CABINE DE CINEMA (E.E.)

'Nossa Senhora do Nilo'

2023-01-04T20:19:00.003-08:00

O filme "Nossa Senhora do Nilo", dirigido por Atiq Rahmi, narra a história de meninas de etnias tutsi e hutu, que estudam juntas numa conservadora escola de elite católica, antes do golpe militar de 1973, em Ruanda, na África Centro-Oriental. O longa é baseado no romance autobiográfico da escritora tutsi Scholastique Mukasonga e foi premiado com o Urso de Cristal da Mostra Generation 14Plus no Festival de Berlim 2020.

O diretor afegão Atiq Rahmi divide a narrativa do filme em quatro momentos: a inocência, o sagrado, o sacrilégio e o sacrifício. Apresenta o cotidiano das meninas, filhas de políticos influentes e famílias abastadas, que viviam sob o regime de internato escolar, distante da realidade sócio-política do país. Destaca ainda o forte processo de aculturação promovido na região pelos belgas e, principalmente, pela igreja católica francesa; a discriminação e os conflitos identitários refletidos nas meninas do instituto; o aumento da tensão entre as etnias tutsi e hutu; e os eventos que se seguiram com o estabelecimento da Ditadura Hutu de Juvénal Habymariana.

A rivalidade entre as etnias tutsi, hutu e twa existe desde a formação do Reino de Ruanda, mas foi estimulada pelos colonizadores europeus alemães e belgas, favorecendo os tutsi. Durante o processo de descolonização e o fim da monarquia, a partir da Revolução Ruandesa, em 1950, e a independência de Ruanda, em 1962, os hutus assumiram o poder e iniciaram a perseguição à população tutsi. Com o golpe militar de 1973, apoiado pela França e a Bélgica, os tutsi se refugiaram nos países vizinhos, principalmente Uganda. A crise econômica e a pressão política externa pela volta da democracia aumentou o revanchismo entre as etnias. Na década de 1990, explode uma guerra civil no país, em que milícias tutsi da Frente Patriótica de Ruanda (FPR) realizam uma contraofensiva para tentar tomar o poder. Em 1994, o presidente Habymariana assinou um acordo para por fim ao conflito, com o compromisso de novas eleições, mas foi considerado traidor pelos extremistas hutus. O assassinato do ditador, em abril daquele ano, foi o pretexto para o genocídio contra os tutsi. Mais de um milhão de pessoas, entre tutsi e hutus, foram mortos entre 1990 e 1994.

O cineasta explora o universo das meninas do instituto que viviam sob o rígido controle de uma ideologia colonialista, racista e machista, apesar do país ter se tornado uma república independente em 1962. Os sonhos românticos, as crenças africanas e a descoberta da sexualidade são reprimidos por um sistema opressor e religioso, que vai determinar o destino das adolescentes.

A personagem Virginia (Santa Amanda Mugabekazi) é baseada nas experiências da escritora, sendo o fio condutor da narrativa. Ela e sua amiga Veronica (Clariella Bizimana) estudam no instituto devido a uma cota étnica obrigatória, porém sofrem discriminação por serem de origem tutsi, descendentes da antiga monarquia ruandesa. Por esse motivo, as meninas são invejadas por Gloriosa (Albina Sydney Kirenga) e Modesta (Belinda Rubango Simi), descendentes dos hutus, a etnia responsável pela instauração da República em Ruanda. O conflito será determinante para o desfecho da trama.

Apesar de narrar fatos trágicos da história de Ruanda, o longa apresenta momentos de suavidade e beleza, mostrando o despertar da adolescência, a relação entre o sagrado e o profano, entre o ser humano e a natureza, assim como o universo mágico e místico da cultura ruandesa. Com boas interpretações, "Nossa Senhora do Nilo" é um filme que vale a pena conferir.

Elisabete Estumano Freire

Ficha Técnica

Direção: Atiq Rahimi

Roteiro: Atiq Rahimi e Ramata-Toulaye Sy, baseado no livro homônimo de Scholastique Mukasonga

Produção: Charlotte Casiraghi, Marie Legrand, Rani Massalha, Dimitri Rassam

Elenco: Santa Amanda Mugabekazi, Albina Sydney Kirenga, Angel Uwamahoro, Clariella Bizimana, Belinda Rubango Simbi, Pascal Greggory

Direção de Fotografia: Thierry Arbogast

Desenho de Produção: Françoise Joset

Montagem: Hervé de Luze

Gênero: drama, histórico

País: França, Bélgica, Ruanda, Mônaco

Ano: 2021

Duração: 93 min.

Estreia: 05/01/2023

Lançamento: Pandora Filmes.

'Gemini- O planeta sombrio"

2023-01-02T16:41:00.002-08:00

"Gemini- O planeta sombrio" é um longa de ficção científica e suspense, dirigido pelo diretor russo Seric Beyseu, com roteiro de Natalya Lebedeva e Dimitriy Zhigalov. O filme narra a história de uma missão espacial que tem por objetivo terraformar um planeta distante, sendo a última alternativa para salvar a humanidade de uma catástrofe ambiental global provocada por um vírus letal e desconhecido.

De acordo com o roteiro, a missão era possível devido as descobertas referentes a uma esfera e um motor alienígenas, encontrados no subsolo terrestre. Esses artefatos, datados de bilhões de anos, seriam os responsáveis pelas condições climáticas que deram origem à vida. Os cientistas tinham a missão de transportar esses objetos para a formação da Terra 2.0 no chamado Sistema TESS.

Uma equipe tripulada sob o comando do Dr. Steve Ross (Egor Koreshkov) seria responsável por enviar os artefatos ao planeta escolhido e fazê-los funcionar. Contudo, durante a viagem, algo dá errado e compromete o sucesso da missão. É quando os tripulantes descobrem a presença de uma criatura alienígena a bordo da aeronave espacial.

A narrativa é centrada na obsessão do Dr. Steve Ross em completar a missão a qualquer custo e na relação dele com a cientista Dra. Amy (Alyona Konstantinova). O filme abusa dos clichês, fazendo várias referências a produções do gênero, como a franquia "Alien" e "O predador". Algumas cenas são emblemáticas nesse quesito. Também há um certo esforço dos roteiristas em problematizar as relações espaço-tempo e as motivações éticas dos personagens, envolvendo o discurso cientificista, a moral e as questões pessoais, mas os conflitos e os diálogos são trabalhados na superficialidade. O suspense provocado pelo ataque do invasor alienígena é prejudicado pela falta de fluidez na edição, as interpretações não convencem e o espectador fica refém dos flashbacks para tentar entender a narrativa.

Fazer referências a clássicos hollywoodianos do gênero de ficção-científica e suspense não é o problema central de "Gemini: O Planeta Sombrio", mas sim o modo como foi feito. Apesar de um bom argumento, o filme apresenta vários problemas no desenvolvimento da narrativa e dos personagens, perdendo em originalidade. Com uma boa fotografia e efeitos especiais razoáveis, o filme possui até alguns momentos interessantes, porém não surpreende.

Elisabete Estumano Freire.

Gemini- O Planeta Sombrio

Ano de produção: 2022

Duração: 1h38m.

Direção: Seric Beyseu

Coprodução: Rússia-Chipre

Lançamento no Brasil: 02/02/2023

A Queda (The Fall)

2022-09-29T10:23:00.001-07:00

Um filme de tirar o fôlego. O longa de suspense "A Queda" (The fall), narra a história de Becky (Grace Fulton) e Hunter (Ginny Gardner), duas amigas que decidem escalar uma antiga e isolada torre de rádio com mais de 600 metros de altura. O resultado é um filme com cenas fortes e muita tensão, principalmente para pessoas que têm medo de altura.

Dirigido por Scott Mann, o filme conta com a participação de Jeffrey Dean Morgan (The Walking Dead, Supernatural), que interpreta o pai de Becky e de James Corner, que atua como o marido Dean. Após um acidente traumático, Becky se isola de todos e Hunter decide ajudar a amiga, incentivando-a a encarar um novo desafio: uma antiga torre de rádio no meio do deserto.

Durante a viagem, as duas presenciam sinais de que o pior pode acontecer. No entanto, ambas prosseguem com o planejado. Após o momento de euforia, um novo acidente ocorre impossibilitando que elas possam descer da torre. A partir daí, começa uma luta pela sobrevivência e diversas tentativas de chamar por socorro.

Em meio a angústia da situação, segredos são revelados e as personagens refletem sobre a vida. Entre sentimentos de dor e desesperança, as amigas buscam manter a sanidade para encontrar uma saída para descer da torre.

A construção da narrativa possui várias referências ao mestre do suspense Alfred Hitchcock, principalmente os clássicos do cinema "Vertigo" e "Os Pássaros". O roteiro explora as armadilhas do subconsciente em momentos de grande exaustão e tensão, assim como os conflitos que submergem entre as personagens centrais da trama.

Com um roteiro inteligente, o diretor consegue manter o suspense até a última cena, num espaço reduzido de atuação dos atores. Há também um jogo com o espectador, que pode cair numa armadilha entre o real e o irreal da situação, a partir do ponto de vista dos personagens. Os efeitos visuais podem causar sentimentos de angústia, medo e vertigem, principalmente por causa das cenas de altura.

O longa também alerta para o perigo das escaladas, principalmente entre os jovens que buscam por emoções fortes. Também nos faz refletir sobre as relações humanas e, principalmente, sobre a necessidade que muitos jovens têm em se colocar em situações de risco com o objetivo de obter, a qualquer custo, uma maior visibilidade nas redes sociais.

Elisabete Estumano Freire

'Amigo Secreto' (2022), de Maria Augusta Ramos

2022-06-15T13:45:00.000-07:00

Reavivar a memória dos acontecimentos políticos com um olhar crítico é fundamental para a permanência de uma sociedade democrática, principalmente quando se está em jogo o futuro do país. É isso que a cineasta e documentarista Maria Augusta Ramos faz em seu novo trabalho Amigo Secreto, um filme que é extremamente importante para ser visto e debatido neste ano eleitoral.

O longa apresenta um percurso cronológico, a partir de 2016, dos eventos que envolveram o modus operandi da Operação Lava Jato da Polícia Federal, coordenada intelectualmente pelo então juiz Sérgio Moro e o ex-Procurador da República, Deltan Dallagnol. A prisão do ex- presidente Luís Inácio Lula da Silva, às vésperas das eleições de 2018, e a ascensão de Jair Bolsonaro à Presidência da República é analisada a partir das revelações da Vaza Jato, uma série de reportagens publicadas pelo jornalístico The Intercept Brasil.

Em parceria com o jornal El Pais, e outros veiculos da grande imprensa, as investigações do The Intercept Brasil escancararam os bastidores de uma política feroz de integrantes da extrema direita contra os governos de esquerda. E colocaram em evidência a importância do retorno do jornalismo investigativo, negligenciado por muitos veículos de comunicação que se tornaram meros reprodutores das instituições, sem questionar as informações repassadas e as intenções de seus interlocutores.

A partir da análise dos jornalistas, juristas e advogados, a documentarista pontua as contradições e o direcionamento intencional nas investigações da Lava Jato, com a utilização indiscriminada e ilegal das prisões e delações premiadas. Também mostra o crescimento das manifestações contra as instituições democráticas, principalmente o ataque ao Poder Judiciário por simpatizantes do governo e pelo próprio Poder Executivo. Faz um paralelo com os acontecimentos históricos da ascensão da ideologia nazista, e registra a interferência norte-americana no governo e nas investigações da polícia federal brasileira, mostrando como a soberania nacional vem sendo atacada.

O documentário também chama atenção para aspectos de um novo modelo de política intervencionista não mais centrada no poder das armas e da implantação de regimes ditatoriais, mas que busca brechas no jurídico e no legislativo para manter o controle político, ideológico e financeiro do país. É o chamado Lawfare, ou seja, a utilização da lei ou dos procedimentos legais como arma de guerra política, em que o direito é usado pelos agentes do sistema para atingir o inimigo.

O longa também contextualiza os acontecimentos que afligiram a nação, como a aceleração da devastação na Amazônia e a pandemia do Covid-19. Enquanto a nação sofria com a falta de recursos nos hospitais públicos, como oxigênio e respiradores, causando milhares de mortos, o governo federal e seus ministros reagiam com descaso e falta de gestão eficaz. A prioridade era atacar seus opositores políticos, as instituições democráticas e intimidar a sociedade e os jornalistas.

A documentarista Maria Augusta Ramos, que também é diretora de O Processo e Morro dos prazeres, filmes premiados internacionalmente em festivais em Berlim, Suíça, Portugal e Espanha, entre outros, apresenta em Amigo Secreto, um filme crítico que não analisa somente o momento político que vivemos, mas também retoma a discussão do papel da imprensa e da importância do jornalismo investigativo praticado com ética e comprometido em defender a democracia. É também um filme que nos faz refletir sobre a construção do pensamento jurídico, os perigos da degeneração do direito e seus discursos de legitimação, abalando os pilares das instituições democráticas.

Elisabete Estumano Freire.

Sinopse

Em 2019, a entrada do ex-juiz Sergio Moro no governo Bolsonaro e o vazamento de mensagens trocadas por ele com procuradores e autoridades abalam a credibilidade da Operação Lava Jato. Um grupo de jornalistas acompanha os desdobramentos do caso, enquanto o país mergulha em uma sequência de crises que começa a ameaçar a sua democracia.

Com

Carla Jiménez

Regiane Oliveira

Marina Rossi

Leandro Demori

Ficha técnica:

Direção e roteiro: Maria Augusta Ramos

Direção de fotografia: Diego Lajst

Som direto: Fernando Akira

Montagem: Karen Akerman

Montagem adicional: Eva Randolph

Direção de produção e pesquisa: Zeca Ferreira

Edição de som e mixagem : Mark Glynne, Tom Bijnen

Finalização e correção de cor: Jan Jaap Kuiper, Michiel Rummens

Produtor executivo: Maria Augusta Ramos, Felipe Lopes, Ilja Roomans

Produtores: Maria Augusta Ramos, Christian Beetz, Ilja Roomans, Silvia Cruz

Uma coprodução: Vitrine Filmes, ZDF in association with ARTE

Uma produção: Nofoco Filmes, GebroedersBeetz Filmproduktion, Docmakers

Patrocínio: IREE, Grupo Prerrogativas

Esse filme teve o apoio de: Netherlands Film Fund e The Netherlands Film Production Incentive

Apoio: Fenae, Trupe do Filme

Nada a esconder

2020-03-25T00:13:00.000-07:00

Dirigido por Fred Cavayé, o filme "Nada a esconder" (Le Jeu, 2018) é a versão francesa do longa italiano Perfetti sconosciuti (2016), uma comédia dramática de Paolo Genovese.

O filme narra o encontro de amigos que se reúnem para um jantar, durante um eclipse total da lua. No transcorrer da reunião, eles decidem realizar um jogo perigoso: todos deverão ler em voz alta qualquer tipo de mensagem recebida em seus respectivos smartphones e atender em viva voz as chamadas telefônicas. O resultado disso são revelações pessoais que envolvem intrigas, traições e preconceitos.

O longa original fez enorme sucesso e ganhou o David di Donatello, o oscar italiano, e o prêmio da crítica, Nastro D'Argento. Também levou o Globo de Ouro de 2016 na categoria melhor comédia, além de outros prêmios, como o de melhor roteiro no Tribeca Film Festival e no Bari Internacional Film Festival. A história, aparentemente simples, transformou-se num verdadeiro fenômeno mundial. Como a telenovela colombiana "Yo Soy Betty, La fea", o roteiro do italiano Paulo Veronese vem ganhando várias versões pelo mundo afora: espanhola, mexicana, chinesa, coreana, turca...enfim. Em cada remake, os diretores tentam imprimir seu toque pessoal, com ênfase ou não no aspecto fantástico do roteiro.

Na versão francesa, Fred Cavayé fez um excelente trabalho de direção de atores. Há uma ênfase no jogo de olhares e na postura corporal. Desde o começo da trama é possível perceber pequenos detalhes sobre a psicologia dos personagens. Há um cuidado em evidenciar alguns elementos cênicos, muito mais que na versão italiana. O diretor constrói uma narrativa repleta de pistas para os espectadores mais atentos, como uma espécie de indicador dos acontecimentos futuros.

Destaque também para o trabalho da fotografia, a cargo de Denis Roudon, e de edição, de Mickael Dumontier, em perfeita sintonia com o jogo cênico. Os enquadramentos e a movimentação de câmera revelam um olhar de observador à espreita, sem perder nenhum evento, sustentando uma atmosfera de mistério.

No filme de Cavayé, os anfitriões do jantar são Marie (Berénice Bejo) e Vincent (Stephane de Grodt), que divergem quanto à criação de sua filha Margot (Fleur Fitoussi). Eles convidam os casais de amigos: Charlotte (Suzanne Clément) e Marco (Roschdy Zem), que possuem uma relação explosiva; o taxista Thomaz (Vincent Elbaz), recém casado com Léa (Doria Tillier); e o professor de educação física Ben (Grégory Gadebois) e sua misteriosa namorada.

À medida que o jogo vai avançando, os personagens vão revelando seus segredos. O mote do enredo: na era da tecnologia digital e das redes sociais, os celulares não são mais um inocente meio de comunicação, mas se tornaram quase como uma espécie de "caixa preta" das vidas dos indivíduos. São dispositivos eletrônicos que carregam a intimidade de seus proprietários.

A adaptação francesa aposta na sutileza das interpretações, mantendo a essência do original italiano. O aspecto fantástico está presente, mas não é o primordial neste filme. Diferente, por exemplo, da versão espanhola, de Álex de la iglesia, que explora o sobrenatural. O longa de Cavayé também é mais ambíguo e cheio de nuances, distinto da versão mexicana, de Manolo Caro, em que os conflitos são resolvidos de maneira mais seca e direta.

Em Le Jeu podemos observar uma nítida linha de construção psicológica, em que os personagens estão separados por diferentes pontos de vista, padrões de comportamento e status social. Mais que um jogo, as situações revelam um humor ácido, mas também o drama pessoal por detrás das aparências. Destaque para as atuações de Berénice Bejo, Suzanne Clément, Stephane de Grodt e Grégory Gadebois.

As versões francesa, espanhola e mexicana podem ser encontradas na Netflix.

Elisabete Estumano Freire.

Dilili em Paris

2020-03-02T01:35:00.003-08:00

Uma viagem no tempo da Bèlle Époque. O filme de Michel Ocelot, "Dilili em Paris" é a aventura de uma menina imigrante pela capital francesa. A narrativa, cheia de referências a personalidades de destaque das artes, das ciências e da política, também traz uma mensagem de luta contra a opressão, o racismo e o machismo.

No início da narrativa, Dilili, uma menina nascida na tribo Kanak, original da Nova Caledônia, arquipélago localizado na Oceania, região ultramarina francesa, é vista como o elemento exótico pelos franceses. Cansada de ser objeto de observação, decide virar o jogo e ser ela quem investiga. Com a ajuda de seu novo amigo, Orel, um jovem trabalhador, ela começa a explorar a cidade e as pessoas. É quando fica sabendo das atividades criminosas dos "mestres do mal", uma misteriosa organização responsável pelo sequestro de crianças. Esperta e corajosa, a menina decide buscar o paradeiro das vítimas e seus algozes.

Juntos, os amigos partem para uma aventura descobrindo as belezas de Paris, mas também seu submundo. Nessa trajetória, Dilili vai conhecer os expoentes da cultura e da ciência na França do final do século XIX, percorrer os grandes centros culturais e de diversão, como os teatros, os museus e o cabaré Moulin Rouge.

Incorporando fotografias das paisagens parisienses como cenário da animação, Ocelot realiza um trabalho sofisticado. No imaginário de sua narrativa também reúne várias personalidades de época, como a professora, feminista e ativista política Louise Michel; a cientista vencedora do Nobel de física Marie Curie; o cientista e bacteriologista Louis Pasteur; os pintores Pablo Picasso, Claude Monet e Auguste Renoir; a cantora lírica Emma Calvet e até o aviador brasileiro Santos Dumont.

Apesar de fazer referência à Belle Époque, a história de Dilili é, na verdade, uma atual crítica social e política da França. Ao evidenciar o sentimento de rejeição que a criança sofreu por sua cor de pele, o animador também chama atenção para a crescente xenofobia contra imigrantes, principalmente aqueles oriundos do antigo império colonial.

Embora nascido na França, Ocelot passou a maior parte de sua infância na Guiné e conheceu bem essa realidade. Deste modo, o cineasta desenvolve não apenas uma história sobre choque de culturas, mas busca trazer uma reflexão sobre a questão da alteridade. Critica o olhar preconceituoso e a intolerância sobre o outro, aquele que é considerado o diferente pela cultura hegemônica.

O filme também questiona a concepção de uma sociedade machista que busca objetificar a mulher e desumanizá-la. Personifica em Dilili a voz da resistência, apesar de sua fragilidade de criança. A menina enfrenta o preconceito e desafia os perigos, ainda que esteja sob a constante mira dos "mestres do mal".

"Dilili em Paris" é uma animação destinada não somente às crianças, mas também a jovens e adultos.

Elisabete Estumano Freire.

Dilili em Paris (2018)

Direção: Michel Ocelot

Classificação etária: 10 anos.

Betty em Nova Iorque

2020-02-27T21:26:00.000-08:00

O seriado "Betty em New York" (2019), produzido pela Telemundo Global Studios, emissora televisiva norte-americana pertencente ao grupo de comunicação da NBCUniversal, é uma releitura sofisticada e atualizada da telenovela "Yo soy Betty, la fea" (1999) do Canal RCN da Colômbia.

Ambientada em New York e Miami, nos Estados Unidos, a história de Betty segue os padrões da novela colombiana, mas não é totalmente fiel ao roteiro original, apesar de manter a storyline e pontuar situações importantes da trama de Fernando Gaitán. A versão da Telemundo é uma homenagem ao roteirista e produtor colombiano da RCN. que faleceu de infarto em 29 de janeiro de 2019.

O remake também é uma edição comemorativa dos 20 anos do fenômeno mundial "Yo soy Betty, la fea". A telenovela colombiana foi originalmente exibida no período 25/10/1999 a 08/05/2001, num total de 169 capítulos. Considerada a produção de maior sucesso do gênero, entrou em 2010 para o livro Guiness World Record, por ter sido transmitida em mais de 100 países, dublada em mais de 15 idiomas e com 22 adaptações.

No Brasil, foi exibida pela primeira vez em sua versão original, pela RedeTV! entre 2002-2003, totalizando 342 capítulos, tornando-se a novela de maior audiência da história daquela emissora. Foi reprisada duas vezes: 2004-2006, em 332 capítulos, e em 2013, em 192 capítulos. A versão mexicana da Televisa, "La fea más bella", foi exibida no Brasil pelo SBT, em 2006. Dois anos depois, estreava no SBT "Ugly Betty". a primeira versão norte-americana, em formato de série. Entre 2009-2010, a TV Record produziu e exibiu a versão nacional, "Bela, a feia" estrelado por Gisele Itié e Bruno Ferrari. E finalmente, em 2020, o SBT lança no Brasil a versão da Telemundo como "Betty, a feia em N.Y", que também pode ser conferida no Canal Netflix, em modo streaming.

Elenco, personagens e roteiro

Para os fãs da novela colombiana, a comparação com a versão da Telemundo, principalmente na interpretação dos atores, é inevitável. A dupla Betty (Elifer Torres) e Nicolás (Maurício Garza) é quase adolescente, mas os personagens são mais empoderados. Ainda na primeira fase da história, Betty já começa a se posicionar diante de Nacho (Gabriel Coronel) e Armando (Erick Elias), além de Daniel (Rodolfo Salas) e Marcela Valência (Sabrina Seara). Nicolás, por outro lado, utiliza-se de várias estratégias para defender sua melhor amiga de Armando e dos demais acionistas de V&M, além de dar um novo rumo ao seu relacionamento com Patrícia Fernandez (Sylvia Sáenz).

Nos primeiros capítulos é a atriz Elifer Torres, como Beatriz Aurora Rincón, quem carrega a trama. Sua atuação como Betty faz jus a interpretação da colombiana Ana Maria Orozco. Já a composição de Erick Elias como Armando Mendonza causa, inicialmente, certo estranhamento, sendo bem menos intensa que a de Jorge Enrique Abello. O ator, porém, vai aos poucos encontrando o tom de seu personagem. O mesmo ocorre com Sabrina Seara, na pele da personagem Marcela Valência, interpretada na versão original por Natália Ramirez.

Um dos grandes acertos de "Betty em N.Y." é, com certeza, Sylvia Sáenz como Patrícia Fernandez. Assim como Lorna Paz/Cepeda, Sáenz soube dar o tom cômico e dramático da personagem. É claro que a inesquecível interpretação da "peliteñida" de Lorna é inigualável, porém Sáenz não ficou atrás e fez um excelente trabalho como "pattycakes". Outro destaque é a atuação de Héctor Suárez Gomis na pele do egocêntrico estilísta Hugo Lombardi, interpretado originalmente por Julián Arango.

O remake traz outras novidades. Há variações nos dramas pessoais das integrantes do "Pelotón de las feas" ("Quartel de Las Feas"). O mesmo ocorre com a história de Daniel Valência (Rodolfo Salas) e Ricardo Calderón (Aarón Diaz). Na versão colombiana, o melhor amigo de Armando, Mário (Ricardo Velez), era mulherengo, manipulador e, ao mesmo tempo, cômico. Na versão Telemundo, Ricardo é mais sedutor, problemático e rivaliza com Daniel Valência em vilania.

Em "Betty em NY" o folhetim de Fernando Gaitán ganha novas nuances, em conformidade com os tempos atuais. Há várias transposições: espacial, para a ilha de Manhattan e a cosmopolita Nova Iorque; temporal, relativa aos primeiros vinte anos do século 21, de um mundo globalizado, informatizado e interconectado pelas novas tecnologias da era digital e redes sociais; e comportamental, baseada numa perspectiva de visão de mundo dos personagens mais contemporânea, crítica e em consonância com a luta pelos direitos sociais, trabalhistas e de igualdade de gênero.

Técnica, cenário e narrativa

A Telemundo investiu alto na produção e pós produção para dar mais realismo ao projeto e uma qualidade de imagem cinematográfica. As filmagens em locações externas, como o heliporto, o Central Park, a estação de metrô de NY, a Wall Street e a periferia de Manhattan, localizam a história de Betty. Além disso, a construção de um gigantesco set, com riqueza de detalhes, realiza o contraste do luxuoso mundo da moda novaiorquino e o cotidiano suburbano de Betty, Nicolás e dos demais empregados da V&M.

Desde que a versão colombiana foi ao ar, em 1999, o avanço das tecnologias digitais e o surgimento das redes sociais transformaram o cenário das relações humanas. 20 anos depois, os acontecimentos são noticiados em tempo real através da internet, os celulares viraram smartphones e tablets, a comunicação pessoal é feita através de aplicativos de mensagens como o Whatsapp e o Telegram, e a vida privada é publicizada através das redes sociais. No tempo do Facebook, Youtube, Instagram, do armazenamento dos dados em nuvem e dos crimes da internet, os eventos relacionados a história de Betty são adaptados a essa nova realidade.

As mudanças comportamentais dos personagens evidenciam um novo olhar, em consonância com as demandas socioculturais da atualidade. Deste modo, a história de Betty apresenta uma narrativa mais crítica, questionando a falta de ética profissional, o machismo, a intolerância, a prática do bullying, as relações abusivas e o assédio sexual.

Na versão da Telemundo, há uma busca pela desconstrução de alguns estereótipos, principalmente em relação às personagens femininas, que são colocadas numa posição mais positiva e proativa frente aos conflitos. É o que acontece, por exemplo, com as personagens de Betty, Marcela, Sofia e Sandra. Conceitos como sororidade e protagonismo feminino também são evidenciados nas falas dos personagens.

As relações homoafetivas também são percebidas de maneira mais respeitosa. O personagem de Armando apresenta uma faceta menos machista e agressiva, principalmente ao que diz respeito a Patrícia Fernandez e Hugo Lombardi. Novos personagens e elementos são incorporados à trama, movimentando a dinâmica da narrativa de "Betty em N.Y", mesclando drama, romantismo, suspense e humor, além de dar novo frescor ao folhetim de Fernando Gaitán.

Paralelo a produção da série, a Telemundo também realizou "Por detrás da câmera de Betty em N.Y.", mostrando os bastidores dos sets de gravação, a construção dos cenários, as locações externas e os recursos tecnológicos na produção e pós-produção. Com direção de Luís Manzo e Fez Noriega, a série teve como produtor executivo Marcos Santana.

Uma homenagem aos atores e personagens de Fernando Gaitán

Para os mais nostálgicos, a Telemundo proporcionou uma singela e emocionante homenagem à versão original de "Yo Soy Betty, La Fea". O ator colombiano Jorge Enrique Abello fez uma breve participação especial em "Betty em N.Y". Foi o encontro, no presente, do passado e do futuro do personagem Armando Mendonza. Uma cena belíssima, representando uma quebra no espaço-tempo da diegese das duas produções. Um momento de grande simbolismo que mostra que a obra de Fernando Gaitán se eterniza na dramaturgia contemporânea.

Elisabete Estumano Freire.

BACURAU

2019-09-08T18:34:00.001-07:00

Bacurau, novo filme de Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, é uma alegoria da resistência do povo brasileiro e, principalmente nordestino, contra a opressão, o preconceito e o imperialismo estrangeiro. O longa, ovacionado nos principais festivais internacionais, foi vencedor do Prêmio do Júri no Festival de Cannes e do prêmio de melhor filme na Mostra CineMasters Competition do 37° Festival de Cinema de Munique (Filmfest München).

A história se passa num futuro distópico, porém não muito distante da realidade brasileira. Bacurau é um vilarejo do sertão nordestino onde falta tudo (remédios, alimentos, água, etc.), só não falta consciência política. Acostumados com a vida sofrida, esquecidos do poder público, os habitantes de Bacurau estão cansados das promessas eleitoreiras e não se deixam mais enganar. Unidos, eles criam uma rede de proteção para sobreviverem contra ataques externos. Entretanto, o vilarejo começa a ser alvo de uma onda de violentos e misteriosos crimes.

Com um estilo que nos remetem às alegorias cinematográficas de Glauber Rocha, Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles também utilizam o recurso da criação de um território imaginário como metáfora do Brasil. Em Terra em Transe (1967), o cenário é a província de Alecrim, capital de "Eldorado", fictício país atlântico, palco de um golpe de estado; em Bacurau (2019), na fictícia cidade do sertão nordestino, há uma tentativa feroz de aniquilamento de seu povo.

A narrativa é construída numa atmosfera fantástica, explorando o imaginário místico e sobrenatural do interior do país. O filme evidencia o uso das tecnologias de comunicação, o terrorismo e a desumanização das relações de poder. Coloca em pauta questões como dominação cultural e econômica, políticas imperialistas e ideologias racistas, mostrando um país dividido pela intolerância e preconceito regional. O roteiro enfatiza a resistência do povo que, mesmo oprimido, ainda encontra forças para lutar por sua dignidade e liberdade.

O longa possui uma tessitura singular, reunindo num mesmo projeto convenções de diferentes gêneros cinematográficos: da ficção científica ao drama rural, passando pelo suspense, filmes de cangaço e serial killer. A opção, na montagem, de fazer referências a obras icônicas da cinematografia é uma surpresa à parte. Por outro lado, a trilha musical mistura diferentes ritmos e sons, trazendo a musicalidade do nordeste, além de incorporar o eletrônico e o pop internacional.

O filme é uma coprodução Brasil-França (CinemaScopio do Recife; SBS de Paris), que reuniu um elenco internacional. Destaque para a atriz Sonia Braga, no papel da Dra. Domingas; Karine Teles como a forasteira; e o ator alemão Udo Kier (Suspiria, Garotos de Programa, Berlin Alexanderplatz) que interpreta o misterioso Michael. No elenco, temos ainda as presenças de Barbara Colen (Aquarius), Silvero Pereira, Thomas Aquino, Antonio Saboia, Rubens Santos e Lia de Itamaracá.

Bacurau abriu o Festival de Cinema de Gramado de 2019 e recebeu convites para ser exibido em mais de 100 festivais e mostras. Aclamado internacionalmente, teve os direitos de distribuição vendidos para 30 países, incluíndo salas de cinema, home vídeo e streaming para os EUA, Canadá, Reino Unido, França, Japão, Bélgica, Luxemburgo, Holanda, República Tcheca, Taiwan, em países da América Latina e Escandinávia.

Elisabete Estumano Freire.

Simonal

2019-08-08T15:58:00.002-07:00

Dirigido por Leonardo Domingues, a cinebiografia "Simonal" narra a trajetória de Wilson Simonal de Castro, um dos cantores brasileiros mais populares das décadas de 1960 e 1970.

O filme mostra o início da carreira, quando o cantor deixa a banda "Dry Boys" para trabalhar com Carlos Imperial. A partir daí, o artista conquista seu espaço e começa uma trajetória de sucesso, culminando com o célebre show no Maracanãzinho, em 1969. Transformado em garoto propaganda da Shell, a multinacional do Petróleo no Brasil, Wilson Simonal começa a dar os primeiros passos numa carreira internacional.

Tudo parecia ir bem até que ele descobre estar falido financeiramente. É quando tem início o drama pessoal do artista. Simonal é acusado de ser o mandante do sequestro e tortura de seu ex-contador por agentes do Departamento de Ordem Política e Social - DOPS. O cantor é indiciado, preso e perseguido pela imprensa, ganhando a alcunha de "dedo-duro" da classe artística.

O longa de Domingues narra esta história controversa, tentando redimir o artista. Realizado com a colaboração de Max de Castro e Wilson Simoninha, filhos do cantor e responsáveis pela trilha sonora, a cinebiografia é uma espécie de desdobramento do documentário "Simonal - Ninguém sabe o duro que dei" de Cláudio Manoel, Micael Langer e Calvito Leal, que também contou com a participação de Leonardo Domingues, na pós-produção.

O diretor, que também assina o roteiro em parceria com Victor Atherino, faz um recorte no tempo, mostrando o auge e a derrocada de um ídolo da música brasileira. A cinebiografia não aprofunda no passado do personagem, mas tenta apresentar algumas nuances da psicologia do artista, retratado como um homem um tanto rude, porém narcisista e de grande talento.

Considerado o primeiro showman brasileiro, o cantor possuía uma enorme presença de palco, sabendo como ninguém comandar a plateia. Dono de uma voz e de um carisma inigualável, Simonal soube se destacar no cenário artístico brasileiro. Tido como culpado por alguns e injustiçado por outros, a história de sua vida, desconhecida pelas novas gerações, é o retrato de uma época de medo, censura e violência política.

Numa conjuntura de grande repressão, Simonal cantava a "pilantragem" e as maravilhas de ser brasileiro, praticamente ignorando a situação política do país. Esse tipo de postura para um artista de grande projeção nacional não era bem visto pelos que lutavam pela volta da democracia. Por outro lado, o filme enfatiza que o artista denunciava o racismo no Brasil e que o seu sucesso incomodava boa parte da crítica especializada, além do próprio DOPS.

O filme não aborda os últimos anos da vida do cantor, que tentou voltar aos palcos inúmeras vezes, mas foi simplesmente expurgado do meio artístico. A narrativa é construída no sentido de justificar as ações de Simonal no episódio que marcou o fim de sua carreira musical. Ele surge como alguém deslumbrado pelo poder que conquistou, vítima de sua própria arrogância, declarações infelizes e revolta. De origem humilde, o cantor não estava preparado para lidar com a fama repentina e com o mundo dos negócios. Sentindo-se traído e roubado, ele optou pelo politicamente incorreto, agindo por impulso e pela força, sem medir as consequências de seus atos. Esse foi o seu maior erro.

A interpretação de Fabrício Boliveira é poderosa, intensa. O ator consegue captar nuances da personalidade de Simonal, dentro e fora dos palcos. Ísis Valverde, que interpreta Tereza, a primeira esposa, também tem bons momentos e a química entre os dois atores funciona. Algumas cenas são fortes, como os conflitos entre o casal, resultado também de certas liberdades do roteiro.

O filme apresenta uma narrativa circular, em flashback, pontuada por imagens de arquivo do Rio de Janeiro da década de 1960. A produção prima pelos detalhes, com direção de arte e figurino impecáveis, a cargo de Yurica Yamazaki e Kika Lopes. A fotografia de Pablo Baião tem dois momentos de destaque: dois planos-sequência muito bem elaborados, mostrando o apogeu e o ostracismo do artista.

Mesmo após a sua morte, em 2000, resultado de problemas com o alcoolismo, muitos mantém a tese de que o artista foi realmente delator. Em 2002, a pedido da família, a Comissão de Direitos Humanos da OAB realizou uma investigação nos arquivos nacionais concluindo que não há nenhum registro de que o ex-sargento do exército fosse colaborador dos órgãos de repressão da Ditadura Militar. Wilson Simonal foi moralmente reabilitado em julgamento simbólico, em 2003.

O filme conta ainda com o seguinte elenco: Leandro Hassum, Mariana Lima, João Velho, Caco Ciocler, Bruce Gomlevsky, Letícia Isnard, Silvio Guindane, e as participações de Rafael Sieg, João Sabiá, Lilian Menezes e João Viana, entre outros.

Elisabete Estumano Freire.

Dedo na Ferida

2019-07-17T13:22:00.001-07:00

"Dedo na Ferida", de Silvio Tendler, discute a lógica do capital e o controle que a elite financeira dos países tem sobre as democracias nacionais, principalmente das nações mais pobres.

Utilizando uma narrativa baseada em entrevistas com autoridades de fala, o cineasta faz uma análise sobre as mazelas do grande capital que põe em risco as democracias contemporâneas. Mostra que o discurso de permanente crise financeira é essencialmente ideológico, com o objetivo de justificar a política de manutenção das desigualdades sociais.

Acompanhando a rotina de um trabalhador do subúrbio carioca e de artistas populares, o cineasta faz um paralelo de como a lógica do capital especulativo e predatório atinge as populações mais pobres através do ataque aos direitos dos trabalhadores. Mostra como a mercantilização dos espaços produz bolsões de pobreza, como as favelas. De uma maneira quase didática, o cineasta traduz o discurso econômico, esclarecendo as razões pelas quais as políticas dos governos nacionais beneficiam as grandes empresas e os bancos. Deste modo, revela as causas da crise econômica, apontando as disparidades dos lucros dos donos do capital em consonância às políticas de austeridade dos países menos desenvolvidos, como o Brasil.

Para traçar um panorama do cenário contemporâneo mundial, Tendler registrou depoimentos de cineastas, jornalistas, políticos, sindicalistas, historiadores e economistas. Entre os quais, podemos citar: o ex-ministro de finanças da Grécia, Yanis Varoufakis; o ex-ministro das Relações Exteriores do Brasil, Celso Amorim; o vice-presidente do Novo Banco de Desenvolvimento-Brics, Paulo Nogueira Batista Jr; o cineasta Costa-Gravas; intelectuais das Universidades de Coimbra (Portugal), Universidade de Nova Iorque (EUA), Universidade Carlos III (Espanha); além de economistas da Pontíficia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP), da Universidade de Campinas (Unicamp) e Universidade de São Paulo (USP).

O documentário faz uma análise dos reflexos das crises do capitalismo, desde a quebra da Bolsa de Nova Yorque, em 1929, até o estouro da bolha imobiliária nos Estados Unidos, em 2008. Revela dados da economia mundial, comparando o crescimento da pobreza e a falência dos estados nacionais, com o fortalecimento do poder das grandes corporações financeiras e midiáticas.

O filme mostra ainda as consequências da crise no Brasil e no mundo, com o fim do Estado de Bem Estar Social. Através de um narrativa analítica, o filme descortina o modo como essas elites interferem nos governos dos países, utilizando a imprensa para convencer a sociedade a aceitar uma política de recessão e cortes das subvenções sociais. O longa enfoca as consequências da crise financeira nas democracias da América Latina, assim como em Portugal, Espanha e Grécia.

Apesar de trabalhar com um assunto árido, a política e economia mundial, Tendler consegue dar o seu recado. Com um discurso direto, "Dedo na Ferida" aborda as causas e os fundamentos ideológicos do velho discurso de alteridade financeira e arrocho salarial, assim como a luta dos movimentos populares contra essa política nefasta.

Como resultado, apresenta as tensões sociais, conflitos, dramas de comunidades inteiras e tragédias pessoais. Mostra como uma pequena elite, formada por bancos, seguradoras, fundos de investimento, grandes corporações empresariais e conglomerados de mídia, comanda os destinos dos recursos do planeta.

Com a ajuda da história, da economia e da filosofia, pontuando a narrativa com frases de grandes pensadores, o cineasta faz um paralelo entre esses dois mundos que parecem muito distantes, mas são duas faces da mesma moeda. O lucro das grandes corporações financeiras é responsável pelo aumento exponencial do número de miseráveis no planeta, principalmente nos países do chamado Terceiro Mundo.

Em 48 anos de carreira, Silvio Tendler produziu e dirigiu 80 obras, sempre pautado por um olhar de cunho histórico e social, com ética e responsabilidade. Seu mais recente trabalho, "Dedo na Ferida" é, acima de tudo, um filme-denúncia sobre o panorama da política financeira internacional e como ela afeta o Brasil e os demais países ao redor do mundo. Um documentário que mistura uma reflexão poética com a sofrida realidade dos fatos políticos atuais.

"Dedo na ferida" foi eleito como melhor documentário no Festival do Rio 2017 e premiado com menção honrosa na Mostra Competitiva do Festival de Cinema Político da Argentina (FICIP), em 2018.

Elisabete Estumano Freire