Claudio Monteverdi (Ashmolean Museum, Oxford). Fuente: Wikipedia

Lo más significativo de esta representación es que corre a cargo de la Escuela Municipal de Música y Danza de Navalcarnero “Miguel de Fuenllana”, equipo director, músicos, cantantes y bailarines, toda una hazaña para una escuela de música.

Combattimento di Tancredi e Clorinda es un madrigal escénico, en “género representativo”, como indica la propia pluma del creador de la primera ópera triunfal de la historia, Orfeo. Fue compuesto y estrenado en 1624 y forma parte del Libro Octavo de los Madrigali guerrieri, et amorosi, de Monteverdi. Este madrigal está basado en un texto de Torquato Tasso de su Gerusalemme Liberata.

Combattimento … cuenta la historia de la pareja de amantes Tancredi y Clorinda, esta última disfrazada de fiero soldado, que se encuentran en un campo de batalla de los muchos que dejaron las guerras de las Cruzadas. Como soldados caballeros, no se reconocen y luchan hasta la muerte de Clorinda que, en la agonía, admite quien es dando paso al drama de la pareja amorosa. Se transforma así en una melancólica metáfora del combate amoroso.

Como madrigal, es tradición que cantantes y músicos se sitúen fuera de la escena, mientras que la representación de lo acaecido en escena corre a cargo de bailarines a los que se une un narrador que cuenta la triste historia.

Los bailarines en esta representación de la escuela de Navalcarnero son Rebeca Gil (narrador), Olga Tarancón (Tancredi) y Alba Martínez (Clorinda). Los cantantes, por su parte, son Inmaculada Fernández y Emilio Sánchez, que se alternan como narradores en los dos días de representación; Almudena Robledano (Tancredi) y Felícitas Cerezo (Clorinda). La concertación musical es de Verónica Sen; la coreografía, máscaras y vestuario corresponden a Izaskun Lasalde; la producción es de Inés Fernández Delgado, directora de la Escuela.

Por último, la dirección musical y artística está asegurada nada menos que por el barítono Luis Álvarez, habitual en las mejores producciones de zarzuela del país, persona clave en la compañía Ópera Cómica de Madrid y excelente profesor y cantante. Todo un lujo que garantiza una representación que promete calidad profesional y frescura de un equipo joven y entusiasta.

Outre Mesure

En ese centro del mediterráneo español que es la provincia de Almería, comenzó su andadura este sorprendente festival de la mano, curiosamente, del asturiano Carlos González, su director artístico, musicólogo, luthier y empedernido aventurero.

Él fue el creador del Festival de Música Antigua de Gijón con el que consiguió atraer todas las miradas de los círculos internacionales con los que había establecido contacto a través del comité organizador de Musicora, la feria internacional de instrumentos de París. Pasó un periodo en Córdoba, en donde se instaló tras abandonar definitivamente París y en donde intentó también dejar su huella y, a la vez, impregnarse de esa cultura hispanoárabe que ahora cobra forma en este festival.

Tras Córdoba, nuestro “argonauta” recaló en Almería, primero Albox y después  Roquetas de Mar. Esta última le birndaría la posibilidad de unir sus dos principales objetivos: el estudio y la construcción de los  instrumentos  y la difusión de la música que nació con ellos. Con estas premisas, puso en marcha la primera escuela de luthería de nuestro país que ahora se ha convertido en centro neurálgico de los cursos del festival.

La trayectoria de Carlos González, su recorrido por Europa, con años de residencia en París, su paso por Gijón, Córdoba y ahora Almería, es sin duda lo que ha inspirado la idea de este festival y a la que el Ayuntamiento de Roquetas no ha dudado en sumarse. Estas son sus premisas:  “siglos antes de la invención del teléfono, la radio o Internet, músicos y culturas musicales viajaron a bordo de galeones, galeras y fragatas,  mutando al contacto de otras músicas y dejando semillas en países lejanos. A menudo volvían a su país de origen, con otro acento y otro sabor, fruto de un enriquecedor mestizaje”.

Los conciertos de Mare Musicum

El  primer viaje que emprenderá el festival será a través de la Europa medieval, una época en la que la música de los reinos cristianos se separa poco a poco de la inmensa tradición árabe. Nacen nuevos instrumentos y nuevos estilos, tanto vocales como instrumentales. José Luis Pastor será el encargado de adentrarnos en estos territorios desconocidos, tañendo laúd, cítola y guitarra medieval.

El segundo viaje evoca un episodio doloroso de nuestra historia, la  expulsión de los moriscos. Estos andaluces del siglo XVII  tuvieron que dejar una tierra a la que habían llegado nueve siglos antes, llevándose  un riquísimo patrimonio musical, que afortunadamente echó raíces  a pocos kilómetros, en la otra orilla del Mediterráneo, diseminándose por todos los países del Magreb. Uno de esos países, Argelia, mantiene al más alto nivel la tradición andalusí de la Nuba, memoria viva de los hermosos sonidos que nacieron en Al-Andalus.

El Ensemble Albaycin, dirigido por el prestigioso músico, pedagogo  y  compositor Rachid Guerbas, ofrecerá  un panorama de esa tradición musical con una serie de actividades que nos permitirán conocer mejor esa música tan cercana en el tiempo y el espacio, pero tan desconocida para nosotros.  En los cursos y talleres de canto, percusión y laúd, los alumnos podrán iniciarse en este magnífico repertorio.

Otros mares y otras músicas, las llamadas “de ida y vuelta”  que incansablemente  cruzaron el océano Atlántico creando nuevas formas, de  las zarabandas, chaconas  y cumbées barrocos, hasta los más modernos  tangos, guajiras y cumbias. América, Europa y África unidas por la música. El  virtuoso violagambista Fahmi Alqhai y el cantaor Arcángel  ilustran un aspecto concreto de ese viaje secular, el diálogo entre las músicas barrocas de España y América con el incipiente flamenco.

Ana Yepes, coreógrafa y bailarina de renombre internacional prosigue su colaboración con Mare Musicum, instalando nuevamente su Academia Internacional de Danza Barroca en Roquetas de Mar. Le acompañan  los miembros de la Compañía de Danza Renacentista Outre Mesure, dirigida por Robin Joly. Juntos presentan su nuevo espectáculo Terpsichore en estreno  mundial, conmemorando el cuarto centenario de la publicación de la obra homónima de Praetorius, una de las principales fuentes para el estudio de la danza antigua.

Aparte de su espectáculo Terpsichore, Ana Yepes y los  músicos y bailarines de Outre Mesure  nos invitan a un baile popular renacentista abierto a todos, para disfrutar de algunas danzas que se bailaron en el siglo XVI y XVII en Europa. Danzas sencillas, casi ingenuas,  en las que todo el pueblo participaba en corro.

El  último viaje, más interior,  navega por la mente del polifacético multi-instrumentista Andreas Prittwitz. De origen alemán, instalado en España, Andreas navega entre el jazz, la música barroca y  su labor como acompañante de grandes figuras como Joaquín Sabina, Ana Belén o Javier Krahe.  En su nueva propuesta de “Looking Back over the Baroque”,  Andreas Prittwitz  y la Orquesta Barroca de Roquetas de Mar, ofrecerán un concierto mitad barroco, mitad fusión barroco-jazz, con obras de Vivaldi, Purcell, Telemann, J.S. Bach, Pergolesi, y Geminiani.

El delicado laúd renacentista de Pascale Boquet, digno heredero del que Zyriab introdujo en Córdoba y en toda Europa, será elencargado de transportarnos a una época en la que este instrumento y su pariente la vihuela española reinaban en la música europea del siglo XVI.

Como final de trayecto, el festival se clausurará con el primer concierto  a capela del Coro Barroco de Roquetas de Mar, bajo la dirección de Carlos Mena, gran contratenor  español. Escucharemos obras de los grandes polifonistas españoles: Francisco Guerrero, Cristóbal de Morales y Tomás Luis de Victoria.

Los cursos

Aprovechando la presencia en  Roquetas de todos estos grandes especialistas nacionales e internacionales, el festival ofrece la posibilidad de que compartan su saber y experiencia con los jóvenes músicos que se inscriban a cursos y talleres.

Fahmi Alqhai, Pedro Estevan y José Luis Pastor  darán clases magistrales de viola da gamba, percusión y cuerda pulsada medieval, respectivamente.

El Ensemble Albaycin propone talleres de canto, laúd y percusión,  para iniciarse en el repertorio de la nuba andalusí.

Pascale Boquet y Andreas Prittwitz iniciarán a sus alumnos en el arte de la improvisación,  sin el dominio de la cual nadie era considerado músico en el pasado, pero que hoy es la gran olvidada en el programa de los conservatorios de música.

Ana Yepes, paralelamente a su academia de danza barroca, propone un taller dedicado a la danza barroca hispanoamericana, en concreto a la contenida en el Códice Trujillo del Perú, mientras que Robin Joly trabajará sobre el repertorio de la danza renacentista italiana.

Las exposiciones

Por vez primera Mare Musicum propone  dos exposiciones que completan el programa general del festival. Una de ellas reúne 24 obras de Yacine Kacimi El Hassani,  miembro del Ensemble Albaycin y especialista en caligrafía árabe. Es un arte que en los países islámicos  ha conocido un gran desarrollo, debido a la prohibición islámica de representación figurativa.  En cierto modo, la caligrafía ocupa el lugar de nuestra pintura, y ha alcanzado en esos países un nivel artístico extraordinario, que no ha dejado de evolucionar durante  siglos. La obra de Yacine Kacimi  se ha presentado en numerosos países del mundo árabe y en varios países europeos, y es un reflejo de las nuevas tendencias  de este arte.

La otra exposición “La vihuela de Quito: Una reliquia musical”, presentada en el Festival de Música Antigua de Sevilla 2012, evoca un instrumento excepcional, conservado en la Iglesia de la Compañía de Jesús de Quito.  Perteneció a una joven quiteña, Mariana de Jesús Paredes y Flores (1618-1645) y se ha conservado por su carácter de reliquia, ya que Mariana fue canonizada en 1950 por Pío XII.

Es el instrumento de tipo guitarra más antiguo de América y una de las tres vihuelas históricas de seis órdenes  que se conservan. No se había estudiado en profundidad hasta noviembre de 2010  cuando  Carlos González y el  Padre Francisco Martínez, estudioso de la música  y los instrumentos tradicionales del levante almeriense,  viajaron a Quito para realizar su estudio.

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Les Passions © Jean-Jacques Ader

Toulouse, la Tolosa francesa al otro lado de los Pirineos, ha sabido crear un tejido consistente en torno a la música del pasado promoviendo convocatorias como los Rencontres des Musiques Anciennes, que acaban de tener lugar en distintos y sugerentes marcos de la ciudad. Iniciativas que han servido para entusiasmar a una audiencia especial, ecléctica en cuanto a tipología. Sin distinciones generacionales y con una gran presencia de esa savia nueva que precisa la música para su supervivencia. Público que llena los espacios donde se materializan estas ideas, a las que responde entregado. Se ha podido ver una vez más en los dos programas que han cerrado los Rencontres…. El de Les Passions, centrado en dos obras fundamentales de Jean Gilles (1688-1705), y el de La Main harmonique, con Petrarca como hilo argumental.

Les Passions, orquesta barroca de Montauban creada en 1986 por Jean-Marc Andrieu, ha querido aprovechar la oportunidad para cerrar un ambicioso proyecto puesto en marcha hace cuatro años: la recuperación de las obras mayores de Gilles, rematado por la grabación de las mismas. De este modo, tras el Requiem (2008) y las Lamentations (2009) del compositor de Tarascon coetáneo de Couperin, le ha llegado el turno ahora a su Te Deum y la Misa en Re.

Pare ello, y en busca de una acertada filología, Andrieu, más allá del recurso de los “instrumentos originales”, ha elegido para la ejecución de ambas obras el espacio para el que originalmente fueron escritas: la catedral de Saint Étienne,  donde la presencia de Gilles está documentada desde 1697 hasta su muerte como maestro de capilla, sucediendo en el puesto a Campra, su amigo y primera fuente de inspiración. Así se han podido escuchar su alabado Te deum, compuesto en 1698 para celebrar la paz de Ryswick, punto final a la Guerra de los Nueve Años, junto a la recuperada Misa en re,  ligeramente anterior y en apariencia olvidada desde los tiempos de Gilles.

Les Passions, que se afianzan en la zona con su presencia en la programación de la Ópera de Toulouse en la temporada 12-13, ha vuelto a conseguir un éxito clamoroso, evidenciando el minucioso trabajo de Andrieu. Cuidadoso en las armonías y acertado en el equilibrio instrumental de sus 17 integrantes, ha demostrado un fino olfato en la elección de las voces principales: Anne Magouët, Jean François Novelli, Alain Buet, y en especial el aplomo del contratenor Vincent Lièvre-Picard . Una vez más, contando con la complicidad y el gusto del coro de cámara Les Élements adiestrado por Joël Suhubiette: 16 soberbias voces distribuídas a cuatro, alguno de cuyos integrantes utilizados para complementos –la soprano Cécile Dibon-Lafarge o los bajos Cyrille Gautreau y Christophe Sam-, demostraron su talla solística de pleno derecho. De la afinación (se grabaría un día más tarde), quedó claro ejemplo en momentos de tanta contundencia como el Kirie o, en la misa, dos tríos -el del contratenor y las dos voces femeninas y el Crucifixis para los tres varones-, además de del Judicare, o el Agnus dei, de impecable factura.

La guinda de las jornadas quedó para La Main Harmonique y su programa L’aura mia sacra, recurriendo al contraste cronológico y estilístico frente a los textos del Cancionero de Petrarca de tres compositores: los renacentistas flamencos Cipriano de Rore (1515-1565) y Adrian Willaert (1490-1562) frente a la música redactada este mismo año por el griego Alexandros Markéas, nacido en Atenas en 1965 y en la actualidad profesor de improvisación generativa en el Conservatorio de París. Como Andrieu, Frédéric Bétous está convencido de haber llegado a este punto de acuerdo con la lógica. Después de darse a conocer como contratenor en Les Éléments y su posterior trabajo junto a Hervé Niquet, puso en marcha hace tres años su proyecto de La Main Harmonique con el que ha grabado hasta el momento dos CDs.

El primero, en torno a la música de Ana de Francia; el segundo, recreando la polifonía del siglo XIV en Avignon, en torno al momento y en el mismo lugar en que Petrarca referencia su encuentro con esa Laura en la que se concentran los sonetos convertidos en madrigales para un conjunto de entre cuatro y siete voces por los compositores de la velada, que Bétous ha organizado contando en el apartado vocal con dos sopranos, contratenor, dos tenores, barítono y bajo, y en el instrumental con tres violas en distinta afinación, todos ellos a las órdenes de Bétous, que ha sabido encontrar un perfecto equilibrio; un hermoso juego de contrastes. Argumentalmente, el recorrido partiría del enamoramiento, para desembocar en el desamor. Por medio, como eje contrastante, las creaciones de Markéas, que ha sabido establecer una buena concordancia con sus compañeros de viaje, en un armonioso juego de ecos: en un sabio contraste de luces y sombras. Un concierto rebosante de gusto y originalidad, como se podrá comprobar en la grabación, que aparecerá en fechas próximas.

Los Virtuosos

Sala Guirau
El Ballet Flamenco de Andalucía con su espectáculo Metáfora (estreno en Madrid) inaugurará el ciclo el día 31 de mayo. Este montaje es un tributo a lo que fue y es la danza flamenca, desde la escuela bolera como inicio hasta sus coqueteos con las coreografías contemporáneas que le ponen en relación con otros mundos y otros géneros. Habrá bulerías, valses flamencos, verdiales o zambras. Rubén Olmo es el director artístico y coreógrafo del Ballet Flamenco de Andalucía desde 2011.

Los días 6 y 7 de junio Los Virtuosos realizarán un Homenaje a las grandes figuras de la danza del siglo XX. Los Virtuosos son un grupo de bailarines con una gran trayectoria profesional que se han unido para rendir tributo a coreógrafos y bailarines, como son Alicia Alonso, Rudolf Nureyev, Baryshnikov, Maya Plisetskaya o Pina Baush, entre otros, y que han sido los pilares esenciales del ballet clásico y la danza contemporánea.

Los días 9 y 10 de junio la compañía de danza española Sentimiento Pericet rendirá un homenaje al bailarín y maestro Ángel Pericet, referente de la escuela bolera a nivel internacional y una de las grandes figuras de la danza. El programa incluye cuatro estilos de la danza española: suite de la escuela bolera, danza estilizada, bailes folclóricos y cuadro flamenco. En este  homenaje intervendrán como artistas invitados Antonio Márquez, Maribel Gallardo, Carmen Cubillo y Raquel Alarcón.

Danza de Primera, por primera vez dentro del ciclo, se presentará en dos días por la gran afluencia de público. Serán los días 16 y 17 de junio cuando actúen los premiados de los distintos certámenes españoles e internacionales de coreografía e interpretación.

Cerrarán el ciclo en el escenario de la Sala Guirau, Identities Project: Catherine Allard, Mariko Aoyama, Hilde Koch, Susan Kempster y Mónica Runde con el estreno absoluto de Identities Project que estará los días 22, 23 y 24 de junio. La idea de este montaje es la unión de estas cinco mujeres, intérpretes y creadoras, con más de una nacionalidad y que han desarrollado su trabajo junto a grandes creadores de la danza,  llegando a obtener un reconocimiento a nivel nacional e internacional como es el Premio Nacional de Danza en diferentes países. Identities Project cuenta con la dirección artística y dramatúrgica de Natalia Menéndez y de Carlos Iturrioz.

Sala Dos
Tras el éxito conseguido el pasado año la Sala Dos repite con una programación paralela de danza a la Sala Guirau con tres compañías:

Los días 7, 8 y 9 de junio la Compañía F.T.-Fabián Thomé muestra Desde el sofá un espectáculo en el que se mezclan diferentes estilos tan variados como son la danza contemporánea, el flamenco contemporáneo y el teatro. El montaje se desarrollara alrededor del sofá a través del baile, de la palabra, de la mímica, se presentarán varias escenas de la vida cotidiana o imaginaria.

La Compañía Mey-Ling Bisogno presenta Peep Box los días 13, 14, 15 y 16 de junio. Un espectáculo de danza contemporánea donde siete personajes se encuentran en un espacio delimitado, donde no existe el tiempo…

Los días 20 y 21 de junio, Sharon Fridman presentará Shalosh 2012 (tres, en hebreo) que consta de tres espectáculos de danza contemporánea: ¿hasta dónde…?, A corpo Libero y In to it.

Plaza de Colón. Descubriendo la Danza
La plaza de Colón volverá a ser el escenario dentro de Danza en la Villa. Se  harán dos pases el día 5 de junio a los que los madrileños podrán acceder de forma gratuita.

El martes, 5 de junio Kukai Dantza Konpainia presentará Sorbatza. Esta compañía se caracteriza por la creación de espectáculos contemporáneos a partir de la danza tradicional vasca.

Es la primera coproducción entre la Fondazione Campania dei Festival, el Festival de Paestum y el Festival de Leuciana, que están desarrollando un proyecto cuyo objetivo es explotar las habilidades de los bailarines de la compañía.

Se trata de una adaptación libre inspirada en la música original de Igor Stravinsky. “La consagración de la primavera se hizo inmortal por Djagilev y Nijinsky, que a principios del siglo XX creó con este ballet un rito pagano. Quiero seguir ese camino: Explotar el carácter de los bailarines del mediterráneo su luminosidad, ha asegurado Ivo.

Precisamente la luminosidad es el centro del ballet, la celebración de una primavera que, según el coreógrafo, le hace reflexionar sobre varias cuestiones como la explotación de los recursos de la tierra, el cambio climático, los volcanes o los terremotos, y cómo sobrevive la naturaleza a todos esos fenómenos.

Bach. © José Luiz Pederneiras

El diálogo entre la técnica clásica y la danza popular brasileña es la característica de estas dos coreografías, vitalistas y extremadamente físicas. En Bach las melodías tradicionales de Minas Gerais (estado del noreste del Brasil) se funden con las del compositor alemán, en un escenario con 60 tubos colgados del techo. Con música de Marco Antônio Guimarães sobre la obra de Johann Sebastian Bach, tiene coreografía de Rodrigo Pederneiras

Por su parte, Parabelo destaca por ser la creación más brasileña de Rodrigo Pederneiras, con música de Tom Zé y José Miguel Wisnik. Se trata de una exuberante pieza con cantos de  trabajo y devoción, con la cadenciosa memoria del baião y de una gran fuerza expresiva.

Grupo Corpo
Fundada en 1975, en Belo Horizonte (Minas Gerais), es una compañía de danza contemporánea que realiza creaciones típicamente brasileñas. A lo largo de su historia ha pasado por distintas etapas, aunque siempre movida por tres inquietudes: la definición de la identidad vinculada al concepto de lo nacional; la continuidad de la obra, concebida en términos de futuro, y la voluntad de mantener unos estándares de calidad autoimpuestos.

Desde 1992 invita a los compositores a crear piezas especiales para cada ballet, de forma que escenografía, vestuario y coreografía se crean simultáneamente. Paulo Pederneiras es su director artístico y responsable de la escenografía y la iluminación de las piezas.

Rodrigo Pederneiras comenzó como bailarín y desde 1981 pasó a ser coreógrafo de casi todas las coreografías del Grupo Corpo.