poi anche qui ci sono eccezioni. Non sono però nemmeno propenso a fare troppe polemiche contro programmi come X-factor o simili. Esistono, la gente lo richiede, non ci riconosciamo e basta. La colpa di chi è? Di chi guarda e ascolta? Di chi propone questi format? Potremmo non finire mai questo discorso e sostengo che fissarsi troppo su questi argomenti rischia di distoglierti da quella che è la tua strada, la tua vocazione. Guardando alla realtà che ci tocca, quella indipendente, possiamo dire che siamo soddisfatti ad ogni piccolo passo compiuto grazie a noi e alla nostra etichetta Boleskine House Records ed editore, Udedi. C’è un rapporto personale di amicizia con Stefano Lelii, il nostro discografico. Le scelte vengono fatte assieme, si sondano le possibilità e si lavora duramente per raggiungere i nostri obbiettivi. Questo è quello che ci piace della realtà indipendente, questa sana collaborazione, il rapporto di amicizia e il poter decidere più liberamente sul da farsi.

Quanto conta la musica nella vostra vita?
Emidio: Tutti noi abbiamo un ritmo. Alle volte senti che la vita di tutti i giorni tende a rallentarlo, addirittura a fermarlo. La musica ti salva e ti ricorda qual è il tuo ritmo. Ci sono volte in cui entri in cunicoli apparentemente senza via d’uscita. Poi senti la musica, quella musica, e hai trovato il tuo filo d’Arianna, la segnaletica per tornare alla strada maestra di ciò che sei. O vorresti essere. Noi vorremmo essere i Laika Vendetta, perché siamo naturali e ci sentiamo appartenere a noi stessi, al nostro mondo, quando siamo sul palco. E credo che il nostro pubblico possa confermarlo. Siamo pura essenza sul palco e siamo fratelli che danzano la stessa musica, una musica catartica. La musica è catartica. Il palco è catartico. Ci riconnette con noi stessi. Danzare la propria musica è una spinta alla vita. Come direbbe Nietzsche un’illusione di un’illusione. Una dolce illusione.

I giovani artisti quanto hanno da imparare dai loro predecessori?
Luca: Dipende da cosa hanno cercato di insegnare i predecessori e dipende da quali predecessori un giovane artista prenda come esempio. Sicuramente come ogni altro artista ci lasciamo influenzare da ciò che ascoltiamo e da ciò che vediamo ma cerchiamo di evolverlo ogni giorno e di renderlo sempre più personale.
Emidio: Cultura personale come base su cui costruire. Ascoltare e metabolizzare “i saggi”, ma diventare “saggi” a proprie spese e sulle proprie gambe.

Oggi i giovani si sentono spesso in un clima di precariato. Succede anche a chi fa musica?
Marvin: Possiamo dire di essere i ‘precari per eccellenza’, la sicurezza di un futuro nella musica a livello economico è un’utopia destinata solo a pochi che spesso sono costretti a svendersi o a fare salti mortali per non cadere improvvisamente dalle nuvole. E’ un bel sogno riuscire a vivere di musica ma anche il solo pensarlo te lo fanno pagare molto caro dai locali alle grandi realtà. Aggiungi che la maggior parte della cultura popolare, sopratutto italiana, è arrivata ad intendere il mestiere del musicista come scontato e facile non dando alcun valore al fattore artistico che muove l’economia di un paese ricco di storia come l’Italia. Poi arriva un ministro che dice che con la cultura non ci si riempiono i panini ed il gioco è fatto.

Quali pensate siano le cose che piacciono di più di voi al pubblico che vi segue?
Alessandro: Sicuramente la nostra presenza scenica, di cui abbiamo parecchia cura. Ci siamo sempre definiti un gruppo “live”, ascoltando il disco ci conosci e chiunque ci può apprezzare, ma per farlo a pieno bisogna assistere a un nostro live. Questa l’ho ripresa dai commenti di svariati fan, haha!
Emidio: L’intensità, la performance, l’energia, la grinta, la carica erotica, la violenza e la dolcezza: l’anima sbattuta su un palco affinchè brilli di più.

Come vedete l’attuale scena canora italiana?
Marvin:Visto che siamo in periodo sanremese, anche se scontato, è bene cominciare prendendo per esempio una manifestazione che è l’esatta rappresentanza della crescita musicale italiana nei canali principali dei media. Un evento che ogni anno viene tirato fuori dalla naftalina e rimesso a nuovo da direttori artistici molto più vecchi dell’evento stesso che pretendono di scegliere la ‘nuova musica italiana’. E’ un dato di fatto che è un operazione fallimentare ed ogni anno diventa il grande contenitore dove i debuttanti delle major o i figli dei reality approdano per avere qualche mese di lancio in alto nelle classifiche. Lo sviluppo della musica in Italia è l’underground, dove ancora si suona (con difficoltà) senza il fragore del gossip o della pompatina televisiva. Passano gli anni e continuiamo a rimanere sempre ancorati ai vecchi stereotipi pop ed alle glorie del rock italiano che diventano leggenda riciclando le loro stesse idee, rivendendole ad una nuova generazione che crede nel nuovo ma riceve solo il vecchio. E dopo tre quattro anni si scopre che la guerra tra bande è su facebook, dove il reparto geriatrico della musica si esibisce in gare di visualizzazioni di video ridicoli e numero di amici. Per rispondere ancora alla tua domanda, la scena canora italiano se la vediamo cerchiamo di evitarla.
Luca: Però negli ultimi tempi c’è la sensazione che qualcosa stia cambiando, che i soliti volti stiano perdendo credibilità e che venga fuori ciò che prima era considerato “di nicchia”. Vediamo che in un certo senso sta avvenendo un passaggio generazionale e vogliamo farne parte.
Emidio: Dadaumpa, dadaumpa…

E a livello nazionale ed internazionale… stiamo uscendo dal periodo di crisi (o secondo alcuni, di profonda trasformazione) discografica?
Marcos: Ci siamo nel bel mezzo! La crisi delle label multinazionali tocca anche le indipendenti. La lentezza delle major nel recepire e assecondare i cambiamenti però ha prodotto i risultati che noi oggi vediamo. Le indipendenti sono state più brave in questo, posso citarti ad esempio l’uso del download gratuito che le major ancora oggi stentano a recepire come strumento di promozione e guadagno. Non lo dico a caso, ci sono veri e propri studi di economisti più referenziati di me che confermano quanto il download e, diciamolo, anche la pirateria facciano in molti casi più bene che male. Certo, magari posso capire che una major non intenda regalare il frutto di lavoro e spese ai suoi utenti, ma è li che ci si sta muovendo ed è li che si gioca la partita per il futuro. Più che crisi, hai detto bene, è una trasformazione in atto. Se me lo richiedi tra una decina di anni forse avremo in mano una risposta più certa.

Che importanza riveste oggi l’immagine per chi fa musica?
Marcos: Nella musica un 50 % è suonare, l’altra metà sta nell’immagine, intesa in senso ampio. Il sapersi vendere prescinde dal fatto che tu sia sotto major o indie. Come artista devi capirlo presto se vuoi fare passi in avanti. Guarda il punk, che spesso nelle parole di chi lo fa viene venduto come qualcosa che va contro il sistema e quindi le mode. Cos’è in fondo il punk se non anch’esso una moda? Chiedilo a Malcom McLaren ad esempio. Certo la filosofia c’è, non parliamo solo di creste (nel caso del punk) o di pantaloni attillati e paiettes! L’immagine è qualcosa che va oltre e comprende anche l’attitudine sul palco, il modo di parlare alla gente tramite i tuoi brani, nelle interviste e altro ancora. Io credo che si debba tenere conto dell’immagine, chi dice che l’immagine non conta sta già facendo di per sé una scelta d’immagine.

Alcuni artisti, nel far nascere le loro canzoni, si ispirano anche a libri letti o film visti. E’ successo anche a voi?
Emidio: Certo! Qualsiasi cosa entri in contatto con la tua vita e la travolge, o ti porta a riflettere, o semplicemente la sfiora provocandoti un brivido, ti stimola a concretizzarla in immagini e musica. E come non può farlo l’Arte! Dalla pittura alla letteratura al cinema! Sono frammenti d’anima in latenza di chi li ha concepiti e si mettono in contatto con la tua, la interrogano, la tormentano! Ci sono personaggi letterari che ti affascinano, stimolano le tue perversioni, le tue angosce, le tue paure. Devono far parte della tua vita e la nostra è la musica. Misty è il personaggio di Destroy della Santacroce. È affascinante la sua inerzia, la sua presenza/assenza nel mondo, le pieghe della città in cui si insinua silenziosamente. Così simile alla Ai di Tokyo Decadence, romanzo e film di Ryu Murakami. Così Alda Huxley è il tragico mondo di Brave New World di Aldus Huxley. È un mondo terribilmente uguale al nostro, dove ingiustizia e predestinazione sociale sono le protagoniste principali. Non puoi non guardarti intorno e non riflettere di come queste realtà, che sono interiorità “altre”, interiorità rielaborate in modo “altro” e straordinario, traccino un’ ombra sulla tua. Gli stessi cenni autobiografici nelle nostre canzoni sono state vissute dal nostro Io, che proiettiamo dal passato al presente in modo cinematografico.

La realtà urbana in cui vivete è fonte d’ispirazione per le vostre canzoni?
Emidio: Viviamo in città diverse, facciamo vite diverse, per esigenze economiche e di studio. Io ho cercato, per necessità di ispirazione e per non sentirmi schiacciato dal nulla culturale e dall’assenza di vite con voglia di integrazione sociale, di ritagliarmi una nicchia in Città. Vivo a Roma, dove mi sono laureato e Roma è per me fonte d’ispirazione. Non per le opere d’arte. O forse si, perché le vedi deteriorarsi sotto gli occhi di un turista, macchinetta in mano. Ecco Roma è l’emblema dell’inevitabile, del lasciato al tempo, del deterioramento della vita sotto gli occhi inerti di chi potrebbe salvare il volutamente insalvabile. Come vedi le anime che vagano smarrite in città, le auto in coda che fanno rumore e smog, la famosa indifferenza urbana, ecco la stessa cosa accade a strade, monumenti, civiltà. Non guardare e passa. Pompei crolla, Roma si sporca e decade. Invecchia e la “Città Eterna” non dovrebbe mai farlo. Il Paese non dovrebbe mai farlo. Ma non votiamo per il nostro bene giusto? E rimaniamo immobili, o vaghiamo smarriti. Poi quando esci la sera, trovi Roma così bella, ammaliante. Un’ anziana affascinante che ti adotta e ti ama e non finisci mai di stupirti per l’immensità di tale bellezza. La città la vivi dentro, ti entra e ti contamina la pelle. C’è tanta Città nei nostri testi. La Città è vissuta dagli uomini, è animata dalla frenesia. L’ambiente è un riflesso di ciò che sei dentro e viceversa. L’ambiente risponde se tu lo interroghi. Così la città. Poi ci sono ancora le mostre e i cinema e i live, una situazione musicale in cui hai ancora la possibilità di conoscere gruppi, dividere serate, supportarsi a vicenda. Dalle nostre parti le band si fanno la guerra e suon di cover. Qui vedi un concerto di un gruppo inedito, magari neanche pagato, intenso e originale, il giorno dopo torni a Teramo e in piazza suonano la classica Are you gonna be my girl. Mi dispiace per i miei genitori che vivono ad Alba. Una vita passata solo a lavorare per il bene dei figli. Un paesino immobile che li prende in giro, vive per i turisti, anzi neppure più per loro, e non per chi fa di essa una piccola “Città”, rubando loro la vita. Alba non esiste più, l’hanno uccisa. E senza svago sei un automa. Anche sopra i 50.

Quali le canzoni e gli artisti che più vi hanno fatto desiderare di fare musica attivamente?
Marcos: Personalmente parlando, e non di influenze ma proprio di desiderio di suonare, posso dire che gli artisti che da sempre mi invogliano sono grandi artisti come Josh Homme o Dave Grohl, trovo a stento qualcosa che non mi esalti nelle loro produzioni. Poi trovo un sacco di artisti italiani che stimo, rispetto e che danno alla mia voglia di fare musica un senso più compiuto: parlo ad esempio di Bud Spencer Blues Explosion, il Teatro degli Orrori, Moltheni, quest’ultimo soprattutto per il personaggio e la sua storia personale.
Emidio: Mi hanno sempre affascinato i gruppi, quelli uniti, quelli con storie di amicizie e litigi fraterni, come i Red Hot Chili Peppers o i Pearl Jam. Poi mi affascinano le grandi personalità sensibili, poetiche e tormentate come Jim Morrison, Kurt Cobain, Ian Curtis. Loro mi hanno dato il “la” per mettere in musica “la Poesia”. Non perché faccio poesia, abbiamo tutti la nostra Poesia dentro. Loro mi hanno mostrato come si fa a mettere la loro e io ho provato a mettere la mia. Parlo di sensibilità. Mi piace molto il tormento delle periferie di Seattle, la rabbia del punk, la Melancholia della New Wave e del Post Punk, la voglia di far musica fatta bene e che abbia qualcosa di valido da dire dove nessuno vuole ascoltarlo. Parlo dell’ underground italiano alternativo degli anni Novanta. Che poi è la stessa situazione attuale.
Marvin: Non posso non dare il merito di avermi spinto a scrivere ed a suonare ai Red Hot Chili Peppers, e specialmente al chitarrista Frusciante, anche se oramai lontani dalla scelta artistica che io e gli altri abbiamo compiuto che si distanza molto da Kiedis e compagni. Provenendo dal funk ho sempre messo da parte gran parte dei generi post-punk riscoprendoli solo dopo, così come il grunge ed i gruppi che ne hanno fatto una realtà. Ma non posso non citare Incubus, Mars Volta, Muse, sicuramente molte delle loro idee sono parte del mio corredo genetico da musicista. La passione per la scena underground italiana e tutti i gruppi che la colorano è giovane ma è la più forte al momento.

Sito del gruppo:
www.laikavendetta.it

www.lunatik.it

Recensione di Andrea Turetta

Per la prima volta insieme in un cofanetto Blu-ray due film cult degli anni ’80: Il tempo delle mele e Il tempo delle mele 2. Due commedie divertenti e intriganti, con l’indimenticabile Sophie Marceau nel ruolo della protagonista Vic.

ILTEMPO DELLE MELE: Vic (Sophie Marceau) ha tredici anni, si affaccia alla soglia dell’adolescenza con curiosità, timore e fantasia. Il film mostra con semplicità la sua vita: gli scontri con genitori, la complicità con la nonna, i problemi quotidiani di una famiglia normale. E poi… i primi turbamenti, il primo grande amore e, inevitabilmente, le prime delusioni…

“Il tempo delle mele” è stato sicuramente un film che ha lasciato il segno ed ancor oggi viene ricordato in molte occasioni come un ritratto di una parte dei ragazzi che hanno vissuto i primi anni ’80. Ma forse questo non basterebbe a decretare il successo per una commedia francese che è diventata da subito un classico del romanticismo e che molti di noi, hanno avuto modo di vedere in più occasioni.

Nel film vengono trasposti quelli che possono essere gli alti e bassi vissuti dagli adolescenti. Molti si saranno riconosciuti in Vic o Mattieu. Anche le feste semplici che venivano organizzate dagli studenti nelle proprie abitazioni erano un prassi di quegli anni, in cui c’era comunque voglia di socializzare tra ragazzi. Se, con i propri genitori, c’erano dei gap generazionali che non permettevano grande dialogo, la situazione era ben diversa con i propri coetanei. Questa pellicola può piacere a chi ama la cinematografia francese e l’attrice Sophie Marceau ma non solo… sarà il modo di rivivere un’epoca che pare ormai, assai lontana. Buoni gli extra presenti.

IL TEMPO DELLE MELE 2: Sono passati due anni dal “tempo delle Mele” e Vic (Sophie Marceau) è cresciuta ancora in attesa del suo principe azzurro. Mentre i suoi genitori sono sempre in crisi di coppia, Vic continua a vivere le sue esperienze sentimentali. Si innamora di Philippe (Pierre Cosso), il ragazzo dei suoi sogni. Nel frattempo anche Samanta, la sorellina della sua amica del cuore, è cresciuta e a sua volta, ne combina di tutti i colori… Effusioni sentimentali, cotte, crisi di gelosia e ripicche amorose movimentano la vita di questi ragazzi. Ma per fortuna c’è la bisnonna Polpette, sempre scanzonata ed anticonformista, che corre sempre in aiuto delle sue amate nipotine.

In questo sequel ritroviamo il cast di protagonisti già presenti ne “Il tempo delle mele”. Come per il precedente, c’è una colonna sonora che ha avuto ottimo successo (“Your eyes”) ed il racconto della vita di Vic e della sua famiglia… New entry è quella rappresentata da Pierre Cosso. In due anni Vic è cambiata, cerca un rapporto un po’ più stabile ma ovviamente, il tutto deve poi scontrarsi con ovvie situazioni che non sempre, portano al risultato voluto. Con la famiglia proseguono gli alti e bassi ma c’è sempre la bisnonna Polpette a dare qualche consiglio utile per affrontare le varie circostanze. Un film semplice, nella sua trama che probabilmente, proprio grazie alla sua semplicità ha saputo conquistare tanti giovani al punto di diventare una pellicola cult del cinema europeo. Tanti interessanti extra sono presenti anche in questo secondo disco.

INFORMAZIONI SUL PRODOTTO – BLU-RAY

TITOLO
IL TEMPO DELLE MELE

REGIA
CLAUDE PINOTEAU

CAST
SOPHIE MARCEAU, CLAUDE BRASSEUR

GENERE
COMMEDIA

ANNO
1981

DURATA
110 MIN.

FORMATO
50GB

AUDIO
ITALIANO e FRANCESE – PCM 1.0

SOTTOTITOLI
ITALIANO

CONTENUTI SPECIALI
90 MINUTI: TRAILER ORIGINALE – COMMENTO DEL REGISTA – KARAOKE CLIP: Reality di Richard Sanderson – SPECIALE: Il tempo delle mele e i suoi protagonisti – Galleria Fotografica

TITOLO
IL TEMPO DELLE MELE 2

REGIA
CLAUDE PINOTEAU

CAST
SOPHIE MARCEAU, PIERRE COSSO

GENERE
COMMEDIA

ANNO
1982

DURATA
108 MIN.

FORMATO
50GB

AUDIO
ITALIANO e FRANCESE – PCM 1.0

SOTTOTITOLI
ITALIANO

CONTENUTI SPECIALI
77 MINUTI: COMMENTO DEL REGISTA – INTERVISTE AGLI ATTORI – I PROVINI DI SOPHIE MARCEAU E DEGLI ALTRI GIOVANI ATTORI – CLIP KARAOKE: Your Eyes –

www.dncentertainment.it

www.laboratoriocomunicazione.com

Kermit, Fozzie Bear e Miss Piggy sono tornati e sono al top della loro forma vocale! Walt Disney Records pubblica il 31 gennaio la colonna sonora dei “I MUPPET” di Disney, l’imminente nuova avventura che arriverà sul grande schermo il prossimo 3 febbraio interpretata da Jason Segel, Amy Adams e dalla amata banda dei Muppet. La colonna sonora originale (disponibile nei negozi tradizionali e in digitale) contiene “MUPPETTISSIMO SHOW” la nuova versione della sigla dei Muppet firmata da ELIO.

L’album contiene canzoni scritte da Bret McKenzie come “Flight of the Conchords” e versioni aggiornate di alcune classiche hit dei Muppet.

Bret McKenzie, creatore, co-autore, produttore esecutivo e protagonista della fortunata serie televisiva della HBO “Flight of the Conchords,” è il supervisore musicale nonché lo scrittore / produttore di quattro canzoni originali (“Life’s a Happy Song,” “Let’s Talk About Me,” “Man or Muppet” e “Me Party”) che nell’album in uscita il 31 gennaio sono state tradotte in italiano (“La Vita è una splendida canzone”, “Parliamo di me”, “Sei un uomo o un muppet”, “Il mio party”).

I Muppets, a loro volta, si calano nella nuova interpretazione del “The Muppet Show Theme” (co-scritto da Jim Henson) e di un altro fortunato classico dei Muppet, il candidato all’Oscar® “Connessione Rainbow” (“l’albergo dei tuoi sogni”), così come la versione originale del 1969 di “Mah Na Mah Na”. L’album contiene inoltre nuove interpretazioni dei Muppet come “Forget You” di Cee Lo Green e “Smells Like Teen Spirit” dei Nirvana. Sono inoltre incluse anche le hit, in versioni originali di Paul Simon del 1972 “Me and Julio Down by the Schoolyard” e la super hit “We built This City” degli Starship che nel 1985 raggiunse la prima posizione della Billboard Chart Top 100 americana.

Questa la tracklist del disco che oltre ai brani contiene anche alcuni dialoghi (segnalati con un *) tratti dal film e una bonus track:

1. MUPPETTISSIMO SHOW ELIO
2. “I Muppet Studios, non mi sembra vero!”* Walter
3. La vita è una splendida canzone Gary, Mary e Walter
4. “Non vedo la vecchia banda da tempo”* Kermit eGary
5. Vorrei avere un’altra chance Kermit e I Muppet
6. “Con l’auto”* Kermit e Walter
7. Me and Julio Down by the Schoolyard Paul Simon
8. “Si pronuncia Reno”* Robot Anni ’80 e Mary
9. Alla fine dell’arcobaleno I Moopet
10. “Bentornati”* Kermit, Fozzie, Walter e Dr. Teeth
11. We Built This City Starship
12. “Una tavolata per uno”* Cameriera e Mary
13. Il mio party Mary e Miss Piggy
14. “Le chiediamo umilmente”* Kermit e Tex Richman
15. Parliamo di me Tex Richman
16. “La risposta è no!”* Tex Richman e Kermit
17. “Sei un uomo o un Muppet?”* Mary
18. Uomo o Muppet? Gary e Walter
19. “Al vecchio salone del barbiere”* Kermit
20. Smells Like Teen Spirit The Muppet Barbershop Q.
21. “Le principesse del pollaio”* Kermit
22. Forget You Camilla and The Chickens
23. “È l’ora della nostra canzone”* Kermit e Miss Piggy
24. Alla fine dell’arcobaleno I Muppet
25. “Devi trovare il modo di aiutarli”* Gary
26. The Whistling Caruso Andrew Bird
27. “Ma che sollucchero! C’è anche un finale!”* Deadly
28. La vita è una splendida canzone – Finale Intero Cast
29. “Mary, vuoi sposarmi?”* Gary e Mary
30. Mah Na Mah Na Mahna Mahna andThe TwSnowths

IL FILM

In vacanza a Los Angeles, Walter, il più grande fan al mondo dei Muppet, suo fratello Gary (Jason Segel) e la fidanzata di Gary, Mary (Amy Adams), di Smalltown, scoprono il nefasto piano del petroliere Tex Richman (Chris Cooper) di radere al suolo il teatro dei Muppet per trivellare il terreno su cui sorge dopo la recente scoperta che in quell’area c’è del petrolio. Così Walter, Mary e Gary aiutano Kermit a riunire i Muppets per mettere in scena una raccolta fondi per raggiungere la quota dei 10 milioni di dollari necessari per salvare il teatro ma i Muppet in questi anni sono andati tutti per strade diverse: Fozzie fa parte di una tribute band chiamata “Moopets” in un casinò a Reno, Miss Piggy è un over-size editrice di moda per Vogue Parigi, Animal è in una clinica di Santa Barbara per la gestione della rabbia e Gonzo è un potente magnate dell’idraulica. Star come Jason Segel, Amy Adams e Chris Cooper si uniscono al canto, così anche gli ospiti speciali come Feist, Mickey Rooney, Joanna Newsom, l’artista Nathan Pacheco del Disney Music Group e le competenze del fischio di Andrew Bird.
La sceneggiatura è di Jason Segel e Nicholas Stoller, il film è diretto da James Bobin. Guarda il trailer: www.youtube.com/watch?v=qtxwJJZ3rVw.

https://www.facebook.com/#!/IMuppetItalia – http://twitter.com/IMuppetItalia
http://disney.it/muppet/

www.emimusic.it

La country band di Norah Jones e soci, i LITTLE WILLIES, ha pubblicato il secondo album “FOR THE GOOD TIMES” il 31 gennaio su etichetta EMI Music. Il nuovo lavoro è stato anticipato dalla cover di un classico del country, “JOLENE” di Dolly Parton, in rotazione radiofonica da venerdì 13 gennaio. La formazione, fondata nel 2003, è composta, oltre che da Norah al piano e voce, dai suoi amici Richard Julian (chitarra e voce), Jim Campilongo (chitarra), Lee Alexander (basso) e Dan Rieser (batteria).

Dopo una notte passata tra amici a suonare insieme al Living Room di New York, i cinque non sono più riusciti a smettere di suonare tanto era il piacere di suonare insieme passando così da una semplice serata live all’idea di un vero e proprio album dove eseguire brani country (nonostante vengano da punti diversi degli Stati Uniti hanno tutti in comune la passione per certi classici americani con cui tutti sono cresciuti) più o meno conosciuti più occasionali composizioni proprie.

Il primo ed omonimo album, pubblicato nel marzo 2006 e arrivato fino al numero 48 della chart statunitense, conteneva tra gli altri brani di Hank Williams, Willie Nelson e Kris Kristofferson.

Tracklist:

1. Worship You (Ralph Stanley)
2. Remember Me (Scott Wiseman)
3. Diesel Smoke, Dangerous Curves (Cal Martin)
4. Lovesick Blues (Cliff Friend/Irving Mills)
5. Tommy Rockwood (Jim Campilongo)
6. Fist City (Loretta Lynn)
7. Permanently Lonely (Willie Nelson)
8. Foul Owl On The Prowl (Quincy Jones/Alan Bergman/Marilyn Bergman)
9. Wide Open Road (Johnny Cash)
10. For The Good Times (Kris Kristofferson)
11. If You’ve Got The Money I’ve Got The Time (Lefty Frizzell/Jim Beck)
12. Jolene (Dolly Parton)

Sito Ufficiale:

www.thelittlewillies.net/

www.emimusic.it