BOLETIN SEMANAL ROCK ´N´ROLL

Wind-Seasons (1971)

2026-11-03T10:00:00.014+00:00

Wind fue una de las muchísimas bandas alemanas de principios de los 70 que tuvieron una carrera muy corta, que abarcaría desde 1970 hasta 1973, en los cuales lanzaron dos interesantes álbumes para luego caer en el olvido más absoluto. Sin embargo su núcleo principal compuesto por Thomas Leidenberger (guitarra), Andreas Büeler (bajo y percusión), Lucian Büeler (órgano y teclados) y Lucky Schmidt (batería) se había formado algunos años atrás, casi a mediados de los 60. Después de varios años con cierto éxito en los pubs y locales de conciertos en el área de Nuremberg, reclutaron al cantante Steve Leistner con el cual publican un primer álbum titulado “Seasons” en 1971. Este debut esta considerado un clásico del hard rock alemán, en donde muestran unas complejas canciones con sonidos épicos y progresivos, un estilo que los acercaban a bandas británicas como Deep Purple o Uriah Heep. Piezas como “What Do We Do Now" o "Dear Little Friend", estan claramente influenciados por la formación liderada por David Byrne y Mick Box, mientras que los momentos mas progresivos la encontramos en la épica “Red Morninbird”. Un año mas tarde llegaría “Morning”, una buena colección de cortes mas convencionales orientados al heavy rock sin obtener el éxito deseado y convirtiéndose en el epilogo final de esta magnifica banda germana.

Toto-Toto (1978)

2026-11-01T03:16:00.027+00:00

Los norteamericanos Toto se crearon gracias al encuentro de seis músicos de sesión que trabajaban en distintos estudios de grabación en la ciudad de Los Ángeles. Todos ellos trabajaban para artistas como Boz Scaggs, Steely Dan, Elton John, The Jacksons o Eric Clapton. Estos músicos son David Paich, Jeff Porcaro, David Hungate, Steve Porcaro, Steve Lukather y Bobby Kimball. Fue durante la grabación del álbum de Boz Scaggs, “Silk Degrees” (1976), donde participaron Steve Lukather y Jeff Porcaro, cuando ambos empezaron a madurar la idea de formar una banda. Gracias a su enorme credibilidad y sobre todo a sus contactos, el grupo pronto lograrían que una de sus maquetas fuera escuchada por varios productores discográficos. Finalmente consiguieron un contrato con Columbia/CBS y editaron su primer álbum “Toto” (1978), un trabajo de hard rock de alto nivel instrumental, con colindantes arreglos de jazz y funk, dándole una nueva dimensión al estilo, además contenía un tema “Hold The Line”, que pronto se convierte en un éxito absoluto en las listas de medio mundo. Pero aparte de esta exquisita y contagiosa canción, el resto del álbum estaba formado por excelentes cortes como "Georgy Porgy" y "You Are The Flower", dos canciones con unos ricos arreglos orquestales o la jazzistica "Rockmaker", mientras que otros estilos como el rock progresivo también tenían cabida en canciones como "Child´s Anthem" o de manera sutil en "Girl Goodbye".

UB40-Labour Of Love (1983)

2026-10-29T02:46:00.091+00:00

Bajo un estilo que combinaba el reggae y el pop inglés y con una clara carga política en favor de la integración racial, entre otros asuntos sociales y políticos, UB40 son una de las formaciones más importantes y exitosas de los años ochenta, con más de 70 millones de discos vendidos a nivel mundial. Creada a finales de los setenta en Birmingham, esta formación británica estaba compuesta por músicos que tenían raíces inglesas, jamaicanas, escocesas o galesas. Fue durante una actuación en 1979 cuando Chrissie Hynde, líder de los Pretenders les propuso girar con su grupo por toda Gran Bretaña. A partir de ahí la popularidad del grupo fue en aumento y el siguiente año bajo su propio sello discográfico, lanzaron su álbum debut "Signing Off". Este primer álbum contenía un rico repertorio que mezclaba el reggae y el dub con una gran carga política en sus letras. Un segundo puesto en las listas británicas les reportaría su primer disco de platino. "Present Arms", lanzado en 1981, también fue otro monumental éxito, una continuación estilística y al igual que su debut contenía mordaces letras de carga social y política en contra del presidente norteamericano Ronald Reagan y la primera ministro británica Margaret Thatcher. Llegados a este punto UB40 se habían convertido en uno los abanderados del pop británico, pero aun no terminaban de rematar la faena en Estados Unidos. Sin embargo sería con "Labour Of Love" (1983), cuando se consolidaron definitivamente no solo en el mercado británico y estadounidense, sino también en el mundial, realizando un repertorio de clásicos del reggae y el pop con versiones de Neil Diamond, "Red Red Wine", de Isaac Hayes "Guilty", de Jimmy Cliff "Many Rivers to Cross", o de Winston Tucker "Please Don't Make Me Cry". Seis discos de Platino y más de dos millones de copias vendidas avalaron este exitoso álbum. En los sucesivos años siguieron lanzando discos de gran éxito como "Labour Of Love II" en 1989, o "Promises And Lies" en 1993.

Heta Linjen-Won´t You Step Inside? (1971)

2026-10-27T10:00:00.016+00:00

Heta Linjen fue una oscura y olvidada banda de jazz rock danesa fundada principios de 1970. Su nutrida formación estaba compuesta por Janne "Loffe" Carlsson (batería), Berndt Egerbladh (piano), Bengan Karlsson (guitarra y voz), Ulf Andersson (saxofón y voz), Göran Lagerberg (bajo), Olle Holmqvist (trombón y voz), Kisa Magnusson (voz), Håkan Sterner (voz), Lucas Lindholm (bajo) y Francis Cowan (cello). Su estilo humorístico heredado de los Mothers de Frank Zappa, fusionado con unos interesantes arreglos de jazz al mas puro estilo de los Chicago Transit Authority, la música psicodélica y el brass rock, están presente en su único álbum publicado, con grandes momentos para la improvisación, las interacciones frenéticas, atractivos solos de saxo y trombón y una poderosa sección rítmica, todo ello bajo un prisma musical sarcástico y desenfadado. Publicado en 1971, en este "Won´t You Step Inside?" destacan canciones como las meritorias "You Shall Find Your Way" y "Black Eyes", dos perfectas muestras del innovador y personal estilo de esta histórica banda danesa.

Phil Ochs-Pleasures Of The Harbor (1967)

2026-10-24T14:40:00.035+01:00

Junto a Woody Guthrie, Pete Seeger y, más tarde, Bob Dylan, Phil Ochs se erige como uno de los grandes artistas de la música folk de contenido político; un género que amplió mediante sus canciones mordaces, caracterizadas por su intensidad cruda y su profundo simbolismo. Aunque fue periodista e intelectual, Phil Ochs fue, ante todo, músico y poeta; utilizó la música folk como medio de expresión, un arma que empuñó a lo largo de toda su vida, transformando sus canciones en una forma viva de crítica social. Uno de sus rasgos distintivos fue que no se limitó al género de la «canción de protesta»; fue más allá, desafiando directamente a las instituciones y convirtiéndose en un activista político, armado con un agudo ingenio, letras incisivas y comentarios políticos penetrantes. Fue, tal vez, el exponente por excelencia de la «canción de protesta». Su legado discográfico es a la vez rico e impresionante: compuso cerca de 200 canciones entre las décadas de 1960 y 1970 y publicó ocho álbumes de estudio. Entre sus temas más destacados se encuentran clásicos del folk como «I Ain't Marching Anymore», «Cross My Heart», «Outside of a Small Circle of Friends», «The War Is Over» y «My Life», mientras que entre sus álbumes fundamentales figuran *All the News That's Fit to Sing*, *I Ain't Marching Anymore*, *Pleasures of the Harbor* y *Rehearsals for Retirement*, entre otros. Esta importante serie de obras consolidó su estatus como un gigante del género folk. El 9 de abril de 1976, tras luchar contra graves problemas psiquiátricos, Phil Ochs se quitó la vida ahorcándose.

Azabache-Dias de Luna (1979)

2026-10-22T22:56:00.010+01:00

Volvamos a España para hablar de una banda que tuvo cierta relevancia a finales de los años 70, publicando dos recordados álbumes encuadrados en el neo progresivo con sutiles influencias del folklore flamenco. Surgidos de las cenizas de otra banda llamada Azahar, su formación estaba comprendida por Gustavo Ros (teclados), el bajista Jorge Barrall, el guitarrista Daniel Henestrossa y el baterista Ricardo Valle. Con un contrato discográfico con el sello madrileño Movieplay, lanzaron su primer álbum en 1979, "Dias de Luna", el cual muestra desde melodías pegadizas cercanas al pop rock "Cuidado con la Marisol", hasta composiciones mas complejas y atmosféricas como "Cuando la Luna" o "Tio Carlos", pasando por mini-epopeyas progresivas como "Algún Dia", sin duda el punto culminante de este primer álbum. Un año mas tarde Azabache lanzaría su segunda obra titulada "No Gracias", en donde dejaban atrás todos los vestigios del progresivo sinfónico para orientarse hacia los sonidos mas melódicos del pop rock.

Pete Seeger-God Bless The Grass (1966)

2026-10-19T14:02:00.005+01:00

Junto a Woody Guthrie, Pete Seeger es quien guió los destinos del folk a mediados del siglo 20 y que influyeron decisivamente en artistas más modernos como Bob Dylan, entre otros muchos más. Para muchos Pete Seeger es el rey indiscutible del folk, incluso por encima de un mito como Guthrie, por que básicamente fue el que le dio a las nuevas generaciones de folkys, las masas ansiosas por nuevos trovadores y esa herencia musical. Nacido en 1919, creció en una familia de músicos, su padre era musicólogo y su madre violinista. Así pues desde muy joven fue adquiriendo la formación y la importancia de la música popular. Ya en edad adolescente, Seeger era un experto tocando el banjo, el ukelele y las guitarras. Después de conocer a Alan Lomax y al propio Guthrie, comenzó a investigar y explorar el folclore americano. En esos primeros años, mientras estilos como el jazz, el blues o los espirituales negro iban evolucionando, el fue uno de los impulsores para que el folk fuera ganándole terrenos a esos estilos entre la población blanca. Tras la segunda guerra mundial, formaría junto a Guthrie y Lee Hays los célebres Almanacs, actuando en muchas poblaciones de la profunda América. Además con ello, Seeger fue ampliando su riqueza musical recogiendo las influencias musicales ancestrales de todos esos lugares. A principios de los 50 formaría The Weavers, un cuarteto junto a Ronnie Gilbert, Lee Hays y Fred Hellerman, que tocaban canciones tradicionales de folk, blues y gospel. A partir de aquí su leyenda fue en aumento, trazada con emblemáticas canciones como "We Shall Overcome" o "Turn, Turn, Turn". En esos años Seeger sufriría repetidas condenas y persecuciones por parte del Comité de Activistas Antiamericanos. En las siguientes décadas Pete Seeger siguió en su línea viajando constantemente por toda América y otros países. En 1994 recibió la Medalla Nacional de las Artes y durante su carrera obtendría siete premios Grammy, los últimos cuando ya contaba con más de 85 años de edad por sus álbumes "At 89" (2008) y "Tomorrow's Children" (2010). A principios del 2014, Seeger fallecería a los 94 años, dejando atrás uno de los más impresionantes legados de la música tradicional americana.

Mythos-Dreamlab (1975)

2026-10-17T10:00:00.040+01:00

Mythos fueron una banda alemana que llevaron el krautrock a su máxima expresión, combinando las influencias espaciales y experimentales con la improvisación y la música psicodélica. Pertenecientes a la llamada escuela de Berlin, un movimiento surgido entre finales de los sesenta y principio de los setenta, fue fundada en 1969 en la capital alemana por el teclista y otros instrumentos Stephan Kaske, el bajista y guitarras Harald Weiße y el percusionista Thomas Hildebrand. No seria hasta 1972 cuando bajo el sello progresivo alemán Ohr, lanzaron su álbum debut en el cual ya mostraban su complejo estilo de folk y arreglos electrónicos espaciales aderezados con unas extrañas voces, creando un universo musical soñador y extraño. Tres años después llegaría su segunda obra, esta vez bajo la discográfica Kosmiche Musik titulado "Dreamlab", en el cual al igual que en su debut homónimo, la extraña y variada música conserva la atención del oyente con unas intrincadas guitarras, los sonidos de las flautas y unos atmosféricos teclados que ocasionalmente son armonizados con unas inusuales voces. Atrayentes piezas como las space rock "Dedicated To Werner Von Braun", "Mythalgia" o "Eternity", logran crear unas exuberantes atmósferas analógicas gracias al arsenal de teclados compuestos por sintetizadores, Mellotron y Moogs que combinado con una acertada percusión y los pasajes enérgicos liderados por unas contundentes guitarras hard rock, logran tejer un excelente álbum del estilo vanguardista krautrock.

Jimmy Rogers All Stars Blues Band-Blues Blues Blues (1999)

2026-10-14T17:42:00.038+01:00

Considerado una de las leyendas del blues, Jimmy Rogers se dio a conocer mundialmente cuando pasó a pertenecer a la banda de Muddy Waters durante la década de los 50. Pionero en impulsar junto a otras leyendas como Little Walter, la dualidad en el blues de dos guitarras y por lo tanto el llamado “Blues de Chicago”. Casi a finales de los años 90, grandes del blues como Eric Clapton, Jimmy Page, Jeff Healey, Mick Jagger, Taj Mahal, Robert Plant o Keith Richards, decidieron homenajearlo con un merecido tributo interpretando algunos de sus clásicos con este fabuloso álbum. Un álbum que empieza con una vibrante versión de “Blow Wind Blow”, donde Jeff Healey y el propio Jimmy Rogers se alternan en los solos de guitarra y con la armónica de un Kim Wilson inconmensurable, “Blues All day Long” es un blues cadencioso donde Eric Clapton se mueve como pez en el agua, le sigue la desenfadada con ese estilo stoniano característico “Trouble no More”, interpretada por Mick Jagger y Keith Richards, mientras que los emblemáticos blues "Bright Lights big city”, tocado a dúo entre el propio Rogers y Clapton, “Gonna Shoot You Right Down", con Jimmy Page, Robert Plant, Jimmy Rogers y Eric Clapton, o la rítmica "Ev'ry Day I Have The Blues", junto a otro grande del blues como Lowell Fulson, conforman un merecido tributo a este gran bluesman. El 19 de diciembre de 1997, poco después de la grabación de este disco, Jimmie Rogers fallecería en Chicago a la edad de 73 años, debido a un cáncer de colon. Varios años antes Rogers había sido incluido en el Salón de la Fama del Blues y posteriormente su canción "That's All Right", sería elegida por la misma organización como todo un "Clásico del Blues", convirtiéndola en un estándar del género.

Traffic-The Low Spark Of High Heeled Boys (1971)

2026-10-11T10:00:00.030+01:00

"The Low Spark of High Healed Boys" el sexto álbum de Traffic, fue publicado un año después del fantástico "John Barleycorn must die", en donde la banda muestra notorios cambios en su estilo y en su dirección musical. Aquí se alejaron de las inclinaciones folk y vanguardistas para orientarse hacia sonidos mas jazzisticos. Sin embargo Traffic siempre tuvo ciertas connotaciones jazz, aunque en cierta medida se veían sepultadas por el estilo psicodélico y folk que imprimían sus principales compositores Jim Capaldi, Steve Winwood y Dave Mason. Otro dato muy significativo aquí es la abundante percusión que muestran debido al percusionista africano Reebop Kwaku Baah, y a los dos bateristas Jim Capaldi y Jim Gordon. Además de todo ello la banda presentaba a un nuevo miembro, el bajista Ric Grech, el cual venia precedido de una amplia carrera a sus espaldas en formaciones como Family, Blind Faith o Ginger Baker´s Air Force. Compuesto por cinco cortes, "The Low Spark Of High-Heeds Boys" presenta unas influencias no solo jazzisticas sino también de otros estilos como el funk, el rock and roll, el soul y el blues como podemos comprobar en la cálida y ambiciosa "Hidden Treasure", la seductora que da titulo al álbum, la funky-blues "Light Up or Leave Me Alone" o la sobria "Many A Mile To Freedom". Con esta nueva entrega Traffic demostraron que pese a su significativo cambio estilístico, saldrían airosos confeccionando una excelente grabación y su obra mas aclamada y exitosa en el plano comercial, logrando un disco de platino en el siempre difícil mercado norteamericano.

Robben Ford-Pure (2021)

2026-10-10T22:37:00.001+01:00

Estamos ante otro de los estupendos álbumes del maestro de la guitarra Robben Ford, en esta ocasión la sobria combinación de blues, jazz y rock, está perfectamente sincronizada, mezclando sensibilidad y destreza con su instrumento. Lanzado bajo el sello discográfico Ear Music, este es el vigésimo octavo álbum del guitarrista californiano, el cual ha sido nominado en cinco ocasiones al premio Grammy, además de ser elegido uno de los mejores 100 guitarristas del siglo veinte por la prestigiosa revista norteamericana Musician. Este es uno de esos álbumes hechos para los más puristas de la guitarra eléctrica y para los eruditos amantes del jazz, el blues y la fusión, tocado con gran clase e inteligencia interpretativa. Robben Ford nos transporta a imágenes hipnóticas con temas como la intro "Pure (Prelude)", el blues "White Rock Beer...8 Cents", la ambiental "Balafon", el jazz fusión "If You Want Me To" y "A Dragon´s Tail" o la jazzistica "Go".

The Yardbirds-Roger The Engineer (1966)

2026-10-09T22:51:00.004+01:00

Además de ser una de las pioneras del rock psicodélico británico, The Yardbirds fueron la cuna de tres de los mejores guitarristas de la historia del rock como son Jimmy Page, Eric Clapton y Jeff Beck. The Yardbirds sentarán las bases de unos géneros que poco después se convertiría en universales, como el hard rock de la mano de Jimmy Page con Led Zeppelin, la experimentación del rock progresivo y el jazz rock de Jeff Beck y el blues rock de Eric Clapton. Formado en 1963, su primera formación estaba compuesta por el cantante Keith Relf, los guitarristas Anthony Topham y Chris Dreja, el bajista Paul Samwell-Smith y el baterista Jim McCarty. En sus inicios se movieron en la escena londinense del rhythm and blues, convirtiéndose en una de las abanderadas de dicho movimiento. A principios de 1964, un joven guitarrista llamado Eric Clapton sustituye a Topham, convirtiéndose en la formación británica más vibrante de la época. Sus explosivos directos están recogidos en el álbum "Five Live Yardbirds", lanzado poco después de la entrada de Clapton. El éxito les llegaría al año siguiente con "For Your Love", una canción de claro corte pop, algo que no era del agrado del pensamiento blues de Clapton, que abandona siendo sustituido por otro joven guitarrista llamado Jeff Beck, comenzando así la época más vanguardista y psicodélica de la banda. Canciones como la psicodélica "Heart Full Of Soul", es una muestra del cambio estilístico de The Yardbirds. "Shape Of Things" fue la culminación de esa orientación hacia los sonidos más vanguardistas. Después del brillante álbum "Roger The Engineer", el bajista Samwell-Smith abandona y su sustituto sería Jimmy Page, aunque pronto asumiría las labores de segundo guitarra. Esta nueva formación apenas tendría recorrido, grabando solo la canción "Happenings Ten Years Time Ago", separándose poco después debido a los egos de algunos de sus integrantes. Pero casi inmediatamente, Jimmy Page reactiva la banda llamándola "The New Yardbirds", con unos nuevos integrantes ; Robert Plant (voz), John Bonham (batería) y John Paul Jones (bajo), realizando una gira por varios países del norte de Europa. Al regresar a Inglaterra, cambiaron su nombre por el definitivo Led Zeppelin, y a partir de aquí la historia del rock se reescribiría para siempre.

Mystery Maker-Mystery Maker (1977)

2026-10-06T10:00:00.029+01:00

Mystery Maker es una extraña banda británica que fue fundada por varios jóvenes que pertenecían a la llamada "Comunidad de la Sociedad de Jesús", una especie de hermandad creada en la década de los 70 de la cual apenas hay información hoy en día. Fundada por los vocalistas y otros instrumentos Joan Evans, Jim Crampsey, Richard Wright, Jim Cullen y Tom McGuiness, además de bajista Ken Heggie y el baterista David Adams, su único lanzamiento data de 1977 y fue publicado bajo el sello independiente Cave Records, en una edición bastante limitada, la cual hoy en día es muy cotizada por los coleccionistas a los sonidos vanguardistas de la década de los 70. Su estilo es una especie de folk psicodélico con connotaciones épicas y progresivas en donde sobresalen las excelentes armonías vocales. El álbum al completo es un atractivo recorrido con pasajes electroacústicos repletos de momentos melancólicos e hipnóticos con sutiles acercamientos al rock sinfónico en donde destacan los atmosféricos sonidos de la guitarra eléctrica y la excelente instrumentación por parte de toda la banda como queda demostrado en las piezas “The Road To Emmaus”, “Mystery Maker” o “Giver Of Life”.

Art Blakey & The Jazz Messengers-Free For All (1964)

2026-10-03T10:00:00.022+01:00

Pionero del be-bop, Art Blakey fue durante mas de tres décadas uno de los grandes bateristas del jazz. De formación autodidacta, fue también el más tribal de todos mostrando un increíble dominio y un talento sobrehumano con las baquetas. Su nombre siempre fue asociado a The Jazz Messengers, una de las mas formidables bandas de jazz que fueron admiradas alrededor del mundo y que estaba formada por el propio Art Bakley (batería), Freddie Hubbard (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Wayne Shorter (saxo tenor), Cedar Walton (piano) y Reggie Workman (bajo). "Free For All" es uno de sus míticos álbumes, que publicado en 1964 bajo el sello Blue Note, mostraba la faceta de hard pop contundente y fantástico de esta legendaria banda. Desde la free jazz que da titulo al álbum, hasta la suave y rítmica "Pensativa", pasando por la impresionante "Hammer Head", ambas compuestas por el saxofonista Wayner Shorter, pasando por "The Core" en donde capturan la misma intensidad del tema inicial, muestran el talento de una banda en estado de gracia, creando un álbum único e irrepetible y toda una obra indispensable en la historia del jazz.

Apocalypse-Apocalypse (1970)

2026-10-01T10:00:00.013+01:00

Apocalype fue una de las bandas alemanas que tiene el honor de ser una de las primeras en ganarse la etiqueta krautrock gracias a su germinal estilo del folk y la música psicodélica, mezclados con unas armonías vocales heredada de The Beatles y una serie de canciones pop progresivas. Esta banda formada originalmente en 1966 en la ciudad de Kiel se llamaba en un principio Die Anderen para posteriormente pasar al definitivo Apocalypse a finales de los sesenta. Su formación estaba compuesta por Gerd Müller (voz y guitarra), Enrico Lombardi (guitarra y voces), Bernd Scheffler (baterista y voz), y Jürgen Drews (bajo y voz). Su único lanzamiento homónimo es un claro ejemplo del inicial estilo krautrock en donde hay muchas influencias del pop-rock británico de finales de los sesenta.

Woody Guthrie-Dust Bowl Ballads (1940)

2026-09-29T04:43:00.022+01:00

Woody Guthrie es una leyenda del folk norteamericano y junto a Pete Seeger ha pasado a la historia como los padres del folk contemporáneo. Su vida y obra es tan extensa que es imposible abarcarlo en unas pocas líneas. El folk de los últimos setenta años no solo tienen parte de su herencia, sino que también ha basado en el su trayectoria y su ascendencia. Nacido en 1912 en Oklahoma, durante su carrera escribió más de mil canciones, muchas de las cuales han sido versionadas en multitud de ocasiones. Hoy en día su nombre y su obra ha alcanzado la inmortalidad, convertido en un mito que ha sido influencia de tantos y tantos artistas entre los que se encuentran Bob Dylan, Richie Havens, Joan Baez, Tom Paxton, Phil Ochs, Judy Collins, Arlo Guthrie, Simon and Garfunkel, Donovan, Phil Everly, Tim Hardin, John Denver, Peter Paul and Mary, Sandy Denny, Linda Ronstadt o Joni Mitchell entre muchísimos más. Una carrera que comenzaría en 1940 y que abarcaría hasta los años 60, cuando por enfermedad se retiraría antes de fallecer en 1967. El socialismo tuvo un impacto importante en la obra de Woody Guthrie, dedicó su vida productiva a la lucha contra la pobreza, la opresión política, la censura, el capitalismo, el fascismo, el racismo y, en última instancia, la guerra misma. Guthrie reiteraba estas creencias en sus letras, específicamente contra el capitalismo en el apogeo de la depresión en Estados Unidos. En 1988, Woody Guthrie fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, además fue honrado con el Premio Grammy por su impresionante trayectoria e incluido en el Salón de la Fama de la Música de Oklahoma, entre otros muchísimos galardones más. Álbumes inolvidables como “Dust Bowl Ballads”, "Bound for Glory", "Chain Gang Songs", "Cowboy Song" o "Woody Guthrie sings folk songs", son solo una pequeñísima muestra de su impresionante legado discográfico.

The Eric Burdon Band-Sun Secrets (1974)

2026-09-27T10:00:00.026+01:00

Eric Burdon fue una de las voces mas importantes de la invasión británica de los años 60, ya fuera junto a los Animals o con la banda negra War. Este cantante blanco con voz de negro, vivió algunas de las mejores épocas musicales de la historia, compartió con algunos de los mas grandes músicos experiencias únicas, desde Jimi Hendrix, hasta Howling Wolf, pasando por Jimmy Witherspoon, Alan Price o Chas Chandler entre otros muchos mas. El siempre se mantuvo firme en lo que mejor supo hacer, el R&B y se convirtió en uno de los bluesman mas carismáticos que el genero haya dado jamás. Sus constantes problemas con las discográficas y su adicción a las drogas y el alcohol le había llevado a abandonar War, su ultima banda a principios de los 70. Esto le llevaría a seguir adelante con su propia carrera en solitario formando su propia banda y firmando con la Capitol Records, con quienes lanzaría su primer álbum "Sun Secrets" en 1974. En este primer álbum, Burdon se aleja de los sonidos blues, funk y soul de sus años anteriores, mostrando un estilo descarnado y duro, quizás producto de su estado anímico, frustrado por los continuos engaños y fraudes, además de sus propios problemas personales. La versión de The Animals "Don´t Let Me Be Misunderstood", o los siguientes "It´s My Life", "Ring Of Fire" o "The Real Me", muestran de manera contundente ese agresivo rock muy cercano a los sonidos del hard rock. Por otro lado su faceta reflexiva y melancólica aparece en la malhumorada "Letter From The Country", que junto a la hipnótica rock "When I Was Young", conformaban uno de los mejores álbumes de uno de los mas grandes vocalistas de la música rock de toda su historia.

The Flower Kings-Banks of Eden (2012)

2026-09-25T22:41:00.022+01:00

Estamos ante uno de esos álbumes que todo amante de la buena música y en particular del rock progresivo, desea escuchar. Fusionando el estilo sinfónico de las legendarias bandas de los 70, más una pizca del atractivo pop rock de los 60, los suecos The Flower Kings volvieron a realizar otra de sus grandes hazañas con su undécimo álbum "Banks of Eden". En esta nueva entrega las huestes lideradas por el guitarrista Roine Stolt se sumergen en la esencia genesiana realizando la sobresaliente suite instrumental "Numbers", una pieza de media hora de duración en donde Stolt se convierte en el dominante absoluto con sus pesados riffs, además del palpitante ritmo y la antológica complejidad que entraña esta enorme epopeya. Además de Stolt, cerraban la formación Hasse Fröberg (voz y guitarra), Tomas Bodin (teclados), Jonas Reingold (bajo) y Felix Lehrmann (batería). El resto del álbum está compuesta por piezas de menor duración, que aunque igualmente soberbias, no alcanzan la grandilocuencia de la anterior. Cortes como la intensa "Pandemonium", la armónica "For Those About To Drown" o la relajada "For The Love Of God", engrandecen esta indispensable obra del rock progresivo moderno.

Climax Chicago Blues Band-A Lot Of Bottle (1970)

2026-09-22T10:00:00.036+01:00

Climax Chicago Blues Band fue una de las mas grandes bandas del llamado blues blanco británico, la cual durante finales de los sesenta y gran parte de lo setenta rivalizaría con sus competidoras Savoy Brown, The Keff Hartley Band, Fleetwood Mac, Chicken Shack o John Mayall and The Heartbreakers entre otras muchas mas. En 1970 esta legendaria banda llevaba tras de si dos inmensos álbumes enfocados en el blues rock de vanguardia, acercando su estilo hacia la investigación y la creación de nuevas cotas sonoras. Ese año de 1970 banda tendría sus primeros cambios de formación entrando Arthur Word en los teclados y el baterista George Newsome, que unidos a los miembros fundadores, el guitarrista Peter Haycock, el saxofonista y guitarra Colin Cooper y el bajista, Dereck Holt, grabaron dos espectaculares álbumes que les encumbrarían definitivamente ante el gran publico, demostrando que eran una formidable banda, con una gran inteligencia creativa e instrumental. El primero de ellos seria este “A Lot Of Bottle”, en donde además de su ingenioso blues rock, lo aderezaban con un plus de comercialidad. Desde temas bluesy con gancho comercial como “Brief Case” y “Morning Noon and Night”, hasta convencionales blues rurales como “Alright Blue”, “Country Hat” y “Louisiana Blues”, pasando por rítmicos y enérgicos blues rock como “Cut You Loose”. Un año mas tarde lanzaron su cuarta obra magna “Tightly Knit”, álbum en donde se acortaron el nombre del grupo denominándose a partir de esos momentos como Climax Blues Band.

Mike Oldfield-Light+Shade (2005)

2026-09-20T17:47:00.064+01:00

Que Mike Oldfield es un músico inclasificable, que no encaja en ninguna categoría, es indiscutible. Desde sus inicios sinfónicos y experimentales, ("Tubular Bells" o "Hergest Ridge") pasando por sus devaneos con el pop rock comercial ("Five Miles Out" o "Discovery"), la música celta ("Voyager") o la electrónica ("The Songs Of Distant Earth"), siempre ha sido un genio que cuando se ha sumergido en cualquier género, lo ha sacado adelante con maestría, creatividad y talento. En la década de los noventa, Oldfield ya había publicado el experimental y desafiante "Amarok" y el mencionado y orientado hacia los sonidos espaciales "The Songs Of Distant Earth", entre otros álbumes de distinto signo musical. Años después volvería a encajar su música en el entorno estilístico de ese último álbum, "The Songs Of Distant Earth". Aquí Oldfield incluso crea unos pasajes más ambientales, casi etéreos, muy cercanos a la new age. Fruto de las tecnologías innovadoras, Mike Oldfield utiliza voces procesadas digitalmente y un avanzado software de secuencias llamado "Fruity Loops". El gran trabajo (por otro lado muy característico) con su guitarra, se ve ampliado con los ricos matices de teclados, otorgando al sonido final un tono oscuro con ambientes reflexivos e intensos. Aun así no es un álbum de fácil asimilacion, su complejidad instrumental hace que a cada nueva escucha se vayan descubriendo diferentes matices y sensaciones. Existen muchas melodías excelentes aquí: "Angelique", "First Steps", "Quicksilver", "Our Father" o "Slipstream", todas ella de una calidad cautivadora. Pese a que no es el mejor álbum de Oldfield, este se encuentra entre uno de sus mejores esfuerzos en el plano experimental.

Bolder Damn-Mourning (1971)

2026-09-17T10:00:00.019+01:00

Aquí tenemos otro formidable álbum del mejor hard rock & blues psicodélico oscuro de principios de los 70. Realizado por otra de esas bandas de corto recorrido que inundan este blog, llamada Bolder Damn, que originaria de Florida, estaba formada por el bajista Ron Reffett, el baterista Bob Eaton y por los guitarristas Glenn Eaton y John Anderson. Bajo el sello independiente Hit Records, lanzaron en una tirada limitada a 200 copias, su único álbum en 1971 titulado “Mourning”, en el cual este cuarteto mostraba sus inclinaciones musicales muy emparentado con otras bandas de la época como Grand Funk Railroad o Steppenwolf. Los riffs de las guitarras fuzz, las armonías vocales y el intenso ritmo son el denominador común de un álbum de implacable y contundente sonido del proto-heavy rock blues.

Joe South-Introspect (1968)

2026-09-15T21:42:00.045+01:00

Joe South fue además de extraordinario compositor y guitarrista de country y folk rock, un reputado músico de sesión que colaboraría en legendarias grabaciones de los sesenta como "Blonde on Blonde" de Bob Dylan, "Lady Soul" de Aretha Franklin o "Sounds of Silence" de Simon and Garfunkel. Pero su carrera había comenzado años antes, cuando algunas canciones suyas lograron acaparar la atención del gran público, canciones como "The Purple People Eater Meets the Witch Doctor" (1958) o "You're the Reason" (1961). A finales de los 60, Joe South lanzaría su primer álbum en solitario; "Introspect", al que le seguirán otros como "Don't It Make Want to Go Home?" de 1969. Por entonces Joe South dominaba todos los estilos arraigados de la música norteamericana, desde el country, hasta el folk, pasando por el R&B o el gospel y en sus álbumes combinaba unos exquisitos arreglos de todos esos estilos. En 1970 una composición suya fue elegida como la mejor canción del año en los premio Grammy por "Games People Play" y repetiría varios años más tarde con "Rose Garden". Composiciones suyas fueron éxitos en manos del propio Elvis Presley "Walk a Mile In My Shoes", Deep Purple con "Hush", Lynn Anderson con "Rose Garden" o Billy Joel con "Down In The Boondocks", entre otros muchos más artistas como Jerry Lee Lewis, Andy Williams, James Taylor, Johnny Cash, Hank Williams Jr., Glen Campbell o Waylon Jennings. Pero a partir de la segunda parte de los años 70, Joe South se fue distanciando del mundo de la música, quedando relegado a artista de culto. En el 2012 Joe South fallecería de un ataque cardíaco en su casa en Flowery Branch en Georgia, a los 72 años de edad. Pero antes vería cómo fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville en 1979, además de convertirse en miembro del Salón de la Fama de la Música de Georgia en 1981, para posteriormente en el 2009, y ya de manera póstuma, fue incluido en Salón de la Fama y Museo de los grandes Músicos.

Bloody Mary-Bloody Mary (1974)

2026-09-11T22:00:00.000+01:00

Bloody Mary fueron una banda neoyorquina bastante oscura y olvidada hoy en día, que en su momento fueron comparados con otras bandas coetáneas como Bloodrock o Bull Angus, de las cuales ya hemos hablado anteriormente en varias entradas de este blog. Su estilo hard rock estaba bañado de mucha interacción de guitarras y teclados, y pese a que no inventaron nada nuevo, si obtuvieron cierto prestigio en el área de Nueva York gracias a sus incendiarios directos. Grabado en los Ultra Sonic Studios de Nueva York en 1974, este primer y único álbum de Bloody Mary mostraba unas composiciones de gran nivel creativo con unas voces armoniosas y un gran talento instrumental por parte de toda la banda. Cortes como las pesadas hard rock "Dragon Lady" y "Can You Feel It (Fire)", son junto a la funky "Highway", la acústica con grandes armonías vocales "Riddle of the Sea" o la jazzistica "You Only Got Yourself", lo mas destacado de un buen álbum nada innovador, pero si altamente disfrutable para los fans del hard rock pesado de principios de los 70.

Far Out-Nihonjin (1973)

2026-09-07T10:00:00.024+01:00

Far Out fueron la germinal banda que posteriormente se convertirían en Far East Family Band, una de las precursoras del rock progresivo japonés de principios de la década de los 70. Esta formación fue creada por el guitarrista, teclista, productor y arreglista, Fumio Miyashita, el también guitarrista y teclista, Eiich Sayu, el bajista y sitar, Kei Ishikawa y el percusionista, Manami Arai. No seria hasta 1973 cuando bajo el sello Denon lanzaron su único álbum “Nihonjin”, el cual constaba de dos largas suites influencias por los sonidos atmosféricos y psicodélicos de los primeros Pink Floyd, grandes dosis de ambientes underground y una gran influencia de la música hindú y japonesa. La primera suite “Too Many People”, es una epopeya musical que va transcurriendo desde momentos pausados e hipnóticos, hasta pasajes arrolladores de rock pesado y oscuro, con unas percusiones fascinantes. La agresiva y dinámica proto-prog, con reminiscencias de la música folklórica japonesa “Nihonjin”, es la segunda suite, en donde los instrumentos tradicionales orientales son protagonistas durante muchos de sus pasajes instrumentales, convirtiendo este extenso tema en una especie de trance vanguardista.

Michael Hedges-Aerial Boundaries (1984)

2026-09-05T01:49:00.033+01:00

"Aerial Boundaries", el segundo disco del guitarrista Michael Hedges, está considerado todo un clásico contemporáneo orientado a la guitarra acústica. Lanzado en 1984 y publicado por el prestigioso sello Windham Hill, además de ser uno de los más vendidos de este sello discográfico, fue nominado al premio Grammy como mejor grabación de aquel año. Aparte de Michael Hedges (guitarra acústica), también colaboran el bajista Michael Manring y la flautista Mindy Rosenfeld. Este álbum contiene todos los elementos que definen el estilo y la música de este guitarrista, una virtuosa técnica, unas ingeniosas composiciones y su continua busca de nuevas sonoridades, entre el vanguardismo y la experimentación. Como consecuencia de todo ello, este álbum es tan revolucionario como accesible. Lamentablemente la vida de Michael Hedges se vio truncada un 2 de diciembre de 1997, al fallecer tras un accidente automovilístico en el Condado de Mendocino, en California. Tras su muerte su álbum "Oracle", ganaría el premio Grammy a modo póstumo, al mejor álbum de la música New Age del año 1997.