Nella mia esperienza didattica ho capito che l’esercizio rende automatico il gesto. In fotografia un percorso sicuramente efficace è quello di concentrarsi su un aspetto e lavorare su quello.

Si comincia dagli aspetti tecnici, si lavora sugli ISO, i tempi e i diaframmi. Si testano le lunghe esposizioni, sia su cavalletto che a mano libera. Si prova il panning, il light painting, ecc. Poi ci si concentra, ad esempio, sugli obiettivi e sulle differenze di rappresentazione che ci sono usando questa o quella lunghezza focale. Poi si lavora sulla luce e si impara a conoscerla e gestirla, sia la luce naturale, sia le tante tipologie di luce artificiale. Per un po’ è utile concentrarsi sulla composizione che deve divenire un’ossessione (come anche la luce) per un certo periodo di tempo. Si lavora sulla rappresentazione del volto e della figura. Si lavora sulla rappresentazione dell’architettura, ecc.

In tutta questa fase – lunghissima – ogni scelta deve essere razionale. Si ragiona, si prova, si verifica, si ragiona di nuovo, si prova di nuovo, si verifica di nuovo, e così via. Al termine di queste percorso lunghissimo ognuno degli aspetti sui quali ci si è concentrati, diventa un gesto automatico, istintivo ed è molto liberatorio perché, a quel punto, la fotografia diventa una pratica di meditazione. Quando si fotografa non si pensa più. O meglio si attiva sempre meno la parte razionale del cervello e si lavora, invece, seguendo un flusso quasi subcosciente.

Una volta a casa, riguardando le fotografie scattate, si vedranno dettagli e particolari che non si erano notati in fase di scatto. La fotografia è come un flusso di energia, un’onda da cui lasciarsi trasportare e guidare. Nel momento dello scatto si sintetizzano tutti gli studi fatti in precedenza ma anche l’intero nostro bagaglio, i film visti, gli spettacoli teatrali, le poesie, le fotografie degli altri autori che ci sono rimaste dentro…

E da questo punto di vista potremmo dire che non è possibile inventare nulla. L’unico valore in fotografia non è, a mio avviso, l’originalità – che pure ci può essere nel modo in cui interpretiamo e rinnoviamo il lavoro dei giganti – quanto l’autenticità.

Il valore di un lavoro fotografico risiede nella vicinanza tra il fotografo e il soggetto della sua fotografia, oltre che nell’onestà dell’approccio.

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In questo video ho provato a raccontare questo lungo viaggio, con la speranza che possa essere d’ispirazione per chi non ha ancora trovato la giusta determinazione per dedicarsi al proprio progetto e trasformarlo in libro.

Grazie a tutte le persone che mi sono state vicine in questi anni e che hanno contribuito alla buona riuscita del progetto. Sono tutte elencate nei ringraziamenti, all’interno del libro. Grazie di cuore.

Buona visione e buon anno

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Di recente ho pensato che potesse essere utile dare una forma a tanti pensieri scomposti e casuali – il titolo del blog è, per l’appunto, Riflessioni in ordine sparso sulla fotografia, un viaggio tra arte, fotografia e vita. Ho riletto tanto materiale scritto negli ultimi tredici anni, selezionato gli articoli più personali, li ho corretti e li ripropongo in questa nuova veste oggi.

La genesi degli articoli è legata a riflessioni personali o a momenti di divulgazione come workshop e seminari. Non c’è, dunque, alcuna pretesa di esaustività rispetto a un tema così vasto e affascinante.

Gli autori citati sono universalmente riconosciuti come fotografi e intellettuali che hanno contribuito allo sviluppo di un’idea legata alla rappresentazione, sia in Italia che all’estero. Molti sono gli assenti illustri ma non per un giudizio di merito.

Dal mio punto di vista, la cosa fondamentale è essere aperti e lasciarsi contaminare da qualsiasi autore o linguaggio attiri la nostra attenzione, cercando poi di assorbire, di fare nostro un linguaggio, una modalità espressiva, un progetto, rifuggendo, però, a tutti i costi, dall’imitazione.

Il linguaggio utilizzato in questo libro è volutamente semplice e alla portata di tutti ed è una conseguenza diretta della mia esperienza didattica pluridecennale che, giocoforza, mi ha spinto a trovare formule di comunicazione sempre più semplici e comprensibili ai più.

L’auspicio è che il contenuto del volume che hai tra le mani, possa fornirti spunti di riflessione e alimentare il desiderio di un ulteriore approfondimento, magari tramite la ricerca e lo studio delle tante fotografie, degli autori e dei libri citati.

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Indice

• Introduzione
• Fotografie che pongono domande
• Una riflessione sullo sguardo lento
• Distanza e rappresentazione
• Strane creature a Oriente
• Lisbona, prime impressioni
• Fotografare la città
• Strada Grandi Comunicazioni Jonio-Tirreno
• La fotografia perfetta
• Stendhal a Parigi
• Paolo Roversi
• Visita allo studio Barbieri
• Composizione e voce
• Alec Soth sul segno stilistico
• How to develop your sound
• Gae Aulenti sulla progettazione
• Sulla bellezza in fotografia
• Storie di giovani aquile
• Michael
• H.C.B.
• Fotografia e vita
• L’importanza di una caduta
• Splendide fotografie vuote
• Bibliografia concettuale

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Il Piccolo manuale teorico-pratico sulla fotografia di paesaggio offre numerosi spunti per migliorare la tua pratica fotografica.

Guardando al lavoro di tanti fotografi che si sono occupati e si occupano di rappresentazione del paesaggio ma anche di fotografi dediti al reportage e alla street photography, ci si rende conto di come condividano tecniche e modalità operative.

Questo manuale ti consentirà di conoscere diversi aspetti che compongono la fotografia di paesaggio urbano e alcune delle tecniche usate dagli street photographers e di mettere tutto immediatamente in pratica tramite 9 esercizi.

Il tuo sguardo verso il paesaggio urbano, l’architettura e la strada e la tua capacità di rappresentarli non sarà più lo stesso.

Nessun manuale può essere esaustivo ma sono sicuro che quello che hai tra le mani sarà un buon inizio per migliorare la tua pratica fotografica.

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Indice

• Introduzione
• Perché fotografare il paesaggio
• Pillole di storia della fotografia in ordine cronologico inverso
• A proposito di sguardo lento
• Lunghezza focale e rappresentazione
• Esercizio n. 1
• Soglie e inquadrature naturali
• Esercizio n. 2
• Scalfire la superficie
• Esercizio n. 3
• Il progetto fotografico
• Stratificazioni e relazioni
• Esercizio n. 4
• Istante decisivo e sguardo lento
• Fotografare un luogo in poco tempo
• Esercizio n. 5
• Esercizio n. 6
• Urla e sussurri
• Fotografia di interni e paesaggio
• Esercizio n. 7
• Arte e rappresentazione del paesaggio
• Fotografia e architettura
• Esercizio n. 8
• Il momento autentico
• Esercizio n. 9
• Conclusioni?
• Bibliografia concettuale

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Scopri come migliorare la tua fotografia di paesaggio, imparando dai grandi maestri come Robert Adams, Luigi Ghirri, Gabriele Basilico, Guido Guidi, Alex Webb e Rebecca Norris Webb, Stephen Shore, Henri Cartier-Bresson, ma anche Clémente Chéroux, Vilem Flusser, George Perec, Jacques Carelman, Paolo D’Angelo, Franco Vaccari, Raymond Queneau, Raimond Carver, Donald Norman, Gianni Rodari.

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È stata una giornata davvero emozionate. Il momento più difficile del corso intero l’ho vissuto mentre assegnavo i voti, nonostante abbia cercato di utilizzare dei criteri quanto più possibile oggettivi per arrivare al voto finale.

Il voto rispecchia il percorso fatto assieme, l’esame, l’elaborato finale, ecc. Alcun* sono riuscit* a guadagnare diversi punti nelle ultime settimane, qualcun*, invece, è stato penalizzato dalla prova odierna, altr* dalle tante assenze, altr* ancora dal fatto di non aver avuto altro tempo per migliorare ulteriormente il risultato.

Penso che il voto odierno sia assolutamente relativo rispetto al percorso degli studenti e delle studentesse. Mi auguro che riescano a prendere il meglio dal piccolo viaggio fatto insieme, di portare con loro un metodo e, soprattutto, un’apertura verso la ricerca e l’approfondimento. Mi auguro che non si sentano mai stanchi e mai soddisfatti.

Al contrario, io sono molto soddisfatto del loro percorso (basta pensare a quanto hanno imparato in così poco tempo, a quante prove ed esperimenti hanno fatto, a quante volte hanno cambiato idea) e, ripeto, il voto, dal mio punto di vista, è assolutamente relativo. Ogni mia indicazione non era finalizzata all’esame, bensì alla loro crescita.

Ragazz* vi mando un grande abbraccio e in bocca al lupo per gli esami futuri .

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I trafficanti di esseri umani radunarono i migranti a Istanbul e li condussero a Çeşme, sul mare Egeo, per farli imbarcare su un battello, collassato immediatamente. 

A quel punto, li fecero salire sul Summer love, un caicco – cioè una nave da pesca turca – di 25 metri, battente bandiera greca.

Furono ritrovati 94 corpi senza vita. 
35 di loro erano bambini.

Il video Summer Love, promosso dall’Assessorato Economia e Finanze della Regione Calabria e con il patrocinio della Calabria Film Commission, è stato realizzato in occasione della commemorazione del naufragio di Cutro.

NOTE

La mia fotocamera è più pesante del solito. Avevo portato con me i flash ma ho preferito allestire un set semplice, usando una sola sorgente luminosa: la luce naturale da una delle porte del capannone della Protezione Civile. Ho iniziato a fotografare dopo aver pulito un pannello bianco, trovato sul posto. Man mano che scattavo, il fondo si riempiva di sabbia e altri detriti. Ho provato a poggiare i capi in maniera semplice, quasi senza toccarli. In qualche caso ho sistemato qualche capo, nel tentativo di restituire dignità, anche se temo si sia trattato di un gesto inutile e presuntuoso.

Sulle felpe compaiono i marchi, tra cui la linea Manière De Voir che è rappresentata con un lettering barrato, come se ciò che ho di fronte ai miei occhi, tutto l’accaduto e forse anche la mia documentazione, fossero una maniera sbagliata di vedere, un punto di vista errato. 

Ho cercato di non spettacolarizzare, di non scegliere inquadrature ricercate, bensì di limitarmi a un’inquadratura zenitale. Ho ritenuto necessario usare questo punto di vista, come se fosse più oggettivo, con la finalità di creare un campionario, un catalogo, di questi vestiti ed effetti personali. Ho scelto di non fotografare l’intimo, proprio perché non desidero che le mie immagini risultino sensazionali. 

Vorrei che fossero delle foto banali. Vorrei non averle scattate io. Vorrei che non ci fosse stata l’occasione per scattarle.

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Sia chiaro che la fotografia può essere un hobby, può essere usata come terapia, come strumento di ricerca o conoscenza di sé (un po’ come lo yoga o la psicanalisi). Nessuno di questi utilizzi può essere considerato deprecabile.

La confusione a cui faccio riferimento, infatti, ha a che fare con il narcisismo. Con l’idea di David Foster Wallace, quando afferma di aver scoperto che la disciplina più difficile è “cercare di partecipare al gioco senza farsi sopraffare dall’insicurezza, dalla vanità e dall’egocentrismo” e poi ancora che “la grossa distinzione fra grande arte e arte mediocre si nasconda nello scopo da cui è mosso il cuore di quell’arte, nei fini che si è proposta la coscienza che sta dietro il testo (o la fotografia nel nostro caso n.d.r.). Ha qualcosa a che fare con l’amore. Con la disciplina che ti permette di far parlare la parte di te che ama, invece di quella che vuole soltanto essere amata“.

Perché scattiamo fotografie? Perché proviamo un piacere nel farlo?
Perché sentiamo una forte connessione con il nostro soggetto e una forte motivazione – quasi un’ossessione – che ci porta a pensare che il nostro gesto sia indispensabile (e già se così fosse, sarebbe un’idea illusoria)?
Oppure fotografiamo perché andiamo alla ricerca di affermazione sociale, cioè di like o apprezzamenti dagli amici?

E a cosa serve la tecnica se non a ottenere il risultato che abbiamo in mente? Quanto senso ha concentrarsi su di essa?

Che utilità c’è nell’imparare a scattare come il nostro fotografo preferito? È importante in una prima fase, a mio avviso. Quella in cui si gioca, si sperimenta, si studia la tecnica, per l’appunto e si acquisisce padronanza. Un po’ come i pittori che, per imparare a dipingere, studiano l’anatomia e imparano la tecnica, copiando i dipinti dei grandi maestri.

In seguito, però serve trovare una propria strada, una motivazione personale, che parta proprio da qualcosa che per noi abbia senso rappresentare. Si potrebbe spendere la vita intera a inseguire una determinata capacità tecnica o uno stile preciso, per poi ottenere il risultato di scattare delle splendide fotografie vuote. Perché l’autore che abbiamo cercato ossessivamente di copiare per anni, scatta in un certo modo, lavora con alcuni soggetti – in generale fa quel tipo di fotografia – per le sue motivazioni personali e il suo bagaglio che, inevitabilmente, differiscono dalle nostre.

Cerchiamo di essere più chiari con un esempio: ammettiamo che adoriate Alex Webb o magari Saul Leiter. Trascorrete due o tre anni della vostra vita a cercare di imitare quelle fotografie. Alla fine di questo percorso cosa avrete ottenuto? Che senso avrà aver imparato a scattare foto identiche a quelle di un altro fotografo?

Io consiglio di accostare fin da subito una riflessione allo studio della tecnica: cosa conta davvero per me? Cosa mi interessa? Cosa voglio fotografare? Che storia voglio raccontare? Solo dedicandoci a qualcosa che davvero ci interessa, riusciremo a produrre risultati degni di nota!

Dopo aver risposto a queste prime domande, potremo chiederci: come voglio rappresentare? Che tecnica userò? Che linguaggio svilupperò? Che distanza dal soggetto sceglierò? Che posizione nel mondo prenderò? E tutte queste domande saranno strettamente legate al progetto iniziale, cioè a quello che conta davvero per ognuno di noi. Intendo dire che deciderete di avvicinarvi o allontanarvi, di usare una lunghezza focale o un’altra o magari anche una tecnica di ripresa o di post-produzione insolite… ma tutto in funzione delle esigenze del progetto.

Ovviamente è rischioso, anzi presuntuoso, soprattutto quando si comincia, decidere a tavolino. Piuttosto occorrerà eseguire diverse prove, oltre a delle ricerche per capire cosa già è stato fatto su un determinato tema e in che modo quelle idee e ricerche sono state sviluppate da altri autori. A tal proposito vi invito a leggere “Da cosa nasce cosa” di Bruno Munari, il quale fornisce proprio una metodologia operativa, utile ai designer ma anche ai fotografi a mio avviso. Ecco il link: https://amzn.to/3K3fNL3.

Personalmente sono interessato al concetto di verità. La fotografia non coincide mai alla verità, mi riferisco, invece, alla verità nell’approccio, all’onestà nella scelta del soggetto (per soggetto non intendo una persona ma il progetto a cui ci si dedica, quindi anche una serie di fotografie di palazzi o di alberi oppure mio figlio o il mio quartiere) e, di conseguenza, a tutte le scelte che ne conseguono: ho in mente questo progetto, quindi, nel rispetto del progetto stesso, farò determinate scelte.

In fotografia, infatti, si tratta sempre di definire un perimetro d’azione, una cornice di regole, all’interno delle quali muoversi liberamente. Sembra contraddittorio ma è un punto cruciale: è fondamentale essere liberi ma dentro un sistema ideato da noi stessi e strettamente connesso con quel determinato progetto su cui stiamo lavorando (e con quello soltanto).

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