La logique humaniste (et peut-être celle, plus discrète, du commerce) a voulu que le film échappe à toute prise de risque, contant les faits dans un ordre de séquences bien définies, pour ne pas perdre de vue la moindre petite parcelle de spectateurs. C’est que sur un pareil sujet, le danger est d’éloigner le public, chacun étant potentiellement la cible lacrymale de ce mélo véridique et nécessaire. Ainsi l’œuvre, consciencieuse, y perd terriblement en inventivité et en audace ce qu’elle gagne probablement en sûreté et en universalité. On regrette toujours que ce genre de films, ciblant tant de public, soient condamnés à n’être que le produit d’une action humanitaire dont l’intérêt peine à coïncider avec celui que l’on attend du domaine artistique. Difficile toutefois de reprocher à la cinéaste sa clarté, sa simplicité et son goût immodéré pour l’émotion ; le discours tient sans aucun doute d’une profonde sincérité, parfois perdue dans les décombres d’une construction incapable de dépasser son statut chronologique malgré de piètres tentatives. Liya Kebede révèle un jeu fin et poignant, tandis que les seconds rôles assurent un background croustillant (Hawkins et Spall en tête) qui prouve que Sherry Hormann a au moins en elle, si ce n’est plus, le goût des grands comédiens.

Jean-Baptiste Doulcet

Fleur du désert
Film australien de Sherry Hormann
Genre : Biopic
Durée : 2h00
Avec : Liya Kebede, Sally Hawkins, Timothy Spall…
Date de sortie cinéma : 10 Mars 2010

Du coup, plutôt que de persister dans la voix (toute tracée) du succès, de reconduire la même méthode que par le passé, à savoir composer des morceaux pop légers faisant la part belle aux refrains et aux mélodies, le duo a préféré durcir légèrement le ton, obscurcir ses compos, pour donner au final ce sombre mais intense « Fun is Dead ».

Sans doute moins accessible mais plus personnel que « Bleed », « Fun is Dead » se rapproche plus ici encore de l’electro avec des titres qui rappellent par moment le récent travail de The XX, avec ce même talent pour combiner les guitares et les boites à rythmes, le tout accompagné de voix lascives et détachées qui donnent à cet album une tonalité toute particulière et une vraie authenticité, loin de l’esbroufe à laquelle on a souvent droit dans ce genre de musique d’inspiration 80’s.

Avec « Fun Is Dead » on a la confirmation que Aswefall est beaucoup plus qu’un coup de pub et que, même si cet album est d’un abord moins séduisant que son prédécesseur, il est tout aussi passionnant.

Benoît Richard

Aswefall : Fun Is Dead
Isolering/Module – mars 2010

Retrouvez cet article Hop Blog avec des titres en écoute

Coline ne sera pas visible en salle à sa sortie faute de distributeur assez courageux ou inspiré pour prendre sous son aile un film sans star, sans acteur connu et même parfois sans acteur tout court. Le film en poche, Etienne constantinesco a donc décidé de jouer la carte du web et a trouvé un partenaire en la personne morale de Dailymotion qui assurera dès le 9 avril 2010 la plateforme de diffusion de l’œuvre, visible gratuitement par les internautes. On reviendra sûrement sur les questionnements « philosophico-économico-culturels » induits par une telle démarche. On se contente d’évoquer ici le film en lui-même.

Raph personnage fil rouge de Coline, on en a tous un dans une bande de potes. C’est souvent le gars malin, ou rebelle, qui refuse de se sortir les doigts duc et finit par squatter soit sur le canapé, soit dans la chambre d’ami. Le gars qu’on aimerait virer mais qu’on garde par respect du temps passé et des conneries d’adolescents. Raph c’est le gars dont on sait qu’il va se faire couillonner. Et la liste est longue au portillon de ceux qui sont prêts à abuser de sa naïveté. Des proches aux dealers de passage. Raph a besoin d’argent. Freddy et Pierre, voyous à casquette de travers qui font peur à Nadine Morano ont aussi besoin d’argent et sont prêts à un petit biz de temps à autres pour payer l’apparte et le whisky en boîte de nuit. Aurore galère à l’identique: étudiante de fac démissionnaire qui pointe au macdo ou équivalent. Fatih et Okan aussi sont au taquet. Et travailler dans le fast food d’un voyou au t shirt gras n’arrange pas grand-chose. Tout ce petit monde va se croiser dans une scène de la vie quotidienne où les actes des uns ont des conséquences sur les autres et réciproquement.

Le pari du budget riquiqui est une gageure dont s’est bien débrouillé Constantinesco. La caméra est assurée et le montage taille dans le gras narratif. On évite le dogme du caméra DV à l’épaule qui est devenu la figure de style imposée des films sans moyen. Le réalisateur mélange comédiens professionnels et casting d’amateur dans un film de genre, la cité, maintes fois abordé depuis Mathieu Kassovitz. Et la surprise provient d’ailleurs de ce que ce sont les comédiens non professionnels qui incarnent le mieux les petites frappes en mal d’oseille. Freddy ( Jean Bailly) est à ce titre la vraie révélation du film, tandis que  Alex (Charles Hurez) peine à convaincre.

Le pari de l’absence de moyen fournit aussi des décors à l’évidence réalistes, des intérieurs sans âme comme le sont les nôtres, des rues sans vie  de Strasbourg, mais on aurait pu évoquer Sarcelles ou Anderlecht que c’eût été la même histoire.

Le premier film est toujours un pari risqué. Le réalisateur ne parvient pas tout à fait à faire mentir l’adage.  Avec une nuit de réflexion suite à la projection, j’ai compris ce qui m’a titillé au long du film sans arriver à le verbaliser ensuite.

Constantinesco veut tant réussir son premier long métrage, qu’il finit par y mettre trop, et perd –un peu- le spectateur qui ne sait plus au final à quel genre se vouer, sans que réellement cette perméabilité soit la volonté ou la réflexion terminale du film. Film de genre : oui. Coline est un film de petites frappes, habitude plutôt à l’anglaise, façon Mike Leigh ou Ken Loach, au cœur des vies, sans juger les protagonistes. Mais dans ce cas, le final n’est pas assez plombant, voyeur, trop varié pour qu’on sorte du cinéma avec la rage sociale et le « et moi j’aurais fait quoi ? » traditionnel. Coline est un film de banlieue, avec La Haine comme référent absolu.Mais dans ce cas, le survol par le bout humain de la lorgnette empêche toute globalisation du propos, et ne nourrit pas la réflexion des spectateurs. On n’est pas confronté à des destins personnifiés ni à des étendards du genre. Coline est un film de banlieue, drôle, façon le ciel les oiseaux et ta mère. Mais dans cas, il n’est pas assez chargé en scènes au potentiel comique ; même si je dois reconnaître l’efficacité de l’écriture de certaines scènes (notamment la drague de Aurore par Freddy, que j’avais tenter de pirater pour la provoc’ en fin d’article). Coline est un film d’auteur francophone. Et cette définition explique parfois le manque de rythme entre des scènes au potentiel pourtant musclé. Fournir le scénario à Guy Ritchie aurait donné un drôle de Snatch avec Jason Statham dans le rôle de Freddy. Qu’on l’ait donné aux Dardenne et la caméra eut virevolté entre Aurore et Freddy en mettant l’accent sur la mauvaise peau d’une fille qui oscille entre Macdo et peste machiavélique.

Au final je sors de la salle de projection (ouais j’ai eu la chance de tâter du siège moelleux et de la salle noire pour voir le film, pauvre internaute) avec un sentiment mêlé de sympathie, de talent prometteur,  et de question « mais qu’est-ce qu’on a bien voulu me donner comme message » ?  Un réalisateur à suivre, déjà rien que pour voir quelle composante aura sa prédilection à l’avenir. Et l’avantage, c’est que dès le 9 avril, vous pourrez venir ici me dire ce que vous en avez pensé. Ou pas.

Denis Verloes

Coline

Film français d’Etienne Constantinesco
genre: comédie dramatique / drame social
durée: 1h20 environ
Avec: Raphaël Bartlen, Jean Bailly, Twefik Jallab, Estelle Galarme, Charles Hurez, Lahcen Razzoughi, Choukri Rouha…

Date de sortie SUR LE WEB: le 9 avril 2010 à cette adresse http://www.dailymotion.com/coline-le-film

Extrait officiel

Le gang des machines à cafés
envoyé par Coline-le-film. – Court métrage, documentaire et bande annonce.

Mon petit screener pourri (retiré à la demande de la production)

Que son nouveau film s’appuie sur l’autobiographie n’a rien d’étonnant, l’histoire véridique ayant tout d’une lyrique épopée de cinéma. Problème conséquent des films centrés sur la révolution soixante-huitarde, c’est justement la réadaptation forcenée aboutissant à la caricature, ainsi que le risque d’une naïveté en cascade. Placido, nostalgique d’une jeunesse heureuse et tourmentée, perd pourtant toute notion de réalisme et met en scène un groupe d’étudiants révoltés dans lequel se fond une histoire d’amour qui implose, entre un flic dont le travail est de rétablir l’ordre et une jeune fille rebelle dont les convictions amènent à un dérèglement des normes sous la coupe des leaders. La tragédie – qui renvoie indirectement aux mythes légendaires des amours impossibles et sacrés – se transforme rapidement en farce ; Placido semble tellement vouloir appuyer chaque séquence, frapper fort à chaque image, que sa tentative échoue lamentablement, produisant l’effet inverse. Pour puissante qu’elle est, la tragédie ne comprend pourtant aucune scène forte, aucun acteur convaincu. Les dialogues sont agaçants, la musique improbable. Tout est l’affaire d’un terrible échec de mise en scène et de direction qui renvoie la force du sujet au rayon d’un pauvre roman-photo vieilli et dénué de dimension lyrique. On ne saura reprocher à ce rêve italien d’être prévisible, mais il est effarant de constater le constant manque d’audace dans le point de vue qu’adopte le cinéaste. Ainsi l’émotion est absente et la plupart des partis pris prêtent à confusion, quand il ne sont pas inadéquats (pourquoi les musiques additionnelles viennent-elles se poser comme l’effet inverse de l’action qui se déroule ? Pourquoi les comédiens appuient-ils tous autant leur texte, révélant ainsi la frontière entre la technique d’acteur et le naturel, entre l’être et le paraître ?).

« Le rêve italien » a beau être une œuvre sincère, elle défend si peu d’idées artistiques et idéologiques (car sinon l’histoire elle-même, l’intéressant antagonisme entre l’ordre et le désordre chez les personnages n’est même pas utilisé un temps soit peu!), qu’elle en devient inintéressante au possible, plongeant le spectateur dans une torpeur sans fin. Quant à la notion de romantisme, elle ne peut s’effectuer qu’à travers un travail rythmique et une langueur sensuelle ; ici, malgré l’universalité du cadre aucun érotisme ne ressort, la mise en scène se voulant à tout prix passe-partout, brinqueballant un grand n’importe quoi formel (les différences de lumière, les noirs et blancs, les grains épais qui surgissent des scènes de foule). A part figer le film dans son vague élan, cela n’apporte rien et se cumule aux points noirs ; on conclura à un agréable navet.

Jean-Baptiste Doulcet

Le Rêve italien
Film italien de Michele Placido
Genre : Drame historique
Durée : 1h41 min
Avec : Riccardo Scamarcio, Jasmine Trinca, Luca Argentero…
Date de sortie cinéma : 10 Mars 2010

« Valhalla Rising », faux-film de vikings mais vrai film sur la drogue, est une expérience unique du cinéaste Nicolas Winding Refn. Loin des attentes, son film déjoue les codes de n’importe quel genre pour s’immiscer dans un mysticisme déroutant, voire incompréhensible. D’après les confessions du cinéaste, « Valhalla Rising » est l’un des effets de l’acide. A rien ne sert de se laisser tenter, ni dans la substance ni dans le film, qui justement n’en contient guère, voyage maléfique d’un ennui nuageux. La beauté naturelle des décors est enlaidie par le refus de profondeur de champ, associée à une étrange volonté de huis-clos montagneux alignant des gros plans de visage au mauvais grain dans les extrêmités du cadre. Cette épopée sans queue ni tête donne surtout l’impression que Winding Refn s’est amusé à transposer vingt fois les mêmes plans sur une heure et demie de bobine dans une ambiance crade et malsaine faisant l’apologie des corps maltraités, brutalisés dans une odeur de sang séché et de viande humaine. « Valhalla Rising » n’est même pas défendable sous le signe d’une expérimentation ; il n’y a là qu’une vacuité sans nom, dénuée d’interêt esthétique comme narratif, mélangeant sans règles le déroulement d’un os de récit. Les mouvements brinquebalants de la caméra « Pusher » semblent en totale opposition avec le style très ténébreux de la mythologie germano-scandinave. La carcasse est à ce point vide que l’alignement purement gratuit de la violence et de la transcendance corporelle est le seul élément défini de cette fumisterie intello indigne du réalisateur de « Bronson ». Aucune puissance, aucune tension viscérale, juste un puzzle abstrait de séquences âpres et faussement photographiques qui viennent contredire la promesse d’un film au-delà du cinéma.

Cette abomination d’une insupportable prétention et d’une longueur hypnotique reste une énigme artistique puisant son envoûtement d’une forme absolue de non-sens. Etripements à la main, démembrements à la chaîne, filtres rouges sur un fleuve renversé, brumes épaisses qui noie la caméra, dialogues dépouillés, symboles christiques lourdement appuyés, acteurs muets, musique électronique, montagnes imposantes, cadrage systématique dans les angles… Du « Soulèvement du Walhalla », si beau titre insaisissable, ne ressort qu’une ridicule tentative d’ars nova post-dogmatique emmêlé dans d’impalpables considérations métaphysiques de pacotille. Même le silence qui plombe le film sonne bruyamment faux.

Jean-Baptiste Doulcet

Le Guerrier silencieux, Valhalla Rising
Film de Nicolas Winding Refn
Avec Mads Mikkelsen, Maarten Steven, Jamie Sives, plus
Genre Aventure
Durée 1h30 min
Date de sortie cinéma 10 mars 2010

« Les chèvres du pentagone » semble pensé initialement dans son décor et sa direction plutôt que dans sa situation ; c’est en partant sans base, d’une simple idée humoristique, que se fait le sel de la comédie, toute son absurdité, non pas dans l’application des codes pour ensuite y ajouter dialogues et grimaces comme une sauce relevant la banalité du plat. L’ennui, c’est que la plupart du temps, même lorsqu’il pourrait fonctionner, l’humour tourne à vide dans une pauvre ringardise et des répliques dépassées. On sent que toute la mise est sur la décontraction et la dérision des acteurs (Clooney et Bridges sont, à ce jeu-là, plutôt divins), voire éventuellement sur le pitch initial, au fort potentiel comique. Mais la seule impression que laisse le film, en plus d’être boiteux dans son énergie et déjà vu cinquante fois, c’est qu’il semble tout droit sorti d’une mauvaise période eighties de la comédie américaine. En 1h30, le film prend 20 ans d’âge et perd toute liaison avec le monde actuel. Car pour une prétendue satire, il n’y a franchement rien d’audacieux et encore moins de courage, puisque finalement le léger piquant abandonne sa cible pour se rétracter sur une position héroïque d’une naïveté agaçante. Le choc des cultures entre deux peuples en guerre est complètement daté et la vision hippie de l’armée américaine un doux délire sans véritable interêt pamphlétaire ni comique.

Chèvres du pentagone ? Il n’y a aucun animal de la ferme dans cette fausse arme de destruction massive, production bon-enfant et angélique sur les méfaits de la guerre et la folie qu’entretiennent les leaders des troupes armées. A la rigueur quelques vigoureux étalons qui font du film un traité pacifiste. << On a plus que jamais besoin de guerriers Jedi >>, nous rappelle-t-on gentiment.

Jean-Baptiste Doulcet

Les Chèvres du Pentagone
Film américain réalisé par Grant Heslov
Avec George Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges…
Genre Comédie
Durée 1h30 min
Date de sortie cinéma 10 mars 2010

Musicalement pourtant, c’est plutôt du côté du rock revêche et doigt d’honneur-isant que la formation va chercher ses influences, qu’ils enrichissent parfois d’une once de soul. A part une certaine volonté à lisser le son à la limite de la saturation, très en retrait dans un mix bruititste façon Sex Pistols. Le précédent Chatauqua voyait la formation tâter du psychédélisme et titiller des groupes comme Comets on fire ou même les Guns and Roses par exemple. Entre solaire acidifié et descente morbide toujours en mode distortion « overdrive ».

Pour Everyone, la couleur est assez évidemment punk. Simple et sans ambages. Un punk moins anglais que californien, d’où plus ensoleillé et surf que crachant par terre sous l’averse. L’ensemble est envoyé, emballé et pesé. Les mélodies manquent encore un peu d’immédiateté, mais foncent néanmoins en classe terminale de l’école de la pop music. Ce n’est pas instantané, mais déjà ça procure de la sympathie. Mais est-ce encore suffisant dans le déluge musical que chaque jour le monde moderne catapulte à nos oreilles ?

Everyone est un bon disque, même s’il n’est pas révolutionnaire. Avec son mélange de racines californienne, et de punk pop, il trace sa voie quelque part entre le garage des White Stripes et le punk juvénile, britannique, des Supergrass avant que ces derniers ne se mettent à tâter de l’absolu psychédélique. Pour peu, on se croirait dans le In it for the money de ces derniers, joués par Jack White et chantés par Gaz Combes tandis que Meg tabasserait les fûts à l’arrière plan, comme d’habitude. C’est une comparaison un peu réductrice, mais qui plaira aux amateurs des deux groupes utilisés pour l’exemple.

Les autres, quant à eux, risquent de se foutre de Willowz aurant que de leur dernières chaussettes.

Denis Verloes

Tracklist
01. Break your back
02. Destruction
03. Repetition
04. I know
05. Jimmy James
06. Way it seems
07. Twenty five
08. You do
09. No heroes
10. Everyone

Label : Green united music / Pias
Date de sortie: 24 mars

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La vidéo de Repetition via Vimeo

Willowz – Repitition – Live in New York from Dim Mak on Vimeo.

Mais « Chloe » s’avère plus être un empreint qu’un plagiat, car Egoyan garde tout de même en lui une direction qui lui appartient, tout en modifiant le film d’Anne Fontaine dont il est inspiré, « Nathalie… ». Si sa nouvelle œuvre est si plaisante, c’est aussi parce qu’il évacue cette fois toute la fumisterie intellectuelle que l’on pouvait lui reprocher habituellement dans son style si singulier ; cette ballade hollywoodienne apporte ainsi une importante intimité avec le public, plus facilement conquis qu’avec ses œuvres expérimentales dont on ne saisit souvent que la moitié des choses. A priori, le film se pose plus comme un hommage direct au « Mulholland Drive » de Lynch qu’à un véritable remake de « Nathalie… » (dont il est à la limite une variation libre), car le parti pris de la relation que le cinéaste arménien fait dans le scénario étire l’ambiguité jusqu’à soulever le vernis pour mettre en route le drame psychologique et physique qui s’installe (comme dans sa citation lynchienne). La réflexion sur la subjectivité du désir est aussi un thème finement abordé dans le film, jusqu’à la perversion familiale qui fait éclater la cellule en morceaux (rapport quasi-oedipien dans un final glaçant).

Classique, le film d’Egoyan ne l’est qu’en apparence ; sous son image propre et volontairement séduisante dans sa froideur, sous ses dérèglements cliniques, se cache un film pervers tapi dans l’ombre des maîtres du cinéma multiple (Lynch en première référence, Hitchcock en seconde), dont la mise en abîme purement visuelle contient l’essence même du film et les trappes qu’il masque sournoisement. Bien plus qu’à son air pâle, « Chloe » est une brillante réflexion érotique et charnelle sur le corps des femmes et sur la possession du désir jusqu’à la paranoïa. Porté par un fabuleux duo d’actrices (Amanda Seyfried se révèle magistrale et Julianne Moore comme d’habitude impeccable), l’œuvre à priori impersonnelle du cinéaste se retrouve être formellement la plus aboutie tant elle contient en son souffle étrange l’érotisme aliénant des corps prisonniers des espaces et des symboles. La virtuosité du film est bien là, dans sa façon de mêler à la chaleur de la chair une surprenante glaciation esthétique en rapport aux matériaux et aux lumières qui entourent les personnages. Dans la manière dont s’opposent le concret et le trompe-l’œil, la texture de la chair avec celle, plus virtuelle, de l’architecture high-tech, créant ainsi un véritable empire des sens. Jusqu’à ce que se réchauffent et brûlent les corps enlacés dans le velours intact du désir. Contraste continu entre les différentes sources de chaleur et donc le dialogue entre le plaisir et la peur (dont le sexe ne peut être qu’une double prolongation), « Chloe » nous perd dans sa douce obscénité, semblant voyager déjà depuis quelques mythologies lointaines.

Jean-Baptiste Doulcet

Chloe
Long-métrage américain. Réalisé par Atom Egoyan
Avec Julianne Moore, Liam Neeson, Amanda Seyfried, plus
Genre Drame
Durée 1h39 min

Date de sortie cinéma 10 mars 2010

Bien sûr, « Precious » est un film bouleversant. Ou plutôt le personnage. Car l’adaptation du roman ne fait que mettre en image plan par plan le malheur de cette ado qui a refusé d’abandonner l’idée du bonheur (exceptionnelle interprétation de la jeune Gabourey Sidibe). Bêtement, Lee Daniels s’évertue à coller aux basques de Precious et de la filmer dans son quotidien cru, ponctué de quelques séquences oniriques pour se vendre comme un réalisateur créatif. Au programme, viol incestueux sur fond de légumes frits, insultes maternelles, vomi en plan rapproché, bébé qui tombe d’un escalier, enfant mongolien, Mariah Carey démaquillée, mal-bouffe, aide sociale par une lesbienne, humiliation routinière, sida. Gratiné, le récit l’est, et la réalisation encore plus, justement parce qu’elle se dédouane de tout point de vue : soit les séquences sont cruelles et déchaînées dans une violence inutile, montrant la simple existence de la souffrance et le dégoût qu’elle provoque, soit elles se transforment quelquefois en revue de mode et shoot de photos décalées – les décors se transforment, la condition du personnage avec – . L’alternance entre le réel et le rêve n’étant pas une véritable nouveauté dans le monde du cinéma, on peut encore se demander pourquoi le cinéaste ne tranche pas entre les deux, ce qui lui aurait au moins évité d’être artistiquement dans la neutralité. Dans tous les cas, ses démarches sont insupportables, provoquant incessamment de grotesques hauts-le-coeur dans le voyeurisme et l’impudeur de la caméra ou bien dans de dégoulinantes images kitsch. « Precious » se voudrait tabou, humaniste, il n’est que grossièrement spectaculaire. A quoi bon ce déferlement de violence physique et morale à l’image? C’est la vulgarité totale du mélodrame que de rendre le spectateur plus victime que ne l’est le protagoniste. Surtout lorsque le mélodrame en question est placé sous le signe social et humanitaire, se retrouve être produit par Oprah Winfrey (et donc le clin-d’oeil qui va avec lors d’un dialogue).

Hollywood n’a décidément pas fini de nous manipuler avec ses faux bons sentiments ; « Precious » semble en être le dramatique point de chute, celui d’un nouveau départ vers le graveleux. Tirons l’alarme à ceux qui nous tirent les larmes !

Jean-Baptiste Doulcet

Precious
Film américain Réalisé par Lee Daniels
Genre : Drame
Durée : 1h49 min
Avec Gabourey Sidibe, Mo’Nique, Paula Patton….
Date de sortie cinéma : 3 mars 2010