Bitácora de pintura

¡La primera entrada del 2012!

2012-01-01T21:36:00.000-08:00

En realidad, ésta iba a ser la última del 2011 con el consabido balance de fin de año; aunque tarde creo estar aún a tiempo. No los aburriré con demasiadas reflexiones, sólo les cuento que estoy agradecida pues además de seguir trabajando como fondista para cine de animación, pinté mucho a nivel personal y con pleno goce en el proceso.

Algunos planes se me quedaron en el tintero, como mi siguiente exposición, pero también tuve inesperadas satisfacciones en otras áreas, como la cubierta de la novela Ningún Infierno, o recientemente la publicación de una pintura mía en un libro de texto de literatura editado por MacMillan Argentina. Tengo además otra publicación pendiente que les mostraré una vez que esté disponible al público.

Literatura Huellas 5, Editorial MacMillan
Pintura original: Teresa Clark Maauad, “Sobre las brasas de la tierra”, acrílico y pastel sobre papel preparado 40 x 21.5 cm, 2011

Sin más, les deseo lo mejor para este 2012 que comienza y les dejo algo de mi música favorita, Bourée de Bach, con arreglo de Ian Anderson de Jethro Tull:

Pintura sobre papel

2011-12-13T14:02:00.000-08:00

Nuevamente les presento una entrada más bitacoresca, en cuanto a proceso creativo, y también con uno que otro detalle técnico. Me refiero a mi obra reciente con acrílico y pastel sobre papel para acuarela, que pueden ver en mi blog de pintura.

Este proceso no fue planeado propiamente sino que se fue dando desde fines del año pasado. Por un lado llegué a un momento de quiebre con mi proceso antiguo con el óleo sobre acrílico (Ruptura) y por otro, aunque siempre tengo presente la necesidad de exponer en vivo la obra, no he podido concretar fecha ni lugar que me gusten para la muestra, lo que ha permitido pintar con miras a dicha exposición pero con la libertad que da ir armando un cuerpo de obra que crece poco a poco, en comparación a lo que sería preparar una exposición bajo presión.

Estoy consciente que al privilegiar la experimentación tanto por el formato (chico) como por el soporte (papel), en realidad estoy limitando mis posibles ventas, ya que tradicionalmente la obra sobre papel se ha considerado “menor”, como hace poco leí en una nota de Germaine Gómez Haro al referirse a una edición que se presentó sobre la obra en papel de Rodolfo Nieto. Transcribo esa parte del texto:

“...para mucha gente la gráfica y el dibujo o pintura sobre papel son considerados obras “menores”, o inclusive simples “bocetos” dentro del quehacer del artista, y esto por mero desconocimiento o ignorancia de la relevancia y la grandeza que la creación sobre papel significa dentro de la práctica artística (...)”

No puedo estar más de acuerdo con lo antes citado, pues grandes obras en la historia de la pintura -muchas de mis favoritas- fueron realizadas sobre papel. Y si bien hay casos como el de William Turner o Emil Nolde que pintaron sólo bocetos o ideas preparatorias sobre papel -aunque eventualmente se les reconoció un valor por sí mismos-, también los hay como Odilon Redon, que realizó la mayor parte de su obra en papel y de forma definitiva . Dentro de los pintores contemporáneos está Francisco Toledo, que tiene un gran cuerpo de obra sobre papel hecho a mano. Y eso que por concretar ejemplos, no entro al vasto mundo de la gráfica (grabado, litografía, etc.).

J.M.W. Turner

"Sunset over a Ruined Castle on a Cliff" (Atardecer sobre un Castillo en Ruinas en un Acantilado")
Acuarela y gouache sobre papel azul

14 x 19.1 cm (5.5 x 7.5 pulgadas)

1835-9

Tate Gallery, Londres

Emil Nolde

"Finca bajo el Cielo Rojo de la Tarde"

Acuarela sobre papel japonés

17.1/4 x 24.0/2 cm

1938-1945

Colección Nolde-Stiftung Seebüll

Odilon Redon

"La Druidesa"

Pastel sobre papel

39 x 33 cm.

1893

Colección de la familia de Ian Woodner, Nueva York

Comencé a pintar en papel jugando con los materiales que tenía en casa, (incluida una caja de pasteles de la época de estudiante, cuando pintaba bodegones), y los acrílicos que utilizaba para las primeras manchas de las telas que después cubría casi totalmente con óleo. Descubrí que ambos medios juntos funcionan muy bien; con el paso del tiempo aprendí a conocerlos y apreciarlos. Del papel membretado que tenía en casa para bocetos pasé al papel Canson para acuarela, y luego al Arches, dado que los resultados eran mucho mejores sobre un soporte más fino.

Al conocer mejor al acrílico me di cuenta que yo mantenía ciertos prejuicios causados por desconocimiento y por mitos que son vox populi en mi país -a pesar de que aquí fue donde se desarrolló inicialmente la técnica del acrílico en el movimiento del muralismo, a principios del siglo XX- como que el color se “apaga” al secar, o que los pinceles se dañan al pintar al acrílico. De hecho, yo sólo lo usaba para primeras manchas pues nunca me gustó el acabado final que me parecía demasiado... plástico. Descubrí que es cuestión de conocer los productos específicos para aprovechar todas sus posibilidades -en Estados Unidos hay una gran variedad, pues para muchos allá el acrílico es “el nuevo óleo”.

Usando los medios adecuados para diluir la pintura, y en proporciones justas, el color no sufre y de hecho se pueden obtener tonos intensos sin importar qué tan diluida esté la pintura. Y basta lavar los pinceles con agua tibia y jabón antes de que se seque la pintura para conservarlos en buen estado. Al pintar sobre papel busco un efecto parecido al brillante color que se obtiene pintando con acuarelas de anilina, pero con la ventaja de poder “corregir”, cosa que con la acuarela es más complicado, y la posibilidad de dar textura más gruesa en caso de desearlo. Para esto y otros efectos, la marca que más me ha convencido es Golden. He tenido el gusto de comprobar que en México las pinturas acrílicas son de buena calidad, como las de Casa Serra; en cuanto a medios, la marca Indart tiene una gama -aunque limitada- de medios para acrílico que pueden funcionar también.

Y bueno, para la aplicación de pasteles sobre el acrílico hay que conocer también el comportamiento del material, hasta donde puede tomar el papel y, sobre todo, qué papel usar. En ese sentido me declaro a favor de la calidad en el soporte, alejándome de los papeles para estudiante. Creo que en el papel no hay que escatimar pues de su calidad depende gran parte del resultado de la pintura, como ya mencioné. Todavía tengo pendiente usar tela como soporte, aunque por el momento estoy feliz con el papel.

No sé exactamente a dónde me llevará este proceso, lo que puedo afirmar con gusto es que lo estoy disfrutando y tengo la sensación de que estoy en medio de una transición, ojalá de crecimiento. Tal vez cuando vuelva a pintar al óleo los resultados serán muy distintos de lo que pintaba en 2009 o 2010.

Cadáver exquisito internacional y multitudinario

2011-11-23T22:48:00.000-08:00

En mi entrada Colaboración a larga distancia les mostré un par de collages sobre naipes que elaboramos al alimón Liz Cohn y su servidora, dentro de su proyecto de mail art entonces llamado "Playing Card Collaboration", ahora llamado “Playing with a full deck” (Jugando con un juego completo). Ahora les presento un par más:

"Sirena" Liz Cohn y Teresa Clark, collage sobre naipe, 2011

"el valliente" Liz Cohn y Teresa Clark, collage sobre naipe, 2011

El proyecto recientemente ha cobrado una dimensión impresionante: hasta el momento 163 artistas de distintos países han creado 1100 obras sobre naipes (de hecho tengo unas cuantas que no he terminado, así que al menos por mi parte serán más).

Es verdad que la logística ha sido posible gracias al internet y diversas redes como Deviantart o Facebook; sin embargo si consideramos que todos los envíos han sido vía postal (o sea, mediante correo tradicional, con los riesgos de extravío de obra, el gasto y los tiempos que ello conlleva), y que tienen la intervención de Liz en cada naipe, es evidente que se trata de un esfuerzo de magnitud titánica por su parte, pero que se ve recompensado por la increíble respuesta de todos los artistas participantes a su poder de convocatoria.

Además de crecer en número de piezas, se ha ampliado la difusión: serán dos muestras y ya están definidas las fechas:

Del 2 al 27 de febrero de 2012 en la Cannon Beach Gallery, en Cannon Beach, Oregon, E.U.A. y
Del 3 al 27 de Mayo de 2012 en la Galería 12x16 en Portland, Oregon, E.U.A.

El proyecto sigue creciendo, así que si alguien está interesado en participar puede contactar a Liz en el correo que aparece en el sitio de "Playing with a full deck".

Ya se estrenó La Leyenda de la Llorona!

2011-10-23T18:43:00.000-07:00

El viernes pasado se estrenó La Leyenda de la Llorona de Anima Estudios, y por fin puedo mostrar públicamente algo de mi colaboración en ese proyecto, aparte de los avances, el trailer y la página web que el estudio ya había puesto en circulación.

Aquí les muestro un ejemplo de un fondo antes y después de pasar por algunos cambios en el departamento de arte y de su integración con la animación -es decir, como se vio en el cine (tomado del "detrás de las cámaras", con derechos reservados para Anima Estudios):

En la versión del cine, el globo sobrevuela Xochimilco, las nubes se mueven y se agregaron efectos especiales a las velas; además se añadieron los props de los retratos de los niños robados por la Llorona.

Este fondo fue coloreado en Photoshop CS3 con base en la línea previamente señalada por mis compañeros del departamento de arte del estudio. Pueden ver algunos fondos más en mi blog Teresa Clark Arte Aplicado.

Les recomiendo que si pueden, vayan a ver esta película y disfruten el Xochimilco de la Llorona en el cine.

Detrás de las cámaras de "La Leyenda de la Llorona"

2011-10-18T18:46:00.000-07:00

Aquí pueden ver un mini documental donde se pueden ver algunos de los fondos que pinté para La Leyenda de la Llorona que se estrenará este viernes 21 de octubre en cines (México).

Copyright Anima Estudios 2011

El arte de vivir del arte: Tyrus Wong

2011-10-12T20:39:00.000-07:00

Hace ya más de dos años, en mis entradas Identidad creativa y supervivencia y Ser artista en tiempos de crisis abordé las maneras en que algunos artistas enfrentan la exigencia de obtener un ingreso para sobrevivir: por una parte, tratando de exponer y vender su obra (en lo posible a través de galerías o representantes), por otra, tomando algún trabajo no relacionado con el arte. Ahora quisiera referirme a aquellos artistas que trabajan en ámbitos que tienen que ver en mayor o menor medida con el arte, como serían la publicidad, el diseño, el cine, etc.

Trabajar en un medio creativo es, hoy lo puedo decir con conocimiento de causa, mucho más atractivo que tener un oficio cualquiera o una profesión demandante. Sin embargo, a veces puede ser confuso, pues existe la tentación de poner toda la energía creativa en un proyecto que, a fin de cuentas, es ajeno, y muchas veces de gran magnitud, en el cual el artista tiene poco o nada de control sobre la obra total. Sucede también que el artista puede identificarse tanto con el proyecto en el que trabaja que postergue sus proyectos personales.

Se trata, sin duda, de una cuestión de balance a veces realmente difícil, y que en mi caso aún estoy tratando de lograr. Así como en esas entradas anteriores mencioné artistas de la historia del arte cuyos ejemplos ilustran y dan esperanza a los jóvenes que ahora luchamos por sobrevivir y encontrar o mantener nuestra identidad creativa, ahora me referiré a Tyrus Wong, famoso por haber definido el arte del largometraje de animación Bambi, cuya carrera es mucho más que esos cuatro años de trabajo en animación (este 25 de octubre cumplirá 101 años de edad). Considerando que casi no hay información en castellano sobre él, espero que esta bitácora pueda poner su granito de arena para que algún lector hispanoparlante lo conozca.

Boceto para Bambi. Foto tomada de http://www.amoeba.com/blog/2010/10/eric-s-blog/happy-hundredth-birthday-tyrus-wong-.html

Tyrus Wong nació en China y llegó de niño junto con su padre a California, E.U., destacando pronto por su habilidad con el dibujo y la pintura, al grado que obtuvo una beca en el Otis Art Institute de Los Ángeles. Enfrentó la depresión de 1929 y tuvo diversos oficios a la vez que exponía su obra, en ese entonces varios murales y acuarela con tintes caligráficos.

Wong se casó joven y pronto tuvo una familia que mantener, por lo que su carrera de artista independiente fue difícil de sostener. Entró a trabajar en los estudios Disney en 1938 como intercalador (completando los dibujos entre pose y pose de animación de personajes), oficio que le resultó tedioso y agotador. Sin embargo supo encontrar su lugar, pues cuando se enteró que estaban haciendo Bambi, siendo él un pintor de paisajes, preparó por su cuenta y según su estilo personal, con base en la tradición oriental, varios bocetos que mostró al estudio y que de inmediato se convirtieron el estilo que definiría el arte de la película: paisajes llenos de atmósfera, en los que no se muestran detalles, más bien generan la sensación de estar dentro del bosque.

Fotos tomadas de http://nuestroneverland.mforos.com/1934194/10246506-bambi/

Es cierto que Wong sólo buscaba un trabajo más agradable, y lo obtuvo, pero es difícil saber si pudo vislumbrar que su influencia en Bambi sería tal que hoy prácticamente se le considera el director de arte de la película. En su momento no tuvo aumento de sueldo ni reconocimiento (ni siquiera un crédito en pantalla, a la usanza del cine de la época; posteriormente se le agregó como pintor de fondos). Wong cuenta -entre risas- en esta entrevista cómo se unió a la huelga de los trabajadores de Disney en 1941 y cómo se incorporó luego a Warner Bros., donde continuó trabajando en el cine por otros 25 años.

Cuando le preguntan a “Ty” Wong el secreto de su longevidad y salud a sus casi 101 años, él señala el buen humor, pero yo creo -o quiero creer- que fue su inquietud creativa. Me parece genial la anécdota en que, ya retirado, su mujer se harta de tenerlo dando vueltas en la casa y le dice “¿porqué no sales a volar un papalote?” desencadenando sin saberlo una nueva pasión en su esposo, quien desde hace 30 años diseña, fabrica y vuela sus propios papalotes.

En la entrevista se aprecia cómo el Sr. Wong siempre consideró su trabajo en el cine como un medio de sustento para su familia, y sin embargo se refiere con alegría a todos los años en que trabajó en la industria. Creo que lo puede contar de esa manera porque mientras trabajaba en el cine continuó pintando y exhibiendo su trabajo personal; haciendo ilustraciones para revistas, libros infantiles, tarjetas de felicitación, además de incursionar en otros medios como la cerámica y la litografía. Es decir, no se perdió en el trabajo del día a día, al que por obvios motivos dedicó mucho de su creatividad, y pudo encontrar el balance necesario para sostener su identidad como artista.

Foto tomada de http://www.cartoonbrew.com/disney/today-in-sf-meet-bambi-art-director-tyrus-wong.html

Ya salió el trailer de la segunda película en que he trabajado!

2011-09-13T00:01:00.000-07:00

Por fin puedo mostrar algo del proyecto en el que estuve trabajando estos meses, La Leyenda de la Llorona, producida por Anima Estudios y secuela de La Leyenda de la Nahuala, producida por Animex. Participé pintando fondos en 2D (los "escenarios") -algunos enteramente, aunque la mayoría fue aplicar color sobre fondos trazados- y pintando algunas texturas para 3D. Aquí les dejo el trailer:

(c) Copyright Anima Estudios 2011

La Leyenda de la Llorona se estrenará en cines en México el 21 de octubre próximo.

Colaboración a larga distancia

2011-08-05T18:51:00.000-07:00

Hacer un collage es una cosa, pero tomar como soporte un naipe y trabajar al alimón (en colaboración) con un artista que vive en otro país es una experiencia diferente. En un primer momento pueden parecer limitaciones importantes: desde el mínimo formato hasta la cuestión de respetar el trabajo de otro y a la vez aportar algo nuevo. Sin embargo, como sucede frecuentemente, las limitaciones suelen ser detonadores para buscar soluciones creativas.

Debo esta experiencia a Liz Cohn, artista y amiga de Portland, Oregon, E.U., a quien conocí a través de internet y que me invitó a su proyecto Playing Card Collaboration (algo así como Colaboración de Naipes o Tarjetas), que envía a diversos artistas a través del servicio postal.

He aquí el resultado de mis primeras colaboraciones con Liz:

"MÉXICO 300" Liz Cohn y Teresa Clark, collage sobre naipe, 2011

"el sol" Liz Cohn y Teresa Clark, collage sobre naipe, 2011

Estoy a la espera de más naipes intervenidos por Liz y tengo curiosidad de cómo serán... y cómo los resolveré por mi parte.

Las colaboraciones serán exhibidas en mayo de 2012 en la Galería 12x16 en Portland, Oregon, E.U.

Denuncia pública por plagio, en contra de Victoria Rueda

2011-07-13T12:07:00.000-07:00

Lo pensé mucho antes de escribir esta entrada; no me gusta hablar mal de nadie y mucho menos públicamente. Sin embargo, en este caso creo necesario hacerlo aunque en verdad no es “hablar mal” pues se trata de una denuncia de un acto que considero repugnante: copiar la obra de un artista, en este caso durante -al menos- dos años, y presentar una exposición mostrándose como el artista original de la obra.

Ejemplo comparativo de la obra presentada por Victoria Rueda en diciembre de 2010 y mi obra presentada en 2007

En una fiesta, un amigo me dijo “hay una pintora en Cancún que te está copiando”. Yo me reí y le dije que no me sentía la dueña del mar, ni del óleo, ni del color azul, y ¿bueno qué tendría de raro que alguien en Cancún pinte sobre el mar? Me mostró fotos en su celular y se me quitó la sonrisa; reconocí el nombre: Victoria Rueda, una “amiga” pintora a quien incluso contraté como fotógrafa en 2007 para el catálogo de mi exposición “Profundidades” que presenté en el Polyforum Siqueiros, en la Ciudad de México. Yo sabía que se había mudado a Cancún hace un tiempo y perdí contacto con ella.

Aquí les muestro la página de mi catálogo de 2007, en que aparece el crédito de Victoria Rueda por su trabajo fotografiando mis pinturas, justamente para el catálogo.

Buscando en google, me encontré esta foto y reseñas de la exposición que montó Victoria Rueda en diciembre de 2010 en el Hotel La Amada en Cancún. Vi la foto y la promoción de su exposición en estos sitios:
http://lascolaboraciones.blogspot.com/2011/04/imagenes-corporeas-exposicion-de.html
http://culturaencancun.blogspot.com/2010/12/exposiciones-en-cancun-finales-del-2010.html

Como Victoria y yo tenemos amigos en común, me fue muy fácil ver las fotos de las pinturas que subió a Facebook, como podrán ver el parecido es inaudito, sobre todo considerando que ella tuvo acceso directo a mi obra y fotos de alta resolución justamente de las pinturas que está publicando:

Contacté a Victoria por medio de un mensaje privado en Facebook (donde sé por amigos en común que tiene muchas fotos de esa exposición, visibles sólo para sus “amigos”) y le envié un correo electrónico. De nada sirvió que le enviara también copia de mi registro de la Colección “Profundidades” ante el Instituto Mexicano del Derecho de Autor. No tuve respuesta.

En estos momentos estoy preparando el escrito para seguir el procedimiento que prevé la Ley Federal del Derecho de Autor, mediante el cual le solicitaré legalmente que desista de seguir copiando mi obra (por ahí me contaron que incluso lo estaba intentando con mi obra abstracta; no quise ni ver) y que deje de mostrar las fotos de esas pinturas que copió, además de que no vuelva a exponerlas físicamente. Todo esto como un primer recurso legal; mis derechos quedan a salvo y si ella no desiste puedo demandarla por el pago de regalías y daños y perjuicios (no sé si Victoria se olvidó de que, además de pintora, soy abogada...).

Todo esto me ha dejado muy mal sabor de boca, pero además una serie de interrogantes sobre las paradojas que tengo ante mí:

Comencé a pintar sobre el mar porque consideré que era un camino casi inexplorado donde no existía la tentación de “pintar como (ponga aquí el nombre del pintor de su gusto)” pues casi nadie ha tomado en serio el tema. Hay unos cuantos Anglada Camarasa, por ahí algo de Miquel Barceló, pero en general era un estímulo para buscar, justamente, un estilo que fuera personal. Qué fácil fue para Victoria Rueda tomar mi obra, cuando ya tenía años explorando el tema, y copiar algo que estaba ya resuelto.

Victoria vive en la Rivera Maya, tiene ante sí todo el esplendor del Mar Caribe, mientras que yo hacía cuando mucho uno o dos viajecitos al año a bucear, no siempre a lugares tan espectaculares. ¿Cómo puede ser que ella no buscara, sí pintar sobre el mar, pero con su propia inspiración?

Siempre pensé que alguien en Timbuctú podría copiarme por medio de internet, pero nunca creí que fuera alguien tan cercano. La máxima ironía de todo esto es que yo he sido generosa al mostrar mi obra en línea: en mi blog aparecía casi toda mi obra desde 2007 (aunque ahora removí buena parte debido a este caso) en buena resolución (ahora la reduje, qué triste) e incluso aquí en Bitácora explico tanto mi proceso técnico como mi proceso creativo. Sin embargo, la persona que me plagió fue alguien que conocí personalmente, con quien llegué a tomar un café en su casa, que tomó foto por foto de mi obra, en mi estudio, conmigo presente, pues era obvia la confianza que le tenía.

Por lo pronto, quité todas las imágenes de lo que he pintado este año de mi blog. Estoy preparando, ahora sí, una exposición, y prefiero protegerme al menos hasta que mis pinturas hayan sido mostradas físicamente.

Pido una disculpa a aquellos que me ven sólo por internet, y prometo que una vez expuesta la obra, la tendrán visible nuevamente, más lo que pinte para la muestra.

Tiji Colour, por Akama Studio

2011-05-08T19:18:00.000-07:00

Volviendo al tema de la animación y específicamente al tema del color, quiero compartir con ustedes esta que me pareció muy bella y cuyos realizadores generosamente subieron a Vimeo: Tiji Colour, por Akama Studio, estudio francés lidereado por los realizadores Alexandre Ada y Cedric Jeanne. Espero que les guste tanto como a mí:

http://www.akamastudio.com/work.php?f=4&id=73&v=88

*Anoto el link directo a la página de Akama, ya que los enlaces de vimeo y youtube ya no se pueden insertar.

Pintura de portada

2011-05-01T10:54:00.000-07:00

En alguna entrada anterior había comentado que, si bien dejé de lado la idea de exponer mi trabajo en marzo de este año por falta de tiempo y energías, tenía un proyecto en puerta que sería distinto pero igualmente interesante. No lo había querido comentar hasta que fuera un hecho; esta semana se concretó, así que les cuento:

A fines del año pasado se acordó que Editorial Aldus editaría la novela de mi esposo Alejandro Hosne, Ningún Infierno, y su editor me pidió que pintara algo para la portada, además de proponer que en la presentación del libro se hiciera una pequeña muestra de los trabajos preparatorios y/o portadas que no fueron elegidas.

Estuve haciendo bocetos y pinté algunas cosas con miras al diseño de la tapa del libro. Al final, en la editorial eligieron esta pintura:

Teresa Clark Maauad
"Antártida"
Óleo/acrílico sobre tela
50 x 50 cm.
2010

Que se tradujo en un diseño hermoso que da toda la vuelta al libro (que ya de por sí es una edición muy cuidada y en un papel de lujo):

El evento fue el jueves pasado y fue muy agradable: vino bastante gente y el presentador hizo una muy dinámica entrevista al autor, con posteriores preguntas al público.

Así lució el auditorio -no pude tomar muchas fotos del montaje por atender a lo que se decía...

La mini-muestra también contó con elogios, y aunque se montó y desmontó el mismo día, fue importante para mí pues fue mi primera muestra temática que reunió obras de distintos medios; además del óleo sobre acrílico, había pasteles, carboncillo y una mixta sobre papel.

Los dejo con las pinturas que se expusieron, aparte de Antártida:

Teresa Clark Maauad
Sin Título
Óleo/acrílico sobre tela
100 x 100 cm.
2008

Teresa Clark Maauad
"Boceto para Ningún Infierno"
Carboncillo sobre papel
22 x 16 cm. aprox.
2010

Teresa Clark Maauad
"Boceto para Ningún Infierno II"
Pastel sobre papel
22 x 16 cm.
2010

Teresa Clark Maauad
"Pastel II"
Pastel sobre papel
22 x 16 cm.
2011

Teresa Clark Maauad
"Sanar la Herida II"
Acrílico y carboncillo sobre papel.
27 x 21 cm.
2011

El libro Ningún Infierno estará disponible en librerías de México en estos días, próximamente también se distribuirá en Argentina (también está gratis en línea en el blog Ningún Infierno)

Ruptura

2011-04-10T14:20:00.000-07:00

En general uno empieza las cosas sin saber cómo van a terminar. Hace un tiempo escribí una entrada sobre las obras que quedan inconclusas, las causas de que esto suceda y el destino de dichas obras -destrucción, reciclaje del soporte (tela, madera, etc.), y mencioné que a veces a éstas se las deja “descansar” un tiempo para posteriormente retomarlas y terminarlas, quizá en una dirección distinta de la inicial. Esto último es lo que sucedió con una pintura que terminé hace poco, después de dos años de haberla iniciado.

Comencé a pintarla en abril de 2009 luego de mi última exposición individual -en la que todavía prevalecía el tema submarino-, con la idea de intentar algo nuevo, alejado del mar, con una paleta más balanceada entre cálidos y fríos. La idea -me gusta pensar en las ideas como en una especie de McGuffin pictórico- era pintar un abstracto en el que se evocara un paisaje urbano sobre un atardecer. Me basaría en esta foto, tomada desde la ventana de un departamento donde viví durante 2006:

Debo aclarar que cuando digo “basaría” me refiero a inspiración, en este caso, tomaría la composición horizontal, alargándola, buscando las tonalidades de fondo del atardecer pero rompiendo las líneas de las siluetas, dando un ligero aire urbano con tonos oscuros. Era un proceso de abstracción lírica; en el pasado hice esto muchas veces y el resultado final suele no tener relación con la fotografía original.

Comencé texturizando con gesso el bastidor, incluso pinté la primera mancha, pero mi proceso en ese entonces se vio interrumpido por diversos factores externos -un cambio que significó una reducción en mi espacio para pintar, el encargo del retrato del papá de una amiga de corte muy realista; la necesidad de tomar un trabajo de oficina para sostenerme económicamente, todo ello enmarcado por la epidemia de influenza de 2009 en mi ciudad que agregaba un extra de ansiedad al día a día- así que la pintura quedó temporalmente pendiente.

Lo siguiente que pinté fue la serie de las 4 estaciones; como decía, tuve que acostumbrarme a pintar en un espacio reducido y el formato de 40 x 40 cm. fue lo que más me acomodó entonces. La perspectiva de pintar un lienzo de 150 x 100 cm. me parecía abrumadora e incluso para ese momento ya había perdido interés en la idea inicial.

Pasó el tiempo y hacia fines de 2010 retomé el bastidor que se encontraba “crudo” con apenas la primera mancha de acrílico. Sin saber bien a dónde me llevaría eso lo cubrí y re-texturicé con gesso para pintarlo en formato vertical. Me parecía mejor enfrentar el bastidor “fallido” de cero y volver a empezar. Sin embargo -cualquiera que pinte con texturas lo entenderá- no hay manera de empezar realmente de cero cuando se pinta sobre algo ya comenzado. La textura inicial e incluso el color lucharán por salir a la superficie, como cicatrices que recuerden que esa tela tiene una historia.

Me costó mucho trabajo enfrentar de nuevo esta tela. Más allá de su tamaño, tenía la sensación de que al pintar sobre ese lienzo tan llevado y traído estaba tratando de pasar a otra etapa sin conseguirlo. Pinté nuevamente una primera mancha antes de Nochebuena de 2010 y aun tenía resistencia a continuar. Mientras tanto preferí pintar otras cosas -la serie de pequeños abstractos que postée recientemente, dibujos en carbón y pastel, etc.- hasta que finalmente, en marzo pasado, la pude retomar por enésima vez y de buena gana terminar:

Teresa Clark
“Ruptura”
Óleo/acrílico sobre tela
150 x 100 cm.
2011

Ahora que está acabada, noto que la idea original no se perdió del todo: no veo nada del paisaje urbano que me inspiraba, sí algo del atardecer. La sensación que prevalece sobre mí respecto a esta pintura no es lo que esperaba; más que el placer de haber terminado una obra, siento en todo caso la afirmación de que algo se ha roto, para bien o para mal, y no hay vuelta atrás.

Nunca te conocí pero te voy a extrañar

2011-03-18T10:34:00.000-07:00

Esta bitácora está de luto y por ello haremos una excepción temática. No hablaremos de pintura, pero sí de inspiración: en memoria de Rita Guerrero (1964-2011), talentosa cantante, compositora, actriz, activista, madre, en fin una mujer multifacética cuyas múltiples actividades siempre denotaron inquietud, no sólo como creadora sino por hacer de este mundo un lugar mejor. Nos dejó el viernes 11 de marzo, víctima de cáncer de mama, después de un año de lucha contra esa enfermedad.

Aunque será recordada principalmente como compositora y vocalista del grupo de rock mexicano Santa Sabina (1989-2004), encausó su inquietud artística al buscar distintos proyectos como el Ensamble Galileo, dedicado a música sefaradí, renacentista, barroca y virreinal, además de dirigir el Coro del Claustro de Sor Juana en la Ciudad de México. No dejo de pensar cuántas cosas más hubiera hecho si no se hubiera ido tan joven.

Foto tomada de www.mehaceruido.com

Rita fue siempre histriónica, dramática -azotada, diría ella en alguna entrevista- a la vez muy reservada en cuanto a su vida personal. No la conocí personalmente aunque me hubiera gustado, en especial en estos últimos años en que reflejaba la madurez de quien ha hecho muchas cosas sin perder la energía y el empuje para emprender muchas más.

Como espectadora siempre la sentí muy auténtica y me encantaba -en todo el sentido de la palabra- su bellísima voz. Les recomiendo esta nota de Blogcanrol que nos da una semblanza de su vida, lo más completa -y sentida- entre lo que se ha visto en la prensa esta semana.

Si bien hay mucha tristeza por la muerte de Rita Guerrero, es justo disfrutar lo que nos dejó, su música, su bella voz y, por lo menos para mí, su ejemplo de fuerza creativa y autenticidad.

Los dejo con un par de videos, el primero es con el Ensamble Galileo, el segundo es de una reunión que tuvo Santa Sabina en el Vive Latino de 2008.

Ensamble Galileo “Durme, durme” canción de cuna sefaradí, durante la presentación de su segundo y último album, Una Pieza de Fuego, 2007

Santa Sabina “La Garra” (Lucy y Fer) Vive Latino 2008

Cuando el arte es mercancía en un mercado sin regulación

2011-03-06T19:11:00.000-08:00

Hace tiempo que vi “La Gran Burbuja del Arte Contemporáneo”, del documentalista de la BBC y crítico de arte Ben Lewis, y quería compartirlo con ustedes. Es un documental que analiza el alza y posterior caída del mercado del arte contemporáneo.

El autor se dedicó a seguir los movimientos de este mercado durante 2008, cuando no sólo era un medio saludable para invertir sino que se trataba de un verdadero boom: los precios subieron un 800% mientras que la mayoría de los mercados caían estrepitosamente y la crisis económica azotaba a Europa, Estados Unidos y gran parte de Latinoamérica.

El documental contiene entrevistas a los principales coleccionistas de Andy Warhol, entre otros, además de una cobertura excelente sobre la situación de la subasta que Damien Hirst realizó sin intermediarios en septiembre de 2008, en Sotheby´s, y que puso en jaque a galeros y coleccionistas marcando el pico del alza del mercado de arte contemporáneo, que de inmediato comenzó su caída y que hoy sigue cayendo.

Pueden ir directamente a la página de Ben Lewis y comprar ahí el dvd con el documental (no sabría si está subtitulado) o lo pueden encontrar en español, entero -dura una hora- y con buena resolución, AQUÍ.

Si quieren echar un vistazo al tráiler, aquí se los inserto, sólo les pido una disculpa pues no lo pude encontrar en español.

Aclaro que ni el documental -ni mi intención de postearlo- se refieren al contenido del arte contemporáneo como tal sino meramente al comportamiento del mercado, lo cual nos concierne a todos, pues a pesar de las apariencias no se trata solamente de un “juego entre los ricos” sino un nicho de especulación donde se mueve mucho dinero -y se ahorran muchos impuestos que finalmente pagamos nosotros-. Puedo añadir que tampoco beneficia realmente a los artistas, excepto a los muy cotizados o muertos.

Por otra parte, me parece muy triste que para estas personas el arte sea meramente una mercancía -observen por favor la manera en que se refieren a las obras a lo largo del documental, con todo y que pretenden estar enamorados del arte- aunque supongo que esto ya sería materia de una reflexión histórica y/o sociológica.

La serie terminada

2011-02-19T14:42:00.000-08:00

Bueno pues he aquí la serie comenzada el mes pasado. Me avergüenza un poco mostrarla hasta ahora; no había opción pues la última pintura se retrasó por los tiempos de secado -si algo no sale bien a la primera, cuando se pinta al óleo, a veces hay que dejar secar por muchos días antes de poder seguir trabajando- y recién hoy la pude terminar.

No estoy muy satisfecha, lo admito, con esta serie. Quería intentar algo nuevo, diferente, fresco en el sentido más literal de la palabra. La pasé bien, y “me saqué la espinita”, sin embargo no sé si seguiría esta línea en futuras pinturas.

Mientras, en mi trabajo como fondista para animación, estoy pintando bajo reglas rigurosas: respetar la perspectiva, así como el encuadre de la cámara, sin variar los colores para que quede claro que cada fondo es una mirada distinta del mismo lugar. Obviamente todo es muy sólido y realista, aunque esta película tiene un estilo “cartoon”. Ello no impide que lo disfrute, pero siento que estoy dejando mucha energía creativa ahí.

Es por eso que en mi pintura siento la necesidad de relajarme un poco, si bien últimamente no tengo claridad en cuanto a qué quiero pintar y eso me incomoda. Me obligo un poco para que “la inspiración me encuentre trabajando” (otra frase atribuida a Picasso), lo que hace que al final no me relaje realmente. En el pasado, sin embargo, eso me ha funcionado, pues al tomar un tema cualquiera para pintar -como ejercicio- logré pinturas que me gustaron y en las que percibí un crecimiento, aunque no siempre lo noto de inmediato.

Por el momento quiero terminar una pintura muy grande que empecé a fines del año pasado. Un tema con el reducido espacio del lugar donde pinto me hizo suspenderla un tiempo, sin embargo ahora la quiero retomar. Ya les contaré como me fue.

Boceto para una serie

2011-01-16T11:50:00.000-08:00

A veces uno pinta en medio de la angustia. Otras en verdaderos momentos de goce creativo (sin importar el resultado). Para esto último uno necesita darse un espacio, abrir la mente y los sentidos; que fluyan las ideas, que no constituyan un trabajo sino un disfrute.

Este año empecé con mucho trabajo y no pude encontrar ese espacio para mí. Ayer por fin llegó, y se me ocurrió pintar algo como esto que ven aquí arriba, nuevamente una serie en pequeño formato. Hoy compraré las telas.

Se me acabó el año

2010-12-31T09:50:00.000-08:00

Hace exactamente un año estaba de vacaciones; o mejor dicho, había renunciado a un trabajo que no tenía que ver con la pintura, y lo hice por impulso, harta y sin tener mucha claridad de lo que haría en 2010 para obtener un ingreso. Lo importante para mí, en ese momento, es que estaba pintando y era optimista en cuanto a que en 2010 pintaría más, mucho más.

Soy una persona de ciclos; suelo hacer el -a veces temido- balance de fin de año. Este fue un año de mucha pintura, pero digital, ya que aprendí el oficio de fondista (“los que hacen los escenarios”) para cine de animación, dejando momentáneamente a un lado mi trabajo personal.

Me cuesta pensar que en 2008 prácticamente vivía de vender mi obra, y que a partir de 2009 tuve que buscar alguna alternativa para obtener un ingreso ya que la vendimia se vino abajo con la crisis. Ahora, finalizando 2010, me siento de verdad agradecida por haber encontrado un medio de subsistencia que tiene que ver con la pintura, aunque un poco dolida por -nuevamente- haber pintado tan poco a nivel personal.

Sin embargo no todo fue trabajo duro; tuve muchos momentos de enriquecimiento artístico (especialmente al terminar la producción de Héroes Verdaderos): leí buenos libros, vi buenas películas con sus documentales correspondientes (ventaja del dvd, ni hablar del blu ray), y descubrí la verdadera belleza del color en el cine e incluso en los videojuegos (como pintora suena a blasfemia, pero es cierto).

Tengo que admitir que obtener una consola Playstation 3, blu ray incluido, me abrió literalmente los ojos. Ahora tengo una visión entrenadísima y un disfrute adicional al apreciar las paletas usadas en el cine para crear el ambiente deseado por los directores con el color, desde películas como El Padrino hasta otras como Arrástrame al Infierno (azul y amarillo para una peli de horror, todo un hallazgo); el desarrollo de la iluminación -lightning- en los escenarios digitales de videojuegos (Uncharted 2 especialmente me parece admirable), y tuve un re-descubrimiento del technicolor que antes me parecía horrible -los colores chillantes, los sets y telones pintados para los escenarios eran tan obvios- ahora cada cuadro me parece una creación artística a todo nivel. Cuando vi El Mago de Oz en blu ray no pude dejar de pensar en las personas que vieron el cine a color por primera vez, y películas como The Searchers de John Ford me hicieron revalorar la puesta en escena del western clásico. También aprendí mucho de animación aunque no me dedico a ese rubro, y eso me hace gozar las películas de animación clásicas y analizar las nuevas con otra perspectiva.

Creo además que mi pintura va tomando una nueva dirección; no está muy claro a dónde voy, pero no será igual a lo que hacía, digamos, a mediados de 2009. Así las cosas, brindo porque 2011 sea un año de mucha más dedicación a mi pintura personal.

Hecho el balance bitacoresco, los dejo con una animación muy navideña -sin color, lo siento- cortesía del animador inglés Simon Tofield, quien generosamente sube sus animaciones a Youtube y tiene su sitio aquí www.simonscat.com:

Por fin, una entrada bitacoresca

2010-12-22T16:12:00.000-08:00

Hace poco hablé sobre mi próxima exposición (la que yo estaba segura organizaría a más tardar en marzo de 2011), que tenía todo planeado, listos los bocetos, el lugar, en fin... lo que no tenía contemplado es que en ese momento estaba en un clímax de adrenalina por haber trabajado sin cesar durante siete meses para la película Héroes Verdaderos -pinté casi 200 fondos, es decir aproximadamente 20% de la película- y que toda esa planeación era una manera de sublimar lo no pintado en ese tiempo.

Ahora, meses después, resulta que mis bocetos y organización sólo sirvieron como un mero pretexto para mi trabajo reciente, ya que las ideas que tenía involucraban necesariamente una pintura figurativa, cosa que no se me está dando, además de que he perdido el interés en esa exposición como tal (aunque algo de dichas ideas se alcanza a traslucir en mis nuevas pinturas).

Al principio me costó aceptar que no habría tal exposición en marzo, pero luego descubrí la tranquilidad de trabajar cada pintura por sí misma, sin necesidad de relacionarla con algún proyecto o tema en especial. Desde 2004, salvo algunas excepciones, venía pintando “por proyecto”, es decir, con una exposición en mente y casi con una museografía imaginaria. Expuse cada año, individualmente o en colectivas donde presentaba un buen número de pinturas, con todo y que pasaba buena parte de mis días trabajando en una oficina. No negaré que esta manera de trabajar me permitió un crecimiento al ceñirme a un tema o bien a un aspecto técnico, como enfocarme en composición y no tanto en color, por ejemplo, en 2007.

Pero este año, al finalizar la producción de la película, y al pasar el momento de adrenalina, tuve un lapso de abrumador cansancio y me di un merecido descanso (a nivel creativo, aclaro, ya que unas vacaciones no han sido posibles aún). Empecé a pintar con calma, en pequeño formato y sin planear más allá de cada pintura. Se puede ver parte de este trabajo en mi blog de pintura, además de algunos dibujos en carbón o pastel en papel membretado.

Teresa Clark
"Canción"
Oleo/acrílico sobre tela
50 x 50 cm.
2010

Comencé, nuevamente, la búsqueda de un lugarcito en el mundo del arte, o al menos de las ventas de arte, con la esperanza de encontrar comprador en estas fechas navideñas. Pero como la necesidad no se detiene tuve que buscar también trabajo como fondista, el cual afortunadamente encontré en un proyecto que se estrenará en el cine a fines del año que viene.

Así es que otra vez estoy trabajando como fondista para animación, en otro estudio y aprendiendo nuevas cosas (parte de lo que hago es para fondos en 2D y parte son texturas para fondos en 3D). Esta vez las condiciones son más amigables: trabajo desde casa y tengo más control sobre mi tiempo. Por suerte soy disciplinada y si bien el primer mes tardé en organizarme, me he podido dar el espacio para dedicarme a mis pinturas. Si algo aprendí en la producción pasada es que no importa cuánto me guste pintar fondos, mi trabajo personal reclama su lugar, independientemente de que no se puede ser pintor más que pintando.

Y, ¿quién iba a decir? Resulta que algo de mi trabajo sí será mostrado, no en marzo sino en abril, en un contexto distinto de la típica exposición, pero no por ello menos “culto”. Ya les contaré en su debido momento.

Pintura a la medida del cine o un pintor… ¿maldito? ¿alternativo?

2010-12-12T18:28:00.000-08:00

Hace un par de años tuve oportunidad de ver la película House of Usher dirigida por Roger Corman, una adaptación cinematográfica del cuento de Edgar Allan Poe La Caída de la Casa Usher, estelarizada por un rubio Vincent Price en el papel de Roderick Usher y producida por American International Pictures en 1960.

Esta película, digna representante del cine clase B, contó con mayor presupuesto que las pelis anteriores de Corman -fue filmada en Cinemascope y en color-, y el guión corrió a cargo de Richard Matheson, quien me parece un gran escritor y guionista (al día de hoy lamento que su novela Soy Leyenda nunca logró ser adaptada aceptablemente al cine, justamente por su calidad literaria, supongo). Debo decir, sin embargo, que la peli de Corman no me gustó mucho. Matheson tuvo que "estirar" el cuento de Poe para hacerlo funcionar como largometraje, añadiendo una historia de amor que en la historia original no existe (nunca sabremos hasta qué punto AIP tuvo que ver en ello), además de algunas secuencias que a mi parecer sí funcionan, como la que me lleva a escribir esta entrada: la secuencia donde nos muestran los retratos de la familia Usher. Ahora, gracias a Youtube, tenemos a mano esa precisa secuencia:

Los retratos de los infames antepasados de Roderick, que oscilaban entre la locura y el crimen, me impresionaron sobremanera por su expresividad -el Capitán es mi favorito- y quise saber de inmediato quién era su autor. En los créditos del departamento de arte aparece el pintor Burt Shonberg. En ese entonces -como dije, hará dos años que vi la película- no había mucha información sobre él, aparte de que había participado en el departamento de arte de algunas películas y datos algo legendarios, como que las pinturas de House of Usher se habían protegido previamente a la escena del fuego (se sabía que el set, que era un granero, ardería al final del rodaje por estar establecido en el guión) y que Vincent Price se las había llevado al terminar la producción. También leí por ahí que el pintor se la pasaba en viajes de LSD (como siempre, en los mitos sobre los artistas desconocidos, además de su pobreza y desorden pareciera importantísimo hacer notar sus posibles adicciones).

En el libro Richard Matheson on Screen: A History of the Filmed Works, escrito por el mismo Matheson, éste escribe sobre House of Usher, sobre las pinturas, y sobre un comentario que escuchó decir a Corman sobre Burt Shonberg:

"…un pintor muy extraño y joven, que estaba teniendo algo de boga en… cafés y galerías post-beatnik, pre-hippie en Hollywood. Yo le encargué todas estas pinturas, y todos al final tomaron una como un recuerdo… Tomé el retrato de Vincent Price para mí… Pienso que (Shonberg) expresó muy bien el espíritu (de la película) en la que estamos mostrando personas reconocibles, pero las mostramos a través de una visión distorsionada, posiblemente la visión distorsionada del artista, que está recogiendo la distorsión dentro de las mentes de las personas".

(La traducción corre a cargo de su servidora)

Yo no recuerdo haber visto en la película un retrato de Vincent Price (a no ser que se refiera a uno que se supone que está pintando Roderick en la película, que es de su hermana) pero sí esta pintura que aparece sobre la chimenea, supuestamente pintada por él mismo:

Burt Shonberg ahora tiene un sitio: www.burtshonberg.com, aparentemente elaborado por un sobrino suyo en 2009, en el que se nos cuenta algo de su biografía -nació en Massachusetts en 1933 y murió en 1977 en California, pintó murales y pinturas para clubs nocturnos y cafés en California y fue famoso por su emprendimiento -junto con el guionista George Clayton Jonson- de abrir en 1958 el Café Frankenstein (también tiene su sitio http://cafefrankenstein.com/) en Laguna Beach California:

El Café Frankenstein, en 1958

El Café Frankenstein contaba con cafetería, librería y tienda de sandalias (recordemos que estaba situado a la orilla del mar), y fue legendario en la escena alternativa beat, surf y folk de la época, donde se suponía se llevaban a cabo ciertas actividades ilegales -Wikipedia nos dice que solían añadir brandy al café-. Cuenta la leyenda que dos policías encubiertos, que observaban dichas actividades, se convirtieron en clientes asiduos. Otra actividad ilegal fue una sesión de fotografía donde la modelo Barbara Kellogg posó desnuda en el café y gracias a ella podemos apreciar los colores del vitral (si pueden apartar la vista de la modelo, claro):

Barbara Kellogg en el Café Frankenstein. Foto tomada del blog Frankensteinia

Pero la anécdota más famosa de este lugar es que la liga de señoras de la iglesia local se escandalizó por la existencia de un vitral con la cabeza de Frankenstein, y demandaron al Café por considerar que los vitrales debían ser de uso exclusivo para las iglesias. Shonberg los amenazó con hacer un vitral de Frankenstein crucificado y ahí acabó la protesta. Posteriormente, en 1960 el Café fue vendido a la tienda de sandalias pero continuó sus actividades, hasta que en 1962 se vendió a otro vecino, que lo demolió, convirtiendo el terreno en un estacionamiento.

Burt Shonberg -nos dice su página- tuvo una muestra individual en 1965 y mucho de su arte es parte de colecciones privadas de celebridades y gente del medio del espectáculo en Hollywood. Hizo también algunas portadas para álbumes de grupos musicales del momento y una para la Sexta Sinfonía de Tchaikovsky de Capitol Records.

Hay algo que me inquieta sobre este artista, no precisamente sus temas o su estilo, sino el porqué tuve que esperar tanto para conocerlo, gracias en todo caso a internet, a su sobrino y a diversos blogueros, siendo que sus pinturas son famosas -¿o infames?- a partir de la película de 1960. Lo que pintó para el cine para muchos es arte por sí mismo; para otros quizá sea considerado tan sólo material del departamento de arte de la productora.

O quizá sea que ningún galero "lo descubrió", o que él no hizo el lobbying necesario para llevar su arte a otras instancias, probablemente porque no lo quiso hacer. No sabemos aquella exposición dónde se llevó a cabo, ni quiénes asistieron. De lo poco que he podido averiguar, me parece que era un artista alternativo, en todo el sentido de la palabra. Sea como fuere, les recomiendo una visita a las galerías del sitio de Burt Shonberg www.burtshonberg.com, especialmente a la sección de dibujos, muy característicos de la época y a la vez muy personales.

Papel membretado

2010-11-15T09:51:00.000-08:00

En algún momento de mi adolescencia mi papá me regaló un Estuche “Canciller” de la marca Scribe, que contenía papel, sobres, tarjetas, y mi nombre impreso en una tipografía manuscrita. El papel tenía cierta textura (ahora sé que es bond Monarch), en elegante color beige. Nunca comprendí el sentido del regalo, dado que yo no tenía a quién escribir, y aunque lo hubiera tenido ese papel era demasiado solemne para esa etapa de mi vida (hubiera deseado algo con diseños geométricos y colores chillones; resaca de los años 80’s en esos 90’s que recién comenzaban).

Sin embargo, conservé el estuche ya que valoraba el papel “fino”. Y aunque quizá no sea realmente bueno como un Ingres o un Arches, no es un papel despreciable. Lo único que me molesta es que mi nombre aparece en todas y cada una de las hojas, como un sello, una “prefirma” que yo no elegí pues si bien mi nombre es ése, el diseño del membrete no corresponde con mi persona.

¿Qué quiso darme mi papá con este regalo? Tal vez una herramienta para mi inminente vida adulta, la que él se imaginó que yo tendría, una en la que escribiría cartas y enviaría regalos a mis clientes de negocios, o a mis amistades, de seguro también muy elegantes. Pero no se le ocurrió que yo no quería ser una señora elegante, ni abogada, ni mujer de negocios. Él deseaba sin duda que lo fuera, y a raíz de eso he tenido muchos conflictos en mi vida, pues en una época me engañé a mí misma y sentí que yo también deseaba ese futuro para mí. Eso sí, sin descuidar a mi marido y a mis hijos, que tendría jovencísima, claro.

Ahora soy señora sólo en lo que se refiere al estado civil; de elegancias y negocios, nada. Dediqué los últimos diez años a formarme como pintora y encontrar la manera de sobrevivir pintando. Soy -y sospecho que siempre seré- una mujer en transición, como en una adolescencia tardía. A la vez me gusta verme como alguien que está por comenzar algo, algo bueno.

Conservé el Estuche “Canciller” todos estos años habiéndolo utilizado en una sola ocasión, para redactar una carta de renuncia a un despacho de abogados donde trabajé brevemente. Mudanza tras mudanza, el estuche vino con mis cosas; en algún momento consideré que tal vez serviría para hacer bocetos de acuarela o pastel, aún así nunca lo usé.

Hace unos días hice unas pruebas con carboncillo y pasteles en el papel “Canciller”. No está mal. Aguanta medianamente el carboncillo, siempre que sea del tipo sintético. El pastel no tanto, pero tiene un grosor que soporta la insistencia y eso me gusta. Y está el tema del formato: siempre que trabajé con carboncillo o pastel fue en unos pliegos extensos, pues mis maestros consideraban que era bueno tener espacio para soltar la mano.

Descubrí que el formato de mi “Canciller”, más reducido que el tamaño carta, me vino perfecto para encuadrar ideas sueltas, sueños, garabatos. La firma se duplica; por una parte el membrete serio, donde está la “prefirma” y por otro mi firma, la verdadera, la de pintora, en la obra misma. En síntesis, es para mí una experiencia liberadora, resultado de algo tan simple y al mismo tiempo tan simbólico: pintar sobre un papel destinado a una vida que no fue, haciéndolo mío, y volviendo a firmar con mi nombre, que sigue siendo el mismo aunque la persona que lo usa es totalmente diferente.

Un nuevo uso para el papel, utilizando dos tipos de carboncillo.

Estos dos fueron inspirados por un sueño en que soñaba que iba al mar.

Este es un boceto en pastel para un proyecto que tengo (por el momento no les puedo contar).

Este fue por el puro gusto de volver a pintar un caballito de mar.

Cuando el horror y el humor se encuentran

2010-10-30T22:54:00.000-07:00

No soy propensa a festejar la Noche de Brujas pero tenía tiempo con ganas de postear esta secuencia, que me parece una de las mejores de horror/humor que he visto en mi vida: La Leyenda del Jinete sin Cabeza, de Walt Disney (1949).

El título original en inglés es The Legend of Sleepy Hollow y en español está editado como el número I de las "Fábulas de Disney", que por el momento es difícil de encontrar pero ojalá si no la han visto pudieran conseguir la historia completa. La voz del narrador en español es del cómico mexicano Germán Valdés "TinTan" que hizo mucho y memorable trabajo de doblaje para Disney.

Hablando de grandes artistas que roban… entre sí

2010-10-17T11:59:00.000-07:00

En mi entrada “Los buenos artistas copian, los grandes roban”, al no encontrar la fuente donde supuestamente Picasso dijo esta frase, cité en cambio a T.S.Eliot quien escribió en su ensayo Philip Massinger (1920) lo siguiente:

"Los poetas inmaduros imitan, los poetas maduros roban, los malos poetas desfiguran lo que toman, y los buenos poetas lo convierten en algo mejor, o al menos en algo diferente. El buen poeta integra su robo en un todo de sentimiento que es único, patentemente distinto de aquello de lo que fue arrancado; el mal poeta lo estampa en algo que no tiene cohesión. Un buen poeta tomará prestado generalmente de autores lejanos en el tiempo, o extranjeros en la lengua, o de intereses diversos".

Vuelvo a la cita para detenerme en la última parte (las negritas son mías, claro) pues, a diferencia de las burdas apropiaciones u “homenajes” que frecuentemente se observan en el arte, especialmente el contemporáneo, he encontrado ejemplos donde autores de medios distintos toman obras completas no sólo de autores lejanos en el tiempo o extranjeros, sino incluso de otros medios (literatura, cine, pintura, música, etc.), ya sea por inspiración o como recurso para lograr algo en su propio medio, consiguiendo un efecto que enriquezca la obra final y por supuesto la apreciación del espectador.

Mi favorito es un “robo” del cine para integrarlo a la literatura, que ocurre en la novela El Beso de la Mujer Araña (1970). El autor, Manuel Puig, descaradamente se roba una película, Cat People (1942, en español La Mujer Pantera), producida por Val Lewton, quien a su vez también robó pinturas para situar sus películas. Pero vamos por partes:

En El Beso de la Mujer Araña, Manuel Puig se vale de la narración de la película La Mujer Pantera como recurso dentro de la historia que quiere contar en su novela; no se trata de una adaptación, y en ello está la inteligencia y la destreza como escritor de Puig; se trata puramente de cine narrado dentro de la literatura y como parte de una historia mayor:

Un preso le cuenta una película a su compañero de celda, a lo largo de varias noches, comentándola y agregando sus puntos de vista respecto de la historia y los personajes. Así la película cambia, se convierte en un recuerdo grabado en la memoria de este personaje, quien lo adereza y goza al contarla a su compañero. Esta narración no es casual, ni un artificio literario para adornar, sino que es un recurso para la historia que está contando Puig, dado que era necesario que un preso comenzara a acercarse al otro para intimar, siendo que ambos son totalmente distintos e incluso hay rechazo del segundo hacia el primero, por lo que contar una película por las noches resulta un buen acercamiento (no cuento más, por si alguien no lo leyó).

El relato es tan convincente que, ignorante de mí, creí que había sido escrita ex profeso para la novela, pero cuando me enteré que la película de La Mujer Pantera existe, quise verla en su versión original (hay un remake protagonizado por Nastassja Kinski). Por suerte la conseguí en un videoclub “de arte” ya que es una película de 1942, y confirmé no sólo que Puig efectivamente la contó de principio a fin, lo cual me pareció alucinante, sino que además la película es una joya por sí misma, y la historia detrás de ésta lo es aún más.

A principios de la década de 1940, la RKO-Radio Pictures quiso producir una serie de películas de bajo presupuesto para atraer al público que gustaba de las películas de horror de los estudios Universal, y convocaron a Val Lewton para que las produjera. Ellos le daban títulos que consideraban llamativos, un reducido presupuesto (aproximadamente 200,000 dlls. para cada una), y entera libertad para filmar. Los títulos eran decididamente clase B: Caminé con un Zombie, El Barco Fantasma, El Hombre Leopardo, etc.

Lewton, amante del arte, no quiso llenar sus películas de gente en disfraces de peluche o efectos baratos, sino que logró lo más con menos y se decidió por el horror basado en el suspenso; su idea de no mostrar logró más efecto, por ende más miedo, además de contener personajes complejos e incluso entrañables. Tuvo a su favor que sus primeras películas fueran dirigidas por Jaques Tourneur y un departamento de fotografía y arte increíbles: La Mujer Pantera fue la primera de la serie y un éxito rotundo, tanto en ventas como en su calidad. Por cierto, se dice que ésta fue la primera película que contiene el “bus effect” (cuando el personaje queda cubierto por un autobús que llega y no se sabe si sube, si baja, si es salvado por éste, etc.).

Y bueno, volviendo al “robo”, resulta que en Lewton hay una gran influencia de novelas clásicas (Jayne Eyre tropicalizada en Caminé con un Zombie de 1943, una adaptación de R.L. Stevenson en Los Ladrones de Cuerpos en 1945, etc.) pero también de pinturas románticas en los escenarios donde se desarrollan sus películas.

Específicamente hubo un caso provocado directamente por el estudio al darle el título Isle of the Death (La Isla de los Muertos), por lo que, sin más, decidió inspirarse en la pintura de Arnold Böcklin conocida bajo el mismo título, para situar la historia en una isla supuestamente en Grecia:

Arnold Böcklin, La Isla de los Muertos 1880, Óleo sobre lienzo, 111 x 115 cm, Kunstmuseum, Basilea (esta es una de las cinco versiones, de las cuales sobreviven sólo cuatro).

Fotogramas de la película “La Isla de los Muertos”, 1945 RKO-Radio Pictures

Protagonizada por Boris Karloff en un papel decididamente mucho más humano que su famoso Frankenstein de la Universal, esta cinta “toma prestado” también un poquito de Edgar Alan Poe, con el personaje de la chica víctima de una plaga que es enterrada viva y reaparece luego, entre la locura y lo fantasmagórico.

Se produjeron en total nueve películas entre 1942 y 1946, y a pesar de esos títulos son bellísimas y con un horror sutil que las hace verdaderos clásicos.

Ahora, volviendo al artista que roba, ¿es un robo o no lo es? ¿Puig realmente le robó a Lewton al integrar su película como un recuerdo de un personaje? ¿Lewton robó a Böcklin o Poe al llevarnos a esa isla donde los muertos se levantan? Se dice que la viuda que encargó esa pintura a Böcklin, le pidió “un cuadro para soñar” ¿acaso no nos hace soñar Lewton con esta película?

Para mayor información:

*El Beso de la Mujer Araña está editado por Seix Barral y por DEBOLSILLO. Además lo pueden encontrar en pdf aquí

*Existe una colección de las películas de Val Lewton editadas en DVD The Val Lewton Horror Collection (únicamente en inglés) el link a Amazon está aquí y se las recomiendo porque además contiene un documental Shadows in the Dark-The Val Lewton Legacy con Martin Scorsese.

Al fin una muestra

2010-09-27T09:48:00.001-07:00

La película Héroes Verdaderos, en la que trabajé como colorista de fondos, se estrenó el viernes pasado. Independientemente de la emoción que implica que un proyecto de esta envergadura haya visto finalmente la luz pública, me da gusto que por fin puedo mostrar aquí algo de mi trabajo para ellos.

Aclaro que White Knight Creative Productions tiene los derechos sobre estas imágenes que fueron realizadas específicamente y por contrato para el largometraje Héroes Verdaderos:

© Copyright White Knight Creative Productions

Todos los fondos fueron trazados a lápiz sobre papel por el equipo de línea del departamento de fondos, posteriormente fueron escaneados y pintados en Photoshop CS3 en altísima resolución. Las texturas que ven en ellos fueron pintadas a mano, mediante el uso de una pluma electrónica (Wacom) esto quiere decir que si ven textura por ejemplo de roca, cada puntito o rajadura de la piedra fue pintado a mano sin ayuda de texturas preexistentes o “brushes” de Photoshop.

"Los buenos artistas copian, los grandes roban"

2010-09-12T10:45:00.000-07:00

Últimamente vengo escuchando esta frase, o bien leyéndola por cualquier lugar en internet, y por ingeniosa que suene, me ha hecho cuestionarme, sobre ella misma y sobre el uso que se le da continuamente.

Ha sido tradicionalmente atribuida a Picasso, aunque en inglés también se le ha atribuido a T.S. Eliot, sólo que cambiando la palabra “artistas” por “poetas”. Es famosa también por haber sido citada por Steve Jobs, fundador de Apple, en una entrevista en 1994 (aquí la entrevista) y ahora más popular aun al figurar en la película Piratas de Silicon Valley, que trata justamente sobre la relación Windows-Apple.

El contenido de la cita resulta polémico pues si se le da una indebida interpretación resulta la justificación perfecta para el plagio, pero ¿quiénes somos nosotros para cuestionar a Picasso? Lo increíble es que la multicitada frase tiene un origen oscuro pues nunca se cita con la fuente, es decir, cuándo y en qué contexto fue dicha, lo cual no evita que se le dé un aura de autoridad.

Si bien no he encontrado la frase original de Picasso, sí es posible encontrar cómo lo dijo T. S. Eliot, en su ensayo sobre el dramaturgo isabelino Philip Massinger” escrito en 1920 (aparentemente Massinger se había “apoyado mucho” en Shakespeare para su trabajo):

"Los poetas inmaduros imitan, los poetas maduros roban, los malos poetas desfiguran lo que toman, y los buenos poetas lo convierten en algo mejor, o al menos en algo diferente. El buen poeta integra su robo en un todo de sentimiento que es único, patentemente distinto de aquello de lo que fue arrancado; el mal poeta lo estampa en algo que no tiene cohesión. Un buen poeta tomará prestado generalmente de autores lejanos en el tiempo, o extranjeros en la lengua, o de intereses diversos".

*La versión en español la tomé del análisis de José Manuel Mora-Fandos que se puede leer completo aquí. La bibliografía en inglés: Eliot, T.S., “Philip Massinger,” The Sacred Wood, New York: Bartleby.com, 2000.

La diferencia entre lo explicado con detalle en los párrafos anteriores y la frase como ha sido tergiversada es abismal; se pierde toda la riqueza de lo escrito por T.S. Eliot y en su lugar nos queda una “cita citable”, susceptible de ser mencionada en cualquier charla de café y que, por supuesto, se presta a justificar cualquier tipo de uso dudoso de la creación de otros, dándose de paso aires de “grandes artistas”.

Eliot nos dice que el robo del buen poeta es integrado en un “todo de sentimiento que es único, patentemente distinto de aquello de lo que fue arrancado”. Esto lo ejemplifica el mismo Picasso, pues supo tomar del pasado pero transformándolo en algo totalmente nuevo, como hizo con su obra titulada “Las Meninas”, “robada” de Las Meninas de Velásquez (obvio, no quiso robar sino reinterpretar o confrontar y por ello eligió una de las pinturas más famosas de la historia, acto que por cierto ha sido imitado hasta la saciedad):

Pablo Picasso, Las meninas, 1957, 194 x 260 cm., óleo sobre lienzo, Museo Picasso en Barcelona

Diego Velázquez, Las Meninas, 1656-57, óleo sobre tela, 318 × 276 cm, El Prado, Madrid

Más allá de la posible bastardización de la frase original de Picasso, cualquiera que ésta haya sido, ha sido muy enriquecedor para mí encontrar el texto original de T.S.Eliot, como la expresión de un creador sobre el origen de la inspiración de las grandes obras, pues es evidente que, aún escribiendo en su rol de crítico, él no podía deslindarse del todo de su condición de poeta.

Termino con otro fragmento del texto sobre Philip Massinger, en el que Eliot agrega:

"Sólo una parte de la imaginería de un autor procede de sus lecturas. ¿Por qué, para todos nosotros, a partir de lo que hemos escuchado, visto, sentido, durante nuestra vida, ciertas imágenes recurren, cargadas con emoción, más que otras? Tales recuerdos pueden tener un valor simbólico, pero no lo podemos determinar, porque vienen a representar las honduras de sentimiento a las que no somos capaces de asomarnos".

Continúa

Ahhh... la incomodidad

2010-09-05T21:23:00.000-07:00

Siempre me ha molestado ese momento, que suele durar días o hasta semanas, en el que sé que estoy muy próxima a pintar algo -pintar realmente, no bocetar o hacer pruebas-, sobre todo si se trata de alguna idea que me ha venido rondando la mente por un buen tiempo. No puedo negar que es emocionante; ¿entonces porqué la molestia? Trataré de explicarlo.

Antiguamente si tenía una idea me entusiasmaba y comenzaba a pintar cuanto antes, en el soporte que encontrara, de las medidas que fueran y sin mayor preámbulo, lo cual no está mal si se trata de un ejercicio o prueba pero yo lo hacía buscando la pintura “final” (como si la pintura definitiva existiera realmente). Entonces, si el flashazo de inspiración duraba y tenía suerte, lograba lo esperado; pero en la mayoría de las ocasiones la inspiración era fugaz o la idea no estaba madura, por lo que me daba un duro golpe (al ego, claro está) cuando el resultado no se parecía a la idea original. Entonces trabajaba y trabajaba sobre el mismo lienzo sin cesar, obsesiva, hasta que en algún punto lo dejaba por la paz, decepcionada. En el mejor de los casos, pasado un tiempo, comenzaba otra pintura con la misma idea y las cosas eran distintas, con menos ímpetu pero con más claridad de lo que estaba haciendo, y el resultado era mejor.

Con los años fui superando mi antiguo sistema de prueba-golpe-al-ego-y-error, y en vez de lanzarme de inmediato al bastidor final hago algunos bocetos, considero composiciones, formatos y posibles tamaños, consigo el bastidor a la medida proporcional del boceto que más me atraiga y entonces sí, comienzo la pintura con una idea más clara. Sé que esto suena bastante obvio pero, ¿quién no ha tenido el impulso de empezar cuanto antes a trabajar en una idea que le parece maravillosa?

James McNeill Whistler, Boceto para "The Balcony"

Hasta pintores con pintura de aspecto tan "espontáneo" como Whistler hacían trabajos preparatorios, aquí la pintura final:

James McNeill Whistler, "Variations in Flesh Color and Green: The Balcony". 1867-1868, 61.4 x 48.8 cm, Freer Gallery of Art, Washington E.U.A.

También existe el miedo, me atrevo a afirmar que es fundado, a sobre-preparar una pintura, al hacer demasiados bocetos o bocetos tan acabados que parecen más bien pinturas finales en pequeñito, lo cual indica que lo que hay que hacer es pintar ya, antes de que se “cebe” la pintura misma, perdiendo frescura y sobre todo perdiendo disfrute en el proceso de pintarla.

Entonces, la incomodidad me viene justo después de un periodo de preparación y consideración de ideas varias y sus diferentes posibilidades y el momento en que sé que tengo que empezar, romper el hielo, iniciar la primera pintura de la serie, usar el boceto apenas como una aproximación y realmente elaborar en la pintura, mientras pinto.

Dicho lo anterior, me pongo a preparar mi bastidor para la primera pintura de la serie y no pienso más en ello.