Requiem no introduce demasiados cambios. Una aventura de acción y terror con pequeñas dosis de exploración. Sin embargo, como posible guiño a RE2, presenta dos protagonistas diferentes. Grace Ashcroft, encara las partes de terror y el ya veterano Leon S. Kennedy representa la acción más directa. Sin embargo, los momentos con Grace resultan los mejores con diferencia.

En 1998, Raccoon City fue devastada por un brote masivo provocado por la fuga de un virus de la farmacéutica Umbrella. El gobierno de EE.UU. respondió lanzando una lluvia de misiles para eliminar a los infectados y levantó un bloqueo para sellar la ciudad. En 2004, tras el juicio, Umbrella se declaró en bancarrota. Nunca hubo una explicación completa de lo ocurrido. Sin embargo, en octubre de 2026, se descubrió que la ciudad había servido como centro de producción de armas biológicas. Este informe, revela que la versión oficial sobre lo ocurrido era falsa y arroja luz sobre hallazgos más recientes acerca del incidente.

Análisis Resident Evil Requiem

A nivel jugable, entrelaza su propuesta híbrida con aquellas características que han forjado la identidad de Resident Evil durante todos estos años. El survival horror, gestión de inventario, variación de perspectiva y cambios en el ritmo de la acción. También, encontramos otros elementos intrínsecos y guiños casi constantes. Escenarios emblemáticos, personajes, situaciones, mecánicas, objetos y armas. Requiem posee cierto aire nostálgico. El aspecto y las habilidades de Leon demuestran el paso del tiempo y su madurez. La sombra de lo que una vez fue Umbrella vaticina un posible y merecido final para esta historia.

El juego alterna partes en las que controlamos a un personaje u otro. Por defecto, la primera persona está configurada para Grace y la tercera con Leon. No obstante, podemos alternar la perspectiva en cualquier momento. Las secciones de Grace, la nueva protagonista, se aproximan más a la experiencia clásica de la serie. Escenarios conectados mediante backtracking con mecánicas de sigilo, supervivencia y enemigos más temibles. El diseño del mapa en el centro de pacientes Rhodes Hill, merece una mención especial. Sin duda, una de las mejores partes del juego, por no decir la mejor.

Grace emplea un sistema con el que puede construir suministros. La exploración y el sigilo sirven para abrir el escenario y reforzar su personaje. Poco a poco mejoramos el nivel de vida y la potencia de fuego. Este sistema resulta gratificante porque cada encuentro y avance suma, preparándonos para vencer allí donde al principio resultaba imposible, y desbloquear aquello que antes estaba cerrado. Sus secciones brindan momentos memorables y a ratos consigue recordar al genial ZombiU de Wii U.

Leon, en cambio, representa la faceta más actual y comercial de Resident Evil. Ciertamente, tiene fases entretenidas y algunas muy locas también. Estas últimas desentonan demasiado. La persecución en moto y un punto donde zombis militares emplean morteros con precisión milimétrica así lo demuestran. El sistema de progresión de armas y el maletín ayudan a paliar esa faceta más absurda de la acción. Sin embargo, el estilo siempre está más próximo a RE6 que a RE4. Personalmente, pienso que ahí radica el fallo. RE4 presenta un buen equilibrio entre acción y terror. Ese es el camino que debería haber seguido su vertiente.

Así mismo, los escenarios de Leon resultan demasiado grises. Técnicamente, las secciones de ambos protagonistas están recreadas con mucho detalle y destacan tanto exteriores como aquellas estancias interiores. Sin embargo, las fases de Leon en su mayoría se sienten como simple decorado. El regreso a Raccoon City debería ser uno de los momentazos del juego pero, sinceramente, opino que se ha desperdiciado. En este punto; la exploración, la supervivencia y algunos puzzles podrían haber ocupado mayor protagonismo, al igual que hizo acertadamente Silent Hill 2 Remake con la estructura del pueblo.

Algunos momentos también evocan a The Last of Us. Regular los niveles de acción y aproximarse, momentáneamente, a las situaciones de estos dos juegos en esa Raccoon City devastada podría haber sido inolvidable. De hecho, con igualar el estilo de la mayoría de los niveles de RE4 hubiera bastado. Sin embargo, las sensaciones con Leon a menudo están más próximas al recorrido por una galería de tiro en un campeonato.

Ciertamente, cuando cambiamos de un personaje a otro, el contraste genera un efecto sugestivo. Grace resulta más vulnerable, sobre todo al principio. Sus secciones pausadas requieren detenimiento y planificación. Leon es un veterano, una máquina de matar. Sus remates y el uso de un hacha cuerpo a cuerpo generan sensación de poder. Esto no quiere decir que sea invencible, ni que Grace sea menos capaz. Como resultado, ese cambio de ritmo consigue dos juegos en uno y una variedad inusual.

El apartado técnico rinde a muy buen nivel, con enemigos y jefes especiales de aspecto muy realista. El sistema de daño en los cuerpos y las físicas refuerzan el conjunto. Por otro lado, el sonido y el doblaje al castellano pueden catalogarse como todo un ejemplo. En términos generales, RE Requiem resulta un producto notable. Ofrece una duración aproximada de 13 horas, diferentes niveles de dificultad y contenido desbloqueable para justificar una segunda vuelta.

Réquiem para una saga histórica

Resident Evil Requiem celebra una saga legendaria. Dentro de su propuesta convergen dos vertientes y aquellos elementos apreciados por los fans. Todo adaptado a los tiempos actuales. Grace ofrece una experiencia de terror a la altura de las circunstancias, con momentos realmente interesantes. Leon, por otra parte, entretiene pero desafortunadamente su desarrollo no es tan bueno como en RE4. Resulta una valiosa evidencia del camino recorrido, en todos los sentidos, para bien y para mal.

Ha llovido desde nuestra primera visita a la mansión Spencer y aquellas carreras por las calles de Raccoon City antes del bombardeo. El pretexto para futuros remakes es limitado, más allá de una posible y cercana revisión de Code Veronica. La reimaginación de Resident Evil Zero sería la última bala. Los argumentos se agotan y la gran historia ya está contada. Réquiem, réquiem para honrar y recordar con dignidad una de las series más queridas del videojuego.

Nota: He realizado este análisis con una copia del videojuego pagada de mi bolsillo

Versión analizada: PlayStation 5

El Neo Retro ataca de nuevo. Esta vez para intentar ofrecernos el juego de T2 que nunca tuvimos. Sarah Connor, su hijo John y el T-800 deben poner fin a los planes de Skynet. A través de diferentes misiones, deben enfrentarse al T-1000, el inolvidable villano interpretado por Robert Patrick. Así mismo, lideras la Resistencia en el futuro, luchando en el frente como la única esperanza de la humanidad en la guerra contra las máquinas. Terminator 2D No Fate combina escenas icónicas de la película con escenarios originales, líneas temporales alternativas y diferentes finales.

Análisis Terminator 2D No Fate

Su diseño artístico es una gozada. Experimentar en pixel art a los personajes y los momentos más impactantes de la película es un sueño hecho realidad. También, escuchar los acordes versionados de los temas centrales de su mítica banda sonora. Sin embargo, en términos jugables, duele decir que no termina de estar plenamente a la altura. Terminator 2 es una de mis películas favoritas y una de las cintas que más veces he visualizado. Posiblemente, por este motivo tenía muy claro lo que esperaba de este juego.

Terminator 2D No Fate abarca varios subgéneros de los noventa: acción, Run and Gun y Beat’em up. Incluso, ofrece breves momentos de sigilo pero todo es superficial. Por otro lado, introduce un ritmo rápido y apenas exige habilidad al jugador. Los niveles están bien dibujados pero transmiten poco, resultan repetitivos y echas de menos saltos arriesgados, disparos ajustados y variedad de situaciones. Así mismo, los enfrentamientos contra jefes son fáciles, pudiendo acabar con ellos cómodamente desde cualquier ángulo. Estos detalles aplican a cada partida una cadencia de movimiento tipo speedrun que no sienta bien.

Sayonara baby

Las comparaciones también pueden servir para ilustrar y criticar de forma constructiva. Bitmap Bureau ha hecho un trabajo soberbio a nivel artístico, de eso no hay duda. En lo jugable, tendría que haber seguido la estela de obras notables como Blazing Chrome y Huntdown. Ciertamente, posee elementos interesantes; diferentes personajes controlables, fases que emulan el ritmo narrativo de algunas escenas, líneas temporales alternativas y toma de decisiones. Sin embargo, ese ritmo apresurado cobra mayor protagonismo y evita que puedas recrearte y disfrutar de sus múltiples guiños. Además, es un juego corto y este detalle también juega en su contra.

Mientras tanto, echo en falta más momentos protagonizados por el T-800. De hecho, la ausencia del rostro de Arnold Swarzenegger escuece desde el principio. Existían múltiples opciones para controlar al famoso cyborg que hubieran sido memorables. El nivel ambientado en «The Corral» habría sido «el momento Beat’em up» y desaprovechan completamente esa oportunidad. Con todo esto, el juego fuerza la rejugabilidad. El nivel de dificultad más alto, diferentes modos de juego, opciones alternativas en la historia y ranking de puntuaciones.

Es una realidad que el listón no estaba demasiado alto. No obstante, Terminator 2D No Fate posiblemente sea la adaptación decente que merecíamos en los noventa para una de las películas de acción más importantes de la historia. Apela a la nostalgia, tiene muchos detalles que agradarán a los fans y algunos jefes claramente están inspirados en Contra y Metal Slug. Sin embargo, el regusto final es un poco amargo. De haber dotado al juego con una personalidad menos arcade, más plataformas, mayor verticalidad en sus escenarios y un reto adecuado, posiblemente el mensaje que ahora estás leyendo sería diferente.

Nota: He realizado este análisis con una copia del videojuego pagada de mi bolsillo

Versión analizada: PlayStation 5

Fuerte Oasis fue una vez un lugar próspero. Sin embargo, ahora es un desierto decadente y demasiado oscuro para sentirse seguro. Una tormenta repentina nos lleva hasta la orilla de la isla. Un pasado lejano regresa y debemos adentrarnos en el, impulsados por las misteriosas transmisiones de radio que recibimos. A medida que avanzamos, la realidad resulta incierta y comienza a retorcerse. De pronto, eres consciente de que tu propia existencia está en juego.

Análisis Total Chaos

A lo largo de nueve capítulos exploramos las ruinas de Fort Oasis, sumergiéndonos en su mundo opresivo y decadente. A través de notas, imágenes y encuentros inquietantes descubrimos el oscuro secreto de la isla, enfrentándonos al pasado. Total Chaos obliga a rebuscar entre los restos para fabricar armas improvisadas y defendernos de numerosos horrores. Los enemigos son criaturas de pesadilla, cada una con su propio comportamiento. A través del clásico inventario gestionamos recursos y podemos combinarlos en bancos de trabajo. A menudo, la supervivencia depende de las buenas decisiones y la rapidez de pensamiento.

Total Chaos posee una atmósfera potente y opresiva. En algunos momentos recuerda al genial Condemned. Tiene terror psicológico y el combate cuerpo a cuerpo predomina prácticamente durante toda la partida. Las armas resultan convincentes pero el combate a corta distancia con objetos no iguala al de la obra de Monolith. No obstante, las armas a melé se rompen y debemos repararlas o construir otras nuevas. Debemos cuidar la munición, gestionar constantemente el inventario y alimentarnos. Así mismo, podemos desangrarnos, la salud no se regenera y debemos usar botiquines o fabricar viales. Estas mecánicas hacen de Total Chaos un videojuego más profundo de lo que a priori esperas.

La forma del caos

Los escenarios está bien diseñados y aunque son lineales ofrecen exploración, atajos y secciones con backtracking. A menudo debemos encontrar esa llave que nos permite acceder a una sala con una jugosa recompensa o la ansiada vía de escape. También encontramos puzles, algunos de ellos realmente buenos. Así mismo, cada zona tiene sus enemigos y su propio jefe. A medida que avanzamos, el juego va combinándolos, enriqueciendo los combates con cada una de sus pautas. El diseño de cada monstruo resulta original, algunos resultan más aterradores que otros y en ocasiones solamente podemos huir de ellos.

Total Chaos funciona en casi todo lo que se propone. El cuerpo a cuerpo necesita un ligero pulido pero no supone un lastre. No es perfecto pero demuestra personalidad y mantiene buen ritmo mezclando terror psicológico, acción y exploración. El apartado sonoro está muy logrado, favorece la inmersión dentro de una atmósfera incómoda, muy personal. Algunos tramos también recuerdan a SOMA, Metro incluso los fantasmas de Doom 3 y Half Life 2 parecen ulular por algunas zonas.

Una pequeña joya independiente

Personalmente, debo decir que me ha gustado. Su estilo clásico, vitaminado con otras mecánicas, funciona y aunque no ofrece mucha variedad sabe mantener el tipo durante todos sus niveles. Probablemente, su argumento tampoco resulta excesivamente rompedor pero tiene momentos interesantes. Así mismo, los jefes y algunos enemigos requieren habilidad y cierto análisis. Total Chaos no permite derrochar balas prácticamente hasta el final, donde el juego viene a recordarnos que es un shooter con todas las de la ley.

Tras su estreno digital, en marzo llegará una edición física limitada para PS5. Es una joya ideal para coleccionistas, como ocurrió con Scorn. Aunque se lanzó en inglés, ya cuenta con un parche al castellano. Un imprescindible para fans de lo indie y lo clásico.

Nota: He realizado este análisis con una copia del videojuego pagada de mi bolsillo

Versión analizada: Xbox Series X

En el Japón de los 60, Hinako Shimizu vive en un pequeño pueblo asentado en el paso de una montaña. Como cualquier adolescente, Hinako transita sus días sin grandes acontecimientos. Hasta que una densa niebla envuelve Ebisugaoka. Su hogar se transforma en un lugar donde el peligro es cada vez mayor. Su pueblo queda vacío, salvo por las abominaciones que acechan entre la niebla. Ahora, mientras recorre los sinuosos caminos de Ebisugaoka, Hinako debe resolver enigmas y pelear por su vida. Una lucha para alcanzar una decisión inevitable: acabar con aquello que debe destruirse.

La nueva proposición de Silent Hill

Los creadores han querido hacer lo mismo que RE hizo en su momento. Experimentar para innovar, llegar a un público mayor y dejar de reproducir Silent Hill una y otra vez. Personalmente, opino que han sabido hacerlo mejor que Capcom con el primer cambio de rumbo introducido en RE6. En lugar de sucumbir a la acción más ordinaria, apuestan por una influencia soulslike más ligera. Puede que para algunos haya fracasado como Silent Hill pero no lo hace como juego. Tiene momentos de terror y el combate, cuerpo a cuerpo, resulta sencillo, entretenido y funcional.

Dicho sistema de combate apenas introduce modificaciones durante toda la partida. Los movimientos y tácticas son siempre las mismas. La esquiva, el contraataque y dos tipos de golpe: uno poco potente pero rápido y otro fuerte que debemos cargar para provocar mayor daño. El juego introduce únicamente armas cuerpo a cuerpo con una durabilidad finita. Debemos controlar su integridad y repararlas, siempre y cuando tengamos un kit de herramientas, y reservar las mejores para aquellos enemigos más poderosos. Así mismo, disponemos de un inventario con una capacidad limitada que debemos gestionar.

Además, introduce la mecánica de la cordura, una barra que debemos controlar y reducir con el uso de algunos objetos. Durante la exploración, encontramos recursos que podemos consagrar en altares. Dichos elementos, pueden intercambiarse por fe, puntos de experiencia que mejoran las habilidades de Hinako. Así mismo, existen amuletos que mejoran nuestro combate, intercambiándolos en ranuras que debemos ir desbloqueando.

El trabajo visual resulta muy relevante. El pueblo de Ebisugaoka está recreado con gran realismo, poniendo mucho empeño a la hora de representar los detalles de una vida cotidiana en una zona rural. La belleza de la naturaleza contrasta con un ambiente inquietante. Los marcos, constantemente resultan aterradores y bellos al mismo tiempo.

Análisis Silent Hill F

Los escenarios abarcan dos mundos diferentes, el real y otro onírico donde destacan elementos del Japón tradicional. Los puzles, presentes en esta cara más delirante, no tienen término medio. Algunos resultan simples, otros demasiado confusos y a veces son ingeniosos. En cada uno de estos planos, Hinako posee armas y habilidades diferentes.

Los enemigos también destacan por su diseño y animaciones. Los enfrentamientos no son muy profundos pero requieren cierta habilidad, sobre todo contra los jefes. Estos enemigos singulares demandan mayor estudio y concentración para derrotarlos. En general, todos los rivales del juego y ciertas situaciones trasmiten dosis de tensión bien calculadas. Las secuencias que acompañan la historia, creada por el escritor japonés Ryukishi07, conocido por sus novelas visuales de terror psicológico, cumplen su cometido con creces.

Puede que no sea la entrega definitiva pero reinventarse resulta complicado. Silent Hill F consigue revitalizar la saga sin perder carácter con un buen juego de acción, psicológico y oscuro. Por supuesto, tiene algunos puntos débiles. La mecánica de la cordura no termina de brillar y algunos tramos resultan demasiado rígidos o guiados. Tiene un sistema de combate sencillo, pero efectivo y un mundo espiritual donde las mazmorras y el folclore japonés consiguen darse la mano. Su historia no dejará a nadie indiferente. Un relato brutal y acongojante que demuestra hasta qué punto puede llegar un ser humano para hacer frente a una pesadilla fantástica con elementos muy reales.

Nota: He realizado este análisis con una copia del videojuego pagada de mi bolsillo

Versión analizada: PlayStation 5

Este es nuestro deber

Ambientado en una Polonia devastada por una extraña enfermedad, jugamos como un Viajero al servicio del enigmático Colectivo. Este tenebroso mundo fusiona la brutalidad de Europa del Este con tecnología retro-futurista. Durante la partida recorremos los páramos del futuro en busca de fisuras temporales para viajar a los años 80. La misión consiste en encontrar a otro Viajero y recuperar a determinadas personas clave en este enigmático suceso.

Cronos: The New Dawn no esconde su fuente de inspiración. De hecho, la homenajea constantemente en muchas de sus mecánicas. Sin embargo, manifiesta personalidad y una dureza en combate inusual, propia de los survival horror clásicos. Recupera esa exploración cruel, escasos recursos y un inventario con espacio limitado. Continuamente, estamos sometidos a un delicado equilibrio entre armas, recursos y poca munición. No es un simple reclamo comercial. Cronos: The New Dawn aprieta.

La gestión incluye creación de pequeñas dosis de munición y salud mediante objetos recolectados en el escenario. El sistema recuerda al empleado por The Last of Us. Durante la partida encontramos nuevas armas que podemos mejorar. También, descubrimos puestos de avanzada para guardar el progreso. En estos lugares compramos suministros, afinamos armas y mejoramos el traje de protección.

No dejes que se fusionen y carga tus disparos

Los Desposeídos son criaturas de pesadilla, restos de la humanidad con gran resistencia y capacidad de fusión. Apuntar requiere habilidad y cargar cada disparo es vital para multiplicar el daño. Sin embargo, equilibrar el balanceo de la pistola y potenciar el tiro lleva segundos. Debemos evitar que los adversarios se fusionen con los caídos, ya que se vuelven más fuertes y adquieren nuevas habilidades. Abátelos antes del proceso o quema los cuerpos. Estos detalles aumentan la tensión. No faltan encuentros contra enemigos más grandes y poderosos.

La habilidad durante el combate es fundamental pero administrar las mejoras también. La potencia, el balanceo del arma o el tamaño del cargador. Estas modificaciones incrementan el daño, mejoran la estabilidad del disparo y aumentan las balas en el cargador, liberando espacio. En otros juegos la gestión de inventario o la modificación de armas es casi trivial, en Cronos resulta esencial para equilibrar la dificultad.

Los escenarios son lineales pero cuentan con rutas alternativas e invitan a la exploración constante. No destacan al principio pero progresivamente revelan un estupendo y variado diseño arquitectónico.

Análisis Cronos: The New Dawn

El movimiento y el apuntado reflejan acertadamente la pesadez del traje de protección. El exigente sistema de combate requiere dominio y gestión constante del inventario. Ambos aspectos resultan fundamentales y pueden significar la diferencia entre la vida y la muerte. El control del personaje responde con precisión y suavidad.

El juego posee detalles curiosos, como la linterna sobre el hombro del Viajero, que se orienta con el movimiento del joystick. Seguidamente, descubrimos una mejora para la pistola que revela enemigos activos. A menudo exploramos estancias repletas de biomasa y cadáveres monstruosos. Algunos yacen inactivos hasta que nos acercamos y es demasiado tarde. Simplemente apunta a un cuerpo desde la distancia y una luz indicará el estado del posible enemigo.

El control responde suave y preciso. Sin embargo, echo en falta alternar la vista del hombro o el giro veloz. Asimismo, sobran las marcas de pintura que indican zonas de interacción. Existen diversos elementos explosivos distribuidos estratégicamente para crear emboscadas a los monstruos. Un clásico cuyo uso no es constante, pero que alerta de un evento de forma inminente. Estos dos detalles siempre desentonan, pero en este caso resultan más incoherentes dado el estilo exigente de Cronos.

El acabado gráfico y el sonido juegan un papel importante. Visualmente, el juego brinda estampas dignas de la mejor ciencia ficción. Así mismo, los efectos están muy trabajados y potencian la inmersión. Por otro lado, cabe una mención a ciertas melodías de su banda sonora que parecen compartir acordes con la de Stranger Things.

Buenas ideas y margen para mejorar

Cronos introduce mecánicas interesantes como la fusión, el fuego y las esencias, las cuales proporcionan efectos activos. Aún así, estas dos últimas merecían aprovecharse mucho mejor. El fuego debería tener el gran protagonismo esperado, que finalmente no posee. Quemar los cuerpos antes de la fusión ayuda, pero siendo hábiles podemos vencer sin ello. Este elemento podría haberse representado mejor, con más efectos visuales, de propagación y destrucción. Las esencias mejoran habilidades, podemos almacenar hasta tres y cuando sustituimos, una eliminamos la anterior de forma permanente.

El juego resulta divertido y tiene momentos muy buenos pero falta variedad de situaciones. De hecho, en ocasiones peca de repetitivo sin llegar a ser un defecto. Aún así, debo indicar que la parte del hospital ha sido una de las mejores fases que me ha dado un videojuego últimamente. Tiene momentos absolutamente soberbios.

El combate cuerpo a cuerpo resulta idéntico al de Isaac Clarke. En este aspecto, no hubiera estado mal introducir mecánicas de remate y esquiva. Por otro lado, los enemigos especiales no resultan memorables y echo en falta una mayor variedad de criaturas. Las brechas temporales o las botas especiales son mecánicas menores, pero aportan originalidad. Durante la aventura escuchamos la esencia de estas personas adquiridas. Su su voz resuena en nuestro interior, incluso, provocan algún sobresalto. Este elemento podría haber tenido mayor repercusión, tanto en jugabilidad como a nivel argumental.

El alumno aplicado

Cronos: The New Dawn rinde tributo a los grandes. Aprovecha su rebufo pero demuestra identidad proporcionada con carácter. Destacan aspectos como: su faceta exigente, la ambientación y una historia con un inesperado mensaje antisoviético. Sin duda, la clave es el reequilibrio que presenta a favor de las sensaciones survival horror de antaño. Todo esto adquiere suficiente peso como para colocarse entre los mejores juegos de 2025. El margen de mejora y esas buenas ideas a medio gas pueden servir como valioso aprendizaje a Bloober. Si eres amante de la ciencia ficción y los disparos, no debes perdértelo.

Como apunte final, remarco que los juegos lineales como Cronos: The New Dawn son necesarios en una industria cada vez más atestada por títulos sandbox. Recomiendo jugarlo de forma pausada: disfruta los oscuros e inquietantes tramos de exploración. Presta atención al leve parpadeo de la linterna; prepárate, suele anunciar que algo no va bien. Además, si tienes un buen equipo de sonido o unos cascos potentes, vas a disfrutar a lo grande.

Nota: He realizado este análisis con una copia del videojuego pagada de mi bolsillo

Versión analizada: PlayStation 5

Antes de nada, deberíamos considerar que un remake, aunque triunfe, siempre desplaza al título original. Para entendernos, reescribe el recuerdo que tenemos del clásico y esto no siempre gusta. La re-imaginación, la mejora, el acercamiento de una gran obra a las nuevas generaciones. Todo esto resulta encomiable pero, ¿cuándo es necesario un remake o cuándo debe mantenerse inalterado el hito de un juego?. Estas son algunas de las preguntas que pueden catalizar un acalorado debate.

Snake Eater

Metal Gear Solid 3: Snake Eater regresa intacto pero con gráficos renovados gracias al Unreal Engine 5. Los escenarios han sido renderizados con tecnología de última generación. Los entornos lucen más realistas que nunca. Así mismo, los personajes ahora poseen un altísimo nivel de detalle con animaciones faciales muy notables.

Así mismo, se han mantenido intactos la historia, los personajes, el doblaje, la jugabilidad y la música que forjaron uno de los mejores relatos de acción alumbrados en este medio. Esta nueva versión para la actual generación de consolas ofrece un sorpresivo salto evolutivo, dando nueva vida a cada escena y reconstruyendo cada rincón de su mundo.

Dejando a un lado el cambio visual, Metal Gear Solid Delta es un remake completamente conservador. No obstante, se han introducido pequeños ajustes que sientan de maravilla. El sistema de daños se ha mejorado. Ahora observamos hinchazones, heridas de bala y desgaste en los uniformes de Snake. Todos estas alteraciones son plasmadas permanentemente y en tiempo real. El efecto del barro y las salpicaduras resultan sorprendentes. Del mismo modo, es posible observar la hojarasca pegada al pelo de Snake cuando sale entre los arbustos.

También, puede optarse por el nuevo control actualizado, en línea con los juegos de acción en tercera persona más actuales. Asimismo, la perspectiva en primera persona ahora puede emplearse en cualquier momento. No obstante, incluye control clásico que permite revivir las sensaciones de la experiencia original.

El poder de una gran historia

En este punto debo decir que Metal Gear Solid 3 es uno de mis juegos favoritos. Al principio, este remake me generó entusiasmo, después contrariedad. En cambio, después de jugarlo afirmo que me ha encantado. Reencontrarse con el sigilo, la acción y sus mecánicas de supervivencia. Esta gran historia, con carismáticos personajes, entrelaza magistralmente la realidad histórica con la trama y añade un toque exacto de fantasía. Sigue siendo tan emocionante como el primer día.

MGSV: The Phantom Pain fue un buen juego pero también una decepción por diversos motivos. MGS Delta alivia esa espina clavada y recuerda los motivos por los cuales Snake Eater posiblemente sea el mejor capítulo. Este regreso actualiza el clímax de la saga adaptándolo y manteniendo su corazón completamente puro. Posiblemente, todos los fans estarán satisfechos pues claramente este juego va dirigido a ellos.

Metal Gear Solid Delta podría incluirse perfectamente en una lista de los mejores remakes. Es cierto que resulta extremadamente fiel al original, tanto que algunos reprochan falta de ambición. Por ello, muchas de las críticas filtran malamente y con la vara de medir actual. Unos tiempos donde ya no se hacen juegos como el que nos concierne. Este videojuego fomenta la maña antes que la fuerza, premia la observación y el razonamiento por encima del gatillo fácil. Eso ya no se lleva.

Tactical Espionage Action

De hecho, avanzar acribillando todo a tu paso sirve para dos cosas. Primera, comprobar que el gunplay a través de la acción directa nunca ha sido el fuerte de la saga. Además, resulta complicado salir vivo si optas por el encontronazo directo. En segundo lugar y más importante, estarías perdiéndote todo lo que ofrece en términos de jugabilidad y mecánicas. Resulta un error, antes y ahora, compararlo con juegos de acción pura en tercera persona.

MGS Delta es un juego de infiltración y sigilo. Los escenarios están diseñados para que podamos infiltrarnos y atravesarlos sin ser detectados. Igualmente, tenemos diversos métodos para engañar a la IA en nuestro beneficio. La habilidad del jugador, diferentes utensilios y el propio entorno pueden aprovecharse para pasar desapercibido. ¿Necesitas un reto más complicado? prueba a subir la dificultad e intenta superar el juego sin alarmas y sin matar a nadie. Descubrir todas las posibilidades y secretos que esconde, ese es el auténtico y divertido desafío detrás de la gran obra de Hideo Kojima.

No hay mucho más que contar a estas alturas. Aquellos que en su momento cometieron la osadía de ignorarlo, están a tiempo de redimirse con la mejor versión. En parte los envidio, descubrirán por primera vez una historia de honor, sacrificio y amor sostenida por un elenco inolvidable de héroes y villanos. Todos ellos protagonizan momentos memorables que desembocan en uno de los mejores finales vistos en un videojuego.

Nota: He realizado este análisis con una copia del videojuego pagada de mi bolsillo

Versión analizada: Xbox Series X