Cafe, humo y palomitas

Luces, cámaras, sexo, drogas y rocanrol

noreply@blogger.com (Santi Mazarro) — Fri, 31 May 2013 15:00:00 +0000

Este artículo contiene grandes dosis de buenrrollismo y buena música. No es porque lo haya escrito yo, que también, pero juro que merece la pena irse parando en los videos con los altavoces bien altos.

Hace años que se conocen. Desde que el rey Elvis saliera de la cárcel a golpe de guitarra en Jailhouse Rock. Corría 1957 y la música popular llamaba a las puertas del paseo de la fama de Hollywood. A Hard day´s night, protagonizada por nada menos que Los Beatles en 1964, se encargó de abrirle las mismas de par en par al más polifacético de los géneros musicales.

Se abre el telón. Y desde entonces, el rock ha convivido con el séptimo arte en una armonía convertida habitualmente en simbiosis. Pues que sería de Rocky Balboa sin su Eye of the Tiger, de la gran Easy Rider sin Smith poniendo notas a sus viajes en moto, o de Jack Black sin su School of Rock. Y dicho sea de paso, brindo por ello. Porque las escenas mas chulas de muchas películas llevan consigo las notas de mis grupos preferidos, y eso es impagable.

La música, el rocanrol en este caso, es capaz de describirnos a un personaje, capaz de engrandecer una escena o de convertir otra en memorable. Empecemos con algo que hemos hechos todos, rock and roll en el coche.

Sin duda es otro concepto de Radio María. No se si quedarme con este mítico percance de El Nota en El Gran Lebowsky de los hermanos Coen al ritmo de Looking at my black door de Creedence Clearwater o con la majestuosa, soberbia y épica Bohemian Rhapsody de Queen en la comedia Wayne´s World. Si bien el duelo entre ambas se lo lleva claramente la cinta de los Coen, la música convierte a la segunda en una escena sin desperdicio.

El tema de Queen sirve además a modo de intro de la película. Aunque para intros rockeras no hay duda, si Smash Mouth y su All Star en el opening de Shrek me lo permiten y el señor Rubio no me recuerda el paseíto de Reservor Dogs, diré que para encontrar mi intro rockera preferida hay que trasladarse a Escocia para que Iggy Pop nos amenice con uno de los momentos más icónicos del cine de los ´90. Trainspotting´s Choose live y la adicción a la heroína.

Guns n´roses en Terminator 2, David Bowie en Zoolander... La lista es interminable. Pero en este post no podía faltar el momento más mágico en lo que al metarock en la gran pantalla se refiere. Marty McFly en Regreso al futuro toca lo que para él es un clásico, Johny B Good... jamás escuchada por el público de 1955.

Flea, cantante de Red Hot Chili Peppers, aparece por cierto en Regreso al Futuro III... y no es el único. Ozzy Osborne, entre reallity y aperitivo de murciélagos hace su aparición estelar en Little Nicky. Bruce Springsteen hace lo propio en Alta Fidelidad y el enorme Keith Richards, guitarrista de los míticos Rolling Stones, además de subirse a cocoteros interpreta al padre de Jack Sparrow (Johnny Deep) en las secuelas de Piratas del Caribe.

Un post aparte habría que hacer (quizá lo haga un día de estos) para hablar de los Soundtracks de Mr. Quentyn Tarantino. Capaz de redescubrir clásicos y poner de moda canciones solo con que aparezcan en sus películas. Este mítico baile entre Uma y Travolta da buena cuenta de ello.

Como cierre final, como última canción, no puedo irme sin hablar de la cantidad de guiones e historias que el rock ha aportado al cine. Decenas, cientos de cintas, muchas de ellas biopics, han servido a guionistas y directores para adentrarse en el mundo del cuero y la guitarra. Desde la lenta y melancólica Last Days de Gus van Sant abordando los últimos días de vida de un malogrado Kurt Cobain, hasta la exagerada Sid and Nancy con Gary Oldman interpretando al cantante de Sex Pistols en un alarde de gamberrismo punki.

Oigo la ovación del público desde el camerino así que vuelvo al escenario para hacer un bis y dedicar el post a todos aquellos que ven buen cine y oyen buena música. Y también a los que no. También a mi compañía discográfica, a mi manager y a las miles de grupis que me siguen a todas partes.

Black Mirror: El himno nacional (Cap.1)

noreply@blogger.com (Ignacio Haragán) — Sun, 21 Apr 2013 22:26:00 +0000

Aunque esté llegando ahora en 2013 a España, el primer capítulo de Black Mirror se emitió en su país de origen, el Reino Unido, ya en 2011. Se tratan de capítulos no relacionados entre ellos, cuyo único factor común es la ambientación en distintos futuros postmodernos, en los que el mundo humano se ha moldeado en torno de la llamada tecnología 3.0.

El primer capítulo, incluso habiéndolo visto un año y medio después de su emisión, es un mazazo por su verosimilitud. La historia que nos cuentan es la de un mundo, más o menos por las fechas en las que vivimos, en el que alguien secuestra a la popular y solidaria princesa de Inglaterra. Lo sorprendente de este secuestro son las exigencias que le llegan al Primer Ministro británico: se le exige que, si quiere volver a ver con vida a la princesa, mantenga en vivo y en directo relaciones sexuales completas con una cerda. No, no estoy siendo machista, con una cerda, literalmente, de las que hacen oink y se revuelcan por el barro.

El mazazo nos golpea porque nosotros no nos identificamos con el señor Primer Ministro, ni con la secuestrada, como espectadores nos identificamos con los espectadores de dentro de la historia. Espectadores que difunden el vídeo del secuestro utilizando medios que nosotros usamos cada día como Youtube, Facebook, Twitter, etc. Que mediante esta difusión obligan a los medios de comunicación tradicionales a convertir las intenciones del secuestrador en noticia internacional (pese a las presiones desde el gobierno) y que, realmente, esperan con más curiosidad morbosa que repulsión que el Premier tenga una noche loca con una cerda. Espectadores que además se sienten seducidos por poder ver en directo un acontecimiento de semejante magnitud.

Es una reflexión sobre la insensibilidad del espectador, y a la hipervisibilidad que se intenta dar desde el mundo político, hipervisibilidad que, en el momento que algo escapa de su agenda, se convierte en un arma de doble filo. Es una crítica a la brutal importancia de la imagen mediática en el mundo postmoderno, llegando a estos extremos, en los que se mide la capacidad de sacrificio de un político para contentar a la opinión pública (hoy mismo echaban por la tele un reportaje, lamentable por cierto, sobre algo llamado "Caso Hormigos" en el que nuestro ministro de justicia decretaba cambios en el código penal por el impacto de unos titulares veraniegos). En definitiva estamos ante una propuesta realmente turbadora, que crea malestar en el espectador, sin dejar de ser absorbente. Todo esto compensa (si te gusta pensar) con el rato de reflexión al que te obligas al terminar este capítulo piloto.

Acabando, Black Mirror es uno de los grandes descubrimientos que el equipo de asesoración seril (¿seril o seriil; o serieil?) me ha brindado este año 2013, o estos 4 meses que van. Capítulos cortitos, que atrapan, impactan, perfectametne realizados y que, además, hacen pensar. El hecho de que no tengan una historia común ayuda a la gente de poca voluntad, como un servidor, a no gastar la mitad de su tiempo vital viendo series (maldita The Wire). Pues eso. Que estoy muy orgulloso de no haber spoileado casi.

Tierra y libertad (14 de abril)

noreply@blogger.com (Ignacio Haragán) — Sun, 14 Apr 2013 10:58:00 +0000

Así porque sí, sin venir a cuento y sin ninguna relación con la fecha, cosas de la casualidad y del cosmos (macrocosmos y microcosmos, por no discriminar), pues como que cae una reseñita de Tierra y libertad, esa película inglesa de hace 18 años sobre nosequé guerrilleros en un país del sur de Europa. (Aquí para ver online https://www.youtube.com/watch?v=3tKg2s-ASV0)

Ken Loach es un tipo peculiar, inglés, comprometido socialmente, enamorado de los guerrilleros y con Trotsky en la cabeza. Y claro, de este amor a los guerrilleros nace Tierra y libertad, que es una viaje por una España envuelta de lleno en la Guerra Civil.

El protagonista de la película es David Carr, un británico miembro del Partido Comunista que, viéndose sin comunistas y anarquistas en las calles de Barcelona, de la propaganda estalinista y los intentos del Partido Comunista de España de fortalecer su poder dentro del bando republicano... Pero, sobre todo lo demás, acaba enrolado en el frente de Aragón en una milicia del POUM (Partido Obrero de Unificación Marxista), cercano al trotskismo (igual no es casualidad que sea la ideología del director).
empleo en su país, y totalmente comprometido con la lucha contra el fascismo, se une a la Brigadas Internacionales para luchar en la Guerra Civil Española. David llega a España y comienza un viaje que le llevará ante todos los vicios y las virtudes de la parte más libertaria del país. Es testigo directo de las disputas entre

En el frente aragonés se enamora de otra miliciana, una española llamada Blanca (Iciar Bollaín, ahora directora de cine). Tras unos incidentes en los que se ve apartado del frente, vuelve con su milicia y asiste a otro de esos momentos para enmarcar, en el que liberan un pueblecito (se intuye que situado en el Bajo Aragón, por Teruel). Este pueblecito será protagonista de uno de esos momentos que solo se dieron unos pocos meses durante la Guerra Civil en esta zona de Teruel: la colectivización y la puesta en marcha de un modelo comunal.

Este ambiente que consigue Ken Loach se debe en gran medida a una gran carga de improvisación. En una de las escenas con más peso en la película, una en la que hay una asamblea para decidir si se colectivizan las tierras del pueblo o no, actores y habitantes reales del pueblo mantienen una conversación casi real, en la que campesinos de a pie expresan lo que sienten respecto a su situación. En este caso el director se apoya en la realidad y en el caos para recrear una época turbulenta y cruda, en la que gente acostumbrada a servir tomó las riendas de su vida para acabar perdiéndolas en muy poco tiempo.

Todo este peculiar proceso creativo tiene como resultado una película que puede parecer deshilachada, con pasajes poco relacionados entre sí. Pero es sin embargo esta forma de crear la que le da la capacidad de transmitir esa fuerza que oculta, que no es ni más ni menos que la fuerza de las convicciónes y la alegría de la libertad.

Cine Doré

noreply@blogger.com (Ignacio Haragán) — Wed, 10 Apr 2013 17:13:00 +0000

Hace unos días estuve, a raíz de un trabajo para al universidad, en la Filmoteca de Madrid. Con la intención de entrevistar a un proyeccionista (terminada la entrevista me quedó bien claro que el término correcto es operador de cine), me pasé por la sede, un palacete de principios del sigo XX, al lado de la boca de Metro de Antón Martín. Es fácil de reconocer por las enormes letras que rezan "Cine Doré" en la fachada principal.

El caso es que me pasé por allí, sin saber concretamente a quién iba a entrevistar, y sabiendo que el ratito que hablase conmigo dependía de su voluntad. Finalmente el entrevistado fue Juan Carlos Sánchez Lázaro, proyeccionista (operador de cine) con más de 30 años de experiencia. La entrevista, como no podía ser de otra forma, empezó tratando sobre su trabajo y acabó en una charla sobre cine (allá donde fueres trata de absorber sapiencia cinematística). Acabada la entrevista, para mayor satisfacción, me ofreció una visita por todos los recovecos del Cine Doré.

No veáis que gusto darse una vuelta por todo el edificio, pudiendo tomar fotos. Si ya el vestíbulo es interesante de ver imaginaos poder entrar a las salas cuando no hay proyección. Empezamos dando una vuelta por la sala "pequeña", la Sala 2. Además del patio de butacas Juan Carlos tuvo la amabilidad de enseñarme la sala de proyección, un rinconcito a mi parecer lleno de proyectores y otros cachivaches desconocidos, pero que parece ser que todavía había más en la sala grande.

Cine de verano

Por una escalera de caracol que salía de la Sala 2 (la "pequeña") subimos al Cine de Verano. Esa tarde lluviosa de marzo lógicamente no estaba montado, pero la pinta era buena: un patio en el centro de Madrid, con una pantalla en la pared del fondo y su barecito para echarse unas cañas cuando el calor aprieta, suena a acierto.

Desde allí, cruzando por fuera del edificio, se accede a la sala de proyección grande, desde la que se proyecta en la Sala 1. En este cubículo (del tamaño de una habitación y media en realidad) me percaté de que, realmente, hay un montón de maneras de proyectar. Aparatos de todas las formas y colores por todas partes, desde el proyector de 35mm (un armatoste enorme) hasta el proyector digital vía disco duro, pasando por sistemas que nos suenan más, como el DVD, etc. En la Sala 1, debajo de donde me encontraba, estaban proyectando una de Juan Luis Galiardo (no recuerdo cual). Mientras Juan Carlos me comentaba que tenía pendiente de revisión Cinema Paradiso, , para una excursión de un grupo de un colegio que iba a pasar por allí en unos días. La verdad que si su objetivo es que los niños adoren su trabajo, esa peli es perfecta, y si es enganchar a los niños al cine, ¡más aún!

Antes de irme, en que terminó el pase que estaban dando, pude ver el que es quizás el lugar más espectacular del edificio, la Sala 1. Centro de actividad de lo que en su época de cine de reestrenos la gente apodaba "El Palacio de las Pipas", de la Sala 1 solo se puede decir que es grande, muy grande, y espectacular. Y, además, tuve la suerte de poder verla vacía y echar fotos como estas.

Venid, porque merece la pena.

Ser "chico Almodóvar"

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 12 Mar 2013 23:06:00 +0000

Los amantes pasajeros con Almodóvar agarrando de la pechera a Javier Cámara y De la Torre mirando lascivamente.

Para bien o para mal, Pedro Almodóvar vuelve a estar en boca de todos. Su último film no ha calado entre la crítica y el público como se esperaba. Tras un explosivo trailer, Los amantes pasajeros se había convertido en un cita preferente para los fans del manchego. Pero tanta expectación es contraproducente en la mayoría de los casos y Pedro no ha logrado una obra acorde a su leyenda.

Con un reparto coral, Los amantes pasajeros pone en la palestra de nuevo a Javier Cámara y a un "primerizo" con Almodóvar: Carlos Areces, además de un reparto masculino con nombres como los de Antonio de la Torre, Hugo Silva, Miguel Ángel Silvestre, Jose María Yazpik, Guillermo Toledo o Antonio Banderas entre otros. Resulta curioso pero, Pedro se pierde cuando le da el protagonismo a personajes masculinos. La complicada La piel que habito (con Antonio Banderas) o la fallida La mala educación (con Gael García Bernal, Fele Martínez y Javier Cámara) son ejemplos de esta carencia del director al dar el mando de un film a un hombre. Solo la exitosa Hable con ella (con Javier Cámara y Darío Grandinetti) ha conseguido rayar con las grandes obras del maestro.

Carmen Maura, Cecilia Roth, Penélope Cruz, Marisa Paredes, Lola Dueñas... todas han sido "chicas Almodóvar" y hay pocas actrices españolas que no aspiren a ello en sus metas. Pero tanto como ellas, los "chicos" de nuestro cine también quieren ser de Almodóvar. Por ello vamos a ver quiénes han representado a los hombres en el mundo Almodóvar con más éxito o con más repercusión.

Antonio Banderas: Sin duda es el "chico Almodóvar" por execencia. Un icono de nuestro cine en el panorama internacional y la gran estrella de cualquier cartel patrio. Comenzó con Laberinto de pasiones (1982), pero sus apariciones más destacadas han sido en Matador (1986), La ley del deseo (1987), Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) y Átame (1990).
En La piel que habito (2011) realiza su mejor interpretación con el manchego. Aparece en Los amantes pasajeros en calidad de cameo, como operario de pista en el aeropuerto.

Javier Cámara es el otro gran "chico Almodóvar", aunque este con unos papeles más sensibles que Banderas. Despuntó con Hable con ella (2002) y continuó su sociedad Almodovariana con La mala educación (2004) y la actual, Los amantes pasajeros.

El chico tímido del cine español sabe hacer reír pero también llorar y estremecernos.

Dario Grandinetti fue Marco en Hable con ella. Una magistral actuación del argentino que no ha vuelto a colaborar con Pedro ni se ha prodigado en nuestro cine como podía parecer tras su protagonismo (compartido con Cámara) en la cinta.

Tan serio como sensible, Grandinetti soltó las lágrimas más sinceras del cine de Almodóvar ya fuera viendo una representación teatral o sufriendo con su amigo Benigno (Javier Cámara).

Javier Bardem colaboró con Almodóvar en la policíaca Carne Trémula (1997). El oscarizado actor compartió rondas policiales con el recientemente fallecido Pepe Sancho, que consiguió el Goya a mejor actor de reparto por este film. Ya apareció en Tacones lejanos (1991), con Miguel Bosé como compañero masculino en el reparto.

Eusebio Poncela, un grande de la interpretación denostado por su excesivo modo de vida y sus convicciones personales. Este curioso actor compartió el protagonismo de La ley del deseo con Banderas en una actuación muy a su estilo: erótica y potente. Ya apareció en Matador.

Un "chico Almodóvar" en la vida real, que no se ha vuelto a aparecer por una producción del manchego.

Gael García Bernal protagonizó La mala educación en un personaje marcado por el pasado que se travestía y aspiraba a encontrar el éxito en el mundo de la interpretación. Compartió la primera plana con Fele Martínez y Javier Cámara en esta cinta que no obtuvo el reconocimiento esperado.

Actor de relumbrón internacional para Almodóvar que tampoco ha repetido en otros films. Su caracterización como travesti recuerda a la de Toni Cantó (quién te ha visto y quién te ve) en Todo sobre mi madre (1999), que nos supo a poco.

Lluis Homar es el "madurito" de la lista. Con su papel protagonista en Los abrazos rotos (2009) consiguió la consolidación como actor en nuestro país y un reconocimiento unánime de la crítica con su papel, que no se vio reflejado en las nominaciones y premios. Aparece también en La mala educación en un papel mucho más pequeño.

Lo clava haciendo de escritor invidente y demostrando que para hacer de ciego no hace falta exagerar los gestos hasta la saciedad (apunte Pacino).

Y no podemos olvidar (y no podré perdonar) la cantidad de grandes actores que han sido desaprovechados en la filmografía de Almodóvar como: Fernando Guillén (en Mujeres al borde de un ataque de nervios y Todo sobre mi madre), Fernando Fernán-Gómez (impactante en Todo sobre mi madre), el mencionado José Sancho (aprovechado en Carne Trémula pero fugaz en Hable con ella), Antonio de la Torre (en Volver) e Imanol Arias (en Laberinto de pasiones), amén de otros grandes como Eduard Fernández, Emilio Gutiérrez Caba, Karra Elejalde, Nacho Novo, Juan Fernández...

Shirley MacLaine: La mirada más optimista del cine

noreply@blogger.com (Ignacio Haragán) — Fri, 08 Mar 2013 14:18:00 +0000

Hoy me gustaría hablar sobre una de esas actrices que ves en la pantalla y te enamoran, una de mis actrices más favoritas de la historia del cine, Shirley MacLaine. Nacida en Richmond (Virginia), cumplirá pronto 78 años, todavía en activo, ahora en la serie británico-estadounidense Downtown Abbey.

En Downtown Abbey

En el cine desde los 21 años, ha conseguido lo que pocas consiguen, prolongar su carrera durante más de medio siglo. ¿Su secreto? Pese a que, en su juventud, era una de las mujeres más guapas que he podido ver en la pantalla, consiguió imponerse por su calidad como actriz, y no por su físico (que no desmerece nada). Por esto esta monada de chica, aún cuando se convirtió en una monada de mujer, y más tarde se convirtió en una señora entrañable y respetable, siguió teniendo papeles más o menos importantes, ya sea en la pantalla grande o la pequeña.

Sin duda esa mirada simpática y curiosa, además de su desparpajo ante las cámaras, le valieron ser la mejor pareja de Jack Lemmon (con permiso de Walter Matthau). Aún me atrevería a ir un poco más allá, fue un vértice de, para mi, un de los mejores triángulos cinematográficos que ha tenido la historia del cine: Jack Lemmon - Billy Wilder - Shirley MacLaine.

Y de ese triángulo vinieron dos joyitas como no se han vuelto a hacer: El Apartamento en 1960 e Irma la Dulce en 1963. Dos de esas pelis que, si no estás acostumbrado al cine clásico, te encantan igual. Primero, en El Apartamento, este triángulo fascina en blanco y negro y, tres años después, en Irma la Dulce, fascina en color. Todo es perfecto, Billy Wilder convierte en maravillas las historias más sencillas, Jack Lemmon es el perfecto pringado, y Shirley MacLaine, simplemente enamora. A la derecha Irma la Dulce >

Otra de las apariciones de MacLaine que me encantan está en Being There (Bienvenido Mr.Chance en castellano) en 1979. Más madura, ya con 45 añitos, se enamora de Peter Sellers, literalmente un idiota. Pese a tener casi 15 años más a sus espaldas conserva ese encanto que tenía en su época con Billy Wilder, y que mantiene hoy, que han pasado 53 años desde El Apartamento y, esperemos, que no le abandone nunca.

Y esto es todo, solo quería rendir un pequeño homenaje a una de las actrices vivas a la vez más importante y menos tenida en cuenta cuando se habla de las grandes mujeres en el cine. Por cierto, ¿sabíais que es la hermana mayor de otro mito del cine como Warren Beatty?

La ascensorista de El Apartamento posa junto a Clyde Barrow

Al borde del suicidio (The Sunset Limited)

noreply@blogger.com (Ignacio Haragán) — Mon, 04 Mar 2013 23:25:00 +0000

The Sunset Limited es, aunque parezca increíble, un telefilm. Esta joyita underground es una película hecha para televisión, eso sí, por HBO. ¿Qué tendrá HBO que todo lo hace bien? Quién sabe, pero desde luego proyecto que llevan a cabo proyecto que adoro. No les basta con hacer la mayoría de las mejores series, sino que además sacan una peli como esta que, fácilmente, se merienda a la mitad de las grandes producciones del año.

Al borde del suicidio es como se tradujo el título en España, imagino que para que nos demos cuenta de que es un telefilm, y por tanto debe ser emitido en El Triple Tres: en Antena 3, a las 3 y 3 veces al año. Quién sabe, la cosa es que está bien eso de que el título te diga "¡Ey, soy una peli sobre alguien que se quiere suicidar!".

Qué sorpresa os vais a llevar cuando os confirme que sí, va sobre un profesor de filosofía (Tommy Lee Jones) que se quiere suicidar y es salvado, contra su voluntad, por un vitalista exconvicto (Samuel L. Jackson). Lo interesante de la película es que se desarrolla entera en el salón de la casa del religioso. Hora y media en una sola localización, con dos personajes conversando, eso es todo.

Esto durante hora y media

Y no hay lugar para aburrirse, ahí es donde te das cuenta de la calidad que envuelve a la película en todos los aspectos. La calidad de la escritura de la obra de teatro de Cormar McCarthy y el acierto en la adaptación del guión. La confirmación de la calidad de Tommy Lee Jones tras las cámaras, que consigue el más difícil todavía: variedad visual; cuando durante la hora y media de metraje ves dos caras y cuatro paredes que se repiten una y otra vez. La calidad en la increíble labor frente a las cámaras de Tommy Lee Jones y Samuel L. Jackson, dando vida a los dos personajes y, sobretodo, dando vida a los diálogos.

Advierto que, si decidís ver The Sunset Limited (¡hacedlo!), sin que os deis cuenta, puede que acabéis empapandoos de algún que otro argumento de peso para suicidarse. Este blog no se responsabiliza de posibles autolesiones.

Se ha ido Pepe Sancho

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 04 Mar 2013 14:37:00 +0000

Se ha ido un grande. DEP

El Atlas de las Nubes

noreply@blogger.com (Santi Mazarro) — Thu, 28 Feb 2013 15:35:00 +0000

Ayer salí del cine bastante confuso a pesar de saber a lo que iba; La nueva película de los hermanos Wachowski (conocidos mundialmente por ser los chalaos que idearon Matrix). Escrita, dirigida y producida por ellos mismos. Basada además, en una de las novelas más complejas de la ciencia ficción reciente, Cloud Atlas (El Atlas de las Nubes)

Tengo la impresión de haber visto algo que podía haber sido una obra de arte y se ha quedado en esperpento. Muchachos, se os ha ido la olla. Me gusta la ciencia ficción y me gustan las películas ambiciosas, pero esta película es un despropósito. Cuenta, o pretende contar, seis historias distintas. Si, seis. Mediante un brillante pero insuficiente montaje y en menos de tres horas de cinta (que no es poco, pero para la cantidad de personajes y tramas es casi ridículo). Aún así, he de admitirlo, la película me ha gustado. Aquí os dejo a los mismísimos Wachowski presentando su peli, y ya sigo yo con el análisis.

Exacto, si, el trailer mola. Atentos al lío que merece la pena:

Por un lado, el abogado Adam Ewing viaja con Tom Hanks a bordo de un buque esclavista estadounidense, año 1849. ¿Hasta aquí todo bien? Seguimos. En 1936, un joven músico bisexual encuentra el diario de Ewing. El joven ha dejado a su novio para empezar a componer sus obras de la mano de otro músico filántropo y horrible. A pesar de haber abandonado a su novio, le escribe cartas a menudo. Estas cartas son encontradas en 1973 por Luisa Rey (Halle Berry) periodista de San Francisco que investiga una planta de energía nuclear . Allí conoce al Tom Hanks del s. XX, que es científico. ¿Todo bien? Pues seguimos.

Con ustedes el simpático Tom Hanks científico,
con una Halle Berry periodista y un
Hugh Grant magnate de la radiación.

En 2012, un editor londinense interpretado por el mismo actor que hacía de músico filántropo y horrible en 1936, hace una fortuna vendiendo el libro que ha escrito un nuevo Tom Hanks, que ahora es gangster.

Además, Somni-451, una esclava rebelde de un restaurante de comida rápida en el Neo-Seul de 2144 planea una fuga al más puro estilo Blade Runner junto con un asiático salvador, que no es ni más ni menos que Adam Ewing, el abogado del buque de 1849 (Esta es la mejor de las tramas, la mas coherente y visualmente la más original).

Y por si todo esto fuera poco, en el Hawaii postapocalíptico, Tom Hanks, que ahora es un pastor de cabras, conoce a la Halle Berry del futuro en el año "106 Después de la Caída".

Con ustedes el ridículo Tom Hanks cabrero
con una Halle Berry enviada
del futuro poniendo cara de susto.

Las historias se entrelazan y el montaje, lo mejor de la cinta, salta inteligentemente de una trama a otra con un ritmo increíble, especialmente en el último acto donde el pulso frenético recuerda mucho ~~al de la primera Matrix.~~ Al de Matrix. Prefiero no acordarme de que existen las otras dos.

Reconozcámoslo, la idea que plantea es muy atrayente. Todos estamos conectados a personas de otro tiempo. En el pasado y en el futuro hay réplicas de nosotros que vivirán de un modo u otro en función de las decisiones que tomemos. Esto mola mucho... Casi tanto como jugar a reconocer a los actores en las distintas épocas bajo doscientas de capas de maquillaje.

A partir de esta idea, vemos que; la dirección es razonablemente buena, las interpretaciones son aceptables y la fotografía destaca notablemente por la capacidad de ambientar numerosos y distintos lugares en épocas dispares, ¿Entonces por qué se hace tan pesada? ¿Por qué nunca llega ser creíble?

De una película que necesita de un esquema de coordenadas para entender
quién es quién solo se puede decir una cosa: Muchos dólares en maquillaje.

Una buena idea no siempre da lugar a un buen guión. Es paradójico que en una película de saltos temporales no seamos capaces ni de conocer el pasado de los personajes, ni de entender sus objetivos futuros. . En ocasiones se pone on el tono pseudo-Terrence Malick y la cinta emana filosofía barata. En otras secuencias parecemos estar ante un thriller setentero que no pega demasiado y en las más absurdas se nos invita a reirnos de situaciones que lo único que dan es vergüenza ajena. Lo mejor, la trama ambientada en el Neo-Seul de 2144. Coherente y consecuente.

En lineas generales no se explicar por qué este divertimento pretencioso no me disgustó del todo y sigo pensando que es de valientes ponerse a rodar este tipo de historias. Se ha estrellado en la taquilla, vale, pero tiene toda la pinta de convertirse en un film de culto de aquí a unos años. Por lo atrayente de su argumento, por el espíritu cyberpunk que emana la mejor de sus historias y a pesar de sus obvias carencias narrativas.

El Tercer Hombre (The Third Man)

noreply@blogger.com (Ignacio Haragán) — Wed, 27 Feb 2013 12:19:00 +0000

La cosa hoy va de clasicazos. (sigue abajo, por exigencias de las normas áureas de la estética sofisticada y elegante).

Antes de nada, reproduce este video:

Bien, ahora que estás ambientado, ponte en situación.

Eres un escritor americano de tres al cuarto. Te dedicas a escribir novelas sobre el lejano oeste, una tras otra. Ninguna buena. Tu viejo amigo Harry, que vive en Viena, te promete que si le vas a visitar te dará en empleo. Y allí estás, en Viena, ciudad fría y repartida entre los vencedores de la guerra. Por suerte esa pegadiza melodía te acompaña a todos lados (¿quién iba a decir que una cítara es un instrumento, eh?) tataratata... tará tatá, tataratata... tará tatá. Vas a buscar a tu amigo, la única persona a la que conoces en un montón de kilómetros a la redonda, pero el portero de su edificio te comunica que ha muerto (aunque notas algo raro en lo que te cuenta) atropellado por un camión, pese al intento de socorro por parte dos amigos, pero de esos ya veremos más adelante.

Este eres tú pensando "Pues ya que Harry ha muerto..."

Vas al funeral, donde unos policías británicos te insinúan que Harry Lime, tu querido Harry Lime, estaba metido en asuntos turbios, ¿cómo vas a permitir que se manche el buen nombre de tu amigo? Entonces empiezas a indagar y descubres que los amigos de Harry son una panda de personajes de lo más raro y que las historias que cuentan bailan bachata. Ah, también conoces a Anna, la novia de Harry, una auténtica monada (hay veces que es difícil no enamorarse de la novia de tu mejor amigo, aunque el cadáver aún no se haya enfriado).

Entre unas cosas y otras, descubres que la noche que Harry acabó bajo las ruedas de un camión, fue socorrido por alguien más aparte de los dos extraños amigos. Entonces es cuando ya confirmas el mal olor de toda la historia y piensas, pues ahora entiendo que la llamen "El tercer hombre".

Y hasta aquí puedo leer, que si no se me acusa de spoilear.

Me encanta esta peli, me encanta el cine negro. Me encantan los personajes, la ambientación (la ciudad preciosa, por cierto), cómo usa la cámara Carol Reed, la banda sonora y, por encima de todo, una de las mejores entradas para un personaje jamás hecha (o vista por mí, pero aún no conozco lo que desconozco). Pero eso sería un spoiler, así que lo dejo para cuando la hayáis visto.

Tataratata... tará tatá, tataratata... tará tatá, tataratata... tará tatá, tataratata... tará tatá

Las 25(mil) caras de Samuel L. Jackson

noreply@blogger.com (Ignacio Haragán) — Sun, 24 Feb 2013 15:32:00 +0000

Polifacético, omnipresente y, sobre todas las cosas, carismático. Uno de los mayores comepantallas, de esos actores que, incluso haciendo un papel totalmente secundario, cuando aparece en plano, se lleva todo el protagonismo. Así es Samuel Leroy Jackson. En mi opinión uno de los grandes actores de las últimas décadas, al que hemos visto en decenas de papeles totalmente distintos. Estos son solo una muestra de su evolución por los años:

1988. Coming to America (El Príncipe de Zamunda): Primer recuerdo, robó el McDonalds en el que trabajaba Eddie Murphy. "Who the fuck is this asshole?".

1989. Do the Right Thing: En la tercera película de Spike Lee, se deja ver como el DJ de la radio local, Mr. Love Daddy.

1990. Goodfellas (Uno de los nuestros): Tiene su pequeño papel en esta masterpiece de Scorsese. Sale lo justo para que Joe Pesci desparrame sus sesos por todas las sábanas.

1991. Jungle Fever: Vuelve a trabajar con Spike Lee, esta vez hace de yonki.

1992. Patriot Games: Aquí se aleja del barrio para interpretar a un teniente del ejército de los EE.UU., no es su mejor película realmente.

1993. Jurassic Park: En este clásico de la ciencia ficción aparece como ingeniero del parque, para morir al rato.

1994. Pulp Fiction: El papel que le consagró, Jules, la mejor conversación sobre hamburguesas de la historia del cine seguida de una de las mejores ejecuciones habidas y por haber. Simplemente épico.

1995. Die Hard (Jungla de cristal, la venganza): En la tercera parte de la saga Samuel L. Jackson se convierte en Zeus, el de no me toques los cojones o te meto un rayo por el culo, compañero de Bruce Willis.

1996. Time to kill: Más o menos por aquí empieza a obtener papeles de hombre maduro. Es el padre de la pequeña Tonya y asesino de sus violadores.

1997. Jackie Brown: De nuevo junto a Tarantino, da vida a Ordell, un boss del gangsterismo.

1998. The Negotiator: Encarna al mejor negociador del mundo mundial, que es falsamente acusado de asesinato y secuestra a un grupo de inocentes para ganar tiempo.

1999. Star Wars. Ep.1. La amenaza fantasma: Para ser un poco más mítico, hace el papel de Mace Windu, el Caballero Jedi negro.

2000. Shaft. The Return: Continuando con el asunto de mitificarse, da vida al detective negro más famoso de la historia, después de Superdetective en Los Ángeles, John Shaft en la secuela de la película de 1971.

2001. Negocios sucios: Increiblemente, en 2001 no hizo nada destacable, así que pongo esta, pero por no dejar el año huérfano.

2002. xXx: En esta ciclado-película, se mete en la piel de August Gibbons, jefe jefazo de una agencia gubernamental que dará trabajo al calvito Vin Diesel.

2003. S.W.A.T.: El Sargento Dan "Hondo" Harrelson, ni más ni menos, el hombre que hace que los Hombres de Harrelson se llamen así.

2004. Kill Bill Vol.2: De nuevo con Tarantino, interpreta al organista que toca en la boda de "La Novia".

2005. Coach Carter: Protagoniza la historia de un entrenador de baloncesto que, cargado de buenas intenciones, trata de enderezar a los indisciplinados jugadores de un equipo de instituto.

2006. Serpientes en el avión: Es imposible no mencionar su papel estelar en este hito del cine moderno. Es el protagonista, encargado de que las serpientes que subieron de polizones en el avión paguen su billete.

2007. Afro Samurai: Pone voz al personaje protagonista de esta miniserie ultraviolenta sobre un samurai peinado a lo afro.

2008. Star Wars: The Clone Wars: Mace Windu (que ya interpretó en los Ep. 1, 2, y 3) vuelve convertido en vectores tridimensionales, a los que dará voz Samuel L. Jackson.

2009. Madre e Hija: Interpreta también a Paul, importante abogado que deja preñada a Naomi Watts, aficionada como pocas a las pelis multihistoria como esta.

2010. Iron Man 2: En esta, y en toda la saga, encarna a Nick Fury, el jefe del equipo S.H.I.E.L.D., una ultramoderna agencia de inteligencia.

2011. Sunset Limited: Da vida al co-protagonsita, junto a Tommy Lee Jones, de esta película para TV, un ex-convicto arrepentido de sus pecados.

2012. Django Unchained: Caracterizado como un anciano, interpreta a Stephen, el esclavo negro más racista de todo el territorio confederado.

Y estas son las 25(mil) caras de Samuel Leroy Jackson, y las que quedan.

Nuevo trailer de "Alacrán Enamorado"

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 21 Feb 2013 21:58:00 +0000

Ver vídeo

Trailer largo de la esperada película de Santiago A. Zannou (El truco del manco), sobre una novela de Carlos Bardem, del mismo nombre. La historia, como podemos ver en el avance, es el relato de Julián, un joven neonazi que debe elegir entre el sus antiguos camaradas, el amor y la canalización de su odio a través del boxeo.

En el reparto caras conocidas como las de Álex González (X-Men: Primera generación), Miguel Ángel Silvestre (Todo es silencio), el propio Carlos Bardem (Celda 211) y la colaboración de Javier Bardem (No es país para viejos). La actriz Judith Diakhate (La noche de los girasoles) ostenta el papel femenino principal.

OSCARS 2013: Impresionante vídeo

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 21 Feb 2013 15:09:00 +0000

¡Vaya pedazo de vídeo hemos encontrado buceando por la red! Todas las películas ganadoras del Oscar a mejor film en 4 minutos. Disfrutadlo.

NOTICIAS DE CINE: 50 sombras de Grey, más Mamá, X-Men y Los Mercenarios

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 21 Feb 2013 14:57:00 +0000

El proyecto de 50 sombras de Grey se marca plazos

La Universal ha señalado que la posible fecha de estreno de la esperada adaptación de la triología de novelas eróticas que comienza con 50 sombras de Grey. Adam Fogelson, jefe del gigante cinematográfico, ha insinuado que la primera parte puede salir en verano de 2014.

Las novelas cuentan la historia del millonario Christian Grey y su relación con una joven estudiante, Anastasia Steele. No hay nada asegurado, ni director ni reparto pero ya suenan nombres: Matt Bomer (White Collar), Ian Somerhalder (Lost, Crónicas Vampíricas) o Henry Cavill (El hombre de acero) suenan para interpretar al magnate, mientras que para el papel femenino las favoritas son Alexis Bledel (Las chicas Gilmore), Mila Kunis (Cisne Negro, Ted) y Emilia Clarke (Juego de Tronos).

Mamá podría tener secuela

El éxito de la película Mamá, producida por Guillermo Del Toro, no tiene límites. La Universal, distribuidora del film, ya ha comenzado a contactar con el mexicano y el equipo para una secuela. Según David Koose, presidente internacional de Universal Pictures: “ Creemos que hay potencial para una franquicia de 'Mamá'. Nos gustaría hacer otra película, aunque las conversaciones todavía están en una etapa muy temprana”.

No es de extrañar que piensen en una franquicia a partir del film de terror, pues la película ha sido todo un éxito y en España, por ejemplo, lleva dos semanas en lo más alto de la cartelera. Ya acumula 90 millones de dólares de recaudación frente a los 15 de presupuesto.

X-Men: Días del futuro pasado

El próximo 15 de abril comenzará el rodaje de X-Men: Días del futuro pasado. En esta entrega, también dirigida por Bryan Singer, combinará los repartos de la saga original y las películas de Primera Generación. Esto será posible gracias a una trama que combinará viajes en el tiempo con centinelas creados por un personaje al que dará vida Peter Dinklage (Tyrion en Juego de Tronos).

El reparto confirmado es el siguiente: Hugh Jackman (Lobezno), James McAvoy y Patrick Stewart (Charles Xavier), Michael Fassbender e Ian McKellen (Magneto), Jennifer Lawrence (Mística), Nicholas Hoult (Bestia), Anna Paquin (Pícara), Ellen Page (Gatasombra) y Shawn Ashmore (Hombre de Hielo).

Imágen de Hugh Jackman como lobezno de nuevo

Seguimos con el mundo mutante de X-Men. Ya tenemos la primera imagen de Hugh Jackman como Lobezno en el nuevo spin-off del personaje que va a dirigir James Mangold (Cop Land, Walk the line, X-Men Orígenes: Lobezno).

El film contará en el reparto con otros actores como Will Yun Lee, Hiroyuki Sanada y Svetlana Khodchenkova.

Se espera que se estrene en nuestros cines el 26 de julio.

Tom Sizemore en Los Mercenarios 3

Por último otra saga: Los Mercenarios. En su línea de contratar mitos del cine de acción, Stallone va completando su reparto con interesantes nombres para la tercera entrega. Si ya conocíamos que Jackie Chan y Wesley Snipes están cerca del film, ahora llega la noticia de que muy cerca también está el desaparecido Tom Sizemore. El actor norteamericano, un clásico secundario de Hollywood en films como Salvar al soldado Ryan, Black Hawk Down o Naturall Born Killers podría interpretar al villano de la función.

NOTICIAS DE CINE: Más simios, Christian Bale, 007 y Jennifer Lawrence.

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 20 Feb 2013 14:22:00 +0000

Protagonista para la secuela de El Origen del Planeta de los Simios

Jason Clarke protagonizará la secuela de El Origen del Planeta de los Simios (Rupert Wyatt; 2011), que dirigirá Matt Reeves. La película se llamará Down of the Planet of the Apes (El Amanecer del Planeta de los Simios en castellano, pendiente de una siniestra traducción como de costumbre) y está pendiente para estrenarse el 23 de mayo de 2014.

Clarke es conocido por sus papeles en La noche más oscura (Kathryn Bigelow, 2012) o Enemigos Públicos (Michael Mann, 2009). El australiano sustituye como actor principal de la saga a James Franco, que todavía no ha descartado aparecer. También volverán a contar con el genial Andy Serkis para dar la forma al simio César.

Al director Matt Reeves se le conoce por haber filmado Cloverfield (2008) y Déjame entrar (el remake americano de 2010), además de varios trabajos en series como Felicity (de la que fue creador y director de varios episodios junto a su amigo J.J. Abrams). El guión lo firma Mark Bomback.

Christian Bale en el Everest

Christian Bale será el protagonista de Everest, la próxima película de Baltasar Kormakur (director de Contraband y The Deep, esta última nominada a mejor película extranjera en esta edición de los Oscars). El film es una adaptación de la novela de Jon Krakauer sobre una trágica expedición a la conocida cima en la que murieron ocho escaladores allá por 1996.

Kormakur también tiene pendiente de estreno un film con Mark Wahlberg y Denzel Washington, llamado 2 Guns.

Los agentes 007 no estarán al completo en los Oscars

Los productores de los Oscars 2013, Craig Zadan y Neil Meron, han desmentido que todos los Bond vayan a aparecer juntos en los premios como homenaje a los 50 años de la conocida saga.

Parece que nos quedaremos con las ganas de ver en el mismo plano a Sean Connery, George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y Daniel Craig. Todavía no se ha desvelado cuál será el acto principal para este reconocimiento al agente más famoso del cine pero la cantante Adele ya ha confirmado que participará en la gala, con lo que probablemente interprete el tema principal de la última entrega (Skyfall; Sam Mendes, 2012).

Recordemos que Skyfall está nominada a 4 estatuillas, a saber: Mejor Canción (para la ya mencionada Adele), Mejor Banda Sonora, Mejor Sonido y Mejor Fotografía.

Jennifer Lawrence y David O. Russell no paran de trabajar juntos

Lo de Jennifer Lawrence y David O. Russell va camino de convertirse en una relación cinematográfica a lo Scorsese-Di Caprio (salvando las distancias, claro). Hace unos días supimos que la actriz se incorporaba al reparto del nuevo proyecto del director, aun sin título, sobre la investigación por parte del FBI de un caso de corrupción. Este film juntará a Lawrence con estrellas de la talla de Christian Bale, Jeremy Renner, Bradley Cooper (de nuevo), y Amy Adams.

Pues bien, director y actriz volverán a colaborar en un film sobre la tormentosa vida de un magnate del petróleo durante el crack del 29, que se casaría con su hija adoptiva (el papel de Lawrence).

En la primera película juntos (El lado bueno de las cosas, 2012) la actriz norteamericana consiguió la nominación para el Oscar y el Globo de Oro a la Mejor Actriz en Comedia o Musical. Si sigue así la cosa, esta chica va a acaparar las parrillas de premios muy a menudo.

TAQUILLA ESPAÑOLA (15-17 de febrero)

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 20 Feb 2013 14:10:00 +0000

Ya están disponibles las cifras de la taquilla española de la semana del 15 al 17 de febrero:

PELÍCULA	Espectadores	Semanas	¿Sube?	Recaudación
1: Mamá	728.786	2	=	1.584.173 €
2: La junga: Un buen día para morir	186.417	1		1.324.223 €
3: El lado bueno de las cosas	829.872	4		813.466 €
4: La trama	87.778	1		633.962 €
5: Django desencadenado	1.288.269	5		494.823 €
6: Un plan perfecto (Gambit)	51.516	1		365.328 €
7: Gangster Squad:Brigada de élite	171.998	2		295.300 €
8: ¡Rompe Ralph!	1.306.302	8		279.341 €
9: El vuelo	423.591	4		219.472 €
10: Lincoln	676.278	5		180.132 €
11: Argo	603.092	17		136.924 €
12: Hitchcock	128.690	3		79.042 €
13: Las ventajas de ser un marginado	47.180	2		78.659 €
14: Dos días en Nueva York	9.748	1		70.667 €
15: El hobbit: Un viaje inesperado	2.986.112	10		69.506 €

Django Unchained

noreply@blogger.com (Ignacio Haragán) — Sat, 09 Feb 2013 13:53:00 +0000

La peli a analizar hoy, es un VHS perdido entre estanterías y estanterías de cintas menores, ocultas a la vista del público mainstream. La anónima joya del underground de la que quiero hablar es Django Unchained, de Tarantino.

La película en sí, trata sobre un esclavo liberado que busca liberar a su esposa mientras que, por qué no, se venga de todo esclavista que encuentre en su camino. El primer actor pensado para el papel protagonista fue Will Smith, pero, pese a que también hubo ofrecimientos por parte de otros actores -como el de mi querido Idris Elba (Stringer Bell en The Wire), actorazo al que Tarantino rechazó por "ser un Brit", y él no quería un británico para hacer de negro sureño.- el elegido finalmente fue el conocido actor/cantante/cafetera/todoterreno Jamie Foxx.

Samuel L. Jackson te observa. Es muy racista.

Pese a haber descartado otros actores, la actuación de Jamie Foxx no es especialmente destacable, no da demasiada vida al personaje, algo así como el prototipo de nigga de barrio de los 90, pero vestido de vaquero. Sí que se ganan más el pan los grandes nombres, como Christoph Waltz, interpretando al liberador Dr. King, acrobático quitaempastes, o Leonardo DiCaprio, racista terrateniente sureño amante de las peleas de mandingos. Destaca el personaje de Samuel L. Jackson, algo así como un militante de PxC en el cuerpo de un anciano de color.

No quiero decir que la última de Tarantino sea una película malísima, estamos sin duda ante una buena obra de cine, sí, pero a mi modo de verlo, decepcionante. Mi forma de verlo es que hay buen cine y mal cine (según gustos, claro, aunque es difícil que aquí reseñemos una película mala), y dentro del buen cine hay películas bien hechas y, por encima de ellas, grandes películas: el Gran Cine.

Django, como casi todas las películas escritas y dirigidas por Quentin Tarantino, es una buena película, bien hecha, entretenida, con sus momentos memorables. Sin embargo, no creo que se pueda considerar como Gran Cine, y aquí es donde nace mi decepción. El sello de Tarantino nos ha dejado, hasta el momento, regusto de gran cine en todas sus pelis anteriores, a excepción de Death Proof y Kill Bill, especialmente el Volumen I. Sin embargo en las anteriores se veía claramente la intención del director de hacer una película solo para entretener, pura adrenalina, para él y sus fans o para los amantes de los géneros que explota (grindhouse en Death Proof y kung-Fu ochentero en Kill Bill), aquí reside la diferencia con Django, la intención.

La intención en Django, por plantel de actores y por cómo se ha vendido, parecía un proyecto serio (dentro del estilo de Tarantino), una propuesta de renovación del western, adaptado a los tiempos y al nuevo espectador, pero capaz de apasionar también a los fans del género. Y esto, es lo que consiguió Clint Eastwood en 1992 con Sin Perdón. Es comparando ambas cintas cuando más me doy cuenta de que Sin Perdón es Gran Cine, y Django no pasa de ser una buena película.

La de Eastwood también es violenta, llena de adrenalina y políticamente incorrecta, sí, pero explota estos recursos para adornar una historia sencilla pero con empaque, que atrapa en el momento de verla, con un montón de escenas memorables, pero una vez termina el metraje deja un poso en el espectador. La de Tarantino, pese a tener unas cuantas escenas memorables y una fuerza visual que pocos aparte de él consiguen, carece de ese punto imperecedero que hace que las películas vayan más allá del momento en que las vemos. La historia, también sencilla, no tiene detrás apenas profundidad, una vez aparecen los créditos finales, la mayor parte de lo visto se diluye y me abandona, me he reído, he disfrutado y me he entretenido, pero eso es todo.

Lo que digo es que el cine, para llegar a ser grande, tiene que tener más contenido. Admiro el cuidado de la forma que consigue Tarantino, visualmente atrapa, el guión tiene momentos brillantes, pero todo esto no acaba de funcionar si no llegamos a ningún punto de profundidad, es como un politono frente a un concierto en vivo.

Para ir cerrando, en Django encontramos una película muy visual, bastante entretenida, con algunas situaciones tarantinescas de esas que no sabes si quedarte con la boca reir o vomitar, pero también nos encontramos con bastante pobreza en los diálogos, con una historia y unos personajes bastante planitos y, mención aparte, ciertas horteradas; horteradas más allá de lo que nos tiene acostumbrado Tarantino, horteradas como algunos temas de la banda sonora (a excepción del theme de la Django original al final) y hortera como Jamie Foxx haciendo trompos con un caballo (cosas de negros, supongo).

"Santi Mazarro, autor tambien de este blog está en desacuerdo con gran parte del contenido de esta crítica pero se le ha censurado cual primate. "

El Hobbit: Un viaje inesperado

noreply@blogger.com (Santi Mazarro) — Sat, 15 Dec 2012 18:48:00 +0000

Ayer asistimos juntos al estreno de El Hobbit, un viaje inesperado, probablemente una de las películas mas esperadas de los últimos años.

En escasas ocasiones, el cine de enormes presupuestos y cifras astronómicas alcanza al mismo tiempo la brillantez cinematográfica y los grandes estudios nos brindan cintas imperecederas. El ejemplo más claro es la brillante trilogía de El Señor de los Anillos, para algunos la obra maestra del cine reciente y por su puesto la cima del género épico y de fantasía. Era por tanto de esperar que la preculela escrita por J.R.R. Tolkien y llevada por fin a la gran pantalla por el mismo equipo y a las órdenes del mismo genio que trabajó diez años atrás en El Señor de los Anillos fuese un prometedor y suculento manjar para los amantes de la trilogía épica.

Llegó el gran día. Las luces del cine se apagan y la siempre memorable música de Howard Shore llena la sala. Un soleado día en la comarca nos ha devuelto a la Tierra Media. Bilbo Bolsón y su sobrino Frodo se preparan para la fiesta de cumpleaños del primero y será el propio Bilbo a partir de este momento el que pase a relatarnos sus aventuras, esta es su historia.

Bilbo tendrá que aprender a arreglárselas lejos de su casa, enfrentándose a peligros hasta ahora desconocidos para él durante las casi tres horas de cinta de la primera parte de una trilogía que probablemente pase a ser la Road Movie mas larga de todos los tiempos. Y es que El Hobbit no es mas que eso, la historia de un camino que trece enanos, un mago y un hobbit deberán hacer para luchar por recuperar su casa ante el desahucio que el dragón Smaug parece haberles impuesto.

Más allá de Smaug, el principal enemigo al que se enfrenta Peter Jackson en este film es a su público, así como a la enorme sombra de Aragorn, Legolas y compañía. Mientras que la trilogía del anillo posee un tono mas oscuro y maduro, J.R.R. Tolkien escribió El Hobbit pensando en sus hijos, y esa esencia de cuento, ese tono infantil ha quedado latente en el guión de la cinta, lo cual puede sorprender -o disgustar- a muchos, especialmente a los no lectores. Podría haberse solventado este punto obviando literalmente a sus predecesoras, pero la nostalgia pudo más que la coherencia y El Hobbit es además de una historia por sí misma, un constante homenaje a El Señor de los Anillos.

Al margen de esto, nos encontramos ante una experiencia visual prácticamente inmejorable. La dirección artística, cada uno de los decorados, el vestuario, las localizaciones... es pura magia. La quizá excesiva dilatación del planteamiento es perdonable ante la oleada de asombrosos efectos, persecuciones, luchas y aventuras que nos esperan. Los revolucionarios y polémicos 48 fotogramas por segundo a los que se ha rodado para las tres dimensiones no los he probado de momento, preferí verla en 2D así que poco puedo aportar en este sentido.

Enormes las nuevas incorporaciones al reparto. Martin Freeman es el mejor Bilbo que uno pueda imaginarse, un actorazo con mayúsculas al que ya tuve oportunidad de ver en la serie Sherlock. Richard Armitage como el rey enano Thorin tambien muy acertado y por su puesto ni que decir de los que repiten como el veterano Ian McKellen.

Sobre Andy Serkis, que además de interpretar a Gollum ha sido codirector de la cinta, hay que hacer una mención aparte. El encuentro entre Bilbo y el mítico Gollum es sin duda la mejor escena de la película. El robo del anillo por parte de Bilbo es en cierto modo el punto de inflexión de ambos personajes y la escena es verdaderamente sobrecogedora, además nos recuerda a la oscuridad de El Señor de los Anillos lo cual es muy emocionante.

Con la ilusión de haber visto de nuevo la Tierra Media en pantalla y la opinión de que es un suculento aperitivo para las futuras generaciones que quieran ver El Señor de los Anillos por primera vez, si que espero que las dos que la suceden mejoren ligeramente el listón para poder hablar de ella como algo más que un suculento aperitivo y poder considerarla el manjar que, tal vez injustamente, todos esperábamos.

TE GUSTARÁ SI: Eres un fan de la Tierra Media o del cine de aventuras con independencia de ser o no fan de El Señor de los Anillos. Si esperas pasar un buen rato frente a la pantalla absorto ante una buena historia en mundo absolutamente espectacular y sobrecogedor.

NO TE GUSTARÁ SI: Si no te gusto El Señor de los Anillos dificilmente te gustará El Hobbit. Si eres un purista de la trilogía del anillo y esperabas algo de su mismo nivel y estilo...quizá te decepcione. O quizá no.

LAS PELÍCULAS DE LOS 2000

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 20 May 2012 16:29:00 +0000

Una pequeña selección del cine con el que muchos de nosotros nos hicimos mayores.

Drive

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 20 May 2012 16:15:00 +0000

Para retomar la actividad del blog, hoy presentamos una crítica de una de las películas más sorprendentes de los últimos años: Drive. El año pasado apareció una película de un director poco conocido, con apenas estrellas en su reparto y que no se coló en las quinielas de los grandes premios. Sin embargo, está considerada por gran parte de los críticos de cine como una de las películas mejor hechas en los últimos años.

La historia parte de una novela de James Sallis, que cuenta la vida de Driver, un conductor especialista de cine que trabaja en un taller y por las noches conduce para delincuentes. Con este punto tan atractivo de salida hace falta un poco de mordiente para la carrera, y ese no es otro que el que le da la historia sentimental que va a vivir con Irene, su vecina. Y no contamos más por que todo en esta historia es para descubrirlo y saborearlo poco a poco.

Nicolas Winding Refn nos traslada a un universo urbano desde la vista de los coches. Tras una genial presentación del personaje principal y unos créditos muy elegantes, empezamos a conocer a los distintos papeles que van a formar parte de la historia. He oído por ahí que es como un episodio de Miami Vice, puede ser, pero es una película que destila elegancia por todos lados. La dirección está tan cuidada como la fotografía, una obra artesanal sin alejarse de los preceptos del cine comercial.

La música es simple, tan elegante como el resto del film, con temas muy apropiados para crear esa atmósfera de desconcierto que transite el personaje principal.

Y no dejamos de hablar del personaje principal por que es el que conduce la historia. Un personaje misterioso, misántropo en sus formas y un tanto siniestro pero del que todos hablan como un buen chaval. Driver es un hombre encerrado en un coche, que no deja ver su lado humano hasta que conoce a Irene y su hijo, ahí veremos la verdadera conversión del personaje. Ryan Gosling compone una actuación correcta, tampoco es un personaje que luzca demasiado por su frialdad pero el actor canadiense aporta un registro muy adecuado para Driver además de su imponente físico. La que está genial es Carey Mulligan, una actriz que me tiene enamorado cada vez que la veo en pantalla y dota a su personaje de mucha madurez y sencillez a partes iguales. Pero los que se comen la pantalla son los secundarios. Bryan Cranston demuestra cada vez que sale en pantalla que es quizás el actor más desaprovechado de américa, un auténtico todoterreno de la actuación que algún día recibirá su verdadero reconocimiento. Albert Brooks está genial como mafioso y Ron Perlman vuelve a dejarnos de piedra con solo mostrar ese careto que tiene. También se marca un buen papel Oscar Isaac en el tiempo que aparece, muy natural su personaje.

Recomedable 100% para cualquier tipo de público, es un gran divertimento que deja un sabor de las grandes películas del cine negro de los 80 y 90. Disfrútenla.

Una historia del Bronx (A Bronx Tale)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 25 Mar 2012 20:19:00 +0000

"No hace falta valor para apretar un gatillo, pero si para madrugar cada día y vivir de tu trabajo."

Así de claro, así reza uno de los diálogos de una de las películas que más me han enseñado en la vida. Una historia del Bronx es una enseñanza de vida en toda regla, una historia que deja huella y una película para enmarcar.

El, para el que suscribe, actor más grande de los últimos tiempos, Robert De Niro, debutó en el cine con una historia sencilla, pero con una humanidad apabullante. El libreto, basado en la historia de Chazz Palminteri (el actor que da vida al personaje de Sonny), narra la historia de Calogero, un niño del neoyorkino barrio del Bronx. Criado en una familia humilde, su padre, autobusero, le prohíbe acercarse al bar donde se reúnen los mafiosos del barrio, pero la curiosidad de un niño es imparable. Un día, en el portal de su casa, presencia como Sonny, el capo del Bronx asesina a un hombre en una disputa callejera. Calogero, como mandan los códigos del barrio, no delata a Sonny, y éste convierte al joven en su pupilo pese a la reticencia de Lorenzo, su padre. Ya en la adolescencia, Calogero, ahora conocido como C, vivirá siguiendo los consejos de Sonny, la tutela de Lorenzo y la desmedida vida de sus amigos de la infancia.

Una película planteada como pequeña que parece grande en su resultado final. El proyecto no era muy ostentoso pero tenía todos los mimbres para ser un clásico: una historia sencilla pero efectiva y unos actores de comprobado nivel. Capítulo aparte es el director, Robert De Niro debutaba como maestro de orquesta y no podía hacerlo mejor. Se nota la mano de su maestro, De Niro dirige a lo Scorsese y eso es un seguro de vida. Los planos, el uso de la música, incluso la historia y los actores parecen sacados de un filme de Marty. Estupendo debut para De Niro que dirige magníficamente y dota a la película de mucha humanidad y un buen sentido del humor sin perder de vista la dureza de la historia.

En el apartado actoral, sin palabras. Lillo Brancato, desaprovechado para el cine, clava el papel de Calogero tanto que parece hijo de De Niro, y el niño que hace del Calogero más joven (Francis Capra) le da una estupenda réplica. Los mayores están apabullantes, De Niro (que iba a interpretar al gangster pero Palminteri se reservó el papel como condición para ofrecer el guión y participar en la película) es EL PADRE con todas las letras, de todas maneras ya no sorprende otra gran actuación de este genio. Y Chazz Palminteri se come la función cuando sale en pantalla. Se nota que estuvo involucrado en el mundillo por que ofrece un gangster tan realista, tan humano, con un carisma tan grande que cala muy hondo como personaje. Atención también a un delicioso cameo de un gran amigo de De Niro y gran actor.

Buena fotografía (a lo Scorsese) y, sobre todo, una excelente banda sonora, redondean el espectáculo. Atentos a la lista de canciones: Jimmi Hendrix, The Moodly Blues, The Beatles, Frank Sinatra, The Kinks, James Brown… Sin palabras.

Todas las palabras que escriba acerca de esta película no reflejan lo grande que es en realidad. Como epitafio a esta crítica dejo una serie de diálogos del filme que forman parte de mi filosofía de vida ya:

“Sonny y mi padre siempre decían que cuando fuera mayor lo entendería todo, bien, pues asi fue. Aprendí algo de aquellos dos hombres, aprendí a dar y a recibir amor incondicionalmente.

Uno debe aceptar a los demás tal y como son, y aprendí la leccion más importante de todas, no hay cosa más triste en la vida que el talento mal gastado. Las decisiones que uno tome, determinan su futuro para siempre.”

“Era estupendo ser católico y confesarse. Podías empezar desde cero cuando quisieras."

“-Sonny: Coges mi coche y le haces la prueba.

-Calogero: ¿La prueba de Mario?
Sonny: ¿Qué? Mario es un puto lunático. A saber que se le habrá ocurrido. Le harás mi prueba. La prueba de la puerta.
-Calogero: ¿Y cómo se hace?
-Sonny: Pon mucha atención. Paras el coche delante de ella. El seguro de su puerta tiene que estar cerrado. Sales, cierras la puerta con llave y te acercas a ella. La conduces hasta el coche, sacas la llave y dejas que suba. Cuando esté dentro vuelves a cerrar la puerta. Luego vas por detrás y miras por la ventanilla trasera. Si la chica no se mueve para levantar el seguro de tu puerta para que entres olvídala.
-Calogero: ¿Así de sencillo?
-Sonny: Escúchame hijo. Si es incapaz de molestarse en levantar el seguro para que puedas entrar significa que sólo piensa en ella. Y eso no es más que la punta del iceberg. Pasa rápidamente de ella.”

“-Calogero: ¿Y qué hacías todo el día? (en la cárcel)
-Sonny: Allí sólo se pueden hacer tres cosas: levantar pesas, jugar a las cartas o buscar líos.
-Calogero: ¿Qué hacías tú?
-Sonny: ¿Yo? Leer.”

“-Calogero: ¿Es mejor que te teman o que te quieran?
-Sonny: Buena pregunta. Lo mejor sería una mezcla pero eso es difícil, aunque puestos a elegir prefiero que me teman. El miedo dura más tiempo que el amor. Las amistades que se compran no valen nada.”

“El obrero es el autentico tipo duro.”

“¿Te preocupas por Mickey Mantle? A Mickey Mantle le importas un comino.”

Breaking Bad (Serie)

noreply@blogger.com (Ignacio Haragán) — Tue, 20 Mar 2012 22:35:00 +0000

FICHITA TÉCNICA:

CREADOR: Vince Gilligan.
REPARTO: Bryan Cranston, Anna Gunn, Aaron Paul, Rj Mitte, Dean Norris, Betsy Brandt, Bob Odenkirk, Giancarlo Esposito, Jonathan Banks.

AÑO: 2008 - ?
CADENA: AMC

PAÍS: EE.UU.

Inauguramos en Café, Humo y Palomitas la nueva sección de series con una de las mejores series del momento, Breaking Bad. En esta sección haremos una reseña general sobre la serie (como esta) y luego iremos completando con análisis temporada a temporada. De todas formas todo esto será con calma y poquito a poquito, como debe ser.

Cranston y Paul liberándose de la carga de sus roles

Breaking Bad trata sobre la vida de Walter White (Bryan Cranston), un profesor de química de un instituto de secundaria en Alburquerque, Nuevo México. Su vida, ya gris de por si, cobra un sentido más dramático en el momento en el que, en su segundo empleo en un lavadero de coches, se desmaya y tras las pruebas médicas descubre que tiene un cáncer de pulmón cuyo tratamiento no cubre el seguro médico. El protagonista, cuyos problemas de comunicación con su familia son evidentes, oculta a su mujer Skyler (Anna Gunn) y su hijo minúsvalido Walter Jr. (RJ Mitte) su enfermedad.

Todo cambia cuando decide acompañar a su cuñado Hank Schroedder (Dean Norris) a su trabajo: agente de la DEA. En una redada policial en la casa de un fabricante de metanfetamina (o cristal) apodado "Capitán Cook", presencia como su ex-alumno Jesse Pinkman (Aaron Paul) huye de la casa objetivo de la redada, apareciendo así en su mente la idea que cambiará definitivamente su vida: usar sus conocimientos de química para fabricar o cocinar "cristal".

Walter ve en la droga la única fórmula que le permitirá pagar un tratamiento de quimioterapia que, debido al deficiente sistema sanitario estadounidense, solo está al alcance de unos pocos o, si este tratamiento no funciona, al menos dejar a su familia una cierta seguridad económica. Y así, acudiendo a la casa de Pinkman para ofrecerle colaborar con él, es como comienzan las andaduras del que en un futuro se convertiría en un mito entre los narcotraficantes, el apodado como "Heisenberg".

Hoy por hoy una de las series más exitosas de la cadena AMC, Breaking Bad ha cosechado desde su lanzamiento en 2008 una gran cantidad de nominaciones a diversos galardones y ha ganado, por poner un ejemplo, seis Emmy y tres Satellite. De estos premios la mayoría son gracias a las impresionantes actuaciones del plantel, de hecho Bryan Cranston ha ganado el Emmy a mejor actor e serie dramática todos los años desde que comenzó la emisión de la serie por su papel como Walter White, y en 2011 Aaron Paul recibió el de mejor actor secundario.

La complejidad de los personajes es uno de los puntos más fuertes en los que se apoya el éxito de esta serie. El rol protagonista de Walter White es realmente difícil de entender en muchos momentos, una desesperación vital que tumbaría a cualquiera, hacen que esté bailando constantemente no sobre la linea de lo legal, sino de lo moral. Y si esto lo unes a su complicada personalidad, la de un hombre tímido, que tiende a evitar afrontar sus problemas y guardar sus sentimientos para si mismo, dejando a un lado incluso a su esposa, pero a la vez inteligente y calculador, consigues un personaje que solo un gran actor puede defender, y ahí entra Bryan Cranston, la gran revelación de esta serie. ¿Quién podía imaginar que detrás de Hal, el padre (idiota) de la serie Malcom: In the middle se escondía uno de los mejores actores dramáticos de toda la televisión?

Pero como dicen los galardones, la interpretación de Bryan Cranston no es la única buena en la serie, el co-protagonista Aaron Paul, con el papel de Jesse Pinkman también ha conseguido llevar un Emmy a su vitrina. Es realmente este el primer papel importante de Paul, que a sus 29 años (en 2008) tan solo había participado de manera poco relevante en unas cuantas películas, series y videoclips, sin embargo ha respondido bien a la confianza depositada en él y, como se puede ver en la serie, ha crecido mucho como actor, sabiendo hacer evolucionar su actuación con el personaje.

Otra de las características de la serie es que, por motivos extrasensoriales (no), acabas odiando a los personajes "buenos" y amando a los "malos". El entorno familiar de Walter resulta bastante odioso, siendo personas en el bando "bueno", que viven dentro de la legalidad y la honradez, sin embargo cuanto más aparece Skyler, la esposa de Walter, más la aborreces, por no hablar de su hermana Marie y su marido Hank, aunque a éste último se le coge cierto cariño en algunos momentos (además de estar fantásticamente interpretado). Pero de nuevo hay que hablar de la complejidad de los personajes, no hay persona totalemente buena en Breaking Bad, ni todo lo contrario.

Por el otro lado nos encontramos con los "malos", gente corrupta y fuera de la ley a la que, sin embargo, se le coge un tremendo cariño. Empezando por el primero que aparece, el abogado chanchullero Saul Goodman interpretado por Bob Odenkirk, personaje televisivo mucho más conocido en EE.UU. que en España. Goodman es el prototipo de abogado hortera que se anuncia por televisión y que conoce tanto el modus operandi de la justicia como de los criminales, amparándose en el secreto abogado-cliente para ayudar a criminales en sus actividades, pero a la hora de la verdad, solo puedes desear que le vaya bien.

Así que ya sabéis "Better Call Saul!" http://www.bettercallsaul.com/

Giancarlo Espósito en Do the right thing (1989)

Y el siguiente "malo" encantador que conoceremos será Gustavo Fring, al que da vida Giancarlo Espósito (además de su fiel Mike). Gus, como le conoceremos, sin querer hacer spoiler, pero es uno de esos personajes carismáticos y controvertidos, que sabe manejar su imperio sin dañar su imagen pública de buen samaritano. La interpretación es otra vez ideal para el personaje planteado, Esposito da vida con elegancia al criminal educado, siempre guardando las formas pero controlando su negocio sin piedad. Pero no, no estamos ante un actor sin un pasado conocido como Aaron Paul, Esposito se ganó su fama a finales de los 80 y principios de los 90, sobretodo de la mano del director Spike Lee, actuando en varias películas suyas, como de la que se ha extraído el fotograma que acompaña este párrafo.

Y básicamente esto es todo sobre Breaking Bad, si buscáis una serie consistente, un drama cargado de humor negro y totalmente alejado del típico maniqueísmo que rezuman las producciónes holywoodienses, es totalmente recomendable empezar a verla ya, que hay muchas temporadas a muchos capítulos y cada capítulo dura cerca de los tres cuartos de hora. ¡No hay tiempo que perder!

Barrio

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 11 Mar 2012 17:35:00 +0000

“…qué más da, si al final me sale todo, siempre bien, del revés…”

Así rezaba uno de los himnos del rock español de los años 90, en concreto el tema Jesucristo García de los Extremoduro que forma parte de la banda sonora de esta película tan familiar como cruda, donde los que vivimos de pequeños en un barrio obrero de Madrid nos sentimos identificados con las vidas de nuestros protagonistas.

Barrio es el segundo largo de Fernando León de Aranoa, y el preludio de su gran obra que es la maravillosa “Los lunes al sol”. Después de la genial carta de presentación que dejó con Familia (1996), Aranoa cambia los ambientes teatrales y cómicos por el barrio de San Blas y la vida que desprenden los bloques del conocido barrio madrileño. Nada más comenzar se nos presenta a tres chavales: Manu, Javi y Rai, y sus familias. La España del momento vivía un momento de auge y europeización que las familias de los protagonistas no veían, como muchas en esos barrios. La discusión en la mesa de Javi acerca de irse de vacaciones es un reflejo de las dos Españas del momento, y no hablo de política, si no de gente que no podía permitirse la vida que, según los medios, tenían la mayoría de familias españolas.

En este contexto Manu, Javi y Rai, a falta de comunicaciones con el centro de Madrid, pasan los días en el barrio, pateándose las calles y buscando maneras de escapar de la realidad. La falta de dinero apremia la necesidad de buscarse un trabajo o la vida para conseguir dinero. Parece duro pero así es la vida de estos tres adolescentes que también viven con las preocupaciones de estos, la curiosidad por las chicas, el atractivo de lo delictivo y el peligro… creo que todos hemos vivido esa etapa. Y así transcurre la historia, entre calles y descampados, con el sol de justicia que cubre Madrid en los meses de verano y la vida de los bloques de viviendas sociales de San Blas.

Aranoa filma la película con el conocimiento de su historia, con el tono de humor adecuado para que no dejemos de pensar lo dura que es la vida en este Barrio y con el pulso de un director que aquí apuntaba maneras y en su siguiente filme ganaría el Goya, pero esa es otra historia aunque tan dura como esta sin duda. Los actores están genial, si no son naturales de San Blas lo parecen, Críspulo Cabezas, Eloy Yebra y Timi están geniales, divertidos y te sientes identificado con ellos en muchas ocasiones. El cartel de secundarios es perfecto, Enrique Villén, Francisco Algora y Alicia Sánchez están perfectos como los padres que cargan en sus hombros todas las dificultades de la vida. Marieta Orozco está genial como la hermana de Javi, ella es parte esencial de la película ya que es el reclamo que hace que los protagonistas empiecen a interesarse por las chicas y todo lo que ello conlleva. También podemos ver caras conocidas de nuestro cine y televisión como Daniel Guzmán o Chete Lera.

La luz del Madrid veraniego guía la fotografía de la película. La banda sonora es perfecta, todos los temas tienen aroma de Barrio, como el rap de 7n7c o el rock urbano de Extremoduro, Hechos contra el decoro o Habeas Corpus.

Sencilla, nostálgica, triste, dura, divertida, te tiene con una sonrisa en la boca tan pronto como te pone una lágrima en la mejilla. Sin duda es una película de Barrio, no de San Blas, ni de sus protagonistas, de todos los barrios.

TE GUSTARÁ SI: Te gusta el cine real, has pasado tu adolescencia en el Barrio pateando las calles o simplemente te gustan las películas que cuentan una historia sin necesidad de acción ni efectos especiales.

NO TE GUSTARÁ SI: Esperas que Barrio sea (la genial por cierto) Una historia del Bronx, aquí no hay gangsters con traje y peleas de bandas a lo Capone, esto es Madrid, quizás no sea tan espectacular, pero también es duro.

NUESTRA NOTA: (sobre 10)

Santi Mazarro 7,0

Andrés Moraleda 7,0

Ignacio Haragán

Marcos Cuevas

Chronicle

noreply@blogger.com (Santi Mazarro) — Sat, 10 Mar 2012 23:32:00 +0000

Uno grupo chicos de instituto decide ponerse a explorar un bosque en medio de una fiesta rave. Allí encuentran una cueva extraña y sospechosa. Tranquilos, no es un episodio de El Internado, es el comienzo de esta nueva y original reinvención del género de superheroes.

En realidad odio la palabra superheroes para definir esta película porque puede llevar a enormes equívocos, si se os ocurre una palabra mejor para definir el género cinematográfico en que personas corrientes obtienen poderes sobrenaturales que les convierten en seres superiores, hacedmelo saber.

Lo que encuentran en la cueva, les dotará de poderes inimaginables. Ahora bien, ¿Qué es lo que harías si tuvieses 18 años y descubrieses que tienes el poder de mover los objetos o controlar las cosas que te rodean? Seguramente tu primera decisión no sería la de ponerte una ridícula capa sobre un pijama y salvar al mundo del mal. He ahí la cuestión. La combinación de unos jóvenes personajes bien interpretados por completos desconocidos con el uso de cámara-testigo (cámara en mano y primera persona) es lo que hace de esta película una pequeña joya de la verosimilitud dentro del género.

Chronicle me ha sorprendido gratamente. La frescura con la que está dirigida, lo novedoso de su guión y lo atrevida y verosímil que resulta hacen que se convierta en un divertimento palomitero inteligente y admirable.

Como carta de presentación no podía ser mejor para su director Josh Trank (primera cosa que dirige en toda su vida) y para el guionista Max Landis (de lo primero que escribe). Sin duda la industria empezará a fijarse en ellos a partir de ahora. Y yo también, jijiji.

Acabo con una mala noticia, el éxito que esta producción de bajo coste está teniendo en la taquilla, ha motivado a los señores de la 20thFOX a bañar en dinero a sus creadores para que rueden la segunda parte. Probablemente, se la cargarán como ya pasó con otros tantos taquillazos de nivel que se convirtieron en franquicias chapuceras; me vienen a la mente Matrix, Shrek o Piratas del Caribe.

Four Lions

noreply@blogger.com (Ignacio Haragán) — Mon, 30 Jan 2012 22:24:00 +0000

Pues ponte en la situación de que estás un día aburrido en tu casa, hablas con un amigo y le dices: "Tú (a los amigos siempre hay que tratarlos de tú), me aburro, dime algo entretenido para ver." Y siguiendo con la situación, tu amigo te recomienda Four Lions, que desconoces totalmente, pero le haces caso, sin saber nada más sobre la peli en cuestión. Y tras el visionado solo puedes hacer una cosa: casarte con ese amigo (no lo digo yo, es la Ley de Dios).

La comedia que hará que, sin comerlo ni beberlo, te encuentres unido en matrimonio a una persona con la que probablemente no tendrías sexo ni cobrando se llama Four Lions. Trata sobre una célula terrorista islámica que trata de actuar en el Reino Unido, con tronchantes consecuencias.

Esta película supone el debut de Chris Morris como director, una apuesta arriesgada teniendo en cuenta la sensibilidad de la gente con todo lo relacionado con el terrorismo. Sin embargo consigue, con el humor, alejarse de cualquier postura que pudiese ser considerada ofensiva, tanto desde occidente por "acercar el terrorismo", como desde oriente por hacer una caricatura xenófoba de los musulmanes. Simplemente hace reir, mucho.

A lo largo de estos 94 minutos tendremos la oportunidad de llorar de risa con lo grotesco de unos personajes, correctamente interpretados por unos actores bastante desconocidos, que son dibujados como la típica banda de película, con un cerebro sensato rodeado de auténticos idiotas. Además el largo está cargado de golpes buenísimos, sin llegar a hacerse cansinos, bastante absurdos pero con alguna pincelada de humor negro. Nos encontraremos con muchas situaciones inevitablemente graciosas, como, por ejemplo, los desternillantes videos amenazantes de los terroristas y más, mucho más.

"I'm taking pictures in muyahid' style"

A los consumidores de cannabis os advierto que la encanada puede ser seria, es recomendable fumar con moderación, o administrarse la peli en dosis pequeñitas.

TE GUSTARÁ SI: Te gustan pelis de humor del estilo de los Monty Python (salvando las distancias).

NO TE GUSTARÁ SI: No aguantas el humor absurdo.

NUESTRA NOTA: (sobre 10)

Santi Mazarro 6,5
Andrés Moraleda
Ignacio Haragán 7,5
Marcos Cuevas