Boulimique de Musique

Parution du Mois - Décembre 2011

2011-12-29T17:59:00.002-05:00

Derrière le nom Aspidistrafly se terre la jeune chanteuse et compositrice April Lee et le producteur Ricks Ang, tous deux de Singapour. Elle est la directrice artistique de la maison de disque indépendante Kitchen. Label, tandis qu'il produit tout ce qui est réalisé sur l'étiquette, alors on peut dire que le duo forme véritablement la paire!

Aspidistrafly me fait penser à la formation Stereolab, pour les harmonies vocales, mais surtout pour les doux et somptueux arrangements entendus sur A Little Fable. Au menu, une prédominance d’instruments à cordes, avec sifflotements d’oiseaux en prime et autres sonorités inusités, comme le son d’un réveille-matin et des échantillons de voix d’enfants qui jouent, se font entendre à travers l’enregistrement. Côté musical, c'est un genre de Folktronica éthéré, ambiant et atmosphérique au plus haut point. La musique d'Aspidistrafly donne une impression apaisante, qui arrive comme un baume qui ralentit un tant soit peu nos trains de vies effrénés, particulièrement dans la période des fêtes, puisqu'on veut tout faire en même temps...

Aspidistrafly avec 3 extraits du disque I Hold a Wish For You via Kitchen Label

Depuis I Hold A Wish For You, leur album précédent, paru en 2008 et le premier à voir le jour sous leur toute nouvelle étiquette, le duo s'est fait remarquer par la communauté musicale asiatique et maintenant à l'échelle mondiale, avec leur sonorité recherchée, à la frontière de la musique Rock-expérimentale et Noise, des structures de pièces très originales, malgré les élans Pop acoustiques, grâce à une interprétation on ne peut plus poignante.

Aspidistrafly fait un genre musical qui se retrouve quelque part entre la Dream-Pop et la musique exploratoire, mais qui demeure tout de même très accessible. On pense par moments à Amiina, Marsen Jules, Julianna Barwick et School of Seven Bells, sans pour autant copier ni totalement ressembler à l'un de ces derniers. Plusieurs bons éléments qui font d'A Little Fable leur plus récente production, tout comme leur précédente d'ailleurs, des enregistrements hautement rafraîchissants et fortement recommandables!

Landscape With a Fairy d'Aspidistrafly extrait de l'album A Little Fable

Parution de la Semaine - 27 Décembre 2011

2011-12-27T17:41:00.000-05:00

Les fidèles complices Trent Reznor et Atticus Ross s'en ont donnés à coeur joie avec la conception de la bande sonore pour la version américaine du film suédois The Girl with The Dragon Tattoo, premier tome de l'adaptation cinématographique de la désormais célèbre trilogie Millenium.

Visiblement inspirés, les 2 comparse ont créés plus de 3 heures de musique sur 3 disques, soit beaucoup plus qu'il en faut pour les fins du film et ce, pour notre bon plaisir! Constamment entre le planant et l'angoissant, on dirait que les pièces de la trame sonore reposent sur un mince fil de fer, tout comme notre santé mentale en écoutant cette œuvre franchement prenante et un peu dérangeante. Sur The Girl with The Dragon Tattoo, on entend des sonorités expérimentales proche du Noise et de l'Ambiant, avec des éléments Rock-industirel et une touche que l'on pourrait aisément qualifier de type Drone. Surpris, pas vraiment, mais que pouvait-on s'attendre d'autre de nos protagonistes, principaux concepteurs derrière la sonorité de la formation Nine Inch Nails? Rien de mieux pour ma part!

En ouverture du disque, la détonante et étonnante collaboration avec la chanteuse Karen O des Yeah Yeah Yeahs avec laquelle ils reprennent Immigrant Song, la très populaire pièce de Led Zeppelin. Avec un montage vidéo aussi flou que futuriste et je dirais avec même autant de distorsion que la pièce en soit, pour venir agrémenter d'autant plus votre écoute. Nécessaire cet exercice de refaire une version américanisée de cette œuvre cinématographique déjà très efficace? Une chose est certaine, The Girl with The Dragon Tattoo a bénéficié d'un tout autre budget, ce qui ajoute au visuel et à l'ambiance générale surtout au niveau de la trame sonore, mais est-ce que ça en fait un meilleur film pour autant, ça, c'est un tout autre débat...

Immigrant Song, reprise de Led Zeppelin avec Karen O

Plaisir Coupable de Noël 2011

2011-12-24T00:43:00.003-05:00

Croyez-le ou non, John Zorn et compagnie nous servent leur version de la musique de noël avec l’album A Dreamers’ Christmas!

Les musiciens et collaborateurs chevronnés de John Zorn se sont réunis pour l’occasion, Marc Ribot, Trevor Dunn, Joey Baron, Kenny Wollesen, Jamie Saft et même Cyro Baptista sont tous de la partie, tout comme Mike Patton qui s’en donne à cœur joie avec son interprétation de la pièce The Christmas Song pour la finale du disque. D’autres grands classiques figurent sur A Dreamers’ Chirstmas, comme Have Yourself a Merry Little Christmas, Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow! et Winter Wonderland en ouverture, sans oublier quelques compositions originales qui rehaussent définitivement l’enregistrement. Malgré les classiques (pour ne pas dire les sempiternelles même pièces du genre) qui sont au menu, ils sont interprétés d’une manière ou l’on oublie presque c’est un disque de saison, un noël Jazz-contemporain bien sûr, exécuté d’une façon particulièrement originale et réussis.

L'intégral de l'album A Dreamers Christmas gracieuseté de l'émission Spinning On Air sur les ondes de WNYC, la radio publique New-Yorkaise

Sur A Dreamers’ Christmas, John Zorn revisite des grands airs de saison d’une manière assez classique du genre, mais avec juste assez de mordant pour se faire valoir. Donc pas de solos psychédéliques interminables, ni d’envolées lyriques diaboliques, où Patton nous vomit dans le micro des sons gutturaux, rien de tout ça, mais plutôt un bon Jazz-contemporain bien senti entre musiciens surdoués. Un album qui a ses pièces qui ne rappellent en aucun point le gros bonhomme rouge et blanc coca-cola qui livre ses cadeaux par nos cheminées, que l’on peut écouter en dehors de la saison hivernale, surtout pour ses compositions originales et ses arrangements inhabituels pour les pièces connues. Moi qui n’apprécie vraiment pas tellement la musique de noël, ça tenait pratiquement de l’exploit de me faire apprécier ce disque, mais il n’y avait que John Zorn et sa bande pour y arriver!

JOYEUX NOËL À TOUS!

Parution de la Semaine - 21 Décembre 2011

2011-12-23T20:48:00.111-05:00

The Lights Streaming Through The Sounds est le projet solo de l'artiste Shinpei Kusuzaka, basé près de Yokohama au Japon.

L'album homonyme du projet The Lights Streaming Through The Sounds se présente comme le chaînon manquant entre M83 et la formation islandaise For a Minor Relflection, sinon Mogwai avec des sons synthétiques et une ambiance encore plus éthérée. Depuis ses débuts en 2007, l'artiste a fait paraître 2 maxi soit Sunrise et Lights en 2008, en plus de cette toute nouvelle et plus étoffée création jusqu'à présent. Pas si facile de se mettre la main sur l'album par contre, puisque l'artiste est signé sur Happy Prince, une étiquette indépendante nippone. Le Guitariste a oeuvré au sein de quelques formations Rock au cours de sa jeunesse, malgré son jeune âge!

&amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://amokrecordings.bandcamp.com/album/sunrise-e-p"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;Sunrise E.P. by The Lights Streaming Through The Sounds&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;gt;

L'écoute de l'intégralité de Sunrise, leur premier maxi paru en 2008, est disponible en streaming et en téléchargement gratuit via Amok Recordings, une petite maison de disques ontarienne. The Lights Streaming Through the Sounds a ensuite conçu Lights, un autre maxi en 2010, donc 2 excellent premiers enregistrements sur lesquels quelques pièces ont étés utilisées pour leur plus ambitieux et récent album homonyme. En écoutant ses créations, on pense aussi un peu à Explosions in the Sky et à Do Make Say Think et un peu plus à Six Organs of Admittance, entres autres. Aucun vidéo n'est disponible pour le moment, étonnant tout de même, pour une musique aussi cinématographique, toute en relief et très chargée autant au niveau sonore que sur le plan émotionnel!

Parution de la Semaine - 13 Décembre 2011

2011-12-18T15:59:00.003-05:00

Comme à chaque année, pas facile de trouver des œuvres épatantes autour du temps des fêtes, par chance, Jónsi a signé la trame sonore pour le film We Bought a Zoo que j’estime être de loin supérieure que les prémices du nouveau film de Cameron Crowe!

Jon Por Birgisson, dit Jónsi de son nom de scène, a confectionné plusieurs inédits pour les fins du film, avec Boy Lilikoi tiré de son premier effort solo, une célèbre pièce de Sigur Ros avec la très populaire Hoppípolla, et une un peu plus obscure provenant de son premier maxi, Go Do, qui viennent compléter l’album. We Bought a Zoo est l'une des meilleures bandes originales pour un film familial depuis Where the Wild Things Are, produite par Karen O, la chanteuse des Yeah Yeah Yeahs. Certaines des compositions plus introspectives me font penser au disque Riceboy Sleeps, effort conjoint avec son copain Alex Somers, l’habitué réalisateur de la majorité des enregistrements de Sigur Ros et membre invisible depuis toujours au sein de la célèbre formation islandaise.

Ævin Endar par Jónsi extrait de We Bought a Zoo

Jónsi chante dans sa langue natale ou inventée, également dans la langue de Shakespeare pour ce film américain, chose qu’il avait aussi fait pour Go, son premier disque solo. Les nouvelles pièces sont ni plus ni moins la suite logique de ce qu’il a créé à venir jusqu’à présent. Nécessairement, on ne retrouve rien de tellement étonnant lorsqu’on connait le parcours de l’artiste et son univers musical, mais une belle addition dans son registre déjà impressionnant et de plus en plus étoffé. La bande originale pour We Bought a Zoo est envoûtante au plus haut point, sans être remplie de surprises, elle est bien ficelée et comporte son lot de compositions qui retiennent l'attention et en font une belle addition au registre de Jónsi et sa bande, une autre bonne création typiquement islandaise finalement!

Magnifique animations pour la pièce Gathering Stories

Parution de la Semaine - 6 Décembre 2011

2011-12-17T00:48:00.146-05:00

Ólafur Arnalds et de retour avec un projet intimiste et très personnel avec le court album Living Room Songs, enregistré à sa résidence avec une vidéo pour chacune des 7 pièces que contient le projet.

Après la parution du disque ...And They Have Escaped the Weight of Darkness l’an dernier, personne n’aurait pensé entendre du nouveau matériel du jeune artiste si tôt. En à peine un quart de siècle d'existence et avec déjà 5 enregistrements à son actif depuis le début de sa très prometteuse carrière en 2007, sans oublier 3 trames sonores pour le septième art, le prolifique Ólafur Arnalds revient avec Living Room Songs, un projet autant audacieux que généreux. Initialement paru sous forme de téléchargements gratuits, les 7 pièces qui composent l'album ont étés enregistrées dans l'intimité de son domicile. Les compositions instrumentales de l’artiste islandais sont principalement axées autour du piano et des arrangements à cordes. Le compositeur est visiblement de l’école des minimalistes tout en créant des morceaux très contemporains, qui se font poignants au plus haut point, même que certaines pièces sont tristes comme des champs de bataille après un affrontement. Les subtiles touches d’Électronique ou d’Électroacoustique, se font entendre ici et là et n’enlèvent vraiment rien à la sensibilité de l’instrumentation, elles rehaussent même grandement l’intensité et nous rappellent que c’est un enregistrement de cette année, puisque les compositions du disque Living Room Songs se font intemporelles. Les créations d’Ólafur Arnalds sont apaisantes, certes mélancoliques, mais exécutées toutes en subtilités et en finesse.

2 pièces tirées de l'album Living Room Songs via Erased Tapes

Ses compositions me font penser et n'ont rien à envier à ses contemporains comme Max Richter, Sylvain Chauveau et Jon Hopkins. L’écoute de l’album est une expérience intimiste au sein de l’univers créatif d'Ólafur Arnalds, d’autant plus lorsqu'un projet est préparé avec un volet qui incorpore des éléments visuels qui nous permettent d’entrer plus intimement en contact avec l’artiste. Un regard privilégié que nous permet la technologie à travers l’art, à l’image de ses créations musicales, entre le contemporain et l’ancien, le moderne et la tradition. Living Room Songs est bien plus qu’un simple enregistrement parmi tant d’autres, mais plutôt un projet qui regroupe plusieurs formes d’expression artistique pour former un tout stimulant et cohérent, fort à propos à l’ère de la convergence. Ne suffit plus de simplement présenter un nouvel enregistrement pour susciter un engouement, il faut maintenant user d’originalité et d’ingéniosité pour espérer se démarquer et c’est justement ce qu’Ólafur Arnalds réussi brillamment à faire avec son plus récent opus!

La pièce Fyrsta, premier extrait du projet Living Room Songs

Prestation de Near Light avec la soeur et la mère d'Ólafur Arnalds

Baladodiffusion LFDS - Édition Décembre 2011

2011-12-12T22:12:00.007-05:00

On commence l'émission de Décembre des Frères du Son avec la capsule Un Petit Goût de Boulimie, qui est une rétrospective mensuelle des articles publiés ici-même.

Suivie par la capsule Made in Québec, qui revient en force juste avant la fin de l’année 2011, où on vous a sélectionné une myriade de musique créée par des artistes hautement talentueux de chez-nous. Pas facile de sélectionner seulement que 3 fiers représentants de notre diversité musicale, mais notre choix s’est arrêté sur des artistes anglophones qui ont choisis la belle province pour faire carrière.

On commence par la formation Adam & the Amethysts qui arrive avec le touchant album Flickering Flashlight. Sur son deuxième et plus récent disque, le groupe nous sert des ambiances toutes en subtilités, empreintes de mélancolie et issues d’une grande sensibilité. Tel un orchestre de bohémiens, on retrouve des touches d’explorations musicales à travers des arrangements plus conventionnels, un heureux mélange de ballades entrecoupées de quelques éclats de joie, comme la pièce Gitche Gumee Yeah Yeah en fait la preuve. Côté instrumentation, on retrouve guitares acoustiques, piano, quelques fois violon et violoncelle qui enrichissent énormément les arrangements, avec des percussions irrégulières qui prédominent tout au long de l’enregistrement. Combiné à des textes profonds, comme la magnifique composition Adam Called Me Over Christmas, au sujet livré de manière très sentie par Adam Waito, le chanteur de la formation et ancien membre de Miracle Fortress. La juxtaposition de voix féminines et masculines est d’une pure harmonie et d’une beauté comme il s’en fait trop peu. Sur Flickering Flashlight, on retrouve des sortes de valses automnales, tapissées d’une sonorité Folk aux accents exploratoires. Les comparatifs qui me viennent initialement en tête en écoutant ce que fait Adam & the Amythists passent par Patrick Watson pour les subtils arrangements, Frightened Rabbit pour une similarité émotionnelle et même Arcade Fire pour la juxtaposition de voix et l’intensité globale. Le fait que tout ait été enregistré avec les moyens du bord, mais avec une vision de grandeur au niveau instrumental et de la réalisation, c’est ce qui ajoute au charme et à la chaleur de Flickering Flashlight.

Tim Hecker, avec la parution de 2 enregistrements cette année et plus particulièrement son tout nouvel album Dropped Pianos, paru dernièrement, c’est sur celui-là qu’on se concentre aujourd’hui. Malgré le titre qui porte à croire que nous avons affaire à une déconstruction sonore, il est plutôt question des fines ambiances nocturnes, minimaliste et pratiquement méditatives. Au menu, 9 sketches ambiants sans autres titres que Sketch 1-2-3 et ainsi de suite, une série de compositions aux élans expérimentaux, comme seuls les meilleurs arrivent à réaliser.

Producteur musical depuis 1996, à l’époque sous le pseudonyme Jetone, le vancouverois d’origine migre au Québec et se fait rapidement remarquer par le milieu artistique international grâce à ses explorations sonores parfois dissonantes avec des touches Noise et Glitch. Ce chirurgien du son, a étudié l’électroacoustique a minutieusement conçu albums après albums pièces après pièces comme si chacune était sa dernière œuvre. Avec 9 albums sous la ceinture, Tim Hecker est une force créatrice extraordinaire et un artiste qui consolide sa réputation à chaque coup. Après son album Ravedeath 1972, sorti en début d’année 2011, personne n’aurait penser entendre du nouveau matériel de la part de cet habitué du festival MUTEK, ce qui démontre à merveille que Tim Hecker est tout sauf en panne d’inspiration et ce, au plus grand plaisir des auditeurs assoiffés de sonorités inusitées!

Lunice est le projet d’en seul homme, le hip-hopper nouveau genre et montréalais qu’est Lunice Fermin Pierre II, artiste qui fait un genre de Glitch-Hop similaire à Prefuse 73 et Autechre pour son volet Électronica extrêmement bien travaillé, en y incluant même certains éléments 8-bits et n utilisant de nombreux échantillons. Nouvellement débarqué dans le paysage musical, avec son premier album, One Hunned, le producteur nous montre qu’il a définitivement le beat dans le sang et ses structures sonores sont entraînantes au plus haut point, sans perdre leurs subtilités pour autant, un juste équilibre entre accessibilité et quelque chose d’un peu plus recherché. Lunice est à mi-chemin entre les beatmakers comme Alias et les structures complexes à saveur IDM d’Apparat, avant qu’il ajoute du vocal à ses compositions, puisque ce sont des pièces entièrement instrumentales. One Hunned est un disque riche en influences variés, mais qui demeure original et rafraichissant, un de ces albums très stimulants et qui rehausse la barre pour tous ceux qui prétendent faire du bon Hip-Hop au Québec!

BONNE ÉCOUTE!

Pour la capsule Autopsie de CD, cette fois-ci, un album d’une formation américaine, qui fait un genre de Rock-psychédélique aux élans atmosphériques, passe l'épreuve de notre banc d'essais.

Hooray For Earth, un groupe qui s’est formé à Boston en 2005 avant de se relocaliser à New York en 2009, né autour des compositions du multi-instrumentiste Noel Heroux auquel s’est rapidement joint Christopher Principe à la basse, Gary Benacquista à la guitare et Joseph Ciampini aux percussions et divers instruments. Ensemble, ils font un genre de Noise-Pop, Rock-exploratoire aux accents synthétiques, comparable à Twin Shadow, Memory Tapes et de nombreux autres émules de la formule qualifié de Chillwave ou Indie-Post-Punk, héée qu’on aime ça les étiquettes comme ça! Hooray For Earth a 2 albums à son actif et autant de maxi qui ont connu un succès grandissant depuis les débuts de la formation.

Sur leur plus récent disque, True Loves, paru au début de la saison estivale 2011, ils reviennent avec une sonorité à la fois dense et éthérée, à l’atmosphère aussi mystérieuse que positive avec des pièces aux structures évolutives tout en étant accrocheuses. C’est certain qu’on ne peut s’empêcher d’en venir à des comparatifs avec la musique Pop et New-Wave des années ’80 en écoutant l’album un tant soit peu attentivement. Déroutant par moments par ses sons kitsch, mais traités avec suffisamment de réverbération et de distorsion sur les instruments pour qu’ils ne deviennent pas que de lamentables copies de ce qui s’est fait dans cette décennie. Donc, un clin d’œil, sans être un hommage et c’est très bien comme ça, surtout qu’on retrouve cette influence sur quelques passages seulement et une chance, puisque je me souviens bien assez de cette décennie sans avoir à y revenir trop souvent ni longtemps! Bref, tout ceci fait de True Loves un disque agréable à entendre, sans en faire un enregistrement monumental, quoi que plus qu’acceptable pour avoir été créé de toute pièce, de sa conception jusqu’à son enregistrement, par un seul homme, ce Noel Heroux qui a forcément des racines francophones avec un nom comme le sien et qui est somme toute, une autre belle addition dans le parcours qui commence à être bien étoffé de la part de la formation Hooray For Earth!

Superbe animation très inspirée pour la pièce True Loves, pour laquelle un remixe et un magnifique clip a été réalisé pour le groupe Hooray For Earth par Cereal Spiller, c’est à voir sans faute!

Pour notre Triple à Trois, ce mois-ci on vous fait entendre 3 pièces issues de 3 albums différents d'une formation islandaise. Nous qui sommes souvent attirés par les sonorités du pays, nous voici avec une découverte toute fraiche d’un groupe qui était de passage au Québec pour une prestation dans le cadre d’M Pour Montréal. On parle du quatuor Post-Rock For A Minor Reflection, qui fait un genre de musique similaire à Explosions in the Sky, Godspeed You! Black Emperor et Sigur Ros, d’ailleurs ces derniers ont dit à leur sujet que le groupe avait le potentiel de déclasser Mogwai après les avoir vus réchauffer leurs salles pour une série de spectacle Européens en 2008.

For A Minor Reflection est formé par 4 jeunes hommes dans le début vingtaine à Reykjavik en 2005, qui donnent une prestation énergique qui laisse sa marque sur tout spectateur qui assiste à une de leurs représentations. Quand ils ont commencés à jouer ensemble, les membres du groupe ont brièvement fait une forme d’Indie-Rock, pour muter vers un ensemble Blues avant de trouver le son qu’on leur connait aujourd’hui.

Depuis, ils ont 2 albums aux titres imprononçables et un maxi homonyme auto-produit et paru tout récemment grâce à leur campagne de financement sur la plateforme de mécénat virtuel, Pledge Music. On retrouve fréquemment For A Minor Reflection dans la programmation de l’IcelandAirwaves Festival qui ne faisait pas exception encore une fois cette année, puisque la formation en était à sa cinquième participation et elle a l’opportunité de se produire en spectacle un peu partout sur le globe, tout en demeurant un groupe indépendant, un exploit qui, il y a quelques années seulement, aurait été pratiquement impossible et qui, grâce à la diffusion qu’Internet rend accessible, propage leur musique bien au-delà des territoires scandinaves. Avec du tout nouveau matériel à nous présenter, on peut dire qu’ils ont gagnés en maturité où l’on comprend que nous n’avons vus que la pointe de l’iceberg et que For A Minor Reflection n’a pas terminé de faire travailler notre matière grise... Alors partons de ce pas se réserver des billets sur les ailes d'Icelandair pour la treizième édition du festival l’an prochain!

Les Frères du Son prennent relâche pour les semaines à venir et pour le temps des fêtes, donc, nous serons un peu moins présents sur le net et un peu plus dans le monde réel. Prenez soin de vous et de vos proches, ne reviendrons dès la fin Janvier et meilleurs vœux pour l'année 2012 à tous!!

Les Genres de Chez-Nous - Novembre 2011

2011-12-11T18:12:00.010-05:00

Ferriswheel, une formation beaucoup plus mouvementée qu'un tour de grande roue, avec l'album Un Peu Plus Au Nord et Sans Distorsion.

Le quintette montréalais est pratiquement un collectif de rêve, composé par Mathieu Charbonneau (Torngat/The Luyas) au piano et de son frères Philippe à la contrebasse avec Simon Trottier (Timber Timbre) à la guitare, Pietro Amato (Torngat/Bell Orchestre/The Luyas) au Cor français, Joshua Zubot au violon et tout ce beau monde est supporté rythmiquement par Olivier Fairfield (FET.NAT/J'envoie), à la batterie. Sur étiquette Arts & Crafts, leur album Un Peu Plus Au Nord et Sans Distorsion est paru le 28 novembre, juste à temps pour venir accompagner nos journées grises avant qu'un tapis de neige illumine un peu plus le décor et rende l'écoute de l'album d'autant plus pertinente et en harmonie.

&amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://ferriswheel.bandcamp.com/track/un-peu-au-nord-et-sans-distorsion"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;quot;Un peu au nord et sans distorsion&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;quot; by Ferriswheel&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;gt;

Le projet instrumental s'est formé en 2007 autour des compositions de Mathieu Charbonneau et Simon Trottier pour créer un premier disque à saveur un peu plus Folk, intitulé Woodsongs From the Backroom. Avec leur plus récent enregistrement, Ferriswheel s'éloigne de ses racines avec la contribution plus présente des musiciens au niveau des arrangements et de l'instrumentation qui se font parfois très prenants et même un peu angoissants sur certaines pistes. La formation nous a créée 7 pièces divisées en 2 côtés (A et B), conçues pour êtres sur vinyles, mais surtout cassettes, la spécialité de la maison de disque E-Tron Records de Gatineau, sur laquelle elle est signée depuis ses débuts. Sur Un Peu Plus Au Nord et Sans Distorsion. on retrouve un genre de chaos structuré par moments et par d'autres, des mélodies épurées, aériennes, vaporeuses et un peu mélancoliques. Avec des crescendos et ses pics émotionnels intenses qui rappellent Godspeed You! Black Emperor et Sigur Ros sur certains passages, mais d'une manière d'autant plus subtile, Ferriswheel ajoute sa propre teinte à une liste d'artistes qui font un genre de Rock-atmosphérique.

Chef-D'Oeuvre du Mois - Novembre 2011

2011-12-04T21:15:00.164-05:00

Raleigh Moncrief fait germer les bonnes idées avec son album Watered Lawn sur l’étiquette Anticon.

C’est vrai qu’avec des structures sonores qui se situent quelque part entre les Hip-Hoppers déjantés à la Prefuse 73, le volet Ambiant de Baths, le métissage de styles du collectif Saroos et le très présent côté psychédélique à la manière de Panda Bear, on ne sait plus trop sur quel pied danser… Comme certains le diront dès les premières minutes de leur écoute de l’album : C’est pas écoutable! N’empêche que Watered Lawn est définitivement quelque chose d’unique, un peu hermétique et musicalement très dense, mais que pouvait-on s’attendre d’un artiste sur la très créative et éclectique maison de disques Anticon? Raleigh Moncrief, quel nom qui ne reste pas tellement bien en bouche, mais surtout, d’où sort ce type, se dit-on, en entendant son enregistrement…

I Just Saw par Raleigh Moncrief

Si ce jeune californien semble surgir de nul-part avec une sonorité originale et déconcertante, c'est que l'ex-musicien de Marnie Stern, a travaillé dans l'ombre de certains projets musicaux marquants en réalisant, entres autres, l'album Bitte Orca de la formation Dirty Projectors, en travaillant avec Zach Hill et sur le nouveau disque de Ganglians. Sur Watered Lawn, le très impressionnant premier album de Raleigh Moncrief, on se retrouve dans une ambiance typiquement californienne, éthérée à souhait et directement influencée par Brian Wilson et toute la vague psychédélique à la manière du groupe Animal Collective qui déferle sur l'état américain depuis un certain temps déjà. Avec cet enregistrement, on nage dans des vagues confuses autant que diffuses, de sorte qu'on se sent dans une sorte de rêve éveillé, pas nécessairement un univers rassurant, plutôt une genre de distorsion de la réalité, à l'image des vidéos de Raleigh Moncrief!

Soyez sobres avant de voir le clip de Cast Out For Days de Raleigh Moncrief!

Parution de la Semaine - 29 Novembre 2011

2011-12-03T21:08:00.203-05:00

Masaaki Yoshida, l'homme derrière le pseudonyme Anchorsong arrive enfin à nos oreilles avec Chapters, un premier album complet.

Le jeune nippon d'origine quitte Tokyo pour s'installer à Londres en 2007, après son départ en tant que guitariste d'un groupe Rock, afin de poursuivre une carrière solo et s'arme d'un séquenceur MPC2500 avec un clavier pour créer sa musique devant public. Grâce aux prestations survoltées d'Anchorsong et à ses idées de grandeur, comme d'avoir décidé d'ajouter un quatuor à cordes qui l'accompagne en spectacle en plus de projections pour rendre ses prestations d'autant plus dynamiques, la réputation de l'artiste ne cesse de croître. Depuis, Anchorsong a réchauffé les salles de prestigieuses formations comme Bonobo, Prefuse 73 et Jaga Jazzist, cumulant 3 maxi en chemin, avant d'en arriver à la création de Chapters, son dernier et définitivement son plus grand cru jusqu'à présent!

Ghost Touch & Plum Rain par Anchorsong

Les structures hypnotiques des pièces de l'album Chapters et ses rythmes endiablés en font un enregistrement irrésistiblement entraînant et hautement stimulant. Au programme, des sonorités étonnamment chaudes pour un disque avec autant d'instruments synthétisés. Une parution surprenante de la maison de disques Tru Thoughts, qui commençait à légèrement stigmatiser avec un ensemble d'artistes très homogènes et un peu trop unidimensionnels. Il était temps qu'un vent rafraichissant souffle dans les voiles de l'étiquette, cette bourrasque vient de l'orient et se nomme Anchorsong!

Le plus récent opus d'Anchorsong, contrairement à ses précédentes créations musicales, est complètement instrumental et dépourvu d'échantillons de voix, même si le volatile artiste n'a jamais été un adepte de la technique. On passe par des ambiances Funk, Acid-Jazz aux influences Électro-Rock, un peu à la manière de Tortoise par moments. L'album Chapters est un phare dans l'océan de la musique électronique actuellement, puisqu'il est un de ceux qui allient un peu tous les styles musicaux ensemble et qui rassemble des éléments archi-synthétiques et d'autres beaucoup plus organiques, le tout avec une finesse extraordinaire!

Avant-Goût de l'album Chapters avec une prestation énergique d'Anchorsong

Parution de la Semaine - 22 Novembre 2011

2011-11-27T15:11:00.012-05:00

Le duo Électro-Rock Mint Julep tombe à point avec le disque Save Your Season, qui promet de nous sauver de cette torture auditive qu'est la musique de noël qui commence à se faire entendre un peu partout, mais surtout, un peu trop!

La formation Mint Julep originaire de Boston, actuellement relocalisé à Portland, dans l’Oregon, s'est formé en 2007 quand Ketih Kenniff, celui-là même qui est derrière les projets musicaux Helios et Goldmund, a décidé qu’il voulait faire changement de ses textures ambiantes habituelles pour travailler sur un projet vocal et plus Rock avec sa femme, Hollie Kenniff. Ensemble, ils font tout sauf des chansonnettes nunuches et autres balades sentimentales, mais une musique certainement loin d'être dépouillée en émotions! Sur leur plus récent disque, Save Your Season, on se retrouve en présence d’un enregistrement mystérieux, aérien, mélodique et décidément empreint d’une facture Pop tout en ayant une bonne recherche musicale en arrière des airs accrocheurs. Une douce voix féminine, au ton feutré et éthéré, nous étale les paroles sur les atmosphères créées par le couple Kenniff.

Mint Julep via Keith Kenniff - Helios

Avec Mint Julep, nous sommes en présence d’un projet musical qui se retrouve quelque part entre Glasser et Metric. Un univers planant, mais tout de même rythmé et texturé avec des couches successives d’instrumentations et de voix qui font penser à School of Seven Bells et à Zola Jesus. À l’écoute de Save Your Season, leur tout nouvel album, le binôme a raffiné encore plus son tir sur cet enregistrement et confirme qu’il ne fait pas que surfer sur la vague de la Pop atmosphérique et théâtrale semblable à celle d’Iamamiwhoami, Bat For Lashes et Fever Ray de ce monde.

Depuis Songs About Snow, paru en 2008 et avec la parution du maxi Adorn, au mois d’août dernier, on se demandait quand l’album complet allait sortir et surtout, à quoi le nouveau matériel de Mint Julep allait ressembler au juste, puisque le trop court avant-goût du mini-album nous avait laissé sur notre faim. Finalement, Save Your Season est un très bon exemple de Pop synthétique aux élans Rock atmosphérique, donc, une des parutions récentes qui ne marquera probablement pas son époque, mais quel enregistrement en fait autant ces derniers temps? On a plutôt affaire à un de ces disques qui sont à écouter les jours gris et qui nous laisse une impression réconfortante, dans une ambiance globalement sereine du début jusqu’aux dernières secondes de l'enregistrement!

Clip surréaliste pour la pièce Why Don't We par Mint Julep

Parution de la Semaine - 15 Novembre 2011

2011-11-21T18:26:00.006-05:00

Le groupe New-Yorkais Caveman nous propose son Rock-expérimental avec l'album Coco Beware, qui malgré le nom, n'a pourtant rien à voir avec le lutteur has-been.

Pour son premier disque, la formation Caveman arrive avec un espèce de Rock-atmosphérique qui me fait penser aux ambiances mystérieuses comme le groupe Interpol, en version beaucoup plus lumineuse et moins dramatique. Le volet exploratoire et les harmonies vocales me font inévitablement tracer des parallèles entre Caveman et Animal Collective (vraiment moins psychédélique que leurs premiers albums tout de même!) et tous ses rejetons comme Cant, Avey Tare et Panda Bear. Des progressions d'accords et des enchaînements très intéressants sont au menu sur Coco Beware, avec des harmonies vocales, des rythmes superposées et une bonne dose de réverbération sur à peu près tout.

Caveman - Old Friend via emn2

Le groupe, formé en janvier 2010, a réussis en si peu de temps à trouver une sonorité qui lui est propre et malgré les nombreuses similarités avec les groupes mentionnés plus tôt, n'en reste pas moins que ce sont des comparatifs vraiment élogieux. Le côté hypnotisant et planant de Caveman est non sans faire penser à The Flaming Lips et à Portugal The Man pour les ressemblances au niveau harmonique. Tout ceci tente d'en arriver à faire un grossier résumé de la recette employée par ce quintette de Brooklyn... Le disque Coco Beware se veut définitivement un premier enregistrement ambitieux autant que prometteur! Maintenant, espérons que la bande sera bientôt en prestation de ce côté-ci de la frontière, pour mieux être en mesure d'apprécier leur style musical rafraichissant et tout simplement enveloppant, un peu comme une bonne couverture par une froide soirée automnale!

Magnifique vidéo pour la pièce Easy Water du groupe Caveman

Parution de la Semaine - 8 Novembre 2011

2011-11-14T15:41:00.106-05:00

La formation Zun Zun Egui arrive directement du circuit underground britannique avec Katang, un tout nouvel album et un percutant premier enregistrement officiel!

Les membres du groupe originaire de Bristol, ont commencés en vendant leurs enregistrements sur des disques gravés, directement dans les rues à leurs débuts et en se produisant dans des lieux inusités un peu partout à travers la ville. Zun Zun Egui a toujours été particulièrement actif au sein de la scène locale en organisant des évènements marquants, avec la participation de formations comme Sun Araw et Michachu. Assez rapidement, avec sa sonorité psychédélique tout en étant festive, le groupe s’est attiré beaucoup d’attention grâce à plusieurs prestations survoltées. Actuellement, Zun Zun Egui participe à différents festivals un peu partout sur le globe, avec un intérêt sans cesse grandissant de la part du public autant que des critiques.

Chunk & Swirl par Zun Zun Egui

Zun Zun Egui fait un Rock énergique, détonnant, débridé, qui s’emporte parfois, pour mieux revenir à des structures harmonieuses, avec un excellent sens du rythme et des transitions surprenantes. La manière de chanter de Kushal Gaya, à la voix et guitare, me rappelle un peu celle de Serj Tankian et leur musique me fait penser à quelque chose comme Arrington de Dionyso’s Malaikat Dan Singa, les formations Nice Nice et The Paper Chase, malaxés ensemble, le tout avec un soupçon d’humour… Quelque chose de désinvolte émane de ce groupe, un peu comme Frank Zappa, des compositions cérébrales sans trop se prendre au sérieux avec un maximum de groove! Tout ceci fait de Katang un disque qui frappe extrêmement fort!

Loufoque et coloré clip pour la pièce Fandango Fresh de Zun Zun Egui

Baladodiffusion LFDS - Édition Novembre 2011

2011-11-11T16:29:00.003-05:00

Avec la baladodiffusion des Frères du Son de Novembre, on vous propose notre capsule Autopsie de CD, qui a comme mandat d’analyser à fond le dernier disque d’un producteur de musique électronique qu’on apprécie beaucoup, mais lequel?

Apparat qui revient avec l’album The Devil’s Walk, définitivement l’œuvre la plus organique qu’il ait conçue jusqu’à présent. Après son magnifique disque Walls, paru en 2007, des collaborations particulièrement réussies avec Ellen Allien et Modeselektor (qui s’appelle Moderat), une séance avec le légendaire John Peel et un DJ Kicks paru en 2010, le voici qu’il revient avec du matériel original et particulièrement inspiré. L’allemand Sasha Ring, l’homme derrière le pseudonyme, s’est retrouvé à enregistrer son dernier album loin de la froidure hivernale de son pays, pour aller créer dans un studio-maison au Mexique, entouré de musiciens et de collaborateurs de renom, surtout sur le plan vocal. Pour son cinquième disque, Apparat nous a concocté des pièces beaucoup moins synthétiques qu’on lui connait habituellement, il laisse également une grande place au chant, d’abord pour sa propre voix, l’organe vocal particulier de la chanteuse de Soap&Skin et celui de la formation Aaron, se retrouvent tour à tour derrière le micro.

Sur The Devil’s Walk, on s’éloigne vraiment du genre Techno-minimaliste/IDM/Glitch que l’artiste produit depuis ses débuts pour aller vers quelque chose de plus diversifié, tant au niveau de l’instrumentation que des structures de ses compositions. Plus près du Trip-Hop du genre à Massive Attack, cet album est décidément plus Rock et moins Électronique qu’avant, malgré qu’il tapisse allégrement les arrangements de couches de de nappes ambiantes aux synthétiseurs et de subtiles percussions programmées. Les pièces d’Apparat ne sont pas moins touchantes et stimulantes, même bien au contraire, elles forment un assemblage sonore des plus prenants et marquants que l’artiste ait fait. Les attentes étaient hautes depuis le temps qu’il nous a produit du nouveau matériel, on se demandait bien la forme nouvelle qu’il allait prendre, une chose est certaine, c’est une belle évolution de la part de l’artiste et une facette encore méconnue d’Apparat. Qui sait où il nous emmènera après celui-là et quelles collaborations l’attendent dans un avenir rapproché?!

L'intégrale de notre émission, BONNE ÉCOUTE!

Avec notre capsule de Mon Étiquette c'est ma Casquette et ce mois-ci, on vous sert une triple portion de Jazz à la sauce contemporaine.

J’ai visionné dernièrement Sounds and Silence, un documentaire musical sur Manfred Eicher, le fondateur de l’étiquette ECM. Fondée en 1969, les lettres veulent dire Edition of Contemporary Music, donc une musique qui n’a pas peur d’innover. Elle se spécialise dans la musique Jazz qui métisse les genres avec des éléments de musique actuelle, de musique du monde et même de classique plus récemment. Le DVD nous donne un aperçu des musiciens et compositeurs avec une incursion dans leurs univers créatifs. On visite Arvo Part, Nils Bärtsch Ronin, Anouar Brahem et Jan Garbarek, entres autres talents signés par la maison de disque. C’est épatant de voir autant d’investissement de soi, d’écoute, de rigueur et de passion, d’être témoins de moments magiques entre des êtres particulièrement inspirés, talentueux aux visages lumineux. Juste assez de temps pour apercevoir une parcelle de leur génie. Je vous recommande chaudement de visionner ce film très bien réalisé pour approfondir vous connaissances sur la célèbre étiquette, c’est du temps et une somme bien investis! Pour l'occasion, je vous ai sélectionné 3 des récentes parutions sur le célèbre étiquette.

Le producteur Électro-minimaliste Ricardo Villalobos qui s’aventure en terrain moins familier avec un album de remixes des artistes qui se retrouvent sur l’étiquette ECM. Le chilien d’origine immigré en Allemagne, est actif depuis le début des années ’90 et se spécialise dans les genres Techno-minimaliste et Microhouse. Il a plusieurs remixes à son actif, dont certaines pièces de Senior Coconut, Sven Väth, The KLF, Beck et même de Depeche Mode, un de ses groupes fétiches. Pour l’album Re-ECM, c’est une création faite à partir d’enregistrements de différents artistes qui font un éventail de musique assez éclectique que Ricardo Villalobos a remanié à sa façon. Le disque double, s’inspire d’œuvres variés de musique contemporaine sur la réputé étiquette allemande. Plus près de la musique actuelle que du Jazz et l’Électro habituel, le traitement accordé à la musique sur ECM par l’artiste est bien plus que de simples remixes standards. Définitivement exploratoire, parfois même au point de se faire un peu hermétique et très épatant par sa diversité, en alternance entre des pièces toutes en douceur et des moments de déconstruction sonores. On retrouve à travers les 2 disques des passages très subtils et ambiants, d’autres fois beaucoup plus en relief et dérangeants, les collages musicaux entendus sur Re-ECM ne sont vraiment pas accrocheurs de prime abords, mais méritent une écoute approfondie pour mieux saisir l’essence de la démarche artistique de Ricardo Villalobos.

L’argentin Dino Saluzzi et son style particulièrement inspiré et singulier au Bandoneon. Lui qui n’a jamais su lire la musique joue à l’oreille et au feeling depuis les années ’70 et il n’est pas le genre de musicien à suivre les temps, il préfère de loin une forme plus libre pour que les pièces respirent. Il a collaboré avec de prestigieux artistes comme Charlie Haden, Al Di Meola et Enrico Rava. C’est d’ailleurs avec ce dernier qu’il a enregistré la trame sonore du film Volver du réalisateur Pedro Almadovar. Dino Saluzzi est devenu un précieux collaborateur au fil du temps, puisque lorsqu’on a besoin d’un accordéoniste, c’est lui qu’on appelle, sa virtuosité étant comparable seulement au génie d’Astor Piazzolla et son plus récent album, Navidad de los Andes en est une preuve supplémentaire!

La New-Yorkaise Marilyn Mazur, une percussionniste, compositrice, chanteuse et danseuse, une femme de pratiquement tous les talents finalement! Autodidacte, elle a définitivement une approche singulière qu’on peut déceler dès ses premiers enregistrements qui datent du milieu des années ’70. Elle a collaboré avec nul autre que Nils Petter Molvaer, le fameux trompettiste norvégien, avec lequel elle avait formé le groupe Future Songs. D’ailleurs, ce dernier a un tout nouvel album Baboon Moon, fraichement sorti au début du mois de novembre et avec son plus récent album Celestial Circle, c’est une autre parution à ne pas manquer!

Ceci n'est qu'un aperçu de ce que l'on peut voir et entendre sur le site des Frères du Son, pour en savoir davantage, c'est en rendez-vous sur notre site web et sur notre nouvelle page Fan sur Facebook pour être à l'affût de nos nouveautés!

Parution de la Semaine - 1er Novembre 2011

2011-11-09T18:18:00.001-05:00

Nils Petter Molvaer, le célèbre trompettiste norvégien est de retour avec Baboon Moon, un album plus texturé que jamais.

De son jeu feutré et créatif, le virtuose nous fait entrer dans une sorte de transe auditive. Très riche en arrangements par endroits, sinon épuré ailleurs, Nils Petter Molvaer revient avec un son à la fois plus Rock et plus planant, souvent en alternance au sein d’une même pièce. Des structures évolutives tapissent son plus récent opus où l’on sent l’artiste inspiré et en grand forme. Quelque part entre Bohren Und Der Club Of Gore (une des seules formations Doom-Jazz) et Erik Truffaz. Nils Petter Molvaer fait du Jazz, certainement, mais contemporain, voire exploratoire et pas seulement que du Jazz, mais des éléments de Rock-atmosphérique et de traitements électroniques sont largement employés par les musiciens. Une ambiance apaisante, mais que ne rend pas amorphe avec des passages plus intenses, énergisants et peut-être même un peu étourdissants par de rares moments, l’album Baboon Moon est définitivement rempli de surprises. Une touche psychédélique est présente, comme la pièce Recoil le démontre si bien, elle que l’on pourrait facilement qualifier de Jazz-Fusion, sans émuler Miles Davis pour autant. Certains moments plus introspectifs ailleurs sur le disque me font penser au travail d’un autre talentueux trompettiste et un compatriote norvégien, Arve Henrikson.

Nils Petter Molvaer - Baboon Moon via manou

Baboon Moon est une œuvre toute en relief, avec de fines subtilités au niveau des structures de pièces autant que les arrangements et très bien réalisée. À mon avis, jamais le trompettiste a aussi bien mis en valeur et aussi bien entouré. La guitare électrique est efficace dans son jeu sans se faire trop criarde ou présente, une basse bien ronde et une batterie lourde ajoutent beaucoup de profondeur aux compositions de Nils Petter Molvaer. L’artiste nous emporte dans son univers musical particulier avec une aisance sans pareille et c’est avec un grand plaisir, sinon un envoutement quasi total, qu’on se laisse prendre au jeu. On décèle aussi quelques percussions inusitées comme la Hang-Drum ou le vibraphone que je crois entendre sur quelques passages, avec le Theremin comme Portishead l’utilise si bien et le recours à des effets de bandes magnétiques (des Tape Effects sous vous préférez). Donc un album riche en instrumentation, malgré l’impression de minimalisme qui plane tout au long de notre écoute, mais je vous dirais que ce n’est pas seulement ceci qui plane bien souvent, mais nous également, avec Nils Petter Molvaer, c’est presque toujours garanti! Baboon Moon est un album qui est aussi parfois dissonant, dérangeant et déstabilisant, définitivement un disque aux multiples facettes qu’il ne faut pas passer à côté!

Molvaer et ses musiciens en studio pour l'enregistrement de la pièce Mercury Heat

Chef D'Oeuvre du Mois - Octobre 2011

2011-10-30T22:52:00.005-04:00

Ce mois-ci, je ne pouvais passer sous silence la parution d’All Things Will Unwind, le nouvel album de My Brightest Diamond, projet de la multi-instrumentiste Shara Worden, originaire de New-York et résidente de Détroit, où elle y a puisé son inspiration dans la beauté des usines désaffectées embellies par des fresques ou différente réutilisations des lieux.

Depuis ses débuts en 2006, elle a signé 3 albums, sans compter les nombreux remixes et elle a accumulée de précieuses collaborations pour en arriver à une réputation d’artiste inspirée et talentueuse. DM Stith est l’un de ses fidèles collaborateurs et sa voix sa marie parfaitement à celle de My Brightest Diamond, comme le démontre si bien leur duo sur la pièce Everything is In Line, la pièce qui a inspiré le titre de son plus récent disque. Attiré par tout ce qui est théâtral, Miss Worden ne se prive pas sur scène en ayant recours à des costumes élaborés qui varient selon ses humeurs. Be Brave, le premier extrait d’All Things Will Unwind avec son clip stylisé, ses arrangements à cordes et son intensité peu commune, ne pouvait faire autrement qu’interpeller l’auditeur et de le faire saliver à savoir quels autres bijoux musicaux se cachait sur son nouvel opus.

My Brightest Diamond - We Added It Up via My Brightest Diamond

My Brightest Diamond mélange allègrement des éléments de musique de chambre avec une approche similaire à l’opéra avec une bonne base Folk-Rock. L’ex-musicienne de Sufjan Stevens, s’inspire autant d’Antony & the Johnsons que d’un répertoire plus classique, sinon Jazz ou carrément Pop. On la compare à St. Vincent, Claire & the Reasons, Shannon Wright ou Soap&Skin et ce sont des parallèles très élogieux, vous pouvez me croire si vous ne connaissez pas encore, bref, prenez pas ma parole, allez plutôt écouter sans plus tarder, ça en vaut amplement le temps investis!

Je dois avouer que mis à part quelques pièces ultra accrocheuses, ce n’est pas dès la première écoute qu’on apprécie le plus récent enregistrement de My Brightest Diamond, il faut se laisser apprivoiser, se faire l’oreille en quelque sorte et c’est à ce moment que l’album se révèle sous toutes ses couleurs. All Things Will Unwind est un disque ambitieux, magnifiquement réalisé et tout en subtilités, avec ses messages cachés où il faut lire entre les lignes pour mieux saisir l’essence des textes. Un de ceux-là qui traversent le temps, inspiré au plus haut point et j’ose le dire, grandiose!

Intenses montage de séquences théâtrales pour le visuel de la pièce Be Brave

Parution de la Semaine - 25 Octobre 2011

2011-10-26T19:22:00.000-04:00

Tom Waits revient avec Bad As Me, un nouvel album dans la plus pure des traditions de l’artiste, sans se répéter pour autant.

Cette espèce de poète rabougris, bluesman crasseux qu’est son personnage de scène, possède un don pour raconter des histoires qui dépeignent des scénarios dans nos cerveaux avec ses textes toujours aussi métaphorique et philosophiques. On le sait, quand on est le pote à William S. Burroughs et Jack Kerouac, on peut difficilement faire autrement que d’avoir un univers particulièrement imagé et même légèrement dérangé. Tom Waits a le mérite de ne pas être tombé dans le panneau de devenir une caricature de lui-même et ce, malgré les décennies que sa carrière a traversée. Pour Bad As Me, ce 17e album studio, il nous revient avec une formule du genre Rock n’Roll intemporelle, avec une attitude un peu plus crooner qu’à l’habitude. Certaines fois, on pense à Nick Cave pour son intensité émotionnelle un peu déjanté et surtout les intonations empruntées par M. Waits.

Tom Waits - Bad As Me via Anti Records

Entouré de musiciens chevronnés, les guitares sont le fruit que nul autre que Keith Richards, l’illustre membre des Rolling Stones (avec lequel il chante un duo sur la pièce Last Leaf) partagé avec Marc Ribot, fidèle collaborateur de John Zorn et Mike Patton, Flea des Red Hot Chili Peppers à la basse et des légendes du Blues comme Charlie Musselwhite à l’harmonica et Big Joe Turner pour son groove indéniable. Parfois une ambiance de piano-bar noyé dans la fumée et rempli de personnages louches semble se dégager des pièces concoctées sur Bad As Me. D’autres fois, c’est un genre de rockabilly des années de la prohibition et musique similaire à celle de l’époque des boardwalks des années folles à New-York qui se dépeignent comme tableaux entre nos 2 oreilles, de sorte qu’on ne sait pas exactement quand ce disque a été produit. Des ballades mélancoliques et des valses débridées, dans la plus pure tradition de Tom Waits, figurent une fois de plus sur son plus récent enregistrement, mais aucun album de l’artiste ne serait complet sans unes de celles-ci!

Le vidéo de Tom Waits pour sa pièce Satisfied

Parution de la Semaine - 18 Octobre 2011

2011-10-21T21:03:00.000-04:00

Moholy-Nagy, c’est une formation qui fait un genre d’Électro à la sauce Post-Rock à la manière de Boards of Canada et Dextro sur l’album Like Mirage.

Le trio est le résultat d'une collaboration entre des musiciens de San Francisco et Berlin qui ont réalisé un disque certainement Ambiant, mais qui contient des éléments pas seulement planants, mais des textures plus rythmées que le style offre habituellement. Entre les subtiles nappes synthétiques se trouvent des percussions et une variété impressionnante d’instruments qui sonnent comme ils devraient sonner, donc on nage dans le concret, non seulement dans une atmosphère abstraite et éthérée. Avec Moholy-Nagy, on retrouve de vraies basses, batterie et des sons plus classiques au piano se font entendre un peu partout à travers Like Mirage, leur premier album, de sorte que les pièces entendues sur l’album ne font pas seulement qu’accompagner notre sommeil (quoi qu’elles puissent très bien faire l’affaire), mais sont assez stimulantes pour être écoutées avec une attention soutenue.

&amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://moholy-nagy.bandcamp.com/album/like-mirage"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;Like Mirage by Moholy-Nagy&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;&amp;amp;amp;amp;lt;/p&amp;amp;amp;amp;gt;

Les riches structures polyrythmiques captivent l’ouïe par les couchent successives de sonorités employés et la minutie avec laquelle elles ont étés conçues, tout est à sa place, calculé pour être agréable à entendre, ce qui en fait un disque qu’on retrouve successivement sur notre platine ou dans nos listes de lectures. Le piano est souvent mis en avant-plan, un peu à la manière des structures d’Ulrich Schnauss ou de Max Richter, drapé par des nappes de synthétiseurs et d’autres programmations plus ou moins subtiles selon les pièces. La spatialisation stéréo et l’utilisation d’effets ou de filtres sont judicieusement choisis, qu’on écoute cet album avec un casque ou un bon système de son, on le constate facilement. Au niveau de la dynamique musicale, on pense parfois aussi à la formation Tortoise pour l’aspect un peu plus tonifié de ce que Moholy-Nagy sait faire… Non mais quel nom tout de même, j’arrive à peine à le retenir tellement il est peu commun, des fois je me demande tellement où ils vont chercher l’inspiration pour leur appellation, mais bon, n’en reste pas moins que malgré un nom qui tient difficilement en bouche, le groupe a conçu tout un album avec Like Mirage, un qui sent l’escapade émotionnelle et le ressourcement!

Plaisir Coupable d'Automne 2011

2011-10-19T22:10:00.004-04:00

Sur le nouvel album de Puscifer, Maynard James Keenan, le chanteur du groupe Tool et A Perfect Circle revient avec Conditions of My Parole, leur deuxième enregistrement.

Puscifer, on s’en doute, c’est du Rock musclé, viscéral, avec une approche intense et théâtrale, avec une touche d’éléments synthétiques un peu partout sur l’album. L’image de la pochette est ridicule, tout comme l’était V is For Vagina, leur disque précédent, une image pas du tout représentative de ce que l’on y entend. J’adore la façon dont Maynard utilise sa voix, reconnaissable immédiatement pour n’importe-quelle personne qui a écouté un tant soit peu ce que fait la formation Tool, à la différence qu’on le sens plus libre d’explorer sur le plan musical et moins contraint à une formule, sauf sa manière de chanter qui demeure sa signature.

Puscifer - Green Valley (Conditions Of My Parole) via TJ.Zawsum

Prenant, tant au niveau des arrangements et des compositions qu’au niveau de la performance vocale, comme la pièce Green Valley en est un bon exemple, probablement l’un des moments les plus touchants de l’album Conditions of My Parole. Un genre de conte musical, une fable, une histoire se déroule au fur et à mesure que l’album avance et on comprend que nous avons ici un album-concept. Le CD a beau être douteux, si on ne se fie qu’à la pochette, mais il vaut la peine qu’on s’y attarde pour la diversité des avenues explorées. On passe par des genres d’odes mélancoliques, d’autres pièces purement Électro et des passages Rock-progressifs, sans sourciller. Le dernier de Puscifer est idéal pour tout amateur de ce que font les groupes Archive, UNKLE (dépendamment des contributions vocales), Tricky et Massive Attack.

Clip satyrique de Puscifer pour la pièce Conditions Of My Parole

Parution de la Semaine - 11 Octobre 2011

2011-10-15T21:13:00.005-04:00

Björk, cette magnifique fée Islandaise, revient avec Biophilia, un enregistrement envoutant et surprenant, même de la part d’une artiste aussi versatile.

Après autant d’années et pour ce douzième album (sans compter les enregistrements live), on pourrait croire que la formule s’essouffle, qu’on a enfin réussi à cerner son univers créatif, mais il n’en est rien. Björk réussi encore à nous dérouter, même si on n’attendait rien de moins de sa part, elle s’aventure dans des contrées plus expérimentales que jamais avec des envolées Drum n’ Bass, comme la pièce Crystalline, le deuxième extrait de Biophilia peut en témoigner. D’ailleurs, le clip pour cette pièce a été réalisé par le célèbre Michel Gondry et l’esthétique de la pochette du disque est directement tirée de son premier clip pour la pièce Moon. Sans se réinventer pour autant, c’est rafraichissant d’entendre Björk embarquer dans la veine Breakbeat pour plaire à la Bass Generation, surprenant qu’elle ne l’ait pas fait plus tôt, surtout que tout le monde se met à faire un style qui tourne autour du Dubstep de près ou de loin ces temps-ci! Les structures des pièces font appel à des instruments et des sonorités un peu déstabilisantes, des accords dissonants, un peu angoissants, comme une trame sonore pour un film d’horreur par moments. Les harmonies vocales sont bien présentes et très prenantes, un peu comme le travail qu’elle avait fait sur l’album Medulla.

Vidéo pour la pièce Crystalline de Björk réalisé par Michel Gondry

L’album Biophilia est une synthèse de tout ce que Björk fait si bien, une ode contre la paresse intellectuelle à l’ère de la stupidité, comme les paroles de la pièce Hallow le dépeignent si bien, si on se donne la peine d’écouter un tant soit peu attentivement… a voix et la musique ne sont certainement pas destinés au grand public, tout comme chaque enregistrement que l’artiste nous créée, à la différence qu’elle joue encore plus d’audace pour celui-ci. Les pièces sont étonnantes, puisque plusieurs d’entre elles débutent dans la plus pure tradition de l’artiste, pour muter complètement en quelque chose de beaucoup moins commun chez-elle, des compositions remplies de rebondissements du début jusqu’à la fin. Envoutant et apaisant par endroits, violent et viscéral ailleurs, l’album Biophilia est un périple émotionnel tout en relief, un peu comme le paysage Islandais, c’est la beauté des contrastes finalement!

Premier extrait vidéo pour l'album Biophilia avec la pièce Moon par Björk

Parution de la Semaine - 4 Octobre 2011

2011-10-10T22:09:00.014-04:00

Zola Jesus revient après la parution de 3 maxis et un disque complet, avec son deuxième album Conatus, celui qui affirme qu’elle mérite une place parmi les plus grands artistes musicaux de notre époque.

Zola Jesus est l’alter-égo que s'est créé Nika Rosa Danilova, originaire de Russie, une solitaire qui a grandie près de la forêt, dans le Wisconsin. La surdouée qui a terminé ses études secondaires en à peine 3 ans, est allée étudier dans le domaine des affaires au collège, après s’être rendue compte qu’elle ne se sentait pas à sa place, elle opta plus tard pour une formation en français et en philosophie. Attirée par le chant dès l’enfance, elle étudia le chant classique avant d’arrêter pour des troubles d’anxiété, sa voix et les résultats étant très insatisfaisants selon ses attentes. La jeune femme, qui dit s'être inspirée de Jésus et d'Émile Zola pour son pseudonyme, ne cesse de surprendre à chacune de ses créations, depuis Spoils, son tout premier album enregistré en hiver dans son appartement. Comment faire autrement? Avec son timbre de voix on ne peut plus singulier et une approche très théâtrale qui rappelle Kate Bush, Zola Jesus est un projet musical Électro-Pop atmosphérique aux accents Gothiques et aux élans expérimentaux.

Zola Jesus - Seekir via souterraintransmissions

Sur l’album Conatus, on sent que l’artiste nous présente son matériel le plus mature et aboutis à venir jusqu’à présent et on comprend facilement la reconnaissance critique et la réputation grandissante que Zola Jesus récolte depuis quelques années. L’esthétisme de la pochette et l'image utilisée par l'artiste reflètent l'ambiance dramatique et poignante du disque. 11 pièces avec lesquelles on ne s’ennuie pas une seconde, même qu’on trouve l’enregistrement, qui passe à peine au-dessus de la barre des 40 minutes, juste un peu trop court, malgré que ce soit plus qu’acceptable en termes de durée, on en redemande. On pense à Soap&Skin, Iamamiwhoami, Glasser et à Baths For Lashes, mais même si les comparatifs sont nombreux, n’en reste pas moins que Zola Jesus possède une approche créative qui lui est propre et se distingue suffisamment de ses contemporains pour éviter le piège de suivre une tendance.

Personnellement, rien m’a frappé autant depuis que j’ai fait la découverte de Fiona Apple à ses débuts, c’est probablement son âge, combiné à sa voix chaude et grave qui me m’emmènent à tracer ce parallèle. Avec son plus récent disque, on sent le potentiel d’une grande percée dans l’industrie musicale et une promesse d’un succès populaire qui ne sont qu’une question de temps avant que Zola Jesus soit écrit en grosses lettres sur les affiches des plus grandes salles de spectacles et un nom commun sur toutes les lèvres. Profitez-en pour aller la voir en spectacle dans des salles plus intimes pendant qu’il en est encore temps, c'est certain que vous n’en ressortirez pas déçus!

Clip de Zola Jesus pour la pièce Vessel de l'album Conatus réalisé par Jacqueline Castel

Concert du Mois - Octobre 2011

2011-10-08T20:48:00.005-04:00

La mythique formation britannique Portishead était de passage à Montréal, vendredi le 7 octobre dernier, après 11 ans sans avoir mis le pied en sol québécois. L’attente était excessivement longue pour revoir Beth Gibbons, Geoff Burrow et la bande venir nous éblouir au plus haut point, affirmer qu’elle en valait la peine est plus que peu dire et ce, malgré des attentes démesurées! Je pourrais vous dire que le spectacle de Portishead fût stimulant, enlevant, palpitant, poignant au plus haut point, mais ça ne suffirait vraiment pas à décrire l’expérience que les milliers de spectateurs présents ont vécue ce soir là.

Une représentation rodée au quart de tour nous attendait au Quai Jacques Cartier avec ces musiciens chevronnés, les mêmes depuis le célèbre spectacle immortalisé au Roseland Theater à New-York, entourent encore le noyau principal de la formation. Le trio semble plus à l’aise que jamais sur scène, enchaînant pièce après pièce, mêlant leurs plus connues aux plus obscures, avec les nouvelles comme celles qui ont fait connaître leur univers musical, devenu leur marque de commerce depuis le milieu des années ’90 et qui ne cesse d’évoluer, comme Third, leur plus récent album, peut en témoigner. Visiblement en grande forme, Beth Gibbons, l’organe vocal et l’âme du groupe, a donné une performance à couper le souffle, une du genre à enflammer la colossale foule rassemblée pour l’évènement, avec sa voix tellement prenante, poignante et souvent imitée, mais jamais égalée. Une ambiance fantomatique, mystérieuse et presque magique dominait pendant que les spectateurs baignaient dans la lumière d’une quasi pleine-lune en profitant d’un climat exceptionnellement clément pour le mois d’octobre lors de cette mémorable prestation viscérale.

Par contre, le prix d’entrée était un peu onéreux, surtout pour une prestation à l’extérieur, au moins, la sonorisation était très bonne pour un spectacle en plein air et l’écran géant derrière eux nous en mettait plein la vue avec la captations des membres du groupe en gros plan ou avec des angles particulièrement inspirés et les filtres utilisés dans les images projetées. On a même eu droit à une scène en animation pour venir agrémenter la magnifique et très touchante pièce The Rip, déjà que nous savions que c’était un spectacle à manquer sous aucun prétexte, après une telle performance, les mots ne suffisent plus à décrire l'expérience! Malgré que je n’aie pourtant pas tant l’habitude ni même de grandes croyances à ce niveau, je peux décrire les sensations que j’ai vécues pendant le spectacle comme l’ouverture de mes chakras du cœur et du ventre. Intenses et viscérales, tout en étant agréable, voire euphorisant comme expérience. Tout ce que je peux ajouter, c’est que Portishead a vraiment le don de produire des moments inoubliables!

Captation de l'interprétation de Glory Box par Portishead via yalber411

Chef-D'Oeuvre du Mois de Septembre 2011

2011-10-02T17:26:00.000-04:00

Death in Vegas revient en force avec l’album Trans-Love Energies, le premier depuis 2004 et une véritable fresque musicale!

Richard Fearless est le principal instigateur de la formation musicale, avec Tim Holmes qui s’est joint à lui en 1997. Après le précipité disque disque Satan’s Curse, à peine un an après la sortie de Scorpio’s Rising en 2005, le duo n’avait rien produit d’aussi excellent que The Contino Session, paru en 1999. Sur leur dernier opus, je crois que nos producteurs ont atteint un nouveau palier en termes de créativité et de singularité sonore. Une intensité peu commune se dégage des pièces de l’album Trans-Love Energies, à l’image du titre, on ressent souvent des points culminants dans leurs structures. Comme le crescendo entendu sur Savage Love, la dernière pièce du premier disque, qui me fait penser à ceux du groupe islandais Sìgur Ròs ou des mouvements empruntés à Godspeed You! Black Empreror, sur d’autres passages. Le disque 2 est pour sa part un peu plus synthétique que le précédent, surtout avec les remixes des pièces Your Loft My Acid et de Medication, cette dernière rendue pratiquement méconnaissable, disons que ce n’est pas rassurant comme ouverture! Disons seulement que le second disque ne perd pas de mordant face à la première partie du disque et qu’on retrouve 2 versions instrumentales des pièces de premier entre les 5 additionnelles, qui sont, somme toute, nécessaires au reste de l’enregistrement.

Aperçu de l'album Trans-Love Energies par Death In Vegas

L’attente d’autant d’années en ont valu la peine, tant au niveau de l’originalité du contenu qu’au volume de nouveau matériel que Death in Vegas nous préparait. Au menu sur Trans-Love Energies, des moments où on croirait pratiquement faire l’écoute de la trame sonore de 2001 l’Odyssée de L’Espace, le fameux film de Stanley Kubrick, surtout sur les pièces I.W.Y.L.A. et Fur 74, éthérées à la limite du possible. Avec des ambiances empruntées au Techno-minimaliste, le Rock-psychédélique, le Dub et même la musique Industrielle, les influences fusent de tous les côtés. Un fil conducteur, un arrangement pour ensemble à cordes revient à travers les deux disques de l’album, puisqu’entre la programmation, les synthétiseurs et les traitements sonores se cachent des instrumentations acoustiques. Majoritairement instrumentales, les compositions sont très riches en instrumentation, avec des arrangements saisissants et des structures originales sont de la partie sur le dernier album du collectif. Bref, Death in Vegas a réalisé une œuvre plus orchestrée et grandiose que jamais sur Trans-Love Energies.

Premier extrait de l'album Trans-Love Energies de Death in Vegas

Parution de la Semaine - 27 Septembre 2011

2011-09-30T20:09:00.004-04:00

La formation londonienne Plaid revient avec Scintilli, son 9^e album, doté d’une sonorité pratiquement indescriptible et une œuvre d’art qui gagne à être écoutée.

Depuis ses débuts en 1991, alors sous le nom de Black Dog Productions, mais plus officiellement actif depuis 1995, le trio devenu duo composé d’Ed Handley et d’Andy Turner nous a présenté des albums dans la veine Électro-expérimental, aux accents Ambiants et minimalistes et certains éléments tout simplement 8-bit et IDM dans la plus pure des formes par d’autres moments. Cette fois-ci, c’est plutôt tous les styles confondus qui semblent être au menu, on ressent des influences Techno-Punk à la Prodigy par moments, des élans Post-Industriels à la manière de Nine Inch Nails ou Stabbing Westward (ça trahit mon âge, je le sais), mais interprété plus subtilement que ces derniers. Fait à noter, avant d’être signée par Warp, la formation a brièvement lancée des parutions sur Nothing Records, l’étiquette à Trent Reznor, ce qui explique bien des choses au niveau des nappes sonores similaires à ce que l’on aurait pu entendre sur le disque Ghost des Nine Inch Nails. Scintilli, c’est leur premier album officiel depuis le magnifique Spokes, paru en 2006, si on ne compte pas la bande sonore pour le film Heaven’s Door et pour le manga Tekken Kinkreet. Plaid a également 6 EP à leur catalogue et Induction, une compilation exclusive en téléchargement sur le site de Warp Records.

Plaid - Missing (Scintilli) sur Warp Records

À l’image d’un objet d’art, chacun fait sa propre interprétation de ce qu’ils ont devant eux, on dirait que c’est le message que Plaid nous envoyer, puisque la version deluxe de Scintilli vient avec un genre de présentoir, un peu comme un mobile pour exposer le disque, un concept original et différent de ce qu’on voit habituellement.

Si vous pensez vous avoir fait à l’idée de ce qu’ils font, la pièce suivante vous fera sans doute changer d’opinion, puisqu’elles se succèdent, mais ne se ressemblent pas, ce qui n’empêche pas l’album d’avoir un fil conducteur malgré le registre varié. Scintilli est un enregistrement très éclectique, sans pour autant être complètement décousu, mais j’avoue qu’il n’est vraiment pas facile à suivre, variant d’un style à l’autre selon les pièces du disque, de manière à devenir un peu plus difficile d’approche aux premiers abords. Sans pour autant être hermétique, on ressent l’exploration musicale à chaque tournant, tout en ayant une base Pop psychédélique et même certains emprunts à la vague Dubstep, comme on dirait que personne ne peut s’y échapper ces derniers temps. Les pièces sont majoritairement instrumentales, mis à part l’utilisation de vocal complètement méconnaissable ou d’instruments traités de manière à ce que l’on croit que ça pourrait être des voix avec beaucoup de traitement sonore. Les structures des compositions de Plaid sont assez irrégulières, complexes, mais en gardant une bonne base accrocheuses, avec de la polyrythmie omniprésente tout au long de l’album.

Vidéo soigné pour la pièce 35 summers avec Natasha Lau & Sukka

Parution de la Semaine - 20 Septembre 2011

2011-09-25T13:07:00.002-04:00

Alias, un des plus grands producteurs de Hip-Hop underground, revient avec l’album Fever Dream, en nous démontrant qu’il a encore le rythme dans le sang et qu’il y a toujours moyen de faire preuve d’originalité dans le créneau.

Actif professionnellement depuis 1998, ayant produit depuis 7 albums, 5 maxis, sans compter ses nombreux remixes et maintes collaborations à son actif (comme avec Sole, Doseone, Lali Puna et bien d’autres encore), Alias est réputé pour la création de solides structures musicales qui rassemblent des éléments de DJ Shadow, Cut Chemist et des nappes sonores à la manière de Cinematic Orchestra ou Blockhead. Ses pièces sont majoritairement instrumentales, mis à part les parcelles lyriques empruntées par ses échantillons, c’est probablement l’un des plus récents et présents ajouts pour son plus récent enregistrement, l’artiste nous emmène ailleurs, tout en gardant sa signature. Paru depuis le 30 Août, l’album Fever Dream est sorti officiellement sur le marché canadien le 20 Septembre, c’est à ne pas manquer pour tout amateur de ce qui se fait dans le champ gauche de la scène Électronique et Hip-Hop! Attention, ce disque créé une dépendance, tenez-vous le pour dit!

Alias - Wanna Let It Go (Fever Dream / Anticon 2011

Alias excelle toujours autant au niveau de la production d’œuvres axées sur la rythmique a réalisé un enregistrement plus subtil et en finesse que jamais. Entraînant, aux accents Hip-Hop omniprésents, avec des choix intéressants au niveau de la pléthore d’échantillons utilisés, où l‘on croit reconnaître du Fatboy Slim au passage et où on détecte des envolées vocales un peu plus kitsch à la Rick Astley, sans être aussi sulfureux. Fever Dream s’éloigne un peu de ce que l’on pouvait s’attendre de lui, sans se réinventer complètement, Brendon Whitney, l'homme derrière le pseudonyme, nous entraîne dans un univers parsemé de personnages familiers et met la table pour des ambiances très atmosphériques, propice à la création autant qu’à la détente. Un autre album stimulant sur l’étiquette Anticon (fondée en partenariat avec l'artiste) qui confirme qu’on a pas fini d’attendre d'eux et d’entendre de la bonne musique si on se donne la peine de sortir un tant soit peu des sentiers battus et quand on se donne la peine de chercher, il n’y a aucune raison de dire qu’il n’y a plus rien qui se fait de bon sur la scène musicale actuelle, ais aux blasés et rabougris de ce monde!

Alias & Ehren avec le montage vidéo pour leur pièce Back & Forth