Café Actual

Niki Gudex (Las 10 deportistas más lindas del mundo)

2012-02-24T02:36:00.000-03:00

Niki Gudex es una modelo y ciclista de montaña profesional australiana.

Como deportista, Niki Gudex participa tanto en la categoría downhill, como en cross, pero si nos vamos al terreno del modelaje, encontramos a una totalmente distinta Niki Gudex, que ha aparecido en las ediciones australianas de las revistas más representativas, como en FHM Australia, que la ha catalogado entre las 100 mujeres más atractivas del mundo en los años 2002, 2003, 2004, 2005 y 2006.

María Sharápova (Las 10 deportistas más lindas del mundo)

2012-02-24T02:32:00.000-03:00

María Yúrievna Sharápova es una jugadora de tenis profesional y modelo rusa nacida el 19 de abril de 1987 en Nyagan, Siberia, Rusia. Ganadora de tres títulos individuales de Grand Slam, Sharápova es la actual Nº 2 del ranking de la WTA.

En 2004, con 17 años de edad, ganó su primer Grand Slam tras vencer en la final de Wimbledon a Serena Williams por 6-1, 6-4. Dos años más tarde, en 2006, ganó su segundo al derrotar en la final del Abierto de Estados Unidos por 6-4, 6-4 a la belga y Nº 2 del mundo de entonces Justine Henin. En 2008, ganó el primer Grand Slam del año tras vencer en la final del Abierto de Australia por 7-5, 6-3 a la serbia Ana Ivanović. Roland Garros es el único Grand Slam que aún no ha conseguido ganar.

Danica Patrick (Las 10 deportistas más lindas del mundo)

2012-02-24T02:25:00.000-03:00

Danica Sue Patrick es una piloto estadounidense que actualmente compite en la IndyCar Series donde fue nombrada debutante del año en la temporada 2005.

En mayo de 2006 publicó su autobiografía, Danica: Crossing the Line. En abril de 2008 se convirtió en la primera mujer en ganar una carrera en la IndyCar Series cuando obtuvo la victoria en el óvalo Twin Ring Motegi en 2008.1 Terminó 3.ª en la edición 2009 de las 500 Millas de Indianápolis, lo que ha sido su mejor resultado en esa pista y el mejor resultado para una mujer en la historia del evento. Desde el 2010 participa parcialmente en la NASCAR Nationwide Series, manejando el auto #7 del equipo JR Motorsports.
En 2011, dentro de la NASCAR Nationwide Series, Patrick ha sido la primer mujer en liderar una vuelta en el Daytona International Speedway. Tuvo su mejor resultado, 4°, en la NASCAR Nationwide Series el 5 de marzo del 2011 en Las Vegas Motor Speedway. Con esto, Danica impuso un récord al tener el mejor resultado para una mujer en una carrera principal de la NASCAR.

Roberta Mancino (Las 10 deportistas más lindas del mundo)

2012-02-24T02:22:00.000-03:00

Roberta Mancino, que practica un deporte extremo, fue nombrada por la revista estadounidense Men's Fitness magazine como la deportista más sexy del mundo.

Según la encuesta realizada por la reconocida revista, Mancino se llevó este reconocimiento debido a que ya completó más de 4000 saltos en paracaídas, deporte que practica desde 2001, y obviamente por su extrema belleza.

Según Mancino, ella comenzó su carrera como paracaidista gracias a la película de acción "Point Break" (Punto de Quiebra), protagonizada por Keanu Reeves, donde ladrones de bancos son aficionados al paracaidismo.

"Cuando tenía un menor número de saltos, pensé que tal vez iba a morir", admite, "pero ahora no puedo vivir sin el paracaidismo, ya que se ha convertido en mi vida", asegura la bella italiana de 30 años.

Vale informar además que Mancino realizó una sesión de fotos saltando completamente desnuda y ella misma cuenta aquella experiencia.

"Hacía frío," dice ella, "pero una vez que salté fue una sensación muy agradable tener el viento en contra de mi cuerpo y no tener nada aleteando en mi contra'', sentencia.

Yelena Isinbáyeva (Las 10 deportistas más lindas del mundo)

2012-02-24T02:16:00.000-03:00

Yelena Gadzhiyevna Isinbáyeva es una atleta rusa especializada en salto con pértiga, actual campeona olímpica y europea de esta prueba.

Ha batido la plusmarca mundial de salto con pértiga femenino en un total de 28 ocasiones, 15 al aire libre y 13 en pista cubierta. A fecha de febrero de 2012, sus récords son 5,06m y 5,01m, respectivamente.

Tras llegar a lo más alto en su especialidad y batir el récord del mundo en varias ocasiones, saltando más de 5 metros en el año 2005 y dominando la prueba sin dar opción a sus rivales, su progreso sufrió un estancamiento. Yelena seguía ganando con suficiencia, pero pasó una crisis de resultados. En ese tiempo cambió de entrenador para ponerse a las órdenes del hombre que llevó al éxito a Sergéi Bubka, Vasili Petrov. Isinbáyeva volvió a batir de nuevo el récord del mundo en tres ocasiones en el año 2008, dejando la plusmarca mundial en 5,05 metros en los Juegos Olímpicos de Pekín. Más de un año después, el 28 de agosto de 2009, Isinbáyeva superaría de nuevo su plusmarca en el mitin de Zúrich, situando el listón a 5,06 metros del suelo. Su entrenador afirma que puede llegar a saltar 5,15 o 5,20 metros.

Stephanie Rice (Las 10 deportistas más lindas del mundo)

2012-02-24T02:11:00.000-03:00

Stephanie Rice es una nadadora australiana especialista en pruebas de estilos, que ganó tres medallas de oro en los Juegos Olímpicos de Pekín 2008 (200 m. estilos, 400 m. estilos y relevos 4x200 m. libres), batiendo en todas ellas el récord mundial.

Su revelación internacional se produjo en los Juegos de la Mancomunidad de Melbourne 2006, al ganar dos medallas de oro en 200 y 400 metros estilos. En los Campeonatos del Mundo de natación de 2007, celebrados también en Melbourne, consiguió dos medallas de bronce en las mismas pruebas. ambas ganadas por la estadounidense Katie Hoff.

En 2008, durante las pruebas de clasificación australianas para los Juegos Olímpicos, que tuvieron lugar en Sydney en el mes de marzo, batió dos récords mundiales. El 22 de marzo logró el de los 400 metros estilos con 4:31.46, rebajando en 1.43 segundos el récord que poseía la americana Hoff con 4:32.89. Tres días después hizo lo propio en los 200 metros estilos con un tiempo de 2:08.92, que batía por 80 centésimas el récord de la china Wu Yanyan, que databa de 1997 con 2:09.72.

Poco antes de los Juegos, Katie Hoff recuperó el récord mundial de los 400 metros estilos, ya que ganó en las pruebas de clasificación americanas para los Juegos celebradas en Omaha, Nebraska, con una marca de 4:31.12.

Allison Stokke (Las 10 deportistas más lindas del mundo)

2012-02-24T02:06:00.000-03:00

Allison Stokke es una atleta estadounidense de 18 años, que se convirtió en un fenómeno del Internet cuándo su imagen apareció en un blog, recibiendo entonces mucha atención debido a sus atributos físicos.

En mayo de 2007, Matt Ufford, un blogger del sitio Web WithLeather.com, puso un imagen de Stokke en su blog. Poco después, un video de Stokke fue puesto en YouTube. Después, Stokke recibió miles de mensajes por correo electrónico y por MySpace de sus admiradores.

Stokke no tuvo una reacción positiva a su fama. Dijo: "Puede que todo esto no sea ilegal, pero resulta humillante".

Stokke vive con su familia en Newport Beach, California.

Su caso ha sido muy controvertido en los medios, llegando incluso a aparecer en publicaciones en España, Alemania, Australia y otros países. El 31 de mayo de 2007 Stokke hizo una entrevista con la canal de television CBS.

Ana Ivanović (Las 10 deportistas más lindas del mundo)

2012-02-24T02:00:00.000-03:00

Ana Ivanović es una jugadora de tenis profesional y modelo serbia nacida el 6 de noviembre de 1987 en Belgrado, República Federal Socialista de Yugoslavia. Ganadora de un Grand Slam tras vencer en la final del Torneo de Roland Garros 2008 a Dinara Sáfina, es la actual n.º 215 del ranking mundial de la WTA. Ivanovic disputó su primera final de un Grand Slam en el Torneo de Roland Garros 2007, donde perdió frente a la n.º 1 Justine Henin, además ese mismo año llegó a semifinales en Wimbledon y en el WTA Tour Championships disputado en Madrid. En el Abierto de Australia 2008 Ivanovic llegó a la segunda final de un Grand Slam en su carrera, perdiéndola frente a María Sharapova.

Actualmente esta en el puesto Nº 21 del Ranking.

Una linda tenista en la lista de las más bellas del mundo.

Leryn Franco (Las 10 deportistas más lindas del mundo)

2012-02-24T01:34:00.000-03:00

Leryn Franco Steneri es una atleta especializada en la prueba de lanzamiento de jabalina, modelo paraguaya y Conductora de T.V.

La atleta, además de desempeñarse en el competitivo mundo del deporte profesional, ha sabido hacerse un espacio en el del modelaje producto de su belleza física, atributo que fue corroborado en más de una ocasión por diversos medios de comunicación. Participó en el certamen de Miss Mundo 2006 y se ha consolidado como una de las estrellas de la pasarela y el espectáculo en Paraguay.

Precisamente de éstos ha sido objeto de rumores que la involucraron en una supuesta relación amorosa con el tenista serbio Novak Djokovic, durante su participación en los Juegos de Pekín 2008 y en el 2009 también hubo rumores que tuvo una relación más que amistosa con el deportista Argentino Tomas Néstor Blanco coordinador y jugador de Balonmano Argentino.

En enero de 2009, la revista Aksmen.com realiza una encuesta de las 99 mujeres más deseadas del mundo', debutando así en el puesto Nº 86.

En diciembre de 2009, fue seleccionada para integrar un ranking de las 40 deportistas más bellas de la década. La lista fue elaborada por el sitio web estadounidense Bleacher Report y en la misma la paraguaya aparece en el 6º lugar de las más lindas en los últimos 10 años y en el 2º del 2009.

En 2010 fue elegida como la más sexy de todos los tiempos.

En 2012 el sitio Aksmen.com realizo una encuesta de las 99 mujeres más deseadas del mundo, en donde Leryn, por segunda vez (desde 2009), queda en el puesto Nº 64.

Es la deportista paraguaya mas linda del mundo.

Kiira Korpi (Las 10 deportistas más lindas del mundo)

2012-02-24T01:18:00.001-03:00

Kiira Linda Katriina Korpi nació el 26 de septiembre de 1988 en Tampere, ciudad finesa ubicada a 170 kilómetros de la capital Helsinki. Fue muy buena estudiante en el colegio, sus cursos favoritos fueron los idiomas extranjeros y la biología.

Comenzó su carrera de patinaje artístico en 2002 participando en torneos juveniles. En su debut en los Juegos Olímpicos, en Turín 2006, ocupó el decimosexto lugar, mientras que en los pasados de Vancouver fue undécima. Logró la medalla de bronce en el Campeonato Europeo de Patinaje Artístico en 2007 y obtuvo el campeonato de Finlandia en 2009.

Además de su idioma natal, Kiira habla inglés, sueco y alemán. Entre sus pasatiempos favoritos están el snowboard, el tenis, el yoga y la lectura. Estudia en la Facultad de Economía y Administración de la Univesidad de Tampere.

Sin dudas una de las mas bellas mujeres dentro del mundo deportivo.

El smartphone sumergible de Panasonic

2012-02-23T17:19:00.001-03:00

La firma tecnológica Panasonic ha presentado el smartphone Eluga, con sistema Android con el que la compañía regresa al mercado de teléfonos inteligentes. Panasonic ha destacado que se trata de uno de los dispositivos más ligeros edl mercado, con solo103 gramos de peso y con el ratio de pantalla de 4,3 pulgadas.

En un mercado cada vez más competitivo, Panasonic ha querido volver apostando por un teléfono con un fino diseño, que llega con sorpresa. Eluga, pese a la apariencia delicada de su diseño, es resistente al agua y al polvo. Se puede sumergir hasta 1 metro bajo el agua durante 30 minutos y el polvo no le hace daño.

Este dispositivo tiene un procesador de 1GHz de doble núcleo y una capacidad de 8 GB. Su sistema operativo es Android Gigerbread 2.3.5, también incorpora una cámara de fotos de 8 megapíxeles integrada, GPS, brújula, Wi-Fi, Bluethooth y según Panasonic se puede utilizar como control remoto para otros dispositivos electrónicos en el hogar gracias a la tecnología NFC.

Como si todo fuera poco Panasonic ha equipado a este teléfono con varias posibilidades de software específicas. Por ejemplo, Eluga permite a los usuarios pasar imágenes y vídeos desde el teléfono a un televisor o a la nube de forma inalámbrica y tiene un modo de energía denominado Modo Eco.

Edita tus videos 3D con el celular LG Optimus 3D Cube

2012-02-23T16:09:00.001-03:00

El Optimus 3D Cube es el nuevo smartphone de LG. Este novedoso dispositivo será primeramente lanzada en el mercado Coreano y saldrá a la venta con el sistema operativo Android 2.3, y no con el 4.0 como muchos podrían esperar, además, el Cube tiene una pantalla de 4,3″, su procesador corre a 1.2GHz, dual-core, también tiene una cámara 3D de 5 megapíxeles, 16GB de memoria interna y una batería de 1520mAh.

La pantalla del Optimus no requiere el uso de lentes 3D y el móvil contará con software de edición y mapeo de videos 3D.
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Con este lanzamiento LG presenta el primer smartphone con la capacidad de editar videos en 3D.

El último vuelo del transbordador Discovery

2012-02-20T13:19:00.000-03:00

En dos meses más, el transbordador espacial Discovery será instalado en su lugar de descanso, el Centro Steven F. Udvar-Hazy, el anexo del Museo Nacional del Aire y el Espacio que está en el aeropuerto internacional Dulles de Washington.

Sustituirá allí al Enterprise, el transbordador que se utilizó para pruebas aerodinaámicas pero que nunca salio al espacio, que en principio irá al Museo Mar-Aire-Espacio del Intrepid en Nueva York.

Vuelo de prueba del cohete Xombie gracias al sistema de navegación GENIE

2012-02-20T12:23:00.001-03:00

Este video muestra el vuelo de pruebas del cohete suborbital llamado Xombie de la empresa Space Systems. La prueba se realizó en el aeropuerto/espaciopuerto del desierto de Mojave.

Esta nave se eleva gracias al sistema de navegación GENIE de la NASA, es capaz de elevarse 50 metros, permanecer estable, desplazarse otros 50 metros en horizontal y aterrizar sin mayor problema.

The Prodigy

2012-02-14T10:44:00.002-03:00

The Prodigy es un grupo inglés de música electrónica, formado por Liam Howlett (compositor/teclados), Keith Flint (vocalista/bailarín), y Maxim (MC/vocalista). Leeroy Thornhill (bailarín) también fue miembro de la banda desde 1990 hasta el año 2000. Una vocalista y bailarina llamada Sharky también se asoció brevemente con la banda en sus comienzos. The Prodigy disfrutó de su gran golpe de publicidad al ser pioneros en el movimiento de la música electrónica conocida como "rave". Desde entonces han adquirido una inmensa popularidad y renombre mundial. Algunas de sus canciones más populares son "Charly", "Out of Space", "Smack My Bitch Up", "No Good (Start the Dance)", "Breathe" y "Firestarter".

"The Prodigy" han ido desarrollando varios estilos a lo largo de los tiempos, en sus inicios como pioneros de la música rave subversiva, y actualmente, como compositores de canciones tecno con elementos punk en sus vocalistas.

Formado en Essex, Inglaterra, comenzó su vida inicialmente con un demo de 10 canciones de Liam Howlett, que introdujo completo en un teclado secuenciador Roland W-30. XL Recordings tomó el demo y un álbum inicial de 12" llamado What Evil Lurks que fue editado a principios de 1991. El nombre de la banda se piensa que fue tomado del teclado Moog Prodigy (creado por Robert Moog).

La primera actuación de la banda fue en el Four Aces en Hackney, Londres. Charly, salió a la venta seis meses más tarde, y fue un éxito rotundo en la escena rave británica del momento, catapultando, por primera vez, a la banda a una mayor cantidad de público. Algunos críticos llegaron tarde al identificar la publicación de Charly, con su memorable sample de un anuncio informativo de la televisión gubernamental dirigido a los niños (Charley Says), como la canción que instigó la destrucción final de la escena rave underground, abriendo la puerta a una riada de canciones rave que muchos de los devotos del género consideraban de inferior calidad, como sería el tema de Urban Hype Trip to Trumpton o el de Smart E Sesame's Treet. Tras Charly, llegó muy pronto el primer álbum de larga duración de la banda, The Prodigy Experience, ampliamente valorado como uno de los mejores ejemplos del género rave jamás producido.

Después de este álbum y los singles que le acompañaron, The Prodigy se distanciaron de la reputación de "rave infantil" de la que ahora renegaban. Con la legislación "anti-raves" en el horizonte, la escena comenzaba a deteriorarse. Sin embargo, en 1993, Howlett publicó un vinilo etiqueta blanca anónimo el cual traía grabado en sí sólo el título Earbound I. El hipnotismo y la fortaleza de esta canción ganó una amplia aprobación de la escena underground. Muchos críticos de la banda quedaron asombrados cuando ellos finalmente reconocieron responsabilidad por la grabaciónnecesita citación. Este vinilo etiqueta blanca fue oficialmente publicado con el nombre de One Love después de un tiempo ese mismo año y ascendió a la tabla de éxitos musicales en la posición #8 en el Reino Unido.

En 1994, el segundo álbum de The Prodigy, llamado Music For The Jilted Generation, mostró un aspecto más amplio de estilo musical. Tonos de pista de baile pesados abundaron, pero fueron complementados con más pistas inusuales como la canción de concepto The Narcotic Suite, e inclinaciones orientadas por el rock (Their Law, con Pop Will Eat Itself). El álbum fue nominado a un Mercury Music Prize. Sin embargo, en el fondo, Howlett reafirmó su dedicación a la escena de la música rave.

El éxito internacional del álbum Music For The Jilted Generation significó que hacer una gira de conciertos por el Reino Unido era una posibilidad viable en ese momento. La banda aumentó su formación con el guitarrista Jim Davies(del grupo Pitchshifter) en 1995 para canciones como Their Law, Break And Enter 95, y varias versiones e interludios sólo tocados en conciertos. La salida en 1996 del disco Firestarter, con voces por primera vez por cortesía de Keith Flint, ayudó a la banda a penetrar en los Estados Unidos y en otros mercados en donde la banda no había entrado, y alcanzó la primera posición en la lista de éxitos musicales del Reino Unido. En ese mismo año, The Prodigy también tituló el prestigioso festival de Lollapalooza. La banda ha hecho giras por todo el mundo incluyendo Beirut y La Plaza Roja de Moscú.

El tercer álbum de The Prodigy, The Fat Of The Land, salió en 1997. Como sus predecesores, el álbum representó un hito del desarrollo de la banda y la amplia corriente dominante de la escena dance. Con melodías simplificadas, sampleado esparcido, y más voces sarcásticas con toque de punk, el álbum, sin embargo, retuvo los cortes desentonantes de huesos y el estilo susurrante tan idiomático de la banda. El álbum cimentó la posición de la banda como uno de los actos con más éxito internacionalmente en el género del hard dance, entrando en la tabla de éxitos musicales del Reino Unido y Estados Unidos como número uno. El single Breathe(1996), nominado como best selling, fue tomado de este álbum.

En 2000 Leeroy deja el grupo, y en 2004 Liam Howlett saca otro disco: "Always Outnumbered, Never Outgunned", que no incluye el single "Baby's got a temper" que había salido a la venta un tiempo atrás. Este último disco de Prodigy no cuenta con la participación directa de Keith ni de Maxim, pero evolucionando musicalmente y demostrando que sigue siendo un innovador.

El trío sigue de gira por el mundo, apoyado por guitarra y batería, haciendo conciertos de auténtico rock con tintes de punk y bases electrónicas.

La banda The Prodigy estaba siendo muy emitida en estaciones de radio de rock con su pista, "Smack My Bitch Up", y estaban recibiendo una crítica muy negativa por dicha canción. Time-Warner, la empresa padre the Prodigy, sentía la tensión de la National Organization for Women (NOW) sobre la pista. Aunque la letra es poca y repetitiva (en toda la canción, la letra es "Change my pitch up, smack my bitch up" (Sube el tempo, azota a mi perra), NOW declaró que la letra era "...un peligroso y ofensivo mensaje apoyando la violencia contra las mujeres". Howlett respondió a los ataques declarando que la letra de la canción estaba siendo malinterpretada: (la canción significa) "...haciendo cualquier cosa intensamente, como estando en directo - yendo a una energía extrema y maníaca". El grupo no escribió la letra, pero la copió de la clásica pista de Ultramagnetic MCs' "Give The Drummer Some" que también aparece en Dirtchamber Sessions (también había copiado otra canción de Ultramagnetic MCs "Critical Beatdown" en su previo single "Out of Space"). Varias estaciones de radio defendieron la canción, aunque sólo la ponían de noche. El video clip (dirigido por Jonas Åkerlund) era el punto de vista en primera persona de alguien saliendo de marcha, tomando grandes cantidades de alcohol y cocaína, metiéndose en peleas con hombres, abusando de mujeres y recogiendo una prostituta. En el vídeo la cámara muestra los efectos en primera persona de la combinación de dichas drogas. Al final del vídeo la cámara sube a un espejo, revelando que la persona es una mujer y explicando así por qué le tira los tejos el hombre del vídeo con pinta de oficinista en el primer pub, y el hecho de que se pelee con todo hombre que se le acerca tiene otras connotaciones. Algunos opinan que el hecho de que se vea como mujer al final del vídeo es parte de una alucinación producto de las drogas; aunque es improbable, ya que no se observa que tome alucinógenos, sino solamente coca y alcohol. MTV sólo lo transmitía entre la 1 y las 5am para que la audiencia madura pudiera ver las revolucionarias imágenes. El director se inspiró para el vídeo en una noche saliendo y emborrachándose en Copenhague.

Wal-mart y Kmart más tarde anunciaron que quitarían The Fat of the Land de sus estanterías. Aunque el LP había estado en sus estanterías durante 20 semanas, los dos supermercados consideraron la campaña de marketing del nuevo single ofensivo.

En mediados del 2002, la versión no censurada del video clip se transmitió en MTV2 como parte de un especial ranking de los videoclips más controvertidos retransmitidos por MTV. Este especial se transimitió por la noche por el contenido de "Smack My Bitch Up" y otros videoclips en el ranking. Este vídeo en particular fue considerado el "Vídeo Más Controvertido" de MTV y apareció como el #1 del ranking.

En 1999 se lanzó Dirtchamber Sessions Volume 1, una sesión de Howlett como DJ para la británica Radio 1.

En 2002, después de un descanso tras la gira y las grabaciones, lanzaron el single "Baby's Got a Temper" que fue una decepción para la crítica. La canción fue escrita por Keith Flint y producida por Howlett. De nuevo la polémica envolvió el nuevo trabajo por referencias a "actos sexuales no consentidos" y por su tibieza en el tema de las drogas. Sin embargo, ese mismo año, la Q magazine añadía a The Prodigy a su lista "50 bandas para ver antes de morir"

El cuarto álbum de estudio, Always Outnumbered, Never Outgunned, fue lanzado el 23 de agosto de 2004. El single experimental "Memphis Bells" fue lanzado en edición limitada y fue seguido por "Girls" en un lanzamiento convencional. La versión estadounidense del álbum contenía un bonus track; un remix the "girls" llamado "more girls".

5.000 copias de "Memphis Bells" fueron vendidas por internet. Cada una era una combinación de diseño instrumental, rítmico y opcines melódicas, de las que 39.600 (de un total de 660.000) estaban disponibles. Cinco mezclas fueron vendidas en tres formatos distintos, WAV, dos en MP3, y uno en 5.1 DTS surround sound y todos ellos sin derechos de autor. El experimento fue un éxito y a pesar de los problemas de los servidores para soportar la demanda las 5.000 copias fueron vendidas en 36 horas.

En 2005 lanzaron una recopilación, Their Law: The Singles 1990-2005, de la que surgió un single remix de las canciones "Out of Space" (the "Audio Bullys Remix") y "Voodoo People" (the "Pendulum Remix"). Posteriormente lanzaron un vídeo musical que fue añadido al DVD del lanzamiento. En el video Sharky, el único miembro femenino del grupo, aparece corriendo y ganando una carrera.

Sus trabajos han sido utilizados en muchos programas de televisión, películas y videojuegos. El videojuego Need for Speed contenía la canción "You'll Be under My Wheels", que también ha sido utilizado en publicidad por BMW y en los créditos finales de The Fast and the Furious: Tokyo Drift. Del álbum Fat of Land la canción "Firestarter" aparece en el videojuego Wipeout 2097, mientras que "Mindfields" aparece en Matrix y la canción "Funky Shit" es usada para la escena final y los créditos de Event Horizon. Las canciones "Voodoo People" y "One love" aparecen en la banda sonora de "Hackers" y en las películas francesas "Wasabi" y "Dobermann". En 2006, "Spitfire" de Always Outnumbered, Never Outgunned aparecieron en la escena de apertura de "Las Vegas" en la cadena NBC en EEUU. La canción "Breathe" fue usada en un vídeo llamado "Sorry". Por último, la película "Los Ángeles de Charlie" hacen uso del polémico tema "Smack my bitch up".

The Prodigy es una banda difícil de clasificar, ya que han evolucionado significativamente a través del tiempo. Cada uno de sus álbumes representa una etapa distinta en el desarrollo musical de la banda. Desde sus inicios como una banda psicodélica rave con temas como "Your Love" y "Out of Space", pasando por temas más mainstream como "No Good", también temas más orientados al Rock como "Their Law" hasta canciones punk como el cover de L7 "Fuel My Fire" en los últimos años, The Prodigy continúa innovando y sorprendiendo. The Prodigy ha tenido la habilidad, a través de los años, de presentarse en diferentes multitudes según el estilo de música; desde el festival 100% electrónico Creamfields, pasando por lo general como T In The Park, hasta festivales más orientados al heavy metal como el Download Festival.

The Prodigy ha sido descrita como "Una banda de Rock que hace música Dance".

Biografía de Rammstein

2012-02-10T11:41:00.003-03:00

Rammstein es una banda alemana formada en 1994. Musicalmente incorporan elementos de numerosos estilos. Son considerados parte del movimiento Neue Deutsche Härte, junto con Oomph! y Die Krupps. En ocasiones se ha definido su estilo como Tanz-Metall ("metal de baile"). Sus canciones están escritas casi exclusivamente en idioma alemán y han vendido más de 12 millones de copias en todo el mundo. Entre otros reconocimientos han sido nominados en dos ediciones de los premios Grammy en la categoría de "mejor actuación de música metal": en la de 1999 con "Du hast" y la de 2006 con el tema "Mein Teil". Todos sus álbumes están editados por la multinacional discográfica Universal Music.

Los orígenes de Rammstein se remontan a la época de la Reunificación alemana. Todos los miembros de la banda nacieron en la antigua República Democrática Alemana. Richard Kruspe huyó de su ciudad natal, Schwerin a través de Hungría y Austria, hacia la República Federal Alemana. Allí fundó y tocó la guitarra para su primer grupo, Orgasm Death Gimmick. Tras la caída del Muro de Berlín en 1989 volvió a Schwerin y tocó durante un breve lapso con el grupo Das Auge Gottes. Durante esta época conoció a Till Lindemann, que tocaba la batería en una banda de punk llamada First Arsch. Junto con los compañeros de piso de Kruspe, Oliver Riedel, bajista de The Inchtabokatables y Christoph Schneider, batería de Die Firma, pusieron en marcha el proyecto Rammstein. Con Till Lindemann como cantante y letrista, comenzaron a tocar juntos. Para poder ensayar mejor, este se trasladó de Chemnitz a Berlín. Durante esta etapa la banda tocaba música rock con influencia de grupos americanos.

Till Lindemann, vocalista.En 1994 grabaron una maqueta para un concurso en Berlín para bandas noveles. Esta cinta contenía cuatro canciones, "Das alte Leid", "Seemann", "Weißes Fleisch" y "Rammstein", que en aquel entonces tenían letras en inglés. El resultado del concurso fue que Rammstein ganó una sesión de una semana en un estudio de grabación profesional. Este primer éxito llamó la atención de Paul Landers, de la banda Feeling B, que se incorporó como segundo guitarrista, estando ya presente durante la grabación de una semana. El grupo quería incorporar asimismo a Flake Lorenz, que tocaba los teclados en el grupo de Landers. En un principio, Lorenz rechazó unirse a la banda porque encontraba el estilo de música soso e inexpresivo. Finalmente aceptó con la condición de que cantaran en alemán.

En 1994 comenzaron también a trabajar con el manager Emanuel Fialik y su compañía Pilgrim Management. A final de año, Fialik presentó a Rammstein a la discográfica Motor Music, con quienes firmaron un contrato a comienzos de 1995. Dicho año, Rammstein publicó su álbum de debut, titulado Herzeleid, pero fue con Sehnsucht (1997) con el que lograron despegar desde el punto de vista comercial, tanto en Alemania como en el extranjero. En 1999 publicaron un disco grabado en vivo el 22 y 23 de agosto de 1998 en el Volkspark Wuhlheide de Berlín. En 2001, cuatro años después de su último disco de estudio, estrenaron contrato discográfico con Universal Music y editaron Mutter. En 2004 y 2005 siguieron Reise, Reise y Rosenrot. El último disco publicado por el conjunto hasta la fecha es Völkerball, de 2006, grabado también en directo. En la actualidad el grupo se encuentra en plena pausa, a la espera de poder producir un nuevo álbum.

El nombre del grupo está inspirado en la ciudad de Ramstein, en cuya base aérea ocurrió un accidente durante un espectáculo, en el que se vieron implicadas tres aeronaves italianas. Dos de ellas chocaron en el aire y otra cayó sobre el público; como resultado murieron 70 personas. Para transformar el nombre añadieron una "m", de modo que el nombre incluye la raíz del verbo rammen (chocar, hundir); una traducción aproximada de "Rammstein" sería "piedra de embestir". Aunque la banda ha tratado a lo largo de su carrera de negar una relación entre su nombre y dicha catástrofe, seguramente por motivos de imagen, lo cierto es que justo después de su creación actuaron en varias ocasiones bajo el nombre Rammstein-Flugschau ("espectáculo aéreo de Rammstein"), lo que no deja lugar a dudas.

Generalmente se clasifica el estilo musical de Rammstein como rock industrial. Sin embargo, a lo largo de su discografía aparecen elementos más propios del hard rock, la música electrónica o el metal gótico. Musicalmente, Rammstein está fuertemente influido por artistas como la banda industrial eslovena Laibach, DAF (Deutsch-Amerikanische Freundschaft), Oomph! y Ministry. En todo caso, las profundas diferencias existentes entre canciones como "Bestrafe mich", "Ohne dich" y "Te quiero puta!" hacen extremadamente difícil adscribir a Rammstein a un movimiento concreto.

Al contrario que muchos grupos del Berlín reunificado, Rammstein aseguran que no querían imitar a grupos americanos e ingleses. Flake Lorenz dijo al respecto en una entrevista:

Hemos encontrado el estilo porque sabíamos exactamente qué era lo que no queríamos. Y lo que no queríamos era hacer música funky americana, o punk, o algo para lo que no servimos. Nos hemos dado cuenta de el único tipo de música que sabemos tocar es el que tocamos. Y es un estilo simple, inexpresivo, monótono.

Efectivamente, los ritmos de batería sencillos y repetitivos son muy característicos de Rammstein. También lo son los riffs de guitarra potentes y con mucha distorsión, muchas veces interpretados al unísono por las dos guitarras. El estilo de Rammstein se aleja del heavy metal puro por la ausencia de breaks de batería, la falta de virtuosismo en los solos de guitarra y la constante inclusión de efectos de sonido electrónicos. La música de Rammstein recuerda en ocasiones a la de Marilyn Manson, Dope y Static-X.

A partir del tercer álbum se aprecian algunos cambios sustanciales musicalmente hablando. Aumenta el número de baladas tranquilas como "Nebel" y "Ohne dich" y los temas más duros suenan algo menos monótonos. También se percibe un cierto refinamiento en la forma de cantar de Till Lindemann y se empiezan a incluir nuevos instrumentos como el acordeón ("Reise, Reise"), la flauta de pan ("Wo bist du?") o las trompetas al estilo mariachi de "Te quiero puta!".

Las letras de las canciones son un elemento esencial de la identidad musical de Rammstein. Suelen tocar tabúes y temas controvertidos como el sadomasoquismo ("Bestrafe Mich"), el incesto ("Spiel mit mir" y "Tier"), la violación ("Weißes Fleisch"), el abuso sexual por parte del clero ("Halleluja"), la necrofilia ("Heirate mich") y los símbolos religiosos ("Asche zu Asche"). Las canciones de los primeros álbumes (Herzeleid y Sehnsucht) se centran sobre todo en el sexo y la violencia. En Mutter estos temas se mantienen presentes, pero las letras adquieren matices más poéticos y profundos. En Reise, Reise y Rosenrot se tratan, de forma menos brutal, temas relacionados con las relaciones interpersonales. En estos dos discos, Rammstein cantan sobre la amistad, la soledad, la obsesión, el amor no correspondido y la superficialidad en las relaciones.

Muchas letras están influenciadas por diversas obras de la literatura alemana. La canción "Dalai Lama" es una adaptación de Erlkönig, de Goethe. "Hilf mir" está inspirada en el poema "La tristísima historia de las cerillas", del libro infantil de Heinrich Hoffmann Struwwelpeter ("Pedro Melenas"). Del mismo modo, la canción Rosenrot se basa en el poema de Goethe Heideröslein y la canción "Du riechst so gut" podría estar inspirada en el libro "El perfume" de Patrick Süskind.

Casi todas sus canciones están escritas en alemán. Las excepciones son las versiones en inglés de "Engel", "Du hast" y "Amerika", los covers de los temas "Stripped" y "Pet Sematary", y la canción "Te quiero puta!", totalmente en español. Además, los temas "Amerika", "Stirb nicht vor mir//Don't die before I do" y "Moskau" contienen versos en inglés los dos primeros y en ruso el último. "Ollie" Riedel comentó:

Rammstein ha desarrollado una fama particular por el uso de pirotecnia en sus directos. El vocalista Till Lindemann es un pirotécnico cualificado. El espectáculo que Rammstein despliega en sus conciertos incluye, entre otras muchas cosas, el uso de máscaras lanzallamas (véase Lycopodium) y baquetas, guitarras, micrófonos y botas que lanzan chispas o arden. Lindemann solía cantar el tema "Rammstein" en llamas, enfundado en un traje ignífugo.

En las últimas giras del grupo, la pirotecnia ha pasado a un segundo plano, poniéndose especial énfasis en la vertiente cómica de los espectáculos. Por ejemplo, en "Mein Teil" Lindemann "cocina" a "Flake" Lorenz en una olla gigante con un gran lanzallamas y le persigue por todo el escenario. Otro gag típico de los conciertos de Rammstein es subir a un miembro de la banda sobre un bote inflable y que éste "navegue" sobre el público.

Algunos medios de comunicación han implicado en diversas ocasiones a Rammstein con episodios violentos. El videoclip de "Ich will" fue estrenado el día antes de los ataques terroristas de Nueva York del 11 de septiembre de 2001. Casualmente, en dicho vídeo los integrantes de Rammstein aparecían caracterizados como terroristas. En Estados Unidos se restringió su emisión a la franja nocturna, y desde algunos sectores se pidió su prohibición. La banda saltó nuevamente a los titulares tras la masacre del instituto Columbine (Colorado, EE.UU.) Se habló de que los asesinos, Eric Harris y Dylan Klebold, eran seguidores de Rammstein. El grupo condenó públicamente cualquier tipo de violencia, rechazando cualquier conexión de su música con el suceso. Tras la masacre de la escuela de Beslán (Rusia) en septiembre de 2004, se mencionó en el diario británico The Independent que los secuestradores y asesinos escucharon música de Rammstein como método de motivación durante el asedio policial.

Rammstein ha jugado a lo largo de toda su carrera con su estética y actitudes provocadoras. La portada del álbum Mutter (2001) fue criticada por autoridades religiosas, ya que mostraba la imagen de un bebé muerto. En octubre de 2004 el vídeo de Mein Teil desató una fuerte controversia en Alemania. Se trata de una particular revisión con tintes de humor negro del caso de canibalismo de Armin Meiwes, en la que aparece Cristoph Schneider travestido paseando a sus cinco compañeros atados con correas de perro. La polémica aupó el single al segundo puesto de las listas alemanas. Según Paul Landers, "nos gusta movernos en los límites del mal gusto". Por su parte, Christian Lorenz asegura que "la polémica es divertida, es como robar fruta prohibida. Pero tiene un propósito. Nos gusta que nuestro público se enfrente a nuestra música, y la gente se ha vuelto más receptiva (a ella)".

Otro videoclip, el de "Mann gegen Mann", de su álbum Rosenrot, tuvo que ser clasificado como no recomendable para menores de 16 años por las autoridades alemanas porque los miembros de la banda aparecen completamente desnudos (si bien en ningún instante se ven sus genitales, que tapan con los instrumentos).

La primera actuación de Rammstein tuvo lugar el 14 de abril de 1994 en el centro cultural alternativo de Leipzig naTo. Ese año tocaron exclusivamente en clubes pequeños del estado de Turingia. En 1995 realizaron una gira como teloneros de la banda de Cottbus Sandow y más tarde con Project Pitchfork. También abrieron los espectáculos de los suecos Clawfinger en Varsovia y Praga. Al poco, Rammstein hizo su primera gira —de 17 conciertos— como cabeza de cartel. Un año después, durante la gira de presentación de su álbum de debut Herzeleid, Rammstein tocaron con The Ramones y nuevamente Clawfinger. Al espectáculo 100 años de Rammstein, que conmemoraba su actuación número 100, siguieron conciertos en Alemania, Austria y Suiza. También tocaron en algunos festivales (como el Bizarre-Festival) y aparecieron en el programa de la MTV Hanging Out con sus canciones "Wollt ihr das Bett in Flammen sehen?" y "Du riechst so gut".

El tour de su segundo álbum (Sehnsucht) les llevó en 1997 por toda Europa. También tocaron por primera vez en los Estados Unidos de América, donde ofrecieron dos conciertos en sendos clubes neoyorquinos y actuaron junto a KMFDM. Su primera gira americana como cabeza de cartel tuvo lugar el año siguiente. Por aquel entonces ya habían tomado parte de festivales afamados, como el Rock am Ring. Volvieron a actuar en Estados Unidos como parte de los actos del Family Values Tour, junto a KoЯn y Limp Bizkit. También interpretaron "Du hast" en la gala de los MTV Europe Music Awards en Milán.

En 1999 Rammstein protagonizó una gira conjunta con KISS por Sudamérica y Centroamérica, a la que siguió otra por el Norte del continente americano como teloneros de Soulfly. Sus únicos conciertos de 2000 fueron en Berlín y en un festival en Japón. Al año siguiente tomaron parte en el Big Day Out Festival en Australia y Nueva Zelanda, compartiendo escenario, entre otros, con los por entonces poco conocidos Coldplay. Actuaron en pequeños clubes en las ciudades niponas de Osaka y Tokio, tras lo cual se embarcaron en una nueva gira europea. En el Pledge of Allegiance Tour tocaron con Slipknot y System of a Down.

Rammstein no actuaron en vivo en 2003, pero los dos años siguientes emprendieron una larga gira por Europa para su disco Reise, Reise. Visitaron 21 países —algunos por primera vez, como Eslovenia y Eslovaquia— y fueron vistos por más de un millón de espectadores. Durante estos conciertos se grabó el DVD Völkerball. Aprovecharon el tiempo entre conciertos para tocar "Keine Lust" en la entrega de los ECHO.

En total Rammstein ha dado más de 450 conciertos en más de 35 países.

Biografía de The Crystal Method

2012-02-09T20:47:00.001-03:00

The Crystal Method es un dúo estadounidense de música electrónica compuesto por Ken Jordan y Scott Kirkland. Junto con The Prodigy, Fatboy Slim, The Chemical Brothers, y otros grupos o bandas menos conocidos, son los precursores del género de electrónica de baile big beat.

Ken Jordan y Scott Kirkland, dos productores procedentes de Las Vegas y residentes en Los Angeles, son probablemente uno de los dúos más afamados dentro de la escena electrónica americana. Si no te suenan sus nombres, seguro que te es familiar su alias artístico, The Cristal Method, bajo el que han grabado tres álbumes y varios hits.

Zucchero

2012-02-09T11:29:00.003-03:00

Las primeras nociones se las enseña un estudiante americano de color, que frecuenta la facultad de veterinaria de Bolonia. Aprende a tocar a los Beatles, Bob Dylan y los Rolling Stones. En 1968 la familia se traslada por trabajo a la Versilia (en Forte dei Marmi) y el joven se ve obligado a cambiar amigos y costumbres. Pero lleva ya la música en la sangre y se ha familiarizado con el rhythm'n'blues y la música del delta del Misisipí.

Funda "Le nuove luci", un grupo de jóvenes músicos como él, con en cual empieza a tocar en las salas de baile de la zona. Cursa estudios en el Instituto técnico industrial de Carrara y, luego, se matricula en la Facultad de veterinaria. Pero no termina los estudios. En efecto, vive de la música.

Va de gira con Sugar y Daniel (Daniel es el cantante del grupo, mientras Zucchero toca la guitarra y el saxófono) hasta 1978, cuando forma los Sugar y Candies, para los cuales empieza a escribir las canciones.

A pesar de que su verdadero amor es el blues, cuando escribe canciones para los otros, se esfuerza en seguir la música italiana, aun cuando no sea de calidad.

Fred Bongusto, un campeón de atmósferas románticas para el cual escribe "Tutto di te", lo anima a seguir esa dirección; también escribe para un joven representante del género melódico, Michele Pecora. Pero este último, con "Te ne vai", obtiene un grande éxito veraniego y ello catapulta a Zucchero a la canción comercial.

En 1981 Gianni Ravera, fascinado por el timbre de su voz, lo anima a participar en el Festival de Castrocaro como intérprete. Zucchero gana, obtiene un contrato con la Polygram y el año siguiente participa en el Festival de Sanremo. No logra un resultado fabuloso pero vuelve otras veces y se contenta de unos resultados personales más bien mediocres.

Su carrera como autor es más afortunada: escribe alguna canción de éxito para Stefano Sani y para Donatella Milani.

En 1983 graba finalmente su primer álbum, "Un po' di Zucchero", que no logra sobresalir. En 1984 escribe la canción "Non voglio mica la luna" ("Yo no te pido la luna") presentada por Loretta Goggi en el festival de Sanremo. En 1985 su vida artística cambia cuando él y la Randy Jackson Band presentan la canción "Donne" en Sanremo. Llega al octavo puesto, pero la canción, un reggae que sigue una línea de gran moda entre los jóvenes, sorprende al público. No es un gran éxito comercial, pero el álbum "Zucchero & Randy Jackson Band" (Polydor) le permite ganar la credibilidad que le faltaba y representa el punto de partida para una extraordinaria escalada personal. Desde entonces su éxito no ha parado.

Con "Bluesugar" ha llegado a su noveno álbum, con ventas de récord ("Oro, Incenso & Birra" de 1989 ha sido el álbum más vendido en la historia de la canción italiana) y ha logrado buenas posiciones en las listas de ventas del extranjero ("Senza una donna", grabada con Paul Young en 1991, alcanzó el cuarto puesto en la clasificación inglesa), con un género más bien original, fruto de una inédita contaminación entre música negra y melodía mediterránea, que lo ha hecho popular en el extranjero ante todo tipo de público

En octubre de 1992 se publica "Miserere" editado en inglés e italiano. La canción que da título al álbum es un dueto con Luciano Pavarotti y es de destacar que la letra de esta canción en su versión en inglés es de Bono, el cantante de U2. Zucchero Fornaciari: Spirito di Vino En 1995 aparece "Spirito di Vino", grabado en Nueva Orleans y que recoge la esencia de la música de la zona del Mississipi.

En 1996 publica un recopilatorio con sus mejores temas, que se coloca en lo más alto de las listas de ventas, com más de 3 millones de copias vendidas. En 1997, Zucchero actuó en el Carnegie Hall de New York, donde participó en el Rainforest Benefit junto a artistas tan grandes como Sting, Elton John y Stevie Wonder.

A principios de 2001, Zucchero y Corrado Rustici colaboran en la creación de un nuevo álbum, titulado "Shake". Este disco lleva incluida la canción "Baila (sexy thing)", que resultó ser el tema estrella de l año en infinidad de países. Para "Shake", Zucchero contó con la colaboración de John Lee Hooker en uno de los temas, lo que supuso uno de los últimos trabajos del maestro Hooker.

En 2005 sale al mercado su álbum "Zu&Co", un disco de duetos en el comparte protagonismo con artistas de la talla de Miles Davis, John Lee Hooker, Tom Jones, Sting, Ronan Keating, Cheb Mami, Dolores O'Riordan, Paul Young, Brian May y otros.

En 2007, salió a la venta "Fly", un álbum con canciones para todos los gustos. Temas para bailar como "Bacco Perbacco", "Cuba Libre" o "Pronto", y otras más tranquilas como "Occhi", E' Delicato...

También su hija "Irene Fornaciari", una gran voz que ya ha destacado en los escenarios co-protagonizando, en Italia, la versión musical de "Los Diez Mandamientos", ha sacado al mercado recientemente "Vertigini in Fiore", con temas mayormente compuestos por su padre.

Jean Michel Jarre

2012-02-08T14:07:00.000-03:00

No se puede hablar de música electrónica sin hablar de Jean Michel Jarre. Fue él, gracias a su disco OXYGENE (catalogado como el disco electrónico más importante del siglo XX) quien abrió en forma definitiva el espacio para que lo que hoy conocemos como tecno, trance, trip-hop y cualquier otro derivado de la electrónica fueran aceptados por el mundo entero. Sin restar importancia a otros destacados cultores como Vangelis, Tangerine Dream, Kraftwerk o Brian Eno, fue Jarre quien a fines de los 70s diera el golpe de gracia con sus inconfundibles melodías, plasmadas de ruidos sintetizados pero notablemente "humanas".

Hijo de France Pejot y el destacado músico y compositor Maurice Jarre (Doctor Zhivago, Lawrence de Arabia, Ghost y La Sociedad de los Poetas Muertos, por mencionar algunos), Jean Michel André Jarre nace el 28 de Agosto de 1948 en Lyon, Francia. Sin embargo, debido al trabajo y a la posterior separación de sus padres, Jarre no fue muy influenciado por las ideas de Maurice. A la edad de 5 años comenzó sus primeras clases de piano, y junto a su madre frecuentaba el Club de Jazz más popular de Paris, "Le Chat qui Peche" donde conoció al destacado trompetista Chet Baker.

Más adelante se integró al "Grupo de buscadores musicales", liderado por el maestro Pierre Schaeffer, quien cultivaba en sus alumnos la idea de que se podía componer música con cualquier objeto o instrumento. Así experimentó en diversos frentes: Su primera banda de rock, "The Dustbins", donde era vocalista y primera guitarra; sus primeros singles, "La Cage", "Erosmachine", "Hypnose", "Happiness is a Sad Song"; colaborando con otros artistas, componiendo música para comerciales de Tv, películas e incluso para la ópera de París, con su trabajo "AOR". En fin, su camino lo llevaba para muchos lados en pos de descubrir su orientación definitiva.

Así llegó 1976, cuando este desconocido joven de 27 años compuso y grabó, en su pequeño comedor convertido en estudio, mediante una grabadora de 8 pistas y arcaicos instrumentos esa obra maestra de 6 piezas llamada "OXYGENE". Este disco, sin duda, traspasó todas las fronteras y es la obra con la cual se indentifica a Jarre, en especial el tema OXYGENE 4. Fue todo un suceso, éxito de ventas en todo el mundo, y comenzaba a escribirse una nueva época de la música mundial, aquella donde se rompían los mitos de que la electrónica no era aceptada, y en la cual se consideraba a los sintetizadores no como instrumentos musicales, sino como elementos de experimentación.

Por supuesto, Jarre no imaginó nunca el tremendo suceso que obtendría con OXYGENE, así como tampoco con EQUINOXE, el cual lo consolidó como el más destacado de la escena mundial. Y dió inicio a otra era, la de los megaconciertos, con su show en la Plaza de la Concordia en Paris en 1979, reuniendo a 1.000.000 de personas y rompiendo por primera vez en su vida un Récord de Guiness. Tras esto prepara su tercer disco "oficial", MAGNETIC FIELDS, que incluso en Estados Unidos lideró las ventas en las categorías de Jazz y Clásica. Debido a este tremendo suceso, e invitado por el gobierno chino, Jean Michel se transforma en el primer músico en brindar una serie de conciertos en el país oriental, con una audiencia estimada de 800.000.000 (si, ochocientos millones) de auditores sólo en ese país. Ese histórico momento está registrado en el disco THE CONCERTS IN CHINA.

En 1983 graba MUSIC FOR SUPERMARKETS, disco de 1 sola copia, cuyos masters fueron destruídos y que fue rematado en una subasta pública. Tras ese notable experimento (Record Guiness de nuevo) llega ZOOLOOK, uno de los trabajos preferidos de los fanáticos, en el que Jarre crea "bases" y sonidos musicales con palabras y frases tomados de más 30 lenguas y dialectos diferentes. Ya convertido en una personalidad internacional, es invitado por la NASA para celebrar su 25 Aniversario con un espectacular concierto en Houston, Texas, reuniendo a más de 1 millón de personas (Record otra vez!) y dedicando su show y su trabajo RENDEZ-VOUS a la tripulación del Challenger y en especial a su amigo, el astronauta Ron McNair.

Llega 1988 y con su disco REVOLUTIONS hace un repaso de los cambios y la evolución de la humanidad. Prepara y cancela varias veces un concierto en Londres, el que finalmente se lleva a cabo en 1989 y que cuenta con la participación especial del ex-guitarrista de THE SHADOWS, Hank Marvin, con quien Jarre hace dupla en LONDON KID, uno de los temas más destacados del álbum.

Al comenzar los 90 Jean Michel dedica su trabajo WAITING FOR COUSTEAU al biólogo frances Jacques-Yves Cousteau, en el cual mezcla el sonido caribeño de las marimbas en los temas CALYPSO 1, 2 y 3 con un enigmático corte de 47 minutos. Este tema tiene una particularidad: Al escucharlo al revés y a doble velocidad escucharás un mensaje secreto que dice...

Paris - La Defense fue uno de los shows más espectaculares, reuniendo a casi 2.000.000 de personas (Otra vez a los Guiness), y donde hace una revisión de todos sus discos, como manera de presentación de su disco recopilatorio IMAGES, en donde además aparecen 3 temas inéditos: ELDORADO, GLOBETROTTER y MOON MACHINE. Ya en 1993, e inspirado en el libro de Stephen Hawking "La Historia del Tiempo" lanza CHRONOLOGIE, un disco que muestra la evolución en la historia del hombre. Un dato acerca de este álbum: Incluye samples de sus primeros trabajos, como "Eros Machine". Inicia un especatcular tour por Europa que lo lleva además a HONG-KONG. Es nombrado Embajador Universal por la UNESCO y con este propósito realiza el mega-concierto UNE SPACE POUR LA TOLERANCE.

En 1997 Jarre firma contrato con Sony Music y... sorpresa, anuncia la continuación de su trabajo mas significativo, OXYGENE 7-13. Una apuesta bastante arriesgada, de la cual sale airoso, en un album donde amalgama mágicamente los viejos sonidos con las nuevas tendencias de la electrónica. Da comienzo al OXYGENE TOUR, se lanza una edición especial denominada COMPLETE OXYGENE (que trae los dos discos en una edición de lujo), brinda un concierto en Moscú donde más de 3.000.000 de personas observaron el show, y del cual recientemente se ha publicado la edición en DVD. Además, en 1998 y con ocasión del mundial de fútbol, cierra los juegos con otro espectacular concierto bajo la Torre Eiffel y en donde se le unen diversos Dj's y músicos como Apollo 440, Tetsuya Komuro y Dj Cam, entre otros. Ellos también participan del album de remezclas ODYSSEY THROUGH O2.

1999 fue el año donde planificó su más ambicioso proyecto: THE 12 DREAMS OF THE SUN, un espectacular show de 12 horas para celebrar la llegada del Séptimo milenio bajo las pirámides de Egipto. El evento estuvo sencillamente fantástico, y es a mi juicio el mejor show de Jarre, donde los temas recibieron una nueva armonización y donde aprovechó de mostrar algunos cortes de su nuevo disco. El concierto fue transmitido por Internet, de hecho ganó varios premios, pero su lanzamiento en DVD ha sido cancelado por problemas técnicos.

Tras la euforia del cambio de milenio, Jean Michel volvió a sorprender con METAMORPHOSES, lanzado justo hace un año. Un disco que ha dividido a los fanáticos sobre el "nuevo rumbo" de Jarre. En este disco participan destacadas figuras como Laurie Anderson, Natasha Atlas y Shanon Corr, y se acerca más a las corrientes electrónicas modernas, pero sin perder la esencia "humana" de su música. Ejemplos: Million of Stars, Hey Gagarin y Miss Moon.

Sin embargo, durante el 2000 se cancelaron varios conciertos. ¿La razón? Jarre se encontraba preparando el show que dió la noche del 01-01-01 en Okinawa, Japón, junto a su nuevo proyecto, la banda denominada "The Vizitors", integrada además por Tetsuya Komuro, Francis Rimbert y con la asistencia del producto Mark Fisher. En junio del 2001 Jarre brindó 2 conciertos en la Akropolis de Atenas, Grecia, en un evento a beneficio de la UNESCO. También lanzó un disco llamado "Interior Music" (del cual se regalaron sólo 1000 copias) con 2 tracks música incidental especialmente preparados para las tiendas de Bang & Olufsen (una marca de equipos de audio y video) en Francia. Y preparó la banda sonora de la película "Who wants to be a Star" y del canal francés "Match Tv".

Durante el 2002 ha preparado un nuevo disco y realizó un magnífico concierto en la localidad de Aalborg, Dinamarca, el 7 de Septiembre. Este concierto tuvo como tema central la ecología y de hecho gran parte de la energía necesaria fue obtenida de los molinos de viento del parque en el cual se desarrolló el concierto.

Tras la euforia del cambio de milenio, Jean Michel volvió a sorprender con Metamorphoses. Un disco que ha dividido a los fanáticos sobre el "nuevo rumbo" de Jarre. En este disco participan destacadas figuras como Laurie Anderson, Natacha Atlas y Sharon Corr, y se acerca más a las corrientes electrónicas modernas, pero sin perder la esencia de su música. Aquel año, Jarre preparaba un nuevo proyecto que no tuvo mucho éxito, llamado The Vizitors; y en donde participaban Tetsuya Komuro, Francis Rimbert y con la asistencia del productor Mark Fisher además de Jean-Michel. Durante el año 2000 se cancelaron varios conciertos.

En junio de 2001 Jarre brindó dos conciertos en la Acrópolis de Atenas, Grecia, en un evento a beneficio de la asociación griega Elpida. También lanzó un disco llamado Interior Music (del cual sólo se regalaron mil copias) con 2 piezas de música incidental especialmente preparadas para las tiendas de Bang & Olufsen (una marca de equipos de sonido y video) en Francia. En este año también preparó la banda sonora de la película Who wants to be a Star y diversas composiciones para el canal francés Match Tv.

Durante 2002 lanzó Sessions 2000, un compilado de temas creados durante el año 2000 los cuales fueron llamados según el día en que fueron grabados. El 7 de septiembre realizó el concierto AERO - Tribute to the Wind en la localidad de Aalborg, Dinamarca. Este concierto tuvo como tema central la ecología, por lo cual gran parte de la energía necesaria para el concierto fue obtenida de los molinos de viento del parque en el cual se desarrolló el evento.

El año 2003 se pone a la venta Geometry for Love, el cual tuvo un tanto de música "electro-chill". El 10 de octubre de 2004 realizó un concierto en la Ciudad Prohibida de Pekín, China; para celebrar el inicio del Año de Francia en China, el cual fue transmitido por televisión para todo el gigante asiático. Este concierto fue plasmado en el álbum Jarre in China, y sirvió para presentar su nuevo álbum recopilatorio conocido como AERO. El término "AERO" (que correctamente debe escribirse como A.E.R.O.) es la abreviación de "Anthology of Electronic Revisited Originals" (en español "Antología de Originales Electrónicos Revisitados") y contiene sus más grandes clásicos (entre "Oxygene" y "Chronologie") como también temas inéditos creados especialmente para este álbum, todos en formato de sonido 5.1 (transformándose en el primer álbum de Jarre grabado en este formato).

El 2005 y 2006 realiza pocos, pero concurridos conciertos. El 2005 realiza el concierto en Polonia Solidarnosc Live, Space of Freedom en la ciudad de Gdańsk, en honor al partido obrero cristiano "Solidarność" y al recién fallecido Papa Juan Pablo II; concierto que seria plasmado en el álbum Live From Gdańsk. En este concierto interpretó el tema musical "Mury", versión excepcional del tema "L'estaca" de Lluis Llach. En su rol de embajador de la UNESCO, brinda un espectacular concierto en la ciudad de Merzouga, Marruecos llamado Water for Life el 16 de diciembre de 2006, celebrando el año de la desertificación en el mundo.

El 26 de marzo de 2007 lanzó su nuevo disco de estudio titulado Téo & Téa, que cuenta con 13 temas orientados a volver al Jarre de los años 80, pero sin dejar los sonidos del género dance del nuevo milenio. No tuvo una muy buena acogida. Ese mismo año, planifica un concierto en un parque eólico en Albanella (Italia), dentro del festival de tres días Powerstock, pero a cinco días antes del concierto el Power Stock Festival aún no se había dignado a firmar el pliego de condiciones de honorarios de la agencia del músico francés para su participación en el festival. Muchos fans que habían adquirido sus entradas, comprado sus billetes de avión y reservado sus hoteles, se quedaron tirados sin capacidad de cancelar, perdiendo mucho dinero por esta falta de seriedad del organizador italiano.

El 4 de diciembre también de 2007 lanza la tan esperada edición remasterizada de su gran álbum "Oxygene", titulado Oxygene, New Master Recording. Este es su nombre oficial, sin embargo su estreno no fue fechado al azar sino que coincide con el 30º aniversario del estreno internacional de su obra magna, es por eso que también se le llama "Oxygene, 30th. Anniversary". Y por último, y en paralelo se estrena Oxygene, Live in Your Living Room el cual consiste en un DVD donde se escuchan los temas de "New Master" con ciertas variaciones entre los temas y un video en formato 2D. En edición limitada, se comercializó un pack con el CD de "New Master" más el DVD de "Live in Your Living Room" en formato 3D (con sus respectivas gafas en 3D); luego, sale como álbum definitivo con el CD y el DVD en 2D. En forma de estreno de esta remasterización, brinda una serie de conciertos en Europa el año 2008 llamado Oxygene, 30th Anniversary Tour.

En el año 2009 Jarre realiza una gira por Europa donde repasará todos sus grandes éxitos hasta la remasterización de "Oxygene" titulada In-Doors Arena Tour. Esta gira comenzó el 4 de mayo de 2009 en el pabellón Fonix Csarnok de la localidad húngara de Debrecen acompañado por Francis Rimbert, Dominique Perrier y Claude Samard. A finales de 2009 se confirmó que la gira seguiría hasta septiembre de 2010 en más ciudades del viejo continente y se agregaría un país del Medio Oriente asiático (El Líbano); nuevamente confirmando más locaciones a mediados de aquel año, para octubre, noviembre y diciembre. Hasta principios de diciembre de 2010 se presumía de que la gira seguiría prolongándose para 2011, hecho que se confirmó el 20 del mismo mes2 ratificando más conciertos en Europa para finales de 2011. Sin embargo, tanto en su Twitter oficial3 como en su Blog4 ha dado a entender de que la gira de 2011 llegará a los otros continentes (dándole el carácter de "Gira mundial"); no oficializándose nada, hasta el mismo 20 de diciembre de 2010 donde la página "Newsletter Jean-Michel Jarre" menciona de que efectivamente la gira llegará a América y Asia durante 20115 aun cuando la página oficial de Jarre no confirma ningún concierto. Mientras, en las redes sociales mencionadas (agregándose además Facebook) muchos fans especulan con su presencia en sus respectivos países y realizan grupos para que efectivamente el artista llegue.

Además, durante 2010, Jean-Michel ha estado escribiendo el prólogo del libreto de un álbum llamado "Sonidos de la nave del misterio" patrocinado por el programa español Cuarto milenio, programa presentado por el periodista español de investigación Iker Jiménez, quien a su vez es gran amigo del artista. En agosto del mismo año fue condecorado con el "Premio a la trayectoria" por la revista "MOJO Magazine". Finalmente, Jarre firma con la discográfica EMI, con la cual se compromete a crear temas nuevos para el siguiente año.

Con la muerte el año 2010 de su amigo y colaborador Francis Dreyfus (dueño de la discográfica francesa de su mismo apellido, con la que Jarre trabajó desde sus inicios), Jarre en 2011 le dedicó su nuevo álbum Essentials & Rarities, un gran recopilatorio que reúne temas inéditos previos a Oxygene como aquellos que interpretó a los 13-14 años en su banda de rock hasta sus primeras incursiones en la música New Age con su mentor Pierre Schaeffer (por un lado); y sus más grandes éxitos entre Oxygene y Sessions 2000 (por otro lado). A mediados de abril del mismo año, es invitado por el Príncipe Alberto II de Mónaco y su entonces prometida Charlene Wittstock a dar un concierto en el Puerto de Hercules en Mónaco el día 1 de julio, día de su matrimonio civil y a un día de contraer nupcias bajo el alero de la Iglesia Católica.

Vida personal

En lo familiar, de un principio no tuvo muy buena relación con su padre Maurice Jarre, debido a la separación de él con su madre; sin embargo con el tiempo se fueron limando asperezas, a tal punto de que se vieron juntos en diversas oportunidades, entre ellas la más importante: la celebración de los 50 años de trayectoria de su padre. Al fallecer, Jean-Michel expresó su tristeza e hizo un reconocimiento a la carrera musical de su padre. Sin embargo, con quien sí tuvo un inconmensurable cariño fue con su madre, France Pejot con quien vivió toda su infancia. A su muerte ocurrida el 21 de abril de 2010, mencionó estar bastante dolido pues ella era parte importante en su vida.

En lo sentimental, el músico francés ha estado casado con la actriz y fotógrafa británica Charlotte Rampling, de la que se separó en 1998. En 2004, se lo relacionó con la actriz francesa Isabelle Adjani, con quién rompió en 2005. Más tarde, también en 2005 contrajo matrimonio con la intérprete Anne Parillaud, conocida por su papel en "La Femme Nikita", separándose posteriormente en 2010.

Emma Shapplin

2012-02-07T22:10:00.005-03:00

Una tejedora de sueños cuya música desafía tanto la convención como la categorización. Romántica, misteriosa y apasionada, combina la pasión y el drama emocional de la ópera con el encanto sensual y la inmediatez de la música pop. Sin embargo, como revela su nuevo álbum "ETTERNA", no es ni una diva operística ni un ídolo pop, sino una artista única y visionaria cuya música procede de algún lugar secreto en el interior de su alma.

Nacida en París en 1974, Emma recuerda que, siendo una niña, era demasiado tímida "incluso para hacer un ruidito, así que no digamos ya para cantar", y que su familia no era especialmente musical. Pero sus pasiones musicales salieron a la luz a los once años cuando oyó a la Reina de la Noche de La flauta mágica de Mozart. Fue un momento de trascendencia, aunque para su divertida vergüenza, Emma admite que esta introducción al mundo de la ópera y el bel canto llegó a través de un anuncio de televisión. No obstante, así se forjó una relación amorosa de por vida: "Corrí a mi habitación e intenté cantar la melodía inmediatamente. Entonces fue cuando me enamoré por primera vez de cantar", dice. "En ese momento supe que era así como quería cantar. Ésa era la música que conmovía mi alma".Poco convencida en un principio de cómo satisfacer su deseo de cantar, no fue hasta que tuvo 14 años cuando Emma conoció a una profesora que pudo ayudarla a hacer realidad sus sueños. "Era una anciana pequeñita, de unos 70 años, y en su día había sido una gran cantante. Se rodeaba de velas, de gatos y de su piano y a mí me encantaba toda esta atmósfera", recuerda Emma. "Entré en contacto con estas partituras por primera vez y leí el texto italiano, que parecía tener algo de misterioso y romántico". También le dijo a Emma que era una soprano coloratura. "Cantar era aún para mí como jugar con una muñeca. Ella encontró mi voz y empezó lentamente a hacerla salir".

Emma dio clases con ella durante dos años y quedó convencida de que había encontrado su objetivo en la vida. Pero estaba también acercándose a una edad en la que sus padres estaban preocupados por las perspectivas de una carrera y por su futuro. "No pensaban que cantar pudiera ser un trabajo como Dios manda", recuerda Emma. "Mi padre era policía y pensaba que quizás yo debería seguir sus pasos. Mi madre era secretaria y pensaba que ése sería un buen trabajo para mí. Entiendo por qué querían que me concentrase en mis otros estudios. Pero para mí cantar es una afirmación de estar viva".

Continúa rindiendo tributo a su antigua profesora, pero no ha vuelto a verla desde entonces. "Aún me siento culpable de haber puesto fin a las clases", explica. Todos los grandes cantantes te dirán que la voz es un don y el no poder utilizar ese don es algo que hizo que Emma se sintiera vacía. "No sabía lo que quería hacer. Pero tenía la sensación de que había hecho algo mal. Me sentía reprimida. Si no canto, exploto", dice.

Su deseo de cantar no desapareció y pronto habría de resurgir de una manera radicalmente diferente cuando entró a formar parte de un grupo de heavy metal. "Algunos compañeros de clase estaban formando un grupo de rock y estaban buscando realmente un cantante masculino", recuerda Emma. "Querían alguien que pudiera gritar, así que les dije que yo podría hacerlo". Su oferta fue aceptada y durante los dos próximos años abandonó las escalas y los ejercicios operísticos y fumó dos paquetes de cigarrillos al día para que su voz se volviera más áspera y adecuada para el rock.

Sin embargo, aunque disfrutaba con los gritos, empezó a añorar la música de la ópera. Un día un amigo de su madre llevó a la joven cantante de rock a una representación de Don Giovanni de Mozart en un teatro de ópera de París. Era la primera vez que veía una ópera sobre un escenario y quedó maravillada. "Pensé que después de oír algo tan hermoso tenía que morirme", recuerda. "Teníamos entradas de anfiteatro y recuerdo que quisé saltar y volar".

Emma empezó otra vez a buscar un profesor y decidió matricularse en una escuela de música. Sin embargo, pensó que el estilo de enseñanza era frío y formal y pronto emprendió viaje con una amiga a Nueva York. "Mientras estuve allí canté algo de rhythm & blues, que en cierto sentido tiene una fuerza semejante a la ópera. Es muy primitivo y ha contribuido mucho al modo en que me acerco al canto en la actualidad", dice.

Cuando regresó posteriormente a Francia, volvió a retomar las clases de canto. Pero para entonces ya había decidido que no quería dedicarse al mundo de la ópera, especialmente después de que un profesor la acusara de introducir cosas raras en su interpretación de un aria famosa. "Eso me hizo plantearme que debía encontrar mis propios modos de expresión y utilizar mi voz para inventar algo propio y personal".

Un encuentro casual en una fiesta con el compositor y estrella del pop francés Jean-Patrick Capdvielle le dio su oportunidad. Ya se conocían de antes pero, con una audacia de la que ella sigue asombrándose, le pidió que escribiera un álbum para ella: "Pero yo no soy Verdi", le dijo él. "Y yo no soy una verdadera cantante de ópera, así que deberíamos hacer algo juntos", contestó ella.

Su audacia claramente dejó huella en él porque, una semana más tarde, la llamó por teléfono y empezaron a trabajar juntos. "Llegó ese momento perfecto en el que era del todo evidente que la cosa iba a funcionar", dice Emma. Lo cierto es que funcionó tan bien que el álbum resultante, Carmine Meo, publicado en 1997, ha vendido ya más de dos millones de copias. El álbum se encaramó a lo más alto de las listas de discos francesas, vendiendo 100.000 copias en sus primeros tres meses y haciendo que Emma consiguiera el primero de sus numerosos discos de oro.

El éxito llegaría poco después en el mercado internacional, ya que Carmine Meo ascendió a lo más alto de las listas en todo el mundo, a menudo rebasando a álbumes de artistas como Céline Dion y Madonna.

Pero, mientras que la mayor parte de la música para Carmine Meo fue escrita por Capdvielle, Emma estaba decidida a escribir su propio material para su segundo álbum. Firmó con un nuevo sello, Ark 21, y empezó a buscar un nuevo colaborador musical. Miles Copeland, el director de la nueva compañía, le recomendó a Graeme Revell, un compositor cuya obra había aparecido en la banda sonora de la película El planeta rojo. Demostró ser una decisión perfecta. "En su música encontré un eco de lo que yo estaba buscando", afirma Emma.

El nuevo álbum fue creado amorosa y meticulosamente durante mucho tiempo, de modo que no hay una sola nota o palabra que estén fuera de lugar. Lleno de introspección poética y de sorprendentes imágenes, todas las letras de las canciones fueron escritas por Emma, que contribuyó también sustancialmente a la música y los arreglos; cada canción presenta un carácter diferente creado gracias a su vívida imaginación para expresar una emoción o una idea diferentes. Ricamente evocadores, hay casi un elemento visual en los retratos sonoros de Emma: "Me gusta pensar en ella como música que puedes mirar", dice. Lo cierto es que concibió "ETTERNA" no simplemente como un álbum de música sino como parte de una experiencia audiovisual en la que el diseño gráfico, los vídeos (que idea ella misma), su propio cuerpo y su vestuario e incluso los efectos de luz en sus apariciones escénicas así como la concepción de las fotografías constituyen una parte esencial.

También tomó la sorprendente decisión de escribir y cantar las canciones en italiano, un idioma que no elige para hablar. Y, lo que es incluso más llamativo, optó no por el idioma tal y como se habla hoy, sino por el italiano antiguo y poético del siglo XIV de escritores como Dante y Boccaccio. "Quería algo que tuviera un carácter intemporal, onírico", explica. "Cantar en un idioma cotidiano habría roto el hechizo. Quería que el disco siguiera siendo como un sueño".

Si es un sueño, entonces éste está ahora haciéndose realidad para Emma Shapplin. "ETTERNA" es un álbum bendecido con una belleza extraña e íntimamente perfumada que parece llamado a superar incluso el éxito de Carmine Meo. Si su primer álbum se caracterizaba por los elementos de la tierra y el fuego, dice, "ETTERNA" es más aire y agua. Sus texturas son suaves y dulces, delicadas e incluso frágiles. Pero al mismo tiempo son también sombrías y lujosas, como una fuerte fragancia o un terciopelo arrugado. "Todo es una cuestión de equilibrio", dice.

"ETTERNA" es un álbum de un perfecto equilibrio y una elegancia natural. Un álbum especial de un lugar muy especial. El álbum de los sueños de Emma Shapplin.

Concepto de Macadam Flower

Emma recientemente escribió y compuso su último álbum, titulado Macadam Flower, lanzado a finales de 2009. En línea con el estilo experimental y transversal de géneros que ha marcado Shapplin durante su carrera, Macadam Flower combina electro-pop, rock, synth-pop, toques de ópera e influencias clásicas (marcados en particular por JS Bach y Debussy), con énfasis en la sensualidad, la poesía y el teatro.

Shapplin compuso Macadam Flower empleando tres idiomas: Inglés, francés e italiano antiguo. Shapplin lo llama como "un nuevo paisaje sonoro para la experiencia sensorial." El álbum se centra en un personaje ficticio: una solitaria y joven mujer que reside en la metrópoli de su infancia, donde ella misma es “la flor del asfalto” (Macadam Flower). El álbum cuenta la historia de la joven a través de una colección de diversas melodías, letras, idiomas y arreglos musicales, expresando los diferentes estados de ánimo del personaje. Como una figura moderna, la joven es la personificación de una gran variedad de estilos musicales: el electro-pop y soft rock con estilos clásicos tomados de Claude Debussy, Jean-Sebastian Bach y melodías populares de Okinawa. Basándose también en su pasión por la poesía, Shapplin, dijo: "Quería que este disco sea como una pequeña burbuja de dulzura y suavidad y que en algunos momentos tenga un poco de emociones oscuras con un enfoque diferente, orientado hacia la sensualidad."

Su nuevo DVD en vivo, titulado “Macadam Flower Tour Live in Athens” fue lanzado en la primavera del 2011.

Emma: artista, autora y compositora.

Emma Shapplin, además de componer y escribir Macadam Flower, es la encargada de diseñar su propio vestuario, y de las coreografías a realizarse en sus shows. Con un despliegue único e innovador, podemos ver a Emma con distintos atuendos acompañada generalmente por uno o varios bailarines que recrean de manera artística las canciones interpretadas por la soprano.

Cabe destacar que Shapplin también actúa en el escenario, dándo énfasis al teatro como así también al drama, la desesperación, o incluso el terror. En su mas reciente Tour podemos observar , por ejemplo, que en su canción Celtica se ve acompañada por un atuendo del cual recrea el agua escurrir en sus manos, tal como lo indica la canción, o en su canción Sur L'eau donde camina junto a un largo y hermoso vestido verde.

Emma y su relación con los fans

Durante el inicio de su carera, Emma se destacaba por ser una mujer muy misteriosa, hecho por el cual muchos de sus fanáticos no tenían ni un mínimo de contacto con la artista. Sin embargo, en su Macadam Flower Tour dejó de lado ese misterio, llegando a realizar así un chat en vivo con sus fans desde su página web, o una firma de autógrafos que duró casi tres horas en una librería de Argentina, además de mostrar disposición al firmar autográfos, sacarse fotos y demás. De manera unánime, la gente que la ha conocido la destaca por su simpleza y su humildad.

Su relación con Latinoamérica y Argentina

Desde el lanzamiento de su primer CD, Carmine Meo, Emma ha logrado un especial interés en el público latinoamericano, en especial, en Argentina, logrando a ser aún mas conocida en ese país que Sarah Brightman. Debido a este hecho, Macadam Flower ha logrado vender mas de 300.000 copias sólo en Argentina, y su música es muy frecuente escucharla por las calles de Buenos Aires, o en algunos comerciales de TV. En el 2010 presentó su Macadam Flower Tour en México, convirtiéndose en el primer país latinoamericano en disfrutar de dicho espectáculo.

En éste año, Emma ha realizado su Macadam Flower Tour en Colombia, mas precisamente en Medellín y Bogotá. Luego su Tour continuó en Argentina, presentándose en las provincias de Córdoba, Tucumán y Buenos Aires. Durante su primer concierto en Córdoba, a pesar de ser despedida con calurosos aplausos, se la ha acusado de hacer playback, del cual la producción de Emma desmintió el hecho por completo.

Para su segundo show en Córdoba, se ha utilizado pantallas gigantes para que el público notara que Shapplin, efectivamente, cantaba.

Durante su paso por Buenos Aires realizó una firma de autógrafos, y salió en varios programas de TV. Su show en el Teatro Gran Rex fue ovacionado reiteradas veces de pie, logrando para el final un largo aplauso del público que duró cerca de 5 minutos. Mas de 3200 personas ovacionaron a la artista, hecho que se repitió en las provincias de Córdoba y Tucumán, donde además agotó todas las entradas. Su show en el Gran Rex fue tan aclamado por la crítica y en especial por el público, que muchos señalan el espectáculo como el mejor que realizó Emma Shapplin a lo largo de su carrera.

La repercusión de Emma en Argentina fue tal, que hace ya mas de un año funciona un sitio web no oficial dedicado en exclusiva a la cantante, donde se publican noticias, entrevistas, informes, letras traducidas, etc. Ésta página se convirtió en un recurso indispensable para tener mas información de Emma, debido a su constante actualización y a la utilización del idioma español (la página web oficial de Emma Shapplin se encuentra completamente en inglés). Gracias al crecimiento de ésta web, y al apoyo de la misma en distintos países latinamericanos, se han abierto grupos y páginas en Facebook y en distintas redes sociales para demostrar el interés por la cantante en determinados países, como por ejemplo, Chile. (Facebook: Emma Shapplin Chile).

10 cosas descubiertas por casualidad

2012-02-04T18:03:00.003-03:00

Entre los muchos inventos de la humanidad y cosas que se han descubierto, hoy les comparto un curioso y entretenido Top 10.

Coñac
En la Edad Media había avispados mercaderes que hervían el vino para evaporar el agua y así poder llevar más producto en el mismo espacio, para después volver a añadirla… Hasta que alguien decidió evitar este último paso y crear una nueva bebida.

Caucho vulcanizado
El vulcanizado es un proceso que evita la descomposición del caucho que descubrió Charles Goodyear en 1839 cuando se le cayó una mezcla de la sustancia con azufre sobre una caldera… Quizá por eso siga vendiendo ruedas tantos años después.

Papas Fritas
El cocinero George Crum quería satisfacer a un cliente que siempre se quejaba de que hacía las patatas demasiado gruesas, así que las cortó lo más finas que pudo y las frió hasta que quedaran crujientes… 1853 debería ser un año largamente recordado.

Edulcorante
Si la gente supiera que la sacarina se descubrió en 1879 tras tratar brea de carbón quizá dejarían de usarla tan alegremente.

Rayos-X
Menudo susto debió llevarse Wilhelm Röntgen en 1895 cuando vio los huesos de su mano proyectados en la pared tras colocar unos objetos ante la radiación que producía un chorro de electrones chocando contra una placa metálica.

Penicilina
Alexander Fleming no debía ser demasiado limpio, a juzgar por el moho verdoso que se posó sobre una de sus muestras mientras investigaba la gripe en 1928.

Blandi-blub
Aunque no sea una de esas cosas imprescindibles en nuestra vida cotidiana, muchos niños se han divertido gracias al entusiasmo de James Wright en 1942 a la hora de descubrir una goma artificial. La mezcla de ácido bórico y aceite de silicio no fue exactamente lo que él buscaba. Por cierto, el blandi-blub no explota.

LSD
Corría el año 1943 cuando Albert Hofmann intentaba crear un compuesto para estimular el parto a base de dietilamida del ácido lisérgico, aunque lo que descubrió no fue exactamente eso, sino el nombre de una canción para los Beatles años después.

Microondas
Originalmente se usaban para los radares aliados en la Segunda Guerra Mundial, hasta que en 1949, con la guerra ya acabada, uno de esos aparatos derritió la barra de caramelo que Percy Spencer, un ingeniero, llevaba en su bolsillo.

Viagra
Mrthyr Tydfil, una pequeña villa galesa dedicada a la producción de hierro, fue el escenario en 1992 de las pruebas de una nueva droga contra la angina de pecho… pero los efectos no fueron los esperados.

Fotos de Megan Fox, son las más visitadas

2012-01-29T00:11:00.003-03:00

Las fotos de Megan Fox fueron las más vistas en cafeactual.com en 2011, y el 2012 empezó siendo nuevamente favorable para la actriz y sigue siendo la preferida de los visitantes de este sitio.

Un poco más atrás se encuentra Kim Kardashian como la segunda persona más buscada en este blog.

Esta galería de fotos es para las miles de visitantes que ingresan para ver las fotos de la modelo y actriz Megan Fox.

Testimonio de Brian "Head" Welch (Ex guitarrista de Korn)

2012-01-24T15:24:00.001-03:00

Welch abandonó KoЯn mediante una publicación el 22 de febrero de 2005, meses antes del lanzamiento y grabación de See You On The Other Side. Su cargo vacante lo ocupó Rob Patterson, ex integrante de Otep, que sólo fue el guitarrista de KoЯn en la gira mundial de See You On The Other Side y en algunas canciones del MTV Unplugged: Korn.

Tal y como aseguraron los managers de KoЯn, Welch abandonó la banda para dedicar su vida a su hija y a Dios. Al parecer el 8 de febrero de 2005 Welch presentó una carta de renuncia a los mánagers en la que enumeró una serie de puntos en los que no estaba nada de acuerdo, como por ejemplo objeciones morales hacia la música y videos de la agrupación. La web oficial de KoЯn anunció que "ha escogido a Jesucristo como su salvador, y desde ahora dedicará su música a ese propósito".

Sin embargo, la marcha de Head fue completamente amistosa. Welch expresó que KoЯn y él siguen teniendo una buena relación, y como dicen los demás integrantes en su sitio web, ellos respetan su deseo y esperan que encuentre la felicidad que había buscado. El 3 de marzo de 2005, Welch fue bautizado en el río Jordán, donde según la tradición bíblica, San Juan Bautista bautizó a Jesús. Momentos después aseguró que se había liberado de todos sus enfados: "¿Saben cómo se siente cuando uno se enfada y eso aumenta? Antes me sentía como si quisiera golpear a alguien. Ahora siento la necesidad de abrazar a las personas". Welch tiene la palabra "Jesús" tatuada en los nudillos de su mano derecha, así como también la frase "Mateo 11:28", en su cuello.

El 7 de julio de 2007, Welch lanzó It's Time to See Religion Die, el disco de su nuevo proyecto musical llamado Head, el mismo nombre con el que fue apodado en sus tiempos en KoЯn. Apenas un mes antes del lanzamiento del octavo disco de la banda, Untitled, Welch lanzó unas duras declaraciones a sus ex compañeros afirmando que sólo les importa el dinero. El 9 de septiembre de 2008 publicó su primer disco Save Me From My Self.

Llámalo “equis”: el origen de la X para representar lo desconocido

2012-01-18T17:08:00.002-03:00

En álgebra, el signo de ‘X’ a menudo se utiliza para representar una cantidad desconocida o variable. Del mismo modo, en inglés, la X también representa lo desconocido, como en los Rayos X, que tanto desconcertaron a su descubridor; o como Malcolm X, que eligió el símbolo para representar el nombre olvidado de sus ancestros africanos.

Pero ¿de dónde viene exactamente la X? De muy lejos. Pero también de muy cerca. En el siglo XVI aC. los egipcios ya desarrollaron un álgebra muy elemental que usaron para resolver problemas cotidianos que tenían que ver con la repartición de víveres, de materiales…en una palabra de “cosas”.

Ya para entonces tenían un método para resolver ecuaciones de primer grado que se llamaba el “método de la falsa posición”. No tenían notación simbólica pero utilizaron el jeroglífico “hau” (que quiere decir “montón” o “pila”) para designar la incógnita. Sin embargo no fue hasta el siglo IX cuando esta incognita tomó la forma que hoy todos conocemos.

Es la epoca del matemático y astrónomo musulmán Al-Jwarizmi (Al-Juarismi), cuyas obras fueron fundamentales para el conocimiento y el desarrollo del álgebra. Su nombre latinizado dio origen a la palabra “algoritmo” y fue también cuando se acuñó el término “álgebra”, que deriva del título de su obra más importante, que presenta las reglas fundamentales del álgebra, Al-jabr wal muqabala.

Según la Wikipedia, el signo de X se remonta a esta época y a la palabra árabe que significa “cosa”, o “šay’ ” (شيء). En los textos antiguos, tales como el Al-Jabr, manuscrito que escribió en Bagdad en el 820 dC, las variables matemáticas se les llamaba “cosas” (en una ecuación se podía leer “tres cosas igual a 15″, con lo que la cosa tenía cinco años, por ejemplo).

Y ahí es donde entramos los españoles en contexto, pues fuimos los catalizadores de la X tal y como hoy la conocemos. Cuando el texto de Al-Jabr fue traducido al español antiguo, la palabra “šay’ “se latinizó y se escribió como “xei”. Este término, por efectos prácticos, pronto se abrevió como simplemente….X.

Fue así como comenzó el hábito de utilizar letras para representar cantidades en álgebra.

Las mejores fotos del Rally Dakar 2012 (Segunda Parte)

2012-01-18T01:37:00.001-03:00

Siguiendo con la galería de fotos que nos dejó el Dakar 2012, en esta segunda parte podemos ver la ferocidad de las maquinas y el hombre enfrentándose al implacable desierto sudamericano.

Las fotos publicadas aquí pertenecen a su respectivos autores. Ninguna de las fotos pertenece a este sitio y solo son publicadas con fines informativos. Todas las imágenes expuestas en esta sección fueron recopiladas de varios sitios de Internet.