BLOG TEATRO

Maruja Bustamante: Una forma más honesta

2023-10-30T14:32:00.002-03:00

“El amor aparece y se queda, o se va o se transforma”

Maruja Bustamante habló con Blog Teatro sobre “Una forma más honesta”, una obra sobre “un amor de tres”, con la que despliega más preguntas que certezas en torno a los vínculos sexoafectivos.

Por Hernán Salcedo

“Mucha gente sueña con vivir en la abundancia del amor, el sexo y la amistad. Algunas personas creen que es imposible vivir una vida así y se conforman con menos de lo que desean, sintiéndose siempre un poco solas, un poco frustradas. Otras tratan de alcanzar su sueño, pero lo frustra la presión social del entorno o sus propias emociones, y deciden que esos sueños deben quedarse en fantasía”. Así comienza el libro “Ética promiscua”, de Dossie Easton y Janet Hardy, que funciona como puerta de entrada a la obra teatral “Una forma más honesta”, escrita y dirigida por Maruja Bustamante.

La protagonista convive con su pareja en una relación abierta. Llevan una vida cotidiana tranquila pero ella siente que algo en la comunicación no funciona y que la relación se entibió. Con la llegada de Dulce, se suceden escenas, pensamientos y preguntas sobre el amor, sus límites y sobre los límites en general. Todo esto con una particularidad: la obra está montada sobre un arenero y la historia transcurre bajo la mirada de un gato que, con el libro mencionado bajo el brazo, por momentos olfateando entre sus páginas, analiza y cuestiona las satisfacciones y las heridas que provoca el amor entre humanos.

Se dice que los gatos son sabios y sanadores. En este caso, será precisamente el encargado de ordenar las inquietudes, las aventuras y las lágrimas de los personajes de la historia en su esfuerzo por revolucionar la intimidad y construir una forma de amar más honesta.

Carolina Angriman, Aldana Illán, Nahuel Vec y Liliana Weimer se lucen como intérpretes de una puesta en escena íntima y simple que salta de los diálogos entre los personajes a sus pensamientos privados, con escenas emotivas en medio de un clima humorístico y con toques musicales. Dosis de melodrama y de pop con el sello de Maruja Bustamante.

En charla con Blog Teatro, la escritora y directora recordó que la obra nació cuando Valeria Casielles le pidió una obra “con sensibilidad feminista” y, luego de pensarlo un poco, se lanzó a contar esta “historia de amor de a tres”.

¿Qué idea del arte está detrás de tu manera de hacer teatro?

Desde mi primera obra escribo desde lo que viví y vivo. Soy muy observadora. Cuando era chica me callaba para mirar el mundo y tratar de comprenderlo.

¿Cómo se relacionan tus experiencias personales con tus creaciones teatrales?

Siempre escribo ficcionando. Cuando conocí a Vivi Tellas me animé a ficcionar un poco menos. Pero nunca falta un poco de ficción como para hacer el acontecimiento un poco más lúdico. No me gustan tanto las ideas como los impulsos, prefiero que el razonamiento me alcance avanzada la escritura o el desarrollo de un proyecto.

Según la obra, ¿existen respuestas a la pregunta sobre cómo construir un vínculo amoroso?

La obra solo tiene preguntas, algunas pocas certezas que tienen que ver con lo que cuenta la obra en sí. No creo que haya una forma de manifestarse sexoafectivamente. Sí me parece que es un tema que nos atraviesa transversalmente con más o menos cinismo.

¿Cuáles son las claves para sostener el amor?

No quisiera dar definiciones. A la protagonista de la obra le parece que está bien autorregularse, ponerse límites y poner límites, pero lo comprende tarde. El amor, yo creo, no se sostiene. Aparece y se queda, o se va o se transforma.

¿Por qué elegiste a un gato como personaje? ¿Frida existe en la realidad?

Frida existe. No se llama Frida pero existe. A mi me gustan mucho los gatos, los quiero un montón.

¿Qué características de los gatos tomaste al sumar este personaje a la historia?

Tomé todas las características de los gatos que se me vinieron a la cabeza, pero sobre todo de su sabiduría. Se dice que los gatos son sanadores y la verdad que en mi experiencia hubo gatos que me sacaron de sentimientos pesimistas o miedos. También me gusta su independencia afectiva. Son muy cariñosos pero no se doblegan por amor.

Las funciones de "Una forma más honesta" son los martes, a las 21, en NÜN Teatro Bar, Juan Ramirez de Velasco 419, CABA.

Una forma más honesta

Dirección y dramaturgia: Maruja Bustamante

Actúan: Carolina Angriman, Aldana Illán, Nahuel Vec, Liliana Weimer

Vestuario: Maruja Bustamante y Valeria Casielles

Ilustraciones y diseño gráfico: Antonella Andreoletti

Diseño y realización de escenografía: Pia Drugueri

Diseño de luces: Jorge Thefs

Música original: José Ocampo

Fotos: Lau Castro

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Asistencia de dirección: Tefi Saragusti

Producción ejecutiva: Valeria Casielles

Duración: 70 minutos

Lo que se viene

Maruja Bustamante se encuentra dirigiendo “Potencia Gutiérrez”, una obra que también escribió y que será estrenada en noviembre en el Teatro Nacional Cervantes.

El alemán que habita en mí

2023-09-22T20:00:00.006-03:00

"Es una fiesta, o el intento constante de un hombre común por reconstruir aquello que pudo haber sido, o todas las vidas de la vida de un pequeño hombrecito que está en guerra contra el tiempo voraz y los magnéticos recuerdos que se desvanecen como si despertara de una feliz pesadilla, o también la desenfrenada vida de excesos de un padre de familia viviendo en una casa entre extraños".

Así se presenta la obra "El alemán que habita en mí", con dirección y dramaturgia de Alejandro Radawski, que continúa presentándose en Beckett Teatro.

Las funciones son los domingos, a las 19, en Guardia Vieja 3556, CABA.

Actúan Carlos Kusznir, Milagros Martino, Jesica Aixa Sosa, Luisina Ponse, Florencia Gonzalez Salgado y Patricio Pérez Piñero.

Estropicio

2023-07-24T18:24:00.001-03:00

El director Mariano Dossena y la escritora Patricia Suárez estrenan "Estropicio", una versión libre de "Hedda Gabler", clásico de Henrik Ibsen.

La pieza fue interpretada, entre otras, por artistas tales como Ingrid Bergman, Cate Blanchet, Isabelle Hupert y Cayetana Guillen Cuervo. Se estrenó por primera vez en Munich en 1891 y a Ibsen le llovieron las críticas por presentar a una protagonista incapaz de comulgar con las normas y la moral prefijada de la época.

"Hedda Gabler" es el estudio de una mujer obsesionada con el aburrimiento en que naufraga su vida, y de cómo se destruye a sí misma tras destruir, total o parcialmente, las vidas de los demás. Considerada una de las personalidades teatrales más complejas y dinámicas de todos los tiempos, en ella Ibsen deposita una refinada maldad unida a un intelecto brillante.

Hija del difunto Capitán Gabler, Hedda acaba de contraer matrimonio con un hombre a quien no ama: Jorge Tesman. Luego de una luna de miel poco romántica, Tesman pugnará por una cátedra junto a Lovborg -antiguo amante de Hedda-. Ella, con absoluta frialdad, aprovecha la fragilidad de Lovborg para provocarlo y luego rechazarlo. Esto será tan solo el inicio de su propio derrumbe.

Con actuaciones de Lucía Tapiola, Federico Dopico y Marcos Horrisberger, "Estropicio" se estrena el próximo viernes 28 de julio, a las 20.30, en El Método Kairos, ubicado en El Salvador 4430, CABA. Entrada: $3500.

La ventana del árbol y Ana Frank

2023-05-30T20:18:00.002-03:00

"La ventana del árbol y Ana Frank", de Gustavo Gersber, con adaptación y dirección de Marcia Alejandra Rago, se estrena el próximo sábado 3 de junio en Teatro Ana Frank.

A partir de una consigna escolar, Eva se pone en la piel de Ana Frank y reflexiona sobre la violencia, la discriminación, el odio y el amor desde de las propias palabras del Diario, sus sentimientos y el mundo que la rodea.

Tras conocer la historia, intenta averiguar cómo a ella le gustaría que sus compañeros la recuerden en un futuro.

Ana Frank fue la joven judía alemana que, escondida junto a su familia y otros miembros de la comunidad, registró en su diario íntimo los oscuros años de persecución por parte del régimen nazi.

Con idea original de Héctor Shalom y la actuación de Clementina Mourier, la obra podrá verse los sábados, a las 20, en Teatro Ana Frank, ubicado en Superí 2639, CABA. Entrada $2000 (incluye una visita previa al Museo a las 18.30, donde se encuentra una réplica del escondite donde estuvo la joven escritora). Jubilados, estudiantes y docentes: $1800.

“Me pongo una máscara y estoy en presencia total, entregada a la historia”

2023-05-05T08:14:00.000-03:00

Lourdes Herrera estrena este viernes “Estado de Gracia”. La poética del clown, la irreverencia de las máscaras, la potencia del teatro físico y las posibilidades de la ciencia ficción se ponen al servicio de un espectáculo que invita a cuestionar y desenmascarar el poder. En charla con Blog Teatro, la actriz especializada en clown, máscara y bufón, comparte la experiencia de un viaje geográfico y personal, se posiciona frente al sentido del arte y revaloriza el juego como experiencia de vida.

Foto: Federico Paiva

Por Hernán Salcedo

“La fórmula para la creación es simple. Basta identificar nuestros impedimentos y desembarazarnos de ellos, como dejamos en el suelo una maleta sobrecargada que hemos estado llevando desde hace demasiado tiempo. Si somos libres e imperturbables, como las nubes, cualquier creación que tengamos adentro saldrá para afuera en forma natural y simple”. La cita, que pertenece a “Free Play”, el ensayo de Stephen Nachmanovitch sobre la improvisación en la vida y en el arte, es una puerta de entrada para pensar la experiencia personal de la artista Lourdes Herrera que culminó en la obra que desde este viernes se podrá ver en el Archibrazo, en el barrio porteño de Almagro.

Es común recurrir a la metáfora del viaje para pensar los procesos creativos pero en este caso la aventura fue literal. La actriz había dejado la Argentina para vivir su sueño de mochilera cuando en una escala en San Cristóbal de las Casas, México, tuvo salmonella. “Fue porque tomé agua del grifo para el mate, cosa que en esa ciudad no se puede hacer porque la fábrica de Coca-Cola que está cerca contaminó y contamina a diario el agua, al punto de que ni para lavarse los dientes es recomendable usar”.

La enfermedad le abrió la puerta a otros malestares. Fue un golpe en el cuerpo que alcanzó niveles espirituales. Luego vinieron tres meses de recuperación, que incluyeron una estadía en la selva, en un rancho en Chilón, un tiempo que pasó entre dolores y reflexiones en torno al sufrimiento. “Lloré y sané”, resume, como quien aliviana el peso de su equipaje en pleno viaje.

Ese fue el inicio de un gran desafío. “Comprendí que tenía que escribir una historia que pudiera expresar algo de lo vivido -recuerda-. Traducir en arte el proceso que estaba haciendo, no contarlo literalmente”. Sentada frente a un gran ventanal que daba a la ladera de una montaña y ante el silencio desolador del paisaje surgió en papel un boceto de lo que hoy es “Estado de Gracia”.

Foto: Federico Paiva

Hizo funciones en medio de su travesía y cuando regresó a la Argentina convocó a Lucía Schaab, quien la acompañó como creadora y directora en esta nueva etapa del viaje, ahora sí metafóricamente creativo.

¿Cuál es el planteo general de este espectáculo?

En la obra se dan las circunstancias planetariamente exactas para que acontezca un hecho de ciencia ficción, que es que unas máscaras puedan tomar el cuerpo de un ser vivo para intentar lograr la paz mundial. Si lo logran pasan a ser seres sintientes. Si no, serán objetos inertes por toda la eternidad.

¿Cuántos personajes aparecen en escena y cómo se relacionan entre sí?

Interpreto tres personajes que se necesitan unos a otros para existir, para cumplir sus metas como esencias y sobre todo se precisan para descubrir sus propias verdades.

Ahí entra en juego el poder, que es tema central en la obra.

El poder y la ambición que conlleva, que muchas veces mueve medios nefastos.

¿Cuáles son esos medios nefastos?

El poder muchas veces deja de lado la humanidad. Esto en la obra se ve específicamente cuando una máscara, para lograr su cometido, debe arremeter sobre la integridad de otro de los personajes y lo hace sin ningún tipo de escrúpulos.

¿Qué otros temas trata la obra?

La manipulación, los discursos extremos, la mentira, el hacer política y los vínculos aparentes.

¿Con esas temáticas de fondo, cuál es el recorrido que hacen esos personajes en el relato?

Cada uno va creciendo y revelando sus verdaderas intenciones. Se vive una fuerte tensión con respecto a lo que logran o no los otros. Es de vida o muerte. Una crece en poder mientras otra al ver eso desarrolla el horror y el miedo frente a los medios que utiliza para lograrlo. Y otro es simplemente un segundón que todo líder manipulador necesita para llevar a cabo sus planes macabros.

En un mundo atravesado por la guerra, el hambre, la desigualdad y otras formas de violencia, ¿cuál creés que es el papel de los mundos de ficción?

Decir de un modo poético que siempre hay esperanza mientras un corazón noble lata en este mundo. Y que el primer paso puede ser individual pero cobra relevancia cuando inspira e invita a los demás. Sobre todo con el lenguaje del clown, que tiene una búsqueda siempre de la poética universal, esas cosas que nos conectan con lo más puro de cada persona.

Foto: Federico Paiva

A partir de tu formación y experiencia teatral, ¿en qué radica el poder de la máscara como artilugio actoral?

Es un viaje espectacular. Me pongo una máscara y estoy en el mundo del no control, de presencia total, de la entrega a la historia. Cuando se logra incorporar aspectos técnicos de las máscaras todo lo que sigue después es disfrute. En un mundo de tantas pantallas, estar ahí en un escenario sintiendo y jugando es un regalo que cada vez me hace crecer un poquito más como actora y hacedora de mi presente.

Hay algo interesante en abordar temas tan profundos como el poder y sus medios y al mismo tiempo disfrutar de estar creando una ficción en escena ¿Qué significa para vos jugar con los temas profundos y oscuros de la humanidad?

Para mí el único modo de ser luz es habiendo tocado groso las propias oscuridades, habiéndolas mirado a las ojos, nombrado, aceptado, abrazado, agradeciéndolas y liberándolas. Muchas veces temas profundos que no nos gustan, los obligamos a permanecer en las penumbras y eso hace que nuestro sentir sea hondo de un modo negativo.

Siento que el teatro me da la posibilidad de mirar todo con los ojos amorosos que un proceso alquímico requiere. Algo de la frase de Carl Jung: "lo que niegas te somete, lo que aceptas te transforma". Muchas veces en la vida real hay cosas densas que me cuestan y en el escenario me siento como pez en el agua. Con la nariz roja como estandarte puedo hablar de amor, de muerte, de poder y mostrarme vulnerable frente a esto, porque es el juego el que guía y dejo todo en manos de mi niña interior, que siempre está ahí para alumbrar con pureza y ternura. Siendo ecuánime, sin juicio sobre temas profundos, se produce un efecto cómico porque no hay peso, sólo presente y complicidad con el sentir de la gente. Si una se muestra despojada, sucede la empatía y ahí no hay vuelta atrás. Público y artista en la misma danza, en el arte no del hacer, sino del ser.

Foto: Federico Paiva

Las funciones son los viernes de mayo, a las 20, en El Archibrazo, ubicado en Mario Bravo 441, CABA. Entradas: $2500 (general) y $3000/$3500 (solidaria). Promoción 2x1: $4500. En venta en la web del teatro.

Estado de Gracia

Autoría: Lucía Schaab y Lourdes Herrera

Actuación: Lourdes Herrera

Asistencia: Carolina Schnaider

Vestuario: Ana Julia Figueroa

Fotografía: Federico Paiva

Colaboración en dramaturgia: Damián Alejandro Sinópoli y Carolina Schnaider

Diseño de luces: Alejandro Velázquez

Diseño gráfico: Damián Alejandro Sinópoli

Diseño redes: Karen Schnaider

Voz en off: Maqui Figueroa

Prensa: Dafne Strobino Niedermaier

Dirección: Lucía Schaab

La vida sin ficción

2023-05-02T21:45:00.000-03:00

Foto: Laura Mastroscello

El juego de la ficción como respuesta a los duelos

Por Hernán Salcedo

Inteligente, creativa y conmovedora. “La vida sin ficción” es el resultado de una aventura lúdica tanto en lo narrativo como en lo estético.

Francisco Lumerman ocupa desde hace un tiempo un lugar relevante en la producción teatral argentina. Es formador de actores y dramaturgos, creador y director junto a su amigo Lisandro Penelas de la sala y escuela Moscú Teatro, un espacio ubicado en Villa Crespo que acaba de ganar el premio Trinidad Guevara a la producción independiente.

Por primera vez, Lumerman actúa en una obra escrita por él. Además, la dirige. Con todas sus versiones expresivas puestas al servicio del teatro, construye un espectáculo íntimo y profundo, que se construye alrededor de la pregunta sobre la muerte y las formas de atravesarla.

Nueve personajes despliegan tres historias planteadas como mundos independientes pero que a medida que se desarrollan van dando signos de estar relacionadas entre sí. Un grupo de amigos que trata de filmar un documental sobre las impresiones que les dejó la lectura de un libro, una actriz que está filmando una película basada en esa novela y se encuentra con su hermano, y un joven que intenta terminar una obra en una cabaña frente al mar.

Esta obra es una experiencia poética. Desde la platea da la sensación de que la obra se está pensando, creando y escribiendo en ese momento. Capas de historias van construyendo múltiples sentidos que se superponen en medio de cruces entre teatro, música y cine. Los actores entran y salen de sus historias con fluidez y al mismo tiempo ponen a la vista el dispositivo teatral. Junto a Lumerman, Esteban Masturini y Rosario Varela completan el equipo. Los tres, geniales.

¿Cuánto de real y cuánto de ficción hay en las formas que atravesamos los duelos? ¿Qué es realidad y qué es ficción cuando recordamos nuestra vida y nuestros vínculos? ¿Y cuando imaginamos el vacío que dejan al morir? En esta obra una pregunta lleva a la otra y la clave parece estar en reconocer y aceptar que no hay respuestas. O que, en todo caso, la ficción es una de esas respuestas: la ficción como manera de atravesar y sostener lo real de la vida y sus tragedias.

“La vida sin ficción” es una invitación a dejarse sorprender y emocionarse. Una obra excelente.

Foto: Laura Mastroscello

La vida sin ficción

Elenco: Francisco Lumerman, Esteban Masturini, Rosario Varela

Vestuario: Betiana Temkin

Iluminación: Ricardo Sica

Escenografía: Micaela Sleigh

Asistente de escenografía: Guadalupe Borrajo

Dirección de actores: Jorge Eiro

Movimiento: Manuel Attwell

Música original: Agustín Lumerman

Diseño gráfico: Laura Tavacca

Realización audiovisual: Nadia Benedicto

Motion Graphics: Mantrixa

Realización avatars: Florencia Tutusaus

Fotografía: Laura Mastroscello

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Producción ejecutiva: Zoilo Garcés

Asistencia de dirección: Manon Minetti

Dramaturgia y dirección general: Francisco Lumerman

Foto: Laura Mastroscello

"La vida sin ficción" se pudo ver hasta el 30 de abril y volverá a partir del 10 de junio los sábados, a las 21, en Moscú Teatro, Ramírez de Velasco 535, CABA. Entradas, acá.

Los asesinos de los días de fiesta

2023-04-25T09:45:00.000-03:00

La obra "Los asesinos de los días de fiesta", dirigida por Marcelo Velázquez, continúa presentándose en La Carpintería. Se trata de un texto de Marco Denevi, adaptado por Hernán Costa.

Seis extravagantes hermanos, feroces y codiciosos, diseñan un plan para apoderarse de los bienes materiales de personas adineradas. En un clima humorístico de comedia negra, la peripecia de estos personajes desembocará en una tragedia imprevista. Como vampiros contemporáneos, la sed de posesiones materiales, el individualismo, la negación del amor y del erotismo, los va ganando por completo hasta llevarlos a urdir una siniestra gran estafa.

Las funciones son los viernes, a las 20, en Jean Jaures 858, CABA. Entradas: $2500, a través de Alternativa Teatral.

Nada del amor me produce envidia

2023-04-24T19:13:00.005-03:00

Última función de "Nada del amor me produce envidia", escrita por Santiago Loza, con dirección y puesta en escena de Diego Lerman y la actuación de María Merlino.

Este espectáculo teatral-musical está centrado en el drama de una costurera de barrio a la que un buen día se le aparecieron Libertad y Evita para encargarle el mismo vestido.

Tomando como punto de partida el mítico cachetazo que aparentemente Libertad Lamarque le habría dado a Eva Perón, la obra tiene un anclaje en el mundo de las cancionistas argentinas de los años 30.

Se despide el domingo, a las 18, en Teatro Astros, ubicado en Corrientes 746, CABA.

Carne Argentina (Preludio para un cyborg de las pampas)

2023-04-17T19:47:00.005-03:00

Últimas dos funciones de "Carne Argentina (Preludio para un cyborg de las pampas)", un espectáculo que combina elementos de la danza, el teatro físico y las artes visuales, con dramaturgia y dirección de Patricio Suárez.

Ramiro Cortez, Mateo De Urquiza, Gastón Gatti y Javier Murphy Figueroa dan vida a seres post-humanos, formados por materia viva, basura y dispositivos electrónicos. A partir de una poética particular, el espectáculo despliega una reflexión constante sobre la educación sentimental masculina, el control social y el adiestramiento de los cuerpos en la sociedad digital contemporánea.

A partir de cuatro hombres cuerpo-máquina- imagen, la pieza motiva la reflexión sobre el mercado y su paradigma, la construcción simbólica de las masculinidades y la precarización en la que convivimos en una puesta en la que lo analógico convive con lo digital.

Patricio Suárez es director, músico, performer y docente. Se formó con Ricardo Bartís, Pompeyo Audivert, Mariana Obersztern, Emilio García Wehbi, Mauricio Kartún, Juan Onofri, entre otros.

Sobre esta propuesta, señala: “Personalmente, inicié esta obra a partir de dos inquietudes. Por un lado, el deseo de revisar la educación sentimental patriarcal y machista con la que hemos crecido. Por otro, el impulso estético de defender la frescura y potencia del fragmento, sin que se vea coartada por la idea de relato tradicional o las obligaciones formales de la idea de 'obra'. Por eso se llama 'preludio', y también por eso indagamos en un teatro silencioso, que desconfía un poco de la potencia de su palabra, y observa lo que tiene a mano para hacerse otras preguntas.”

El espectáculo puede verse el jueves 20 y 27 de abril, a las 21, en Teatro El Galpón de Guevara (Guevara 326, CABA). Localidades desde $2000.

Elsa Tiro

2023-04-10T11:34:00.007-03:00

Foto: Carlos Furman

Con dirección de Luciano Cáceres, continúan las funciones de "Elsa Tiro", la obra de Gonzalo Demaría en torno al norteamericano Eugene O’Neill, el padre del drama moderno.

O’Neill se inició como poeta en Buenos Aires. Era joven y un marginal de alma: los marineros inmigrantes de La Boca fueron sus amigos, las prostitutas del Paseo de Julio sus novias. Inspirado por una de ellas, La Renguita, el muchacho escribe su primera obra.

Veinticinco años más tarde, ya consagrado como autor serio, un maduro y convaleciente O’Neill recibe el Premio Nobel. Su esposa Carlotta aprovecha los efectos del cloroformo para conocer aquel pasado y recuperar la misteriosa obra perdida.

Foto: Carlos Furman

El elenco está integrado por Luciano Cáceres, Alejandra Radano y Josefina Scaglione. Las bailarinas son Federica Wankiewicz y Rosina Heldner, egresadas del Taller de Danza Contemporánea (TDC) del Teatro San Martín, y la pianista en vivo es Gabriela Bernasconi.

La asistencia artística es de Rubén De la Torre, el diseño y la puesta audiovisual son de Iván Grigoriev, el diseño sonoro es de Gustavo Rodríguez, el diseño de movimiento y las coreografías son de Damián Malvacio (codirector del TDC del Teatro San Martín), la música original y la musicalización de Diego Vila, el diseño de vestuario es de Sofía Di Nunzio y el diseño de iluminación y escenografía de Gonzalo Córdova.

La producción aclara al público que durante el espectáculo se proyectan imágenes con contenido sexual.

Foto: Carlos Furman

Las funciones son de jueves a domingos, a las 20, en el Teatro Regio, ubicado en Avda. Córdoba 6056, CABA. Localidades: $2.500 (jueves $1.300). Duración: 75 minutos.

Wellness

2023-03-06T19:59:00.002-03:00

Un diluvio azota la ciudad de Buenos Aires. Una recepcionista desaparece misteriosamente. El encierro en un centro de estética llevará a cuatro mujeres a desenmascararse y a enfrentarse con un mundo que naufraga a la deriva, tan vacío como exigente, en el que apenas parece haber lugar para el amor.

La obra "Wellness", debut como dramaturga y directora de la actriz Paloma Contreras, se estrenará el próximo sábado 11 de marzo, a las 20, en El Portón de Sánchez, ubicado en Sánchez de Bustamante 1034, CABA.

“Wellness es una comedia oscura en la que alguien muere -dice Contreras-. Ante este hecho, cuatro mujeres sienten mucho miedo y a la vez ellas mismas son peligrosas. La premura de la trama y las interpretaciones de las cuatro actrices le dan ritmo y delirio a una puesta que nos invita a reflexionar sobre el mundo actual a través del humor”.

Actúan Victoria Baldomir, Cande Molfese, Malena Villa y Pilar Viñes.

Las funciones son los sábados de marzo y abril, a las 20. Localidades: $2500. Reservas en Alternativa Teatral.

Los herederos. Corazón de Colibrí

2023-03-01T10:00:00.001-03:00

La obra “Los herederos. Corazón de Colibrí” se estrena en el Centro Cultural de la Cooperación -ubicado en Av. Corrientes 1543- como parte del Festival Internacional Buenos Aires (FIBA) y con entrada libre gratuita.

Interpretada, creada y dirigida por Cristián Jensen, Gulliver Markert y Natalia Tencer, la obra de danza, humor, melodrama pop, romanticismo caótico y punk poético del grupo “Una Experiencia Sensible” es una coproducción entre el ires (FIBA) y el Festival Buenos Aires Danza Contemporánea.

Las funciones son el miércoles 1 y el jueves 2 de marzo, a las 20. Las entradas para las funciones dentro del FIBA estarán disponibles dos días antes de cada función a través de la página oficial del Festival.

La obra continuará con funciones todos los jueves de marzo a las 20 en el mismo espacio.

Todo lo que está a mi lado

2023-02-27T21:47:00.005-03:00

La obra "Todo lo que está a mi lado", escrita y dirigida por Fernando Rubio, podrá verse en el Complejo Teatral de Buenos Aires, como parte de la programación del FIBA 2023 Festival Internacional de Buenos Aires.

Las funciones serán el 28 de febrero, 1, 2, 4 y 5 de marzo, a las 17, en el Hall Alfredo Alcón del Teatro San Martín, ubicado en Av. Corrientes 1530, CABA.

"Todo lo que está a mi lado" está interpretada por Marta Lubos, María Abadi, Vanina Falco, Milagros Gallo, Lourdes Pingeon, Lucrecia Oviedo y Natalia Salmoral.

“La obra nace después de un sueño -dice Fernando Rubio, su autor y director-. Con el recuerdo olvidado de una historia de la infancia. Una historia alojada en algún lugar de la mente y el cuerpo durante 25 años. Ese espacio concreto e imaginario da cuerpo a un nuevo pensamiento estético sobre la intimidad, el movimiento sutil, las derivas de la memoria, el vínculo con los otros, nuestra presencia en el tiempo y la extraña forma que tenemos de habitar espacios afectivos en relación a lo desconocido. Objetos reconocidos en espacios reconocidos se resignifican y mutan a través de los cuerpos”.

Azul y la Navidad

2022-09-18T20:55:00.000-03:00

Todos los colores del azul

Por Hernán Salcedo

Checha vuelve al pueblo a celebrar la Navidad a la casa de su hermana Virginia. A la particularidad de vivir en dos lugares alejados se suma la distancia del vínculo porque Checha y Virginia hace seis años que no se hablan.

Pero todas las miradas apuntan en otro sentido: la última vez que Azul, la hija de Checha, vio a sus tíos y primos, se llamaba Juan Cruz.

“Azul y la Navidad” es una comedia dramática inteligente y divertida. Con escenas breves tejidas a un ritmo inmejorable, llevadas con actuaciones excelentes y diálogos dinámicos, la última creación de Lorena Romanin es un nuevo ejemplo de que en el teatro realista se pueden contar historias de calidad, entretenidas, sensibles, que van de lo superficial y lo cotidiano a lo profundo de los sentimientos y de las relaciones humanas. Todo con un lenguaje al alcance de la mano, al alcance de nuestras vidas. Con una mirada fina y respetuosa sobre la sociedad actual, esta vez con el foco puesto en la transición de género.

Las preguntas que se hacen los primos de Azul, los esfuerzos de los tíos por acompañar y comprender, el choque entre las ideas progresistas y las conservadoras que atraviesan a cualquier familia del país, flotan en el aire y son el material principal con el que van creciendo los personajes.

Tanto en la escritura como en la dirección, se ve el amor y el respeto que Romanin tiene por sus personajes, con sus características, sus contradicciones, sus fortalezas y sus debilidades. Los reúne para que junto a ellos nos hagamos preguntas, dudemos de nuestras certezas y nos enfrentemos a la fragilidad de los vínculos y al misterio de conocer a otros. El teatro como espejo donde mirarnos y reflexionar.

El universo de esta obra, así como sus logros, conversan de algún modo con espectáculos anteriores de Romanin, como “Todo lo posible” o la premiada “Como si pasara un tren”, que tuvo versiones en otros países. “Azul y la Navidad” continúa la línea de acercar vidas comunes en situaciones conmovedoras.

¿Quiénes somos a la hora de mirarnos a los ojos? ¿Sabemos escuchar? ¿Cómo son nuestros hermanos, qué piensan? ¿A quiénes queremos? ¿Nuestros afectos nos conocen realmente? ¿Qué cambia cuando alguien cambia? ¿Somos prejuiciosos? ¿Entendemos a los demás?

Con un abrazo se puede iniciar un encuentro o una despedida. Y a veces nos sentimos más cerca de alguien que está lejos que de quienes tenemos al lado.

Las funciones son los lunes, a las 20, en El Galpón de Guevara, ubicado en Guevara 326, CABA (Chacarita).

Azul y la Navidad

Actuación: Eugenia Guerty, Mayra Homar, Pablo Finamore, Guido Botto Fiora, Marco Gianoli, Luciana Grasso y Carolina Unrein

Diseño de escenografía y vestuario: Gabriella Gerdelics

Realización escenográfica: Mariano Indij

Fotografía: Alejandra López

Diseño gráfico: Diego Heras

Prensa y difusión: Carolina Alfonso

Producción ejecutiva y asistencia de dirección: Adriana Yasky

Dramaturgia, puesta en escena y dirección general: Lorena Romanin

Los otros Duarte

2022-08-22T14:34:00.002-03:00

La obra "Los otros Duarte", con dirección de Marcelo Velázquez y dramaturgia de Gastón Quiroga, continúa presentándose los lunes, a las 20, en Teatro del Pueblo.

A lo largo de cinco décadas cruciales en la historia argentina, la vida de Evita es repasada desde la mirada de los otros: sus medio hermanos, Chacha, Cholo y Chichilo, aquellos para los que las biografías y los libros de historia no supieron guardar ningún lugar.

Es a través de sus ojos, de sus amores, de sus odios, de sus miserias y de sus temores, que la vida de Eva Duarte transcurre, al parecer ante la indiferencia absoluta de ella, pero ante el ojo inquisidor, perplejo e incluso fraternal de estos seres.

El espectáculo cuenta con las actuaciones de José Manuel Espeche (Cholo), Guillermo Flores (Chichilo) y Cecilia Sgariglia (Chacha).

"No es solamente una versión teatral sobre la vida de Eva Perón. Es también una obra acerca de los vínculos fraternos. ¿Qué otro vínculo es más importante, después de la relación filial, que el de los lazos fraternales?", se pregunta el autor de la obra.

Por su parte, el director señala que "María Eva Duarte de Perón, Evita, la abanderada de los humildes, la líder de los descamisados, la bastarda, la actriz, la santa, es una de las figuras más icónicas de la historia argentina, la más representada en obras de la literatura, las artes visuales, audiovisuales y el teatro".

Las funciones son los lunes, a las 20, en Teatro del Pueblo, ubicado en Lavalle 3636, CABA. Entradas: $1500 (Estudiantes y jubilados $1200). En venta acá: www.alternativateatral.com

Lucía Schaab: Calor

2022-05-20T19:44:00.005-03:00

Lorca al revés: una tragedia que da risa

La actriz y clown Lucía Schaab es la protagonista de “Calor”, una versión en clave de humor de “Bodas de sangre” del escritor español Federico García Lorca.

El espectáculo, de reciente estreno en Teatro Gargantúa, apuesta a un formato minimalista, con foco en lo esencial, donde un gesto, una mirada o una pausa logran activar un vínculo íntimo e intenso con el público.

“Estoy de principio a fin en escena, no hay nada que me dé un respiro. Eso me encanta porque me obliga a estar al cien por ciento presente en eso que está sucediendo”, asegura Schaab en una entrevista con Blog Teatro.

La actriz se lanzó por primera vez a la aventura de un unipersonal. “El público y sus reacciones son de las cosas que más me fascinan de hacer clown. Al estar sola en escena es aún más fundamental, te están dando impulsos a cada instante”, dice.

¿Qué puntos en común tiene esta obra con las anteriores?

Todos los espectáculos juegan con la oposición entre lo cómico y lo trágico. No sé muy bien por qué, es casi una obsesión, un disfrute por romper todo el tiempo con lo que debería estar sucediendo. Sorprender al público, que se rían cuando esperaban llorar y viceversa.

¿Y cuáles son las diferencias?

Este espectáculo tiene otra profundidad. Es más denso y más complejo. La historia tiene muchas capas, hay muchos personajes, pasan varias cosas en simultáneo. Es una obra un poco más madura, pero que sigue riéndose de sí misma a cada paso.

¿Cómo definirías o describirías a tu clown?

Al empezar mi proceso como payasa todo el mundo me decía que era muy tierna. Tener eso tan claro, en un momento me complicó bastante porque si te agarrás demasiado a esas definiciones, te empiezan a limitar.

Sin pensar demasiado, ¿qué características se te vienen?

Luminosa, apasionada, tierna, intensa, verborrágica, contradictoria. Un contraste entre muy fina y muy bestia. Siento que mi clown está en un proceso de cambio en estos últimos años, porque también yo estoy en ese proceso. Creo que está más libre que nunca.

¿Qué te llevó a sumergirte en un texto de Lorca?

La pandemia me agarró en medio de una gira de más de un año. Volví a Argentina y me encontré sola en un monoambiente. Necesitaba hacer algo y entre otras cosas empecé un taller de clown con Mauricio Gallegos, de Ecuador. En el segundo módulo, que era de clown y tragedia, había que elegir un monólogo trágico y reversionarlo. Releí “Bodas de sangre” y al llegar a la escena entre Leonardo y la Novia no tuve dudas de que eso era lo que necesitaba hacer.

¿Y qué te convocó de ese material?

Algo de lo apasionado y sexual de esa escena. Disfrutaba al imaginar cómo hacerlo yo sola y a la vez me parecía un desafío inmenso. Hubo mucho trabajo en conjunto con el director, Luis Levy, y para llegar al espectáculo que hoy tenemos se sumaron después Daniela Humani y Fede Paiva en asistencia, junto a otro montón de personas.

¿Qué actualidad tiene un texto como este, estrenado en 1933?

La obra de Lorca está inspirada en una noticia real: una posible infidelidad, un asesinato, un casamiento que no salió como se esperaba. Seguramente desde 1933 hasta ahora cambiaron muchas cosas, pero durante el proceso creativo no pararon de aparecer noticias que nos seguían resonando, lamentablemente. Sigue habiendo mandatos que hay que cumplir, castigos si te corrés de lo que la sociedad espera de vos. Y, si bien el feminismo ha hecho grandes avances en muchos aspectos, todavía queda mucho camino por recorrer.

En un carro de limpieza está toda la utilería y la escenografía. Y en una sola actriz están todos los personajes. Evidentemente hay una valorización de lo mínimo y una reivindicación del teatro de pequeño formato.

Pensamos una obra transportable porque tenemos un deseo muy grande de poder hacerla en todas partes. Hay una convicción ideológica de que el teatro pueda llegar a cualquier lugar donde haya público: plazas, calles, cárceles, escuelas, o arriba de una montaña. Trabajamos mucho tiempo y, más que agrandarse, la obra se fue achicando, para que no sobre nada. Lo que está, es indispensable.

¿Llegar a lo esencial es una decisión estética y política?

Claro, decidimos que fuera la Criada quien contaría la historia. Pasó de ser un personaje menor a ser la protagonista. Además ella va a limpiar y, al encontrarse con el público, improvisa la manera de contar la historia. Por eso todo va saliendo de su carro y todos los personajes van saliendo de su cuerpo. Ahí hubo un gran trabajo de Laura Echegoyen y Ana Figueroa en escenografía, utilería y vestuario. Desde lo clownesco es muy divertido y aprovechable porque no para de haber problemas para jugar. Pero también es darle voz a quienes no suelen tenerla. Una voz que merece ser escuchada.

Calor

Dramaturgia: Lucía Schaab y Luis Levy

Actuación: Lucía Schaab

Vestuario: Ana Julia Figueroa

Escenografía: Laura Echegoyen

Maquillaje: Flor Yorio

Asesoramiento coreográfico: Gustavo Zunino y Mariana Astutti

Asesoramiento vocal: Federico Rigoni

Colaboración creativa: Mauricio Gallegos

Diseño gráfico: SyR Estudio Gráfico

Producción: Natalia Badgen

Prensa: Dafne Strobino Niedermaier

Fotos y asistencia: Federico Paiva

Asistencia general: Daniela Humani

Dirección: Luis Levy

Duración estimada: 45 minutos

Quedan dos funciones: domingos 22 y 29 de mayo, a las 20, en Teatro Gargantúa, Jorge Newbery 3563, CABA. Entradas: $1200 (2 x $2000). Reservas por Alternativa Teatral.

Geografías

2022-04-25T18:32:00.001-03:00

Geografías: el mapa de un encuentro

Por Hernán Salcedo

Lo que se ve: un viaje desde las luces de una ciudad nocturna hacia un cielo estrellado en la oscuridad del campo. Lo que no se ve: un viaje hacia el interior de las vidas personales que, entre recuerdos y dolores compartidos en confianza, adquieren la posibilidad de ser llevados con menos peso. Eso es “Geografías”, la obra escrita por Leandro Airaldo, estrenada en abril en Patio de actores.

En una noche de verano de 1992, dos desconocidos comparten una parada de colectivos en el barrio porteño de Boedo. Marcia (Cecile Caillón), con la intención de salir a despejarse y acomodar las sensaciones que le dejó una ruptura amorosa. Federico (Nicolás Asprella), con la decisión de sentarse a descansar, luego de haber salido a dar una vuelta para dejar de extrañar a alguien.

Caillón compone a una mujer madura, solitaria y libre, que ve en la personalidad estructurada del joven personaje que interpreta Asprella una oportunidad para correrse de sus preocupaciones y acercarse a otra realidad y a una manera diferente de entender el mundo.

Con muy buenas actuaciones, guiadas con éxito por la dirección de Marcelo Moncarz, la obra se sostiene entre la austeridad del despliegue escénico y la profundidad de los diálogos, en una sala ideal para este tipo de teatro.

Mientras él comparte su acumulación de saberes sobre el planeta y el universo, ella lo escucha y aprende, se sorprende y se ríe. Humor y emoción, risas y alguna lágrima, en una historia simple, sensible y sin golpes bajos, para escapar durante una hora de la realidad de un mundo enfermo y repensar el lugar de los otros y el valor de encontrarse. A veces las personas están más cerca de los que imaginamos.

Cecile Caillón, Marcelo Moncarz y Nicolás Asprella

Las funciones son los viernes a las 20.30 en Patio de Actores, ubicado en Lerma 568, CABA. Entradas: $1000 (promoción: 2 x $1700)

Geografías:

Autoría: Leandro Airaldo

Actúan: Cecile Caillón, Nicolás Asprella

Diseño de vestuario: Jorge López

Diseño de escenografía: Jorge López

Diseño de luces: Daniela García Dorato

Diseño de sonido melódica: Iván Barrella

Diseño sonoro: Diego Sánchez y Jorge Gentile

Asistencia: Adrián Sotelo

Fotografía: Alejandra López y Cleo Bouza

Comunicación y prensa: Mutuverria PR

Producción general: teoría caos

Dirección: Marcelo Moncarz

La obra pública

2022-04-03T19:10:00.003-03:00

"La obra Pública", con dirección de Ignacio Bartolone, inicia una nueva temporada, el lunes 11 de abril, en Espacio Callejón.

“Es un diario de trabajo y es al mismo tiempo la historia apócrifa del nacimiento del arte experimental argentino. Un arte que encuentra su mito de origen en el sabotaje a un proyecto nacionalista desde una renovación imaginaria”, señala el director.

Protagonizada por Julián Cabrera y con diseño sonoro y música original de Franco Calluso, la pieza teatral se presentará los lunes, a las 20.30 horas, en Espacio Callejón, Humahuaca 3759. Has el lunes 20 de mayo. Localidades: $1200 (estudiantes y jubilados: $1000).

Perdón

2022-04-03T18:49:00.002-03:00

El reencuentro de dos amigos de la infancia se transforma en una disputa permanente entre sus egos, reclamos del pasado y frustraciones del presente.

"Perdón", del grupo Sutottos, es una obra sobre la amistad en clave de humor desaforado y absurdo.

Actuación, dirección y dramaturgia de Andrés Caminos y Gadiel Sztryk.

Las funciones son los sábados, a las 20, en La Carpintería -Jean Jaures 858, CABA -. Localidades: $1.200.

Algo de Ricardo

2021-09-26T17:51:00.001-03:00

La obra "Algo de Ricardo", de Gabriel Calderón, regresa hoy a La Carpintería Teatro. Protagonizada por Osmar Nuñez y dirigida por Mónica Benavidez, podrá verse los domingos, a las 19, en Jean Jaures 858, CABA.

"Es una obra para un solo actor, convocado para protagonizar Ricardo III de Shakespeare. Oportunidad que esperó toda su vida, pero esta vez son el elenco y el director quienes no están a la altura del desafío, sin embargo, esto no será un obstáculo que lo detenga para llegar al estreno, por lo que su mundo se convertirá en un lugar injusto, donde habrá que matar para sobrevivir", señala la gacetilla del espectáculo.

Entrada general desde $800. Se adquieren por Alternativa Teatral. Espectáculo con protocolo sanitario y capacidad limitada al aforo permitido del 70%.

La savia

2021-09-19T15:39:00.000-03:00

"La savia" inicia hoy su quinta y última temporada. Escrita y dirigida por Ignacio Sánchez Mestre, esta obra destacada en FIBA 2020 alcanzó más de 100 funciones a sala llena y este domingo regresa por última vez a la calle Corrientes de la mano de Mirta Busnelli, en compañía de Constanza Herrera y Agustín García Moreno.

La pieza, que contó con la producción original del Teatro Nacional Argentino Cervantes y le valió el Premio Trinidad Guevara “Actuación Protagónica Femenina” a Busnelli, propone un exquisito viaje por los mares de la memoria y el recuerdo.

"La savia es el líquido que circula por los vasos conductores y transporta el alimento de las plantas. La savia es también la palabra que se utiliza para nombrar el elemento que da vida a las cosas. Y la savia es la historia de Elsa, una amante de las plantas y de los libros. Una lectora que no quiere olvidar y empieza a escribir. Lo que recuerda, lo que sucede y quizás lo que vendrá. Y así, acompañada de dos o más personajes irá modificando de a poco su propia mirada y entrando a una etapa de sutil renacimiento. Porque tal vez, como en la vida silenciosa del mundo vegetal, haya algo en nosotros que nunca deja de manifestarse y crecer", señala la gacetilla del espectáculo.

Las funciones son los domingos, a las 18.30, en el teatro Metropolitan Sura, ubicado en Av. Corrientes 1343, CABA. Localidades: $1500 disponibles en Plateanet y en boletería del teatro.

Petróleo

2021-03-01T15:53:00.001-03:00

La obra "Petróleo" extiende su temporada por localidades agotadas. A partir del 3 de marzo, ofrecerá funciones los miércoles del mes, a las 20, en el teatro Metropolitan Sura, con aforo permitido y bajo los protocolos vigentes.

Se trata de una producción original del Complejo Teatral de Buenos Aires y el grupo Piel de Lava, que recibió el premio ACE en la categoría “Autor/a Nacional” y “Actriz protagónica drama/comedia” (Pilar Gamboa).

Elisa Carricajo, Valeria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes se ponen en la piel de cuatro trabajadores del petróleo como posibilidad de indagar en la construcción del género.

La obra, en la que conviven la construcción/deconstrucción de estereotipos y el humor, es la síntesis perfecta de una poderosa maquinaria de ficción y trabajo colectivo en el cual confluyen actuación, dramaturgia y dirección.

Las funciones son los miércoles, a las 20, en Teatro Metropolitan Sura, Av. Corrientes 1343, CABA. Localidades: $1200, en venta por Plateanet.

La vida extraordinaria

2021-01-29T10:43:00.001-03:00

Lo simple devenido extraordinario

Por Hernán Salcedo

Una ciudad en el fin del mundo. Dos mujeres unidas por una amistad a lo largo de los años. Un recorrido sensible por los amores y las muertes que van tejiendo esas vidas frágiles, únicas.

En una travesía entre ilusiones y fracasos, alegrías y dolores, Mariano Tenconi Blanco lleva a escena como escritor y director una historia común, de personas simples, con la habilidad de quien conoce cómo hacer de lo común un hecho artístico extraordinario.

“La vida extraordinaria” se inicia con referencias a los orígenes de la vida en la Tierra, ideas que van de las teorías científicas a las creencias milagrosas. Pensar lo universal antes de espiar la vida de dos personas, podría darle un marco de insignificancia a lo que se va a contar. ¿Qué lugar tienen dos vidas humanas, breves, en la historia de la vida en la Tierra? Ninguno. Menos si se trata de vidas ordinarias, de esas que pasan sin estridencias ni dejan huellas. Sin embargo, la fluidez con la que transcurre el relato, los detalles que van construyendo la psicología y sensibilidad de los personajes, los saltos no lineales en el tiempo, ponen a este vínculo de amistad a la altura de esas historias que quedan en el recuerdo. Lo pequeño convertido en universal. Los años tratados como si fueran hojas de un libro. Frente a un texto tan hermoso, uno puede dejarse llevar por el relato y escuchar las palabras con el mismo placer que se saborea un buen libro.

Blanca y Aurora, de nombres pulcros y esperanzadores, despliegan sus oscuridades y ocasos. Y el espectador las ve vivir como si estuviera espiando sus diarios íntimos. No hay manera de ser indiferentes a esas dos mujeres porque lo que les sucede es lo que nos sucede a todos. Están contando nuestras historias, las de nuestros padres. Al abrir su intimidad al público, conversan con nuestras propias ilusiones, nuestros miedos y pasiones. Están hablando del amor y la muerte, ¿qué otros temas nos pueden conmover o inquietar más que el amor y la muerte?

Las interpretaciones de Valeria Lois y Lorena Vega son excelentes. Conmueven y hacen reír como si el drama y la comedia fueran la cara de una misma moneda. La dirección de Tenconi Blanco es impecable. Todo está bien en el escenario: las palabras, los desplazamientos de las actrices, las pausas, las luces, el ritmo.

También se destaca la música. Por su belleza y por su efecto dramático, crea un clima ideal para sumergirse en la historia. Fue compuesta para la obra por Ian Shifres, quien además la ejecuta en escena junto a Elena Buchbinder.

“La vida extraordinaria” es una obra muy recomendable. Ir al teatro para sumergirse en un relato interesante y encantador, con excelentes actuaciones y una puesta prolija y sensible, es una experiencia imperdible.

Las funciones son los sábados y domingos a las 20.30 en Timbre 4, México 2554. Hasta el 27 de febrero. Localidades: $800. En venta a través de Alternativa Entradas.

La vida extraordinaria
Actuación: Valeria Lois y Lorena Vega
Narración: Cecilia Roth
Música en vivo: Ian Shifres y Elena Buchbinder
Escenografía: Ariel Vaccaro
Vestuario: Magda Banach
Iluminación: Matías Sendón
Música original y dirección musical: Ian Shifres
Coreografía: Jazmín Titiunik
Video: Agustina San Martín
Mapping: Blas Lamagni
Peluquería y maquillaje: Agustina Luque
Asistencia de dirección: Ana Schimelman y Sofía Etcheverry
Producción: Carolina Castro
Dramaturgia y dirección: Mariano Tenconi Blanco

Como si pasara un tren

2020-01-20T13:15:00.000-03:00

Un bello viaje entre sonrisas y emociones

Por Hernán Salcedo

El campo frente a la ciudad. Los padres frente a los hijos. El condicionamiento social frente a la libertad individual. De esto y de mucho más habla Lorena Romanin en “Como si pasara un tren”, una obra que ya va por su sexta temporada, fue montada por compañías teatrales de otros países, y ahora puede verse en el Teatro Picadero, en pleno circuito comercial de la calle Corrientes.

Una historia emotiva, actuaciones maravillosas y una dirección cuidada dan forma a esta comedia dramática bella de la que no se sale indiferente.

La obra transcurre en una casa en un pueblo en algún lugar del país. Un joven (Guido Botto Fiora) vive al abrigo extremo de una madre (Silvia Villazur) sobreprotectora. Llega desde la ciudad una prima (Luciana Grasso), enviada como castigo a pasar unos días a la casa de su tía. La irrupción de este personaje dibuja el triángulo teatral que desordena la supuesta normalidad de esa familia de dos, acompañando las preguntas de su primo y haciéndole frente a las formas de su tía.

La madre, autoritaria y temerosa, cree que la manera de cuidar a su hijo es tratar esa casa donde viven como un refugio a salvo del peligro del exterior. El joven tiene a la vez su propio refugio: un tren eléctrico de juguete en el que permanentemente se sumerge a pasar el tiempo. Y ese tren, ese juego, es metáfora de su sueño de viajar, abrirse al mundo, ser, mientras revisa su pasado y trata de encontrar la respuesta a un vacío que protagonizó su infancia.

Romanin, como escritora y directora, no crea personajes en su mente desde una distancia intelectual. No los ve desde lejos. Se sienta al lado de ellos, los acompaña en la intimidad, los escucha respirar, los huele. Y, sobre todo, como guiada por un instinto maternal, los reta cuando se equivocan, los contiene cuando la sensibilidad los desborda. Los abraza. Todo esto se percibe con claridad en la manera en que los personajes de la obra viven lo cotidiano, atraviesan el espacio, eligen las palabras al hablar.

Párrafo aparte merece la hermosa actuación de Botto Fiora. Hipnotiza con sus movimientos, su cara, su forma de hablar. Su cuerpo expresa todo aquello que no es posible decir. Con sus manos, en un gesto infantil, pasa de atraer, pedir amor, a expulsar, alejar, quitarse de encima la realidad que rechaza. Y cada uno de esos gestos hace que el espectador entre y salga de la cabeza y el corazón de ese personaje.

El hallazgo de esta puesta está en hacer convivir lo simple y lo profundo, en desarrollar una historia que llega a todos los públicos y que al mismo tiempo reflexiona sobre la autoridad de los padres, el camino personal de los hijos, el dolor de la ausencia. Una obra para reír y dejarse conmover.

Las funciones son los sábados a las 22, durante enero, y a las 20 en febrero. En el Teatro Picadero, ubicado en Enrique Santos Discépolo 1857, CABA. Localidades: $750. Entradas en venta por Plateanet y Boletería del teatro.

Como si pasara un tren
Elenco: Silvia Villazur, Guido Botto Fiora y Luciana Grasso
Escenografía y vestuario: Isabel Gual
Coreografía: Juan Branca
Diseño de iluminación: Damián Monzón
Diseño gráfico: Fermín Vissio y Santiago Fraccaroli
Fotos: Male&Dapa fotos, Diego Mares
Producción: Pablo López
Asistencia de dirección: Mariano Mandetta
Prensa: Romina Pomponio
Dramaturgia y dirección: Lorena Romanin
Duración: 80 minutos

Chaco arde

2019-12-12T14:24:00.000-03:00

Locura y amor en una road movie escénica

Por Hernán Salcedo

Dos cuerpos de mujeres que parecen uno. Están en el piso, enredadas. No se entiende de quién es cada brazo ni cada pierna. Una aplasta a la otra. Ahí están ellas en escena. Se quejan, compiten, gritan. Al entrar a la sala los espectadores se encuentran con la puesta en escena de un final. ¿Por qué están ahí, asfixiándose mutuamente, intentando una vencer a la otra? ¿Por qué están vestidas de fiesta? ¿Cuál fue la fiesta? ¿Dónde están los hombres? ¿Cuál es el dolor?

"Chaco arde", el "melodrama queer musical" creado por Belén Amada, Micaela Fariña y Gonzalo Quintana, cuenta una historia trágica, con humor y drama, esos dos territorios de la teatralidad que podrían no ser parte de lo mismo aunque en este caso necesariamente lo son. La provincia de Chaco es el destino de una especie de road movie teatral, un viaje de calor donde lo agobiante es la propia locura de las protagonistas. Una locura que arde y quema.

Sandra Díaz y Alejandra Gorriti fueron juntas al colegio secundario. Ahora se dirigen al casamiento de una de sus compañeras con la idea fija de vengarse de aquellos días de bullying. Se apoderaron de la ruta y, de algún modo, de sus propias vidas. Es la posibilidad de quitar las espinas incrustadas en la piel desde la adolescencia, de limpiar el alma de amores no correspondidos. ¿Hasta dónde se puede llegar por venganza? ¿Hasta dónde por lograr el amor de otro?

Fariña y Amada interpretan con intensidad a estos personajes al borde de lo irracional. Lo dan todo. Con el foco en los detalles, en la exageración, en el goce de lo absurdo, estas jóvenes actrices se constituyen como las piezas de una maquinaria teatral simple, elemental, de escenografía minimalista y una puesta de luces acorde, para edificar un melodrama disparatado. Convierten sus cuerpos en superficies de amor, locura y muerte. Hacen de la violencia y el grotesco teatral un recurso cotidiano. Le dan todo el cuerpo y toda la voz a sus personajes porque, siguiendo la urgencia del relato, llegó la hora de hacerlo. Y porque sobre todo el teatro es también ruido, explosión, escape de lo real.

La dramaturgia de esta obra es acertada. Los personajes van y vienen de una escena a otra, con un ritmo ágil y voluntario, para que el relato exista. Así como esos cuerpos que al comienzo de la obra están atados, pegados entre sí y luego se desprenden, la acción vive su propia desintegración, se va desovillando para mostrar qué ocurrió en el pasado y qué está pasando hoy.

Quintana, desde la dirección, logró sacarle todo el jugo a las potencialidades de las actrices sin quitar la vista de las necesidades de la narración.

Por su parte, la música es un recurso poderoso en la obra. Canciones con letras apasionadas le dan descanso a la trama y a la vez la impulsan. En "Chaco arde" la voz lastima pero alivia, tensiona pero abraza, aleja y a la vez acerca. La voz es el filo de un cuchillo que cuenta y canta.

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¿Cómo puedo recuperar el amor de quien me amó? . . . 🔥MAÑANA ÚLTIMA FUNCIÓN 🔥 . . . . 📌🗓 VIERNES a las 23hs ~ El Método Kairos ~ El Salvador 4530, Palermo~ @el.metodo.kairos . . 🎭 @amadabelen @farina.micaela 🔥 @gonzalo_quintana @kikamonte 📷 @instaoflobo @gastonmarin #costoperollegaron #instantealternativa #teatroindependiente #queer #comediamusical #teatro #salidadeviernes #comedia

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La obra se despide este viernes, 13 de diciembre, a las 23, en El Método Kairós, ubicado en El Salvador 4530, CABA. La obra vuelve el 6 de marzo, en mismo horario y misma sala.

Chaco arde
Actuación: Belén Amada; Micaela Fariña
Coreografía y asesoría de movimientos: Sebastián Villagra
Diseño de luces: Samir Carrillo y Caio Senicato
Diseño de escenografía: Lula Rojo
Diseño de vestuario: Mailen Calvo
Fotos: Gastón Marín
Visuales: Eliana Agüero
Diseño gráfico: Roy Cifre
Asistencia de dirección: Kika Monte
Dramaturgia: Belén Amada, Micaela Fariña y Gonzalo Quintana
Dirección: Gonzalo Quintana