Por Gonzalo Santis Brown.

Carmen Luz Parot se tituló de periodista en la Pontificia Universidad Católica de Chile, y dedicó sus primeros años de profesional a trabajar en el diario La Época y en los canales Rock & Pop y Canal 13. Incluso, se dio el lujo de trabajar junto al grupo musical Inti-Illimani. Sin embargo, su pasión por la historia y la investigación la llevaron a realizar los documentales Víctor Jara: El derecho de vivir en paz y Estadio Nacional, dos obras de gran reconocimiento social y cultural, que reflejan lo que significa este género en su carrera. “Me gusta el tema del documental porque hay reflexión, no es publicidad ni propaganda, y los documentalistas hacemos que las mismas personas hablen y que cada persona que vea ese mundo o esa historia y pueda sacar sus propias conclusiones”, cuenta Carmen.

¿Por qué un documental de Víctor Jara?

Había una censura total a la figura de uno de los más grandes artistas chilenos de todos los tiempos. Esa figura no solo había sido asesinada sino que había un intento burdo por destruir su legado. Pero él siempre va a estar en la gente, su música se va a cantar de generación en generación. Entonces, lo que hice fue tratar de recuperar esa historia que estaban tratando de hacerla desaparecer.

¿Cómo fue ese proceso de recuperación?

Ese documental lo empecé a realizar cuando ya llevábamos 10 años de democracia y no se había hecho nada sobre la figura artística y creativa de Víctor Jara. Me propuse contar su historia porque pensaba que más bien era un deber de nuestra generación. Me acuerdo que se rescató mucho material como su último concierto, que es una de las cosas más valiosas del documental. También lo de una norteamericana que había venido a estudiar a Chile, que había grabado con su cámara o lo de la Universidad de Chile, que había salvado algunos telecine anteriores a los 70.

¿Pasó algo parecido con Estadio Nacional?

Terminando de hacer Víctor Jara: El Derecho De Vivir En Paz nace inmediatamente este nuevo documental, porque en una entrevista que le hago a Ángel Parra me cuenta que estuvo en el estadio más de dos meses y eso me impresionó. El Estadio Nacional fue un lugar donde había una organización del Estado que pagaba sueldos a interrogadores, asesinos, personas que están a cargo de casinos, limpieza, es un lugar de detención sin cargos ni proceso que estaba en el corazón de Santiago. De esta manera me interesó mucho conocer la historia de personas que estuvieron en ese lugar.

Y cómo fue ese camino…

Recuerdo que puse un aviso en el diario porque siempre acá los políticos son los presos más famosos, pero la verdad es que allí estuvo representado todo el pueblo de Chile. Historias de personas que escuchaban fuerte la música o que usaban el pelo largo que fueron detenidas. Me impresionaba que hasta el 2003 todavía no se hiciera ninguna investigación y fue un punto importante para realizar el documental, al cual le dedique tres años de mi vida.

¿Qué significó en su carrera hacer estos documentales?

Primero el valor de la investigación, de la perseverancia… siempre me ha gustado investigar, la búsqueda de archivos, es un tema que me apasiona mucho. Trabajo con mucho cariño con el material y, sobre todo, con la historia. Hay que dedicarle el tiempo que se merece a las historias, y eso siempre lo he realizado. Para ser documentalista hay que observar con paciencia y tratar de abrirse para comprender las cosas, eso lo da la experiencia.

¿Cómo surge la idea de hacer Chile en Llamas?

Me llamaba mucho la atención esto de observar lo que pasa alrededor de uno. La cantidad de casos que hubo a fines de los 90 y comienzos del 2000 relacionados con obras artísticas fue un tema interesante. Desde la obra de teatro Prat, o La Última Tentación de Cristo, que llevaba 15 años sin verse y era una bataola, la clausura de una exposición de fetos de silicona, entre otros, y me empiezo a dar cuenta de que a través de las obras de arte, los artistas provocaban ciertas reacciones en un mundo ultra conservador. De esta manera, comienzo a registrar con mi cámara estos escándalos uno tras otro, para representar esa lucha épica contra la censura.

¿Es una serie documental que deberían ver todos los chilenos?

Claro que sí… Es una serie documental que le fue muy bien y agradezco a Chilevisión por haber confiado en un producto tan difícil, porque viendo cómo está la televisión hoy era un programa difícil de dar. Tuvo buenos resultados, ya sea por lo que mostraba, como por la investigación. En lo personal fue una buena experiencia.

Anécdotas musicales de Renata Ruiz y Rodrigo Salinas

La modelo y el comediante serán los protagonistas de “VTR Stage”, el programa que acompañará toda la previa a Lollapalooza 2016. Conversamos con ellos sobre sus recuerdos musicales y preferencias para el festival que se viene este 19 y 20 de marzo.

RENATA: De Luis Miguel a Florence and The Machine

¿Cuál es tu primer recuerdo musical de infancia?

El primer cassette que me regalaron fue de Sucupira. El segundo fue de Blur y ahí me empecé a entusiasmar con el sonido pesado. Sentía que lo que se escuchaba en mi casa, que era directamente Chayanne o Luis Miguel, me parecía súper soso y lánguido. Yo necesitaba algo más fuerte. Y cuando conocí a Blur, que ahora es una de mis bandas favoritas, entendí que necesitaba algo más y ahí comenzó mi búsqueda. Fue cuando tenía como 10-11 años.

¿Qué tipo de música es la que más te gusta?

¿A qué artista del festival te gustaría conocer y por qué?

Creo que como voy a estar transmitiendo en los dos días del festival, voy a tener acceso a todos los artistas, entonces…este año voy a intentar conocer a Florence And The Machine, porque creo que es una artista súper importante en términos de abrir la industria a la música femenina. Creo que la música femenina tiene como un desnivel o un atraso con respecto de los artistas hombres, y creo que artistas de la talla de Florence Welsh pueden marcar el camino para que las mujeres nos atrevamos más y ojalá las niñas agarren la guitarra y también se enamoren desde pequeñitas de la música.

¿Cuáles son tus recomendados para este festival?

Mis recomendados para este Festival Lollapalooza Chile, son súper feministas, porque me gusta Alabama Shakes porque van a traer un repertorio mucho más amplio y vamos a poder ver sus jamming sessions. Y recomiendo también a Florence And The Machine que es una persona muy talentosa y va a cerrar el festival como corresponde.

SALINAS: De ELO a Snopp Dogg

¿Cuál fue el primer disco o artista que escuchaste?

Lo que primero recuerdo haber escuchado fue The Beatles porque mi papá me hizo escuchar el Sargent Pepper en vinilo y después me lo pasó a cassette. Él nos cantaba mucho cuando éramos chicos, por ejemplo, la Pérgola de las Flores me la sé entera, El Hombre de la Mancha del Quijote también me la sé entera. Y a mi mamá le gustaba harto Serrat, así que tenía ese tipo de influencia. Después mis tíos me empezaron a mostrar otros grupos; el primero que me llamó la atención fue Electric Light Orchestra y Pink Floyd. Otro tío me mostró los Hall & Oates y por una tía también supe de la Olivia Newton-John. Yo creo que Olivia Newton-John fue la primera mujer que me gustó… me gustaba mirarla, pero mi canción favorita de ella fue Xanadú que es un tema que hizo con Jeff Lynne. Para mí esa canción es una cima musical.

¿Tuviste alguna vez una banda?

Con Rodrigo Lagos y Luis Muñoz tuvimos un grupo que se llamó “Los Últimos En El Ranking” y nuestro sueño era ser el número 1 en el ranking. Sacamos un cassette muy malo que por ahí tiene que andar. Y después hice otro grupo que se llamaba Sonora Kiltraza y después ya fue 31 Minutos. Yo no soy de escuchar música en los trayectos, sino en la casa, tranquilo. En disco, en vinilo.

¿A qué artista te gustaría ver en el festival?

Snoop Dogg. Todos los músicos queremos estar con Snoop Dogg, estar con él, conversar. No hay músico que no quiera conversar con Snoop Dogg. Creo que tiene que ver con la tranquilidad, la paz de Snoop Dogg, ya se la quisiera el mundo.

¿Te gustaría presentarte en Lollapalooza?

Es mi sueño, estoy haciendo todo este programa por llegar a un escenario. Me encantaría que alguien me descubriera. Me he esforzado mucho. Me presenté en los Premios Pulsar, yo mismo. Mandé una canción al Festival de Viña a la competencia folklórica. No quedé. Pero hice el trámite, estoy haciendo todos los trámites para tratar de ser un músico. La independencia es difícil.

¿Qué te parece participar en un programa que lleva uno de los festivales más importantes del país a todo Chile?

Ser parte de la familia VTR para mí es un honor. Tienen la energía, el entusiasmo, la música, y la posibilidad de que se vea por todo Chile. La experiencia Lollapalooza es muy entretenida de vivirla. Me recuerda las semanas del colegio.

VTR STAGE | Desde el 1 al 17 de marzo (martes y jueves) | 22:00 | Canal Lollapalooza (101 y 701 en HD)

El próximo domingo 6, Film & Arts estrena la sexta y última temporada de la exitosa serie británica que, a través de sus conflictos, romances, contexto histórico y vestuario, entregó una valiosa mirada sobre la evolución del género a principios del siglo XX. Aprovechando que este 8 de marzo se conmemora el “Día Internacional de la Mujer”, hacemos un repaso por los hitos más importantes de las protagonistas de esta historia y sus intensas historias de amor, sufrimiento, lucha y liberación.

Por Mariana Callejas P.

Lady Mary, Sybil, Edith, Violet, Anna, Cora, Isobel y la sra. Hughes son algunas de las mujeres memorables que nos ha regalado Downton Abbey. Ideas propias, experiencia y valentía son los valores que se repiten entre estas mujeres que son un fiel reflejo de un periodo histórico convulsionado y lleno de cambios. Revisamos acá los hitos femeninos de la serie inglesa que este mes estrena su sexta y última temporada.

Política

Lady Sybil, fue el primer personaje femenino que se mostró dispuesta a expresar sus ideas liberales y abogar por el derecho a voto. Así, la vemos participando de mítines políticos y enamorándose del chofer del castillo, el irlandés revolucionario Tom Branson. En la quinta temporada también conocemos a Sarah Bunting, una profesora socialista que no oculta su rechazo a la vida de lujos de Downton y que incluso se atreve a desafiar al mismo Lord Grantham. Con el triunfo del partido laborista en los años 20 además, las ideas de igualdad y justicia social llegaron también al piso de los empleados del castillo especialmente a oídos de la impetuosa Daisy quien, aprende a sacar la voz y a exigir más valoración por su trabajo.

La evolución de la moda

Conocemos a estos personajes en una época en la que aún se sentía la influencia de la era victoriana y se usaba el incómodo corsé que tanto incomodaba a Lady Sybil. De hecho fue justamente ella quien causó risas y asombro en su familia cuando decide lucir con gracia un pantalón al estilo árabe; una prenda impensada en esa época. Acorde van pasando los años, las prendas se vuelven más prácticas y el look andrógino tipo “Coco Chanel” cautiva a las mujeres de la clase alta. Memorable es el momento en que Lady Mary se atreve con una clásica melena “bob” (el corte de pelo -valga la redundancia- más corto que las mujeres habían usado hasta ese entonces). Más adelante, incluso, la vemos usando corbata.

Maternidad fuera del matrimonio

El doble estándar moral y el machismo, sin duda, eran fantasmas contra los que han tenido que luchar las mujeres de Downton. Triste es la historia de Ethel, una de las sirvientas que es despedida de la casa luego de involucrarse sexualmente con un hombre de clase alta. Al tiempo después la vemos volver como madre soltera, situación que le cuesta el desprecio de todos quienes la rodean y que finalmente la incita a entregar a su hijo a sus abuelos. Un destino aún por resolver en la sexta temporada es el de Lady Edith. La hija del medio de los Crawley queda embarazada de un hombre con el que se iba a casar y que desaparece en extrañas circunstancias. Alentada por su tía, Edith inventa unas vacaciones en el extranjero para dar a luz a su hija sin que nadie se entere y, luego, dejarla en manos de una familia de campesinos.

Sexualidad

Aunque la serie no profundiza en el aspecto religioso (se sabe sí que profesan la religión anglicana), se observa la importancia de ciertos principios morales como, por ejemplo, evitar el sexo prematrimonial. O al menos, así era en teoría. En la quinta temporada vemos como Lady Mary, quien desde un principio se mostró más “liberada” en ese aspecto, decide dar “un paso más allá” antes de comprometerse o no con su pretendiente de turno. Con la intención de evitar contratiempos, envía a su doncella Anna a comprar a la farmacia algo que, se asume, es un preservativo. La actitud prejuiciosa que adopta la vendedora con la sirvienta demuestra cómo el tema de la anticoncepción y la autonomía sexual de la mujer se encontraban aún en pañales.

El silencio

Si hay alguien que sufre en Downton Abbey, esa es Anna. La doncella de Lady Mary primero debe luchar contra viento y marea para casarse con su amado Sr. Bates. Juntos, enfrentan su tiempo en prisión y, luego, sufre un ataque sexual que decide mantener en silencio por mucho tiempo. Anna es un claro ejemplo del nivel de fortaleza de las mujeres de clase baja de la época quienes, tratando de cumplir el rol sumiso que les imponía la sociedad, guardaban en silencio todas las injusticias y abusos de las que eran víctimas. El compañerismo del género era, en estos casos, casi el único consuelo en estas situaciones; un hecho que vemos de manifiesto en el apoyo que encuentra la sirvienta en la Sra. Hughes y en la misma Mary.

“Nuestra meta con el programa es presentarle a la audiencia cosas que no sabían”, le dijo Murphy a Variety agregando que “Todos sabemos sobre este caso que ha formado parte de nuestra cultura” y “Yo pensé que ya lo sabía todo acerca del caso, (…) hasta que leí los dos primeros guiones y me di cuenta que había mucho que desconocía”.

La serie televisiva trata sobre el juicio de O.J. Simpson desde la perspectiva de los abogados involucrados en el caso llevado a cabo en los años 90s. El show explorará las caóticas negociaciones que se realizaron entre la defensa y la fiscalía durante este famoso litigio. Por otro lado, la ex estrella de Friends, David Schwimmer, interpretará al abogado Robert Kardashian, mientras que Cuba Gooding Jr. será el encargado de darle vida al personaje de O.J. Simpson. Sarah Paulson, conocida por sus roles extremos en American Horror Story a través de todas sus temporadas, interpretará el rol de la fiscal Marcia Clark.

Para Murphy fue muy importante capturar correctamente la historia para asemejarla lo más posible con los matices de la vida real: “Estas fueron personas reales”, reveló el productor ejecutivo, y aseguró que quiso dar su mejor esufuerzo para que la serie resultara lo más original y real posible, para serle fiel a la historia y los personajes involucrados en ella. Murphy confesó que se sintió nervioso sobre el contexto histórico del caso, pero que considera que el resultado cumplió sus expectativas. El proyecto fue fuertemente examinado por el equipo legal de la cadena FX, y según Murphy, cada línea fue revisada por al menos cinco abogados.

El guión fue una parte clave para sumar a John Travolta al elenco, que se une al género de las series, se sumó al proyecto al interpretar al abogado Robert Shapiro. Travolta comentó que “Lo que yo quería investigar antes era si esto se trataba de un placer culposo o de un proyecto serio. Al darme cuenta de la calidad de la escritura fue cuando decidí ser parte del programa”.

La historia está basada en el libro de Jeffrey Toobin titulado ‘The Run of His Life: The People v. O.J. Simpson’ y estrena hoy a las 22:00 horas por FX y FX HD (761).

Por Mariana Callejas P.

Los tatuajes y el cable han hecho buenas migas. Varias series y realities sobre la vida y obra de los artistas más “cool” del ambiente se han vuelto habituales en la programación y han logrado conquistar gran atención en el público (tanto de los fanáticos de la tinta como de aquellos que aún no se atreven con ella). Sin ir muy lejos, podemos recordar la visita de la estrella Megan Massacre en febrero del año pasado. Formando parte del primer Jägermeister Summer Ink, la estrella de NY Ink pasó una tarde entera sacándose fotos con cientos de fans que admiraban su look y soñaban con ser tatuados por ella.

Este año, en la segunda edición de esta convención que reúne a tatuadores y tatuados en Valparaíso, una nueva figura internacional viene a cautivar con su belleza y talento. Se trata de Katherine “Tatu Baby” Flores, la participante del reality Ink Master que fue parte de la segunda temporada y regresó en la tercera, a pedido del público. Conversamos con esta chica de padres colombianos que vive en Miami sobre su visita y aplaudida carrera de tatuadora:

Te conocimos participando en el reality Ink Master ¿cómo fue esa experiencia?

Fue muy difícil y desafiante, pero aprendí mucho, tanto como artista como persona. No estoy segura por qué recibí tanto apoyo, yo sólo entré muy enfocada en hacer lo que yo amo y pienso que, quizás, la gente se sintió identificada con mi actitud.

¿Cuánto ayudó a tu carrera aparecer en televisión?

Mucho. Todo cambió porque mi trabajo pasó de ser conocido por unas pocas personas en mi ciudad a ser conocido ahora por todo el mundo.

¿Te gusta el mundo de la televisión? ¿Te gustaría aparecer en otro programa?

Sí, me siento muy cómoda en la televisión y frente a la cámara. Además me gusta mucho la actuación así que me encantaría volver a participar en otro programa.

Eres una mujer muy guapa y llamativa ¿Cómo te sientes explotando tu faceta sexy?

La verdad es que no me siento sexy todo el tempo. Puede ser que suba a mis redes sociales una foto en la que poso sexy, pero la realidad en mi vida cotidiana se reduce a ropa cómoda y trabajar mucho. Me siento muy cómoda con mi cuerpo y puedo entender que puedo atraer cierto tipo de atención y, como todo en la vida, eso viene con cosas buenas y malas. Yo trato de lidiar con la atención de una forma respetuosa y rescatando todo lo positivo.

¿Sabes algo de Chile o de tatuadores chilenos?

Me han contado maravillas sobre la comida, especialmente de los productos del mar y también de los hermosos paisajes naturales. Lo que me tiene intrigada y muy interesada eso sí es conocer a otros grandes artistas del tatuaje allá.

¿Cómo definirías tu estilo como tatuadora?

Amo el fotorealismo. A lo largo de mi carrera he experimentado con otros estilos hasta que finalmente me di cuenta que mi pasión verdadera está ahí.

Ser mujer en un mundo dominado por los hombres debe ser difícil ¿El ser de raíces latinas lo hace más difícil aún?

Sí, fue muy difícil ganarme el respecto como una joven artista y ser latina lo hizo un poco más difícil dependiendo del lugar en el que me desenvolvía. Pero todo eso me motivó y desafió a ser cada vez mejor.

¿Cuál es tu relación con Colombia y con Latinoamérica en general?

No he estado en Colombia hace dos años. Me tomé un “break” de los viajes cuando tuve a mi hijo, pero amo y estoy muy orgullosa de mis raíces colombianas. Mi familia pasó por muchos sacrificios para poder conseguir el éxito en Estados Unidos y me inculcaron la importancia de nuestras tradiciones desde muy joven. En la casa de mi mamá sólo podemos hablar en español por ejemplo. Miami (ciudad en la que vive) es una gran sopa compuesta de muchas y diferentes culturas provenientes de varios países, por eso me siento cercana a distintos tipos de comida, música, estilo y tradiciones. No sólo estoy orgullosa de ser colombiana, también me siento como una representante de todos mis latinos.

Por Mariana Callejas P.

“Algunos dicen que el agua tiene memoria. Esta película demuestra que también tiene voz”. La sinopsis del último documental de Patricio Guzmán nos invita a escuchar las historias que nos cuentan las profundidades del océano chileno: la de los presos políticos lanzados al mar en dictadura y la de un pueblo indígena de la Patagonia exterminado. El realizador de piezas imprescindibles de la filmografía nacional como “La Batalla de Chile” y “Nostalgia De La Luz”, nos contó sobre el origen de “El Botón de Nácar” (ganador de un Oso de Plata en la Berlinale 2015), el proyecto que continúa y, por supuesto, del pasado, presente y futuro de nuestro país.

¿De dónde surgió la idea de este documental?

La idea apareció durante la filmación de mi película “Nostalgia de la Luz” en el desierto de Atacama. En ese momento, de repente, pensé en las cosas que habrían ocurrido en el otro extremo del país. ¿Quién sabe lo que sucedió en Punta Arenas o en los pequeños pueblos del Estrecho de Magallanes? ¿O incluso más lejos, por ejemplo, en el Canal de Beagle?

Se habla de una trilogía compuesta por “Nostalgia de la Luz”, “El Botón de Nácar” y un tercer film que tendrá relación con la Cordillera de los Andes ¿Cuál es el eje que une a estos tres proyectos?

El “eje” son algunos accidentes geográficos de gran tamaño como son el desierto de Atacama, después los últimos mil kilómetros de la costa que empiezan en el Golfo de Penas y finalmente la Cordillera de los Andes. Pero también es un factor que arranca de la memoria histórica chilena. Yo deseo contar todo lo que ocurrió en cada zona con las víctimas del golpe de Pinochet y las etnias indígenas que ocupaban esos lugares, en los tiempos de la dictadura y en otros tiempos más lejanos.

El tema de los detenidos desaparecidos y la dictadura ha estado presente a lo largo de toda su carrera ¿qué lo motiva a continuar explorándolo?

No me puedo alejar de ese momento. Es como si hubiera presenciado en mi juventud el incendio de mi casa y que todos mis libros, mis objetos, mis cosas, hubieran ardido delante de mis ojos. Me siento como una persona que no puede olvidar ese incendio, que sucedió hace poco. El tiempo transcurrido depende de cada persona. En Chile, cuando les pregunto a mis amigos si se acuerdan del Golpe de Estado, muchos me dicen que ya está muy lejos, que ya ha pasado mucho tiempo. En cambio para mí no ha pasado ningún tiempo. Es como si yo viviera atrapado en una cápsula de ámbar, como esos insectos de la antigüedad que han quedado fijados para siempre adentro de una gota. Entonces algunos me dicen que yo vivo en “una especie de trampa”. Yo los miro y veo que algunos de ellos están más viejos que yo, más gordos que yo, más encorvados que yo. Puedo verificar que yo me siento más vivo y, sobre todo, más libre.

A través de su trabajo hemos podido observar su visión, análisis y retrato de la historia de Chile ¿De qué manera el Chile de hoy todavía evidencia las huellas de su pasado?

En el fondo, Chile es una isla solitaria, donde la gente trabaja mucho, se esfuerza mucho y se desvive por pertenecer a una “clase media” donde no hay felicidad. Creo que el golpe de estado gravitará durante un siglo. Chile es todavía una isla sin derecho a huelga, sin libertad de prensa, con una iglesia que se entromete en los asuntos del Estado. Por eso pienso que la verdadera “modernidad” republicana está aún muy atrás.

Con todo lo que ha estudiado del pasado y presente de Chile ¿puede hacer una proyección de cómo se viene el futuro de este país?

Los más jóvenes están hambrientos por conocer todo lo que ocurrió. Sus abuelos, sus padres, sus profesores, en su mayoría no les han contado los detalles verdaderos. Por eso tienen un hambre de un pasado que no conocen con exactitud. Además pertenecen a una generación que no tiene miedo, están abiertos para entender lo que ha pasado. Hay un fuerte movimiento estudiantil y entrevisté personalmente a algunos de sus líderes. Para mí, el Chile “moderno” es muy interesante; pero también es bastante ilusorio. Este Chile “moderno” es mucho más antiguo que el Chile que yo conocí cuando era estudiante.

¿Hay algo reciente del cine documental chileno que haya llamado su atención?

Me gustó mucho la película “Allende mi abuelo Allende” de Marcia Tambutti y muchos otros documentales recientes, sin olvidarme de la ficción y de su principal realizador, Pablo Larraín.

Game Of Thrones, la serie éxito de la cadena, fue nominada a Mejor Serie Dramática, mientras que las comedias Silicon Valley y Veep van a competir en la categoría de Mejor Serie de Comedia. Veep recibió también una nominación a Mejor Actriz de Reparto en Serie de Comedia por la excéntrica Julia Louis-Dreyfus.

La mini-serie Show Me A Hero, del director David Simon (creador de The Wire en HBO) fue nominada a Mejor Actor de Reparto en Mini-Serie o Película de TV por Oscar Isaac.

Las producciones originales de HBO también fueron reconocidas. Nightingale recibió nominación a Mejor Actor de Reparto en Mini-Serie o Película de TV por David Oyelowo y Bessie en Mejor Actriz de Reparto en Mini-Serie o Película de TV por la estrella Queen Latifah.

Mad Men y Ray Donovan recibieron nominaciones a Mejor Actor de Serie Dramática (Jon Hamm y Liev Schreiber) y Penny Dreadful, una de las últimas producciones de HBO que ha tenido muchísimo éxito en los fans de lo paranormal, fue nominada a Mejor Actriz en Serie Dramática por la guapa Eva Green, sumando un total de 10 nominaciones para la cadena.

Las nominaciones a los Globos de Oro 2016 se dieron a conocer luego del anuncio de las nominaciones de los Premios Screen Actor’s Guild 2016, donde HBO también fue nominado en variadas categorías como Game Of Thrones, Veep, Bessie y Mad Men.

Los ganadores de los Globos de Oro 2016 van a ser aunciados el día 10 de enero.

por Jenniffer Cadamuro C.

Louie Psihoyos, reconocido con un Oscar al Mejor Documental por The Cove, una película de 2009 que describió la caza anual de delfines en el Parque Nacional de Taiji, Wakayama, en Japón, vuelve al tema del activismo ecológico en su obra, esta vez con Racing Extinction, que se estrena mundialmente el miércoles 2 por Discovery Channel.

Conversamos con el director, quien nos explicó las motivaciones que lo llevaron a realizar este trabajo, su objetivo antes del documental y las esperanzas puestas en el oficio del documentalista para provocar cambios en el mundo.

El documental, que trata sobre la última fase de extinción de la Tierra, plantea los conflictos entre el hombre y la naturaleza y cómo nuestra intervención podría desencadenar un camino sin retorno para nuestra especie.

El director, que manifestó desde The Cove un compromiso hacia el ecosistema, es parte de un grupo de activistas que exponen los secretos guardados de la extinción masiva de especies de la actualidad. La producción, que cuenta con novedosas e impactantes imágenes, promete cambiar la forma en que vemos nuestro planeta.

Han pasado seis años desde que filmaste The Cove, ¿dirías que la lucha contra la extinción del medioambiente, por parte del hombre, ha hecho algún progreso?
Creo que hace seis años, la gente no sabía que íbamos hacia una extinción masiva. Si la gente no sabía, no podíamos empezar a crear soluciones. Todas las soluciones son avances. La idea es evitar que una catástrofe masiva suceda.

¿Qué podría esperar la gente al ver Racing Extincion?

Es emocional. La gente no cambia su comportamiento basado en lo que piensan, sino que cambia su comportamiento basado en lo que sienten. De esta manera, queremos que la gente se ponga emocional. Que sienta. Queremos que la gente llore, que sienta la esperanza. Es la idea. Que sientan que las soluciones deben tomarse todos los días. La idea es hacer que la gente sienta que puede solucionar el mayor problema de la humanidad: salvarse a sí misma.

¿Tienes alguna anécdota sobre la filmación de Racing Extinction?

Sí. Uno de los recuerdos más poderosos es cuando estaba tratando de proyectar algo en un edificio n Nueva York. Y todos pensaban que estaba loco. Pero era espectacular. Y teníamos millones de impresiones. Y los neoyorquinos se detenían al ver los reflejos de las impresiones en el Empire State y fue hermoso ver sus rostros. Pudimos parar la ciudad. Fue un sueño.

¿Cuál fue el objetivo al filmar Racing Extinction?

La idea fue hacer un documental acerca del mayor problema del mundo en la historia. Estamos pasando por esto ahora mismo. Estamos al inicio de lo que conocemos como un camino hacia la extinción del hombre; la idea fue hacer un film para entregar la esperanza de que esto puede detenerse. Ese fue el objetivo.

¿A qué riesgos te enfrentaste al filmar Racing Extinction?

Nos enfrentamos a muchos problemas con algunas especies, tanto en China como en Estados Unidos. No pensamos que iba a ser complicado. Una de las mejores características de la película es que no se siente como un documental. El filme es como una película de James Bond, porque queríamos hacer una película que fuera emocionante. Cuando veo un documental, quiero aprender cosas pero también ver aventuras. Y cuando pierdes especies, se van para siempre. No vuelven. Entonces, no hay mejor aventura que intentar salvar al planeta.

Al ver el documental, es un poco deprimente ver nuestro medioambiente así. Quisiera saber cómo fue tu acercamiento con la película, ¿cómo te afectó?

La idea era hacer un filme que todos quisieran ver. Y con Discovery, mostrándolo con todo lo que ello involucra: una red que llega a 2.4 billones de personas y que está haciendo algo que no se había hecho antes. El día del estreno mostrarán el documental en 220 países, y lo harán porque es la historia más importante del mundo. Con Discovery tenemos la oportunidad de crear una red de activistas y podemos hacerlo una causa mundial.

¿Cuál fue tu motivación para inciar este movimiento de preservación de la sociedad que culminó con la producción de Racing Extinction?

Cuando empezaba con esto, leí un libro sobre lo que pasaba cien años. Antes de leer el libro, no sabía que hace todos esos años ya se tenía conciencia sobre una extinción masiva de especies. Quería crear un filme que ayudara a salvar el planeta. Estamos haciendo algo que las otras generaciones no van a olvidar.

Por Mariana Callejas P.

En el 2014, Sergio Freire y Rodrigo “Watón” Salinas se atrevieron y lanzaron a la pantalla grande a dos de los personajes más exitosos que ha tenido el extinto espacio de comediantes, “El Club de la Comedia”. Respaldados por el éxito del sketch que presentaba a dos inocentes carabineros que saludaban a todo el mundo con un “buenos días, buenas tardes”, la dupla apareció con Fuerzas Especiales, una comedia policial que expandía el universo de los populares Cabo Freire y el Cabo Salinas. El proyecto resultó todo un éxito, llegando a convertirse en la comedia más vista del año y dio pie para una secuela que ahora, 12 meses después, se encuentra en las salas de cine. Conversamos con el “Cabo Freire” sobre esta nueva producción que estará también disponible en VOD desde el 15 de diciembre.

¿Siempre pensaron en hacer una segunda parte de esta película?

Antes de hacer esta segunda parte, con el Watón Salinas dijimos: “Ya, hacemos la segunda, sólo si nos va a quedar mejor que la primera. Si empezamos a tirar ideas del guion y no sale nada bueno, entonces mejor no lo hagamos”. Y nos embalamos en la idea y… a mí me gusta. Siento que nos quedó mejor.

¿Cuáles son las diferencias con la primera?

En el fondo uno siempre está aprendiendo en estas cosas. “Fuerzas 1” fue la película en la que nosotros estábamos metidos en todo y, ahí, aprendimos todo lo que teníamos que hacer para que la “2” quedara de nuestro gusto. Ahora, por ejemplo, tenemos de director a Ernesto Diaz Espinoza (Mirageman) porque así podemos mezclar mejor lo que es la acción con el humor. Descansamos en él en ese sentido ya que es muy bueno generando tensión y más el humor de nosotros, encuentro que quedó muy güena.

Hace un año atrás comentaban que en la nueva película no dirían más “buenos días, buenas tardes” ¿es tan así?

“Buenos días, buenas tardes” se dice sólo una vez en la película. Y, en esa ocasión, incluso nos retan por decirlo así que no lo hacemos nunca más.

¿Por qué tomaron la decisión de sacar una frase que se hizo tan famosa?

Porque la película ya tiene que ir más allá de una frase, tiene que encantar por sus personajes, por los cabos, por los demás compañeros que van apareciendo y la frase ya se va quedando pequeña. Para la primera parte, claro, fue así porque veníamos pegados del sketch del Club de la Comedia donde la frase la estaba llevando y nos colgamos un poco de lo que andaba diciendo la misma gente que le cantaba “buenos días buenas tardes” a los carabineros en las protestas, en el Estadio, y aprovechamos ese gancho. Pero en esta película ya no necesitamos saludarnos tanto, sería un poco agotador.

¿Cómo fue evolucionando la trama de esta segunda película?

La idea fue mutando harto. Partimos con la idea de ir a conocer a la familia del Cabo Salinas en el sur, en Mulchén. Pero los guiones, especialmente a la hora de hacer cine en Chile, cambian mucho porque uno los escribe como si tuviera toda la plata del mundo, pero después te vas a dar cuenta de cuánto sale ir a grabar a cierto lugar y así fue cambiando.

¿A quiénes se enfrentan los cabos Salinas y Freire en esta segunda película?

El enemigo en esta parte es un niño llamado “Riquichi”, que es identificado como el líder de una banda de criminales; una especie de “cisarro”, pero de la informática. El papel lo hace Fernando Gutiérrez y ha sido un gran descubrimiento porque es muy divertido y entiende perfecto nuestro sentido del humor, trabajó antes con nosotros en el Club de la Comedia además.

¿Tienen referentes en el mundo del cine o la comedia que los inspiren para sus personajes?

Personalmente me gusta mucho Cheech y Chong, ellos formaron esta dupla de dos gallos muy locos que mantenían su humor, pero en distintas situaciones. También me gusta mucho lo que hacía Bud Spencer y Terence Hill. Me agrada esa idea de dos personajes que van haciendo cosas variadas, por eso nosotros también conservamos nuestros nombres en los roles.

¿Por qué crees que tu dupla con Salinas ha funcionado tan bien?

En primer lugar, todo pasa porque a mí el Watón me hace reír, Si estamos solos, yo me río con él, con sus chistes, lo que dice. Y él también se ríe conmigo, eso es fundamental. Y también nos complementamos bien porque yo soy mucho más estructurado, y soy súper actor a veces para mis cosas… insisto en que tenemos que ensayar, planificar y el Watón no po’, él viene del mundo del arte, entonces escucha que hay que repetir algo y no lo soporta, es pura dispersión. Pero obviamente eso sirve, las diferencias, y cada una de nuestras personalidades combinan.

¿Fuerzas Especiales 3?

Puede ser, pero la verdad es que esperamos ver qué pasa después de todo este proceso que implica “Fuerzas Especiales 2”. Tras eso vamos a conversar al respecto. Hay hartos proyectos también dando vuelta, el Watón está trabajando en hacer su película de “El Ratoncito”, que será algo completamente infantil y en lo que yo también participaré. Yo pronto lanzaré también mi propio canal de Youtube, así que en eso estaremos por el momento.