CAIO ARAUJO

Monografia, sua linda

2011-06-10T22:16:00.001-03:00

Monografar é uma arte, ou não.

A jornada de um estudante é sempre dura e cheia de escolhas. Quando se escolhe fazer jornalismo, a opção é masoquista. Sofrimento, agitação e adrenalina são apenas alguns dos atributos dos comunicólogos. Faltam salários, falta mercado, falta, inclusive, qualidade de vida. O que não falta é ação.

Monografias são a última cruzada, é o naufrágio do Titanic, é o que separa heróis de simples mortais (tá, estou poetizando demais). A verdade é que pesquisar o tema que você mais gosta, no meu caso, Martin Scorsese, se torna uma experiência única.

Mesmo sem ter formação em cinema, as incontáveis referências de linguagem, de direção e atuação me levam a crer que uma produção cinematográfica é muito mais do que pensamos. Analisar, em segunda instância, a parceria entre Scorsese e De Niro, foi um prazer imensurável. Afirmo, sem sombra de dúvidas, que faria tudo novamente se fosse possível.

Hitchcock vai ao banheiro

2011-03-19T22:33:00.001-03:00

O público de Alfred não podia passar por "aperto", para isso os momentos de tensão e direção eram sempre cadenciados, montados respeitando as necessidades fisiológicas do espectador.

Todos ficam tão vidrados em seus filmes que o aperto na bexiga, pernas cruzadas, corpo retraído nunca são sentidos. Preste atenção nisso. Alfred Hitchcock respeita a biologia do ser humano, faz com que se preocupem apenas com a ação. Como disse o diretor:

um filme deve durar até quando seu público tenha necessidade de ir ao banheiro.

E o que motiva uns e outros a fazerem o número um? Cachoeiras? Suspense? Cenas entediantes? Isso apenas o mestre do suspense poderia responder. Fato é que mortes são sublimes, mães são bizarras e filhos funcionam como álibi forjado.

O mítico ingês da trilha sonora irreverente, se tornou referência por cortar com uma simples, porém sincronizada, aproximação de câmera, sempre vigiando a vida de bailarinas, donas de casa e assassinos.

O revelador da Princesa de Mônaco, gordo e beberrão deixou sua marca na evolução e desenvolvimento da técnica cinematográfica. Contudo, o que mais me encanta são suas rápidas aparições em seus filmes.

Encontros e desencontros

2011-03-11T12:34:00.000-03:00

Sofia Coppola carregava, desde O Poderoso Chefão – Parte III, a estigma de ter sido colocada no mercado pelo pai. Só 14 anos depois, em 2004, ela provou que também tem talento. Obviamente não é tão diretora quanto o pai, mas como roteirista é bastante competente. E tudo, tudo mesmo, começa com uma boa história. Só lembrando, Encontros e Desencontros ganhou o Oscar de Melhor Roteiro Original. Nisso, com certeza, os Coppola são inquestionáveis.

E puxando um pouco o viés do cinema barato da semana passada a idéia do filme dessa semana também não é nada cara. Claro que a Sofia filmou em Tóquio, com Bill Murray e Scarlett Johansson no elenco, mas criar uma história de amor, amizade, ou seja lá o que for (veja o filme e descubra) é bem filmável. Com bons atores, é claro. Ter um Bil Murray interpretando desafinadamente More Than This, de Bryan Ferry é, simplesmente, humano. Idiota, mostrando ataques de felicidade meio irreais, mas é legal de se ver. E Scarlett também, sem comentários, os dois seguram os diálogos de forma cômica, mas sutil. São só duas pessoas de saco cheio que veem um no outro uma chance de escapar do mundo real.

Mas chega de falar do filme, tô contando a história demais.

Por fim, gostei da trilha sonora, às vezes imperceptível, que parece fundir-se ao filme. A fotografia colabora muito com isso também. Provando que um bom trabalho do diretor de fotografia não tem que ser feito em campos verdejantes, com um por-do-Sol maravilhoso. Prédios, neons e jardins bastam para dar cor ao filme.

Obviamente não é um primor de filme. Mas é daí? Todo filme tem que ser uma obra de arte? Cinema também é entretenimento e histórias bem contadas. Às vezes isso basta.

Reservoir Dogs

2011-02-21T20:28:00.000-03:00

Não espere uma obra bem trabalhada, com fotografia sutil, trilha sonora orquestrada. Escolhi um dos meus filmes favoritos. Que é bastante violento, sangrento e inspirador.

“Cães de Aluguel” (Reservoir Dogs) é o primeiro longametragem dirigido pelo Quentin Tarantino (sim, é dirigido mesmo, muita gente diz que ele só escreveu e produziu, mas ele mandou no negócio também), lançado em 1992. Conta a história de seis ladrões profissionais que não se conhecem e são escalados para assaltar uma joalheria. Mas, como em todo filme que se preze, alguma coisa sai errado.

O destaque do filme é o roteiro, do próprio Tarantino, que ja apresenta aqueles diálogos que fogem do cerne da trama, mas humanizam os personagens. Quem não gosta do papo da maionese nas fritas de Pulp Fiction (vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes), hã? Não viram? Aluguem, comprem ou procurem no youtube. Porque Tarantino não é só Kill Bill.

Outro aspecto que torna o filme inspirador, principalmente para quem quer começar a filmar é perceber o quão barato um filme pode ser. Um longa com 13 mil dólares? Ele mesmo quem disse, tá no DVD.

Eu nem tentei vender “Cães de Aluguel”. Mas eu poderia fazer “Cães de Aluguel” em 16mm com US$ 13 mil. Eu poderia fazer meu filme. Eu não precisava fazer concessões. Se me dessem um milhão, legal, mas eu podia fazer com US$ 13 mil em 16mm. Seria em uma garagem, mas tudo bem.

Certamente, após a entrada de Harvey Keitey (de Mean Streets e Thelma & Louise), muita grana entrou, mas a idéia inicial prova que filmar não é tão caro como se pensa. Se você acha que tem talento, siga em frente.

Definitivamente, e mesmo pela característica do filme, não há nenhum trabalho memorável de fotografia (ou será que há e você não consegue perceber?), nem de maquiagem, mas nada que deixe a desejar. O que eu gosto, no entanto, é a trilha sonora. Os Hits dos anos 70 transformaram uma trama urbana de um bando de ladrões em um clássico. Não se sabe de quê exatamente, comédia, policial, mas ainda assim um clássico.

A Bravura dos Coen

2011-02-13T20:14:00.004-02:00

Como já postei em textos anteriores, todo filme deve ter um atrativo principal, senão acaba se tornando uma miscelânea de informações sem sentido. Joel e Ethan Coen certamente sabem disso e mostraram muito bem em Bravura Indômita. Não farei aqui uma comparação ou análise baseada no Bravura Indômita original, de 1969, com John Wayne, Glen Campbell e Kim Darby. Mas o remake tem incontáveis méritos.

Mattie Ross (Hailee Steinfeld) tem 14 anos e viu o pai ser assassinado pelo seu empregado Tom Chaney (Josh Brolin). Para se vingar do crime, Ross contrata o oficial federal Rooster Cogburn (Jeff Bridges). Ambos, com o auxílio questionável do Texas Ranger LaBoeuf (Matt Damon), desbravam território indígena com um punhado de dólares no chapéu, atrás de pistas que não existem.

Bridges está perfeito no papel de Cogburn. Ele consegue transitar com facilidade nas diferentes nuances do caçador de recompensas. É um criminoso beberrão, espirituoso e hábil. Todas essas características são brilhantemente inseridas no personagem sem forçar a narrativa. Damon também merece destaque pelo seu personagem verborrágico, mas é Steinfeld quem conduz a trama, tornando-a impecável.

O talento dos irmãos Coen Sempre foi muito questionado pelos seus filmes de finais, no mínimo, estranhos. O que me leva a pensar que esse remake foi o melhor trabalho dos diretores é o fato de que eles não tiveram o trabalho de desenvolver uma história completa, a narrativa já estava pronta. Puderam aprimorar muito mais os elementos que seus filmes têm de melhor, a fotografia, som, direção e edição.

A fotografia de Roger Deakins é esplendorosa. A silhueta de Cogburn e Ross cavalgando em disparada acompanhados apenas pelo céu estrelado emociona e faz com que se crie tal sinergia entre o espectador e o filme que muitos filmes em 3D não conseguiriam alcançar. Toda a cenografia participa essencialmente desse desenho das cenas. Figurino, direção de arte e montagem são impecáveis.

O grande mérito dos Coen é trazer, com eficácia, o Western de volta. Eles não forçam o espectador a ir ao cinema esperando um filme de arte. Contudo, apresentam um trabalho de apuro técnico incontestável e personagens complexos, sem fugir do velho clichê de heróis e bandidos, sempre presentes nas películas sobre o velho oeste.

Labirintos

2011-02-12T20:18:00.004-02:00

Christopher Nolan, are you watching closely? Já vi seus protagonistas viúvos, com amnésia, cheios de manias. Seus personagens sempre foram marcantes e com fortes vínculos no passado. Duvido muito que Leonard Shelby abdicaria do trono de protagonista pelo bem da humanidade. Confesso que você me confundiu várias vezes. Fez mágica, colocou Einstein à prova e mudou o rumo do tempo, mostrou várias vezes a verdade, que seus espectadores teimam em esquecer. Admiro sua dinâmica. Tive noites insones tentando desvendar seus truques, seus cortes, sua direção.

Contudo, Nolan, seus devaneios sempre se embasaram em elementos simples. Foi você mesmo quem disse que implantar uma idéia em um subconsciente é um processo muito complexo, portanto, a idéia deve ser simples. Por exemplo: é fácil perceber a duplicidade no alterego Wayne/Batman, ou na dupla inseto/algoz de Doodlebug. Você não conseguiu se aproveitar tão bem assim da subjetividade em A Origem, tanto que nem o detetive Will Dormer saberia distinguir o que é fato e que é mera invenção do seu subconsciente.

Don Cobb (Leonardo DiCaprio) é um ladrão, especialista em invadir sonhos e extrair segredos dos indivíduos. Procurado em vários países, ele vê uma chance de voltar para casa, basta realizar uma última missão: implantar uma idéia na mente do empresário Robert Fisher (Cillian Murphy). Porém, o subconsciente de Cobb é inconstante e a memória de sua esposa, Mal (Marion Cotillard) podem comprometer as mentes de todos os envolvidos.

Christopher Nolan é um dos grandes diretores modernos, e seus filmes sempre apresentam inovações tecnológicas e de filmagem. Todavia, O Grande Truque e A Origem pareceram produções intermediárias frente a seus demais trabalhos, projetos-teste para a franquia do Batman. O texto de Nolan, contudo, abrange uma temática muito complexa, com tanta profundidade que parece ter ele mesmo se perdido no limbo. O roteiro apresenta uma história espetacular, que sempre busquei nos filmes, mas faltou complexidade no psicológico de cada personagem.

Os labirintos desenvolvidos pelos arquitetos, como é o caso de Ariadne (Ellen Page) são tão complexos e gigantescos que perdem, até mesmo, aquela percepção mais simples e sombria dos sonhos. A direção de arte se preocupou tanto nos elementos visuais, que ignorou a composição psicológica e a participação de elementos do subconsciente dos demais personagens. Mal é o único ser que interfere na história, será que nenhum outro personagem tem medos, preocupações e monstros em seus sonhos? Nolan perde tempo explicando e trafegando entre os diferentes níveis de sonhos e não desenvolve motivações concretas, tornando as relações emotivas fracas e forçadas pela dinâmica do filme.

O dinamismo que sempre elogiei no trabalho do diretor não poderia ser utilizado dessa maneira em A Origem, a narrativa precisava de mais tempo para ser desenvolvida. Talvez se a história começasse com o relacionamento entre Cobb e Mal, seria mais interessante, permitiria o suspense e reviravoltas na trama, além de uma atuação mais emocional. As locações deveriam ter sido melhor apresentadas, o espectador não tem que se sentir preso em um labirinto. As relações são dicotômicas, todas as necessidades e ferramentas funcionam quase perfeitamente em contraponto com a instabilidade dos sonhos. A relação e separação do subconsciente é muito clara, atém mesmo entre os viajantes menos experientes.

A trilha de Hans Zimmer é brilhante, colabora na relação tempo-espaço, o melhor elemento do filme. Os efeitos são multo bem aplicados nessa relação. Toda a parte técnica do filme é impressionante.

Nolan parece ter tentado mostrar os sonhos como eles são, mas primou pela perfeição, e se perdeu no meio de tanta complexidade.

Acesso ao futuro

2011-02-09T10:52:00.001-02:00

Desde os primórdios do cinema, os grandes diretores tentaram reconstruir a realidade e vislumbrar o futuro. Foi assim com Stanley Kubrick em 2001 – Uma Odisséia no Espaço, em 1968. Ridley Scott, em 1982, fez Blade Runner. Os Irmãos Wachowski dirigiram Matrix, em 1999. No entanto, primazia mesmo, só Steven Spielberg alcança. O cineasta busca a perfeição tanto na direção quanto na pesquisa. Em 2002 ele retratou o futuro com fidelidade nunca antes vista, em Minority Report.

A revolução na forma de estruturação da informação é discutida desde os anos 1920, quando os jornais foram sentenciados á morte. O rádio seria o algoz. Não foi. O impresso foi sobrevivendo, se transformando, se adequando. Suportou a televisão, a internet, mas não passará ileso pelos tablets.

É verdade que o Kindle não assustou. Inicialmente é apenas mais uma forma de leitura. Foi até bom para os novos escritores, que puderam publicar por editoras independentes. Com a eliminação das fronteiras e os custos reduzidos, o acesso às obras ficou mais fácil, eliminou intermediários. Por outro lado, o iPad revolucionou tanto que causou uma reestruturação editorial e forçou as empresas a cederem altas cotas de seus rendimentos à Apple. Quem não tiver aplicativos ou migrar para o e-readers está fadado ao fracasso, sim. Seja agora ou daqui a alguns anos.

O futuro é agora e “quem tiver de sapato não sobra”. Veja o exemplo do Flipboard, uma “revista social”, que integra notícias aos materiais dos sites de relacionamento. O preço? Sua privacidade. Perceba que a empresa tem acesso a sua lista de contatos, interesses e amigos.

Oops! Is Sparrow back again?

2011-02-08T10:11:00.001-02:00

A vida de cinéfilo é complicada. Ir duas vezes por semana aos cinemas dos shoppings não custa menos que cinquenta reais, levando em conta as bobagens da bomboniere, deslocamento e entrada. E o que os produtores fazem com seu dinheiro? Embolsam e te devolvem um casal de atores bonitos e famosos e um roteiro sem criatividade. Assim é O Turista.

O maior desafio ao assistir o filme em questão é captar de qual gênero ele pertence. Florian Henckel von Donnersmarck (de A Vida dos Outros) usa drágeas de vários clichês do cinema de Hollywood para tentar construir uma história. Contudo, a narrativa preguiçosa de seu romance-comédia-policial não chega a lugar nenhum.

O que mais espanta é que esse "trabalho" é um remake do francês Anthony Zimmer - A Caçada. É realmente muito complicado aprimorar um roteiro, mesmo que com uma história batida, e fazer Angelina Jolie e Johnny Depp trabalharem? O que vi em O Turista é uma falsa inglesa que se deixa enganar pelo primeiro Don Juan que aparece. No caso, uma versão do Jack Sparrow, repaginado para o século XXI. A química entre o par romântico é risível e as cenas de ação... Oops... não existem cenas de ação. O que vi foi um assassinato com fita métrica e uma pseudo fuga de lanchas pelas ruas de Veneza.

Veneza sequer pôde ser apreciada pelos espectadores. Os closes valorizaram Jolie e Depp em detrimento da cidade. Seria mais viável produzir esse roteiro em Los Angeles, cortaria gastos e incompatibilidade de agendas. Certamente, O Turista é um sucesso de público, mas se a trama fosse tratada com mais carinho, poderia até merecer as indicações que recebeu ao Globo de Ouro.

Torçamos para que o Jack Sparrow funcione no quarto filme da franquia Piratas do Caribe e que a nova parceria Depp/Burton seja um retorno aos áureos tempos de Edward Mãos de Tesoura.

Filmes que (ainda) não vi - 127 horas

2011-02-07T11:15:00.002-02:00

Sinto a pedra reagindo ao meu peso e escorregando. Na hora percebo o perigo e, por instinto, me solto do pedregulho móvel e caio de pé no chão do cânion. Olho para cima e vejo a pedra engolir o céu. O medo me faz cobrir o rosto com as mãos. Não dá para me afastar ou eu caio de um pequeno barranco. Os três segundos seguintes passam em câmera lenta. A pedra cadente bate em meu braço esquerdo contra o paredão sul. Puxo esse mesmo braço quando a rocha ricocheteia no espaço confinado. Ela então esmigalha minha mão direita, que estava com o polegar para cima e os dedos estendidos. A rocha escorrega mais uns 30 centímetros, rebocando meu braço com ela, arrancando a pele. Então, silêncio.

Trecho do livro Between a Rock and a Hard Place, de Aron Ralston.

Todo espectador demanda uma motivação para ir ao cinema. Dinheiro investido, apreço por um diretor ou artista, interesse geral pela sétima arte. Meu catalisador cinematográfico é a pesquisa. Todo filme que me estimule a pesquisar o tema e os assuntos relacionados ganham a minha atenção. É por isso que me obrigo a assistir 127 horas no decorrer da semana.

O único elemento que aprecio no trabalho de Danny Boyle é sua edição frenética, não percebo bem onde o diretor deixa suas marcas nos filmes. Também não sou fã de James Franco, contudo, a história de Aron Ralston tem apelo de público. Não suponho isso pela "vontade de viver" destacada no trailer, e sim pela claustrofobia e realismo que a história promete.

O lago dos cisnes

2011-02-06T02:00:00.000-02:00

Cisne Negro é mais um trabalho de primor técnico do diretor americano Darren Aronofsky (π e Réquiem para um sonho). O nível arrasador de fragmentação do psicológico da personagem Nina (Natalie Portman), motivada pela insensata busca por movimentos perfeitos na remontagem de "O Lago dos Cisnes", é aumentada pelo excesso de proteção de sua mãe (Barbara Hershey), reprovação do diretor do espetáculo (Vincent Cassel) e inveja do estilo arredio de dançar de Lily (Mila Kunis).

A trama é visceral, agressiva. O recato e desempenho de dança de Nina são bombardeados por critícas e incitações ao sexo, ponto de partida para todo o suspense do filme. O roteiro transforma o espectador em ser passivo, que não espera nada da história. O resultado é a surpresa. Cada cena é, na verdade, o Lago dos Cisnes recriado por Aronofsky, um trabalho agressivo, que dependeu muito da entrega de uma artista a um personagem. O diretor criou uma metalinguagem. Portman e Nina representam a introjeção da obra no artista.

Todos os elementos de cena corroboram para a criação de um ambiente familiar, porém agressivo. Direção de arte e figurino lidaram bem com esse clima dúbio de Cisne Negro, colocando em cena sempre poucas cores e, de preferência o preto e o branco. Os efeitos especiais são inseridos pontualmente, no entanto, são primordiais. Percebe-se aqui que, às vezes, jogos de espelho são mais eficazes que inserções digitais.

A direção, fotografia e edição são destaques. As cenas filmadas com a câmera na mão ou em trilhos mostram técnicas inerentes a uma nova geração de diretores. Sem esses elementos, seria impossível criar a degeneração e o estado de pânico de Nina. Todos os planos e iluminação se entrelaçam, intercalando ações que representam características destoantes das personagens sem tornar o filme cansativo ou confuso.

Contudo, o maior mérito da película é, sem dúvida, a atuação de Natalie Portman. Quem assistir ao Cisne Negro certamente imaginará que a atriz deve ter passado pelo mesmo sofrimento e dor na construção de Nina. Aronofsky consegue extrair o melhor de Portman, seu ímpeto, sua coragem e seu amor são críveis e é impossível não perceber a identificação atriz/personagem.

O baixo orçamento do filme (US$ 13 milhões) não é, sob nenhuma circunstância, um limitador para sua qualidade. Todos os louros, prêmios e indicações são muito merecidos.

Os problemas que o Egito pode causar

2011-02-03T13:47:00.001-02:00

Democracia (do grego dêmos 'povo' + kratía 'força, poder').

Pode parecer hipocrisia um jornalista questionar a democracia. Obviamente, minha contestação ao impedimento de acesso à informação e livre uso da web fica registrada. Não sou daqueles que amam os judeus, mas a crise do Egito, embora tenha caráter democrático e a busca por um novo modelo de governo, uma revolução no Oriente Médio pode reforçar o espírito antissemitista na região e retomar o espírito de revolta quanto à implantação do estado israelense. Lembrando que Egito e Israel são grandes aliados dos Estados Unidos.

Fato que um governo de trinta anos pode ter seus preceitos democráticos questionados. A transição pacífica de governo, vista como inevitável por Barack Obama, é a resposta de um democrata clássico, preocupado demais com a política interna deixando de lado a política externa. Uma ação efetiva do líder norteamericano evitaria litígios futuros em uma região importante, porém instável. Seus aliados estratégicos podem ceder a movimentos populares ou se sentir ameaçados por outras nações e retaliar. No Egito, cinco pessoas morreram e quase 900 ficaram feridas.

Economicamente, o petróleo - sempre um problema - atingiu a maior alta dos últimos anos e será uma ferramente bastante utilizada para negociações em 2011.

Corra Lola, Corra

2011-01-31T23:00:00.000-02:00

Lola (Franka Potente) tem vinte minutos para providenciar cem mil marcos ao namorado Manni (Moritz Bleibtreu) antes que traficantes o encontrem ou que ele tente providenciar o dinheiro por outros meios ilícitos.

O diretor Tom Tykwer conta trêz vezes a mesma história, exceto por detalhes sutis, que transformam a vida de todas as pessoas. A narrativa é simples, e a repetição das cenas é uma alternativa interessante para a redução do orçamento, embora haja o risco de que a solução seja adotada para evitar complicações de um roteiro melhor desenvolvido.

Esse é o segundo post seguido em que trato sobre a Teoria do Caos. Afirmo que os filmes são escolhidos aleatoriamente e, "coincidentemente", coube a mim analisar Corra Lola, Corra.

O filme parte do princípio que uma produção de qualidade não precisa ser cada. É uma premissa interessante, visto que incentiva muitos cinéfilos a produzirem independentemente. Contudo, apenas isso não basta. Tykwer começa seu trabalho com questionamentos filosóficos aparentemente sem sentido, retrata diferentes personalidades através de fotografias e valoriza, em segundos, personagens aparentemente sem importância.

Diferentes pontos de vista são apresentados não somento no roteiro, como também na direção e edição. Os planos criativos e as animações dinamizam o filme, do qual não se pode exigir muito, mas que não teria o sucesso estrondoso e as premiações caso fosse necessário um desenvolvimento maior da história.

Orgulho universitário

2011-01-29T23:48:00.000-02:00

Há quem diga que na faculdade vivem-se as experiências mais extremas de sua vida. Isso é a maior mentira que você deve ouvir depois da história dos bebês trazidos pelas cegonhas. A verdade é que as alegrias da vida universitária são baseadas nos pequenos momentos de introjeção da carreira - jornalística, no meu caso.

O áudio que segue abaixo é um orgulho. Óbvio que tem muitas falhas, mas foi um trabalho feito, da cabeça aos pés, pelos estudantes citados nos créditos. Toda a edição, roteiro, produção foram arduamente desenvolvidos em prol do jornalismo.

Trata-se de um retrato da censura à música durante o Regime Militar no Brasil. Toda a trilha sonora é linkada ao que está sendo dito e o conteúdo, mesmo que documental, não ficou nada enfadonho. Aprecie o documentário Censurados - A censura musical no Brasil.

Sangue no cotidiano

2011-01-19T22:45:00.000-02:00

Pedaços de corpos espalhados pela rodovia, miseráveis moribundos à mostra na telinha. A mãe abortou e sangrou até morrer. O traficante matou a família e foi ao cinema. E o repórter, corajoso, viu tudo. A câmera? Estava o mais próximo possível. O sangue agora é notícia!

O jornalismo espetacularizador, também conhecido como A Imprensa Marrom, dá tons cinematográficos à realidade humana. Tem formato variável, de acordo com os interesses de seu público. Pode ser repressor, como um juiz da Suprema Corte, ou contraventor, como um louco despudorado.

Presentes desde os primórdios jornalísticos, as histórias fantásticas, com temas de impacto, carregam consigo um fator emocional. Reduzem o caráter informativo das notícias, trocando-o por uma imagem vendável, atingindo da única forma possível um público que tem contato direto com toda sorte de sofrimento. Há de se fazer chocar, a reputação dos veículos sensacionalistas depende disso.

Os profissionais estão mais próximos do povo, mas não possuem a abstração necessária à profissão. Personificam por demais as vítimas das tragédias. Os ícones criados apresentam tom de discurso maquiavélico, diria até que seriam inquisidores a serviço dos pobres.

A grande massa trabalhadora urbana, que pouco colabora para o nosso PIB, vê seu medo cotidiano nas notícias de pobreza, sexo, drogas, e morte. A vitimização escancarada em uma TV ou num papel de jornal é suficiente para que os receptores da mensagem absorvam suas opiniões. Isso tira deles a capacidade de crítica e analise de fatos.

A violência é cada vez mais normal, mortes já viraram estatísticas. No mínimo, essa forma contestada de jornalismo torna mais humana a relação pessoa-notícia. Elas nos impressionam e impedem-nos de tratar o pesar humano com tamanho distanciamento. Trazem a realidade, que só está lá porque buscam outros números: os da audiência.

Entrevista: Raquel Camargo

2011-01-18T22:57:00.001-02:00

Começando pela jornalista e mestranda em Estudos de Linguagem, Raquel Camargo. Por que a escolhi? Porque já foi uma fonte em um trabalho da faculdade, porque seu Twitter é uma referência entre os interessados em mídias sociais, e porque seus blogs (principalmente o Raquel Camargo e o Twitter Brasil) são excelentes. Confira.

O Twitter parece uma fonte inesgotável de pautas, certo? Quais os critérios usados por você para verificar se um Trending Topic é confiável ou se é só especulação?

Um Trending Topic é sempre um Trending Topic. O que o deixa em destaque é a quantidade de citações daquele mesmo termo, portanto não existe possibilidade de saber se ele tem credibilidade ou não. Cabe cuidado na hora de apurar o que aconteceu para tal termo estar ali, tão frequentemente usado. Aí é necessário usar tudo o que for possível para uma apuração segura.

Em todos os blogs que tive, o maior desafio não é ser visitado e sim, ser comentado. Há um segredo para fazer com que os visitantes percam essa timidez em opinar?

Não sei, se tem eu realmente não sei. Esse tipo de interação pressupõe diversos fatores, como o tipo de leitor e o tipo de conteúdo que ele está a ler, o momento em que o leitor está ali acessando, dentre outros.

É possível fazer uma análise da linguagem em 140 caracteres? O twitter parece representar um salto na comunicação, mas e na linguagem?

O que costuma ser observado ali são adaptações (gramaticais, de conteúdo, etc) para atender as limitações de caracteres. Isso não é um salto, é apenas o processo natural de adaptação. Acontece em outros suportes também, por exemplo, na área de classificados de jornais, que têm míseros caracteres para anúncios, e para ter mais informação usam-se as mensagens abreviadas.

O 2º ETC-BH discutiu bem isso, não é? Quão árdua é a tarefa de fazer com que seus seguidores usem redes sociais literárias? É fácil fazer com que saiam da frente do Orkut, Twitter, Facebook e vão ler um livro?

Eu nunca obrigaria alguém a sair da internet para ler um livro. É um processo voluntário. Mas não sei falar sobre isso com propriedade, pois nunca vivi tal situação.

Já bloquearam seu blog uma vez em uma confusão com o twitter.com, certo? O que você acha dessas atitudes extremas tomadas sem nenhuma apuração no mundo virtual? Mesmo com o número crescente de crimes virtuais, é realmente necessário impedir o acesso primeiro e perguntar depois?

De forma alguma. Primeiro nossos líderes precisam entender o que acontece na rede, para depois tentar trabalhar nela. O que vemos na maioria dos casos são tentativas de censura e equívocos.

O que o Twitter tem de melhor? A infinidade de informações objetivas, a gama de links diversos, ou a falta de especificidade?

Tanta coisa.

Como é a rotina de um jornalista digital? Dizem as más línguas que se vive 24 horas online. Como é feita a análise de mídias sociais?

Depende de qual seu papel real em um veículo ou empresa. Jornalistas precisam estar 24h conectados, independente da mídia em que trabalha. O profissional de mídias sociais já depende diretamente da conexão. Sem internet ele não é quase nada (risos).

Quais os melhores sites? Os melhores perfis no twitter? E qual a rede social mais completa para um jornalista?

O Google (risos).

Sapos e flores

2011-01-16T01:49:00.004-02:00

Porque Magnólia é especial? Muitos filmes discutem a redenção, o consumo de drogas, as interferências de terceiros, os conflitos entre famílas e a troca de afeto por bens materiais e fama. O diferencial são os pontos de vista divergentes apresentados na trama. Eles propiciam a comparação entre atitudes que redimem ou condenam cada um dos personagens envolvidos.

Êxodo 8:2 “Ao renegar a partida, infestarei de rãs todo seu território”.

O que acontece a um ser humano nem sempre é coincidência. As relações interpessoais, todavia, são inexplicáveis, contudo passíveis de realização. Todos que se fixarem em metáforas orientais de bem-aventurança se desviaram do objetivo de Paul Thomas Anderson ao escrever Magnólia. E os sapos? Bom, eles só caem do céu. Todo o resto é pura fantasia.

Magnólia começou a ser escrito a partir do personagem Cláudia Wilson Gator (Melora Walters) e das ramificações criadas a partir de seu conturbado relacionamento com apresentador de Jimmy Gator (Philip Baker Hall). O diretor, roteirista e editor usa a mídia como fio condutor da trama, que está repleta de elementos religiosos e curiosidades. Das referências ao livro do Êxodo até as modificações em sistemas dinâmicos, como a nossa sociedade, explicados na Teoria do Caos.

Desde o início do filme foi percebida uma relação clara entre pessoas que intereferem involuntariamente no destino de muitos outros (palavra clichê essa: 'destino'). As circunstâncias parecem tão mágicas e, na realidade são tão simples quando se vive em uma sociedade. Porque tamanho encanto com um filme sobre pessoas cuidando, traindo e agredindo seus semelhantes? A resposta está no roteiro.

Quando a narrativa é bem desenvolvida, os demais elementos do filme não se distinguem facilmente, eles simplesmente se encaixam. Em Magnólia, assim como a edição dinâmica e espetacularmente vinculada a cada palavra do roteiro, trilha sonora e fotografia não podem ser separadas e vistas como elementos singulares. Há sinergia entre aspectos técnicos e artísticos.

As ligações entre os personagens são complexas e repletas de capilaridades. A estruturação psicológica de cada indivíduo é consistente e os atores corroboram para o tom clássico atribuído ao filme. Há conexões financeiras e familiares, contadas paulatinamente. Thomas Anderson assume a direção adotando características do trabalho de Alfred Hitchcock com muitos planos-sequência e mudanças de planos sem a utilização do corte na tomada.

Como não poderia faltar a dose de pieguice, Magnólia sofre pelo excesso de almas dispostas a pagarem pelos seus pecados. Não obstante, esse ponto negativo é insuficiente para tirar créditos desse trabalho fora do comum feito por Paul Thomas Anderson.

Entrevista: Guilherme Bandeira

2011-01-15T22:59:00.000-02:00

Mais uma entrevista do Sem Cautela. Agora, com o publicitário carioca Guilherme Bandeira, criador dos blogs Fandangos Suicida, e Olha que Maneiro.

Como você consegue conciliar seus vários blogs com a profissão?

Eu atualizo os blogs na madrugada, quase não durmo, por isso consigo conciliar a vida na agência e a vida de blogueiro e cartunista.

Com que tipo de artes você trabalha?

Comecei minha carreira como artista plástico, mas como no Brasil a arte não é tão valorizada, procurei algo que pudesse unir o útil ao agradável. Fiz publicidade e propaganda, abri uma agência (Boom Criações) em MG e hoje consigo fazer as duas coisas. Tudo que está relacionado com arte estou envolvido, desde pintura até escultura, Toy art e por aí vai.

Como surgiu a idéia do Fandangos Suicida? E porque esse objeto tão pitoresco como protagonista do seu blog?

A ideia surgiu por acaso, eu estava comendo um pacote de “Fandangos” e sempre cai algum no chão. Então, como sou meio maluco, viajei na ideia e pensei: “poxa, eles estavam quietos no pacote, e vem alguém e come (via oral) do nada, sem tempo de defesa”. Resolvi dar vida ao biscoito e quando dei conta já estava criando a história, tudo muito natural.

E que cuidados ter ao tratar de um Fandangos que quer se matar (visto que você pode ter um público bem jovem)?

Sempre digo que na verdade ele não quer se matar, apenas ficou muito triste por ter perdido a companheira e essa é uma saída muito mais simbólica do que real. Ele nunca consegue morrer, é um cara depressivo que perdeu a vontade de viver por ter perdido alguém que gostava.

De onde você tira as idéias para o Fandangos Suicida? A formação acadêmica influencia nisso também?

As ideias para as tirinhas surgem muito naturalmente. Pode ser uma situação vivida ou uma notícia na TV, mas sempre busco algo que seja atual e que consiga humanizar ao máximo possível o personagem. E a formação acadêmica ajuda sim, mas além disso é preciso observar tudo, ler muito, ficar ligado em tudo que acontece a sua volta.

Tem sites que você sempre segue? Quais?

Eu sigo todos aqueles que publicam ideias maneiras, um exemplo é o site “Malvados“, acho o humor bem inteligente e tiradas super engraçadas. Sigo também alguns sites como Brainstorm9, CCSP, entre outros.

Quais desenhistas são suas referências?

Se eu for responder isso, acho que ficarei aqui pra sempre, mas existem alguns que posso citar: Ziraldo, Mauricio de Souza, Will Eisner, Scott McCloud, Laerte, Angeli, Henfil, Gustavo Duarte e muitos outros. Sempre uso como referência aqueles que fizeram e fazem a diferença no mercado.

Que outros blogs de quadrinhos ou cartuns você indica?

Indico os blogs:

www.malvados.com.br; www.umsabadoqualquer.com; www.geekcats.com.br; que são de uma galera nova que vem desenvolvendo um trabalho maneiro.

E claro, o blog www.fandangossuicida.com.br (risos).

132 - Fandangos Suicida - AGORA VAI

Os Outros

2011-01-15T17:04:00.003-02:00

O que sentimos? O que ouvimos? Existe vida após a morte? Estamos sempre em contato com os finados ou somos meras vítimas de aproveitadores? Casas mal assombradas, mortos vivos e crianças videntes são elementos sobrenaturais que fazem parte dos roteiros de suspenses desde os anos 1920, quando Robert Wiene dirigiu O Gabinete do Dr. Caligari. Nas últimas décadas, antigas religiões perdidas, crendices, mitos e tradições sombrias se tornaram temas recorrentes do gênero. À primeira vista, o filme Os Outros segue essa premissa e deixa indícios de ser um suspense comum sobre um tema igualmente comum.

Não obstante, a película de Alejandro Amenábar tenta apresentar o outro lado da parapsicologia. Em uma história bem esboçada, cada personagem tem constituição psicológica e executa papel decisivo para o desenvolvimento da trama. O parapsicólogo Benjamim Bossa em seu livro “Parapsicologia: o poder da mente e os mistérios da vida” explica que ruídos, vozes e possessões são manifestações da mente e, raramente, essas revelações podem ser percebidas de forma semelhante por várias pessoas. Essa relação entre vivos e mortos parte mais da incompreensão do próprio estado do que da tentativa de eliminar almas que estão em planos diferentes.

Trata-se de um suspense psicológico, não baseado em sustos nem cortes rápidos. Os Outros busca um estilo limpo de constituição de um filme, delineando todo o suspense da obra a partir do roteiro. Grace Stewart (Nicole Kidman) mora em uma antiga mansão com os dois filhos Anne (Alakina Mann) e Nicholas Stewart (James Bentley). Ambos possuem uma doença que os torna sensíveis à luz, o que obriga Grace a manter todas as cortinas fechadas. Revelações estranhas começam a acontecer a partir do momento em que a Sra. Bertha Mills (Fionnula Flanagan), o Sr. Edmund Tuttle (Eric Sykes) e Lydia (Elaine Cassidy) oferecem seus serviços na casa, quando tudo indica que há outras pessoas na casa. O breu total, a doença dos filhos e a ausência do marido que não retornou da guerra não deixam alternativa a Grace, a não ser rezar.

A originalidade está na forma do diretor em conduzir o trabalho. Uma direção mais leve, sem tantos cortes secos, que destaca o roteiro e as atuações. O desfecho é interessante, todavia, não é o primeiro já visto no gênero. Almenábar se aproxima dos filmes de Alfred Hitchcock, onde o suspense é estruturado a partir de jogo de perguntas e respostas para a construção do sentido no final da trama, contudo, a edição não permite muitas idas e vindas pela história. Há uma crescente emocional e as reviravoltas da história desestimulam a curiosidade e tornam o espectador muito passivo, mais interessante seria se ele pudesse conjeturar as causas.

Os efeitos especiais são escassos e o suspense está no desenrolar da trama, sem a edição rápida e tecnologia, usados para causar medo ao público. Não há muita liberação de adrenalina nem expectativa intensa e o espectador tem tempo para ruminar a história. Se os criadores confundissem mais e desconstruíssem a narrativa, o aspecto emotivo poderia ser mais bem estruturado e surpreender em sua totalidade.

A fotografia é espetacular e brinca com os conceitos do claro e escuro, viabilizados pelos ambientes internos e externos da casa, cuja iluminação sombria favorece aos filmes de suspense. Falta ousadia à edição, cuja linearidade não se adéqua aos saltos do roteiro. Atuações firmes, completadas pela simplicidade da trilha sonora e da maquiagem. A cenografia merece destaque. Quartos escuros, lençóis brancos e portas que rangem são utilizados de forma criativa, não para dar sustos tão somente, eles fazem parte da história do filme.

Em termos gerais é um bom filme, acertado do início ao fim, que ultrapassa os clichês dos suspenses contemporâneos. O conteúdo diferenciado soa como uma evolução no gênero que não chegou às vias de fato. Um bom trabalho que ficou pelo meio do caminho, entre o suspense comum e um filme realmente estruturado. Parece ter saído das sombras, mas ainda não chegou à luz.

Assepsia exagerada, pontualidade incontrolável, perfeccionismo, cisma extrema com a simetria. Testar a fechadura da porta, acender a lâmpada várias vezes, não pisar em rachaduras, usar roupas de uma cor, só pisar em ladrilhos de uma cor, colecionar objetos inúteis. As situações supracitadas são exemplos de atitudes que podem, embora nem sempre, pertencer a um portador do transtorno obsessivo-compulsivo, o TOC.

A obsessão é de caráter psicológico, ou seja, um pensamento repetitivo, que dá sensação estertorante em quem o possuir. A compulsão é a manifestação corpórea de impertinências que angustiam e se sobrepoem à vontade do indivíduo. Muitas vezes são ações inexplicáveis representando nada mais que a exteriorização de um pensamento irreprimível.

Melvin Udall (Jack Nicholson) dá bons exemplos de TOCs e os efeitos causados no dia a dia dos que estão à sua volta no filme Melhor é Impossível, de James L. Brooks. O personagem criado por Mark Andrus é visto como um velho asqueroso e incômodo, por suas palavras desmedidas e comportamento ultrajante. Não obstante, o “não me toques” era apenas uma mostra do transtorno, assim como a necessidade de manter-se sozinho e as três batidas de pé antes de calçar os sapatos.

O Sr. Udall necessita manter uma rotina. Todas as manhãs vai ao Cafe 24, senta-se à mesma mesa, pede dois ovos, café e bacon para a garçonete Carol Connelly (Helen Hunt), come com seus talheres limpos e descartáveis e passa o resto dia trancado em sua casa vazia, escrevendo e tocando piano. Qualquer alteração nessa programação resulta em comportamentos catastróficos.

O TOC da assepsia é contraditório, enquanto o seu portador tenta se isolar ao máximo dos germes, não mantém boa saúde. Um exemplo clássico é o do aviador Howard Hughes, que se isolou em uma cabine de assepsia e morreu subnutrido. Melvin também representou essa contradição. Enquanto utilizava sabonetes apenas uma vez, não tomava os medicamentos e sequer ia às suas sessões psiquiátricas.

Fantasia e guerra

2011-01-08T19:20:00.008-02:00

É possivel fazer um filme de guerra sem apresentar batalhas gigantescas, soldados mortos, pernas decepadas, navios e aviões gigantescos; como Steven Spielberg fez em O Resgate do Soldado Ryan? É possível apresentar apenas o contexto cultural, uma história de amor ou de fantasia durante a guerra? É viável mostrar os efeitos da guerra em pessoas comuns e como a as batalhas não são lutadas apenas por exércitos?

Michael Curtiz provou, lá em 1942, que é possível sim transformar a guerra em pano de fundo para histórias de amor. No máximo, Casablanca apresentou questões políticas da Segunda Guerra Mundial. Ou apenas porque o filme foi feito durante o litígio, tem que apresentar a superação de um exército, de lutas por causas perdidas?

Gullermo del Toro colocou a fantasia, de uma maneira um tanto quanto sombria, e adulta. Uma história que apresenta fadas, fanos, monstros e magia de uma forma nada piegas, muito bem incorporada ao mundo real. Essa fusão é bem feita graças ao impressionante trabalho de maquiagem e efeitos especiais de O Labirinto do Fauno. A música completa a união entre o real e o imaginário, numa ambiguidade entre a tranquilidade das cantigas de ninar e a obscuridade e agressividade do mundo real.

Se as técnicas de direção não surpreendem, o encantamento é inevitável,e a tradução do roteiro é simples e bem feita. A película foge à mesmice. Contando a história da menina Ofelia, enteada de um general Franquista, este último, que com o auxílio de Hitler e Mussolini, instaurou o fascismo na Espanha.

Interessante notar como até mesmo os não envolvidos diretamente são afetados, e como a guerra não é feita apenas de batalhas e judeus se escondendo. Quem sou eu para criticar, mas é importante que surjam novos diretores, no caso, do México, para descentralizar um pouco a concepção hollywoodiana de fazer cinema. E provar que não é por falta de qualidade técnica que o cinema daqui não chega aos grandes centros mundiais.

Entrevista: David Dines

2011-01-02T23:04:00.000-02:00

A terceira da série, antes de ser uma entrevista, é uma aula de música. As entrevistas demoram a acontecer, mas quando aparecerem, serão bem mais interessantes e substanciais, como a que se segue. O personagem: meu amigo e colega de profissão, David Dines. Ele fala da carreira de músico, influências e tudo mais que a música independente tem de bom.

Enjoy.

O que você já fez no âmbito musical? Em que bandas, grupos, duplas sertanejas você já tocou/cantou?

Bom, formei minha primeira banda aos 12 anos, mas meu primeiro show foi aos 10, no Teatro Francisco Nunes, em BH. Eu era violonista do cantor e compositor Fabiano Nascimento, que hoje está radicado na Espanha. O repertório era basicamente MPB autoral, mas também tinha desde Chico César a Pink Floyd no meio. Durante a adolescência, passei por bandas de diversos estilos, desde punk rock até pop tipo anos 1950, passando por no-wave, grunge, blues e o que mais pintasse pela frente. Entre esses projetos, sobressaíram As Horas e o Spooler.

As críticas que você escrevia para a Zero eram sobre isso?

Eram resenhas de discos recém-lançados. Eu tinha 16 anos e havia montado um blog de pseudônimo pra falar besteira com pegada de literatura pop, inspirado no Brazileira!Preta, da Clarah Averbuck, e no extinto Vulv-O-Rama, da Simone do Vale. Volta e meia resenhava alguns discos, como clássicos do Velvet Underground e do Blondie, e sempre gastava dezenas de linhas para criticar outras coisas. Comecei a ter um monte de acessos (era a época do boom dos blogs) e mandei um email pro Luiz Cesar Pimentel, que editava a Zero, oferecendo colaboração. Para minha surpresa, ele topou e fiz por alguns meses. Entre os discos sobre os quais escrevi, lembro do Thickfreakness, do Black Keys, e do Quebec, do Ween. O site saiu do ar há anos, mas tenho tudo impresso e guardado.

Você toca o quê? Aprendeu como? E o que despertou o interesse pela música?

Estudei violão dos oito aos 12 anos. Como as aulas eram em casa, aproveitei para ter noções de outros instrumentos que tinham por lá, como piano e bateria. Gaita e flauta transversal aprendi sozinho, também nessa época. Já técnica vocal foi a partir dos 14. Não me lembro de um momento em que a música não fosse importante pra mim. Há a lenda de que eu nasci com o anestesista cantando “Agonia”, do Oswaldo Montenegro, devido aos choramingos da minha mãe na hora do parto. Isso não deve ter feito bem à criança [risos]. Minhas memórias de infância se misturam com a música pop do fim dos anos 1980, como Michael Jackson, Madonna, Men At Work e afins. Aos sete anos, descobri o rock alternativo dos anos 1990 e comecei a moldar meu gosto: ouvia Garbage, Smashing Pumpkins, Pavement, Beatles, Stones, Alanis Morissette e as boy/girl bands dessa época ao mesmo tempo. Pra mim, estava tudo certo, não havia preconceito musical.

Explique o quê e por que Spooler? E quais as influências de letras e melodias? O que é cover e o que é autoral? Que influências fora das músicas (literatura, cinema) vocês também colocam nas músicas?

O Spooler surgiu do inesperado. Montamos o projeto sem qualquer pretensão, e nos impressionou o feedback positivo que recebemos assim que colocamos nossas primeiras músicas na Internet. A banda é um duo porque não conhecíamos mais ninguém que comprasse nosso conceito na época da formação. Gustavo e eu nos conhecemos na faculdade e, conversando sobre música, descobrimos em comum o gosto por pop dançante, o que não tinha nada a ver com as nossas respectivas bandas. Fomos encontrando referências convergentes na new wave (Devo, B-52’s, Depeche Mode), no pós-punk (Siouxsie & the Banshees, Joy Division) e nos indies de agora (Gossip, Matt and Kim, N.A.S.A.), mas também damos valor a preciosidades pop que muita gente rejeita, como Ace of Base, Baltimora, bandas da disco music como Eruption e Ottawan, e trilhas sonoras clássicas de filmes, como Flashdance e Dirty Dancing. Tudo isso se reflete na sonoridade da banda.

Já as letras inicialmente eram mais situacionistas, utilizando acontecimentos supostamente banais como matéria-prima. Recentemente, começaram a tomar uma cara mais jornalística, comentando crimes e questões discutidas em sociedade, mas sem falso moralismo. Quando possível, até com humor. Esse lance de escrever sobre amor, da forma com que todo mundo faz, é tedioso.

É realmente muito complicado conciliar a rotina de músico e jornalista? O que atrapalha e em que ponto uma carreira corrobora com a outra?

Até agora está dando pra conciliar bem. Vamos ver na hora em que as atividades da banda começarem a se intensificar. Mas o ofício em si ajuda com o desenvolvimento e a temática das letras, assim como o exercício da arte ajuda a melhorar os recursos criativos das pautas. Uma mão lava a outra. O próximo trabalho do Spooler será bastante inspirado por casos jornalísticos. No fim das contas, é tudo criação de cultura, só que feita de forma mais ou menos subjetiva. Não há tanta diferença entre arte e jornalismo, como Capote, Talese, Mailer e o resto daquela turma podem atestar.

Qual sua visão sobre a música independente em Minas Gerais, e que alternativas as bandas têm de divulgar seu trabalho? Óbvio que as redes sociais estão no topo de todas as estratégias de marketing, mas há outras iniciativas, coletivos, festivais que merecem ser citados?

Acredito que as coisas estão melhores do que há dois anos, mas ainda há muito a ser feito. A cena de Belo Horizonte agora tem uma base, por meio de iniciativas como o BH Indie Music, coletivos como o Pegada, Forceps e Queijo Elétrico, além da visão de algumas casas de show e produtores. Mas ainda resta estabelecer um diálogo com a cena nacional e internacional, além de buscar ampliar o público da música independente. As redes sociais são recursos importantes nesse processo, e já se tornaram de primeira necessidade para todas as bandas, com ou sem gravadora. O importante é promover o bom entretenimento e a boa arte, não importando os meios.

Colocar a sua música para ser ouvida parece ser imperativo para o sucesso de uma banda independente. O que você acha da política de direitos autorais brasileira? O que pode ser feito para proteger artistas e não limitar o acesso do público?

Direito autoral é uma questão que dá pano pra manga, ainda mais com a reforma pleiteada agora pelo governo. Temas como a natureza da arrecadação e como trabalhar a atribuição e o próprio direito em tempos de internet e ampla gratuidade devem ser discutidos para chegar a termos bons para o público e para o autor. Acredito que a estrutura também merece uma desburocratização, passando a trabalhar com uma estrutura mais enxuta. E também buscando meios de maior eficiência, sem dedicar tempo e dinheiro a punições ridículas, como no último relatório da RIAA.

Mas para as bandas independentes iniciantes, que detêm os direitos sobre seu trabalho, vale a pena divulgar o trabalho gratuitamente como uma forma de investimento. Grana é consequência, e somente o artista sabe que concessões fazer ou não.

Em que pé está a banda? Gravando? Produzindo? Fazendo Shows? E os outros projetos, como As Horas?

Eu e Gustavo estamos gravando o primeiro disco do Spooler, em casa, com comodidade e tempo. As músicas novas têm mais elementos eletrônicos do que as anteriores, mas também trazem mais influências da disco music, do afro-pop e do stoner rock. Ainda não sabemos quando será lançado, mas queremos que seja o quanto antes. As Horas passa por um hiato agora, com a intensificação do trabalho do Spooler e com o novo projeto rock’n roll de Ivan e Victor, chamado Morfina.

Sei que você já foi para Uberlândia fazer shows. Em que outras cidades você já tocou? Tem uma sensação diferente (do tipo, somos uma banda de verdade) ao pegar uma van e sair pela estrada se apresentando?

Com projetos anteriores, já toquei em Montes Claros, Uberlândia e alguns outros lugares do interior de Minas. O Spooler ainda está restrito a Belo Horizonte, apesar de já termos convites para tocar em São Paulo e no Rio. Mas realmente é outra sensação. Você toca para pessoas que nem conhece e que foram lá pra te assistir, faz novas amizades e parcerias, é muito interessante. Fazer isso em tempo integral é um desejo que alimento.

Que outras bandas de MG merecem destaque?

The Hell’s Kitchen Project, Junkbox, Julgamento, Proa, Dead Lover’s Twisted Heart, Renegado, Bertola e os Noctívagos, Dmor, Valsa Binária, Festenkois, Monograma, Quase Coadjuvante, Indiada Magneto, Morfina, Fadarobocoptubarão… Um monte, vou acabar deixando de citar alguém.

O que você ambiciona como músico? E como jornalista?

Ter satisfação com o que faço e oportunidades de trabalhar com bons profissionais, assim como agora. Ser reconhecido é outra meta. E ter uma boa fonte de renda também não faz mal a ninguém [risos].

Hits que não perdem a validade

2010-09-19T11:06:00.000-03:00

Peter Frampton é um artista de destaque. Reconhecido como um dos grandes guitarristas da história do Rock. Contudo, qualquer brasileiro nascido depois de 1980 pode nunca ter ouvido falar nele. No entanto, mais difícil ainda é encontrar quem nunca tenha ouvido (e cantado) Show Me The Way e Baby, I Love Your Way.

As duas músicas, principalmente no Brasil, são, juntamente com Breaking All The Rules, referências do público sobre o artista britânico da extinta Humble Pie. Foram essas canções que embalaram romances, festinhas de adolescentes e tornaram-no conhecido na América Latina.

Em Belo Horizonte, no último dia 18, era previsível e foi inclusive divulgado pela banda, que o quinteto formado por Peter Frampton (voz e guitarra), Rob Arthur (teclado, guitarra e voz), John Regan (baixo), Dan Wojciechowski (bateria) e Adam Lester (guitarra) tocaria os grandes sucessos e músicas dos dois últimos discos, Fingerprints e Thank You Mr Churchill, lançado em abril deste ano.

Espetáculo à parte é a famosa técnica da “Guitarra Falada”. Chega a ser bizarra a sua comunicação robotizada. Lembra o filme “Contatos Imediatos de Terceiro Grau”, de Steven Spielberg.

Infelizmente, quem esperava um espetáculo de rock ficou com a versão mais pop de Frampton. Durante as quase duas horas e meia de show, o músico de 60 anos levantou o público, mas manteve a apresentação em um ritmo cadenciado, alternando hits, músicas novas e solos extensos de guitarra.

Peter Frampton tem o mérito de, assim como, Rolling Stones, Paul McCartney e outros, manter-se ativo e criando. Depois de mais de quarenta anos tocando e encantando, os clichês são inevitáveis. Impossível fugir das baladas e dos grandes sucessos.

Meçam suas orelhas

2010-01-29T22:42:00.001-02:00

Ontem, passei a madrugada vendo televisão (coisa rara), mas era um programa legal, no Animal Planet, sobre partes do corpo superdesenvolvidas nos animais. O interessante mesmo foi quando falaram sobre uma raposa que tinha as orelhas enormes (tipo o lobo mau, sabem?). Ligaram direto a nós, dizendo que nossas orelhas nunca deixam de crescer.

Mas o mais legal foi quando disseram que a maior de nossas orelhas (óbvio que a diferença entre as duas, normalmente é mínima) representa também a parte mais desenvolvida do nosso cérebro, e, consequentemente, nossas aptidões para artes ou ciências. Pessoas com habilidade para as artes têm a orelha direita maior, e com habilidade para as ciências têm a orelha esquerda maior. O jornalista tem que ser um orelhudo, desenvolvimento cerebral total.