Por Gonzalo Santis Brown.

Carmen Luz Parot se tituló de periodista en la Pontificia Universidad Católica de Chile, y dedicó sus primeros años de profesional a trabajar en el diario La Época y en los canales Rock & Pop y Canal 13. Incluso, se dio el lujo de trabajar junto al grupo musical Inti-Illimani. Sin embargo, su pasión por la historia y la investigación la llevaron a realizar los documentales Víctor Jara: El derecho de vivir en paz y Estadio Nacional, dos obras de gran reconocimiento social y cultural, que reflejan lo que significa este género en su carrera. “Me gusta el tema del documental porque hay reflexión, no es publicidad ni propaganda, y los documentalistas hacemos que las mismas personas hablen y que cada persona que vea ese mundo o esa historia y pueda sacar sus propias conclusiones”, cuenta Carmen.

¿Por qué un documental de Víctor Jara?

Había una censura total a la figura de uno de los más grandes artistas chilenos de todos los tiempos. Esa figura no solo había sido asesinada sino que había un intento burdo por destruir su legado. Pero él siempre va a estar en la gente, su música se va a cantar de generación en generación. Entonces, lo que hice fue tratar de recuperar esa historia que estaban tratando de hacerla desaparecer.

¿Cómo fue ese proceso de recuperación?

Ese documental lo empecé a realizar cuando ya llevábamos 10 años de democracia y no se había hecho nada sobre la figura artística y creativa de Víctor Jara. Me propuse contar su historia porque pensaba que más bien era un deber de nuestra generación. Me acuerdo que se rescató mucho material como su último concierto, que es una de las cosas más valiosas del documental. También lo de una norteamericana que había venido a estudiar a Chile, que había grabado con su cámara o lo de la Universidad de Chile, que había salvado algunos telecine anteriores a los 70.

¿Pasó algo parecido con Estadio Nacional?

Terminando de hacer Víctor Jara: El Derecho De Vivir En Paz nace inmediatamente este nuevo documental, porque en una entrevista que le hago a Ángel Parra me cuenta que estuvo en el estadio más de dos meses y eso me impresionó. El Estadio Nacional fue un lugar donde había una organización del Estado que pagaba sueldos a interrogadores, asesinos, personas que están a cargo de casinos, limpieza, es un lugar de detención sin cargos ni proceso que estaba en el corazón de Santiago. De esta manera me interesó mucho conocer la historia de personas que estuvieron en ese lugar.

Y cómo fue ese camino…

Recuerdo que puse un aviso en el diario porque siempre acá los políticos son los presos más famosos, pero la verdad es que allí estuvo representado todo el pueblo de Chile. Historias de personas que escuchaban fuerte la música o que usaban el pelo largo que fueron detenidas. Me impresionaba que hasta el 2003 todavía no se hiciera ninguna investigación y fue un punto importante para realizar el documental, al cual le dedique tres años de mi vida.

¿Qué significó en su carrera hacer estos documentales?

Primero el valor de la investigación, de la perseverancia… siempre me ha gustado investigar, la búsqueda de archivos, es un tema que me apasiona mucho. Trabajo con mucho cariño con el material y, sobre todo, con la historia. Hay que dedicarle el tiempo que se merece a las historias, y eso siempre lo he realizado. Para ser documentalista hay que observar con paciencia y tratar de abrirse para comprender las cosas, eso lo da la experiencia.

¿Cómo surge la idea de hacer Chile en Llamas?

Me llamaba mucho la atención esto de observar lo que pasa alrededor de uno. La cantidad de casos que hubo a fines de los 90 y comienzos del 2000 relacionados con obras artísticas fue un tema interesante. Desde la obra de teatro Prat, o La Última Tentación de Cristo, que llevaba 15 años sin verse y era una bataola, la clausura de una exposición de fetos de silicona, entre otros, y me empiezo a dar cuenta de que a través de las obras de arte, los artistas provocaban ciertas reacciones en un mundo ultra conservador. De esta manera, comienzo a registrar con mi cámara estos escándalos uno tras otro, para representar esa lucha épica contra la censura.

¿Es una serie documental que deberían ver todos los chilenos?

Claro que sí… Es una serie documental que le fue muy bien y agradezco a Chilevisión por haber confiado en un producto tan difícil, porque viendo cómo está la televisión hoy era un programa difícil de dar. Tuvo buenos resultados, ya sea por lo que mostraba, como por la investigación. En lo personal fue una buena experiencia.

En canal, que además de incorporar el color y vida a su imagen, inicia su tercera década de existencia con un nuevo isologo y eslogan – El Arte del Entretenimiento – comunicando mejor el posicionamiento de la señal, enmarcando la presentación de una renovada oferta de programación compuesta por espectáculos y programas de entrevistas, así como galardonadas series y películas orientadas a las artes.

“El cambio de imagen de Film & Arts permitirá a los fans del mundo de las artes y los espectáculos disfrutar de las más importantes manifestaciones artísticas del planeta y de algunas de las series y películas más destacadas de la actualidad en un ambiente dinámico y en alta definición que realza el alto valor estético de los contenidos y que enaltece la experiencia de ver televisión,” señaló Eduardo Zulueta, Presidente de AMCNI – Iberia & Latin America.

En su nueva etapa, Film&Arts reforzará su oferta de contenidos con la emisión en vivo de los Premios Tony 2016, así como la transmisión de nuevos espectáculos entre los que se destacan Jekyll & Hyde – Broadway, Cirque Du Soleil Presents: Amaluna, Pixel – Dance y An Audience con Michael Bublé. Asimismo, el canal fortalecerá sus tradicionales programas de entrevistas como Inside the Actors Studio, con títulos de gran renombre como The Graham Norton Show y divertidas series de competencias dedicadas al mundo de las artes: Got to Dance y Guitar Star.

Anécdotas musicales de Renata Ruiz y Rodrigo Salinas

La modelo y el comediante serán los protagonistas de “VTR Stage”, el programa que acompañará toda la previa a Lollapalooza 2016. Conversamos con ellos sobre sus recuerdos musicales y preferencias para el festival que se viene este 19 y 20 de marzo.

RENATA: De Luis Miguel a Florence and The Machine

¿Cuál es tu primer recuerdo musical de infancia?

El primer cassette que me regalaron fue de Sucupira. El segundo fue de Blur y ahí me empecé a entusiasmar con el sonido pesado. Sentía que lo que se escuchaba en mi casa, que era directamente Chayanne o Luis Miguel, me parecía súper soso y lánguido. Yo necesitaba algo más fuerte. Y cuando conocí a Blur, que ahora es una de mis bandas favoritas, entendí que necesitaba algo más y ahí comenzó mi búsqueda. Fue cuando tenía como 10-11 años.

¿Qué tipo de música es la que más te gusta?

¿A qué artista del festival te gustaría conocer y por qué?

Creo que como voy a estar transmitiendo en los dos días del festival, voy a tener acceso a todos los artistas, entonces…este año voy a intentar conocer a Florence And The Machine, porque creo que es una artista súper importante en términos de abrir la industria a la música femenina. Creo que la música femenina tiene como un desnivel o un atraso con respecto de los artistas hombres, y creo que artistas de la talla de Florence Welsh pueden marcar el camino para que las mujeres nos atrevamos más y ojalá las niñas agarren la guitarra y también se enamoren desde pequeñitas de la música.

¿Cuáles son tus recomendados para este festival?

Mis recomendados para este Festival Lollapalooza Chile, son súper feministas, porque me gusta Alabama Shakes porque van a traer un repertorio mucho más amplio y vamos a poder ver sus jamming sessions. Y recomiendo también a Florence And The Machine que es una persona muy talentosa y va a cerrar el festival como corresponde.

SALINAS: De ELO a Snopp Dogg

¿Cuál fue el primer disco o artista que escuchaste?

Lo que primero recuerdo haber escuchado fue The Beatles porque mi papá me hizo escuchar el Sargent Pepper en vinilo y después me lo pasó a cassette. Él nos cantaba mucho cuando éramos chicos, por ejemplo, la Pérgola de las Flores me la sé entera, El Hombre de la Mancha del Quijote también me la sé entera. Y a mi mamá le gustaba harto Serrat, así que tenía ese tipo de influencia. Después mis tíos me empezaron a mostrar otros grupos; el primero que me llamó la atención fue Electric Light Orchestra y Pink Floyd. Otro tío me mostró los Hall & Oates y por una tía también supe de la Olivia Newton-John. Yo creo que Olivia Newton-John fue la primera mujer que me gustó… me gustaba mirarla, pero mi canción favorita de ella fue Xanadú que es un tema que hizo con Jeff Lynne. Para mí esa canción es una cima musical.

¿Tuviste alguna vez una banda?

Con Rodrigo Lagos y Luis Muñoz tuvimos un grupo que se llamó “Los Últimos En El Ranking” y nuestro sueño era ser el número 1 en el ranking. Sacamos un cassette muy malo que por ahí tiene que andar. Y después hice otro grupo que se llamaba Sonora Kiltraza y después ya fue 31 Minutos. Yo no soy de escuchar música en los trayectos, sino en la casa, tranquilo. En disco, en vinilo.

¿A qué artista te gustaría ver en el festival?

Snoop Dogg. Todos los músicos queremos estar con Snoop Dogg, estar con él, conversar. No hay músico que no quiera conversar con Snoop Dogg. Creo que tiene que ver con la tranquilidad, la paz de Snoop Dogg, ya se la quisiera el mundo.

¿Te gustaría presentarte en Lollapalooza?

Es mi sueño, estoy haciendo todo este programa por llegar a un escenario. Me encantaría que alguien me descubriera. Me he esforzado mucho. Me presenté en los Premios Pulsar, yo mismo. Mandé una canción al Festival de Viña a la competencia folklórica. No quedé. Pero hice el trámite, estoy haciendo todos los trámites para tratar de ser un músico. La independencia es difícil.

¿Qué te parece participar en un programa que lleva uno de los festivales más importantes del país a todo Chile?

Ser parte de la familia VTR para mí es un honor. Tienen la energía, el entusiasmo, la música, y la posibilidad de que se vea por todo Chile. La experiencia Lollapalooza es muy entretenida de vivirla. Me recuerda las semanas del colegio.

VTR STAGE | Desde el 1 al 17 de marzo (martes y jueves) | 22:00 | Canal Lollapalooza (101 y 701 en HD)

Gina Rodríguez, protagonista de la serie estrella de Lifetime “Jane the Virgin”, fue reconocida el pasado 25 de febrero por la revista Variety con el Young Humanitarian Award, en el marco del evento unite4:humanity, organizado por la publicación y la red social unite4:good, que promueve a sus usuarios a ayudar a otros, abrazar el positivismo y llenar con actos de bondad su vida cotidiana.

Rodríguez fue elegida para recibir esta distinción, entre otras cosas, por la campaña que inició llamada #MovementMonday, con la cual cada lunes la estrella de Jane the Virgin menciona a un latino importante en la industria del entretenimiento, muestra su trabajo y logros, con el propósito de hacer notar, en una conversación, la falta de actores latinos en Hollywood, tema que ha estad en la palestra últimamente, al igual que los actores de piel negra.

Durante la gala del evento, Rodríguez fue presentada por Wilmer Valderrama, quien conmovió tanto a la actriz de Lifetime, que ésta no pudo contener el llanto mientras ofrecía su discurso de aceptación.

La ganadora del Globo de Oro recibió el Young Humanitarian Award por su trabajo con We Will Foundation, que la joven de ascendencia puertorriqueña creó para centrarse en la educación artística y la financiación de becas para los menos afortunados, con el objetivo de empoderar a las mujeres jóvenes.

Jane The Virgin puede verse todos los jueves a las 22:00 por la señal de Lifetime (220) y Lifetime HD (748)

Por Mariana Callejas P.

Los tatuajes y el cable han hecho buenas migas. Varias series y realities sobre la vida y obra de los artistas más “cool” del ambiente se han vuelto habituales en la programación y han logrado conquistar gran atención en el público (tanto de los fanáticos de la tinta como de aquellos que aún no se atreven con ella). Sin ir muy lejos, podemos recordar la visita de la estrella Megan Massacre en febrero del año pasado. Formando parte del primer Jägermeister Summer Ink, la estrella de NY Ink pasó una tarde entera sacándose fotos con cientos de fans que admiraban su look y soñaban con ser tatuados por ella.

Este año, en la segunda edición de esta convención que reúne a tatuadores y tatuados en Valparaíso, una nueva figura internacional viene a cautivar con su belleza y talento. Se trata de Katherine “Tatu Baby” Flores, la participante del reality Ink Master que fue parte de la segunda temporada y regresó en la tercera, a pedido del público. Conversamos con esta chica de padres colombianos que vive en Miami sobre su visita y aplaudida carrera de tatuadora:

Te conocimos participando en el reality Ink Master ¿cómo fue esa experiencia?

Fue muy difícil y desafiante, pero aprendí mucho, tanto como artista como persona. No estoy segura por qué recibí tanto apoyo, yo sólo entré muy enfocada en hacer lo que yo amo y pienso que, quizás, la gente se sintió identificada con mi actitud.

¿Cuánto ayudó a tu carrera aparecer en televisión?

Mucho. Todo cambió porque mi trabajo pasó de ser conocido por unas pocas personas en mi ciudad a ser conocido ahora por todo el mundo.

¿Te gusta el mundo de la televisión? ¿Te gustaría aparecer en otro programa?

Sí, me siento muy cómoda en la televisión y frente a la cámara. Además me gusta mucho la actuación así que me encantaría volver a participar en otro programa.

Eres una mujer muy guapa y llamativa ¿Cómo te sientes explotando tu faceta sexy?

La verdad es que no me siento sexy todo el tempo. Puede ser que suba a mis redes sociales una foto en la que poso sexy, pero la realidad en mi vida cotidiana se reduce a ropa cómoda y trabajar mucho. Me siento muy cómoda con mi cuerpo y puedo entender que puedo atraer cierto tipo de atención y, como todo en la vida, eso viene con cosas buenas y malas. Yo trato de lidiar con la atención de una forma respetuosa y rescatando todo lo positivo.

¿Sabes algo de Chile o de tatuadores chilenos?

Me han contado maravillas sobre la comida, especialmente de los productos del mar y también de los hermosos paisajes naturales. Lo que me tiene intrigada y muy interesada eso sí es conocer a otros grandes artistas del tatuaje allá.

¿Cómo definirías tu estilo como tatuadora?

Amo el fotorealismo. A lo largo de mi carrera he experimentado con otros estilos hasta que finalmente me di cuenta que mi pasión verdadera está ahí.

Ser mujer en un mundo dominado por los hombres debe ser difícil ¿El ser de raíces latinas lo hace más difícil aún?

Sí, fue muy difícil ganarme el respecto como una joven artista y ser latina lo hizo un poco más difícil dependiendo del lugar en el que me desenvolvía. Pero todo eso me motivó y desafió a ser cada vez mejor.

¿Cuál es tu relación con Colombia y con Latinoamérica en general?

No he estado en Colombia hace dos años. Me tomé un “break” de los viajes cuando tuve a mi hijo, pero amo y estoy muy orgullosa de mis raíces colombianas. Mi familia pasó por muchos sacrificios para poder conseguir el éxito en Estados Unidos y me inculcaron la importancia de nuestras tradiciones desde muy joven. En la casa de mi mamá sólo podemos hablar en español por ejemplo. Miami (ciudad en la que vive) es una gran sopa compuesta de muchas y diferentes culturas provenientes de varios países, por eso me siento cercana a distintos tipos de comida, música, estilo y tradiciones. No sólo estoy orgullosa de ser colombiana, también me siento como una representante de todos mis latinos.

Por Mariana Callejas P.

“Algunos dicen que el agua tiene memoria. Esta película demuestra que también tiene voz”. La sinopsis del último documental de Patricio Guzmán nos invita a escuchar las historias que nos cuentan las profundidades del océano chileno: la de los presos políticos lanzados al mar en dictadura y la de un pueblo indígena de la Patagonia exterminado. El realizador de piezas imprescindibles de la filmografía nacional como “La Batalla de Chile” y “Nostalgia De La Luz”, nos contó sobre el origen de “El Botón de Nácar” (ganador de un Oso de Plata en la Berlinale 2015), el proyecto que continúa y, por supuesto, del pasado, presente y futuro de nuestro país.

¿De dónde surgió la idea de este documental?

La idea apareció durante la filmación de mi película “Nostalgia de la Luz” en el desierto de Atacama. En ese momento, de repente, pensé en las cosas que habrían ocurrido en el otro extremo del país. ¿Quién sabe lo que sucedió en Punta Arenas o en los pequeños pueblos del Estrecho de Magallanes? ¿O incluso más lejos, por ejemplo, en el Canal de Beagle?

Se habla de una trilogía compuesta por “Nostalgia de la Luz”, “El Botón de Nácar” y un tercer film que tendrá relación con la Cordillera de los Andes ¿Cuál es el eje que une a estos tres proyectos?

El “eje” son algunos accidentes geográficos de gran tamaño como son el desierto de Atacama, después los últimos mil kilómetros de la costa que empiezan en el Golfo de Penas y finalmente la Cordillera de los Andes. Pero también es un factor que arranca de la memoria histórica chilena. Yo deseo contar todo lo que ocurrió en cada zona con las víctimas del golpe de Pinochet y las etnias indígenas que ocupaban esos lugares, en los tiempos de la dictadura y en otros tiempos más lejanos.

El tema de los detenidos desaparecidos y la dictadura ha estado presente a lo largo de toda su carrera ¿qué lo motiva a continuar explorándolo?

No me puedo alejar de ese momento. Es como si hubiera presenciado en mi juventud el incendio de mi casa y que todos mis libros, mis objetos, mis cosas, hubieran ardido delante de mis ojos. Me siento como una persona que no puede olvidar ese incendio, que sucedió hace poco. El tiempo transcurrido depende de cada persona. En Chile, cuando les pregunto a mis amigos si se acuerdan del Golpe de Estado, muchos me dicen que ya está muy lejos, que ya ha pasado mucho tiempo. En cambio para mí no ha pasado ningún tiempo. Es como si yo viviera atrapado en una cápsula de ámbar, como esos insectos de la antigüedad que han quedado fijados para siempre adentro de una gota. Entonces algunos me dicen que yo vivo en “una especie de trampa”. Yo los miro y veo que algunos de ellos están más viejos que yo, más gordos que yo, más encorvados que yo. Puedo verificar que yo me siento más vivo y, sobre todo, más libre.

A través de su trabajo hemos podido observar su visión, análisis y retrato de la historia de Chile ¿De qué manera el Chile de hoy todavía evidencia las huellas de su pasado?

En el fondo, Chile es una isla solitaria, donde la gente trabaja mucho, se esfuerza mucho y se desvive por pertenecer a una “clase media” donde no hay felicidad. Creo que el golpe de estado gravitará durante un siglo. Chile es todavía una isla sin derecho a huelga, sin libertad de prensa, con una iglesia que se entromete en los asuntos del Estado. Por eso pienso que la verdadera “modernidad” republicana está aún muy atrás.

Con todo lo que ha estudiado del pasado y presente de Chile ¿puede hacer una proyección de cómo se viene el futuro de este país?

Los más jóvenes están hambrientos por conocer todo lo que ocurrió. Sus abuelos, sus padres, sus profesores, en su mayoría no les han contado los detalles verdaderos. Por eso tienen un hambre de un pasado que no conocen con exactitud. Además pertenecen a una generación que no tiene miedo, están abiertos para entender lo que ha pasado. Hay un fuerte movimiento estudiantil y entrevisté personalmente a algunos de sus líderes. Para mí, el Chile “moderno” es muy interesante; pero también es bastante ilusorio. Este Chile “moderno” es mucho más antiguo que el Chile que yo conocí cuando era estudiante.

¿Hay algo reciente del cine documental chileno que haya llamado su atención?

Me gustó mucho la película “Allende mi abuelo Allende” de Marcia Tambutti y muchos otros documentales recientes, sin olvidarme de la ficción y de su principal realizador, Pablo Larraín.

Game Of Thrones, la serie éxito de la cadena, fue nominada a Mejor Serie Dramática, mientras que las comedias Silicon Valley y Veep van a competir en la categoría de Mejor Serie de Comedia. Veep recibió también una nominación a Mejor Actriz de Reparto en Serie de Comedia por la excéntrica Julia Louis-Dreyfus.

La mini-serie Show Me A Hero, del director David Simon (creador de The Wire en HBO) fue nominada a Mejor Actor de Reparto en Mini-Serie o Película de TV por Oscar Isaac.

Las producciones originales de HBO también fueron reconocidas. Nightingale recibió nominación a Mejor Actor de Reparto en Mini-Serie o Película de TV por David Oyelowo y Bessie en Mejor Actriz de Reparto en Mini-Serie o Película de TV por la estrella Queen Latifah.

Mad Men y Ray Donovan recibieron nominaciones a Mejor Actor de Serie Dramática (Jon Hamm y Liev Schreiber) y Penny Dreadful, una de las últimas producciones de HBO que ha tenido muchísimo éxito en los fans de lo paranormal, fue nominada a Mejor Actriz en Serie Dramática por la guapa Eva Green, sumando un total de 10 nominaciones para la cadena.

Las nominaciones a los Globos de Oro 2016 se dieron a conocer luego del anuncio de las nominaciones de los Premios Screen Actor’s Guild 2016, donde HBO también fue nominado en variadas categorías como Game Of Thrones, Veep, Bessie y Mad Men.

Los ganadores de los Globos de Oro 2016 van a ser aunciados el día 10 de enero.

Por Gonzalo Santis Brown

La sobriedad y la formalidad en la imagen son valores muy apreciados por cualquier conductor de noticias. Por eso mismo decidimos sacar de la rutina a tres de los más emblemáticos rostros de la señal de CNN Chile. : Matilde Burgos, Mónica Rincón y Daniel Matamala. La excusa: el séptimo aniversario de la señal.

Los tres se tomaron con bastante humor su flamante faceta de modelos en una informal sesión fotográfica matutina. Entre flashes, sonrisas y una que otra talla de Daniel, los vimos dejar atrás esa parada seria con la que normalmente aparecen en pantalla. Así fue como, entre risas, Mónica confesó que no era la primera vez en el día que escuchaba la voz de Daniel: “Mientras llevo a mis hijos al colegio escucho la radio, muchas veces la Bío Bío o ADN Radio, pero también la Sonar, esta última solo porque a mi hijo le gusta mucho Daniel. Es su fan número uno”. Al momento Matilde ríe y nos cuenta: “También llevo a mi hija al colegio. Claro que ella siempre quiere escuchar la radio Disney, pero yo la torturo con la Bío Bío, con Sonar de repente y también la ADN”.

Un silencio veloz y el movimiento de la cámara que intensifica la sesión fotográfica nos concentra en el objetivo de la conversación: el aniversario de CNN. Tras terminar las fotos, los vemos más relajados. Contribuye el hecho de que les pedimos que se vistieran de manera más informal. Todos coinciden en que el aniversario “debe ser una gran celebración”, a lo que Matilde agrega levantando la mano como en el colegio que “una celebración bonita sería con la gente, con más interacción con ellos. El trabajo que uno hace es para informarlos y sería importante para nosotros preguntarles cómo han sentido estos 7 años, tener ese feedback”. “Que Matilde preste la casa para un carrete”, prende al tiro Mónica Rincón, entre las risas de sus compañeros. Mientras, Daniel sigue la línea de su compañera de trabajo: “Lo más importante es recibir el feedback de la gente, que tiene una gran valoración por nuestro trabajo. Es un público súper fiel y crítico”.

Durante estos 7 años muchas cosas han pasado en el canal. Aprovechando el momento de relajo les pedimos algunas anécdotas. Matilde salta de inmediato, se ríe y cuenta que “hay varias, pero recuerdo especialmente cuando se cayó Tomás Jocelyn-Holt en la bicicleta (durante la campaña presidencial del 2013). Yo no había visto la imagen porque estaba grabando. Fue terrible. Me tocó presentar la nota, miro la caída y me dio un ataque de risa que no pude parar. Para más remate la imagen se volvía a repetir y me seguía riendo. Pensé que íbamos a ir a comerciales pero me tiraron otra nota de tribunales y seguí riéndome”. Su colega Matamala la defiende y pone cara de paradoja metafísica para contarnos que “Los ataques de risa son cosa seria”. Luego agrega mirando a Mónica Rincón: “Nosotros tenemos una ventaja y es que estamos de a dos en el estudio y en el fondo si a uno le pasa algo así, él otro puede salvar la situación. Pero cuando estás solo es complicado”.

Luego de unas breves carcajadas Mónica se acuerda de otra cosa muy seria a la hora de leer las noticias: “Cuando hay moscas en el estudio”. Y enseguida nos cuenta la trágica historia de una heroína desconocida del periodismo nacional: “De hecho había una mosca que debería estar en la portada de esta nota, porque era todo un personaje de nuestros estudios”. Y luego señala sin pudor a su compañera: “La ‘Mati’ es la culpable de que ya no tengamos a nuestra mascota, que durante mucho tiempo fue parte fundamental de nuestro equipo”. Todos ríen.

En ese preciso momento se nos viene a la cabeza esa canción sobre una mosca y un plato de sopa que cantaba Marcelo en Cachureos. Nos sacudimos la idea de la cabeza, pues debemos seguir y sellar este momento con una de esas evaluaciones de rigor que hace todo el mundo cuando se cumplen años. Matilde se adelanta a sus compañeros y responde que “Sin dudas, la libertad, independencia y el equipo humano es lo más positivo”, cosas con las que Mónica coincide: “Es una realidad y no un discurso vacío eso de querer hacer periodismo con independencia y libertad. Te sientes orgulloso del lugar en donde estás trabajando”. Daniel agrega los últimos toques a la respuesta grupal: “Lo más importante es la libertad que existe para tocar todos los temas, y poder decir este tema es importante pero tal vez no es el más vendedor. Hay una consistencia aquí en que no se mira el rating ni la popularidad. A largo plazo la gente valora mucho eso”. Los tres han respondido con mucha convicción. Quedamos tranquilos. La independencia y el sello característico de CNN Chile, tiene muchos y decididos guardianes.

Por Mariana Callejas P.

En el 2014, Sergio Freire y Rodrigo “Watón” Salinas se atrevieron y lanzaron a la pantalla grande a dos de los personajes más exitosos que ha tenido el extinto espacio de comediantes, “El Club de la Comedia”. Respaldados por el éxito del sketch que presentaba a dos inocentes carabineros que saludaban a todo el mundo con un “buenos días, buenas tardes”, la dupla apareció con Fuerzas Especiales, una comedia policial que expandía el universo de los populares Cabo Freire y el Cabo Salinas. El proyecto resultó todo un éxito, llegando a convertirse en la comedia más vista del año y dio pie para una secuela que ahora, 12 meses después, se encuentra en las salas de cine. Conversamos con el “Cabo Freire” sobre esta nueva producción que estará también disponible en VOD desde el 15 de diciembre.

¿Siempre pensaron en hacer una segunda parte de esta película?

Antes de hacer esta segunda parte, con el Watón Salinas dijimos: “Ya, hacemos la segunda, sólo si nos va a quedar mejor que la primera. Si empezamos a tirar ideas del guion y no sale nada bueno, entonces mejor no lo hagamos”. Y nos embalamos en la idea y… a mí me gusta. Siento que nos quedó mejor.

¿Cuáles son las diferencias con la primera?

En el fondo uno siempre está aprendiendo en estas cosas. “Fuerzas 1” fue la película en la que nosotros estábamos metidos en todo y, ahí, aprendimos todo lo que teníamos que hacer para que la “2” quedara de nuestro gusto. Ahora, por ejemplo, tenemos de director a Ernesto Diaz Espinoza (Mirageman) porque así podemos mezclar mejor lo que es la acción con el humor. Descansamos en él en ese sentido ya que es muy bueno generando tensión y más el humor de nosotros, encuentro que quedó muy güena.

Hace un año atrás comentaban que en la nueva película no dirían más “buenos días, buenas tardes” ¿es tan así?

“Buenos días, buenas tardes” se dice sólo una vez en la película. Y, en esa ocasión, incluso nos retan por decirlo así que no lo hacemos nunca más.

¿Por qué tomaron la decisión de sacar una frase que se hizo tan famosa?

Porque la película ya tiene que ir más allá de una frase, tiene que encantar por sus personajes, por los cabos, por los demás compañeros que van apareciendo y la frase ya se va quedando pequeña. Para la primera parte, claro, fue así porque veníamos pegados del sketch del Club de la Comedia donde la frase la estaba llevando y nos colgamos un poco de lo que andaba diciendo la misma gente que le cantaba “buenos días buenas tardes” a los carabineros en las protestas, en el Estadio, y aprovechamos ese gancho. Pero en esta película ya no necesitamos saludarnos tanto, sería un poco agotador.

¿Cómo fue evolucionando la trama de esta segunda película?

La idea fue mutando harto. Partimos con la idea de ir a conocer a la familia del Cabo Salinas en el sur, en Mulchén. Pero los guiones, especialmente a la hora de hacer cine en Chile, cambian mucho porque uno los escribe como si tuviera toda la plata del mundo, pero después te vas a dar cuenta de cuánto sale ir a grabar a cierto lugar y así fue cambiando.

¿A quiénes se enfrentan los cabos Salinas y Freire en esta segunda película?

El enemigo en esta parte es un niño llamado “Riquichi”, que es identificado como el líder de una banda de criminales; una especie de “cisarro”, pero de la informática. El papel lo hace Fernando Gutiérrez y ha sido un gran descubrimiento porque es muy divertido y entiende perfecto nuestro sentido del humor, trabajó antes con nosotros en el Club de la Comedia además.

¿Tienen referentes en el mundo del cine o la comedia que los inspiren para sus personajes?

Personalmente me gusta mucho Cheech y Chong, ellos formaron esta dupla de dos gallos muy locos que mantenían su humor, pero en distintas situaciones. También me gusta mucho lo que hacía Bud Spencer y Terence Hill. Me agrada esa idea de dos personajes que van haciendo cosas variadas, por eso nosotros también conservamos nuestros nombres en los roles.

¿Por qué crees que tu dupla con Salinas ha funcionado tan bien?

En primer lugar, todo pasa porque a mí el Watón me hace reír, Si estamos solos, yo me río con él, con sus chistes, lo que dice. Y él también se ríe conmigo, eso es fundamental. Y también nos complementamos bien porque yo soy mucho más estructurado, y soy súper actor a veces para mis cosas… insisto en que tenemos que ensayar, planificar y el Watón no po’, él viene del mundo del arte, entonces escucha que hay que repetir algo y no lo soporta, es pura dispersión. Pero obviamente eso sirve, las diferencias, y cada una de nuestras personalidades combinan.

¿Fuerzas Especiales 3?

Puede ser, pero la verdad es que esperamos ver qué pasa después de todo este proceso que implica “Fuerzas Especiales 2”. Tras eso vamos a conversar al respecto. Hay hartos proyectos también dando vuelta, el Watón está trabajando en hacer su película de “El Ratoncito”, que será algo completamente infantil y en lo que yo también participaré. Yo pronto lanzaré también mi propio canal de Youtube, así que en eso estaremos por el momento.

Por Mariana Callejas P.

Alma es adorable, pero también rabiosa, es profesora de piano, lleva 17 años casada con Fernando. Constantemente lo hace pasar vergüenzas, tiene una extraña manía por comer flores, hace reír a todo el mundo, sufre de una pena constante y un día decide echar a su marido de la casa. Alma es una mujer que sufre de trastorno bipolar y ahí -en su agotadora, pero querible personalidad- se centra la historia de la primera comedia romántica protagonizada por Javiera Contador y Fernando Larraín.

“Esta película es una historia de amor que habla de un tema que nunca se había tocado en las producciones nacionales: lo difícil que es vivir con una persona bipolar, adorable y simpatiquísima, pero que se extralimita y trae muchos problemas a su relación”, cuenta Diego Rougier, el director y co-guionista de “Alma” junto a Rodrigo Vergara Tampe. Diego es argentino, pero desde hace varios años hace carrera en Chile: acá estuvo a la cabeza de “Casado con Hijos”, una de las series más exitosas de la TV local, donde descubrió a un grupo de actores con química innegable y en quienes encontró a grandes amigos y a su pareja Javiera Contador, con quien tiene dos hij0s.

Junto a ella, y desde hace harto tiempo, trabajaron la idea de una película sobre el amor en medio de la inestabilidad emocional. “Nos parecía muy interesante la idea de un hombre enamorado de una mujer que un día está súper amorosa y luego muy enojada”, cuenta su protagonista Javiera Contador, mientras que Rougier complementa: “La película se hace una pregunta, ¿vale la pena el esfuerzo de vivir con una persona con esas condiciones? Cada cual tendrá su respuesta y el personaje de Fernando también la tendrá al final de la película”.

Rougier y Contador debutaron juntos en el cine de la mano de “Sal”, una producción a gran escala estrenada en 2011 y que se convirtió en el primer western made in Chile. “Con Sal fue todo más difícil y fue muy rudo en todos los aspectos. Nos encanta la película, pero cuando la hicimos nos reíamos y pensábamos ¿por qué no hacemos comedia, si es lo que nosotros sabemos? Ahora hicimos una película que fuera comedia, urbana y luminosa”, relata Javiera sobre este proyecto en el que se reunieron con sus amigos Fernando Larraín, Marcial Tagle, Carmen Gloria Bresky, Dayana Amigo y Fernando Godoy. “En este grupo hay mucha capacidad de jugar e improvisar. Tenemos una relación muy cercana y el mejor lugar para nosotros es cuando estamos grabando porque nos permitimos un montón de cosas y sabemos que el otro va a estar ahí para cubrirnos”, añade Rougier.

Personajes en terapia

Con el fin de indagar y descubrir más facetas de la personalidad de su protagonista, Javiera y Fernando Larraín se sometieron a un particular ejercicio: Asistir “en personaje” a una terapia sicológica donde pudieran conversar sobre los problemas, frustraciones y traumas de sus roles (todo esto, mientras Diego estaba presente y tomaba nota).

¿Cuáles fueron los resultados de esa experiencia?

Diego: Fue muy entretenido, yo habría hecho muy feliz una serie con las sesiones de terapia porque era muy divertido ver todo lo que iba saliendo. No cambió la forma de los personajes, pero sí la forma de encarar algunas cosas. De hecho hay una escena completa cuyo texto, salió de una sesión.

¿Qué fue lo más difícil al hacer este personaje tan complejo emocionalmente?

Javiera: Yo quiero y siempre defiendo a los personajes, pero lo que más me costó fue encontrarle su lado de pena. Ella tiene una tristeza constante y una angustia de ser como es, porque ella también se da cuenta de que tiene un problema.

¿Cómo es ser la protagonista de una película en donde todo gira en torno a tu personaje?

Javiera: Es el sueño de una actriz tener un protagónico así. Uno empieza a preocuparse de todo, hacerle el look a Alma, por ejemplo, ella usa botas de agua toda la película, no me preguntes por qué, pero yo lo propuse…Me corté el pelo, porque una personalidad como la de ella no encajaba con un pelo largo y bonito. Fue intenso igual, pero confiaba mucho en Diego.

¿Y siempre fue Javiera Contador la primera opción para hacer de Alma?

Diego: Yo siempre pensé en la Javi, desde la primera palabra escrita, pensé en ella, no podría haber sido otra actriz.