BIOGRAFIAS

Pixinguinha (1897 - 1973)

2012-09-03T11:37:00.000-07:00

Alfredo da Rocha Viana Filho, conhecido como Pixinguinha foi um flautista, saxofonista, compositor e arranjador brasileiro.

Pixinguinha é considerado um dos maiores compositores da música popular brasileira, contribuiu diretamente para que o choro encontrasse uma forma musical definitiva.

Era filho do músico Alfredo da Rocha Viana, funcionário dos correios, flautista e que possuía uma grande coleção de partituras de choros antigos.Pixinguinha aprendeu música em casa, fazendo parte de uma família com vários irmãos músicos, entre eles o China (Otávio Viana). Foi ele quem obteve o primeiro emprego para o garoto, que começou a atuar em 1912 em cabarés da Lapa e depois substituiu o flautista titular na orquestra da sala de projeção do Cine Rio Branco. Nos anos seguintes continuou atuando em salas de cinema, ranchos carnavalescos, casas noturnas e no teatro de revista.

Pixinguinha integrou o famoso grupo Caxangá, com Donga e João Pernambuco. A partir deste grupo, foi formado o conjunto Oito batutas, muito ativo a partir de 1919. Na década de 1930 foi contratado como arranjador pela gravadora RCA Victor, criando arranjos celebrizados na voz de cantores como Francisco Alves ou Mário Reis. No fim da década foi substituído na função por Radamés Gnattali. Na década de 1940 passou a integrar o regional de Benedito Lacerda, passando a tocar o saxofone tenor. Algumas de suas principais obras foram registradas em parceria com o líder do conjunto, mas hoje se sabe que Benedito Lacerda não era o compositor, mas pagava pelas parcerias. Quando compôs "Carinhoso", entre 1916 e 1917 e "Lamentos" em 1928, que são considerados alguns dos choros mais famosos, Pixinguinha foi criticado e essas composições foram consideradas como tendo uma inaceitável influência do jazz, enquanto hoje em dia podem ser vistas como avançadas demais para a época. Além disso, "Carinhoso" na época não foi considerado choro, e sim uma polca.[carece de fontes] Outras composições, entre centenas, são "Rosa", "Vou vivendo", "Lamentos", "1 x 0", "Naquele tempo" e "Sofres porque Queres".

No dia 23 de abril comemora-se o Dia Nacional do Choro, trata-se de uma homenagem ao nascimento de Pixinguinha. A data foi criada oficialmente em 4 de setembro de 2000, quando foi sancionada lei originada por iniciativa do bandolinista Hamilton de Holanda e seus alunos da Escola de Choro Raphael Rabello.

Pixinguinha faleceu na igreja de Nossa Senhora da Paz, em Ipanema, quando seria padrinho de um batizado. Foi enterrado no Cemitério de Inhaúma.

http://www.pixinguinha.com.br

Hermeto Pascoal (1936)

2012-09-02T16:02:00.002-07:00

Hermeto Pascoal é um compositor arranjador e multi-instrumentista brasileiro (toca acordeão, flauta, piano, saxofone, trompete, bombardino, escaleta, violão e diversos outros instrumentos musicais).

Os sons da natureza o fascinaram desde pequeno. A partir de um cano de mamona de jerimum (abóbora), fazia um pífano e ficava tocando para os passarinhos. Ao ir para a lagoa, passava horas tocando com a água. O que sobrava de material do seu avô ferreiro, ele pendurava num varal e ficava tirando sons. Até o acordeão de 8 baixos de seu pai, de sete para oito anos, ele resolveu experimentar e não parou mais. Dessa forma, passou a tocar com seu irmão mais velho José Neto, em forrós e festas de casamento, revezando-se com ele no acordeão e no pandeiro.

Mudou-se para o Recife em 1950, e foi para a Rádio Tamandaré. De lá, logo foi convidado, com a ajuda de Sivuca (acordeonista conhecido), para integrar a Rádio Jornal do Commercio, onde José Neto já estava. Formaram o trio O Mundo Pegando Fogo e, segundo Hermeto, ele e seu irmão estavam apenas começando a tocar acordeão, ou seja, eles só tocavam o acordeão de 8 baixos até então.

Porém, por não querer tocar pandeiro e sim acordeão, foi mandado para a Rádio Difusora de Caruaru, como refugo, pelo diretor da Rádio Jornal do Commercio, o qual disse-lhe que "não dava para a música". Ficou nessa rádio em torno de três anos. Quando Sivuca passou por lá, fez muitos elogios sobre o Hermeto ao diretor dessa rádio, o Luís Torres, e Hermeto, por conta disso, logo voltou para a Rádio Jornal do Commercio, em Pernambuco, ganhando o que havia pedido, a convite da mesma pessoa que o tinha mandado embora. Ali, em 1954, casou-se com Ilza da Silva, com quem viveu 46 anos e teve seis filhos: Jorge, Fabio, Flávia, Fátima, Fabiula e Flávio. Foi nessa época também que descobriu o piano, a partir de um convite do guitarrista Heraldo do Monte, para tocar na Boate Delfim Verde. Dali, foi para João Pessoa, onde ficou quase um ano tocando na Orquestra Tabajara, do maestro Gomes.

Em 1958, mudou-se para o Rio de Janeiro para tocar acordeão no Regional de Pernambuco do Pandeiro (na Rádio Mauá) e, em seguida, piano no conjunto e na boate do violinista Fafá Lemos e, em seguida, no conjunto do Maestro Copinha (flautista e saxofonista), no Hotel Excelsior.

Atraído pelo mercado de trabalho, transferiu-se para São Paulo em 1961. Depois de um tempo, formou, juntamente com Papudinho no trompete, Edilson na bateria e Azeitona no baixo, o grupo Som Quatro . Foi aí que começou a tocar flauta. Com esse grupo gravou um LP. Em seguida, integrou o Sambrasa Trio, com Cleiber no baixo e Airto Moreira na bateria. No disco do Sambrasa Trio, Hermeto já registrou sua canção Coalhada.

Com o florescimento dos programas musicais de TV, criaram o Quarteto Novo, em 1966, sendo Hermeto no piano e flauta, Heraldo do Monte na viola e guitarra, Théo de Barros no baixo e violão e Airto Moreira na bateria e percussão. O grupo inovou com sua sonoridade refinada e riqueza harmônica, participando dos melhores festivais de música e programas da TV Record, representando o melhor da música brasileira. Nessa época, venceram um dos festivais com Ponteio, de Edu Lobo. Além disso, Hermeto ganhou várias vezes como arranjador. No ano seguinte gravou o LP Quarteto Novo, pela Odeon, onde registrou suas composições O Ovo e Canto Geral.

Em 1969, a convite de Flora Purim e Airto Moreira, viajou para os Estados Unidos e gravou com eles dois LP, atuando como compositor, arranjador e instrumentista. Nessa época, conheceu Miles Davis e gravou com ele duas músicas suas: Nem Um Talvez e Igrejinha.

Com o nome já reconhecido pelo talento, pela qualidade e por sua criatividade, tornou-se, juntamente com seu grupo, a atração de diversos eventos importantes, como o I Festival Internacional de Jazz, em 1978, em São Paulo, contando com a participação de Chick Corea , John McLaughlin e Stan Getz, que fizeram questão de dar uma "canja" com o grupo.

No ano seguinte, participou do '''Festival de Montreux''', na Suíça,onde seu trabalho com o grupo foi ovacionado, resultando num álbum duplo Hermeto Pascoal Montreux ao vivo, com participação do musico Nivaldo Ornellas. Seguiu para Japão, onde se apresentou com o grupo no festival Live Under the Sky, com a participação de Sadao Watanabe. Em 1979 Hermeto e grupo participam de uma tournê pela Argentina ( teatro Nacional e estádio "Obras sanitárias") e sul do Brasil, juntamente com Dizzy Gillespie. Tocou em vários festivais no Brasil , como no festival de verão do Guarujá no inicio de 1980.

Em março desse mesmo ano, os músicos Cacau de Queiroz e Nenê deixam o grupo e Hermeto renova sua formação;entram Marcio Bahia e Carlos Malta. Lançou o Cérebro Magnético em 1981 e multiplica suas apresentações pela Europa.

Em 1982, lançou, pela gravadora Som da Gente, o LP Hermeto Pascoal & Grupo. Em 1984, pelo mesmo selo, gravou o Lagoa da Canoa, em que registrou pela primeira vez Som da Aura com os locutores esportivos Osmar Santos e José Carlos Araújo. Esse disco também foi em homenagem à sua localidade natal, que se elevou, então, à categoria de município e conferiu-lhe o título de "cidadão honorário". Em 1986, o Brasil Universo, também com seu grupo.

Compôs ainda a Sinfonia em Quadrinhos, apresentando-se com a Orquestra Jovem de São Paulo. Em seguida, foi para Copenhague, nde lançou a Suíte Pixitotinha, que foi executada pela orquestra sinfônica local, em concerto transmitido via rádio para todo o Rio de Janeiro.

Em 1987, lançou mais um LP, Só Não Toca Quem Não Quer, em que homenageia jornalistas e radialistas como reconhecimento pelo seu apoio ao longo da carreira. Em 1989, fez seu primeiro disco de piano solo, o LP duplo Por Diferentes Caminhos.

Em 1992, já pela Philips, gravou com seu grupo o Festa dos Deuses. Depois do lançamento, viajou à Europa para uma série de concertos na Alemanha, na Suíça, na Dinamarca, na Inglaterra e em Portugal.

Em março de 1995, apresentou uma sinfonia no Parque Lúdico do Sesc Itaquera, em São Paulo, utilizando os gigantescos instrumentos musicais do parque. No mesmo ano foi a convite da Unicef para Rosário (Argentina), onde se apresentou para duas mil crianças, sendo que seu grupo entrou para tocar dentro da piscina montada no palco a pedido dele.

Em 1999 lançou o CD Eu e Eles, primeiro disco do selo Mec, no Rio de Janeiro. Neste CD produzido por seu filho Fábio Pascoal, Hermeto toca todos os instrumentos. Em 2003 lançou, com seu grupo, o CD Mundo Verde Esperança, também produzido por Fábio.

Em outubro de 2002, durante uma oficina em Londrina, conheceu a cantora Aline Morena e a convidou para se apresentar no dia seguinte com o seu grupo em Maringá. Em seguida ela o acompanhou ao Rio de Janeiro e, no fim de 2003, Hermeto passou a residir com ela em Curitiba. Assim, passou a dar-lhe noções de viola caipira, piano e percussão e, em março de 2004 estreou no Sesc Vila Mariana a sua mais nova formação: o duo Chimarrão com Rapadura (gaúcha com alagoano), formado por Hermeto e Aline Morena.

Em abril de 2004, embarcou para Londres para o terceiro concerto com a big band local. Em seguida, realizou mais alguns espetáculos solo em Tóquio e Quioto.

Em 2005 gravou o CD e o DVD Chimarrão com Rapadura com Aline Morena, além de realizar duas grandes turnês com seu grupo por toda a Europa. O CD e o DVD de Hermeto Pascoal e Aline Morena foram lançados de maneira totalmente independente em 2006.

Atualmente, Hermeto Pascoal apresenta-se com cinco formações: Hermeto Pascoal e Grupo, Hermeto Pascoal e Aline Morena, Hermeto Pascoal Solo, Hermeto Pascoal e Big Band e Hermeto Pascoal e Orquestra Sinfônica.

Lançou em 2010 o CD Bodas de Latão, em duo com Aline Morena, comemorando sete anos de união na vida e na música. Esse CD contém duas faixas multimídia.

http://www.hermetopascoal.com.br

Grupo Cultural de Percussão Popular Brasileira BATUKENJÉ (2006)

2012-08-19T16:55:00.001-07:00

O Grupo Cultural Batukenjé foi criado em 2006 na Finlândia, pelo músico e agente cultural Célio Zidório, a convite para ministrar workshop pelo país, com a proposta de ensinar percussão de ritmos brasileiros, de proporcionar uma boa vivência e experiência na prática com os instrumentos diversos utilizados nas atividades, bem como contribuir para a formação de cidadãos melhores através da música. Célio Zidório, conhecido no meio musical como Mestre Célin Du Batuk, também estimula em suas atividades, a prática do canto e dança, contextualizando muito bem elementos marcantes da cultura brasileira, contribuindo para sua divulgação e fortalecimento no Brasil e no exterior.

Em 2006 o projeto Batukenjé reuniu inicialmente 80 finlândeses em Helsinki, a capital do país, atraídos pelos ritmos afro-brasileiros que em maior parte são trabalhados no workshop. Em Brasília, no mesmo ano, o Batukenjé iniciou seus trabalhos no campus da Universidade de Brasília, oferecendo ensaios abertos semanais a comunidade. Nesse mesmo ano, o grupo realiza shows em vários eventos em Brasília, tendo iniciado suas apresentações na própria Universidade de Brasília, no espaço do Núcleo de Dança, em eventos culturais como o Mexido na UnB e o Pós-happening, atividades essas ligadas ao Instituto de Artes e Departamento de Artes Visuais da UnB.

Desde 2007, os ensaios semanais do grupo ocorrem aos domingos no Parque da Cidade, uma área pública de 4,2 milhões de m2, sendo um dos principais centros de lazer ao ar livre da cidade, concentrando quadras de esportes, lagos artificiais, parque de diversões, centro hípico e pistas de caminhada, patinação e ciclismo. O parque surpreende pois é o maior parque urbano do mundo, superando até mesmo o Central Park em Nova Iorque. Pelo parque circulam nos finais de semana milhares de pessoas, sendo um ótimo campo de visibilidade e divulgação de marca para apoiadores do projeto. O Grupo também realiza toda a última sexta- feira de cada mês, oficinas abertas a comunidade no calçadão da asa norte, área pública à beira do Lago Paranoá. Nos ensaios abertos há o caráter inclusivo com a participação de portadores de necessidades especiais, e conta também com dezenas de integrantes entre crianças, jovens, adultos e pessoas da melhor idade. O grupo também atua em projetos sociais e pretende atender até o final de 2013 mais de 800 crianças que vivem em situação de vulnerabilidade social em comunidades como a Estrutural, Vila Telebrasília e Brazlândia.

Tendo como missão contribuir socialmente para que milhares de crianças e jovens, possam ter uma melhor qualidade de vida e educação através da música, o grupo tem como objetivos preservar, valorizar e fortalecer a cultura brasileira, utilizando a música como ferramenta para resgatar os valores e a diversidade que compõem nossa cultura e identidade nacional. A música percussiva afro-brasileira ocupa nos dias de hoje um lugar de destaque na cultura brasileira, sendo um dos principais símbolos culturais do país. A música percussiva em questão se estabelece como um fenômeno cultural que atravessa diferentes meios sociais, políticos e estéticos.

A cultura afro-brasileira faz parte da nossa identidade nacional e o grupo batukenjé explora a arte, os ritmos, toques, canto, dança, cores e magia dessa cultura tão essencial a formação do Brasil. Desse modo o grupo também colabora com a negativa ao racismo na sociedade. O próprio nome do grupo, Batukengé”, ou, “Batukenjé” é uma expressão resultante de várias línguas e falares africanos , de base assentada no ‘falar’ kikongo-ritual, antigo, e das linguagens dos povos chamados de bantos, pelos pesquisadores eurocentristas do século 19 e começo do Século 20. Decorre de um ‘falar’ múltiplo,ambundo, kimbundo e outros dessa enorme massa in- ter-étnica praticada há longos séculos e ainda presente nos povos que os substituem ou, os acrescem. Quer dizer, de forma mais ampla e em nada específica, ‘tocar um som para Deus’, ou ainda,‘tocar um som misturado, rico, forte, alegre, para Deus’.

O Grupo Cultural Batukenjé tem em sua formação músicos, agentes culturais, professores de ensino e outras áreas, crianças, jovens e pessoas da melhor idade, que se tornaram multiplicadores do trabalho e tem capacidade de colaborar com o processo de ensino-aprendizagem de crianças e jovens em ações do grupo.

Com a liderança de Célio Zidório, e contando com sua própria experiência de vida como aliada, o grupo acredita na educação e formação do caráter de crianças e jovens, através da música, aliada à atividades culturais e de lazer, atuando em áreas públicas no plano piloto e em comunidades carentes no entorno do DF, atuando também em atividades no exterior a convite dos países interessados.

www.batukenje.com.br

Mestre Celin Du Batuk (1970)

2012-08-17T18:09:00.000-07:00

"Minha boca são minhas mãos

Minha voz é o som dos meus tambores"

Mestre Celin du Batuk

Nascido em 11 de agosto de 1970 na cidade de Cataguases, Minas Gerais, Mestre Celin foi desde cedo influenciado pelas Escolas de Samba locais e passava o dia batucando nas paredes, portas, mesas, garrafas etc. Em 1978, veio para Brasília, local onde sua família se estabeleceu.

A PERCUSSÃO

Celin passou a treinar capoeira em 1985, com Mestre Pesado, no SESC da 504 sul em Brasília. Com a capoeira conheceu o berimbau, atabaque e diversos instrumentos de percussão, passando desde então a estudar e se aprimorar na arte do Batuk.

A música percussiva esteve sempre presente.

Também em meados dos anos 80 passou a frequentar terreiros de umbanda com sua mãe, exercendo o papel de Ogân.

Em 1990, conheceu seu primeiro Mestre de Percussão, o Mestre Mário Bróther criador do Grupo do Levada Axé. Celin foi integrante do grupo de 1990 a 1994, quando a banda acabou por causa do falecimento do Mestre Mário Brother.

Em 1991, Mestre Celin conheceu seu segunda mestre de percussão, Mestre Adelmo da Bahia. Mestre Adelmo, nascido na cidade de Candeal, em Salvador-Bahia, com o qual aprendeu durante mais de 8 anos, de 1991 à 1999. Foi por meio de Mestre Adelmo que Mestre Celin conheceu e aprendeu a tocar seu instrumento preferido: o Timbau.

No início dos anos 90, conheceu o notório historiador J. Bamberg, Salvador-BA, mais conhecido como Mestre Angoleiro, com o qual criou uma amizade muito próxima.

Em 2001 fundou a escola de capoeira Arte Brasília Capoeira na quadra comercial da 505 norte, local onde o grupo permaneceu até 2005. Os treino foram então para o núcleo de dança da Universidade de Brasília, a Unb.

Em 2007, Mestre Angoleiro, que foi aluno de Mestre Bimba e Mestre Pastinha da Bahia, presentiou Mestre Celin com o novo nome de seu grupo de percussão: Batukenjé. Seu nome artístico desde então passou a ser Celin Du Batuk.

BATUKENJÉ vem da língua Yorubá significa tocar um som alegre, tocar para o divino, levar alegria às pessoas.

Um junho de 2006 Mestre Celin promoveu durante 3 meses workshops de percussão popular brasileira nas cidades de Helsinki e Tampere, na Finlândia.

Ofereceu ainda Workshop para Escola de Samba Força Natural da cidade de Helsinki.

Na sua volta ao Brasil, Mestre Celin cria oficialmente o Grupo Cultural de Percussão Popular Batukenjé em 12 de outubro de 2006, Dia da Criança.

Nos anos de 2007, 2008, 2011, 2012 retornou à Finlândia passando também por países vizinhos Suécia, Estônia, Portugal sempre realizando workshops e divulgando a cultura popular brasileira pela Europa.

CARNAVAL DE BRASÍLIA

Carnaval corre nas veias do Mestre Celin Du Batuk, que está envolvido no Canaval da cidade desde meados dos anos 90.

À frente do Grupo Cultural BATUKENJÉ promove os Ensaios de Carnaval do BATUKENJÉ ocorrem desde 2006 no Parque da Cidade e reunem diversos artistas brasilienses e de outros estados, promovendo gratuitamente a cultura popular brasileira e a inclusão social.

Seguido dos Ensaios de Carnaval, o Bloco de Carnaval do BATUKENJÉ toca 3 dos 4 dias de carnaval nos blocos de carnaval mais populares e tradicionais da cidade.

No Carnaval de 2011, o Mestre Celin Du BATUK foi objeto de um documentário sobre o Carnaval de Brasília, entitulado: BATUK AFROBRASILIENSE. Para realizar o documentário, o jornalista Giordano Bazzo, acompanhou o Mestre Celin e o Grupo de Percussão BATUKENJÉ, durante 4 dias, nos blocos de Carnaval mais tadicionais da cidade, o GALINHO e o PACOTÃO.

O trabalho conta a história do carnaval desde seus primórdios, sob a perspectiva da Banda Show do BATUKENJÉ.

Três meses depois do lançamento, o documentário foi selecionado para a mostra principal da 2ª Mostra SESC de Cinema e Vídeo Brasiliense.

TRABALHOS SOCIAIS

Quando criança, Celinho acompanhava a mãe, Sueli Vecchi, em um trabalho social que realizava em Brasília, na Instituição Casa de Ismael.

Com essa referência, Mestre Celin du Batuk realizou inúmeros trabalhos sociais aliados a percussão e capoeira desde os anos 90 até os dias atuais.

Hoje, o Grupo Cultural de Percussão Popular Brasileira BATUKENJÉ, dirigido por Mestre Celin, Coordena o Projeto Kombo Arte Afro, na Vila Telebrasília e Vila Estrutural apoiado pelo Fundo de Apoio à Cultura - FAC e Governo do Distrito Federal.

AMIGOS

Mestre Veinho

2012-05-31T10:26:00.002-07:00

Nasceu em 21/09/1972 na cidade de Taguatinga - Brasília - DF, iniciou na capoeira no ano de 1980, aos 8 anos de idade. Atualmente com 39 anos de idade, sendo que 31 dedicados a arte da capoeira, mestre veinho é reconhecido nessa arte em todo Brasil, por já ter participado e organizado diversos evento em Brasília e outros estados, como também difundido os ensinamentos essenciais dessa arte afro-brasileira que faz parte da história cultural e da identidade nacional, bem como é um patrimônio histórico - artístico - cultural brasileiro. Emerson Ferreira do Nascimento foi formado a mestre de capoeira no ano de 2002, depois de um longo e difícil caminho, no qual trilhou sempre focado na não-violência e sim na arte e saúde corporal e mental, fundou o Grupo Araúna Brasil Capoeira.

Atualmente o Grupo desenvolve um trabalho de resgate das tradições e valores da capoeira regional pautado nos princípios de Manoel do Reis Machado, o Mestre Bimba, criador da capoeira regional baiana. Além dos princípios da capoeira regional, o grupo Araúna Brasil também busca o desenvolvimento e resgate de outras manifestações culturais como a dança do maculelê, o samba de roda e a puxada de rede.

Martinha do Coco

2012-05-31T10:13:00.001-07:00

A cantora de Coco, e líder do Grupo que tem seu nome, Martinha do Coco, passou a infância em Recife, e desde cedo conviveu com importantes nomes da Cultura Pernambucana, como D. Selma do Coco e D. Lia de Itamaracá. Chegou em Brasília com sua mãe, e da mesma forma que a famosa Cirandeira de Itamaracá, teve empregos braçais e simples, convivendo com o povo, e no meio deste criando a particularidade candanga de sua arte. Hoje, se configura como um dos mais importantes nomes da música da capital do Brasil. Salve Martinha do Coco. Como ela mesma canta: "Este Coco é do Cerrado feito Jk, ai ai, ai ai..."

http://martinhadococo.blogspot.com.br

Ilê Aiyê

2012-04-19T13:58:00.001-07:00

O Ilê Aiyê, ou simplesmente Ilê, é o mais antigo bloco afro do carnaval da cidade de Salvador, no estado da Bahia, Brasil. Criado em 1 de novembro de 1974, o Ilê foi o primeiro bloco afro do Brasil e hoje constitui um grupo cultural de luta pela valorização e inclusão da população afro-descendente, inspirando a criação de muitos outros grupos culturais no Brasil e no mundo. Na sua primeira apresentação, no carnaval de 1975, o Ilê Aiyê apresentou a música "Que Bloco é Esse", de Paulinho Camafeu:

"Que Bloco é esse

Eu quero saber

É o mundo negro

Que viemos cantar para você"

O surgimento do grupo foi entre reprovações e ameaças. O Jornal A Tarde, de 12 de fevereiro de 1975, tinha como manchete: "Bloco Racista, Nota Destoante". Hoje em dia, o Ilê Aiyê é hoje um patrimônio da cultura baiana, um marco no processo de reafricanização do Carnaval da Bahia.

O objetivo da entidade é preservar, valorizar e expandir a cultura afro-brasileira. Para isso, desde que foi fundado, vem homenageando os países, nações e culturas africanos e as revoltas negras brasileiras que contribuíram fortemente para o processo de fortalecimento da identidade étnica e da autoestima do negro brasileiro, tornando populares os temas da história africana vinculando-os com a história do negro no Brasil, construindo um mesmo passado, uma linha histórica da negritude.

O seu movimento rítmico musical, inventado na década de 1970, foi responsável por uma revolução no carnaval baiano. A partir desse movimento, a musicalidade do carnaval da Bahia ganha força com os ritmos oriundos da tradição africana favorecendo o reconhecimento de uma identidade peculiar baiana, marcadamente negra. O espetáculo rítmico-musical e plástico que o bloco exibe no carnaval emociona baianos e turistas e arranca aplausos da população. A riqueza plástica e sonora do Ilê Aiyê retoma todas as formas expressadas na evolução dos movimentos de renascimento negro-africano, negro-americano ou afro-americano, as decodifica para o contexto específico da realidade baiana, sem perder de vista a relação de identificação entre todos "os negros que se querem negros" em qualquer parte do mundo, ressaltando sempre o caráter comum da origem ancestral, de um passado comum que os irmana. Com 3 mil associados, o Ilê Aiyê é, hoje, um patrimônio da cultura baiana, um marco no processo de reafricanização do carnaval da Bahia.

Olodum

2012-04-13T11:39:00.000-07:00

O Olodum é um bloco-afro do carnaval da cidade do Salvador na Bahia. Foi fundado em 25 de abril de 1979 durante o período carnavalesco como opção de lazer aos moradores do Maciel-Pelourinho, garantindo-lhes assim, o direito de brincarem o carnaval em um bloco e de forma organizada. É uma Organização não Governamental (ONG) do movimento negro brasileiro. Depois da estréia no carnaval de 1980, a banda conquistou quase dois mil associados e passou a abordar temas históricos relativos às culturas africana e brasileira.

O primeiro LP da banda foi chamado de "Egito, Madagascar" e foi gravado em 1987, ele estourou na Bahia com a música "Faraó", a idéia desse LP foi homenagear as raízes do grupo e mostrar ao Brasil a Mamma Africa, e também mostar a todos como surgiu o grupo (do batuque as influências dos Deuses africanos) Pouco depois, o Olodum passou a ser conhecido internacionalmente como grupo de percussão afro-brasileira e excursionou por muitos países da Europa, o Japão e e quase toda América do Sul. Um dos momentos de maior exposição do grupo foi em 1990, quando o mesmo participou da faixa "The Obvious Child", do disco de Paul Simon, "The Rhythm of the Saints", cujo videoclipe foi gravado no Pelourinho e exibido em mais de cem países. Depois desse fato o Olodum passou a gravar com outros músicos consagrados internacionalmente e nacionalmente, como Wayne Shorter, Michael Jackson, Jimmy Cliff, Herbie Hancock e Caetano Veloso, divulgando ao mundo sua mistura de ritmos que inclui batuques africanos, reggae, samba e ritmos latinos. Paralelamente ao sucesso artístico, a banda Olodum participa de movimentos sociais contra o racismo e pelos direitos civis e humanos.

Liz Karla

2012-03-30T04:54:00.000-07:00

Liz Karla, cantora e compositora. Natural de Brasília, tem na música uma referência que influenciou diretamente as escolhas de sua vida. Desde pequena, levada por sua mãe à igreja, esteve sempre em contato e recebeu muita influência da música gospel. Aos 10 anos, tocava viola na orquestra da igreja, cujo regente e padrinho, Maestro Áureo Marcondes, costumava colocá-la para participar. Ainda na igreja, Liz largou a viola e decidiu se envolver com sua principal paixão: Cantar. Começou cantando no coral da igreja, participando de pequenas apresentações, até dar seu próximo passo e começar a cantar solo em eventos realizados pela igreja. Aos 15 anos, já bastante envolvida com a Música Gospel de Brasília, participou de algumas gravações de CD’s com as cantoras Sanny e Robenita.

Aos 18, viu a necessidade de expandir seus conhecimentos sobre música e resolveu “beber da fonte” da Música Popular Brasileira e do Jazz. Realizou cursos pontuais na Escola de Música de Brasília (EMB). Cada vez mais apaixonada pela arte de cantar, procurou estudar o canto e a história da Música Brasileira na EMB. No ano de 2006, ficou com o 1º lugar como melhor intérprete e melhor composição do Festival de música da escola Nossa Senhora de Fátima (FESTFRAN), evento este que visava introduzir jovens músicos no meio musical de Brasília.

Em 2009 começou a cantar profissionalmente nas noites de Brasília. Com o foco voltado para a Bossa Nova, Liz se apresentou durante todo o ano no Churchill Lounge Bar, desenvolvendo o show “Liz Karla e trio”, acompanhada pelo pianista JP Motta, baixista Everton Martins e baterista André Lima. Seu envolvimento com a música foi recompensado em Setembro do mesmo ano, quando sua música “Moreno” foi selecionada para participar do festival Prêmio Sesc de Música Tom Jobim.

Seu amadurecimento musical se deu no início de 2010, quando passou a fazer parte da Banda Casa Grande. Neste ano, fizeram diversos shows em Brasília e Liz dedicou-se a cantar MPB e a dar “nova roupagem” a algumas músicas da Bossa Nova. Sua busca por novas roupagens a aproximou do Samba, estilo esse que fez Liz Karla redescobrir-se musicalmente e abrir um trabalho paralelo, culminando com o show “Liz Karla – Homenagem ao Samba”, realizado em Outubro no Restaurante Feitiço Mineiro.

Em 2011, decidiu seguir carreira solo e mergulhar no mundo e na arte do samba com seus companheiros sambistas Leo Benon(cavaquinho), Amilcar(violão sete cordas), Augustinho(pandero) e Rogério Mendes(surdo e percussão em geral).

No dia 11/10/2011 se apresentou no Clube do Choro de Brasília, Liz Karla, acompanhanda dos músicos Augustinho (percussão), Dinho Braga (percussão), Juninho (percussão), Leo Benon (cavaquinho), Amilcar (violão 7 cordas), Márcio Bezerra (sopros) e a participação especial de Marquinhos Benon.

Liz Karla segue em busca de mais aprendizado e tenta mostrar como sua paixão pela música e por cantar, influenciam diretamente as escolhas que faz em sua vida: “Adoro sentir a música. Ela dá os compassos do meu caminhar.”

Patubatê

2012-03-29T12:16:00.000-07:00

O BATUQUE SUSTENTÁVEL DO GRUPO PATUBATÊ surgiu em Brasília-DF, em 1999, com influência dos trabalhos dos norte-americanos Stomp e Blue Man Group e Hermeto Pascoal. O grupo PATUBATÊ alia criatividade à valorização dos ritmos brasileiros. O PATUBATÊ já levou seus shows performáticos a todos os estados do Brasil e países como Estados Unidos, Portugal, Espanha, Polônia e Continente africano (Burkina Faso, Botswana, Quênia, República de Camarões e Gabão). Em outubro o grupo estará atuando com Shows e Oficinas no Festival da Lusofonia e Semana Cultural da China e dos Países de Língua Portuguesa 2011, em Macau.

Nas mãos dos músicos Fernando Mazoni, Fred Magalhães, Gustavo Lavoura, Pablo Maia e o DJ Leandronik, sucata não é lixo, é música. Os materiais utilizados têm um destino muito curioso quando chegam ao alcance dos músicos do grupo PATUBATÊ. Toda esta sucata vira instrumento musical.

A matéria-prima é reciclável. A consciência, sustentável. No palco, a criatividade do grupo PATUBATÊ une música, cultura, meio-ambiente e arte. Os instrumentos impressionam pela simplicidade e inovação. São feitos de latas, baldes, tonéis, panelas e até peças de automóveis. A sonoridade é única. Os timbres provenientes de alumínio, plástico, zinco ou madeira não deixam nada a desejar aos instrumentos convencionais. O som das sucatas inspira e leva os músicos a criar performances com ritmos como Maracatu, Samba, Funk, Afro, Frevo, Baião, Ijexá, Carimbó,Ciranda, Tambor de Crioula, Capoeira, House e muito outros.

SHOWS PERFORMÁTICOS

Os shows do grupo PATUBATÊ são, visual e sonoramente, impactantes. As performances em percussão com sucatas e música eletrônica incluem ritmos brasileiros e estrangeiros com timbres eletrônicos. Efeitos visuais e sonoros são marcas registradas das criações dos músicos. Água, luz, fogo, som e movimento em performances desafiadoras exploram as percepções do público e tornam o show memorável.

Renata Jambeiro

2012-03-26T14:42:00.001-07:00

Renata Jambeiro nasceu em 22/12/1981, em Brasília. Cresceu num ambiente de muita música e alegria. Desenvolveu seus dons respeitando sempre a naturalidade com que as coisas foram acontecendo. Aos 10 anos dançava balé e daí partiu para outros estilos de dança. Aos 16 anos já fazia teatro musical. Aos 18 ingressou na Universidade de Brasília e se formou naquilo que desejava ser: atriz. No caminho encontrou a chance de cantar, que veio atrelada aos convites irrecusáveis para montar shows e assim começou a trajetória.

Hoje não é por acaso que Renata Jambeiro é respeitada pelo público e pela crítica como a grande representante do samba na capital do país. Levando a música brasileira à África em duas ocasiões, Renata apresentou-se em tournée em São Tomé e Príncipe, em 2009 e em novembro/2010 se apresentou para os presidentes Lula e Guebuza em solenidade no palácio presidencial em Moçambique, realizando em seguida mais dois shows naquele país.

Apresentou-se em várias oportunidades em shows na Esplanada dos Ministérios, em comemoração ao 1º de Maio, nos 50 Anos de Brasília, na comemoração oficial, ao lado de grandes nomes da MPB sob o comando de Daniela Mercury. Mais recentemente no Gran Folia – Carnaval/2011 e no Cena Contemporânea, no Museu da República. Em dezembro/2010 cantou em São Paulo, no 3º Fórum Caravana da Música e do Esporte, patrocinado pela ESPN Brasil, evento este que contou com a participação de Chico César, Elza Soares e Daniela Mercury. Cantou na posse da Ministra da Cultura, em Brasília. Em fev-mar/2011, esteve em São Luís/MA contratada para apresentar três grandes shows no Pestana Hotel, incluindo o Grande Baile de Gala do Carnaval de São Luís, que contou com a presença de Alcione no palco ao seu lado. Recentemente esteve no Rio gravando o Programa de Diogo Nogueira, Samba na Gamboa, falando sobre o samba de Brasília. Em 19/10/11 apresentou seu show no Prêmio Rodrigo Melo Franco de Andrade, na Sala Villa-Lobos do Teatro Nacional, tendo cantado também ao lado de Diogo Nogueira e mais recentemente ao lado de Nei Lopes, na Funarte. Em janeiro/2012 se apresentou no Centro de Convenções - Ulisses Guimarães pelo projeto internacional Festiarte.

A cantora de 30 anos está em seu 2º trabalho, o DVD Sambaluayê – esgotado - que foi lançado no Teatro Rival-Petrobras/Rio e Teatro FUNARTE/Brasília. Encontra-se em fase de pré-lançamento do 3º trabalho, o CD Sambaluayê. Lançou em 2007 seu 1º disco – JAMBEIRO, que está na 2ª tiragem.

Recebeu em Brasília, em seus shows, Dona Ivone Lara, Altay Veloso, Nilze Carvalho, Monarco, Leci Brandão e Noca da Portela. Passou pelos palcos da Lapa/Rio, Fortaleza, Costa do Sauípe, Salvador, Paracatu, Pirenópolis, Itajaí, Caraíva, Chapada dos Veadeiros, Goiânia e outras cidades brasileiras. Na música, Renata estreou aos 20 anos, mas aos 16 iniciou sua trajetória artística em musicais de Oswaldo Montenegro.

A garra, o talento e a alegria desta mestiça são mostrados como uma forma de oração, e seu show é sempre uma homenagem ao samba, aos sambistas e às raízes da música popular brasileira.

Mestre Dinho Gonçalvez

2011-01-22T17:33:00.000-08:00

Dinho Gonçalves é percussionista e baterista que trabalha no campo da música há cerca de 50 anos. Formou-se pela Berklee College of Music em composição, arranjos e regência. Viveu nos Estados Unidos, África, Cuba, Índia e outros países, sempre aprendendo e disseminando novas culturas musicais.

Mestre Dinho, como é chamado, trabalhou com Gal Costa, Elba Ramalho, Tito Madi, Rita Lee, Sá e Guarabira, Johny Alf e Hermeto Pascoal. Fora do Brasil atuou com Paul Winter, Kenny Burrel, Willy Bobo, Potato Valdez e com os africanos: Mustapha Tettey Adi, Felipe Mukenga e Raí Lama. Criou e dirige o grupo de percussão e voz “Woyekê, que o acompanha em workshops.

Como baterista, Dinho Gonçalves montou o Quinteto Dinho & Cia, o qual toca diversos ritmos. O quinteto já atuou em gravações e workshops na Argentina, Itália, Cuba e Alemanha. Este consagrado percussionista é também membro da Banda Havana Brasil por mais de 15 anos. Atualmente ele leciona bateria e percussão no Conservatório Souza Lima e no Centro Cultural “Ritmus”, ambos na cidade de São Paulo.

Neguinho do Samba

2011-01-05T10:10:00.000-08:00

Antonio Luís Alves de Souza, mais conhecido como Neguinho do Samba, o baiano criador do samba-reggae, morreu aos 54 anos, em decorrência de uma parada cardíaca. O músico deixou sete filhos e uma legião de admiradores e alunos.

O corpo do artista, que foi um dos fundadores do Olodum e criador da Escola Didá, está sendo velado na sede da Associação Educativa e Cultural Didá. O enterro será na terça, 3, já que parentes aguardam a chegada de um dos sete filhos de Neguinho, que mora na Itália. A cerimônia está marcada para às 14 horas, no Cemitério Jardim da Saudade.

Segundo informações da família, Neguinho já vinha reclamando da saúde nos últimos 15 dias. Nesta madrugada, por volta das 3 horas, o músico sentiu um mal estar e foi de táxi ao posto médico de Pernambués. No local, ele foi medicado e retornou à sua residência, no Pelourinho, voltando a se sentir mal no início desta tarde, quando veio a falecer.

Neguinho do Samba era cardiopata e há três meses perdeu uma irmã. Pessoas próximas afirmaram que, em virtude disto, andava triste. Mas ele morreu onde queria: em sua residência, um casarão no Pelourinho, onde também funciona a Escola Didá.

"Ele deixou um legado, uma marca de como se faz samba na Bahia. Eu acompanhei o processo de desenvolvimento do Olodum e ele já experimentava as novas fusões do reggae com o samba. Depois, acompanhei o trabalho cultural que ele fez com a Banda Didá. E por ironia do destino faleceu dentro da própria escola", declarou Gerônimo.

Perda irreparável - A Secretaria da Cultura suspendeu toda a programação cultural do Pelourinho, nestes sábado e domingo. Uma faixa preta permanecerá hasteada no Largo do Terreiro de Jesus, durante três dias, simbolizando o luto.

"A dor é enorme. Foi uma perda irreparável. Não perdemos somente um músico excepcional, mas uma personalidade. Ele foi muito generoso com todos à sua volta. Não dá para acreditar. É um astro que vai continuar vivo aqui com a gente“, declarou, emocionado, João Jorge, presidente do Olodum.

Neguinho do Samba - Fundador da escola de percussão do Olodum e do bloco Didá, ele também foi o inventor do ritmo "samba-reggae", modificando tambores para conseguir afinações e sonoridades diferentes, criando um ritmo musical único, com a cara da Bahia.

Filho de um tocador de "bongô" e de uma lavadeira, Neguinho desde cedo treinava percussão tocando nas bacias de alumínio de sua mãe. Foi eletricista, ferreiro e camelô. Sua música chegou a ser internacionalmente reconhecida. Maestro do Olodum, tocou com David Byrne, Paul Simon e Michael Jackson. Com Simon, o Olodum gravou o CD The Rhythm of the Saints, em 1990. Feliz com o resultado do trabalho, Simon procurou o músico e lhe ofereceu um carro importado como forma de agradecimento. Neguinho agradeceu a oferta, mas preferiu mudar o presente, e, em vez de um carro, escolheu uma casa no Pelourinho, no mesmo valor, onde fundou sua escola.

Didá - O projeto nasceu pelas mãos de Neguinho, que via a necessidade de oferecer para as mulheres, principalmente as negras, um espaço para expor suas idéias e desenvolver atividades. Didá é uma associação cultural e sem fins lucrativos fundada em 1993 e que atua promovendo gratuitamente atividades educativas com base na arte e nas manifestações populares criadas e mantidas pelos africanos e por seus descendentes.

Carlinhos Brown

2011-01-05T09:12:00.000-08:00

Carlinhos Brown, nome artístico de Antônio Carlos Santos de Freitas, é um cantor, percussionista, compositor, produtor e agitador cultural brasileiro. Na Espanha também é conhecido como Carlito Marrón.

Seu nome artístico consta ser uma homenagem a James Brown e H. Rap Brown, líderes da música negra da década de 70, ídolos do funk e da soul music. Foi iniciado na música através de Osvaldo Alves da Silva, o Mestre Pintado do Bongô. Seus primeiros instrumentos, que marcariam toda sua carreira e estilo musical, foram os de percussão, com aprendizado e desenvolvimento das células rítmicas provenientes dos terreiros de candomblé.

Em 1979, tocou na banda de rock Mar Revolto, em sua primeira gravação profissional. Carlinhos tornou-se um dos instrumentistas mais requisitados da Bahia no início da década de 80. Em 1984 tocou na banda Acordes Verdes, de Luiz Caldas. Foi um dos criadores do samba-reggae e, em 1989, fez parte da banda de Caetano Veloso no disco Estrangeiro. Nesta participação, sua composição "Meia Lua Inteira" fez muito sucesso o Brasil e no exterior. Ainda em em 1985, o próprio Luiz Caldas gravou “Visão de Cíclope”, primeira composição de Carlinhos Brown e um dos sucessos mais tocados nas estações de rádio de Salvador.

Em seguida surgiram “Remexer”, “O Côco” e “É Difícil”, composições suas interpretadas por outros artistas, que lhe renderam o troféu Caymmi, um dos mais importantes da música baiana. Participou também de turnês mundiais com João Gilberto, Djavan e João Bosco.

Na década de 90 projetou-se nacional e internacionalmente como líder do grupo Timbalada. Este grupo reuniu mais de 100 percussionistas e cantores, chamados de "timbaleiros", a maioria jovens pobres do bairro do Candeal, onde nasceu o compositor. Atualmente não toca mais regularmente com esta banda, mas Brown continua a ser o mentor e produtor do grupo, em todos os 14 álbuns que a banda lançou até hoje. Em 1993 o álbum homônimo na banda foi indicado pela Revista Billboard como "o melhor CD produzido na América Latina".

Em 2001 teve uma participação muito polêmica no Rock in Rio , quando foi alvo de garrafadas , pedradas , e chingamentos , o acidente aconteceu pelo fato dele ter ido justamente no dia do Rock , que reuniu Guns N' Roses , Ultraje a Rigor , Oasis , entre outras bandas , mesmo depois de levantar uma pequena bandeira que um espectador lhe deu , escrita " Paz no Mundo " , e falado várias palavras a chuva de garrafas e o apredejamento não cessou e continuou até o artista e sua banda serem expulsos do palco .
Após o sucesso da Timbalada começou sua carreira solo oficial em 1996, com o lançamento do disco "Alfagamabetizado". Recentemente o álbum entrou para a lista do livro "1001 discos para ouvir antes de morrer", que reúne opiniões de 90 críticos reconhecidos internacionalmente.

Neste álbum já ocorreram participações de músicos renomados como Caetano Veloso, Maria Bethânia, Gilberto Gil e Marisa Monte. Com esta cantora e compositora carioca e com Arnaldo Antunes lançou em 2002 o projeto Tribalistas. O trabalho coletivo lançou CD e DVD que arrebatou prêmios e alcançou a marca de mais de 1 milhão de discos vendidos.
Desde o lançamento de seu primeiro CD solo, Brown contabiliza cinco trabalhos, sendo o mais recente lançado em 2007. Intitulado “A Gente Ainda Não Sonhou”, o disco é totalmente produzido e quase todo tocado por Brown. Atualmente, o músico se divide entre a carreira internacional que tem uma base sólida principalmente na Europa, seus projetos sociais no bairro do Candeal Pequeno, em Salvador, além dos projetos culturais, shows, produção de discos e trilhas para espetáculos de dança, filmes, dentre outras produções.

Recentemente lançou o single Earth Mother Water, um apelo pela preservação do planeta, que responde aos mal-tratos com mudanças climáticas. O videoclipe da música foi dirigido por Gualter Pupo e Valter Kubrusly e faz parte de manifestações contra o consumo irresponsável.

Jackson do Pandeiro

2011-01-05T08:33:00.000-08:00

Jackson do Pandeiro, nome artístico de José Gomes Filho (Alagoa Grande, 31 de agosto de 1919 – Brasília, 10 de julho de 1982), foi um cantor e compositor de forró e samba, assim como de seus diversos subgêneros, a citar: baião, xote, xaxado, coco, arrasta-pé, quadrilho, marcha, frevo, dentre outros. Também era chamado de O Rei do Ritmo.

Paraibano de Alagoa Grande, Jackson nasceu em 31 de agosto de 1909, com o nome de José Gomes Filho. Ele era filho de uma catadora de coco, Flora Mourão, que lhe deu o seu primeiro instrumento: o pandeiro.

Seu nome artístico nasceu de um apelido que ele mesmo se dava: Jack, inspirado em um mocinho de filmes de faroeste, Jack Perry. A transformação para Jackson foi uma sugestão de um diretor de programa de rádio. Dizia que ficaria mais sonoro e causaria mais efeito quando fosse ser anunciado.

Somente em 1953, já com trinta e cinco anos, Jackson gravou o seu primeiro grande sucesso: "Sebastiana", de Rosil Cavalcanti. Logo depois, emplacou outro grande hit: "Forró em Limoeiro", rojão composto por Edgar Ferreira.

Foi na rádio pernambucana que ele conheceu Almira Castilho de Alburquerque, com quem se casou em 1956, vivendo com ela até 1967. Depois de doze anos de convivência, Jackson e Almira se separaram e ele se casou com a baiana Neuza Flores dos Anjos, de quem também se separou pouco antes de falecer.

No Rio de Janeiro, já trabalhando na Rádio Nacional, Jackson alcançou grande sucesso com "O Canto da Ema", "Chiclete com Banana", "Um a Um" e "Xote de Copacabana". Os críticos ficavam abismados com a facilidade de Jackson em cantar os mais diversos gêneros musicais: baião, coco, samba-coco, rojão, além de marchinhas de carnaval.

O fato de ter tocado tanto tempo nos cabarés aprimorou sua capacidade jazzística. Também é famosa a sua maneira de dividir a música, e diz-se que o próprio João Gilberto aprendeu a dividir com ele. Muitos o consideram o maior ritmista da história da Música Popular Brasileira e, ao lado de Luiz Gonzaga, foi um dos principais responsáveis pela nacionalização de canções nascidas entre o povo nordestino. Sua discografia compreende mais de 30 álbuns lançados no formato LP. Desde sua primeira gravação, "Forró em Limoeiro", em 1953, até o último álbum, "Isso é que é Forró!", de 1981, foram 29 anos de carreira artística, tendo passado por inúmeras gravadoras.

Durante excursão empreendida pelo país, Jackson do Pandeiro que era diabético desde os anos 60, morreu aos 62 anos, no dia 10 de julho de 1982, na cidade de Brasília, em decorrência de complicações de embolia pulmonar e cerebral. Ele tinha participado de um show na cidade uma semana antes e no dia seguinte passou mal no aeroporto antes de embarcar para o Rio de Janeiro. Ele ficou internado na Casa de Saúde Santa Lúcia. Foi enterrado em 11 de julho de 1982 no Cemitério do Cajú na cidade do Rio de Janeiro com a presença de músicos e compositores populares, sem a presença de nenhum medalhão da MPB.