CacaoRock

Polarización circular, 8 de mayo del 2012

2012-05-08T15:33:00.001-07:00

La edad dorada de la AM

2012-05-08T10:46:00.000-07:00

Live At The BBC (Apple, 1994)

THE BEATLES

Los detractores de los Beatles, una minoría, generalmente debaten con los admiradores de éstos sobre la calidad del grupo como banda de rock en vivo y llegan a la conclusión, errónea, de que los Beatles eran malos porque sonaban mal en sus conciertos y todo lo que hicieron fueron "maravillas de estudio". Les podemos dar el beneficio de la duda si consideramos dos factores: uno, el hecho que en sus conciertos ellos no se podían oir el uno al otro debido a los gritos de las chicas y el otro el hecho que después del concierto en el Candlestick Park en San Francisco en agosto de 1966, no volvieron a tocar en vivo en un escenario (con excepción del concierto en la azotea de las oficinas de Apple). ¿Dónde se había visto hasta ese entonces que una banda no salga de gira con la excusa de que lo que hacían en estudio era irreproducible en el escenario? Los detractores tienen dos buenos motivos para no gustar de los Beatles. Bien por ellos.

"If I Fell", 14 de Julio de 1964 (no incluída en el CD doble oficial):

Pero entre 1961 y 1962, antes de la Beatlemanía, ellos tocaban en Hamburgo y en la Caverna de Liverpool, y sonaban muy bien, para ser una banda de rock joven. Los Beatles se hicieron leyenda por su sonido en Hamburgo; no en América como lo afirmó Lennon, que quizás estaría hablando por hablar. Los Beatles salieron como los Silver Beatles hacia el norte de Alemania sonando terrible, y fue allá en los strip-clubs y bares de mala muerte de la Reeperbahn, tocando sin parar noche tras noche y sobreviviendo a base de pastillas y alcohol, donde crearon la música más interesante del siglo XX. Por lo tanto, los Beatles fueron una excelente banda en vivo; sólo que para 1966 ya estaban hartos de las giras aeropuerto-limosina-hotel-conferencia-concierto-aeropuerto, con momentos de clímax definidos como shows de 30 minutos con el sistema de sonido del propio local (es decir, megáfonos de pobrísima calidad). Todo esto en medio de chillidos e histeria colectiva; con la honorable excepción del Japón ,en donde la gente se callaba para oirlos. El "ser" Beatles les había pasado la cuenta. Ya no querían serlo. Querían ser cualquier cosa, inclusive la banda de un tal Sargento Pepper.

Los Beatles no llegaron a lanzar maravillas como Pepper y Abbey Road de la nada, sin haber pagado un derecho de piso artístico y físico. Prueba de ello es la colección autorizada de grabaciones que realizaron entre 1962 y 1965 para la BBC de Londres: Live At the BBC. Para los audiófilos que esperaban una calidad magistral de sonido, el disco puede ser una decepción: la BBC no utilizaba en esa época técnicas de grabación de primer nivel y la mayoría de canciones no están a la par del sonido logrado en discos oficiales como Please, Please Me. Pero eso no importa; más bien, se olvida al escuchar la áspera voz de Lennon cantando "Memphis, Tennessee" de Chuck Berry o a McCartney gritando "Oh, My Soul!" de Little Richard. Rockeros pagando tributo a sus ídolos desde el otro lado del Atlántico, en una emisora pública inglesa. Ahora sí podemos decir: ¡Qué tiempos aquellos!

Pero BBC nos pone a pensar mucho, muchísimo, sobre el potencial que esta banda tuvo para seguir continuando tocando en vivo. A la más grande banda de rock se le daban espacios para tocar sus temas, ofrecer entrevistas, mandar saludos a sus fanáticos... estaban pasando por un buen momento emocional. Tenían un excelente manager, Brian Epstein, el cual se preocupaba de que ellos reciban lo mejor en sus giras, y hacia finales de 1964 habían conquistado los Estados Unidos con LPs y singles todos en los top 10. ¿Se pudo haber detenido el desgaste de la banda? ¿Se pudo haber evitado el supuesto "sabotaje" de John Lennon a las canciones del grupo, tal como lo confesó en 1980? Pregunto esto porque en estos 2 CDs no hay un ápice de descontento, una señal de desasosiego. John, Paul, George y Ringo están tocando con fuerza, con su sonido monaural característico, con la pasión que los hizo el grupo esencial del rock and roll. El "si hubiera" ronda por las pistas de este disco: "si hubieran sacado 'Clarabella'... si hubieran lanzado 'I'll Be On My Way' como single...". Pero sabemos que dicha preposición con infinitivo es inútil. Lo que se obtuvo es lo que es: los Beatles descubriendo su sonido en vivo ante el mundo, a través de las ondas de radio, y eso en verdad era un descubrimiento tan grande y excitante como el de Colón, la penicilina o el clítoris.

Los 2 CD's lanzados en 1994 incluyen los mejores y más nítidos momentos de la gran cantidad de programas que los Beatles grabaron para la BBC. Lamentablemente no hay "Twist And Shout", pero sí hay "Things We Said Today", de Paul, "Roll Over Beethoven" de George, "Matchbox" de Ringo y "Dizzy Miss Lizzy" de John. Otras verdaderas maravillas, como el cover de Roy Orbison "Dream Baby", se consiguen en las grabaciones piratas de la BBC que abundan en el mercado negro (sigan la pista a "Great Dane"). La calidad de sonido es discutible, sobre todo con el debut de los Beatles en la cadena radial, en marzo del 62, antes de Ringo y de su contrato con la Parlophone, pero no importa, a buscar se ha dicho.

Las cintas no fueron conservadas muy bien en los archivos de la BBC y se nota que los ingenieros de la EMI tuvieron que hacer maravillas con éstas: quizás ése sea el por qué de tantas canciones sacrificadas para el lanzamiento oficial: no hay un "She Loves You", ni un "Please Please Me". Pero ésto no es el fin del mundo.

Tal como lo mencionamos hace algún tiempo al hablar de Anthology, Live At The BBC fue la prueba de mercado, el "focus group" a los fans para ver si estaban dispuestos a comprar material inédito de los Beatles a 30 años, en aquel entonces, de la conquista de América. No sólo fue un gran lanzamiento, sino hasta ahora, el mejor producto post-desbande, con probable excepción de las remasterizaciones del 2009. Escucharlos en sus discos originales era una maravilla, en vivo era imposible, y a través de la amplitud modulada, una maravilla de nuevo.

Piero Dall'Orso escribió sobre todas las sesiones en este post de su blog.

Mirame el placard, 29 de abril del 2012

2012-04-28T14:46:00.001-07:00

Me están siguiendo detectives, alguien me está cobrando un favor...

2012-04-22T23:52:00.002-07:00

El programa cómico mejor logrado de la televisión peruana fue una sucesión de equivocaciones, cachetadas, parodias de números musicales, vedettes semidesnudas, y berreos de dos detectives y su secretaria que no podían resolver un solo caso, mucho menos vivir de su sueldo. Aquí en CacaoRock, 30 años después de la aparición de este show, se le rinde tributo, homenaje, culto.

En 1983 Guillermo Guille escribió el primer guión del que sería el programa cómico más representativo de la TV peruana, Los Detectilocos, el cual duró dos años y fue toda una revolución. No digo que fue el mas exitoso -ahí está "Risas y Salsa" y su éxito total de 1980 a 1999- pero sí el que tuvo más carisma y creatividad para el momento. También fue el programa que moldeó de mejor forma los estándares de humor peruanos. Prácticamente todos los programas cómicos que vinieron después de "Los Detectilocos" estuvieron influenciados por el show. ¿La razón? Su tremendo éxito en la juventud gracias al genial Ricky Tosso, al elegante Ricardo Fernández y a la alocada Jenny Negri.

Creo que desde 1985, la TV peruana ha estado en busca de los nuevos "Detectilocos" y de un nuevo, carismático y un poco más responsable Ricky Tosso. Pero nadie ha podido igualar a Ricky ni a Ricardo Fernández ni a aquel súper elenco que todos los viernes de 9 de la noche a 10 y media (a veces se pasaban de largo debido a los comerciales), me hacían reír a mí y al resto de niños y jóvenes de la manera más inocente. Aunque de inocentes los detectives no tenían nada. Por más que vayan por ahí diciendo que el humor del canal cuatro era "sano". Pff.

No eran los mejores pero sí nuestros preferidos.
Cortesía de ArkivPeru

Aunque ambos ya eran actores de larga trayectoria, Ricardo y Ricky empezaron juntos en un comercial de Pepsi, promocionando unos premios que regalaba la susodicha gaseosa. Ricky Tosso, más que estar entusiasmado con los autos o equipos de sonido que regalaban, estaba obsesionado con los trompitos. Mientras Ricardo Fernández hablaba de Pepsi y su súper promoción, Ricky le hinchaba las pelotas con "...y los trompitos".

Mi memoria viaja hacia el pasado en la nave de la imaginación, cual Carl Sagan en Cosmos. Recuerdo un domingo por la noche, mis padres y yo veíamos el programa del periodista César Hildebrandt "Visión"*. Cesitar, costumbre suya caray, había mostrado un reportaje en donde denunciaba corrupción en nuestras fuerzas armadas, o algo así. Dijo luego del reportaje: "regresamos luego de la pausa con un reportaje sobre Las Líneas de Nazca". Hildebrandt, después del comercial, no regreso. Apareció una chica en Bikini y un perro ladrando. Una voz en off -con expresión- declamaba: "¡Este perro rabioso y esta chica en tanga son solo un pretexto para hacerlos ver... a Los Detectilocos!”. El universo se creo de nuevo con un Big Bang. 1983, año de la mona, que llegó al Perú con un apagón causado por Sendero Luminoso, vio nacer a este programa. Un programa hecho en el Perú, con un guión que si no era coherente al menos mantenía la historia continua por más de una hora. Industria Peruana, mas no de exportación.

Ricardo y Ricky eran dos detectives privados que de arranque sabíamos que no iban a resolver ni un caso. Ricky era un manganzón bruto que se las daba de bacancito -imagen que Ricky Tosso no pudo quitarse ni con macumba-, y Ricardo Fernández era el que trataba de poner orden en la oficina. Estaba Jenny Negri, la secretaria, que de hecho se robaba el show con sus quejas de falta de pago y sus romances con el cartero y el heladero, al mismo tiempo. Un trío o pan con pescado que sería el prototipo de muchas relaciones a mostrarse en futuros espacios de entretenimiento.

Jenny Negri tenía, tiene, un carisma impresionante. Era la secretaria de la agencia de detectives. Los casos iban desde secuestros de personas famosas -generalmente Ricky Tosso tenia que reemplazarlos en la mas peruana versión de "Kagemusha" para alguna presentación pública-, a asesinatos, robos y hasta búsquedas de tesoros. En las tomas de identidad mas memorables, Ricky reemplazo a Oscar D'Leon (Oscar DelMono), Charly García (Garly Charcía), Celia Cruz, Gal Costa.

El primer episodio de los Detectilocos puede ser considerado como el momento mas avanzado en la historia del humorismo televisivo en el Perú. El galán de telenovelas de moda, Nacho Lazo (cho-lazo), es asesinado en pleno rodaje de una telenovela -Brandon Lee no moriría hasta 11 años después-, y los dos detectives hambrientos y torpes se lanzan a buscar evidencias dentro del mismo canal de TV. ¿El programa no tiene presupuesto? No problem, son huevadas, usamos la misma infraestructura. Se encuentran en un pasadizo con el Presidente Belaúnde (Ramón Alfaro haciendo la mejor imitación jamás hecha del gallardo caballero) y este les da un discurso sobre la Marginal, Gallito Ciego y los nuevos conjuntos habitacionales. Esta fue la primera vez que alguien tenía la osadía de imitar a un presidente después de la dictadura militar de los setentas. Momento clave para recuperar el tiempo perdido. Posteriormente, Tulio Loza pondría a su libretista Augusto Polo Campos imitando al ex presidente -OK, dictador- Francisco Morales Bermúdez.

Yo tenía 10 años y recuerdo que me divertía de lo lindo. Algunos viernes venia mi primo a quedarse a dormir en la casa y el programa era de visión obligatoria, elemental, imperdible. Fue también el primer programa hecho en el Perú en donde, caray, vi aparecer una mujer desnuda. Ricky se puso los lentes para ver a las personas desnudas -genial invento que hasta ahora alguien debe estar pensando en construir- y juácate, ¡las mejores vedettes de los ochenta calatas! (al menos las del canal cuatro).

Recuerdo el viernes antes de las infames elecciones del 85 que pusieron a Alan García en el trono cuando los Detectilocos tuvieron que ir en busca del Botín del Tatarabuelo. Después de casi dos horas, a las once de la noche, encuentran el baúl... con una bota vieja. El botín del Tatarabuelo. El universo empezó a expandirse y las estrellas se fueron formando.

Ricky Tosso no necesitó basar su personaje en ninguna otra persona. Era él mismo, bacancito, macanudo, totalmente hijoputa con ciertos chispazos de conchesumadre. Racista con el cartero -los insultos que le daba estarían terminantemente prohibidos ahora en la televisión políticamente correcta de la década del 2000-, mujeriego y patán. Gordo panzón, para colmo se creía Don Johnson (el de "Miami Vice") y de cuando en cuando agarraba a cachetadas al pobre cartero enamorado de Jenny, la secretaria. Quizás Tosso tomó como modelo al personaje pituco y arrogante que interpretaba Hugo Salazar en "El Dedo"** (Canal 9, 1983). Típica muletilla de Salazar y Tosso: "O sea, manyas..." Hugo Salazar era pituco de La Molina, cien por ciento. Apellido compuesto, estudiante de letras en la Universidad de Lima, enamorada rubia castaño claro y camioneta 4 x 4 que cambiaba cada año para estar al día con la tecnología. "Mi viejo no me va a comprar la Nissan Patrol 83, me va a dejar con la del 82. "¿Qué les pasa a los padres de hoy que abusan emocionalmente de sus hijos?" Ricky Tosso, más gordo y pelucón que Salazar, no tenía dónde caerse muerto, ni viejo que le compre una camioneta como la del otro. Estaba lleno de resentimiento y cólera contra la sociedad. Por eso me identifiqué con él, así como tantos otros. Ricky Tosso era él mismo. Bruto, inepto y haragán frente a cámaras, pero burlándose de sus posibles defectos propios. Nada mal para alguien que quiere progresar.

Ricardo Fernández era el intelectual del grupo y el que tenía a Ricky con una correa para evitar que este energúmeno rompa con todo como un San Bernardo en una cristalería. Nunca se mencionó esto, pero supongo que era un policía retirado que decidió poner una agencia de detectives para parar la olla -hace 20 años, Fernández no parecía tan viejo-. Renegaba y regañaba a Ricky y a Jenny, aunque se le notaba que se le salía lo bonachón por mantener relaciones profesionales con los dos. Jenny siempre se quejaba de que ellos no le pagaban el sueldo, parafraseando al Señor Barriga y los catorce meses eternos de renta que Don Ramón le debía.

Los actores de reparto se robaban el show cada vez que podían, y es que eran de lo mejor. Muchos de ellos veteranos de la comicidad. Que podía esperar Guille si contrata a Fernando Farrés, aquel gran legendario actor cómico de los cincuenta- y lo pone de comisario. "¡Cállese la boca!" bramaba y todo el barullo se convertía en silencio. De ahí venían las carcajadas del público. Farrés tenía la capacidad histriónica de hacer un show cómico él solo. Guille también puso a la sensual Mirna Bracamonte como el objetivo de las bajas pasiones de Ricky y el resto del elenco masculino. La mujer seductora capaz de hacer que un torero famoso español deje el ruedo y a su familia para irse con ella de eterna luna de miel. Ricky tuvo que reemplazarlo y torear cuarenta toros; los mató a todos y la carne fue usada para la parrillada anual de los trabajadores de América TV. Pensaban en todo.

Magistral, único, infantil y entretenido, el show duró aproximadamente dos años para luego ser cancelado porque Ricky fue jalado al canal 5. Poco después apareció otro programa con el mismo formato: "Los Gusanosaurios", un trío de Rock que combatía el crimen y su peor enemigo era Ricardo Fernández, en el papel de "Malulo El Malo", quien era el suegro del guitarrista. Los Rockeros eran nada menos que Ramón García (drums), Alberto Fragomen (bass) y Hugo Salazar (guitar & vocals). Ricky Tosso se enrumbó a los programas infantiles e hizo "El Club De Ricky", en el cual se portaba tal como era y trataba de inculcar sus malos modales a los chicos. El Club se cerró rapidito gracias a las cartas de protesta y a la dejadez del público infantil

Ricky, Jenny & Ricardo. Cortesía de ArkivPeru

Tosso, ante tanto éxito, no entendió el punto de Los Detectilocos: en el show ellos estaban actuando para una enorme audiencia; en el club de Ricky, los niños iban a ser influenciados de pésima manera, reforzando las malas influencias que recibían del colegio y haciéndolas parecer parte de un comportamiento socialmente aceptable, en un horario vespertino e incómodo. Fue en ese momento en que Ricky Tosso tuvo su peor momento televisivo. Siguió parodiando superhéroes, pero sólo estaba imitándose a sí mismo. Ni sombra del inmaduro e inepto detective de los viernes por la noche, donde Fernández y Negri le daban el espacio necesario para hacernos reír a todos. En la vida real, Ricky Tosso se divorció de su esposa y entró en una etapa difícil, quizás producto de una visible depresión, de la cual se recuperó años después cuando regresó a América TV con "Risas De América"; el programa que le hizo la competencia a "Risas Y Salsa" antes de que ambos sean cerrados por Vladimiro Montesinos y sus secuaces por contener humor político. La recesión y la corrupción reemplazaron al humor televisivo peruano con el humor callejero de los cómicos ambulantes.

Jenny Negri trabaja como profesora de teatro infantil y es directora de la secretaría de bienestar social del Sindicato de Artistas e Intérpretes del Perú (SAIP), una entidad que trabaja por rescatar a las ex luminarias del arte nacional desamparadas moral o económicamente (como el gran "Chino" Yufra). No tuvo ningún otro rol importante en la TV después de ser la secretaria de Ricardo y Ricky. El carisma de ella era piedra angular del desarrollo de muchas de las historias.

Ricky Tosso regresó al teatro. Al principio se confundió con lo que le dijo el doctor: "¿Capricornio?", preguntó Ricky. "No, cáncer". Al gordo le sacaron un riñón y ahora tiene la sangre medio sucia. Un consejo de Cacao: regresa a la televisión, haz de cojudo que eso te sale perfecto, y de paso nos haces reír duro.

Ricardo Fernández siguió con "Mil Oficios", un programa que tuvo bastante éxito en el 2001. Es todo un actor. "Los Detectilocos" fue para él uno de tantas obras en las que ha trabajado. Murió en el 2006.

Seguirá siendo mi favorita. Ojalá que alguien en el ahora independiente canal 4 tenga las bolas peludas de rescatar las cintas y hacer un DVD. O BluRay. Sólo para nostálgicos.

Los Detectilocos (1983-1986, América TV, Lima)

Una producción de América Televisión

Guión y dirección: Guillermo Guille, basado en una idea de Ricardo Fernández, Ricky Tosso y Mauricio Arbulú.

Elenco:

Ricardo Fernández (Ricardo)

Ricky Tosso (Ricky)

Jenny Negri (Jenny)

Ricardo Tosso (papá de Ricky)

Fernando Farrés (El Comisario)

César Valer

Enrique Victoria

Ramón Alfaro

Mirna Bracamonte

Luis LaRocca

Carlos Ferraro es el cartero

Carlos Orihuela es el heladero

*El periodista César Hildebrandt fue expulsado del canal cuatro por presentar un reportaje en donde se acusaba de corrupción a algún militar de la época. Los Detectilocos ya habían empezado su show los viernes a las 9 de la noche. El canal 4 no encontró mejor reemplazo.

**El Dedo fue el vano intento del Canal 9 de superar a "Risas y Salsa". No obstante un elenco de primera: Hugo Salazar, Alberto Fragomen e Ivonne Fraysinett, fue cancelado en menos de un año por falta de rating.

Nota del autor: este artículo fue escrito en el año 2003 y puede haber sido actualizado.

Un viaje personal

2012-04-18T15:17:00.000-07:00

El disco que en 1977 Carl Sagan envió al espacio.
Incluye "Johnny B. Goode" de Chuck Berry
(amén de otros éxitos).

Cosmos (Adrian Malone, David F. Oyster y Carl Sagan, 1980)

Cuando vi por primera vez la serie "Cosmos", allá por 1982 ó 1983 en la televisión peruana, no la vi por completo sino uno que otro episodio esporádico. La transmitía el canal 5 (Panamericana) a eso de las 12 del día los días sábados o domingos. Parecía que no querían que mucha gente viera el programa. Este tipo de programas hubiera ido al horario estelar, de haber sido yo un gerente televisivo. Sabiendo lo retrógrada y cucufata que es la sociedad peruana oficialmente, ahora entiendo por qué la serie fue relegada a horarios de baja sintonía.

Carl Sagan estuvo entre los hombres más inteligentes que jamás hayan pisado la tierra, y la cualidad más valiosa de su inteligencia era su capacidad de transmitir conocimientos de la manera más fácil. En medio de una educación primaria con profesores amordazados por estatutos cívico-militares y religiosos (que a la larga son la misma cosa), el hecho de que un científico aparezca en televisión y diga que la tierra tiene veinte mil millones de años de antigüedad y es un pedazo de roca formado por supernovas era una herejía, y aún lo es en algunos lugares donde, por ejemplo, resulta una blasfemia afirmar que los dinosaurios existieron, que el hombre desciende del mono o, qué espanto, que la religión fue inventada como forma de control de pueblos, asustando a la gente e inyectándoles culpa y temor.

Pero no, estamos hechos de estrellas.

Aunque la palabra Cosmos significa orden, antítesis del caos, la transmisión de la serie produjo en mí una revolución científica. Atrás quedó el miedo y surgió una inmensa curiosidad. Carl Sagan cuenta en 13 episodios (número trágico y de mala suerte) la odisea de la humanidad por tratar de salir de la oscuridad de la ignorancia. No sólo de la ignorancia creada por la religión católica, cristiana, musulmana, judía, etc. sino de la ignorancia creada por el horror al vacío, a lo desconocido, a lo extraño: Una batalla contra la conformidad. Cuando Cosmos se exhibió por primera vez en Estados Unidos, en 1980, éste país se encontraba en el punto más alto de la guerra fría. Ronald Reagan estaba por convertirse en un presidente conflictivo y obtuso, debido a una fuerte campaña por parte de la derecha norteamericana para hacerse del poder a cualquier costo y continuar su control militar y estratégico en Medio Oriente. Parecía impensable que una serie como Cosmos, emitida en un canal público como PBS, pudiera haber tenido tanto éxito. Más vista que Downton Abbey. Tan compleja que los cabeza de corcho ni se preocuparon en censurarla.

Volviendo al número 13, aquella fatídica cifra, pareciera que Sagan nos estuviera dando una lección sobre lo absurda que puede ser la superstición. Pero no, el número primo tiene más connotaciones positivas que negativas y puede ser parte de nuestra forma, como civilización, para comunicarnos con otras posibles civilizaciones o formas de vida en el universo. Verán, Sagan vivía obsesionado con las comunicaciones con otras formas de vida en el espacio exterior -aunque nosotros como humanos somos incapaces de comunicarnos entre nosotros teniendo toda tecnología posible-. En 1977 la sonda Voyager salió rumbo al infinito llevando un disco de oro diseñado por Sagan y otros científicos. Incluía los sonidos de la tierra, ¡y a Chuck Berry!

Chuck Berry enseñándoles a los "alien" a mover el culo.

En 1997 Jodie Foster protagonizó Contact, película basada en el libro de Sagan del mismo nombre, donde la humanidad recibía un mensaje basado en números primos que no era más que la señal de retorno de la primera transmisión satelital de la historia: Hitler inaugurando los juegos olímpicos de Berlín 1936. En base a esta inteligencia, primitiva pero certera, Sagan va con paso firme y cuidadoso explicando, sin ninguna ecuación matemática complicada, la historia del universo y de nosotros mismos, estableciendo paralelos asombrosos en temas como la evolución y los viajes de exploración. Para Sagan, un griego en el año 500 A.C. tratando de determinar el tamaño de la tierra, un científico de la Ilustración resolviendo una ecuación trigonométrica y un ingeniero de la NASA trabajando en propulsión a chorro son la misma cosa: fruto de la pasión por el descubrimiento y la curiosidad científica.

Sagan tenía un coeficiente intelectual mucho más elevado que la mayoría de los mortales, y la prueba de esto radica en su preocupación por hacernos entender al universo, siempre con una humildad sobrecogedora. En ningún momento del show nos hace sentir minimizados por su sabiduría, más bien por la inmensidad del cosmos. Esta sinceridad fue quizás lo que hizo que mucha gente se pegue al televisor y hasta celebre, con bromas, sus explicaciones sobre lo grandes que pueden llegar a ser los números: miles y miles de millones de granos de arena, átomos, estrellas, galaxias... los conteos llegan a abrumar en algún momento, pero Sagan sabe mantener el rumbo del programa colocándose junto a nosotros en un vehículo interestelar llamado “nave de la imaginación”, en donde las distancias más grandes se recorren en un simple corte de edición. Ante él, ante nosotros, tenemos quasares, pulsares, nubes de gas creando estrellas... todo acompañado por una música bella a cargo de Vangelis, amo y señor de la New Age.

Sagan era muy escéptico, y aunque muchos le hayan criticado la ausencia de religión en su programa, él sabía que el cosmos puede ser interpretado como a uno le venga en gana. Caray, si hasta se ha matado por diferencias teológicas, lo último que él hubiera querido era que algún loco le meta un tiro. Lo que Sagan siempre rechazó fue la vehemencia con la cual algunas religiones establecían fechas certeras sobre el origen del mundo: “porque la Biblia lo dice” es una frase que precede, hasta ahora, eventos muy, muy trágicos. Trágicos como la destrucción de la biblioteca de Alejandría, donde se perdió prácticamente casi todo el conocimiento científico del antiguo mundo, y el linchamiento de su bibliotecaria Hypatia el año 415. Obviamente, después de una tragedia así, el fanático religioso puede jurarnos por las santas escrituras que la tierra sólo tiene cinco mil años, pero igual llenará el tanque de gasolina de su camioneta cuatro por cuatro con combustible fosilizado de millones de años, proveniente de tumbas de dinosaurios en el medio oriente.

Y hablando de dinosaurios, ellos también están aquí, como parte del Cosmos. Un cometa acabó con ellos y sólo los mamíferos más pequeños, capaces de regular la temperatura de su cuerpo, sobrevivieron. Somos descendientes directos de aquellas criaturas parecidas a las ratas que pelearon por un pedazo de tierra o por un charco de agua. ¡Qué bacán! Sagan sabe que la ignorancia es el peor enemigo de la humanidad, y en 1980 lo sabía más claramente que nunca.

Cosmos es una serie de primer nivel. Debe ser vista por todos. Hay muy pocas series de TV que me han interesado tanto como ésta. Y es una verdadera pena que ya no se vean series como ésta. El mundo está lleno de Sagans, Einsteins, Newtons, Hawkins y otros genios pero, mala suerte, no tienen exposición en los medios actuales. Nadie quiere saber qué más estará pasando en el sistema solar, o en la luna para tal caso. Ni siquiera quieren saber si el planeta se está contaminando más o si hemos pasado el “punto de no retorno”. No, quieren saber quién ha sido eliminado en el concurso de baile de la noche anterior. Pero no es para deprimirse: vean Cosmos y sean mejores hijos del universo.

La serie está disponible en DVD. Estamos esperando su lanzamiento en BluRay y claro, está en YouTube por todos lados.

&lt;p&gt;ddfd&lt;/p&gt;

Exilio en Sunset Blvd.

2012-04-12T22:10:00.000-07:00

Breakfast In America (A&M, 1979)
SUPERTRAMP

Supertramp es una de esas bandas que en el Perú y el resto de Sudamérica son muy queridas. En Japón, más todavía. Digamos que Supertramp y Queen, de haber tocado en estelar doble en Río de Janeiro en 1980, hubieran logrado un espectáculo sin precedentes, con récord de audiencia.

Pero Queen estaba viento en popa musicalmente y sus integrantes se llevaban muy bien (es imposible imaginarse a Freddie Mercury y Brian May agarrándose a guitarrazos); pero en Supertramp, verse las caras todos los días era una tortura. Los dos líderes, Roger Hodgson y Rick Davies, casi ni se hablaban entre ellos y al parecer en la banda funcionaba la ley del limón: a más éxito en radios y ventas de discos, peor se trataban entre ellos. Hodgson y Davies vivían enajenados el uno con el otro por muchas razones, pero la razón principal era, quizás, que sólo podían ser buenos tocando juntos. Y esto a sus respectivas esposas les sacaba de quicio.

En 1979 el disco Breakfast In America fue casi sinónimo de "Greatest Hits" para Supertramp. En Estados Unidos fue un éxito rotundo: se sacaron la lotería con un disco buenísimo de principio a fin, adorado por la crítica y el público. También tuvieron mucha suerte al igual que diez años antes, cuando consiguieron el auspicio del millonario holandés Stanley August Miesegaes para financiar su carrera. Miesegaes veía en Davies un talento asombroso, y la llegada de Hodgson sólo hizo que este talento sea desafiado, inspirado y estimulado a seguir produciendo música pop de primer nivel, sin mucha complicación progresiva ni alharaca, sino más bien con un mensaje crítico y directo. John Lennon debió haber adorado a Supertramp.

En la música de la banda había magia y estilo. En la lírica, depresión y desesperación de una juventud e infancia alienada y hasta cierto punto sórdida. Breakfast es un disco sobre el exilio, sobre establecerse en un lugar desconocido e inhóspito para el británico común: Los Angeles, California. Por experiencia propia puedo decir que la ciudad es apabullante y desoladora, difícil de querer. No tiene el carisma de Nueva York ni la magia liberadora de San Francisco. A decir verdad creo que nadie ha querido en serio a esa pobre excusa de autopistas y gasolineras llamada Los Angeles, salvo Randy Newman y Jim Morrison. Pero Supertramp se estableció en Los Angeles por tener a su casa disquera cerca y porque, claro está, pagaban menos impuestos que en Inglaterra y se estaba más cerca de Hollywood que de cualquier otro lugar. Hodgson creyó que su falsetto tan agudo como el de los Bee Gees era la clave del sonido y del éxito del grupo. Davies estaba seguro que era él y su piano eléctrico rockero, además de su voz ronca y pseudo-amargada. En medio de los dos líderes y polos opuestos, el resto de miembros en donde estaba el carismático John Helliwell en saxofón y teclados, el "vocero oficial" de la banda.

Aunque Hodgson luego haya intentado usar la técnica del olvido haciendo creer a la gente que nunca hubo ningún problema entre él y Davies que provocara su partida de la banda en 1983, al parecer la causa de las tensiones de Supertramp era un lío de faldas: las esposas de Hodgson y Davies no se soportaban y la esposa de éste último tenía las riendas del grupo como representante (craso error número uno). La alienación de Hodgson era evidente en "Take The Long Way Home", un estudio de personalidad sobre un hombre cuyo matrimonio está arruinado y que busca refugio en la fantasía que le brinda la vida bohemia. "Take the long way home" es lo que hace un escolar al regresar a casa tomando, literalmente, la ruta más larga para evitar encontrarse con los matones de la escuela o cualquier otro peligro. En esta historia, la cruel esposa de Davies es la responsable de que la banda no se mantenga a flote. aunque 1979 y 1980 hayan sido los años más exitosos de la banda.

En 1983 Hodgson, antes de irse de la banda, confesó a Rolling Stone que Supertramp había funcionado mejor cuando "sus integrantes eran solteros" y que la colaboración con Davies en realidad sólo ocurrió en los tres primeros discos, hasta el brillante Crime Of The Century (1974). A partir de ahí, dicha colaboración terminó (craso error número dos). Si sabemos que una banda da lo mejor de sí cuando sus integrantes trabajan en armonía y se sienten bien el uno con el otro, imagínense lo distinto que hubiera sido el Breakfast in America. ¿Mejor? ¿Peor? ¿Puede una banda sonar tan bien y ser tan soberbia como Supertramp y su "Logical Song" cuando en realidad sus integrantes se detestan? ¿Cómo hizo la banda para que junto al productor Peter Henderson logren aquellos graves magistrales que se sienten en "Oh Darling"?

Por sobre todo, Supertramp era una banda de profesionales que respetaban al público como un ser supremo y el responsable de que se mantengan en vigencia. En un momento del disco, la mínima "Casual Conversations", Hodgson parece lamentarse de la situación de aislamiento y animosidad entre él y Davies. Pero tal como lo afirma, no hay mucho qué hacer. Las cartas están sobre la mesa y si la jugada no funciona, es mejor irse con una despedida amistosa, tal como se cuenta en "Goodbye Stranger". Un directo ataque a la hipocresía de la religión cristiana, "Lord Is It Mine", es parte de una más profunda crítica a todo un sistema social cuya única forma de hacerse pública era a través de excelente música: "Gone Hollywood", "Child Of Vision"... Ahí uno puede darse cuenta que Supertramp tenía una meta, un propósito: la crítica al sistema británico educativo y social con la misma energía punk, aunque no tan autodestructiva y con cierto fatalismo.

Puesto 21 de los discos más vendidos de los setenta (folleto de Target aparecido en Rolling Stone, Septiembre de 1990)

Hodgson pudo haber sido el único responsable de la canción "Breakfast In America" y del hecho que el álbum tenga dicho título, pero fue el piano eléctrico de Davies que no sólo definió este disco sino el sonido Supertramp para la posteridad. Todo el disco es bueno de principio a fin, y hasta la portada es una obra de arte: una camarera de un típico diner americano haciéndose pasar por la Estatua de la Libertad. Detrás de ella, la cuidad de Nueva York hecha a punta de utensilios de restaurant. Todo visto desde la ventanilla de un avión llegando a JFK.

Cuatro años después, Hodgson dejó a Supertramp y Davis continuó con la banda. Aunque cabe mencionar que Hodgson ha tocado en Sudamérica promocionándose como "la voz de Supertramp", la banda es Rick Davies, quien la fundó en 1969 y continuó con ésta sin rendirse. Este año la banda celebra su aniversario número 40. Y su legado se mantiene vivo e influyente. Por ejemplo, escuchemos a Anne Legras, cantante y guitarrista francesa que ofrece una excelente interpretación de "Lord Is It Mine":

Standing on Higher Ground

2012-04-06T19:18:00.000-07:00

El catálogo entero del Alan Parsons Project, remasterizado y recargado con material extra. Un poco tarde para la reivindicación de un cantante apellidado Woolfson.

Tales of Mystery and Imagination (Casablanca, 1976 y 1987)

I Robot (Arista, 1977)

Pyramid (Arista, 1978)

Eve (Arista, 1979)

The Turn Of A Friendly Card (Arista, 1980)

Eye In The Sky (Arista, 1982)

Ammonia Avenue (Arista, 1984)

Vulture Culture (Arista, 1985)

Stereotomy (Arista, 1985)

Gaudi (Arista, 1987)

Crecí sin escuchar la música del Alan Parsons Project hasta una tarde de octubre de 1989, cuando en el programa de TV del gran Gerardo Manuel, Disco Club, apareció un video de la canción "Time". Creo que fue uno de los momentos musicales más importantes de mi vida, porque adoré la canción mientras iba pasando lentamente en frente de mis oídos y ojos. Por alguna razón, la letra en inglés la entendí a la perfección. Sabía que era sobre algo más que el "tiempo" en sí, y así no tuviera significado alguno, la canción estaba bellísimamente cantada por Eric Woolfson, poseedor de una magnífica y única voz.

Alan Parsons vio cómo el rock británico iba creciendo y madurando frente a su ventana en la sala de grabaciones de Abbey Road. Estuvo ahí como ingeniero de sonido durante las sesiones del Dark Side Of The Moon y quizás fue ahí en donde aprendió las técnicas de producción que le dieron tantos buenos frutos con su discografía. Anteriormente había trabajado como ingeniero para Paul McCartney y los Wings en aquel desastroso Wild Life de 1971, y Alan movió los botones de la consola en las últimas sesiones de los Beatles como grupo para aquella maravillosa despedida llamada Abbey Road.

Fue con Woolfson, pianista, cantante y compositor de perfil bajo, quien estableció el "Alan Parsons Project" al lanzar el disco homónimo en 1976 con canciones basadas en la obra de Edgar Allan Poe. Poco después, el disco sería rebautizado como Tales Of Mystery And Imagination, al haber la posibilidad de que el grupo, o concepto musical, pudiera seguir sacando más discos. Era el inicio de una bella amistad y una colaboración musical que duraría aproximadamente una década.

Parsons, cual buen productor británico, gustaba de tomarse su tiempo en los menesteres de la materialización de sus ideas. A razón de un disco por año, logró con Eric Woolfson crear excelentes piezas musicales pop desde el inicio, como la fantástica "I Robot," del álbum del mismo nombre. Robot Fue un disco conceptual sobre el eterno dilema del hombre versus la máquina, cada día más omnipresente. Esta vez Parsons no invocaba a Poe sino al escritor ruso Isaac Asimov cuyo libro de cuentos I Robot, después de ser musicalizado por Parsons, sería llevado al cine con Will Smith en un mamarracho que no convenció a nadie, pero para Parsons fue una oportunidad perdida. Auch.

El siguiente disco, Pyramid, sería sobre el poder de las pirámides y algunos conceptos de la cultura egipcia como la muerte y la vida después de la vida, todo entremezclado con la presencia del fuego redentor. Woolfson escribía canciones sobre la decadencia de la edad moderna, el fin de los setentas, y la lucha de la clase media por evitar convertirse en obrera. Parsons había reclutado a los miembros de la banda Pilot ("Magic") y junto a Woolfson en los teclados empezaba a lanzar una fantástica y asequible música electrónica pop sin parar. "Can't Take It With You" es una apología a la Muerte como la más perfecta justiciera herramienta del universo y "The Eagle Will Rise Again" es una advertencia ante la tendencia cíclica del totalitarismo en Europa, así como en los Estados Unidos.

Eve fue terriblemente criticado por algunos por ser un álbum misógino sobre la mujer, en donde ésta es simplemente una obra del diablo para arruinar los planes del hombre. Nadie en esa época, con excepción de los Punks, podía haber hecho un grupo de canciones tan amargas y acusadoras, con frases como “You lie down with dogs, you get up with fleas” o “I'd rather be a man cause a man don’t crawl like you,” en referencia a la serpiente que tentó a Adán. La cosa era clara: Lenny Zakatek era un excelente vocalista, y Parsons era capaz de hacer cantar a Clare Torry (la de "The Great Gig In The Sky" de Pink Floyd) en "Don't Hold Back", pero en verdad, estaba subestimando al mejor vocalista que tenía a mano: Woolfson.

Es increíble que tuvieran que pasar cuatro álbumes para que Parsons deje cantar a Eric Woolfson por primera vez en una canción, la maravillosa, increíble, tierna, apabullante "Time," del primer trabajo notable del Project en los ochentas: The Turn Of A Friendly Card.

El disco representaba la influencia de los juegos de azar en el ser humano, contando vagamente la historia de un hombre que lo juega y pierde todo, para luego lamentarse y esperar a que la suerte le vuelva a sonreir. Un LP majestuoso, aunque fue el primero de Parsons en no tener cubierta doble (reducción de presupuestos por la falta de insumos). "Time" y "Games People Play", cantada por Lenny Zakatek, fueron los caballos de batalla de esta producción, a la que le siguió el excelente Eye In The Sky, la obra cumbre del APP. La canción que abre el disco, la instrumental “Sirius” es la razón por la cual Parsons puede vivir sin trabajar -de proponérselo-, al ser el tema más usado en los estadios de fútbol americano y basquet en el momento que los equipos salen. Los Chicago Bulls aún la siguen usando: aquel cautivador riff de guitarra con ecos y flangers se ha convertido en su cortina musical por defecto. La otra instrumental del disco, "Mammagamma" es considerada por Parsons como la "primera canción completamente sampleada;" es decir, nadie grabó una nota de la canción en ninguna sesión de grupo. Todos son pedazos de sonidos de diversos instrumentos armados para crear una canción que nadie había escuchado antes y que estaba sólo en las cabezas de Parsons y Woolfson. Colin Blunstone canta la balada "Old And Wise" que en Europa se convierte en un super éxito (es considerada una de las mejores canciones de la historia en Holanda) y la bola de nieve seguía creciendo…

Y ahí esta la canción título, que Parsons casi descarta por completo. Es increíble que el mismo Parsons sólo haya utilizado a Woolfson como cantante en los "demos" de las canciones que pensaban poner en acetato, en vez de considerarlo como uno de los vocalistas. La voz de Woolfson es la más carismática de todos los cantantes que pasaron por el Project, y es una de esas melancólicas y suaves que muy pocos crooners logran alcanzar. Al parecer, al ser "Eye" una canción bastante exitosa, Parsons planeó usar a Woolfson más a menudo como cantante principal. Ya había acertado con “Silence and I,” y decidió tragarse su orgullo y apostar por Eric.

Los dos discos siguientes lo confirmaron: el Ammonia Avenue y el Vulture Culture. Ambos están cargados de Woolfson a más no poder. Y son los más pop de toda la obra Parsons. En algún momento ambos discos fueron pensados en ser lanzados como uno doble -en verdad, carecen de conceptualidad, aunque Woolfson afirme que el primero es sobre la distopia entre los científicos y el ser humano promedio-. Chris Rainbow canta “Since The Last Goodbye” que es el himno del nostálgico enamorado y Woolfson responde al maltrato del ser amado en “Sooner Or Later.” “Don't Answer Me” y "Days Are Numbers (The Traveler)" volvieron a Parsons y a su grupo famosos a nivel mundial. Ambos discos deben ser conseguidos al mismo tiempo, creo.

El primer bajón -severo- ocurrió con Stereotomy, un disco muy flojo sobre la vida del artista y su exposición ante los medios. Habrá sido el peor, pero tiene en mi opinión la mejor portada de toda la carrera del Project, aquella mancha de Rorschach en colores rojos y púrpuras con un forro que permite ver ciertos colores de la funda dependiendo del lado del forro que lo cubra; claro que el disco compacto se limitó a seleccionar una visualización:

Yo personalmente creo que Stereotomy fue sobreproducido. Parsons creyó que con la tecnología digital muchas pesadillas relacionadas al ruido y a la saturación se habían terminado, pero no contaba con la sensibilidad del oído para detectar la artificialidad del sonido digital. Woolfson no tuvo ninguna canción qué cantar y, salvo "Limelight", la balada sobre la vida pública y un hombre que medita en medio del desierto (quizás Jesucristo mismo a punto de ser tentado por el Demonio), las demás canciones son de relleno e insípidas. El tema título es un rock ochentero entretenido por ratos gracias a la voz intensa y pujante de John Miles, a quien Parsons produjo su álbum Rebel en 1976 y la poderosa "Music" (a buscarlo en YouTube que si les gusta el APP, adorarán a Miles).

Y el fin vino en 1987 con Gaudi, un homenaje al arquitecto que dejó inconclusa su obra maestra. Quizás haya sido una analogía al trabajo de Parsons... porque el disco fue un vano intento por retomar el vuelo de la era 80-84 con Woolfson cantando dos baladas y dando un número roquero a John Miles de nuevo ("Money Talks"). Pero fue la canción "Standing On Higher Ground" cantada por el vocalista de Vitamin Z Geoff Barradale la que hizo brillar el disco. En este tema, Ian Bairnson, sin querer ni intentar, ejecutó uno de los mejores solos de guitarra eléctrica de los ochentas.

La aparición de dos discos compilatorios, Best Of Vol. 2 y The Instrumental Works fueron el anuncio tácito de que el contrato con Arista estaba finalizando y había que renovarlo de seguir continuando... pero esto no pasó. El Alan Parsons Project se desbandó durante la grabación de un álbum excelente llamado Freudiana. Eric Woolfson quería hacer de esta obra un musical para ser exhibido en Broadway pero por motivos de presupuesto nunca se llevó a cabo. Parsons dejó de ser el productor pero el álbum se completó y fue lanzado bajo el sello EMI. Es, definitivamente, un disco muy interesante y complejo a cargo de Eric Woolfson, quien tiene los créditos de todas las canciones y demuestra, por primera vez, quién era el genio liricista del Project. Parsons diría posteriormente que Woolfson era quien escribía todo, y él solo se limitaba a la producción aunque su nombre esté en los créditos de la autoría. Fue una reinvindicación que pasó desapercibida pero 17 años después cobra más vigencia con esta colección remasterizada en donde se muestra con más claridad, y con más material, el talento musical de Woolfson.

Woolfson falleció en diciembre del 2009, dejándonos un disco interesante, Woolfson Sings the Alan Parsons Project That Never Was. Simplemente, las canciones que Parsons descartó. Algunas, seamos honestos, no eran gran cosa comparadas con lo que el dúo produjo. Otras canciones, rechazadas, eran para ponerle a Parsons un gorro de "burro" y mandarlo castigado a la esquina de la sala de control, como la estremecedora "Immortal", parte de un musical que Woolfson tenía planeado, y logró hacer, sobre la vida de Edgar Allan Poe.

UNA ENTREVISTA PERDIDA Y ENCONTRADA DE NUEVO

WOOLFSON y PARSONS: La entrevista

Esto lo encontramos surfeando en la internet hace algún buen tiempo. Alrededor de 1991, Matt Braun, trabajador de Motorola en Illinois, adquirió en una convención de coleccionistas una caja promocional para DJs de 5 vinilos que contiene dos entrevistas a Alan Parsons y a Eric Woolfson (en 3 discos) y los dos últimos álbumes de Alan Parsons Project hacia 1982; es decir, The Turn Of A Friendly Card (Arista, 1980) y Eye In The Sky (Arista, 1981).

MENSAJE DEL ARQUEÓLOGO
Date: Mon, 14 Oct 91 22:30:05 CDT
From: mbraun@urbana.mcd.mot.com
Hi folks.

AT A RECENT RECORD COLLECTOR'S convention, I picked up a "DJ-only--NOT For Sale" boxed set of vinyl issued by Arista called "The Complete Audio Guide To The Alan Parsons Project." It is a 5 record set, containing two interviews with Alan Parsons & Eric Woolfson (on 3 discs), as well as (vinyl) copies of "The Turn Of A Friendly Card" and "Eye In The Sky." I'm pretty sure that these were supposed to be the basis for "Do It Yourself" radio programs. I figured "what the heck," and I transcribed it all. Both interviews contain conversations with the Alan and Eric, as well as the music that they've worked on.

The first interview covers the careers of Alan Parsons and Eric Woolfson before the Project was formed, as well as their collaborative work up through the "Eve" album. (I believe that when the interview was conducted, "Eve" had just been released). The second interview is basically just them discussing selected songs from "The Turn Of a Friendly Card" (at the time, their previous album) and almost every song on "Eye In The Sky." The material in brackets [] has been added by me (I've tried to keep this to a bare minimum, usually just describing what songs are being played in the foreground or background.) Start to finish, listening to the 3 interview LPs (and the music included therewith) takes about 3 hours. Reading the interview isn't *quite* the same as listening to it, but on the other hand, this way, *you* don't have to suffer through Steve Harley singing "Judy Teen."

Enjoy!

Matt Braun -- Motorola, Urbana, IL Design Centre. 1996

LOS INICIOS Y LAS PRIMERAS PRODUCCIONES

[Interview 1: Sides 1-4]
[Intro: excerpt from "I, Robot"]

ALAN PARSONS: Getting into the recording business was something I really didn't imagine that I would ever do. Although I had all the basic qualifications necessary to do it, because I'd had a musical background of piano and flute at school, and, y'know, I played a bit of guitar, and played with local bands, and at the same time, I had an interest in electronics. I was always building radio sets, and electronic gadgets at home, but it didn't really hit me until after leaving school that I could combine these interests into one part, and make something worthwhile out of it.

After leaving school, I spent a short time in a research lab doing development work on television cameras. This was at EMI, in Hayes, Middlesex, and I was eventually moved into a tape production plant, which was devoted to the manufacture of mono quarter-inch tapes of commercially available albums, and this is really where I got interested in hi-fi, because this was the first time I had heard high quality sound systems, and One of the albums that I heard during my time there was Sargent Pepper, and having always been a great fan of the Beatles, I was totally knocked out by this album, and I was determined to find out how they got these sounds, and just how the whole thing went about, but the problem was that I'd heard that to get a job in the studios at Abbey Road was very competitive, and I'd have a very hard time. But, surprisingly enough, I just wrote a letter to the manager, and within 10 days I was working there.

[Song: The Beatles, "A Day In The Life", from the "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", album]

ALAN PARSONS: After I'd had a bit of experience at Abbey Road, operating tapes and running around for people, it wasn't long before my schoolboy dream was fulfilled, and that was of course, to meet the Beatles. And I was sent off to the Apple studios in Savil Row, where they'd been working on their "Let It Be" album, with Ben Johns engineering. They'd had some bad luck with their initial installation of their studio equipment, because it just wasn't performing how they hoped it would, and they rented some stuff from EMI, and I was basically sent down there just to make sure that everything was okay, and to help out on tapes. I never really got to know any of them particularly well at this stage, but I was just so in awe of the situation, of actually being around them, and finding out how they worked. I think it was evident there were problems within..within the group at this time, and the film to a certain extent brought this out. But, for me it was just a great experience to..to actually see them working and recording, seeing how their ideas accumulated. And most of all, the last performance that they ever did in public, on the roof of the Apple building.

[Song: The Beatles: "Get Back" from the "Let It Be" album]

ALAN PARSONS: Although "Let it Be" was the last album by the Beatles, as a group, to be released, it was "Abbey Road" that was the last to be recorded. My involvement on the "Abbey Road" album, again, as tape operator/assistant engineer/what-have-you, I noticed that during the making of the album, you wouldn't often find all four Beatles there at once. Often it would just be Paul with George Martin, or George Harrison with George Martin. They'd each come in to do their own individual parts of their own individual songs.
I think I was enormously impressed by the way that they didn't just use normal conventional musical instruments to make a record, they'd use all sorts of strange ideas, or strange processes with instruments. But, I was just so surprised when I saw Ringo blowing through a straw into a glass of water to get the underwater effects in "Octopus's Garden." And, likewise on "Maxwell's Silver Hammer" the banging of the anvil for the hammering effect.

[Song: The Beatles, "Maxwell's Silver Hammer" from their album "Abbey Road"]

ALAN PARSONS: Most other artists at this stage were recording under more conventional time scales. I mean a recording session used to last 3 hours, which usually was from 10:00 to 1:00, or from 2:30 to 5:30, whatever. And, I often didn't know from one day to the next, what I was going to be doing. I mean, I might spend the morning helping out on a classical orchestra session, and in the afternoon, doing a West End musical. And then, the following day, I might be working with some progressive blues band. But it was all very valuable experience to me, to have such a wide range of musical styles, being injected into me. It was this constant learning process, finding out how different people worked, and how different engineers and producers worked.

A great deal of Paul McCartney's first solo album was recorded at various locations, such as his own home, and his farm in Scotland. But he did come into Abbey Road to do a couple of songs. One of them was called "Every Night," and the other was, of course, the classic "Maybe I'm Amazed."

[Song: Paul McCartney, "Maybe I'm Amazed," from his album "McCartney"]

ALAN PARSONS: The "McCartney" album was soon followed by "Ram," and then the Wings' Wild Life LP, which he came to do at Abbey Road. And this was actually the beginning of my career as an engineer, as opposed to an assistant, because every so often he would disappear with the band, and ask Tony Clark, or myself, to make tapes for him to listen to the next day so he could assess the situation, and decide what he wanted to do next. But one of the songs on the album, I actually mixed myself, just purely for his purposes, as a rough mix, so he could decide what he wanted to do with it. And, this was a song called, "I'm Your Singer," which I'm delighted to say ended up being used on the album--the rough mix that I'd done.

[Song: Paul McCartney, "I'm Your Singer," from his/Wings? album, "Wild Life"]

ALAN PARSONS: Presumably having made some impression on "Wild Life," Paul asked me to do some tracks on the following album, "Red Rose Speedway." Working with Paul as a producer, [as opposed] to engineer, was a whole different thing to just being the guy who sat at the back, rolling tapes backwards and forwards. As a producer, Paul was always slightly doubtful about every sound that was produced. He would say "Make the guitar sound better," or "make the drums sound better," but he wasn't actually able to describe in technical terms what he was after, which actually made the engineer's job very difficult. But at the end of the day, the results were always there.

During the making of the album, there was a short pause to go on a European tour, in Holland, Belgium, and Germany. And, I always remember the song "Hi, Hi, Hi" being played in a totally different way, to the way it ended up being recorded. I actually preferred the live version, believe it or not, but millions didn't.

[Song: Wings, "Hi, Hi, Hi," from their album "Wings Greatest."]

ALAN PARSONS: Although there was some independent production work going on at Abbey Road, a great deal of the sessions that were taking place were actually in-house productions. Although the Beatles were considered an "in-house production," because George Martin was a staff producer for EMI. There were several other full-time producers, such as Peter Sullivan, John Burgess, and Ron Richards, who had success with the Hollies for a considerable time. I got involved with the Hollies around the time that Graham Nash left the group, and Terry Sylvester joined. Among the records that I worked with them on, of course, was the classic "He Ain't Heavy, He's My Brother." And one, that I actually felt was the best record they ever made, "The Air That I Breathe"

[Song: The Hollies, "The Air That I Breathe" from their album "The Hollies Greatest Hits."]

ALAN PARSONS: I think I got into the recording game at a very exciting time. Once upon a time, there was mono, then there was stereo, then there was 4-track, then there was 8-track, and 16-track, and then the Lord said, "Let there be 24-track," which is where we are now. But it was interesting not only to see the way that the studios evolved, but the way that the musicians evolved with the change. I think one of the bands that made the greatest impression on me in this particular direction would have to be Pink Floyd.

[Background Song: Pink Floyd, "Breathe," from their album "Dark Side Of The Moon."]

My first encounter with them was on the "Atom Heart Mother" album, which I was asked to mix for them. The album had actually been 8-track, but the amount of special effects and machines we had running--I just couldn't believe. It was like every machine in the whole building had been latched up, so that we could use every conceivable special effect. And, at the same time, it was probably the biggest challenge that I had ever been confronted with: to actually mix that--to mix a Pink Floyd Album. But thankfully, this led on to greater things, and probably the album that gave me the biggest boost to my career--"Dark Side Of The Moon."

The band had actually been playing the piece in concert for a considerable amount of time before we went into the studio to record it. But, there were, obviously, some changes made to it in the studio. A lot of the songs themselves stayed as they were, but they weren't recorded quite the same way as they sounded--I mean, we would often just start with just bass and drums, and add endless layers of guitars, and voices, etc. Which is the way virtually that The Floyd have become famous for.

I think one of the reasons that the album took so long to record, I mean it did take a whole year from start to finish, was the fact that we'd spend hours, and hours, and hours, just getting a particular sound effect exactly right. I mean, for instance on "Money," we had to get out a ruler, and measure sections of tape, each carrying a particular sound effect, such as a cash register, or a bag of money being dropped, or a piece of paper being torn. We had to join these up, forming a seven-in-a-bar loop, which then formed the basis for the backing track which the band played to.

[Song: Pink Floyd, "Money" from their album "Dark Side Of The Moon"]

ALAN PARSONS: When the band had been performing "Time" in concert, it simply started with Roger Waters playing the bass clicks which eventually come out of the introduction that's on the record. But, I came up with this idea for putting a load of clocks and timepieces which I'd recorded a few weeks previously, in a local clock shop. And the idea was that all of the clocks would tick together, which would be virtually impossible to record under normal circumstances, but with a multi-track tape, we managed to sync them all up, so that they would tick for a while and then all started chiming at the same time. And then, out of that came the bass lick, and then went into the tune.

[Song: Pink Floyd, "Time" from their album "Dark Side Of The Moon"]

ALAN PARSONS: I thought it was a little strange at the time, after the phenomenal success of "Dark Side Of The Moon," that The Floyd came in to do another album which was a complete departure from it. It was actually designed to be an album recorded totally without any musical instruments--or any conventional musical instruments. And, we started making this record with objects, such as rubber bands and tin cans, and blowing through bottles, and rubbing fingers 'round wine glasses, and things like this. But the whole thing was just so *painstaking*, I mean we must have spent about a month in the studio, at least, and came out with about two minutes of music. And everybody just said, y'know, "My brain's going! I can't possibly go on any further." So, it's a great shame the thing was abandoned, because it did have a potential to cause a complete revolution in recording, but the effort involved in making it would have just been extraordinary.

That was actually the last time I worked with The Floyd. They went on to do "Wish You Were Here" and "Animals" elsewhere. But at this time, I was beginning to get calls from people wanting to work with me as producer, as well as engineer. And one of the first to come along to ask for me as a producer, was Steve Harley. Steve had scored a fair success with first "Cockney Rebel" [???] album, but it was really the "Psychomodo" album that broke him in England, and the first single that was released, virtually the first thing I'd actually produced, actually made the Top 20 in England, and it's called "Judy Teen."

[Song: Steve Harley, "Judy Teen," from his single of the same name. :-) ]

ALAN PARSONS: It wasn't long before EMI came up with another act for me to produce for them. These were three guys from Scotland by the name of David Paton, Stuart Tosh, and Billie Lyall. They teamed together with another Scot called Ian Bairnson, and became known as Pilot. We made an album, and thankfully again, the single that was released from this album also scored very well, and completely broke them wide open in America. The record reached number two, if I'm not mistaken. The song was called "Magic."

[Song: Pilot, "Magic," from their self-titled album]

ALAN PARSONS: I was in a slightly awkward situation at this point, because I'd had two successful records with EMI, and I was also getting offers from companies outside EMI, which put me in a rather difficult position, because now that I'd been working for EMI for seven or eight years, it was a little hard to make the decision of whether I should go out and work as a producer for another company. Thankfully, things worked out, and one guy who particularly impressed me from the offers that came from outside EMI, was John Miles.

[Background song: John Miles, "Pull the Damn Thing Down," from his album "Rebel."]

I'd just felt that he was an incredible professional--a great voice, and an incredible sense of pitch, and also, probably one of the most underrated guitarists that I'd ever heard. The album we made was called "Rebel," and there was one song called, "Music" which was released as a single in most European countries, even though it was over five minutes long. But nevertheless, it established his name in most parts of Europe.

[Song excerpt: John Miles, "Music (reprise)," from his album "Rebel."]

ALAN PARSONS: I've been lucky enough in the last few years to have been nominated for a few Grammy awards, and while I was in Los Angeles picking up the nomination for "Dark Side Of The Moon," I was fortunate enough to meet a band by the name of Ambrosia, who played me some of their material, which impressed me enormously. I couldn't believe they were American, matter of fact, they had such a British tinge to their music. And before long, I was mixing their first album, which went on to do well, especially the single, "Holding On To Yesterday." And later I worked with them as producer on their second album, which was called "Somewhere I've Never Travelled."

[Song: Ambrosia, "Somewhere I've Never Travelled," from their album of the same name]

ALAN PARSONS: The most successful artist that, I think, I've been involved with, as producer is Al Stewart. I'd actually been familiar with his music for many years, having been a great folk music fan in the past. I spent a lot of time in the clubs of London, going to see people like Stephan Grossman, John Ranborne, The Pentangle, people like that. But it was long after that, of course, that I met Al, and heard some of his material.

[Background Song: Al Stewart, "End Of The Day," from his album "Time Passages."]

The "Modern Times" album kind of established his name for the first time in America, I mean very few people really knew his name then, and it helped develop a new style for him, which re-established him in England, and got him out of the Folk-hero kind of image that he always had. He always tended to base his music around acoustic instruments, mainly because of his folk background. In fact, the only departure from acoustic instruments at this point was to use the electric guitar up front, in solos, etc. But while we were making Al's next album, I made a suggestion to use an old friend of mine, Phil Kenzie, to put a sax solo on the LP's title track. And Al said he'd never heard a sax in his music before, but kind of went along with the idea. And the result was a song which virtually broke Al worldwide: "The Year Of The Cat."

[Song: Al Stewart, "Year Of The Cat" (album version) from the album of the same name]

ALAN PARSONS: Following the enormous success of "Year Of The Cat," Al decided to move to America, and spend a lot more time touring, doing concerts, etc. And I think, "Year Of The Cat" must have had some effect on Al, because he took on on Phil, the sax player, as a permanent member of the band, and two of the songs on the next album featured him quite heavily. One of them was "Song On The Radio," and also, the title track, "Time Passages."

[Song: Al Stewart, "Time Passages" from the album of the same name]

EL ENCUENTRO DECISIVO: WOOLFSON y PARSONS

ALAN PARSONS: In recent years, film directors, such as Ken Russel, and Stanley Kubrick have become stars in their own right, and they're almost more famous that the stars that Appear in them. A gentleman who felt that this idea could be Applied to the record industry, not only with the artists I was working with, but what was later to become the "Alan Parsons Project," was Eric Woolfson.

ERIC WOOLFSON: My musical background was very different from Alan's, but as it turned out, was not incompatible with the training that he'd had. At the time in Britain we're talking about, there had been two distinct rock-n-roll camps: one which had grown up around the Beatles, which Alan was involved with, and the other, which developed around the Rolling Stones. And it was through the Rolling Stones' Manager, Andrew Loog Oldham, that I first came into the business. I had just come down to London from Glasgow, where I was born and brought up, and he signed me to a songwriting contract, and used me as a session pianist. I found myself in very good company: people like Jimmy Page, John Paul Jones, and later Eric Stewart, and Graham Gouldman. And I went on to become a record producer, myself, though not with any great degree of success. But my production activities brought me into the realm of Abbey Road which was the arena in which I first encountered Alan Parsons.

[Background song: "Dream Within A Dream" ]

I had had an idea about making an album about Edgar Allen Poe's work, for some time, but I didn't seem to have the necessary credibility as a producer or as a writer to carry the project through. However, when I met Alan, I felt his talents were certainly greater than mine in the production area, and he was somebody I might certainly be able to work with and collaborate with in achieving the realisation of this project. Fortunately, the idea Appealed to him, and Alan Parsons Project was born.

My original idea was that the album should be electronic, much in the lines of a Rick Wakeman album. But Alan believed, on the other hand, in order to do justice to Poe's work, we really would have to quote some of his poems and stories. The first track that we recorded, which was based on "The Raven," ironically enough, was sung by a machine.

[Song: "The Raven"]

ALAN PARSONS: I think I only realised when I got into making the "Tales Of Mystery" album the contribution that I was going to be making to it. I'd always felt slightly restricted in the past with other artists. I mean no artist likes having their songs pulled apart. But as the partnership with Eric developed, I found that I was being given much more freedom than I had been in the past. And I was contributing to the records not only as a producer, and injector of ideas, but also as a writer, though, not as a writer in the conventional sense. The album enabled me to get an enormous number of ideas off my chest. and just by--literally--toying with these ideas, I found that a composition would emerge, and combined with the freedom I was given with Eric's material, I think we created something which was totally new.

I think the musicians as well found that they were treading on new territory, because this was probably the first time that they'd performed on somebody else's album, as opposed to their own, and consequently, their careers didn't actually depend on it. And I found that just about everybody who Appeared on the album, most notably the Pilot band, who played most of the rhythm section material, were able to Approach the album with a freshness that they'd never been able to bring out before, because they weren't dictated by the musical styles that they'd been used to in the past. I mean, there could hardly be a greater contrast between `Oh-ho-ho it's magic" and closing track of "Tales of Mystery And Imagination," "To One In Paradise."

[Song: "To One In Paradise"]

ERIC WOOLFSON: We had intended just calling the album "Tales Of Mystery And Imagination," but the record company specifically asked us to have an artistic identification, so we called it "The Alan Parsons Project." And people in the industry and the public Appeared to think of this as being a band. This was quite fortuitous, because during the making of the album, we realised that there was more scope for this kind of musical venture, and we developed many other ideas for making albums, based on different themes. As Edgar Allen Poe had been described as `The Father of Science Fiction' it seemed reasonably logical that we should, perhaps, go into the science fiction area for the next album, and the result was the "I, Robot" album.

[Song: "I, Robot"]

ERIC WOOLFSON: For Alan and I, this was yet more unexplored territory, as we did not have an original work to base our songs or musical passages on, and we had to create our own themes, and our own interpretations of these themes. I'm a great lover of surrealism, and I try and inject this especially into the lyrics, so that you're never absolutely sure exactly what the message of the words is. In fact, Alan and I have a totally different perception of what the song "I Wouldn't Want To Be Like You" is about. I *thought* the song was meant to represent the point of view of a machine talking to a man. Alan, on the other hand, told me that he felt it was a man talking to a machine. And I suppose that both points of view are equally valid, or equally invalid.

[Song: "I Wouldn't Want To Be Like You"]

ALAN PARSONS: I think a lot of recording artists generally are restricted, maybe by the fact that they have only one lead singer, or they have one particular style to follow. We've always been lucky, in that we can change with any particular musical trend, and also we're not stuck with one given set of people to perform on the records. I mean, for instance, on the song "Breakdown" in the "I, Robot" album, we go from the voice of Alan Clark singing to thousands of voices singing at the end.

[Song: "Breakdown"]

ALAN PARSONS: I think through the various albums that we've made as `The Alan Parsons Project,' we've established a couple of sounds that are identified with us, in particular the use of choir and orchestra. I think this identity was helped enormously by Andrew Powell, who has arranged and conducted all the orchestration on all of the albums. And his contribution to the projects has really been substantial, and we regard him as a third member of our team.

[Song: "In The Lap Of The Gods"]

ERIC WOOLFSON: I suppose I really should own up to the fact that although these albums, which are thematic albums, appear to be very carefully planned and set out, that's not always the case. We may start writing with a fixed idea in mind, but it never normally works out exactly the way we intended. In actual fact, although I don't believe an inanimate object can have a life of its own, the projects do have a way of taking their own direction in the recording studio. I certainly had no idea that we'd have a Gilbert and Sullivan type sendup of Pyramid Power.

[Song: "Pyramania"]

ERIC WOOLFSON: We've been accused, as writers, of contradicting ourselves, by both trying to put forward a point a view, for example Pyramid Power, and then sending it up. But in actual fact, we're not trying to preach or teach anything. We see ourselves as observers, and commentators.

[Song: "What Goes Up"]

ALAN PARSONS: It's actually interesting to note that other producers have followed in my footsteps, for instance Glen Johns with his "White Mansions," and more notably Jeff Wayne, with "The War Of The Worlds." And although "Tales of Mystery" did have a very definite concept to it, I think "I, Robot," and "Pyramid" were less clearly defined thematically. On the new album, "Eve," we've made the theme even more elusive. I think if I was pinned down, and asked what the "Eve" album is about, I'd have to say, "It's simply about women."

[Song: "Lucifer"]

ERIC WOOLFSON: When we embarked on the "Eve" album, our original idea was to take quotes from famous women, and build different tracks around these quotes. We did abandon that idea [chuckles] pretty shortly after we thought of it. But one idea we did stick with, was an intriguing quote which we think came from Jean Harlowe, who, when she was asked about the business of women making it in the Hollywood film business, and questions about the "casting couch," she came up with the comment, "You lie down with dogs, you get up with fleas."

[Song: "Lie Down With Dogs"]

ALAN PARSONS: If there's such a thing as a `typical Project track,' I think "I'm Damned If I Do" from the "Eve" album would have to be one of them. It has the ingredients which we've used in the past, like french horns, [and] the voice of Lenny Zakatek--the one exception: I never thought I'd hear the words `I love you' on a Project song.

[Song: "Damned If I Do"]

ALAN PARSONS: I believe that right from the days of Abbey Road, and the Beatles right up to the Alan Parsons Project, my life has been one long learning experience. I've been lucky enough to learn from the best, and I think I'm still learning.

EL REVERSO DE UNA CARTA AMIGA Y EL OJO EN EL CIELO

[Interview 2: Sides 5 & 6]

[Background Song: "Maybe A Price To Pay"]

ERIC WOOLFSON: "The Turn Of A Friendly Card" album had the theme, obviously, of gambling, and risk taking. The eventual title, was only arrived at some considerable time after finishing the album. We had a series of working titles while we were making it. Basically, I think, we started out with the idea of calling it "The Game Players Of Titan," 'cause it was a different kind of game playing, we had in mind to start with. We moved on to something like "Options," which, although it's an unexciting word, in itself, it had the advantage of, like "Pyramid" and "Robot," of being an `international' word, which was easily translatable, or understood by other territories, and kind of conveyed the idea of taking risks. But in the end, the image that people seemed to be left with, the impression after having heard the album, was based on the fact that they remembered this phrase "The Turn Of A Friendly Card." And although it was clumsy, and didn't translate into foreign languages easily, it seemed to be the right label for the `product' and that's how we got the name.

[Song: "The Turn Of A Friendly Card"]

ERIC WOOLFSON: I've often, in common with many other writers, been inspired at the oddest moments. And, one of the things that did start the creative juices flowing was actually sitting in casinos in Monte Carlo, with the din going on of people with machines, people talking, people moving about, and all the hustle and bustle that goes on there. It stimulated the writing of the track in particular, "Turn Of A Friendly Card," and of course, there was a track called "Snake Eyes"

[Song: "Snake Eyes" ]

[During the instrumental portion of the song:]

ERIC WOOLFSON: The joke about the lyric of "Snake Eyes" is that he's betting on something that you can't possibly win, because snake eyes is a bet which loses if seven or eleven comes up, and seven or eleven is a bet which loses if snake eyes comes up. So he's yelling `Snake Eyes! Seven-Eleven!', he wants any one of the three, and any of the three is gonna wipe him out.

ERIC WOOLFSON: This album dealt with many other aspects of the gambling instinct, and the whole idea of "Games People Play" was based on a psychology book of the same name, which dealt with human relationships in terms of people playing games/playing roles. And, although the lyric has nothing to do with the content of the book, I've often been inspired by titles, by the idea...

[Song: "Games People Play"]

ERIC WOOLFSON: "Time" was yet another form of risk taking. To me, this could have been sung by either one of two people: This could have been sung by an ancient sea captain about to set off on a voyage of discovery, into uncharted territory, or equally, by a modern day astronaut setting off for some destination in space.

[Song: "Time"]

ALAN PARSONS: The "Eye In The Sky" album is, perhaps, an exception to all the other albums we've done in the past. Something that we've always, almost become recognised for is that we've always, is the fact that we've always had some form of theme running through the records we've done. And at the same time, I felt that it was time to break away from that, especially as we'd had so much negative criticism for being pretentious, if you like, for constantly making concept albums. So, this time, we felt, y'know, "Let's just go into the studio and make an album, and then decide at the end what it's all about." So that's what "Eye In The Sky" really ended up being--a conceptless album, but with a similar format to the past albums.

[Song: "Eye In The Sky"]

ERIC WOOLFSON: Children of the Moon is a political statement. The idea of being helpless pawns at the mercy of our political or religious leaders has always struck me. And I find that current political events in the world, make this song, as far as I'm concerned, all the more poignant.

[Song: "Children Of The Moon"]

ALAN PARSONS: For some time now, we've been employing the talents of Christopher Rainbow who has an extraordinary vocal range. And, I think perhaps we used it to its very best effect on a cut on the album called "Gemini."

[Song: "Gemini"]

ALAN PARSONS: The first side of the album closes with a song called "Silence And I," which is sung by Eric. And it was very exciting to make this particular song, because for the first time, we used a really giant symphony orchestra, 95 pieces, all playing at the same time, and it was tremendously exciting for all of us concerned, to have that number of people involved on one of our own efforts.

[Song excerpt: "Silence And I"]

ERIC WOOLFSON: Another trademark of the project is that if one side has an introspective feel to it, we try and make the other side rather more upbeat. And the second side of "Eye In The Sky" starts with one of our old standbys, Lenny Zakatek, singing lead on a song which is not typically Project, it's rather more rock-n-roll, and it's called "You're Gonna Get Your Fingers Burned."

[Song: "You're Gonna Get Your Fingers Burned"]

ALAN PARSONS: "Psychobabble" was the first song to be recorded on the "Eye In The Sky" album. It was actually started almost a whole year before any of the other stuff was. We called upon Elmer Gantry, again, to do the vocal on it, and as the title might suggest, for the middle section we used a lot of `musical cliches' normally associated with horror films.

[Song: "Psychobabble"]

ALAN PARSONS: I don't think a `Project' would be a`Project' if it didn't have a couple of instrumental cuts on it. "Mammagamma" is one such piece. What's interesting about it is that it's performed almost entirely by a computer. That doesn't mean to say that the talent of the writer is any way over-shadowed, because it took a great deal of effort to program the computer to play it. But just about every note you hear is entirely performed by a machine, as opposed to a musician.

[Song: "Mammagamma"]

ALAN PARSONS: "Step by Step" is a song that, I think, we all thought at the time we started it was going to be a very commercial-sounding cut. Again, it's Lenny Zakatek singing the vocal. And I think one striking thing about the song is the instrumental section in which Ian Bairnson, our guitar player, gets a really interesting sound by direct-injecting the guitar into the mixing desk--no amplification--and the resulting sound is almost like a cross between an acoustic and an electric.

[Song excerpt, spotlighting the instrumental section: "Step By Step"]

ERIC WOOLFSON: The problem with writing songs like "Old And Wise" is that superficially, they might be interpreted as being downers. That really wasn't the intention here at all--the idea was to be uplifting. The pathos of the lyric actually leaves me with a feeling of contentment, rather than a feeling of despair.

[Song: "Old And Wise"]

end of interview

El principio de la privacidad

2012-02-26T14:20:00.000-08:00

Cada generación, afirma el crítico de cine Mick LaSalle, cree que es la más vanguardista de todas las que han habido; y para ello simplemente se basan en los avances tecnológicos. Es cierto, parece imposible pensar que hubo una época en que, por ejemplo, los celulares no existían y para hacer una llamada había que, puaj... ir a un teléfono con cables.

Los chicos de ahora, los niños y adolescentes, son muy distintos a los de hace 20 años. Están expuestos a una andanada de información que viene de todos lados, a la cual pueden acceder cuando les venga en gana. Los mayorcitos nunca pudimos darnos ese lujo: antes, la información, junto con la opinión, caía por goteras y provenía de aquellos con los vatios suficientes como para energizar rotativas o antenas de repetidoras. Ahora, cualquiera puede ser generador de noticias; como por ejemplo afirmar que le vió un pezón a Jennifer Lopez en una ceremonia o, peor aún, generar una mentira como la muerte de Jon Bon Jovi.

Stevie Nicks, diosa del escenario de Fleetwood Mac y modelo a seguir de muchas adolescentes en los setentas, comentó: “No sé por qué las niñas de ahora ponen todo lo que hacen en la Internet. ¡Que dejen algo de misterio!”. Ese misterio es lo que algunos sitios Web quieren destruir por completo, dejando a la juventud vulnerable y expuesta ante el inmenso y misterioso... status quo. Dicha juventud está ayudando a los cazadores de información con una complicidad tremenda e inocente, siguiendo un principio el cual establece que a todo el mundo, sin excepción, le gusta estar expuesto y ser famoso. Ese principio no es nada nuevo y se ve desde el momento en que un sitio Web nos pide hacer un comentario, ingresar un número de teléfono o correo electrónico, o crear un blog para contar nuestra vida privada, como si a todo el mundo le interesara.

En 1989 si uno, por ejemplo, era un lorna en la secundaria (como quien suscribe), un ganso al cual las chicas lo ignoraban olímpicamente por papanatas, eso se quedaba entre las paredes de la escuela y rara vez salía fuera de ésta. Es decir, si tu apodo del colegio era "Pollo Gordo", ese apodo se quedaba entre los doscientos alumnos... no llegaba necesariamente a la China o a Italia, como ahora. Si un chico fue rechazado por una chica en la fiesta de la clase, este chisme puede no sólo ser contado y comentado hasta el hastío, sino que se quedará en la red por un largo tiempo. ¿Cuánto tiempo? No se sabe, pero quién sabe, 20 años después, cuando el mismo chico esté por casarse con su novia, ésta le salga con "¿por qué no me contaste que una tal Larissa Riquelme te rechazó en tu fiesta de promoción? ¿Por qué dijiste que la amabas con locura y que nunca ibas a olvidarla?”

Chicos, la privacidad es un derecho inalienable y va más allá de las ideas políticas o calidad moral. Es lo que nos da no sólo la "máscara" para desenvolvernos en la sociedad, real o virtual, sino en lo que basamos nuestro propio comportamiento. Exponerla es como desnudarnos en público sin ser modelos de Playboy...

...Hablando de Playboy, y usando esta añorada revista como excusa para esta nota, no hace mucho alguien afirmó que fue precisamente esta publicación la que inició la tendencia de exponer nuestra vida privada a los demás a través de medios electromecánicos. Hugh Hefner no sólo desnudaba a sus conejitas sino que les publicaba su edad, lugar de nacimiento, medidas y les preguntaba qué les gustaba o no de un hombre. Hasta ahí, nada del otro mundo; sin embargo sabemos las medidas de Marilyn Monroe, pero claro, nunca supimos si lo suyo fue un suicidio o un asesinato. La privacidad, para los medios, sólo se activa cuando hay cuestiones legales o de seguridad nacional de por medio.

No todos quieren ser personas públicas, pero las nuevas generaciones están siendo forzadas a serlo por una fuerza mediática que no tiene como fin supremo el compartir información entre amigos o descubrir qué fue de la vida de tu compañero de habitación de hace diez años. Si uno no se habla con ellos desde la época de Clinton en la casa blanca, ¿no será por algo? Lo más probable es que no hablen contigo ahora.

La idea de “contactar” como lo puede ser una llamada telefónica, una carta o un beso, no puede ser comparada con una exposición mediática brutal ante 1500 "amigos". Eso no es contacto, sino difusión. Las páginas de redes sociales son perfectas para vender un producto -tu vida-, un servicio –tus comentarios de carácter privado– y de paso, expresar lo que a uno le gusta en su "perfil de usuario". El primer sitio Web que planteó esta idea de "perfil de comprador" fue Amazon.com. Si uno compraba un disco de los Beatles, el sitio le recomendaría uno de los Rolling Stones. Si uno comentaba que le gustaba un libro de Jim Thompson, le avisarían que la nueva novela de Corman McCarthy saldría en unas semanas. Nada de malo ¿verdad? Si uno tiene un perfil en el cual no hay información sensible. ¿Pero qué pasaría si tuviera un perfil con toda mi información Amazon.com y compro un libro sobre Albizu Campos, el independentista portorriqueño acusado de terrorismo y literalmente borrado de la historia moderna? ¿Me recomendarán que, por mis supuestas ideas de izquierda, compre Desarrollemos la Guerra de Guerrillas? ¿Mi Lucha de Adolfo Hitler? ¿Habría gente que creyera que tengo ideas de izquierda, de derecha o de arriba o abajo? La política, aunque no lo parezca, se hace cada día más volátil puesto que las fronteras ideológicas se borran rápidamente con la tecnología.

Después de todo, Amazon.com se ha portado bien con la privacidad de sus clientes, pero otros sitios, los cuales no voy a mencionar aquí para no hacerles el favor, literalmente han arruinado más de una vida.

Una historia que leí hace poco: un chico, al haber sido castigado por sus padres debido a que su hermana lo acusó por algo que hizo, decidió vengarse de la mejor/peor forma: escaneó el diario privado de su hermana y lo publicó para que todos vean lo promiscua que era: y en verdad fue un vistazo a la realidad de los adolescentes de ahora: una ola imparable de chismes, depresión, alcohol, drogas y sexo: mucho, mucho sexo. Los comentarios de sus “amigos” eran lapidantes cual mujer pública del medio oriente siendo ejecutada. De haberse aparecido Jesucristo en Internet, hubiera gritado “¡quien esté libre de pecado, que tire la primera piedra!”; aunque él también hubiera ignorado el punto principal del problema: por primera vez la tecnología está siendo utilizada para destruir la privacidad de una persona común, no una persona pública, ni una estrella de rock que vive de ello, de la exposición por la cual luchó toda su carrera.

Otro caso: una chica que obtuvo un seguro de discapacidad por depresión y estrés en su trabajo, sólo para que se lo quiten cuando alguien la encontró en unas fotos en las Bahamas, en bikini y saltando de júbilo por lo bien que le iba en la vida. Ella se defendió con el hecho de que el doctor le había recomendado unas vacaciones, pero también fue lapidada, y esta vez con consecuencias serias. La frase más común de estas redes: "I love my life".

Anónima de la Internet, mostrando severos  síntomas de depresión bipolar y ansiedad.

En el párrafo anterior tenemos dos ataques a dos personas comunes que generan curiosidades de todo tipo: el presidente de Rusia visitó los Estados Unidos en el 2010 y pasó por Silicon Valley. Visitó las oficinas de ya saben qué compañía y se quedó impresionado, pasmado, de cómo una empresa que empezó como sitio Web para que los estudiantes universitarios se hagan bromas entre sí se haya convertido en el lugar más visitado de la Internet. Millones de fotos son cargadas y comentadas a cada instante, y definitivamente no hay garantías de que cualquier número o dato sensible colocado ahí no vaya a ser compartido con una compañía que quiera fastidiarte llamándote a ofrecerte precios asequibles para una casa nueva, cuando no estés interesado en comprar una. “¿Quieres decir que esta gente te da su información privada voluntariamente?” La CIA, la KGB, el FBI, la Mossad… todas las agencias de inteligencia del mundo dicen lo mismo: La F llegó tarde. Les hace creer al mundo que, al menos en la red, sus vidas son una maravilla y que tienen que compartir todo lo que hacen con sus amigos.

Marilyn Manson dijo, no hace mucho, que la paranoia funciona como un constante análisis introspectivo de uno mismo. Puede ser verdad, nos hace reflexionar y de cuando en cuando sudar la gota gorda. Y ser paranoico de la privacidad, del derecho a defender su integridad emocional, es el arma más poderosa que tenemos. Es la base del derecho a la libertad del individuo y a ser considerado inocente, antes que se demuestre lo contrario.

Que me perdonen algunos de mis amigos, pero hay que ser bien pelotudo para ventilar tus trapitos al aire en materia de relaciones, discutir con tu pareja “en público” y para colmo tener la concha de decir que lo suyo es algo “complicado”. Todo es complicado, especialmente el estar casado y con, ejem, dos cuentas o “personas virtuales” para que uno o una pueda hacer de las suyas. Pero esto último es un caso extremo y, al final, sólo es un simple objeto de chisme. Lo peor está en otros lados.

Casos graves también se puede encontrar en sitios Web que te ofrecen “compartir tu información profesional” con tus colegas, que como ya he dicho no son otra cosa que tus rivales. ¿Un buen currículum en público? Perfecta plantilla para copiar y modificar. No en vano el CV es the great American fiction, y desde la aparición de LinkedIn, the greatest. ¿Un CV en un sitio Web para que lo vean tus potenciales empleadores? No gracias. Mejor contactarlos a ellos de primera mano. Un CV puede ser copiado, adaptado, repotenciado. Y sitios como LinkedIn y Plaxo lo único que hacen es exponer nuestras virtudes y defectos a desconocidos y, en muchos casos, a nuestra competencia.

Debo confesar que hace poco me llevé un susto al ver que las fotos que tomo con mi iPhone contienen un código con las coordenadas del punto exacto donde las tomé. Las fotos del concierto de AC/DC eran rastreables en la ubicación exacta del Oakland Coliseum, y las que tomé de un armario en casa de mi novia, para que lo ponga en venta, mostraban la ubicación de su casa en el iPhone. Todo esto porque había activado una función del iPhone que rastreaba la ubicación geográfica del teléfono al tomar fotos.

Sentí que el senador McCarthy, Edgar J. Hoover y Vladimiro Montesinos ya no trabajaban para sus respectivos gobiernos sino en el Silicon Valley y que nos estábamos dejando espiar descaradamente ya no por gorditos calvos con traje o uniforme sino por nerds sin afeitar prendidos a sus computadoras, listos para hacer negocio hasta con el cuco. Parece una exageración, pero en realidad nos están llenando de evidencias sobre dónde y cuándo estuvimos en lugares determinados.

Una cierta cantidad de comentarios pueden crear una cierta imagen digital/comercial/política de una persona; la cual la puede definir en un futuro para encontrar un trabajo, una pareja, comprar una casa, ser alguien por tener y no por ser. Las redes sociales no se hacen de dinero así porque sí, ni les pagan a sus empleados excelentes sueldos como para vivir tranquilos hasta su temprano retiro a los 50 sólo por controlar el tráfico y ver que no haya ninguna foto ofensiva o hacker. Cada red tiene un poderoso departamento de ventas listo para cargar tu tarjeta de crédito con cualquier cachibache. No obstante, se la podemos hacer difícil ya que aún nos quedan algunos derechos y algunos aspectos de nuestra privacidad que podemos usar en su contra:

1. Nunca, nunca digan dónde se encuentran a todos sus amigos en la dichosa red social. Decir "salgo de vacaciones al mar Peleponeso" puede causar la envidia de la gorda de tu ex-amiga, pero también la curiosidad del amigo de la amiga al cual añadiste sin saber de quién se trataba. Para él "la estoy pasando de maravilla en mis vacaciones", quiere decir "no hay nadie en mi departamento".

2. Qué lindo es salir embarazada y compartir la foto de la ecografía con todo el mundo. No importa que el bebé aún no tenga la nariz formada y que se parezca al hermano del marido. Igual hay que mostrar la ecografía, ¿no es cierto? Con todo y nombre de la madre, fecha y hora del sondeo, nombre del hospital, los últimos cuatro dígitos del número de seguro social... ¿sigo?

3. La información personal en tu perfil de usuario debe ser limitada, de preferencia falsa: nombre (algun error ortográfico no vendría mal) y nada más. ¿Para qué poner el número de la licencia de conducir o el del documento de identidad de tu país? ¿Tu dirección? ¿Estás loco, verdad? ¿Teléfono? ¿Quieres en verdad que te llamen?

4. Tu estado civil es o soltero o casado y sólo se lo haces saber al gobierno de tu país si te lo pregunta. ¿Relación complicada? ¿Relación? Define complicado. Linda forma de hacer sentir a tu pareja como la culpable de todos tus quebrantos. Ella cree que tú eres el único responsable. De más está decir que sus peleas de pareja se deben quedar ahí, en el dormitorio.

5. ¿Demasiados amigos? ¿Chicas y chicos demasiado guapos que nunca han visto en su vida? No son nada más que bots. Desháganse de ellos. Unos dos o tres por día.

Con estos cinco consejos no sólo estaremos dedicando más tiempo a nosotros mismos sino que estaremos evitando a que nos espíen para vendernos gato por liebre o hacernos la vida imposible hurgando en nuestro pasado, oscuro o no. Así de simple.

Gypsy Music Masters

2012-02-23T20:49:00.000-08:00

The complete pickPocket Ensemble albums on Aquarius Records:

International House Of Dreams (1998)

A Streetcar Too Far (1999)

...If I Were A Highway (2002)

Fingerpainting in Red Wine (2005)
Soul Café - Live at Strings (2006)
Memory (pickPocket Ensemble, 2010)

On November 2010, The pickPocket ensemble played yet another small venue in the Bay Area and I happened to be there. I had the chance to catch Rick Corrigan, the main composer and accordionist of this amazing instrumental combo. I wanted to interview him and mention him how much I loved his music, a kind-of-a-dream gypsy European cafe, one with lots of spices and nostalgia.

The pPE is one of those "little bands that could" that have to fight for spaces and times to express themselves. It's a shame that Sony Classical or Nonesuch records haven't got them in their artist roster. Maybe because it implies a huge risk. The pickPocket Ensemble sound makes you want to travel. To travel specifically to Eastern Europe, and get lost into landscapes and towns full of different people, with alien but somehow familiar traditions.

The band, which has become through the years a continuing changing and evolving back-up group for Corrigan's accordion, extracts melodies from Middle East and the former Iron-Courtain countries, blending them with Americana, but not enough to make them sound local. They need to explore a little bit of Polka and Bluegrass, but that's just my opinion.

Their debut album, International House Of Dreams, put the band on a tiny little spot in the Bay Area record circuit and it's a very hard to find album. A Streetcar Too Far is impossible to get unless Aquarius decides to re-release it. Corrigan suggested re-recording it and that would be a good idea too, if the new material gets included in a package with the old one.

Both albums were calling for a peak, and it was reached after painfully changing instruments, musicians and recording locations. An instrumental tale of unrequited love and passion for travel, ...If I Were A Highway took three years to make and it seems that Corrigan found a niche to hang out for a while. Fingerpainting In Red Wine, their fourth Studio Album, is another trip companion to faraway lands and introspective moods, highlighting a tune called "Renee at Ocean Beach," in which guitarist Tim Fox play a lullaby for Corrigan's daughter. As good as it gets, the pickPocket Ensemble music also calls for a major recording deal, with no restrictions nor compromises. Nowadays it might sound impossible, but...

Anyway, here are three little tunes of the pPE. Right-click on the title to download the MP3 file, and after that, click to the album title to buy it on Amazon.com. Don't thank me enough:

"Prague" (from International House Of Dreams)
"Renee At Ocean Beach" (from Fingerpainting in Red Wine)
"Prague" (from ...If I Were A Highway )

The pickPocket Ensemble CD's available on Bazaar Cafe, Aquarius Records, CD Baby or emailing Rick Corrigan.

No culpes a Matt

2012-02-12T15:40:00.001-08:00

Detalle de contracarátula del LP Whose Side Are You On?

Toda la discografía de Matt Bianco (1984-2010)

1984 - Whose Side Are You On?
1986 - Matt Bianco
1988 - Indigo
1991 - Samba in Your Casa
1994 - Another Time Another Place
1995 - Gran Via
1997 - World Go Round
2000 - Rico
2002 - Echoes
2004 - Matt's Mood
2009 - Hifi Bossanova

MATT BIANCO

Si antes 26 años eran una eternidad, ahora no son nada en el mundo de la música popular. Pareciera que, al menos desde nuestras trincheras, la música se hubiera estancado en un trance interminable de mediocridad: lo único que nos excita es la envoltura, el paquete que lleva el sonido. Las canciones ya no son el motivo principal de admiración de un artista, sino cómo se viste (Lady Gaga), en qué club se presenta (David Guetta), cuántos años tiene (Justin Beaver) o con quién se está acostando (Selena Gomez).

Uno puede darse cuenta que la música el 2012 está bien jodida cuando Madonna acaba de "cantar" en el Superbowl, un año después de que los Black Eyed Peas hicieran el ridículo en el mismo escenario; que la mejor cantante del momento, Adele, está en tratamiento de recuperación por una cirugía a las cuerdas vocales y que se retira de la música en cualquier momento, y que las mejores voces de los últimos 30 años, Etta James, Whitney Houston y Amy Winehouse, se hayan ido de pronto, dejando un forado inmenso. Tiempos tristes estos.

Felizmente, para levantar la moral, está Matt Bianco. En 1988 el grupo (porque Matt Bianco es un grupo, no un solista; abordaré este detalle más adelante) tuvo un éxito relativamente grande en Estados Unidos con "Don't Blame It On That Girl", un número bailable que mezclaba el pulsante ritmo de Miami con una sutil vocalización británica. Pero Matt Bianco resultó ser un tesoro escondido en un mar de Top 40. Su música llega a donde Miami Sound Machine, por el lado latin pop, nunca pudo llegar, y a donde el smooth jazz jamás se atrevió a incursionar. De ahí a que sus álbumes sean, cada uno, una verdadera sorpresa.

El concepto de Matt Bianco nació cuando Mark Reilly, Danny White y Kito Poncioni se reunieron para crear música jazz-pop "globalizada". Quizás imaginaron que Matt Bianco era un "nombre clave de algún agente secreto británico que se queda de expatriado en el Caribe para hacer música y pasarla bien luego de alguna misión tortuosa en los helados altiplanos de Rusia", o quizás el nombre salió de la imaginación de Reilly, como si fuera un alter ego potencial. Contrataron a Basia Trzetrzelewska para que sea la vocalista y con ella grabaron el primer disco, mezclado por el exitoso productor Phil Harding, llamado Whose Side Are You On, el cual aquí ya hemos catalogado como una obra maestra. "More Than I Can Bear", una magistral balada, es regrabada con la voz de Basia adornándola por todos lados y se puede encontrar en algunas versiones posteriores del álbum.

Single de 1986.

Basia y Danny se enamoraron y dejaron Matt Bianco (es decir, dejaron solo a Mark Reilly) para trabajar en la carrera solista de la primera. Sabia decisión puesto que tres años después, otra obra maestra de la música pop, Time And Tide aparecería sólida en el sello Epic. Reilly decide continuar con Matt Bianco llamando a Mark Fisher, tecladista y genio de estudio. Junto a él y a una pléyade de invitados, Reilly lanza una serie de discos apuntando al sonido latino pop de Miami Beach y el Caribe. Acertó con Jenny Evans en la voz para el disco Matt Bianco del 86, el cual incluyó "Yeh-Yeh", un formidable cover de Georgie Fame & The Blue Flames.

Pero lo mejor llegaría en 1988 con Indigo, un disco totalmente latinizado que tiende a convertirse en álbum de cabecera y uno de los pocos casos en los que Emilio Estefan acerta produciendo un tema: "Don't Blame It On That Girl" se convierte en el mayor éxito de Matt Bianco y sus claros sonidos de metales y piano montuno inundan muchas radios y discotecas. "Good Times" también atrae a los radioescuchas, pero es "Say It's Not Too Late", continuación natural de "More Than I Can Bear", la verdadera estrella del disco. Indigo en CD suena muy, muy bien. En vinilo, mejor todavía.

Matt Bianco exactamente no es un grupo sino una idea, un producto musical. Funciona en la imaginación del oyente: uno puede decirle a alguien quien nunca ha oído hablar de "Matt Bianco" que se trata de un cantante británico radicado en Miami o en Barbados que tiene una orquesta sensacional. También puede decir que es un grupo sólido, o un dúo, o la banda de soporte de Basia en sus primeros años de carrera. Las posibilidades son ilimitadas.

Los discos siguieron llegando y las producciones pristinas sorprendían a mercados en Asia y Oceanía, mas no en los Estados Unidos ni Europa. Matt Bianco es muy querido en Japón e Indonesia, donde recientemente se presentaron en el festival de Jazz de Jakarta. Se trata de música entretenida, y no hay más vueltas que darle ni tres pies de gato que buscar. Son capaces de hacernos levantar las cejas al oír un cover como el de "What A Fool Believes", o hacernos oír más de una vez temas como "Anna Marie".

El año 2004, Basia y Danny White se volvieron a encontrar con Mark Reilly y grabaron una secuela a aquel magistral debut, el Matt´s Mood, que los encontró con veinte años encima, a los tres, y les dio una oportunidad más para tocar juntos. Basia, con una carrera muy respetada aunque irregular, quizás necesitaba un empujoncito de la nostalgia. Funcionó.

En general, Matt Bianco responde muy bien en fiestas donde falte un toque caribeño, o donde la audiencia no esté lista para sonidos completamente afro-latino-caribeño-americanos. Intenten con "Don't Blame It On That Girl", verán que la fiesta se arma. Los fanáticos de Matt Bianco, pocos pero distribuidos en todo el mundo, saben de lo que escribo.

Whitney Houston (1963 - 2012)

2012-02-12T00:34:00.000-08:00

Es increíble cómo para unos pasa el tiempo de una forma y para otros... pues de otra. Mientras hay artistas que a sus ochenta años aún siguen activos, otros a menos de cumplir los cincuenta se van a la otra vida (si es que la hay). Mientras Tony Bennett sigue cantando, Paul McCartney toca con una banda muy sólida como si tuviera 30 años... Whitney sucumbió a las drogas, las cuales ayer le pasaron factura.

Desde su descenso al mundo de las drogas duras (cocaína, crack, etc.), Whitney ha estado casi muerta en vida. Una relación turbulenta con Bobby Brown, un cantante que la arrastró al vicio para quizás protegerla de los embates de la fama, fue el detonante y la ruina de la carrera de Whitney. Descubierta hace casi 30 años por Clive Davis, quien la contrató inmediatamente para su sello Arista, Whitney fue la voz femenina de más éxito en la historia de la música pop. Su disco The Bodyguard, ganador del Grammy al álbum del año 1993, aunque tiene una producción melosa se deja apreciar por el intenso poder de la voz de una cantante que supo tocar cierta fibra en la gente.

Su voz era estremecedora, su aspecto, frágil como el de una flor ante el viento. Era una bella mujer... talentosa, creativa con las cuerdas vocales. Intentó una carrera en el cine y la apreciaron por su voz más que por su histrionismo. Su muerte no ha sido sorpresa, es más... la pregunta es cómo aguantó tanto tiempo con tantos químicos dentro, o cómo es que nadie la ayudó a dejarlas. La respuesta es simple: un drogadicto negará que las drogas son un problema. Dirá que está en el mejor momento de su vida (lo dijo Kurt Cobain unos meses antes de suicidarse), o que es capaz de controlar su adicción al dejar de hacer estupideces en público, o si ponemos un ejemplo como el de Whitney, dirá que "ella no sabía cómo lidiar con sus demonios, yo sí".

La moraleja de la historia es una sola: las drogas matan. Punto. Y a ti te estoy hablando. Piénsalo dos veces antes de llevarte esa coca a la nariz, antes de pincharte con la aguja de la jeringa, antes de fumar esa pasta base. Es difícil dejarla, ¿verdad? Claro que lo es, mira a Whitney, Michael Jackson, Cobain, Hendrix, Joplin... de haber sido fácil, aún estarían por aquí. Eric Clapton logró superar su adicción a la heroína, John Lennon también. No es imposible dejar las drogas por una vida un poco más sana. Que Whitney represente una lección honesta, al menos por ahora, de que las drogas matan. Nada más.

Dum Dum y Mao Mao

2012-01-31T14:46:00.000-08:00

Super Pop Venezuela (Gozadera, 2005)

AMIGOS INVISIBLES

El nuevo álbum de los Amigos Invisibles ha aparecido tímidamente en las tiendas de Caracas en diciembre del 2005. Curiosamente no se ha promovido en la página Web del grupo y es casi imposible ubicarlo en cualquier tienda que no sea venezolana. ¿Es por falta de marketing? Porque cuando los Amigos quieren promover un disco, le queman cohetes hasta por gusto: dos años antes del lanzamiento en Estados Unidos de la obra maestra The Venezuelan Zinga Son Vol. 1 (Luaka Bop, 2004), ya ellos tenían el primer single, “Bruja”, en el mercado bajo el sello Masters At Work.

Hay dos razones por la cual no mucha gente sabe de la existencia de este disco fuera de Venezuela: 1) es un álbum de covers de música pop venezolana de los 70's y 80's y 2) la verdad que comparado con sus trabajos previos, el disco es flojo y para algunos de los fanaticos, simplemente malo. Guardando distancias, éste puede ser su Magical Mystery Tour: Aquel disco producido pensando en que a todos les va a gustar porque los Invisibles, tanto como los Beatles, creen que cualquier cosa que saquen va a pegar con ganas.

Super Pop Venezuela no es un típico y autóctono disco de los Amigos Invisibles, con temas propios y una conceptualidad presente en cada tema dejando un producto final sabroso. Es un álbum lleno de canciones que influenciaron a la banda cuando eran adolescentes y recién se iniciaban como músicos en una Venezuela que recibía influencias de todo el mundo, por estar ubicada geográficamente en un lugar privilegiado y tener tanto petróleo como el Medio Oriente; pero sin los conflictos ni bombazos, aunque ahora con un presidente autoritario con cara de olla que no sabe cuándo callarse la boca.

El disco rinde tributo al sentimiento auténtico colectivo de la cultura citadina venezolana en dos décadas al estar lleno de covers de artistas que, con la excepción de José Luis Rodríguez, “El Puma,” han perdido su vigencia a nivel internacional, si alguna vez la ganaron. El grupo entonces se propone hacer recordar a los de la generación de los nacidos a inicios de los setentas lo mucho que se divertían con sus canciones, y qué aprendieron de ellas. Crecieron viendo como la Miss Venezuela se hacía Miss Universo casi todos los años como por derecho bolivariano propio, y le rinden tributo con el tema musical del certamen. La banda de calipso Un Solo Pueblo con su “All Day Today” es recordada también. “Caramelo y Chocolate” del Sexteto Juventud es una burla tecno fallida del tema original, que es una joyita caribeña irresistible. A partir de este punto, el disco refleja una carencia creativa sin precedentes en la carrera Invisible: Sin temas originales ni presión para gustar, los Amigos parecen haberse perdido en el mar de los covers sin efecto. “Dun Dun,” canción playera de los Tres Tristes Tigres, resulta ser el “cover” de otro “cover”: el tema original de 1971 pertenece a una banda argentina llamada Kingston Karachi y es cantado en lengua africana. ¿Sería original de ellos también, o quizás perteneció a la misma tribu que cantó “The Lion Sleeps Tonight”? En este punto uno se rasca la cabeza y se pregunta: ¿habrán encontrado su Waterloo los Invisibles?

La respuesta es no: Hay momentos rescatables en donde los Amigos Invisibles se muestran en todo su potencial: “Yo No Sé”, por ejemplo, es un cover fiel al original en donde la enamorada voz de Julio Briceño reemplaza a la putísima voz de Diveana, convirtiendo la canción en una digna secuela de “Qué Rico,” el mejor tema original de la banda. Julio vuelve a lucirse en “Ganas” de la banda Sentimiento Muerto; un número espacial que parece haber salido del mismísimo Arepa 3000. La carencia de temas propios compuestos por José Luis Pardo y Mauricio Arcas (guitarrista y percusionista respectivamente) mella en el disco: aunque los covers son ejecutados con cariño y dedicación, sólo logran entusiasmar a los venezolanos que escucharon las versiones originales durante toda su vida; y que terminaron acostumbrándose a ellas: Yordano y su “Media Luna,” Adrenalina y “Si Tu Te Vas.” Si el álbum empieza con “Miss Venezuela Song” es por algo: es un disco netamente bolivariano, y enfatiza el gusto de los venezolanos por lo venezolano; ya sea bueno o malo. Superpop es verdaderamente un disco venezolano, con temas que si no se internacionalizaron fue por algo.

Sin embargo, "All Day Today" es toda una celebración, con mucha energía, como la primera vez que oí este tema en el Sausalito Art Festival del 2005:

Es una pena que el resultado no haya estado a la altura de Arepa 3000 – A Venezuelan Journey Into Space o Venezuelan Zinga Son Vol. 1, sus anteriores producciones de excelente calidad. Al entregarle las cintas a Dimitri From Paris, un DJ que es precisamente eso, un DJ y no un productor de discos, éste no tuvo el oído clínico para sazonar un álbum de primer nivel como las producciones anteriores. Si antes les había producido la canción “Diablo” con un trabajo de percusión brillante, la ausencia del nivel de producción de Masters At Work es clara. Los Amigos y sus fans, nosotros incluidos, esperaban un mejor resultado, una continuación brillante del Venezuelan Zinga Son Vol. 1. Dudo que Los Amigos vuelvan a llamar a Dimitri From Paris para producirles un nuevo disco.

A continuación: la versión original de "Caramelo y Chocolate":

Los Amigos Invisibles:
http://www.amigosinvisibles.com/

Fuerte, Fuerte, Fuerte

2012-01-10T23:09:00.000-08:00

Tutto Carrà (Sony Music, 1999)

RAFFAELLA CARRÀ

Raffaella Carrà es la mujer perfecta de la música popular europea. Es imposible pensar en otra, al menos para mi que la conozco desde que estoy en este mundo. Mi abuelo italiano la adoraba y tenía uno que otro cassette de ella. Quizás los LPs desaparecieron gracias a la mano negra de mi abuela porque, en verdad, la artista es despampanante y una portada bastaba para derretir a cualquier hombre. Mi abuelo sabía, al igual que yo lo sé ahora, que Raffaella Carrà es la cantante más atractiva y talentosa que ha habido. Una fuente de entretenimiento que sólo se da una vez en la vida, y es tan única que es imposible compararla con alguna otra cantante contemporánea.

Curiosamente los gays adoran a la Carrà, y digo curiosamente porque ella tiene un sex appeal para el hombre heterosexual mucho más intenso. Esta mujer es una diosa de esas que pasan por la vida muy raras veces... y ahora que me pongo a pensar, es probable que ella sea una de las primeras que cantó a grito pelado, y en varios idiomas, el grito de liberación sexual de la mujer italiana. No se me viene a la mente otra cantante, por el momento.

Tal como David Bowie, Raffaella Carrà tiene una tendencia a cambiar, a mutar en el escenario y a asimilar diferentes personalidades cual Zelig. Puede ser una santa en una sesión fotográfica y en un show de TV convertirse en una dominatrix capaz de romperte el corazón y dejar una deuda de 3,000 euros en nuestra tarjeta de crédito. A veces es la chica más bella de la escuela y luego de uno o dos temas es una extraterrestre. Quien esté casado con Raffaella Carrá, es el hombre más afortunado del Mediterráneo.

Como decía, Carrà representa a la perfección a la mujer artista Europea de los sesentas y setentas, evolucionando de la inocencia pre-hippie hacia el hastío post-moderno de la plástica década del ochenta. En Italia no tuvo el éxito esperado y tuvo que emigrar a España, donde grabó discos en la lengua de Cervantes con un acento goloso, elegante y perturbador. Ella era la chica con la que todos querían salir a bailar. Y ella quería bailar con todos. Tenía una canción llamada "Pedro" en donde describía un caso muy común de turismo sexual: la típica extranjera (casada) que en un viaje a la Argentina se "levanta" un guía turístico mucho menor que ella y éste le hace ver "todo menos Santa Fé". "Pedro" no está en la colección Tutto Carrà, pero la pinta de cuerpo entero; o al menos la fantasía que tenemos de ella.

“Felicità”, otro ejemplo frívolo, no tiene un ápice de melancolía ni amargura. Es fiesta, pachanga, jarana, orgía, alcohol, individualismo, Rock and Roll en 2/2. Todo eso juntado en tres o cuatro minutos a toda velocidad. El funk melódico –ácido jazzídico- del “Drin Drin” puede recordarnos a Donna Summer y a Giorgio Moroder, aunque sea producido por el novio de la Carrà de aquel entonces. Es de 1979, año del fin de la música Disco como tal.

Pero la Carrà también tiene su fuerte en la balada y puede llegar a desgarrarse por un amor no correspondido: “Io Non Vivo Senza Te” asombra por la intensidad con que Raffaella llora por la leche derramada. Mi pregunta es, ¿alguien en este mundo es capaz de romper con la mujer más completa de Italia? Imposible. Ella es una mujer intensa, que ama la vida y la aprovecha a cada instante y en todo aspecto; siendo prueba de ello el dinamismo de “Forte Forte Forte,” su single más logrado.

Italia le debe mucho a ella y el mundo aún no la ha descubierto del todo. Los que pasamos los treinta la recordamos, la vivimos, y deseamos ver y oir más de ella. Yo personalmente la prefiero cantando en Italiano y con ese inglés forzado y chillón como en "She's Looking Good." Después de verle las piernas, decimos indeed.

Televisión Nacional De Chile Presenta: Cantaron en Viña Un Día: Police

2011-12-21T12:54:00.000-08:00

Qué: The Police en el 23 Festival Internacional de la Canción de Viña Del Mar.
Cómo: Concierto de 75 minutos que finalizó a las 2:15 de la madrugada.
Cuándo: Febrero 19 y 20 de 1982. En este cuestionario nos referimos específicamente a la primera noche.
Dónde: Quinta Vergara de Viña Del Mar, Chile.
Quiénes: Sting (bajo, voz,) Andy Summers (guitarra) y Stewart Copeland (batería) acompañados de una sección de vientos desafinada.
Por qué: Ni ellos mismos saben por qué fueron invitados al festival. Sería porque en ese momento eran la banda británica más exitosa. Eran inmensamente populares.
¿Sabía el Gobierno militar que Sting cantaba canciones con letras como “Billy joined the National Front, he always was a little runt, he’s got his hand in the air like the other cunts” o “our so-called leaders speak with words they try to jail ya?” No.
¿De haberlo sabido, los hubieran dejado tocar? No.
¿De haber sabido el Gobierno Militar que Sting era izquierdista, hubieran considerado dejarlos tocar considerando el bajo porcentaje de chilenos que entienden inglés? De inglés estaban como la cresta, así que probablemente sí.

¿Estaba Sting cómodo tocando en Chile? No. Sabía que el régimen de Pinochet censuraba hasta el agua y tenía miedo que alguien pudiera entender sus letras.
¿Estaba Andy cómodo tocando en Chile? Mas o menos. Estaba preocupado por lo que Sting podía decir influenciado por los nervios, la rabia y la cocaína. Para tocar tranquilo, ¿se habrá dicho a sí mismo que lo de los desaparecidos era solo cuentos de los comunistas y de Amnistía Internacional?
¿Estaba Stewart cómodo tocando en Chile? Para él cualquier escenario es bueno, con tal de que lo dejen tocar. Una batería no lanza ideas políticas, solo golpetazos.
¿Qué pudo haber causado a Police un incidente posterior con la Policía Militar? Durante el último tema, “Can’t Stand Losing You” Sting anuncia la llegada de las tropas y le dice a la audiencia que no se emocione mucho. Alguien se acerca a Andy Summers y le habla algo mientras este sigue tocando. Sting le pregunta a Andy, “Who’s that? Who’s that?” y la música sigue.
¿Teorías? 1. El misterioso personaje que habla con Summers le dice que ya es la última canción y que tienen que dejar el escenario, sin segundo retorno; ó 2. le está diciendo que le informe a Sting que se calle la boca, por el amor de nuestro Señor Jesucristo, que la embajada británica está a 3 horas de Viña del Mar.
¿Si en vez de Police el Festival hubiera invitado a los Sex Pistols, qué hubiera pasado? Nada, hubieran regresado en el vuelo de vuelta a la primera pedida de pasaporte.
Mejor momento del show: “Can’t Stand Losing You.” Fue sólo en ese momento en que liberaron toda su tensión y tocaron perdiendo el culo. Llegaron al clímax con la sección media (“Reggatta De Blanc”) dos veces; lo cual yo, personalmente, nunca había escuchado antes. Summers brilló.
Peor momento del show: “Hungry For You (J’aurais toujours faim de toi),” cuando Sting presenta la canción “en francés, y es sobre hacer el amor.” Las chilenas chillan al entender la frase y la canción no llega a ningún lado. La sección de vientos estaba desafinada, no tenían monitores de retorno (y si los tenían no les sirvieron para nada) y, en verdad, es un tema flojo del Ghost In The Machine.
¿El público los aplaudió a rabiar? Si, claro. El público de Viña es bien especial. No en vano le llaman “El Monstruo.” Si no les gustaba Police, les mandaban la Caravana, y no la del Valor.
Probabilidad de que a Police los arresten por sus opiniones políticas: casi nula. Hacia 1982, Sting era un sex-symbol que cantaba en inglés (por ende apolítico), Chile mantenía un romance intenso con Inglaterra y dos meses después, el país dejaría que Inglaterra use sus bases militares en la Guerra de las Malvinas contra Argentina. La Primer Ministro Margaret Tatcher se lo agradecería a Pinochet por el resto de su vida.
Atención que le prestaba el Gobierno Militar al rock: muy poca. Dejaron entrar a Police, y tres años después un trío chileno con un sonido muy parecido llamado Los Prisioneros lanzaron su primer disco, La Voz De Los Ochenta, sin represión alguna. Los militares habrán dicho: "pa' qué meterlos presos si ya son prisioneros, poh".
Atención que le prestaba el Gobierno Militar a la Nueva Trova: extrema. No dejaron entrar a Joan Manuel Serrat. Ni que decir de los cubanos Pablo Milanés y Silvio Rodríguez.
Atención que le prestaba el Gobierno Militar a la pintura, especialmente a la “cubista”: en exceso (en serio).
¿Después de ese concierto, cuanto tiempo pasó para que Sting regresara a Chile? 8 años y 8 meses, en Octubre de 1990 para el concierto “Un Abrazo A La Esperanza” en el Estadio Nacional. Sting vendría con una nueva banda y cantaría "Ellas Danzan Solas" en español.
¿Qué recuerdos tiene la banda de aquella visita? No sé, pero de conocerlos algún día sería una de mis primeras preguntas que les haría a los tres.
¿El video de Police en Viña está disponible en la red? Sí. ¡Pueden encontrar la mayoría de temas tocados en YouTube! Busquen Police, Chile, Vina Del Mar… etcétera. Ojalá dure por un buen rato: el concierto lo tengo en su totalidad en mi página de YouTube: www.youtube.com/cacaorock3

Este bajista es la muerte.

2011-12-11T23:55:00.001-08:00

Punk Jazz: The Jaco Pastorius Anthology

JACO PASTORIUS

Imagínese que usted es músico de jazz, bajista, y es considerado actualmente entre los mejores diez ejecutantes del mundo. Algunos incluso creen que usted es Dios encarnado en el instrumento. La crítica lo adora y el público se rinde ante usted en cada presentación. Usted es un hombre relativamente joven.

Un día, usted recibe una llamada telefónica de un amigo, el baterista Omar Hakim, informándole que la banda de jazz-fusión a la que recién el baterista se ha unido está necesitando un nuevo bajista, ya que el anterior ha tenido que dejarla. Hakim le dice que Joe Zawinful, tecladista y líder de la banda, lo invitan para unirse a ella. La banda es Weather Report, el bajista saliente es Jaco Pastorius.

En resumen: imagínese que usted es el extraordinario bajista Marcus Miller. ¿Qué haría ante una propuesta así? Simplemente declinarla. Por esa banda acaba de pasar uno de los músicos más virtuosos y creativos de la era moderna, y cualquier cosa que Miller llegara a tocar en la banda será evaluada con lo que Pastorius dejó: un continuo y poético discurso de bajo eléctrico que embelleció todo lo que Weather Report grabó entre 1976 y 1981, sus años de mayor popularidad.

Miller se negó a que los oídos del público lo comparen con Pastorius de forma tan directa -aunque su influencia se puede sentir en lo que toca-, y al final Victor Bailey ocupó el puesto de Jaco en Weather Report. Imagino el horror de Marcus al ir pensando en lo que sería tener que asumir un puesto tan elevado, tan lleno de expectativas.

Aunque la historia de Miller puede que no sea cierta (no se sabe por qué declinó la propuesta en realidad), lo cierto es que Jaco Pastorius no era un muchacho "normal". Sufría de depresión bipolar y durante sus estados de depresión su creatividad surgía, como si lo forzara a hacer algo más grande que la suma de sus dedos e instrumento. De haber tenido una mente estable, quizás hubiera sido un baterista mediocre y se hubiera rendido apenas se fracturó la muñeca jugando al fútbol americano. Pero no, al recuperarse se encontró con el bajo eléctrico como fiel compañero y no lo dejaría nunca.

Experimentó con efectos, cuerdas de diversos materiales, grasas, posiciones y volúmenes. El sonido de su bajo, alterado, hacía recordar trompetas y otros instrumentos de viento. Encajaba perfectamente con cualquier baterista: a más virtuoso, mejor. Pareciera que se metía en la cabeza de los músicos y predecía sus siguientes movimientos. Si uno mira sus videos puede darse cuenta que sus ojos están como idos, mirando a la nada (quizás a la muerte). Pareciera que no le es difícil crear toda esa erupción sónica y que no necesita de concentración alguna. Un dominio imbatible del ritmo. Es algo más que talento: algo con lo que se nace. Lamentablemente, ese algo tenía un precio altísimo. Ese "algo" lo pudo haber llevado a su inesperado final. Ese "algo" se puede notar si uno mira directamente a los ojos de un genio.

Jaco colaboró con muchos músicos y cada disco en el que participaba se convertía en un objeto de admiración. Sin embargo, a más fama y dinero, mayores eran sus crisis psicológicas. No somos expertos, pero era obvio que el alcohol y las drogas convirtieron su depresión bipolar en una bomba de tiempo que fue detonada por la tremenda fama y arrogancia que absorbió. Como genio insuperable en composición, arreglos e interpretación, Pastorius creía que estaba por encima de los demás músicos. Su espiral hacia la muerte empezó en 1982, al caer de un balcón en Italia y fracturarse el brazo y el hombro izquierdo tan severamente que tuvo que colocársele una clavija de acero para que se recupere. La gran cantidad de medicamentos para el dolor, combinados con el alcohol y las drogas, aceleraron su deterioro mental. Buscaba pelea y las peleas lo buscaban a él. Murió el 21 de setiembre de 1987 producto de una hemorragia cerebral como consecuencia de una paliza propinada por un portero gorilón en el Midnight Bottle Club de Wilton Manors, Florida, diez días antes. Pastorius llegó al club buscando pelea y encontró la muerte; aunque quizás había estado buscando esta última por un buen rato.

El mundo se quedó sin poder ver a Pastorious poder hacer esto:

Al escuchar ese bajo magistral, el cual muestra sus mejores momentos en los CDs de la colección Punk Jazz, uno no deja de preguntarse: ¿Cómo lo hizo? ¿Qué fuerza interna o qué influenciaba ese sonido? ¿Era el funk, Bootsy Collins? ¿Stanley Clarke? ¿Es la depresión bipolar capaz de crear seres con un talento tan grande? Pero esas preguntas son muy similares a las que los astrónomos se hacen al mirar por el telescopio Hubble. O la que nos hacemos todos acerca de la muerte: ¿Qué hay más allá? ¿Estará Jaco más tranquilo, descansando? La respuesta es una y es tan grande como el vacío que dejó Jaco con su partida. Lo que sí sabemos en verdad es que hay gente con muchísimo talento incapaz de controlarlo. Le pasó a Vincent Van Gogh, a Jim Belushi, a Kurt Cobain, a Jimi Hendrix, a Amy Winehouse y hasta a Syd Barrett. Pareciera que el talento extremo va de la mano con la autodestrucción, pero en fin; otra pregunta a la lista.

Little Beaver: "I Can Dig It". Pastorious al bajo.

Punk Jazz no es más que una introducción, una muy buena, al mundo del virtuosismo romántico de Jaco Pastorius. Encontraremos a muchos de sus amigos ahí: Little Beaver, Joni Mitchell, John McLaughlin, Pat Metheny, Flora Purim, Airto Moreira, Hubert Laws y Toots Thielemans. Todos tocando música maravillosa, llena de vida, prisa y fascinación. Música de la época en que Pastorius vagaba por el mundo y no había tiempo para nada, porque la muerte venía que bufaba.

Oh yeah, alright... ooeee, ooeee, ooeeeh!

2011-11-29T11:19:00.000-08:00

Wandering Spirit (Atlantic, 1993)

MICK JAGGER

On July 26th, 1943, Mick was born. Seven decades ago, he's still singing and writing songs for the greatest and oldest rock and roll band in the world. Of course, if you don't know what band I'm talking about you can close this window and go out of your house for the first time in your life.

I didn't know what Rolling Stones CD should I review for Mick's big day. However, there's a fact: whenever I think of Mick or see his face on TV, I think of this CD; his most personal record to date, the beautifully recorded Wandering Spirit. A Rick Rubin production released in 1993 celebrating Jagger's first half century. It was also a cathartic and sensitive album about a man's life blues. What kind of blues a man like Mick Jagger could have strong enough to make a personal record like this?

Mick Jagger is an icon by himself and with the Rolling Stones. He has the kind of life 99% of the occidental heterosexual male population want to have: wake up, exercise, travel, eat the finest food at the finest restaurants, sing your own songs and hear the people singing them with you, get paid for this, meet beautiful women, lots of them, so many women that you forget their names and you don't care when a hot supermodel comes to you pregnant and says "it's yours." He meets presidents, kings, queens, artists, and as I said, women. They sleep with him and the very next day they are just a name and a number in his black book ready to be called again, if so, whenever he goes back in town. OK, it's not 99%, it's 99.9%.

In this album, Mick tries to tell us that, even when he's a wandering spirit and a super-cool guy, sometimes he gets the feeling that he's alone and bored like a mushroom. We don't care about the blues, we just want to live his life. Fine women, good wine, caviar, crossing the Atlantic like we cross the streets to go to the grocery? We're in!

For instance, there's "Put Me in The Trash," a rock and roll number about a former millionaire who's calling her ex-girlfriend for a loan. He bought her shoes, a Ferrari and tickets to the Opera. Now he's asking for some dough. What could have happened? He wasted his money on parties, alcohol, drugs and women. He realized he should have saved some money in the bank for skinny-cow times.

The greatest moment comes when Lenny Kravitz and Flea join Mick to pay tribute to 70's soul with Bill Withers' "Use Me," definitely one of Jagger's favorite songs. He sings Lowman Pauling's "Think" as a tribute to James Brown. So the dues are paid here. The album closes with an Irish violin and Mick singing "Handsome Molly," leaving the listener with the feeling that the singer was alone at the beginning, and it's the same for him at the end.

Jagger did something he never did before, releasing his album the same day as a Beatle released his (Paul McCartney's Off The Ground hit the streets on February 9th, 1993), breaking the old principle that kept Beatles and Stones separated with their respectives parts of the music market. McCartney didn't care, for sure. In 1993 CD sales were at the top of their game -remember, this was the year of Nirvana's In Utero and Pearl Jam's Vs. -and there were CD buyers with money for all of them. Anyways, Paul and Mick are millionaires on their own right. Even if the records didn't sell 2 copies, they wouldn't starve.

Nowadays, this CD is a forgotten treasury. You can get it used for less than 4 bucks on Amazon.com Z-shops; and for a small price you can prove that I'm being honest. This was an outstanding record, comparable with Stones productions like Some Girls, Tatoo You and Emotional Rescue. Let's see what happens in 2013 when Mick hits 70.

Sweet thing: http://youtu.be/nXZUr3v6gNo

More Mick:

Goddess at The Doorway (Virgin, 2001): Rolling Stone Magazine rated this album as classical (5 stars). It's OK, but Wandering is better, way better.

Primitive Cool (Atlantic, 1987): Do people actually remember "Let's Work"? It was a great radio tune!

She's The Boss (Atlantic, 1985): A hard woman to please, Mick's debut was pretty decent.

And the Entire Rolling Stones catalog.

El verano interminable de Pink Floyd

2011-10-29T15:45:00.000-07:00

Meddle (Harvest, 1971)
PINK FLOYD

Recuerdo aquella portada con la antenta oreja sumergida en el agua. Un acercamiento impresionante del órgano humano que recibía las vibraciones que el líquido transportaba, provocadas por una música embrujadora: para unos, perturbadora e incómoda, para otros, el momento que habían estado esperando desde la separación de los Beatles: el nacimiento de la era denominada "Rock Progresivo".

Pero Meddle no es un disco para ser examinado con orejas "progresivas" en busca de virtuosismo. Es un disco para ser escuchado frente al mar, en medio de un caluroso verano que va acabándose. Nos tomó cuarenta años darnos cuenta de Meddle que es un disco generador de insolación en una playa desértica abatida por un fresco viento vespertino. Un álbum que arde y a la vez refresca: el equivalente musical a una cerveza Corona bien fría hacia las cuatro de la tarde frente al Mediterráneo, o al Mar Caribe.

Este fue el último álbum de Floyd cuyas letras fueron escritas por Roger Waters con la colaboración de los demás miembros de la banda. Este era el Pink Floyd que había evolucionado luego de la debacle de Syd Barrett, quien hacia 1971 ya era un vegetal. Habían estado intentando con mucho esfuerzo tomar vuelo: Saucerful of Secrets, More, Ummagumma y Atom Heart Mother son discos que los mismos miembros de la banda llegaron a aborrecer por su "mediocridad" (aunque quien escribe considera al Ummagumma uno de sus discos de cabecera). ¿Qué tuvo que pasar para que los ingleses tuvieran los cojones de grabar "One Of These Days", el tema que abre el disco? Mucha agua bajo el puente. Roger Waters y David Gilmour conectan bajos y guitarras a sistemas de efectos delay y echo y Nick Mason invierte el sonido de sus platillos en un crescendo épico, digno de una erupción volcánica. Con Rick Wright en un perfecto piano eléctrico, la segunda parte de "One Of These Days" es efectivamente lo más metálico que Floyd jamás haya grabado y como que ahí se definió el sonido del grupo. El bajo galopante de Waters siguió su ruta en temas como "Shine on You Crazy Diamond" y "Sheep", continuando aquella emoción volcada en "One Of These Days".

"A Pillow Of Winds", la siguiente canción, es otra prueba más de que el disco buscaba entornos estivales, con un Gilmour controlando la guitarra steel con un dulce virtuosismo. "Fearless" es el reporte de cómo se está sintiendo la banda en ese momento, frente a tanto tiempo, juventud y posibilidades y "St. Tropez" es la influencia del swing en medio de un disco muy, muy "mediterráneo" (es decir, ¿quizás Waters haya estado escuchando algo de música pop italiana?). David Gilmour pasó muchos de sus veranos en las playas del sur de Francia, rodeado de bellas mujeres y músicas, pero al mismo tiempo, sin mucho dinero en sus bolsillos. Alguna chica me comentó alguna vez que el momento más feliz de su vida fue cuando vivía a punta de pan con mantequilla de maní y soda barata mientras trabajaba de mesera en un restaurant de Londres. No la entendí en ese momento, pero estoy seguro que Gilmour sí hubiera entendido qué se siente apreciar el valor del dinero cuando este es escaso. Quizás ahí esté el motivo principal de la rivalidad Gilmour-Waters de todos estos años: ambos tienen una relación amor-odio no entre ellos mismos sino con el vil metal. El primero ve que sus cheques significan progreso, movimiento en ascenso y algo positivo en general (sabiendo que en algún momento estuvo en las filas de desempleo, esperando recibir pan y sopa). El segundo ve que el dinero le iba construyendo una pared que lo iba alienando... pero esa es otra historia y ya muy conocida.

Para cuando termina "Echoes", el tema de 23 minutos que cubre el lado B del álbum, no sabemos qué nos ha entrado por las orejas, pero estamos felices de haberlo recibido. Es verdad, muchos hemos oído "Echoes" después de haber oido los posteriores Wish You Were Here o The Wall, pero imaginemos cómo fue para el oyente común haber oido este tema por primera vez, en pleno 1971. "Echoes" no es más que una canción de fogata de playa amplificada, expandida y embellecida con efectos análogos de larga permanencia. Quizás fueron las hipnóticas imágenes de la película Pink Floyd Live At Pompeii las que le dieron forma a "Echoes" en nuestro subconsciente, con la banda tocando a pleno sol veraniego del sur de Italia en medio de las ruinas del coliseo. Adrian Maben, director del film, utilizó adecuadamente la música relajada de Floyd y los ardientes parajes volcánicos para poner a sus espectadores en un trance maravilloso.

Meddle es un título que juega con la palabra "medal" (medalla) y con el significado de "interferir" o "mediar". Con los años que pasaron y los cuatro megaéxitos de la banda, Dark Side Of The Moon, Wish You Were Here, Animals y The Wall, nos dimos cuenta que Meddle fue precisamente un intermediario entre el viejo Floyd, frustrado de no poder llegar al nivel que Syd Barrett había alcanzado con sólo un disco, y el Floyd organizado y cósmico con Roger Waters como compositor absoluto, dominando la banda con mano dura y bajo protesta de ésta (Richard Wright fue expulsado por insubordinación, creo) pero a la vez llenando estadios y vendiendo discos como pan caliente no porque éstos sean malos, sino por buenos, muy buenos.

El rock de los setentas le debe muchísimo a este disco, pero sobre todo nosotros y las generaciones que van descubriendo a esta banda inmortal. Una lástima que EMI no haya lanzado una Immersion Edition de Meddle, o al menos la versión en BluRay. Será para la próxima. La próxima generación, es decir.

Amadeus Goes To Cairo

2011-10-24T13:38:00.000-07:00

Mozart In Egypt (Virgin Classics, 1997)
Orchestre Symphonique De Bulgarie/Milen Natchev/Children's Choir Of Radio Sofia

In 1997, one of the most curious and unexpected experiments in "educated" music took place in Holland. And now we're discussing its results. For Classical Music lovers, at least the ones I've introduced Mozart In Egypt to, the album is something curious, out of the ordinary, and something to quickly forget and move on. But no, this is definitely a keeper.

The idea came out of Hughes DeCourson's mind, influenced by Middle Eastern music as well as the evolution of Western music of the 18th Century, having Mozart as one of the best representations of it. Mozart was a pioneer but mostly a rebel. A punk who dared to smash all preconceived ideas of music. His sounds were not only creative but stormy and questioned for the truth and for something else to mix with. Middle Eastern music was too far away but DeCourson dared to clash these two dissimilar music tendences: European/Western and African/Middle-eastern.

It's almost a peace treat between Christianism and Islam. For an hour, Egyptian instruments will be collaborating with Western ones to create something unique. They won't cancel each other. We will enjoy pieces like the Double Quartet in E Flat for Clarinet, Violin, Viola and Violoncello, with the sweet, daring addition of Arghul (single-reed, double oboe), Rababa (two-stringed bowed instrument), Kawala (flute), Tabla, Daff (flat drum) and Sagat (small cymbals attached to the fingertips).

Mozart composes, but his work gets blended with traditional arabic melodies and together they flow through a beautiful string of tunes. Purists will call this union unholy and some of them will call Jihad against the idea. But the idea gave a wonderful album that's here to stay. In "Yaman Hawa/Thamos, King of Egypt," a singer with the voice of an angel named May introduces us to a popular Arab-Andaluz melody using a form of improvization that Mozart later will help to glue together. See, the Western instruments make the listener of the Western World feel more comfortable and less out-of-place. But eventually we will fall in love with the Egyptian sounds and will thank Mozart for the trip.

Mozart In Egypt is truly a trip, more than a "clash" of cultures. A masterpiece? Indeed.

Eres una buena chica, Mafalda M.

2011-09-12T13:18:00.000-07:00

Todo Mafalda

(Joaquín Lavado "Quino", Editorial Lumen, 1992)

Lo intrigante y horrendo de leer a Mafalda, la tira cómica más importante de Latinoamérica, es que la situación política del mundo no ha cambiado de estado; salvo de nombres o catalogaciones políticas. Ahora ya no es Vietnam, es Irak o Afganistán. La Unión Soviética no existe, se fué con el Muro de Berlín, pero occidente mira al Medio Oriente con desconfianza y el nuevo Krushev se llama Ahmadinejad. De igual modo, con otros nombres, siguen existiendo luchas de clases, y los que alguna vez estuvieron en el lado izquierdo se pasaron al derecho, y viceversa. La misma chola con distinta pollera.

Mafalda duró aproximadamente una década, entre 1964 y 1973, lo cual para una tira cómica sindicada hoy en día es muy poco tiempo, casi nada. Pero su legado y crítica social fue tan profunda que creó una identidad latinoamericana que recién en los sesentas estaba empezando a ser propia y dejando de ser un reflejo del colonialismo que hasta ahora agobia a los latinos. Mafalda duró quince minutos, pero sus tiras se siguen leyendo y sus dibujos no han envejecido en absoluto: la razón de su existencia, la cual es una mirada irónica a las injusticias sociales, no ha envejecido tampoco.

Si uno ve lo que Quino dibujaba a mediados de los sesenta encontraría una Buenos Aires atolondrada pero segura para que los niños puedan jugar en la calle. Mafalda es una niña entre 6 y 10 años que ve cosas que sus amigos no ven. Por alguna razón, se encuentra a la distancia y tiene una vista panorámica de la realidad argentina y mundial. Tiene el poder de cuestionar y criticar a la sociedad y al sistema económico, en el cual se encuentran su familia y amigos, y eso a su edad no es reprimible porque después de todo, es una niña y hablar no es una malcriadez condenable como la que podría hacer un periodista independiente. Pero vean cómo Quino fue tildado de comunista por la derecha latinoamericana y cómo en Cuba lo acusaron de ser un revisionista por criticar a Fidel y a la Revolución Cubana cuando Mafalda, en una famosa viñeta, lo tildó acertadamente de "cretino".

Mafalda además nos hizo ver que ser inteligente tiene un precio muy, muy caro. Nadie que desee conservar un trabajo, una carrera, una posición social o inclusive un matrimonio osaría cuestionar lo establecido de la misma forma que ella lo hizo en diez años y no esperar represalias. Nos ha pasado a todos en algún momento de nuestras vidas: expresamos nuestra propia opinión, y recibimos la rica represión. Mafalda, al estar a la distancia, no la recibía. Quino sí.

Hablando de distancia, en una de las tiras, Mafalda le pregunta a Felipe, su amigo de edificio, si se podría imaginar cómo sería la realidad si no existiera la distancia como concepto. Felipe imagina que todo estaría ahí mismo, sin posibilidad de separación por espacio o tiempo: Vietnam, Pelé, Cuba, el Kremlin, el Pentágono… y ¡plop! El dientudo se desmaya. Felipe hubiera sufrido de un surmenage terrible de haber vivido en esta, la era de la información rápida y constante. Los amigos de Mafalda fueron tomando mayor relevancia y llegaron a tener historias personales fuera de los ojos de la protagonista. Manolito y su pasión por el dinero y los negocios, Susanita y su visión machista ortodoxa, Libertad y su radicalismo político, Miguelito y su individualismo extremo… todos fueron desarrollándose en medio de juegos en el parque, música de los Beatles, y lo horrible que era ir a la escuela para luego ver televisión malísima. La inocencia de Mafalda y sus amigos ponía al desnudo lo absurdo de la realidad argentina: no el hecho de que exista, sino de la incapacidad de ésta por cambiar.

-Dios, qué asco de programa...

-Disculpa, es la costumbre.

La fuente de los conocimientos de Mafalda, que forjan su ojo clínico al mundo, definitivamente no fueron las conversaciones de sus padres, a los cuales ella quería pero consideraba mediocres. Al principio fueron los periódicos y la radio, y posteriormente la televisión. Mafalda llamó al conflicto árabe-israelí "Tom y Jerry", por lo repetitivo e inacabable. China comunista (ahora "República Popular: Una nación dos sistemas") le daba miedo principalmente porque mientras Argentina dormía, los chinos estaban trabajando. ¿Estados Unidos? El imperio Yanqui como que le daba pena, sabiendo lo mal que la estaban pasando en Vietnam y lidiando con los conflictos por los derechos civiles y la muerte de los hermanos Kennedy y la de Martin Luther King. Yo a los ocho años no opinaba de esa manera; es más, no leía los periódicos salvo para leer los comics o el suplemento "Jaimito" (del diario Correo). El único caso "registrado" de un niño que sabe todo y puede discutir de temas adultos es el de Jesús de Nazareth, cuando fue encontrado por sus padres conversando con los sabios del Templo. Mafalda es una niña normal, común y silvestre sin otro pasatiempo que el de vivir la niñez al máximo. Sin embargo, lo mal que el mundo anda le causa pena, al igual que a todos nosotros, tengamos la edad que tengamos.

Hace 45 años Mafalda hacía bailar la samba, la cueca, el vals y el joropo a toda Latinoamérica con su propio pañuelo. La era M está compilada en su totalidad en el gigantesco tomo Todo Mafalda, en donde vemos la evolución del personaje, que empezó como un niño, pero por motivos publicitarios de la marca Manfield, se convirtió en una niña rebelde con un nombre similar. Mafalda era esperada por muchos lectores de periódicos como El Mundo, al igual que miembros del poder político de la Argentina de los sesentas, los cuales rebuzcaban en sus viñetas alguna crítica hacia ellos. Varias tiras fueron censuradas por comentarios literalmente infantiles. De más está decir que hoy en día los caricaturistas la tienen fácil en países democráticos; salvo aquel danés que hace poco casi es asesinado por un extremista islámico por dibujar al profeta Mahoma. Quino pudo haber sido arrestado por su Mafalda y otros dibujos de no haberse exiliado en Milán, Italia, poco antes del golpe militar del 76 en Argentina. Dibujantes como él, críticos de aquellos que no aguantan pulgas y que intentan controlar todo, necesitan un espacio libre siempre.

El éxito de la tira fue inmediato y hasta literatos como Gabriel García Márquez y Umberto Eco alababan la creatividad y desfachatez de un personaje que tenía elementos de Snoopy y de Periquita, pero nada de Daniel el Travieso o The Family Circus. Mafalda es eterna, y de haber envejecido hoy tendría aproximadamente 50 años y sería la traductora profesional que, trabajando en las Naciones Unidas, lidia con la misma historia mundial que vió desenvolverse desde que ella nació. El mensaje es único y universal: No existe la libertad a medias; grande o chiquita.

¿Más Mafalda? Uno puede empezar por aquí, en este grupo de Facebook.

Police's final tour of duty.

2011-08-13T17:29:00.000-07:00

Synchronicity (A&M, 1983)

THE POLICE

2007 started with great news for Classic Rock fans: Police might be celebrating the 30th Anniversary of their first hit single "Roxanne" (and their very first single, "Fallout") by getting back together for a world tour. Awesome, the fans and critics say, they easily will fill stadiums and the audience is at the right age and economic level to afford "Rolling Stones" venues and prices.

Since the release of Synchronicity, Sting, guitarist Andy Summers and drummer Stewart Copeland have played a few times together: in 1986 for a series of Amnesty International concerts, in 1992 for Sting's wedding and in 2003 when the band was inducted into the Rock And Roll Hall of Fame. The truth that hits everybody is this one: they can't stand each other, although this may be a marketing strategy.

After releasing two mediocre solo albums in 1999 and 2003, Sting has become a pretentious snob playing 16th century lute music, Andy Summers plays more jazz than anything and Stewart is nowhere to be found besides writing music for movies. They don't remember when they were recording straight, no chaser rock songs like "So Lonely," "Message In a Bottle," and "Hole In My Life."

Synchronicity is an album where the listener recognizes Sting's dominance over all Police's music but that's OK. His points of view overshadows the ones of the other two and we get lots of synthesizers and weird noises that have anything to do with Police's first three records. However, Andy Summers manages to represent with his magical guitar and Stewart definitely proves he is the most successful drummer in the world, acclaimed by everybody. Synchronicity might be Sting's album, but it's Stewart's work. 6/4 time on "Synchronicity I," Hard 4/4 hitting on "Synchronicity II," elegant percussion on "Wrapped Around Your Finger" and "Walking In Your Footsteps." Every rock drummer who wants to improve their skills must have this record.

At a glance, the two sides of the Synchronicity LP look like two different entities. The first is an introspective analysis of fate and coincidence, pretty much related to the studies of psychologist Carl Jung, who firmly believed in "meaningful coincidences," such as a beetle flying into his room while a patient was describing a dream about a scarab, an egyptian symbol of rebirth. Jung's notion of synchronicity is that there is an non-causal principle that links events having a similar meaning by their coincidence in time rather than sequentially. He claimed that there is a synchrony between the mind and the phenomenal world of perception, and based on this Sting creates songs that range from Nuclear Apocalypse to Loss of Religion.

Andy Summers and Stewart Copeland bring a little of comic relief with their compositions, "Mother" and "Miss Gradenko," respectively. On the first, Summers doesn't look at Jung but at his mentor Freud to find an explanation to his poor dating skills. Copeland's is a catchy one about a U.S.S.R. desertor who shows affection for the West (by the way, Stewart's father was a CIA agent during the beginning of the Cold War). On "Synchronicity II" Sting gets back at us and finds the closest metaphore to Jung's theory: "Nessie" coming from the bottom of Loch Ness while, many miles away, Sting witnesses the breakup of his family by the monstruosity of modern life: "Mother chants her lethany of boredom and frustration/ but we all know her suicides are fake". The verses suggest that the family might have been murdered by a deranged father.

The first side is adorable, and the second side offers us Police's biggest hit, Grammy Winner "Every Breath You Take," a simple song about a former lover who becomes a stalker, but no one seems to perceive the potential danger of this. "King Of Pain" puts Sting again on the spot of being cruel just to protect his emotions, a subject continuing on "Wrapped Around Your Finger". Lest not forget that he was going through a painful divorce during these years, leaving his wife for her best friend, Trudy Styler. "Tea In The Sahara" is a haunting tribute to Paul Bowles' novel "The Sheltering Sky" that closes the LP, but not the CD nor the cassette. That's the role of "Murder By Numbers," an Andy Summers-Sting collaboration about the reflections of a serial killer (or maybe the father of SII). The song doesn't quite match the mood of the album, but it's a nice novelty song that ends Police's album career.

Synchronicity is, for many, Police's masterpiece. For me actually it doesn't match the honest speed, struggle and dissatisfaction of a bored post-punk generation expressed in records like Outlandos D'Amour (1978) and Reggatta De Blanc (1979). It doesn't show a cohesive band but the work of Sting as a solo artist trying to express himself, leaving his two partners estranged. This can be seen on the Synchronicity Concert DVD, where Sting, after introducing the band and the backup vocalists, doesn't even mention his name. Police disbanded after the Synchronicity Tour and Sting's first solo album, the relaxed and jazzy Dream Of The Blue Turtles, was nicknamed The Son Of Synchronicity, for obvious reasons: he wanted to leave the Police life for good.

Synchronicity: Produced by Hugh Padgham & The Police. Released 1983. Tracks: Side A: Synchronicity I, Walking In Your Footsteps, O My God, Mother, Miss Gradenko, Synchronicity II. Side 2: Every Breath You Take, King Of Pain, Wrapped Around Your Finger, Tea In The Sahara, Murder By Numbers [bonus track on CD and Cassette]. Songs by Sting, except Mother by Andy Summers, Miss Gradenko by Stewart Copeland and Murder By Numbers: words by Sting, music by Andy Summers.

Díselo, díselo

2011-07-25T20:38:00.000-07:00

Puedes Ser Tú (Discos Hispanos, 1985)
MIKI GONZÁLEZ

En 1985 el Perú no estaba preparado para lo que se venía: los peores años de violencia, pobreza y corrupción que vivió en su historia. El gobierno del Arquitecto Fernando Belaúnde terminaba por las patas de los caballos, con una oposición crítica muy severa a su política económica y anti-subversiva. Aquellos críticos, como el guitarrista y compositor Miki González, ignoraban de lo que serían los próximos cinco años de gobierno de un chico de 33 años, lider de un partido llamado Alianza Popular Revolucionaria Americana, llamado Alan García, quien obtuvo más del 50% de los votos en la primera ronda de las elecciones de aquel año.

Este es el tipo de artículos que le gusta escribir a Javier Lishner, y creo que él tiene mucho más conocimiento de lo que se vivió en la escena musical peruana de esa época que quien escribe. Yo simplemente prendía la radio y la TV y absorbía lo que había en los rankings y los noticieros. Déjenme decirles a los que nacieron hacia 1988 y a los desmemoriados que no hubo cosa peor que lo vivido entre 1987 y 1992; es decir, la hecatombe García y los dos primero años de estabilización de la economía a cargo del primer gobierno autocrático de Alberto Fujimori.

En la canción título de Puedes Ser Tú, Miki hizo un compendio de la historia del Perú de los ochenta: Una aristocracia venida a menos que intentaba sobrevivir los nuevos cambios económicos mientras el terrorismo y el narcotráfico nos aterrorizaban con la ayuda de los medios de prensa. "Así es la vida del hombre aquí en la gran ciudad. No le importa a quién aplasta, hoy traidor, mañana Rey." Esta frase pintaba de cuerpo entero a Vladimiro Montesinos, el hombre que en los setentas fue expulsado del Ejército del Perú y que posteriormente sería el asesor de Fujimori. Miki no estaba profetizando sino advirtiéndonos. ¿Pero quién escucha consejos en discos y cintas de roqueros peruanos? ¿O españoles, a fin de cuentas? "Puedes Ser Tú" nunca se tocó en las radios peruanas; o al menos yo nunca la escuché ahí. La canción que convirtió a Miki en una superstar fue "Dímelo, Dímelo," un rock-punk muy inspirado sobre los comerciales de TV que te forzaban a comprar cosas que no necesitabas mientras el dinero se te iba de las manos. Miki no entendía en ese entonces que para hacer dinero había que gastar dinero y que las agencias publicitarian estaban como la mayoría de peruanos: tratando de sobrevivir la crisis que nos tenía a todos mal, pero como dije dos párrafos antes, no se comparaba con lo que se venía y ni el propio Miki pudo profetizar tamaña debacle.

El primer disco de Miki González tuvo invitados de lujo como Andrés Calamaro y Charly García. Asombroso que haya grabado en Panda Estudios con la ayuda de un bajista llamado Eduardo Freire y uno de los hermanos Ballumbrosio, Filomeno -hijo de don Amador, que popularizó la música grone en Chincha, al Sur de Lima-, en el cajón. Miki se encargó de las guitarras y la programación de su "Drumulator" para mantener un ritmo fijo, estático y computarizado a 8 bits. Al gran Charly García le dio la oportunidad de hacer coros en "Chapi García," un tema 100% chicha (tropical-andino) en donde una voz femenina nos da cuenta de qué desastre estaba dejando el gobierno del partido Acción Popular, al mando de Belaúnde. En los ochenta este tema era ignorado por los rockescuchas, pero ahora se siente su nostalgia y etnicismo, de igual modo que con "Brian Meno," un tema instrumental afro-peruano en donde el zapateo, la guitarra eléctrica con flanger y el sonido del arpa hacen descubrir a toda una legión de fanáticos del rock en español que la música negra existe y está llena de texturas, y es excitante.

Excita porque hasta 1985 la música afro-peruana nunca se había cruzado, ni pensaba hacerlo, con el pop-rock. Hasta ese entonces había sido popularizada en su forma pura, con su ya aceptado mestizaje con el criollismo, por artistas como Arturo Zambo Cavero, Perú Negro y el gran Nicomedes Santa Cruz. Miki González quería fusionar con la música negra de las plantaciones de algodón y caña de azúcar de Chincha. Para ello ya tenía a Filomeno Ballumbrosio en el cajón. Y mucha más fusión vendría después. González inicia con este disco un coqueteo con los ritmos afro peruanos que lo llevaría a grabar "Akundún," un reggae pegajoso que en 1994 sería su éxito más fuerte, traspasando las fronteras del Perú. Pero por el momento, Miki estaba debutando como roquero de protesta, así que concentrémonos en esta faceta.

Protesta, como todo hombre, por la forma cómo su mujer lo trata en "Ya No Aguanto." Pero, como escuché decir por ahí a la gran Storm Large, "¿Qué es el amor si la policía no viene?" Le canta a la "Fatiga" de su percusionista y deja que Eduardo Freire cante su propia "Peligro," en donde el bajista trata de imitar a González con su ojo crítico.

Miki escribe canciones como "Donde Están" y "Soy Un Proletario." Una está cantada como si el protagonista estuviera en una trinchera, viendo cómo el país se va a las ruinas; y no hay una sola pista de esperanza ni sosiego. ¿Dónde están los periodistas? (muertos) ¿Y los presos por narcotráfico? (aprendieron a volar.) La otra es una ojeada a una posible vida feliz bajo el sistema económico capitalista basada en el conformismo y la ignorancia; aunque yo lo ví siempre como un elogio al socialismo tipo yugoslavo-cubano. Miki González tenía una tendencia socialista muy marcada y ahora eso suena extraño, pero en 1985 quien no era socialista era un Nazi conchesumadre o, peor que eso, socio del Club Regatas Lima. Miki fue más allá con su radicalismo y al menos una vez se presentó para algún congreso del Partido Comunista del Perú. Con Patria Roja y todo, quién lo diría.

El disco, al tener invitados tan de peso como Calamaro y García, llegó con un buen pedigree y le dio credibilidad a Miki como compositor. Su voz es muy limitada pero la sabe usar y no intenta ser un cantante de altas notas o brillantes falsetos, sino más bien un cronista de la realidad peruana, con una muy buena sección de ritmos y una guitarra blusera subvalorada por muchos, excepto por algunos como el que escribe.

González tendría su mayor éxito en 1987 con una canción punk - new wave llamada "Vamos A Tocache," sobre la ciudad de la alta selva peruana famosa por sus conexiones con el narcotráfico. Su carrera seguiría en subida hasta aproximadamente 1994 con el ya mencionado "Akundún".

Más sobre Miki:

http://enciclopediarockentuidioma.blogspot.com/2009/04/miki-gonzalez-peru.html

Y porsupuesto, en Amazon.com

"Lola, Lola," del disco Tantas Veces (CBS, 1987)

"Ya No Aguanto" del disco comentado en este post.

Se necesita empleada papa adentro para Oscar

2011-07-14T01:21:00.000-07:00

La Teta Asustada (Claudia Llosa, 2009)

Como buen peruano, cargado de miedos y acomplejado, yo pensaba lo que muchos de mis compatriotas habían estado "sugiriendo" durante estos últimos días: que La Teta Asustada de la directora Claudia Llosa no iba a ganar el Oscar porque quizás no era tan buena como en otros festivales de cine habían creído que era, o porque las demás candidatas son mucho mejores. Típico pensamiento de selección de fútbol peruana a mediados de eliminatoria. Tenía que verla para sacarme el clavo y tener mi propia opinión y, una vez que lo hice, descubrí que es una película redonda, simbólica, perfecta. No sólo por lo que se vé en el ecran, sino también por cómo el público reacciona: con perplejidad, con curiosidad, y siempre soltando algún comentario hiriente hacia la actriz principal o la directora y por último hablando de algo que no saben.

Porque así ha sido siempre en el Perú, y los años del terrorismo fueron la somatización de una infección terrible que nos dejó un trauma colectivo brutal del cual aún no nos reponemos. El movimiento terrorista Sendero Luminoso y sus estrategas entendieron que el Perú tenía arraigado en sí un colonialismo endémico que había que arrancar de raíz, creando un estado pseudo-maoísta. Comprendieron que había que boicotear elecciones y asesinar a sangre fría a las autoridades y a la población que se les opusiera para así crear un "vacío de poder". Todo esto pasaba no en Lima sino allá, en las montañas de la sierra, lejos del urbanismo de la capital. Sendero Luminoso era mucho más difícil de vencer que otras organizaciones terroristas al saber mimetizarse entre la población, emplear mujeres que habían sido por años abusadas por sus maridos y/o el sistema y que no le tenían miedo ni asco a la sangre ni a la muerte al haber matado vacas y pollos por toda su vida. ¿Aquellos campesinos que se oponían a Sendero o colaboraban con la policía o el ejército? No eran más que perros rabiosos que había que liquidar y mostrar en las calles de los pueblos andinos con letreros escritos en sangre. Y otra cosa más: a Sendero Luminoso no se le consideró como una amenaza seria sino hasta que empezaron a detonar carros bomba y a asesinar en Lima a dirigentes como María Elena Moyano en 1992. Hasta antes de esos crímenes capitalinos, Sendero Luminoso era un terrorismo "lejano"; tanto así que la idea de una condena por traición a la patria, incluyendo la pena de muerte, era una exageración judicial. Después de la explosión del carro bomba en la zona residencial de Miraflores (en la calle Tarata) en julio de 1992, La población limeña se dio cuenta que estos ya estaban por dar "el gran salto" y que podía ser demasiado tarde.

Magaly Solier y Claudia Llosa

El Ejército del Perú, al mando de un inepto como el presidente Alan García, no estaba listo para enfrentar un enemigo así -igual de complicado que los insurgentes en Irak o el Talibán en Afganistán para el Ejército Norteamericano- y al ir a combatir a Sendero, se cometieron muchos abusos contra la población campesina. Se mató, se violó y se ocultó mucho. Pero los muertos, al igual que los traumas, hablaron por sí solos al ser descubiertos en fosas comunes llenas de ellos, sin poder ser identificados. La década de los ochentas fue terrible para el Perú, y la verdad es que a veces no sé de dónde sacan algunos nostálgicos que "recordar es volver a vivir". Volver a morir, querrán decir. El gobierno de Alberto Fujimori logró vencer a Sendero Luminoso y al otro grupo terrorista, el MRTA, y reducirlo a pequeños grupos en la selva, pero el daño ya estaba hecho.

La Teta Asustada podría ser la secuela no oficial de La Boca Del Lobo (Francisco Lombardi, 1988), en donde una patrulla de elementos uniformados -ni los guionistas ni el mismo director sabía si eran policías, marinos o del ejército- toma el control de un pueblo recientemente atacado por Sendero Luminoso y, al ver cómo Sendero acechaba aparentemente a sabiendas de todos los movimientos de la patrulla, su comandante decide acribillar a toda la población. Antes de dicho genocidio, un soldado viola a una campesina pero sus superiores lo protegen de la indignación y sed de justicia de los pobladores.

En Teta, Fausta (Magaly Solier) es la hija de una mujer violada durante la guerra que decide protegerse de cualquier posible ataque sexual al introducirse una patata en su sistema reproductor. Está segura, al igual que sus demás familiares, que el terror le ha sido transmitido cual virus a través de la leche materna. Simbologías hay muchas y en cada momento de la película, todas relacionadas con los traumas de la guerra y el sufrimiento. La pobreza, aunque presente, pasa a un segundo plano. Hay una miseria emocional con la cual lidiar que es mucho más grande que la económica: la económica se arreglaría con Alejandro Toledo o con Alan García nuevamente en el gobierno (estoy siendo irónico).

Fausta, cual Fausto, pareciera haber hecho un pacto con el diablo al trabajar para éste a cambio de dinero para poder llevar a su madre muerta a ser enterrada en Ayacucho, a regresar a la tierra que la vio nacer. El "diablo" está encarnado en una señora de la alta sociedad limeña cuyo marido, oficial del Ejército, murió durante la guerra contra el terrorismo. La doña es pianista y se ha dado cuenta que Fausta canta en quechua y de forma divina; sin embargo, los miedos y el tubérculo son los propios demonios personales de Fausta, quien los protege, pero a la vez éstos le impiden ver cómo la gente se aprovecha de ella, así como alcanzar una potencial felicidad futura, que por lo visto es alcanzable: en Manchay, el barrio pobre donde vive, la gente sigue con su vida con lo que puede y ya hay señales de un país avanzando hacia algo estable. Como ya lo mencioné, ser pobre aquí es lo de menos, como también el buscar a los responsables de la violencia brutal de hace veinte años: los "sinchis" y los "senderos" no están por ningún lado. El miedo también hace que Fausta se olvide de entender sus verdaderos motivos para tener una patata huésped y viva una vida reprimida; por más que sus amigos y parientes traten de hacerle ver que su trauma literalmente la está matando.

Si los peruanos en general no queremos identificarnos con una chola con papa adentro, es porque no queremos ver nuestra propia realidad: ésto según Claudia Llosa, cuyo guión es muy inteligente y lleno de pistas y preguntas. Hemos estado esperando una película así desde mucho tiempo, algo que nos ponga a celebrar nuestra peruanidad sin un logo de "Inca Kola" o "Cerveza Cristal" en medio y cuestionarnos sin miedo a ser censurados o a que nos llamen comunistas, antipatriotas o resentidos. Dicha celebración es el verdadero triunfo del film, mucho mayor que un premio en Hollywood, Berlín o La Habana.

La Teta Asustada (o The Milk Of Sorrow en inglés) es una gran, gran película y pone a Claudia Llosa como una directora a seguir: experta en retratar imágenes y simbología andina y muy consciente de que no está dispuesta a trabajar como su tío Luis Llosa, buscando a Sylvester Stallone y a Jennifer López parar hacer un blockbuster o haciendo telenovelas de exportación. Creo que eso a la señora Llosa no le debe interesar en lo absoluto. Lo suyo es mostrar la realidad del ande peruano, aquella que en los circuitos de cine y TV limeños está totalmente relegada, y eso la hace sentir realizada. Con Teta nos hace ver lo compleja que es la realidad peruana, tan compleja que una fantasía como ésta apenas roza sus bordes, pero al mismo tiempo nos invita a seguir buscándola de manera introspectiva, dentro de nosotros mismos.

La Teta Asustada se puede ver en su totalidad en Netflix, o ser adquirida en Amazon.com

Muerte de un cantautor

2011-07-10T01:59:00.000-07:00

Facundo Cabral ha muerto asesinado ayer y Latinoamérica una vez más sacó a relucir su pobreza. No hablo, claro, de la pobreza económica sino de la pobreza total en la que se encuentra. Un cantante sencillo, un poeta único, fue acribillado a balazos "por error" (las balas iban dirigidas al empresario que lo había traído a Guatemala). Si alguna vez Cabral había tratado de hacernos ver lo pequeños que somos y no le habíamos prestado atención, pues con su muerte lo logró. Ayer entró al panteón de los héroes musicales asesinados trágicamente, donde están Jorge Cafrune, Víctor Jara, John Lennon, Marvin Gaye, Sam Cooke y "Dimebag" Darrell de Pantera. Facundo Cabral murió y la música cantada en español es más pobre, más mísera, que nunca.

Pero Cabral no era exactamente un cantante, digamos, "estándar". Su lírica iba más apegada a la prosa poética, solía recitar -más que cantar- con una profundidad jovial que no se había oído jamás en ningún cantante "serio" (Cabral recurría siempre a la simplicidad, jamás se complicaba la vida). Supongo que por su sabiduría y sensatez debe haberse creado más de un enemigo. Curiosamente no fue ninguno de ellos quien lo mató, sino unos simples sicarios que dispararon al cuerpo equivocado, buscando un ajuste de cuentas con un empresario guatemalteco, quien sobrevivió al atentado.

Aquellos asesinos del cantante andan sueltos en Guatemala, y le han callado la voz a un gran argentino; aunque parafraseando a Atahualpa Yupanqui, "cantor que cante a los pobres ni muerto se ha de callar, porque donde vaya a parar el canto de ese cristiano, no ha de faltar el paisano que lo haga resucitar", uno se da cuenta que la voz persiste. El mensaje de Cabral es eterno.

En verdad perderia golpes de tecla inútilmente contando todo lo que hay que contar sobre Facundo Cabral. La Internet ahora está llena de él, así como nuestra memoria. Pero, en fin, les dejo esta entrevista que encontré en YouTube, realizada por el periodista peruano César Hildebrandt en 1998.

Visiten www.losinconseguiblesdelrock.com para encontrar discos inéditos interesantes de Facundo Cabral, como Ferrocabral.

"Los Nikkiaudios", 20 de Junio del 2011

2011-06-23T02:25:00.000-07:00

No importa

2011-06-19T15:37:00.000-07:00

Nevermind (DGC, 1991)

NIRVANA

En unos doscientos años, cuando todos los que estén leyendo esto estarán descomponiéndose al igual que el cadáver de Kurt Cobain, líder de Nirvana, la gente seguirá escuchando a su banda con oídos muy atentos y, lo más probable, con una calidad de sonido infinitamente superior a la de los chuscos discos compactos, cassettes y LPs con los que descubrimos Nevermind, un disco que no sólo definió a una generación (la "X"), sino que a punta de ruido sacó a la luz una gran verdad. Vamos a hablar de dicha verdad en un rato. Primero, disfrutemos de la banda:

"Breed"

Era un fin de semana de marzo de 1992 y quien escribe estudiaba ingeniería electrónica en la Universidad Ricardo Palma de Lima. Tenía muchos problemas con las matemáticas y, sobre todo, me molestaba la idea de que iba a terminar siendo un telefonista jala-cables para cualquier contratista de la compañía telefónica. Felizmente eso no ocurrió para mí, pero sí para muchos que se graduaron varios años después, y terminaron agradeciendo el tener un trabajo y pasarse el resto de su vida haciendo algo que no les gusta. En fin, me encontraba en una discoteca del distrito de San Isidro en Lima y, de pronto, la música electrónica se detuvo para dar paso a un trío punk que saturó los parlantes del local. Nunca había escuchado un tema así en un club chic o "exclusivo" en donde la gente se vestía bien para ir a bailar, tomar alcohol y demostrar que sus papis ganaban más que otros papis. El sonido de Nirvana y su "Smells Like Teen Spirit" era bastante agresivo como para ser tocado en un lugar público ante una audiencia más o menos "segura", pero era tan impresionante que no habían excusas para no oírlo, al menos por curiosidad. El tema gozaba de una espontaneidad que sólo la había escuchando antes en música de heavy metal en vivo, pero "Teen Spirit" no era una canción grabada en un concierto: era la siguiente fase en la historia del Rock And Roll, y le daba a éste un par de cojones que había perdido hacía un buen tiempo, gracias a la radio y al Status Quo. Cobain estaba tocando guitarra como él quería que sonara, atacando las cuerdas mientras criticaba la ya tantas veces criticada sociedad; sólo que esta vez alguien lo hacía con mucho, mucho talento. Hacía lo que le gustaba y utilizaba la electricidad de su guitarra y la estridencia de su voz para despertar a las masas. Al mismo tiempo, Cobain combatía en una guerra consigo mismo de la cual no saldría triunfante.

Lo primero que hice al día siguiente fue tratar de saber quiénes eran aquellos músicos, puesto que el rotundo tema era uno de esos que impactan y no se van. Esto sólo ocurre con los grandes: Beatles, Stones, Floyd, Ramones. Nirvana estaba más cerca a los Ramones que de los Beatles, pero Cobain había escuchado muchísimas veces el Meet The Beatles antes de componer su "About A Girl" (del disco anterior, Bleach). De más está decir que los alaridos de Cobain son similares a los de John Lennon en su magnífico Plastic Ono Band. Kurt Cobain era fanático del rock de los setentas y las guitarras de las bandas Boston y Killing Joke (cuyo tema "Eighties" fue fotocopiado para "Come As You Are"), aunque Cobain fue en vida comparado frecuentemente con Lennon, lleva en él mucho más de Syd Barrett, el malogrado fundador de Pink Floyd: una mente genial y a la vez autodestructiva y poco prolífica, capaz de hipnotizar a todo oyente con música muy, muy bella.

En el Perú, la fábrica de discos El Virrey editó el cassette de Nevermind y para mí escucharlo fue toda una experiencia: así como hay gente que recuerda, por ejemplo, el lugar y momento en que por primera vez escucharon el Sgt. Pepper, vieron Star Wars o leyeron Cien Años de Soledad, así recuerdo yo la primera vez en que escuché Nevermind, de lejos el álbum más importante de los últimos 20 años y, al igual que El Quijote, el principio y fin de un género artístico. Nada sería igual después de Nevermind y menos después de la muerte de Cobain.

El éxito de Nevermind se basa en el sufrimiento de Cobain, el cual convirtió sus penas en arte y la gente se identificó con él como nunca antes se habían identificado con músico alguno: Cobain era hijo del divorcio, del alcoholismo y de una familia fragmentada por la situación económica de Estados Unidos, que no ayudaba para nada a los de su clase, la clase media desempleada, que iba creciendo cada vez más y más gracias a las políticas del presidente George H.W. Bush, quienes llevaron al país a una recesión bárbara hacia 1992 (su hijo lo haría también 16 años después).

En Seattle, Washington, el estar desempleado implicaba vestir camisas de franela, pantalones vaqueros desgarrados y zapatos de leñador y quedarse hasta tardísimo en la noche en bares y clubes nocturnos, esperando a que deje de llover. De más está decir que el sonido de Seattle, del cual Nirvana es el mejor representante, está basado en una depresión y fatalismo inmensos y bastante fundamentados. Cobain era el representante perfecto del estudiante de secundaria desplazado y vapuleado. De aquel solitario chico extraño que dibuja los logotipos de sus bandas favoritas y escribe líricas para canciones de conciertos imaginarios. Él era uno de los nuestros, y le fastidiaba mucho saber que los mismos chicos que lo acosaron en la escuela adoraban su música. Ironías de la fama.

Nirvana, luego de un moderado éxito con Bleach en 1989, firmó con la disquera DGC y su álbum Nevermind, que fue mezclado varias veces hasta obtener la perfección con el trabajo de Andy Wallace y Butch Vig, salió tímidamente a la luz un 24 de septiembre de 1991. Hacia Noviembre, las radios ya tocaban de cuando en cuando ese nuevo "tema metalero" de la "nueva banda de Seattle". La promoción del álbum dio sus frutos y la banda se presentaba en Saturday Night Live destruyendo todo a su paso.

"Territorial Pissings"

"Polly", "Come As You Are", "In Bloom", "Stay Away" llegaban una tras otra con una fuerza increíble, imparable. Ahí estaba "Something In The Way", también: un lúgubre lamento sobre lo que es ser pobre y adicto a las drogas. La temática de Nirvana, cruda y directa, estaba llegando a las radios masivas como jamás había ocurrido en el Rock. La gente se había cansado de los pelucones metaleros que sólo lanzaban álbum tras álbum para llenarse los bolsillos con dólares que luego gastarían en drogas, alcohol, mujeres y bienes raíces. Nirvana apareció en el momento exacto como una banda que aceptaba al oyente y le iba revelando una a una sus catársis: hoy en día la frase "Come as You Are" da la bienvenida a los visitantes de Aberdeen, Washington, lugar de nacimiento de Cobain. El rock and roll se había democratizado por primera vez desde Woodstock.

Mientras las disqueras buscaban bandas nuevas para canalizar este nuevo producto democrático y a la vez comerciable, la fama de Cobain alcanzaba niveles insospechados y, al mismo tiempo, su depresión y adicción a los estupefacientes y medicamentos lo iban consumiendo. Mientras el éxito lo iba llenando de dólares, Cobain seguía siendo el chico vapuleado de la secundaria con una guitarra distorsionada, salvo que ahora podía conseguir todas las guitarras que quisiera y consumir drogas más puras que las que conseguía dos años antes en los callejones del centro de Seattle. Poco antes de su suicidio en abril de 1994, Cobain había sufrido una sobredosis de champagne y Rohypnol en Roma. Corrieron rumores de que había sido un accidente, pero creo que en ese momento Kurt se dio cuenta que si no tomaba una medida rápida y efectiva, su dolor sólo se iba a prolongar. Estoy seguro de que debió haber planeado su suicidio metódicamente luego de la intervención por parte de sus amigos y familiares para tratar de sacarlo de la espiral de las drogas y la depresión. El cadáver de Cobain fue encontrado en su casa aproximadamente tres días después de su muerte.

Me enteré de su muerte cuando el bus que me llevaba al dentista se detuvo en una esquina y pude ver el titular en el diario "Expreso". Se lo conté a algunos de mis amigos rockeros ese día y no me creyeron. Sentí que me había convertido en un ave de mal agüero y me dio mucha pena y hasta algo de vergüenza: la semana anterior, cuando esos mismos amigos me contaron que Nirvana había grabado un Unplugged para MTV, me reí a carcajadas: "¿Cómo van a poder tocar esa música tan ruidosa sólo con guitarras de palo?" Al ver que en esa actuación Cobain tocaba su guitarra acústica rodeado de velas y flores cual anticipo de velorio, sentí que su espíritu venía a callarme la boca.

A partir de aquí el debate sobre la muerte de Cobain divide a la gente con una línea muy profunda que define las personalidades de cada uno: ¿fue un acto de cobardía? ¿Tuvo las agallas de terminar con su vida con tanto dolor que llevaba? ¿Por qué no buscó ayuda profesional? Él ya había afirmado que se estaba automedicando para poder superar los dolores crónicos de estómago que tenía y, poco antes de morir, afirmó con una sonrisa de oreja a oreja estar feliz de la vida.

No sólo eso: en una entrevista de la Rolling Stone en pleno 1992, en pleno éxito de Nevermind, Cobain afirmaba que las drogas fueron para él una pérdida de tiempo y que las había dejado. De ahí que algunos consideran que su muerte fue una conspiración que tuvo como protagonista principal a su esposa, la también músico punk y adicta al caballo Courtney Love. Pero para nosotros esto último es una ridiculez. Kurt Cobain era un genio que sufría de una terrible adicción a la heroína, la cual pudo haberlo matado, de cualquier manera. Dicha adicción lo tenía atrapado, y utilizó la música para tratar de salir de ella, sin éxito.

Cuando Kurt Cobain a los 27 años se llevó su escopeta a la boca y jaló el gatillo, se dio por concluida la era rebelde masiva del Rock and Roll. Nirvana le dio pelotas a un género venido a menos, pero al morir Cobain, dichas pelotas se convirtieron en bolitas de naftalina. No me imagino a un Kurt Cobain ahora, en el 2011, a los 44 años, corriendo por escenarios gigantes llenos de luces y una potencia sonora inigualable mientras compañías de telecomunicaciones auspician sus conciertos y en las afueras se venden sus sudaderas a cuarenta dólares. Ni mucho menos me lo imagino sentado en un estudio de grabación, grabando el álbum número 17 de Nirvana y afirmando que será su "mejor obra después del Nevermind". O peor aún: no puedo concebir a un Cobain viviendo del pasado, semi retirado y criando a su hija Frances en una mansión de las afueras de Seattle. Lamentablemente su destino era la muerte.

Las disqueras y sus departamentos de Artistas y Repertorios decidieron apostar por productos edulcorados y seguros: ningún artista famoso se va a suicidar en la cumbre de su fama y crear una depresión colectiva. Éste no fue un caso como el de Lennon, muerto a manos de un loco, o ni siquiera como el de Hendrix, con una sobredosis accidental. Kurt nos dejó una nota diciendo que para él la música no lo había ayudado en nada y que de nada servía vivir: para él, el ser una "estrella de rock" no tenía sentido. "¿Y por qué mierda no dejaste la música?", preguntó su viuda mientras leía la nota con la voz entrecortada a los fanáticos que se habían congregado frente a su casa.

Las fuerzas del destino, fatalistas para aquel chico de la clase trabajadora norteamericana, confabularon para que muera por una verdad a grito pelado: la secundaria es una verdadera mierda y que la gente ahí sufre y sufre mucho. Negarlo es simplemente continuar con aquel infierno. Las matanzas de Columbine en 1999 y Virginia Tech en el 2007 fueron pruebas de que el sistema educativo de occidente está creando gente con problemas muy serios para socializarse, pero en general a ésta gente la ignoramos, le decimos Nevermind y continuamos con nuestra rutina de culpar a los demás de los problemas del mundo porque, total, alguien más ha de resolverlos. Nevermind tiene muchísimo que ver con la carencia de autenticidad y la abundancia de hipocresía en el mundo: el disco sacó a la luz estos problemas en un brillante set de 40 minutos de rock duro, el cual le costó a Kurt Cobain su propia vida.

Más Nirvana:

Incesticide: colección de lados B de singles y otras rareza, editada rápidamente debido al brutal éxito de Nevermind. Destaca "Aneurysm", uno de los mejores temas de la banda.
In Utero: el sucesor digno de Nevermind, grabado de forma más ruidosa.
From The Muddy Banks of the Wishkah: ¿Cómo sonaba Nirvana en vivo? Así.