Blogfoolk - Storie, Suoni e Visioni sulle Strade del Folk

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2012-01-23T17:14:00.002-06:00

I Personaggi del Folk: Gualtiero Bertelli
La Zampogna – Festival Di Musica e Cultura Tradizionale, IX Edizione, 14 e 15 Gennaio 2012, Itri (LT), Campodimele (LT), Maranola (LT)
Luigi D’Agnese e Giovanni Giuriati, Mascarà Mascarà Me N’ a Fatto ‘nnamorà. Le tarantelle e i canti di Montemarano, Nota Geos CD Book, distr. in libreria EDT, 2011, Libro + 2 CD € 25,00
Speciale Crammed Discs & Materiali Sonori
Pino Maurizio – Alle Dudici De La Notte (Archivio Etnografico e Musicale del Salento "Pietro Sassu")
Paolo Pacciolla - Enchanting Circles (Alfa Music)
Beatriz Aguiar – Nomade (Felmay Records/EGEA Distribution)
Autori Vari - The Best of Acoustic Guitar International Meeting Vol. 1 (La Frontiera/CNI) e Vol.2 (Armadillo Club/Baracca e Burattini)
Tom Waits - Bad As Me (Anti)

I Personaggi del Folk: Gualtiero Bertelli

2012-01-23T17:09:00.002-06:00

Voce storica della canzone di protesta degli anni sessanta, Gualtiero Bertelli, con le sue canzoni, ha attraversato quasi cinquant’anni di storia nazionale facendosi anche portavoce della tradizione musicale veneta, di cui rappresenta uno dei custodi e ricercatori più attenti. Lo abbiamo intervistato per ripercorrere la sua vicenda artistica a partire dall’esperienza del Canzoniere Popolare Veneto fino a raggiungere i tanti progetti come solisti e da ultimo il suo splendido disco, Il Custode della Miniera, dedicato all’epopea dei cantastorie italiani.

Gualtiero Bertelli in concerto

Ci può parlare dei suoi esordi? Quali furono i suoi primi passi nella musica di impegno sociale e nella ricerca?

Ho cominciato a suonare la fisarmonica da piccolissimo, quindi la musica mi ha sempre un po' accompagnato, anche se a fasi alterne. Negli anni sessanta avevo un complessino di musica leggera con il quale facevo musica da ballo per mettere in tasca qualche soldino quando ero studente. All'epoca mi interessavo di politica e frequentavo alcune librerie in cui arrivavano, cosa molto rara a quel tempo, i dischi Italia Canta dove c'erano le canzoni di Cantacronache, questo gruppo di Torino che ha dato il la alla canzone politica, alla ricerca e a canzoni di impegno sociale in Italia, e poi dal 1962 in poi quelle del Nuovo Canzoniere Italiano, che riproponevano canzoni popolari e canti sociali. L'incontro con questo tipo di musica mi ha dato una prospettiva nuova, che non avrei mai immaginato, e cioè che si poteva cantare qualcosa di diverso da "cuore, amore e dolore". Si poteva cantare anche la realtà, la vita di tutti i giorni, e ho incominciato a farlo anch'io intorno al 1963-1964, cantando i fatti che accadevano intorno a me. Mi è venuto spontaneo di usare la lingua che uso normalmente, cioè il veneto, il dialetto. Ho raccontato ciò che succedeva intorno a me, a Venezia, usando la lingua di tutti i giorni. In quel periodo Venezia era una città molto viva culturalmente e politicamente, oltre che molto più abitata di oggi e un gruppo anarchico che in quegli anni gestiva una libreria e galleria d’arte, “Internazionale”, frequentata anche dalla sinistra studentesca e dagli intellettuali di Venezia. Nella galleria si tenevano anche delle conferenze e dei concerti, e queste cantate, diciamo così, erano quasi sempre gestite da Luisa Ronchini, una ceramista che faceva parte di questo gruppo di anarchici e che aveva una voce straordinaria. Lei aveva precedenti esperienze di canto, e su invito dei Dischi Del Sole incominciò a condurre una ricerca a Venezia scoprendo e preservando dall'oblio alcune perle della musica tradizionale veneta. L'incontro con Luisa nel 1964 a casa di comuni amici, ci ha dato l'idea di metterci assieme, io con la mia fisarmonica e le mie prime canzoni e lei con la sua voce ed un chitarrista. Il 22 Ottobre 1964 abbiamo debuttato come Gruppo della Libreria Internazionale, ma immediatamente dopo, verso la fine dell'anno cambiammo nome in Canzoniere Popolare Veneto, nel quale entrò a far parte anche Alberto D'Amico nella primavera del 1965. Lì partì questa meravigliosa avventura.

Il Canzoniere Popolare Veneto

Successivamente lei ha inciso anche per i Dischi del Sole…

Nel 1965 ho fatto il mio primo disco Sta bruta guera che no xe finia. Allora i Dischi del Sole non facevano ancora lp, ma pubblicava una collana che si chiamava sperimentale perchè sperimentava questa nuova canzone di impegno sociale, in formato extended play, un format che ha avuto poca fortuna perchè venne soppiantato dagli lp. Erano dei piccoli 33 giri con quattro o cinque canzoni. Prima di me erano usciti un paio di dischi di Ivan Della Mea, uno di Amodei, uno di Dario Fo, e poi arrivò il mio. Fu un colpo di fortuna, perchè anche qui si aprì un'altra parentesi importante. La fortuna fu che all'epoca il Nuovo Canzoniere Italiano cercava dei titoli, dei personaggi, dei compositori, dei cantanti che dessero una spinta a questa collana facendo decollare questo progetto. Quindi io arrivamo nel momento giusto con delle cose che erano perfettamente in linea con quella che era la loro idea. Una congiuntura favorevole ha fatto si che da questo disco cominciasse il mio rapporto con Il Nuovo Canzoniere Italiano e ovviamente anche quello con il mio gruppo, tanto è vero che al Folk Festival del 1965, pochi mesi dopo, ci presentammo anche noi con il Canzoniere Popolare Veneto.

Luisa Ronchini

Lei ha parlato di Luisa Ronchini, mi piacerebbe approfondire la sua vicenda artistica…

L'anno scorso ricorreva il decennale della morte di Luisa Ronchini. Lei era nata a Bergamo settantotto anni fa, e subito dopo la famiglia si trasferì a Bolzano dove è cresciuta. Nel 1960 si trasferì a Venezia, nel frattempo si era avvicinata al pensiero anarchico e non ho mai capito… Lei abitava con sua sorella… e non so se fosse venuta casualmente per stare con lei oppure conoscendo Venezia tramite la sorella, era venuta in contatto con questo gruppo di anarchici. Fatto stà, che arrivata qui, fu assunta da una fornace come ceramista. Questa fornace era di proprietà di Cosparini, una delle figure di punta del gruppo degli anarchici di Venezia, e così entrò in contatto con le attivitò della libreria e della galleria. Lei aveva una voce fuori dal comune, era una donna complessa, non facile perchè aveva un carattere, per così dire, complicato. Lei era molto consapevole del proprio lavoro e anche del proprio valore. Progressivamente si è dedicata sempre di più alla ricerca, al punto da farne l'unico scopo della sua vita. Ad un certo punto, vi si è dedicata quasi esclusivamente. Ha abitato a Venezia fino alla fine dei suoi giorni, quando se l'è portata via una malattia rarissima, e purtroppo le malattie rare sono meno curate delle altre, perchè appunto sono rare. In questi primi anni di attività dal 1961 in poi fino ad undici anni fa, quindi al 2001, ha alternato l'attività di ricerca con la riproposizione sia del canto popolare sia della canzone sociale, arrivando anche a comporre qualche canzone, ma quest'ultima non è stata la parte più rilevante della sua carriera. Ha dato alle stampe anche un libro Ascoltemo Buona Gente, nel quale ha raccolto gran parte delle sue ricerche con allegata una cassetta. Noi abbiamo lavorato assieme nello stesso grupo fino al 1972, quando ad un certo punto per motivi ideologici e spinti anche dal desiderio, più mio che loro, di fare esperienze diverse io sono uscito dal Canzoniere Veneto e lo hanno continuato con Manuela Mago, una straordinaria voce femminile. Io poi ho fondato il Nuovo Canzoniere Veneto che ha avuto due formazioni diverse con il quale ho continuato fino agli anni ottanta. Le nostre diversità erano sostanzialmente rintracciabili nel fatto che io ero legato ad uno strumento e dunque più all'aspetto musicale mentre loro erano più interessati alla vocalità, e giustamente, viste le bellissime voci che si ritrovavano. Per cui hanno continuato un lavoro basato sulla vocalità con il solo accompagnamento di un eccellente chitarrista. Io invece sopratutto con la seconda formazione mi sono dedicato più agli arrangiamenti musicali e alla strumentazione. Io avevo voglia di fare questo tipo di esperienza e poi, dal punto di vista ideologico, io mi avvicinavo più al Manifesto, quindi alla sinistra extra-parlamentare mentre loro erano fedeli al PCI, essendosi allontanati negl'anni settanta dagli anarchici per confluire nel Partito Comunista. Queste sono le ideologie dei tempi, quando si ci divideva anche sul colore della barba di Marx…

Gualtiero Bertelli in concerto

Ci può parlare dei suoi dischi degli anni sessanta, I Giorni della Lotta e Mi Voria Saver...

I Giorni della Lotta è stato il mio primo lp che ho fatto. Era una novità nel panorama degli lp che all'epoca erano semplicemente delle raccolte di canzoni come del resto lo è Mi Voria Saver, invece il mio primo album era un concept album, che anticipava quella modalità concettuale di fare i dischi che si è sviluppata solo negli anni successivi. Quel disco era dedicato interamente al 1968, con tanto di suoni, ruomori… Purtroppo non è stato ancora riversato in formato cd. Mi Voria Saver è certamente un disco interessante, ma rispecchia più gli anni settanta. Lì c'è la storia della mia città, dall'acqua alta al suo abbandono progressivo, sono tutte storie legate alla vicenda veneziana. Infatti mentre negli anni sessanta era molto viva, poi cominciò a spegnersi, cominciò a cedere abitanti e anche a perdere quel vigore culturale che era molto molto forte. Personaggi molto importanti come Giualiano Scabbia, Perussa, Dal Co che è stato il direttore della Biennale di Architettura, Massimo Cacciari, tutta una serie di personaggi che si sono segnalati anche sul panorama nazionale, sono nati prorio in quel periodo e negli anni settanta questa cosa comincia a spegnersi. Comincia a spegnersi il vigore della città, cedendo questa forza alla terraferma, al porto industriale alle fabbriche e a tutti quei veneziani che hanno trasferito la propria casa attorno a Venezia stessa. Tuttociò lo si avverte in Mi Voria Saver, ed è il filo conduttore della prima parte del disco. Nella seconda parte troviamo poi quel cammeo, quella cosa deliziosa che è Odineide. I cui testi di un'ironia sferzante e grottesca erano di Mario Menghi, studioso di storia contemporanea, che all'epoca giovane laureato scrisse per me quei testi e che divennero questo ironico teatrino di un prete veneto, Don Odino, che rimanda allo stereotipo del veneziano cinematografico dove siamo rappresentati come servette, preti o carabinieri, gente che arriva da una depressione economica notevole. La parte musicale l'ha curata Cignalesi, ci sono fiori di musicisti come Paolo Ciarchi, Rivolta che poi è diventato primo flauto della scala, Marco Lacca al contrabbasso, che in pochissimo tempo delle incisioni diedero una certa freschezza alle incisioni. Si sente che sono arrangiamenti improvvisati e proprio questo da loro freschezza e vitalità. Sono canzoni che danno il senso di cosa potrà succedere nel mio futuro, preannunciano un cambiamento di passo, una fotografia di quel passaggio dall'urlo dell'inventtiva al ragionamento, alla riflessione, alla metafora, aprendosi ad un linguaggio più maturo dal mio punto di vista. Poi c'è una canzone a cui sono legatissimo come Sora Un Treno, che è la storia del mio anno in Puglia, dove ho fatto la terza media.

Gualtiero Bertelli e La Compagnia delle Acque

Come si è evoluto l'approccio alla canzone di impegno sociale e politico dai suoi esordi al Nuovo Canzoniere Popolare Veneto?

Un aspetto importante è stato, come ho detto, il riappropriarsi della musica e della strumentazione, infatti con il Canzoniere Popolare Veneto mi limitavo a suonare la chitarra e a volte la fisarmonica, ma molto poco perchè sembrava un calcio, un rumore in più rispetto alla scelta del gruppo che era prevalentemente vocale. La vocalità ha le sue idee. Il Nuovo Canzoniere Veneto si è affermato sempre di più sul piano della musica, in rapporto alla forma canzone. Cantavamo anche a due, a quattro voci, però non era quella la grande novità, che consisteva invece nel far dialogare gli strumenti con la voce. Poi le esperienze musicali sono state diverse, per esempio il primo lavoro che ho fatto con la seconda formazione del Nuovo Canzoniere Veneto, ovvero qualla più improntata all'aspetto musicale, è stato uno spettacolo che si chiamava "Dentro La Fabbrica e Fuori", già il titolo la dice lunga, che era basato su poesie di Ferruccio Brugnaro, musicate da me. Ferruccio ora è in pensione, ma lui è un poeta operaio, che lavorava alla Montefibre, e ciclostilava le sue poesie e le distribuiva davanti alla fabriche durante gli scioperi. Queste poesie raccontavano proprio quello che stava succedendo dentro alla fabriche e io ne ho scelto una quindicina, in accordo con lui e le ho musicate costruendo un ragionamento sulla fabbrica di quegl'anni che andava dalle speranze ai cortei, passando per le occupazioni e i picchetti. Lui parlava anche di problemi importanti, che poi emerserno negli anni a venire come la tossicità di alcuni prodotti, per esempio il cloruro di vinile provocava il cancro. Ricordiamoci che per la faccenda del cancro a Marghera c'è stata una assoluzione nel processo famoso proprio perchè si diceva che fino ad allora non esisteva una legge che considerava reato l'uso di tali prodotti chimici. Il dato di fatto è però che già allora si sapeva che la gente moriva e le poesie di Ferruccio sono una testimonianza di questa consapevolezza che c'era. Questo è stato il primo lavoro che abbiamo fatto con questa formazione, poi sono venuti altri basati su canzoni mie e su quelle di Stefano Magliaricatti, che oggi fa il musicista di professione che è emerso proprio in questo gruppo come autore ed interprete di canzoni.

Gualtiero Bertelli in una foto d'archivio del Premio Tenco

Tornando al periodo dei dischi del Sole, qual'era il suo rapporto con suoi colleghi come Fausto Amodei, Giovanna Marini…

Era ottimo. Sai, a quei tempi, noi eravamo sparsi per l'Italia, ed ognuno faceva le cose per conto suo. Giovanna a Roma, Fausto a Torino, io a Venezia, ma poi c'erano dei momenti in cui si facevano spettacoli assieme, come faremo il 29 gennaio a Roma al Teatro Valle con tutto il Nuovo Canzoniere Italiano. Ci si vedeva e si metteva su un repertorio comune. Addio Lugano Bella la conoscevamo tutti, Bella Ciao pure. C'era questo pacchetto di canzoni, venti, trenta, quaranta, che erano condivise e che tutti conoscevano. Poi ognuno ci metteva le sue, e ci si vedeva tutti prima dello spettacolo. Sai oggi abbiamo tecnici, spie, controspie, e tutto quanto, e un soundcheck dura o tre ore, invece all'epoca c'erano quattro, cinque microfoni schierati e via, si andava alla garibaldina, e soprattutto ad esempio facevo una canzone io, una Giovanna, poi c'era una in coro come nel caso di Addio Lugano Bella. Il coro partiva, perchè la conoscevamo tutti, ci bastava trovare la tonalità. E dicevamo: "chi parte?" e partiva Giovanna e poi tutti dietro di lei. Si capiva che era una cosa che nasceva lì, ma questo costituiva anche la sua specificità diversamente da spettacoli leccati e preparati nei minimi particolari. Quelle cantate erano molto spontanee e molto vive, per cui i rapporti erano ottimi. Ci si vedeva, ci si sentiva, e abbiamo fatto anche delle cose insieme come nel 1967 quando con il Canzoniere Popolare Veneto abbiamo organizzato tre giornate di Canti dell'Altra Italia, che ha avuto una risonanza enorme in città e non solo. A livello personale ovviamente i rapporti erano eccellenti, sebbene non ci fosse una frequentazione quotidiana. Poi io per trent'anni ho sempre fatto il maestro elementare quindi, diversamente da Giovanna o da Ivan o da Paolo, che dedicavano interamente il loro tempo a suonare, io avevo le vacanze estive per farlo e poi con grandi salti mortali riuscivo a fare qualche serata. Era una grande fatica ma anche un grande piacere.

Gualtiero Bertelli alla fisarmonica

Quanto è stato importante anche il rapporto con il mondo della ricerca e con personaggi come Roberto Leydi e Gianni Bosio?

E' stato fondamentale anche perchè mi ha permesso di valorizzare un'aspetto della mia professionalità che non conoscevo, cioè quando ho cominicato a sentire le registrazioni fatte da Lomax nella Laguna di Venezia, mi sono detto: "queste sono cose che conosco. questo modo di cantare mi è familiare" e spontaneamente ho cominciato a cantare come cantavano quelle persone lì. Tanto è vero che Leydi ha sempre apprezzato moltissimo il mio modo di eseguire i canti popolari e considerava Nina uno dei grandi monumenti della nuova canzone popolare. Questo me lo ha detto lui e me lo hanno confermato molti altri. Il mio rapporto con loro è stato ottimo, sia con Gianni Bosio che con Roberto Leydi, con il quale ho fatto un intervista nel 1985. Ci siamo sempre visti e frequentati anche dopo quel periodo. La ricerca è stata per me una componente importante della mia formazione culturale e poi anche un modo di avvicinarmi alla mia città e al territorio veneto diverso da quello che avevo fino allora praticato. Per esempio, dando valore a cose che prima mi sembravano di poca importanza, come i canti da osteria e ho scoperto anche delle cose sorprendenti con alcuni amici e compagni di lavoro. Tanto è vero che quando abbiamo fatto Terra e Acqua, lo spettacolo da cui è stato tratto Addio Venezia Addio abbiamo riportato alla luce canti che la città non sapeva neanche di avere, tra lo stupore di chi come noi era completamente all'oscuro di questo tipo di materiale.

Gualtiero Bertelli in concerto

Per venire agli anni più recenti sarebbe bello ripercorrere la sua carriera da Barche di Carta ai lavori più recenti…

Dopo il 1980 ho smesso di suonare praticamente avendo chiuso, per quando mi riguardava l'esperienza con il Canzoniere Popolare Veneto con loro che hanno continuato con un'altro nome a fare altre cose. Scrissi una canzone sola e poi non ho più scritto nulla perchè ero davvero confuso, non sapevo che cosa scrivere e a chi. Era l'epoca delle Brigate Rosse, di Moro, era una situazione davvero complicata per cui davvero mi sono visto le piazze vuote, improvvisamente ho assistito a questo reflusso, come si diceva all'epoca, un ripiegamento. A quel punto non avevo più voglia di suonare, non sapevo ne' cosa ne' a chi cantare, per cui mi sono dedicato ad altro. Questo sino al 1987, e fino ad allora non ho fatto spettacoli, non ho fatto nulla. Nel 1987, come una folgorazione, mi venne fuori questa canzone Barche de Carta, dove uso sempre il veneto ma è una lingua diversa, ricca di metafore, di immagini, di quadri. Quindi non più una canzone che ti spiega cosa devi fare ma la canzone che mette lì delle riflessioni offrendole all'ascoltatre quasi a dirgli "vedi se ti fanno pensare, vedi se ti smuovono, ti fanno reagire". Quindi una canzone meno didascalica ma più provocatoria dal punto di vista del pensare e del prender parte. Con Barche De Carta nasce questa seconda fase della mia vita musicale e da lì tutte le altre canzoni, hanno questo tipo di impostazione. Nel 1987 e sia il disco sia la canzone ebbero la Targa Tenco. Poi un lungo periodo di silenizio, anche se dopo il disco ho fatto una tourneè ma non era il momento, non c'era corrispondenza. Ho continuato però a scrivere canzoni, tanto è vero che nel 2001 ho fatto questo concerto di canzoni nuove in un granaio di una villa, qui sul Brenta e lo abbiamo registrato e così è nato "Quando la Luna è a Mezzogiorno". Subito dopo è nata la collaborazione con Gian Antonio Stella, con il quale già ci conoscevamo, e per la presentazione di un suo libro, Tribù e l'anno successivo lavorammo ancora insieme per L'Orda. Qui a Mira dove abitiamo c'è un teatro e presentammo là il disco, poi l'anno dopo ci siamo ritrovati e mi ha detto "sai il giorno 12 dicembre presento un libro che si chiama "L'Orda", e io gli dissi "vuoi che venga con un gruppo di amici a fare qualche canzone che parla di immigrazione?" e lui accettò ben volentieri, chiedendomi di mandargli i testi. Suonammo così sul palco senza nemmeno sapere di cosa parlasse il libro, lì lui aveva fatto una specie di scaletta ed è stato un successo, con il pubblico a cui è piaciuta moltissimo l'idea e con noi che ci siamo divertiti moltissimo. Io ero con il pianista Paolo Favorido e con tre ragazze che cantavano. Morale della favola mi disse: "senti se ci capita ancora qualche occasione lo rifacciamo" ed io gli dissi "certamente". E' nata così L'Orda che è diventata un vero e proprio format ed è sbocciata questa mia seconda vita musicale. Insieme a Gian Antonio abbiamo fatto altri spettacoli come Odissee, Anni Cinquanta, tutti tratti da libri suoi. Da L'Orda ed Odissee sono nati i dischi sugli immigranti Quando Emigranti e Povera Gente. Con lui abbiamo fatto almeno otto spettacoli tra cui anche uno sulla resistenza, uno sulle donne. Abbimo poi riproposto lo spettacolo Tribù come Tribù Show e da ultimo Negri, Froci, Giudei & Co. tratto dal suo libro omonimo che parla del fascismo e dal quale è nato anche un disco che uscirà a breve. Dopo l'esperienza con Gian Antonio ho lavorato con Edoardo Pittalis, un giornalista del Gazzettino con il quale abbiamo fatto uno spettacolo sulla Grande Guerra, uno sullo sviluppo del Veneto negli ultmi cento anni, Maramao Perchè Sei Morto - L'Italia ai tempi del trio Lescano quindi dedicato al periodo fascista e l'ultimo della serie che è Bambini D'Italia ovvero la storia patria vista con gli occhi dei bambini, dei ragazzi, delle donne, ovvero quelli che hanno avuto meno visibilità ma che pure hanno sofferto questa storia oltre ovviamente a percorrerla. Con Fabrizio Gatti, giornalista de L'Espresso abbiamo realizzato Bilal tratto dal suo libro omonimo che tratta della sua avventura nella quale si è finto immigrato. Ha attraversato il deserto, si è infiltrato in un CPT a Lampedusa e poi è andato nei campi della Puglia a raccogliere i pomodori. Le formazioni musicali cambiano perchè il gruppo La Compagnia delle Acque è un gruppo aperto di musicisti che di volta in volta si ricompone intorno ad un progetto sulla base di cosa serve e di quali sono gli strumenti più utili.

Gualtiero Bertelli e Gian Antonio Stella insieme alla Compagnia delle Acque

Può parlarci del suo ultimo disco, Il Custode della Miniera che ha realizzato con Pittalis?

E' un progetto che nasce intorno alla figura del cantastorie. La cosa che mi è balzata agli occhi è che in questo tripudio di celebrazioni per l'Unità d'Italia, cosa che io condivido sia chiaro, ci siamo dedicati di più a quelle figure che hanno contribuito in maniera più forte ad unire la nostra nazione e questi sono i cantastorie. Questa gente che passava al nord come al sud, di piazza in piazza, raccontando quelle storie che succedevano nel mondo a persone quasi sempre analfabete, che comunque non leggevano i giornali e non avevano ne' radio ne' televisione. E questo in lingua nazionale, e ciò ha contribuito in modo determinante all'unità linguistica. Credo che si sarebbe dovuto parlare di più di questi operatori di cultura di base e per questo mi è venuto in mente di fare un omaggio a queste figure. Edoardo Pittalis stava scrivendo un libro, L’Acqua, Il Sangue, La Terra, in cui raccontava dieci storie del Novecento, storie vere del veneto. Partiva con Maria Tarnovska, questa principessa russa che è venuta a Venezia per uccidere un suo amante, pensa un po', e finiva con il Vajont, anzi con Venzia che è del 1966. E lui mi disse "Gualtiero quando è il momento di presentare il libro vieni anche tu a cantare le tue canzoni". E io gli dissi:"Perchè non mi mandi i tuoi racconti, che io li trasformo in ballate di cantastorie, usando il loro metro e loro stile. Così tu racconti la storia e io la canto.". Lui rimase subito entusiasta. E così man mano che scriveva i racconti me li ha mandati e io li ho trasformati con rime e strutture diverse a seconda delle canzoni, perchè ho cercato di ripercorrere vari stili poetici e poi ho fatto la musica e nel frattempo li ho anche incisi mettendo su un Orchestrina, una tipica orchestra da ballo dei primi del novecento. Credo che nessun cantastorie si sia potuto permettere di girare con un'orchestrina così. Però è un'altra citazione popolare, perchè non ho cercato di fare un'operazione filologica, perchè non ne avevevo nessuna voglia e forse nemmeno le capacità. Ho voluto dare vita ad un operazione che fosse insieme un omaggio al mondo popolare tanto nello stile dei cantastorie quanto nella musica che è tipicamente da ballo con contrabbasso, chitarra, fisarmonica e violino, con tutte le melodie che vengono dal ballo staccato. Quindi un omaggio sia a chi ha dato un contributo determinante all'Unità di questo paese quindi i cantastorie e la musica popolare.

Gualtiero Bertelli in concerto

Quali sono i suoi progetti per il futuro?

Come ti ho detto è in uscita questo disco con Gian Antonio Stella, per il quale sto ultimando le ultime cose in studio e alcuni pezzi saranno con la voce mia e quella di Gian Antonio. Dopodichè abbiamo fatto un disco con i canti dell'immigrazione italiana per la Francia, che è già uscito in allegato alla rivista Italians, che raccoglie alcuni brani già usciti e qualche incisione nuova. Sto lavorando a vari progetti, uno sui canti del Natale, uno sul Ciclo dell'Anno sui canti delle questue di San Martino fino alla Pasqua, poi ho in mente qualcosa per il mio settantesimo compleanno e per il mio cinquantesismo anno di attività, poi ancora ho fatto una ricerca sulle parodie, ovvero i canti scritti sulle arie di altre canzoni. Vorrei continuare a lavorare sulla storia dei cantastorie.

Gualtiero Bertelli – Il Custode Della Miniera (Nota)

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Ispirato dal libro L’Acqua, Il Sangue e La Terra di Edoardo Pittalis, che raccoglie dieci racconti tratti da fatti realmente accaduti tra il 1906 e il 1966, Il Custode Della Miniera di Gualtiero Bertelli, è un omaggio ed allo stesso tempo una celebrazione dell’epopea dei cantastorie italiani. Seguendo la medesima struttura del libro, il disco raccoglie dieci ballate narrative, composte dallo stesso Bertelli, che rimandano alle dieci storie raccolte da Pittalis, il quale ha aggiunto per l’occasione anche dieci cartelloni illustrativi in stile naif. La bella edizione curata da Nota, prevede oltre ai testi delle canzoni anche una interessante introduzione di Marco Paolini, accompagnata dalle note di copertina redatte da Bertelli e da Pittalis che raccontano un po’ la genesi dell’opera. Ad accompagnare il cantautore veneto, che si destreggia tra il canto e la fisarmonica, troviamo una piccola orchestrina, che rimanda a quelle delle balere dei primi del novecento composta da Simone “Cimo” Nogarin (chitarra e bouzuki), Stefano Olivan (violino, violomba e nichelharp) e Domenico Santaniello (contrabbasso e violoncello). La caratteristica peculiare di questo disco, consiste proprio nella perfetta convivenza tra i suoni e ritmi della musica da ballo con il fluire fascinoso delle liriche della ballata narrativa, un connubio sorprendente nel quale brilla tutto il lavoro di ricerca dell’autore. Ritornano così le storie scure dell’Italia dei primi del Novecento come quella della Contessa Tarnovska o dell’assassina Caterina Fort ma anche fatti di cronaca come i disastri di Marcinelle e del Vajont o ancora l’alluvione di Venzia del 1966. I fatti narrati da Bertelli, accompagnati dalle splendide musiche dell’Orchestrina, riportano alla luce una tradizione antichissima come quella dei cantastorie, e con essa l’insieme di usi tipici della ballata narrativa dall’uso degli aggettivi a quello delle rime passando per le assonanze e tutto l’insieme di figure retoriche proprie della canzone dei primi del Novecento. Il cantautore veneto con Il Custode della Miniera ha aperto così uno spaccato su quella parte minore e dimenticata della storia della nostra nazione, una storia fatta non dai potenti ma dagli uomini che giorno dopo giorno hanno contribuito a fare dell’Italia una nazione. Novello cantastorie, Bertelli si fa portavoce di questi eventi non presenti nei libri di storia, non solo per celebrare quanti con le canzoni raccontavano i fatti di cronaca nelle piazze dei paesi, ma anche per sottolineare come la nostra nazione sia nata sia da piccoli fatti, non solo di cronaca, ma anche da piccoli episodi di eroismo.

Gualtiero Bertelli e la Compagnia delle Acque - Anni Cinquanta

Salvatore Esposito

La Zampogna – Festival Di Musica e Cultura Tradizionale, IX Edizione, 14 e 15 Gennaio 2012, Itri (LT), Campodimele (LT), Maranola (LT)

2012-01-23T16:43:00.001-06:00

Da diciannove anni per la vasta comunità folk italiana, e non solo, il borgo di Maranola, ubicato sulle colline di Formia, diventa il centro d’irradiazione delle musiche di tradizione orale, portate dai “custodi di voci e strumenti antichi” o interpretate con estetiche composite, talvolta molto distanti, da generazioni urbanizzate di revivalisti. È soprattutto musica per bordone che si ascolta alla manifestazione iniziata quasi quattro lustri fa anni in un frantoio appena restaurato, a voler raccoglier l’eredità del raduno zampognaro di Acquafondata. Negli anni “la Zampogna” ha raggiunto la maggiore età, divenendo un centro di confluenza e aggregazione di musicisti, liutai e operatori culturali, richiamando una moltitudine di accademici, giornalisti, cultori delle tradizioni orali, semplici appassionati e turisti.

Qualche anno fa il festival ha raggiunto vertici assoluti per offerta musicale, potendosi appoggiare alle strutture della vicina località rivierasca di Formia. Poi il voltafaccia degli amministratori locali e la crisi economica che per molte istituzioni ha significato una occasione ghiotta per operare tagli agli eventi culturali non clientelari, non di massa o dallo scarso appeal televisivo, ha portato a un ridimensionamento e a una diversa sistematizzazione della manifestazione, che oggi prosegue in virtù dei contributi di Regione Lazio, Rete del Folklore nel Lazio, all’Archivio Aurunco, ma soprattutto grazie alla strenua volontà di Erasmo Treglia e Ambrogio Sparagna, conservando, in ogni modo, un alto profilo qualitativo e di consenso di pubblico.

È per merito di questa manifestazione ed altre analoghe iniziative – pensiamo anzitutto al festival molisano di Scapoli, e al lavoro seminale del Circolo della Zampogna – che oggi parlare della zampogna non significa fare archeologia musicale o ricordare i tempi che furono: un gran numero di giovani e meno giovani suona zampogne. Da Nord a sud della Penisola si costruiscono ancora zampogne di foggia e stile diversi – alla faccia di chi blatera di zampogne omologate - con preziosa sapienza antica o con metodi che utilizzano le conoscenze del XXI secolo. Il festival di Maranola ha luogo la domenica di metà Gennaio, preceduta da un sabato musicale in altre località del territorio della provincia di Latina. Così è stato anche quest’anno con gli appuntamenti di Itri, dove si è svolto un seminario sulle registrazioni effettuate in loco dal Circolo Gianni Bosio nel 1972 e il concerto a tema: Suoni sulle strade dei Briganti. Poi nella serata, a Campodimele, un concerto di organetti di Maranola guidati da Ambrogio Sparagna.

La “tradizione inventata” dell’ascesa processionale mattutina all’edicola della Madonna degli Zampognari segna per tutti i convenuti l’inizio rituale della manifestazione nel segno della devozione religiosa e del ricordo di chi non c’è più. Si prosegue con l’offerta di dolciumi e bevande da parte delle famiglie che abitano intorno alla Piazzetta S. Antonio Abate. Cresce di anno in ano il numero dei suonatori di tradizione e revivalisti che s’inerpicano lungo le viuzze del pittoresco borgo per raggiungere l’edicola votiva. Poi, una breve esibizione di canti votivi rafforza il momento di raccoglimento. Quest’anno i canti dedicati alla Vergine hanno come protagoniste le Donne di Giulianello, paese alle porte di Roma, detentrici di un repertorio della Passione che Giovanna Marini ha definito: “Uno dei pezzi di musica contadina più belli, preziosi e rari”. Sono voci in comunione che scuotono l’ascoltatore per spessore, per la singolarità delle micro-modulazioni, voci commuovono per la loro drammaticità. La giornata prosegue tra esibizioni estemporanee tra gli stand dei fidelizzati liutai convenuti e seminari informali ospitati nel Centro Studi di Torre Cajetani.

Sono occasioni che ci fanno conoscere storie laterali, ma non meno espressive, soprattutto ricche di umanità e di insegnamenti. Come quelle presentate da uno dei maggiori documentaristi italiani, Pietro Cannizzaro nel suo Cilento. Storie di chitarre e zampogne, che dà la parola ai fratelli Campitiello, costruttori di chitarre battenti a Stio, e alla famiglia Cortazzo di Cannalonga, da generazioni suonatori di zampogna e ciaramella. Un altro documentario, intitolato La Valle delle Zampogne, prodotto dall’associazione Calamus, ci conduce tra i suonatori di aerofoni della val di Comino in Ciociaria. Nel frattempo, nella piazza dei suoni il caleidoscopico e cacofonico incrociarsi di note prosegue incessantemente. Artisti noti e meno noti “prendono la piazza” con organetti, percussioni, plettri, e naturalmente zampogne e ciaramelle. Ci si muove tra stand di costruttori e venditori di strumenti musicali, assaggi di prodotti eno-gastronomici locali (vino, miele, formaggi, salumi, tra cui una salciccia al coriandolo) e banchetti con CD. Ci si dà alla lettura del foglio “La Gazzetta dello Zampognaro”, sorta di programma del festival, al suo battesimo in occasione di questa XIX edizione. Con Ambrogio Sparagna discutiamo di questo nuovo appuntamento festivaliero, il compositore e musicista maranolese, nel complesso soddisfatto dell’andamento della manifestazione, nota che “l’aspetto transgenerazionale”, che si avverte forte a Maranola, è il punto di forza della “bella utopia” incarnata da “La Zampogna”.

Difatti, a Maranola – per una questione anche di collocazione temporale e logistica, aggiungiamo noi – non c’è l’assalto prevaricante di ballerini di pizzica o dell’ultima moda folk, né il festival diviene luogo di sballo per fasce giovanili che si appropriano di alcuni aspetti della cultura popolare contadina travisandola, per favorire le proprie istanze liberatorie(?). “Quello di Maranola è un universo umano vario”, dice ancora Sparagna, di passioni condivise. Proprio la presenza di generazioni diverse di suonatori, liutai ed appassionati convalida l’idea di un movimento folk solido e attivo. Gustata la mostra di aulos, flauti ed ance della tradizione esposti al Centro Studi De Santis, curata dal musicista rietino Raffaello Simeoni, ci si rivolge al pomeriggio concertistico nella chiesa di S Luca. Sull’altare protagoniste ancora le nove Donne di Giulianello. C’è commozione quando il premio annuale “La Zampogna” è assegnato alla memoria del ricercatore Raffaele Marchetti, scomparso lo scorso anno, e consegnato a suo figlio.

La musica prosegue con il trio Suoni del Carretto (zampogna a chiave, surdulina, tamburello, bottiglia)proposta del lucano Paolo Napoli, che dovrebbe mettere meglio a fuoco lo stare su un palco. Di forte impatto il progetto di respiro europeo denominato Folk Music in MusEUms, che raccoglie giovani musicisti di Estonia, Norvegia, Grecia e Italia (rappresentata da Raffale Pinelli e Aldo Iezza). Qui il focus è sugli strumenti a bordone (zampogna, torupil, hardangerfele, tsambouna), ma anche laouto, flauto, organetto, scacciapensieri, percussioni. Si tratta di artisti impegnati in lavoro di ricerca sugli strumenti tradizionali che presentano il loro lavoro suonando in luoghi speciali come i musei. Menzione particolare per il duo Ettore Castagna (zampogna) e Giuseppe Ranieri (ciaramella), parte dell’ensemble Ferrovie Calabro-Lucane che poco prima aveva suonato al Centro Studi presentando il loro suono “usu anticu”. Il quartetto scava tra le pieghe della memoria e del mondo sonoro contadino, senza nostalgie apologetiche, giocando sulla metaforica malia dell’itinerario lungo le ferrovie regionali minori a scartamento ridotto.

L’esibizione del duo è degna di nota non solo per la bravura dei singoli, ma perché mette insieme un musicista, accademico ed intellettuale calabrese che ha appreso a suonare direttamente dai maestri della tradizione e il discendente di una rinomata schiatta di suonatori del mondo agro-pastorale calabrese. I fiati (clarinetto e ciaramella) di Paolo Rocca e l’organetto di Fiore Benigni ci hanno portati a spasso tra temi per lo più tradizionali, sviluppati in maniera personale con abbellimenti ed episodi improvvisativi, innervati di moduli classici, jazz e spruzzatine klezmer. Il risultato è una miscela fluida e viva che mette insieme valzer, saltarello, un tradizionale palestinese, un brano rom rumeno e una versione in salsa folk dello standard “My favourite things”. Concludono le esibizioni in chiesa i giovanissimi suonatori della scuola di organetti di Maranola, a rimarcare il filo della continuità e del passaggio generazionale della tradizione, con Sparagna che, da maestro di cerimonia, sancisce la fine delle esibizioni principali. In realtà, il festival si chiude per davvero (almeno nella sua parte ufficiale) dopo aver offerto il piccolo concerto del Vespro, imperniato sul suono delle zampogne tradizionali nella Piazzetta S. Antonio Abate. Ci si vede a Maranola l’anno prossimo per l’edizione numero venti! Con la speranza che il budget possa consentire una maggiore serenità organizzativa, a tal punto da poter aumentare la presenza di liutai e di artisti, senza snaturare la singolarità del festival che annualmente anima i suggestivi borghi del basso Lazio.

Foto e filmato di Ciro De Rosa

Ciro De Rosa

Luigi D’Agnese e Giovanni Giuriati, Mascarà Mascarà Me N’ a Fatto ‘nnamorà. Le tarantelle e i canti di Montemarano, Nota Geos CD Book, distr. in libreria EDT, 2011, Libro + 2 CD € 25,00

2012-01-23T16:29:00.000-06:00

Dal capoluogo irpino occorrono poco meno di venticinque kilometri per raggiungere Montemarano, salendo fino ad 820 metri di quota. Emblema di tradizione orale vibrante, Montemarano è terra di antico carnevale contadino, dove il rito, modificato nella forma e risemantizzato col trascorrere del tempo, si riproduce a partire dalla ricorrenza di Sant'Antonio Abate, 17 gennaio (“Santantuono maschere e suoni si dice), per terminare la domenica successiva alle Ceneri con il corteo funebre del Carnevale stesso, la lettura del suo grottesco testamento, la morte rituale, decretata dal petardo collocato all’interno del fantoccio che viene bruciato e lo svolgimento delle ultime danze fino a notte inoltrata. Tra i due eventi di apertura e chiusura, si svolgono le celebrazioni carnevalesche che toccano l’acme nei tre giorni di domenica, lunedì e martedì grasso. Gruppi mascherati si snodano lungo le strade del paese guidati dalle figure leader dei Caporabballo con i loro costumi bianchi e rossi, il cappello a cono e il bastone con cui dirigono la danza. Il ballo procede ininterrottamente assumendo le caratteristiche di un “continuum sonoro” con cadenze pacate ed accelerazioni, fino a raggiungere sequenze perfino parossistiche. Com’è noto Montemarano è stato un luogo privilegiato per la ricerca antropologica ed etnomusicologica (Lomax, Carpitella, De Simone, Rossi, Giannattasio, Guriati) per la considerevole presenza di generazioni di suonatori, per la pregnanza simbolica del rituale carnascialesco, per la sua musica, per il ballo che assume forma processionale, a coppie, a quattro, circolare. “Plurima nella sua unicità” (L. D’Agnese) la tarantella è testimonianza viva di una capacità di rinnovamento musicale della comunità, melodia che incorpora e assorbe influenze pur restando se stessa. Intorno a questa danza e a queste note dalle peculiari caratteristiche ritmiche e melodiche, si ricostruisce simbolicamente la comunità locale. Mancava un’opera dedicata a Montemarano, anzi di più: era necessaria. Cosicché, accogliamo con grande soddisfazione il volume nato dalla collaborazione tra Luigi D’Agnese e Giovanni Giuriati. Il primo è un esempio mirabile di curatore locale, commovente per la sua dedizione affinché il legame col passato non venga reciso, anzi permanga nel futuro. Attivo da molti anni, Luigi, con suo fratello Generoso, quest’ultimo emigrato nel New Jersey, ha creato l’associazione Hyrpus Doctus e il museo etno-musicale dedicato a due grandi suonatori del passato, Celestino Coscia e Antonio Bocchino, divenuto centro di documentazione etnomusicologica, aperto ad iniziative culturali per sfuggire ad una passiva museificazione del patrimonio orale popolare. Il secondo, noto accademico, è da anni lo studioso che analizza in profondità la musica del carnevale del paese dell’Alta Irpinia. Il volume non si limita a presentare un’etnografia del rituale montemaranese, ma esamina diacronicamente la tarantella, ricostruisce la storia degli studi sul Carnevale, allargando lo sguardo ad altre pratiche musicali: canti d’amore, devozionali, di lavoro ed altri repertori, associati al ciclo della vita. Come già in altri suoi precedenti lavori su Montemarano, Giuriati mette l’accento sui cambiamenti endogeni della tarantella montemaranese. Dai suoni rudimentali di doppio flauto, siscari di castagno, ciaramella, tromba degli zingari, fino a organetto, armonica a bocca e clarino, dai profili sonori più arcaici alle rielaborazioni culte del virtuoso musicista ‘Mbrusino. Oggi la piccola orchestra rituale è composta da tamburello, castagnette, fisarmonica, clarinetto. Inconfondibile il suono della montemaranese con le frasi melodiche del clarinetto adagiate sull’ostinato armonico della fisarmonica e sulle sincopi ritmiche, sulle microvariazioni sostenute da tamburello e castagnette. Come ha osservato Giuriati la tarantella di Montemarano è un “mirabile esempio di rimescolamento, di procedimento improvvisativo della tradizione orale”. Ampio spazio nel volume è dato alle registrazioni (contenute nei due CD acclusi) raccolte da D’Agnese nel corso di una ricerca decennale, integrate da brani degli anni Ottanta del secolo scorso documentati dal fratello Generoso. Nei due CD si susseguono tracce inedite e brani già pubblicati in ambito locale, ma rimasterizzate. Nonostante la presenza di qualche imperfezione fonica ed esecutiva, le registrazioni restituiscono uno spettro articolato del fare musica a Montemarano (tarantella e musica vocale), presentando i principali suonatori attivi oggi, a dimostrazione di una tradizione – rimarca ancora Giuriati – da intendersi come processo vivo che si alimenta dei continui contributi stilistici ed esecutivi dei singoli musicisti. Dalla musica presentata emerge anche un repertorio vocale per niente o quasi indagato in precedenza, vivo nella memoria locale e necessario se, come è negli intenti del volume, si vogliono aggiungere significativi tasselli per ricostruire la vita sonora della comunità di Montemarano negli ultimi sessant’anni.

Ciro De Rosa

Speciale Crammed Discs & Materiali Sonori

2012-01-23T16:23:00.000-06:00

Balkan Beat Box - Blue Eyed Black Boy (Crammed Discs/Materiali Sonori)

Nati sulla scia del successo dei Gogol Bordello, i Balkan Beat Box, ne rappresentano una sorta di side-project di due dei componenti ovvero gli israeliani Tamir Muskat (batteria e programming) e Ori Kaplan (sassofono), che insieme a Tamer Yosef hanno inteso dare vita ad un percorso meno improntato alla squinternata spensieratezza del loro gruppo madre e maggiormente attento alla ricerca attraverso le sonorità balcaniche e klezmer. Blue Eyed Black Boy, è il quarto disco in cinque anni di vita del gruppo, e rispetto al precedente Nu-Med, allarga il raggio d'azione alla ricerca di quel suono che rappresenta il ponte tra Oriente ed Occidente, e in questo senso non appare casuale anche la scelta di voler incidere i vari brani in località diverse dell'Europa fino a toccare Tel Aviv, città natale del gruppo. Il gruppo israelinano ha cercato, dunque, di testimoniare con la musica come sia possibile un'integrazione tra le culture dell'area mediorientale, come dimostra l'inziale Move It, che lanciata da un riuscito intro di una trentina di secondi, ci guida nel confronto tra hip-hop made in usa e i fiati che rimandano a sonorità klezmer. L'ascolto è così una sorta di diario che raccoglie viaggi su rotte immaginarie che vanno da Israele all'Afganistan con Kabulectro o dall'Africa all'America Latina con brani come Balcumbia o Smartron, fino a raggiungere i Balcani con la travolgente Dancing With The Moon. Blue Eyed Black Boy rappresenta così la sintesi di una ricerca nella quale i Balkan Beat Box hanno fatto confluire i suoni dell'est europeo e quelli del Medio Oriente facendoli dialogare con le sonorità urbane dell'adottiva New York, il risultato è un concentrato di energia, di ritmi e sonorità che pescando da reggae, elettronica e funk danno vita ad un linguaggio sonoro universalizzante e pieno di fascino.

Autori Vari - Roots of O.K Jazz, Congo Classics 1955-56 (Crammed Discs/Materiali Sonori)

Pubblicato originariamente nel 1993, Roots of O.K. Jazz è il secondo album della serie Congo Classics e segue il precedente Roots Of Rumba Rock, e come il precedente è stato curato e realizzato dall'esperto Vincent Kenis, il quale ha intrapreso un lungo percorso di ricerca e restauro attraverso l'opera di L'Okanga La Ndju Pene Luambo Luazo Makiadi, meglio conosciuto nel mondo della musica africana come Franco, il cui cui merito principale è stato quello di aver reso celebre la rumba congolese negli anni in cui diresse la Tout-Pouissant Orchestre Kinois de Jazz, conosciuta soprattutto con il suo nome abbreviato: O.K. Jazz.Lo stesso Kenis nelle note di copertina, sottolinea come ci sia un enorme patrimonio musicale ancora inesplorato, in quanto Franco, prima di morire nel 1989 a cinquantuno anni a Bruxelles, registrò oltre cento dischi in formato 78 rmp, componendo per l'occasione oltre mille canzoni, che spaziavano da son al rhytm & blues. Questa splendida antologia non è limitata però al solo Franco, ma include anche altri artisti che con lui condivisero palcoscenico e studi di registrazione come Roitelet, Nganga, De Wayon, Pholidor, De La Lune e Vicky. Viene così tracciato la storia di un genere, la rumba congolese, che sbocciò a Kinshasa nei primi anni Quaranta grazie alla commistione di suoni provenienti dalla tradizione locale con il son cubano, il tutto con l'aggiunta della sperimentazione di nuovi strumenti giunti dall'occidente come la chitarra elettrica. Negli anni cinquanta la rumba divenne un vero e proprio fenomeno sociale dell'Africa Centrale e lentamente grazie all'opera di Franco con l'O.K. Jazz, Papa Noel con Les Bantous de la Capitale, i Grand Kallé e l'African Jazz, ebbe un fenomeno di evoluzione incredibile incorporando altri stili musicali e sonorità come chachachà, mambo, pachanga e salsa. Attraverso i venti brani in scaletta è, duque, possibile assistere alla crescita di questo particolare genere musicale, la cui importanza non investe solo il jazz ma si estende anche alla world music.

Konono N.1 - Assume Crash Position (Crammed Discs/Materiali Sonori)

Nati tra la fine degli anni settanta e l'inizio degli anni ottanta da un'idea del musicista congolese Mawangu Migiendi, i Konono N.1 hanno speso larga parte del loro percorso musicale esibendosi in strada o nei locali di Kinshasa, proponendo particolari rielaborazioni i canti rituali della loro etnia di origine, gli Zombo, finchè nel 2005, grazie alla lungimiranza del belga Vincent Kenis patron della Crammed Discs, finalmente riescono a pubblicare il loro disco di debutto, Congotronics, che sin da subito raccoglie successo e grande ammirazione tra gli appassionati di world music per la particolarità della loro proposta musicale. A sei anni dal debutto discografico, i Konono N.1, tornano con un nuovo album, Assume Crash Position, che segna una importante evoluzione della loro formazione con l'ingresso nella line up del basso e della chitarra elettrica. Questo nuovo album raccoglie otto brani, che quasi fossero delle piccole suite mescolano suggestioni e sonorità spaziando da ipnotici mantra a danze travolgenti fino a toccare echi di musica trance, il tutto partendo dal suono del likembe (o m'bira), strumento tradizionale degli Shona, una tribù dello Zimbawe, costituito da una serie di linguette metalliche di forma diversa fissate su un pezzo di legno, le quali pizzicate emettono un suono caldo e melodioso, e che Migiendi ha accuratamente modernizzato amplificandolo fino ad ottenere un vero e proprio likembe elettrico. Ad aprire il disco è Wumbanzanga, introdotta da uno spaccato strumentale delicatissimo, ma è con Mama na bana, con la chitarra elettrica di Nzila Mabasukisa e dal basso di Duku Mukumbu in bella evidenza, che si entra nel vivo del disco. Si passa poi a Makembe e Konono Wa Wa, con quest'ultima che rimanda al repertorio della rumba congolese, fino a toccare Nakobala Lisusu Te, che chiude il disco con la sua colorata varietà di suoni. Assume Crash Position, ci svela tutto il talento di Migendi e dei suoi Konono N.1, gruppo di musicisti che partendo da strumenti di fortuna e dividendosi tra talento, genio e casualità è riuscito a raggiungere la notorietà solo grazie alla passione e alla voglia di fare musica.

Shantel - Planet Paprika (Essay/Crammed Discs/Materiali Sonori)

Stefan Hantel, alias Shantel, è un produttore, cantante e dj tedesco con alle spalle un'interessantissimo percorso artistico che lo ha visto partire da qualche esperimento durante i suoi set nei quali mixava i dischi di Kočani Orkestar e di Taraf de Haidouks fino a diventare lui stesso un musicista. Infatti, complice un viaggio in Bucovina, piccola regione dei Carpazi dalla quale è tornato con tanto di banda al seguito, qualche anno fa pubblico il suo disco di debutto Disko Partizani, che gli ha fruttato numerosi apprezzamenti, che si sono andati ad aggiungere al ben noto titolo di King of the Balkan dancefloor. A distanza di qualche anno, Shantel ha dato alle stampe il suo secondo disco Planet Paprika, che mescola l'elettronica con ritmi gitani e twist il tutto condito da influenze che spaziano dalla musica balcanica alla klezmer passando per la musica greca. Il risultato è un disco divertente, nel quale convivono sonorità che farebbero a pugni ovunque, ma che qui suonano perfettamente amalgamate come nel caso delle fisarmoniche campagnole che si sposano al reggae in Wandering Stars o la voce dei muezzin che dialoga con la fanfara balcanica in Binaz In Dub, ma non è tutto perchè a soprenderci arrivano le sghembe divagazioni ora nella musica greca con Good Morning Athina, ora in quella balcanica con il tradizionale Usti, Usti Baba fino a toccare il rap che di tanto in tanto irrompe sulla spinta dei beat da discoteca. A caratterizzare ancor di più il tutto è la voce irriverente e quasi stonata di Shantel, che urla sguaiata mentre i cori femminili rimandano all’approccio vocale delle cantrici bulgare. Sebbene a tratti dia la sensazione di essere la versione musicale in chiave tamarra di Borat, Shantel con Planet Paprika, prende in giro un po’ tutti quelli che hanno preso sul serio il fenomeno della riscoperta della musica balcanica, per lui, in fondo suonare significa solo divertirsi.

Kasbah Rockers with Bill Laswell – Kasbah Rockers (Barraka El Farnatshi Prod./Materiali Sonori)

Il progetto Kasbah Rockers nasce da un idea di Pat Jabbar, storico pioneriere della sperimentazione elettronica in chiave arab sound con Aisha Kandisha’a Jarring Effects, che contando sul supporto dell’etichetta svizzero-marocchina El Barraka, ha dato vita ad un super gruppo che pesca tra le migliori proposte del suo roste, spaziando da Youssef El Mejjad dei pluridecorati Amira Saqati alla crew di repper turchi Makale. Ad impreziosire il disco ci sono numerosi ospitio come B-Net Marrakech, Maghrebika, Amira Saqati, Cheb Mourad, Oezlem Ylmaz, Makale ed altri che alternano il cantato in arabo, turco e francese, ma soprattutto Bill Laswell che vestendo i panni dell’ospite d’onore caratterizza con il suo basso ogni brano aggiungendovi la propria cifra stilistica, che da sempre guarda con attenzione al dialogo tra Nord e Sud del Mondo. Durante i settantotto minuti del disco brillano brani come Bred Atay nella quale si apprezza il dialogo tra gli archi e le strutture tipiche del rep, o Falludjah Car il cui testo militante sembra presagire alla primavera araba ma allo stesso tempo critica l’occidente invasore, ma soprattutto la title track che brilla per la travolgente commistione sonora tra house, trip hop, raï e rap. Eccellenti sono poi Bledstyle and Shta, entrambe provenienti dalla colonna Sonora di Body Of Lies di Ridley Scott, e caratterizzate da splendidi arrangiamenti a metà strada tra sperimentazione sonora e world music. Ripercorrendo le orme del progetto Maghrebika, Kasbah Rockers si pone come la nuova frontiera del meltin’ pot sonoro tra i suoni del Nord Africa e quelli dell’elettronica, e rappresenta senza dubbio uno dei dischi più affascinanti e coinvolgenti della scena world africana.

Salvatore Esposito

Pino Maurizio – Alle Dudici De La Notte (Archivio Etnografico e Musicale del Salento "Pietro Sassu")

2012-01-23T16:12:00.001-06:00

Storica voce solista dei Menamenamò, Pino Maurizio è uno degli ultimi depositari della tradizione musicale contadina del Salento, a lui e al corpus di canti di Spongano (Le) è dedicato Alle Dudici De La Notte, disco prodotto e curato dall’etnomusicologo Luigi Mengoli, e pubblicato all’interno della collana Voci e Personaggi della Musica Salentina, promossa dall'Archivio Etnografico e Musicale del Salento Pietro Sassu e dall'Università Popolare della Musica e delle Arti Paolo Emilio Stasi col proposito di valorizzare i più diversi aspetti della cultura tradizionale locale. Il disco raccoglie diciotto brani tradizionali, splendidamente incisi a da Pino Maurizio con il solo supporto del talentuoso fisarmonicista Admir Shkurtaj, e prodotti dallo stesso Luigi Mengoli, che ha puntato a valorizzare soprattutto l’impatto vocale e la ricchezza dei testi, molto spesso differenti rispetto alle versioni più note dei brani. Durante l’ascolto è suggestivo ascoltare la voce ruvida di Maurizio supportata dalla fisarmonica di Shkurtaj che disegna splendidi arabeschi melodici che spaziano dalle sonorità tipiche del Salento a quelle della sua terra, l’Albania, creando un ponte ideale di suoni e suggestioni, che valorizza in modo sorprendente anche i testi tradizionali. Brillano così le splendide interpetazioni di brani noti come Fimmene Fimmene, Santu Paulu Meu, Lu Trainieri e Pizzicarella ma maggior curiosità nasce dall’ascolto di brani tipici dell’area di Spongano come La Carmina, Luna D’Argentu, Lu Carciru e Monicu De Cunvento. Tra canti di lavoro, canti di carcere e canti d’amore, emerge un corpus di canti poco praticato ma allo stesso tempo non privo di grande interesse sia per l’aspetto musicale sia da quello prettamente filologico come dimostrano ad esempio la struggente Tie Me Lassasti, già nota nella versione di Enza Pagliara ma qui resa in una versione più scarna e senza dubbio più vicina alla sua forma originaria, o ancora la più nota Quannu Te Llai La Faccia, la cui voce di Pino Maurizio ne fa emergere ancor di più l’aspetto romantico. Alle Dudici De La Notte è, dunque, un disco prezioso perché unisce la bellezza di una registrazione moderna a quello documentale, preservando a futura memoria la voce di uno degli ultimi cantori del Salento come quella di Pino Maurizio, il tutto senza corrompere la bellezza originaria dei brani tradizionali.

Salvatore Esposito

Paolo Pacciolla - Enchanting Circles (Alfa Music)

2012-01-23T16:03:00.001-06:00

Musicologo e percussionista, nonchè docente di Etnomusicologia presso il Conservatorio di Vicenza A. Pedrollo, Paolo Pacciolla, vanta un curriculum prestigioso in cui allo studio e alla ricerca sulla tradizione musicale Indiana ha affiancato una intensa attività didattica e numerose collaborazioni musicali in Italia, come quella con Antonio Cotardo con il quale ha dato vita al duo Free-Dot e con cui ha pubblicato Ariband nel 2010. La sua passione per le percussioni lo ha portato negli anni a creare lui stesso un marchio AP Percussions con cui progetta e realizza tamburi a cornice accordabili e proprio a questo particolare strumento è dedicato Enchanting Cicles, il suo disco di debutto come solista, che raccoglie undici brani autografi, incisi insieme ad un superbo cast di musicisti composto da: Raffaele Genovese (piano), Marco Panascia (contrabbasso), Gioacchino Papa (batteria e percussioni), Stefano D'Anna (Sax soprano e sax tenore) e Fabrizio Bosso (tromba). Inciso presso gli studi Sutra Arti Performative di Lecce, il disco rappresenta un importante esempio di quale possa essere l'utilizzo nell'ambito della musica moderna dei tamburi a cornice, per i quali lui stesso ha creato un sistema di accordatura che permette di variarne i toni, e nasce come compendio e testmonianza dello spettacolo Matrika – Enchanting Circles ralizzato con la danzatrice Luisa Spagna e dedicato alla danza rituale. Il disco si apre dal ritmo quasi melodico di Calling The Guardians, seguita dalla introspettiva riflessione di Klam Reflection, nella quale duettano due tamburi daire di tipo persiano, ma è con l'ingresso anche della voce quasi sussurata di Pacciola che si entra completamente nel vivo del disco, con quest'ultima ad arricchire la tavolozza di colori creati dalle percussioni. Si apprezza così a pieno tutta la capacità del percussionista salentino di ricercare un linguaggio musicale che suoni come universale attraverso la percussività dei suoi tamburi, come nel caso della splendida Figures Of The Wind, nella quale si apprezza un travolgente assolo su un daire persiano, o di Flowing On The Breath Of An Elephant, un brano composto per tre tamburi sorretti tra le mani. Il vertice del disco arriva però con le conclusive Dancing On The Tips Of The Finger per tar e voce e Stram, nella quale brilla l'intreccio tra tre daire persiani, due daf e le voci, che rimandano idealmente alle danze rituali dell'estremo oriente. Paolo Pacciolla con Enchanting Circles ha aperto uno spaccato di grande interesse sugli aspetti melodici dei tamburi a cornice nella tradizione musicale dell'Oriente come in quella Europea.

Salvatore Esposito

Beatriz Aguiar – Nomade (Felmay Records/EGEA Distribution)

2012-01-23T16:00:00.000-06:00

Nata a Montevideo (Uruguay), Beatriz Aguiar è una delle cantanti di musica latina più note in Europa e questo per le sue importanti collaborazioni che hanno caratterizzato la sua carriera come quella con Adalberto Santiago, Laura Fygi e Isaac Delgado, ma anche per il suo apprezzato disco, Mi Cancion del 2006, pubblicato dall’etichetta olandese Connecting Culture. Il suo nuovo album Nomade, raccoglie quattordici brani che evidenziano le varie influenze musicali che caratterizzano il suo stile e che spaziano dall’America Latina al Sud Italia fino a toccare la Sicilia e la Sardegna. Ad accompagnarla troviamo un eccellente gruppo di musicisti composto da Leonardo Amuedo (chitarra), Randal Corsen (piano), Ramon Valle (piano), Juan Pablo Nahar (bajo), Enriqui Firpi (batteria), Saartje van Kamp (violoncello), Juan Pablo Dobal (piano), Reno Steba (bajo), Jaime Rodriguez (percussioni), Jose Lopretti (piano e bajo), nonché l’italiano Filippo Gambetta all’organetto, i quali si avvicendano di brano in brano avvolgendo splendidamente la voce della Aguiar. Così tra brani autografi e liriche musicate di poeti come il sardo Antonio Mura Ena o di Luigi Marielli (Tazenda), si compie un cammino ricco di grande fascino che ci conduce attraverso le coste del Mediterraneo per poi toccare prima l’Europa dell’Est con i rimandi alla musica dei gitani e poi il Medio Oriente con le musiche dell’africa e quelli delle degli emigranti. Durante l’ascolto si viene letteralmente catturati dal timbro melodioso della voce della Aguiar, capace di spaziare con agilità dalla ruralità della musica popolare all’eleganza del jazz, svelandoci tutto il suo immenso bagaglio musicale. E’ così che brillano composizioni autografe come La Otra Orilla, Manzanilla e Dame, ma anche splendidi testi poetici come Astrolicamus di Luigi Marielli, o la magnifica rilettura in spagnolo de Il Tragico Naufragio della Nave Sirio, con l’organetto diatonico di Gambetta a dialogare con il piano di Ramon Valle. L’approccio colto e raffinato di Beatriz Aguiar rispetto alla world music e alla tradizione popolare rappresenta una ventata nuova nel panorama della musica del Mediterraneo e più in generale di quella di lingua spagnola, e questo sia per la qualità delle sue composizioni ma soprattutto per la bellezza e la versatilità della sua voce.

Salvatore Esposito

Autori Vari - The Best of Acoustic Guitar International Meeting Vol. 1 (La Frontiera/CNI) e Vol.2 (Armadillo Club/Baracca e Burattini)

2012-01-23T15:56:00.001-06:00

Ideato da Alessio Ambrosi e dall'Associazione culturale Armadillo Club, l’Acoustic Guitar International Meeting che annualmente nel mese di maggio si tiene a Sarzana dal 1998, è senza dubbio uno degli appuntamenti più importanti per gli appassionati di chitarra acustica e questo non solo per il ricco cartellone di concerti che lo caratterizza ma anche e soprattutto per i seminari e le esposizioni di liuteria che lo accompagnano. Nel corso delle varie edizioni numerosi chitarristi provenienti da tutto il mondo si sono esibiti sul suo palco, e hanno offerto al numeroso pubblico l’occasione di venire in contatto con tecniche musicali e stili differenti applicati alla chitarra acustica e a raccogliere, seppur in minima parte, una selezione delle migliori performace susseguitesi nei vari anni la Armadillo Music ha pubblicato due dischi, The Best of Acoustic Guitar International Meeting Vol. 1 che raccoglie il meglio dalle edizioni che vanno dal 1998 al 2002 e il Vol.2 che invece è dedicato a quelle che vanno dal 2003 al 2007. Si tratta, dunque, di due preziosi documenti sonori perché aprono uno spaccato sull’immenso universo della sei corde ed in particolare sul fingerstyle, spaziando dal folk al country fino a toccare il blues. Il Vol.1 raccoglie sedici brani che mescolano nomi storici della chitarra come Duck Baker, che esegue una splendida versione di Greensleeves, o John Renbourn che pennella in modo elegantissimo Great Dream From Heaven di Joseph Spence, ad artisti delle generazioni più recenti come Alex De Grassi che con il suo personalissimo fingerpicking fa brillare The World’s Getting Loud. Durante l’ascolto si toccano anche sonorità differenti come il folk celtico di Franco Morone con la bellissima The Gathering o il blues Late In The Evening dell’one-man show Bob Brozman fino a toccare le atmosfere new age di Come In Homage di Ed Gerhard. Non mancano alcuni tributi come quello a Chet Atkins di Muriel Anderson o quello a Fabrizio De Andrè del quale Beppe Gambetta interpreta magistralmente A’Cimma, ma il vertice del disco arriva con la splendida Il Volo di Armando Corsi, accompagnato all’oboe da Mario Arcari.

Il Vol.2 raccoglie, che raccoglie ventisei tracce su due cd, ci svela invece come il Festival si sisa aperto a sonorità differenti nel corso degli ultimi anni e non è un caso che ad impreziosirne la scaletta troviamo il bluegrass con Mississipi John di Happy & Artie Traum con John Sebastian, il cantautorato italiano con Una Storia Disonesta del compianto Stefano Rosso, o ancora le sonorità new age di Vincenzo Zitello & Franco Parravicini. Non mancano ovviamente il blues, ben rappresentato da Bob Brozman o l’english folk rappresentato in modo eccellente da Dick Gaughan e Ken Nicolk, ma la vera novità di questo secondo volume è da rintracciarsi nelle partecipazioni del virtuoso giapponese Isato Nakagawa e nelle melodie africane del Burkina Faso con Gabin Dabirè. Vertici del disco sono la bella versione di Sittin’ On The Top Of The World dei Red Wine con Paolo Bonfanti, la splendida E.D.M. di David Grisman interpretata da Phil Leadbetter con Massimo Gatti e Leo di Giacomo ma soprattutto Le St. Vincent de Pèaule del francese Soig Siberil. Questi due volumi di Acoustic Guitar International Meeting, ci mostrano come questo festival sia una delle più importanti risorse per la scena musicale italiana, non solo per la qualità dei musicisti che si sono alternati negli anni, ma per la peculiare caratteristica di essere un laboratorio a cielo aperto nel quale far crescere nuove generazioni di musicisti, grazie ai numerosi stage tenuti dai vari artisti.

Salvatore Esposito

Tom Waits - Bad As Me (Anti)

2012-01-23T15:38:00.001-06:00

Sette anni separano il signor Waits e signora dall’ultimo release, questa volta l’intenzione di partenza è , in modo larvato, fare degli sketches di breve durata, con dentro i tipici pastiche waitsiani. Dicono che quando diventi un aggettivo vuol dire che ce l’hai fatta. Io non lo so, di certo so che waitsiano so cosa significa, ergo, ci siamo. Al disco partecipano i grandi pittori ai quali Tom ci ha abituato, lo sbilenco e poetico Marc Ribot e le sue corde di chitarra si fa spazio tra i bit del cd, così come si può sentire l’arruffata chitarra pesante come un macigno di Keith Richards, che in comune con Tom ha l’andatura sbilenca e la voce cavernosa. Il figlio Casey siede alla batteria, l’immancabile Flea si prodiga nel quasi dylaniano Raised Right Men, ove l’organo Vox di Augie Meyers fa venire in mente atmosfere texarcane. Quale è il problema? Ho iniziato ad ascoltare Tom Waits e a rimanerne ammaliato nel lontano...vediamo nel 1978 diavolo ma è un sacco di tempo, il disco era lo splendido Blue Valentine, sulla copertina, oltre a Tom, era fotografata la sua fiamma Rickie Lee Jones ( ma non diteglielo, perchè si incazza...). Da allora , io e Tom siamo amici e anche qualcosa di più. E’ lui che ha preso il vicolo più scalcagnato e lo ha trasformato in qualcosa a metà tra un cartone animato croccante di sapore infantile e una storiella da pulp fiction ( non il film), è lui che ha parlato a lungo sia coi gesti che con la brillantina e i vestiti, di beat generation, è lui che si è nascosto e truccato dentro films imprevedibili, lui che ha scelto il piano scordato e lo ha accusato di essere ubricao, lui quello dei rain dogs e altre amenità. Bad as Me è godibile, spunta a volte una sensazione di manierismo, come se Van Gogh, fosse ancora tra noi, si limitasse a riproporre la “stanza” o certi autoritratti...insomma sembra che Waits faccia ...Waits...ma sono convinto che il disco , soprattutto a chi non conosce Tom, faccia bene. Mi rimane la convinzione che Kathleen Brennan, da quando è coautrice del marito abbia contribuito a rendere gli spigoli vivi del marito più gestibili. Forse è solo che l’ho ascoltato troppo che dite? Amava il mistero, l'ululato della voce di Howlin' Wolf, il suono cavernoso e primitivo di quella musica che veniva da lontano nella notte e se ne fregava della gente che voleva sentire ballate che parlavano d'amori finiti e vecchie calze strappate. No, lui voleva andare al centro del mistero e, per farlo, doveva allungarsi oltre, ce l'aveva in testa il suono che voleva cantare, qualcosa di scricchiolante e metallico ma anche suadente, una sega che tagliava e un piumino che stuzzicava la fantasia. E c'era tutta la sua passione per il jazz e il blues e le strane storie dei giornaletti che raccontavano di vecchietti che erano capaci di masticarsi il naso col labbro inferiore, vecchie biciclette arrugginite sotto la pioggia e philipino box hog, picture in a frame e suoni di batteria che sembrassero il martello di Thor quando lo batteva per terra.

Antonio "Rigo"Righetti

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Indice 2/2011

2012-01-16T18:29:00.001-06:00

Michele Gazich: L'Imperdonabile, Un Testamento Artistico Urlato Sussurrando

2012-01-16T18:13:00.000-06:00

Musicista, compositore ed apprezzato produttore, Michele Gazich, dopo la fortunata trilogia insieme alla Nave dei Folli, debutta come cantautore con L’Imperdonabile, un disco intenso e personale, ispirato da un momento molto difficile della sua vita. Lo intervistiamo, mentre l’album si appresta ad andare in stampa, ed insieme a lui abbiamo ripercorso la sua vicenda artistica ed approfondito i temi e le ispirazioni di questo suo nuovo lavoro.

Sei noto soprattutto come produttore e musicista, come nasce Gazich cantautore?

È da tanti anni che scrivo canzoni, in realtà: direi dall'adolescenza. Poi la vita mi ha condotto ad una carriera che inizialmente si è sviluppata innanzitutto come musicista e soprattutto al violino, il mio strumento principale. Ho sempre amato la contaminazione tra linguaggi e codici diversi: la musica classica, il folk, il rock, la poesia. La canzone mi è apparsa da subito come la Terra Promessa dove tutto ciò poteva incontrarsi. Mi è parso saggio, e lo faccio ancora, affiancarmi ad altri artisti in veste di musicista, produttore artistico, coautore e da tutti ho imparato qualcosa: le cose da fare e soprattutto quelle da non fare.

Negli ultimi tre anni hai dato vita con La Nave dei Folli ad una trilogia di dischi che ha riscosso un grande successo... Ci puoi parlare di questa splendida avventura?

Ho desiderato, a quel punto, far conoscere la mia scrittura e la mia idea della musica. La forza, e forse il limite, del progetto "La Nave dei Folli" è stata la difficile catalogazione del progetto. Ci hanno recensito riviste di folk, di rock, di classica, di musica indie e di poesia: ognuno ha ritenuto che la Nave veleggiasse sul suo mare. È stata una grande gioia per me, tuttavia. Il mio pubblico è diventato davvero misto, per gusti musicali e per estrazione culturale e sociale: dal teologo al barista, e non dico per dire. Posso presentarvi il teologo e il barista. Colgo l’occasione per segnalare che La Nave dei Folli non ha ancora raggiunto il porto e si sta preparando a veleggiare verso altri mari inesplorati.

In parallelo hai continuato la tua attività di produttore lavorando soprattutto all'estero con Mark Olson ed Eric Andersen...

Con Mark ed Eric c'è un rapporto di amicizia che va al di là della collaborazione artistica. Con Mark, nel biennio 2007-2008 abbiamo percorso in lungo e in largo America ed Europa, per un totale di più di 330 concerti: abbiamo suonato in prestigiose sale, dal Troubadour a Los Angeles alla Bowery Ballroom a New York, ma anche in luoghi terribili. Mi ricordo, in particolare, una serata a Oxford, Mississippi, in cui c'erano almeno una decina persone tra il pubblico con la pistola in tasca e, nel dopo concerto, fuori dalle tasche. Mark mi ha spinto a persistere in una scrittura massimalista (lui è l'autore di Salvation Blues), ad utilizzare parole come Salvezza, Dio, Morte. Di Eric ho grande stima, per la sua lunga carriera, innanzitutto. Ha registrato il suo primo album quattro anni prima che io nascessi. Eric mi è stato accanto come una persona di famiglia in questi anni e mi ha sempre incoraggiato a cantare le mie canzoni.

L'imperdonabile segna il tuo vero debutto come cantautore. Come e' nata l'esigenza di cantare tu stesso le tue canzoni?

Mi piace e mi emoziona "debuttare", dopo tanti anni di musica e tanti album... La cosa ha un che di surreale, ma l'artista deve essere come la Fenice e risorgere ogni tanto dalle proprie ceneri o, come dice Dylan, produrre un nuovo strato di pelle. Ho infine scritto canzoni che potevo cantare solo io (nel progetto La Nave dei Folli avevo affidato le mie canzoni ad altre voci). Sono stato molto malato quest’anno. Si può dire? Io non ho il tabù della malattia, tipico dei nostri tempi. Ho passato un po' di tempo nel terzo luogo, tra la vita e la morte, e ciò ha fatalmente rinnovato la mia ispirazione e ha caricato di significato la mia voce. Il mio canto è una sorta di recitar-cantando, se vogliamo definirla alla Monteverdi, una voce da talkin’ blues, se vogliamo definirla alla maniera del folk americano. Un’altra particolarità di questo album è che ho suonato tutto da solo, sovraincidendo pianoforte, violino, viola e voce, come in una sorta di rito.

Quali sono le ispirazioni che sono dietro a questo disco?

Quest’album è il mio testamento musicale anche nel senso che ogni canzone allude e esemplifica uno stile musicale che ho suonato, studiato e amato nella mia vita. La Leggenda degli amanti che camminano sul filo, ad esempio, è una tragica storia d’amore, il cui il testo si appoggia ad un accompagnamento spezzato che ricorda e omaggia Brassens; poi ci sono canzoni che alludono al Bach interiore delle Passioni, oppure filastrocche basate sui fiddle tunes che imparai a suonare ormai vent’anni fa, nel primo tour con Michelle Shocked, ai tempi del suo album Arkansas Traveler… e molto altro, perché questo album è fatto della mia vita, dei miei incontri, dei miei viaggi, delle mie cadute, delle mie rinascite, dei miei amori.

Chi è imperdonabile?

Chi ha il coraggio di esserlo. La poetessa Cristina Campo, a cui è dedicata la title track L’Imperdonabile, definì “Imperdonabili” gli artisti che vivono tutta la vita costantemente bruciando verso la verità e la perfezione. Cristina stessa fu, naturalmente, Imperdonabile. Se ci rifletti, il mondo, da sempre e ancora oggi, teme gli Imperdonabili, li rifiuta e li esilia: il mondo ama la mediocrazia tranquillizzante dei cuori freddi.

Quanto ti hanno influenzato i tuoi studi di musica classica nella composizione di questo disco?

Ho iniziato a suonare all’età di quattro anni guidato da mio padre, che mi iniziò alla musica classica. Da allora non ho mai smesso di praticarla e approfondirla, anche e soprattutto dopo avere concluso i miei studi al Conservatorio. La musica classica è molto presente in questo lavoro e, ci tengo a sottolinearlo, non come omaggio o decorazione. Ci sono già troppi album che incorporano e riutilizzano temi e frammenti di musica classica preesistente incastonati all’interno delle canzoni. È un procedimento che ricorda quelle croci che si facevano in epoca barbarica attaccandoci sopra tutte le cose più belle e preziose che si trovavano in giro, resti di altre epoche: cammei, gemme, eccetera. Non troverete copiature o frammenti altrui nel mio lavoro, ma musica composta secondo regole antiche che ho cercato di capire e applicare. Non per sfoggio di cultura, ma con l’umiltà di conservare un sapere artigianale: come fare cestini di vimini. Oggi pochi li sanno fare ed è un peccato.

Tra i brani più intensi c'e certamente il latte nero dell'alba puoi parlarcene?

L'espressione “Il latte nero dell’alba” è tratta da una poesia di Paul Celan, che io amo e ritengo uno dei massimi poeti del secolo scorso. I suoi genitori morirono in campo di concentramento. La memoria dello sterminio dei suoi genitori e del popolo ebraico, la memoria delle violenze della guerra, lo ossessionò al punto tale che, infine, si suicidò, buttandosi nella Senna. Il latte nero dell’alba è quello che bevevano ogni mattino gli ebrei che sapevano di dover morire; il latte nero dell’alba lo bevve Paul Celan, prima di sprofondare nella terribile pace della morte, nel grande cuore nero delle acque del fiume. La mia canzone, molto cinematografica, narra la sua storia, accostando momenti musicali diversi: angosciosi, solenni, meditativi, fino alla liberatoria, mantrica ripetizione conclusiva delle parole: “La notte beviamo il latte nero dell’alba”.

Cosa ti ha ispirato Salmo Magico sia a livello letterario sia a livello compositivo?

Magic Psalm è il titolo di un componimento di Allen Ginsberg, lo sconvolgente maestro della poesia Beat. Il mio Salmo Magico è un componimento ipnotico, magico appunto, come la luna, come il misterioso lavoro delle api, dotato di una melodia circolare, condotta dal piano e dalla viola, che ci avvolge nella sua spira, in cui ogni immagine trascolora oniricamente nell’altra.

Concludendo. Quali sono i tuoi progetti futuri? Porterai in tour questo disco?

Ovviamente sì. Ogni mio album, e soprattutto questo, nasce per essere proposto dal vivo. Non ho mai considerato la musica come un lavoro: è la mia vita. Per me è fondamentale suonare, guardare e incontrare il mio pubblico, sentire fluire le emozioni, portare il mio messaggio. Il tour comincerà il 5 Novembre a Brescia, la mia città natale, e si svilupperà in tutta Italia per poi muovere verso altri paesi europei il prossimo anno: tutto sarà segnalato su www.michelegazich.it

Michele Gazich - L’Imperdonabile (FonoBisanzio)

CONSIGLIATO BLOGFOOLK!!

Rientrato, solo momentaneamente, in porto con la Nave Dei Folli, Michele Gazich, debutta come solista con L'Imperdonabile, disco nato in un momento molto complesso e difficile della sua vita nel quale ha avuto modo di provare sulla sua pelle come la musica abbia il potere e la forza di alleviare il dolore e allo stesso tempo di generare uno slancio creativo anche nei momenti in cui il dolore sembra soffocare ogni speranza. Durante la scorsa estate, il violinista e produttore bresciano ha dovuto affrontare un momento molto difficile per la sua salute, infatti, continui problemi all'udito gli avevano fatto temere il peggio, ovvero la perdita della risorsa principale per un musicista, nonostante tutto però da questa difficoltà è nata un'urgenza creativa da cui sono sbocciate dieci piccole perle dense di poesia, che unite insieme hanno dato vita a questo splendido disco. Inciso in completa solitudine cantando e suonando in ogni brano piano, violino e viola, il disco è un concentrato di emozioni allo stato puro, dove poesia e musica si incontrano riannodando i fili della tradione musicale italiana con quella francese. Caratterizzati da eleganti atmosfere cantautorali, in cui il recitar cantando del musicista bresciano è accompagnato da eleganti intrecci tra piano ed archi, i brani compongono così un testamento spirituale ed allo stesso tempo musicale, in cui Gazich racconta sé stesso a cuore a aperto, e lo fa, immedesimandosi in figure come la poetessa Cristina Campo evocata nella struggente title-track, o in quella di Paul Celan dell’intensa Il Latte Nero dell’Alba, ma anche raccontando tenui storie d’amore come in Leggenda Degli Amanti che Camminano Sul Filo. Il disco non concede mai tregua alle emozioni, il cui sussulto è continuo come nel caso del dialogo immaginario tra Dio e Uomo in Canzone di Chi Non Sa Tornare o dell’evocativa Realtà e Desiderio ispirata dal poeta spagnolo Luis Cernuda, o ancora della meditazione pianistica L’Esca del Tempo. Chiudono il disco Lacrimosa e Salmo Magico ma soprattutto la dolcissima Grano di Luce, una canzone d’amore dalla sontuosa orchestrazione per archi a cui si accompagna un testo pieno di riferimenti poetici. Quasi fosse un libro di poesie, L'Imperdonabile, rappresenta per Michele Gazich, un approdo importante per la sua carriera, l'aver rotto gli indugi cantando lui stesso le sue canzoni, rappresenta una svolta importante, una presa di coscienza di un grande musicista che da sempre è stato un cantautore.

Salvatore Esposito

Foto di Alice Falchetti

Antonio Dambrosio Ensemble - MoSto/Versi in vino di jazz (Associazione Culturale Le Tracce/ Squilibri)

2012-01-16T17:52:00.001-06:00

Celebrare la cultura del vino attraverso nove composizioni che abbracciano parola poetica recitata e note che guardano al vasto orizzonte jazz contemporaneo e al cosiddetto folklore immaginario? Ci è riuscito, con gusto davvero inebriante e piacevolezza d’ascolto, Antonio Dambrosio, compositore e percussionista altamurano, che conferma la sua singolarità di autore propenso a far dialogare musica e letteratura, come già fatto nel precedente, pregevole lavoro Sempre Nuova è l’Alba (2007, Squilibri), dedicato a Rocco Scotellaro. Introducono i brani Maria Luisa Bigai e Rocco Capri Chiumarulo, le cui voci recitano versi consacrati al vino, da pagine di, Orazio, Ovidio, Carmina Burana, Baudelaire, Dickinson, Carducci, Neruda, De Filippo, Merini. Dambrosio si avvale dell’apporto di degni e fidati comprimari: Nico Berardi (zampogna, flauto, charango), Nicola Pisani (sax soprano), Vincenzo Presta (clarinetto), Vincenzo Abbracciante (fisarmonica), Davide Giove (flauto), Camillo Pace (contrabbasso). I versi carducciani di “San Martino” conducono ad una composizione festosa, sospesa tra richiami popolari e motore ritmico jazz. Il timbro terso del charango accompagna un estratto da I Fiori del Male, che sfocia in un brano di impronta jazz: qui si staglia il sax soprano di Pisani. “Vite”, il cui incipit è tratto dalle Odi oraziane, si sviluppa tra tradizione jazz e calore mediterraneo. Non poteva mancare “In taberna”, caratterizzata dall’intreccio tra canto e recitato in latino, su un impianto di marcata impronta jazz improvvisativa, che incontra armonie medievaleggianti e sequenze in cui la voce dialoga con la zampogna di Berardi. Allure musicale di segno tango-jazz per “A butteglia” con la fisarmonica di Abbracciante che domina spavalda, accompagnando i versi di Eduardo, adagiati sulle note di “Te voglio bene assaje”. Dopo Neruda, recitato su un bel sottofondo d’improvvisazione, arriva Alda Merini ad aprire “Turbiloquio”, episodio tra i più intensi del programma, composizione di ossatura di stampo jazz, in cui il musicista pugliese infila anche un omaggio coltraniano. Dopo gli squisiti aforismi di “P’assaggi”, si è pervasi dalla solare coralità della conclusiva “Festa”.

Ciro De Rosa

Mauro Gioielli, Tarantismo Molisano, Palladino Editore, 2011, pp.57, Euro 5

2012-01-16T17:47:00.001-06:00

Il Molise, per la sua posizione geografica, è da sempre stata una regione di passaggio, o meglio, è in qualche modo una porta aperta verso la Puglia e le sue complesse tradizioni popolari e musicali. Non ci sorprende, dunque, che nelle zone poste a sud a confine con la Capitanata e il Principato Ulteriore si siano registrati in epoche passate episodi di tarantismo assimilabili a quelli noti soprattutto nel Salento. Mauro Gioielli, etnomusicologo e storico fondatore del gruppo Il Tratturo, ha da poco pubblicato, Tarantismo Molisano, un breve ma interessantissimo saggio che analizza quegli episodi di tarantismo storicamente noti in Molise, partendo da una memoria ottocentesca del medico Giuseppe Maria Carusi, che nell’estate del 1847, a seguito di una circolare ministeriale, fu chiamato a redigere un rapporto scientifico sul tarantismo. Il medico molisano, che all’epoca operava nell’area di Baselice (Bn) allora parte dell’attuale e confinante provincia di Campobasso, esaminò con cura il fenomeno descrivendo dettagliatamente sia le specie di insetti o rettili potenzialmente velenosi ma soprattutto ne cercò di studiare gli effetti diretti facendo addirittura esperimenti con bambini, i quali venivano fatti pungere da scorpioni o tarantole, per poterne poi osservare le reazioni fisiologiche. Sebbene quest’ultima cosa abbia un qualcosa di crudele, l’importanza della sua memoria ha una grande valenza perché ci schiude le porte ad un usanza tipica proprio della zona di Baselice, infatti, il 24 giugno durante la ricorrenza di San Giovanni Battista, veniva celebrata anche la memoria del Beato Giovanni Eremita da Tufara, precursore del monachesimo e per il quale una numerosa folla si radunava intorno alla chiesa a lui dedicata, che si dice fosse stata edificata dai Cavalieri Teutonici, e lì davano vita alla Tonda, un ballo assimilabile alla pizzica, ma le cui origini risalgono addirittura ai Lupercali. Mauro Gioielli, esamina con grande cura questa importante fonte storica, che viene posta in relazione agli scritti di Cirese e Perrotta, ma soprattutto al culto dei Santi Cosma e Damiano ad Isernia, del quale viene riportata integralmente la testimonianza di una informatrice raccolta dallo stesso etnomusicologo molisano durante le sue ricerche sul campo. Scopriamo così la leggenda de “la Baronella” morsa da “la forficula” e liberata dal male per intercessione dei due santi medici ai quali aveva consacrato il suo ballo forsennato. Diviso in tre brevi capitoli, il saggio ci schiude un mondo poco noto e incuriosendoci, e non è casuale che ad accompagnare le pagine redatte da Gioielli ci sia anche una copia anastatica de “Della Tarantola e Del Tarantismo” di Giuseppe Maria Carusi, la cui lettura, sebbene caratterizzata giustamente da un italiano antico, è di grande interesse. Completano il testo, un importante apparato iconografico comprensivo delle cartine geografiche antiche del Molise, ma soprattutto lo spartito della Spallata Molisana, nella trascrizione per sordellina molisana de Il Tratturo, e anch’essa assimilabile e forse derivata dalla tradizione musicale pugliese. Mauro Gioielli con Tarantismo Molisano ha aperto una traccia di ricerca importante, che auspichiamo venga approfondita sempre di più, anche per valorizzare ulteriormente il grande patrimonio di cultura popolare conservato dal Molise.

Salvatore Esposito

Cantori di Menamenamò - O Fieri Flagelli (Archivio Etnografico della Musica e delle Arti "Pietro Sassu" di Spongano)

2012-01-16T17:44:00.000-06:00

La Settimana Santa con il suo insieme di celebrazioni e processioni liturgiche e paraliturgiche rappresenta una delle più importanti espressioni della religiosità popolare del Salento essendo sopravvissuta allo scorrere inesorabile del tempo e all'arrivo della modernità. Si tratta di un pezzetto di passato che annualmente, anche se in forma ridotta, torna a rivivere, in particolare, durante la Processione del Venerdì Santo, con lo sfilamento delle statue Cristo Morto e della Vergine Addolorata rappresentata con il cuore trafitto da una spada seguite da tutta la comunità, dalle autorità e dalle confraternite accompagnate dalla banda e da cantori che eseguono melodie funebri e canti tradizionali. Le modalità di svolgimento variano da paese a paese, sia dal punto di vista rituale sia da quello musicale, ma è proprio la musica che contribuisce a solennizzare questa importante ricorrenza religiosa e a creare tra i fedeli l'atmosfera di preghiera e contemplazione. Al suono delle bande spesso si alternavano i canti dei fedeli, che in questo modo partecipavano emotivamente alla celbrezione, la memoria di essi è ancora viva in molti anziani almeno dal punto di vista melodico, perchè i testi sono stati preda del tempo e della corruzione dialettale. A gettare nuova luce su questo interessante fenomeno etnomusicale, è il disco O Fieri Flagelli, curato da Luigi Mengoli ed inserito nell'ambito della collana Salento - La Grande Musica Salentina, che raccoglie una selezione di canti, musiche e preghiere interpretati dai cantori di Menamenamò, memoria storica della comunità di Spongano, con le voci recitanti delle sorelle Pippina e Vittoria Guida e di Pierluigi Mele, dalla Filarmonica Città di Gallipoli, diretta dal maestro Pascal Coppola, e dalla Banda Unipop dell’Università Popolare della Musica e delle Arti “Paolo Emilio Stasi” di Spongano. Attraverso i venti brani in scaletta viene ricostruito tutto il calendario di celebrazioni della Pasqua a partire dal Mercoledì della Ceneri con il salmo penitenziale Pietà di me, fino al giovedì e venerdì della Settimana Santa. Al giorno di adorazione della croce è dedicato il brano Ti saluto Croce Santa, così come i vari canti della Via Crucis tra cui O fieri flagelli, scritto da Sant'Alfonso Maria de Liguori, Gesù mio con dure funi, Adoriamo te, È spirato, Piangi Maria. Il frutto più importante della ricerca di Mengoli è però I Passiùna Tu Cristù, il canto della passione in griko, interpretata da Gianni De Santis, che con le sue sessantasei strofe, mescola ritualità religiosa e cultura orale con la struggente narrazione della vicende del supplizio di Cristo. Tre le altre perle del disco vanno menzionate Una Lacrima Sulla Tomba di Mia Madre, resa celebre dal Film Pane Amore e… di Dino Risi e Amarcord di Federico Fellini, e la recitazione da parte del poeta saletino Pierluigi Mele, dello Stabat Mater attribuito a Jacopone da Todi. Completa l’opera il prezioso libretto contenente un saggio dell’etnomusicolo Salvatore Colazzo, e un ricco apparato fotografico a documento delle sessions di registrazione del disco. O Fieri Flagelli è insomma un documento imprescindibile per conoscere da vicino una parte importantissima della tradizione musicale salentina, ovvero quella legata alla ritualità religiosa e alla cultura orale.

Il presente filmato non è rappresentativo del disco ma piuttosto dello svolgimento dei riti della Settimana Santa a Gallipoli (Le)

Salvatore Esposito

Viouloun d'Amoun - Viouloun d'Amoun (Autoproduzione)

2012-01-16T17:38:00.001-06:00

Nati nel 2001 da un idea del violinista Gabriele Ferrero, già componente di Senhal e Compagnons Roulants, i Viouloun d'Amoun sono una piccola orchestra piemontese di soli violini, attiva nell'ambito del bal-folk, che conta circa quindici elementi (Alfonsa Bellavia, Erica Berardo, Giovanni Ciavarella, Rosario Cottone, Giulietta Gaeta, Letizia Gallo, Miki Gherci, Giulia Marra, Manrico Papi, Lia Patti, Mauro Scalise, Enrico Salvetti, Gilberto Scarpa, nonchè il contrabbassista Stefano Protto), tutti provenienti formatisi nell'ambito di un corso di violino popolare, che su vari livelli alimenta da sempre il suo organico. L'idea iniziale era quella di permettere ad alcuni musicisti più giovani di farsi conoscere suonando dal vivo, ma l'affiatamento e l'entusiasmo ha fatto decollare il progetto fino a trasformarlo in un vero e proprio laboratorio in continua crescita. Perseguendo con costanza l'obiettivo di dare nuova linfa al bal-folk piemontese, i Viouloun d'Amoun hanno intrapreso un interessante percorso di ricerca che li ha condotti a raffinare sempre di più il repertorio e gli arrangiamenti, ma anche confrontarsi anche con le musiche da ballo del Sud della Francia, il tutto rispettando la spontaneità e il dinamismo dello stile violinistico popolare. Le caratteristiche di questi repertori, ovvvero scale modali, accentuazioni e colpi d'arco, non vengono esaltate per sottolineare una proposta di tipo strettamente filologico ma piuttosto il lavoro di Ferrero si è indirizzato verso una rilettura moderna che prende le mosse dallo studio della loro ricchezza melodica e delle loro particolarità ritmiche e timbriche. Nel loro nome, il violino dei monti, è racchiuso anche tutto l'immaginario della musica delle performance alpinistiche in cui è racchiusa non solo l'anima e la memoria di un territorio ma anche le atmosfere uniche dei suoi paesaggi dove l'arco alpino abbraccia le valli che conducono alla Francia. La musica dei Viouloun d'Amoun rappresenta così un ideale viaggio attraverso queste valli che dal Piemonte conducono all'Occitania Francese, tra musica e feste popolari, tra danze e suoni di violini. Dopo aver maturato una grande esperienza suonando non solo nelle sale da ballo ma anche in numerosi festival italiani ed europei, la formazione piemontese ha di recente dato alle stampe il loro primo disco, che raccoglie x brani tradizionali, tutti arrangiati con grande semplicità ma non perdendo mai di vista il rigore nelle esecuzioni, volte sempre a preservare la memoria della tradizione popolare. Durante l'ascolto emerge sin da subito, che il gruppo piemontese ha puntato non tanto alla ricerca a tutti i costi della sperimentazione sulle strutture musicali tradizionali ma piuttosto ha focalizzato i suoi sforzi nella ricerca sulle sonorità corali ed orchestrali della musica da ballo. Niente ghironde o organetti o peggio ancora strumenti elettrici ma piuttosto la riscoperta del violino come strumento tipico della musica da ballo, facendo riemergere tutta l'eleganza e la semplicità del suo suono. Viouloun d'Amoun è, dunque, un esempio di come la musica da ballo piemontese possa nascondere ancora tante sfumature ancora da scoprire e Gabriele Ferrero e i suoi musicisti ce ne hanno offerto un esempio di ottimo livello.

Salvatore Esposito

Folklezmer - Puppets Theatre Show (Ultra Sound)

2012-01-16T17:35:00.001-06:00

Il progetto Folklezmer nasce da un'idea di Alberto Greguoldo, giovane e talentuoso sassofonista vogherese con alle spalle un intenso percorso di studi maturato tra musica classica e jazz e ben tre album pubblicati a suo nome, il quale da sempre affascinato dalla musica klezmer ha voluto darne una personale rilettura in chiave jazz, ma sopratutto ha voluto riprendere il discorso iniziato con Place Of Dance, al fianco di mberto Petrin, Giancarlo Schiaffini e Mario Fragiacomo. Richiamati due vecchi amici come Carlo Garofalo (battria) e Antonio Bertoni (basso), già con lui nei Tongs, è nato Puppets Theatre Show, disco che mette in fila dieci brani strumentali, tra brani originali, tradizionali ebraici e una cover, incisi con la complicità di alcuni ospiti come l'anglo-israeliano Koby Israelite (Accordeon), Xavier Iriondo (Mahai Metak Guitar), e il cubano Alberto Pena Zaldivar (Tromba). Ogni nota di questo disco nasce da uno studio approfondito e da una ricerca attenta compiuta attraverso sia il repertorio di importanti compositori ebrei emigrati dall'Est-Europa in America come Giora Feidman e Mordechai Gebirtig sia su quello della musica tradizionale Yiddish, ed è questo che ha consentito a Greguoldo di muoversi con agilità in fase di composizione ma anche in quella di rilettura dei materiali d'archivio. Durante l'ascolto si incontrano le diverse suggestioni della musica klezmer il tutto condito da sfumature che spaziano dal free jazz al rumorismo della No-Wave fino a toccare la musica balcanica e il rock, in un fluire continuo di suoni ora taglienti ora swinganti che sfociano in travolgenti improvvisazioni sperimentali. Fondamentale nella riuscita del disco è senza dubbio la qualità della registrazione, mirata a valorizzare le timbriche, la vivacità dei toni e le tinte accese del suond che mette bene in evidenza il continuo altalenarsi di umori tra tragico ed ironico tipico del klezmer. A guidare la linea melodica è il sax di Greguoldo supportato in modo magistrale dall'ottima sezione ritmica, mentre dialoga ora con la tromba di Pena Zaldivar ora con l'accordeon di Israelite ora ancora con il Mahi Matak, una sorta di tagliere a corde suonato da Iriondo. A spiccare in modo particolare sono la divertente Harem Vs Halal, lo sgangherato tango di Ershter Vals dove le sonorità Yiddish vanno a braccetto con i ritmi da balera, la travolgente Ghamarat, e la spettacolare 27 che conduce i Folklezmer ai confini con il free-jazz. Puppetts Theatre Show è dunque un disco sorprendente che non mancherà di entusiasmare non solo gli appassionati di musica jazz ma anche i cultori della music klezmer più sperimentale. Da non perdere!

Salvatore Esposito

Moncef Ghachem, Biagio Guerrera & Pocket Poetry Orchestra - Quelli Che Bruciano La Frontiera (Folkclub Ethnosuoni)

2012-01-16T17:33:00.000-06:00

Nata nel 2007 da un’idea dell’attore Biagio Guerra, la Pocket Poetry Orchestra raccoglie i componenti del gruppo italo-palestinese dei Dounia ovvero il cantante palestinese Faisal Taher, Vincenzo Gangi (chitarra), Giovanni Arena (contrabbasso) e Riccardo Gerbino (tabla e percussioni), con l’aggiunta di Stefano Zorzanello (sax, flauto, elettronica), Marina Borgo (marimba e percussioni), e il poeta tunisino Moncef Ghachem. Già nel 2003 questo gruppo di artisti aveva dato vita al reading Dalle Sponde Del Mare Bianco, poi uscito anche su cd per Mesogea, ma il progetto Quelli Che Bruciano La Frontiera, edito da Folkclub Ethnosuoni rappresenta una ulteriore evoluzione di questo ensamble che oggi più che mai sembra indirizzarsi verso l’esplorazione di quel confine dove musica e parole si incontrano alla ricerca di quei legami sottili che possano generare un flusso sonoro unico in cui la potenza dei testi è completata dalla ricerca sonora. In questo senso di grande importanza diventa, dunque, anche la tematica trattata, infatti, quasi fosse un concept album, il disco ruota intorno al grande dramma dei migranti nord-africani che approdano sulle coste della Sicilia, e anche il titolo non è nient’altro che la traduzione letterale del termine arabo harraga, che indica appunto coloro che attraversano il Mediterraneo clandestinamente a bordo di vecchie e stracariche barche di fortuna che spesso diventano per loro delle vere e proprie tombe. Ad accompagnarci durante l’ascolto sono due donne, due donne di mare, ovvero la madre di Moncef, ultima custode di una antica cultura di pescatori e la nonna di Guerrera, Rosa Viola, che nei primi anni del 1900 attraverso il Mediterraneo su un mercantile, entrambe diventano paradigma delle difficoltà che incontrano coloro che attraversano il mare verso la libertà. Pur utilizzando la medesima formula di Dalle Sponde Del Mare Bianco, che vedeva la musica porsi a metà strada tra reading letterario, poesia civile e protest song, questo nuovo album ha tratti più politici, ma la tensione poetica e la forza evocativa è rimasta intatta con la voce di Faisal Taher sempre pronta ad incantare accompagnato dall’incanto acustico dei Dounia e dalla potenza espressiva della poesia in francese di Ghachem. Ogni brano così diventa una terra di confronto per due mondi, due lingue, che si guardano e si parlano attraverso il mare nel tentativo di superare la distanza, la sofferenza e la disperazione, per la conquista di un futuro migliore e pieno di speranza. Siciliano, arabo e francese diventano una sola lingua, un solo dialetto, una sola voce che pretende di essere ascoltata e la Pocket Poetry Orchestra con questo disco è riuscita a dare vita a questa impresa in modo magnifico e siamo certi che gli altri due nuovi reading in cantiere ci regaleranno altrettante emozioni.

Salvatore Esposito

Mattanza – Il Meglio dei Mattanza (Italian World Music)

2012-01-16T17:29:00.003-06:00

I Mattanza nascono nel 1997 da un’idea di Mimmo Martino, storico fondatore del Gruppo di Ricerca Popolare Tommaso Campanella e leader di diverse formazioni musicali attive sin dai primi anni settanta, che facendo tesoro dell’esperienza maturata dall’incontro con il professor Luigi Lombardi Satriani, decise insieme ad alcuni vecchi amici di dare nuova linfa alla tradizione musicale calabrese cercando di riscoprire il patrimonio della tradizione orale calabrese, partendo dalle filastrocche fino a toccare le ninna nanne, i canti di lavoro e i proverbi. Non è casuale, infatti, che i loro concerti si chiudano sempre con la frase: "Un popolo senza storia è come un albero senza radici: è destinato a morire!", che identifica il loro desiderio di denunciare la progressiva perdita di memoria rispetto alla vera identità dei popoli connessa ad una totale scomparsa di quei patrimoni e saperi tipici della tradizione popolare che la modernità rischia di cancellare. Mattanza diventa dunque sinonimo di un impegno teso ad una resistenza ad oltranza a difesa della memoria e alla valorizzazione di quell'immenso patrimonio rappresentato non solo dalla musica della loro terra ma anche quella di tutta l'area del Mediterraneo. Attualmente il gruppo vanta un organico molto ampio composto da Mimmo Martino (voce, flauti, percussioni, armonica), Enzo Petea (tastiere, fisarmonica, programmazione, composizioni), Roberto Aricò (basso, contrabbasso), Giovanni Squillacioti (percussioni), Fabio Moragas (chitarra) e Marìka Gatto (voce). A documentare il loro percorso artistico e di ricerca, è l'ottima antologia Il Meglio dei Mattanza che raccoglie una selezione dei brani relizzati per i tre dischi pubblicati in questi anni, ovvero Razza Marranchina nel 1997, Nesci Suli nel 2003 e Viaggio nel 2005, che evidenzia come il loro suono si sia sviluppato attraverso un percorso che partendo dalla Calabria li ha condotti ad esplorare sonorità e linguaggi musicali che spaziano dalle coste italiane fino a toccare quelle del Nord Africa e dei Balcani. A caratterizzare i vari brani è la voce ricca evocatica e ricca di personalità di Mimmo Martino, che ben si sposa con quella più dolce e cristallina di Marika Gatto in un dialogo continuo denso di suggestione, come dimostrano la splendida Kalavrisella, Rriggiu e Nebbia A La Valle, una riscrittura di Amara Terra Mia innestata su sonorità orientaleggianti. Durante l'ascolto si apprezza la grande cura con la quale i Mattanza approcciano gli arrangiamenti, valorizzando al massimo la strumentazione tipica della tradizione calabrese come la lira calabrese, il mandolino, il flauto e il tamburello, come dimostrano la programmatica Mattanza, Violina e il tradizionale siciliano Vitti Na Crozza. Il Meglio dei Mattanza, è dunque, una buona occasione per scoprire questo interessante gruppo calabrese impegnato nella divulgazione militante della tradizione musicale della loro terra, un opera meritoria che ci auguriamo possa rappresentare per loro una continua occasione di crescita musicale.

Salvatore Esposito

Rocket Juice & The Moon - Rocket Juice & The Moon (Honest Jon’s Records)

2012-01-16T17:26:00.003-06:00

Progetto parallelo ai già attivi The Good The Bad and The Queen e Gorillaz, questo lavoro di Damon Albarn esce per la sua etichetta Honest Jon’s Records. Le musiche sono chiaramente legate all’amore di Albarn per la world music in questo caso, di chiara derivazione africana. Alla registrazione partecipano tanti musicisti , vocalist un rapper nonchè una sezione fiati importante. Il nucleo centrale del gruppo è formato dal grande Tony Allen alla batteria, già con FEla Kuti come batteraio e produttore musicale e già nella formazione di The Bad ect ect. Al basso, per non farsi mancare nulla Damon ha chiamato Flea dei Red Hot Chilli Peppers. Il disco muove su coordinate di minimalismo, ipnosi e ripetitività, la tipica poliritmicità africana, dove le “cellule” che vengono usate per creare musica sono molto più piccole e si ripetono con maggior frequenza, la forma canzone mantiene una sua carica magica e terapeutica. Il ritmo sembra crescere ed abbassarsi come un mare con le maree accellerate, le voci raccontano storie di luna e colori e se ti abbandoni al fluire della vibrazione ti puoi davvero perdere. La mia mente troppo occidentale pero’ , qui e la’ trova un elemento di disturbo in una sensazione di già sentito che, di primo acchito, non riesco a identificare. Graceland di Paul Simon? No, è qualcosa di diverso. Allora guardo qualche immagine dei video che sono su youtube. Torno ad ascoltare il cd. Una illuminazione. Assomiglia al progetto Superheavy! Ecco! Superheavy e’ il supergruppo che vede Mick Jagger e Joss Stone, insieme al produttore Dave Stewart e a uno dei figli di Bob Marley, Damien più A.R.Rahman ( credo quello della colonna sonora di The Millionaire). A questo punto, il valore dell’operazione di quel perfetto nerd di Albarn rimane ma cresce la curiosità di sapere che cosa ne pensa del progetto Superheavy. Che ne dite? A me peraltro, il disco dei Superheavy, nella sua leggerezza e poppitudine lievemente tinta di reggae e paraculata da Mick Jagger , che rimane il più grande performer rock vivente , piace. Forse dietro a questo progetto Rocket Juice c’è più furbizia ancora.

Antonio "Rigo"Righetti

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Indice 1/2012

2012-01-09T20:44:00.003-06:00

B-Choice: June Tabor & Oysterband - Ragged Kingdom (Topic Records/IRD)

2012-01-09T20:36:00.000-06:00

Era il 1990 quando l’immensa voce storica del folk inglese incrociò l’ugola con gli alfieri folkelettrici della Oyster Band. Il sodalizio produsse Freedom and Rain, ormai un classico del folk revival britannico. Non sempre il ritrovarsi produce il medesimo incanto, più spesso quella gioia empatica è smarrita tra le pieghe del tempo. D’altra parte, va detto che in questi anni la cantante e la Oyster hanno più volte calcato la scena insieme. Proprio in occasione di una festa-concerto per il trentennale dell’autorevole mensile britannico fRoots sul palco londinese della Roundhouse, è scoccata la scintilla emotiva che li ha condotti a concepire la collaborazione per un nuovo disco. Cosicché, non soddisfatta di averci già dato il magnifico lavoro solista Ashore la Tabor è ritornata in studio con la storica band – che nel frattempo una lieve variazione ortografica ha fatto diventare Oysterband – rinnovando il cammino comune e dando alle stampe Ragged Kindgom, pubblicato dalla gloriosa etichetta Topic Records. L’album è stato nominato disco dell’anno da fRoots e miglior album folk dal periodico pop Mojo, mentre gli artisti sono tra candidati come miglior gruppo agli award folk di BBC Radio 2 che saranno assegnati a Febbraio. Affiancano la Tabor John Jones (voce e organetto), Ray “Chopper” Cooper (violoncello, mandolino, basso, armonium, voce), Dil Davies (batteria), Alan Prosser (chitarre, kantele, violino, voce), Ian Telfer (violino) e il produttore Al Scott (basso, mandola). Nelle note del booklet gli artisti spiegano la genesi dell’opera, mettendo l’accento su come guerra e tribolazioni d’amore ne costituiscano i temi principali facendo da ponte tra le antiche ballate e le canzoni contemporanee. Senza dubbio, col trascorrere degli anni gli orizzonti si sono ampliati, sonorità, timbriche e suggestioni nuove si sono fatte strada, ma persistono anche i punti fermi folklorici, le imprescindibili fonti di ispirazione. L’inizio è fulminante con la nota broadside ballad “Bonny Bunch of Roses”: sound incalzante, la voce di June perfino più bella che in passato; una cavalcata quasi in stile morriconiano conclusa dalle note cristalline del kantele. Il cambio di direzione è repentino, arriva una sbalorditiva rilettura di “That Was My Veil” di PJ Harvey e John Parish per il timbro appassionato e leggermente velato della Tabor. Chitarra acustica, mandolino e violino si incastrano, sostenuti da basso e batteria, esaltando il delizioso duetto vocale con John Jones, perfettamente calzante con la formula del dialogo madre/figlio di “Son of David”. Si tratta della rivisitazione di un altro classico di tradizione orale, proveniente dalla raccolta Child, e conosciuta come “Edward”, di cui ci piace ricordare le versioni di Jeannie Robertson e Ewan MacColl. Da brividi la cover di “Love Will Tear Us Apart”, indimenticabile canzone dei Joy Division, epitaffio di Ian Curtis, già incisa nell’album live Oysterband & friends, intitolato The Big Session, nel 2004. Le voci di June e John duettano ancora magnificamente su un tessuto acustico minimale (chitarra, violino e uno straziante violoncello). Significativa la consapevolezza della cultura folk anglosassone che sa rivolgersi al mondo del pop senza pregiudizi, cogliendo l’emozione, la semplice profondità di una pop song. Si prosegue con un’interpretazione a cappella, per voce e coro di "(When I Was No But) Sweet Sixteen”, commovente ballata proveniente ancora dal repertorio della immensa interprete traveller scozzese. Prevale un incedere folk-rock in “Judas (Was a Red-headed Man)” e in “If my love loves me”: qui la combinazione tra canto di June, impianto ritmico, chitarra e violino produce una narrazione sonora di forte impatto. La tragica “The Hills of Shiloh”, testo novecentesco di Shel Silverstein, fa parte del canzoniere sulla guerra civile americana: una vedova, lacerata dal dolore che l’ha portata alla follia, vaga in abito nuziale per il campo di battaglia, dove il suo futuro marito è caduto, molti anni prima. June canta accompagnata dalla chitarra acustica: sublime. Seguono altre due ballate tradizionali, “Fountains flowing” e “The Leaves Of Life”, potenti, accattivanti e ricche di sfumature timbriche che ci riconducono lungo le strade del miglior folk elettrificato. Tocca poi alla dylaniana “Seven Curses”, in cui il canto di Tabor si compenetra alla perfezione nel suono vertiginoso della band; Jones la spalleggia con dovizia, mentre il violoncello di “Chopper” cava note palpitanti, impadronendosi della scena. S’arriva infine a “Dark end of the street”, malinconiche note di mantice aprono il classico soul di Chips Moman e Dann Penn che abbiamo ascoltato ed amato in mille versioni, poi il violino si unisce al melodeon e alle voci di June e John, chiudendo uno dei capolavori dell’anno appena trascorso, un’opera straordinaria, presentata, peraltro, in un eccellente digipack.

Ciro De Rosa

I Personaggi del Folk: Mauro Durante

2012-01-09T20:28:00.002-06:00

La vicenda artistica di Mauro Durante è senza dubbio affascinante, e non solo perchè è un figlio d'arte ma anche perchè negli anni è riuscito a costruirsi una carriera propria, e questo per merito anche del padre Daniele che nel 2007 gli ha affidato la guida del Canzoniere Grecanico Salentino. Da allora numerose sono state le collaborazioni che hanno costellato il suo percorso, fino a quella più recente con Ludovico Einaudi con il quale non solo ha condiviso, quale assistente musicale, il palco della Notte della Taranta ma anche di una lunga tourneè che lo ha portato ad esibirsi in Europa e negli Stati Uniti. Lo abbiamo intervistato per ripercorrere insieme a lui il suo percorso musicale, per parlare delle sue più recenti esperienze nonchè dei progetti per il futuro.

Sei un musicista che ha da ha avuto un percorso di apprendimento musicale basato sugli insegnamenti di tuo padre Daniele. Insomma, figlio della “tradizione revivalistica”.

Sì sono nato in un ambiente incredibilmente stimolante, fin dall'inizio a stretto contatto con le tradizioni musicali di natura orale. Sia mio padre che mia madre Rossella Pinto sono stati parte del Canzoniere sin dalla fondazione nel 1975, e me lo hanno lasciato nel 2007, quando è avvenuto il "passaggio di consegne". Ho imparato ad amare molto presto questa musica, e ancora oggi mi esalto quando, all'ennesimo riascolto di brani tratti dall'immenso archivio etnomusicologico che ho in casa, ne scopro sfumature bellissime e inaspettate. Ho imparato il tamburello da mio padre, dai vari tamburellisti che hanno fatto parte del Canzoniere Grecanico Salentino, e successivamente mi sono perfezionato con maestri come Alfio Antico, Arnaldo Vacca e Zohar Fresco.

Nel tuo percorso hai incontrato alcuni tra i massimi suonatori di tamburo in Italia: Arnaldo Vacca ed Alfio Antico.

Ho fatto due stage con Alfio Antico, quando avevo ancora meno di 18 anni. è stato incredibilmente stimolante, ha un'aura tutta sua, magica, e ti incanta con il suo modo di suonare e il rapporto che ha con gli strumenti che lui stesso costruisce. Un personaggio unico. Arnaldo è stato mio maestro a lungo, più di tre anni, in Conservatorio nel Corso Triennale di Musica Popolare a Lecce. A lui devo molto, ho imparato tantissimo sui tamburi a cornice di vari parti del mondo, e ho acquisito un metodo di studio sul tamburo che mi ha consentito di migliorarmi e inventare nuove tecniche ed espedienti sul tamburello salentino. Lo considero uno dei percussionisti più completi in Italia. Abbiamo anche suonato insieme nelle tre edizioni della Notte della Taranta dirette da Mauro Pagani.

Hai collaborato con Triluk Gurtu. Come valuti questa esperienza, cosa ti hanno dato nello specifico come percussionista?

Con Trilok Gurtu è stata un'esperienza unica e incredibilmente divertente! ero in concerto a Napoli con la Notte della Taranta di Stewart Copeland, il batterista dei Police, e lui suonava col suo gruppo prima di noi. ad un certo punto, verso la fine dello spettacolo, Trilok Gurtu si è unito a noi sul palco, e senza alcuno strumento, solo con la voce, si è messo a fare cose ritmicamente incredibili, guardandomi negli occhi, avvicinandosi a me e sfidandomi a ripeterle. E’ stata dura ma molto divertente!! L'incontro con tutti questi grandi musicisti, non solo percussionisti, come anche Ludovico Einaudi, Zohar Fresco, Richard Galliano, Ballake Sissoko, Vincent Segal, Piers Faccini, Mercan Dede, Justin Adams e Juldeh Camara, Accordone, Ibrahim Maalouf e tanti altri, mi ha dato tantissimo, stimolandomi e migliorandomi come nessuna scuola avrebbe potuto fare.

Ma hai anche frequentato il Conservatorio…

E’ sempre stato un doppio canale di formazione, con un approccio totalmente diverso. L'apprendimento orale, "a orecchio", figlio della ripetizione iniziale di quello che si ascolta, fino ad assimilarlo e poi rielaborarlo in maniera originale, proprio dello studio della musica popolare; d'altra parte, lo studio metodico, in Conservatorio, del violino classico, del solfeggio, l'armonia, l'analisi e la musica nel suo insieme. Ho anche studiato composizione per conto mio. I due approcci sono stati ugualmente importanti, dandomi l'opportunità di sapermi confrontare con vari tipi di organici strumentali e generi musicali.

Puoi parlarci della tua esperienza con con il Canzoniere Grecanico Salentino? La cui storia vede tuo padre tra i fondatori e te come continuatore della sua opera?

Ho iniziato a suonare stabilmente nel Canzoniere Grecanico Salentino nel 1998, a quattordici anni. Per nove anni sono stato diretto da mio padre, con anche mia madre nel gruppo, e ho preso parte a cinque registrazioni discografiche. In realtà però mia madre mi racconta che già da piccolissimo mi portavano con loro ai concerti, ed io mi addormentavo senza problemi nella carrozzina sul palco mentre suonavano. Sono praticamente cresciuto nel Canzoniere, che è una parte importante della mia vita e non solo del mio lavoro. Prenderne le redini è stato naturale e molto stimolante, e avere sulle spalle l'eredità di figure come Rina Durante e mio padre è allo stesso tempo una responsabilità e un motivo di orgoglio, che mi da l'impulso per fare sempre meglio.

Il vostro ultimo album Focu D'Amore rappresenta un nuovo inizio per il gruppo, in cosa si differenzia rispetto alla produzione storica e quali sono le affinità?

Focu d'amore è il sedicesimo album del Canzoniere Grecanico Salentino, il primo sotto la mia direzione. E’ un omaggio alla storia del gruppo, alla musica popolare salentina e alla sua bellezza e varietà. La continuità sta nella poetica del gruppo, che ha sempre voluto riproporre la musica tradizionale non con un atteggiamento nostalgico o archeologico, ma sempre guardando al presente e al futuro, ricontestualizzando i contenuti e esprimendosi con la propria sensibilità, senza "scimmiottare" gli anziani o "fare il verso" ai contadini. Inoltre sono presenti nell'album due brani composti da Rina e Daniele Durante (la Quistione Meridionale e Il Mito), e alcuni brani già registrati in precedenti CD, presentati in una nuova veste. Le differenze sono nei brani inediti, negli arrangiamenti, nell'organico, nelle idee e nelle scelte e suggestioni, figlie di una nuova e diversa direzione e personalità artistica.

Come si inserisce il Canzoniere Greganico Salentino nella scena musicale salentina, sempre combattuta tra tradizione e sperimentazione?

Non vedo una grande dicotomia. Nel momento in cui si sale su un palco, ci piaccia o no, non si fa più musica tradizionale nel senso più puro del termine. La musica tradizionale è quella strettamente legata alla funzione che esercita in un determinato contesto socio culturale. ad esempio una serenata cantata sotto la finestra di una ragazza per portare un messaggio d'amore. nel momento in cui si sale sul palco a cantare la stessa serenata vengono a mancare contesto, condizioni e soprattutto la funzione, che diventa estetica: fare una bella canzone, emozionante e che piaccia al pubblico. una funzione totalmente diversa. O la scelta di avere un approccio più o meno vicino a quello degli ascolti delle registrazioni fatte sul campo, a questo punto passa in secondo piano. quello che conta è se il gruppo ha un'identità musicale chiara, un bel sound e idee che funzionino e si rivelino efficaci. Detto questo, il Canzoniere Grecanico Salentino ha sempre trattato con molto rispetto il materiale che viene dalla tradizione. cerchiamo di non snaturare con arrangiamenti invadenti o inappropriati la funzione originaria del brano, e non ci piace quando si usano i canti popolari come pretesto per fare tutt'altro genere o stile, mantenendo in pratica solo il nome del canto. Credo che venga usato come scusa perché "la musica popolare in questo periodo va". Ci vorrebbe il coraggio di distaccarsi dal genere e scrivere i propri brani. In questi giorni stiamo registrando il nostro nuovo album, figlio della formazione attuale, reduce da oltre 60 concerti nel 2011 in tutto il mondo, che rappresenterà spero ancora meglio le nostre idee e convinzioni. La musica popolare ha sempre soddisfatto un'esigenza immediata, urgente, frutto di quello che si vive giorno dopo giorno. Per questo motivo nel disco ci saranno oltre metà brani d'autore, con testi in dialetto che parlano del presente, e i restanti presi dalla tradizione orale e riarrangiati, con un significato universale e ancora attuale, perché a temporale.

Quanto è importante la ricerca attraverso le fonti originarie nella vostra proposta musicale? Fondamentale. solo cercando di studiare attentamente le fonti, assimiliando profondamente gli stilemi della tradizione, si può pensare di fare una riproposta convincente, che vada verso il futuro ma nel solco del passato. Quando decidiamo di riproporre un nuovo brano del repertorio popolare, partiamo sempre dall'ascolto e dall'analisi delle registrazioni sul campo.

La tua collaborazione alla Notte della Taranta siglata Einaudi... Con Einaudi hai anche condiviso il palco nei suoi concerti.

Collaboro con Ludovico ormai da tre anni e mezzo, nei suoi progetti e per la Notte della Taranta. Questi anni mi hanno dato tantissimo: ho capito cosa vuol dire lavorare sulla scena internazionale, come si costruisce e si prepara uno spettacolo di alto livello, ho affinato le mie capacità di arrangiatore e compositore e ho avuto la fortuna di vederlo all'opera sulla "mia" musica, quella che sento fin da bambino. Sono orgoglioso di essere suo amico e di avere la fortuna di condividere con lui esperienze magnifiche. Credo e spero di essere stato un valido supporto per lui nel trattare il materiale musicale salentino, e di essere riuscito a trasmettergli il mio grande amore per questa musica. So che adesso è tarantato anche lui, quindi. Ho le mie colpe in questo! Quest'anno poi abbiamo scritto una pizzica a quattro mani, che abbiamo chiamato Taranta, sul nostro rapporto con questo movimento e sul grande potere in parte magico che ha ancora la pizzica. Il brano l'abbiamo presentato al Concertone di quest'anno a Melpignano ed ha avuto un grande successo.

Ha ancora senso la Notte della Taranta, come mega evento?

Senza'altro resta ancora un evento importantissimo, capace di dare grande visibilità a tutto un movimento (musica, cultura, territorio) che vive il resto dell'anno mediamente in sordina. Sicuramente la sfida successiva è destagionalizzare e creare professionalità stabili, dando ancora più impulso al territorio e alle sue specificità. La Notte della Taranta, dato quello che è diventata nel panorama Italiano, ha un'occasione da non perdere.

In base alla tua esperienza, come è la musica salentina all’estero?

Purtroppo non è così conosciuta come si pensa. spesso, parlando con operatori del mondo musicale all'estero, questi non hanno neanche idea dell'esistenza della pizzica, al massimo conoscono la tarantella napoletana. sono pochissimi i gruppi salentini che realmente viaggiano all'estero con costanza, e la stessa Notte della Taranta non è ancora così tanto conosciuta fuori dai confini nazionali, avendo comunque sede in Italia. In questa direzione, i tour della Notte della Taranta targati Einaudi, gli oltre venti concerti in un mese negli Stati Uniti e in Canada del Canzoniere Grecanico Salentino, ma anche in Spagna, Francia e Croazia, stanno creando un'inversione di tendenza, e iniziano a far parlare della musica salentina i media, gli addetti ai lavori e gli appassionati di world music stranieri. Mi fa piacere dire ad esempio che il Canzoniere Grecanico Salentino è stato subito invitato a tornare negli USA a Gennaio, per esibirsi a Washington DC al Kennedy Center, e a New York per il globalFEST, uno dei più importanti festival di world music al mondo, che seleziona ogni anno 12 artisti da ogni parte del globo che si sono distinti per i loro successi (l'anno scorso c'erano Ballake Sissoko e Vincent Segal tra i selezionati). Inoltre il lavoro di strutture come Puglia Sounds, che supporta lo sviluppo della musica pugliese in Italia e all'estero (finanziando ad esempio il nostro precedente e anche nuovo tour Nordamericano), si sta rivelando prezioso ed estremamente importante. Credo che il successo di tutte queste iniziative sia ormai una prova concreta che la musica salentina sia pronta a misurarsi sui palchi di tutto il mondo.

Massimiliano Morabito, uno dei migliori organettisti pugliesi, in un’intervista anni fa, sosteneva che non è nato ancora un Piazzolla della pizzica.

Massimiliano è un amico, nonché parte fondamentale del CGS. Al di là del ruolo di Piazzolla, il tango è un movimento coplesso con circa un secolo di storia alle spalle. Senz'altro il passaggio da danza locale a fenomeno internazionale non è imputabile a una sola persona nè ad un breve periodo di tempo. Non ci resta che augurarci che la pizzica come movimento possa maturare in fretta ed avere un successo analogo a quello del tango, o del samba o della musica africana, duraturo nel tempo.

Cosa rimarrà al Salento una volta spenti i riflettori e scemato questo enorme fenomeno di consumo della sua tradizione musicale da parte di un numero elevato di persone che pensa in maniera superficiale che Salento sia solo pizzica?

Non credo che ci sia un pericolo nell'identificazione del Salento con la pizzica. Anzi, magari attratta da quest'aspetto, la gente arriva e si accorge di tutto il resto. Detto questo, non c'è riflettore che tenga: finchè questo fenomeno avrà una base di persone così solida e vera, variegata nella tipologia sociale e nell'età, che ama questa musica, segue i concerti e partecipa e organizza feste, impara il tamburello e gli altri strumenti, balla e si sente componente attiva di questo movimento, finché questa gente avrà voglia di cantare, suonare e ballare, allora la pizzica non morirà.

intervista a cura di Ciro De Rosa e Salvatore Esposito

Le Recensioni uscite su Blogfoolk

Canzoniere Grecanico Salentino - Focu D'Amore (Ponderosa)

Autori Vari - La Notte della Taranta 2010 (Ponderosa)

Boban & Marko Marković Versus Fanfare Ciocărlia - Balkan Brass Battle (Asphalt Tango/Materiali Sonori)

2012-01-09T20:02:00.001-06:00

CONSIGLIATO BLOGFOOLK!!!

Dalla cittadina serba di Vladičin Han, epicentro della tradizione delle telluriche bande di ottoni rom, passando per la cassa di risonanza internazionale data dall’arruolamento nelle file bregoviciane per le colonne sonore delle pellicole di Kusturica, è una storia lunga quella dell’Orchestra Marković, piena anche di riconoscimenti conquistati al festival serbo di Guča riservato alle bande di ottoni, senza dimenticare la partecipazione del leader trombettista Boban al progetto Il terrone, l’ebreo e lo zingaro, al fianco di Roy Paci e Frank London. Da un po’ di anni il figlio di Boban, Marko, ha preso le redini della fanfara paterna di tredici musicisti, infondendo un’impronta indiavolata agli ottoni della banda, aprendo i fiati a un repertorio world pop, macinato secondo le proprie vedute, e colorando di funky e jazz le danze tradizionali (si ascolti la superba “Mrak kolo” che apre l’album). Dall’universo rurale di Zece Prajini, Romania nordorientale, arriva invece la frastornante Fanfare Ciocărlia di dodici elementi, scoperta anni orsono dal produttore tedesco Henry Ernst, che la strappa a matrimoni e feste proiettandola sui palcoscenici internazionali. Insomma, le due formazioni appaiate in questo disco sono due delle protagoniste incontenibili, responsabili di quella epidemia di fiati rom balcanici che fa consumare ai gaggé di mezzo mondo la loro musica debordante in maniera inversamente proporzionale alla benevolenza e accoglienza riservate ai Rom che bussano alle porte di casa. La fanfara romena ha un piglio più robusto dell’orchestra serba, attinge non solo alle tradizioni locali, ma anche a quelle dei Paesi confinanti, senza dimenticare le incursioni nel pop internazionale. Il suo eclettismo furibondo è pienamente espresso nella rilettura del tradizionale “Suita a la ciobanas”. Per mettere a confronto le due bande non c’è niente di meglio che andare alla sequenza giustapposta dell’ellingtoniana “Caravan”, riletta da entrambe le formazioni con gusto e atteggiamento molto diverso. Oppure gettarsi a capofitto nella traboccante versione del tema jamesbondiano di Monty Norman che combina le due irrefrenabili brass band. Questo gypsy contest messo in scena dalla teutonica etichetta Asphalt Tango nelle fredde lande transilvaniche, dove è stato registrato di getto nella Pensiune Dracula (poteva non essere così?) rappresenta una sfida all’ultima nota: maestosa, grossolana, viscerale, esilarante, entusiasmante, una collaborazione e una resa dei conti al contempo, costituita da brani di tradizione, proprie composizioni e cover, che non tralasciano incursioni nella muzak (”I am your gummy bear”). Colpiscono nel segno anche “Optisani” e “Topdzijsko kolo” sul versante Marković, “Disco Džumbus”, scritta dal violinista ungherese Lajko Felix, e “Devla”, giocata insieme dai due ensemble.

Ciro De Rosa

Luigi Chiriatti e Egidio Marullo, Come Fece e Come Non Fece - principi fate folletti nel magico mondo delle favole, Kurumuny, pp.120, Euro 15,00

2012-01-09T19:59:00.001-06:00

Sin dalla sua nascita, l'importante e meritoria opera della casa editrice Kurumuny, non è stata volta solo allo studio e alla ricerca nell'alveo delle tradizioni musicali del Salento ma si è estesa anche all'immenso patrimonio culturale della civilità contandina sia dal punto di vista storico sia dal punto di vista del recupero delle fonti dell'oralità. In questo senso una delle opere di maggiore successo è stata, senza dubbio, Come Fece e Come Non Fece, una raccolta di fiabe ad opera del ricercatore e musicista Luigi Chiriatti e magnificamente illustrata da Egidio Marullo, che recentemente è stata ristampata in una rinnovata versione grafica. L'opera nasce da una lunga ed intensa ricerca sul campo di Chiriatti, che ha registrato queste antichissime storie dalla viva voce degli anziani in dialetto salentino, e successivamente, attraverso un laborioso lavoro di riscrittura ha operato una traduzione libera, combinando immagini e giri di parole tipici del luogo, lasciando intatto il loro fascino originario. Non intaccando la loro matrice originaria, Chiriatti è riuscito a rendere queste storie fruibili non solo ai salentini ma anche a tutti coloro che non conoscon il dialetto. Il libro recupera quel patrimonio culturale di racconti e storie delle quali si servivano gli anziani per trasmettere ai più piccoli indicazioni importanti sulla morale, sulla condotta ma anche su ciò che bisognava sapere, il tutto senza perdere di vista il gioco che diventava una base importante per loro educazione e formazione. Tornano così alla luce schegge di memoria che ci restituiscono integro il fascino di queste favole che, come nella migliore tradizione letteraria che va da Esopo a Fedro, nascondono sempre una morale profonda. A popolare queste storie sono principi e principesse ma anche gente comune che tornanno a muoversi tra gli ulivi secolari e i fichi d'India, mentre sullo sfondo scorre tutto l'immaginario del Salento con le sue splendide coste, il suo mare e i suoi profumi. Ogni storia nasconde il volto di un anziano che un tempo era anche lui bambino, e la cui voce sembra ancora risuonare mentre scorrono le pagine di questo splendido libro, il cui fascino farà certamente presa anche sugli adulti che recupereranno non solo una memoria dimenticata ma avranno una chiave di accesso verso la speranza e l'utopia di un futuro migliore. Se a prima vista queste storie sembrano ricordare quelle di comuni ad altre zone d'Itlia, andando nel profondo si scoprirà tutta la loro peculiarità frutto di un sostrato culturale unico come quello salentino, del quale nelle pieghe di questi racconti se ne colgono i costumi, le vicende umane ma anche le condizioni di vita dove la necessità di sfuggire alla durezza della vita portava ad attribuire poteri magici o divini a oggetti o folletti che accompagnavano l’uomo nelle varie circostanze della vita. Per celebrare la riedizione di quest'opera Kurumuny ha allestito anche una mostra istallazione rivolta ai bambini delle scuole elementari e medie, che prevede la ricostruzione degli ambienti di ogni racconto i cui personaggi rivivono grazie alle interpretazioni di attori prodotte negli anni ottanta all'interno di antichi dimore, frantoi ipoegei, ovvero in quei luoghi dove ancora si può ascoltare l'eco degli anziani che raccontano quelle antiche storie. Come Fece e Come Non Fece è, dunque, un opera di grande importanza non solo a livello antropologico ma anche a livello strettamente culturale e divulgativo, avendo il pregio di essere fruibile tanto dal bambino quanto dall'adulto sia esso uno studioso o semplicemente un lettore occasionale spinto dalla curiosità.

Salvatore Esposito