BLOG TEATRO

Romina Moretto y Lorenzo Quinteros: Comer de noche

2012-05-25T23:00:00.004-03:00

“Nos comemos los unos a los otros”

Ella actúa y él dirige esta obra de la que ambos son autores, que arranca como comedia y culmina en la más horrorosa tragedia. “Nos hace reflexionar sobre la vida, sobre los exabruptos de los seres humanos, que es un tema que remite al origen del teatro”, aseguran.

Comer de noche, escrita por Romina Moretto y Lorenzo Quinteros –quien también la dirige–, es el claro ejemplo de que a veces encasillar a una propuesta teatral en un determinado género dramático no tiene sentido. Durante casi toda la obra, el espectador aseguraría sin dudarlo que la obra es una comedia desopilante, aunque esté basada sobre un argumento que en el fondo no es tan gracioso. Al final, sin embargo, todo se transforma “de repente” en la más horrorosa tragedia y quien observa sale de la sala sin entender cuándo se produjo esa transición. En el medio, grandes actuaciones y una gran escritura configuran los aciertos principales de la puesta. La obra cuenta la historia de dos hermanos enfrentados por una misma mujer. Máximo y Esteban (Julio Molina y Gabriel Lima, respectivamente) llevan más de un año sin hablarse, desde que el segundo sedujo a Lucrecia (Moretto), ex mujer de su hermano y ahora su concubina. Pero ahora están decididos a reencontrarse, apurados por cuestiones financieras relativas a la herencia de sus padres ya fallecidos. Máximo va a cenar a la que fue su casa hasta hace poco. Pero no va solo, sino acompañado de Bianca (Anita Gutiérrez), una jovencita clarividente, vegetariana, fóbica a “los desenlaces trágicos” y “onda zen”. Bianca no pareciera ser el tipo de mujer al que el mayor de los hermanos está acostumbrado, a juzgar por su ex esposa, y que además ignora la verdad sobre los vínculos entre los otros tres personajes.

Durante la obra, en la que comerán carne y beberán vino (dos elementos de carácter significativo en la puesta), se irán poco a poco desentramando las verdades de esta familia disfuncional hasta devenir en acontecimientos terribles. Quizá la única forma en la que un conflicto de esta índole podía resolverse. En charla con Página/12, los autores de la pieza confiesan que se trata de un espectáculo diferente de los que venía haciendo Quinteros. “Hay cierto prejuicio que suele asociar a Lorenzo con la escritura seria”, dice Moretto en la casa que comparten. “Lo que no entienden es que se puede hacer algo seriamente, una comedia incluso, sin ser solemne”, apela el director.

–La obra provoca la risa de los espectadores hasta el final, que deviene en un desenlace muy trágico. ¿Cómo creen que se sobrelleva la mezcla?

Romina Moretto: –Cuando antes de estrenarlo compartimos el material con nuestra gente de confianza para una primera revisión, absolutamente todos nos pidieron un final violento. Fue curioso, porque todavía la obra no estaba puesta y no conocíamos esos otros colores que el público luego nos dio y que sí justifican ese final. Incluso hoy el público, después de verla, pide expresamente sangre. La fantasía empieza a correr de tal manera que la gente completa la propuesta con un final aún mucho más violento del que nosotros proponemos.

Lorenzo Quinteros: –Más que violencia, piden que finalmente la obra se redondee en un género. Y creo que es porque como espectador el género te salva, te distancia. Uno ve ese final y piensa “bueno, pero esto pasa en el thriller, no en la vida real”. Por eso es creíble que la gente termine espantada pero también se ría mucho. De todos modos, no nos interesan los encasillamientos porque creemos que a los espectáculos los vuelve toscos, brutos.

–La transición entre lo cómico y lo trágico es imperceptible. ¿Cómo lo trabajaron?

L. Q.: –Hay algo que hace proceso, que es el alcohol. Eso está buscado, porque creemos que es un elemento que empuja hacia el descontrol, hacia acciones inconscientes. Está muy marcado en la obra y tiene que ver con la angustia de estos hermanos y con generarles un color que hace posible el descontrol.

R. M.: –Hay un momento en el cual la copa, que tenemos todo el tiempo en la mano, deja de estar en primer plano. El espectador la naturaliza, pero cuando vuelve a fijarse en la mesa se da cuenta de que hay cuatro botellas vacías, o sea que en promedio cada uno se tomó una botella.

–Además del vino, otro elemento de importancia significativa y simbólica es la carne. ¿Con qué la asociaron al momento de escribir?

R. M.: –Sabíamos que en la obra teníamos que comer carne y que debía estar presente como metáfora de la sangre, de la bestia. Como me dijo mi terapeuta al leer el material antes de su estreno, con la inclusión de la comida están los tres elementos prohibidos para cualquier creencia o religión: el canibalismo, el incesto y el asesinato. En este caso, el canibalismo se manifiesta en estos seres que comen carne metiéndole el diente literalmente.

L. Q.: –La carne es un integrante fundamental de esta sociedad donde cada cual pretende pisar al otro. Vivimos comiéndonos los unos a los otros y eso es algo de lo cual no tomamos conciencia los seres humanos.

–La fobia de Bianca es curiosa: no puede aguantar una obra de teatro porque vaticina el final dramático que va a tener, se siente mal y tiene que irse de la sala... ¿Podría pensarse que le pasa lo mismo en la vida real, más específicamente con la situación que está viviendo en esa cena?

L. Q.: –Y... de algún modo ella se da cuenta desde el principio de que algo raro hay, y lo dice. Además vive sobresaltos desde que llegan a la casa de Esteban y Lucrecia, y dice que siente climas raros en esa reunión. Al final, concretamente, le dice a Máximo que le parece que eso no va a terminar bien. Así que de alguna manera traspasa esa fobia a esa situación.

R. M.: –De alguna forma, igual, ella reniega contra eso. Por ejemplo, cuando cuenta el argumento de Agamenón, la obra de teatro que acaba de ver con Máximo minutos antes de la cena. Sólo el espectador se da cuenta de que tiene el mismo argumento que lo que está pasando entre ellos. Pero ella no se da cuenta, probablemente porque quiere pensar que no va a pasar lo mismo.

–Hablando de Agamenón, más allá del guiño con el argumento de esa tragedia, son recurrentes las asociaciones con el teatro griego. La muerte, por ejemplo, se produce fuera del campo óptico del espectador. ¿Les interesó profundizar esa cuestión?

L. Q.: –Siempre me interesó la tragedia griega porque considero que hay ciertos resortes de esa poética que todavía se pueden seguir usando. Esta obra, por ejemplo, nos hace reflexionar sobre la vida, sobre los exabruptos de los seres humanos, que es un tema que remite al origen del teatro. Y ese origen es un tema recurrente en mí, porque considero que el teatro es una ceremonia de la humanidad que es arcaica. Hay gente sentada mirando al frente y gente en un escenario representando. Es un arte que va a ser siempre así o va a dejar de ser. No tiene evolución.

–Esteban recita en la obra pasajes de otra obra que está ensayando, Máximo cuenta su frustrada vocación de actor, y por la fobia de Bianca hay constantes menciones al teatro y al hecho teatral. ¿Por qué decidieron hacer explícito el artificio teatral, que el teatro hable del teatro, al estilo de Seis personajes en busca de un autor, de Luigi Pirandello?

L. Q.: –Siempre me atrajo el recurso metateatral. La transparencia que tiene el teatro es siempre cuestionable. Por eso creo que el metalenguaje ayuda mucho al conocimiento del hecho artístico. Hace que el espectador conozca más, y que más allá de llevarse una nueva ficción a su casa se lleve el conocimiento de cómo está hecha esa ficción.

* Comer de noche va los viernes, a las 20.30, y los sábados, a las 22.30, en el Teatro Payró, San Martín 766.

Fuente: Página/12

Usina propia
La ficha

Mariano Moro: La suplente, Azucena en cautiverio, Jesucristo y Porque soy psicóloga

2012-05-25T23:00:00.003-03:00

Ceremonias de inclusión

En casi todas las obras del dramaturgo está presente su pasión por la buena lectura. “Hago todo el esfuerzo para que el público se enganche con la propuesta”, afirma el autor de La suplente, Azucena en cautiverio, Jesucristo y Porque soy psicóloga.

En La suplente, obra de Mariano Moro, una profesora de literatura española da rienda suelta a sus rencores y pasiones al tiempo que, sin proponérselo, realiza un recital de sus autores predilectos. Varias veces premiado en el país y en el exterior, este unipersonal que desde hace once años interpreta la excelente María Rosa Frega, bajo la conducción del propio autor, tiene hoy segundas partes en Azucena en cautiverio, recientemente estrenada. Allí se describe la relación –literaria– que entablan la docente de marras y el psiquiatra (a cargo de Mariano Mazzei) de la institución donde la mujer está internada. Allí llegó tras la crisis emocional que sufrió frente a su alumnado, situación que cierra la primera de las obras mencionadas. Ambos espectáculos pueden verse en el Teatro Molière (Balcarce 682).

Si bien nunca ejerció, Moro se recibió de psicólogo. Con el tiempo comprendió que hubiese querido dedicarse a estudiar letras y trabajar como profesor de literatura, según manifiesta el autor y director en conversación con Página/12. No es difícil creerle, ya que en la mayor parte de sus obras está presente su pasión por la buena lectura, además del placer de divertir enseñando. Si en Quien lo probó lo sabe Moro se había centrado en la vida y la obra de Lope de Vega, en La suplente elaboró un delirante entramado que reúne a Cervantes, Sor Juana y Calderón, entre muchos otros autores, en tanto que en Azucena... se propuso ofrecer un atractivo recorrido por el teatro universal, junto a textos de Lorca, Zorrilla, Lope y Strindberg... sin dejar de lado a la revista porteña.

“Busco poner a la literatura en situación dramática y busco que el teatro signifique un momento grato para el espectador”, resume Moro, para quien es impensable que a esta altura de la civilización algún autor pretenda ser original. El dramaturgo advierte que, después de tantos milenios de cultura, no se puede inventar nada, sino tomar lo que ya fue hecho por otros y reformularlo según la propia sensibilidad. Escribir teatro a partir de la necesidad de hacer reír es otra de las motivaciones del prolífico autor, quien acaba de estrenar otro unipersonal, Porque soy psicóloga, esta vez a cargo de Merceditas Elordi, en el Taller del Angel (Mario Bravo 1239). Se trata de un monólogo que muestra a una psicóloga “en su propio análisis, en su peor momento”. No obstante su apego a la literatura y el humor, Moro hizo una excepción con Jesucristo, otro de sus estrenos recientes (ver recuadro).

–Muchas de sus obras parecen ir a contrapelo de lo que usualmente se ve en teatro...

–Sí, es posible, pero me sale así. De todas formas, como no me gusta hacer teatro para mí solo, hago todo el esfuerzo para que el público se enganche con la propuesta. Por eso busco la forma para lograr que el espectador disfrute con lo que a mí me gusta, cada uno según su cultura, su mundo espiritual y sus intereses personales. Creo que el teatro es una ceremonia de inclusión y es por eso que intento que todos participen.

–¿No es un impedimento que la lectura no sea una actividad que goza de popularidad?

–Hoy la gente no lee ni que la maten. Pero pienso en el teatro de Lope. En sus textos aparecen palabras que vienen del latín o del italiano y, sin embargo, a pesar de haber tenido un público de analfabetos, fue un autor profundamente popular. ¿Por qué tenemos que ser menos nosotros? Veo que, si la gente usa veinte palabras, entonces las obras de teatro usan sólo doce. Me parece que el teatro se alejó de la literatura.

–Considerará que hay excepciones...

–Sí, ésta es una generalización, porque hay buenos autores, también. Pero desde que el teatro se plantea diferentes búsquedas me parece que la calidad literaria quedó relegada. Tengo interés en la tradición clásica y veo, de parte de muchos autores, prejuicio y falta de formación.

–¿Qué pasa con los actores?

–Algo que estaba muy presente en la tradición clásica era que el actor debía hablar correctamente. Hoy, en cambio, busca trabajar sobre el cuerpo, sobre la necesidad de ser verdadero, y con esto fue dejando de lado lo que tiene que ver con la palabra. Cuando voy al teatro, no puedo evitar hacer una evaluación de la calidad literaria del texto que estoy escuchando y cómo se dice.

–¿El teatro siempre debe ser un momento grato?

–Sí, porque hay que considerar que la gente le entrega a uno su tiempo y esto para mí es sagrado. Por eso tengo que tener la cortesía de ofrecerle lo mejor. El teatro es una ceremonia que todos debemos disfrutar.

* La suplente, Teatro Molière (Balcarce 682), viernes a las 20.30. Azucena en cautiverio, Teatro Molière, sábados a las 20.30. Jesucristo, Teatro del Pueblo (Roque Sáenz Peña 943), domingos a las 18. Porque soy psicóloga, Taller del Angel (Mario Bravo 1239), domingos a las 18.30.

Fuente: Página/12

El Cristo de la fe

W.C. Las olorosas aventuras de William Calderón, "Fábula, la asamblea de los animales", Fiesta de disfraces, Juntas y revueltas, y Una solución redonda

2012-05-25T23:00:00.002-03:00

ESTRENO

Aires contaminados
Algo podrido huele en Dinamarca... y en otros lados también. El intrépido capitán William Calderón sale en busca del origen de todos los males, cruzando paisajes contaminados, enemigos temibles y géneros musicales varios. Estreno de W.C. Las olorosas aventuras de William Calderón , de Cristian Palacios, por la Compañía Nacional de Fósforos y Babel Orkesta, con dirección de Paula Brusca De Giorgio. Teatro de la Ribera, Pedro de Mendoza 1821. Domingo, a las 18.30. $ 30 y $ 45.

FABULA

Superproducción titiritera
Un peligro acecha a los animales: los seres humanos. La astucia del zorro, la fuerza de los yacarés y la velocidad del ñandú se desplegarán para buscar una salida al problema en Fábula, la asamblea de los animales , estreno del Grupo Libertablas sobre cuentos de Horacio Quiroga y Javier Villafañe dirigida por Luis Rivera López, con más de 200 máscaras y muñecos de gran tamaño. Teatro Sha, Sarmiento 2255. Sábados y domingos, a las 16. $ 100.

DESPEDIDA

Cantando para los más chicos
La popular Adriana en las funciones despedida de su show Fiesta de disfraces , que reunió 150.000 espectadores a lo largo de las tres últimas temporadas. Teatro Astral, Corrientes 1639. Viernes y domingo, a las 15. De $ 40 a $ 120.

POPURRI

De Pipo, Hugo y María Elena
Canciones de Pipo Pescador, Julieta Magaña, Hugo Midón y Carlos Gianni, María Elena Walsh y Elvira Romei en el espectáculo coreográfico-musical Juntas y revueltas , con dirección de Fernanda Oteyza. A. Cendas, Bulnes 1350. Sábado, a las 17.

BRECHT

La fuerza del afecto
¿Quién tiene derecho de llamarse padre de un niño abandonado por razones egoístas? Inspirada en El círculo de tiza caucasiano , de Brecht, se desarrolla Una solución redonda , en clave clownesca, por La Galera Encantada, con dirección de Héctor Presa. Teatro de la Galera, Humboldt 1591. Sábado a las 16.15. $ 50.

Fuente: La Nación

María Rosa Frega: Azucena en cautiverio y La suplente

2012-05-25T23:00:00.001-03:00

Docente al borde del ataque

María Rosa Frega, un mismo personaje y dos obras en la cartelera porteña

Hay un aplauso cerrado a la labor de María Rosa Frega cada vez que termina una función. La destreza física que despliega, la exactitud y la emoción con las que pronuncia cada una de las palabras del texto y las carcajadas que desata son algunos de sus dones. Debajo de Azucena Marchitte, el entrañable personaje de La suplente y Azucena en cautiverio, está María Rosa. "Siempre fui la payasa del grupo. Un día fui con un grupo de amigos a un baile de disfraces. Nunca encontramos la dirección, así que nos fuimos a una plaza y empezamos a jugar, hasta que uno dijo: «¿Y si hacemos teatro?». Eran los 80 en Mar del Plata, y en ese grupo estaba también Adrián Canale, quien luego continuó por ese camino.

Tomó clases con Pucho Medrano y Daniel Lambertini; integró el grupo Cronopios, en el que hacía pantomima por La Feliz, y Las Divinas con Medias. En Buenos Aires trabajó en TV. Su primer papel era el de Scarlet, la simpática secretaria de Rodolfo Ranni, en la remake de La nena. También trabajó haciendo stand up con Mosquito Sancineto. Poco tiempo después entabló amistad con un conocido del circuito teatral marplatense, Mariano Moro, con quien integra Los del Verso. "Un día me dijo que había escrito una obra inspirada en la tragedia de Orestes, en verso. y en tono de comedia. Pensé que estaba loco. Y me pidió que la leyera enfrente de él. Empecé a dar vueltas las páginas y lloraba de risa." Así nació la sociedad que debutó con Matarás a tu madre y siguió con Edipo y Yocasta, La suplente, Azucena en cautiverio y Cleopatra (que el año próximo se estrenará en Buenos Aires), y dirigió Perderte otra vez.

Una profesora de literatura española, Azucena Marchitte, llega a la clase para reemplazar a otra docente que se fue de luna de miel. Así comienza el unipersonal La suplente, donde se mezclan versos de Calderón de la Barca y Lope de Vega con temas de Abba y arias famosas. Ya lleva una década encarnando a esta criatura adorable y desquiciada. "Desde 2001, cuando la estrenamos, hasta hoy no se cambió ni una sola coma, no perdió vigencia, y siempre causa el mismo efecto en la gente", admite.

La novedad es que hace algunas semanas también se sumó a la cartelera porteña la segunda parte, Azucena en cautiverio, acompañada por Mariano Mazzei. "Es que esa mujer termina desquiciada y tiene que ir a un psiquiatra. Tiene una especie de esquizofrenia, confunde la ficción con la realidad", explica entretenida. Azucena en cautiverio va los viernes, y La suplente, los sábados, ambas a las 20.30, en el Teatro Molière, Barcarce 682.

Fuente: La Nación

Bastarda sin nombre

2012-05-25T23:00:00.000-03:00

Bastarda sin nombre

¿Quién es esa mujer que en un pequeño y acogedor espacio, iluminado por la tenue luz de un velador y dos lámparas, se transforma frente a un espejo en el fantasma hablante de otra mujer? Es una actriz que recorre el libre tiempo de la memoria para hablar, rescatar o simular ser la figura de alguien que en otras décadas también fue una actriz. Al costado del espejo hay una fotografía que da una primera pista: es de Eva Perón, la "abanderada de los humildes".

Por este procedimiento, sólo en apariencia simple, el poético y bello texto de Cristina Escofet evocando a Evita se hunde en las raíces de su historia para remontarla y atravesarla en la amplitud y riqueza de sus pliegues, que van desde su condición de hija pobre y no reconocida en la infancia hasta su participación protagónica en la vida del país, que concluye con su temprana muerte.

El dibujo de la autora no aspira, sin embargo, al relato biográfico ni a la mera adhesión política. Lejos de eso, su intención es lograr el retrato de una mujer procedente de un mundo por el que la sociedad de los "bien nacidos" jamás derramó lágrimas. El mundo de los débiles, que en el caso de la existencia femenina era por esa época todavía mucho más desprotegido y vulnerable.

Es, desde esta perspectiva, que su enfoque adquiere una notable consistencia e intensidad. Hay que agregar que parte de ese texto son las inspiradas letras de las canciones que, con mucha expresividad, canta Mateo Margulis acompañado de su guitarra. Pero es evidente que la vital sustancia de esas palabras encuentra en el preciso registro actoral de Roxana Randón a una intérprete más que adecuada, apasionada siempre pero enemiga de los artificios.

La puesta y la dirección de Javier Margulis logran un verdadero prodigio: transforman un espacio de mínima y cálida intimidad en un cautivante y equilibrado universo de imágenes. Eso gracias a que sabe extraer de cada elemento escénico el máximo de lirismo, se trate de las palabras del texto, la actuación de Roxana Randón o la muy sugestiva iluminación de Marco Pastorino. En síntesis, un espectáculo muy noble.

Fuente: La Nación

Sala: Espacio abierto

Osqui Guzmán

2012-05-25T10:55:00.002-03:00

Un hombre tripolar y activo

Como entrevistador, al actor y director Osqui Guzmán le cae bien él mismo como entrevistado. Frente a sí, se sincera, se relaja, pregunta, contesta, y hasta se acompaña a tomar el subte

La cita para la entrevista es muy temprano, casi de noche todavía. "Antes de que empiece con mi actividad", dijo, y Osqui Guzmán recibió semidormido en el living rojo de su casa.

-¿Tan temprano arrancás?

-Me levanté por vos, por la nota, me parece un lindo juego y, entre tanta actividad, si algo me hace bien es jugar un rato.

-¿Tenés una frase para empezar el día?

-Hacerte las lolas no te hace Batato Barea.

Se levanta y se prepara un vaso de agua en la cocina con un polvo color beige.

-¿Que tomás?

-Maca peruana, un energizante natural. Es mi trampolín en momentos de mucho trabajo. Hoy tengo tres ensayos.

-¿Tres ensayos? ¿No se te mezclan las obras?

-Si, pero está bueno. Una obra alimenta a la otra y viceversa. Son como diferentes mundos que comparto dentro mío. Soy un tripolar activo.

Nos reímos relajadamente. Veo en él un hombre positivo y tranquilo.

-Esto de tener tantos trabajos, ¿no te hace sentir que tenés que dejar algo para los demás actores?

-Mis padres tenían más de un trabajo, crecí así y así viví y vivo. Sangre trabajadora, sangre boliviana.

-¿Sos boliviano?

-No, soy argentino, de padres bolivianos. Pero mi cultura es trabajo, comida y festejo. Perdón, pero tengo que irme, voy a llegar tarde al ensayo.

Me pide disculpas. Se tiene que ir y lo acompaño hasta el subte de la línea B.

-¿No tenés auto?

-No manejo. En la ciudad sólo sirve el auto para escaparse. Subte, taxi o colectivo. Además te ayuda a estar cerca de la gente, que es mi inspiración a la hora de hacer una obra o componer un personaje.

-Te veo muy relajado siempre. Cualquiera diría que no tenés mayores preocupaciones. ¿Es así?

-Mis preocupaciones son temporarias. Por ejemplo, hoy me preocupa que hace un año y medio que no aparece ningún nieto de las Abuelas de Plaza de Mayo. Imagino la edad de esas personas, tal vez con hijos, sin ganas de remover su pasado o comprobar sus dudas, esperando a que el tiempo ponga las cosas en su lugar, pero si no se preguntan ahora será tarde después. Las Abuelas se van y no llegan a recuperar a sus nietos. Les diría a esas personas: si tienen dudas, no las dejen crecer. Llamen a Abuelas. Estamos luchando contra el tiempo.

Llegamos a la estación Medrano. Nos saludamos y Osqui se pierde escaleras abajo. Es uno más entre la caravana repleta de laburantes, secretarias ejecutivas y pungas. El no entra en los códigos de fracaso o de éxito. Sabe de trabajar y rendir en el trabajo. Hace rato que cambió la palabra sacrificio por la palabra esfuerzo. Un esfuerzo más, eso es todo. Así se enfrenta a sí mismo, que soy yo, entre la devastada muchedumbre.

Un espacio experimental en busca de la entrevista soñada: el elegido se interroga y se fotografía .

Fuente: La Nación

Guy Caron

2012-05-24T23:00:00.001-03:00

La "reinvención" del circo

Excelencia, música, familia y "contaminación"(como llama al boca a boca), junto con el poder de "reinventar el arte circense" fueron la clave para que el Cirque Du Soleil logre el reconocimiento a nivel mundial, aseguró a ambito.com su primer director artístico, Guy Caron."Sabíamos que teníamos algo fuerte en nuestras manos, pero jamás pensamos en la capacidad que tenía de recorrer el mundo", reforzó.

El comediante, quién fue convocado por el artista callejero Guy Laliberté para ser parte de un nuevo circo que se llamaría Cirque Du Soleil, remarcó la importancia de la música y el movimiento para obtener un buen show, además de la "contaminación", refiriéndose al modo en que se promocionó en un principio, es decir, el boca en boca.

Ambos activaron el arte circense en Quebec, aún sin desarrollarse, en 1984, y de esta manera lograron el reconocimiento mundial en un corto período de tiempo.

Este show particular en el que se impuso la cláusula de "no animales", principalmente debido a la cantidad de dinero que se debía invertir en su cuidado, mezcló lo mejor de cada circo tradicional de renombre en los 80 para reinventarlo y focalizarse en su personal, para "crear la unión desde la diversidad" que lo lleve a ser una "fábrica de talentos" y también aprovechar esa energía que brindan los artistas jóvenes.

El director artístico y fundador de la Escuela Nacional de Circo de Montreal a principios de los 80 le brindó siempre al Cirque Du Soleil su toque personal desde el "backstage" y logró una nueva manera de hacer circo al darle especial importancia a los disfraces, a la música y al movimiento.

El detalle de cambiar la clásica carpa de circo y el escenario circular situado en el centro de la arena ayudó a la reinvención de la arquitectura del show y llevó a la participación de nuevos personajes debido al nuevo espacio. Además, el hecho controversial de que el Cirque Du Soleil no tuviera animales también les permitió mostrar algo nuevo al público. "Yo había visto en el circo chino que usualmente basaban sus shows en las acrobacias, y decidí ir en esa dirección," aseguró.

Según Caron, el "reinventarse" es la mejor manera de evitar la tendencia a caer en la vida, y es así justamente como el Cirque Du Soleil logró crear nuevos shows en los últimos treinta años y mantenerlos en los escenarios por largo tiempo.

La manera de evitar que los shows pierdan su esencia con el paso del tiempo es dejar el equipo en manos de profesionales que están al tanto de los conflictos diarios, como puede ser algún problema con el vestuario, mientras que Caron hace tres o cuatro visitas anuales para chequear sus creaciones. "Corroborar que todo esté en su lugar, y en caso de haber algo que no me guste, modificarlo o inclusive si han agregado algo a la performance, entonces aprobarlo" ya que el asegura que "siempre llevan mi trabajo a su más alto nivel."

Durante su disertación en la WOM Latam Leadership Symposium, Caron detalló año a año el proceso de creación del reconocido circo y dijo a ámbito.com que desconocían el impacto que el Cirque Du Soleil podía llegar a tener a nivel global.

"Sabíamos que teníamos algo fuerte en nuestras manos, pero jamás pensamos en la capacidad que tenía de recorrer el mundo," por lo que, a medida que los ingresos se fueron incrementando, decidieron "perfeccionarse" y llevar el show a otro nivel, "a un nivel internacional".

Los shows permanentes en Las Vegas ayudaron a obtener el apoyo de personalidades de la talla de Michael Jackson, y de esta manera se dispararon alrededor del mundo.

El comediante destacó durante su conferencia la importancia de que le agrade la gente para poder "ser un líder". Luego se refirió al dilema de dirigir grupos tan grandes como los que le han tocado comandar y aseguró que todo depende "en la manera en que cada uno se organiza. ¡Yo soy un tipo loco! Paso una hora al día organizando todo para ser claro."

Caron ya no es más el creador artístico del Cirque Du Soleil, pero si se desempeña como consultor y actualmente está trabajando en Holanda con "Ice Age Live! A Mammoth Adventure" (La Era del Hielo en vivo, Historia de un Mamut).

Sin embargo, podemos ver sus shows del Cirque Du Soleil, como Ká, mientras esperamos la presentación de su última creación.

Fuente: Ambito

Los asesinos de Ramírez

2012-05-24T23:00:00.000-03:00

"Los asesinos de Ramírez", existencial y humorística

La obra "Los asesinos de Ramírez", escrita y dirigida por Rubén de la Torre, que se ve en el Teatro del Abasto, introduce al espectador en un ámbito de ambigüedad y locura que redunda en un humor irresistible.

Ya por su segunda temporada y con un público fiel que augura cierta clase de culto, la pieza presenta a un par de individuos (Cristian Pasman, Gonzalo Villanueva) que huyen de algo y terminan encerrados en una habitación donde, suponen, alguien acaba de matar al Ramírez del título.

En apariencia el occiso formaba parte de alguna banda delictiva y ellos también, pero nada se sabe porque los sujetos no parecen estar en sus cabales y la situación que viven los supera tanto como al espectador.

El punto de partida es parecido al de "El montacargas", de Harold Pinter, y los diálogos siguen de algún modo la dinámica del inglés, tal la precisión de las réplicas, que tarde o temprano se darán de bruces con imprevisibles contratiempos, lámparas que explotan, puertas que no se abren.

Obra llena de efectos, sobre todo sonoros -disparos, sirenas policiales, descargas de inodoros, ruidos detrás de las paredes-, hace suponer que nada es lo que parece y eso lo sufren los personajes en carne propia, como sucedía con algunas angustiosas comicidades del cine mudo.

El mundo está contra ellos y así como temen ser acusados por un crimen que no cometieron -y que quizá no se cometió-, la aparición de varios tipos de droga, que uno de ellos no puede resistir, los embarca en conflictos donde las paranoias se mezclan y donde no se sabe a dónde conducen las cosas.

El absurdo ocupa la escena al desparramárseles un frasco con pastillas de éxtasis justo en el momento en que pasa un patrullero que ellos suponen que los busca, en ocasión en que al esconder las píldoras el cadáver de Ramírez ofrece un albergue adecuado.

Una de las virtudes del director Rubén de la Torre es haber reunido a Pasman con Villanueva, una pareja de enorme entendimiento escénico que recuerda a viejas duplas en las que el avispado resultaba siempre perdidoso ante el tonto.

Pese a lo disparatado del asunto, De la Torre logra insuflar psicologías verosímiles en sus antihéroes, con sutilezas que evitan lo increíble aun cuando uno de los personajes aparezca por un lugar inesperado o extraiga un objeto exagerado de un cajón pequeño.

Todo eso colabora con una trama en la que se pueden tratar asuntos muy serios por vía del humor y el disparate y que deja una sensación placentera aunque el exceso de humo de las salvas falsas puedan afectar a algunos espectadores.

"Los asesinos de Ramírez" sube a escena en Teatro del Abasto, Humahuaca 3549, los miércoles a las 21.

Fuente: Télam

El Picadero

2012-05-24T14:04:00.001-03:00

Con estrellas reabrió El Picadero

El dramaturgo Roberto "Tito" Cossa cortó la noche del martes la cinta celeste y blanca que marcó la reinauguración del espacio del pasaje Enrique Santos Discépolo, a treinta y un años del incendio que lo destruyó intencionalmente.

Roberto Cossa, presidente de Argentores, estuvo en la reapertura de El Picadero por el empresario Sebastián Blutrach, director de la sala y del también céntrico teatro Metropolitan, y Hernán Lombardi, ministro de Cultura porteño, además de varios centenares de actores, directores y otros entusiastas vinculados al quehacer escénico.

La sala fue inaugurada originalmente por la actriz Guadalupe Noble en 1980 y que contuvo una recordada versión de "Los siete locos", de Roberto Arlt, adaptada y dirigida por Rubens Correa, pero su auge y su destrucción tuvieron que ver con el movimiento Teatro Abierto.

Movilizado por Osvaldo Dragún, Cossa, Ricardo Halac, Pepe Soriano y Jorge Rivera López, entre otras primeras figuras de la escena argentina, Teatro Abierto fue la primera manifestación cultural que logró vencer el silencio establecido por la dictadura nacida en 1976.

TEATRO ABIERTO

Luego de la proyección de un emotivo video sobre Teatro Abierto cedido por el también movimiento de resistencia TeatroxlaIdentidad, Cossa manifestó su emoción por "haber vuelto acá y ver este corto con los compañeros, muchos que ya no están, y que yo hable es un honor y es una responsabilidad".

Recordó que el ciclo, fogoneado por la locura de Dragún, estuvo formado por veinte autores, veinte directores, más de un centenar de actores "sólo el primer año; pero si sumamos los años siguientes, hubo cientos y cientos de artistas que hicieron lo que se llamó Teatro Abierto".

"Lo único bueno, me parece, es que sea un autor el que hable, porque fue una idea de autores; suponíamos que Teatro Abierto no era más que salir a mostrar teatro, pero los animales de siempre, los autoritarios, creían que golpeándonos nos iban a amedrentar; pero lograron todo lo contrario", agregó.

Dijo también que la brutalidad convirtió a Teatro Abierto "en un mito, no sólo para el teatro argentino sino también para muchos estudiosos extranjeros que a veces vienen a preguntarme sobre el tema y que ni siquiera habían nacido en aquellos días".

PLANO ESTELAR

Entre los presentes se pudo ver a Enrique Pinti, Mauricio Dayub, Ana María Picchio, Hugo Arana, Lino Patalano, Cristina Fridman, Jorge Graciosi, Patricio Contreras, Virginia Innocenti, Pepe Novoa, Manuel Callau, Marta González, Carlos Portaluppi y Ana María Casó.

También estuvieron Leonor Manso, Jorge Suárez, María Socas, Jorge Maestro, Julieta Díaz, Cristina Banegas, Mario Pasik, Eduardo Blanco, María Fiorentino, Arturo Bonín, Susana Cart, Amancay Espíndola, Lía Jelín, Carlos Gorostiza y Manuel Ledvabni, entre otros.

El galpón que en 1980 era El Picadero -y que en la década de 1920 se inauguró como fábrica de bujías- hoy es un confortable teatro de doscientas noventa y cinco butacas, obsequiadas por el también empresario teatral Carlos Rottemberg, y ubicadas en leve medialuna sobre una pronunciada pendiente que asegura una excelente visión desde cualquier ángulo.

La sala está en un primer piso de fácil acceso y deja un amplio espacio en planta baja, donde está previsto un espacio gastronómico que dejará lugar asimismo a muestras plásticas y otras manifestaciones artísticas, incluso como sala complementaria.

El inmueble había servido también como estudio de televisión publicitaria, estuvo muchos años sin uso -salvo un fallido intento de rehabilitación por el elenco La Banda de la Risa, en 2003- y en 2007 fue salvado de la especulación inmobiliaria por la organización Paren de Demoler.

El pasaje Enrique Santos Discépolo -antes Rauch- serpentea entre la esquina de Callao y Lavalle y la de Corrientes y Riobamba, y su curiosa traza responde a que por allí pasaba el primer ferrocarril que hubo en la Argentina (1857), que corría entre una esquina del actual Teatro Colón y la primitiva estación Floresta.

Fuente: La Prensa

El extraordinario incidente del hombre flama

2012-05-24T14:01:00.003-03:00

“El extraordinario incidente del hombre flama” y un absurdo sobre el más allá

“El extraordinario incidente del hombre flama”, la delirante apuesta teatral protagonizada por Pablo Palavecino sobre un hombre común devenido en referente espiritual de una sociedad en apuros, se presenta todos los jueves a las 21 en el porteño Teatro Anfitrión.

“Básicamente es la historia de Manuel, un hombre que va al médico por una acidez estomacal y termina siendo acosado por los medios, la ciencia y la religión que lo ven como una especie de ´salvador`”, comentó a Télam Palavecino, quien dirige la puesta junto a Gustavo Lisa.

"En definitiva -agregó- el planteo central es sobre la existencia de Dios, de un más allá, de la necesidad de la gente de creer en algo a cualquier precio, de esperar de alguien superior la solución a todos sus problemas".

Acusado, buscado, aturdido, sobredimensionado y escondido, Manuel se ve desbordado por una obligación que jamás pensó tener en su agenda: la mesiánica tarea de salvar el mundo con sus propias manos.

“¿Qué nos pasaría a cualquiera de nosotros si de buenas a primeras nos viéramos obligados a cargar esa cruz?, la trama no es otra cosa que la historia de un hombre crucificado en vida”, afirmó el actor que participó en tiras televisivas como “Lalola”, “Los exitosos Pells” y “Poné a Francella”.

Surgida de la necesidad de trabajar en su propio unipersonal, Palavecino explicó que el puntapié de la puesta fue armar un texto a partir de “un hombre solo, encerrado, perseguido, común al resto pero con algo especial; algo que sin tratarse de ciencia ficción, tuviera algo de irrealidad”.

“Trabajar en una obra está escrita para ser representada por un solo actor es un gran desafío, sobre todo porque también interpreto a varios personajes que me dan la posibilidad de jugar el juego desde distintos ángulos”, concluyó Palavecino.

“El extraordinario incidente del hombre flama” se presenta todos los jueves a las 21 en el Teatro Anfitrión (Venezuela 3340).

Fuente: Télam

Teatro El Picadero

2012-05-24T10:59:00.000-03:00

Homenaje a la memoria y al futuro

Actores, directores, dramaturgos y funcionarios llenaron la nueva sala de buenos augurios. El teatro El Picadero había sido incendiado por la dictadura en 1981 y ahora todos sienten que “la vida triunfó sobre la muerte”, como dijo Arturo Bonín.

El lugar huele a cemento. Las pisadas dejan huellas donde todavía no se secó. Están barriendo el polvillo de los pasillos. Así es como se va reconstruyendo la memoria: de a poco. Unas 400 personas apretadas en un mismo espacio, que quedó insoportablemente chico, celebran lo mismo con “ojos lubricados” –la expresión es de Hugo Arana–: la reapertura del mítico teatro El Picadero, ése que la dictadura incendió allá por 1981, con el fin de apagar con fuego las voces de la resistencia que se habían unido bajo el nombre de Teatro Abierto. No lo logró entonces, porque ese movimiento siguió existiendo. Y ahora, la sensación de la comunidad artística es que se cerró un círculo, que “la vida triunfó sobre la muerte”, en palabras de Arturo Bonín, uno de los actores presentes en la reinauguración, que ocurrió el martes.

“El Picadero es convocante”, recalcó Sebastián Blutrach, el productor y empresario que adquirió el teatro para reconstruirlo por más de tres millones de pesos. Tenía razón: la única sala de El Picadero, con capacidad para 295 personas, estaba desbordada. Allí comenzaron los discursos pasadas las 19, tras el corte de cinta, a cargo de Blutrach, el ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi, y el dramaturgo Roberto “Tito” Cossa. Como mucha gente quedó afuera, los organizadores colocaron dos monitores en la entrada del hall en los que se transmitía el acto. “Este espacio tiene más historia como mito que como teatro, porque no se ha hecho tanto, aunque fue bueno e importante. Esperamos hacer un recorrido más largo”, anheló Blutrach, emocionado. La platea –compuesta por gran cantidad de actores, como Leonor Manso, Soledad Silveyra, Patricio Contreras, Cristina Banegas, Manuel Callau y Carlos Portaluppi– se rió cuando dijo que “los verdaderos artífices, los que más han colaborado para hacer esto” fueron las obras que produjo, como Gorda, Toc-Toc, La última sesión de Freud y El descenso del Monte Morgan.

Este lugar, que hoy cuenta con una imponente sala con butacas distribuidas de forma semicircular, y que muy pronto estrenará un espacio gastronómico y una terraza para usos múltiples, fue construido en 1926 como fábrica de bujías. Está ubicado en una bella callecita a metros de Corrientes y Riobamba, en el Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857. A fines de los ’70, el director Antonio Mónaco y la actriz Guadalupe Noble fundaron allí el teatro. Su carácter independiente capturó a los integrantes de Teatro Abierto –entre los que había dramaturgos, directores, escenógrafos, técnicos de la escena y actores–, que lo eligieron como sede en 1981. Los artistas, unidos por el impulso de Osvaldo “Chacho” Dragún, querían demostrar la vitalidad del teatro argentino en plena dictadura. Y algo más: “La única manera de sobrevivir era estar juntos”, en palabras del dramaturgo Carlos Gorostiza, registradas en un corto que se proyectó durante el acto.

En la madrugada del 6 de agosto de aquel año, bombas colocadas debajo del escenario provocaron la destrucción casi total del teatro. Fue en un momento en el que los artistas habían puesto a andar un ciclo de 21 obras. “Me fui un sábado de acá, después de hacer una función, y el domingo a la noche me llamaron para decirme que el teatro no existía más”, le cuenta Bonín a Página/12. El actuaba en la obra Papá querido. “Me crearon un pozo adentro. Sentí que había dejado de ser y que me había transformado en un objeto que podía ser suprimido en cualquier momento.” Pero Teatro Abierto no se rindió. Continuó funcionando en el Tabarís, invitado por el productor Carlos Rottemberg, ausente con aviso a la celebración. “Este lugar vuelve a estar al servicio de la vida, de las ideas, del debate y del cuestionamiento”, festejó el actor.

Desde el escenario, conmovido tras el documental en el que habían aparecido sus compañeros, muchos de ellos fallecidos, Cossa expresó: “Los animales de siempre creyeron que golpeándonos nos iban a amedrentar. Pero no sólo no ocurrió eso, sino que además potenciaron Teatro Abierto. Lo convirtieron en un mito”. Para el dramaturgo también “se cerró un círculo”. En ese sentido, todos le estaban agradecidos a Blutrach, quien no fue el primero que intentó recuperar este símbolo de la resistencia. En julio de 2001, El Picadero abrió sus puertas por unos meses bajo la dirección artística de Hugo Midón. En 2007 la organización Basta de Demoler avisó que el edificio tenía una orden de derrumbe. La lucha conjunta de esa ONG y la comunidad artística logró torcer ese destino. El inversor Ernesto Lerner se puso al frente del teatro hasta que cedió el mando a Blutrach. “Creía que la democracia había reparado todo. Pero me di cuenta de que el círculo no estaba cerrado, de que había que recuperar El Picadero. Faltaba eso”, subrayó Cossa, quien le pidió al empresario que dé lugar a autores argentinos y que atienda bien a los cobradores de Argentores, la institución que preside.

El último en tomar la palabra fue el ministro Lombardi, colaborador del proyecto. Su presencia allí desentonaba con el paisaje de una ciudad estallada de conflictos culturales y educativos (el de la Sala Alberdi, por mencionar uno). “Sebastián está tomando la energía de su familia teatrera y la nuestra para proyectarla al futuro, para que esta sala esté llena, sea muy abierta y retome su espíritu”, manifestó. En diálogo con este diario, explicó que su trabajo con Blutrach estuvo ligado a la preservación patrimonial y que seguirá cooperando en la elaboración de programas gratuitos, sobre todo de danza contemporánea, porque “hay pocos espacios para esa disciplina”. El círculo de la tarde-noche del miércoles se cerró con un número de Forever Young, la comedia musical que resucitará la cartelera de El Picadero el martes 29, dirigida por Daniel Casablanca. Se cerró como tenía que ser: con teatro. Otro escenario se encendió, en el mejor sentido de la palabra. Y no es cualquiera.

Fuente: Página/12

Testimonios para una celebración

Sala Alberdi

2012-05-24T10:56:00.000-03:00

En defensa de la Sala Alberdi

La calle Corrientes al 1500, donde está emplazado el Teatro San Martín, fue ocupada ayer por manifestantes de diferentes agrupaciones políticas y culturales que expresaron su repudio por el desalojo del que será objeto la Sala Alberdi, emplazada en el sexto piso del Centro Cultural General San Martín, en la calle Sarmiento, a la misma altura. La sala es administrada por una cooperativa conformada por artistas, con talleres y espectáculos “a la gorra”, abiertos a la comunidad, y según declaraciones de sus integrantes, el desalojo obedece a la idea de refuncionalización del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, que ha recibido fondos del Banco Interamericano de Desarrollo (BID), que obligan a dar prioridad al sector privado.

Fuente: Página/12

Laura Vázquez y Sandra Baylac: Divas de diván

2012-05-24T06:57:00.003-03:00

Charlas de amigas, con canciones

Dos cantantes locales de gran trayectoria –a solas y acompañando a otros artistas como Fito Páez y Diego
Torres– crearon un espectáculo musical con momentos de reflexión y humor que bautizaron Divas de diván.

El año pasado realizaron varias presentaciones en El Teatro del Viejo Mercado. Este año se mudaron de barrio con su espectáculo Divas de diván, y estarán esta noche y el jueves que viene en el ciclo “El living de Palermo”, en la Sala Siranush.
Juntas, Laura Vázquez y Sandra Baylac lograron crear una unión de canciones propias y ajenas con sketches y monólogos sobre el universo femenino, trasladando al escenario la frescura y espontaneidad de los encuentros que durante años realizaron como amigas, tomando mate o en noches de copas. “Nos encanta cantar juntas,” dice Sandra. Y Laura agrega: “Ella es muy histriónica, mientras que yo siempre fui muy retraída y era capaz de tocar el piano con los ojos cerrados. Pero logré trasladar al show lo que soy en mi vida personal.”
Divas de diván nació de la amistad entre ambas cantantes, que durante mucho tiempo alternaron su actividad solista con hacer coros junto a otros artistas. “Sin embargo –cuenta Laura– por distintas razones nunca habíamos llegado a hacer cosas juntas, hasta que me fui a vivir a México y me fue a visitar varias veces. Ahí nació el nombre de Divas de diván, y al volver a Buenos Aires le fuimos dando forma.”
Sandra recuerda detalles del debut: “Fue en el Centro Cultural Borges, a fines del 2008. Originalmente era un show con Audiounión, que justo se había separado. Así que la invité. Después estuvimos en La Vaca Sagrada, el Chacarerean y hasta una vez a México”.
Con aires de café concert, en Divas de diván se suceden temas propios y “standards” del pop, tango, jazz y rock. En cuanto a las temáticas de los monólogos que cada una le cuenta a “su terapeuta”, dicen que resulta “inevitable” hablar de la gordura, la flacura, las relaciones y la vejez.
Además, ya tienen un disco propio. “Como buenas divas –dicen entre risas– ¡lo hicimos dos veces! La primera versión no nos gustó y lo hicimos nuevamente. Sería genial que se arme un boca a boca con todo esto.”

Fuente: Tiempo Argentino

Héctor Oliboni: Más muertos que vivos

2012-05-24T06:54:00.001-03:00

“No es una obra triste ni depresiva”

Héctor Oliboni, director.

–¿Más muertos que vivos habla de la muerte o de la vejez?
–La obra habla de las dos cosas, y también de la vida. Un pueblo del interior se está muriendo por falta de trabajo y oportunidades para sus habitantes. Quedan sólo los viejos, que forman una cooperativa para manejar el cementerio local. En medio de ese panorama triste y negro, surge un mensaje de vida, de esperanza y quizá de rebelión.
–¿Cómo fue el trabajo de dirección con los actores?
–Fue un trabajo de una alegría enorme. Raúl Ramos y Pepe López son dos de los grandes actores argentinos que nos quedan. Tienen más de 50 años de experiencia y trayectoria y siguen ensayando con pasión y alegría, y transformaron el texto de Pfeiffer, una de nuestras mejores dramaturgas, en una fiesta del teatro.
–¿Qué es lo que se juega en las partidas de dominó a las que se enfrentan los protagonistas?
–Muchas cosas. Porque mientras juegan hablan de sus problemas, del destino del pueblo, de las enfermedades y las creencias de cada uno, de la gente. Todo está escrito en clave de humor. No es una obra triste ni depresiva.
–¿Qué temporada cumplen este año con Dionisio, su ciclo radial en FM La Tribu?
–Estamos llegando a los 22 años en el aire. Es el programa con contenido teatral más antiguo de la radio argentina. Además de las notas y las entrevistas, me enorgullece el radioteatro y el taller de dramaturgia dictado en vivo por Mauricio Kartún.

Sábados a las 19:30 en La Máscara, Piedras 736.

Fuente: Tiempo Argentino

W.C. Las olorosas aventuras de William Calderón, Demo y Más muertos que vivos

2012-05-24T06:49:00.002-03:00

Estrenos

W.C. Las olorosas aventuras de William Calderón

Una obra de aventuras, que fusiona la música y el teatro y apunta a público adulto e infantil. Esta pieza de Cristian Palacios es interpretada por la Compañía Nacional de Fósforos y Babel Orkesta y cuenta con la dirección de César Pineda. Se presenta los jueves y viernes, a las 20, y los sábados y domingos, a las 18.30. Teatro de la Ribera, Pedro de Mendoza 1821. Entradas: $ 45 y $ 30.

Demo

Una obra sobre dos jóvenes que, entre decepciones y preguntas, crecen sin darse cuenta. Escrita y dirigida por Ignacio Sánchez Mestre, con las actuaciones de Inés Efrón y David Szechtman. Se presenta los jueves, a las 21.30, en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960. Entradas: $ 50 y $ 35.

Más muertos que vivos

Esta obra de María Rosa Pfeiffer se presenta en el marco del ciclo Teatro Argentino que se realiza en La Máscara (Piedras 736). La pieza está dirigida por Hector Oliboni y cuenta con las actuaciones de José María López y Raúl Ramos. Las funciones son los sábados, a las 19.30. Entradas: $ 60.

Fuente: La Nación

Sala Alberdi

2012-05-23T23:00:00.002-03:00

Protestan por el cierre de la Sala Alberdi del Centro Cultural San Martín

La calle Corrientes al 1500, donde está emplazado el Teatro San Martín, permanece ocupada por manifestantes de diferentes agrupaciones políticas y culturales que expresaron su repudio por el desalojo del que será objeto la Sala Alberdi, emplazada en el sexto piso del Centro Cultural General San Martín, en la calle Sarmiento, a la misma altura.

La sala es actualmente administrada por una cooperativa conformada por artistas, con talleres y espectáculos “a la gorra”, abiertos a la comunidad, y según declaraciones de sus integrantes el desalojo obedece a la idea de refuncionalización del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, que ha recibido fondos del Banco Interamericano de Desarrollo (BID), que obligan a dar prioridad al sector privado.

En un comunicado se critica tanto al jefe de gobierno porteño, Mauricio Macri, como a su ministro de Cultura, Hernán Lombardi y la directora general del CCGSM, Gabriela Ricardes, por el desalojo y su significado, y pusieron énfasis en que con frecuencia se utilizan las instalaciones que tienen un destino público y cultural para “fiestas y eventos de empresas privadas”.

En la calle Corrientes se montó un escenario donde los artistas, entre los que se encontraban muchos de los afectados directos, improvisaron un festival titulado “Sala Alberdi: No al traslado!”, en el que se representaron los hechos que determinaron la protesta.

La decisión del gobierno porteño, avalada por el fallo de la jueza Fabiana Schafrik, la misma que hace un año había respaldado el pedido de los artistas afectados con otro fallo a favor de la preservación de la sala, determina que esta sea trasladada en un plazo de 20 días a un espacio ubicado a una cuadra del Cementerio de la Chacarita.

Fuente: Télam

Paula Marull y María Marull: Vuelve

2012-05-23T23:00:00.001-03:00

Las hermanas Paula y María Marull, complementadas en la vida y en la escena

La obra "Vuelve", escrita y dirigida por Paula Marull, tiene como protagonista a su melliza María Marull y demuestra que las conductoras del programa "Mamás al ataque", que se emite por la señal de cable Utilísima, son -también- aplicadas mujeres de teatro.

Con destacadas actuaciones en "Proyecto vestuarios: mujeres", de Javier Daulte, estrenada el año anterior, entre otros proyectos emprendidos juntas o separadas, las rosarinas brillan los viernes a las 23.45 en el escenario de El Kafka Espacio Teatral, Lambaré 866.

"`Vuelve` es la historia de una hermana y un hermano que vienen de un pueblo del interior de Santa Fe en diferentes etapas -dijo Paula en diálogo con Télam-, que en la ficción son María (Marull) y Juan Grandinetti."

Paula contó que primero llega la chica, que busca un lugar y una identidad en la gran ciudad, hasta que el arribo de su hermano menor le trae todo el pueblo del cual ella reniega y quiere dejar atrás, lo que acarrea incidentes no muy felices.

Según la autora, "todo eso le hace perder un tanto el rumbo a la muchacha y la presencia de su hermano y el pasado que él representa hace que ella pueda amigarse con sus roles, lo que sucede en cualquier situación de crecimiento, para lo cual no es necesario trasladarse de un pueblo a otro".

"Lo que me interesaba era describir esa cosa del pasado y lo que nos hace seguir siendo nosotros y a la vez poder cambiar y evolucionar", añadió la directora, llegada a Buenos Aires desde la ciudad de Rosario en su más tierna juventud, al igual que su hermana.

Según su hermana María "hay un episodio concreto que mi personaje tiene que atravesar y que la modifica y -arriesgó- en algún punto la hace volver al interior de sí misma para seguir. Y si bien es un episodio feo, desagradable, está teatralmente muy bien tratado".

"Una de las grandes posibilidades del teatro -justificó- es la alusión, y como eso pasa mucho en la cabeza del espectador tampoco se explicita pero se deja entrever, así que lo que no se ve puede ser una de las cosas más interesantes de la obra".

Acerca del trabajo conjunto, María agregó que "es muy natural, a veces la gente nos pregunta cómo es ser mellizas y yo contesto `no sé cómo es no ser melliza`, y la verdad es que estuvo muy bueno el proceso de entrar al teatro juntas, nos complementamos y charlamos todo porque ella también es actriz y yo también escribo".

"Yo a Paula la valoro mucho como dramaturga y directora -señaló- ya que desde el momento en que leí el texto de `Vuelve` noté que la obra tiene mucho de ella y, por lo tanto mucho de mí, ya que nosotras también somos inmigrantes en la Capital".

Para Paula "aunque Rosario sea una ciudad grande, pasa algo socialmente mucho más cercano al pueblo que lo que sucede aquí, en Rosario, en el círculo en que uno se mueve, el colegio, el club, vas a un boliche y conocés al 90% de las personas, aunque no sean amigos", describió.

"Sé que en Rosario hay gente que hace muy buen teatro, pero nosotras comenzamos a hacerlo aquí -añadió-; de hecho nos hemos conectado con Cacho Palma, un insigne del teatro rosarino, para llevar nuestra obra a Rosario desde aquí, donde ya nos identificamos."

El elenco de “Vuelve” se completa con Melisa Freund, Federico Buso y Flor Braier, y la pieza se ofrece en El Kafka Espacio Teatral, Lambaré 866, los viernes a las 23.45.

Fuente: Télam

Roberto “Tito” Cossa: Teatro El Picadero

2012-05-23T23:00:00.000-03:00

Teatro El Picadero, un fénix que abre sus alas 31 años después

El dramaturgo Roberto “Tito” Cossa cortó en la noche del martes la cinta celeste y blanca que marcó la reinauguración del teatro El Picadero, en el pasaje Enrique Santos Discépolo 1857, a 31 años del incendio que lo destruyó, provocado por esbirros de la dictadura cívico-militar, el 6 de agosto de 1981.

El presidente de Argentores estuvo acompañado por el empresario Sebastián Blutrach, director de la sala y del también céntrico teatro Metropolitan, y Hernán Lombardi, ministro de Cultura porteño, además de varios centenares de actores, directores y otros entusiastas vinculados al quehacer escénico.

La sala fue inaugurada originalmente por la actriz Guadalupe Noble en 1980 y fue reducto de una recordada versión de “Los siete locos”, de Roberto Arlt, adaptada y dirigida por Rubens Correa, pero su auge y su destrucción tuvieron que ver con el movimiento Teatro Abierto.

Movilizado por Osvaldo “Chacho” Dragún, Cossa, Ricardo Halac, Pepe Soriano y Jorge Rivera López, entre otras primerísimas figuras de la escena argentina, Teatro Abierto fue la primera manifestación cultural que logró vencer el silencio establecido por la dictadura nacida en 1976.

Luego de la proyección de un emotivo video sobre Teatro Abierto cedido por el también movimiento de resistencia TeatroxlaIdentidad, Cossa manifestó su emoción por “haber vuelto acá y ver este corto con los compañeros, muchos que ya no están, y que yo hable es un honor y es una responsabilidad”.

Recordó que el ciclo, fogoneado por la “locura” de Dragún, estuvo formado por 20 autores, 20 directores, más de un centenar de actores “sólo el primer año; pero si sumamos los años siguientes, hubo cientos y cientos de artistas que hicieron lo que se llamó Teatro Abierto”.

“Lo único bueno, me parece, es que sea un autor el que hable, porque fue una idea de autores; suponíamos que Teatro Abierto no era más que salir a mostrar teatro, pero los animales de siempre, los autoritarios, creían que golpeándonos nos iban a amedrentar; pero lograron todo lo contrario”, agregó.

Dijo también que la brutalidad convirtió a Teatro Abierto "en un mito, no sólo para el teatro argentino sino también para muchos estudiosos extranjeros que a veces vienen a preguntarme sobre el tema y que ni siquiera habían nacido en aquellos días”.

Entre los presentes se pudo ver a Enrique Pinti, Mauricio Dayub, Ana María Picchio, Hugo Arana, Lino Patalano, Cristina Fridman, Jorge Graciosi, Patricio Contreras, Virginia Innocenti, Pepe Novoa, Manuel Callau, Marta González, Carlos Portaluppi y Ana María Casó.

También estuvieron Leonor Manso, Jorge Suárez, María Socas, Jorge Maestro, Julieta Díaz, Cristina Banegas, Mario Pasik, Eduardo Blanco, María Fiorentino, Arturo Bonín, Susana Cart, Amancay Espíndola, Lía Jelín, Carlos Gorostiza y Manuel Iedvabni, entre otros.

El galpón que en 1980 era El Picadero -y que en la década de 1920 se inauguró como fábrica de bujías- hoy es un confortable teatro con 295 butacas, obsequiadas por el también empresario teatral Carlos Rottemberg, y ubicadas en leve medialuna sobre una pronunciada pendiente que asegura una excelente visión desde cualquier ángulo.

La sala está en un primer piso de fácil acceso y deja un amplio espacio en planta baja, donde está previsto un espacio gastronómico que dejará lugar asimismo a muestras plásticas y otras manifestaciones artísticas, incluso como sala complementaria.

El inmueble había servido también como estudio de TV publicitaria, estuvo muchos años sin uso -salvo un fallido intento de rehabilitación por el elenco La Banda de la Risa, en 2003- y en 2007 fue salvado de la especulación inmobiliaria por la organización Paren de Demoler.

El pasaje Enrique Santos Discépolo -antes Rauch- serpentea entre la esquina de Callao y Lavalle y la de Corrientes y Riobamba, y su curiosa traza responde a que por allí pasaba el primer ferrocarril que hubo en la Argentina (1857), que corría entre una esquina del actual Teatro Colón y la primitiva estación Floresta.

Fuente: Télam

Gabriel Wolf y Martín Salazar: Don Quijote de las Pampas

2012-05-23T07:29:00.000-03:00

“Es una fiesta del cumpleaños”

Gabriel Wolf, Martín Salazar y Daniel Casablanca volvieron al Teatro Cervantes, en esta oportunidad para hacer
su primer espectáculo pensado para chicos: Don Quijote de las Pampas, donde colaboró el músico Luis Pescetti.

Se juntaron hace 27 años y desde entonces nunca dejaron de jugar. Los Macocos marcaron huellas con un estilo propio y único, que supo combinar el humor, la sátira, el grotesco, el circo y otros tantos géneros que los motivaron, pero a los que siempre le dieron su impronta. Ahora, el grupo vuelve al Teatro Cervantes para hacer su primer espectáculo pensado para chicos: Don Quijote de las Pampas.
Gabriel Wolf, Martín Salazar y Daniel Casablanca, los tres macocos, idearon esta obra en la que actúan los dos primeros, junto con Laura Silva y Gustavo Monje. A este equipo creativo se sumó Luis Pescetti, músico, escritor y uno de los grandes referentes del mundo infantil. Juntos crearon la historia de un Quijote que cabalgó en las pampas por el siglo XIX. Este Quijote se encontrará con Sancho, un indio transculturizado que lo rescatará con su sabiduría aborigen y con una burra que lo trata como una madre. Entre los cuatro, recorren el Litoral, la Patagonia, la Pampa y el Noroeste, interpretando sus músicas regionales y haciéndose de nuevos amigos. Es la peripecia de Don Quijote salpicada de la poesía de Don Atahualpa. Wolf y Salazar cuentan por qué decidieron pensar y actuar para los chicos.

–¿Por qué eligieron al Quijote como protagonista?
Martín Salazar: –El Quijote apareció porque le estaba contando un cuento a los chicos. Me puse a improvisar, y cuando fui a agarrar unos resúmenes de la obra de Cervantes, me di cuenta cómo se copaban los nenes con esa historia. El espectáculo lo ideamos juntos, con Daniel y Gabriel. Fue un proceso largo, que arrancó en 2010. ¡Es todo un tema leerse el Quijote! ¡Lleva mucho tiempo! Pero está buenísimo. Es altamente recomendable, si se tiene ganas y tiempo, volver a estos textos. Los clásicos tienen el valor del tiempo y el link que uno arma con esas experiencias antiguas. Es como hablar con los abuelos. Pero al mismo tiempo es agarrar esa experiencia del abuelo y después decir: “¡A la mierda, abuelo! Tomátelas y ahora divirtámonos con los que estamos acá.”
–¿Qué foco le dieron a una obra tan amplia?
MS: –En esta interpretación, decidimos darle foco a la amistad entre el Quijote, Sancho, Rocinante y la burra. Es una idea que está muy presente en la novela, que es esa cosa de la amistad. Nos parecía que era lindo hacer una fiesta del cumpleaños del Quijote, entre los amigos.
–¿Cómo influyen en el grupo los 27 años de trabajo?
Gustavo Wolf: –Cada uno trabaja con su técnica actoral, lo pone al servicio de sus personajes. Yo, por ejemplo, tengo que hacer de un caballo y tuvimos que definir cuánto relincha, o no, si habla relinchando. Es una prueba constante. Trabajamos sobre la escena y el texto sabido, en base a juegos y ponemos el cuerpo, para ver qué está saliendo, qué tiene más sustancia, qué es lo más gracioso.
–¿Cómo fue la participación de Luis Pescetti?
MS: –Es la primera vez que escribimos algo para chicos, hemos hecho cosas para chicos, pero nunca lo hicimos grupalmente. Así que llamamos a Pescetti, que es el mejor en esto. Es como si un grupo de música eligiera a un productor artístico. Pescetti fue un productor artístico del texto escrito. Nos ayudó a abrir la cabeza sobre cómo piensa un pibe. Esa cuestión de horizontalidad.
GW: –Es cierto que los chicos siempre nos acompañaron en nuestros espectáculos. En este caso, creo que se da esta unión extraña de un padre que quiere ir a ver a Los Macocos y un hijo que lo acompaña y vienen a ver qué se encuentran.
–¿Sienten que son referentes de otros grupos teatrales?
MS: –¡Que no nos copie nadie, porque los matamos! Para mí, más que estéticamente, hay una referencia en cuanto a nuestros modos de trabajar, que es siendo un grupo de teatro. Hace mucho tiempo que estamos juntos, tenemos una dinámica cotidiana de trabajo, en la que se nota la impronta del teatro popular. Nos manejamos como un grupo, democratizamos las ideas, no está el ego de un líder o algo así. Acá las ideas circulan, se debaten, fluyen. Pero cada grupo tiene su estilo propio, no somos referentes de nada. <

Los Macocos no se separaron y siguen juntos

No se separaron. Gabriel Wolf y Martín Salazar están preocupados en aclarar –luego de algunas versiones periodísticas– que Los Macocos siguen juntos. Sucede que, si bien este espectáculo fue ideado por los tres integrantes del grupo, en la obra no actúa Daniel Casablanca. “Como Daniel se tuvo que ir de gira con Toc Toc, su papel –que era el de Sancho Panza– fue remplazado por Gustavo Monje. Nosotros seguimos juntos como grupo”, explica Salazar y aclara que Monje se hizo tan cargo del personaje, que logró crearlo de una manera única. “El espectáculo habla sobre la amistad y ese es un valor que Los Macocos tenemos desde hace 27 años, en los que estamos trabajando juntos. Es mucho tiempo de amigos y este espectáculo cataliza todo el trabajo que hemos hecho juntos, como amigos”, cuenta Salazar.
Con 27 años de trabajo, Los Macocos reconocen que ya tienen un público fiel, que los sigue, aunque consideran que la noción de público es demasiado amplia. “Hablar del público es muy amplio. Debe haber un montón de gente a la que no le gustamos y otra a la que sí, que viene a celebrar con nosotros al teatro, a formar parte de una fiesta, que se identifica con ese espíritu. Sí reconocemos una generación que ha disfrutado de nuestras obras y ahora queremos apuntar a una generación más joven. Pero siempre tenemos algún comentario de gente que nos recuerda con cariño”, cuentan.

Dos funciones
por fin de semana en el Cervantes

Don Quijote de las Pampas se presenta los sábados y domingos a las 16:30 horas, en la Sala Orestes Caviglia del Teatro Cervantes: Libertad 815. Entradas: 40 pesos.

El especulador, Las criadas, Hija de Dios y Tres mitades

2012-05-23T07:23:00.001-03:00

BALZAC Y GENET

Se renueva la escena oficial
Francisco Javier, uno de los realizadores más queridos de nuestra escena, estrenará el 2 de junio El especulador , de Honoré de Balzac, en la sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín. Elena Tasisto, Daniel Fanego, Malena Figó, Tony Lestingi, Diego Mariani, Walter Quiroz y Nelson Rueda ya ensayan con el vestuario de época. Además, también de un reconocido autor francés, comenzaron los ensayos de Las criadas , de Jean Genet, dirigida por Ciro Zorzoli (el autor y director del suceso de Estado de ira ). El elenco está integrado por Marilú Marini, recientemente condecorada por el ministro de Cultura francés, Frédéric Mitterrand, con el título Commandeur des Arts et des Lettres. Paola Barrientos, quien brilla en Estado de ira (y gracias a Graduados y al aviso de un banco que protagoniza desde hace 4 años, cobró una gran popularidad): Victoria Almeida ( En el cuarto de al lado , Espejos circulares , etc.) y Marcelino Bonilla completan el elenco.

MARADONA

Una presencia confirmada
Diego Maradona vive desde el año pasado en Dubai, donde dirige el equipo de fútbol Al Wasl. Desde entonces, pocas veces deja el Golfo Pérsico, pero ya confirmó que el 8 de junio estará en nuestro país para asistir al debut de Dalma Maradona en su nuevo trabajo teatral. Hija de Dios es el unipersonal que protagonizará la actriz, dirigido por Erika Halvorsen, en el SHA, y que ella define como un "abrazo teatral".

TRIO

Madre e hija
José María Muscari siempre presenta propuestas provocadoras. Desde hace muchos años está trabajando en lo que él define como "una comedia feroz sobre el amor y el sexo". Luego de En la cama , quiso volver a dirigir a Gerardo Romano y antes de ayer se reunió con el actor, con Moria Casán y con la hija de la vedette, Sofía Gala Castiglione, para llevar a cabo la primera lectura de la obra Tres mitades , que él escribió, inspirado en estos artistas. Una pareja en crisis se enamora de una misma mujer, una intrigante perfumista (que interpretará Sofía Gala).

Fuente: La Nación

Valentina Bassi

2012-05-23T07:12:00.002-03:00

Por qué se alejó Valentina Bassi de la tele

La actriz, que hoy participa de la obra Mujeres en el Aire, habló con LA NACION sobre su rumbo artístico y las exigencias de belleza que imperan en la sociedad

"¡Queremos ver otro video!", grita la actriz Valentina Bassi desde la butaca de una sala del Konex. Su voz rompe el silencio que le siguió a la proyección de una de las imágenes que ilustran la puesta de Mujeres en el aire. Desde ese mismo sector, enfrentado al escenario, unas risas femeninas le siguen a la arenga y lo que era una reunión post ensayo se transforma en bullicio.

Los rastros de su personaje en la obra de Mariela Asensio, aún están presentes en sus ojos. Purpurina y mucho rimmel. No obstante, sigue en la butaca y habla con LA NACION de "La renegada", la mujer que es capaz de seguir con duras pautas estéticas con tal de conseguir la fama. "Es que en un momento, quien interpreto, como todos alguna vez, dice ´basta´", explica Valentina y sonríe.

"Basta" también le dijo a la tele (ver video), ese medio al que se lo suele comparar con una picadora de carne que cuanto más firme y bonita, mejor. Y así como se pone en lugar del público para apreciar los detalles técnicos de la obra en la que trabaja, toma un poco de distancia en un tema que la atañe como mujer y actriz de estos tiempos en los que muchas veces la estética importa más que el talento.

¿Qué es la belleza?

La belleza es sentirse bien y nada más. Claro que somos mujeres y queremos estar lindas, eh? Cuando empezaron los ensayos de la obra, decíamos "¡uy che, tenemos que hacer gimnasia!", pero claro, lo que cuestiona la obra son los extremos. Hay mujeres que se intervienen el cuerpo muy violentamente, incluso que se vuelven monstruos. Pero, ¿hasta qué punto uno puede sacrificarse para llegar a tener la eterna juventud? Lo que más me preocupa son los adolescentes y cómo consumen ese modelo que los bombardea desde todas partes, porque ya a los 20 están entrando en una sala de operaciones para "teóricamente" embellecerse.

¿Qué actriz te parece bella?

Penélope Cruz me encanta. Más allá de que es linda, me fascina ella como trabaja, como persona. ¡su marido! En el primer ensayo mi personaje dice: "No quiero ser rubia, no quiero ser perfecta, no quiero ser como Penélope Cruz!", pero le dije a Mariela :"No, no puedo decir esto, es bella trabaja con Woody Allen, con Almodóvar es una excelente actriz!".

¿En qué medio hay más exigencias estéticas sobre la mujer?

Esa exigencia se da en toda la sociedad, es algo cultural. La mujer debe ser la bella. Quizás en la televisión es más extrema: estás o no estás, vendes o no vendes. Desde lo mediático se alimenta la perfección a toda costa, por lo menos es lo que yo veo porque trabajo en tele, y por eso me gusta trabajar en esta obra porque esa presión es cotidiana, la veo de cerca.

¿Alguna vez te exigieron estar más flaca, más linda?

No me exigieron nada porque nunca me hice cargo. Mi carrera va por otra parte, tengo bajo perfil, no hice de mi vi privada una noticia nunca, ni siquiera me gusta hacer mucha tele, porque cuando hago mucha tele necesito hacer un poco de teatro para bajar un poco los decibeles.

¿Hay un culpable de que este modelo de belleza siga de manera permanente en la sociedad?

Mariela [Asensio] dice algo muy interesante y ese culpable es el capitalismo porque para subsistir necesita que una tenga la autoestima muy baja y se sienta frustrada. Así salimos a comprar, a ponernos productos, a operarnos, a consumir. Y no es una cuestión de género, de que el hombre tiene la culpa, es cultural.

Es que si se habla desde la cuestión de género, la pregunta que surge es: si históricamente la mujer ha tenido más presencia que el hombre en la crianza de los hijos, ¿por qué sigue imperando ese modelo de belleza casi tirano?

¡Ojalá lo supiera! Creo que está tan arraigado en la cultura y es un negocio tan perfecto que es mundial, bajarlo no es fácil. Pero es un poco lo que dice la obra, "ojo que si paramos nosotras, se para la máquina".

Bassi y el artista militante

Cuando se nombra a Valentina Bassi, muchos la relacionan con trabajos que tienen como eje los derechos humanos (por su paso en Teatro por la Identidad ) o con la defensa de los derechos de las mujeres (por ejemplo, con su participación en Mujeres: lo personal es político ).

¿Te sentís representada por la figura de la artista militante?

No y me parece un rótulo espantoso. Un militante es alguien que dedica su vida a la militancia, un artista es un artista. Yo ni artista ni militante, soy actriz y hago mi trabajo y trabajo para lo que me conmueve como fue Teatro por la Identidad, pero ese rótulo no. Por lo menos para mí. Quizás León Gieco lo sea, pero son sólo dos o tres quienes entran en esa categoría.

¿Crees que la militancia desde la expresión artística hoy está relacionada con la participación en un partido político?

Creo que tiene que ver con el trabajar por lo que uno cree y lo que uno desea, no necesariamente uno tiene que estar dentro un partido. Cuando hicimos Teatro por la Identidad había algo de militancia, pero relacionada con otra cosa, porque estábamos identificados con la causa de las Abuelas de Plaza de Mayo y queríamos ayudar a encontrar a los chicos. Y no era una causa partidaria y nunca lo fue.

Fuente: La Nación

Benjamín Rojas: Huicio Husto

2012-05-23T06:52:00.000-03:00

Un ex ídolo adolescente que se anima a las tablas

Benjamín Rojas protagoniza Huicio Husto, en La Clac

A los 27 años, y con 15 de carrera, Benjamín Rojas, quien supo ser un ídolo adolescente -aquí y en el exterior- y protagonista de exitosas series de la factoría de Cris Morena, así como de giras y musicales en la avenida Corrientes, quiso apostar a lo incómodo. "Busqué meterme en un problema y salir de mi casa, que es la TV", dice. Este problema, como él lo llama, lo divierte y no le causa angustia. Se llama Huicio Husto y es su primera incursión en el teatro de texto, en el circuito off .

En su paso por Floricienta , Rojas cosechó dos amigos: Gerardo Chendo y Graciela Stefani (quien interpretó a la villana Malala). El primero escribió Huicio Husto , comedia que dirige junto con la actriz, con quien tiene una escuela de teatro. "Siempre que nos encontrábamos, les decía a ellos que quería hacer teatro. Me pasaron el texto y me encantó, y pude ver una función. Es decir, me sumé a un equipo que ya estaba armado. Eso fue un gran vértigo y una enorme responsabilidad", dice Rojas.

Con nueve artistas en escena, el actor tiene a cargo un complejo personaje, el juez Don Julio, quien debe resolver el crimen de un sindicalista gastronómico: "Tiene la cabeza machacada, el pobrecito. Está lleno de defectos y tics. Es una comedia en tono absurdo, donde el público es el jurado, y donde cada personaje se convierte en sospechoso", explica, y agrega que fue necesaria una gran sincronización con sus compañeros para recrear, por ejemplo, la gran cantidad de efectos de sonidos.

Alta exposición, bajo perfil

"Estoy en pantalla, pero no estoy trabajando. Pareciera que hubiese hecho más de lo que hice", ríe Rojas. Es que sus tiras Chiquitas , Rebelde Way , Floricienta , Alma pirata , Jake & Blake , Cuando me sonreís estuvieron hasta hace poco en el aire o se siguen repitiendo en TV abierta o en cable. "Quería dedicarme 100 por ciento a este proyecto en teatro, dejar todo en el ensayo, tener la energía enfocada en el estudio. Si estuviese grabando en la tele, me volvería loco", confiesa.

Fue su tío César, fotógrafo, quien pensó que su sobrino causaría una buena impresión en las agencias publicitarias. "Soy de La Plata, cuando todavía no existía ni la autopista. Fui con mi hermana a probar suerte y de ahí en más no paré de perder castings. Nadie me llamaba y pasaron muchos meses hasta que me convocaron para una publicidad, cuando inauguró el Parque de la Costa", recuerda. Poco tiempo después, me llamaron de Telefé y allí comenzaría una larga era junto con Cris Morena y Gustavo Yankelevich. "Ellos son mis papás de la profesión. De ellos aprendí la disciplina, la puntualidad, el respeto por el compañero y a amar lo que hacés", dice.

Rojas fue un ídolo adolescente, justamente cuando él mismo atravesaba su adolescencia, pero nunca participó de ningún escándalo o tuvo una vida vertiginosa: "Soy uno más del grupo. No tengo una personalidad de liderazgo ni soy de esos que hacen ruido. No me gusta no asomar la cabeza, sino compartir codo a codo las cosas. Además, me tocó ser conocido, y entonces eso hace que no salga tanto, que busque un bajo perfil. Prefiero quedarme viendo películas antes que ir a eventos".

Rojas sueña con hacer cine. En breve participará de un proyecto independiente dirigido por Guillermo Grillo y escribirá un guión con su amigo Felipe Colombo sobre una idea que tienen los dos desde hace mucho. Pero ahora dedica su tiempo al teatro: "Esto es verdaderamente lo que quería, meterme en este baile para encontrar herramientas que tengo escondidas y no domino"..

PARA AGENDAR
Huicio Husto, ¿quién mató a Gorriti? : de Gerardo Chendo. En el teatro La Clac (Avenida de Mayo 1165). Vienes, a las 23.

Fuente: La Nación

Martina Gusmán

2012-05-23T06:42:00.004-03:00

Gusmán es parte del suceso de “Elefante blanco”, está en teatro y proyecta hacer TV

La actriz Martina Gusmán vive un presente laboral intenso: coprotagoniza el filme "Elefante blanco", de Pablo Trapero, que compite en el Festival de Cannes y llevó más de 150.000 espectadores a las 84 salas nacionales durante el fin de semana, mientras hace teatro y prepara un unitario para televisión.

La película dirigida por Trapero, en la cual Gusmán personifica a Luciana -una asistente social que comparte un arduo trabajo en las villas porteñas junto a dos sacerdotes (a cargo de Ricardo Darín y el actor belga Jérémie Renier)- fue exhibida con buena repercusión en la sección `Una cierta mirada` del Festival de Cannes.

"Transité ese festival desde diferentes roles, como acompañante de Pablo (Trapero, su esposo), como productora, como actriz, como jurado y la experiencia fue siempre enriquecedora y conforma una ventana para la salida internacional de una producción cinematográfica", dijo Gusmán en una entrevista con Télam.

Martina este año debió cancelar su viaje a Cannes por problemas de salud de su madre, pero no por ello dejó de acompañar la promoción de “Elefante blanco”.

“La película -confesó- significó una experiencia movilizadora por el vínculo que se generó con la gente de las villas durante las más de 12 semanas que demandó el proceso global del filme".

Sobre su papel en el largometraje, Martina señaló que "construir mi rol de Luciana fue un gran desafío, ya que ella tiene menor desarrollo y participación en la trama que los curas, pero desde ese lugar, con el menor poder que me tocaba, intenté reflejar una de las vivencias de colaboración más laicas de la historia".

Para darle carnadura a su criatura, Gusmán reveló que “me entrevisté con varias trabajadoras sociales porque la dinámica de su labor en la historia incluía cumplir con coordinar un grupo de rehabilitación para adictos”.

“Pero también, y en paralelo, las trabajadoras sociales se involucran con la cotidianeidad de la villa y son un link con el afuera", añadió la artista.

Quizá, lo que más conmovió a la protagonista de los filmes "Leonera" y "Carancho", fue "el nivel de frustración al que las asistentes sociales se enfrentan todo el tiempo e igual siguen adelante con un nivel de utopía y entereza que les permite atravesar sus crisis de fe tal como les sucede a los personajes", indicó.

Por fuera de “Elefante blanco”, la actualidad de Gusmán incluye estar de miércoles a domingo sobre el tablado del Picadilly (Corrientes 1524) donde integra el elenco de "Extraños en un tren".

La pieza teatral basada en la novela de Patricia Highsmith, apunta a recrear el suspenso y la comedia que logró en su película homónima el genial Alfred Hitchcock.

“Extraños en un tren”, que durante el verano hizo temporada en Mar del Plata, completa su elenco Gabriel Goity, Ludovico di Santo, Pompeyo Audivert, Alejo García Pintos y Adriana Aizemberg bajo la dirección de Manuel González Gil.

Gusmán piensa seguir haciendo teatro al menos hasta julio, época en la que tal vez inicie una coproducción cinematográfica con Italia.

"Estoy también empezando con un unitario para televisión, producido por Gastón Portal, que se llama "Babilon" y cuya trama -adelantó- se desarrolla en una suerte de club de jazz, casi un cabaret con una estética muy particular”.

La intérprete anunció que en cada una de las 13 emisiones de este policial negro que incluirá escenas en blanco y negro y sumará a Luis Luque, Federico Olivera y Norman Briski para completar el elenco, “asumiré a una cantante que está a cargo del lugar".

Fuente: Télam

Hache 2 O

2012-05-22T09:32:00.001-03:00

Un peculiar científico y sus dos torpes ayudantes se dan cita en un laboratorio para investigar los misterios del agua y su importancia para la vida. En este viaje por la ciencia desde la mirada del clown, el humor, el ridículo y el disparate, revelarán el verdadero sentido vital de este único y valioso elemento.

En "Hache 2 O", la obra de la Compañìa Lostré, Federico y sus ayudantes de laboratorio, Acetato y Bertolotti, intentarán dar una clase magistral llena de torpezas, juegos, música y humor, y así explicar al mundo la importancia del agua y su influencia sobre todos los seres vivos.

Con las actuaciones de Pablo Fusco, Martín Lopez Carzolio y Sebastian Godoy, el espectáculo se presenta los sábados, a las 17, en Teatro El Popular, Chile 2080, C.A.B.A.. Informes: 2051-8438. Entradas: $30.

Beatriz Dos Santos: La Radio

2012-05-22T07:39:00.005-03:00

“El teatro hay que hacerlo con mucho amor”

Beatriz Dos Santos, actriz.

–¿De qué trata La Radio?
–Es una obra sobre dos hermanas grandes que durante todo el tiempo se echan en cara cosas, recuerdan cosas del pasado. Se aman y se odian y se necesitan imperiosamente. La obra tiene cosas muy divertidas, porque a veces se echan en cara cosas muy ridículas. Pero básicamente es la historia de dos hermanas que viven aisladas, que no tienen contacto con el afuera, su contacto con el mundo exterior es a través de la radio. Están muy encerradas.
–¿Por qué están encerradas?
–Salen sólo para ir al médico, para hacer las compras. Las dos son vírgenes. No han vivido, no se han dado el permiso a la vida. El fondo es dramático, pero las situaciones son muy graciosas.
–¿Cómo recibe el público la obra?
–Nos está yendo muy bien. A la gente le gusta mucho. Se está dando la famosa cadena de recomendaciones y boca en boca, que es fundamental para el teatro independiente.
–¿Cuánto tiempo hace que se dedica al teatro?
–Hace 37 años que estoy en el teatro. Salvo tres años que estuve afuera, no he parado de trabajar. El teatro independiente te tiene que gustar mucho, hay hacerlo con mucho amor. Uno se da el gusto de elegir: qué hacer y qué no. Después, es cuestión de suerte. A veces va bien y otras no. Son muchísimas las obras de teatro que hay en un fin de semana, muchas son excelentes. Es una competencia dura. Hay que apostar a la recomendación y a la cadena de público.

La Radio se presenta todos los sábados a las 22:30 hs en Brilla Cordelia, Perón 1926

Fuente: Tiempo Argentino