BliZZarraDas

Ricochet (1991)

2026-04-15T17:01:00.005+02:00

Hora de volver a verla.

Nick Styles es un policía de Los Angeles. Durante un carnaval, Earl Talbot Blake arma un escándalo tras un fallido negocio de drogas. Styles y Blake se enfrentan, y durante el enfrentamiento, Blake resulta herido por Styles y posteriormente es enviado a prisión. Siete años después, Blake escapa de prisión durante una audiencia de libertad condicional para vengarse de Styles, lo que desencadena una violenta serie de eventos que destruyen la carrera de Styles como fiscal del distrito.

En el reparto tenemos a Denzel Washington (Nick Styles), John Lithgow (Earl Talbot Blake), Ice-T (Odessa), Kevin Pollak (Larry Doyle) y John Amos (Reverend Styles).

Además Mary Ellen Trainor (Gail Wallens) retoma el personaje de la reportera de "Die Hard" (1988). Pero técnicamente no transcurren en el mismo universo porque otros dos actores que repiten no interpretan los mismos personajes. Supongo que depende como quieras verlo.

John Lithgow no pestañea casi nunca en esta película. Llevó una lentilla para que diera la impresión que tenía un ojo de cristal. También usó una rodillera para acentuar la cojera.

Fue la segunda película seria para Ice-T, quien además hizo un videoclip con la canción "Ricochet", la otra fue "New Jack City" (1991). Previamente había salido en "Breakin'" (1984), "Breakin' 2: Electric Boogaloo" (1984) y "Rappin'" (1985).

Tras los pases previos la película sufrió muchos cortes, para rebajar el nivel de violencia. Entre las escenas cortadas está la de Blake golpeando a Styles haciéndole vomitar.

La escena de Earl hablando por un teléfono público fue filmada con cámaras ocultas en una calle normal. La reacción de la gente fue genuina.

Empiezan jugando al baloncesto, son dos parejas, una de ellas de un negro y un blanco. No he podido evitar pensar en "White Men Can't Jump" (1992), la cual, curiosamente, ha tenido un remake reciente.

Lo de ligar con una chica siendo él policía me recuerda a "Rush Hour 3" (2007).

Me encanta que hablen de "Star Trek" y lo hagan de la serie de los 60 porque la TNG aún no había calado en la cultura popular, a pesar de llevar unos pocos años en emisión.

Cuando dicen que Nick ya es fiscal del distrito vemos como realiza un arresto en un programa estilo "Cops".

He de decir que no recordaba la escena de la prisión donde Blake se enfrenta con un preso con unos libros pegados a sus cuerpos y un par de espadas improvisadas. Muy estilo "Highlander" (1986), del mismo director.

Me hace mucha gracia que el collage que ha hecho Blake en su celda con imágenes de Nick incluya a un par de tías enseñando el potorro.

Convenientemente ningún guardia de la prisión reconoce a Blake cuando sale caminando tranquilamente, con otros presos además.

Ostras, acabo de caer, el villano con el ojo de cristal, asesino incluso de sus "amigos" (porque, como siempre digo, es la mejor manera de demostrar que un malo es malo), es en el que se basaron para hacer el de "Last Action Hero" (1993).

Lo cierto es que mola ver cómo nadie cree a Nick tras ser secuestrado. Ni siquiera su esposa.

Tenemos dos cosas que salen por televisión, en diferentes momentos. Me ha costado un poco dar con la primera, es un episodio de la serie "Tales from the Crypt", más concretamente el quinto de la primera temporada, titulado "Lover Come Hack to Me". Lo segundo es la película "White Heat" (1949).

El final me ha parecido un tanto extraño. Entiendo que el malo tiene mucho ego y que quiere que las cosas vayan de una manera muy concreta, pero de ahí a salir a la calle para ver como Nick se suicida mientras grita "¡No, no lo hagas!" me resulta demasiado estúpido. Y luego que vaya a la torre sólo porque una voz en el teléfono se lo dice es su segundo gran error, aparte que es obvio que Nick le va a estar esperando y que va a exponerle, matándolo.

Otra cosa que no hay por donde coger es que en las noticia lo llamen fiscal del distrito cuando lo habían destituido del cargo. Y que su familia aparezca de repente justo tras matar al malo, cuando estaban en un lugar seguro, tampoco tiene demasiado sentido.

En fin, al menos no es la típica película de un asesino y un policía/fiscal. Me hubiera gustado ver la versión original, con más violencia. Seguramente la habría disfrutado más.

Backdraft 2 (2019)

2026-04-15T01:01:00.007+02:00

Pues sí. Esto existe.

El investigador de incendios provocados Sean McCaffrey, hijo del difunto teniente Stephen "Bull" McCaffrey, trabaja en la Estación 17 del Departamento de Bomberos de Chicago, una de las unidades de la división dirigida por su tío Brian McCaffrey. Sean prefiere trabajar solo y, al principio, se muestra grosero cuando el capitán White de la Estación 17 le dice que debe seguir el protocolo y trabajar con una compañera, Maggie Rening.

28 años más tarde alguien pensó que sería buena idea hacer una secuela. Yo ni siquiera conocía que existía hasta que volví a ver la primera.

Y lo primero que me sorprende es ver que repiten William Baldwin (Brian McCaffrey) y Donald Sutherland (Ronald Bartel). Es el único motivo por el cual me he animado a verla.

Técnicamente aparece Kurt Russell también. En una fotografía, claro. Supongo que tuvo un año muy ocupado cuando la rodaron pues estrenó dos títulos, uno de ellos de Quentin Tarantino.

La escena inicial nos indica qué tan diferente es esta película respecto a la primera. Allí veíamos un acto heróico que termina en tragedia, aquí un listillo resuelve un crimen más rápido que Sherlock Holmes. Y encima suelta una one-liner: "I'm a fireman".

No me malinterpretéis, me encantan esas cosas, pero creo que ese cambio tan drástico de estilo no es en beneficio de la secuela. Aparte que el actor no me acaba de convencer.

Me fascina que copien el argumento de "The Enforcer" (1976). Me refiero a lo de asignar a la fuerza un compañero al protagonista y que sea una mujer "novata".

Curiosamente sí copian algo de la primera película, la primera explosión por "backdraft" es prácticamente idéntica. También repiten que el "detective", que en este caso es el protagonista, decide darle largas a su jefe sobre la causa del incendio.

Por cierto, Sean lleva la chaqueta de bombero que pone BULL, de su padre.

Lo del perro que de repente aparece en su puerta me recuerda a Riggs en la saga "Lethal Weapon" (1987).

Mágicamente hay un incendio, Sean captura al tipo mientras lo está mirando y de repente sabe un montón de cosas sobre el otro incendio.

Oh, también acuden a Ronald para que les ayude con el caso, como en la primera película.

Lo que más me molesta es que Sean, a pesar de estar dándole vueltas al incendio, de alguna manera tiene tiempo para investigar a su compañera.

Joder... el tipo del Departamento de Defensa contándoles TODO, el niño que de casualidad está frente a la casa que les da la pista clave para encontrar la pieza más importante... esta película está escrita por el guionista más vago de la historia.

Y lo de la chica que conoce y que le suministra la manera de interpretar los números tiene también tela...

En fin, muy flojita. No merece la pena buscarla.

Backdraft (1991)

2026-04-14T20:57:00.000+02:00

Una de bomberos, para variar.

Dos hermanos enfrentados continúan con la heroica tradición familiar de ser bomberos en Chicago. Pero cuando se reporta una desconcertante serie de incendios provocados, se ven obligados a dejar de lado sus diferencias para resolver el misterio que rodea estos crímenes.

Dirigida por Ron Howard. Suyas son "Thirteen Lives" (2022), la trilogía de "The Da Vinci Code" (2006) y "Ransom" (1996).

El reparto es impresionante, tenemos a Kurt Russell (Stephen McCaffrey), William Baldwin (Brian McCaffrey), Robert De Niro (Donald "Shadow" Rimgale), Donald Sutherland (Ronald Bartel), Jennifer Jason Leigh (Jennifer Vaitkus), Scott Glenn (John Adcox) y Rebecca De Mornay (Helen McCaffrey).

El verdadero Don Rimgale hace un cameo. Y también el hermano del director, Clint Howard (Ricco, el patólogo).

Usaron todo tipo de técnicas novedosas para filmar el fuego. Por ejemplo como no podían quemar "dos veces" las cosas les ponían líquido retardante. O filmaban con la cámara colgada del techo para que pareciera que el fuego se movía de una manera específica.

Aparte que construyeron un ascensor desde cero, quemaron un almacén que iban a demoler de todos modos y no usaron CGI, pues en aquel momento no existía esa tecnología.

Y muchos bomberos reales participaron del rodaje.

Es considerada la mejor película sobre bomberos.

Estoy bastante seguro de que fue la inspiración de la serie "Chicago Fire". Sólo he visto alguna escena suelta, pero se nota mucho la influencia.

Kurt Russell hace del padre y de uno de los hijos.

Tras el inicio vemos a un personaje que conduce un Porsche 944 de 1983. Tiene el típico color dorado/amarillo. Es el que muere de la explosión. Mucha más tarde, durante la autopsia, identifican mal el coche, dicen que es de 1987. He de decir que es un error muy común, los Porsche se parecen demasiado.

Stephen usa un reproductor de 8 pistas para escuchar música. Ni siquiera en los 80 llegué a ver uno. Es más, los conozco por las películas de EEUU.

Cuando por fin descubren al culpable se declara un incendio, los hermanos se dividen en dos camiones. En esa parte vemos que un camión de bomberos evita a un coche y vuelca el camión. El encargado de los efectos especiales tuvo que trabajar duro para conseguirlo pues, como él mismo dijo, esos camiones están hechos para no volcar.

Tiene una secuela titulada "Backdraft 2" (2019), que no he visto. Pero eso no es un problema porque será mi próxima entrada.

Meet the Feebles (1989)

2026-04-14T10:19:00.000+02:00

Hora de volver a ver estos teleñecos perturbados.

Heidi, la estrella del programa de variedades "Meet The Feebles", descubre que su amante Bletch, la morsa, la engaña. Con el mundo entero pendiente del programa, los demás coprotagonistas deben lidiar con sus propios problemas, como la drogadicción, la extorsión, el robo, las enfermedades, el narcotráfico e incluso el asesinato. Mientras tanto, el amor entre dos de las estrellas se ve amenazado por el astuto Trevor la Rata, quien desea explotar a la joven actriz para su negocio de películas pornográficas.

Volvamos al cine temprano de Peter Jackson, su mejor etapa en mi opinión. Con este título ya sólo me faltará por agregar "The Lovely Bones" (2009) al blog para que estén todas sus películas. Y de toda su filmografía faltará el documental "They Shall Not Grow Old" (2018) y unos cortometrajes. Se dice pronto.

Hace un cameo como el tipo del público disfrazado como el alienígena de "Bad Taste" (1987).

Yo tengo muy poco que contar sobre ella. Durante años fue la única película que no lograba encontrar hasta que di con un DVD y aún así estuve un tiempo sin verlo, porque siempre se me acumulan las cosas por ver (incluso antes de internet). La cuestión es que la recuerdo vagamente, pues la vi sólo una vez.

Como todas sus primeras películas el presupuesto fue ínfimo.

La mayoría de los espectadores de "The Feebles Variety Hour" son trozos de cartón recortados, hay muy pocas personas reales disfrazadas.

Originalmente fue planteado como una serie para televisión, pero aparecieron unos inversores japoneses y decidieron ir a por la película. Sirvió como inspiración para la serie infantil australiana "The Ferals".

No pudieron conseguir balas de fogueo para la M60. Así que usaron balas reales. Claro.

La gran mayoría son muñecos, también hay unos pocos humanos disfrazados, siendo el más notable Heidi, a quien vemos incluso correr.

Tiene un montón de canciones, algunas forman parte del espectáculo pero también tenemos una audición de un pececito, que termina mal, o una serenata de un tipo nuevo a una chica del coro. Creo que mi favorita es la que cantan en italiano, pero son sólo un montón de platos de comida, de nombres famosos y palabras sin sentido. O quizás la de la sodomía.

También hay algo de "gore", si es que se le puede llamar así, pues son peluches. Y sexo explícito, vómitos, perversiones, drogas... no hay límites.

Me hace mucha gracia la mosca periodista que, literalmente, come mierda.

También tenemos un flashback de la Guerra de Vietnam. Charlies incluidos. En esa parte hacen una referencia a "The Deer Hunter" (1978).

Me pregunto si la araña gigante está conectada con los libros de Tolkien, sería realmente curioso.

Aunque todo es una parodia de los teleñecos en realidad sólo la rana crucificada del final es la única que se parece un poco a Kermit.

Es excesiva, pero divertida. Como lo eran las películas de Peter Jackson antes de venderse al estilo Hollywoodiense. Cuando molaba, vaya. Aún así, he de decir que se me ha hecho un poco dura de ver. Con personas reales me habría gustado mucho más, sin duda.

Young Guns II (1990)

2026-04-13T18:51:00.006+02:00

La secuela.

Estamos en 1950. Bill Roberts es un anciano que espera que le den el perdón ahora cuando ve que se acerca la hora de su muerte. Llama a un abogado y le dice que es Billy the Kid, pero no le cree, pues la historia dice que fue asesinado por Pat Garret.

Repiten Emilio Estevez (William H. Bonney), Kiefer Sutherland (Doc Scurlock), Lou Diamond Phillips (Chavez y Chavez). Las novedades en el reparto son un montón, tenemos a Christian Slater (Arkansas Dave Rudabaugh), William Petersen (Pat Garrett), Alan Ruck (Hendry French), James Coburn (John Chisum), Robert Knepper (Deputy Carlyle) y Viggo Mortensen (John W. Poe).

Efectivamente, cambiaron al actor que hace de Pat Garret, el supuesto asesino de Billy the Kid. En la anterior fue Patrick Wayne.

Aunque mirando más a fondo el reparto me llama más la atención el nombre de la actriz porno Ginger Lynn (Dove). Había abandonado su carrera en la industria pornográfica en 1986, pero regresó en 1999 y apareció en títulos hasta el 2010, aparte de dirigir algunas películas. Una curiosidad más, en 1991 terminó yendo a prisión durante 4 meses y medio por evasión fiscal.

Arkansas Dave Rudabaugh le clava un cuchillo a Chavez en su brazo porque Lou Diamond Phillips se lo rompió durante el rodaje, no estaba en el guion. El incidente fue causado por Emilio Estevez, al disparar el caballo de Lou se encabritó y lo tiró al suelo, se rompió el brazo y una rodilla.

Esta vez la BSO corre a cargo de Jon Bon Jovi. Escribió "Blaze of glory" específicamente para la película. Hace un cameo como uno de los presos.

En la primera parte pecaron de ser demasiado fieles a la realidad, o a lo que se cree que pasó, en detrimento del entretenimiento. En mi opinión, claro está. En realidad muchas cosas eran pura invención. Ese es el problema, quizás deberían haberse ido a por ser lo más fieles posibles, casi como un documental, o ser ficción pura y dura y darnos algo más coherente.

En esta juegan con hechos reales y se inventan muchas cosas. Especialmente en lo que concierne a las muertes. Además de darle mucho más dinamismo a la acción, incluso las peleas estuvieron coreografiadas.

En esencia, el grupo del linchamiento vienen a ser un proto-KKK. Amparados por los representantes de la ley, yendo a por personas muy concretas, sin ningún tipo de restricciones, ni siquiera comprobaciones de identidad pues van encapuchados...

Cuando vuelvo a ver películas después de unos 30 años muchas caras me resultan familiares que no lo hicieron en su momento. En esta película hay un montón de ellas y, pensando en su carrera posterior, me hace gracia lo cambiados que están, tanto físicamente como en el tipo de personajes que interpretan.

Me parece más sólida que la primera, y eso que son similares en muchos aspectos. Pero, por ejemplo, la escena del rescate de los prisioneros es superior.

En resumen, me quedo con la segunda parte. Por cierto, no sé hasta qué punto es cierto pero se ve que había una tercera parte planteada, titulada "Young Guns 3: Dead or Alive".

Young Guns (1988)

2026-04-13T01:09:00.000+02:00

Aquí la titulamos "Arma joven".

Estamos en 1878, en Nuevo México. John Tunstall reclutaba a jóvenes pistoleros en el camino para que trabajaran en su rancho, pero también para enseñarles a leer y civilizarlos. Sin embargo, era una molestia para el rico ranchero Murphy, ya que competía con él en la venta de ganado. Un día, los hombres de Murphy le dispararon. El juez Wilson no podía hacer nada, puesto que el sheriff Brady era uno de los hombres de Murphy. Pero el abogado Alex lo convenció de nombrar a los jóvenes amigos de Tunstall como ayudantes del sheriff y emitir órdenes de arresto contra los asesinos.

Hubo varios western en los 80 y 90 que reinventaron un poco el género. Este fue uno de ellos, y tuvo tanto éxito que hicieron una secuela poco después, que será mi próxima entrada. Hay que tener en cuenta que tras el fracaso de "Heaven's Gate" (1980) se frenó casi en seco la producción de westerns, tan populares en las décadas anteriores.

Como bien dice el cartel, tenemos muchos nombres conocidos como Emilio Estevez (William H. Bonney), Kiefer Sutherland (Doc Scurlock), Lou Diamond Phillips (Chavez y Chavez), Charlie Sheen (Dick Brewer), Dermot Mulroney (Dirty Steve Stephens), Terence Stamp (John Tunstall), Jack Palance (L. G. Murphy) y Terry O'Quinn (Alex McSween).

Atentos al cameo de Tom Cruise. Estaba de casualidad en el rodaje y el director le preguntó si quería salir. Es el cuarto soldado (uno con bigote) al que dispara Charlie cuando sale pegando tiros de la casa.

Las escenas de pelea fueron improvisadas, no prepararon nada.

Charlie Sheen no sabía montar a caballo, se cayó en multitud de ocasiones y en una escena de tiroteo el caballo se fue corriendo sin poder controlarlo.

Cuando atraviesan el poblado indio vemos que Doc se tapa la cara. Es un doble, Kiefer Sutherland tuvo que irse del rodaje porque ese día su esposa estaba de parto.

Lo peor de esta película es cómo se toman todos que Billy empiece a matar a los hombres que se cargaron a John. Parece que no tengan clara su función en todo esto, más allá de ser ayudantes del sheriff.

De hecho, esas dudas son las que hacen que un tipo llegue a donde se esconden y se líe a pegar tiros, hiera a un par y mate a uno, sin que puedan hacer nada. Lo cual no hay por donde coger, pues siendo tantos sólo tenían que apuntarle y disparar antes de que tuviera oportunidad de hacerlo, pero, como dije, tienen demasiadas dudas. Me ponen nervioso.

Y en medio de todo el jaleo, Doc se empecina en salvar a una chica de China. Es una subtrama estúpida que sólo complica enormemente las cosas porque sí.

La escena de la prostituta que visita Dick era más larga, al final descubríamos que era su madre.

El personaje que interpreta Emilio Estevez es Billy the Kid, al menos le nombran con dos de sus apodos. Y, como dice en la película, no era zurdo. El error proviene de que las fotografías que habían de él estaban al revés.

Su capacidad de estrategia es nula, eso lo tengo clarísimo. Van a casa del abogado para salvarle, lo cual es una trampa más que obvia, y acaban siendo rodeados.

Por cierto, otra película más donde la gente dispara sin ver a quién, malgastando balas sin parar. Es, además, algo que hacen ambos bandos y que dura un montón.

Emilio Estevez tuvo un día libre en el que se vistió como uno de los malos y participó en una de las escenas de tiroteo del final.

Es una extraña BSO. Muy ochentera, sí, con sus sintetizadores y alguna que otra guitarra eléctrica. Pero no acaba de pegar demasiado en un western.

Como dije al principio, tuvo una secuela. Después de la masacre final quedan pocos vivos y el mensaje final da la impresión de ser una historia conclusiva, incluso dice cómo murió Billy. Con lo cual no tengo ni la más remota idea de cómo siguió esta historia... habrá que verlo.

Prince Of Darkness (1987)

2026-04-12T02:19:00.000+02:00

Aquí la titulamos "El príncipe de las tinieblas".

Un siniestro secreto ha permanecido oculto durante años en el sótano de una iglesia abandonada de Los Angeles. Tras la muerte de un sacerdote perteneciente a una secta misteriosa, otro sacerdote abre la puerta del sótano y descubre una cuba con un líquido verde. El sacerdote contacta a un grupo de estudiantes de física para que lo investiguen. Desafortunadamente, descubren que el líquido contiene la esencia del mismísimo Satanás, y también que liberará a un todopoderoso Anti-Dios.

Dirigida y escrita por John Carpenter. Puso la voz del científico que manda mensajes desde el futuro.

Con Donald Pleasence (Priest), conocido por la saga "Halloween" (1978). Victor Wong (Prof. Howard Birack), acababa de hacer "Big Trouble in Little China" (1986). Alice Cooper (Street Schizo), estaba de visita en el rodaje cuando el director le ofreció un papel. Y Peter Jason (Dr. Paul Leahy), una cara habitual en las películas de Carpenter.

Esta película me fascina. La he visto varias veces y soy del todo incapaz de decir nada sobre ella, se me olvida cada vez y eso que la vi al poco de salir e incluso compré el VHS. Es tan raro.

Luego, fue la primera vez que vi a Alice Cooper actuando. Lo cual resultó de una anécdota interesante, pues en su momento no conseguía encontrar a la actriz a la que se referían en los créditos, hasta que me di cuenta que era el cantante. Menudo choque.

En su primera aparición Birack habla de muchos temas de una manera un tanto ambigua, sin explicar exactamente a qué se refiere. Esto es porque ni siquiera Carpenter los tenía claros, sólo una idea superficial, y por ello no quiso profundizar demasiado. Lo cual es en beneficio del espectador medio, pues no habrían entendido gran cosa tampoco.

El eclipse y la supernova son "señales divinas" de que algo está a punto de suceder.

La secta religiosa cristiana secreta, el voto de silencio, el guardián de la "puerta"... son conceptos que me gustan mucho.

Es importante dejar claro que Birack es un físico teórico, quizás con conocimientos avanzados de matemáticas.

Por eso necesita a una experta para analizar un texto escrito en una mezcla de latín, griego y en copto, el cual viene a ser la última etapa de la antigua lengua egipcia, adoptada por un grupo cristiano, que ha sobrevivido hasta nuestros días.

La idea es que los vagabundos son personas "vacías", por eso están siendo controlados por el demonio.

Ciertamente, no habían ecuaciones diferenciales hace 2000 años, su origen data del siglo XVII, si mal no recuerdo.

En la tele echan el cortometraje animado "Heavenly Puss" (1949).

El efecto de empalar usando una bici ya lo hacía Alice Cooper en sus directos. De hecho, usa la misma. En esa escena de fondo escuchamos un canción suya titulada "Prince of Darkness".

La prueba del carbono 14 no puede fechar algo de 7 millones de años de antigüedad. Como muchísimo podría llegar a los 60.000, pero es poco fiable a partir de 45.000. En cambio sí se podría calcular con el uso de uranio-235 en plomo-207 o uranio-238 en plomo-206, los cuales permiten datar hasta 4.500 millones de años.

Me acabo de dar cuenta de que es el mismo argumento que el de "Ghostbusters" (1984).

En el texto que traducen aparece un símbolo, es parecido a una cruz, o quizás a una rosa de los vientos. En realidad lo sacaron del logo de Blue Öyster Cult. Es el mismo símbolo que tiene Kelly en el brazo.

Birack postula que, dado que cada partícula subatómica tiene una antipartícula, una mente universal (Dios) que encarna la luz tiene una contraparte maligna y una imagen reflejada (anti-Dios) que encarna la oscuridad. Este concepto no es exclusivo de la película. Se trata de un aspecto del dualismo cosmológico que tradicionalmente representa a dos dioses en oposición directa, independientemente de si existen otras deidades en una religión específica. Por ejemplo en el zoroastrismo, el benévolo dios del cielo Ahura Mazda (el "Señor de la Sabiduría") tiene como contraparte y principal enemigo al malévolo Angra Mainyu/Ahriman, espíritu de destrucción, caos, desorden e ira. Ese mismo concepto es el que usé en mi libro "Z", aunque con otros nombres para las divinidades del zoroastrismo. De hecho toda la historia gira en torno al equilibrio, la necesidad de la existencia de ambas partes.

De hecho, pensando un poco más profundamente, quizás fue el argumento de esta película lo que me inspiró de manera subconsciente. Aunque he de decir que hice mucha investigación sobre el tema para crear el mundo en el que transcurre la historia.

Mencionan los taquiones. En resumen, son partículas que van más rápido que la luz, lo cual hace posible que puedan viajar en el tiempo.

El actor negro canta "Amazing Grace". Es una canción que tiene muchas peculiaridades. Por ejemplo, desde que fue escrita en 1779 por John Newton ha sido usada tanto con motivos religiosos como profanos. O que su autor era un capitán de barcos esclavistas que fue capturado y castigado tan duramente como al resto de esclavos, para luego ser rescatado y convertido en un clérigo abolicionista. Supongo que es esa dualidad lo que hace que encaje tan bien con la temática de la película.

Las paredes de las construcciones de Estados Unidos son tan ridículamente frágiles. Ya es la segunda película que veo estos días donde rompen una con mucha facilidad.

La religión no posee ningún poder, me explico, el cura trata de rezar para salvar el alma del suicida, pero no sirve de nada pues acaba poseído igual que los demás. El ciclo de la noche y el día tampoco tiene ningún efecto en lo que está sucediendo.

El cura llama a Satán un espíritu sucio (o impuro), es una traducción directa del griego "πνεῦμα ἀκάθαρτον", que es un término usado en la biblia siempre en el contexto de las posesiones demoníacas.

Oh, se me olvidaba, el cura no tiene nombre. En el rodaje lo llamaban "Father Loomis", en referencia a las películas de "Halloween" (1978), cómo no.

Se nota mucho que usaron a un doble (hombre además) cuando le dan la paliza a la chica poseída antes de arrojarla por la ventana.

Kelly intenta usar un pequeño espejo para que el demonio lo atraviese. Pero no funciona, pues apenas caben un par de dedos.

Llegamos a ver la mano del demonio atravesando el espejo. No tuvo una secuela, pero de haberla habido hubiéramos visto su cuerpo completo.

Al final vemos la transmisión del futuro 1999 completa.

Es una película difícil de definir. Combina ciencia, religión y una historia realmente compleja sobre el origen de dios y del anti-dios, con mensajes proféticos del futuro. Aderezada con un montón de no-muertos que terminan convertidos en una pila de cadáveres.

Para algunos es la mejor de Carpenter. No me sorprende, es una temática que da mucho de sí. Si bien algunos detalles científicos no están demasiado bien planteados (y otros son explicados demasiado al detalle) creo que hubiera sido interesante seguir explorando la historia en una segunda parte.

¡Three Amigos! (1986)

2026-04-10T21:10:00.010+02:00

Me gusta como, sin quererlo, voy alternando dramas con comedias.

Estamos en México, en 1916. Carmen y Lorenzo buscan ayuda porque un hombre llamado El Guapo amenaza su pueblo, Santa Poco. Tres actores conocidos como "The three amigos" parecen ser la solución a sus problemas, así que les escriben para que les ayuden a cambio de una gran recompensa.

Dirigida por John Landis. Aunque fue el estudio Orion Pictures el que cogió lo que había rodado e hizo severos cambios y reediciones, no terminó especialmente feliz con ellos. Posteriormente se intentaron recuperar las partes cortadas pero la mayoría fueron destruidas, existen, sin embargo, algunas de ellas.

Protagonizada por Steve Martin (Lucky Day), Chevy Chase (Dusty Bottoms) y Martin Short (Ned Nederlander). Con Jon Lovitz (Morty), Joe Mantegna (Harry Flugleman) y Phil Hartman (Sam).

Es el propio Steve Martin quien hace los trucos de la cuerda al principio, los aprendió siendo un adolescente en una tienda de magia.

John Candy iba a ser Ned, pero rechazó el papel porque no podía montar a caballo (aunque lo hizo posteriormente en la película "Delirious" (1991)). Propuso a Martin Short para el papel. Es lo que propició la primera vez que se juntase con Steve Martin, actualmente están haciendo juntos la serie "Only murders in the building" (aún tengo pendiente la última temporada, no me he olvidado).

Fran Drescher aparecía al principio como Miss Rene, pero sus escenas fueron cortadas. Su personaje era la rival del trío protagonista en la época muda.

Viene a ser una parodia de "The Magnificent Seven" (1960). El título parece una referencia a la película de Disney "The Three Caballeros" (1944) o a "Tres amigos" (1970).

La trama de unos actores que ruedan una película que transcurre en un lugar peligroso que resulta serlo realmente se utilizó en "Tropic Thunder" (2008).

El saludo de los tres amigos fue creado por Steve Martin durante los ensayos, no estaba en el guion.

No me había fijado en que cada uno tiene un traje y un sombrero con diseños muy diferentes. incluso las perneras de los pantalones son completamente diferentes.

En la película muda hay muchos detalles peculiares. Para empezar el maquillaje exagerado que llevan tanto los buenos como lo malos, las expresiones faciales tan exageradas cuando hablan, los efectos realmente cutres... En ningún momento da la sensación de ser una película muda real. Aunque supongo que esa era un poco la idea, parodiarlas.

Lo de "Santa Poco" es un error. De hecho el actor que hace de telegrafista es mexicano, claramente, pues dice "Santo Poco". Los demás no parecen notar esa inconsistencia. Vale, en la parte final "el guapo" y Carmen también lo llaman así.

Curioso que lo primero que destruyan los hombre de "el guapo" sea la iglesia.

La historia se desarrolla de una manera más o menos normal, hasta el momento en el que deciden ir a por "el guapo". Entonces se vuelve absurda y surrealista, con animales que hablan y cantan, un arbusto que también canta, un ritual para invocar a un espadachín invisible y... un avión alemán de la primera guerra mundial. Vale, esto último había salido antes, pero en este punto reaparece.

Evidentemente, el malo es tan malo que no duda en matar a uno de los suyos. Esta vez con el agregado que usa armas alemanas. Por el año no pueden ser de los nazis, pero es bastante obvia la intención del cineasta.

Cuando encadenan a Lucky parece una tortura de "Saw" (2004) mezclada con una película de Mel Brooks.

Uf, qué molesto este fallo. Dusty va vestido como uno de los bandidos y justo cuando sucede el duelo de Ned aparece vestido con su traje de "amigo". Por cierto, esta escena me recuerda a "Lo chiamavano Trinità..." (1970).

Escenas cortadas que se han recuperado:

- El arranque sucedía en México, "el guapo" y sus hombres atacaban el pueblo de Santa Poco y Carmen iba en busca de ayuda. Esta escena era mucho más "amigable" con el espectador y no tan parecida a un documental.

- Seguidamente vemos a los tres amigos preparándose para ir a la reunión en el estudio. Incluye una canción. Antes de la reunión el ejecutivo menciona a Miss Rene y poco después la vemos, vestida como una noble del siglo XVIII. Salen algunas escenas que no fueron cortadas. Claro que lo importante aquí es lo que sí cortaron, que en esencia es cuando se burlan de ella, lo cual hace que el ejecutivo les tome manía. En la película no está tan clara la razón. También cambia la parte final, cuando los tipos a los que les firmaron autógrafos los tiran al suelo y cambian los carteles donde aparecen ellos por uno de Miss Rene. Creo que el enorme esfuerzo que pusieron para eliminar a Miss Rene es estúpido, con ella la escena tiene más amplitud y sentido

- La tercera escena es muy corta, sucede cuando los hombres de "el guapo" le hablan de los amigos. En esencia es él dando instrucciones a los que se han vestido como indios (de la India). No entiendo por qué quitaron esto.

- La cuarta, y última, es también muy corta. Cuando llega "el guapo" con sus hombres, se preparan para salir y Dusty dice que no está listo aún. De nuevo otra escena que no comprendo por qué cortaron.

En fin, una comedia que parece ir en dirección a la parodia pero se queda a medio camino. Imagino que buena parte de la culpa la tuvo la edición y las escenas cortadas que agregarían más momentos absurdos.

The Mosquito Coast (1986)

2026-04-10T02:16:00.001+02:00

Sigamos.

Allie Fox es un inventor que un buen día decide coger a toda su familia e irse de su cómoda casa en EEUU a un lugar de Centroamérica llamado Mosquitia. Allí se hará con un pequeño poblado, el cual reformará desde cero.

Basada en la novela de Paul Theroux, publicada en 1981.

Dirigida por Peter Weir. Suyas son "Master and Commander: The Far Side of the World" (2003) y "Dead Poets Society" (1989).

Protagonizada por Harrison Ford (Allie Fox), acababa de hacer "Witness" (1985), del mismo director. Con Helen Mirren (Mother Fox), antes de esta la había visto en "Excalibur" (1981) y "Caligola" (1979). River Phoenix (Charlie Fox), ya es curioso que hiciera del joven Indiana Jones en "Indiana Jones and the Last Crusade" (1989). Jason Alexander (Clerk), conocido por "Seinfeld". Y Martha Plimpton (Emily Spellgood), conocida por "The Goonies" (1985).

Para Harrison Ford esta es su película favorita. Lo cual es mucho decir. Claro que también afirmó que es la única que no consiguió recaudar más de lo que costó hacerla.

La mentalidad de "si no es de mi país no lo quiero" era bastante extendida en esos momentos en EEUU. Lo cual tiene un cierto sentido, ¿por qué enriquecer a un país extranjero pudiendo usar producto nacional? Prácticamente tenían de todo, así que era lo más lógico. Hoy en día dependen demasiado del producto externo y tratan de regresar a eso, pero es ya tarde. Por eso es todo cada vez más caro. Incluso los productos básicos.

Uno de los inventos del protagonista es una escoba que funciona sola. La proto-Roomba.

Otro detalle que me ha llamado es que usa la palabra obsolescencia. No puede ser una coincidencia.

Su trabajo como carpintero, antes de empezar a actuar en serio, ayudó mucho a Harrison Ford en esta película.

Cómo no, se ve venir de lejos el choque con el reverendo. Él y su necesidad de imponer el cristianismo, mientras Allie Fox sólo busca la prosperidad del pequeño poblado, sin necesidad de religión.

Aún así celebran cosas como el día de acción de gracias. No me queda muy claro si es algo privado o el resto de la población también forman parte de la celebración, en forma de un día libre, sin trabajo.

En su momento algunos criticaron mucho a Harrison Ford por su actuación. Yo creo que no pudieron entender ese cambio de registro respecto a los papeles que había hecho anteriormente. Para mí es una gran decisión por su parte, de hecho otra película suya donde cambió de registro por completo fue "What Lies Beneath" (2000) y pasa por ser una de mis favoritas de las suyas.

Bueno, no puedo decir que no tenga razón con lo que "el hielo es civilización", pero también lo son otras cosas. Al menos, desde un punto de vista moderno, ya que con una sencilla instalación puedes tener electricidad e incluso agua corriente potable.

Me hace gracia que el reverendo los llame comunistas y Allie diga, como de manera automática, "no somos comunistas". Era aún la época de la Guerra Fría y ser llamado comunista era, básicamente, un insulto para alguien de EEUU. Dicho lo cual, el poblado que monta es muy comunista.

Curioso que los guerrilleros aparezcan sin más. No es como si alguien les hubiera mandado allí. Pero bueno, son los causantes (indirectos) de la locura del protagonista.

Qué mal me cae el reverendo. Desde el minuto uno. No es muy diferente al líder de una secta, pero peor, pues la gente normal le escucha.

No puedo decir que me sorprenda que la familia decida abandonarle. Aunque ese no es el final. De hecho es diferente al de la novela, mucho más cruel, en la que muere de hambre.

Es una historia un tanto rara. El tipo es inteligente, pero un conspiranoico de tomo y lomo, capaz de sacrificar a su familia por perseguir sus sueños. En cierta manera entiendo su forma de pensar, pero cuando se vuelve loco las cosas cambian mucho para todos.

Estoy convencido que muchos malinterpretaron el mensaje de la película. Que EEUU iba a ir a peor. Y así fue.

The Canterville Ghost (1986)

2026-04-09T13:15:00.002+02:00

Venga, una un poco más ligera.

La familia estadounidense Canterville se dirige hacia un castillo que han heredado en Inglaterra. Allí la pequeña Jennifer se hace amiga de un travieso fantasma que trata de asustarles para que regresen de vuelta a Estados Unidos.

Es una adaptación de la novela homónima de Oscar Wilde, publicada en 1887. No voy a listar todas las adaptaciones porque son unas 30 (la mayoría para televisión), aunque la primera es de 1944, además de que bastantes series con capítulos dedicadas a ella. Sí puedo deciros que son de nacionalidades muy dispares.

Con Ted Wass (Harry Canterville), conocido por "Blossom". Y Alyssa Milano (Jennifer Canterville), acababa de hacer "Commando" (1985) y aún estaba saliendo en la serie "Who's the Boss?".

Lo primero que me parece interesante es que llegan en un tren a vapor. Y luego les recogen en un carro tirado por un caballo. Es curioso que la película que me viene a la mente al ver esta escena sea "Young Frankenstein" (1974).

El fantasma murió hace unos 350 años cuando tenía 60 años de edad.

La historia juega con un factor que hemos visto en muchos otros títulos, el de los estadounidenses que no temen a nada, en parte por su ignorancia. Y no, no me refiero a la niña, quien acepta la realidad. Por cierto, en la novela su nombre es Virginia.

Me acabo de dar cuenta que eso mismo pasa en "Beetlejuice" (1988).

Los efectos especiales son decentes, más tratándose de una producción televisiva. Hacen mucho uso de la superposición de imágenes para crear el aspecto fantasmal de Sir Simon, con cambios de tamaño incluídos. Y también mucho eco y un volumen algo elevado con su voz. El resto vienen a ser efectos teatrales, que simplemente funcionan.

Lo único que me molesta de esta película es que algunas cosas nos las cuentan, no las vemos. Supongo que tendrá que ver con la falta de presupuesto, pero tampoco parecen cosas muy "caras".

Cuando les mueve la cama a los padres y la deja en medio del campo me recuerda a la broma de la cama en el lago de "Meatballs" (1979). Algo más suave, pues los deja en un lodazal.

Llaman a un experto para librarse del fantasma, como en "Poltergeist" (1982).

Bueno, al menos tiene un final claro.

Se supone que es una de las mejores versiones de la historia. No le encuentro defectos, ni problemas, pero a la vez no me ha resultado tan divertida, creo que le falta un poco más de humor en las bromas del fantasma.

Pee-wee's Big Adventure (1985)

2026-04-09T00:34:00.008+02:00

Pues... sí.

Cuando al excéntrico Pee-wee Herman, que se comporta como un niño grande, le roban su querida bicicleta a plena luz del día, emprende un viaje a través de Estados Unidos en la aventura de su vida.

Dirigida por Tim Burton. Sin contar cortometrajes, series y videoclips esta es una de las tres películas que no he visto de él hasta ahora. Una es "Dumbo" (2019), la cual me da a mí que se quedará en el tintero porque las producciones de acción real de películas animadas de Disney no me llaman ni lo más mínimo. Vi una de manera excepcional y no va a volver a suceder... si puedo evitarlo, claro. La otra es "Big Eyes" (2014), que se me pasó por alto y veré eventualmente.

Dicho lo cual, es más que posible que falten títulos suyos en el blog. De eso me ocuparé más adelante.

Fue la primera colaboración de Burton con Danny Elfman, quien por aquel entonces estaba en la banda Oingo Boingo y nunca había compuesto música para una película.

Protagonizada por Paul Reubens (Pee-wee Herman). Yo le he visto en "The Blues Brothers" (1980), "Meatballs Part II" (1984) y "Flight of the Navigator" (1986), por decir tres de sus títulos significativos.

Destacan Phil Hartman (Reportero) quien fue también uno de los guionistas y Cassandra Peterson (Biker Mama), osea Elvira. Y, en lo que podrían considerarse cameos, tenemos a James Brolin (P.W. Herman), Morgan Fairchild (Dottie) y el grupo Twisted Sister. También aparece Tim Burton (Matón en el callejón).

Supongo que debería empezar por explicar por qué he evitado esta película durante poco más de 40 años. Bien, es simple, en su momento no tuve oportunidad de verla, nunca la he buscado posteriormente, y si lo hago ahora es porque pertenece a la época en la que Burton hacía buenos títulos y no podría juzgarla sin verla.

El personaje de Pee-wee Herman nació a finales de los 70, en un grupo de improvisación llamado "The Groundlings", de Los Angeles. Siempre ha sido interpretado por Paul Reubens. Su primera aparición en una película fue en "Cheech and Chong's Next Movie" (1980). Un año después empezó a emitirse "The Pee-wee Herman Show", cosa que duró hasta 1991, cuando el actor fue arrestado. Paralelamente ha salido en varias películas, como la que nos ocupa, y tras el arresto aún hizo bastantes apariciones en programas diversos siendo lo último otra película titulada "Pee-wee's Big Holiday" (2016). El actor falleció hace unos pocos años.

Bien, pues a pesar de la enorme cantidad de apariciones, creo que sólo lo vi en "Moonwalker" (1988), en la que hace una breve aparición.

Joder... no sé ni por donde empezar con las referencias. Su casa está plagada, desde una figura de Godzilla a unos cereales de Mr.T, pasando por todo tipo de juguetes...

Sí puedo decir que la máquina de Goldberg y el palo para descender estilo bombero son lo que influenció a "Wallace y Gromit", sin duda.

La "cara" que hace con su desayuno me ha recordado a "Breaking Bad".

El hecho de ir con traje, su infantilismo general y su aspecto me recuerdan muchísimo a Mr. Bean. Su creación fue en el año 80, aunque hasta unos pocos años más tarde no estaba del todo definido, con lo cual es más que posible que Pee-wee tuviera alguna influencia en él.

La bicicleta es una Schwinn Western Flyer de los años 40, muy modificada. Se fabricaron entre 10 y 12 bicicletas para el rodaje.

El viaje a través de EEUU siguiendo una indicación incorrecta se asemeja un poco al de "Tommy Boy" (1995). Cuando caen al precipicio es muy "Thelma & Louise" (1991).

La única escena que conocía antes de verla es al de Large Marge. Es muy breve, en stop-motion, muy del estilo Burton, sin duda. Más tarde hay otra secuencia más larga usando esa misma técnica, la de la pesadilla.

De todas las cosas que dice la chica guía del Alamo la más peculiar es "mexican american". Como si los mexicanos pudieran ser de otra parte del mundo. Claro.

Oh, qué curioso, los carritos de golf que usan los guardias de seguridad son eléctricos, están conectados a una pared uno junto al otro. Es algo bastante parecido a los coches eléctricos actuales.

En la persecución pasan frente a un zepelín promocional que parece que sea de la película "Zeppelin" (1971), la cual es británica pero fue distribuida por la Warner Bros.

Entre los platós que aparecen vemos uno con Godzilla luchando contra King Guidorah. Podría ser una referencia a "San Daikaijû Chikyû Saidai no Kessen" (1964) pues la película "Gojira vs. Kingu Gidorâ" (1991) salió unos años más tarde.

Twisted Sister aparecen grabando el videoclip de "Burn in hell".

Viene a ser como una película de acción real basada en un personaje de dibujos animados inexistente. Es absurda, ridícula, con toques muy de Burton (la parte de la pesadilla con los médicos es quizás el mejor ejemplo), pero que a mí no me ha acabado de gustar. Aparte su risita constante me resulta irritante.

Dicho de otra manera, no me molesta habérmela perdido durante tanto tiempo. Al menos ahora sé que hice bien en no verla y en no interesarme por el personaje, pues no me llama demasiado. Pero bueno, para gustos colores.

Blood Simple (1984)

2026-04-08T00:31:00.007+02:00

Aquí la titulamos "Sangre fácil".

El dueño de un sórdido bar de un pequeño pueblo de Texas descubre que uno de sus empleados tiene una aventura con su esposa. Una caótica cadena de malentendidos, mentiras y travesuras se desata después de que él trama un plan para asesinarlos.

Dirigida y escrita por Joel Coen y Ethan Coen. Fue su primera película, previamente habían dirigido algunos cortometrajes. Años más tarde los hermanos afirmaron que esta película es su peor, de hecho la versión del director recorta minutos en vez de agregarlos. Curiosamente la siguiente que hicieron, "Raising Arizona" (1987), pasa por ser una de mis películas favoritas de todos los tiempos.

Con John Getz (Ray), le vimos en "The Fly" (1986) y "Zodiac" (2007). Frances McDormand (Abby), fue su debut en el cine, poco después apareció en "Mississippi Burning" (1988) y "Darkman" (1990). Dan Hedaya (Julian Marty), salió en "The Usual Suspects" (1995) y "Commando" (1985). Y M. Emmet Walsh (Private Detective), quizás le recordéis por "Blade Runner" (1982) o "Critters" (1986).

Barry Sonnenfeld hace un cameo. Bueno, más o menos, oímos su voz cuando Marty hace sonidos de vómito al ver las fotografías de su esposa. También oímos la voz de Holly Hunter en el contestador automático de Maurice.

Y también hay un no cameo. Esto es complicado de explicar, Bruce Campbell grabó unas escenas como Julian Marty para el tráiler que usaron los hermanos Coen para poder recaudar el dinero suficiente de potenciales productores para así empezar el rodaje. Fue gracias a la sugerencia que les dio Sam Raimi.

Tuvo un remake chino titulado "San qiang pai an jing qi" (2009).

Joel Coen tuvo problemas para convencer a M. Emmet Walsh de que recogiera su sombrero del suelo en la escena final. Walsh sacó una larga lista de razones por las que su personaje no haría tal cosa, y Coen intentó, sin éxito, rebatir cada una de ellas. Tras varios minutos de discusión en el set, Coen le preguntó a Walsh: "¿Me harías el favor?", a lo que Walsh respondió: "Ya te estoy haciendo el favor haciendo esta maldita película".

Hay cosas significativas sutiles, otras no tanto. Por ejemplo las 3 balas en el revólver, el incinerador de basuras, que además está convenientemente al lado del bar, o el zippo.

Supongo que el género se podría definir como neo-noir. Tenemos muchos de los elementos básicos como son el detective, los cuernos, la conspiración, la violencia...

Cuando el muerto "resucita" lo hace frente a unos carteles que recuerdan mucho los de "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri" (2017), de Frances McDormand.

Un consejo, si vais a enterrar a alguien moribundo, teniendo una buena pala (como es el caso en esta película), cortadle la cabeza al tipo antes de hacerlo. Os ahorrará muchos problemas.

He de decir que esa parte me ha recordado un poco al póster original de "The Evil Dead" (1981).

Es una película donde los silencios dicen casi tanto como los diálogos. Se dedican a jugar tanto con el espectador como con los personajes, y eso me parece genial. Aparte en ningún momento se involucra la policía. Podría ser perfectamente el argumento de una temporada de "Fargo" si agregasen eso.

The Elephant Man (1980)

2026-04-07T01:09:00.001+02:00

Esta sí que la he visto.

Un cirujano victoriano rescata a un joven gravemente desfigurado y maltratado que trabaja como fenómeno de circo, quien poco a poco revela su capacidad para la bondad, la inteligencia y la sofisticación.

Basada en dos novelas, "The Elephant Man and Other Reminiscences" del doctor Frederick Treves, publicada en 1923 y "The Elephant Man: A Study in Human Dignity" de Ashley Montagu, publicada en 1973. Tal y como pone al final de la película, no tiene nada que ver con la obra de teatro.

No os podéis imaginar cuánto eché de menos el cine de David Lynch. En cierta manera, me alegré al ver que esta película no estaba en el blog, para poder revisitarla. Cuando fue elegido para dirigirla estaba trabajando colocando tejados. Como primera curiosidad, aparece en la película, es uno de los que persigue al protagonista en Londres.

Aunque el creador, por llamarlo de alguna manera, fue Mel Brooks, quien se quedó como productor ejecutivo. Fue quien contrató a Lynch, por "Eraserhead" (1977), y no recibió crédito adrede para que la gente no se formase una idea equivocada de la película.

Es más, en un pase previo para los ejecutivos de la Paramount quisieron eliminar las secuencias inicial y final, por ser demasiado surrealistas. Mel Brooks fue quien los puso en su sitio, impidiendo que tocaran un sólo fotograma de la película.

En el reparto tenemos a Anthony Hopkins (Dr. Frederick Treves). John Hurt (John Merrick). Y Anne Bancroft (Sra. Kendal). Podríamos considerar un cameo el de Kenny Baker como uno de los enanos en el carnaval.

Nunca llegaron a diagnosticar correctamente a Merrick. Posteriormente se supo que padecía neurofibromatosis de tipo 1. Es gracias a esta película que la enfermedad fue más conocida. Años más tarde también agregaron que padecía el síndrome de Proteus. Hoy en día el resultado más común de su diagnosis es inconcluso.

Muchos de los sucesos que se muestran en esta película nunca ocurrieron. Merrick no fue maltratado por parte del que llevaba el circo, y, desde luego, nunca fue secuestrado del hospital, como se muestra en la película. El despreciable vigilante nocturno tampoco existió. Merrick tuvo una vida tranquila y, en general, sin incidentes, aunque corta, en el hospital.

Se cree que la interpretación de Hopkins en esta película fue lo que inspiró a Jonathan Demme para ofrecerle el papel de Hannibal Lecter en "The Silence of the Lambs" (1991).

Merrick no hablaba tan claramente como en la película, en la vida real el doctor era su intérprete y muchos en el hospital acabaron por acostumbrarse a su forma de hablar. A medida que la enfermedad se deterioró también lo hizo su capacidad de habla.

Se conocen dos hermanos de John Merrick, cuyo nombre real es Joseph Carey Merrick (murió el 11 de Abril de 1890, a los 27 años). Su hermano William Arthur Merrick murió de escarlatina en 1870, a la edad de 4 años. Y su hermana Marion Eliza Merrick murió de mielitis en 1891, a la edad de 23 años.

Un detalle peculiar, el apodo no es por su aspecto sino por cómo tenía la piel.

Recuerdo dos referencias más o menos directas al protagonista:

- Un episodio de "House, MD", concretamente el séptimo de la 4ª temporada, que también fue filmado en blanco y negro (las escenas del documental) y como siempre las cosas se complicaban, el paciente casi la palma hasta que House encontraba la verdadera enfermedad.

- Y la película "From Hell" (2001) en la que hace aparición, concretamente es cuando lo presentan frente a una serie de médicos londinenses por primera vez. El maquillaje de esta versión está realmente logrado, es una de las pocas veces que podemos verle en color.

Hay una tercera, de la cual desconocía su existencia, la película "The Elephant Man" (1982), también de color. No la he visto, poco puedo decir de ella, aunque sé que esa sí está basada en la obra de teatro.

Para diseñar el maquillaje que lleva John Hurt se utilizaron moldes de yeso reales del cuerpo de Joseph Merrick que aún se conservaban en el museo del Royal London Hospital. Esto puede parecer algo sin demasiada relevancia pero es que un bombardeo durante la Segunda Guerra Mundial destruyó los restos de Merrick que estaban conservados allí y sólo se salvaron los moldes.

Por cierto, Lynch intentó crear él mismo las prótesis pero sólo logró que John Hurt no pudiera moverse con ellas, así que recurrieron a un experto en efectos especiales llamado Christopher Tucker.

No vemos a Merrick hasta pasados unos 14 minutos. Para lograr que Hopkins llorase pusieron una luz brillante, intentaron otros métodos sin éxito.

En realidad le entrevemos, luego aparece su silueta, pero casi siempre va con una capucha que cubre su cara, y una capa que tapa su piel. De hecho hasta pasado otro cuarto de hora no llegamos a verlo. Su primera palabra la dice 10 minutos más tarde. Osea, alrededor de los 40 minutos. Es una introducción lenta y progresiva del personaje.

He buscado fotografías reales, resulta que pese a ser una persona de finales de siglo XIX hay unas pocas, lo cual no es sorprendente. En una sale incluso vestido con un traje que recrea en la película. El detalle, sin embargo, está en otra foto donde aparece con el torso desnudo, la parte izquierda de su cara está casi sin deformar, podemos ver algunos rasgos de manera clara, y eso no está demasiado bien recreado en la película, en parte porque John Hurt no se le parece, claro.

Si bien los personajes que lo "explotan" son inventados agregan un toque de dramatismo extra que ayuda al espectador a ver que no todo era felicidad y alegría con Merrick, también había quien le temía e incluso le llamaba producto demoníaco.

Dicho lo cual, que un vigilante de hospital hiciera esas cosas es absurdo. El propio John, una vez empieza a comunicarse con el doctor, se lo habría contado desde un principio.

Cuando Mr.Bytes lo exhibe, tras secuestrarlo del hospital, me ha recordado una escena de "Johnny got his gun" (1971). En un momento dado el protagonista se imagina que lo van exhibiendo en una feria ambulante, la frase que dice quien la lleva es "He is the armless, legless wonder of the twentieth century". Me pregunto si les sirvió de inspiración.

En la serie de 1967 "The Prisoner" hay una frase icónica, dicha por Number Six (Patrick McGoohan), que es “I am not a number, I am a free man!”. En esta película el protagonista dice “I am not an elephant! I am not an animal! I am a human being! I… am… a … man!”. Guardan bastantes similitudes, quiero pensar que es una referencia.

La causa de la muerte de Merrick fue que al acostarse bocabajo el peso de su cabeza era demasiado y se rompió la nuca al intentar levantarse. Es lo que (poco más o menos) se ve al final de la película.

Dudo mucho que haya alguien mejor que Lynch para retratar esta historia. Sus toques sutiles agregan la dosis justas de surrealismo que necesita el personaje.

Gran película. Muchos la definen como la única "normal" de Lynch, quizás sea verdad, pero para mí su cine es siempre interesante.

In Cold Blood (1967)

2026-04-05T15:55:00.010+02:00

Aquí la titulamos "A sangre fría".

Los ex-convictos Perry Smith y Dick Hickock incumplen varias condiciones de sus respectivas libertades condicionales. Junto con Dick se reúnen para planear y ejecutar un robo basado en información que recibió de un compañero de celda sobre 10.000 dólares en efectivo guardados en una caja fuerte oculta en la casa de la familia Clutter, granjeros de Holcomb, Kansas. Tras el robo, planean huir a México para evitar ser capturados por la policía.

Si me preguntaran qué película has oído nombrar más veces de las que no has visto, pero siempre has querido ver, esta sería la respuesta, sin duda. No he podido sentarme a verla hasta ahora y me da mucha rabia, porque sé que me espera algo realmente interesante. Y lo más peculiar de todo es que ni siquiera sé de qué va. Porque soy así.

Empecemos hablando de Truman Capote, el autor de la novela. Los personajes de "Jensen, el reportero" y "el narrador" están basados en él. Poco después de los asesinatos, Capote viajó a Kansas para escribir un artículo de revista sobre el impacto de los crímenes en la población de un pequeño pueblo, entrevistando a quienes conocían a la familia Clutter. Tras la detención y condena de los asesinos Perry Smith y Dick Hickock, Capote se convirtió en una figura importante en sus vidas mientras estaban en el corredor de la muerte, forjando un vínculo particularmente estrecho con Smith. Smith le entregó la mayor parte de sus pertenencias (dibujos y libros). Él presenció la ejecución de Hickock, pero no pudo soportar ver morir a Smith y abandonó la sala antes de que lo trajeran. Su cara aparece en la película, al final vemos una portada de una revista Life Magazine donde está él.

En el póster de la película vemos los ojos de los verdaderos asesinos, no de los actores que los interpretan.

Grabaron muchas escenas en los mismos lugares donde sucedieron los hechos reales.

La elección de actores poco conocidos fue hecha adrede, el director Richard Brooks quería dar una sensación de que era casi un documental. Los elegidos se parecían mucho a las personas reales que interpretan, según dijo Capote.

Fue la primera película comercial de EEUU en usar la palabra "bullshit" en un diálogo.

Sé que está basada en hechos reales y que los perfiles de los personajes son muy cercanos a lo que eran en realidad, pero creo que poner una conversación donde dejan claro que uno tiene serios problemas con la religión es un tanto conveniente.

Perry menciona "The Treasure of the Sierra Madre" (1948) cuando hablan de México. Era una película reciente en aquel momento, así que tiene mucho sentido.

Sigue la misma estructura que la novela intercalando las escenas de los dos tipos y de la familia Clutter. Las de esto últimos parecen intrascendentes, cosas cotidianas, demasiado normales. Las de los dos protagonistas son conversaciones sobre violencia, principalmente.

De hecho, la única diferencia notable en esta parte es que en la novela los flashbacks de Perry eran más amplios, para tratar de explicar más en profundidad su carácter y forma de ser. La película nos da sólo retazos que más o menos ayudan a entenderlo.

Dick llama a Perry "Natural born killer". Me pregunto si Tarantino sacó el título de aquí.

Tardan poco menos de media hora en confluir ambas historias y sólo vemos el antes y el después de lo que sucedió, a partir de ese punto pasamos a la investigación policial. De esta parte me llama mucho la atención que digan los nombres de los agentes del KBI (Kansas Bureau of Investigation) por televisión e incluso muestren la cara del primero en llegar.

10 minutos más tarde reaparecen los protagonistas. Todo parece indicar que no tienen de qué preocuparse. Eso sí, el golpe iba a ser de 10.000 dólares y no se llevaron ni 50.

No son los más inteligentes del mundo, tras los asesinatos se dedican a robar, de maneras completamente fáciles de seguir por un investigador mediocre. Y no es el caso. Me explico mejor, usan cheques sin fondos para comprar cosas de valor que podrán vender en otro lugar. El problema es que los cheques van a nombre de uno de ellos, incluso usa sus tarjetas de identificación reales.

Parece muy conveniente que justo den con un tipo en prisión que básicamente pone en la pista correcta a la policía, cosa que hace que les sigan la pista. Claro que ellos estando en México no tienen mejor idea que volver a Kansas, donde cometieron los crímenes. Mira que es grande el mundo. Encima roban un coche y enseguida les tienen echado el ojo.

Vemos la secuencia de los hechos que habían omitido al principio pasados unos 90 minutos. Es cuando ya no les queda otra que confesarlo todo, porque las pruebas dejan bien claro que fueron ellos.

Si no fuera una historia real la parte en la que asesinan a la familia no tendría ningún sentido. Osea, a Perry le da un ataque psicótico y se pone a pegar tiros, cuando era el más sensato hasta ese momento. Por eso se dice que la realidad supera a la ficción. Nunca sabes qué puede hacer alguien en una circunstancia concreta.

Ya es casualidad que la primera fecha elegida para la ejecución sea una viernes 13. Claro que fue pospuesta, de hecho se tiraron años hasta que los ejecutaron en la horca.

La escena de Perry, antes de su ejecución, en la que las gotas de lluvia se reflejan en su cara como si fueran lágrimas, fue completamente accidental.

No tiene créditos finales. Sólo sale el título de la película y se termina. Eso no me lo esperaba, la verdad. Es tan frío como el propio título.

Esta película tiene puntos muy fuertes, que creo que son difíciles de analizar desde una perspectiva actual, como es la frase que dice el periodista en la parte final que las ejecuciones nunca terminarán, porque nada cambia, sin embargo poco a poco fueron aboliéndose.

Como película me ha parecido un poco rara, no sabía muy bien qué esperar y ese toque casi documentalista del director hace que cueste de apreciarla como una historia sin más, mi mayor pero sería que no se sabe a ciencia cierta cada palabra dicha por los dos protagonistas y por ello parecen un tanto encajadas en cada momento. Pero, dejando a un lado eso, es una historia que influyó mucho al cine posterior, sin duda.

The Manchurian Candidate (1962)

2026-04-02T23:34:00.011+02:00

La original.

El mayor Bennett Marco es un oficial de inteligencia del Ejército de los Estados Unidos. Sirvió valientemente como capitán en la guerra de Corea en 1952 y su sargento, Raymond Shaw, incluso recibió la Medalla de Honor. Sin embargo, Marco tiene un grave problema: sufre una pesadilla recurrente en la que dos miembros de su pelotón mueren a manos de Shaw.

No sé cuántas veces habré visto el remake homónimo del 2004, pero vamos, me parece una gran película. Esta llegué a verla hace ya muchos años, apenas la recuerdo, así que me vendrá bien refrescarla.

Dirigida por John Frankenheimer. Acababa de hacer "Birdman of Alcatraz" (1962), poco tiempo después dirigió "Grand Prix" (1966) y "Prophecy" (1979).

En el reparto destacan Frank Sinatra (Mayor Bennett Marco), Janet Leigh (Eugenie Rose Chaney) y Angela Lansbury (Sra. Eleanor Shaw Iselin). Sin embargo quisiera destacar a Henry Silva (Chunjin), un actor que hemos visto en títulos tan dispares como "Viva Zapata!" (1952), "Buck Rogers in the 25th Century" (1979), "Alligator" (1980) o "Cannonball Run II" (1984).

Como dato adicional, Joe Adams (Psiquiatra) interpreta a un personaje que originalmente era blanco, algo que en aquellos momentos era realmente raro.

El presupuesto fue de 2,2 millones de dólares. 1 se lo llevó Sinatra, 200.000 se los llevó Laurence Harvey (Raymond Shaw), el millón restante fue para lo demás.

Fue prohibida en muchos países debido a lo controversial de la temática que toca. Hasta 1993 no llegó a ser estrenada en la mayoría de ellos.

Durante el prólogo, ambientado en 1952, una de las camareras lee una vieja revista de cine cuya portada muestra a Tony Curtis y a su entonces esposa, Janet Leigh. Durante el rodaje de la película le llegaron a ella los papeles de divorcio.

La escena del lavado de cerebro fue grabada tres veces por completo. Una desde el punto de vista de Allen Melvin (con las mujeres negras), otra desde el de los captores comunistas (sin mujeres) y una tercera desde el punto de vista del mayor (con las mujeres blancas).

Los dos artículos de revistas científicas que el Dr. Yen Lo menciona en la secuencia de hipnosis inicial son reales.

Me acabo de dar cuenta de que es una película en la que el peligro comunista es absolutamente real. Van más allá de la simple insinuación o la confrontación de espías, aquí es algo realmente peligroso.

A diferencia del remake aquí dejan bien claro que Shaw tiene el cerebro lavado, incluso discuten frente a él si debe matar a alguien pues lleva dos años "inactivo". Creo que eso es ir demasiado lejos, entiendo la necesidad de la discusión, no me acaba de cuadrar que él simplemente acepte lo que están diciendo sin más.

Janet Leigh tarda unos 40 minutos en aparecer. A ver, la película dura algo más de dos horas con lo cual no es tanto.

Frank Sinatra se fracturó el dedo meñique de la mano derecha contra el escritorio durante la escena de lucha con Henry Silva (se ve esa toma en la película). Debido a sus compromisos de rodaje, no pudo descansar ni vendarse la mano correctamente, lo que provocó que la lesión sanara mal. Esto le causó molestias crónicas durante el resto de su vida.

En esa pelea tenemos dos hechos interesantes. Por una parte usan artes marciales, un tanto rudimentarias pero efectivas. Por otra, según dijo Sinatra, no usaron dobles. Siento diferir en eso, pues sí lo parece, por la manera de enfocar ciertas partes tratan de ocultar la cara de uno de ellos.

Es una película estadounidense de las primeras mostrar artes marciales. Previamente tuvimos "Bad Day at Black Rock" (1955), en la que Spencer Tracy usa karate. En "Blood on the Sun" (1945) vimos a Ernest Borgnine usando judo. Peter Lorre hacía jujitsu en las películas de Mr.Moto, siendo la primera "Think Fast, Mr. Moto" (1937). Y en "Strike Me Pink" (1936) Harry Einstein menciona el jujitsu.

Dos detalles que no se ven en la película, porque son especulativos. Eugenie es una agente doble, eso explica sus extraños comportamientos (especialmente su primer diálogo con el protagonista). El segundo es que la relación entre Shaw y su madre es incestuosa, esto proviene de la novela, en la película no podían mostrar algo así pero vamos, terminaban incluso acostándose juntos.

El director fue aclamado por una toma ligeramente desenfocada del mayor Marco mostrándole a Raymond Shaw la baraja de cartas compuesta por 52 reinas. Sin embargo, había sido completamente accidental. Al revisar el material grabado, se dio cuenta del error, lo que normalmente habría requerido repetirla. El problema era que Sinatra tenía una cláusula de "una sola toma" en su contrato, ya que creía que siempre daba lo mejor de sí en la primera toma y no veía sentido en hacer varias. Cuando Frankenheimer le dijo a Sinatra que debían volver a filmarla, este se negó, y no tuvo más remedio que incluirla tal cual en la película.

Durante décadas circuló la leyenda urbana de que Sinatra retiró la película de la circulación por respeto tras el asesinato de John F. Kennedy. Pero no fue así, la película estuvo fuera de vista casi 25 años, por una disputa legal entre Sinatra y el estudio sobre los derechos de distribución y las regalías. Sinatra simplemente la "guardó en su caja fuerte" hasta 1987.

Es una película que hubiera sido demasiado controversial en su momento, entiendo que al sacarla de circulación se logró frenar las especulaciones y teorías conspiranoicas, pero eso sólo hizo que tomaran más fuerza posteriormente, por ejemplo con el famoso programa MK-Ultra de la CIA.

El remake no tuvo ese mismo efecto porque la población ya estaba más "naturalizada" en estos temas. Pero no deja de ser una gran película, sin duda. Y esta tampoco, de hecho al volver a verla he podido descubrir muchos detalles que no conocía.

This Island Earth (1955)

2026-04-02T15:03:00.006+02:00

Aquí la titulamos "Regreso a la Tierra".

Estamos en Washington. El doctor Cal Meacham es un ingeniero y piloto que está trabajando para lograr usar la energía nuclear junto con la electricidad. Durante un vuelo rutinario pierde el control de su jet pero algo lo estabiliza y aterriza sin problemas, sin que ni siquiera coja los mandos.

Otra película de ciencia ficción de los 50 a todo color. Usaron la técnica de las tres tiras de Technicolor, lo cual dificultó las cosas en el rodaje. Las cámaras eran enormes y la iluminación demasiado fuerte. Encima hicieron que el presupuesto aumentase notablemente.

Eso explica lo de los "dos años y medio" que dice que tardaron en hacerla en el póster. Buena parte de ese tiempo fue la post producción y efectos especiales.

Dirigida originalmente por Joseph M. Newman, quien fue despedido cuando vieron el primer montaje. Llamaron a Jack Arnold para solucionarlo, grabó algunas escenas y la editó, pero nunca recibió crédito por ello.

Henry Mancini estuvo involucrado en la BSO, pero no recibió crédito tampoco. Tuvieron que echar mano de varios compositores de la Universal para completar la música antes del estreno.

Hay un "actor" que pese a tener sólo 5 años de edad consigue destacar, y eso que no obtuvo crédito. Se llama Orangey (Neutron) y salió también en títulos como "The Incredible Shrinking Man" (1957), "The Diary of Anne Frank" (1959), "Breakfast at Tiffany's" (1961) y "The Comedy of Terrors" (1963), aparte de series como "Alfred Hitchcock Presents", "The Twilight Zone", "Mister Ed" y "The Outer Limits". No está nada mal para un gato.

La versión que poseo es la que fue remasterizada en el 2019. En esencia, es un open matte que muestra toda la imagen y no la que fue proyectada en su momento en cines, más alargada con recortes en las partes superior e inferior. Además incorpora un formato de audio estéreo basado en Perspecta, el que usaron en su momento.

En el póster vemos las piernas de los mutantes. Así es como deberían haber sido en la película pero tuvieron muchos problemas a la hora de hacerlas realistas y que se pudieran mover los actores en ellas, así que terminaron por ponerles unos simples pantalones. Aunque en la parte final podemos apreciar sus "pies", y sí están detallados.

La miniatura de la Tierra fue usada como logo de la Universal entre los años 50 y 80. De hecho aparece en esta misma película.

La historia empieza centrándose en un dispositivo llamado Interocitor. Los dos científicos lo construyen usando los materiales que les envían y siguen las instrucciones al dedillo, pero tras terminarlo y tener una comunicación con el ser que se lo envió, de nombre Exeter, deciden destruirlo.

En cuanto a la tecnología, más allá del Interocitor, vemos que es muy tangible, muy visual, muy analógica. Lo cual tiene mucho sentido, son los años 50 y crear algo "invisible" o muy pequeño no sería posible, incluso cuando hablamos de seres muy avanzados.

Me parece particularmente interesante que dos tipos en gabardina estén esperando un avión rodeados de niebla y uno se monta en él. Todo muy "Casablanca" (1942).

El error que comete Exeter es mostrarle al protagonista las capacidades destructivas del Interocitor. Si hubiera seguido un camino más pacífico, más científico, él no habría tenido tantas sospechas. Reales, por otra parte, pero quizás para cuando descubriese la verdad sería demasiado tarde.

Otro error es que la manera en la que lavan los cerebros de los que se les oponen no sólo es contraproducente sino evidente, los otros humanos saben lo que les han hecho y lo ven como otra amenaza más. Pero es que encima no es algo útil para los aliens pues esos humanos pierden la capacidad de razonar. se convierten en zombies domesticados, esencialmente.

Muchos de los principios científicos son acertados. Por ejemplo la creación de una gravedad artificial en la nave para no estar flotando contínuamente. Hay que tener en cuenta que esto fue grabado un lustro antes de los primeros viajes espaciales tripulados. Era especulativo, pero preciso.

Esta película dista mucho de ser una más de ciencia ficción de los años 50. Hay escenas en el planeta alienígena que están realmente bien hechas, y no son pocas precisamente. Si bien usan entornos minimalistas para el interior los exteriores son bastante elaborados. Para ello usan trucos de cámara, claro, pero están logrados.

Creo que es una gran película, infravalorada. Su único pero es la historia que se desarrolla a dos tiempos y la primera mitad no es demasiado intensa, a partir del punto en que el científico sube al avión que vuela "solo" prácticamente no sucede nada hasta que es capturado de nuevo y llevado en la nave a su planeta. Pero creo que el resto es muy bueno, mejor de lo que nos tiene acostumbrados el cine de este período. Además no cae en topicazos como militares interviniendo porque sí o invasiones alienígenas hostiles.

La strada (1954)

2026-04-01T16:11:00.002+02:00

El título se traduce como "La calle".

Tras el fallecimiento de Rosa, Zampanò acude a por Gelsomina, a cambio de 10,000 liras. Él es un artista ambulante, la separa de su familia, con la promesa de que regresarán. Ella pronto se habitúa a esa nueva vida errante, participando con él en los numeritos.

Dirigida y co-escrita por Federico Fellini. Poco a poco me voy adentrando en su filmografía, ya vi "8½" (1963) y "Fellini - Satyricon" (1969).

Protagonizada por Anthony Quinn (Zampanò). Difícil destacar alguna película suya, apenas hay... creo que la última vez lo vi en "Lawrence of Arabia" (1962), también están "The Guns of Navarone" (1961) y "Viva Zapata!" (1952). Como dato peculiar, dirigió dos películas, "The Buccaneer" (1958) y para televisión hizo "Pastoral" (1947).

Anthony Quinn conoció a Giulietta Masina (Gelsomina) mientras hacía "Angels of Darkness" (1954). Ella insistió en presentarle a su marido, Federico Fellini. Él se dio cuenta de que sería perfecto para el papel de Zampanò, sin embargo por mucho que se lo pidió, Quinn no aceptó pues no conocía al director. Un día estaba cenando con Ingrid Bergman y Roberto Rossellini y vieron la película "I Vitelloni" (1953), la más reciente de Fellini, y Quinn se dio cuenta de que el director que tanto había estado insistiendo era un genio.

Originalmente Quinn quería llevarse un porcentaje de las ganancias, en vez de cobrar un salario. Su agente fue quien cambió el acuerdo, para que fuera un dinero fijo. Quinn perdió millones.

Fue la primera película en ganar el Oscar a mejor película extranjera, en 1957.

No puedo decir que comprenda muy bien el arranque de la historia. Se le muere la esposa y "compra" otra, así sin más, que ni conoce. Entiendo que la madre lo vea bien, porque se lleva un dinero y él le ha prometido alimentarla.

El personaje de Gelsomina es mostrado como muy feliz, siempre sonriendo, aceptando sin más las cosas que le suceden. Casi parece que tenga un problema mental. Sin embargo, la idea es que es muy inocente.

Creo que el primer punto clave es cuando Zampanò decide irse con una pelirroja a la que acaba de conocer para pasar la noche con ella, dejando a Gelsomina abandonada en la calle. Y cuando por fin lo encuentra ella apenas reacciona.

La historia está situada en la época de la postguerra, lo vemos en detalles como la necesidad de los agricultores, con sus familias numerosas, la moto de la guerra reacondicionada para ser un carromato... Claro que era, poco más o menos, el momento en el que fue rodada.

La película está doblada completamente, más que nada porque Quinn no sabía hablar italiano.

Las cosas parecen encararse un poco mejor cuando se unen a un circo. Pero Zampanò encuentra a un "enemigo", el llamado "el loco", que no para de chincharle.

No me esperaba un final tan duro, la verdad. Aunque he de decir que durante toda la película no podía dejar de preguntarme por qué necesitaba a una mujer como ella a su lado, ni siquiera él mismo lo sabe.

No sabía qué habría detrás de este título famoso, ha resultado ser una película muy italiana, mediterránea incluso, cosas que sólo alguien de esta zona puede comprender.

Por lo que he leído, hubo una parte de la critica que criticó el tema religioso. Los comunistas no lo veían bien, pues esperaban que mostrase la pobreza como un símbolo de su revolución, sin apoyo de la iglesia. Por otra parte, la iglesia tampoco veía con buenos ojos que fueran una pareja que vivían en pecado, ya que nunca llegan a casarse.

En todo caso es una película especial, de eso no tengo dudas. Anthony Quinn está magnífico, Giuletta Masina también, aunque me ha costado un poco entender su personaje. Y Richard Basehart (el loco) ha resultado ser un revulsivo en la historia, antes de caer en la repetición. También es el desencadenante del final. Me han parecido muy graciosas sus intervenciones.

Invaders From Mars (1953)

2026-03-30T12:44:00.004+02:00

Este póster llevo viéndolo desde hace tantos años...

El misterio que queda por resolver, ¿qué clase de vida habita los demás planetas de nuestro sistema solar? ¿Quizás sea humana como en el nuestro? ¿O una vida mucho más baja en la escala? ¿O más alta y peligrosa? Los científicos de todas partes y edades tratan de encontrar la respuesta.

Tuvo un remake 50 años más tarde titulado "Invaders From Mars" (1986).

Fue el debut en el cine de Richard Deacon (Policía militar). Salió en "Them!" (1954), "Invasion of the Body Snatchers" (1956), "The Birds" (1963), "Blackbeard's Ghost" (1968) y "Piranha" (1978).

Por si no lo sabéis, adoro el cine de ciencia ficción de los años 50. Poco a poco voy recorriendo todos sus títulos, bien sean de EEUU o del Reino Unido. Y no decepcionan.

La versión que he visto es la restaurada en el 2023 a partir de los negativos originales, gracias a una copia encontrada en Australia.

Y es que esta película es una rareza en sí misma, pues es de las pocas de ciencia ficción de los 50 que está en color. Esto es porque fue rodada usando el nuevo negativo de una sola tira EastmanColor. Cinecolor Labs produjo los tráilers y las copias de estreno mediante el proceso SuperCinecolor de tres colores. Cuando Cinecolor quebró, los elementos originales y las matrices de impresión fueron confiscados y vendidos como material de desecho.

Mencionan dos eventos, "Lubbock Lights", de 1951, y "Captain Mantell", de 1948. Son avistamientos de OVNIs que causaron sensación a nivel nacional en EEUU. Incluso muestran las fotos del primero que llegaron a la prensa.

Mientras la veía no podía dejar de pensar en cómo serían las cosas si la acción estuviera situada en un pueblo de Albacete. Para empezar, la colleja que se hubiera llevado el crío por despertar a sus padres a las 4 de la madrugada se hubiera oído desde Sebastopol.

Me encanta lo poco sutiles que son. Si es que incluso rompen a cuarta pared para dejar claro al espectador cuando alguien ha sido manipulado. Qué bueno.

Me hace gracia lo rápido que se involucra el ejército.

Mencionan a los mutantes, los rayos X, los rayos radioactivos, los infrarrojos... Y todo se parece demasiado a "Invasion of the Body Snatchers" (1956). También hacen uso de "chips" implantados para controlar a los sujetos que capturan, que contienen una pequeña "bomba" para eliminarlos antes de ser capturados. Es increíble la cantidad de ideas expuestas que hemos visto usadas una y otra vez en películas y series posteriores.

En realidad usan lógicas de personas que tienen una tecnología inferior a los invasores, y les veo mucho sentido. Pero vamos, supongamos una tecnología moderna usada en los años 50. Por muchos soldados y tanques que tengan, no lograrían nada.

Parte de las "burbujas" que vemos en el túnel subterráneo son condones.

Usaron un truco de perspectiva que luego vimos en "Alien" (1979). En una escena necesitaban crear la ilusión de que los alienígenas son realmente altos, cerca de dos metros y medio de altura, así que emplearon enanos en algunas de las escenas en las que pelean mano a mano con ellos. En la película de Ridley Scott usaron a sus propios hijos.

Me acabo de dar cuenta de que en blanco y negro no habría funcionado igual esta película. Se nota que fue concebida con color. Además, hay partes oscuras en las que sin el color prácticamente no se distinguiría nada. Y, bueno, el color verde de los alienígenas creo que es fundamental.

Qué bueno el final. Es literalmente el típico de "todo fue un sueño... o no".

La película dura unos 80 minutos, aún así no se hace corta para nada. Tiene mucha trama, bastantes personajes, acción, muertes... y alienígenas, claro.

De hecho, lo único que intriga tras verla es cómo hicieron la versión de los 80. Es de Tobe Hopper, así que es más que posible que la haya visto, pero hace mucho.

Gran película, sin duda, me lo he pasado en grande viéndola.

The Man They Could Not Hang (1939)

2026-03-29T22:13:00.000+02:00

Pasamos a una serie de títulos que quería tener en el blog. Muchos los he visto ya, el resto los considero muy interesantes. Porque realmente necesito ver algo decente durante unas semanas.

El científico loco Dr. Henryk Savaard está obsesionado con resucitar a los muertos. La policía es alertada de sus actividades y Savaard es arrestado, declarado culpable y condenado a la horca. Jura vengarse del juez, el jurado y el fiscal. Tras la ejecución, su asistente reclama el cadáver y utiliza la técnica de Savaard para revivir al doctor. Ahora, el científico loco puede vengarse de quienes considera sus enemigos.

Y arrancamos fuerte, con una película de Boris Karloff (Dr. Henryk Savaard). Acabo de descubrir que al año siguiente hizo "Before I Hang" (1940), pero, a pesar de la similitud en el título no tienen nada que ver. En ambas Karloff hace de un científico, están producidas por la Columbia... y ahí terminan las similitudes.

La trama me recuerda ligeramente a otra película de Karloff, "The Walking Dead" (1936).

Claro, es un tanto complicado explicar a un doctor que alguien es capaz de devolver la vida a un muerto. Especialmente con la policía presente. Por no decir imposible.

Curioso lo mucho que se parece el científico al Dr.Frankenstein, su argumentación en el juicio viene a ser la misma que decía él.

Me encanta como amenaza a todos y cada uno de los culpables de que lo ejecuten. Esa parte es genial.

Acabo de recordar que hay otra película donde el cuerpo de un "asesino" que fue ejecutado es devuelto a la vida, además es de Wes Craven. hablo de "Shocker" (1989). Y en ambas el asesino regresa para cargarse a quienes causaron su muerte.

He buscado un poco más, tenemos más títulos similares, como "Man Made Monster" (1941), "The House on Skull Mountain" (1974), "Prison" (1987) y "The Horror Show" (1989). Todas guardan alguna similitud con esta, en mayor o menor medida.

Nos privan de las imágenes de la ejecución, ni siquiera podemos escuchar las últimas palabras del científico, pero escuchamos una narración por la radio de todo ello. Menos es nada.

En realidad, el verdadero problema que le veo a no mostrar esa escena es que no sabemos si murió por asfixia o porque se rompió su nuca al caer. Creo que es algo fundamental a la hora de poder o no resucitarlo. Pero tras resucitarlo nos lo cuentan, se rompió el cuello y su ayudante pudo repararlo... qué detalles tiene esta película.

En poco tiempo se carga a 6 de los jurados, todos ahorcados. Y en un toque de genialidad junta a los 8 responsables que quedan vivos en un mismo lugar y la trama pasa a ser un "10 negritos" con 8 personas y un asesino. Aunque, ahora que lo pienso, una vez se une la hija del científico son 10.

Esta película hubiera sido ideal para tener un remake con Vincent Price como el científico. Supongo que "The Abominable Dr. Phibes" (1971) es la que más se acerca.

No me lo esperaba esto, el científico lo tiene todo planeado al milímetro. Ya tiene su cabeza de turco, el mismo ayudante que le devolvió la vida, a quien asesinó cuando trató de detener sus planes.

Vaya, no termina con la masacre que tanto esperaba. Lástima. Supongo que era demasiado para los años 30.

En fin, gran película, cómo no. Sería extremadamente raro que una de Karloff de esta época no fuera buena.

Catch Me If You Can (2002)

2026-03-29T15:15:00.000+02:00

Aquí la titulamos "Atrápame si puedes".

Con apenas 17 años, Frank es un hábil falsificador que se ha hecho pasar por médico, abogado y piloto. El agente del FBI Carl se obsesiona con dar con el estafador, quien disfruta enormemente de la persecución.

Una película de Steven Spielberg.

Protagonizada por Leonardo DiCaprio (Frank Abagnale Jr.) y Tom Hanks (Carl Hanratty).

Frank William Abagnale es un timador. Antes de cumplir los 19 años ya había acumulado 4 millones de dólares. Carl Hanratty es quien le capturó.

Así es como lo presentan en el programa "To Tell the Truth". Esa escena está sacada del programa real en que estuvo Frank. Aunque hay muchas diferencias, por ejemplo dicen que fueron 2,5 millones y los dos tipos que van con él salen vestidos de doctor y de preso. Me acabo de dar cuenta que de este programa proviene la famosa frase "Will the real (nombre) please stand up?".

La historia va saltando entre dos momentos en el tiempo. Primero tenemos la "actualidad", el segundo es el "pasado".

En el primero estamos en 1969, cuando Frank había sido capturado por la policía francesa y Carl le visitó para su extradición.

El primer detalle es que Christopher Walken (Frank Abagnale) sale bailando al principio. No sé si es un dato muy conocido, pero lo hace en casi todas sus películas.

Al despertarse Frank Jr. vemos un montón de cómics de Flash junto a su cama. En esos momentos vemos cómo su padre le enseñó a ser un timador. Pero sus timos no siempre le salieron bien y acabaron teniendo que mudarse. Eso explica mucho del carácter de Frank, creció en un ambiente de pobreza y necesidad.

Y su primer timo es hacerse pasarse por un profesor sustituto en el instituto, me encanta esta escena. Especialmente porque su padre se ríe al enterarse.

Entonces descubre a su madre poniéndole los cuernos a su padre. Eso explica por qué posteriormente trata a las mujeres como objetos de usar y tirar.

Y las cosas se ponen peor cuando se divorcian los padres. Eso hace que huya de casa y entonces es cuando se agudiza su ingenio y empieza a crear cheques falsos. Pero no funciona demasiado bien.

Sin embargo así es como se da cuenta de cómo tratan a los pilotos de aviones e investiga qué necesita para parecer uno. Pronto combina los cheques con ser un piloto y no tarda en empezar a acostarse con las chicas que va conociendo.

Una de las mejores escenas sucede en Los Angeles, cuando Carl consigue sorprender a Frank en su habitación y se le escapa de la manera más estúpida. Aquí es cuando usa el nombre Barry Allen por primera vez. Hasta este momento había usado nombres falsos, pero no ese.

Tras eso conoce a una modelo, interpretada por Jennifer Garner (Cheryl Ann). Me fascina la cantidad de actores y actrices famosos que aparecen en esta película. Por ejemplo, también salen James Brolin (Jack Barnes) y Brian Howe (Earl Amdursky) como secundarios, por no decir cameos pues son papeles realmente pequeños.

Otra identidad que adopta es la de James Bond, bueno se hizo llamar Flemming, tras ver "Goldfinger" (1964).

El primer error, por llamarlo de alguna manera, es que en la vida real Abagnale no tuvo una relación de amistad con ningún agente del FBI. Varios trataron de capturarle, pero, como bien apunta Carl en la película, no tendría sentido que conocieran su verdadera identidad, su cara o su voz. Aún así Carl está basado en buena parte en Joe Shea, el agente que estuvo al frente de la investigación. En la vida real Shea no recibió un centavo por esta película, pues cambiaron su nombre.

Otro cambio importante es que el padre no era un timador, de hecho fue una de las primeras víctimas de los timos de Frank, pues usó su tarjeta de crédito para pagar miles de dólares. En la película sólo mencionan que fueron mil dólares.

Vemos como también se hizo pasar por un doctor durante un año. En esta parte aparece Amy Adams (Brenda Strong). Para la escena del beso Spielberg le dijo a la actriz que hiciera como si fuera un hambriento que acaba de ver una hamburguesa después de unos días sin comer.

El padre de Brenda está interpretado por Martin Sheen (Roger Strong).

Carl le pregunta, en el presente, cómo aprobó el examen de abogacía, qué trampa usó. Frank se niega a responderle. Sólo le vemos mirando la serie de "Perry Mason". Al final le dice que simplemente estudió.

Brenda es la única chica de la que se enamoró, al menos lo suficiente como para casarse con ella. Y es la única que me da lástima.

Lo apellidos de las chicas que elige como azafatas, en las universidades, son los de las actrices que las interpretan.

El verdadero Frank Abagnale Jr. (Capitán Luc) hace aparición en la película, es el policía francés que le arresta en las navidades del 1967.

Me acabo de fijar que ponen a la policía francesa como si fueran unos bárbaros, capaces de disparar a lo loco a un hombre esposado y desarmado. Cuando la realidad es que algo así es más probable que suceda en EEUU.

Me meo con la escena de la fuga del avión.

Al final de la película, cuando Carl está frente a una pizarra, vemos en una esquina la frase "Steven and Tom's 4th project". Efectivamente, fue la cuarta colaboración de Steven Spielberg y Tom Hanks, las anteriores fueron la serie "Band of Brothers" y las películas "Saving Private Ryan" (1998) y "Joe Versus the Volcano" (1990).

Su captura y posterior incorporación al FBI me recuerda mucho a cuando las empresas de antivirus contrataban a la gente que hacía los virus.

Guarda similitudes con "The Great Impostor" (1960), "Plein soleil" (1960) y "Bullitt" (1968).

Es una película que creía que ya estaba en el blog. Ha sido pura casualidad que me pusiera a verla hoy y estaba tomando notas de las cosas peculiares que iba viendo para mejorar la entrada... cuando me di cuenta que simplemente no existía. En fin, cosas de la vida.

Manivore (2025)

2026-03-28T11:31:00.011+01:00

Otro juego.

Lo que comienza como una investigación rutinaria pronto se convierte en un descenso a la oscuridad. Lo llaman Manivore. Más que un simple asesino… Es frío, inteligente y manipulador. No solo mata a sus víctimas; borra sus huellas, las desmiembra y deja tras de sí solo una grotesca obra de arte. Para él, la muerte no es una escapatoria, sino la pieza final de un rompecabezas meticulosamente elaborado. Y ahora, eres parte de ese rompecabezas.

Creado por Farkas Interactive.

Su duración es de 1 hora.

El modelo de la casa que usan es el mismo que el de "Ghost Watchers" (2025).

Empieza fuerte, un policía llama a la puerta de un tipo que compró ropa para niños, sin tener hijos. Entonces pasas a ser el policía, mientras investigas su casa te deja inconsciente. Resulta que el tipo secuestró a tu hermano.

Cuando te deja solo en el sótano, te liberas y subes al primer piso.

Todo parece indicar que el tipo es un caníbal. Tu objetivo es hacer fotos a aquello que pueda servir como prueba. Me hace gracia que usas una cámara polaroid y que debes agitar las fotos para que revelen. También que, aunque encuentras muchas cosas, no te deja interactuar con ella hasta que consigues la cámara. Osea, ves los puzzles, ves su resolución, pero no puedes hacer nada.

Puedes tocar el piano. De hecho tienes mucha libertad para moverte por la casa. Al principio hay una muñeca que te vigila, pero deja de aparecer.

En una foto encontrada dentro de una pequeña caja con código hay un qr que lleva a https://www.farkasinteractive.com/qrmanivore.

Parece inspirado en la serie "Hannibal".

Una vez te deja hacer lo del trenecito y lo resuelves, la muñeca empezará a seguirte. Se moverá cuando dejes de mirarla.

También hay unos tipos que aparecen de repente, cuya mecánica es que cierres los ojos para que desaparezcan.

Y a ratos vemos una niña correteando por la casa.

En el sótano, después de los cuerpos colgados bocabajo, entras en una habitación con un proyector. Sobre la mesa hay unos muñecos dispuestos como "The Human Centipede (First Sequence)" (2009).

Finalmente encuentras a alguien vivo, a tu esposa y un ser que parece ser el culpable de todo. Le pegas un tiro. Te da a elegir comerte la carne de tu hermano para salvarlo, o no. No importa, te obliga a hacerlo, si le dices que no hay un poco más de diálogo.

Apareces en un vertedero, inconsciente.

Me ha gustado bastante, muchas referencias y muy mal rollo. Aunque hay cosas que parecen puzzles que no resuelves, no sé por qué.

Southern Gospel (2023)

2026-03-28T02:56:00.001+01:00

Venga, terminemos con esto.

Estamos en los años 60. Samuel Allen es el hijo de un predicador a quien le gusta el rock'n roll y, aunque a su padre le hubiera gustado que siguiera sus pasos decide apoyarle comprándole su primera guitarra eléctrica.

Con este título completo la filmografía de Emma Myers (Angie Blackburn), a falta de cortometrajes y apariciones puntuales en series de televisión. Pero a mí me vale.

Aunque dice que está basada en hechos reales, Samuel Allen es un personaje inventado. El director sí se basó en algunas vivencias personales pero no retrata a nadie en concreto.

Pocas veces he visto una disputa más estúpida que la de dos pastores discutiendo sobre cómo debe hacerse su trabajo. Eso sin contar con el tono inherente racista del "malo", claro.

Otra película con un fuerte mensaje cristiano. Creo que me han quedado bien claros los orígenes religiosos de Emma Myers.

Sus orígenes me recuerdan bastante a los que vimos en la película "Elvis" (1979). En ambos casos fueron influenciados por la música negra, pero aquí el propio Elvis es la base del estilo musical de Samuel.

Emma tarda unos 15 minutos en aparecer y lleva una peluca de pelo corto negro. Es una de las dos chicas jóvenes interesadas en Samuel cuando toca una canción. Aunque a él le gusta más la otra.

Creo que toda la película consistirá en hacernos creer una cosa y será justo lo contrario. Por ejemplo, parece que el padre quiera que siga sus pasos, pero no, le compra la guitarra, parece que se irá con la chica rubia, pero no, se va con la morena... pero no, porque se ahoga.

En fin, nos dejan sin Emma antes de llegar al minuto 25. Parecía el único personaje interesante, le daba un poco de vidilla a la historia.

En fin, tras eso empieza a tomar drogas y alcohol y a ser un roquero con su grupo. El peinado que lleva me recuerda ligeramente al de Daniel Radcliffe en "Weird: The Al Yankovic Story" (2022).

Lo dicho, al poco de acostumbrarnos a ese nuevo look y al hecho de que tiene un grupo, tienen una accidente, muere uno, otro acaba en el hospital y a él le cortan el pelo y lo meten en la cárcel.

Quiero pensar que la muerte del batería es una referencia a "This is Spinal Tap" (1984). No sé, por verle algo interesante a esta película, sé perfectamente que no es así.

No acabo de entender la obcecación del "malo" con el chaval. Que ya no es tan chaval, pero bueno.

Total, que después de su periplo musical decide hacerse un pastor y casarse con la rubia. Qué lío.

Se me hace pesada de ver, mucho. Todo el rollo religioso y el "malo" tratando de hundir al "bueno" es tan simplista. Tan básico. Tan poco original.

Incluso la discusión que tienen citando a la biblia me recuerda a un capítulo de "House M.D.".

La vida de este tipo se resume en una palabra: tragedia. Joder. Se le muere más gente que a una tortuga tras eclosionar sus huevos.

La única película que ha merecido un poco la pena de estas tres con Emma Myers es la navideña, al menos interpreta a un personaje muy suyo. Las otras dos son del todo ignorables. Ahora sólo cabe esperar a que salga la tercera temporada de "Wednesday", pues la otra película en la que está previsto que salga es una de animación donde pone la voz, hablo de "The Angry Birds Movie 3" (2026).

Tema zanjado, pasemos a otra cosa.

A Taste of Christmas (2020)

2026-03-27T22:09:00.005+01:00

Uf...

Natalie Rogers es una joven que muy popular entre sus vecinos que tiene 8 trabajos. Tiene previsto ir a pasar las navidades con su prima Olivia, sin embargo ella se ha quedado atascada en Roma por el tiempo. Así que decide ir al restaurante que tiene previsto abrir su prima y allí conoce al cocinero, el chef Stefano Grimaldi.

Otra película con Emma Myers (BeeBee Jordan), esta vez con un personaje con más presencia.

No puedo decir que tenga demasiadas ganas de ver una película navideña. Y no porque no sea la época, es que se me hacen bola.

Definitivamente Emma tiene más peso esta vez, es la típica chica de instituto, algo torpe, que está enamorada de un chico de su clase. Diría que es el papel más típico para ella. Me parece interesante que lleve un aparato en los dientes.

Podría echarle la culpa por su falta de experiencia a algunas de las escenas donde se nota que no está muy preparada, pero algo me dice que la culpa la tiene el director. En todo caso, ya tenía 18 años en estos momentos (o casi).

Creo que fuerzan un poco el personaje del cocinero, quien ve todo de manera "lógica", incluído el amor.

En realidad me hace gracia la parte en la que BeeBee huye del chico porque es demasiado "lógico".

No deja de ser la típica historia de Navidad donde todo se complica, se va al garete y "mágicamente" al final todo sale bien. Y me refiero a todo, no sólo a la comida especial sino a las relaciones e incluso Olivia consigue llegar a tiempo.

En fin, topicazos italianos, amores espontáneos y mucha comida. Osea, lo que uno podría esperar con ese título. Al menos tiene algo de comedia para hacerla más digerible.

Dicho lo cual, Emma está bien, un poco verde, pero se empiezan a notar maneras. En fin, pasemos a la tercera y última película de las que me faltaban por ver de ella.

Letters to God (2010)

2026-03-27T15:56:00.003+01:00

Aquí la titulamos "Cartas al cielo".

Walter Finley es un cartero que se ve forzado a tomarse unas vacaciones. En su ruta hay un niño llamado Tyler con cáncer que envía cartas a dios. El cartero sustituto es Brady McDaniels, un alcohólico.

Técnicamente es la primera película donde sale Emma Myers (Girl on School Bus), pero ni siquiera recibió crédito por ello. Tenía 8 años en aquel momento. Como curiosidad, salen también su hermana mayor Avery, de 11 años de edad, y su hermana pequeña Isabel, quien tenía 5 años. Dije que buscaría sus otras películas y aquí estamos.

Tyler tiene un hermano mayor, que se preocupa por él, una madre trabajadora (enfermera), una abuela que le cuida y un padre que murió siendo soldado. Su mejor amiga es Sam, su vecina, con quien va a clase.

No podía faltar la típica escena de un perro persiguiendo al cartero, ni tampoco la que se moja con el sistema de riego de un jardín.

Es una película con un fuerte mensaje cristiano. Claro que con ese título no es ninguna sorpresa precisamente. Pero vamos, cada dos por tres mencionan a dios, a la iglesia o derivados. Llega a hacerse un pelín pesado.

Termina con unos cuantos ejemplos de gente que tuvo cáncer y se recuperaron o están en ello, cuando hicieron la película.

La escena de Emma Myers y sus hermanas dura como 5 segundos. Reto a cualquiera a tratar de encontrarlas. Sucede cuando la madre lee la carta del hijo mayor y le vemos sentado en un autobús. Hay un montón de chicas, sí, pero a saber cuál es Emma. Juraría que son las tres que están hablando, sentadas detrás del hijo.

En fin, la vi por ella y al final ni siquiera sé si sale. Es un dramón de cuidado. Pasemos a la siguiente.

Diabolik: Chi sei? (2023)

2026-03-27T01:46:00.003+01:00

Y la tercera parte.

Diabolik sigue obsesionado con robar las monedas de la condesa. Pero unos atracadores sin escrúpulos se le adelantan. Por suerte la policía ha conseguido capturar a uno de ellos.

Al ser rodada a la vez que la segunda no tuvieron problemas en hacer que repitiera el reparto esta vez y eso incluye a Monica Belluci (condesa Altea di Vallemberg).

Arranca de una manera interesante, secuestran a una mujer que trabaja en un banco. Está soltera.

Oh... no era una inconsistencia lo de las monedas en la anterior película. Es que eran de otra condesa. Nunca quedó establecido, nunca la vimos, con lo cual era imposible saberlo. Aunque imagino que dirían qué condesa era, pero no me fijé tanto. Si hablan de una condesa y luego sale otra no ayuda lo más mínimo al espectador.

Juraría que la persecución durante los créditos iniciales es una referencia a la película de los 60, el Jaguar de Diabolik se mueve de manera similar en un momento dado.

Oh, qué bueno, vemos el "plan" y luego lo que sucede realmente. Las cosas se complican enormemente.

La trama esta vez es bastante diferente, la policía y Diabolik espían a la esposa del hombre que consiguieron capturar (porque él está en coma). Con lo cual Ginko no está tratando de capturar a Diabolik esta vez.

Y a la condesa Altea tarda un poco en aparecer, pero creo que lo hacen bien, buscan una manera de justificar su presencia.

Es una de las raras veces (la primera en 4 películas) en las que tanto Ginko como Diabolik están en peligro de muerte. Y, por lo que sea, no los matan pero al policía amigo de Ginko sí, estando en la misma situación. Claro.

Creo que exageran la manera en la que retratan como villanos a los ladrones. Para empezar matan gente a diestro y siniestro. Luego cuando ejecutan al policía es prácticamente una ceremonia que culmina cuando arrojan su cuerpo al río. En las anteriores películas vimos a Diabolik matando policías, pero era algo más frío, más rápido, sin miramientos, por necesidades del momento. Esto es demasiado cruel.

Dicho lo cual, hay una dualidad fascinante entre el inspector y el protagonista. Detalles sutiles como que cuando les atrapan Altea lleva una falda verde y Eva lleva una chaqueta del mismo color, como si se complementaran. O que ambos proceden de una "familia" de delincuentes.

La parte en la que rescatan al bebé de la barca, con todos los demás muertos, me ha recordado en cierta manera a "Popeye Animatic" (2013), una rareza pues jamás llegó a ser terminada, en la que Popeye termina metido en una barca por su padre y luego lo rescatado por desconocidos y creciendo en un orfanato.

Técnicamente tenemos a un nuevo actor haciendo de Diabolik, es Lorenzo Zurzolo (Diabolik con 20 años), lo cual hace que tengamos uno diferente en cada película. Es fascinante esto. Me gusta más que su versión adulta.

Una cosa que sí tienen estas películas es que lo que ves es lo que hay, vamos si no tenemos en cuenta el tema de las máscaras, pero casi siempre queda claro quién es en todo momento.

Hay un error de continuidad, cuando salen de la casa del abogado el Jaguar está perfectamente aparcado, esperándoles, y no en modo "defensa" como lo dejaron.

Si bien esta vez Ginko no entra en la guarida de Diabolik, se podría decir que de manera metafórica sí lo hace cuando le habla de su pasado.

La película termina con el robo del diamante rosa de la primera parte. Me encanta.

Es un personaje muy interesante, por diferentes motivos. Para empezar, no está situado en la época actual, lo cual le dota de ingenio y aparatos que no son especialmente modernos, pero sí para la época en la que transcurre la historia (por ejemplo la "impresora de caras", pero está perfectamente explicada en el contexto). No está situada en ningún lugar real, es otro gran acierto, les da libertad para crear gobiernos, destruirlos, crear leyes... Hay romance, hay incluso sexo, pero no es para nada algo erótico. Y no trata al espectador como si fuera tonto, simplemente te ofrece las explicaciones de todo, si quieres verlas, claro está.

En resumen, me ha gustado mucho. Ojalá hagan más películas.