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Indice 20/2012

2012-06-04T16:48:00.002-05:00

Kardeş Türküler & Arto Tunçboyacıyan - Çocuk Hakli (Kalan)

2012-06-04T16:36:00.003-05:00

B-CHOICE

Da più di due decadi i Kardeş Türküler (il nome significa “Canti della fraternità”), nati nel circuito universitario e in origine fortemente influenzati dalle istanze politico-musicali della nueva cancion chilena, rappresentano un faro per la musica popolare di Turchia più illuminata. Negli anni l’ensemble ha flessibilmente incorporato tratti flamenco, ritmi dell’Est Europa e modi della musica iranica, unendoli all’archivio di fonti delle differenti componenti etniche del Paese (curdi, azeri, alevi, laz, armeni, zaza, rom), con un’attenzione rivolta anche alle aree contigue (dai Balcani al Caucaso). Una riproposta creativa di forme e stili tradizionali, ma anche una sensibilità artistica dalla forte connotazione politica, che ha attraversato momenti cruciali del dibattito pubblico turco sulla questione identitaria: dalla censura nei confronti delle lingue minoritarie all’apertura politica e culturale successiva al 1991. La nuova produzione per la Kalan, autorevole etichetta di Istanbul, vede il gruppo dall’ampio organico vocale e strumentale condividere la scena con il compositore e percussionista armeno Arto Tunçboyacıyan, che ama definirsi “Mr Avantgarde Folk”, direttore musicale del progetto: un sodalizio che assume sempre una forte valenza simbolica in Turchia. Disco in sedici tracce, imperniato sul mondo infantile, con la tenera e divertente immagine di copertina, che mostra un bimbo che aggiunge una H alla parola akli (mente), trasformandola in hakli (ragione). Cosicché il titolo gioca sul doppio significato di “La mente del bambino” e “Il bambino ha ragione”. È un album a cui l’ispirato compositore armeno apporta la sua vibrante immaginazione. L’iniziale “Güneşim Riza” ha passo austero e ieratico, il successivo “1-0”, cantato in curdo e karmanci (dialetto curdo settentrionale), ci introduce ai sorprendenti accostamenti ritmici di cui Arto è maestro. Come d’abitudine, testi e materiali musicali provengono da tutta l’Anatolia, ma i Kardeş questa volta si spingono perfino in Cecenia con la dolce canzone “Daymohk”, suggellata dal notevole lavoro percussivo di Arto, e nel mondo palestinese con “Yoyo”, dove sono messe a confronto le diverse costruzioni dei media turchi della resistenza dei bambini palestinesi e di quelli curdi. Nel brano liriche arabe e curde si combinano: procedura frequente nel lavoro di ricreazione della tradizione portato avanti dalla band, che in questa nuova opera ha accresciuto la sua vena compositiva . L’armeno-americano Ara Dinkjian apporta la sua arte di eccellente suonatore di oud in “Zamanin Bahçsinde”, mentre “Haydo”, ancora una composizione di Arto, brilla per la vocalità d’insieme. Primeggiano ancora “Sevdayla Uslandi Gönlüm”, con la notevole performance canora di Feryal Öney , e “Nazar”, brano che tocca il tema dello sgombero di un quartiere rom, dove, non casualmente, dettano legge gli irresistibili fiati romanì della Koçani Orkestar in confronto serrato con zurna e percussioni.

Ciro De Rosa

Saba Anglana: La Vita Ci Mescola

2012-06-04T16:32:00.001-05:00

Apprezzata cantante ed attrice Saba Anglana ha di recente pubblicato il suo terzo album Life Changanyisha, registrato in Tanzania e cantato in swahili. L'abbiamo intervistata per parlare con lei del disco e per approfondirne le principali tematiche.

Come nasce questo nuovo disco? Già nel precedente Biyo, avevi incrociato il tuo cammino con AMREF, ora l'impegno è cresciuto. Il tu non è solo un viaggiare metaforico.

Il viaggio è stato fondamentale per la costruzione di questo disco perché abbiamo incontrato moltissime persone e visto con i nostri occhi in che cosa è attivamente impegnata AMREF, come funzione il sistema delle donazioni, dell'aiuto, quale filosofia c’è dietro. Attorno a queste grandi operazioni c'è in genere sempre una certa diffidenza. Per me che ho sempre difeso le politiche di AMREF era importante anche addurre una testimonianza viva in prima persona. Non soltanto agire sulla fiducia, ma proprio andare a constatare quali sono i meccanismi, se, effettivamente, costruire i pozzi, occuparsi della salute di un popolo è qualcosa che ha una vera presa sul possibile cambiamento. Così è stato, fortunatamente. Ho avuto la conferma di come la politica degli aiuti sia rivolta a fare in modo che queste persone non abbiano più bisogno di aiuto, in quest'ottica supporto in pieno la fatica e l'impegno di AMREF, perché significa agire non solo nelle emergenze ma anche a medio e a lungo termine. Questo non è il primo lavoro sul rapporto tra la mia parte italiana e quella africana. Noi, come ambasciatori di AMREF, e dico noi perché ho viaggiato insieme a Fabio Barovero, che è co-produttore del disco e co-autore non solo di questo disco ma anche degli altri due che ho realizzato, abbiamo trovato una grandissima accoglienza, perché non appena sapevano che eravamo ambasciatori AMREF, o comunque visitatori AMREF si aprivano un po' tutte le porte, anche i villaggi più remoti. Quindi attraverso AMREF abbiamo avuto la possibilità di vedere delle realtà che i semplici turisti difficilmente riescono a vedere. Avevamo provato con il disco precedente e per certi versi c’eravamo un po' riusciti appoggiandoci solo sulle nostre forze, in questo caso c'è stata proprio un’organizzazione bene radicata che attraverso un travaso di project manager e capi villaggi pian piano ci ha portato laddove i nostri passi non ci avrebbero mai portati da soli.

Che difficoltà avete incontrato?

Abbiamo avuto due ordini di difficoltà: intanto abbiamo cercato dei strumentisti kenioti a Nairobi, ma è stato difficile trovare delle realtà che non fossero già simili a certa musica internazionale. Era difficile estrapolare qualcosa di molto radicato, non perché stessimo cercando con il lanternino qualcosa che non esistesse più, ma perché volevamo restituire un po' l'idea del viaggio. Dal mio punto di vista e da quello di Fabio il disco non doveva suonare come qualcosa che, senza guardare la copertina o senza leggere il booklet, poteva essere stato registrato indifferentemente a New York o a Nairobi. La difficoltà è stata quella di individuare gli ingredienti che raccontassero questa nostra visione, non siamo riusciti a trovarli negli strumenti, nella musica suonata, anche se abbiamo comunque trovato musicisti straordinari, molto pregni di musica internazionale, ma l'abbiamo individuato nelle voci. Allora, abbiamo corretto il tiro, e visto effettivamente come attraverso le voci e il linguaggio, lo swahili cantato era fortemente evocativo dell'idea che fossimo lì. Abbiamo capito che era importante raccontarlo attraverso le voci. La difficoltà è stato fare tutto ciò nel corso del viaggio. Anche se siamo stati sei settimane, è stato qualcosa che abbiamo dovuto individuare mentre facevamo gli ambasciatori AMREF. Perciò, da un lato avevamo un ruolo, tra virgolette, istituzionale e ufficiale, dall'altro eravamo là come musicisti e piccoli antropologi, che si dovevano misurare con la realtà sociale e culturale, ed individuare voci interessanti, convincendole a registrare, raccontare loro perché lo stavamo facendo, per non sembrare dei pazzi oppure dei turisti che arrivano lì e fanno man bassa di quello che c'è li… e poi chi li rivede! Noi volevamo raccontare loro che saremmo ritornati e realizzare qualcosa che testimoniasse il viaggio, raccontasse il nostro rapporto con le comunità, il lavoro di AMREF, ma soprattutto le loro esistenze, i loro sogni che sono anche i sogni nostri. Creare dei ponti anche fertili che non si esauriscono lì nel momento. Dal punto di vista tecnico la tecnologia ti permette di registrare ovunque, la tecnologia è ancora amica della musica suonata. Anzi, senza un piccolo studio mobile, senza registratori digitali, senza la possibilità di editare sul luogo, non avremmo potuto registrare in loco, catturare velocemente le voci, le idee, comporre addirittura durante il viaggio. Da questo punto di vista sono assolutamente a favore della tecnologia.

Jidka era la strada, Biyo, l’acqua ma, per estensione, l’acqua che scorre come un fiume. Qui è la vita che ci mescola. Il divenire, il viaggio sembrano elementi costanti nella tua personalità.

Il titolo è esploso nella mia testa mentre dovevamo decidere come consegnare questo disco a chi lo avrebbe ascoltato. È esploso come una piccola frase che contiene veramente la mia formazione, non soltanto artistica ma anche umana. Ma non solo, perché contiene anche l'approccio psicologico che io ho con le cose che entrano nella mia vita. È una specie di manifesto programmatico, e volendo, nel mio caso, anche esistenziale. Nella fattispecie è anche la chiave che racconta come si è costruito il disco, come l'entrare in contatto con altre personalità e con delle storie, attraverso il viaggio, fatalmente fa sì che la nostra identità si mescoli con altre identità. Se decidi veramente di trasformarti da turista in viaggiatore e in più un viaggiatore che ha anche come missione quella del racconto, non puoi conservare la tua identità, il tuo modo di vedere le cose, a meno che tu non abbia dei pregiudizi. Questo lo vedo anche nelle persone, succede anche nelle interviste. Entrare in contatto con una persona, anche fare semplicemente un’intervista, significa intraprendere un viaggio anche di dieci minuti. Vedo spesso che ci sono idee preconcette, tu puoi raccontare quello che vuoi nell'intervista, ma poi il giornalista ha già una sua idea… Questo non significa mischiarsi! È un pericolo costante che da questo piccolo esempio diventa un problema se portato su larga scala, entrando nella politica, nella storia, nelle decisioni più macroscopiche, perché fa di ognuno di noi delle piccole isole, degli atolli e non un territorio comune.

Sono sempre gli altri a voler per forza classificare persone, a circoscrivere le identità, ti sta bene la definizione di cantante italo-africana usata dalla stampa per parlare di te?

Ti ringrazio moltissimo di questa domanda, perché metti la lente d’ingrandimento su qualcosa che non sono stata lì ad analizzare ma che è perfettamente sotto i miei occhi, cioè quando si tratta di una personalità artistica, una mente, un cuore che parla in diverse lingue, che canta in diverse lingue, che fa della mescolanza la propria bandiera, c'è questa necessità di dover dire in cima alla piccola biografia: italo-africana, qualche altro dice italo-somala, qualche altro ancora italo-etiope. E la cosa bella è che nemmeno loro sanno come definirmi, e io dico: “Non lo so neanch'io, ma non è importante”. Questa definizione geografica è quasi un’ossessione per gli addetti ai lavori, più di quanto lo sia per il pubblico che da questo punto di vista è più vergine. Ossia, se parli di una cantautrice italiana, può essere una volta su tre, una volta su cinque, che ti dicono che è catanese o vicentina. Lo dicono quando sono i catanesi o i siciliani a difenderla come patrimonio del proprio bagaglio culturale. Invece, nel mio caso, c'è sempre questa piccola carta di identità che devono enunciare, come se mi qualificasse. Questo paradossalmente crea un effetto di allontanamento del pubblico. Continuando ad insistere su questa cosa, mi si butta in una specie di nicchia, di ghetto culturale, come quando si legge in un portale che tutti gli articoli che parlano di Africa entrano nella rubrica di “mondo solidale”. Questi sono dei ghetti pericolosi. C'è ancora bisogno che le persone imparino che nel mondo esistono degli artisti pensanti che sono formati da diverse influenze culturali. Se ancora non lo diamo per scontato, è perché ancora i media sono molto lenti rispetto a quello che succede nella società. Per me non è un onta, è una sorta di arricchimento, è un'ossessione di cui io mi sono liberata. Già gli insegnanti ti chiedono da dove arrivi, e allora tu sei lì a dire: “Vengo da casa mia, vengo dalla pancia di mia madre”. E loro rispondono: “Ma perché tua madre è nera e tuo padre bianco?” Da quando sei piccola, devi dare queste informazioni e questa cosa deve essere chiara da subito nella tua testa. Ma io non voglio farlo per tutta la vita, perché una volta comprese quali sono le proprie origini, diventano qualcosa di cui liberarsi. Come dice il mio amico Gian Luca Favetto, con cui sono impegnata in un reading intitolato “Le Radici Davanti”, le proprie origini corrono davanti a te e tu devi ritrovare te stesso in movimento, e non devi stare lì a preoccuparti da dove vieni. Liberarsi da questa ossessione significa un passo avanti anche per questo Paese.

In un disco è fatto di incontri e confronti, la questione delle identità e delle appartenenze è comunque un tema che affronti da subito. L’album si apre con la storia di una creatura ibrida che è non ha appartenenza, né locale né di gruppo.

Per me era nata come una specie di moto di rabbia quando giù a Nairobi, nel posto in cui stavo, nella casa in cui mi appoggiavo, che era tenuta da una donna, mi pare, di etnia Luo, con questo pancione enorme perché stava per partorire, che mi raccontava come il suo matrimonio fosse stato molto difficile, visto che aveva sposato un giovane uomo di etnia diversa dalla sua. Nairobi è una città modernissima che guarda al futuro, molto bella, un po' come tutte le capitali africane che stanno cambiando, forse troppo velocemente, la loro faccia. Mentre mi raccontava queste cose, la televisione in sottofondo sparava immagini di MTV, CNN, simboli del mondo moderno. La signora metteva in risalto il contrasto tra modernità e tradizioni ataviche condivise dalla società che la circondava. Insomma, è la difficoltà di mescolarsi anche tra kenyoti, quella divisione tribale di cui soffre anche il Paese in cui sono nata, la Somalia: una terra che un tempo era meravigliosa e che oggi continua a sanguinare a causa di questa emorragia continua causata dalle divisioni. Ho avuto una specie di moto di rabbia e ascoltando il racconto di questa donna mi sono detta: “Non sarebbe meglio che il mondo fosse composto da animali ibridi, con la pelle verde, gli occhi rossi? Che ci scaldassimo al sole come lucertole? Ci facemmo due risate su questa cosa, però è rimasta questa ispirazione. Addirittura la prima idea era quella di portare in copertina questo piccolo mostriciattolo che è come un piccolo diavolo che ritorna. Se si fa caso alle lyrics, torna in altri brani la descrizione di questo piccolo mostriciattolo verde. Ho pensato che fosse una specie di messaggio subliminale, è un po' un inno della mescolanza che se ne infischia delle regole, delle separazioni. Anche quello rientra in un manifesto programmatico vero e proprio, tant’è che la prima canzone: Life Changanyisha, la vita che ci mescola.

Un altro aspetto centrale è rappresentato dalle donne che, giustamente, definisci pilastro delle società africane.

Ho sempre pensato di considerarmi prima che una donna, un essere umano, ho sempre ragionato come se i miei pensieri, il mio modo di essere al mondo fossero neutri, da essere umano. Pian piano mi sono resa conto, anche nella costruzione musicale di tre album, che le canzoni hanno molte attinenze con il mondo femminile, c'era molta attenzione per la donna, non solo dal punto di vista personale ma anche da quello delle storie che raccoglievo, soprattutto volte alla narrazione dei luoghi che visitavo. Allora, mi sono resa conto che una differenza c'è, non solo antropologica e culturale, ma di spirito, ma anche per così dire, di "hardware". Tant'è che mi sono scoperta più donna proprio attraverso la musica e lo sguardo. Avvicinarmi attraverso la musica all'Africa, mi ha portato a far affiorare in me questa componente femminile. Soprattutto perché come dicevi, ho raccontato storie di donne in una parte del mondo dove la società tutta, la microeconomia, la famiglia è tutto veramente sulle spalle delle donne che faticano tanto fisicamente. Con grande sdegno vedevo veramente le donne raccogliere sulla propria testa chili e chili di legna, di erba, di materiali, di acqua. Donne, tantissime donne. Da una parte anche i bambini, e questo lo racconto anche nel disco. C’è la tendenza dell'uomo africano a far faticare la propria donna, e a trascorrere il proprio tempo al bar con gli amici, come ci si lamentava qui da noi in Italia fino a poco tempo fa. Questa situazione è aggravata anche dalla condizione culturale delle donne, che da un certo punto di vista sono rese schiave della mancanza di mezzi, per cui si sposano molto presto e hanno figli piuttosto presto. In questo l'organizzazione AMREF ha creato delle scuole che sono un potente mezzo di emancipazione e di affrancamento da questa situazione. Sono argomenti che hanno una grande presa lì, ma che hanno anche un grande respiro universale. Quando raccontavo queste storie, ho avuto la netta sensazione di raccontare delle cose che riguardano ancora la nostra società. La reazione del pubblico nei concerti, nei quali dò molta importanza alla parola parlata mi dà ragione, perché le persone si riconoscono. Anche quando parlo di parto, perché sono testimonial della campagna “Stand Up For Africa” del 2012, vedo che è un argomento che tocca molto da vicino. Io, per esempio, ho perso una mia zia molto cara perché non c'è stata un’assistenza medica adeguata. La campagna è rivolta alle donne che non hanno adeguata assistenza medica in Africa. Il rapporto è 1 a 31 in Kenya e 1 a 30mila nei Paesi occidentali, quindi c'è una proporzione molto forte nei Paesi occidentali, il che ci dice che questo problema è sotto controllo. Il parto è una cosa molto naturale, tutti quanti potrebbero affrontarlo senza angosce particolari. Invece in Africa le vittime sono molte, molte di più. Questa campagna è volta alla formazione di levatrici, che possono sostituire il ruolo dell'ostetrica, avendo delle conoscenze per poter far partorire le donne. Ho visto questi luoghi con le donne con i pancioni, immagina che sei in mezzo alla campagna desolata e ci sono delle complicazioni. Come fai a raggiungere un ospedale nella capitale? Nei villaggi ci sono dei dispensari o dei luoghi nei quali c'è del personale che sa fare questo. C'è una penetrazione capillare della conoscenza, della conoscenza, informarsi. È una cosa fondamentale, mi permetto di dire questa cosa, anche se è molto difficile non essere strumentalizzati in questo periodo in Italia, però l'unica persona che batte il chiodo sul fatto che è importante la conoscenza e la formazione alla base del potere, e come anche le persone possono aumentare il loro potere con la conoscenza, forse è Grillo in questo momento nel nostro panorama politico. Poi lo si può volere bene o lo si può odiare, ma dice una verità che molti ignorano. Io parlo dal particolare all'universale, un po' è quello che ho visto: più si danno strumenti di conoscenza alle persone, più ci si affranca non soltanto dalla miseria ma anche dalla malattia, non soltanto dall'ignoranza ma anche dalle condizioni disagevoli. Al di là della salute, sono importanti gli strumenti della scolarizzazione. AMREF cerca di valorizzare anche gli strumenti di formazione. Io l'ho visto in prima persona, sono stata testimone, non solo perché presto la mia faccetta sui giornali.

Parlavi prima di Nairobi, mi viene in mente questo rapper dei sobborghi James Ndichu, che è un po' il simbolo di una vita di speranza ma anche di difficoltà.

James è una figura a me molto cara, un ragazzo che non dimenticherò mai, cerco di restare in contatto con lui. Quando siamo tornati a Nairobi abbiamo portato il disco e la gente diceva: “Siete dei pazzi, lo avete fatto davvero!” Non solo lo abbiamo fatto, ma abbiamo invitato sul palco anche gli artisti che hanno collaborato alla realizzazione del disco e fra tutti anche James. Un ragazzo che adesso compie 18 anni, l'anno scorso ne aveva 17 e si manteneva cercando di raccogliere della plastica dalle discariche. Ci sono queste enormi montagne di rifiuti su cui veramente saltellano i bambini che cercano così di mettere insieme la cena. Lui tra l'altro è un ragazzo che, come molti, faceva uso delle droghe dei poveri, delle droghe sintetiche. Abbiamo composto con lui un paio di brani, e devo dire che ritrovarlo un anno dopo con il viso più pulito con gli occhi più limpidi, per me è stata una cosa molto importante. Lui aveva ancora la faccia di un bambino ma di una persona diversa, cresciuta. Anch'io sto cercando di essere una persona diversa, perché sto cercando di inserirmi in questi programmi, e avere la sua voce nel disco significa tantissimo, mi dà un grandissimo senso di orgoglio per la grande creatività talento di questo ragazzo.

“Xamar” è il racconto di quella che è la tua Mogadiscio, un brano che avete registrato a Zanzibar, crocevia simile alla città somala, in cui Africa, mondo arabo ed Oriente si mescolano.

Questa è stata una scelta fortemente voluta perché, in realtà di “Xamar” avevamo in mente una versione, che tra l'altro facciamo anche dal vivo, con lo djembè e la chitarra, una versione ritmicamente molto vivace. Però io avevo già scritto il testo di questa canzone prima di andare a Zanzibar. Un testo che parla di Mogadiscio, di come mia mamma viveva in questa città, di quando si vestiva per la festa con i vestiti occidentali. Quando Mogadiscio anche i copti, come la famiglia di mia madre, potevano celebrare l'Id al-fitr, la fine del Ramadan. C'era questo mescolamento che portava molta gioia e molta voglia di vivere. C'era mia nonna che chiedeva a mia madre di tornare presto, perché non voleva che le succedesse qualcosa, come succede da noi le madri si preoccupano sempre. Un vita normale, una normalità felice, che si contrappone alla Xamar di oggi, che è molto triste. Avevo questo testo che era già pronto per il disco, ma poi Fabio Barovero ha voluto andare a Zanzibar, luogo che in alcuni tratti morfologici ricorda la costa dell'Oceano Indiano e quindi di Mogadiscio. A Mogadiscio non si poteva tornare e non si può tornare ancora, malgrado ci siano alcuni segnali di incoraggiamento ultimamente. Zanzibar come Mombasa, l'India, l'Arabia Saudita, i suoni arabi si mescolano con l'africanità del luogo. Quindi, era il luogo giusto per riportare delle sonorità che ricordassero Mogadiscio, quindi attraverso Werner Gräbner, un grande conoscitore della taraab music, un tedesco che ha fatto moltissimi dischi registrati proprio a Zanzibar, abbiamo incontrato questi musicisti che sono gli eredi della taraab. Sono suonatori di violini, qanoun, come Rajab Souleiman, maestro di questo strumento. Abbiamo conosciuto questi musicisti in una realtà all'inizio di una decadenza, ed è stato anche un po' triste, malinconico, perché anche lì non ci sono finanziamenti per far sopravvivere la cultura, e quindi fanno fatica anche loro. C'è una struttura, il Culture Music Club, che è stata grande in passato e che rappresentava la taraab Music a Zanzibar e che oggi sta cadendo a pezzi. Entrare in questa struttura un po' fatiscente, è come una specie di resistenza della memoria che a Mogadiscio non esiste più, mentre a Zanzibar questa musica sta subendo i colpi di un mainstream musicale che sta tritando tutto a favore dell'appiattimento. Lì a Stone Town, c'è questa resistenza, questa voglia di resistere e non solo perché si è legati nostalgicamente al passato, ma perché del passato ci sono alcune cose che bisogna assolutamente portare nel presente per tramandarle nel futuro, sono veicolo di ricchezza.

Altro incontro significativo, è quello con la comunità masai. Descrivi una notte nella Savana, siamo in un altro ambito sia culturale sia di suggestione… sempre col rischio di diventare cartolina dell’”autenticità” tribale africana.

È uno dei must dei turisti che passano una settimana nel resort e poi vanno a vedere i Masai.. Si, ci sono ancora i Masai che fanno bella mostra di sé nei parchi nazionali, che per pochi dollari fanno la danza, un po' tristemente c'è anche questo aspetto. Noi, invece, abbiamo incontrato delle comunità abbastanza isolate, spingendoci fino ai confini con la Tanzania. Grazie a quell'approccio di cui parlavamo all'inizio, siamo riusciti a catturare quell'autenticità nelle loro forme di vita, nel loro rapporto con l’alterità, con i visitatori. Sono comunque persone che hanno al collo insieme alle collane, confezionano con le perline anche il porta cellulare, e questo non deve sorprenderci perché non siamo mica conservatori. Loro fanno un giorno a piedi per raggiungere il luogo per caricare il cellulare e poi se lo vanno a prendere due giorni dopo, facendo lo stesso tragitto. Però i Masai che abbiamo visto noi, e con i quali abbiamo registrato di notte i canti intorno a fuoco, li abbiamo visti partire veramente in trance e ballare non dieci minuti, come fanno per i turisti, ma per diverse ore. Non capivo come facessero dopo due ore a continuare a saltare così in alto. E la stessa cosa facevano i bambini. È stata una delle esperienze più intense dal punto di vista del viaggio. Poi ho parlato con loro, del loro villaggio, erano veramente coscienti come l'acqua, i pozzi rappresentassero un reale cambiamento e miglioramento delle loro condizioni. Abbiamo anche assistito a come un capo villaggio volesse organizzare un sistema di pipeline, quindi una sorta di acquedotto sotterraneo che portasse l'acqua agli altri villaggi per condividere questa ricchezza. Ci sono questi due aspetti: una forma primitiva e una forma molto moderna che convivono in alcune parti in maniera spontanea e graduale, in altre parti del Kenya invece in maniera stridente, accade il contrario. Si può scrivere un disco, un libro alla propria scrivania, facendo un viaggio dentro di sé, e va benissimo perché si tratta comunque di scoperte. Il mio è stato, invece, un viaggio che mi ha portato alla scoperta degli incontri che hanno nutrito le canzoni, e si sente che queste voci, questi personaggi di cui ti sto parlando, si ascoltano nel disco, si leggono in filigrana dalla prima all’ultima traccia. Il mio è stato un viaggio verso l'altro, e questo coincide anche con un viaggio che sto facendo da quando sono tornata ovvero un viaggio interiore dentro di me, ci sono molte cose, delle tristezze stupide della quotidianità occidentale che, se si porta questo viaggio dentro di sé, si possono tranquillamente esorcizzare. Si può fare a meno di tantissime cose spesso inutili, dannose, cercando veramente la proiezione verso l'esterno che può diventare un viaggio interiore. Questa è la chance non solo di chi fa musica ma anche di chi ascolta. È un disco di cui puoi fruire semplicemente perché ti fa allegria o esotismo, ma è anche un disco che, se vuoi andare a scoprire delle cose, ti può servire per scoprire qualcosa dentro di te. Mi piace dare queste molteplici possibilità, e spero che qualcuno più curioso si voglia appropriare anche di questo…

In “Mukulal” confronti la vita di certe zone di Nairobi con quella dei tanti clandestini in Italia e nei paesi occidentali, Italia davanti a tutti per infamia e discriminazione, razzismo di stato e di senso comune.

Purtroppo credo che più che un problema del nostro Paese, sia un problema legato alle genti, alle persone normali che hanno un grande cuore, come sono gli italiani, ma questo cuore è scollegato da quei gangli di potere, di gestione che invece agiscono male, siamo stati governati male, ci sono stati degli input terribili dal punto di vista politico, l’immigrazione vista come “problema”, una dicitura che la dice lunga. Questa riflessione sull’immigrazione c'è nei dischi, nei live e c'è ovunque, anche quando si parla con gli amici, perché io sono il prodotto di una doppia immigrazione, mio padre è andato in Africa e la mia famiglia è andata in Italia: un doppio viaggio. Figuriamoci se non ne parlo, molti amici sono immigrati, molti amici vivono destini simili. Era fondamentale dunque che parlassi anche di immigrazione. “Mukulal” è una specie di metafora. In somalo significa gatto, in swahili lo stesso termine si traduce in “paka”. Il gatto diventa il simbolo del “randagismo”, della vita di strada, che James conosce bene. Le sessioni di registrazioni si trasformavano in momenti di scambio, e così ho raccontato che puoi essere immigrato anche nella tua stessa città, se vivi un uno slum, perché ti senti uno che vive alla giornata proprio come fanno i gatti, i gatti che erano intorno a queste discariche, i gatti randagi. Ognuno di loro ha portato il suo apporto. Non ultimo James che racconta la sua vita come gatto randagio. James scuro, scurissimo aveva paura degli altri, parla di un gatto nero che ha una pelle così luminosa che sembra bella come luminosa del Taj Mahal, e qui si sono divertiti esorcizzando con dei ritmi molto vivaci, esorcizzando forse anche il dolore del randagismo, essendo l'uomo un animale sociale avente in mente l'idea della propria casa, della propria cuccia, essere un randagio provoca, a lungo andare, delle sofferenze, tanto è vero James era stanco di essere un randagio tanto è vero che un anno dopo James ha provato a trovare un luogo dove atterrare, può essere la sua famiglia. Questo è un po' nella testa come un’ossessione per gli immigrati che stanno in Italia, un luogo da dove ripartire. La riflessione era fondamentale, in questo che è il vero pezzo che chiude il disco. È un po' come dire: “Chi vuole raccogliere il messaggio lo raccolga”, è una riflessione che assolutamente dobbiamo fare in questo momento di crisi in Italia, in cui hanno bloccato i flussi migratori per quest'anno, perché non c'è lavoro per gli italiani figuriamoci per quelli. Sono temi che si sovrappongono e si confondono, ma non dimentichiamo il problema degli immigrati anche perché in questo momento sono gli italiani che stanno iniziando ad emigrare, ed andarsene è dura. Lo so perché lo sto sentendo da amici che stanno andando via perché l'Italia non offre più nulla.

Ciro De Rosa

Saba - Life Changanyisha (Vero Sounds/Egea)

“La vita ci mescola” è il terzo capitolo musicale di Saba. Il viaggio, la scoperta, l’incontro con strumenti e suoni diversi, il narrare sono centrali nel rapporto della cantante con la musica. Viaggio e incontro non sono solo metafore o meri artifici artistici per chi, come Saba, porta in sé e con sé l’intreccio diasporico di storie e memorie post-coloniali, ma con tenacia si affranca da demarcazioni e assolutismi identitari. Come spiega nell’intervista che proponiamo di seguito, raccolta al telefono, la genesi di Life Changanyisha sta nell’impegno – già intrapreso con il precedente lavoro Biyo, che si occupava del tema dell’acqua – con l’organizzazione sanitaria Amref (African Medical and Research Foundation) con sede a Nairobi. Amref porta avanti progetti di sviluppo sanitario in Africa con il coinvolgimento attivo delle comunità, del personale e dei sistemi sanitari locali. Quindi, un viaggio fisico in compagnia del musicista e produttore Fabio Barovero, personaggio chiave sin dall’esordio di Jidka (La Linea, la strada in somalo), suo mentore che l’ha condotta sulla via delle musiche del mondo, lei che da piccina era rimasta ammaliata e turbata, al contempo, dal canto iterativo coranico a Mogadiscio, per poi seguire da adulta modelli soul e r’n’b. Jidka, uscito con la celeberrima etichetta World Music Network, era disco di fattura immediata, cantato in somalo, arabo, inglese e amarico, ma anche con sprazzi di francese e bassà. Non lingue da intendere come steccati, ma come ponti sonori e culturali. Con il successivo Biyo (Water is love), pubblicato da Egea, la cantante metteva l’acqua – metafora di viaggio ma anche di vita e amore – al centro dei suo interessi. Cantato in amarico, inglese, somalo e italiano, Biyo era un lavoro musicalmente più sofisticato, frutto anche della collaborazione con prestigiosi musicisti di Addis Abeba. Il nuovo disco Life Changanyisha, nato da sei settimane di viaggio, in cui Saba e Barovero hanno condiviso la vita dei villaggi del Kenya sud-orientale, ha preso la forma di un concept album, registrato prevalentemente sul campo. In seguito, in Italia si sono aggiunti altri musicisti che si sono avvicinati alla musica registrata con “l’idea di continuare quel viaggio nell’Est Africa”, dichiara Saba. È un disco emozionale, empatico, lavoro plurilingue come ci ha abituato l’autrice. Negli undici brani Saba canta in inglese, kiswahili e somalo: le prime due intese come “idiomi universali”, spiega nelle note del booklet, la terza come simbolo del legame di nascita con quella parte d’Africa. Disco scevro da patinature etniche, paternalismi (sempre in agguato quando gli artisti occidentali vanno nell’immenso continente africano), e ricerca di autenticità. Piuttosto, forte tensione civile, propensione al confronto, all’elaborazione dialogica, al porsi come mediatrice, ma anche cassa di risonanza di storie dall’Africa Orientale urbana e rurale. Non mancano ospitate di lusso, come quella di Thomas Gobena, basso dei Gogol Bordello, Luca “Vicio” Vicini dei Subsonica, ma a corroborare il suono sono soprattutto Federico Sanesi, maestro italiano delle tabla, e i musicisti africani incontrati nel corso del viaggio. Si presenta fresco e vivace sin dall’iniziale “Life Changanyisha”, brano di spiccata matrice afro con sprazzi in levare, e l’accoppiata kora di Cheikh Fall e chitarra battente di Francesco Loccisano. Ha una veste pop un po’ troppo pesante “From within”, mentre possiede un gran tiro “East African Women”, luminoso omaggio alle donne cantato con il gruppo vocale Kayamba Africa, e bei passaggi della fisarmonica di Barovero. Le voci dei bimbi della scuola di Olmapinu, sostenuta da Amref , al confine con la Tanzania, aprono “Wambie”, parola che in swahili significa “Raccontate a loro”, una canzone-testimonianza dalla linea melodica dolce ed essenziale. Cambio di atmosfera con “Xamar”, una delle tracce musicalmente più belle del lavoro, racconto della Mogadiscio che Saba ha lasciato da bambina, impreziosita dalla presenza del maestro di qanoun Rajab Sulyman e del violinista Said Ali, esponenti della musica taraab di Zanzibar, portato degli incroci sonori di Africa, mondo arabo e oriente. Si passa attraverso gli umori pop-latini di “Mamanita”, per giungere all’altro tributo alle donne, pilastro delle società africane, che è “Heskenna”, cantata con il collettivo di voci femminili somale Bismillahi Gargar, in cui la fusione di elementi sonori raggiunge punte elevate. La ninna-nanna “Only Babies” in stile pop ha il contrappunto delle voci del Kayamaba Africa, “Night in Manyatta” è il racconto delle suggestioni di una notte nella savana trascorsa con una comunità masai. La splendida “Mukulal” riassume il mescolamento del lavoro: su un tappeto percussivo di tabla che si fonde con il ritmo pop dance, Saba si unisce al coro dei ragazzi di Dagoretti (sobborgo di Nairobi), la voce da rapper di James Ndichu, gli ottoni arabi della Banda Ionica. Chiude il disco ancora la voce del rapper James, protagonista e simbolo scelto da Saba per raccontare speranze e difficoltà nella vita di una metropoli africana.

Ciro De Rosa

Brunella Selo - Io Sono Ulisse (Polosud Records)

2012-06-04T16:13:00.002-05:00

Vocalità potente e limpida (se non fosse vocabolo così abusato, si direbbe intensa) quella di Brunella Selo, artista con un curriculum eccezionale di cantante, autrice, attrice, ma anche didatta e musicoterapeuta. Ugola preziosa che purtroppo non sempre trova piena visibilità (il grande pubblico e il giornalista generalista l’hanno conosciuta per un’apparizione televisiva sanremese – peraltro magnifica – al fianco di Nino D’Angelo, immancabile citazione di ogni articolo scritto su di lei). Io sono Ulisse, pubblicato dall’etichetta partenopea di Ninni Pascale, usa la metafora dell’eroe omerico per dare vita ad un unicum concettuale. Tuttavia, non è l’usurata simbologia del viaggio di terra in terra a muovere le corde dell’anima di Selo, è piuttosto la consapevolezza del nòstos, il cercare Itaca negli affetti, nella quotidianità, “nella capacità di incontrare il mondo al di fuori di me”, racconta la cantante. I testi sono tutti scritti da Brunella, con inserti in spagnolo e portoghese, come già accaduto in lavori precedenti, perché pur ritornando a casa, occhi e orecchie continuano ad essere sensibili a musiche, fonemi e lingue del mondo. Liriche fortemente poetiche, introspettive, ma anche descrittive, votate ad osservare e scavare nell’interiorità, ma anche a raccontare inquietudini, cambiamenti, rabbia, ricordi, ispirazioni letterarie, sogni che si sono poi realizzati. Musicalmente fondamentale il contributo compositivo di Piero De Asmundis, Gino Evangelista, Daniele Sepe, amici di sempre, per un album che naviga tra folk ballad, canzone d’autore, pop dalle melodie mai banali, sprazzi jazz e umori latinoamericani. Palpita di emozioni questo disco di undici canzoni, tra le quali ci piace segnalare Noli me tangere, Diluvio Universale, Agua e Vinho di Egberto Gismonti, Filastrocche, scritta sulle note di Life in a tree di Michael Manring, Di terra e d’acqua, senza dimenticare Piccole storie dell’indimenticato Paolo Di Sarcina.

Ciro De Rosa

Michele Gazich - Concerto Spirituale, Duomo Vecchio, Brescia, 18 maggio 2012

2012-06-04T16:09:00.000-05:00

La recente pubblicazione de L’Imperdonabile, ha rappresentato per Michele Gazich una svolta importante per la sua vita artistica, vedendolo per la prima volta calato nei panni del cantautore. Si è trattata di una vera e propria rivoluzione copernicana, nata da un momento di sofferenza, e come spesso accade nel dolore spesso risiede anche la luce della speranza. In quest’ottica si inserisce anche lo splendido convegno, “Verso Damasco - Amore e carità in San Paolo - La Parola, la Musica e l'Arte”, curato dallo stesso musicista bresciano, e che si è tenuto dal 17 al 19 maggio a Brescia presso la Sala della Gloria dell'Universitá Cattolica del Sacro Cuore. Le tre giornate di studi hanno visto protagonisti il Vescovo di Brescia Mons. Luciano Monari, lo stesso Michele Gazich che ha parlato del canto 90 di Ezra Pound “Ubi Amor Ibi Oculos”, numerosi docenti universitari e studiosi di cinematografia, musicologia e teologia che hanno analizzato la figura dell’Apostolo Paolo, spaziando dalle fonti evangeliche all’arte fino a toccare la musica e l’arte.

La sera del 18 maggio, nella splendida cornice del Duomo Vecchio di Brescia, si è tenuto il Concerto Spirituale di Michele Gazich, che accompagnato da Marco Lamberti (chitarra, bouzouki, dulcimer, pianoforte) e dalla talentuosa Francesca Rossi (violoncello, seconda voce), ha ripercorso il suo repertorio spaziando dal primo disco con la Nave dei Folli fino al più recente L’Imperdonabile. Proprio i brani tratti dalla trilogia incisa con La Nave dei Folli, sono stati certamente la sorpresa più bella della serata, perché ad interpretarli è stato lo stesso musicista bresciano. La voce intensa e toccante di Michele Gazich ha riportato alla luce lo spirito originario e l’ispirazione che animava quei brani. L’aver usato come schermo la voce femminile nei tre dischi con La Nave dei Folli, è servito a veicolare le canzoni, ma ora appare evidente che sono le canzoni stesse a reclamare la voce del loro autore.

Gazich così non si è sottratto a questa prova, e il suo recitar cantando, i suoi toni bassi, ma allo stesso tempo profondi e intimi, hanno consentito agli spettatori di percorrere un sentiero poetico di grande suggestione, avvolti dalle mura di pietra del Duomo Vecchio, uno degli esempi più belli ed affascinanti di rotonda romanica in Italia. Dividendosi tra violino, viola e piano, il musicista bresciano ha eseguito quelli che possono essere definiti come le sue composizioni più poetiche, in cui il suo ispirato songwriting mescola suggesioni che spaziano dal cinema, all’arte, fino a toccare la spiritualità. Brillano così brani come Guerra Civile, vero manifesto programmatico del Gazich cantautore, la struggente l’Angelo di Saorge in una versione intensa e commossa, e quel piccolo gioiello che è Leggenda degli Amanti che Camminano Sul Filo. Tra i momenti più intensi del concerto vanno segnalate le superbe versioni di Verso Damasco, che interpretata dal suo autore e impreziosita dal bouzuki di Marco Lamberti si colora sorprendentemente di sonorità world, e della toccante Il Latte Nero Dell’Alba, senza dubbio uno dei vertici compositivi del musicista bresciano nel quale viene rievocata la figura e la vicenda di Paul Celan. Imperdonabile come i suoi numi tutelati Pierpaolo Pasolini, Cristina Campo ed Ezra Pound, Michele Gazich con questo concerto ha messo un’altra pietra angolare nella costruzione della sua carriera artistica. Il suo songwriting spirituale denso di vibrazioni, emozioni e poesia, rappresentano qualcosa di unico nella scena cantautorale italiana.

Salvatore Esposito

Marty Stuart - Nashville Volume 1: Tear the Woodpile Down (Sugar Hill)

2012-06-04T16:03:00.002-05:00

Sulle scene ormai da quasi quarant’anni e con alle spalle numerose collaborazioni di prestigio tra cui quella con l’indimenticato Johnny Cash, Marty Stuart negli ultimi anni ha intrapreso un interessante percorso di ricerca attraverso i vari rivoli che confluiscono nella grande tradizione musicale americana. Spaziando dall’antica passione per i bluegrass con l’ottimo Live At Ryman al gospel di The Soul’s Chapel fino al più recente Ghost Train, nel quale ritornava alle radici del sound di Nashville ripartendo dalle leggendarie sale dello Studio B. Il suo nuovo album, Nashville Volume 1:Tear The Woodpile Down, il secondo pubblicato per la Sugar Hill, nasce sull’onda del successo del Marty Stuart Show, da tempo ormai sui principali network americani, e riprende il discorso cominciato con il precedente lavoro, e lo amplia dando vita ad una vera e propria serie completamente dedicata alla country music e alla città di Nashville. Stuart ha dato così vita ad un disco nel quale viaggiano di pari passo tanto i ricordi personali, dalla gavetta appena sedicenne con Lester Flatt ai giorni gloriosi con Johnny Cash, quanto la ricerca di un sound nel quale convivano antico e moderno. Nelle note di copertina lui stesso sottolinea come ci sia l’esigenza di tornare alle radici perché "oggi la cosa più fuorilegge che tu possa fare a Nashville, Tennessee è suonare country". Mantenendosi così ben alla larga dalle sirene delle vendite e dai suoni mainstream, Stuart ci regala un disco di puro country, intenso, elettrico, forte, nel quale è riuscito a trovare il dosaggio perfetto tra suoni urbani, hillbilly e roots music, nel quale brilla l’intreccio tra chitarre elettriche, twang guitar e steel guitar. Al suo fianco come sempre i Fabulous Superlatives, arricchiti dalle presenze di Kenny Lovelace al fiddle e Buck Trent al banjo che contribuiscono in modo determinante alla caratterizzazione del sound. Durante l’ascolto si spazia dalla trascinante Holding on to Nothing, al travolgente country'n'roll acustico di Truck Driver's Blues fino a toccare la splendida ballata Sundown in Nashville. Non manca qualche divagazione strumentale come nel caso di Hollywood Boogie che celebra la grandezza di Buck Owens e i suoi Buckaroos e qualche spaccato intimista come nel caso dell’intensa The Lonely Kind. Vertice del disco è invece il country-rock southern della title track, Tear the Woodpile Down, che ci conferma a pieno come Marty Stuart sia uno dei pochi musicisti country a non suonare anacronistici e retorici. Chiude il disco la splendida versione acustica di Picture From Life's Other Side di Hank Williams, cantata in duetto con Hank III. Nashville Volume 1: Tear The Woodpile Down, ci conferma come Marty Stuart sia, senza dubbio, uno dei nomi più rappresentativi dell’American Music non solo per la sua capacità di saper confezionare ottimi dischi ma anche per il suo approccio rigoroso con la tradizione.

Salvatore Esposito

Taranta Minor - H2941 - Allegro (Autoprodotto)

2012-06-04T15:59:00.001-05:00

Il progetto musicale Taranta Minor raccoglie alcuni musicisti provenienti dal basso Salento, e nasce dall’incontro tra Ambrogio De Nicola (voce, chitarra e tamburello) già con Officina Zoè ed autore di alcuni brani della colonna sonora di Sangue Vivo di Edoardo Winspeare, e Angelo Litti (tamburello e voce), ai quali si sono uniti Giuseppe Profico (voce e chitarra), e Roland Koçillari (basso). Forte dell’esperienza maturata dai vari componenti singolarmente in varie formazioni locali, questo gruppo si è proiettato subito come una realtà importante della musica di riproposta salentina, proponendo un ricco repertorio che spazia dalla pizzica agli stornelli passando per i canti di lavoro e quelli d’amore. A corollario di una intensa stagione di attività live arriva H2941 – Allegro, disco di debutto dell’ensemble salentino, che raccoglie dieci brani tradizionali arrangiati da Ambrogio De Nicola ed eseguiti in modo brillante mescolando gli insegnamenti dei vecchi alberi di canto e qualche bella intuizione originale. Ispirandosi alla Costellazione del Ragno, i Taranta Minor attraverso questi dieci brani hanno voluto offrire all’ascoltatore una summa di quello che è l’enorme patrimonio della musica popolare salentina. Durante l’ascolto brillano così i canti d’amore come Quant'ave, Quannu camini tie e Ninnella ma anche i canti di lavoro della tabacchine come Fimmene, Lu Sule Calau e La Tabbaccara o ancora gli stornelli come Fior Di Tutti I Fiori. Non mancano due travolgenti pizziche come Pizzica Salentina e il classico Santu Paulu. Ciò che piace dei Taranta Minor è, senza dubbio, l’approccio rispettoso con la musica tradizionale e la loro genuina sincerità, e laddove manca la capacità di osare, il gruppo salentino non si risparmia imprimendo ai brani una intensità ed un energia difficilmente riscontrabili in altre realtà. H2941 – Allegro è dunque un ottimo disco e rappresenta senza dubbio una eccellente base di partenza per il futuro.

Salvatore Esposito

Gianfranco Grilli – Memories Of The OldDays/SkyFragments (A.M. Song & Music)

2012-06-04T15:51:00.001-05:00

Geologo e docente di scienze, Gianfranco Grilli sin da giovanissimo ha coltivato la sua passione per la musica suonando l’organo e successivamente il sax soprano, successivamente dopo aver militato in alcuni gruppi della sua zona, si è dedicato alla musica elettronica ed in particolare alla ambient e alla musica new age. Nel suo percorso musicale vanta prestigiose collaborazioni tra cui quella con la RAI e quella con il conservatorio “G. Rossini” di Pesaro. Il suo debutto arriva nel 1997 con Heaven’s Corner, seguito da Il Tempio di Karnak entrambi molto apprezzati dal pubblico e dagli addetti ai lavori. Il musicista marchigiano recentemente ha dato alle stampe due dischi molto interessanti Memorie Of The OldDays e SkyFragments, entrambi registrati nel proprio studio casalingo di Mondavio e realizzati in collaborazione con la A.M. Songs & Music di Aldo Menti. Memories Of The Old Days, è composto da sei brani caratterizzati da atmosfere intimiste e meditative, in cui musica elettronica e ambient aprono uno spaccato nell’introspezione dell’autore, che sembra riflettere sul senso della vita, sul presente, sul passato, sul rimpianto.

In questo senso molto bella è anche la copertina del disco, nella quale il sole al tramonto racchiude molto bene il senso di malinconia latente che pervade i vari brani, quasi l’autore avesse voluto ripercorrere alcuni momenti della sua vita per scoprire quelle sensazioni e quei pensieri che prima non lo avevano mai sfiorato. Tra echi di Popol Vuh, Bian Eno e David Sylvian, Grilli con questo disco ha firmato senza dubbio la sua opera più poetica, un disco nel quale la musica si sostituisce totalmente alla parola diventandone piena manifestazione. Nato come continuo del precedente Dream Fragments, il secondo disco Sky Fragments si compone di una lunga suite di circa settanta minuti, in cui Grilli si cimenta con la musica minimalista, ripercorrendo le orme di Brian Eno. Il risultato è assolutamente sorprendente con le linee melodiche quasi ipnotiche che vanno ad incidere e scavare nell’inconscio, diventando un viatico per la ricerca di verità nascoste, quasi ogni scheggia sonora si trasformasse nella chiave per aprire varchi profondi nella nostra anima. Memorie Of The OldDays e SkyFragments rappresentano le due anime di Gianfranco Grilli, l’una intensa e poetica, l’altra ancor più introspettiva ed auto confessionale, insomma due opere di ottimo livello che meritano un ascolto approfondito.

Salvatore Esposito

U2, Coldplay e Brian Eno, la storia si ripete?

2012-06-04T15:46:00.001-05:00

In occasione del recente ed applauditissimo concerto dei Coldplay a Torino, Blogfoolk pubblica un’interessante analsi sull’impatto sociale della musica di Chris Martin e soci. Un grazie ad Enrico Paolantonio, amico e lettore di Blogfoolk, che ci ha concesso questo breve saggio.

Salvatore Esposito

Qualche tempo fa osservavo come, ancora prima dell’uscita dell’ultimo album dei Coldplay, su YouTube già si potevano vedere cover perfette dei vari brani realizzati da ragazzi di tutto il mondo, Cina, Israele, Cile, Australia. Con il loro ultimo album, i Coldplay si consacrano come la “band della globalizzazione”, non solo perché incrociano stili e linguaggi musicali diversi, ma anche perché si fanno interpreti di un sound che potremmo definire universale e rappresentativo di quello che è il sentire musicale europeo. Realizzano la diffusione di quel nuovo processo di crescita interculturale mondiale che in Brian Eno a suo tempo aveva già affidato agli U2. Proprio a loro infatti sembrano sostituirsi per due motivi: il primo è banale ed è sostanzialmente anagrafico; quello più interessante risiede, invece, nel diverso impegno e messaggio della loro musica.

Gli U2 restano il simbolo di quel rock impegnato degli anni Ottanta e Novanta, che ha fatto irruzione nella società affermando il bisogno dei valori e dei principi di pace sociale, religiosa e politica (Gloria, Pride-In The Name Of Love, Acthung Baby, Zooropa, etc.) e così si sono ritagliati il particolare ruolo di interlocutori dei Grandi Del Mondo, diventando la voce autorevole ed autorizzata del rock rispetto all’ “establishment” politico dell’Occidente (pensiamo alla lotta per la cancellazione del debito nei paesi in via di sviluppo). In questo senso gli U2 rimarranno un "punto fermo" nella storia della musica contemporanea. I Coldplay non sono nati con la decisa connotazione politica degli U2, e fin dagli esordi hanno pensato soprattutto a far parlare la profondità del loro universo musicale. La loro musica è arrivata al cuore e al cervello con una semplicità e un’intensità spaventosa.

Sono stati subito compresi, suonati e meravigliosamente reinterpretati dai ragazzi talentuosi di tutto il mondo che percepiscono, nelle loro sonorità quei messaggi universali, destrutturati dalle visione politico-ideologiche, liberamente decodificati e disvelati a tutti, siano essi la bellezza della vita (Viva La Vida), la velocità del suono (Speed of Sound), la vita tecnologica (Life in Technicolor), etc. In questo senso sono tra i pochi occidentali (bianchi) a poter essere musicalmente compresi e amati nel mondo, senza essere idolatrati come Michael Jackson o Madonna. A differenza delle altre grandi rock-band risucchiate dal grande carrozzone mediatico, i Coldplay sembrano riuscire, non solo con la musica ma anche con i testi a by-passare la totale massificazione musicale e culturale prodotta dalla globalizzazione, attraverso messaggi che colgono la improvvisa crisi economico sociale che si è creata nei paesi evoluti dell’occidente e che contraddistingue questa paradossale vita di benessere tecnologico e di crisi del lavoro delle generazioni di oggi. Se leggiamo il testo di Every Tear Is a Waterfall, c'è un verso che è quasi un vero manifesto rivoluzionario e recita: "preferisco essere una virgola che un punto".

Credo che si esprima un mutamento esistenziale a dir poco epocale. Se ci pensiamo, la loro musica e le loro canzoni sembrano affrontare le idiosincrasie del mondo di oggi e sembrano volergli contrapporre la loro visione dell’uomo - virgola e non punto – uomo non più barricato al passato fatto di quei capisaldi ideologici, religiosi, sociali e culturali che avevano animato le generazioni di giovani vissute nei decenni successivi alla fine della Seconda Guerra Mondiale , di fatto superato dai mutamenti della storia, dalla globalizzazione informatica e tecnologica, dalla scomparsa dei confini economici e politici (pensiamo all'entrata dell’Euro) dalla caduta dei Muri (e quello caduto a Berlino spiega davvero parte della complicata epoca che stiamo vivendo). Questa band prova più che mai a lanciare tanti piccoli nuovi messaggi a tutto il mondo, parlando di dimensioni forse ultraterrene, come il Paradiso (Paradise) forse fantasiose come i personaggi dei fumetti (Charlie Brown), ma credo, invece, espressive più che mai di una nuova portata sociale sì globalmente condivisa, di un nuovo orizzonte e di un nuovo domani comune, dove conta la forza di ogni persona se unita alle altre in un avvenire comune; come è importante non disperdere ogni lacrima versata che unita alle altre diventa cascata, così è importante non perdere il contributo di idee e di energia di ogni singola persona, di ogni piccola virgola che si collega alle altre e non vive come punto a sé stante. E’ nel messaggio di comprensione e di condivisione mondiale del senso sociale e umano della potenziale portata di questo dilagare di tecnologia che i Coldplay si trovano a esprimere un ruolo che forse mai si sarebbero sognati di avere. Siamo entrati nell’era del mercato globale e non mi stupirei se presto un giorno i Coldplay, come John Lennon negli anni Settanta, come gli U2 negli anni Novanta, volontariamente o no diventassero una voce credibile e autorevole per sostenere la nuova battaglia contro le planetarie diseguaglianze sociali create dal bisogno di mercati a danno della società civile.

Enrico Paolantonio

Lisa Marie Presley - Storm & Grace (XIX Recordings)

2012-06-04T15:39:00.000-05:00

E adesso? Adesso che l’unica figlia di Elvis, l’ex signora Jackson (nel senso che è stata anche sposata con Michael Jackson) , adesso che Lisa Marie ha fatto un disco prodotto da T Bone Burnett come la mettiamo? Se si chiamasse Lisa Light from Tucson diremmo tutti tranquillamente che il disco in questione, pure non un capolavoro di scrittura, è sicuramente un bel disco, con atmosfere maudit ed europee anche se saldamente infilato nel solco della grande musica americana. Certo, per il geniaccio TBone deve essere stata una tentazione troppo forte quella di produrre un disco per la figlia di colui che ha tracciato quel solco. Possiamo disquisire di onesta’, verità, urgenza espressiva in ogni caso il disco in questione ha una sua particolarità: a me ricorda il piglio vocale di TRacey Thorn degli Everything but The Girl, fateci caso. I musici sono come al solito, quanto di meglio la scena intelligente americana possa offrire, su tutti si staglia con i suoi toni gessosi e nebbiosi l’astro nascente del drumming Jay Bellerose già con Joe Henry. Qualche canzone è stata scritta da Richard Hawley ed Ed Harcourt, testimonianza di una volontà di uscire dagli schemi. La produzione è sicuramente di alto livello, di quelle che in italia ci scordiamo. Elvis credo apprezzera’, dalle ultime notizie fa il benzinaio da qualche parte in Montana, si è fatto crescere la barba e canta solo la domenica.

Antonio "Rigo"Righetti

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Indice 19/2012

2012-05-23T05:30:00.002-05:00

Enzo Vacca: L’Arpa Celtica e La Tradizione Musicale del Piemonte

2012-05-23T05:26:00.002-05:00

Polistrumentista piemontese nonché talentuoso arpista, Enzo Vacca sin dai primi anni ottanta si è dedicato alla musica tradizionale della sua terra. Negli anni novanta l’incontro con Enrico Euron e lo sbocciare del suo amore per l’arpa celtica, hanno aperto una nuova fase del suo percorso artistico nel quale ha collaborato con musicisti del calibro di Dominig Bouchaud, Myrdhin, Bill Taylor, Grainne Hambly, Janet Harbisson e Cormac de Barra. Lo abbiamo intervistato per ripercorrere con lui la sua carriera e per approfondire le connessioni tra la tradizione celtica e quella piemontese, senza dimenticare i suoi progetti futuri.

Come è nato il tuo amore per la musica tradizionale?

Ho respirato musica tradizionale sin da quando sono nato. Ho avuto la fortuna di vivere tutta la prima infanzia in un paesino del basso Roero, in una zona che sarebbe diventata famosa nel circuito folk revival degli anni Settanta. Canove di Govone infatti è a soli tre chilometri da Magliano Alfieri, sede del famoso Gruppo Spontaneo, fondato dal compianto Antonio Adriano. Vivere in campagna, e per di più vicino allosteria, mi ha permesso di avere un repertorio personale di prima mano ma crescendo le cose si sono un po’ complicate. Alla fine degli anni Sessanta sono stato riportato a Torino ed in breve ho respirato la vita complessa di quegli anni, i problemi legati alla seconda grande ondata di immigrazione dal Sud Italia, una cultura che imponeva di vergognarsi di tutto ciò che fosse in qualche modo legato alla campagna e al suo linguaggio, quindi mi sono dovuto vergognare del mio parlare e pensare in piemontese, e mi sono anche vergognato profondamente, questa volta senza essere obbligato, dei comportamenti razzisti e xenofobi che spesso hanno segnato la vita sociale di quegli anni. Tutto questo mi ha messo fortemente a disagio nei confronti delle mie radici e mi ha tormentato per lungo tempo. Come molti sono stato affascinato dal folk revival degli anni Settanta e la scoperta dei grandi interpreti di quel tempo, la figura carismatica di Alberto Cesa, il lavoro splendido del doppio lp La luna e ’l Sul, Prinsi Raimund e le feste popolari hanno segnato profondamente il cammino successivo. La cosa che non sopportavo nel mondo del folk revival era però una certa mitizzazione del mondo contadino e una sua politicizzazione estrema, certo normali in quegli anni, ma che poi di fatto portava a constatare che troppo spesso la musica tradizionale, il folk, venivano coniugati con lo sberleffo, il triviale, il grottesco, il ciarlatanesco, dando vita ad un controaltare colto che portava all’interno delle università il mondo contadino, analizzandolo, rielaborandolo e portando alla conoscenza degli intellettuali, patrimoni di cultura inaspettati ma di fatto lontani dall'anima profonda della loro terra di origine. Sono sempre illuminanti i pensieri di Pasolini sulla cultura popolare, e riletti oggi fanno molto pensare. Di fatto ho impiegato molti anni prima di arrivare a concretizzare la mia personale visione della musica tradizionale e a pensare che poteva essere la mia musica.

Come hai cominciato a suonare l'arpa celtica?

Erano gli inizi degli anni Ottanta e Stivell, Stivell e poi ancora Stivell! Lavoravo all’epoca quasi sempre di notte in un grosso centro elaborazione dati, e la musica serviva per stare svegli. Fu un mio collega a farmi ascoltare e conoscere la musica di Alan Stivell e, possiamo dire, tutto ebbe inizio da lì. Quella musica mi rituffava nella mia infanzia, vedevo la mia gente cantare, ballare, far festa. La musica bretone e la Bretagna mi affascinarono sin dal primo momento. Incontrai Enrico Euron ed iniziai lo studio dell’arpa celtica. Quasi subito, però, iniziai ad intraprendere un cammino molto personale. Pur amando il repertorio irlandese e scozzese, preferivo quello bretone e grazie ad un grande amico, conobbi per la prima volta la musica di Dominig Bouchaud. Era, credo, il 1993 o 1994 ed iniziarono i miei viaggi in Bretagna.

Nel 1999 hai fondato i Musici Vagantes ci puoi parlare di questo tuo progetto artistico?

L’idea era molto semplice e complessa al tempo stesso. I musici Vagantes, di fatto io e mio figlio Martino, dovevano presentare un repertorio di musica celtica ma in modo nuovo, sfruttando il duo e le sonorità necessariamente sobrie di questa formazione, volevo che ci fosse però poesia, ritmo, groove. E direi che, visti i risultati, ha funzionato con un momento molto felice in cui ci fu l’inserimetno di Francesco Vazzana alla chitarra e al bouzuki, nel mio primo lavoro Rèis ci siamo tutti e tre. Poi il progetto ha dovuto forzatamente e giustamente seguire altre strade. Ognuno di noi ha intrapreso un suo personale percorso musicale, io mi sono dedicato totalmente alla musica tradizionale del piemonte, Francesco ha continuato con altri progetti, e mio figlio Martino è partito per l’Irlanda dove nell’agosto 2009 a Tullamore, Co. Ofaly ha vinto il Fleadh Cheoil na hÉireann, o All Ireland come molti lo chiamano, la più grande competizione di musica irlandese al mondo nella specialità delle Uilleann Pipes. Inutile dire che ne vado molto fiero. Ma, come è scritto nel nostro sito, ci riuniamo per le grandi occasioni e nel 2010 abbiamo suonato nuovamente insieme in duo al Brintaal Folk Festival di Valstagna, dove abbiamo riproposto, per festeggiare i dieci anni del festival, uno dei nostri primi concerti in una chiave molto suggestiva: una lastra di roccia al bordo di un laghetto carsico ai piedi di una grande parete di rocciosa riproponendo il repertorio squisitamente celtico, tutto in acustico.

Hai lavorato con diversi artisti come Myrdhin, Bill Taylor, Janet Harbisson, Gainne Hamly, Cormac de Barra, Françoise Le Visage ed in particolare con Dominig Bouchaud, quanto ti hanno arricchito queste collaborazioni?

Tantissimo. Tutti questi musicisti mi hanno permesso di avere un panorama del mondo legato all’arpa celtica, di slegarmi da stereotipi e luoghi comuni, ma lavorare, e prima ancora, studiare con Dominig è stato fondamentale per tutto quello che ne è seguito. È stato lui ad insegnarmi ad ascoltare i materiali registrati e raccolti sul campo, ad avere attenzione estrema negli arrangiamenti, a cogliere le più leggere sfumature delle melodie, insomma gli devo molto. Ed anche a Françoise Le Visage, con la quale parteciperò al Festival di Lorient quest’anno, devo molto. Il suo lavoro sulla danza bretone arrangiata per arpa celtica è stato per me a dir poco illuminante. La collaborazione con Françoise si è anche concretizzata nel primo videometodo di Arpa Celtica edito nel 2010, dieci lezioni con repertorio bretone e piemontese per muovere i primi passi.

Reis che hai inciso in collaborazione con Bouchaud ha rappresento una svolta importante nella tua carriera. Come è cambiato il tuo approccio con la musica tradizionale?

Con Rèis è veramente cambiato tutto. Da quel lavoro in poi non ho quasi più suonato musica celtica ma mi sono dedicato interamente alla musica piemontese e alla ricerca, sia sul campo, sia dei materiali già registrati ma spesso di difficile reperimento. In Rèis ci sono gli esperimenti, è un disco difficile da ascoltare, gli arrangiamenti sono scarni, sono veramente i primi passi. Non posso dire di avere cambiato approccio ma di avere fatto chiarezza in quello che volevo e del sentiero che volevo percorrere. Vedi, ho sempre sofferto per come è considerata la musica tradizionale qui da noi, ho già detto qualche cosa prima, la musica tradizionale da noi è politicizzata, è fatta bandiera di questo o di quello, è sfruttata quando il mercato discografico ufficiale non va bene. Se parli piemontese ti guardano con sospetto, molta gente pensa che tu voglia creare barriere, difendere chissà quali baluardi di progresso e civiltà, e tutta una serie di stupidità umane di cui puoi immaginare l'elenco. In Bretagna dove l'identità è molto forte, ho imparato e visto una cosa molto semplice: ho le mie radici, ne vado fiero e proprio perché ho radici posso capire gli altri che hanno radici diverse dalle mie e lavorarci insieme, nella musica e in tutto il resto. Ho intervistato recentemente Amerigo Vigliermo e parlando a ruota libera proprio delle questioni identitarie mi ha detto: è arrivato il momento di partire per una nuova ricerca sul territorio e di chiedere al magrebino, al nigeriano, all'albanese, di cantare le canzoni che gli cantava la sua mamma, come io gli canto le canzoni che mi cantava la mia. Non c'è altro da aggiungere.

Quali sono i tuoi medoti di ricerca sul campo nell'alveo della musica tradizionale?

Come ho appena detto mi sono mosso su due linee di ricerca, la prima apparentemente più semplice, ha comportato il reperimento di quanto esisteva: il mio primo acquisto fu la raccolta di quindici cd curata da Amerigo Vigliermo sulla ballata epico lirica e sul Nigra, e poi tutto quanto riuscivo a recuperare, sia registrazioni che opere letterarie, fotocopie e via dicendo. Quindi Il gruppo spontaneo di Magliano Alfieri, Da Pare An Fieul di Bagnolo, per terminare con il materiale di Leydi su Teresa Viarengo, oggetto del mio ultimo lavoro. La seconda linea di ricerca è quella sul campo. Ho trovato ancora gruppi di persone anziane che hanno memoria di repertori tradizionali, ho ritrovato il Nigra anche in versioni ancora mai sentite, e continuamente cerco di recuperare quanto più possibile, Oramai tutti gli amici sanno di questo mio interesse e mi capita di incontrare ancora persone incredibili con repertori molto interessanti.

Come è nata l'idea di rielaborare la musica tradizionale piemontese per l'arpa celtica?

Vedi, sin dall’inizio, non ho voluto fare un lavoro filologico: non mi interessava e non mi interessa anche se ritengo fondamentale avere ben chiaro il punto di partenza e conoscere e i lavori filologici e di ricerca più importanti di cui si può disporre. In Bretagna ho conosciuto molti gruppi che fanno musica bretone con i linguaggi contemporanei, di sperimentazione, anche discutibili per carità, ma molto liberi perché la musica tradizionale è considerata ed è di fatto una musica viva, non un reperto da museo. Questa è l’idea di fondo. L’arpa celtica certo non è uno strumento della tradizione popolare piemontese, ma è per me lo strumento che mi permette di trasmettere l’anima della mia terra. Poi che ci riesca è un'altra questione ma nei miei lavori mi sono lasciato guidare dalla mia storia di ascolti e frequentazioni musicali che vanno dalla musica classica e contemporanea, adoro Arvo Part, fino alla sperimentazione più spinta. Affondo le mie radici negli anni Settanta e nel Progressive italiano, nella musica dei cantautori, nel rock e nel pop, chi vuole può cercare le citazioni che spesso volutamente metto nei miei arrangiamenti. Un brano non è solo musica e parole, deve trasmettere anima, vita, persone, luoghi, cose, deve riuscire a raccontare qualcosa di quelli che hanno cantato prima di me queste ballate o suonato queste danze. Quindi non mi muovo secondo linee precise, se vogliamo individuare un metodo diciamo che ascolto il brano, quasi sempre cantato, decine di volte e mi lascio guidare dai ricordi, da idee musicali che provo ad immaginare, da frammenti di arrangiamento che provo a suonare, immagino orchestrazioni varie, affido la melodia agli strumenti più improbabili, e finalmente quando decido lo stile che voglio dare a qual brano, suono e scrivo, prima la parte di arpa e poi il resto. Anche qui non ho uno schema fisso di strumenti, mi piace cambiare, sentire suoni nuovi, anche se ho delle preferenze come tutti, il violoncello e l’oboe ad esempio mi piacciono alla follia!

Hai avuto modo di presentare il tuo lavoro di rielaborazione anche all'estero in circuiti strettamente collegati alla musica celtica, come è stata questa esperienza e qual'è stato il riscontro che hai avuto?

Credo che essere invitato al Festival di Lorient quest’anno proprio in virtù del lavoro fatto con la musica tradizionale del Piemonte sia un buon riscontro positivo. Ma al di là dei luoghi ufficiali, è stato il pubblico incontrato e gli allievi che partecipavano agli stages che mi hanno convinto della forza contenuta in questa musica. Uno dei momenti più emozionanti è stato il Festival di Edimburgo, dove ho ricevuto un'accoglienza molto calorosa ed inaspettata trovando molta curiosità ed interesse per repertori nuovi ed esperienze come la mia.

Negli anni ti sei dedicato anche all'insegnamento dell'arpa quanto ti ha arricchito questa esperienza e quanto è importante la divulgazione di uno strumento etnico?

Insegnare musica tradizionale è bellissimo. Non trasmetti soltanto le conoscenze tecniche per permettere a qualcuno di suonare uno strumento, ma gli racconti un mondo, fai da ponte con il passato cercando di portare avanti quello che hai ricevuto. Il senso della cultura orale contadina, e non solo contadina, in fondo è questo. Certo uno strumento etnico si porta dietro la sua storia e la sua tradizione e quindi aiuta a capire questo senso di appartenenza a qualcosa che pur essendo più grande di te ha bisogno di te per continuare il suo viaggio.

Nel 2007 hai dato alle stampe Evoa, dedicato a Costantino Nigra nel centenario della sua morte e al grande repertorio della ballata epico-lirica, puoi parlarci di questo disco, che tra l'altro ti è valso il Bravos! da Trad Magazine?

Evoa è stato per me un po’ il disco della conferma di quanto progettavo. Fino ad allora ero abituato a parlare dei miei progetti e ricevere dei sorrisetti di commiserazione che erano molto chiari nel loro messaggio, oppure consigli su come rendere più accessibile, più accattivante quanto proponevo. Quindi quando parlai ad Yves Ribis del progetto chiedendogli di collaborare per gli arrangiamenti, adoravo Arz Nevez e il lavoro che Yves aveva fatto per Stivell, ero pronto ad ogni evenienza, forse l’unica a cui non ero pronto e che dicesse di si e che fosse interessato alla cosa! Da tempo ascoltavo il materiale del Nigra e più lo ascoltavo e più lo trovavo bretone, provavo arrangiamenti in stile un po' troppo Dominig Bouchaud come diceva spesso mio figlio Martino, ma funzionavano e rendevano, per me, il cuore e l'anima di questo repertorio. Così nacque l’idea di un disco tutto dedicato al Nigra e alla ballata epico-lirica. Non so quanto la collaborazione di Yves, Doming e Françoise abbiano inciso sul successo del disco, ma posso dire che lavorare con loro e per loro, mi ha costretto a notevoli sforzi, e anche a distaccarmi dalla musica bretone per cercare un linguaggio più personale, insomma fatti i primi passi era ora di camminare da solo!

Il tuo ultimo lavoro è Un'Arpa per Teresa, dedicato a Teresa Viarengo come nasce questo disco?

L’idea è nata leggendo il libro Canté Bergera, dove Leydi illustra i materiali da lui raccolti e del suo legame con Teresa. Purtroppo di edito c’è molto poco rispetto a quanto è stato registrato e così sono partito per la Svizzera in quel di Bellinzona per ascoltare tutto il materiale, interviste comprese. Le interviste sono state una parte determinante della stesura finale del repertorio, potrei dire di avere ritrovato e riascoltato tutte le persone che sentivo parlare e cantare all’osteria, i racconti di quando ero bambino, i segreti che i bambini non dovevano sentire quando, facendo finta di giocare, ascoltavo i grandi raccontare. Ero convinto che ci fossero brani inediti e bellissimi ed infatti così è stato. Il solo di arpa de La Bela va all’Inghilterra è un frammento di pochi secondi ma la melodia è semplicemente meravigliosa, sembra scritta per l’arpa. E poi volevo indagare e sostenere una teoria molto personale e cioè che questa musica comunque la si suoni, qualunque linguaggio si scelga, dal più classico al più sperimentale ha un potere evocativo unico. Ascoltando il cd, ti accogerai che ci sono linguaggi molto distanti, c’è del classico quasi vivaldiano unito al pop e al jazz, c’è la musica contemporanea, questo grazie al grande aiuto dell’amico e compositore Aldo Sardo, c'è musica tradizionale, che poi l’esperimento sia riuscito non sta a me dirlo, ma posso dire che a me piace quello che ne è uscito ed è proprio quello che volevo!

Quali sono le connessioni tra la musica celtica e bretone e la tradizione musicale piemontese?

Qui apriamo un’enciclopedia, ma la chiudiamo subito: non sono malato di celtismo. Nigra nell’introduzione del suo lavoro del 1888 parla espressamente di “materiali che abbiano un substrato celtico” essendo egli conoscitore di altre ricerche a lui contemporanee come il Barzaz Breiz di Villemarqué o il lavoro di Luzel sulla musica popolare. Molto oltre non si va. I ricercatori e gli etnomusicologi ci consegnano dei dati interessanti e certo ci sono aspetti ancora da indagare così come la storia apre spunti di ricerca che varrebbe la pena perseguire, ma questo non è il mio lavoro. Molti musicisti e amici bretoni mi hanno spesso chiesto se le melodie fossero ispirate alla loro musica e restano sempre stupiti nel conoscere che nulla nella melodia è stato toccato, questa è una delle caratteristiche del mio lavoro, le melodie sono esattamente le stesse che ho ascoltato. Esistono curiosi casi in cui i testi sono quasi identici e sono in francese, non dimentichiamo che per il Piemonte il francese è stata lingua comunemente utilizzata nei secoli scorsi e conosciuta anche dal popolo, oppure ballate che raccontano la stessa storia, alcune melodie sono conosciute sotto forma di brani da danza sia in Piemonte sia in Bretagna. In ogni caso la ballata è sempre stato un genere molto diffuso in tutta Europa. Quello che a me è interessato e interessa è pensare che, come Stivell ha fatto per la Bretagna, si può fare anche da noi un lavoro nuovo sulla nostra musica.

Hai avuto modo di collaborare anche con Alberto Cesa e Donata Pinti, puoi parlarci del tuo rapporto con loro…

Il lavoro con Alberto e Donata è stato legato strettamente a Rèis, non ho avuto la fortuna di proseguire oltre la collaborazione con loro ma è qualcosa che è rimasto nel profondo. Il primo brano di musica piemontese che mi permisi di arrangiare in chiave personale, anche se all'epoca era per chitarra con accordatura aperta, fu Il Moro Sarasin, dal repertorio di Canto Vivo e quando pensai a Rèis accarezzai il sogno di avere Alberto a cantare il mio arrangiamento, arricchito per l'occasione dall'arpa e dalle uilleann pipes. Da Alberto il passo fu breve nel chiedere a Donata di collaborare, anche perchè credo fosse l'unica, e lo sia ancora, a poter reggere il confronto con la voce di Anne Auffret. In realtà avevo ancora qualche progetto nel cassetto con loro, ma la prematura scomparsa di Alberto lo lascerà per sempre li, e credo sia anche giusto così.

Concludendo quali sono i tuoi progetti futuri? Stai preparando un nuovo disco?

Non mi piace stare fermo e vivere di rendita, il nuovo lavoro sarà proprio nuovo. Sono composizioni su dei testi poetici, sempre in piemontese questo è chiaro, ma con un linguaggio aperto a nuovi suoni e qualche esperimento come al solito. La novità principale è la collaborazione con Barbara Borra, nuova voce dei miei lavori, cantante jazz, compositrice e ottima pianista, con un'esperienza internazionale non indifferente, quindi nuovi suoni delle tastiere, ci saranno percussioni in modo decisamente superiore a quanto non ho utilizzato fino ad ora, il contrabbasso e il basso elettrico, gli archi molto probabilmente e come sempre qualche comparsa dal mondo celtico. Vorrei fosse pronto al più presto ma, come puoi immaginare, di questi tempi non è semplice risolvere gli aspetti economici anche se riduci al minimo i costi.

Enzo Vacca & Dominig Bouchaud - Rèis (ArteNomade/Coop Breizh)

Registrato nel 2004 insieme a Doming Bouchaud ed ispirato da Canté Bergera, l’opera di Roberto Leydi dedicata a Teresa Viarengo, Rèis è il disco che apre il percorso musica di Enzo Vacca attraverso la riscrittura e la riproposizione per arpa celtica della tradizione musicale piemontese ed in particolare della ballata epico-lirica. Al suo fianco troviamo oltre al già citato Bouchaud, Anne Auffret (canto, arpa), Elisabetta Bosio (viola), l’indimenticato Alberto Cesa (canto, ghironda), Donata Pinti (canto), il figlio Martino (uilleann pipes) e Francesco Vazzana (chitarra). Il disco raccoglie tredici brani di pregevole fattura che rispecchiano il riavvicinamento di Vacca alle tradizioni della sua terra, attraverso un viaggio a ritroso nel tempo che parte dalla Bretagna e ritorna alla suo paese di origine tra la provincia di Cuneo e quella di Asti. E’ dunque un fluire di ricordi, melodie e canti antichi, frammenti di vita, che diventano musica per arpa, ispirandosi al lavoro dei Cantovivo di Alberto Cesa, e non è un caso che il disco si chiuda con Escriveto, versione franco provenzale della ballata piemontese ël Mòro Sarasin, brano tradizionale che per primo catturò l’attenzione del musicista di Canove di Govone. L’ascolto ci consente così di scoprire anche sorprendenti connessioni tra la musica celtica e quella piemontese con brani come Gli Anelli, Ar c'hallez vihan, cantata dalla Auffret sulla melodia del tradizionale Cecilia, e Marion cantata da Donata Pinti, e caratterizzata dal testo piemontese scritto da lei stessa, sulla melodia di Eliz Iza, brano del repertorio bretone. Sebbene Rèis sia solo il primo passo del cammino musicale di Enzo Vacca, da questo disco emerge chiaramente come la sua opera di contaminazione sonora non sia volta semplicemente alla ricerca di un suono ma piuttosto si ponga come strumento di dialogo tra tradizioni diverse e tra presente e passato alla ricerca di una radice sonora unica che collega la Bretagna con il Piemonte.

Enzo Vacca – Evoa! (R&G Zedde)

Evoa. L’acqua, proprio quella che durante le estati trascorse a Canove di Govone, Enzo Vacca chiedeva alla nonna per dissetarsi dopo aver giocato. Ormai adulto, quella stessa acqua è diventata simbolo di memoria, di ricordi ma anche delle radici della sua terra. Pubblicato nel 2007 Evoa! è il titolo del secondo disco del musicista piemontese nel quale, attraverso undici brani, prosegue il suo cammino di riscoperta dei suoni e delle tradizioni della sua terra, e non è un caso che il disco sia dedicato a Costantino Nigra, precursore dei tanti ricercatori che si sono avvicendati negli anni nello studio della cultura e della musica popolare in Italia. Ad affiancarlo in questa nuova avventura oltre a Dominig Bouchaud, già con lui nel primo disco, troviamo anche altri musicisti della scena bretone come Françoise Le Visage e gli Arz Nevez ovvero Grégoire Hennebelle (violino), Gael le Bozec (violino e viola) e Maud Caron (violoncello) ed alcuni ottimi musicisti italiani come il figlio Martino (uilleann pipes), Francesca Funnone (violoncello), Claudia Bellamino (oboe) e le voci di Arianna Ferraudo, Giovanna Marello, Dario Marello, Enzo Marello, Alberto Marello e Batista Cornaglia. Durante l’ascolto si spazia così dalle sonorità della tradizione piemontese con Papà Dame La Bella, Taca Bòrgno e O Mama Mia Marideme Mi, a composizioni originali come la splendida Tera Sagrinà nel quale si intrecciano un personale Dies Irae e una toccante Ave Maria. Vertice del disco è senza dubbio Cassin-a Sola, una delle più belle canzoni tradizionali piemontese raccolte da Costantino Nigra, tuttavia di grande intensità sono anche Suite ‘d Natal, che mescola tre brani natalizi, la toccante Amore Risponde a Tutto e I Veuj Nen Scordè (Moreto), brano ascoltato in un’osteria e qui riletto per l’arpa e le voci del coro composto da Giovanna Marello e la sua famiglia. Come il precedente, Evoa! unisce tradizione, dialogo ed innovazione in una proposta musicale assolutamente originale, ciò che però lo rende ancor più affascinante è la cura per le melodie ora più eleganti ed fascinose.

Enzo Vacca - Un’Arpa Per Teresa (Concert-Azione/R&G Zedde)

Complice l’ascolto del disco della GEOS “Teresa Viarengo e la ballata popolare in Piemonte" ed una traccia di lavoro sui materiali del Coro Bajolese, Enzo Vacca con Un’Arpa Per Teresa torna all’ispirazione che aveva animato il suo disco di esordio, ma questa volta per focalizzarsi solo ed esclusivamente sul repertorio di Teresa Viarengo. E’ nata così l’idea di riprendere quella traccia di ricerca, concretizzatasi con l’ascolto delle registrazioni integrali del fondo Leydi conservate in Svizzera presso il Centro di Dialettologia e di Etnografia di Bellinzona. E’ nata così l’idea di recuperare sette brani del repertorio della cantante astigiana, ai quali si uniscono due composizioni dello stesso Vacca e quattro del compositore classico Aldo Sardo, tra cui la suggestiva Suite ëd Pasqua. Una scelta bene precisa questa, che evidenzia come il musicista piemontese abbia compiuto un ulteriore passo in avanti nel suo percorso artistico, puntando con maggior decisione anche sulle composizioni originali, così intense dall’essere difficilmente distinguibili dai brani tradizionali. In questo senso fondamentale è stata anche la scelta di circondarsi di quasi esclusivamente di musicisti italiani fra cui il figlio Martino alle uillean pipes, il produttore Giancarlo Zedde alla fisarmonica, e il trio d’archi composto da Marco Allocco al violoncello, Lorenzo Prelli e Gianluca Allocco al violino. Durante l’ascolto brillano così sia i tradizionali come Doi Anelin, Batajin e la struggente La Cecilia ma anche le composizioni originali come il toccante Tango Per Teresa e Ar Me Matòt dello stesso Vacca e Sant’Alessi di Sardo, che recupera la tradizione del teatro liturgico popolare del piemonte. Un’Arpa Per Teresa è senza dubbio il lavoro più compiuto e maturo artisticamente parlando di Enzo Vacca e questo anche grazie alla preziosa collaborazione con Aldo Sardo che ha consentito di allargare ulteriormente gli orizzonti musicali.

Salvatore Esposito

Lepistö & Lehti - Radio Moskova (Aito Records)

2012-05-23T04:57:00.001-05:00

CONSIGLIATO BLOGFOOLK!!

Dopo aver contribuito al portentoso ensemble Accordion Samurai, l’organettista finnico Markku Lepistö si ripropone nella solida intesa con Pekka Lehti al contrabbasso, nata ai tempi della comune militanza nei Värttinä. Markku porta i sui mantici oltre i confini della tradizione popolare, pur possedendone pienamente la grammatica, il visionario Pekka si muove con agilità tra piglio rock, jazz e improvvisazione. Nel 2008 il loro album di debutto Helsinki aveva colto nel segno per effervescenza esecutiva congiunta ad inventiva ed espressività simbiotica. Eccola, la seconda avventura in otto tracce: superba mescolanza temperamenti sonori. Il titolo del disco lo spiega Pekka, che da ragazzo, negli anni ’70, si emozionava sintonizzandosi sulle emittenti radio straniere, specialmente dell’Unione Sovietica (chi è nato nell’era del web, non è detto che comprenda pienamente il fascino di quegli ascolti sulle onde corte). In seguito, quella stessa radio divenne amplificatore per il suo basso da punk-rocker, con quali conseguenze per l’apparecchio è facile immaginarlo. Cosicché la title-track evoca l’atmosfera di quelle trasmissioni, ma la partenza è superlativa con il chiaroscuro raffinato di “Waltz for Eino”. "Skrubu" è un tango dalle reminiscenze piazzolliane e rotiane. Corre che è un piacere l’organetto in “Lokakuu”, mentre il dialogo tra corde e mantice si mantiene serrato in “Kaksi”, altro brano avvincente per destrezza e virtuosismo. Il contrabbasso detta legge nella tensiva “Artsi”, ancora sopraffina la combinazione strumentale in “Raudanselkä“, più riflessivo e nostalgico l’andamento di “Snadina” con le sue virate jazz e un fischio di aroma morriconiano: altro ricordo di un’infanzia di boschi da attraversare sulla via di casa. Possiede solenne linearità l’inno tradizionale "Vasulaisten Juhlamarssi", ancora proveniente dalla memoria del fanciullo Markku, tema che chiude questo magnifico esempio di matura musica acustica che si produce in terra finnica.

Ciro De Rosa

Michael Dregni (Trad. di Francesco Martinelli), Django: Vita e Musica di Una Leggenda Zingara, Edt/ Siena Jazz, 2012 pp. 428, 22 euro

2012-05-23T04:54:00.000-05:00

CONSIGLIATO BLOGFOOLK!!

Pubblicato per la prima volta nel 2004 dall'Oxford University press, Django. The Life And Music Of A Gypsy Legend di Michael Dregni è, senza dubbio, l'opera biografica più completa su Django Reinhardt, seguendo quella storica di Charles Delaunay, l'impresario che promosse il celebre quintetto a corde con Stéphane Grappelli e il lavoro degli italiani Maurizio Franco e Roberto Colombo. A distanza di otto anni dalla sua pubblicazione negli Stati Uniti, questo splendido saggio è stato di recente stampato in Italia dalla Edt e Siena Jazz nell'eccellente traduzione di Francesco Martinelli con il titolo Diango: Vita e Musica di Una Leggenda Zingara. Diviso in tredici capitoli più un epilogo e corredato da una corposa bibliografia e da una dettagliata discografia, l'opera copre per intero la vita della grande leggenda del jazz manuche, partendo dalla storia della sua famiglia, passando per il tragico incidente che all'alba del 26 ottobre del 1929 gli costò tre dita della mano sinistra, fino a toccare il successo e i tanti incontri musicali che caratterizzarono la sua vicenda artistica da quello con Stéphane Grappelli a quello con Duke Ellington e Dizzy Gillspie. Il tutto è contestualizzato sia da una accuratissima ricostruzione storica in cui si intrecciano la scena musicale parigina e quella della comunità zingara, sia da una approfondita analisi critica sul suo peculiare stile chitarristico e più in particolare sul jazz manuche, che univa la tradizione rom con le atmosfere della musica afroamericana. Quasi fosse un romanzo Dregni ci racconta, attraverso testimonianze ed aneddoti, l'avventurosa vita di Django non risparmiando anche i tratti più controversi della sua figura umana come il suo vivere alla giornata passando dall'essere un ricco signore a momenti in cui era quasi un barbone, o il suo sperperare rapidamente ogni guadagno tra auto sportive che guidava senza patente e che puntualmente distruggeva, o ancora la sua completa libertà di non rispettare appuntamenti per stare semplicemente a letto o insieme ai suoi parenti zingari per celebrare feste di famiglia e matrimoni. A chiudere il saggio è un epilogo in cui viene tratteggiato un excursus a partire dalla morte di Django su tutti quegli artisti che ne hanno raccolto l'eredità artistica. Il pregio di quest'opera risiede tanto nell'alta qualità scientifica ma anche nella capacità affabulatoria dell'autore, che risalta anche nella traduzione italiana di Martinelli, e ciò la rende assolutamente fruibile tanto agli appassionati di musica jazz quanto a coloro che per la prima volta intendono approfondire la vita artistica di Django Reinhardt.

Salvatore Esposito

Milagro Acustico - Sangu ru Poeta - Şairin Kani (CNI)

2012-05-23T04:50:00.000-05:00

Se in precedenti lavori il sax sopranista e clarinettista Bob Salmieri, mente e anima del progetto Milagro Acustico, aveva recuperato dalle pieghe della storia il fiore poetico della Sicilia islamica, la nuova, intensa opera dell’ensemble che da diciassette anni propone comunanze e confluenze mediterranee accosta due grandi artisti della parola: il siciliano Ignazio Buttitta (1899-1997) e il turco Nazim Hikmet (1901-1963). Sono due scrittori accomunati da passione civile e politica, lotta per la libertà di espressione pagata a caro prezzo: aedi popolari che hanno dato voce a chi voce non aveva. “Il poeta dovrebbe essere sacro”, ammonì Alberto Moravia nell’orazione funebre per Pier Paolo Pasolini, di cui nel CD ascoltiamo un frammento, non senza emozionarci. Parole che suonano lontane, oggi che alla morte di poeti insigni (Luzi, Merini, Sanguineti, solo per citare gli ultimi) le televisioni italiote hanno dedicato lo spazio meschino di un coccodrillo. Il rischio dell’oblio di voci non allineate è un pericolo gravissimo. Eccoli questi poeti ancora imprescindibili, ieri come oggi, celebrati in un disco di respiro mediterraneo, registrato tra Roma, Trapani e Istanbul. Dialogo e compenetrazione di lingue (una poesia del poeta di Bagheria tradotta in turco, una del poeta nativo di Salonicco in siciliano), suoni e stilemi popolari, messi a punto da un’orchestra che incornicia con passaggi eleganti, suadenti, pieni di pathos e suggestioni il contenuto lirico. Le voci principali sono quella morbida della cantante e danzatrice turca Eda Ozbakay e quella potente e calda di Patrizia Nasini (già con il Quartetto Vocale di Giovanna Marini), ampio il ventaglio di strumenti: ney, kaval, friscaleddu, grand piano, baglama, tambur, percussioni, organetto, chitarra, oud, tar, setar, contrabasso, ribeca, lira, violino, kanun. Si accendono le emozioni con l’incedere evocativo di “Aman”, testo di Hikmet, arcate toccanti della ribeca di Raffaele Mallozzi, e schegge sonore raccolte sul campo in principio: rane della valle di Ihlara, la voce dell’imam della grande moschea di Sanliurfa nel finale del brano. Hikmet è tradotto in siciliano in “Nighyar e Mustafa”, brano dall’ambientazione più baldanzosa. Si vola alto con “Lamentu pi la morti di Turiddu Carnevali”, in cui Buttitta racconta del sindacalista ucciso dalla mafia negli anni ’50, su un tessuto di corde, percussioni e sax, canto di dolore con protagonista vocale Patrizia Nasini. Il flauto ney introduce ’Ncuntravu u Signori”, ancora di Buttitta: qui, a parte voci e contrabbasso, l’orchestra impiega strumenti tipicamente arabo-turchi (ney, baglama, kanun) ad enfatizzare il legame, lo scambio che animano il progetto. Segue ancora la drammaticità – tra cantato e recitato, la voce aspra è di Maurizio Catania – del Buttitta di “Parru cu tia”. Poi ancora “Li morti”, l’episodio più lungo, pieno d’atmosfera, “Anatolia”, profumato di Oriente, “La povira genti”, dal tratto sontuoso. In “PPP” percussioni e sinth fanno da cornice alla voce di Moravia sulla sacralità del poeta, cui segue un altro frammento sonoro con la Banda dei Misteri di Trapani. Ha un tono da ballata la successiva “La peddi nova” che Buttitta dedicò allo scrittore friulano. Chiude il disco “Erkeklerin sesi”, vale a dire la buttittiana “La vuci dell’omini” tradotta in turco: trionfo di riflessi sonori.

Ciro De Rosa

Lalli e Pietro Salizzoni – Èlia In Concerto (Felmay/Egea)

2012-05-23T04:47:00.001-05:00

Il sodalizio artistico tra Lalli e Pietro Salizzoni risale al 2000 quando realizzarono il brano Testa Storta, per la colonna sonora del film Preferisco Il Rumore Del Mare di Mimmo Calopresti, successivamente si ritrovarono a collaborare per la scrittura dei brani di All’Improvviso Nella Mia Stanza del 2003, secondo disco solista dell’ex voce dei Franti. Il loro fortunato incontro musicale trovò la sua piena realizzazione nel 2006 con Èlia, splendido disco realizzato a quattro mani e che confermava tutto il fascino della loro proposta artistica nella quale la poesia dei testi si sposava perfettamente con la splendida voce di Lalli, calda, intensa ed evocativa come poche in Italia. Ad appena un anno dopo risale invece lo splendido Èlia In Concerto, recentemente pubblicato da Felmay, che raccoglie una selezione di tredici brani tratti dalle registrazioni dei due concerti tenuti da Lalli e Salizzoni il 12 e 13 aprile 2007 al Teatro Agnelli di Torino. Si tratta di una testimonianza importante, che come scrive Lalli nella presentazione è “un modo per condividere la dimensione del suonare che forse preferiamo, quella dei concerti, e un modo ancora diverso per portarvi nel nostro mondo”. Brillano così gli eccellenti arrangiamenti in cui spicca la ruvida chitarra di Pietro Salizzoni, si sposa alla perfezione con gli archi Emma Salizzoni (violino), Massimiliano Gilli (violino), Paola Secci (violoncello), e la tromba di Giorgio Li Calzi. Il tutto è impreziosito poi dall’ottima sezione ritmica composta da Stefano Risso (contrabbasso), Donato Stolfi (batteria, cajon, percussioni), e dall’impeccabile Matteo Castellan (pianoforte, tastiera, fisarmonica). Un gruppo di talentuosi musicisti, ma soprattutto di amici che da tempo condividono un percorso artistico comune nel quale si riflettono tutte le loro esperiente musicali accumulate nel corso degli anni tra il rock, il folk e la musica d’autore. Durante l’ascolto ciò che colpisce, oltre alla parte musicale sono i testi, poesie intense, intimistiche, rarefatte, che farebbero vibrare anche le pagine di un libro, essendo del tutto lontane dai classici stilemi della canzone come rime ed assonanze. In ogni canzone la poesia si fa musica toccando direttamente le corde dell’anima dell’ascoltatore. Quelle di Lalli e Salizzoni non sono solo storie o racconti ma anche spaccati di emozioni, sensazioni e sentimenti del nostro tempo, che compongono un mosaico intenso ed affascinante che rimanda ai gloriosi giorni dei Franti, e la presenza di Stefano Giaccone non è casuale. Ad aprire il disco sono due brani tratti All’Improvviso Nella Mia Stanza ovvero la sinuosa Chenini e la già citata Testa Storta, si torna poi più indietro al disco di debutto di Lalli con lo spooken word Aria di Buenos Aires e La Mia Faccia. Non mancano alcune perle come le reinterpretazioni di Yo Vengo A Ofrecer Mi Corazon del cantautore argentino Fito Paez, una superba Afraid di Nico, Ave Maria di Fabrizio De Andrè e una struggente Vedrai, Vedrai di Luigi Tenco. Il vertice del disco arriva però dapprima con quel capolavoro che è Li Riconosca A Stento e poi con Brigata Partigiana Alphaville, ancora da Il Tempo Di Vento del 1998. Èlia In Concerto è un gioiello di rara bellezza, uno degli esempi più intensi ed originale di canzone d’autore in Italia.

Salvatore Esposito

Musicanti del Piccolo Borgo Trio, Folkaurora, Arezzo, 04 Maggio 2012

2012-05-23T04:40:00.001-05:00

Sulle tante strade della musica ci sono vie meno affollate che il mondo commerciale e i media difficilmente percorrono ma è su questi sentieri che abitano le cose più preziose, gli artisti più appassionati ed originali e una musica “altra” che scalda il cuore. È lì che abbiamo incontrato i Musicanti del Piccolo Borgo, in TRIO, venerdì sera al Circolo Aurora di Arezzo, con il loro nuovo progetto: “dicantididonne d’amore”. Elvira Impagnatiello, Silvio Trotta e Alessandro Bruni ripercorrono la creatività e le ispirazioni nate dal contatto diretto con le fonti popolari della musica tradizionale del centro sud , in un concerto nuovo, intimo e raffinato che sceglie di cantare la donna e le sue tante anime. Il trio insegue l’emozione più che il rigore filologico, rincorre la suggestione, allenata dall’esperienza trentennale, manipola con cura e rispetto i materiali sonori e racconta una tradizione viva, in fertile trasformazione.

I brani, dalle melodie antiche, sono rivisitati dagli echi morbidi della chitarra classica, cesellati dalle splendide trame della chitarra battente, declinati in punta di piedi dal mandoloncello e conquistano lo spazio e il tempo della memoria. L'universo sonoro delle corde e dei plettri di Silvio Trotta e Alessandro Bruni struttura un substrato evocativo dove la bella voce di Elvira Impagnatiello si immerge libera, apre antichi scorci di vita, ricontatta immutabili sentimenti. La cantante dilata nel tempo con emissioni morbide di suoni le parole dei testi, prepara chi ascolta ad accogliere contenuti e suggestioni e incide, con la sua capacità interpretativa, i significati e i valori della musica popolare. Silvio Trotta risponde con la sua lingua materna, riaffonda nelle radici della sua terra, il Molise e canta ciò che profondamente gli appartiene.

Le corde dei suoi strumenti, immersi nella tradizione, riemergono contaminati dal contatto con stili diversi che intreccia spontaneo con l’intenzionalità generosa di chi, con passione, ridà alla gente ciò che la gente gli ha regalato. È lui l’anima pensante del Trio, che non ha dimenticato i vecchi cantori, i quali senza nessun accompagnamento musicale erano comunque capaci di comunicare il loro mondo e fa come loro tramanda, trasporta nel qui e ora del suo far musica la forza narrativa della memoria senza indugi patetici, senza manierismi radical chic con dignità e sobrietà, con il pudore estetico della vera bellezza. Lo fa anche grazie al suo compagno di corde, Alessandro Bruni, eccellente chitarrista classico, che mette a disposizione del gruppo la raffinatezza dei suoi suoni dimostrando quanto sia debole il confine tra musica colta e musica popolare. Alessandro intercetta con grande sensibilità la filigrana, l’essenza di queste melodie e aderisce con la sua chitarra all’idea sottesa delle parole e crea emozione e struttura armonia. Ed è un profondo senso di armonia che ci portiamo dentro dopo questo concerto…

Cinzia Lanzano

Cìansunìer – Pipazzi Krosky “Canzoni Da Osteria Vol.12 lettera C” (Autoprodotto)

2012-05-23T04:36:00.001-05:00

Attivi dal 2004, anno in cui diedero alle stampe il divertente primo volume di Canzoni Da Osteria, i Cìansunìer sono un collettivo di musicisti di base a Vernante (Cn) nato con l’idea di unire la spensieratezza e la leggerezza dei Canti da Osteria con una rigorosa ricerca su questo repertorio nel quale sono confluiti brani narrativi e da ballo della tradizione piemontese, occitana e più in generale italiana. Tra storie di alpini, bersaglieri, belle che si maritano e amanti che si lasciano, i Cìansunier con la loro musica danno vita ad una proposta musicale che si propone come primo obiettivo l’aggregazione sociale e la festa, senza dimenticare la memoria. Pipazzi Krosky ovvero Canzoni Da Osteria Vol.12 lettera C, il loro quarto album, segue il Vol.8 pubblicato nel 2008 e raccoglie quindici brani, incisi con la consueta formazione aperta che oltre a Loris Cavallera alla voce e chitarra acustica, Paolo Marchesi alla voce, Albert Giuliano alla fisarmonica cromatica, Fabrizio Carletto al basso, Danilo “Pelè” Dalmasso al rullante e Marco "Tibu" Lamberti alle chitarre classica e acustica, vede protagonisti anche alcuni Cìansunìer onorari come Michele Gazich (violino e viola), Roberto Tentori (fisarmonica) e Mauro Morello (voce). Durante l’ascolto si spazia così da sorprendenti recuperi dell’era Beat come l’iniziale La Bornia degli Scaffold, in passato ripresa dai Gufi e da Antonine, a vere perle come Il Re Dei Pagliacci di Neil Sedanka, Il tuo Mondo di Claudio Villa e la splendida La Prima Cosa Bella di Nicola di Bari, uno dei vertici del disco. Non manca qualche classico del liscio come Bugiardo Amore, Media Luz o qualche divagazione in altri repertori tradizionali come quello sardo con una soprendente versione di No Potho Reposare. Si torna poi alla tradizione piemontese con La Polahiera e Sota La Topia, quest’ultima caratterizzata dal violino di Gazich in grande evidenza. Sul finale il disco regala altre piccoli gioielli come la bella versione da balera di Dieci Anni Fa dal repertorio di Demis Roussos, o La Petite Marie, tuttavia altro vertice del disco lo si tocca con i tre brani finali ancora provenienti dalla tradizione piemontese ovvero Piemonte In Fiore, Er Mè Sentè e L’Uva Fogarina. Chiude il disco la romantica Ritrovarsi di Piero Montanaro, che con la sua poesia semplice e genuina sugella un disco di ottima fattura nel quale convivono l’atmosfera scanzonata delle osterie, un romanticismo d’altri tempi e una dose di sana autoironia.

Salvatore Esposito

Muffx – Époque (Lobello Records/Goodfellas)

2012-05-23T04:25:00.001-05:00

Nati nel 2006 i salentini Muffx, sono una interessante band composta da Luigi Bruno (voce, chitarra), Alberto Ria (batteria), Gianna Greco (basso) e Cristiano Colopi (chitarra), che mescola lo stoner rock dei Queens Of The Stone Age con le sonorità dei Gogol Bordello e quelli delle colonne sonore dei film noi italiani degli anni settanta. A quattro anni da Small Obsessions, arriva Époque, disco che raccoglie undici brani che segnano una piccola rivoluzione nella loro cifra stilistica sia per l’introduzione dei testi in italiano in luogo di quelli in inglese dei primi due lavori, sia per una maggiore attenzione verso gli incroci musicali con la world music e il folk. Per comprendere a pieno questo disco è necessario partire dalla copertina su cui è ritratto un omone in giacca e cravatta, che girando il disco si scopre essere un diavolo, posto al vertice di una sorta di piramide sociale nella quale le posizioni di vertice sono occupate da un politico, alcuni banditi, un cardinale e una velina, i personaggi insomma che ogni giorno popolano le cronache dei giornali. In basso invece troviamo la gente comune, una coppia di giovani innamorati, gli anziani, gli operai. I Muffx con Époque lanciano un atto d’accusa senza mezzi termini verso la nostra società, figlia e vittima di una economia fatta solo di consumismo e speculazione, ed assolutamente indifferente ad ogni forma di umanità. Durante l’ascolto, spinti dalla potenza delle chitarre abrasive e dalle divagazioni attraverso i suoni balcanici, si spazia dallo stoner rock di Dopo Tutto alla bella title track in cui brilla la tromba di Cesare Dell’Anna, tuttavia il meglio arriva con le due parti di Sagra del Diavolo con l’hammond di Mauro Tre in grande evidenza, e con la divagazione nei suoni balkan de Il Mercante di Croci. Se False Partenze lascia intendere che il futuro sarà certamente all’insegna della sperimentazione, lo strumentale Coincidenze, che chiude il disco. è l’esempio più interessante di quanto siano ampie le potenzialità di questo gruppo, che certamente nel prossimo futuro saprà ancora sorprenderci magari aggiungendo al loro sound un pizzico di tradizione musicale salentina.

Salvatore Esposito

The Sadies - Darker Circles (Outiside/Yep Roc)

2012-05-23T04:21:00.000-05:00

Ecco una storia fatta di Telecaster e Gretsch, tanta musica e nomi eccellenti. Loro sono al settimo o ottavo disco, hanno accompagnato la brava Neko Case in studio e live e, in questo caso, si son fatti aiutare in studio dal Jayhawks Gary Louris. Canadesi di nascita, non potevano non arrivare ad accompagnare anche The Loner Neil Young in persona e partecipare al bellissimo tributo canadese a The Band registrato da Garth Hudson. Il sound? Non chiamatelo alt-country che sennò si arrabbiano. Quando ero un pivello, al sabato andavo in pellegrinaggio in un negozio di disco a fianco di una nota discoteca della zona ( era il mitico Picchio Rosso, ora ci sono brutte case al suo posto), il negozio si chiama Peecker Sound e , in appositi scaffali, ogni sabato potevi trovare dei forati di importazione americana. I forati erano dischi economici facenti parte di stock a prezzo ribassato. Dentro non c’erano gli Stones o i Creedence ma nomi spesso sconosciuti che potevi portarti a casa per 2500 lire. Due euro e portavi a casa un vinile nero che era impossibile prevedere. Ecco, i Sadies avrebbero potuto far parte dei forati. Che però non esistono più. Ci sono riferimenti importanti nelle sonorità più psichedeliche dei Byrds, qualche sprazzo di bluegrass mescolato a un sound fiero e chitarristico. I ragazzi suonano e anche molto, e lo fanno bene. A differenza dell’italietta , le voci sono al livello giusto, c’è tanta musica che scorre e si rivela ascolto dopo ascolto. Qualche dubbio o perplessità me la mette il fatto che si sia scelto di accodarsi a quel trend che preferisce l’uso del contrabbasso piuttosto che il basso elettrico, ( se avete fatto caso al nome della mia rubrica, sapete che le frequenze basse sono il mio pane quotidiano e qui le sento scomparire perse in una certa nebulosità) . Gary Louris si è concesso qualche sfizio produttivo interessante, alcuni pan pot violenti di batteria che danno un’aria di classico al sound, voce principale che suona nello speaker di destra e il suono globale che diventa più grande ed interessante. Le chitarre passano da un twang alla Duane Eddy fino ad un western cartonato alla Ennio Morricone, gli abiti sono quelli più vicini a Nudie e ai Flyng Burrito Brothers che si puo’. Chi li ha visti dal vivo ne ha parlato benissimo. Insomma, mi sa che vi conviene procurarvi il cd.

Antonio "Rigo"Righetti

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Indice 18/2012

2012-05-15T05:32:00.001-05:00

Intervista a Francesco Turrisi

2012-05-15T05:26:00.001-05:00

Nella musica del Vicino Oriente la parola tarab denota un intenso stato emozionale associato alla performance musicale che diventa esperienza estatica. Tarab è anche il nome di un ensemble multinazionale con sede in Irlanda, creato da Francesco Turrisi, originario di Moncalieri (TO), musicista di estrazione jazzistica, pianista, clavicembalista, fisarmonicista, percussionista che ha scelto di vivere e lavorare con la musica nell’isola. Numerosi gli artisti con i quali ha collaborato, tra i quali ricordiamo Lucilla Galeazzi, Gabriele Mirabassi, Gianluigi Trovesi, Dave Liebman, Pepe Habichuela, Bijan Chemirani. Nel 2008 Turrisi ha registrato il suo primo CD Si Dolce è il Tormento, contenente composizioni originali ispirate alla musica Italiana del XVII secolo. Del 2011 sono l’esodio dei Tarab e il disco di un’altra sua creazione, il trio Zahr. La chiacchierata con Francesco diviene occasione non soltanto per discutere dei suoi progetti musicali, ma anche per guardare alla scena musicale irlandese con gli occhi di chi non essendo nato e cresciuto in quel contesto, possiede un’angolazione eccentrica che spesso si traduce in maggiore acutezza analitica.

Dagli studi di economia presto abbandonati allo studio del jazz a tempo pieno.

Era il 1996 e in Italia non esistevano ancora molte strutture che offrissero un'educazione jazzistica completa e un ambiente musicale molto avanzato. Quindi dopo avere fatto un po' di ricerche sono finito al Conservatorio Reale de L'Aja, dove aveva studiato uno dei miei professori del centro musicale nel quale avevo iniziato a studiare jazz. Il Conservatorio de L'Aja era come il paradiso per me che venivo da un'educazione musicale un po' fai da te. C'erano un migliaio di studenti in totale in una struttura grandissima. I dipartimenti più importanti erano, e sono tuttora, musica antica, musica elettronica – uno dei più prestigiosi in assoluto – e jazz. Quindi l'ambiente musicale era incredibile con persone che venivano da tutto il mondo. L'Olanda è un paese molto piccolo e, all'epoca, culturalmente molto avanzato. Per fare un esempio, ogni sera potevo prendere un treno e andare a sentire la Concertgebouw Orchestra ad Amsterdam ad un prezzo contenuto per gli studenti. Poi finire ad una jam session e tornare sempre con il treno a L'Aja al mattino dopo.

Poi è arrivata l’emigrazione a Dublino…

Sono arrivato a Dublino nel 2006, dopo aver finito un BA e un MA in jazz piano a L'Aja. Il mio master era una combinazione tra jazz e musica antica e avevo cominciato a studiare clavicembalo e a lavorare sull'improvvisazione nella musica del Seicento italiano. Il quel periodo una professoressa del Conservatorio mi aveva chiesto di suonare nel suo gruppo. Lei era Christina Pluhar e il gruppo L'Arpeggiata. Con questo ensemble avevo cominciato a suonare parecchio in giro per il mondo in molti festival di musica antica e a lavorare con grandissimi musicisti, tra i quali Gianluigi Trovesi, Lucilla Galeazzi, Pepe Habichuela. Durante le mie peregrinazioni ho scoperto l'Irlanda e mi sono innamorato di un'irlandese...che adesso è mia moglie. Quindi diciamo che poi sono venuto a Dublino per amore!

Come è stato l’incontro con la scena locale?

All'epoca l'Irlanda era nel pieno del boom economico, era un Paese molto caro, ma c'erano molti soldi e c'erano molte opportunità per i musicisti. Sono riuscito ad inserirmi abbastanza in fretta e in poco tempo. Grazie a finanziamenti dell'Arts Council e dell’Istituto Italiano di cultura ho organizzato i miei primi progetti con musicisti irlandesi e italiani. In generale, mi sento molto fortunato di avere avuto tutte queste opportunità di organizzare e creare musica in questo Paese. Purtroppo ci sono anche dei lati negativi riguardo alla mia esperienza irlandese. Sicuramente la mancanza di pianoforti che mi ha costretto quasi ad abbandonare lo strumento e a concentrarmi sulla fisarmonica, che ho cominciato a suonare proprio in Irlanda, e sulle percussioni mediterranee.

Dal tuo punto di osservazione, come vedi la scena musicale dublinese nei termini di fermenti sonori.

Purtroppo uno dei punti a sfavore dell'Irlanda è che è un paese molto piccolo – anche se sul piano delle opportunità questo è un fattore positivo – e quindi non c'è una grande varietà di musicisti. In generale, all'inizio, la trovavo una cosa frustrante perché cercavo musiche e strumenti non troppo convenzionali...tipo musica persiana, suonatori di oud, percussionisti brasiliani, musica italiana del ‘600 etc...e non trovavo niente. Quindi mi sono reso conto che la cosa migliore da fare era trovare finanziamenti – che all'epoca esistevano – per portare queste musiche e musicisti in Irlanda. Da un punto di vista dei fermenti ci sono dei musicisti che fanno cose interessanti e originali ma non sono molti.

E la scena jazz?

Non è molto ampia e mancano molti strumentisti: nessun trombettista per esempio. Il jazz più tradizionale, fatto di jam sessions e standard non esiste, quindi manca un po' il background per i giovani. C'è la Newpark School, in cui insegno, dove si può ottenere un BA in jazz. Il direttore è il bassista Ronan Guilfoyle, un grande appassionato di musica Indiana carnatica, che da anni cerca di utilizzare questi complessi modelli ritmici nel jazz. Il risultato è che, anche inconsciamente, molti studenti finiscono con l'essere influenzati dal suo stile. Cosicché quando terminano la scuola suonano tutti quella musica. È musica interessante ma, a mio parere, troppo razionalmente complessa, che non privilegia l'aspetto melodico, concentrandosi sui ritmi super complicati. Il mio “jazz” è molto più vicino al suono della ECM e quindi mi sento molto più attratto dalla melodia e dal suono più puro. In questi ultimi anni, però, ci sono molti giovani che vanno a studiare all'estero e poi tornano in Irlanda portando musiche e approcci diversi e nuovi.

Anche se non fai pienamente parte del circuito della musica tradizionale, come la valuti dal tuo punto di osservazione?

Il gruppo Tarab a volte suona un po' nel circuito. In generale, diciamo che la musica trad migliore non si ascolta a Dublino. Ci sono solo un paio di pub con session ad alto livello e quasi tutti i musicisti migliori abitano fuori in campagna e soprattutto nell’Ovest. Ci sono dei musicisti innovativi che in questi anni cercano di re-immaginare la musica irlandese e creare un suono diverso. Parlo di personaggi come Caoimhin O Raghallaigh, Iarla Ó Lionaird. Ci sono anche molti musicisti che pur essendo più tradizionali hanno sviluppato un suono più moderno e molto sofisticato come Martin Hayes o il trio di violinisti Fidil. Una delle cose più belle che ho sentito di recente è stata una collaborazione tra Iarla Ó Lionaird e il chitarrista Australiano Steve Cooney, una leggenda nella scena trad.

S’incontrano progetti innovativi?

Personalmente, ho provato a fare molti progetti ma non è facile trovare i musicisti giusti. Adesso sto lavorando ad un progetto sul canto sean-nós accompagnati dal mio piano trio, dal suono un po’ ECM, con una cantante molto brava che si chiama Roisin ElSafty, che è metà egiziana e metà del Connemara. È molto difficile lavorare con i cantanti di sean-nós, perché non sono abituati a collaborare con strumentisti, quindi è più difficile creare qualcosa di interattivo che non sia semplicemente un sfondo sonoro alle canzoni che di per sé sono già molto complete e non hanno bisogno di accompagnamento.

I problemi che possono sorgere nel miscelare linguaggi musicali?

Ci sono stati varie iniziative che hanno provato a mischiare jazz e trad ma, a mio avviso, non sono molto riuscite per le incongruenze stilistiche. Il problema sta nell'immaginare il suono che questa musica avrà e riuscire a creare qualcosa che si amalgami senza suonare forzata. Per me, l'idea non è quella di far comunicare persone che parlano lingue diverse ma quella di far crear loro una lingua ed un vocabolario nuovo che porta caratteristiche di tutte le loro lingue individuali. È molto più facile far incontrare diversi tipo di musiche tradizionali, come avviene nel gruppo Tarab, perché i linguaggi e le estetiche musicali sono più simili. Il jazz ha come base l'improvvisazione e su di essa si fonda quasi interamente. Ciò a volte lo rende un po' più ermetico e più difficile da contaminare senza perderne l'essenza.

Cosa rappresenta una formazione come Tarab nel panorama culturale dublinese?

La mia idea con Tarab era quella di guardare a est e a sud dall'Irlanda. La mia immaginazione musicale vedeva molti punti in comune tra musica irlandese e le varie musiche del Mediterraneo. Strumentazione simile, ritmi comuni, concentrazione sulla melodia e sull'ornamentazione. In realtà, dopo aver lavorato insieme per un paio di anni, credo che siamo riusciti a creare un sound originale per il gruppo e usiamo questo modo di far musica con tutto il materiale che suoniamo. A parte qualche brano, nessuno scrive partiture, ci troviamo a provare una melodia e ognuno trova la sua parte. È un processo più lungo ma che ci ha permesso di creare questo suono particolare. Un altra particolarità del gruppo e la combinazione non tanto comune tra flauto irlandese e sax soprano e tra fisarmonica e violoncello. Abbiamo lavorato molto su queste combinazioni.

Ci presenti la band?

C’è Emer Mayock, multistrumentista che suona flauti irlandesi, whistles, uilleann pipes, violini, che è una delle personalità più interessanti della musica tradizionale. Emer viene dalla contea di Mayo e nasce in una famiglia di musicisti. Ha un gusto e una conoscenza musicale molto vasta, cosa rara tra i musicisti di musica tradizionale e scrive pezzi molto interessanti, usando molti tempi dispari. Nonostante ciò il suo suono è al 100% irlandese, qualsiasi strumento suoni e qualsiasi tipo di musica. Poi c’è Nick Roth che suona il sax soprano. È un jazzista inglese di origine ebraica che vive da molti anni in Irlanda. Ha studiato molta musica klezmer, musica balcanica e turca. Lavora anche nell'ambiente della musica contemporanea classica. Dirige un ensemble che si chiama Yurodny, nel quale suono anche io, che rappresenta forse ancora meglio il melting pot della Dublino contemporanea, tra musica classica, jazz balcanica e altro. Di differente background è la violoncellista Kate Ellis, musicista classica, specializzata in musica contemporanea, ma in realtà suona con tutti i musicisti più importanti in Irlanda, dal jazz al pop al tradizionale ai cantautori. Infine, c’è il percussionista Robbie Harris. Robbie ha suonato con tutti i musicisti più importanti di musica tradizionale e il suo bdhrán è uno dei più richiesti e versatili in Irlanda.

Come avete costruito il repertorio?

Ognuno ha portato un po' di musica e abbiamo fuso tutto insieme. Emer, Nick ed io abbiamo portato le composizioni originali. Oltre a queste, io ho portato del materiale italiano e turco, Emer dei pezzi di trad. Insieme abbiamo arrangiato i brani.

Per un ensemble eclettico come il vostro, ci sono difficoltà nel collocarvi all’interno dei festival musicali dell’isola?

Credo che Tarab sia una realtà originale nella scena irlandese, perché la maggior parte dei gruppi moderni guarda più ad ovest per le contaminazioni. Ovviamente gente come Donal Lunny, che in principio voleva fare da produttore per il nostro disco ha guardato a Est ben prima di noi, ma in generale sembra che il focus sia più sulla Bulgaria e sull’area balcanica (qui vanno ricordati anche Andy Irvine e Davy Spillane, ndr). Personalmente, propendo più per il mondo turco, arabo e naturalmente italiano, mi piacerebbe lavorare sui quarti di tono. Il gruppo ha abbastanza successo in Irlanda, ma sembra piacere più agli amanti della world music e del jazz che a quelli della musica tradizionale. Nonostante ciò abbiamo ottenuto un finanziamento dal Deis, l'Arts Council delle arti tradizionali, il che vuol dire che siamo riconosciuti come facenti parte della tradizione. Uno dei nostri brani è stato anche scelto per una compilation regalata al presidente Obama in visita nel Paese per rappresentare la musica irlandese contemporanea.

Sei coinvolto in un altro bell’ensemble che si chiama Zahr, con cui collabora anche Lucilla Galeazzi.

Zahr nasce da una collaborazione con il percussionista Andrea Piccioni, che ho conosciuto anni fa, essendo uno dei più illustri esperti di tamburi a cornice in Italia (strumenti che suonicchio e di cui sono grande amante). L'idea che avevo da tanti anni era quella di usare il pianoforte e i tamburi a cornice. Quindi ho cercato del materiale ed abbiamo arrangiato insieme un po' di pezzi. Mi interessava un certo tipo di repertorio che viene dal Sud dell'Italia ma che ha una forte impronta araba e con un suono, come dire, un po' malinconico. Nel disco suonano anche il grande multistrumentista Fabio Tricomi e la fantastica Lucilla Galeazzi, che ho conosciuto con L'Arpeggiata, e con la quale ho lavorato per tanti anni in un programma chiamato: “Tarantella tra musica del Seicento e musica tradizionale italiana”. Il disco è uscito a ottobre del 2011 e abbiamo fatto un tour qui in Irlanda che è andato molto bene, anche con la partecipazione del suonatore di oud iracheno Khyam Allami, che vive a Londra, ed è abbastanza popolare in questo momento nella scena inglese della world music.

Da dublinese adottivo, quali sono i luoghi della musica che consiglieresti?

Credo di poter affermare che non ci siano veramente venues dedicati a Dublino in questo momento per qualsiasi tipo di musica. Praticamente non esiste un jazz club e ci sono pochii posti per ascoltare una vera trad session. Ci sono locali che sono commerciali e programmano qualunque cosa. Le cose più interessanti da un punto di vista del turismo culturale sono i festival. La maggior parte dei festival più interessanti al momento sono i cosiddetti Arts Festivals, che programmano un po' di tutto, musica, arte, teatro, danza etc... e quindi offrono una vastissima gamma di scelte. I miei preferiti sono sempre il Kilkenny Arts festival, ad agosto, e il Galway Arts festival, a luglio. Entrambi hanno un'atmosfera incredibile e un cartellone molto interessante. Recentemente Tarab ha anche suonato al Temple Bar Trad festival, che però mi sembra più una cosa per turisti americani che per irlandesi. Per il jazz c'è il festival di Cork che però è molto commerciale e non molto interessato alla scena musicale locale e il più piccolo ma interessante Bray jazz festival appena fuori Dublino.

Tarab - Tarab (Taquin Records)

Zahr - Zahr (Taquin Records)

Più che lusinghiere le critiche dell’Irish Times, che scomoda confronti con l’epocale East Wind del duo Andy Irvine & Dave Spillane. Acclamato questo esordio dei Tarab anche dal webmagazine The Journal of Music, rivista molto attenta ai nuovi suoni d’Irlanda. Ne conveniamo, perché le due realizzazioni del musicista italiano e dei suoi compagni lasciano il segno. L’inizio è come si suol dire col botto, “Delicious Moments” è una vera e propria dichiarazione di intenti del quintetto: fisarmonica, flauti, percussioni che procedono su combinazioni ritmiche e profili melodici irlandesi-mediterranei con un crescendo improvvisativo. Il disco vive della dialettica di artisti dalla cifra musicale compatta ed elegante, possiede ritmiche composite, climi avvolgenti, trascinanti ed evocativi. Vincente per impasti timbrici è “Salterello Set”, mentre in "St. Chartier", si fa spazio il timbro profondo del flauto furulya di Nick Roth. Accentuata l’apertura verso i tempi dispari di origine balcanica con "Hicâz Zeybek" e “Hicâz Mandira”, mentre è dominata dalle corde del lavta “Sibouni Ya Naas”, tratta dal repertorio del cantante siriano Sabah Fakhri. In “Lucky Thirteen”, “Greeny set” assume un ruolo centrale il talento versatile di Emer Mayock, fiatista che qui si muove tra stilemi irlandesi e bretoni. Si raggiungono esiti davvero ragguardevoli in “Jenny Set” e nella conclusiva “Abbey Reel”, un tradizionale irlandese che presenta il dialogo violoncello, flauto e sax soprano.

Altra creatura di Turrisi è il gruppo Zahr, che in arabo è la zagara. Il piemontese (piano e fisarmonica) condivide la scena con due musicisti navigati e di assoluta levatura come il brillante percussionista Andrea Piccioni (tamburi a cornice e a calice), e il multistrumentista e ricercatore Fabio Tricomi (oud, viella, kemenche, marranzano, tamburello). Ancora un lavoro dallo spirito volutamente di fusione, nel quale Turrisi porta tinte jazz e pianismo terso, fluido, misurato ed elegante con propensione nettamente improvvisativa , accostati a timbri, melodie e ritmiche di area mediterranea e mediorientale. Si parte con “Alla Carpinese” per trio di piano, oud e bendir, si sale verso l’entroterra napoletano con “Tammurriata”, ingioiellata dalla voce duttile e luminosa di Lucilla Galeazzi, che fa splendere anche la “Tarantella dell’Avena”. Il classico lucano “Fronni d’alia” è costruito su dialogo tra piano e bendir, mentre dal repertorio di Pino De Vittorio proviene “Tu bella”, costruita sul trio piano, kemenche e tombak e inserimento di basso elettrico, che conduce al brano che dà il titolo al gruppo e all’album, tema paradigmatico della compenetrazione collettiva dei musicisti, eseguito con piano, oud e percussioni. Del tutto inconsueto quanto riuscito, l’incontro tra il piano di Turrisi e la zampogna a paru messinese del maestro Pietro Cernuto degli Unavantaluna in “Ciaramedda”. Forte accelerazione ritmica e carattere improvvisativo nel finale del disco con il brano di Mario Salvi “Oriente Vesuviano”, per fisarmonica, oud, percussioni e basso elettrico.

Ciro De Rosa

Nina Pedersen – Songs From The Top Of The World (Alfa Music/EGEA)

2012-05-15T04:59:00.001-05:00

CONSIGLIATO BLOFOOLK!!

Nata a Grimstad, piccolo paese sulla costa sud della Norvegia, Nina Pedersen è una talentuosa cantante jazz che da vent’anni vive in Italia. Sin da piccola ha coltivato la sua passione per la musica dapprima cantando nel gruppo vocale Jubal e successivamente studiando arrangiamento e direzione corale. Trasferitasi in Italia nel 1990 ha dato vita dapprima ad un coro dedicato alla musica scandinava e successivamente ad un coro jazz. Dopo aver studiato al Saint Luis College Of Music di Roma, è diventata lei stessa docente nella medesima scuola, ed in parallelo ha proseguito il suo percorso artistico e di formazione spaziando dalla lirica alla musica sperimentale, arrivando nel 2001 a realizzare un disco trip-hop con il gruppo Mata Hari. A coronamento una così intensa carriera arriva Songs From The Top Of The World, disco che raccoglie dieci brani, che rappresentano un atto d’amore per la tradizione musicale della sua terra d’origine, la Norvegia. “Sono una straniera a tutti gli effetti. Ovunque io vada. Mi sento norvegese quando mi trovo in Italia, e italiana quando sono in Norvegia”, così Nina Pedersen, scrive nelle note di copertina del disco e questo per sottolineare come nonostante la distanza il legame con la sua terra non si sia mai spezzato sebbene dopo vent’anni anche la sua madrelingua non è più la sua lingua madre, e l’accento straniero nel suo italiano continui a persistere. Le sue radici però sono sempre norvegesi e quelle non cambieranno mai. Il disco così raccoglie una selezione di otto brani tradizionali norvegesi a cui si aggiungono due inediti composti dalla stessa Pedersen, caratterizzati da moderni arrangiamenti ethno-jazz nei quali brillano eleganti atmosfere oniriche e un sontuoso interplay tra i vari strumenti. Prodotto con la supervisione di Fabrizio Salvatore, il disco vede la partecipazione di alcuni eccezionali musicisti come Aldo Bassi (tromba), Arnaldo Vacca (percussioni), Carolo Cossu (violino), Luca Pirozzi (basso) e Lutte Berg (chitarra). L’ascolto sorprende sia per gli eccellenti arrangiamenti sia per la sorprendente vocalità della Pedersen, e ci regala un affascinante viaggio attraverso le quattro stagioni di una terra nella quale a farla da padrone è sempre e solo la natura, con le sue atmosfere malinconiche e allo stesso tempo mistiche ed ancestrali. La Pedersen è riuscita a dare a questi brani antichi un suono nuovo dando vita ad un climax emozionale quasi desiderasse che l’ascoltatore sia il suo ideale compagno di viaggio nel suo passato tra ricordi, vibranti d’amore e malinconia. Si procede così in direzioni differenti, si respirano atmosfere rarefatte, con il canto della norvegese che ci accompagna tratteggiando paesaggi immaginifici, dove istinto, passione e amore per la propria terra vanno di pari passo. Ad aprire il disco è Songen Hennar Magnill, un dolcissimo bansull un ninna nanna tipica molto diffusa in Norvegia, che ci introduce allo struggente tradizionale En Liten Vise con testo del poeta Arnulf Overland le cui atmosfere autunnali ed evocative vibrano di poesia. Si prosegue poi con il reddervise Jeg Lagde Meg Sa Silde, una ballata che racconta una storia d’amore finita tragicamente dove l’uomo arriva dalla fidanzata trovandola morta, ma è con Varvindar Friska, un tradizionale svedese, e l’inedita Vardansa che si tocca il primo vertice del disco. Le dolci melodie da ninna nanna tornano con Kveld-sang For Blakken di Nordahl Rolfsen e Edward Grieg, una sorta di nenia per Blakken, fedelissimo cavallo da lavoro che si trova in ogni fattoria del Nord Europa. Le atmosfere invernali caratterizzano l’altro inedito Sneen Daler Still che apre la strada allo stev Eg Ser Deg Utfor Gluggen, altra forma caratteristica della tradizione norvegese. Sul finale arrivano poi Den Fyrste Song di Per Sivle e Lars Soraas, l’inedito Wintersongs e la conclusiva Hogt Fra Den Himmelske Klara una melodia religiosa di grande intensità. Songs From The Top Of The World è un disco di grande fascino e bellezza che non mancherà di toccare il cuore non solo degli appassionati di ethno-jazz ma anche degli ascoltatori occasionali, di fronte a tanta bellezza è difficile non far sciogliere il cuore e non abbandonare la propria anima.

Salvatore Esposito

Melech Mechaya – Melech Mechaya (Felmay)

2012-05-15T04:55:00.001-05:00

Nati nel 2006 a Lisbona, i Melech Mechaya sono un quintetto portoghese composto da João Da Graça (violino), Francisco Caiado (percussioni), Miguel Verissimo (clarinetto), André Santos (chitarra) e João Sovina (contrabbasso), che propone una originale commistione sonora tra la drammaticità del fado portoghese e la gioia della music klezmer, in cui confluiscono influenze che spaziano dalla musica gitana a quella araba passando per il tango e la tradizione dei Balcani. Dopo aver accumulato una lunga esperienza dal vivo, nel 2008 hanno pubblicato il loro primo Ep seguito l’anno successivo dal loro disco di debutto, Budja Ba, che ha contribuito in maniera determinante al loro successo anche all’estero. Lo scorso anno hanno dato alle stampe il loro secondo disco Aqui Em Baixo Tudo É Simples, che di recente ha visto la ristampa per il mercato estero con l’aggiunta del brano Dança Do Desprazer, canzone tratta dal debutto e ormai considerata vera hit del gruppo. Il disco presenta quattordici brani di cui sette originali e sette tradizionali che spaziano dalla musica klezmer a quella portoghese, componendo un viaggio ideale che dalle coste che affacciano sull’Oceano ci conduce attraverso il Mediterraneo, in un fluire continuo di suggestioni, colori e atmosfere piene di fascino. Ad aprire il disco sono due brani della tradizione klezmer ovvero la già citata Dança Do Desprazer e Freylach De Varsòvia nella quale il tango incontra alcune linee melodiche originali, si passa poi allo strumentale Los Bentos nel quale reminiscenze surf-rock si mescolano a suoni della tradizione ebraica. Si torna al klezmer con Mazel Tov, in cui si mescolano rumba, flamenco e ritmi balcanici, ma è con la trascinante Pano Corrido che si incontra il primo inedito, brano di solito usato per aprire i loro concerti. La splendida voce di Mìsia impreziosisce Gare No Oriente un brano dai sapori flamenco che narra di storie che succedono in una stazione ferroviaria. L’intreccio tra violino e ballo di Jahofontes apre la strada a Caleidoscòpio, ispirata ai Masada di John Zorn nella quale brilla alla tromba Frank London dei Klezmatics. Aqui Em Baixo Duto È Simples è tratta dal reperorio di Anton Tchejov e mescola il classico ritmo 7/8 tipico dei balcani con la rumba, il tutto colorato dalla darbouka araba. Si torna alla tradizione portoghese con Capéu Preto di Arlindo Duarte de Carvalho nella quale il folk chula incontrano le sonorità orientali, per passare poi all’inedito Chinelo Aquàtico che apre la strada al classico della tradizione klezmer Doina del leggendario clarinettista Dave Tarras. Chiudono il disco Sirba + Di Grine Kuzine, un medley di due canzoni tradizionali klezmer in 2/4 e Dança Arabe, quest’ultima altro vertice del disco con la sua linea melodica elegante e allo stesso tempo trascinante, magistralmente tracciata dal violino di João Da Graça. I Melech Mechaya con questo disco si segnalano come una delle più interessanti realtà della scena musica portoghese, essendo riusciti a coniugare la musica della loro terra con le sonorità della musica ebraica, aggiungendovi una particolare cura tanto per il groove quanto per la melodia pescando ora dal folk ora dalla musica trip-hop e drum’n’ bass, il tutto utilizzando solo strumentazione acustica.

Salvatore Esposito

Sente La Voce Mia, La Riconosce , Tre Documentari di Marcello Fersini, Roberto Inciocchi, e Luis Spadilla (Sedi 2003 srl/Allegra/AnimaMundi)

2012-05-15T04:45:00.001-05:00

Prodotto da SEDI 2003 srl e realizzato da Allegra, Sente La Voce Mia, La Riconosce è un prezioso cofanetto, da qualche tempo disponibile nelle librerie specializzate, che raccoglie tre documentari realizzati da Marcello Fersini, Roberto Inciocchi e Luis Padilla ovvero: Cu Li Trapassa L’Anima e Lu Core del 2005, Ci No Lla Vidi La Senti Cantare del 2009 e infine Ca Quannu Canta Tremula La Voce del 2011. Patrocinato dell’Assessore al Mediterraneo Cultura e Turismo della Regione Puglia, dall’Apulia Film Commission e dalla Provincia di Lecce, questo cofanetto propone un interessantissimo viaggio nella musica popolare salentina che si dipana attraverso i racconti dei protagonisti. Il primo documentario della durata di cinquanta minuti, Cu Li Trapassa L’Anima e Lu Core del 2005, realizzato con il sostegno del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, del Comitato Nazionale Minoranze Etnico-Linguistiche in Italia e sotto l'Alto Patronato della Presidenza della Repubblica, è lo splendido racconto degli albori della riscoperta della musica salentina. Evitando accuratamente l’utilizzo di una voce narrante fuori campo, il documentario centra la sua attenzione sulla viva voce dei protagonisti di quegli anni ovvero Gigi Chiriatti, Cinzia Marzo, Claudio Miggiano, Biagio Panico, Donatello Pisanello, Lamberto Probo, Pino Zimba e con Danilo Andrioli, Rachele Andrioli, Paride Argirò, Cosimo Chiariatti, Sergio Fracasso, Angelo Litti, Francesca Mariano, MariaLuce Trovè. Si parte dalle prime ricerche sul campo tra gli anni settanta e ottanta, per arrivare al movimento della riproposta, il tutto senza tralasciare accenni alla costruzione dei tamburelli, e al senso di appartenenza che da sempre permea e caratterizza il Salento. Quello che emerge è un approfondimento sociologico e culturale rigoroso, e ciò traspare anche dalla cura particolare della fotografia che si sofferma spesso su suggestivi scorci di paesaggio, quasi a voler simboleggiare lo stretto legame che tiene uniti questi musicisti alla loro terra. Il secondo documentario Ci No Lla Vidi La Senti Cantare del 2009, attaverso i suoi quaranta minuti apre uno spaccato sulla donna nella tradizione salentina ed in particolare è incentrato sulle interpreti femminili non solo della musica tradizionale ma anche della musica di innovazione. Partendo dai giudizi taglienti di Assunta Lucia De Pascalis, una delle più straordinarie memorie viventi della tradizione, emerge una ricerca volta ad evidenziare le differenze fra le anziane depositarie della tradizioni e le nuove interpreti come Rachele Andrioli, Carla Maniglio, Cinzia Marzo, Maria Mazzotta, e Anna Cinzia Villani. Non un semplice gioco di generazioni a confronto, insomma, ma piuttosto una più complessa analisi da cui emergono le difficoltà delle cantrici più giovani a seguire la musica a tempo pieno e allo stesso tempo viene esaltata l’importanza di modernizzare la tradizione anche contaminandola, ma sempre cercando di mantenere una forte matrice identitaria. Chiude la raccolta, il più recente Ca Quannu Canta Tremula La Voce del 2011, che attraverso i suoi quarantacinque minuti apre uno spaccato sull’universo maschile, nel quale ascoltiamo un grande ricercatore della tradizione grika come Roberto Licci, ma anche giovani musicisti come Claudio “Cavallo” Giagnotti, che con la sua trad-innovazione rappresenta uno degli esempi più brillanti di contaminazione sonora della musica tradizionale, e Antonio Castrignanò. Da ultimo viene analizzata sia l’importanza de La Notte della Taranta, sia la difficoltà di vivere con la musica tradizionale. Nel loro insieme questi tre documentari compongono una visione chiara e netta della scena musicale salentina, con il primo che funge da giusta e compiuta introduzione, il secondo quello dedicato alle donne che indaga nell’anima più intima e profonda della tradizione e il terzo, conclusivo che fa emergere un po’ i nervi scoperti su cui da sempre dibattono critici ed addetta ai lavori. Ad impreziosire i vari documentari, ci sono numerosi momenti musicali che intercalano i racconti dei vari protagonisti e che rappresentano la più pura rappresentazione di quello che significa fare musica nel Salento. Quando la vis polemica si spegna, quando la passione sale e comincia a parlare la musica comincia l’incanto. Sente La Mia Voce, La Riconosce è così un opera essenziale che rappresenta la più compiuta e diretta opera sulla scena musicale salentina, che emerge così in tutto il suo fascino e la sua forza.

Salvatore Esposito