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Excalibur

2012-01-30T23:37:00.002-03:00

Excalibur

La imagen y los trucos de magia, lo más potente de esta propuesta

Varias cuestiones se cruzan en el nuevo proyecto de Pepe Cibrián Campoy y Angel Mahler, ligadas con el poder, el amor, hasta se exponen intrincados lazos familiares. Todo irá confluyendo hacia las consecuencias de un destino que, inevitablemente, conducirá a la construcción de un mundo mejor. Pero, para lograr la felicidad, habrá que atravesar situaciones bien complejas.

Como en una historia sumamente infantil, los personajes tendrán una linealidad extrema, y será en verdad el mundo del que participan, el que llevará a desarrollar la imaginación de quien se introduce en ella. Es cierto que en muchos momentos el diseño de la imagen tiene su potencia y provoca el asombro y el aplauso de los espectadores.

En Excalibur , las peripecias de Arturo y Guenevier no serán pocas. Pero el mago Merlín será quien se encargue de ir ajustando la trama para así resolver cada una de las situaciones de manera graciosa, después de enfrentar las voluntades de criaturas despóticas, a quienes no les importará matar con tal de obtener su objetivo.

El espectáculo está construido a partir de una trama muy endeble, en la que los personajes rondan la caricatura y esto les hace perder algo del efectismo necesario para así dar vitalidad dramática al cuento. Lo efectos están más puestos en la iluminación y en algunas escenas en las que, por ejemplo, vuela la gran espada - fuerte protagonista de la propuesta- o algunos personajes se elevan por el aire.

En líneas generales, Excalibur hace eje en un mundo aniñado, en el que los personajes resultan en general muy opacos, tontos innecesariamente, y no siempre se los puede ubicar con entereza dentro de ese universo que los contiene. Tal vez si tuvieran más fortaleza interna, serían capaces de provocar una emoción certera. Y, en verdad, eso se necesita, porque desde lo musical aparecen momentos que realmente se tornan contundentes.

Resultan muy delicadas las escenas entre Emilio Yapor (Arturo) y Luna Pérez Lening (Guenevier), sobre todo aquellas en las que ellos se debaten sobre la realidad que les toca vivir y padecer. Al talentoso Juan Rodó se lo nota un tanto perdido en ese registro de mago salvador que, con algunas piruetas de por medio, guía los hilos de estos débiles seres poco apasionados.

Fuente: La Nación

Sala: Teatro Astral.

Tripas corazón

2012-01-30T23:36:00.002-03:00

Tripas corazón

Tripas corazón es una pequeña -aunque simpática- historia, cuyo marco es el ensayo general de una obra de danza teatro que planean estrenar cuatro intérpretes que se han quedado sin director. Ya desde el camarín, el espectador va descubriendo las personalidades de estas mujeres tan distintas entre sí. Sus características se irán cruzando hasta provocar chispazos y revelar así sus vulnerabilidades. De pronto, luego del ensayo general, una de ellas es encontrada muerta en la bañadera de su departamento. Así, la representación se cruzará con la intriga y el suspenso. ¿Cuáles fueron las causas de esa muerte? ¿El espectáculo se estrena igual sin esa intérprete? Todo esto deriva en un "enredo controlado", en el que es fácil prever que algo se oculta y puede salir a la luz en cualquier momento.

Aunque sencillo, el libro de Macarena García Lenzi divierte y se nutre de una puesta en escena ágil en dos planos. El vivo, desopilante, con las escenas que transcurren en el teatro donde ocurrirá la representación, y uno en pantalla, más alocado aún, con los exteriores y la trastienda. Ese juego está muy bien articulado, aunque tal vez hubiera ganado con una mayor síntesis, sobre todo en las escenas filmadas. Imposible decir cuál de estas cuatro actrices es mejor, ellas son el alma de la propuesta. Tanto Agustina Cerviño (la misma de ese inolvidable unipersonal Mi nombre es... ), como la misma Macarena García o Valeria Giorcelli y Verónica Loiácono, son estupendas intérpretes. Tuco Richat las acompaña con gracia.

Fuente: La Nación

Ampelmann

2012-01-30T23:34:00.002-03:00

Ampelmann

Un hombre llegado del frío. Casi congelado en el tiempo. Como si viviera en una época que, para muchos, ya es pura nostalgia. Miguel vuelve a su casa luego de dos años de una lucha que lo reivindica -según él cree- frente a los ojos de su mujer y su hijo. Luego de una fallida, en lo personal, época de militancia en los años 70, Miguel viaja a Berlín poco después de la caída del muro para luchar a favor del Ampelmann, ese muñequito de los semáforos de la Alemania del Este que indica a los peatones cuándo avanzar y cuándo detenerse en la senda peatonal. Una lucha más bien simbólica para sostener algo de lo que fue. La clave está en que Miguel se fue de un día para otro, sin avisar ni despedirse. Durante todo ese tiempo, nadie sabe de él, suponen lo peor. Pero un día, así sin más, aparece.

Miguel está exultante, feliz, triunfante; los muñequitos Ampelmann ganaron la batalla, y él fue líder indiscutible del movimiento que lo logró. Así, con un abrigo pesado de un largo invierno llega a casa en pleno verano a festejar el fin de la lucha, justo el día del cumpleaños de su hijo, detalle que no tiene en cuenta. No son los detalles su fuerte, él está para grandes cosas. Por eso espera que mujer e hijo lo abracen, lloren de alegría por su regreso y sigan adelante como si nada hubiese pasado.

Pero claro está, las cosas han cambiado y nada es como Miguel espera. Aquí empiezan los problemas y el eje de esta agradable comedia que Víctor Winer, su autor, inundó de momentos de ternura y divertida inocencia. Pero también hay gags, de esos sorpresivos que, más que una sonrisa, arrancan una carcajada del espectador. Y allí, el mérito es de la efectiva dirección de Mónica Viñao que encuentra, sobre todo, en Cutuli y Alfredo Castellani buenos receptores para ponerles el cuerpo a estas criaturas tan contradictorias como adorables. Nadie es tan bueno ni tan santo; los dimes y diretes envuelven a todos los personajes en una maraña de dudas que, quizá, llegan a desentrañarse.

Viñao logra armar en escena este entramado cariñoso de peleas casi de niños de un modo sencillo y llevadero que hace que el espectador pase de verdad un momento sumamente agradable. Todo transcurre amablemente en esta historia que bien podría sonar añeja, pero que no lo es de ninguna manera. Un pequeño hallazgo.

Fuente: La Nación

Sala: Sha, Sarmiento 2255 / Funciones: jueves a sábados, a las 21; domingos, a las 20

Pepe Cibrián Campoy: Excalibur

2012-01-30T23:28:00.002-03:00

“Quiero transmitir la necesidad de pelear, de ir hasta por lo imposible”

El director estrenó Excalibur. Una leyenda musical, su nueva obra. “Se trata de una historia casi infantil que conecta con valores y anhelos muy profundos”, asegura. En dos meses volverá a los escenarios, pero como actor.

Existen cientos, miles, millones de sensibilidades. Afinidades que suceden, muchas veces crecen y otras que nunca se concretan. Quizás haya explicaciones psicológicas, culturales, químicas o un poco de cada una. Sobre gustos hay mucho escrito, pero nada del todo claro. Para algunos, los musicales pueden ser un símbolo de la sinrazón humana. Una huella profunda de confusión cultural que pulveriza toda razonabilidad. No importa el guión, la música, el elenco ni los efectos especiales. Sencilla e implacablemente, la sinapsis de esos cerebros está imposibilitada para tolerar que un conflicto se resuelva mediante diversos interlocutores exponiendo sus posiciones en forma de canción. No son pocas esas naturalezas. Como tampoco quienes valoran y disfrutan los musicales de teatro y/o cine.
Pero seguramente hasta los agnósticos más verticalistas del primer grupo podrán reconocer el compromiso e imaginación todo terreno de Pepe Cibrián Campoy. Por sus más de 40 años de carrera y audacias, pero también por esa pasión que lo domina, lleva por la vida y se transforma en proyectos, obras y trabajo. Incluso por su valiente y encendida participación en el debate por la Ley de Matrimonio Igualitario. El reciente estreno de Excalibur. Una leyenda musicalpone otra vez en primer plano a un hacedor –más de una vez de la misma nada– imperturbable.
Excalibur. Una leyenda musical se estrenó el miércoles pasado. Desde la organización la definen como la producción más ambiciosa de Cibrián-Mahler. Recrea la leyenda del mago Merlín, el rey Arturo y la mítica espada. El elenco está integrado por más de 30 actores, cantantes y bailarines, encabezados por Juan Rodó (Merlín) y acompañados por Emilio Yapor (rey Arturo), Luna Pérez Lening (su amada) y Candela Cibrián Tapia (Morgana), entre otros. La obra cuenta con un vestuario de más de 220 trajes, 72 pares de botas especialmente diseñadas, más de 60 sombreros, tocados de época, armaduras y pelucas. El libro, la puesta en escena y la dirección general corresponden a Cibrián. La música original a Ángel Mahler.
Una obra de estas dimensiones e inversión parece el resultado de sesudas investigaciones, análisis y hasta estudios de mercado. Pero Cibrián reivindica el valor de la intuición y difícilmente se pueda cuestionar la efectividad de su método. “El motor para que haga un proyecto parte más de un impulso, una asociación o circunstancia, que de investigaciones atribuladas. Cuando hice Drácula, vivía un momento económico muy malo. Decidí ir al Luna Park para hablar con Juan Carlos Lectoure y, en realidad, no tenía nada muy claro para proponerle. La idea casi se me ocurrió en la misma charla con él. No había leído ninguna novela sobre Drácula ni me interesaban mucho las películas: las cosas de sangre no me gustan. Pero cuando se me cruzó por la mente ese nombre me transmitió una fuerza arrolladora y múltiples posibilidades. La fantasía es la llave y después hay que ponerle mucho trabajo. Con respecto a Excalibur, un día estábamos viendo videos de cosas de magia y de repente apareció Merlín y las ganas de concretar una obra relacionada con la magia. Aunque en realidad el mensaje va mucho más allá de lo estrictamente formal de la historia”, puntualiza Cibrián.
Excalibur. Una leyenda musical se presenta los miércoles, jueves y viernes, a las 20.30; sábados, a las 19 y a las 22.30; y domingos, a las 16 y a las 20. Siempre en el Teatro Astral, Corrientes 1639.
–¿Le resultó difícil armar un elenco tan complejo?
–La verdad que no. En principio porque vengo trabajando con un equipo de gente muy importante hace mucho tiempo. Algunos desde hace cinco años, otros desde hace tres. Pero a su vez en toda obra me encanta incorporar gente nueva. Y cada vez que nos ponemos a buscar nos encontramos con muchísimo talento. En todo caso la dificultad pasa por decidir quiénes quedan. Y no sólo descubrimos gente muy valiosa de Buenos Aires. En todo el país abundan los jóvenes talentosos. Hay muchas escuelas, mucho deseo y mucha voluntad en todas las provincias. El 50 por ciento de nuestro elenco proviene del interior del país. No dejo de sorprenderme.
–No suele ser habitual que alguien con tantos años de carrera se entusiasme mucho con los nuevos talentos.
–Es verdad. Pero toda mi vida fui así. Me entusiasma la gente joven que ama esta actividad y lucha por ese deseo. Su desparpajo, la entrega, el no dormir por la pasión. A lo largo de mi carrera tuve la oportunidad de convocar a grandes figuras. Pero siempre me sedujo más bucear y encontrar nuevos talentos. Cecilia Milone hoy es una figura de nombre: pero cuando hizo Drácula con nosotros no era conocida. Me gusta hacer ese tipo de apuestas porque es abrir puertas.
–¿Qué le brinda trabajar nuevamente con Juan Rodó como protagonista?
–Es una garantía de talento y profesionalismo. Es un barítono con una sensibilidad muy especial. Me gusta mucho convocarlo. En este caso personifica a un Merlín que va bastante más allá de lo esperado. Su personaje tiene muchos condimentos de humor, ilusionismo y hasta delirio. Me parece que todas estas particularidades le dan una oportunidad aún mayor para que despliegue todas sus diferentes facetas artísticas.
–¿Cómo se siente trabajando con su sobrina Candela Cibrián Tapia?
–Muy feliz. Es la segunda vez que trabaja en una obra con nosotros y ya había tenido excelentes críticas. Ahora cuenta con más experiencia y creció como artista. Morgana encabeza las fuerzas del mal y es un papel muy lindo. Hizo las pruebas como cualquiera y quedó por su capacidad. Es delicioso verla. Me hace acordar a mi madre y mi padre.
–¿Qué considera que impactará más a quienes vean Excalibur?
–No todos los espectadores son iguales. La obra ofrece una serie muy rica de ingredientes y estímulos desde el elenco, la música y lo visual. Pero considero que en definitiva lo más conmovedor es el argumento. Se trata de una historia casi infantil, nada pretenciosa, pero que conecta con valores y anhelos muy profundos. Transmite la necesidad de pelear en la vida, de ir por lo que uno desea, sobreponiéndose a las dificultades, los desalientos y lo que por momentos hasta podemos considerar imposible. Consustanciarse con ese deseo, hacerlo realidad en cualquiera de sus formas, traerá felicidad al protagonista de ese anhelo, pero también a quienes lo rodean. De alguna manera, la obra propone una filosofía de la búsqueda, el compromiso y las ganas. Cuando movés el culo, a la larga las cosas se logran. Afortunadamente hay mucha gente joven que hace de todo en nuestro país. Y no joven también, claro.
–Algunos no perciben a los jóvenes de esa manera.
–Estoy de acuerdo. A veces parece que vivimos bajo fuerzas desculturalizantes. Se premia lo superfluo. La falta de compromiso. Y se le da muy escasa visibilidad a un montón de gente que trabaja con muchísimo esfuerzo, dedicación y corazón. Hay muchos laburantes por todos lados y son la mayoría, por lejos. Pero muchas veces no se les da espacios. En todos los rubros.
–El teatro es un gran ejemplo en ese sentido.
–¡Por supuesto! Yo no dejo de sorprenderme. Viajo por todo el mundo y sólo en ciudades como Londres o Nueva York las ofertas de teatro son claramente superiores a la de Buenos Aires. Acá alcanza con ver las carteleras en los diarios y se puede dimensionar que vivimos en un gran momento permanente. ¡Es casi surrealista! Hay obras de mucho presupuesto, de poco presupuesto, con actores muy conocidos, menos conocidos, obras argentinas, extranjeras, improvisación y largos etcéteras. Se desarrollan en teatros, sótanos y hasta bares. Esa creatividad parece encontrar siempre algún espacio. En Nueva York y Londres por supuesto que la oferta es enorme y muy rica, los presupuestos son monstruosos y las figuras de gran talla. Pero ojo: todo eso se sostiene en gran parte por un turismo internacional de muy alto poder adquisitivo. Justamente por eso en este momento están sufriendo bastante. La crisis global les impacta mucho y la oferta se contrae. Analizando esto el caudal cultural de Buenos Aires toma más dimensión. A mí me llama la atención cómo tantos se obsesionan con Mar del Plata y finalmente no alcanza el público para tantas obras. Buenos Aires te garantiza propuestas y público durante los doce meses del año.

Pepe y los medios

“Repetir una y otra vez la noticia de un asesinato es un camino deformante”

Lejos de una jactancia seudoculturosa, Cibrián comenta que no mira televisión desde hace ocho años. Pero lee diarios, visita páginas web y se alerta p’or fenómenos que no considera saludables. “Yo veo que desde muchos medios hay como una exacerbación de lo malo. Y el mensaje que terminan transmitiendo es que sólo suceden cosas horribles. Todos sabemos que las noticias malas llaman más la atención. Pero repetir una y otra vez un asesinato por robo, o lo que sea, puede ser un camino deformante. Con toda seguridad que cualquier asesinato es un hecho terrible y muy triste. Pero reiterarlo hasta el cansancio parece decir que es lo único que sucede en la Argentina. Y decididamente no es así. Veo también que se estigmatiza a los jóvenes. Y hay de todo, claro, como a todas las edades y en todos los países. Pero en los medios les dan muy poco espacio a los jóvenes que trabajan y construyen”, puntualiza.
El director también destaca el valor de los verdaderos artistas. “Ahora hay mucha fama instantánea, que aparece muy rápidamente y se va del mismo modo”, explica. “Ellos y la gente se terminan cansando. Pero los verdaderos artistas no se cansan de trabajar ni la gente de ellos. Es el caso de Enrique Pinti, Antonio Gasalla, Alfredo Alcón, Rodolfo Bebán y tantos otros. Es talento, pero también compromiso. Yo vi a Julio Bocca desmayarse del dolor al salir de escena y a los pocos minutos pedir que suban el telón para volver y bailar como si nada. No digo que sea la única forma de ver las cosas, pero esa es la escuela con la que me criaron mis padres”, concluye.

Por García Lorca

En marzo sube a escena Marica

Cibrián asumió un rol muy fuerte durante el debate sobre la Ley de Matrimonio Igualitario. Tanto en los medios como en el Congreso de la Nación. Su convicción y sensibilidad para desarrollar sus argumentos –y despejar miedos– resultó particularmente valiosa de cara a la opinión pública. De alguna manera también pare refrendar ese compromiso público, Pepe se casó con su pareja, Santiago, en agosto pasado.
Su encendida interpretación de un texto con el que homenajeó a Federico García Lorca –asesinado por homosexual– se hizo célebre. Tanto que, por reclamo de muchos y gusto propio, Cibrián interpretará Marica en el Teatro del Cubo, a partir del 8 de marzo.
“Fue muy conmovedor todo lo que sucedió. Mi compromiso a favor del matrimonio igualitario fue demandante, pero me llenó de orgullo y satisfacción. Participar de un momento de tanta apertura en la Argentina fue algo histórico. En mi familia eran españoles republicanos y sufrieron muchas persecuciones y dolor. De alguna manera sentí que me ponía a la altura de ellos. Fueron días febriles. En dos meses d 400 reportajes, de la mañana a la noche, sin parar. Y después fui al Congreso. No es algo que busqué, las circunstancias me llevaron a eso, pero lo hice con todas mis fuerzas", confiesa.
–¿Siente que su mensaje colaboró en la apertura?
–Creo que colaboré. Me parece que siempre me expresé con convicción, pero también con mucha sensibilidad y respeto. Hablé de amor, no de peleas ni diferencias. Creo que por eso jamás viví una mala reacción en la calle, por ejemplo. También me puse muy contento cuando fui al programa de Susana Giménez y me dijo que le abrí la cabeza y le despejé muchos miedos. Porque ella es un símbolo de lo popular y sentí que a través de su programa podía llegar a mucha más gente.
–Quizá vivir en estos tiempos no nos permite dimensionar que se están derribando muchos prejuicios.
–Definitivamente. Más derechos para elegir siempre es algo bueno, sobre todo en temas relacionados con el amor. La sanción de la ley ayuda a una Argentina mejor y es una influencia muy positiva para Latinoamérica y el mundo.

Fuente: Miradas al Sur

Excalibur

2012-01-30T23:25:00.001-03:00

"Excalibur": Cibrian-Mahler, suntuosidad y larguezas

El musical "Excalibur", estrenado en el porteño teatro Astral, es otro producto de la factoría Pepe Cibrián Campoy-Angel Mahler que deslumbrará el ojo de los seguidores del dúo, ahora con efectos especiales de real impacto.

Como se sabe, el título nombra a la espada del mítico Rey Arturo, un personaje que ha aparecido en la literatura y el cine en incontables oportunidades, y acá es un muchacho irresoluto (Emilio Yapor) obligado por su padre a casarse y subir al trono.

Con un criterio bastante moderno, en plena Edad Media el mozalbete quiere rehuir esos compromisos, sobre todo porque espera casarse "por amor", lo mismo que reclama a su vez la bella Guenevier (Luna Pérez Lening), con quien finalmente compondrá una pareja indestructible.

Allí entra a tallar el Mago Merlín (Juan Rodó), protector de Arturo, que ya no es un anciano venerable sino un hechicero de enorme vitalidad, que a sus poderes mágicos suma una filosofía de vida que deviene nada menos que de pasados fracasos de amor.

Luego de sus oscuros personajes de "Drácula, el musical" y "Dorian Gray, el retrato", entre media docena de interpretaciones estelares para Cibrián-Mahler, el actor y cantante despliega una inesperada energía a la manera de un Puck corpulento y dota a su personaje de una vivacidad inédita.

El trío deberá enfrentarse a la pérfida Morgana (Candela Cibrián Tapia, de excelente desempeño en el último "Drácula"), más la villana Laria (Diana Amarilla), que intenta sentar en el trono a su hijo Golbar (Hernán Kuttel), hermanastro de Arturo.

El espectáculo se basa, como todos los de la dupla, en un grupo de intérpretes jóvenes -algunos excelencias como cantantes y bailarines- y suntuosidades notorias de escenografía, luces, vestuario y efectos de todo tipo.

La novedad de "Excalibur" son sus efectos especiales casi a la manera de Broadway, con fuegos en escena, desapariciones y sobre todo la dichosa espada, que al promediar del primer acto cumple un asombroso vuelo desde el escenario hasta el fondo de la sala.

Hay una pericia evidente en Cibrián Campoy como redactor de los textos y cantables, aunque el problema en estos espectáculos es que, aún para los habitués, la música de Mahler -ahora dirigida por su hijo Damián- es difícil de individualizar y distinguir entre un título y otro.

En este caso parece eludir adrede toda forma de melodía reconocible y grata -la excepción es durante el breve duelo de Arturo por la muerte de Guenevier, entre otras cosas porque Emilio Yapor exhibe un hermoso timbre-, y se remite a seguir los diálogos cantados.

Por fortuna hay gargantas privilegiadas, además de Rodó y Yapor, ya que Pérez Lening, Candela Cibrián, Amarilla y sobre todo Leonel Fransese como el rey padre, forman parte de ese enorme semillero de jóvenes talentos que suele cultivar el director.

Algo que estira la acción en forma innecesaria, además de los dos actos más intervalo, son los diálogos hablados, como si fuera necesario reforzar lo que se dice, en los que incluso se cuela una "humorada" política actual de muy dudoso gusto.

Como en todas sus piezas, Cibrián centra su asunto en la lucha entre el Bien y el Mal y busca el triunfo del amor, por lo que simplifica las cosas y hace bregar a su Arturo por el sentimiento hacia Guenevier, olvidando por completo al pueblo que debe proteger y administrar.

Esa es otra observación a un espectáculo contradictorio, fascinante e indigesto al mismo tiempo, que con los elementos con que cuenta podría ser mucho mejor si Cibrián Campoy no se engolosinara tanto con su propio caramelo.

"Excalibur" se ofrece en el teatro Astral, Corrientes 1639, de miércoles a las 20.30, sábados a las 19 y 22.30 y domingos a las 16 y a las 20.

Fuente: Télam

Maximiliano Guerra: Iván el terrible

2012-01-30T23:08:00.010-03:00

“Sin duda podría enloquecer por amor”

El bailarín y director hace temporada en Mar del Plata con dos espectáculos. Junto a su mujer habla de la vida en familia y de la salud de su compañera de vida tras el infarto que sufrió el año pasado. Su mirada sobre la TV, Hernán Piquín, la danza y sus críticas a Bailando por un sueño.

A esta playa vengo desde 2009, cuando descubrí que tenía un ambiente bien familiar. Eso me gustó para poder estar tranquilo con mi mujer y mis hijas”, dice uno de los más grandes bailarines argentinos, Maximiliano Guerra, en la carpa de un balneario de Punta Mogotes, Mar del Plata, donde comparte las tardes de verano junto a su familia.
Acerca una silla a la mesa y se prepara para dialogar con Tiempo Argentino distendido junto a un vaso de cerveza helado.
Se lo ve relajado y feliz luego del fabuloso estreno el 9 de enero de Iván el terrible, obra que protagonista y es responsable de la coreografía y de la dramaturgia junto al prestigioso primer actor, Manuel Callau. Los martes y miércoles de temporada se puede ver en la sala principal del Teatro Auditorium de Mar del Plata. (ver recuadro)
“Con el personaje de Iván tenía una asignatura pendiente” introduce, mientras se prende un cigarrillo y se toma su tiempo para detallar: “Iván tiene un arco de interpretación enorme y considero que vale la pena rescatarlo de la historia de la Rusia de la Edad Media. Él fue un zar que hoy se lo recuerda por las atrocidades cometidas pero para mí hay muchas cosas más para rescatar.”

–¿Cómo cuales?
–Destaco el coraje que tuvo para recuperar el trono con el apoyo de su pueblo. Por otro lado, Iván se enamora de Anastasia desde un amor tan pasional, interminable, a tal punto que la pasión lo llevó a matarla al enterarse de que ella lo engañaba. Pero luego de matarla, al no poder soportarlo, cae en la locura, luego en la enfermedad y finalmente en la decadencia.
–¿Te sentís identificado con alguno de esos aspectos?
–Con todos. Cuando me planteo los personajes los traigo a la actualidad, los armo y los llevo de vuelta a su época. Y si me siento identificado, me embarco. Por un lado, soy un amante pasional que sin duda podría enloquecer por amor, además soy de laburar de manera democrática y con el apoyo de mi compañía, buscando tirar a todos para el mismo lado. A la decadencia todavía no llegué –se ríe–, pero a todos nos llega.

La gente que pasa cerca de la carpa lo reconoce pero es respetuosa y decide no interrumpir. Algunos miran de reojo, se dicen cosas al oído, lo señalan con disimulo. Maximiliano es una persona amable, que responde enseguida a las preguntas de este diario, siempre en tono claro y suave. Cada tanto se ríe tímidamente, pero en su forma predomina la seriedad.
“Es un hombre tan respetuoso y tan protector con las mujeres. Despertar cada mañana a su lado me llena de felicidad”, se acerca Patricia Baca Urquiza, su mujer, que expresa abiertamente cuan orgullosa está de su pareja. Junto a él tiene dos hijas, Azul y Zoe, y aclara que a Micaela, la hija mayor de Maximiliano de un anterior matrimonio, “la quiero como si fuera mía porque la conozco desde muy chiquita”.

–¿Seguís teniendo nervios antes de salir al escenario?
–No, pero reconozco que me da mucha ansiedad. En lo único que pienso es en que empiece ya para mirar al público y conectarnos.
–En el plano político, ¿cómo ves al país?
–En principio no tengo banderas. Yo hago política desde mi casa y eso es independiente de lo que piense de los políticos. Así y todo, creo que la Argentina está en un gran camino, más allá de un montón de descuidos y situaciones de pobreza y hambre que siguen habiendo. Que tengamos un reconocimiento internacional por parte de países y comunidades como la europea me hace pensar que hay muchas cosas que estamos haciendo bien.
–Y en el plano cultural…
–Siempre faltan cosas. Igualmente, entiendo que cuando hay gente con hambre existen otras prioridades. Creo que es nuestra obligación como artistas ayudar a nuestro Estado para que la cultura suceda, y encargarnos de llevar el arte a todos los puntos de nuestro país para hacer un arte realmente federal.
–¿Talento Argentino te sedujo por la posibilidad de llegar a todo el país?
–Sí, totalmente, porque para un artista que recién comienza salir en un medio masivo es un gran paso en su carrera y me encanta poder colaborar en eso.
–¿Desde el primer momento dijiste que sí a la propuesta en TV?
–Al principio dije que no, porque no quería hacer tele. Pero los productores insistieron, y luego de que me aseguraran que iba a viajar mucho buscando talentos por el país, me convencieron.
–¿Te identificás con el papel del “malo” del jurado?
–En realidad no soy malo, soy exigente. Busqué desde el principio ponerme en el lugar del público que compró la entrada. Si alguien canta mal o hace papelones, yo me levantaría y pediría que me devuelvan la plata, y desde el jurado eso significó bajar el pulgar. Desde el plano profesional, me fijo que no falten el respeto al escenario, eso me enoja muchísimo. Espero que el participante venga con algo de verdad, preparado, que sea artístico por lo menos.
–¿Vuelve Talento Argentino?
–Ojalá sean ciertos los rumores que escuché porque creo que es un programa que hace falta. Y por supuesto que volvería a ser jurado si me convocan, yo llevo la bandera.

Mientras se prende un nuevo cigarrillo, Guerra mira atento a su alrededor sin por ello quitar su atención al diálogo con este medio. Son cerca de las 17, el sol todavía continúa alto y la temperatura no alcanza los 25 grados. En cuanto al reconocimiento popular que otorga el paso por la televisión, el bailarín siente que “se rompió la barrera con el artista de danza seria del Colón”. Ahora, en cambio, cuenta que mucha gente “se acerca para decirme ‘che, no le pongas esa cara a la gente’. Yo adoro el cariño del público, hasta cuando estoy con mi mujer y mis hijas y se me acercan para pedirme una foto, porque es lo que generé sin darme cuenta.”

–¿Qué opinás del paso de Hernán Piquín –ex miembro de su Compañía y ganador del último certamen– por Bailando por un Sueño?
–Hernán es un talentosísimo bailarín, y pienso que si a él le sirvió estar en ese programa está perfecto. Sacando a Hernán de ese contexto, creo que un bailarín no se hace en tres meses. Hay un estudio, una disciplina y trayectoria detrás que nos permite, tanto a Hernán como a mí, no tener que mostrar el culo para bailar. Particularmente no estoy de acuerdo con Bailando por un Sueño, no sólo por el poco cuidado que se tiene con la danza, sino porque tampoco se tiene respeto por la mujer, y eso me parece terrible.
–¿Cómo hacés para combinar trabajo, familia y tiempo de descanso?
–Ahí lo ves –y señala a Zoe, una de sus hijas, recibiendo un vaso de jugo que le da Patricia, mientras juega a pocos metros–. Viajamos mucho juntos, y siempre tratamos de aprovechar cada momento en familia para crecer como padres ayudando a crecer a nuestras hijas.
Patricia ahora se acerca con un mate a la charla y cuenta como continúa su estado de salud, luego del grave accidente sufrido en octubre del año pasado, en medio de una de las presentaciones de la obra Carmen.
“Tengo que hacerme nuevos chequeos en marzo, pero todo va bien”, cuenta Baca Urquiza y recuerda que al momento de sufrir el infarto provocado por una disección espontánea en la arteria, los médicos le decían “sale todo bien o todo mal”. Ante ese panorama, explica que estuvo internada “una semana entera sin ver a mis hijas. Maxi venía todos los días, mi hermana me cuidaba todas las noches, fue una revolución para todos.”

–¿Como salieron adelante después de un momento tan difícil?
Guerra: –Para mí fue un gran susto, pero lo doloroso ya lo olvidé. Hubo una vuelta radical en mi vida, donde sentí realmente que las cosas se pueden terminar de un segundo para otro. Ahora siento que estamos todavía más fuertes y unidos. Igualmente, tenemos el “trasero lleno de preguntas”, porque no hay un diagnóstico que explique por qué se desencadenó el infarto. Simplemente sucedió.
–Al dedicarse a lo mismo, ¿son de opinar sobre el trabajo del otro?
Baca Urquiza: –Siempre que Maxi me pida un consejo yo se lo doy. Y cuando yo bailo, él también viene y me dice que me fije en esto o lo otro, con toda la autoridad que tiene por ser el director de la compañía, mi esposo y uno de los mejores bailarines del país.
Guerra: – Al ser el director de la compañía, junto a Gabriela Pucci, tomo las decisiones buscando lo mejor para todos los bailarines, y esto incluye a Pato. Y cuando termina el día laboral, como nosotros seguimos juntos en casa, tenemos un código: quedarnos cinco minutos en silencio hasta “cruzar el charquito” y hablar de qué preparar para comer a la noche.

Fuente: Tiempo Argentino

La trastienda de Iván, el terrible
EL CIRCO DE GUERRA

Martín Urruty: Uruguayos

2012-01-30T23:06:00.002-03:00

“Dirigir se dio con cierta naturalidad”

Martín Urruty, director y actor.

–¿Por qué trataste el vínculo padre-hijo en Uruguayos?
–En realidad, el vínculo que se trata es el de los vivos con la muerte del padre. El muerto flota por encima de las situaciones, y a la vez no es cualquier muerto: es “el padre”. Nos interesó trabajar sobre lo que les ocurre a los vivos, qué pasa con los que quedan después de esa muerte.
–¿La obra habla de una postura idealizada del padre?
–El tema es la herencia. Lo que sabemos es que los hijos se comparan con esa figura, y sienten que en la comparación pierden por goleada.
–¿Cómo es dirigir tus obras?
–Como muchos, empecé como actor y sigo siéndolo. Dirigir se dio con cierta naturalidad: aparentemente tenía algunas condiciones para “mirar” de afuera, para organizar un material en función de su construcción escénica. Luego, con la experiencia, uno va aprendiendo. Lo que en principio era un acto medio irresponsable va cobrando cierta organicidad.
–¿Qué repercusión tuvo la temporada en Puerta Roja?
–No sé si me corresponde a mí responder sobre las repercusiones. Uno tendería a decir que fueron buenas, pero parece un poco arrogante. Recuerdo sí el comentario de un amigo cuando salió de ver la obra: “Es como darle un beso a una chica linda, como gritar muy fuerte el gol de tu equipo, o pensar en tu viejo cuando ya no está. Es todo eso y pasa muy rápido, como la vida.” Me parece una buena síntesis.

Sábados a las 21 en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960.

Fuente: Tiempo Argentino

Christian Sancho

2012-01-30T23:00:00.001-03:00

Christian Sancho: “Nunca me sentí lindo”

Con un pasado fuerte como modelo, se volcó más a la actuación. De chico pintaba para futbolista. Su madre lo Mandó a estudiar teatro para vencer la timidez.

Algún afiche callejero sigue devolviendo esa imagen de sex symbol , con ropas muy cortas y cabellera muy larga, que cuesta encontrar, ahora, en este sobrio muchacho de jean y camisa. Tímido, pelo corto, como distante de ése que asoma en calzoncillos públicamente. “Sí, soy el mismo, pero crecí y estoy cambiando. Mi rol de modelo está quedando atrás y me he volcado más a la actuación. Y estoy más grande y quiero mostrar otras cosas. No reniego, también soy ése de la publicidad. Yo me reconozco mucho en cada etapa de mi pasado... Y sucede algo muy fuerte cada vez que vuelvo a Rosario. Llego allá, voy a la casa de mis padres y me vuelven los aromas, los recuerdos, los viejos sueños. Cada vez que voy es como volver a empezar, por eso me gusta llevar a mis hijos. Quiero que perciban el ámbito en el que me crié, con amor y muchos valores”, explica Christian Sancho, de una sobriedad y sencillez al hablar, que el prejuicio de más de uno, seguramente, no habría imaginado.

Postal urbana de Buenos Aires y de otras grandes ciudades del mundo donde trabajó como modelo, insiste en que es “un pibe del interior. Y trato de que eso no cambie”, aunque haya sido figura en México, Estados Unidos, Francia, Italia y España. “Me cansé de que la vida fuera una valija. En cada país que estuve me sentí muy bien, muy cuidado, valoré cada oportunidad que me dieron, pero con los años empecé a añorar y decidí volver”, cuenta, con una familia consolidada en Buenos Aires (mujer y dos hijos) y con otra -o parte de la misma, en realidad- en su Rosario natal.

A la hora de la merienda, en un sereno bar de Corrientes y Montevideo, comparte que “el otro día, cuando fui para allá, con este nuevo look, mi vieja me vio y me dijo que le hacía acordar mucho a cuando era chico y ella me rapaba para ir a la pileta. Y me conmovió eso, ¿sabés? Fue volver a la infancia en un segundo, algo que me hace bien. Y de pronto me vinieron las imágenes de cuando iba con mi hermano al club Libertad, un lugar chiquito, bien de barrio, donde pasábamos todos los veranos”.

Por aquellos viejos tiempos, jugaba de 7 -wing derecho- en cancha de 11: “Dicen que era bueno tirando centros y, además, le pegaba cruzado. Jugué hasta los 14 años. A esa edad se enfermó mi viejo y eso nos marcó mucho a todos. Tuvo una infección terrible en el hígado y gracias a Dios se pudo curar, pero en ese momento fue un punto de inflexión muy grande, que me sirvió para entender después un montón de cosas. Y comprendí cómo debe funcionar una familia cuando pasa algo así. Mi vieja, que es maravillosa y tiene una gran personalidad, tomó las riendas, mi hermano y yo colaboramos mucho en casa y mi viejo tuvo una valentía... Hablar de esto me emociona. Ahora él está bárbaro. A partir esa situación supe que siempre hay que pelear en la vida, que no hay que dejarse vencer por nada ni por nadie”.

Coprotagonista de Vidas privadas -la comedia que dirige José María Muscari en el teatro Picadilly, de miércoles a domingo-, tuvo un 2011 al que define como “un año muy fuerte en mi carrera, un año de mucho crecimiento. Pude combinar drama y comedia en dos proyectos bien distintos”. Integró el elenco de El paraíso -la tira de Sabrina Farji que emitió Canal 7- y se sumó por un puñado de capítulos a Los únicos , la tira de Pol-ka que lo tendrá con continuidad en la segunda temporada, que arrancará en febrero, por El Trece. El robot que interpretó en esa comedia fue el que lo llevó a cambiar su look.

Ya no más, o al menos por ahora, ese pelilargo que le abrió las puertas del mundo cuando tenía 18 años: con dos años de formación actoral en Rosario (“Mi vieja me mandó a estudiar teatro para ver si superaba la timidez”) y recién instalado en una pensión porteña, iba a sus clases de periodismo deportivo “cuando una mujer me paró por la calle. Estaban haciendo un scouting (selección de gente) mundial de Versace y buscaban jóvenes que no fueran modelos profesionales, que dieran una cosa cotidiana. Hice la prueba y a los tres meses me ofrecieron un contrato para ir a los Estados Unidos”.

¿Y la pensión? La dejé con nostalgia ahí, en Pueyrredón y Mansilla, y de ahí volé a la 68 y Broadway, en Nueva York.

¿La facha te hizo ganar camino? Es que nunca me sentí lindo, te lo juro. Siempre traté de hacer ver el contenido, de que se viera lo que me inculcaron mis viejos.

A los 36 años, a poco de inaugurar en San Martín “un complejo de entrenamiento deportivo, con comida sana de la que se va a encargar mi mujer”, decidió, con sus socios, que el lugar se llamara OAK, un juego de iniciales. La suya es la A de Alejandro, su segundo nombre. Nada de Christian, menos de Sancho. Y cuenta que, cada vez que pisa Rosario, dicen que “ llegó el hijo de Juan . ¿Qué mejor nombre que ése?”.

Fuente: Clarín

Mineros

2012-01-30T22:51:00.002-03:00

El arte bajo la superficie

La notable puesta y adaptación y el ajustado trabajo del elenco vuelven atrapante la historia de unos mineros enfrentados, casi por accidente, a variadas disquisiciones sobre la pintura y la representación artística, con sus luces y penumbras.

Es probable que el espectador llegue a ser el eco de todo lo que acontece en esta pieza del inglés Lee Hall, en parte por la habilidad de este autor de transformar en experiencia sensorial conflictos que han atareado a los estudiosos, como el de enfrentar aviesamente el deseo de libertad individual con la fidelidad al grupo. Este es uno de los varios asuntos expuestos sin demasiado detenimiento en esta obra, que inspiró a Hall por Pitmen Painters. The Ashington Group, del crítico de arte británico William Feaver. Estrenada en 2007 en Inglaterra y en 2010 en Estados Unidos, llega con premios y el aplauso de Broadway. Se basa en hechos reales acontecidos en Ashington, en los años ’30, y es desarrollada escénicamente a través de oposiciones sencillas entre el enojo y la alegría, el disparate y la sensatez.

En este reflotar de asuntos vividos –aquí en la versión del director Javier Daulte–, un grupo de mineros decide, por iniciativa de su sindicato, ilustrarse en temas de economía. Pero en algún punto surge una confusión y quien se presenta es un profesor dispuesto a dar un curso de apreciación del arte. Sin demasiados prolegómenos se inicia así un intercambio de pareceres, picardías y no pocas falacias e ingenuidades que entusiasman a la platea. El marco escénico ya ha hecho su primer aporte recreando una atmósfera herrumbrosa (reforzada por la incorporación de vagones fuera de sus raíles) que, en consonancia con el relato y las diferentes escenas, se transmuta en claridades. En síntesis, un interesante trabajo del escenógrafo Alberto Negrín y el iluminador Gonzalo Córdova.

Luces y penumbras sugiere también la vida de estos mineros pintores que componen Hugo Arana (el delegado gremial George Brown); Darío Grandinetti (un talentoso Oliver Kilbourn) y Juan Leyrado, en el papel del marxista Harry Wilson, simplificado por el autor al equipararlo con un dogmático. Personajes todos que se inician en la materia bajo la guía del profesor Lyon, compuesto por Jorge Marrale. Es en ese profesor en quien el autor deposita las tribulaciones que generan los interrogantes sobre qué es el arte y cómo se enseña, para concluir que el arte es una alternativa al alcance de individuos de cualquier condición intelectual y social.

Elocuente en su discurso sobre las cualidades transformadoras del arte, Lyon no escapa a las críticas de sus alumnos y es puesto en su lugar por Harry, ex minero y ex soldado herido durante la Primera Guerra Mundial, quien sacude las teorías del maestro con un relato despojado de ambigüedades. Es este personaje el que trata a Oliver de “esclavo de una caprichosa”, en referencia a la ocasional mecenas (Patricia Echegoyen), tironeada por sus pasiones. Esta es otra de las varias secuencias que insinúan oposiciones, como la escena en que se intenta hallar significados a una pintura decorativa de ilustre firma, exhibida a los noveles pintores que, siendo niños, debieron trabajar en una mina de carbón.

Que las disciplinas artísticas sensibilizan no sólo a las clases privilegiadas no es novedad, puesto que los ejemplos abundan, así como no sorprende la conmoción que suele producir una obra maestra. En este punto, el ejemplo que se toma en Mineros es un cuadro del holandés Vincent Van Gogh. Opción que abre la escena a un atractivo despliegue técnico. Esta resolución, al igual que otras irrupciones y cierres de escena, suma aciertos, golpes de efecto y algún toque melodramático a la puesta de Daulte. Importa también en esa estrategia la destreza en el engarce de los diálogos, aquí traviesos e intencionales.

Rebeldes, cada uno a su manera, los personajes creados por el inglés Hall incorporan rasgos de la época en la que están inmersos. Son conocidas las movilizaciones mineras de la década del ’30 –y las posteriores– en varios países europeos. Claro que en la obra el hilo conductor es la emotividad, unida tanto al sentimiento trágico como al humor que despliegan los intérpretes según sus roles, incluidos los jóvenes Milagros Almeida y Juan Grandinetti. En ese clima, los mineros pintores encauzan con maestría las complejidades de sus personajes, sujetos, unos más que otros, a las reglas sindicales y la “identidad minera”. Es así que la obra no se estanca en la pura alabanza de lo artístico, sino que incursiona con sobriedad en aspectos descarnados y perturbadores de la historia de cada cual. Esto permite a los personajes elaborar “bromas filosóficas”, reírse de sí mismos y atreverse a criticar al maestro cuando corresponda, en lugar de premiarlo porque sí con una palmadita en la espalda.

Otro tema que el autor lleva a un primer plano es el referido a la solidaridad que –sin ser antídoto contra las desdichas del oficio– ayuda, según parece, a sobrellevar una existencia dura y un oficio donde se está a merced de los patrones. Hall propicia así un acercamiento amigable a los personajes –y a la obra en su conjunto– al no insistir en el entendimiento intelectual del arte, sino en el aprendizaje visceral de las situaciones que se le plantean a todo individuo. Esto es lo que se desprende de la dirección de Daulte, en la que Arana, Grandinetti, Leyrado y Marrale expresan creativamente las mutaciones de sus personajes, jugando con las palabras y los cambios de la propia voz, tanto en el comentario irónico y gracioso como en la secuencia de dolor y hostigamiento interior que produce un cuerpo yacente.

Fuente: Página/12

Lugar: Teatro Metropolitan 1, Av. Corrientes 1343. Funciones: miércoles, jueves y domingo a las 21; viernes a las 21.30 y sábado a las 20.15 y 22.45. Duración: 145 minutos. Entradas desde 120 pesos, en la boletería del teatro y www.plateanet.com.

Jerónimo Grandi, Enrique Montero, Maisa Pereira y Octavio Pizzul: Ojos cerrados

2012-01-30T20:29:00.006-03:00

Abriendo las puertas de la percepción

En esta puesta experimental, los espectadores habitan el espacio con los ojos vendados. Desconocen la topografía de la escena y el mundo que construyen se da a partir de estímulos sensoriales. Cada función propone la interacción con el público.

A veces, la película no se proyecta sobre la pantalla sino dentro de uno mismo. Es de noche y dentro de una de las salas del Teatro de la Comedia (Rodríguez Peña 1062), los espectadores habitan el espacio con los ojos vendados; han ingresado ya en esa condición, por lo cual desconocen la topografía de la escena y el mundo que construyen se da a partir de estímulos sensoriales. “La idea es que es un camino interno, que la persona se vuelque hacia sí misma”, dice Jerónimo Grandi –también conocido como Ierus Nemó– respecto de Ojos cerrados, la obra que reestrenó AviTantes.

“Arrancamos como un grupo de música en el año 1999”, recuerda Enrique Montero –Quin Rhaalé en, como el caso de Nemó, la identidad adquirida a través del trabajo en AviTantes-. “Empezamos a experimentar diferentes cosas, con el tema de bajar la luz y trabajar en la oscuridad, porque nos dimos cuenta de que había más sutileza en el sonido, en la escucha; más que nada nosotros somos músicos, entonces nos interesaba mucho esto de investigar el sonido.” El proceso dio como resultado una primera versión de Ojos cerrados allá por el 2002, y desde entonces fue sufriendo modificaciones tanto relacionadas con los diferentes lugares por donde pasaron (desde salas “más under” y centros culturales a galpones y fábricas a punto de ser demolidas), como con la evolución propia. El público también fue cambiando, ampliándose, así como el grupo –del cual el número actual de integrantes no es posible confesar al lector.

Siguiendo una partitura que en cada función se ve afectada por la interacción con el público, cada músico-actor y el grupo como totalidad proponen estímulos que en cada individuo van encontrando respuestas diversas; a cada espectador lo modifican su propia experiencia personal, su estado emocional, su manera de sorprenderse o de confiar y dejarse llevar –porque sin esa entrega no es posible crear la ficción interna–. A diferencia del Teatro de Ciegos, los AviTantes no respetan una dramaturgia de evolución dramática donde la historia transcurre de manera tradicional, sino que ésta se va formando poéticamente en el propio espectador como si fuera un sueño escrito entre la propuesta hacia los sentidos y la forma de experimentarlos. Vendados los ojos, “se abren los sentidos y no sólo eso –explica Nemó–; pasan otras cosas, hasta el cuerpo es raro, es como si sintieras la presencia de gente. ¿Y con qué sentido lo estás sintiendo si todavía no te tocaron y ya lo sentiste?”. Lo espacial se trastrueca y adquiere otra forma de percibirse pero, ¿y el tiempo? “Lo temporal también se distorsiona –agrega Rhaalé–, y son otros tiempos, otros sonidos.”

Los AviTantes componen su música y entrenan a su propia gente. Para Maisa Pereira –Maisa Lem– “durante toda la obra se necesita la sutileza y el cuidado”, por lo que cada integrante nuevo es el fruto de un delicado casting donde técnica y cualidad humana deben ir de la mano y cada obra que se estrena ha pasado por un período previo de ensayos –una instancia, no obstante, que los integrantes marcan como constante y siempre presente incluso luego del estreno– sobre ellos mismos. La apertura del grupo implicó, a su vez, aprender cómo enseñar a los nuevos las técnicas y la sensibilidad adquiridas luego de tantos años de trabajo. Ierus Nemó, Quin Rhaalé y Maisa Lem son tres de los cuatro miembros originales de AviTantes (el cuarto es Christian Ugarte, ‘Swami Chris’), pero Octavio Pizzul pertenece a las camadas recientes (además de ser el único que no viene de la música sino de la actuación) y comenta que “cuando un ensayo de AviTantes no es un ensayo de pasar técnicas a chicos nuevos, sino que es un ensayo de experimentación, de búsqueda de cosas nuevas, resulta conmovedor y hay tanta belleza que vos salís del ensayo diciendo ‘¡qué bueno que tengo este trabajo!, yo trabajo de esto, tengo mucha suerte’”.

Esta característica de proceso siempre en movimiento es lo que hace que para Nemó “el crecimiento no es que venga más gente; el crecimiento es en profundidad. Hay un crecimiento en ese sentido, que es lo que puede sostener económicamente la situación de cada uno y lo que hace que nos podamos dedicar a esto, pero lo de la obra pasa por cada encuentro con cada persona”. Rhaalé completa diciendo que “esto es lo antimasivo. La vivencia es estar acá, y cada uno va a tener la suya; no hay medio que pueda registrar esto y después venderlo”.

“Para nosotros fue transformador, tuvimos que aprender muchísimo para estar acá. Todas las personas saben lo que es trabajar en grupo, que es muy duro. Para nosotros es muy intenso lo que nos pasa estando en AviTantes y tenemos una sensación trascendental de nuestro trabajo y de nosotros mismos”, dice Nemó cuando se le pregunta sobre el camino transitado y el que tienen por transitar. Para los integrantes de AviTantes, el vínculo con la obra es íntimo y es el producto del tiempo vivido, y quizá por eso Lem resuma su sensación concluyendo que “estoy donde tengo que estar, era esto”.

* Ojos cerrados va los jueves a las 21, viernes y sábados a las 23. Teatro La Comedia, Rodríguez Peña 1062.

Fuente: Página/12

Ariel del Mastro, Fernando Samartín, Natalia Cociuffo y Graciela Montaña: Por amor a Sandro

2012-01-30T19:01:00.005-03:00

Sandro les canta a sus "nenas"

La obra cuenta la historia de una fanática y su relación con su esposo y el ídolo

Litto Nebbia está sentado en la banqueta de un bar tocando la guitarra. "Con mi balsa yo me iré a naufragar", entona ante la atenta mirada de un colega y las cabecitas danzantes de las mujeres que se dejan conquistar por esa melodía. "¿Qué te parece, Roberto?", le consulta a su amigo. "Le falta rocanrol", contesta él e inmediatamente empieza a mover las caderas a lo Elvis para delirio de hombres y mujeres.

El es Sandro, el protagonista de un nuevo musical que se estrena hoy en la calle Corrientes: Por amor a Sandro. El musical de América subirá a escena en el Broadway con la dirección de Ariel del Mastro, libro de Daniel Dátola y producción de Héctor Cavallero.

Shock de colores, luces, psicodelia por doquier. El escenario se llena de esa moda sesentista y kitsch que tanto dio que hablar. Allí bailan "las nenas", con frenesí, con amor total. Idolatran a Sandro como si fuera un dios y lo harán por siempre. Pero, ¿cómo amar a un ídolo y a un esposo al mismo tiempo? Algo de eso cuenta esta obra y no es casual que sean tres los protagonistas, los necesarios para conformar un perfecto triángulo amoroso: Fernando Samartín, Natalia Cociuffo y Christian Giménez, se ocuparán de poner cuerpo y voz a esta historia.

"Estamos viendo a Sandro desde una fan. Es una historia de amor con los matices que tiene el amor. Antonio (Giménez) y Alicia (Cociuffo) se aman mucho y tienen hijos. Hay una salida tangencial que es la relación de ella por su ídolo. Y tratamos de contar cómo se resuelve o no eso", explica Ariel del Mastro, que viene masticando esta historia desde hace más de un año y está ansioso por verla funcionar.

En busca de una puesta casi arqueológica, Del Mastro investigó en profundidad el universo simbólico de la Argentina que vio nacer el fenómeno Sandro. La obertura se sitúa en los comienzos: Pipo Mancera presenta a Roberto Sánchez en uno de sus Sábados circulares , uno de los programas televisivos más populares en los albores de la década del 60. "Fue difícil establecer el código. Investigamos cómo hablaban, cómo se vestían, cómo se movían las personas en esa época. Ojalá que la gente entienda que no está mal actuada sino que hay una elección estética", explica Del Mastro.

Un elenco ecléctico

"Pensé que para hablar de Sandro como artista tenía que buscar a alguien que sea muy parecido. Vi a mucha gente que le rendía tributo, vi muchos, muchos?" Del Mastro recorrió el país en busca de su Sandro durante meses hasta que apareció el indicado.

"Daniel Dátola me encontró en un video en YouTube. Me empea seguir. Me vinieron a ver al teatro Roma a un espectáculo en que hacía a un Sandro de los años 80 y a uno más adulto. Eso les interesó porque en la obra iban a necesitar representar el paso del tiempo", relata Fernando Samartín, el "inpersonator"-tal es la forma en que se define, en detrimento de "imitador"-, que será el encargado de convertirse en Sandro para este musical. "Me emocionó mucho cuando lo vi", cuenta el director. "Me transportó a cuando lo vi en el escenario. Algo de su emoción, de sus manos, de sus gestos me conmovieron". Ariel no tiene dudas. Sabe que su ojo entrenado en descubrir talentos no se equivoca. Fernando tenía que ser Sandro.

"Lo estudio desde hace mucho tiempo mirando videos. Siempre traté de actuar su personaje pensando en qué haría él plantado en este mismo lugar. Los músicos se sorprenden porque a veces tengo salidas que hubiera tenido él", cuenta. También está ansioso, más por el desafío de ser parte de una obra de teatro que por vestirse de Sandro. Ya está acostumbrado y hasta conoce a "las nenas" por su nombre. "No quiero ser él, lo hago desde la admiración desde el cariño y las nenas cuando me van a ver juegan a rememorarlo un ratito", aclara.

Natalia Cociuffo tuvo que tomar una difícil decisión antes de aceptar ser Alicia. Había sido seleccionada para interpretar a Tania en Mamma Mía!, musical de Broadway que es un éxito probado en todo el mundo. Mientras esperaba que le den un contrato para firmar, la convocaron para las audiciones. "Hice la prueba y tuve que hacer una escena que es una de las más fuertes de la obra. En ese momento sentí que mi mundo pertenecía más a eso, porque se pone un fuerte acento en lo actoral", comenta Cociuffo, quien ya había tenido un acercamiento al mundo del Gitano en 2007, como parte del elenco de Quiero llenarme de ti. "Me encantaba toda esa sensación de Sandro: la corbata roja, las rosas, la presencia de él que hay permanentemente. Me encantó volver a elegirlo".

Ser fan

"Hace un año escuchamos que iban a hacer una obra. Nos convocaron para que les enseñemos a las nenas a ser nenas", cuenta entusiasmada Graciela Montaña, aunque admite que al comienzo les preocupaba que no se respete la memoria de su ídolo: "Teníamos miedo que no esté a la altura de Sandro, pero vimos que su imagen fue muy cuidada".

"Me parecía muy importante tener un feedback de las nenas a la hora de construir esta historia. Tuvimos muchas charlas, ellas nos trajeron material fílmico, anécdotas y cuando hubo que caracterizar a cada actriz del ensamble con una nena las trajimos e hicimos que se identifiquen con alguna", explica Del Mastro y todavía sigue buceando en las características del fanatismo a ultranza de estas mujeres. "Es que es un personaje realmente increíble. Como artista, lo vimos todos, y como persona, tenía una relación auténtica con las fans. Ellas siempre cuentan que las llamaba por teléfono para ver que estén bien. Era cálido, afectuoso y cercano", continúa el director. Aunque no pudo conversar con Olga Garaventa, la viuda del Gitano, cuenta con el visto bueno: "Leyó el libreto y hasta se emocionó. Incluso nos aportó algunas anécdotas, como la de Litto Nebbia".

"Yo fui fanática de un grupo a los 15 años, pero nunca con tanta fascinación como estas mujeres", explica Cociuffo, que tuvo que nutrirse de las vivencias de "las nenas" para configurar a su fan: "Alicia es un poco de todas. Ella lo dice en una frase: el amor por Antonio y la pasión por Roberto, que ni ella misma puede entender ni expresar. Es lo que les pasa a muchas nenas. Es lo que más les pregunto a ellas. Muchos de sus maridos se las bancan, las acompañan. Pero en su intimidad más profunda, Roberto las enamoró a todas.

PARA AGENDAR

Por amor a Sandro: de Daniel Dáttola. Teatro: Broadway, Corrientes 1155. De miércoles a domingos. Desde 100 pesos.

Fuente: La Nación

C. Niciento

2012-01-30T18:57:00.002-03:00

C. Niciento

El director Héctor Presa vuelve a acertar con una obra de montaje sencillo, aires de verano e indudable eficacia escénica

Carlos Niciento queda sin trabajo. No porque se haga difícil la búsqueda laboral quiere perder la sonrisa. Pero no es fácil. Ni siquiera cuando consigue empleo. Porque entra de mucamo en un hogar de madre e hija que suman a la arrogancia y el engreimiento la amargura. Cuando convocan a un baile en palacio, C. Niciento va montado en canastos de ropa y escobas, ataviado con peluca y anteojos oscuros que lo convierten en atractivo bailarín. La hija queda prendada de su humor, hasta llega a sonreír, y la madre vislumbra un futuro de riquezas y prestigio social. Hasta que la medianoche convoca a retirada. El resto es desenlace fácil de imaginar, aunque mechado de constantes vueltas de tuerca humorísticas.

El director y autor Héctor Presa sintetiza en tres personajes el cuento recopilado por los hermanos Grimm y por Perrault, de modo tal que se introduce la dinámica más teatral de la transformación de un personaje -la hija- a través del desarrollo dramático. El enamoramiento la saca de la calle de la amargura. Aunque, cuando se descubra la verdadera identidad del "príncipe", deberá superar aún la oposición de la madre a una relación con alguien sin alcurnia ni fortuna. El giro de Cenicienta a C. Niciento revierte además el dejo sexista del cuento y le otorga un toque contemporáneo con la búsqueda de trabajos no tan convencionales para un hombre.

Un elenco parejo, de sólida performance clownesca, lleva adelante sin fallas el planteo autoral y de puesta en escena. Andrés Granier interpreta a un payaso de alma que por esa misma cualidad puede tanto limpiar los pisos y planchar como bailar principescamente, siempre guiado por su sonrisa. Erica D'Alessandro se mantiene en sus trece de madre y patrona de pocas pulgas, en tanto que Guillermina Calicchio tiene a su cargo deslizar a su personaje de la identificación filial al encuentro de un sentido vital propio. Todo ello en una obra de montaje sencillo, de aires de verano, pero de indudable eficacia escénica.

Fuente: La Nación

Sala: Jardines del Museo Larreta, Vuelta de Obligado 2155 / Funciones: Domingos, a las 18.

Martín Kent: Slipstick

2012-01-30T18:52:00.002-03:00

Humor y glamour desde Ibiza

Es argentino, pero trae Slipstick, su show internacional, por primera vez a Buenos Aires

"Te saludo con la mano, porque estoy todo sudado y lleno de maquillaje", dice Martín Kent, mientras baja del escenario para hacer una pausa en el ensayo. El actor argentino, que desde los 17 años vive en Ibiza y lleva sus shows a toda Europa y Asia, trae por primera vez a la Argentina su espectáculo, Slipstick . La obra, creación del mismo Kent, mezcla clown, clásicos del cine y música; una mixtura de homenaje y mucho humor. Esta propuesta nació a partir de una selección de partes de los trabajos que realiza el actor desde hace veintisiete años,

La mayor parte de Slipstick está hecho a partir de escenas de películas memorables, a cuyos personajes Kent le pone su impronta y los recrea. En algunos casos, une a los de la ficción con otros reales, y de esa simbiosis nace uno nuevo. "Amo el cine y el circo desde pequeño", dice quien se siente influenciado por el séptimo arte. La hipérbole es una de las características de Slipstick , y se hace evidente desde el maquillaje, el vestuario, la gestualidad. "Tengo mucha influencia del expresionismo alemán; por eso mi maquillaje por ejemplo", explica. Del movimiento alemán de principios de siglo le atraen los decorados, las caracterizaciones extremas. "Me gusta mucho comunicar con las emociones, con las miradas, sin palabras".

Entre las particularidades de Slipstick , el actor saca a escena parte del camarín para maquillarse frente al público, sin espejo. El espectador se convierte así en una especie de voyeur . "Me parece muy interesante que el público vea de entrada lo que hay detrás de todo esto", explica.

Dice que su transformismo es "con una vuelta de tuerca". "No me disfrazo de mujer por disfrazarme, sino que hay un motivo más allá", explica.

En Slipstick abundan el color y la risa. "Es de un humor universal y quiero que sea siempre así; el idioma no tiene que ser una barrera", afirma. Por eso, en sus textos se mezclan distintas lenguas como el español, inglés, francés y alemán.

Durante noventa minutos, el actor hace unos veinticinco cambios de vestuario. Utiliza además diferentes pelucas, todas hechas de cáñamo, y unas llamativas pestañas postizas que confecciona él mismo.

Parte de la escenografía que se verá en la obra es la misma que utiliza en sus presentaciones en Europa. Además, integra elementos multimedia y muñecos, con los que interactúa y se mezcla a medida que transcurre la historia.

Martín Kent estará los viernes y sábados, a las 22.30, en el Margarita Xirgu (Chacabuco 875).

Fuente: La Nación

El gran deschave, Criaturas de la noche, Había una vez en Barrio Norte, Chicos católicos, apostólicos y romanos, y Mujer de 30 desesperada busca

2012-01-30T15:48:00.014-03:00

Drama

Un problema vigente

Una trama profunda, vigente, sobre la falta de comunicación en el hogar. El gran deschave , de Sergui De Cecci t Arnabdi Cykaj, con Marcelo Silguero, Lorena Bruquetas y Jorge Ferreiro, dirigidos por Leonardo Cerrizuela. Viernes, a las 21.30, en Liberarte, Corrientes 1555.

Hernán Aguilar

El mundo de los taxi boys

Criaturas de la noche , de Hernán Aguilar, indaga sobre lo que lleva a un joven a ofrecer su cuerpo a cambio de dinero. Los viernes y sábados, a las 23.15, en el Porteño, Corrientes 1630.

Comedia

Para toda la familia

Una comedia sobre dos damas de alta burguesía venidas a menos. Había una vez en Barrio Norte , con Guillermo Gil, Demetrio Arias y Matías Vázquez, viernes y sábados, a las 20.30, en El Vitral, Rodríguez Peña 344.

Segunda temporada

Dudas e ingenuidad

Chicos católicos, apostólicos y romanos cuenta vivencias de un grupo de amigos. Con Darío Barassi, Juan Guilera, Nicolás Maiques, Juan Paya y Emanuel Arias, dirigidos por Carlos Kaspar. Jueves y viernes, a las 21 y sábados, a las 21 y 23, en el N/Artaza, Corrientes 1743.

Humor

La crisis de los 30

El unipersonal de Mariel Rosciano explora el mundo femenino con una mirada ácida. Mujer de 30 desesperada busca se presenta los viernes, a las 21, en Terraza Teatro Bar, Paseo La Plaza, Corrientes 1660.

Fuente: La Nación

Betiana Blum: Más liviano que el aire

2012-01-30T15:40:00.002-03:00

Nota del 21 de enero

Betiana Blum recorre toda la costa

La actriz disfruta de un presente que la hace permanecer en la televisión con "Herederos de una venganza" y la tiene haciendo teatro con una obra que define como "fascinante porque revela al ser humano en dimensiones inimaginables".

Metida en la piel de Lita, una mujer de noventa y tres años que encarna en la pieza "Más liviano que el aire, Betiana Blum señala que "podría pensarse que en la vejez uno está sentado esperando la muerte, pero en verdad el ser humano tiene una necesidad de amor que nunca cesa".

El amor es el sentimiento que acaba aflorando en el libro de Federico Jeanmaire (ganador del Premio Clarín de novela 2009) y que en la versión teatral dirigida por Gabriela Izcovich muestra como la anciana mantiene encerrado en el baño de su casa a un joven ladrón (Eduardo Carrera) que quiso asaltarla.

Mientras resiste los embates del muchacho que quiere liberarse y decide no llamar a la policía, Lita le avisa a quien quiso robarle que lo dejará salir cuando termine de contarle la historia de Delita, su madre muerta casi un siglo atrás.

UNA CONFRONTACION

"En "Más liviano que el aire" se produce una confrontación que pasa de la simple anécdota de un asalto entre una vieja acomodada pero sola y un adolescente de una villa porque los dos, por distintos motivos, están marginados de la sociedad", subraya.

Con la misma pasión que disimula el trajinar de una propuesta que desde mediados del año último tuvo una exitosa temporada en el porteño teatro Regina, insiste que la obra "combina el humor negro, la comicidad y momentos conmovedores para referirse a todo lo que la sociedad va descartando".

Haciendo un balance de estos meses de "Más liviano que el aire", comenta que "me metí en un brete pero no quise hacer un unipersonal porque esto es teatro y aunque muchas de las cosas que ocurren están generadas en la cabeza de la mujer, de ningún modo quería que la gente pensara que esta vieja está loca y que imagina la situación por la que atraviesa".

La pieza se ofrece los miércoles a las 21.30 en la sala Payró del Auditorium de Mar del Plata, pero además gira por otros teatros de la costa atlántica de acuerdo a una grilla que la tendrá en Villa Gesell, San Bernardo, hoy en Miramar, el domingo en Santa Teresita, el viernes 27 en Monte Hermoso y el sábado 28 en Necochea.

"Me interesó mucho poder hacer estas presentaciones porque se trata de una gran obra y porque me permite encontrarme con público del todo el país que por ahí me sigue por la televisión y que puede venir al teatro pagando entradas más accesibles que las de la Capital", asegura.

CON SEGUIDORES

La legión de seguidores de la trayectoria de Blum seguramente tiene que ver con una incesante labor televisiva que en los últimos años la integró a títulos emblemáticos de Pol-ka y El Trece como "Valientes", "Para vestir santos" y, actualmente, "Herederos de una venganza".

Acerca del presente del culebrón encabezado por Luciano Castro y Romina Gaetani, donde asume a Delicias Leiva, madre de Mercedes (Gaetani), la actriz resalta que "la verdad es que el guión (de Leandro Calderone) es una maravilla porque se las ingenia para seguir dando vueltas de tuerca y creando situaciones interesantes".
Además de la historia, Betiana Blum destaca que el éxito de la telenovela que debutó el 17 de enero de 2011 y fue uno de los bastiones del año de la emisora en materia de rating, tuvo "un equipo de actores muy bien equilibrado por Pol-ka".

Marcela Kloosterboer, Federico Amador, Benjamín Vicuña, Leonor Benedetto, Rodolfo Ranni y Antonio Grimau son parte del staff central del programa que terminó de grabarse el 30 de noviembre y tendrá aire hasta mediados de febrero. Vislumbrando el año profesional, la actriz nacida en la localidad chaqueña de Charata, desliza que "tengo propuestas muy buenas para teatro y televisión, pero voy paso a paso en la vida".

"Yo hago un paso y después veo porque eso es lo más humano y lo más real. Hacer planes, en cambio, es lo más fácil para después frustrarse"", dice la actriz que en cine brilló en títulos como "Esperando la carroza", "Bajo bandera" y "El mar de Lucas".

La protagonista de éxitos teatrales como "El hombre inesperado", "Camino negro", "Filomena Marturano", "Un guapo del 900" y "Porteñas", devela que ""lo que me encanta hacer es comedia dramática".

"A mí me enganchan las propuestas -cuenta- que tienen la cuerda más amplia, algo más cercano a la vida que está llena tanto de lágrimas como de sonrisas", explica y, precisamente, sonríe con su habitual encanto.

Fuente: La Prensa

Jorge Marrale: Mineros

2012-01-30T12:15:00.002-03:00

“Nos ponemos a jugar y la gente se conmueve”

El actor acaba de estrenar Mineros, junto a Dario Grandinetti, Juan Leyrado y Hugo Arana, bajo la dirección de Javier Daulte. Su mirada sobre el arte, la creación y el estado del mundo.

Jorge Marrale podría ser, en este momento, el ingeniero responsable de la construcción de un puente. Eso piensa el actor sobre lo que habría sido de su vida, si no fuera porque un día, cuando salía de la Facultad de Ingeniería, se hartó de su insatisfacción interior y entendió que el arte era la única respuesta para que él fuera feliz. “No sabía bien qué podía ser. Estaba entre la música, una orquesta o la actuación. Cuando era chico, iba siempre al cine. Vi mucha ficción, salía fascinado imitando al héroe de la película. Para mí ser artista fue una transformación, algo adentro mío que se iluminó. Hay un punto donde uno no es del todo, hasta que permite que su genio interior surja”, dice el actor de 65 años, mientras termina un sándwich de pan de salvado entre las butacas del teatro Metropolitan y mira a los técnicos que, agotados, cargan restos de una escenografía que simula ser el marco de un cuadro gigante.
Desde que el actor es uno de los protagonistas de la obra Mineros, junto a Darío Grandinetti, Juan Leyrado y Hugo Arana –los mismos actores de Baraka, con los que antes trabajó en Los Lobos y Los Mosqueteros, y que ya son sus más íntimos amigos (ver recuadro)–, la reflexión sobre su destino y su condición de artista se ha vuelto un tema que lo deja pensando. En la obra, Marrale interpreta a Lyon, un maestro que le dicta un curso de apreciación del arte a un grupo de mineros que apenas saben leer y escribir. Luego de un intento fallido por tratar de explicarles las grandes obras maestras de la historia del arte, Lyon decide que es mejor que los mineros pinten. Y cuando ve lo que hacen, descubre que ellos ya son artistas. Así que Marrale –que en esta obra le toca representar a la academia, a la gente que sabe– no deja de preguntarse: ¿Para quién es el arte? ¿Quiénes pueden ser artistas? ¿El genio nace o se construye? En esta entrevista comparte las respuestas que encontró sobre algo que él hace desde que decidió que no quería construir ningún puente.

–¿Qué pasa con estos mineros cuándo se vuelven artistas prolíficos?
–Empieza a aparecer lo que pasa con los humanos, las vanidades personales, la envidia acerca de si un coleccionista prefiere el cuadro de uno frente a otros. Es un momento de la historia política mundial, donde lo sindical y lo colectivo son factores muy fuertes. Los mineros tienen que decidir si pintan individualmente o en grupo. Así, aparece cierta tentación. Yo creo que es una pieza de un altísimo grado de sensibilidad, es muy interesante ver el trabajo de ellos y cómo con sus discusiones, como si estuvieran en la mina, avanza la historia. Ellos no se dan cuenta lo hermoso y lo importante de lo que están haciendo. No pueden creer que ellos, que son mineros y trabajadores, puedan ser artistas
–¿Y quiénes pueden ser artistas? ¿Los artistas nacen o se hacen?
–Yo creo que uno puede aprender muchas cosas, pero siempre hay algo que está en uno, que a veces no se llega a descubrir. Puede ser que alguien exterior –un profesor, un acontecimiento– genere un movimiento interno, que le permita ver lo que tiene. Mi personaje le dice a sus alumnos que con la técnica no se hace nada. No es una cuestión de capacidad técnica. Hay mucha gente que estudia para aprender, aprende y sabe, sabe mucho. Mucho más que el común de la gente. Pero nadie les enseña a seguir sus instintos, que es lo que estos personajes tienen, esa libertad.
–¿Cómo se hace para seguir los instintos?
–Eso es la creación. La capacidad de capturar y serle fiel a ese instante. No es suficiente con la voluntad, con la capacidad técnica, ni siquiera es suficiente con que tengan talento. Hay algo –algunos dicen que es el genio– que está adentro del artista. El genio viene etimológicamente de generar, de gestar. Se dice que cada uno nace con su genio, hay que respetarlo y tener cuidado de él. El genio es esa cosa innata, que te acompaña, al que no conocés bien y que aparece en momentos inesperados, sorpresivos. Primero sorprende a uno mismo y, después, a los demás.
–¿Cuál es el objetivo del genio?
–Mi personaje dice que el propósito del arte no es encontrar un significado al arte, sino una alternativa, que es la belleza. Y le preguntan: ¿Como un dios? Y les digo que sí, que el genio puede ser la espiritualidad. Hay algo que se encuentra que está vinculado a la creación primaria. ¿Cómo es que ellos pueden pintar tan bien desde la nada? En realidad, es desde el genio de cada uno.
–¿No es muy duro para un artista pensar que existe algo innato, que lo vuelve un creador? ¿Y si ese don no está?
–Tampoco pienso que el genio innato sea algo que está, que aparece y listo. Si uno ve los primeros cuadros de Picasso no puede creer cómo llegó a hacer lo que hizo. Era un figurativo exquisito, grande, ¿pero qué le pasó para llegar al cubismo? Algo pasó con Picasso, que está vinculado a la investigación, a lo que uno cree que tiene. En las clases de teatro, yo siempre digo que lo sagrado está adentro, lo que uno tiene que encontrar es lo que está adentro. Porque afuera, ¿qué vas a hacer? ¿Imitar? La creación es un misterio. Pero que está, está.
–¿Y qué es la actuación?
–Es el juego. El mejor ejemplo de la actuación es el niño jugando. No por nada los ingleses le dicen “play”(jugar) a las obras de teatro. Nosotros nos ponemos a jugar y vemos que los que se sientan a ver cómo jugamos, se conmueven con nuestro juego y nos creen. Yo todavía no puedo creer que sigo jugando a esta altura de mi vida. Creo que no podría hacer otra cosa.

Y aunque las preguntas sobre el sentido del arte se han vuelto más constantes en la vida de Jorge Marrale, el actor tiene poco tiempo para interrogantes. Su vida pasa entre las funciones de Mineros, su vuelta a la televisión (ver recuadro), sus clases de teatro y atender a una familia numerosa, que incluye cuatro hijos –uno adolescente y otro de ocho años– y tres nietos.
–¿Te preguntás sobre el mundo que le va a quedar a tus nietos?
–Sí, claro. Es una pregunta que también se hicieron mis padres y mis abuelos. Trato de mirar las cosas con cierto optimismo en términos de la especie humana. Creo que no vamos a ser tan idiotas como para destruir la tierra, que hasta el momento es el paraíso. Pero hay veces que me preocupa, porque veo que hay que pelear mucho contra la ambición de pocos.
–¿Qué cosas te preocupan?
–Me preocupa la contaminación del agua, que somos 7000 millones y que si no nos empezamos a mirar con un criterio integrador, el mundo se puede transformar en algo un poco salvaje. Creo que es obligación de todos, pero sobre todo de los estadistas, tratar de limar las asperezas lo mejor posible. Hay que terminar con las diferencias aberrantes de un número pequeño de gente que tiene tanto y tantas personas que tienen tan poco. El gran desafío hacia el futuro es la justicia, la distribución y agregar cada vez más trabajo. Mientras la humanidad se apoyó en el trabajo, la sociedad creció y todos tuvieron posibilidades. Cuando el trabajo merma empieza la angustia. Hay que tener cuidado, sobre todo para la gente joven, que realmente se prepara para un mundo mejor y a veces no lo encuentra. Yo quiero un mundo con menos tensión. Sé que puede parecer utópico, pero en la medida en que uno es consciente de lo que tenemos y de lo que hemos perdido, yo creo que existe la posibilidad de vivir en paz y encontrar la concordia.
–¿Es posible que exista un mundo con menos tensión?
–Yo creo que sí. Las nuevas generaciones son las que tienen que ajustar el encuentro de una manera más lúcida. En las clases de teatro, veo muchos jóvenes que tratan de conocerse, de sacar lo mejor de ellos mismos, de ser buenas personas. También veo personas desesperadas por ser famosas, que crecieron en un nuevo paradigma de que si no sos famoso, no sos nada. Eso, más allá de lo abrumador, es mentira. El tango dice que la fama es puro cuento y es verdad.

Fuente: Tiempo Argentino

La vuelta del psicólogo
El dolor por la pérdida de Kirchner
Los compañeros de juego

Martin Kent: Slipstick

2012-01-30T11:58:00.010-03:00

“Se van a alucinar con los cambios rápidos”

Martin Kent, actor de Slipstick.

–¿Cómo te preparaste?
–Llegué a Buenos Aires hace un mes desde Asia, y no paso ni un solo día sin ensayos, construcción de escenografía viviente y muchísimas pruebas de ajustes para poder meter a King Kong en el escenario y hacer levitar a una niña, agregando cosas cada vez más locas, ya que es un unipersonal donde trato de innovar el transformismo con una vuelta de tuerca, un más allá en las caracterizaciones, aunque con una sola máscara que me sirve para poder metamorfosearme en los 25 diferentes personajes a lo largo de 90 minutos, inspirándome en el cine expresionista alemán, el circo y el cine.
–¿Cómo construiste estas caracterizaciones?
–Llevo trabajando con mis espectáculos más de 25 años, y a lo largo de todos estos años he creado más de 50 personajes, pero imposible de realizar todos en una sola función.
–¿Con qué sensaciones se va a encontrar el público?
–Principalmente, y es mi mayor ambición, se va a divertir y alucinar con los cambios rápidos. Se va a preguntar cómo lo hago, y no hay trucos, sólo rapidez y muchísima sincronización.
–¿Qué le aportan este tipo de espectáculos a Buenos Aires?
–Aporta magia, y en mi caso te teletransporta al universo Kent. Para mí es un placer enorme, divertirme y divertir a mi público, que si deja atrás sus problemas antes de entrar, saldrá renovado y lleno de mi energía.

Viernes y sábados a las 22:30 en el Teatro Margarita Xirgu, Chacabuco 875. $ 80.

Fuente: Tiempo Argentino

Fabián Vena: El reportero

2012-01-30T10:26:00.002-03:00

Fabián Vena se divierte como nunca con la vuelta de “El reportero”

Fabián Vena está festejando las 100 funciones de “El reportero” en el teatro porteño La Comedia, donde junto Eduardo Blanco aborda “una historia muy atípica que tiene la particularidad de hacer un programa de televisión en vivo dentro de un registro teatral”, según describió el actor.

Dirigida por Héctor Díaz y escrita por el ex MiDaChi Chino Volpato, la obra que en septiembre pasado se estrenó en el Multiteatro y que acaba de reponerse en la sala ubicada en Rodríguez Peña 1062, sonsaca risas a un público que vive el detrás de cámara de un clásico “late show” de la TV nocturna comandado por el showman más popular del medio, interpretado magníficamente por Vena.

“Me pareció muy riesgoso e interesante hablar sobre la locura de la información, el poder de los medios de comunicación, de los políticos y de los empresarios, a través de un humor simple que llega directamente al público”, apuntó Vena en charla con Télam.

Si bien es reconocido por su amplia trayectoria que en los 90 lo catapultó a la fama con la tira juvenil “Socorro 5to. año”, el actor confesó que “hoy puedo considerar que `El reportero` es en la obra en la que más me divierto”.

“Algunas piezas me resultaban más difíciles de encarar, pero acá no puedo hacer otra cosas que divertirme y divertir”, abundó quien en teatro se lució en títulos como “Las variaciones Goldberg”, “La duda”, “Algo en común” y “La sombra de Federico”.

Micrófonos, cámaras, monitores, pantallas plasma y audio de televisión, son algunos de los elementos que se utilizan en la puesta de Héctor Díaz.

Esa parafernalia aporta para que el público se sienta en un estudio de TV apenas ingresa a la sala, para luego transformarse en la tribuna del ciclo de entrevistas porque, apuntó Fabián, “la gente enseguida se mete en que se trata de un programa de TV y que trabajamos un texto televisivo”.

El humor y el drama conviven en esta pieza en la que Vena encarna a un conductor ácido e inteligente que lleva 20 años trabajando en el medio y Blanco interpreta al dueño de un emporio de la minería, quien nunca antes dio una entrevista a un medio de comunicación.

En esta oportunidad accede a ser entrevistado por el conductor y lentamente el espectador va descubriendo su obra y vida: lo que parece ser un programa más de televisión se transforma en un interrogante sobre el poder y la manipulación de la información.A punto de cumplir la centena de funciones, Vena sostuvo que a esta altura la obra está muy aceitada: “Ya nos encontramos con la mayor cantidad de códigos de la gente. Yo interactúo mucho con el público porque interpreto a un personaje sin red”.

“Lo curioso -continuó- es que cuando se arman los escándalos en la obra, la gente los mira a través de los monitores, me da la sensación de que tiene muy incorporado al aparato televisivo”.

Para Vena iniciar esta segunda temporada significó “una chance que nos merecíamos porque el año pasado estrenamos muy tarde y si bien fue duro, la gente seguía viniendo”.

El intérprete que en TV brilló en “La Banda del Golden Rocket”, “Verdad Consecuencia”, “Mosca y Smith”, “Resistiré” y “Caín & Abel”, celebró que “ahora viene el doble de público, da la sensación que más allá de que de lo atípica que es la obra hay un `boca en boca` que hace que la gente venga al teatro”.

En cuanto a su rol, contó que es una experiencia muy gratificante para y reveló que le han llegado a decir que su rol recuerda al de animadores televisivos como Roberto Pettinatto y Mario Pergolini, “aunque también tiene mucho del humor yanqui, en su sacasmo y en el tipo de humor inteligente que se aborda”.

Fuente: Télam

Excalibur, una leyenda musical

2012-01-30T10:16:00.002-03:00

Poesía y asombro

“Excalibur, una leyenda musical”. La comedia de Cibrián y Mahler no tiene nada que envidiarle a las del Primer Mundo.

Ahogado, como si se le hubiera atragantado ese aplauso con ruido a tormenta, Pepe Cibrián hizo del final de la función de Excalibur, una leyenda musical (en el Astral) otra función. Provocaba al público con un monólogo en inglés, que remató en chiste: “Ah, cierto, no estamos en Broadway. ¡Me cansé de las palabras coach, casting. Nuestro idioma es hermoso, usemos nuestras palabras!”. Junto a Angel Mahler se despachó con la puesta más ambiciosa de su historia. Dejó sabor a primer mundo y la sensación de que es posible escapar de este mundo por un rato para perderse en uno que duela menos.

Perder para aprender a recuperar. Entender que en la pérdida está la ganancia. Sobre esa sustanciosa metáfora trabajó la dupla. Rodearon el cuentito de la parafernalia necesaria para abstraer al público: cualquiera podría creerse sentado en una butaca de Broadway. Pero los millones invertidos no consiguen solapar el encanto mayor y el más sencillo: la sangre de Juan Rodó y de un elenco que deja las vísceras en escena.

La historia se sustenta en la leyenda del Rey Arturo y su espada, tópico de enésimas versiones cinematográficas y teatrales. En la versión de Cibrián-Mahler hay licencias entrañables y humor. Arturo es Emilio Yapor, de 25 años (y apenas un pasado actoral en Drácula ), un joven al que el rol le calza con justicia.

El Mago Merlín es Rodó, el fetiche de la dupla, quien tuvo el desafío ésta vez de una pieza teatral que no es sólo cantada. Su mago Merlín dista del estereotipo de anciano de cabellos largos. Este tiene vitalidad y gracia e insta a Arturo a “un viaje” que puede ser el de cualquiera: muerto su padre, deberá aprender a hacer del barro su camino. El amor de Arturo recae en las espaldas deGuinevere (Luna Pérez Lening, quien a los 17 años será desconocida en términos populares, pero ganó la confianza de Cibrián después de su firmeza en Drácula ). Su modo angelical colabora con su personaje principesco y logra estremecer a través de su voz. Candela Cibrián es la despiada Morgana, otra que ya mostró su talento en Drácula .

En dos horas y media, los ojos reciben estímulo constante: que los trajes (más de 200), que la revolución de las luces, que la cuota de ilusionismo (personajes que, literalmente, se elevan o esfuman), que el cambio constante de escenografías. Podría jugar en contra el exceso de asombro a fines de la historia, y sin embargo no le hacen perder foco ni esencia. Uno entiende que esa intención de hacer creer en los sueños está en primer lugar. “Si eres capaz de pedirlo, eres capaz de soportarlo. Si eres capaz de imaginarlo, lo puedes hacer real. Si eres capaz de tanto, eres capaz de más”, se escucha a los personajes. Y la catarata poética sigue.

“Elena Roger tuvo que irse y hacerse conocida afuera para que acá la escucharan”, advertía encendido Cibrián en su monólogo post-estreno. “Puedo decir lo que se me cante porque soy ciudadano ilustre”, advertía y se comparaba, por torrente verbal, a Enrique Pinti, presente en la sala (y ovacionado). Pero Cibrián no es Pinti. Habla intensamente y en velocidad, pero prefiere hacer hablar a los otros a través de sus cuerpos. Y los cuerpos de Excalibur hablan de soñar sin dormir. Aquí, también, podemos hacerlo.

Fuente: Clarín

Carlos Belloso: Un poco me molesta, pero un poco no

2012-01-30T09:50:00.003-03:00

Nota del 20 de enero

El estímulo del unipersonal

Aunque en la obra que estrena hoy es otro el actor que pone el cuerpo, Belloso conoce el paño como para guiar a Pablo Picotto.

Dirigidos por Carlos Belloso, Criticonas y su secuela, Criticonas 2, fueron dos espectáculos que tomaron como eje el stand up, si bien el segundo se propuso enmarcarlo en una situación teatral. Pablo Picotto, quien revistaba en el elenco de ambas obras, estrena hoy Un poco me molesta, pero un poco no, su primer unipersonal, también bajo la dirección de Belloso, en el Paseo La Plaza. “Siempre aconsejo a los buenos actores que hagan un unipersonal”, afirma el director en diálogo con Página/12. Pocos tan autorizados como él para dar cuenta del antes y el después que constituye para un actor el estreno de un trabajo en solitario: luego de 8 años de formar dúo con Damián Dreizik en Los Melli, Belloso se animó a estrenar Pará, fanático, un unipersonal que, según cuenta, le permitió descubrir la gama de herramientas expresivas que ignoraba que tenía. Una obra que, por otra parte, sigue reponiendo cada vez que puede.

Según Belloso, “el unipersonal permite al actor estimularse, crecer con armas nobles, concentrar toda la energía en sí mismo para entonces darse a conocer”. Haber realizado ese recorrido fue, en su experiencia, algo decisivo. Luego de Pará, fanático, Belloso recibió ofrecimientos para hacer publicidad, actividad que primero lo acercó a la televisión y luego al cine. A pesar del éxito conseguido, el actor no dejó de estrenar unipersonales. Después del primero vinieron el exitoso Dr. Peuser, Ojo y el último, Escaparate, espectáculo en el que el actor une filosofía y magia. Según Belloso, el show humorístico surgió cuando, recopilando conceptos filosóficos, el actor encontró un número de escapismo para ilustrar “el recorrido y la búsqueda de un hombre a través de la distancia y el tiempo que lo separan de los anteojos que lleva puestos”.

Un poco me molesta... es el primer unipersonal de Picotto. Cuando Belloso asistía a los primeros ensayos, pensaba en que el actor debía acompañar su desempeño con un objeto que fuese el eje de su relato, que lo ayudara a desplegar situaciones. “Yo lo llamo ‘objeto corazón’”, resume el actor y director. Este objeto terminó siendo un lavarropas, una metáfora perfecta, según Belloso, para referirse al mundo de estos personajes, todos integrantes de la misma familia. Así, la ropa de todos –sucia o limpia, según el caso– se encuentra revuelta en el interior del lavarropas, lista para que el intérprete se transforme en uno u otro personaje. Asimismo, el “objeto corazón” logra que el espacio también se multiplique: pasa de ser el mostrador de la bulonería que atiende el padre de la familia a la nave espacial que el más chico conduce en sus ensoñaciones. “Es gracioso que todos los personajes tengan la misma cara: es la familia perfecta”, acota el director.

Según explica Belloso, el show retrata a gente común y desarrolla con humor las anécdotas de cada personaje, haciéndolas estallar en forma de delirio. Entre sus personajes se destacan la abnegada Edith, su marido Gerardo, ambos padres de Ramiro, el hijo rastafari, y de dos más: la joven que trabaja en un call center y el pequeño que pasa el tiempo imaginando situaciones. El abuelo Nicola, por su parte, es quien utiliza más seguido la frase que da nombre al espectáculo: “El título define lo que es esta familia conviviendo”, adelanta Belloso.

“Me gusta dirigir obras sin una producción pretenciosa, tal vez porque me gustó siempre lo artesanal”, cuenta el director y agrega: “Para mí, lo más importante es lograr que se luzca el actor y que el texto sea el resultado de una creación propia”. Como para Belloso el humor nunca impide la reflexión, Un poco me molesta..., según destaca, “no solamente hace reír sino que permite un pensamiento profundo sobre los temas que toca: la incomunicación, la falta de posibilidades que existe para alguien que quiere salir del círculo de la familia, la hostilidad del afuera”. Y agrega: “El espectáculo se transforma en un espejo deformante que resalta como si fuese una lupa las necesidades de todos los miembros de esta familia. Desde los griegos que las historias de familias sirven para hablar de los hombres, porque ofrecen un espectro amplio de singularidades para posibilitar la identificación”.

*Un poco me molesta, pero un poco no. Paseo La Plaza, los viernes a las 21.

Fuente: Página/12

Mónica Ayos

2012-01-29T22:08:00.003-03:00

Mónica Ayos regresa al país

La actriz ya tiene algunas propuestas para hacer televisión y teatro en la Argentina, aunque aún tiene contrato con Televisa

A más de un año de haber empezado su carrera en México, Mónica Ayos está feliz con el balance del trabajo realizado, aunque la nostalgia de estar lejos del país está intacta. Pero la actriz no extrañará por mucho tiempo más ya que piensa venir unos meses por estas tierras.

"Cerré el 2011 con metas cumplidas y mi 2012 resulta prometedor. Vuelvo por un tiempo a mi país", aseguró la actriz a LA NACION vía correo electrónico desde México.

Y precisó: "Diego [Olivera] termina de grabar la comedia Amorcito Corazón a fines de febrero, hasta ese momento vamos a hacerle el aguante acá y luego la idea es irnos unos meses a nuestro país a ver a la familia y a los amigos, aunque nuestro contrato con televisa aún está vigente".

Mientras tanto, la actriz disfruta de este impasse laboral [ya que ella ya terminó las grabaciones de su novela] para viajar un poco junto a su familia y a su marido y renovar energías. Viajar es una pasión que comparten.

En el país tiene varias propuestas de televisión, pero nada definido ni concreto. Su nombre surgió para algunos proyectos de Telefé, pero ella aún no cerró nada, sólo ganas de pisar por un tiempo suelo argentino.

Las tablas también pueden ser una opción para su paso por el país. Ayos tiene muchas ganas de volver al teatro y si es de la mano de un productor amigo mucho mejor. "El teatro siempre fue mi refugio. Con Javi (Faroni) -con quien he laburado mucho- estuvimos en contacto y tenemos ganas de volver a hacer algo", comentó.

Fuente: La Nación

Mineros

2012-01-29T22:04:00.002-03:00

Mineros

Despareja historia de los trabajadores de una mina convertidos en artistas visuales

La obra Mineros (o The Pitmen Painters , en su versión original) fue éxito tanto de público como de crítica en plazas como Londres y Nueva York. Aquí, el texto de Lee Hall se presenta según traducción y adaptación de la dupla Masllorens-González del Pino (con voseo incluido, aunque la historia transcurra en un pueblo inglés en la década del 30) y versión de Javier Daulte, el mismo que se encargó de la dirección.

La trama está inspirada en un hecho real. Los tres protagonistas son mineros (en realidad, uno tuvo que dejar la actividad por culpa de un accidente). El grupo, junto al sobrino de uno de ellos, decide tomar un curso de apreciación artística que organizan bajo el ala del sindicato que los nuclea. En ese contexto aparece el profesor Lyon (Jorge Marrale) quien, apenas se da cuenta del perfil cultural de su alumnado, les propone largarse a pintar. El primer trabajo que les encarga es un grabado, lo cual es una verdadera extrañeza por la dificultad técnica que implica para gente con nula información y formación sobre el tema. Más extraño todavía es cuando los nuevos alumnos (Hugo Arana, Darío Grandinetti y Juan Leyrado) le presentan obras que dan cuenta de un manejo técnico más que significativo. Así es como, desde un principio, la historia, aunque esté inspirada en un hecho real, circula por el límite de lo poco creíble.

Con algunos diálogos cargados de humor apoyados en la confrontación de realidades sociales y culturales opuestas, el texto intenta trazar una parábola sobre el hecho artístico como un don (el profesor usa ese término) que pertenece a todos. En esa línea, dirá cosas como "el punto no es estudiar una pintura, sino «sentir» una pintura" o "van a pintar para aprender de arte".

En ese tren de cosas, los ahora artistas del pueblo de Ashington conocen a una galerista/curadora (Patricia Echegoyen). Bajo la lógica de una estructura lineal, es ella la que tiene plata, glamour, conexiones con gente conectada y toda una serie de (¿buenas?) intenciones que ponen en crisis la unidad del grupo. Aunque, claro, ella misma reconocerá que pertenece a una clase social que perdió la luz.

Justamente la luz y el manejo del claroscuro es algo que los tres mineros (los tres artistas) manejan con suma personalidad, hecho que atrae al mundillo del arte. Sin embargo, en pleno momento de expansión, se produce la muerte de un personaje secundario en una escena de fuerte dramatismo (o esa especie de dramatismo próxima al golpe bajo).

Buena parte de la obra está cargada de conceptos políticamente correctos y muy afines a ciertas lecturas del arte. "¿Por qué debemos asumir que el arte es el dominio exclusivo de los cultos?" o "el arte no le pertenece a nadie", dice, por ejemplo, el profesor en plena inauguración de la "primera exhibición de cuadros hechos exclusivamente por artistas de la clase obrera en la historia británica". De todas formas, después de casi dos horas de ficción y de 6 años en la vida de este grupo, los compartimentos parecen estancos y el status quo de cada uno de los protagonistas de esta trama parecen reafirmarse.

De recordar las obras La forma de las cosas , un texto de Neil Labute; o la misma Art, de Yasmina Reza, en este caso la reflexión sobre el arte tiene mucho menos vuelo. Y desde el punto de vista del análisis de la conducta grupal, el texto de Lee Hall, en versión y dirección del prolífico Javier Daulte, genera varias dudas. ¿Acaso habrá que entender que la fidelidad a un grupo coarta las posibilidades individuales en vez de contenerlas y potenciarlas?

Post Baraka

En términos interpretativos y y de dirección, el trabajo es muy desparejo. En ese escena hay cuatro actores (Arana, Grandinetti, Leyrado, Marrale) a los cuales no les falta ni oficio ni conocimiento del paño. Más allá de esa realidad, Marrale opta por un único tono (exaltado, ganado por la pulsión de decir grandes verdades) que no abandona sea en el marco de una situación intimista o cuando habla a un supuesto auditorio. Ese tono monocorde también domina al trabajo de Patricia Echegoyen, la mujer de alta sociedad con sensibilidad artística. Desde otra perspectiva, el personaje de Leyrado peca de cierto esquematismo que, a medida que avanza la acción y más allá de su correcto desempeño, pierde fuerza dramática.

En los trabajos de Darío Grandinetti, como uno de los mineros, y Juan Grandinetti, sobrino de uno de ellos en un papel secundario, la propuesta que se acaba de estrenar en el Metropolitan gana en matices, en frescura y en contradicciones internas vitales para el crecimiento dramático. En esa misma línea, Hugo Arana resuelve en buena medida el peso de la obra. El plantel se completa con la actuación de Milagros Almeida, en un papel de poco lucimiento.

Eso sí: Mineros viene "vestida" como esas grandes producciones comerciales con un complejo mecanismo escenotécnico y una escenografía de fuerte tono realista (ese realismo que, a juzgar por la producción pictórica de los artistas de Ashington, no comulgaban del todo).

Fuente: La Nación

Teatro: Metropolitan

Vivir en vos

2012-01-29T21:55:00.002-03:00

Vivir en vos

María Elena, en la piel de una actriz sensible como Virginia Lago, transmite lo más sublime de su personaje

MAR DEL PLATA.- Los noventa minutos de este espectáculo se convierten en un remanso poético tan disfrutable que el espectador desea que continúe un largo rato más. Será por eso que ante el saludo final, algunos se acercan al escenario para estrecharle la mano agradecida a una Virginia Lago tan conmovida como ellos.

Vivir en vos permite reencontrarse con las siempre inteligentes, profundas y cálidas palabras de María Elena Walsh a partir de sus textos, poesías, canciones y cuentos, lo que admite un acercamiento biográfico a su vida, pero también a diversas épocas de la Argentina y el mundo.

La pieza tuvo algunas puestas anteriores, pero esta vez, a un año del fallecimiento de María Elena, connota de manera diferente.

La acertada adaptación para teatro que llevó a cabo Javier Margulis sobre los textos posibilita una lectura de éstos sin que pierdan la resonancia que descubre a su autora en cada vocablo. Todo lo que se dice en escena tiene valor específico propio, aún aquellas anécdotas aparentemente sencillas como las que dibujan una infancia más naïf a la que viven los niños de hoy, la hermandad de los vecinos en un Ramos Mejía del siglo pasado o los primeros latidos de mujer. La fascinación ante la figura de Evita o el encuentro con escritores como Juan Ramón Jiménez van trazando el sentir de Walsh sobre aquellos que fueron su influencia. Otros textos bucean en la historia, enjuician a los tormentos bélicos, se enfrentan con los poderes políticos de turno y pintan a un país, el nuestro, y a sus cíclicos vaivenes. Ese transcurrir no es otra cosa que el devenir de una vida, la de María Elena. Así, cronológicamente, la artista va creciendo, viajando, creando.

Su vida fue la génesis y este espectáculo la excusa para repasar textos de profunda reflexión y rememorar aquellas partituras que ya forman parte ineludible del cancionero popular argentino. "Serenata para la tierra de uno" (cuyos versos dan nombre al espectáculo), "El 45", o "El viejo varieté" van desfilando ante una platea que no duda en corear sin pudores y se hermana en comunión convivial cuando resuena aquello de dame la mano y vamos ya?

Niña o mujer. Divertida o comprometida. Diciendo o canturreando. Virgina Lago no imita a la poetisa sino que se pone a su servicio desde un registro emocional que cala hondo en la platea.

La actriz luce exquisita y entrañable. Se adueña de las palabras de la autora para transmitirlas desde lo más profundo de su ser, sintiéndolas. Sólo desde ese lugar se puede lograr lo que Lago provoca en los espectadores. Todo es aprovechado por la intérprete para sacar partido del material y demostrar, una vez más, que el escenario es su lugar.

La dirección de Rubens Correa explora acertadamente la ductilidad de la protagonista. Su puesta en escena es de austera belleza.

El acompañamiento del músico Marcelo Alvarez desde su voz, guitarra y teclados le da a Lago el permiso para cantar con una sensibilidad tan amorosa que supera cualquier limitación vocal.

Los objetos siembran la escena y significan. Una vieja maleta cargada de viajes e historia, un poncho para recrear la etapa folklórica junto a Leda Valladares, una mesa vetusta con mantelito tejido y una mecedora rodean este universo de mágica atmósfera. No se necesita nada más.

Una autora de obra notable y una actriz de excelencia son suficientes para dejar al espectador con ideas y emociones a flor de piel. Y con muchas ganas de volver.

Fuente: La Nación

Sala: Diagonal (Mar del Plata)

Mineros

2012-01-29T21:51:00.001-03:00

El arte da un buen argumento

El guionista de la admirada película "Billy Elliot" es el autor de "Mineros", la pieza que se inspira en el libro "Pitmen Painters, The Ashington Group", de William Feaver, que cuenta la historia real de los mineros del grupo de Ashington, en las décadas de 1930 a 1940, en los primeros tramos de la Segunda Guerra Mundial.

La anécdota es pequeña pero sustanciosa y hace referencia a un grupo de mineros que decide contratar a un profesor de economía para que les de clases, pero en su lugar llega un maestro de pintura e historia del arte

La obra muestra a dos mineros, un mecánico dental de izquierda -ex minero- y un joven desocupado, que es sobrino de uno de los más veteranos del grupo, a ellos se une el profesor, una coleccionista de obras de arte y "cazatalentos" y una joven que posa desnuda para poder pagarse sus estudios.

MUCHOS Y POCOS

"Mineros" es una pieza que pone en cuestión la función del arte, ¿para qué sirve?, ¿debe ser político? ¿qué es el arte abstracto? y se interroga sobre si el arte debe ser para unos pocos elegidos.

Lo que ocurre con esos mineros es que terminan pintando lo que los rodea, lo que padecen, claro que a medida que transcurren las clases, aprenden a expresarse a través de la ejercitación de distintos temas.

La versión local de "Mineros" tiene un mecanismo de puesta en escena que causa cierto impacto en el espectador, como el efecto -mediante proyecciones y video- de un cuadro de Van Gogh, que lentamente va cubriendo el escenario.

Pero ese no es el único aliado, también lo son las absurdas situaciones que se juegan entre los mineros y ese profesor que intenta hacerles entender que el arte no requiere de mayores significados. No obstante a lo largo de la obra los personajes se vuelven contradictorios no sólo a través de lo que expresan, sino también en el diseño de sus papeles.

A esto se debe sumar que a la situación de la guerra en ningún momento se la menciona y que se pasa revista a situaciones, como la supuesta venta de los cuadros producidos a una galería, o su exhibición en un museo, pero no se sabe si los mineros, con una lógica conciencia grupal, terminan por aceptar o no.

TESIS A LA VISTA

Esas y otras situaciones como la del chico al que se expone muerto durante largos instantes, parecen luego olvidarse a medida que la pieza avanza y deja traslucir su verdadera mensaje, el que se sintetiza en ese profesor, que al final, a través de lo que cuenta, termina confesando que sus clases tuvieron el objetivo de escribir una tesis para conseguir un empleo mejor.

Con una impactante escenografía de paneles deslizables de Alberto Negrín, la obra define secuencias ricas en sutilezas interpretativas, por parte de Darío y Juan Grandinetti, padre e hijo en la vida real. Lo mismo sucede con el complejo papel que le tocó en suerte a Juan Leyrado, al que el actor le aporta una variada diversidad de matices. Sucede lo contrario con Hugo Arana y Jorge Marrale, que se muestran demasiado "atados" a una línealidad que no los ayuda a buenos desplazamientos en la historia. Patricia Echegoyen y Milagros Almeida, no aportan demasiado a un relato puesto al servicio de los protagonistas masculinos.

Fuente: La Prensa

Nacho Gadano y Victoria Onetto: El Arco de Triunfo

2012-01-28T22:42:00.005-03:00

Nota del 19 de enero

Gadano y Onetto salen a escena con "El Arco del Triunfo"

Los actores Nacho Gadano y Victoria Onetto, dirigidos por Daniel Suárez Marzal, debutan en el teatro Regina con "El Arco de Triunfo", una comedia sobre la emigración y la nostalgia que tiene como telón de fondo la crisis argentina de 2001 y que fue escrita por Pacho O`Donnell.

"Mi personaje se va en 2001 empujado por el mandato paterno de salvarse y, cuando regresa, supuestamente victorioso, Argentina ya es otro país", explica Gadano en charla con Télam y aclara que la trama de la obra sobrevuela constantemente la fantasía de los argentinos de que la calidad de vida en otros países siempre es superior a la nuestra.

El actor agrega que "la añoranza por amor, el culto al barrio y a los amigos, más algunos elementos del folclore futbolero delatan la marca del O`Donnell historiador pero, fundamentalmente, al hombre de la cultura".

Gadano subraya que "la familia argentina desciende de italianos, españoles y judíos y que influye mucho sobre las decisiones de sus hijos, especialmente en tiempos de crisis, cuando se nota más la presión para que los herederos den el manotazo de ahogado y escapen con la exigencia de `hacer la América pero al revés`".

"Eso es lo que sucede a Tincho", el personaje que compone en "El Arco de Triunfo", remarca el actor.

Acompaña a Gadano en esta aventura teatral, Victoria Onetto, que en la pieza de O`Donnell encarna a Norita, la eterna enamorada que espera al personaje principal durante su ausencia y está dispuesta a retenerlo.

"Norita personifica el amor más allá de todo, ya desde la primera escena aparece como si fuera una suerte de ensueño y durante un buen rato no se sabe bien si es producto de la imaginación de Tincho aunque luego cobra un halo más terrenal", destaca Onetto en una primera descripción de su personaje.

Un rasgo central de la trama de la obra emparenta al autor y al director de la puesta, ya que O`Donnell vivió fuera del país (exilado durante la dictadura militar y como embajador en Bolivia y Panamá durante el gobierno de Carlos Saúl Menem), y Suárez Marzal residió en Austria y estuvo al frente del Centro Andaluz de Teatro de Sevilla por más de 10 años.

"No es fácil vivir afuera y estar, de alguna manera, en situación de exilio, porque para nosotros los rasgos que hacen a la identidad pesan muchísimo", señala Onetto sobre la disyuntiva de la emigración.

La comedia despliega durante una hora una sucesión de cuadros humorísticos que no se encadenan necesariamente entre sí y "donde pasa de todo y hasta despunto el vicio de cantar", puntualiza Gadano, quien viene de una temporada teatral exitosa con "Don Arturo Illia", de Eduardo Rovner con un elenco encabezado por Luis Brandoni.

"El Arco de Triunfo" se estrena hoy en el teatro Regina (Santa Fe 1235) y las funciones se realizan jueves, viernes y sábados a las 21 y los domingos a las 20.

El elenco se completa con Miguel Jordán, Ana María Castells y Ariel Pérez De María en una puesta donde la iluminación es de Gónzalo Córdova y el sonido de Guillermo Juhasz.

Fuente: Télam