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Mario Diament: Tierra del fuego

2013-05-22T23:00:00.000-03:00

El conflicto palestino-israelí abona la teoría de Diament que no hay "temas irreconciliables"

El dramaturgo Mario Diament, autor de “Tierra del fuego”, notable obra que aborda el conflicto israelí-palestino a partir de ficcionar el hecho real del encuentro entre una azafata israelí y el palestino que perpetró un atentado en el que resultó herida 22 años atrás, sostuvo que “no hay temas irreconciliables”.

“No me parece que haya temas irreconciliables. Me parece que hay gente que no está interesada en reconciliarse, porque piensa que puede obtener mejores beneficios de la ausencia de reconciliación o porque es tan obtusa que se considera dueña de la verdad”, opinó Diament en una entrevista con Télam.

A través del correo electrónico, el periodista y ensayista que reside en Miami, confesó que “me gustaría que la gente saliera de ver `Tierra del fuego` comprendiendo que más allá de las posturas políticas y las declamaciones tendenciosas, el conflicto palestino-israelí es acerca de gente que sufre, que tiene miedos, que tiene una necesidad desesperada de tranquilidad”.

En el mismo sentido, el autor de otras piezas teatrales como “El libro de Ruth”, “Tango perdido”, “Cita a ciegas” y “Esquirlas”, entre más, aseveró que “no es cierto que haya obstáculos para la paz imposibles de superar. Si suficiente gente lo desea, la paz es posible”.

“Tierra del Fuego” cuenta la historia de una exazafata israelí, víctima de un atentado en el que resultó herida y su mejor amiga muerta que 22 años después decide visitar y encontrase con el terrorista autor del atentado, quien está detenido en una prisión de Londres, condenado a cadena perpetua.

La pieza que se ofrece los sábados y domingos a las 20 en El Tinglado Teatro (Mario Bravo 948, Capital), es dirigida por Daniel Marcove y cuanta con las actuaciones de Pepe Monje, Alejandra Darín, Ricardo Merkin, Elena Petraglia, Miguel Jordán y Juan Carlos Ricci.

-¿Puede resumir el proceso por el que fue urdiendo “Tierra del Fuego”?
-Fue muy casual. Una madrugada, viendo televisión, me topé con un documental ya empezado acerca de una azafata israelí, víctima de un atentado, que había decidido escribirle una carta al terrorista que se encontraba preso en Londres.
Me pareció un tema fascinante e iluminador que correspondía a mi interés en abordar dramáticamente el conflicto palestino-israelí, cosa que me había estado rondando desde hacía bastante. El resto fue investigación, maduración y trabajo.

-¿Qué injerencia se permite a la hora de que un texto suyo llegue a escena?
-La que las circunstancias permiten. Cuando “Tierra del fuego” se hizo en Estocolmo, intercambiamos emails con el director para clarificar aspectos del texto, pero llegué apenas unos días antes del estreno y la puesta estaba hecha.
Con Marcove conversamos mucho acerca de la obra y yo viajé a Buenos Aires en abril, en pleno proceso de ensayos, y pudimos ajustar nuestras visiones.

-¿Cómo vive la transformación de un texto suyo del papel al teatro?
-Siempre es un proceso excitante. Al comienzo me aterraba llegar a un ensayo y pensar que todo estaba saliendo mal, que el texto no despegaba y que todo era horrible, pero con el tiempo aprendí a entender los tiempos de los actores y el director y a reconocer las etapas de elaboración y eso me permite disfrutar mucho más toda la experiencia.

-Al margen de la propuesta de diálogo y encuentro que motiva “Tierra del Fuego” ¿Cuál es su posición en relación al conflicto palestino-israelí?
-Mi posición es que palestinos e israelíes tienen derecho a vivir en paz en un estado independiente, que Israel debe poner fin a la ocupación, que no solo convierte la vida de los palestinos en un infierno cotidiano, sino que tiene un efecto revulsivo y pernicioso sobre la propia sociedad israelí. Lamentablemente, la presencia de dirigentes mediocres y extremistas en ambos campos no ayuda a la búsqueda de soluciones.

-¿Qué significa apostar a la escucha de la posición “del otro” en este momento de la coyuntura política argentina?
-La democracia no puede tornarse en la dictadura de la mayoría mínima. No hay nada que justifique el drástico divisionismo que percibo en la sociedad argentina. Se trata de una brecha artificial, promovida por políticos ambiciosos y arrogantes.

-Como periodista ¿Qué opina del rol de los medios en ese escenario?
-Los medios son lo que son y lo que siempre han sido. Algunos buenos y otros malos. Algunos tendenciosos y otros equilibrados. Pero es erróneo y malintencionado presumir que los periodistas son títeres de las corporaciones. Algunos lo son, posiblemente, lo mismo que muchos políticos. Lo mejor que se puede hacer con los medios cuando uno no les cree, es dejar de leerlos o de verlos o de escucharlos.

Fuente: Télam

Calígula

2013-05-22T09:41:00.001-03:00

La vuelta de "Calígula", con renovado impacto en Ciudad Cultural Konex

Una nueva versión de esa obra musical, creación de Pepe Cibrián Campoy, se estrenó anoche a 30 años de su debut original, con una puesta lograda y el notable protagónico de Damián Iglesias.

El drama-musical añade esta vez como subtítulo "de la Roma imperial, a la Argentina de hoy" y así reactualiza, además, su anterior serie de funciones de 2002, también con Iglesias como “Calígula” y con la música de Angel Mahler que entonces modificó la partitura original creada por Martín Bianchedi.

Bajo esa impronta rockera aportada por Mahler, la pieza subraya el carácter del emperador romano y lo presenta como a un ser frío, calculador, irónico, violento y fiel a su lema de "existo y existiré por los siglos de los siglos".

Iglesias cumple al pie de la letra con semejante personaje, encabezando un elenco en el que también destacan Diego Rodríguez en el papel de Quereas, Nicolás Pérez Costas como Mnester, Gabriela Bevacqua como Drusila, Tiki Lovera como Cesonia y Karina Sáez personificando a la Pitonisa.

Poder, corrupción, ambición, envidia, impunidad, perversión, libertinaje, amor, traición, lujuria y asesinatos son fundamentales en la pieza a la que su hacedor le modificó algunos pasajes de los exhibidos en 2002.

Una escenografía simple pero efectiva y un vestuario acorde, ambas creaciones de Renee Diviú, le agregan condimentos a una propuesta que responde a la acostumbrada estética de Cibrián Campoy.

La función de anoche sumó emotividad al tributar al elenco original de 1983 y especialmente al Calígula que asumió César Pierry, fallecido trágicamente en 1992.

“Calígula” se representa los jueves a las 20.30, los sábados a las 21 y los domingos a las 19 en una de las salas del complejo ubicado en Sarmiento 3131, Capital.

Fuente: Télam

Daniel Kersner: El Almirante

2013-05-22T08:13:00.001-03:00

“La obra es una sublimación de mis experiencias”

DANIEL KERSNER, DIRECTOR Y DRAMATURGO

–¿Qué particularidad tiene la obra El Almirante?
–Tiene la particularidad de que la dictadura está vista acá desde otro lugar: la óptica de la esposa de un genocida. Es además una perspectiva muy poco transitada. La gran mayoría de los represores tenían (y tienen) familia: esposa, padres, hijos... No se conocen documentos o declaraciones de ellos repudiando o censurándolos. Sólo silencio cómplice.
–¿Qué lo llevó a escribir el texto?
–Como teatrista y como argentino es un tema que no puede ser ajeno. Pero además como militante de los Derechos Humanos y como médico psiquiatra me tocó periciar a muchos represores que alegaban o alegan algún tipo de insanía. En la mayoría de los casos es para eludir a la justicia. La obra es de alguna manera una elaboración personal y una sublimación de esas experiencias
–¿Cómo encara la dirección del texto?
–Buscando la humanidad del personaje. Tratando de mostrar que las brutalidades que dice son dichas por una persona y no por una maqueta o un estereotipo. Poniendo en juego las contradicciones -sobre todo afectivas del personaje.
–¿Está trabajando en algún proyecto nuevo para este año?
–Acabo de estrenar Pecados de juventud o cómo envolver un triciclo, un trabajo bastante revulsivo que habla de los destinos de la juventud en nuestro país, de las reglas morales y de las prohibiciones.

El Almirante se presenta los viernes a las 21 hs., en El Desguace. México 3694.

Fuente: Tiempo Argentino

Adriana Barraza: Me doy el gusto y Dos amores y un bicho

2013-05-22T08:07:00.000-03:00

"Tuve muchas profesiones, los actores nos quedamos sin trabajo cada 15 días"

La actriz mexicana, que se hizo mundialmente conocida por su trabajo en la película Babel, está en Buenos Aires presentando dos espectáculos y celebrando sus 40 años como actriz. "Soy una persona optimista", se describe.

Al pensar en celebrar mis 40 años como actriz, dije: 'bueno, un monólogo para decir lo que quiero decir, y otra obra para darme el gusto de estar en el escenario con mi marido y mi hija', las dos personas más importantes de mi vida, junto con mi nieto, que es muy chiquito así que no puede estar”, cuenta Adriana Barraza, quien hace temporada en Buenos Aires.
Si darse un gusto es un privilegio, lo de Barraza entonces es una dicha: cuatro décadas ejerciendo la profesión que le gusta, vivir de ella, festejarla al propio modo. ¡Pero... no todo es tan sencillo! Así que mejor entrar en detalle.
"Soy una persona optimista, aunque en el plano profesional a veces no lo fui: cada vez que me quedaba sin trabajo. Pero los actores nos quedamos sin trabajo cada 15 días. He tenido tantas profesiones. Como siempre me tuve que mantener a mí y a mi hija, entonces no soy sólo actriz, soy maestra de actuación, directora, coach, todo lo que sea necesario; y he trabajado de miles de cosas. Vendí libros, trabajé en una peluquería: sé hacer luces, rayos, uñas postizas. Luego trabajé desgrabando entrevistas para una compañía de marketing. Muchas cosas.

–¿Cuál fue el trabajo más ingrato?
–El de la peluquería: las señoras se ponen muy petulantes, flamencas, como decimos en México (porque además de ostentosos, los flamencos son agresivos). Tengo mucho cuidado con las personas que hacen un servicio para alguien. Hay gente te trata como si fueras un esclavo, o el sirviente más ínfimo; te esmerás en hacer bien tu trabajo y resulta que te maltratan.
La fe en ella y lo que hacía era, en los hechos, inquebrantable. Durante esos quince años Barraza se subió a las tablas con distintos grupos: "no cobraba nada pero no me iba a ir porque era mi vida". Y cree que muy mal no lo hacía, sino la habrían dejado de convocar. Hasta que llegó el gran día: "me pagaron una quincena. ¡Guauuu!, puedo pagar la renta, tengo para comer, ahí sentí que alcancé una estabilidad". Eso fue al entrar a Televisa como asistente. Sin embargo, la actuación seguía haciéndose esperar.
Ese trabajo de asistente la llevó a trabajar en la película Amores Perros, de Alejandro González Iñárritu: fue la madre de Octavio, el personaje interpretado por Gael García Bernal. "Decían que González Iñárritu era un comercialero, que haría cine comercial porque venía de la publicidad. Y mirá. Creí que no iba a verla demasiado gente, porque era muy violenta. De hecho, en ese momento yo era miembro de Greenpeace y el guión lo leí después de firmar. Así que me quise ir, pero el hombre que iba a llevar los perros, que también trabajaba en televisión, me dijo que no me preocupara. ¿Mira si no hubiera estado?
–Luego vino Babel, que claramente cambió su vida. Pero ¿en qué le cambió?
–Seguí mi carrera como actriz, primero, que hacía décadas que no era lo principal en mi vida. Y ahora lo es. Hice lo que se llama el crossover: trabajar en los Estados Unidos. Nunca fue mi intención, estaba contenta trabajando en México. Ahora que hago películas allí, sí, me encantan, tienen muchos atractivos, no sólo el dinero. Los personajes que me ofrecen se pueden componer, pueden ser interesantes. También te cambia la vida porque puedes elegir tu trabajo. Cuando no tienes posibilidad de elegir haces lo que se puede, o rezas a alguien para que te caiga algo más o menos. No le he encontrado lo malo, porque no soy una persona mediática.
–¿Y en su actuación?
–En primer lugar, una técnica para hacer Babel, pues González Iñárritu trabaja de manera muy exhaustiva. De una escena puede hacer hasta 15 o 20 puestas de cámara, y de cada puesta, 20, 25 tomas. Si no tienes una técnica, estás frito. Emotivamente te cansas, se te puede ir el personaje por otro lado. Y el personaje era muy difícil porque estaba muy cercano al melodrama, y tenía que ser una tragedia porque si no iba a ser la indita que cruzó el desierto por tonta. Y era ver la tragedia por la mala decisión de un ser humano, de que lo haces como algo bueno, finalmente es tu peor defecto, que esa es una de las formas más interesantes de la tragedia. «

sola y con sus seres más queridos
Los gustos que se está dando Adriana Barraza con sus obras son sencillos, y como tal, profundos y de alto vuelo. “El unipersonal (Me doy el gusto) es un recorrido por la vida de una actriz que empezó soñando actuar en una ciudad muy chiquitita, Toluca, en México, hasta tener la posibilidad de ganar un Oscar. Que es la mía. Y también qué es lo que pasa a través de esa vida. Porque creo que la gente se imagina cosas muy raras: que una fue siempre famosa, tiene millones de dólares, se codea con famosos. El mundo de las fantasías y los oropeles es eso, un mundo de fantasías.”
Dos amores y un bicho, la que protagoniza con hija y marido (Ana Carolina Valsagna y Arnaldo Pipke), trata de uno de los fenómenos del teatro: que una vez en el escenario, nadie se quiere bajar. “La persona escénica es otra: eso es una maravilla. ¿Cuál es la razón? Es un misterio. Es como cuando te preguntan por qué amas a quien amas, y dices: es tan lindo, me da regalos, me cuida. Pero finalmente es un misterio. Yo quería hablar de eso. Qué es lo que hace que estés ahí siempre y no quieras ir.”

FUNCIONES: Me doy el gusto se presenta este martes 28 de mayo a las 21 hs.
Dos amores y un bicho se presenta mañana y el próximo jueves 30 de mayo, a las 23:15 hs. Ambos espectáculos se dan en el Teatro Picadero. Pasaje Discépolo 1857. Entradas desde $ 100.

Fuente: Tiempo Argentino

Mónica Salvador y Alejandro Fiore: La última vez

2013-05-22T08:02:00.004-03:00

"Más allá de ser una obra teatral, esto enriquece mucho socialmente"

La autora y protagonista de La última vez explica junto a su director y compañero de elenco los entretelones de una ficción que invita al espectador a preguntarse sobre la violencia real que existe en muchas familias.

Arranca fuerte. La primera escena de La última vez es una discusión que se inicia por celos. Mónica Salvador, autora y protagonista de la obra explica la razón de ese comienzo: "Empieza así porque la idea es que el público sienta empatía. Discutir, discutimos todos; el tema es mostrar el límite. Hay parejas que llegan a la violencia de género y otras que no. Hay quienes llegan a la violencia verbal y ese es el máximo; y otras que ni se agreden verbalmente", dice Salvador, que como abogada se especializó en niños y adolescentes.
La última vez muestra la intimidad de una relación de vínculos enfermizos que se gesta entre silencios, mentiras, puertas adentro y a oscuras. La ficción invita al espectador a preguntarse sobre la violencia real que existe en muchas familias. El texto nació cuando Salvador recibió la invitación de una colega, también abogada, que la convocó a presentar una obra de teatro que hablara sobre la violencia de género. La primera función fue en noviembre, ante un público de especialistas, juristas, defensores e incluso víctimas. Durante el verano, con dirección y actuación de Alejandro Fiore, se presentaron en Mar del Plata. Y ahora lo hacen en calle Corrientes. en el Teatro Auditorio Losada.

–¿Qué respuestas recibieron del público que los vio?
Mónica Salvador: –La gente inmediatamente necesita contar. Nos esperan a la salida, vimos mucha gente que hace catarsis.
Alejandro Fiore: –La obra impacta. La reacción que causa nos superó también a nosotros, porque la idea era tratar de contar una historia que fuera directa. No cabe acá eso de preguntar si la obra te gustó o no te gustó, porque no es un tema agradable de ver. Me pasa que las personas repudian al golpeador y al final de la obra no quieren saludarme.
–¿Qué les pasa a los personajes? ¿Hay una hija adolescente que también es víctima?
Belén Santos: –La adolescente se encuentra con el personaje de Alejandro Fiore en una situación cotidiana. El desenlace de la pieza es trágico: Mónica hace de mi madre y me confiesa que él la golpea. A partir de eso da cuenta que él es un monstruo.
MS: –Si bien hay víctima y victimario, la mujer descuida a la hija y elije a su nueva pareja en vez de preocuparse por la chica adolescente. Contamos una historia que no es ideal. La gente entra en todo y después lo empieza a analizar; se presenta claramente la justificación que tiene el golpeador.
–¿Justifica los golpes?
AF: –La idea es llegar a identificar su justificación, pero para que no se la acepte. Él empieza a celarla porque tiene una pollera corta. Existe esa idea de que las mujeres provocan este tipo de circunstancias: "No se puede estar con pollera corta". Di a leer el texto a personas diferentes: a alguien que puede ser más objetivo y a alguien más conservador. Necesité no confundir lo que es violencia de género para no caer en que cualquier palabra dicha de determinado modo ya es violencia. Empecé a concientizarme más en el trato con las mujeres.
S: –Con la menor aparece la violencia psicológica, la seducción de un adulto y la psicopatología. Hay otras cuestiones que no tienen que ver con lo lineal de la violencia de género en general.
BS: –La hija sale a desayunar con un pijama, y el espectador lo ve y concluye: "La nena está vestida para provocarlo." El hilo siempre lo pone el adulto. Ella seduce naturalmente; es él quien tiene que poner el límite y no lo pone y empieza a haber algo de tensión entre los dos.
–¿Cómo se sale de todo eso?
MS: –Lo primero es romper el silencio. La víctima inicialmente no registra lo que pasa, entonces lo justifica, miente. El paso a la sanidad es poder contárselo a un tercero. Es una destrucción muy grande de autoestima y la persona es víctima de ella misma. Por eso increíblemente hoy siento que, con la experiencia de haber trabajado desde otro lugar, más allá de ser una obra teatral, creo que esto enriquece mucho socialmente. Una vez hice un curso de psicodrama donde se decía que los grandes traumas se ven como que estás en un escenario. Y salido del trauma, hablás de lo que pasó aquella vez en el escenario, después lo ves estando en la platea y cuando estás salido del trauma, lo ves en el hall hablando de lo que aquella vez había pasado en el escenario. Cuando se hace teatro debate se hace con gente especializada porque se cuentan cosas que nos supera como artistas. Es un espectáculo teatral que no se despega de una realidad y una reflexión social.
BS: –En el programa pusimos los números de denuncias, para que tengan un teléfono al cual acudir.
–¿En la obra quién le marca los límites al golpeador?
AF: – (piensa) Analizando la obra en detalle la madre no le pone limite, y es la hija la finalmente le marca un basta. «

el sketch de “la nena”
Opinan Fiore y Salvador.
"Lo que se creó alrededor del tema de Francella es una gran estupidez", lanza Fiore y su frase inicia un intercambio de opiniones con Mónica Salvador sobre la denuncia realizada por la Red de Contención contra la violencia de género por el contenido del sketch de Julieta Prandi.
"El gran problema acá fue la abogada, que fue una vocera que no es especialista en minoridad. El tema no es si el sketch tenía intención o no, sino lo que provocó ésa ficción a menores que son abusados", aclara Salvador.
"Se habló de Francella, de Julieta Prandi, del sketch, de los medios y de los abogados en la televisión. Se banalizó la discusión." Luego de la acotación de Fiore, Salvador concluye: "El problema no tiene que ver con el programa, ni con el canal sino que el conflicto está en el enfermo pedófilo que aprovecha cualquier situación. Hay testimonios de chicos que en cámara Gesell han nombrado algo que vieron en ése sketch y nadie informó eso."

EN CARTELERA
La obra de teatro La última vez se presenta todos los días martes a las 20:30 horas, en el Teatro Auditorio
Losada, Corrientes 1551. Antes estuvo en Mar del Plata.

Fuente: Tiempo Argentino

Adhemar Bianchi: Catalinas Sur y Carpa quemada

2013-05-22T07:53:00.001-03:00

“Creamos un marco y la gente lo llena con su creatividad”

Con el estreno de Carpa quemada el 25 de mayo, la agrupación que “empoderó” a los vecinos de La Boca arrancará un año entero de celebración, siempre bajo la idea de que el arte –especialmente el comunitario– iguala a la gente.

Que El Galpón de Catalinas Sur sea un teatro de puertas literalmente abiertas no extraña a nadie. Entre el asfalto y la sala –ex depósito de tinta– de Benito Pérez Galdós y Caboto, la línea divisoria es un roído telón bordeaux que, sin pudores, deja al desnudo las intimidades de la compañía. Puertas adentro se cocina buena parte de la vida social de ese rincón de La Boca, en el que, en 1983, un grupo de padres de la cooperadora de la Escuela N° 6 Carlos Della Penna bocetó el proyecto que lo convertiría en pionero del teatro comunitario.

Dicho así, el mote suena ampuloso. Para aquellos que asistieron a la jornada iniciática en la plaza Islas Malvinas, lo ambicioso del término queda justificado con las tres décadas de historia a cuestas. En esa usina de anécdotas y recuerdos, empotrada a metros del puerto, se trazó, a mano alzada, el plano de una utopía (o una contracultura) que “empoderó” a los vecinos para transformar su comunidad. En ese devenir, el detalle de las puertas abiertas esquiva lo fortuito: “Nacimos en una plaza. No hay puertas en las plazas”, reflexiona el dramaturgo uruguayo Adhemar Bianchi, director de Catalinas en primeras nupcias.

A dieta de lucro

Al oeste del Riachuelo, el anecdotario de estos “sobrevivientes de utopías” se engrosó con preceptos e ilusiones que, más que la ideología, definen la genética del grupo. Para muchos, Catalinas se convirtió en una trinchera de resistencia al encierro de los años de hierro y boinas verdes. Durante el declive militar y los primeros años de democracia, en una excusa para recuperar espacio público, la memoria, la verdad y la historia. “Pensábamos que había cambios sociales inmediatos. La realidad nos demostró que éramos un poco utópicos y mal entretenidos. Nuestros principios no estaban tan estructurados como ahora, porque salieron del accionar”, reflexiona Bianchi. Nobleza obliga, reconoce que nunca los corrieron con la guadaña de la censura, a pesar de haberles huido siempre a las etiquetas políticas: “No tenemos una concepción partidaria y cuando algún compañero se ‘bandea’ con eso, se lo explicamos. Nos tildaron de kirchneristas, comunistas, anarquistas. Somos un grupo humano que, en última instancia, se plantea construir desde la solidaridad y la defensa de nuestra historia y nuestra identidad. Eso nos pone al costado de otros. Nuestra concepción no tiene nada que ver con la del liberalismo”.

Con poco menos que una plaza y unos cuantos vecinos, las primeras funciones del inicial Grupo de Teatro al Aire Libre Catalinas Sur dialogaron con impedimentos de toda naturaleza que hoy, bajo techo, persisten. “Siempre fue difícil, no hubo épocas fáciles. Somos sobrevivientes. Si me preguntás qué puede pasar con los honorarios y gastos, te digo que tenemos cubierto un mes y medio”, lamenta el dramaturgo charrúa, aunque rescata: “Este grupo se mantiene por la vocación y la pasión de la gente. No es una empresa, no es rentable; más bien nos autoexplotamos y tenemos muy poco apoyo”. Otra inyección monetaria proviene de los subsidios gestionados a través de organismos como Proteatro y el Instituto Nacional del Teatro, que sólo alcanzan para el mantenimiento del edificio.

En treinta años hubo etapas felices y también de las otras. Del teatro a la intemperie, pasaron a la “plaza techada” –como suelen decirle al galpón que alquilaron en el ’97–, aturdidos por el avance de las autopistas. Con el sueño del techo propio en marcha, las expectativas de progreso terminaron de concretarse con la compra definitiva de la sala a mediados de 2001. Ahora, las mismas intenciones mantienen a Catalinas en constante mutación y ampliación.

Historias máximas

El cruce generacional se reveló como una marca indeleble del grupo. En esa articulación, los vecinos de La Boca no cuentan su barrio como lo haría Shakespeare, sino con ese coloquialismo barrial que filetea dramaturgias “más auténticas”. Pedro Palacios, coordinador del área de circo, tiene 40 años y desde los 9 participa del proyecto al que lo subieron sus viejos, unos de los tantos “utópicos intelectuales del barrio”. “Desde muy chico –cuenta–, Catalinas Sur me demostró que el arte transforma incluso tu entorno. Corrimos lo oscuro que puede tener la realidad de un barrio popular y nos convertimos en artistas como agregados sociales”.

El recuerdo de Gonzalo Domínguez, actual director musical de la Orquesta Atípica Catalinas Sur, arranca mucho después que el de Palacios, en su juventud de acordeonista, cuando se acercó a la compañía en busca de un taller de su instrumento y terminó participando del espectáculo Venimos de muy lejos... con las dos notas que sabía. “En Catalinas, encontré un grupo de gente soñadora que no se quedaba en las charlas y delirios de palabras, sino que los llevaba adelante responsablemente. Este es mi lugar de pertenencia: acá están mi trabajo, amigos y familia. Es un espacio de militancia para todos los que participamos”, afirma.

Atendido por sus dueños

Llamarles “vecinos” a quienes se integran a diario a las faenas de Catalinas Sur no es sólo un gesto de camaradería. Desde la primera hora, fueron los boquenses quienes hicieron leudar el proyecto que más tarde los convertiría en profesores, actores o músicos, casi por azar. En su trigésimo cumpleaños, el elenco estable cuenta en sus filas cerca de 200 vecinos, mientras que otros 500 se suman, cada mes, a talleres y cursos dictados bajo el tinglado de la “plaza techada”. Muchos de los que se acercan a Catalinas no son artistas profesionales ni tienen intenciones de serlo. De ahí lo pintoresco y amateur (aunque no por eso improvisado) de la mayoría de sus producciones: “La forma de trabajo es diferente, tratamos de que sea más horizontal. No bajamos todo hecho desde la dirección. Es fundamental trabajar con lo que ellos traen, proponerles que integren los lugares de dirección”, aporta el director musical de la Atípica.

Si algo define el espíritu ecléctico del galpón es la ruptura con los preceptos ecuménicos de la “cultura dominante”. Artista es cualquiera y, a la vez, lo son todos: los jóvenes y los no tanto, los profesionales, los desocupados, las amas de casa. En Catalinas se junta todo, “hay una mezcla rara”, resume Bianchi. “Un grupo de teatro comunitario es abierto porque puede entrar el que quiera. Es popular porque hablamos de nosotros, de lo colectivo y no del yo, como marca el verticalismo liberal. Creamos un marco y la gente lo llena con su creatividad, la que muchas veces supone que no tiene.”

Empoder-arte

La ingeniería del grupo se movió durante treinta años con una misma premisa. Sostiene que el arte iguala a la gente. No por nada su pedagogía consiste en “empoderar” –así lo definen– a quienes la sociedad hace sentir “la última mierda”; personas para las que un títere, trapecio o disfraz es un incentivo para encarar nuevos proyectos. La escénica es, sin dudas, la faceta más conocida de Catalinas, al menos para quienes ignoran sus orígenes. En la trastienda, lo artístico conlleva otras razones: “Buscamos que el barrio vuelva a ser un lugar de vida y no un dormitorio. Volver a eso es transformar las reglas de la concentración que existe en esta sociedad. El arte tiene un rol transformador muy importante, siempre que aquellos que detentan los saberes sean solidarios”, postula Bianchi. Casi como un manifiesto, la filosofía del grupo rehúye la perorata discursiva y, en cambio, apuesta al hacer en primera persona: “Muchas veces transformación se asocia al discurso y lo que transforma es el hacer. Pero la forma de hacer dice más que el discurso”.

De esos preceptos se alimentó toda una estirpe de agrupaciones que, con Catalinas Sur como antecedente, propalaron la pandemia comunitaria por distintos puntos del país. Aunque al principio la inoculación fue exitosa –sobre todo después de la vuelta de la democracia, cuando emergieron varios aficionados del asfalto, como Los Calandracas y La Runfla– hubo grandes épocas de malaria. Una fue durante los ’90, con el boom de los circuitos comerciales y la expansión de las industrias culturales a la cabeza. El ciclo se revirtió tras el ajetreo del 19 y 20 de diciembre, cuando innumerables iniciativas volvieron a la calle invocando (y reactivando) el legado de sus predecesores. Ese clima posibilitó la formación de una Red Nacional de Teatro Comunitario, que engloba a buena parte de aquellos focos de reacción, muchos de los cuales se extinguieron una vez aquietados los ánimos. A la fecha, son cerca de cincuenta las agrupaciones barriales, entre teatros y murgas, que se sumaron a la red, con réplicas en toda América latina. Lejos de exagerar los alcances del colectivo, integrado por países como Brasil, Cuba y Colombia, Bianchi simplifica: “Son reuniones de vecinos. Cuando se institucionalizan, las cosas se partidizan. Tratamos de apoyar, pero no nos venden espejitos”.

Fuente: Página/12

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Un año de festejos

Bárbara Echevarría: Siete colchones

2013-05-22T07:27:00.002-03:00

Dramaturgia y accidentes

Definida dentro de un “teatro no lineal”, la puesta que presenta la directora Bárbara Echevarría propone un juego de interacción entre los intérpretes y los espectadores que cada jueves tiene un final abierto: “Me gustan los riesgos”, explica.

“No hay obra sin espectador”, asegura Bárbara Echevarría. Lo que dice parece una obviedad, pero cobra un sentido particular tratándose de Siete colchones, una performance que se presenta en una sala enorme y oscura, la del Abasto Social Club (Yatay 666, jueves a las 22.30). Allí hay cinco colchones en el piso y dos arriba de unas gradas. Cada colchón es el universo íntimo de un personaje. Los espectadores son invitados a recorrer el espacio, tomar asiento en los colchones, interactuar con los personajes y hasta recostarse con ellos si así lo desean. “El público puede utilizar el dispositivo como quiera. La expectación es activa: hay que poner el cuerpo y ocupar el espacio para ser parte del relato”, recalca la directora, quien etiqueta lo suyo como teatro no lineal.

No hay obra sin espectador porque, sencillamente, el que se quede quieto no intervendrá en lo que está ocurriendo. Claro que nadie es obligado a participar: también se puede mirar cómo los personajes interactúan con el resto del público. La obra empieza antes de ingresar a la sala. En el hall del teatro, algunos espectadores reciben de parte de un personaje un pedazo de tela con una frase. Ese personaje también les habla y los mira a los ojos, prepara el terreno para lo que vendrá después: un parque de diversiones escénico, en el que cada cual puede elegir su propia aventura y derrumbarse en el colchón que más le guste. “Ensayamos un poco, pero tenemos claro que la obra se termina de componer con el público”, explica Echevarría, diseñadora audiovisual que exploró primero el video y que, desde hace poco, se está probando a sí misma en el teatro.

“Entiendo al accidente como parte de la dramaturgia. Me gustan los riesgos”, subraya la directora. Es que, en una obra de estas características, todo puede salir muy bien o muy mal. Eso depende del público que llegue cada noche. El día del estreno hubo muchos jóvenes (sobresalían los hipsters y gente de acento de distintas partes de Latinoamérica), amigos seguramente del elenco y de la directora, como se estila siempre que una obra se muestra por primera vez. “Todavía estoy analizando lo que se produce”, dice Echevarría. “Recién estoy empezando a indagar en un dispositivo teatral al que le encuentro múltiples posibilidades.”

¿Quiénes están en los colchones? Personajes de distintos colores que abren su intimidad para compartirla con extraños. Está Clarisa, por ejemplo, que parece haber salido de una película de los ’50, y que lee a todo el que se siente a su lado un fragmento de El capital, de Karl Marx. Hay un señor grande vestido con harapos, que parece un mendigo y que descansa en un colchón andrajoso. Hay una niña que grita, un hombre que no para de moverse (el actor es, en realidad, bailarín), un músico que compone en vivo los sonidos de la obra y un joven que habla todos los idiomas. El colchón más exitoso es el de una hechicera que invita a los espectadores a purificarse, recostados. “Para los actores esta obra es un desafío. No todos son actores, vienen de distintos lugares. Es transformador para ellos exponerse de esta forma. En los huecos del personaje aparecen ellos como personas”, destaca Echevarría. El elenco lo integran Manuel Hermelo (uno de los fundadores de La Organización Negra, antepasado de Fuerza Bruta), la escritora Gabriela Bejerman, el poeta y periodista Esteban Feune de Colombi, las dramaturgas y actrices Natalia Casielles y Laura Avelluto, el coreógrafo, bailarín y artista visual Federico Moreno, y el actor y músico Matías Fedele.

Siete colchones es, además de una obra, un proceso de tres etapas. En 2012, un grupo de escritores comenzó a reunirse en Buenos Aires, con la coordinación de Sol Echevarría. Ellos escribieron cartas con instrucciones para una obra que Bárbara Echevarría presentó en septiembre en Hallein, Austria, titulada Invención de la intimidad. Era una propuesta similar a Siete colchones, que se realizó en una antigua refinería de sal. Los actores austríacos, a su vez, escribieron cartas dirigidas a los actores porteños, que incluían consejos para la composición de sus personajes. “En Austria la gente se dedica más a observar”, compara la directora. “Acá vi espectadores más voraces por participar e interactuar. Me gusta lo no literal, que no haya un único relato.” Su teatro tiene un parentesco con el de otro director local, Fernando Rubio, que está al frente de la compañía Intimoteatroitinerante, y cuyo próximo trabajo está pensado para un solo espectador que escuchará a un actor en una cama.

Desde el punto de vista filosófico, este tipo de puestas recuerdan a los postulados de Guy Debord en La sociedad del espectáculo, ya que contradicen –y critican– la noción de “espectáculo” tradicional: mientras que una obra de teatro común y corriente se disfruta cómodamente en una butaca y exige más que nada contemplación, las performances obligan a un rol más activo del espectador. Hacen que el poder recaiga casi por completo sobre él. “El teatro tradicional te puede movilizar un montón, pero en una performance el espectador tiene cuerpo en la obra. Supongo que eso activa otras cosas, no sé bien qué. No me quiero arriesgar porque recién estoy explorando este camino. Tengo más preguntas que conclusiones”, desliza Echevarría. Al tiempo que este tipo de teatro es muy potente a nivel filosófico, corre el riesgo de quedar en la anécdota y descuidar el relato. Siete colchones tiene todavía algunos puntos débiles, como casos de interacción un poco trunca con el público –algunos actores están demasiado ceñidos al guión– y el rechazo que algunos personajes devuelven a los espectadores que se acercan. Eso es parte de la obra, sí. Pero si alguien se saca la vergüenza y se recuesta en un colchón, puede resultarle demasiado duro ser expulsado por el otro.

Echevarría acepta las críticas y dice que, como cada función es un ensayo, las fallas se pueden ir corrigiendo. Ella está en la performance recorriendo el espacio, viendo las interacciones, murmurando pautas en los oídos de los actores. En su momento hizo una obra que era una terapia de grupo, de la que participaban, mezclados, actores y público. Antes que eso, se dedicó a experimentar en videos. Realizó, por ejemplo, ¿Y ahora cómo sigo?, un documental experimental sobre la violencia de género durante la dictadura, para el que trabajó conjuntamente con el CELS. Vivió un tiempo en Barcelona, donde realizó una maestría en Estudios y Proyectos sobre Cultura Visual. Eso, dice, nutrió mucho su trabajo. En la Argentina estudió con Vivi Tellas y Emilio García Wehbi.

Fuente: Página/12

Juan Mayorga

2013-05-22T07:20:00.002-03:00

“La teatralización puede emancipar”

El español llegó a Buenos Aires por el estreno de su obra El crítico, con puesta de Guillermo Heras, en el San Martín, y para ofrecer un taller sobre “El soliloquio y el aparte”.

El dramaturgo español Juan Mayorga aspira a un teatro que sea espacio de creatividad, resistencia y libertad. Licenciado en Filosofía y doctorado en Matemáticas, lleva escritas numerosas obras y textos teóricos. Se encuentra en Buenos Aires, donde ofreció un taller sobre “El soliloquio y el aparte” y acompaña el reciente estreno de El crítico, que dirige Guillermo Heras en el Teatro San Martín. En diálogo con Página/12, adelanta un próximo trabajo en Madrid sobre dos ajedrecistas olímpicos, el ruso Boris Spassky y el estadounidense Bobby Fischer, en quienes la competencia sobre el tablero se convirtió en asunto de Estado. Mayorga está entre los que reescriben sus obras: “Soy ambicioso y no me siento muy bueno”, esgrime. Presta oídos a los actores y directores, a los espectadores y críticos, e incluso “a lo que va dejando el paso del tiempo, que a veces enseña”. Lo experimentó, entre otras obras suyas, en Animales nocturnos, de la que reescribirá la séptima escena, y Angelus Novus, un policial donde un personaje portador de un raro virus apunta a infectar a una sociedad tiranizada por el miedo. Opina que el paralelismo de El crítico con La lengua en pedazos, sobre la monja poeta Teresa de Jesús, es innegable y hace recuento de diferentes conexiones con El traductor de Blumenberg y Cartas de amor a Stalin, vistas en Buenos Aires; El chico de la última fila (una puesta de Leonardo Goloboff, en Tucumán); y Himmelweg, pieza que recorrió el mundo y de la que espera nuevos montajes en Corea del Sur y Bélgica.

–¿La representación es una de esas conexiones?

–En esas obras aparecen escenas de teatro dentro del teatro, pero la intención no es siempre la misma. En Himmelweg, el delegado de la Cruz Roja que inspecciona el campo-gueto de Terezin informa sobre una situación normal. La construcción teatral que diseña el comandante del campo es una mascarada que el delegado parece no ver. Mi intención era hablar sobre la invisibilidad del horror, porque no es la calidad de la mascarada lo que le impide ver qué esconde la representación, sino su propia incapacidad para mirar de frente la verdad.

–¿Una incapacidad producto de la manipulación social?

–Y de la indiferencia que va creando cómplices. Esos cómplices hacen posible el horror. Las representaciones pueden asfixiar la vida cuando obligan a cumplir roles indeseados.

–¿Sólo porque la mirada ajena pesa más que la propia?

–De algún modo, necesitamos construir personajes para entendernos, y hasta la teatralización puede ser emancipadora si sabemos elegir nuestra máscara. Viendo el montaje de Cartas de amor a Stalin, realizado por Jorge Lavelli en París, quedaba claro que en esta obra el tema central no es tanto la censura o la presión del poder sobre el artista como saber quién escribe nuestras palabras. El escritor y dramaturgo Mijail Bulgákov escribe cartas a Stalin pidiendo la libertad, y ahí, a mi juicio, comete un error, porque en lugar de escribir para su sociedad escribe para el tirano. Cree que conseguirá ablandarlo.

–¿Ese es el peligro de buscar protección en quien somete?

–Lo que sé y muestro en la obra es que en algún momento Stalin es el que le dicta las cartas a Bulgákov, y el artista, desesperado, entra en el juego del tirano.

–¿Otros lo hubieran escuchado?

–Aunque no lo escucharan, debía escribir para otros lectores, algo que finalmente hizo el Bulgákov real, porque escribió, y en las peores condiciones, para el lector y el espectador del futuro. Es el autor de El Maestro y Margarita (“el Fausto ruso”), una de las mejores novelas de la literatura rusa de su época.

–¿Qué importancia tiene en esto el lenguaje?

–Fundamental cuando nos preguntamos quién escribe las palabras que manejamos, y por tanto quién escribe nuestras vidas. De hecho, en La lengua en pedazos, un inquisidor le anuncia a Teresa de Jesús que cerrará el monasterio San José de Avila, y espera que sea ella quien lo clausure. El inquisidor intenta en vano ajardinar el lenguaje salvaje de esta monja poeta desobediente y capaz de construir su propio lenguaje que es palabra e imagen.

–¿De dónde surge el título?

–Cuando ella describía sus enfermedades decía que la lengua le quedaba hecha pedazos. Hay quien alude a que se trataba de un ataque de rabia. Me interesaba jugar con la ambigüedad de la palabra lengua, que es tanto un órgano físico como el medio que ahora estamos utilizando para conversar. En mi obra es la propia palabra la que está hecha pedazos. Cuando Teresa habla del espíritu está diciendo que cada ser humano es sagrado, que debe ser reconocido en su dignidad y aspiración a la belleza. Ella construye un vergel en un mundo áspero, dominado por hombres. Y está en peligro, entre otras razones, porque es descendiente de conversos y porque es mujer y es inteligente.

–¿Es esa la actitud de quien resguarda su libertad sin importarle el fracaso social?

–El gesto fundamental de Teresa es “no obedezco” a lo que no siento como propio. Esa actitud está en otros personajes de mis obras, en La tortuga de Darwin y en personajes femeninos de Himmelweg. La mujer que no acepta el papel que ha escrito para ella el comandante y se aparta del grupo sabe que eso le costará la vida, pero lo hace; y también la niña que no repite el texto que le prepararon. Teresa hace lo que cree que debe, y no otra cosa es el triunfo. Ese duelo que entabla con el inquisidor es el que aparece, con otros personajes, en El crítico, e incluso en nuestra vida, porque no hay mayor duelo que el librado con nosotros mismos, con las decisiones que hemos o no tomado y con aquellas cosas o personas que hemos o no defendido.

Fuente: Página/12

El animal llevado a la escena

Carlos Belloso, Marilú Marini y Lito Cruz

2013-05-22T07:08:00.001-03:00

NOVEDAD

Belloso encarna a Pepitito
Todo hace pensar que con Le Prenom , la exitosa comedia francesa que dirige Arturo Puig en el Multiteatro, Carlos Belloso tiene por delante una larga temporada de éxito. De todos modos, avanza con dos proyectos teatrales para desplegar en días y horarios que le queden libres de su ocupación principal. El primero es una adaptación teatral de Mamá Pierri , el personaje de la historieta firmada por Sergio Langer, con dirección de Ricardo Arauz, para estrenar en trasnoche en Gargantúa. El otro es una obra inspirada en la figura del cómico José Marrone, firmado por Pablo Zunino. Belloso fue a ver El doctor Lacan , quedó encantado con el estilo de la puesta y le propuso a Zunino reflotar el proyecto que alguna vez habían iniciado juntos, motivados por ser Marrone un personaje de alto interés para ambos en la relación con sus respectivos padres. Cuando Belloso era chico, quedó prendado del cómico al descubrir que a su padre, un carnicero adusto, mirar a Marrrone era lo único que lo hacía reír en la vida. Y a Zunino, en cambio, no lo dejaban mirarlo en la TV, porque su padre, un bandoneonista comunista, detestaba a Marrone, que era dirigente del Sindicato de Variedades ligado con el peronismo. De ambas experiencias nace la bajada del espectáculo, Lo que me hizo Marrone . Será una "tirada" de una hora donde Belloso, encarnado a Pepitito y al modo de los shows unipersonales que éste hacía, contará y evocará distintos momentos claves de su existencia. Lo producirán ambos, por etapas, con el mismo estilo en que se lanzó El doctor Lacan : seis funciones de prueba por invitación en noviembre. Buscan a Juanita (Martínez, la vedette que fue gran compañera de Marrone) de piernas interminables, físico espectacular y sonrisa eterna.

33 VARIACIONES

Marilú y Lito
Cuando baje de cartel El hijo de p... del sombrero , en el Metropolitan 2, en agosto subirá a escena 33 variaciones , obra del dramaturgo venezolano Moises Kauffman, con producción de Pablo Kompel. Es una obra que explora el proceso creativo de Beethoven al final de su vida, en 1819. Su obsesiva búsqueda por terminar sus 33 variaciones del vals de Anton Diabelli y una musicóloga contemporánea en su propia búsqueda obsesiva por entender por qué habría escrito estas variaciones de un vals insignificante en el momento cumbre de su carrera. Marilú Marini abordará el personaje que en Broadway encarnó Jane Fonda, en su regreso al teatro. Estará dirigida por Helena Tritek y el papel de Beethoven será interpretado por Lito Cruz..

Fuente: La Nación

Jean Françoise Casanovas y Walter Soares: Hoy Caviar

2013-05-22T06:51:00.000-03:00

Un festejo a puro Caviar

Para celebrar un nuevo aniversario, mañana estrenará “Hoy Caviar”. Sus creadores cuentan cómo será la obra.

El grupo Caviar cumple 38 años arriba del escenario, y lo festeja con un nuevo espectáculo: Hoy Caviar, una obra que se estrena mañana, a las 21.30, en el Teatro La Casona. Sus creadores, Jean Françoise Casanovas y Walter Soares, se reencuentran -después de varios años de trabajar por separado- para dirigir un show con más de 100 cambios de vestuario.

La dupla realiza obras en conjunto desde hace 16 años, pero sufrió un impasse cuando a Soares, en el ‘98, le diagnosticaron un cáncer con metástasis y debió abandonar el grupo para recuperarse. Luego fundó su propia compañía, llamada Kabala. “Caviar es mi verdadero grupo”, le confiesa Soares a Clarín.

El fundador del grupo Casanovas, allá por 1972, en París, su ciudad natal. Pero, después de algunas funciones poco exitosas, el artista viajó por el mundo hasta aterrizar en Buenos Aires, donde encontró su público, hace más de 30 años. “Allá estaba todo hecho”, recuerda Casanovas, “si no estabas en un círculo de contactos no podías hacer nada. Cuando llegué a Buenos Aires encontré la libertad que estaba buscando”, relata.

La esencia de Caviar, según Soares, tiene que ver con “su estilo único (...) Cuando uno brinda un espectáculo bien hecho y desde el corazón, uno sana”, describe el artista, “La gente sigue enamorada de Caviar a través de los años. Es algo distinto”, resume.

La nueva obra, de una hora y media, mostrará a 11 artistas sobre el escenario: algunos transformistas (hombres vestidos de mujer), bailarinas y varios hombres haciendo de hombres. “Caviar puro, Caviar concentrado”, dice Casanovas. Su vestuario estridente, su humor negro y la versatilidad de sus actores son el sello indiscutible del grupo. “Me gusta que el actor sea el propio decorado”, dice Casanovas, “que se luzca el ser humano por sí mismo y no por alardes tecnológicos”.

El relato central de Hoy Caviar estará a cargo de las interpretaciones de Casanovas y Soares, quienes harán un paneo por la historia de Caviar. “Son nuestros dos alter egos que hacen chistes y pelean”, explica Casanovas. Será una obra -de doce historias en cuarenta mini escenas- en la que se mezcla la ópera con la orquesta, con algo de hollywood de los años ‘40, mucho humor y la creación de un mundo de fantasía. Promete la estética teatral y excelencia de siempre. “En tantos años, jamás tuvimos que pelear para llenar un teatro”, recalca Soares, con orgullo.

Fuente: Clarín

Una limada al corazón

2013-05-21T23:00:00.000-03:00

Con "Una limada al corazón" sigue "Radioteatro para aplaudir"

Con la puesta en escena de la obra de Natalia Mesa, continuará mañana a las 19.30 con entrada gratuita ese ciclo en la sala "Gregorio de Laferrere" de Argentores (Pacheco de Melo 1820, Capital).

La obra cuenta con la dirección de Juan Carlos Lamy y está protagonizada por Cecilia Cenci, Gladys Romero Marcial, Viviana Salomón, Luis Albano y Adriana Milesi, los relatos a cargo de Mariano Fernández y la coordinación general de María Elena Armentano.

La pieza teatral, una de las siete elegidas en el décimo Concurso organizado por el Consejo Profesional de Radio de Argentores, transcurre en una peluquería de barrio, en la que en tono de comedia, las clientes relatan sus problemas cotidianos.

Fuente: Télam

Locos ReCuerdos

2013-05-21T08:49:00.002-03:00

Desde el domingo 26 de mayo, el premiado espectáculo Locos ReCuerdos, con libro de Hugo Midón, música y dirección musical de Carlos Gianni y puesta en escena de Lala Mendía, volverá al escenario de la Sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes. El reestreno había sido anunciado para el sábado 18 de mayo, pero por razones de fuerza mayor debió ser postergado.

En esta nueva temporada serán Omar Calicchio, Alejandra Perlusky, Gustavo Monje, Denise Cotton, Sebastián Holz, Mariela Kantor y Jorge Maselli quienes representarán las aventuras y peripecias de un grupo de payasos que utilizan el espacio de una buhardilla para sus encuentros y acciones.

Locos ReCuerdos tiene coreografía de Diego Bros, iluminación de Leandra Rodríguez, vestuario de Mónica Toschi y escenografía de René Diviú. Los arreglos musicales pertenecen a Sergio Blostein y los arreglos corales a Carlos Gianni. La asistencia es de Mónica Quevedo.

La obra se ofrecerá los sábados y los domingos a las 15 horas, hasta el 28 de julio. Platea: 40 pesos.

Fiesta Nacional de Teatro

2013-05-21T08:33:00.002-03:00

Fiesta en todo sentido

Con una cifra que superó los 25 mil asistentes a las salas donde se desarrolló la programación, la 28ª Fiesta Nacional de Teatro dejó puestas destacables, que forman un nuevo mapa.

Teatro-danza, murga, cabaret, clown, teatro de texto: hubo de todo en la 28ª Fiesta Nacional de Teatro, que cerró el domingo en la ciudad santafesina de Venado Tuerto. Ciudad de 80.000 habitantes que acompañó al evento federal con un entusiasmo que asombró a todos, especialmente a los teatristas independientes locales, quienes desde hace décadas trabajan para generar nuevas camadas de espectadores. Promediando la fiesta, las entradas se vendieron en su totalidad, y en muchos casos hubo que agregar funciones. Se calcula, por otra parte, que más de 25.000 personas pasaron por las cuatro salas donde se desarrolló la programación. Una grilla que expuso a las claras que continúan los altibajos en materia de formación y producción que diferencian a las seis regiones en las que se divide el país teatral, lo cual constituye un tema insoslayable de reflexión para que el Instituto Nacional del Teatro, organizador del evento, repiense sus políticas de apoyo a la actividad.

Una de las peculiaridades de este encuentro fueron las versiones libres de textos clásicos. Fue muy bien recibido el montaje representante de Santa Fe de El jardín de los cerezos, de Chéjov, con dirección de Edgardo Dib. Por su parte, resultó polémica para muchos la puesta de La casa de Bernarda Alba, de Lorca, por el grupo santiagueño Tucse, que dirige Luis Lobo, la cual debió hacer tres funciones la misma noche, por demanda de entradas. En clave fragmentaria, y subrayando su carácter experimental, Rojo Carnhe, con dirección de la sanjuanina Natacha Sáez, tomó del Hamlet de Shakespeare algunos personajes, en tanto que de Juan Moreira, un clásico de la literatura nacional, también se conoció una versión muy elogiada, Moreira Delivery, dirigida por Hernán Peña y Pablo Felitti, representando a Rosario. La libre reescritura de los mitos clásicos también fue abordada por dos espectáculos muy aplaudidos: Museo Medea, de Tucumán, con dirección y dramaturgia de Guillermo Katz, y Fedra en Karaoke, festivo montaje unipersonal dirigido por Valeria Folini y Juan Kohner, representantes de Entre Ríos. En registro opuesto, Yo culpable, con dirección de Mónica Leal, representando a Misiones, se inspiró en personajes de la Orestiada de Esquilo.

En cuanto a los autores nacionales abordados, se vio de los consagrados Javier Daulte y Daniel Veronese, Caperucita, un espectáculo feroz (por la provincia de Buenos Aires) y La noche devora a sus hijos (por La Pampa), respectivamente. Pero al igual que en otras ediciones, hubo muchos grupos que tomaron dramaturgias de autores de otras provincias. Tal es el caso de la compañía Ele Te de Chaco, que montó una elogiada puesta de Quienay?, del santafesino Raul Krieg. También los mendocinos de La Oveja Negra, que pusieron Contrainteligencia, del platense Nicolás Allegro, y los catamarqueños de la Escuela Provincial, que eligieron Freak Show, del tucumano Martín Giner. Claro que también hubo creaciones colectivas, como ¿Qué soñará Corbalán?, del grupo tucumano Teatro al Manubrio, o Nuestro Vademecum, obra de Los delincuentes, grupo que dirige en Córdoba Paco Giménez.

Si en los primeros días de la fiesta llamó la atención la espectacularidad de Nao, trabajo de títeres y objetos del grupo salteño La Faranda sobre el primer viaje de Colón, obra que hizo funciones en escuelas y pueblos vecinos, hacia la mitad del encuentro otro espectáculo recibió aceptación unánime, aunque muy especialmente por parte de los espectadores de mayor edad. Fue el caso de Qué me has hecho vida mía, obra representante de la ciudad de Buenos Aires, interpretada por María Merlino, con música en vivo de Joaquín Segade, escrita por Marcelo Pitrola y Diego Lerman. Con dirección de este último, el montaje es un racconto musical de la vida de la actriz Fanny Navarro, con múltiples referencias a historias del primer peronismo. Hacia el final, otros dos representantes de la capital del país fueron elogiados: Llegó la música, del grupo Colectivo Escalada, con dirección de Alberto Ajaka, y El centésimo mono, con dramaturgia y dirección de Osqui Guzmán.

Fuente: Página/12

La última vez

2013-05-21T08:11:00.000-03:00

Una obra didáctica sobre la violencia

Hace poco años, durante las representaciones de Tribunal de mujeres, en el Auditorio Jacobo Ben Ami, la platea -mayoritariamente compuesta por mujeres de cierta edad- lagrimeaba e incluso se podía oír algún sollozo ahogado. Sucedía que en esa obra de Naomi Ragen, previamente estrenada con éxito en Israel, se ponía de manifiesto el trato denigrante que reciben las mujeres judías dentro de algunas congregaciones extremistas. Y, lógicamente, ese llanto de las espectadoras hacía suponer que se sentían muy concernidas por los padecimientos de la protagonista.

Actualmente, en una sala de la calle Corrientes se produce un fenómeno parecido ante una concurrencia casi exclusivamente femenina: en determinadas escenas, las miradas se humedecen, la emoción -quizás en algunos casos habría que hablar de identificación- se vuelve palpable. Sin embargo, La última vez no es una obra que profundice ni en los personajes ni en la problemática central, que apenas es enunciada y desarrollada de manera didáctica, sin darles demasiado pie a sus intérpretes, que deben encarar roles de una sola dimensión. Más bien, se trata de una dramatización, paso a paso, del ciclo del maltrato, donde los personajes están perfilados exclusivamente al servicio de la demostración de un caso de manual (hombre golpeador, que insulta y sopapea, se disculpa y vuelve a pegar; mujer golpeada, que intenta frenarlo, cree que él se va a corregir, prefiere no hacer la denuncia y sufre la escalada de la violencia).

En este sentido pedagógico -y dentro de los límites apuntados-, la obra de Mónica Salvador cumple una función social antes que artística, puesto que hace un nuevo llamado de alerta respecto de un grave problema a nivel mundial, que ha sido encarado por films como Durmiendo con el enemigo (Joseph Ruben, 1991) o Te doy mis ojos (Icíar Bollaín, 2003, acaso la producción cinematográfica más lograda sobre este tema), también por algunas ficciones televisivas locales que no consiguieron salirse del relato esquemático y previsible sobre una situación de violencia doméstica.

El maltrato de género constituye una violación de los derechos humanos en su acepción más amplia, es una forma de tortura que en numerosas oportunidades termina con el asesinato de la mujer golpeada. Una tragedia cotidiana y privada que se hace pública y notoria cuando culmina en muerte, sobre todo, si se trata de gente famosa.

Si bien la pieza de Salvador está inspirada por las mejores intenciones y sin duda contribuye a sensibilizar conciencias (en el programa de mano, además, figuran los números telefónicos para hacer la correspondiente denuncia), vale destacar que, en general, sería más conducente que, superando el mero planteamiento de un caso concreto, las ficciones ahondaran en las causas de este tipo de violencia tan difícil de erradicar. Causas que sin duda tiene que ver con la socialización de los varones, que predispone al empleo de la violencia del más fuerte físicamente como método de control y dominación. Una mentalidad machista que viene de muy lejos: por el lado español, entre otros refranes que alientan el sometimiento femenino, descuella uno citado a comienzos del siglo XVII por Cervantes en la segunda parte del Quijote : "La mujer honrada, la pierna quebrada, y en casa".

Fuente: La Nación

Sala: Auditorio Losada, Corrientes 1551 / Funciones: martes, a las 20.30

Ana María Picchio

2013-05-21T08:08:00.000-03:00

Ana María Picchio: "Me siento tocada por una varita al poder hacer tantas cosas"

La actriz regresa al cine con Cuando yo te vuelva a ver, mientras ensaya la obra Incendios y participa de la tira Solamente vos

"Estoy muy feliz de poder volver a la pantalla grande, algo que ya extrañaba, y hacerlo con una historia plena de emotividad y de calidez." Así se expresa Ana María Picchio al referirse a Cuando yo te vuelva a ver, film que Primer Plano estrenará pasado mañana. "Mi última aparición en cine fue el año pasado, cuando integré el elenco de La cola , dirigida por Enrique Liporace expresa durante un diálogo con la nacion-, pero yo buscaba un personaje casi poético con elementos que me permitieran expresar desde el alma los conflictos de su protagonista, y lo encontré en esta película que dirigió Rodolfo Durán, un realizador que ya tenía en su haber títulos como Cerca de la frontera , Terapias alternativas y Vecinos ."

¿Cuál es la temática de Cuando yo te vuelva a ver ?

-Todo gira en torno a un hombre que 30 años después de haberse radicado en España regresa a Buenos Aires para apadrinar la boda de un amigo. Desea, fundamentalmente, reencontrarse con sus afectos y sorpresivamente halla a una mujer, ahora jubilada y encargada de una empresa de catering, con quien había vivido un apasionado romance en su juventud. Ninguno de los dos pudo olvidar aquellos momentos de amor, aunque ella se empeña en huir de esa relación.

-¿Se trata, en definitiva, de un reencuentro inesperado?

-Es un reencuentro inesperado que vuelve al pasado la memoria de ambos. Lo que más me interesó de la historia fue la pintura de los personajes, unos seres cotidianos que intentarán rehacer sus vidas. El guión posee una gran fuerza dramática, pero nunca cae en el melodrama, ya que cierto humor se encarga de disminuir las tensiones de esa pareja y de quienes los rodean.

La actriz no puede ocultar su entusiasmo frente a este compromiso: "Me permitió pintar a esa mujer que perdió la sonrisa, que se enfrenta casi siempre con su hija y que hace de su existencia una gran soledad. Cuando Durán me ofreció este protagónico, acepté en seguida el reto, un reto que me permitía ponerme en la piel de esa Margarita simple y tierna, que no puede olvidar aquel amor de los tiempos idos. En el elenco me acompañan Manuel Callau, Malena Solda, Alejandro Awada y Miriam Lanzoni. El resultado fue una película que permite reflexionar acerca de los sentimientos perdidos".

-En el elenco están también tu hija Delfina Peña y tu nieta Juana Dates. ¿De qué manera ingresaron ellas en este film?

-La culpa de esto la tiene Pascual Condito, alguien que durante años distribuyó producciones argentinas y que tuvo la idea original de la trama de Cuando yo te vuelva a ver . Un día, poco antes del rodaje, me dijo que mi hija Delfina tenía que estar en el reparto encarnando a la Margarita joven y que Juana era ideal para convertirse en mi nieta dentro de la historia. Ninguna de las dos habían tenido nunca aspiraciones artísticas, pero Pascual insistió, y creo que el resultado final es más que satisfactorio.

Desde su debut cinematográfico en Breve cielo , el film de David José Kohon, rodado en 1969, la trayectoria de Ana María Picchio estuvo signada por premios locales, galardones internacionales y personajes que pendularon entre el drama y la comedia. La televisión fue, también, otro de sus elementos para cimentar su gran popularidad. "La pantalla chica dice me permite entrar en los hogares y componer los más disímiles personajes como el que ahora interpreto en Solamente vos, en la que encarno a la madre de Aurora Andrés, el personaje de Natalia Oreiro.

-¿Y en tu carrera dónde queda el teatro?

-Nunca olvido el escenario. Y tanto es así que ahora estoy ensayando la obra Incendios , del autor canadiense-libanés Wajdi Mouawad, que, con la dirección de Sergio Renán, estrenaremos pronto en el teatro Apolo. Me acompañan en el reparto Jorge D'Elía y Esmeralda Mitre. La obra va revelando capa tras capa, como una flor, el misterio de la existencia de los gemelos Julia y Simón, dos jóvenes que acaban de perder a su madre, quien decidió permanecer en silencio absoluto en los últimos días de su vida... Es una obra dura, plena de situaciones dramáticas y de destellos de esperanza.

-Estás trabajando a todo motor...

La vida de los artistas es así. De pronto no te convocan, a veces te olvidan y en otras etapas, como la mía ahora, abarcás tanto el cine como el teatro y la televisión. Creo que Dios me tocó con su varita para poder hacer tantas cosas a la vez... Y como si esto fuera poco, muy pronto seré la protagonista de una película dirigida por Helena Tritek, que debutará como directora en el cine... Pero esto es otra historia. Ahora estoy contenta con todo lo que tengo y con todo lo que hago.

Fuente: La Nación

Festival Internacional de Circo de Buenos Aires

2013-05-21T07:43:00.000-03:00

Lo que el circo nos dejó

La quinta edición del Festival Internacional de Circo dejó, como mínimo, la visita de tres obras de incuestionable calidad artística

Anteanoche culminó la quinta edición del Festival Internacional de Circo de Buenos Aires (o Buenos Aires Polo Circo, como aparece también en varios anuncios oficiales). De reparar en la propuesta internacional, el tríptico que conformaron L'Immédiat , del francés Camille Boitel; Smashed , del inglés Sean Gandini, y Le grand C , por la compañía francesa XY, se configura un arco exquisito. Lejos del formato del circo tradicional y del circo contemporáneo, los tres creadores apuntalan sus propuestas en el desarrollo de una disciplina circense y, desde ahí, trazan vínculos con el cine mudo y las artes visuales (Boitel), con las creaciones de Pina Bausch (Gandini) y con el mundo de la danza contemporánea, del ballet clásico y con la tradición de las torres humanas catalanas (compañía XY). Todo ello en el marco de puestas de un extremo minimalismo o de una saturación de elementos escenográficos (Boitel) que, en todos los casos, dan cuenta de un admirable manejo espacial.

Los tres montajes entablan diálogos internos con las propuestas de Phia Ménard y con la de Johan Le Guillerm, invitados de honor de otras ediciones de este festival. El quinteto permite pensar en formas del arte circense llevadas a un extremo de una contemporaneidad inobjetable. Por elevación, los creadores programados hablan de un festival con un criterio curatorial propio (una carencia importante entre los festivales escénicos que organiza el gobierno porteño).

Si a este tríptico de creadores que se acaban de presentar en la ciudad se suman las propuestas de los suecos del Circus Cirkör, la de los colombianos de Urban o la de los francoargentinos de Circo efímero, la quinta edición de este encuentro se puede dar por satisfecha.

Si en los días finales las carpas y salas se vieron colmadas de un público mayoritarimente joven, esas escenas convivieron con demoras en el inicio de algunos montajes, con algunas funciones con muy poca ocupación (primera función de Johnny Berouette , en el teatro Regio) y con una difusión del mismo evento que debería mejorar su puntería para llegar a mayor cantidad de público y, por otra parte, para que otros creadores del mundo del teatro y la danza entren en diálogo con estas propuestas.

De tomar las cifras oficiales suministradas por el Ministerio de Cultura porteño, durante los 10 días festivaleros los 8 espectáculos de las 8 compañías internacionales(con precios de 30 a 70 pesos) y los 10 montajes de la franja nacional (espectáculos gratuitos) fueron vistos por unas 50.000 personas, que asistieron a los más de 15 sitios desparramados por distintos puntos de la ciudad.

Fuente: La Nación

En el cierre, dos montajes de lujo

Pilar Gamboa, Esteban Bigliardi, Susana Pampín, Rafael Ferro y Romina Paula: Fauna

2013-05-21T07:40:00.001-03:00

Una fauna y sus faunos

Pilar Gamboa, Esteban Bigliardi, Susana Pampín y Rafael Ferro, con la dirección de Romina Paula, hacen Fauna, obra que llevarán a París siguiendo el camino de El tiempo todo entero

Ensayo general de Fauna , la nueva creación de Romina Paula, en el Cultural San Martín. Romina se ubica en la última fila, cerca de Alicia Leloutre, encargada del diseño espacial. "¿Hacemos cortes o vamos directo?", pregunta. "Toda, vamos directo", redobla la apuesta Pilar Gamboa, y se sube a un caballete con una montura arriba. A cabalgar entonces.

A dos días del estreno que se produjo el jueves pasado, el tercer trabajo de la Compañía El Silencio toma forma. Recordemos: Romina ya escribió y dirigió Algo de ruido hace y El tiempo todo entero , dos trabajos exquisitos que traspasaron las fronteras de una sala de Almagro para proyectarse en escenarios del mundo. Durante el ensayo, cuando el cruce entre Gamboa, Esteban Bigliardi (del grupo original), Susana Pampín (quien se sumó en el segundo trabajo) y Rafael Ferro (el "nuevito") alcanza densidades de un humor latente, Romina lo disfruta a sus anchas. "Suena medio patético eso de estar festejando mis propios chistes -dice ahora ella fiel a su estilo directo-. Igual, si no lo pasamos bien, estamos en el horno." Tiene razón. Fauna lleva horneándose desde hace cosa de un año y tres meses.

Ahora, a minutos de haber terminado el ensayo, señala: "El estreno es el principio de lo que la obra puede llegar a convertirse. Fauna es menos «sencilla» que El tiempo todo entero , tiene más capas, y todavía no sé hacia dónde puede llegar a ir. No creo que sepamos exactamente lo que estamos haciendo. El público dirá". Honestidad brutal. Típica reflexión suya muy por lejos de esa especie de marketing teatral en el que el actor o el director o el dramaturgo se sientan frente a un micrófono para "vender" lo suyo.

La misma honestidad de Esteban Bigliardi, uno de los actores fundadores del grupo. "Recién hubo momentos en que los sentí y, otros, en los que me iba. Pero es raro, es la segunda vez que hacemos un pasada con todo. Ahora sólo tengo ganas de fumarme un cigarro y tomarme una birra, es lo que pide el cuerpo", se ríe, mientras Matías Sendón y Sebastián Arpecella arreglan las luces para unas fotos de prensa. En sintonía con sus palabras, Pampín acota: "Fue un proceso intenso. Es raro, muy raro. Recién ahora estoy empezando a comprender el todo, aunque hay dimensiones que todavía no las comprendo". Dicen esto por fuera de la angustia. Todo lo contrario, como si el misterio por develar fuera el motor de la búsqueda.

"Por momento tengo la sensación de que ensayamos más de la cuenta", reconoce Romina Paula. Habría que explicar este asunto: Fauna debería haberse estrenado en octubre del año pasado en el Tacec, de La Plata. Cosas de la crisis económica en la provincia, aquello no se concretó. Hubo otro contratiempo: Esteban Lamothe, otro miembro fundamental del grupo (como cada uno de la compañía) tuvo que dar un paso al costado. Ahí fue cuando apareció Rafael Ferro.

El proceso para llegar a él fue sencillo. "Apenas leyó el texto, aceptó. Era un perfecto desconocido para nosotros, pero se entregó." El que se entregó ahora da su versión de los hechos: "Soy el nuevo y eso fue todo un tema. Más que un grupo, ellos son una familia; por lo cual, fue como reemplazar a un miembro de esa familia. De todos modos, me la hicieron fácil. ¿Yo? Superagradecido".

El personaje de Rafael, un tal José Luis, es el mismo que en un momento reniega de las historias de vida llevadas a escena. Es gracioso, porque lo dice un actor que, justamente, llevó a su vida a escena cuando Edgardo Cozarinsky montó Squash, e scenas de la vida de un actor. En plan asociativo, en el espectáculo Pilar Gamboa hace de una actriz. Una actriz que está elaborando un personaje para una película. Esa persona es Fauna ("una suerte de amazona, una mujer culta y salvaje", apunta la autora del montaje).

Para el programa de mano, Romina escribió: "No sé de dónde sale Fauna . Recuerdo, sí, haberme preguntado por el nombre de una calle, Concepción Arenal. Una calle que me habitué a nombrar sin pensar que era un nombre propio de una persona, con suficientes méritos como para dar nombre a una calle. Investigo a Concepción Arenal; me entero de que fue una escritora feminista de fines del siglo XIX, que, entre otras muchísimas cosas, se vestía de hombre para poder asistir a la universidad y a los círculos de poetas, para poder acceder a la vida cultural pública. Esta imagen me conmueve, la presencia de esta mujer de incógnito entre los hombres abre el umbral para muchas, ¿cuántos de esos hombres y muchachos no habrán sido en realidad mujeres haciendo de?".

En su día de cumpleaños, Romina, actriz recurrente del cine independiente, confiesa: "Tengo mucho amor por las palabras. De ahí las citas a poesías de Rilke que aparecen en la obra o las citas a obras que he leído y que un poco vienen a cuento de la reflexión sobre la representación. Por eso Shakespeare y Calderón, dos lugares comunes. Durante los largos procesos de ensayo de nuestras tres obras a lo que más tiempo dedico es al trabajo con los actores. Eso tiene que ver con la constante reflexión sobre qué es actuar".

Más allá de esa capa de reflexión metateatral, Fauna se presta a otras lecturas. En la obra, por ejemplo, el personaje de Bigliardi le dice al de Ferro: "Soy rudo, y me encuentro enamorado de usted, que es tan débil". A partir de esa declaración, cada personaje irá confesando su amor al otro. ¿Casi la contracara al personaje central de su novela Agosto, en la que una amiga declara su enamoramiento a su amiga muerta? "Puede ser, son temas que me convocan, que son parte de mi vida. Debe haber proximidades. Igual, en Fauna no quiero hacer un manifiesto sobre determinadas conductas sexuales. Quise que todo fuera posible. La declaración de amor entre ellos es como la pregunta de qué es amar y a quién amo."

Luego de sus presentaciones en el Cultural, el espectáculo se mudará a la sala Espacio Callejón. A los pocos meses, hará temporada en el Théâtre de la Bastille, de París. Primero la obra iba a llamarse Concepción Arenal . "Pero Concepción, concebir...; me parecía mucho", se ríe. Otro de los personajes se llama María Luisa, por ahí anda la Bemberg. "En el ensayo de recién me acordé de eso. Se ve que fui borrando las huellas", acota.

La que no borra las huellas al minuto después de la pasada es Pilar Gamboa. Con los ojos a pleno, dice: "Ahora siento alivio. Lo más difícil es estar de verdad en el escenario, desarrollar la escucha". Ella, como el resto, saben ocupar el escenario. Y, como pocos grupos, ellos conocen la situación de escucha, de estar atento a cada palabra, a cada silencio para, luego, desplegar sus mundos. La pieza transcurre en el litoral en una ligera referencia a Horacio Quiroga. "Su madre se llamaba Pastora Forteza, por eso el apellido de Fauna es Forteza. También quería elegir un nombre que fuera posible el masculino y el femenino, ya que ella va vestida tanto de hombre como de mujer."

Así se va armando una atmósfera en la cual se mezcla lo ficcional con lo real, lo diverso con el deseo y el humor, siempre, como agazapado. "Aunque cueste lograrlo, el humor es fundamental. Cuando estrenamos El tiempo todo entero, no se reía nadie. No estaba funcionando, era clarísimo. Acá, por momentos, nos pasa lo mismo. Si esta obra la ves entera y no te reís, es porque fracasamos."

Romina Paula es así. Ellos son así, tan directos y contundentes como cuando se suben al escenario.

Fauna
De Romina Paula
Cultural San Martín , Paraná y Sarmiento.
Funciones , de jueves a sábados, a las 21, y los domingos, a las 19 (desde $ 40)

Fuente: La Nación

El Principito

2013-05-20T23:00:00.004-03:00

El musical "El Principito" vuelve a reinar en la cartelera

La comedia musical realizada a partir del texto de Antoine de Saint Exupéry "El Principito", estrenada en 2003, regresa renovada, con un elenco encabezado por Alejandro Paker y puede verse en el teatro Coliseo desde el sábado 8 de junio.

El premiado espectáculo para toda la familia se convirtió en un éxito de taquilla al ser estrenado y fue visto por más de 100.000 espectadores en Buenos Aires.

El mismo equipo artístico liderado por Eduardo Gondell y José Luis Massa en la dirección general vuelve a traer a escena esta adaptación generosa en efectos audiovisuales, capaces de subrayar la fuerza de esta historia ya devenida en clásico.

El elenco se completa con los trabajos de Carlos March, Rodolfo Valss, Patricia Browne y Héctor Pilatti, entre otros profesionales del musical, con Thomas Valentín Lepera en la piel de El Principito.

Las funciones pueden verse a partir del sábado 8 de junio en el teatro Coliseo Marcelo T. de Alvear 1125, a las 17.30, y los domingos en el mismo horario.

Fuente: Télam

Los elegidos

2013-05-20T23:00:00.003-03:00

Una obra que tiene mucho de televisión

Los diálogos precisos con remates efectistas y una escenografía detallista acentúan la sensación de estar asistiendo a la grabación de una sitcom. Buenas actuaciones y un guión que cuenta una historia sencilla.

La nueva propuesta del Paseo La Plaza, Los elegidos, posee características similares al resto de la programación que actualmente tienen en cartel: obras que en el exterior, principalmente en Broadway o Europa, les fue bien; figuras convocantes por su nombre y presencia televisiva; una puesta escenográfica, de vestuario y de luces cuidada; y un director reconocido que hizo su paso previo por el circuito alternativo.
Seminar (así su nombre original en inglés) debutó en el Golden Theater, en la ciudad de Nueva York, el 20 de noviembre de 2011 y es la última obra teatral de la escritora, guionista, novelista y dramaturga Theresa Rebeck. En el 2012, Rebeck, a pedido de Steven Spielberg, fue productora ejecutiva y escritora de la serie Smash (en la Argentina se emite por Universal Channel).
En Broadway tuvo como protagonista, primero a Alan Rickman (el profesor Severus Snape, de la saga de Harry Potter) y más tarde a Jeff Goldblum (Jurassic Park, entre otras), en el rol del profesor Leonard. Luego de 191 representaciones bajó de cartel el 6 de mayo de 2012, según la Internet Broadway Database.
Para la propuesta local se convocó a Jorge Marrale, Benjamín Vicuña, Vicky Almeida, Manuela Pal y Lautaro Delgado. Daniel Veronese, a cargo de la dirección, suma una nueva obra a las del circuito comercial que viene llevando adelante y que incluyen Cock, Un tranvía llamado deseo, Los reyes de la risa y El descenso del monte Morgan, entre otras.
La historia de Los elegidos es sencilla: cuatro jóvenes aspirantes a novelistas se anotan en un taller de clases privadas a cargo de Víctor (Jorge Marrale), una figura literaria de prestigio internacional. Durante los encuentros semanales, este maestro intentará despertar al escritor en algunos casos, pero principalmente, al artista, que se esconde detrás del miedo y la inseguridad. Con métodos poco ortodoxos y con actitudes que sacan lo peor de cada uno. Así Víctor irá explorando en las capacidades de cada uno para intentar descubrir lo mejor y lo oculto.
Marrale conoce muy bien el escenario y se mueve con la soltura que brindan los años e interpreta el rol de Víctor casi de "taquito". Benjamín Vicuña, como Martín, logra una actuación correcta, al igual que Lautaro Delgado (Tomás). Manuela Pal (Nati), que interpreta a una mujer hermosa que utiliza la seducción como un arma para conseguir algo, abusa de esto, y falta encontrar el equilibrio entre una persona con inquietudes intelectuales con ganas de desarrollar una carrera de escritora y una "femme fatale". Finalmente, Vicky Almeida se destaca como Mara, con un personaje que equilibra y divierte.
Los elegidos, al igual que muchas de las obras de la dramaturgia actual, tiene mucho de elementos televisivos. En este caso particular es como asistir a la grabación de una sitcom, o comedia de situación, de la televisión norteamericana. Cada gag, situación o frase, espera una respuesta del público y en eso la dirección y las actuaciones son precisas. Los actores saben los momentos en los cuales tienen que hacer una pausa para que el público se ría o aplauda. Diálogos precisos con remates efectistas, una escenografía cuidada, detallista, acentúan esta sensación de estudio de televisión.

Fuente: Tiempo Argentino

Funciones: miércoles, jueves y domingos 20:45 hs. viernes 21:30 hs; sábados 20 y 22 hs.

Escandalosas

2013-05-20T23:00:00.002-03:00

Sin el esplendor de la revista porteña

Al teatro de revista no hay que pedirle profundidad. No es su intención tenerla. Estos espectáculos le ofrecen al público un combo para que vuelva a casa con una sonrisa: mujeres casi desnudas, plumas, luces, coreografías, monólogos de humor e interacciones con la gente.

Al teatro de revista no hay que pedirle profundidad. No es su intención tenerla. Estos espectáculos le ofrecen al público un combo para que vuelva a casa con una sonrisa: mujeres casi desnudas, plumas, luces, coreografías, monólogos de humor e interacciones con la gente. Siempre fue eso. Pero lo que distinguió históricamente a este género en Buenos Aires fue la calidad de cada cuadro: vedettes que, además, eran bailarinas, el mejor despliegue posible de escenografía y humoristas que se mantenían vigentes, estaban en contacto con el espectador y actualizaban sus discursos.
Muy poco de eso puede verse en Escandalosas, la revista que protagonizan Moria Casán y Carmen Barbieri, que se estrenó la semana pasada en la avenida Corrientes. Y si este espectáculo casi no tiene nada para mostrar de lo que fue el esplendor de la revista porteña, probablemente ningún otro lo haga porque Carmen Barbieri es una de las pocas "capocómicas" que quedan en la Argentina que conocen, entienden y promueven el verdadero teatro de revista.
Se pueden destacar algunos valores de Escandalosas: Mariana Jaccazio, una cantante, bailarina y actriz que no necesita ser mediática porque tiene talento. De hecho, cada vez que ella aparece en escena los cuadros tienen algo más que chicas lindas que miran al público con cara de barbies inanimadas. Además, está Carmen Barbieri, una de las protagonistas y directora de la revista, que lleva una experiencia incuestionable en el género. Todavía se anima a bailar a la altura de mujeres de 25 años, tiene ritmo, es histriónica, rescata su gestualidad y, sobre todo, aprendió a reírse de ella misma. Su vida es su monólogo y es todo lo que necesita para tener a la gente de su lado.
Moria Casán –la otra diva de este show– lleva años haciendo lo mismo en teatro. Se repite tanto que hasta a ella misma se la nota cansada. Su monólogo, en torno a frases del estilo "¿Cómo la atiende su marido, señora?", no tienen nada que aportar y ella lo dice en piloto automático, como un chico que dice de memoria las preposiciones. Sin ninguna renovación a la vista, el público recibe sin quejarse espejitos de colores.

Fuente: Tiempo Argentino

Teatro Tabarís.
Funciones: de miércoles a domingos, a las 21 hs.

Carlos Rottemberg, Javier Faroni, Pablo Kompel y Sebastián Blutrach

2013-05-20T23:00:00.001-03:00

“Con la misma fórmula, podés tener éxitos y fracasos”

Carlos Rottemberg, Javier Faroni, Pablo Kompel y Sebastián Blutrach hablan sobre la dificultad de saber en qué invertir, su vínculo con el teatro independiente, las causas de la mala temporada de verano y la relación del teatro comercial con los subsidios.

La del teatro es una de las industrias más importantes de Buenos Aires. Basta con decir que hay más de 1000 estrenos por año sólo en Capital Federal para entender la importancia de esta actividad que se manifiesta de distintas formas y en distintos circuitos. Uno de ellos, quizás el de más relevancia mediática, es el comercial. Como muchas otras industrias, la de este tipo de teatro –que es aquel en el que interviene la figura de un productor, ausente en el teatro oficial e independiente– está constantemente regulada por el contexto económico del país. Pero también por el gusto de un público que es cambiante y cada vez más crítico. De ahí que la tarea de quienes deciden entrar en este mundo no sea nada fácil.

Los empresarios del teatro comercial –que está prácticamente circunscripto a la emblemática calle Corrientes– están nucleados en la Asociación Argentina de Empresarios Teatrales, la Aadet, una organización “gremial, mutual y social”, tal como la definen sus socios. Tiene por objetivo brindar respuestas a los fuertes cambios culturales y tecnológicos que sufre la actividad y apoyar a aquel que desee involucrarse en ella, entre otras cuestiones (ver recuadro).

Con el objetivo de conocer el funcionamiento de esta industria que posiciona a Buenos Aires como una de las capitales culturales más importantes del mundo, Página/12 reunió a cuatro de los más prestigiosos empresarios teatrales, todos miembros de Aadet, para que cuenten sus experiencias. Así, Carlos Rottemberg, Javier Faroni, Pablo Kompel y Sebastián Blutrach hablan sobre su oficio y profesión: la dificultad de saber en qué invertir, su relación con el teatro independiente, las causas de la mala temporada teatral de verano y la relación del teatro comercial con los subsidios, entre otras cuestiones.

–Luego de tantos años de experiencia, ¿saben qué puede funcionar?

Carlos Rottemberg: –No. Es todo muy azaroso. Hace 38 años vendí mi primera entrada de teatro y ahora tengo más inseguridades que entonces sobre qué funciona y qué no. Es una profesión que se maneja a prueba y error. No hay un estudio de marketing que con certeza te diga en qué te conviene invertir. De hecho, con la misma fórmula un productor tiene éxitos y fracasos. Y no es que trabaje diferente, es simplemente que la magia y los condimentos que tiene un espectáculo en un caso funcionan y en otros no. Eso hace que los estrenos sean muy expectantes y te convierten en un jugador a la hora de apostar las fichas a un título, un elenco o un director.

Pablo Kompel: –Es mucho azar, no hay fórmulas. Pero de alguna forma la experiencia ayuda. Lo que no quiere decir que por tener más años en esto uno esté exento de sufrir fracasos, pero sí la experiencia ayuda a minimizar el impacto cuando las cosas no funcionan.

Sebastián Blutrach: –Yo con los años creo que es importante hacer obras que generen nichos de público, porque eso te garantiza que por lo menos cierto sector teatrero va a ir. Después si arrastra a otros grupos de público, buenísimo. Lo más difícil es hacer algo abierto, para todos. Pero creo que con la experiencia cada vez nos equivocamos menos.

–Y a la inversa, ¿han podido identificar algo que seguro no funciona?

Javier Faroni: –Es que eso tiene mucho que ver con el público, por eso hay que estar alerta y actualizado sobre lo que le gusta a la gente en determinado momento, que puede variar de temporada a temporada. Hace unos años, los actores reconocidos eran una garantía para hacer un éxito. Ponías a dos actores taquilleros y la gente iba. Pero hoy ni eso te asegura nada. Cambió mucho todo. Incluso hoy a veces funcionan cosas de actores que recién inician su carrera o que no son tan conocidos, pero que se juntan y hacen algo de calidad.

–¿Cuándo deciden que es un buen momento para bajar una obra de cartel?

C. R.: –Es el público el que determina esas cosas. Los empresarios no decidimos cuánto dura una obra. Lo hace la planilla diaria que indica cuánta gente fue al teatro y qué precio pagó. Como la matemática, esos son números que no podés manejar, por más que después salga el actor en televisión a decir que le está yendo bien.

J. V.: –Yo creo que uno sabe cuando algo es irremontable y que en ese caso uno debería bajar la obra lo más rápido posible por una cuestión económica y de energía. Claro que a veces no hay acuerdo entre todos los que componemos un espectáculo y para bajarla tenemos que ponernos de acuerdo. Cuando se da una situación de fracaso, yo siempre trato de cubrir al actor que es quien más expuesto está frente a eso.

–¿Por qué hay menos obras de autores nacionales en el teatro comercial?

S. B.: –Porque las obras extranjeras tienen mayor aceptación por parte del público, aunque no sean mejores que las nacionales. Lamentablemente, para hacer teatro nacional y que el público lo acepte hay que saltar una barrera. Al cine le pasa lo mismo. Es una lástima y no hay fundamentos porque, al igual que el extranjero, hay cine y teatro nacional malo y bueno. No siento que sea culpa de los productores. A nosotros nos llegan a las manos distintas obras y, si están buenas, las hacemos, incluso si son nacionales. Como el teatro es universal y globalizado podemos elegir entre obras de todo el mundo con lo cual es normal que no sea todo nacional. De todos modos, con la traducción y adaptación cualquier texto extranjero se vuelve un poco nacional.

C. R.: –Yo no estoy de acuerdo con que hay menos autores nacionales. A lo mejor no habrá tantas obras de texto, porque hay una falta real de títulos de autores nacionales. Pero andá a decirles a los Midachi o a Les Luthiers que no son argentinos. A Pepe Cibrián, a Martín Bossi, a Carmen Barbieri. ¿Cómo le explicás a Flavio Mendoza que Stravaganza no es un espectáculo nacional? ¿Y a Enrique Pinti y Antonio Gasalla? Encima son los títulos más exitosos de la calle Corrientes. Después, lo que se tome como dramático o no dramático y lo que le guste a cada uno es otro tema.

–¿Creen que hay que ser amante del teatro para poder triunfar en esta profesión?

C. R.: –Estoy convencido de que sí. Para estar en este negocio, tenés que ser más teatrista que empresario y a la vez más psicólogo que teatrista. Porque nuestra mercadería, por llamarla así, son seres humanos. Los paracaidistas de la profesión, esos que duran poco, fallan porque no entienden eso y lo toman como algo netamente comercial.

J. F.: –Te tiene que gustar el teatro, sin duda, porque esta profesión parece fácil y divertida pero tiene muchas horas de trabajo encima, y si no te gusta, se te hace difícil. No es un negocio en el que sea fácil entrar. Tenés que tener una gran frialdad para poder aceptar que inevitablemente alguna vez vas a perder.

–Y particularmente, ¿les gustan todas las obras que producen?

J. F.: –Para nada. Hago mucho teatro que no me gusta. Otros productores sé que no, pero yo trato de hacer el teatro que le gusta a la gente, no el que me gusta a mí, porque a mí en definitiva lo que me gusta es producir teatro. Después tengo mis gustos, pero es algo mío como espectador, no influye en la inversión. Por eso soy bastante amplio y puedo hacer una revista, un musical, una comedia o una obra dramática.

P. K.: –Hay géneros o cosas que yo no hago porque no me gustan y porque en definitiva cuando uno hace cosas que no le gustan rara vez le salen bien. Dentro de lo que produzco hay cosas que me gustan más o menos, claro, pero no produzco revista, por ejemplo, porque no sabría cómo hacerla, me saldría muy mal. No tiene que ver con un juicio de valor, sino que es una cuestión de dónde se para cada uno.

–¿Cuál es su relación con el teatro independiente?

J. F.: –Tengo mucho respeto por el teatro independiente. Valoro el trabajo que hacen, son los que viven el teatro más crudo. Lo que sí, no veo tanto teatro de ese circuito. Es una deuda que tengo. Decidí producir mucha cantidad y eso no me permite poder ver muchos espectáculos. Pero, más allá de eso creo que el circuito comercial se nutre del independiente, toma de él mucha gente que luego es baluarte de sus producciones. En lo que no creo es en los prejuicios que hay de ambos lados hacia el otro. Todo es arte.

P. K.: –Yo soy público del teatro independiente, me gusta, me parece una de las características mas vitales de la escena de Buenos Aires y una cantera de talento impresionante a nivel actores, directores y autores. Un lugar muy positivo para la vida teatral.

–Cuando se revisa lo que pasó del año se hace inevitable hablar de la temporada de verano. ¿Por qué creen que funcionó tan mal?

C. R.: –Hay que aclarar que funcionó mal en la costa atlántica. En Capital Federal el nivel de espectadores subió el 2% y en Carlos Paz el 1% con respecto al año pasado. Por eso no hay que hablar de que bajó el teatro, sino que bajó la costa en general. Particularmente, después de 38 años, sé medir cómo está la calle marplatense, los turnos de comida, el tránsito. Y este año hubo menos gente. Yo se lo atribuyo particularmente al clima, porque si fuera un problema económico no se explica lo que pasó en otras partes del país con la actividad. Pero si en octubre le decís a la gente que va a haber mal clima, la ciudad balnearia pincha. Y es lo que pasó.

J. F.: –Fueron muchas las variables para pensar lo que pudo haber ocurrido. Principalmente pasó que la gente fue menos días a Mar del Plata y tuvo menos noches para decidir qué hacer, y eso a nosotros nos mató. A la vez hubo mucha actividad gratuita y de bajo costo, estuvo el fútbol de verano, la Fragata Libertad. Un montón de variables que hicieron que la gente eligiera una opción de teatro y no dos o tres como otros años.

–¿No creen entonces que tuvo que ver con el precio de las entradas?

C. R.: –La entrada al teatro en Mar del Plata fue la plaza más barata en precio promedio per cápita comparado con Buenos Aires y Carlos Paz. No subió en relación con el año anterior.

J. F.: –No, porque aumentamos menos de lo que aumentó el costo de vida. El tema de que el teatro está caro está muy instalado y es difícil dar vuelta eso. Pero no considero que esa sea la razón principal. Porque de hecho a los espectáculos más baratos la gente tampoco fue y los que tuvieron más público fueron los más caros. Además, los precios de las entradas hace cinco años que no suben al ritmo que venían subiendo.

P. K.: –Estamos viviendo un proceso inflacionario y las entradas de teatro, como otros productos, suben porque suben los costos, los insumos, los sueldos de los personajes involucrados, los costos de la publicidad. Comparado con las necesidades más urgentes y básicas, el teatro es un bien secundario, lógicamente, pero comparado con muchas otras actividades creo que el precio de las entradas tiene su razón de ser.

–En medio de esta crisis del verano se habló de que el gobierno provincial, a través del Instituto Cultural de la provincia de Buenos Aires, que preside Jorge Telerman, otorgara subsidios a los espectáculos teatrales. ¿Por qué rechazaron masivamente esa propuesta?

C. R.: –En lo personal, no lo podría haber aceptado porque entiendo que el riesgo empresario no debe depender del Estado. Sobre todo cuando desde los años 50 hay una eximición de impuestos como contraprestación a que por ley los edificios teatrales no se puedan dedicar a otra cosa que no sea el teatro. Con las urgencias que sabemos que tiene la comunidad me parece que eso no estaba bien. No se puede ser capitalista para el éxito y socialista para el fracaso.

S. B.: –Sí me parece maravilloso que haya iniciativas para apoyar al teatro independiente, a grupos, salas y espacios a los que les cuesta mucho mantenerse. En ese caso cualquier iniciativa puede ser buena.

–¿Creen que la actividad teatral, por lo menos la comercial, puede crecer más o ya llegó a su techo?

P. K.: –Como todo, es un mercado que se maneja de acuerdo al contexto. Creo que puede crecer en tanto y en cuanto crezca la economía del país. Y también en cuanto nos preocupemos todos por renovar al público, por generar la buena costumbre de ir al teatro. Además el crecimiento o decrecimiento no sólo está ligado a lo que podamos hacer quienes trabajamos de esto, sino que también depende de los estándares de educación y formación del país. Si eso funciona bien, entonces probablemente el teatro ande bien.

Fuente: Página/12

Quién es quién en la escena
Un colectivo actualizado
La historia de la actividad

El crítico (si supiera cantar, me salvaría)

2013-05-20T23:00:00.000-03:00

Duelo existencial en torno de la creación artística

Obra de Juan Mayorga, dirigida por Guillermo Las Heras e interpretada por Pompeyo Audivert y Horacio Peña.

A una especie en extinción como el crítico, en este caso de artes escénicas, el autor español Juan Mayorga le solicita nada menos que calibrar la verdad. Sin embargo, la apuesta sube. Volodia (Horacio Peña) y Scarpa (Pompeyo Audivert), los personajes de El crítico (si supiera cantar, me salvaría), son los engranajes de una máquinaria argumentativa sobre el teatro, las consecuencias del éxito, el ego, las instancias de legitimación; y sobre todo, las decisiones que marcan un rumbo definitivo a la vida y la creación artística.

“ Estoy harto de obras de teatro que tratan de teatro ”, dirá Volodia. Y con esto, un espectáculo que inicialmente refleja su propia problemática en el medio, se abre hacia una resonancia universal. Lo que finalmente acontece en escena es el cruce de dos hombres que han tomado un dirección, pero que se cuestionan acerca qué hubiese pasado si viraban sus existencias hacia otras coordenadas. En esa pregunta, que conduce inevitablemente al vacío, ambos se retroalimentan. Y de fondo, surge la figura de una mujer ausente.

El crítico ... nos muestra un duelo existencial montado en un formato de cámara bajo la dirección de Guillermo Heras. Las palabras conforman una materia espesa que fluye, desde la puesta y el trabajo actoral, con sutiles procedimientos ligados a la comedia y al thriller. ¿Cuál es el verdadero sentido del encuentro, cerca de medianoche, entre dos tipos que bajo un manto de cordialidad están a punto de sacudirse sin miramientos? ¿Qué sucede con esa mujer que se instala entre ambos como territorio deseante?

Volodia (Peña), crítico de un diario, es visitado en su departamento por Scarpa (Audivert), un autor multipremiado que acaba de estrenar su última pieza, sobre la cual se debe escribir. Desde los nombres, los personajes son entidades compuestas por capas de sentido, no hay una identificación concreta. Pero nos brindan señales. Estamos frente a un crítico teatral de otra época que no participa en la amansadora de una redacción. Volodia tiene su ritual: escribe en el libro de contabilidad de un teatro que tuvieron sus padres. Su labor, en la práctica, está cerca de los informes de lectura de Roberto Bazlen: alguien que moldea con justeza sus impresiones inmediatas y sigue aquello de que “pensar es distinguir”. Scarpa no busca una buena devolución. Va por más: sostener un diálogo crítico y en eso correr el riesgo de fulminarse como autor. Tanto Peña como Audivert abren el andarivel interpretativo que sostiene este duelo con una potencia contenida. Son argamasa de dos criaturas que llegan a fondo con una verdadera pregunta, es decir, aquella que los moviliza hasta la desintegración de sus certezas.

Fuente: Clarín

Jorge Marrale y Benjamín Vicuña: Los elegidos

2013-05-19T23:00:00.011-03:00

"La propia producción es la legitimación de lo que uno hace"

Maestro y alumno de un taller literario, esos son sus personajes en Los elegidos, la obra que se estrenó esta semana en el Paseo La Plaza con la dirección de Daniel Veronese. Una pieza sobre el éxito, el goce, la envidia y el compañerismo.

Para hablar del éxito, de la necesidad de trascender, de la soberbia y la competencia feroz, el mundo de los escritores parece ser el ambiente ideal. Hay de todo: personas desesperadas por legitimidad, por pertenecer a una élite de intelectuales y quienes se pasan la vida intentando acceder a un estatus que nunca logran. De eso habla Los elegidos, el último gran estreno de teatro comercial, que tiene como protagonistas a Jorge Marrale y a Benjamín Vicuña. Una pieza para pensar qué queda de la vida de las personas, una vez que pasa el tren de exitismo.
Escrita por Theresa Rebeck, Los elegidos fue estrenada originalmente en 2011 en Broadway. Ahora, bajo la dirección de Daniel Veronese, el espectáculo tiene su impronta argentina y cuenta, además, con las actuaciones de Vicky Almeida, Manuela Pal y Lautaro Delgado. En la historia, cuatro jóvenes aspirantes a novelistas se inscriben en un taller de clases privadas con Víctor (Jorge Marrale), una figura literaria de prestigio internacional. Bajo su rigurosa y heterodoxa metodología de enseñanza, algunos brillan y otros se frustran, surgen y se rompen alianzas. Todos quieren alcanzar el éxito, pero sólo algunos serán elegidos por el profesor, las editoriales y luego por los lectores.

–¿Qué plantea la obra sobre la necesidad de alcanzar el éxito?
Benjamín Vicuña: –La obra se refiere al fascismo que hay de por medio en torno a qué es ser exitoso, para quién, a qué escala, qué conlleva eso. El maestro va sacando los perfiles de los alumnos, les dice: "Vos vas a escribir en televisión", por ejemplo. Y ahí se empieza a ver qué quiere decir el éxito para cada una de las personas. Para mí, la palabra éxito implica un fascismo porqu esiempre tiene que estar la exigencia de obtener un resultado. La necesidad de aprobación y el canibalismo entre los pares es lo que impera. No nos damos cuenta que lo más importante y lo más difícil de conseguir es la contención y la solidaridad.
Jorge Marrale: – En el taller literario aparecen los celos, las envidias y también aparece el compañerismo. Todo eso está vinculado al éxito. En ese sentido, la pieza es muy interesante porque claramente expone qué es la competencia. Lo expone en un núcleo compuesto por un maestro y sus alumnos, algunos ya escritores, pero en formación. El profesor tiene una gran influencia sobre ellos, no tiene filtro, si tiene que decir que es un horror lo que leyó, lo dice y lo justifica.
–¿El profesor les baja el ego a la tierra? ¿Los artistas necesitan eso?
J.M.: –Sí, totalmente. Este profesor no tiene filtro ni anda con florituras. No piensa en hablar con cuidado, para no dañar. Quiere que al otro le quede claro dónde está el error, pero no para dañarlo, sino para fortalecerlo. En el sentido de saber que si se esmera, puede alcanzar lo que quiere. De hecho, eso se consigue y después se ve.
B.V.: – Mi personaje tiene terror a publicar, siente que se va a develar su alma o algo así. Y el profesor es muy duro, muy honesto. Pero a la vez, los alumnos le muestran lo peor: la soberbia, el ego. Se habla de cómo algunos son capaces de matar por ganar un espacio. Además, se plantea un diálogo generacional sobre cómo se percibe la competencia o la lealtad para los jóvenes y cómo lo vive el personaje del maestro. Yo creo que se habla del ego del mundo literario pero se pueden sentir identificadas muchas personas, porque al final se habla de las grandes pasiones humanas, que se ven expuestas.
J.M.: –Coincido con la cuestión generacional. A mí me gustaría mucho que a esta obra la vean los jóvenes, porque hay algo de pasar la posta de las generaciones que es muy interesante. Yo soy de una generación donde veíamos con claridad cuándo se pasaba la posta. Yo soy maestro de teatro, me doy cuenta lo que es pasar la posta, me doy cuenta cuándo el talento brilla y cuándo ese talento no puede salir. También registro las cosas que uno hace para que el otro lo pueda sacar. Hay veces que se puede y otras no. No siempre se puede atrapar el talento. El famoso "por qué a él sí y a mí no". Pero yo, en esos casos como maestro, me pregunto y se los digo a mis alumnos: qué pasa con el carácter, con la pasividad, con el temor, la crítica y la autocrítica severa que muchos tenemos.

El estreno Los elegidos también implica el regreso a la actuación y al trabajo de Vicuña, luego de sufrir el 8 de septiembre del año pasado la muerte de su hija Blanca, de seis años, a causa de una neumonía. "El teatro es un lugar de contención y de amor. Es una escala que me llena. Y hoy –más que nunca– es un lugar donde yo me puedo desconectar. Siento que en el escenario el tiempo se detiene, eso lo agradece el cuerpo y el alma", dice Vicuña en la intimidad de los camarines.

–¿Para un actor el teatro es la mejor manera de legitimarse como artista?
B.V.:–Es muy interesante poder vivir otras vidas, aunque suene grande y pretencioso, pero tiene algo de eso. Para hacer teatro hay que tomar riesgos, hay un alejarse de la realidad voluntario. Ahí uno mide cuán loco está. El teatro es, lejos, de todo lo que me ha tocado probar, el lugar más vivo de todos. Por eso pienso que no va a morir nunca. Es lo que más vivo está, tanto para el actor como para el público. Además, siempre va a los orígenes, a la tradición oral, al boca en boca. Una obra de teatro puede trascender la mera representación.
J.M: –Todos necesitamos de la mirada del otro. En el teatro, eso se ve con claridad. La parte más profunda para mí de la pedagogía y la actuación es brindar herramientas, para que uno pueda conseguir las cosas por sí mismo. El que menos se puede engañar es uno. Te puede engañar un profesor, un compañero, pero la propia producción es la legitimación de lo que uno hace. Eso es lo que pasa en esta obra. Hay un personaje que nunca muestra nada, pero sí cuestiona y comenta. Hasta que se llega a la mitad del curso y el profesor le dice: "¡Bueno estoy harto, vos no mostraste nada!" Ahí surge una revelación.
–¿Finalmente se llega a la conclusión de que hay algunos que son los elegidos y otros no?
J.M.: –Si bien hay uno que va a ser un poco el elegido, todos van a tener su posibilidad. El maestro se las da a todos. Mi personaje da su apreciación, al comienzo de la obra, plantea que las personas están invernando. Sus alumnos le hablan del mundo y él dice ¿de qué mundo me hablan? Estamos en un estado de dormidera. Durmiendo una siesta larga. Considera que se vive con tibieza, que hay una gran falta de compromiso, como que todo está flotando en una especie de nada. Mi personaje quiere llevar una vida salvaje, se va de viaje a Somalía, dice que va a buscar cosas que estén vivas. Se queja de un estado de somnolencia permanente y sobre la base de eso, él acciona, los quiere despertar. Les pregunta ¿qué son? Y me parece que esa es una pregunta que nos podemos hacer todos. ¿Qué somos? Acá hay un personaje que tiene dos opciones: es un escritor del carajo o un cobarde de la san puta. «

Mantener la esencia - {vicuña}

Trabajar en esta obra de teatro junto a Jorge Marrale y bajo la dirección de Daniel Veronese fue uno de los motivos que terminó de convencer a Benjamín Vicuña para volver a la Argentina. El otro es Farsantes, la tira de Pol-ka que se estrenará en junio por El Trece, y en la que el actor chileno es uno de los protagonistas. Vicuña comparte elenco junto a Julio Chávez, Facundo Arana, Griselda Siciliani y Alfredo Casero.
"Esta tira es un proyecto muy jugado. Estamos motivados, con una propuesta diferente, radical, novedosa", dice Vicuña. "Poder trabajar con Chávez, Marrale y Veronese fue una propuesta muy inspiradora. Me encuentro en un momento en el que estoy rodeado de referentes y enfrento el desafío con mucha humildad. Estoy aprendiendo, a mis 34 años, e intentando nunca dejar de perder esa condición de asombro y de humildad frente a los proyectos", sostiene.
A pesar de tener un costado más mediático por ser el esposo de la famosa modelo Pampita, Benjamín Vicuña mantiene su bajo perfil y su vocación por el arte. De hecho, el actor es licenciado en Arte con mención en Actuación Teatral en la Universidad de Chile. Desde que egresó, en 2000, participó en más de 20 obras, incluyendo grandes clásicos como La Gaviota de Chéjov. Además, es el fundador del centro cultural más importante de Santiago de Chile, el Centro Mori. Vicuña está orgulloso: "Es el centro cultural con mayor capacidad, mayor número de butacas, se caracteriza por tener una oferta variada y diversidad de salas. Producimos nuestras propias obras. Ahora, tenemos en cartel Gorda y Un dios salvaje, que fueron grandes éxitos en Buenos Aires. También hay producciones independientes, tenemos un espacio para el teatro alternativo. Es algo que me llena de orgullo, me gusta poder sentir que pude hacer un aporte a mi origen, que es el teatro. Yo pegué el puntapié inicial: alguna vez soñé con tener una escuelita de teatro y el proyecto fue creciendo y creciendo, hasta que se convirtió en eso."

Bailar en conjunto - {marrale}

Para Jorge Marrale, aceptar trabajar en Los elegidos implicó una separación: la de abandonar a sus tres compañeros de teatro desde hace más de 20 años: Juan Leyrado, Darío Grandinetti, Hugo Arana. Junto a ellos, el actor comenzó a trabajar en 1991 con el espectáculo Los mosqueteros del rey y de ahí siguieron en una serie de éxitos teatrales como fueron Los Lobos, Baraka y hasta no hace mucho tiempo Mineros. Ahora, cada actor sigue con su camino por separado.
"Son muchos años. Cuando me entregan esta pieza y me doy cuenta de que no voy a estar con ellos, fue muy fuerte. Pero bueno, en algún momento teníamos que volver a hacer la individual cada uno. Es muy difícil encontrar obras para cuatro actores. Afortunadamente, los cuatro estamos trabajando, lo cual para mí es fundamental", dice. Abandonar a sus compañeros significó entrar en un nuevo registro actoral. Marrale lo explica: "Fue un desafío. Estaba muy acostumbrado a trabajar con ellos, yo sabía lo que pensaba el otro antes de que hablara. Acá lo que sucedió fue maravilloso. Tuve que volver a conectarme con los compañeros. A los otros ya los conocía. A estos los tuve que descubrir. Además son compañeros jóvenes, con una dinámica fabulosa. Están todos con un estado de actuación muy lúdico, predispuetos, son muy libres."
También es la primera vez que Marrale trabaja bajo la dirección de Daniel Veronese. "Hacía tiempo que quería que me dirigiera. Él trabaja de a puchitos. Se nutre de los actores y nos nutrimos mutuamente. Yo aplaudo su metodología. He pasado por direcciones donde ya tienen todo armado y vos vas a bailar la música que te ponen. Veronese baila con la música de todos. Finalmente, termina haciendo una composición de la música de todos. Esto fue lo que sucedió. Pudo construir una melodía y nosotros estamos bailando esa melodía. Nunca se puso obsesivo, nunca fue resultadista. Logró un resultado colectivo", afirma, y justo llega el tan aclamado director al teatro. "Estaba hablando de vos", le dice Marrale. "Me parece que me caés muy bien."

¿Cuándo? - FUNCIONES

Los elegidos se presenta miércoles, jueves y domingos 20.45 hs. Viernes 21.30 hs. Sábados 20 y 22 hs. Paseo La Plaza: Av. Corrientes 1661.

Fuente: Tiempo Argentino

Iris Pedrazzoli: Lírica

2013-05-19T23:00:00.010-03:00

“Una utopía que predica el cultivo de la sensibilidad”

IRIS PEDRAZZOLI, DIRECTORA

–¿Cuál es la historia de Lírica?
–Parte de la historia real de dos niños en una escuela de bajos recursos, protagonistas de una terrible historia común y una férrea amistad casi indestructible, con sus madres, atrapadas por la violencia como única estrategia de supervivencia, y de una directora de Escuela que descubre, en esos niños, una poderosa voz emergente.
–¿Cómo se representa la violencia que se vive en esas casas?
–La historia se desarrolla en la escuela, como el espacio de transformación que debiera ser, y a partir de allí se construye una metáfora, símbolo de la realidad social de nuestro tiempo, poniéndonos a reflexionar sobre la civilización que estamos construyendo.
–¿La directora logra “sanar” o al menos atenuar esa situación?
–La directora se enfrenta en la solidaridad y o en nuestra capacidad de conmovernos y actuar por el dolor del otro, sino además en la resistencia a nuestra propia barbarie. Una utopía que predica el cultivo de la sensibilidad humana para lograr ese mundo mejor.
–¿Cómo decidió trabajar sobre este texto de Gustavo Ott?
–El texto del prestigioso y premiado autor venezolano Gustavo Ott cumplía nuestras expectativas en cuanto a las temáticas que nos place poner en escena y coronaba con una escritura llana, concreta y abierta que consideramos atractiva para el público en general.

Lírica se presenta los domingos a las 20:30 teatro del Abasto, Humahuaca 3549.

Fuente: Tiempo Argentino

Tierra del Fuego e Hipnosis, enredaderas, desastres

2013-05-19T23:00:00.009-03:00

Tierra del Fuego

Veintidós años después de un atentado en el que resultó herida y su mejor amiga muerta, una ex azafata israelí decide visitar y encontrarse con el terrorista, que está detenido en una prisión de Londres, condenado a cadena perpetua. Tierra del Fuego se propone reflexionar sobre la necesidad de escuchar la narrativa del otro, del enemigo, como condición necesaria para iniciar un diálogo. Una historia de nuestro tiempo, cuyo significado excede el limitado contorno del conflicto del Medio Oriente. Del dramaturgo y periodista Mario Diament, sobre el conflicto palestino–israelí, con la dirección de Daniel Marcove y las actuaciones de Pepe Monje, Alejandra Darín, Ricardo Merkin, Elena Petraglia, Miguel Jordán y Juan Carlos Ricci. Inspirada en un hecho real.

Sábado 18 de mayo a las 20 y domingos a las 19.30 en El Tinglado Teatro, Mario Bravo 948.Reservas: 4863-1188. Entrada: $ 120.

Hipnosis, enredaderas, desastres

Un hombre en la mitad de su vida sufre una crisis abrasadora. Decide entonces probar un tratamiento olvidado: la hipnosis. Su mente y su alma desplegados ante nosotros como aquellos dioramas de libro de nuestra niñez, en donde al abrir las páginas nos encontrábamos con una galaxia infinita y táctil. Nadie está solo en los desastres. Secretamente alguien nos acompaña. Lobos, ciervos, zorros, búhos. Todo un bosque nos socorre. Pero a los desastres hay que atravesarlos, sea como fuere. De Nacho Ciatti, con José Escobar, Mauricio Minetti, Cecilia Blanco, Paula Pichersky, Laila Duschatzky, Nacho Bozzolo. Esta obra formó parte del Proyecto Manual del Centro Cultural Rojas.

Jueves a las 22 en El Portón de Sánchez, Sánchez de Bustamante 1034. Reservas al 4863-2848. Entrada: $ 70.

Fuente: Radar