Bajo Mínimos

El amplificador (II): potencia

2010-09-26T06:17:00.000-07:00

Potencia

        Tratándose del bajo, las cifras se disparan. No, no me estoy quejando de la carestía del equipo (aunque ya puestos, ¿por qué todo es el doble de caro que en Estados Unidos? A ver, ¿por qué? Nota: el argumento del dólar no vale). Me refiero a que necesitamos más potencia si queremos que nuestros bajos suenen definidos y no se conviertan en turbio ruido de fondo. Literalmente, toneladas de potencia.
        Sí, sí, más potencia, pero, ¿cuánta más? Bueno, una norma es coger la potencia del amplificador de tu guitarrista (siempre en watios RMS) y multiplicarla por 3'5. Si la cantidad resultante excede de 350 watios, necesitarás más de un bafle. Por ejemplo, si tocas con un guitarrista que tiene el típico cabezal de 100 watios y la no menos típica caja de 4x12 (una buena combinación, por cierto), para competir dignamente con él tú necesitarías un cabezal de 350 watios y dos cajas, una de 4x10 y otra de 1x15 (¡otra buena combinación!).
        La elección del amplificador, como todo, depende del uso al que lo vayamos a destinar (¿he dicho ya esto?). Si es para ensayar en casa, con un combo de 30 ó 50 watios tendremos suficiente; para el local de ensayo con el grupo, con 100 watios o incluso con 85 suele bastar; para un directo de recinto cerrado pequeño o mediano (léase un pub), un cabezal de unos 300 ó 350 watios y una caja de 4x10 ó 1x15 cubren nuestras necesidades; para aforos mayores es aconsejable pasar al formato rack (aunque haya que pedir un préstamo) y plantarse ya en 400 ó 600 watios y un par de cajas.
        Un buen invento es la bi-amplificación. Los equipos que cuentan con esta opción, normalmente en formato rack o en cabezales de alta potencia (400 ó 600 watios), llevan incorporado un crossover que separa las frecuencias agudas de las graves. Las primeras son enviadas a una caja de, por ejemplo, 4 x 10" y las graves a una de 1 x 15", con lo cual ganamos en nitidez y en calidad de sonido.
        Finalmente, hay amplificadores a válvulas y amplificadores que utilizan transistores. El decantarse por uno o por otro es cuestión de gusto personal, ya que, si bien para un guitarrista este matiz es fundamental, para el bajo la diferencia no tiene mayor importancia... excepto por la potencia. Un cabezal de 300 watios a válvulas saca mucho más volumen de sonido que su homónimo de transistores. También es bueno tener en cuenta el tamaño del aparato. Si nos compramos tal equipazo que no podemos después cargar con él... Y recuerda que todo depende, naturalmente, de los instrumentos que toquen a la vez que nosotros y, desgraciadamente, de nuestro bolsillo.

El amplificador (I): partes

2010-09-25T15:09:00.000-07:00

        El amplificador es lo que transforma la señal que sale de nuestro bajo y es transmitida mediante cable en algo audible. En función de nuestras necesidades de volumen necesitaremos uno de mayor o menor potencia. En efecto, no es lo mismo tocar en el local de ensayo, que en un estadio frente a 70.000 personas. Los fabricantes de amplificadores suelen tener toda la gama que nos permita cubrir las diferentes necesidades sonoras (¡y económicas!).

Partes

        Dentro de un amplificador podemos distinguir cuatro partes:

1) Pre-amplificación
2) Procesamiento del sonido
3) Amplificación
4) Salida (bafle/s)

        Combinando estas partes, existen tres formas de concebir un amplificador: combo, stack y rack.
        Un combo es el que lleva las cuatro partes que antes he mencionado en una sola pieza. Son esos pequeños cajones normalmente de pocos watios. Es el formato ideal para empezar a tocar, o para ensayar en el local, o para practicar en tu casa.
        El formato stack es aquel que consta de un cabezal y un bafle. En el cabezal tendríamos incorporadas las tres partes mencionadas arriba y la salida nos la proporcionaría el o los bafles conectados mediante cable. Esta fórmula es superior en calidad a la del combo, pero también es más cara y más incómoda de transportar.
        Por último, el formato en rack nos permite diseñarnos nuestro equipo de amplifición a la carta, ya que cada una de las partes antes mencionadas va por separado. Así, tendremos un módulo de pre-amplificación, un módulo que procese nuestro sonido, un módulo que amplifique la señal resultante y uno o más bafles que le den salida.

El bajo (III): cuerdas y electrónica

2010-02-23T13:56:00.000-08:00

Las cuerdas

        Hay tres tipos básicos de cuerdas para Bajo: roundwound, flatwound y halfwound. Las roundwound son las más corrientes, las típicas de entorchado circular. Dan un sonido brillante y con mucho sustain. Por contra, las flatwound son de entorchado plano y nos dan un sonido más apagado y con menos sustain. Las half-wound no se utilizan tanto como las anteriores y vienen a ser un híbrido, ya que la mitad superior de la cuerda es de entorchado plano y la inferior de entorchado normal.
        Si utilizas un Bajo sin trastes es casi obligatorio ponerle cuerdas flatwound, de lo contrario dañarás la madera del diapasón. Para bajos con trastes se suele utilizar las roundwound sin mayor problema, aunque también podemos ponerle unas flat para probar sacar un sonido más oscuro. Muchos bajistas de country lo hacen con sus Fender Precision, y también era un truco muy usado en la era disco. Desde luego, para tocar slap o conseguir un sonido metálico necesitas roundwound. Aunque la clave, como siempre, está en experimentar.

La electrónica

1) Pasiva
        Una pastilla que no necesita fuente de alimentación para transmitir una señal se llama pasiva o de alta impedancia. Al principio todos los bajos eran así y muchos todavía lo son. Sacan un sonido natural, definido. Con electrónica pasiva solamente se puede cortar la salida de la señal, por lo que únicamente podremos quitarle los agudos con el botón de control de tono. Este sistema tendría la desventaja de perder agudos cuando se usa un cable muy largo.

2) Activa
        Fue la revolución del sonido del Bajo. Popularizada por Alembic a finales de los años sesenta, precisa de una fuente de alimentación (normalmente una pila cuadrada de 9 voltios) para pre-amplificar la señal antes de enviarla al amplificador. Las pastillas de electrónica activa son de baja impedancia porque usan menos alambre alrededor de los imanes con el fin de conseguir una respuesta de frecuencia más amplia. El único punto negativo es que tienen un volumen de salida más bajo. Tocar con electrónica activa tiene muchas ventajas: no hay zumbidos, ganamos en graves y agudos y disponemos de un sistema de ecualización incorporado para ajustar nuestro sonido. Su efectividad a la hora de cortar o potenciar la señal, así como disponer de varias bandas de ecualización, hacen que este tipo de electrónica sea muy versátil.

El bajo (II): las pastillas

2010-02-22T04:38:00.000-08:00

        La pastilla no es más que lo que transforma la vibración de las cuerdas en impulsos electromagnéticos, enviados por cable al amplificador para que los transforme en sonido. Nada más.
        Y nada menos. Un eslabón importante de la cadena de elementos que conducen a un buen sonido. La elección de pastilla será fundamental para determinar cómo queremos sonar. Al seleccionar pastilla hay que tener en cuenta una cosa: un tipo de pastilla será más apropiado que otro dependiendo del sonido que busquemos, que a su vez irá en función del estilo que vayamos a tocar. Si vamos a tocar trash-metal, por ejemplo, necesitaremos unas características de sonido distintas que si vamos a tocar jazz.
        Hay cuatro tipos básicos de pastillas:

1) Single-coil

El diseño más simple y el sonido más puro. Son las clásicas pastillas que puedes ver en cualquier Jazz Bass, una más cerca del puente y otra más cerca del mástil, aunque los primeros Precision (1951 - 1957) llevaban una sola de este tipo. Saca unos medios con mucha pegada y define muy bien los agudos. Por contra, son susceptibles de recoger zumbidos no deseados procedentes de transformadores o luces de escenario, zumbido que te hará mirar el amplificador entre tema y tema, preguntándote: "¿por qué no escogería la bandurria?".

2) Humbucker

Básicamente es como dos single-coil pegadas una junto a otra, con las bobinas enrrolladas en direcciones opuestas y uno de los dos imanes invertido. Este diseño elimina los zumbidos, y consigue un potente sonido oscuro, con menos agudos que una single-coil.

Split-coil

Las humbucker también pueden tener un diseño tipo "split" (dividido), donde la pastilla viene separada en dos mitades. Esto se puede ver en cualquier Precision posterior a 1957, como el de la foto.

3) Stacked humbucker

        Hmmmmmm, parece una single-coil, pero en realidad son dos, montadas una sobre la otra para eliminar zumbidos. No sacan un sonido tan grueso como la humbucker típica, aunque su sonido sigue siendo grande y conservan muchas cualidades de estas.

4) Soapbar

"Pastilla de jabón", literalmente, debido a la forma rectangular de la funda de plástico. Debajo de esta puede haber una single-coil, una humbucker... o vete a saber. Dentro de la funda hay espacio suficiente para colocar pre-amplificación activa o imanes más grandes para obtener un sonido más grueso.

El bajo (I): el cuerpo

2010-02-19T13:52:00.000-08:00

        Todos sabemos cómo queremos sonar, al menos eso decimos. Muchas veces, escuchando una grabación, pensamos: "¡ese es el sonido que busco! ¿cómo lo hace?". Y si tenemos la oportunidad de ver una foto o un video-clip del susodicho bajista, y en ella vemos que toca con, por ejemplo, un Sadowsky, enseguida pensamos: "necesito un Sadowsky".
        Aparte de que un Sadowsky siempre será una buena elección, la cosa es un poco más complicada. Nuestro sonido final depende de toda una cadena de elementos: las cuerdas, las pastillas, la madera del Bajo, la electrónica del Bajo, el pre-amplificador, los efectos, el amplificador, los bafles ... Por no hablar del hecho de tocar con púa o sin ella, con el dedo pulgar o con índice y medio. Y por encima de todo ello está tu forma de tocar, que no es más que un reflejo de tu personalidad. Es lo que hace que no suenes igual que el tío que tienes al lado en la tienda de instrumentos con el mismo Bajo, el mismo amplificador, etc.
        Elegir un Bajo es algo muy personal y dependerá siempre del uso que le vayamos a dar. De todas formas, aquí van algunas pistas: que sea cómodo de tocar, que suene de la forma apropiada para la música que quieres tocar y que te guste (su forma, su color). Esto es lo que, en último extremo, hará que estés deseando llegar a casa para cogerlo, o, por el contrario, cada vez que lo veas encima de la cama mires en otra dirección.

El cuerpo

        Nada que ver con Elle McPherson. El cuerpo de un Bajo suele estar hecho de madera y la elección de la madera es importante. En la actualidad se emplean sobre todo chopo, aliso y tilo americano para el cuerpo (también wenge y bubinga, como los Warwick), y maple, palo-rosa, palo-ferro y ébano para el mástil.
        La madera de chopo es, de las tres, la más suave y tiende a absorber demasiado sonido; el aliso es una buena madera para sacar sonido con garra de registro medio, el típico sonido del Precision. Eso sí, pesa lo suyo, cuélgatelo un ratito y verás; el tilo americano está entre los dos anteriores y es muy ligero, lo que repercute en la resonancia general de las cuerdas, algunos dicen que parecida a la de un instrumento acústico.
        En cuanto al mástil, la madera de palo-rosa es la que produce un sonido más cálido; la de palo-ferro suena muy parecido, hay que tener en cuenta que son de la misma familia; el maple es un poco más brillante y el ébano combina la calidez del palo-rosa y la brillantez del maple, para un sonido más equilibrado.

El futuro del bajo (y II)

2010-02-17T13:55:00.000-08:00

        Claro, de tanta eficiencia se deriva un desgaste físico mucho mayor. A los diez años de estar tocando, el antebrazo de un bajista se habrá desgastado tanto que tendrá que recurrir a una prótesis cibernada interactiva modelo Terminator, prótesis que tendrá que configurar y entrenar para que reproduzca su estilo y su manera de tocar. También será posible implantarse mediante operación quirúrgica un chip en el cerebro y una conexión de puerto externo de 15 pins a la altura de la base del cráneo que permitirá enchufarse, por ejemplo, una impresora (láser, por supuesto) para enviarle directamente las ideas musicales que se nos vayan ocurriendo. Se podrá incluso programar para que funcione de noche imprimiendo las mejores de nuestras líneas de Bajo soñadas. Y más aún: se podrá conectar a un Bajo cibernado interactivo, gran avance en el mundo de la tecnología aplicada a instrumentos musicales. Estos bajos seguirán siendo de madera, pero no de las que conocemos hoy en día, sino de maderas exóticas procedentes de especies nuevas de árboles desarrolladas mediante ingeniería genética. Estarán dotados de los mayores avances en cuestión de inteligencia artificial, de forma que, con el entrenamiento apropiado, se podrá conseguir que el Bajo toque lo que nos pasa en ese momento por la cabeza.
        La desintegración/integración de partículas estará tan desarrollada que será posible aquello de entrar en un tele-transportador, pulsar un botón habiendo seleccionado destino previamente, y aparecer, Bajo en ristre, en Nueva York, por ejemplo, en menos de lo que tarda el AVE. Así un bajista español podrá presentarse a la audición para un grupo de la que haya tenido noticia ese mismo día vía Internet. Claro que es de esperar que los primeros tele-transportadores serán un poco chapuzas y a lo mejor apareces allá con el cabezal del amplificador sobre los hombros, o la pala del clavijero en lugar de la mano izquierda, pero paciencia: ya los perfeccionarán.
        No me extrañaría nada acertar en algunas cosas, en cuyo caso cambio el Bajo por un mazo de cartas de esas del tarot y una bola de cristal de segunda mano y me monto un consultorio adivinatorio del Nuevo Milenio.

El futuro del bajo (I)

2010-02-16T15:32:00.000-08:00

        No, no, no. Aquí no se lee el tarot ni leches de esas. Solamente se comenta lo que va a ser el futuro del Bajo eléctrico tal y como han ido las cosas a lo largo de los últimos años.
        En el futuro, los bajistas no se conformarán con bajos de menos de 6 cuerdas, siendo corriente tener uno de 12 (en realidad 6 dobles: una afinada normal y la otra una octava más alta) ó 18 cuerdas (6 triples). La raza humana habrá evolucionado tanto que las manos de quienes entonces quieran dedicarse a este oficio serán mucho más grandes, de forma que no tendrán ningún problema en poner una cejilla en el primer traste y ejecutar un acorde de F como si se tratara de una guitarra eléctrica de hoy.
        Los amplificadores incrementarán su potencia. El bajista medio tendrá un equipo compuesto por cabezal de 1200 vatios RMS y 8 cajas de altavoces: 2 de 4 x 6", 2 de 4 x 10", 2 de 1 x 15" y 2 de 1 x 22". Los equipos de sonido de directo incorporarán bafles con conos metálicos de aleación del tamaño de un edificio de tres pisos.
        Ya, pero ¿y la técnica? Los bajistas del futuro tendrán un espectro musical tan amplio que podrán dedicarse, como si tal cosa, a tocar salsa o speed-metal con la misma precisión. Ritmos de 7/8 o 13/16 serán de lo más corriente, como también 9/11 ó 27/5'5. Mediante un sistema de pulsación asistida de las cuerdas que hará sonar sólo las que convengan para producir las notas manteniendo en silencio las demás, podrán hacer tapping a dos manos (algo actualmente reservado para Roscoe Beck y otros fieras), tocando acordes con la izquierda y la melodía con la derecha, como si se tratara de un stick. El oído que tendrán estos bajistas estará hiper-desarrollado, así como su memoria, permitiéndoles interpretar una canción sin conocerla, simplemente adivinando la secuencia de acordes por probabilidad según el estilo de música que sea. También se conseguirá mayor velocidad en la interpretación, la hiper-velocidad, de forma que un veinticuatrillo de semifusas en 4/4 será algo trivial, incluso habrá que inventar nuevas figuras musicales, como la ultra-fusa o la fusa-plus, que resultan de la subdivisión de la semi-fusa.

El bajo en los '90

2009-10-05T18:20:00.000-07:00

        Entramos en la década a tope de distorsión y volumen, los fabricantes que ya tenían por antiguallas a los amplificadores de válvulas los vuelven a fabricar y lo mismo ocurre con los instrumentos vintage. Mucho bajista de grupo grunge o similar se tira directamente a cabezales completamente a válvulas y como Bajo elige un Precision (Sound Garden) o un Thunderbird (Nirvana). La verdad es que estos bajos, al igual que cualquier modelo que alcanza la categoría de clásico, tienen un valor propio que se mantiene a lo largo de los años, por encima de modas y demás accidentes. El Bajo de cinco cuerdas se hace cada vez más habitual, sin duda porque aumenta las posibilidades del de cuatro y no llega a ser tan monstruo como el de seis. Grupos interesantes en esta onda, desde le punto de vista del Bajo, los hay a capazos, como Primus (Les Claypool), Rage Against The Machine (Tim Commerford) o Stone Temple Pilots.
        Estilísticamente el nivel sube barbaridades, siempre hablando en general. Encontramos a muchos grupos de pop o rock con un nivel tanto técnico como de composición de la línea antaño reservado para bajistas con inquietudes fussion. Y bajistas con Bajo de seis cuerdas ampliando el lenguaje del pop con incursiones en otros terrenos. La separación entre estilos tiende a desaparecer, cada vez son más los grupos que mezclan ritmos completamente diferentes no sólo en el mismo disco, sino incluso dentro de la misma canción.
        La explosión "Unplugged" lanza con inusitada fuerza un instrumento prácticamente nuevo: el Bajo acústico. Se ponen de moda los conciertos denominados "básicos", que de básicos tienen bien poco porque ahí no falta de nada y hay cables hasta en el cuarto de baño, pero... La cuestión es que lo electro-acústico ha pasado a establecerse como categoría propia por la calidez del sonido, además es un formato ideal para explorar estilos étnicos. En estos momentos se implanta como la fusión total: por un lado el sonido de la madera y las cuerdas metálicas y por otro la más sofisticada tecnología en materia de pastillas y micrófonos piezo-eléctricos.
        Otra corriente que atraviesa los '90 es el Acid-Jazz. Como todas las etiquetas, no es más que una forma de re-nombrar al funky de toda la vida, mezclado con armonías jazz y atmósferas rescatadas de las películas de serie B de los '70. El Acid-Jazz es, en realidad, el jazz de la década, solo que en lugar de llevar ritmo de swing, el ritmo de baile de los años '40, lleva una base claramente funky que puede derivar con toda naturalidad en salsa o, por qué no, en hip-hop. Como muestras de lo dicho tendríamos a Incognito, con un fantástico Randy Hope-Taylor, James Taylor Quartet, Brand New Heavies (Andrew Levy on Bass), Freak Power (Dale Davis on Bass) y un montón más, a menudo con Bajo sin trastes. Una característica que se aprecia y se agradece en la mayoría de discos de este estilo es que el volumen del Bajo es el adecuado, se escucha sin problemas y con un tono grueso y redondo, sólido como ninguno, limpio y claro. Si a esto le añades un batería como debe ser, el resultado es... ¡una gozada! Advertencia: aunque la música, los ritmos y las letras son de lo más desenfadado y vacilón, el nivel instrumental en todos los grupos es MUY alto. Así que si quieres formar tu propia banda de Acid-Jazz, ojito que la competencia es mu fuerte.

El bajo en los '80 (y II)

2008-06-24T15:38:00.000-07:00

        Muchas de las tendencias que empezaron en los ’70 viven en los ochenta modificaciones sustanciales. Es el caso del reggae, que en los ochenta se convierte en dub y toasting; el heavy-metal se ve renovado por la new wave of british heavy-metal con grupos como Saxon, Iron Maiden (con el hiperactivo Steve Harris) o Def Leppard. Incluso Deep Purple se reuniría en 1985. Y viejos lobos del calibre de Scopions o Judas Priest disfrutaron de su mejor momento. Tras esto viene toda una pléyade de subgéneros con el apellido metal, como speed, death, trash, black, power, etc, que por citar algunos cuentan entre sus filas con Manowar, Helloween o Metallica (con el malogrado Cliff Burton). Asimismo se da un renacimiento del glam-rock, más tirando a metal esta vez, con Blackie Lawless en W.A.S.P., o Rudy Sarzo en Quiet Riot y la banda de Ozzy Osbourne. Y para terminar con el heavy-metal no podía faltar AC/DC con un impertérrito Cliff Williams grapando corcheas en la base del monstruo de escenarios. Si te gusta el rock, un concierto de AC/DC nunca te deja frío.
        En la sección de fieras no podemos olvidar a un joven Billy Sheehan, al que tuve la fortuna de ver con dieciséis años en una gira que realizó con UFO y recaló en España. Desde luego, quitando de Stanley Clarke en televisión, nunca había visto nada igual. Ni hoy se ve todos los jueves. Aquí Billy ya tenía pocos problemas de soltura, pero aunque tenía su propio grupo con discos en el mercado (Talas) siguió siendo un desconocido para la mayoría hasta su éxito con Mr. Big en los noventa.
        Hacia el '84 hace acto de presencia una corriente llamada Nuevo Rock Americano, pilotada por Long Ryders, Dream Syndicate, The Del Fuegos, Green On Red o The Rain Parade. Es cierto que era como el rock americano de los '70 pero con una consistencia más pop. Aquí no hay que buscar bajistas virtuosos ni cosas por el estilo, no es lo que se pretende ni de lejos, pero eso sí: buenas canciones donde las haya. Esta malograda corriente, y digo esto porque pasaron inmerecidamente sin pena ni gloria la mayoría de ellos (y me temo que hasta dentro de 20 años no los reivindicará nadie), fue sin embargo el caldo de cultivo de donde saldría el grunge de los '90. Fueron realmente quienes protagonizaron la transición de los grupos de plástico a los grupos de ácido nítrico.
        Esta tendencia transcurre paralela a otra que revisita el garage-rock de los primeros sesenta. Grupos como The Cramps o Gun Club allanan el camino para el boom que viviría en los ’90.

El bajo en los '80 (I)

2008-06-03T20:08:00.000-07:00

        La década se inicia, como todas, arrastrando tendencias de la anterior. De esta forma, en el '81 asistimos a la transformación de la música disco primero en nuevos romanticos y después en tecno puro. Seguía siendo funky, pero descafeinado. Grupos como Spandau Ballet o Level 42 darían paso a una oleada funky-soul con Communards, Blow Monkeys o Simply Red.
        El tecno era premeditadamente frío y distante. Música desapasionada para la era industrial. El Bajo observa dos cambios importantes: primero: al igual que los demás instrumentos, ya no es imprescindible al poder sustituirse por un sintetizador o un bajo secuenciado. Aquí hay que aclarar que, aunque se prescinda del instrumento, la línea de Bajo sigue ahí aunque sea sintetizada. Segundo: por alguna razón se convierte en el instrumento fetiche de la primera mitad de la década. Las guitarras desaparecen, tanto visualmente como en las mezclas de los discos; muchos baterías se ven sustituidos por cajas de ritmos. Pero los bajistas atraviesan estos años como intocables. Más aún: como auténticos protagonistas sonoros. Estos años ven salir al mercado montañas de canciones con líneas de Bajo simples pero totales. Podías estar en una discoteca y escuchar canciones de grupos que no conocía ni el disc-jockey, grupos que a lo mejor sólo habían sacado esa canción, pero eso sí, con un Bajo genial.
        Muchos fueron los que se enamoraron del Bajo por aquellos días (sí, yo también). Se dio un fenómeno parecido al de los años '50, cuando la gente empezó a comprarse guitarras eléctricas simplemente porque habían visto a Elvis por televisión. Pues aquí lo mismo, pero con el Bajo. Pocas notas, sí, pero era el SONIDO. Igual que el timbre de un cantante. Aunque Police ya iban rodando por ahí, el éxito masivo les vino en 1980 con "Message In A Bottle". El caso de Sting, un bajista que al mismo tiempo es el cantante y líder del grupo, será a partir de ahora cada vez menos insólito, como ocurre en grupos tan dispares como Rush (con Geddy Lee) que tampoco eran nuevos, Motörhead (con el carismático Lemmy), Level 42 (con Mark King), O.M.D. (con Andy McCluskey), por citar algunos. De entre los grupos de tecno o cool-wave podemos entresacar a Bauhaus, con David J. Muy interesantes también los bajos de The Cure, a cargo de Phil Thornalley (la línea de “Love Cats”, imprescindible). Bajistas hábiles a la hora de crear atmósferas densas y misteriosas, dando origen a lo que hoy se conoce como "gótico".

El bajo en los '70 (y III)

2008-06-01T15:45:00.000-07:00

        El punk es otro fenómeno que aparece a mitad de década y tiene la osadía de cuestionar el funcionamiento de la industria musical de entonces sin dejar títere con cabeza. Los Sex Pistols castigan la úlcera de su majestad la reina de Inglaterra en el 25 aniversario de su coronación, con un Sid Vicious preguntándose cómo leches lo hacían los demás bajistas para tocar una canción entera sin parar a descansar. Aparte de su irascibilidad, tenían razón en algunas de sus propuestas, como esa preferencia por lo espontáneo, lo básico, lo personal, y aquello de hacer más con menos, cosa que me parece genial.
        Pero quienes desarrollaron esta idea no fueron los grupos punk, sino los after-punk, caso de Japan con Mick Karn, o sinfónicos reciclados como King Crimson y Peter Gabriel, ambos con Tony Levin, maestro indiscutible del minimalismo en el Bajo. De bajistas punk me quedaría con Paul Simonon (The Clash) y con Tina Weymouth (Talking Heads). Véase "Police and thieves”, del primer disco de The Clash o “77”, el primer disco de Talking Heads.
        En cierto modo, el punk era una consecuencia del glam-rock de principios de década, una música para algunos un tanto hortera y poppy. Pero había mucho rock and roll en bandas como New York Dolls (a ver si eso no es punk), Alice Cooper, Slade o T.Rex, sin olvidar a Bowie con el mejor bajista del gremio en sus Spiders From Mars: Trevor Bolder.
        La música latina empieza a tener más presencia en esta década. A la Fania All Stars le debemos el reconocimiento en años posteriores a gente como Ruben Blades, Miami Sound Machine o el mismísimo Juan Luis Guerra, todos influidos por el jazz-fussion. El grupo estrella del latin-rock es la banda de Santana. El sonido de Santana es único y los bajistas que ha llevado siempre son buenísimos. Ahí está "Abraxas" (1970), donde aparece "Black Magic Woman", un clásico de los '70 con una preciosa línea de Bajo. Después vendrían "Moonflower" (1977), “Marathon” (1979) y "Zebop!" (1981), por citar sólo algunos.
        El funky madura también en estos años. El buque insignia bien podría ser Earth, Wind & Fire, auténtica orquesta de funk de alto nivel y ritmo endiablado (¡qué difícil es cuadrar BIEN todos esos cambios!). Aquí encontramos a Verdine White en el Bajo, pero en realidad cualquier bajista de funky suele ser la caña. O cualquiera de los que han pasado por la banda de James Brown, sin olvidarnos del maestro de las semicorcheas Francis "Rocco" Prestia III, de Tower Of Power. Y, ¿qué decir de Funkadelic, con el pirado de Bootsy Collins?
        Los más duros también tuvieron su ración. Empezó llamándose hard-rock y se quedó en heavy-metal. Lo que inauguró Led Zeppelin se puede encontrar en muchos grupos: guitar-heroes que encuentran un apoyo decisivo en el Bajo, caso de Roger Glover en Deep Purple y Rainbow. Sin olvidarnos de grupos construidos sonoramente desde el Bajo como Black Sabbath. Entre el hard y el sinfónico tenemos a Rush, con Geddy Lee al mando, Jazz Bass en mano.

El bajo en los '70 (II)

2008-05-30T17:32:00.000-07:00

        También en esta década toma cuerpo el reggae, nacido en los sesenta, que en unos años pasa de música de ghetto jamaicano a todo un impacto mundial. Bob Marley & The Wailers es lo más conocido por todos y lo más odiado por los puristas. La verdad es que una recopilación jamaicana de grupos desconocidos (ni siquiera Steel Pulse o Third World) abre mucho los ojos al respecto, pero también es cierto que en cualquier disco de Marley la calidad y los bajos de Ashton Barrett están fuera de dudas. El ska, primo hermano del reggae, también conoce un resurgimiento a finales de la década, por parte de grupos de la metrópoli como Madness, Selecter, Specials o Bad Manners, unos en el sello Stiff y otros en Two Tone. En Madness encontramos a Mark Bedford, uno de los más impecables rítmicamente hablando sin perder por ello la condición de bajista pop. Compara las líneas de Bajo de Madness con la mayoría de grupos de ska y verás cómo les falta un poco de chispa.
        También en ese momento se produce el boom de la música disco. Dejando aparte lo hortera que pueda resultar la estética de la bola de espejos y los cuellos de avión de las camisas, hay que reconocer que los productores de la época grabaron unas líneas de Bajo absolutamente maravillosas. No era más que funky orientado directamente a la pista de baile (los éxitos de la época se conocían como llena-pistas), pero una buena escucha a los discos de Boney M., Chic, Eruption, Bee Gees, Village People, Donna Summer o Gloria Gaynor explica por qué esa música es tan irresistiblemente bailable. Y la culpa es, en gran parte, del Bajo. Aún siendo funky, la musica disco presenta características propias, sobre todo en cuanto a sonido y arreglos. El Bajo combina un esquema de una-nota-en-cada-tiempo (como el walking-bass de jazz en cuanto a ritmo, pero sin explorar tanto la armonía) con esquemas puramente funky sobre todo al final de cada frase. Esto se ve, por ejemplo, en "Another One Bites The Dust" (Queen).
        Otra corriente que se desarrolla en los setenta es el rock sinfónico, cuyo origen es el rock progresivo de finales de los '60. Uno de los grupos más originales es King Crimson, con John Wetton en sus filas que además cantaba estupendamente. Y Greg Lake, que tras abandonar King Crimson tras el primer disco se apresura a formar Emerson, Lake & Palmer. Yes también cuentan con un monstruo llamado Chris Squire haciendo líneas imprescindibles para las canciones, como la de "Roundabout". Genesis son otros que tal (probablemente las texturas armónicas más originales de todo el rock sinfónico), que tampoco pueden quejarse de las líneas barrocas de Mike Rutherford. Aunque mi grupo favorito de rock sinfónico siempre será Camel. Sobre todo mientras estaba John Sinclair, otro que no podía disimular sus raíces jazz.

El bajo en los '70 (I)

2008-05-28T08:50:00.000-07:00

        En un programa de televisión de los ochenta consideraban los '60 como plenamente creativos y los '80 como de resurgimiento, dejando a los '70 como década de transición. Bueno, pues nada más erróneo. Los '70 son riquísimos tanto en grupos como en estilos. En esta década se desarrollan cosas tan dispares como el jazz-fussion, el latin-rock, el funky, el heavy-metal, el reggae, el punk y la música disco. O sea, que hay de todo y buenísimo. Así que vamos allá.
        El Bajo en los '70 se suelta la melena. Ya no es un instrumento secundario o de relleno, sino que alcanza su plena madurez, gracias a que los productores con orejas y gracias también a una serie de caballeros que, desde una perspectiva jazz-fussion, hicieron que el público se fijara en eso que parece una guitarra eléctrica pero con menos cuerdas. Uno de estos caballeros es Jaco Pastorius, y lo puedes escuchar tanto en discos de Weather Report como en solitario, con Pat Metheny (1 disco) y con Joni Mitchell ("Hejira"). Jaco es al Bajo lo que Jimi Hendrix a la guitarra eléctrica: marca un antes y un después. Un auténtico virtuoso, un ser diseñado para tocar el Bajo (sobre todo su cerebro), todavía escucho cosas suyas que son imposibles de tocar. Pero él las tocaba. Puso de moda el Bajo sin trastes (fretless), al quitárselos a su Jazz Bass del sesenta y pico, aunque no fue el primero en hacerlo. Su carisma como músico es innegable. Es de los pocos bajistas que conoce el público en general (pocos significa tres o cuatro) y de los pocos que son admirados por otros instrumentistas. Su vida fue tan original como su música, incluyendo largas estancias en un hospital psiquiátrico a mediados de los '80, abuso de drogas y muerte de una paliza a cargo de un desaprensivo a la salida de un club en Florida el 21 de septiembre de 1987. Tenía 35 años.
        Otro de estos caballeros es Stanley Clarke. Nada que ver con Pastorius, Stanley hace honor a la raza negra desarrollando grooves de lo más vacilón. Tiene una formación jazzística sólida como pocas y una técnica fuera de serie. Es capaz de hacer sonar su Alembic como una guitarra española. Verlo para creerlo.

El bajo en los '60 (y II)

2008-05-25T12:59:00.000-07:00

        Paralelamente se desarrolla en la costa oeste de Estados Unidos una corriente conocida como acid-rock, con bajistas tan representativos como Phil Lesh (Grateful Dead) y Jack Casady (Jefferson Airplane, Hot Tuna). En Nueva York, y en un contexto más pop, habría que destacar el uso del bajo que hacen tanto John Cale como Doug Yule en The Velvet Underground.
        En Londres tenemos a Jack Bruce, mano a mano con Ginger Baker en Cream. Lo de “mano a mano” no podría haber entrado mejor: a veces llegaban a las manos. De cómo puede uno tocar enfrentado a su batería y que el resultado merezca la pena. Al final será verdad que los problemas personales en el seno de los grupos constituyen la esencia del rock and roll. Jack fue quien puso el bajo en primer plano de una forma definitiva y sin vuelta atrás. El rock y el pop se estaban desarrollando. Ahora aprendían el lenguaje del jazz, las posibilidades instrumentales se ampliaban y, si hacía falta tirar de emociones, siempre estaba ahí el blues. En directo Jack competía de igual a igual con Eric Clapton, solo que desde el bajo. También cantaba estupendamente. Otra banda que no es tan conocida como las anteriores y no tiene mucho que envidiar, al menos desde el punto de vista del Bajo, son los americanos Vanilla Fudge, donde Tim Bogert se arma con un Precision para ametrallar sin piedad en connivencia con su batería y amigo Carmine Appice, haciendo una excelente labor.
        En 1968 aparece el primer disco de Led Zeppelin, disco que sienta las bases del hard-rock de los años posteriores junto con el primer disco de Black Sabbath, donde Geezer Butler demuestra que sin él no se puede hablar de sonido denso y pesado. Tanto Sabbath como Zeppelin sustituyen el componente jazzístico de Cream por un aumento en los watios del amplificador. El disco de Led Zeppelin que realmente nos interesa es el segundo, Led Zeppelin II. No es casualidad que lo produjera Jimi Page, el bajo soporta de tal forma a la guitarra que no tengo ningún empacho en decir que si le quitas a ese disco la pista del bajo, el heavy-metal desaparece. Por mucha distorsión que añadas, el bajo es lo que da cuerpo a los riffs.
        En 1969 tiene lugar el Festival de Woodstock, que sirvió de excusa para que algunos se revolcaran en el fango y de auténtico escaparate musical de lo que se cocía en aquellos momentos para público y promotores de conciertos. Allí encontramos a Larry Graham tocando el bajo con Sly & The Family Stone. Graham es el inventor de la técnica de slap, algo que en aquellos tiempos se llamó grahaming, en su honor. Por Woodstock pasa también Tomy Shannon, bajista de Johnny Winter, uno de los mejores bajistas de blues contemporáneo.
        Por último, finalizando la década encontramos otra nueva corriente estilística conocida como rock progresivo que llevaría en sus filas a pesos pesados de la talla de Greg Lake (King Crimson, ELP) o Chris Squire (Yes).

El bajo en los '60 (I)

2008-05-25T12:35:00.000-07:00

Así como la guitarra eléctrica alcanza la mayoría de edad en los años sesenta, su hermano el bajo no lo hará hasta una década más tarde. Esto no quita para que haya grandes figuras del bajo, sobre todo hacia el fin de la década, pero lo de encontrar líneas interesantes en la mayoría de grupos de cualquier estilo hay que posponerlo unos diez años. A lo largo de los primeros sesenta, el papel del bajo y del bajista continúa básicamente la línea marcada en la década anterior: un soporte armónico de fondo, sepultado las más de las veces en la mezcla por el productor de turno. Cabe mencionar la famosa escapada solista de John Entwistle en el primer single de los Who, My Generation (1965). En el resto de grupos, el bajo va muy plegado a las guitarras y sólo tímidamente interactúa con la batería. Se percibe, más que escucharse. Las líneas de bajo más interesantes rítmicamente serán introducidas por bajistas de sesión de sellos soul como Stax/Volt, Chess, Tamla Motown o Atlantic. James Jamerson, Jerry Jemott, Denis "Duck" Dunn, Chuck Rainey o Tomy Cogbill, cobran a tanto la hora por diseñar líneas de bajo que se apresurarán a copiar los bajistas de los grupos pop. Véase como ejemplo el riff de Taxman (Beatles) a cargo de un Paul McCartney todavía en desarrollo como bajista (riff que reaparecerá en 1980, en el Start! de The Jam; o la línea de Under My Thumb, de los Rolling Stones, donde Bill Wyman se esfuerza por darle un aire bailongo a un tema descaradamente de soul blanco. Ambos ejemplos son ya de 1965-1966. Por lo que al rock se refiere, y más en concreto a la emulgente escena británica, tanto Entwistle como McCartney resultan fundamentales y con gran influencia en bajistas posteriores. Pero el primero que muestra una soltura que ellos aún estaban por adquirir es John McVie, como puede escucharse en John Mayall Plays John Mayall (Live At Klooks Kleek). Bajo este farragoso título se esconde una perla grabada a finales de 1964 en la que, insisto, John McVie despliega un saber hacer que no era común.
Otro que cabe mencionar es Noel Redding, actuando como cemento rápido en la base rítmica de la Jimi Hendrix Experience. Su línea de Bajo en Hey Joe sigue siendo un clásico. Brian Wilson explora nuevos territorios en el Pet Sounds de los Beach Boys. Pero a partir de 1967 empieza lo bueno de verdad. El mejor ejemplo tal vez sea el LP Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club Band (Beatles). Aquí ya podemos empezar a hablar de líneas de Bajo de temas pop tal y como los conocemos hoy en día. Magistrales, una forma única de soportar armónicamente la canción sin dejar de divertirse y (muy importante) sin ponerse serio. Otro buen ejemplo es el "disco blanco", títulado simplemente The Beatles (1968). Líneas atípicas para canciones atípicas: Dear Prudence, Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey. La semilla del grunge queda plantada. Hay que señalar que no siempre es Paul quien toca el bajo, a veces es George Harrison (Honey Pie) o John Lennon (Helter Skelter, donde le aplica un pedal de fuzz-tone). Asimismo es Lennon quien utiliza un Fender de seis cuerdas en Back In The USSR y Let It Be. El disco definitivo es Abbey Road, con la línea magistral de Come Togheter.

Introducción (y II)

2008-05-24T19:17:00.000-07:00

Ya hemos dicho que antes de 1951, concretamente en la década de 1930, hubo valientes intentos de hacer lo mismo, sobre todo por parte de Rickenbacker (ver foto izquierda) o el citado Paul Tutmarc. Pero el Precision del '51 es el primer bajo eléctrico que se puede considerar como tal. Fue cuando el mundo se enteró de que existí, ya que lo anterior nunca alcanzó el status de conocido a nivel masivo.
        Como es lógico, después vinieron otros modelos (el Jazz Bass, también de Fender), las imitaciones, etc. Pero lo significativo es que no sólo puedes comprar hoy en día un Precision con casi las mismas características que aquel, sino que cualquier bajo que se fabrica hoy en día le debe buena parte de su diseño (más de 50 años después) al primer baby-Fender.
        Hemos dicho que Leo Fender inventó el Bajo ante las peticiones de los contrabajistas de "más volumen". Pero en realidad no solucionó su problema, es decir, cómo amplificar su contrabajo, sino que les ofreció un instrumento nuevo que hacia las veces del otro siempre que uno no fuera demasiado purista. El bajo es un híbrido entre la guitarra eléctrica y el contrabajo, y han tenido que pasar muchos años para que tenga metodología propia, pero no ha reemplazado al contrabajo, que sigue sonando estupendamente en orquestas sinfónicas y combos de swing, por ejemplo. Más aún: aquellos problemas de amplificación empiezan a solucionarse satisfactoriamente. Sí, siempre se ha grabado en estudio con el contrabajo y se ha tocado en directo, pero cualquiera que tenga uno te puede contar la PESADILLA que puede llegar a ser microfonearlo.
        Hoy, cada vez se avanza más en amplificación específica de contrabajos, mediante pastillas piezo-eléctricas y amplificadores con pocos graves, por no hablar de los contrabajos eléctricos, que siguen siendo para gente sin complejos (Tony Levin lleva uno en directo, lo que le permite utilizar la técnica de arco que a los bajistas nos está vetada). De manera que hoy en día el contrabajo no sólo ha dejado de ser el instrumento que todo bicho viviente se sentía capacitado para tocar, sino que se ha convertido en un instrumento más exigente que el bajo, ya que no tiene trastes, con lo cual es más difícil afinar, y además ahora se escucha todo lo que tocas, fallos incluidos.

Introducción (I)

2008-05-24T19:12:00.000-07:00

Esto no pretende ser más que un paseo por los orígenes del bajo eléctrico. Para ello hay que remontarse al año 1951, cuando se comercializó a nivel masivo el primero de ellos. Su autor fue un tal Leo Fender y lo parió y patentó en los U.S.A. El primer modelo fue denominado Fender Precision (abajo en la foto), un modelo que sería re-editado en 1968 bajo el nombre de Telecaster Bass aunque, obviamente, no tiene la forma de una Telecaster. El nombre de Precision no es casualidad: frente a los tradicionales contrabajos, con la tabla del mástil completamente lisa, el nuevo instrumento incorporaba trastes, al igual que las guitarras española y eléctrica, esta última también inventada por Fender, junto con Rickenbacker y Gibson, que también son marcas pioneras y, mira por dónde, americanas. Aquí hay que mencionar a un curioso personaje de Seattle (Washington), de nombre Paul Tutmarc, que ya vendía bajos eléctricos en 1935, pero cuyos inventos no alcanzaron nunca éxito a nivel comercial.
        Parece una tontería, pero el detalle de los trastes hace que la afinación del Bajo sea mucho más precisa, de ahí el nombre de Precision. Pero la revolución fundamental que representa el bajo eléctrico frente al contrabajo radica en la amplificación del sonido. Si miras un contrabajo te darás cuenta de que no es más que un violín pero a lo bestia. ¿Por qué? Como esto no pretende ser el trivial, contestaré yo: porque con los únicos elementos con que se contaba antiguamente para amplificar el sonido eran: la longitud y grosor de las cuerdas, y el tamaño de la caja de resonancia. Así pues, como las notas del contrabajo son mucho (pero MUCHO) más graves que las del violín, necesitan más volumen para ser percibidas con nitidez por el oído humano, de ahí que su tamaño haya de ser mayor. Todo esto no hacía falta con el nuevo instrumento: una pastilla electromagnética solucionó la cuestión.
        Además, el reducido tamaño de la criatura permitió a los bajistas transportarlo con más comodidad y, en el caso de las bandas de jazz y blues en Estados Unidos, les permitía viajar en el mismo autobús que sus compañeros, ya que antes siempre tenían que ir aparte con el mamotreto a cuestas.
        Pero no todo iban a ser ventajas, sobre todo para los más torpes. Hasta entonces, el contrabajo era el instrumento que todo bicho viviente se sentía capacitado para tocar, sencillamente porque no se oía. Ya me explicará cualquiera que haya escuchado de cerca a un contrabajista sin amplificación lo que iba a hacer el pobre hombre o muchacho en medio de una big-band de jazz, con montones de saxofonistas, clarinetistas, trompetistas y demás solistas voraces, esperando la mínima pausa para explayarse en un profundo y sentido solo, de esos que entras y ya nadie te vuelve a ver más. Ahora, las metidas de pata se distinguían perfectamente, así que... Nada, a practicar más en casa, chaval.

Bajo Mínimos (1998-2008)

2008-05-21T21:33:00.001-07:00

Resulta obvio que has entrado aquí por error, esta página no viene recomendada en ninguna guía de cibernautas al uso (de momento) y el acceso tecleando al azar resulta bastante inverosímil. Resta el conocimiento gracias a la propaganda que yo mismo me he molestado en hacerle, pero teniendo en cuenta que ha sido exactamente igual a cero, la conclusión inicial prevalece. En cualquier caso espero que disfrutes. El autor de esta web siente un profundo respeto por TODAS las formas de hacer sonar un Bajo en cualquier estilo musical habido y por haber, y ni de lejos quiere dar a entender que su enfoque sea el mejor o el único posible. Sin embargo, es el único que conoce y por tanto el único que puede utilizar para contar algo de provecho