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Aprende A Fotografiar Una Taza De Café Bien Caliente Y Logra Un Resultado Espectacular

Javier Lucas — Wed, 22 May 2013 07:00:24 -0400

De vez en cuando apetece probar algo nuevo, especialmente cuando se tiene algo de tiempo por delante y se quiere disfrutar de la pasión por la fotografía y dar rienda suelta a la creatividad, ¿verdad?

Pues el artículo de hoy viene para entretenerte durante el próximo hueco de un par de horas que tengas libre y te apetezca dedicarlo a la fotografía consiguiendo un resultado diferente. Yo así lo hice el pasado fin de semana y lo cierto es que no me arrepiento.

Se trata del proceso de preparación, fotografía y edición de una escena en la que se pueda apreciar el vapor del café caliente en una taza. ¿Quieres saber cómo puedes conseguirlo?

Preparando La Escena

Si te he convencido y has logrado reunir esas dos horas que te comentaba, lo primero que deberás hacer es preparar la escena. Aquí van algunos accesorios que necesitarás:

3 fuentes de luz (continua o flash, tú decides en función de lo que tengas a mano)
fondo negro (tela, o, si no tienes, puedes hacer como yo, utilizar la cara negra del reflector 5 en 1)
base de madera
una taza
café o cualquier otro líquido que puedas calentar y produzca vapor
otros elementos que te permitan completar la composición

Esto es lo esencial. Una vez lo hayas reunido, viene el momento de colocarlo adecuadamente. A continuación te dejo una imagen sobre el montaje que yo preparé para la escena.

Como puedes ver, se han dispuesto 3 fuentes de luz (1, 2, y 3). Estas fuentes han sido dispuestas, respectivamente, a las 10 la de relleno, a las 3 la principal y a la 1 la luz sobre el vapor. Las dos primeras son continuas y la última es un flash.

Por último se ha utilizado un reflector (4), como indicaba, para actuar como fondo de la composición. Con respecto al reflector, es preciso separarlo bien de la toma y evitar que cualquier fuente de luz incida sobre él. Sólo así conseguiremos un resultado suficientemente negro.

Quizás la fotografía de la disposición que tuve que emplear no es demasiado buena, de ahí que haya optado por incluir también un esquema, que espero que no deje ninguna duda sobre la distribución.

Sin duda, la más importante de las luces para esta composición es aquella que se encarga de iluminar el vapor. Si esta fuente de luz no está ubicada correctamente y apuntando de forma directa al vapor, no conseguirás nada.

Ahora, ya sabes, dispón todos los elementos como he comentado hasta ahora y cuando estés listo, pasa al siguiente apartado. Toca hacer la fotografía.

Consejos Para Realizar La Fotografía

No pienses que una vez dispuesto todo el despliegue va a ser "llegar y besar el Santo", salvo que tengas mucha experiencia, o mucha suerte, deberás hacer distintas pruebas hasta lograr el resultado esperado.

Lo que voy a hacer es darte algunos consejos sobre las distintas pruebas que yo hice para, a continuación, mostrar el resultado que logré y los parámetros con los que lo conseguí, ¿te parece?

Antes de ponerte a calentar café como un loco, haz distintas pruebas de iluminación sin que haya café y vapor de por medio. Sólo así podrás estar preparado para cuando el café esté en la taza. Varía la posición de los objetos, la altura, separación y punto de incidencia de las luces...
El vapor no deja de ser un flujo de agua que "corre" y que, como ya sabes, podrás congelar o suavizar en función del tiempo de exposición que selecciones en tu cámara. Por simplificar, a partir de 1/60 podrás "congelar" el vapor y con un tiempo de exposición superior 1/30, 1/15... obtendrás un resultado más espumoso.
Además del tiempo de exposición, el tipo de iluminación también tendrá que decir mucho al respecto del resultado congelado o suavizado que logres en tu imagen. Con flashes, dada la velocidad a la que se produce el destello, independientemente del tiempo de exposición el vapor se "congelará", mientras que si la iluminación es continua y se utiliza un tiempo de exposición prolongado el resultado sí que se suavizará.
Puede que te dé por experimentar y utilizar un fondo de otro color distinto al negro. Mi recomendación es que no lo hagas, pues te resultará tremendamente difícil lograr hacer que se aprecie el vapor, sobre todo si estás usando un color relativamente claro.
La temperatura del café es muy importante, pero también lo es la temperatura ambiente. Habrá que buscar un gran contraste. Trata de asegurarte de que exista la suficiente diferencia de temperatura, o, de lo contrario, será difícil incluso apreciar el vapor (quizás este fue mi principal problema, no elegí el día más apropiado, ni la hora de hacerlo).
En consonancia con lo anterior, la diferencia de temperatura que hay que lograr, si el café no va a aparecer directamente en la fotografía, puedes optar por otros líquidos que hiervan de forma más fácil, por ejemplo, agua, que hierve más fácil y es más barata. ¡Pruébalo!, verás como genera más vapor y te ayuda a lograr un resultado más espectacular.

Y, después de ver cómo preparar la escena y darte algunos consejos sobre la realización de la toma, ya es hora de que muestre mi resultado, ¿no?

La Fotografía Obtenida Y La Edición

Antes de mostrarte el resultado logrado, te diré que gran parte de los consejos presentados en el anterior apartado los he descubierto gracias a mis fallos. El más importante de ellos, haber tratado de hacer este artículo en pleno mes de mayo en Madrid y durante un día en que la temperatura superaba los 20º C.

Por tanto, ¡recuerda!, procura contar con una importante diferencia de temperatura entre el líquido y la temperatura ambiente para poder disponer de suficiente vapor para tu fotografía, ¿de acuerdo?

Y después de las excusas, allá va el resultado obtenido directamente de la cámara. La toma fue realizada con los siguientes parámetros: 16mm, f/8, 1/100 seg, ISO 100, Flash Manual 1/10. Como ves, no es que haya salido mucho vapor, aunque algo se intuye.

Una vez en tu ordenador, algunas de las acciones que puedes realizar para mejorar el resultado son: incrementar la temperatura y saturación (para aumentar la sensación de calor), elevar el nivel de enfoque, realizar ajustes puntuales sobre la zona de vapor para tratar de intensificarlo.

En mi caso, opté por estos ajustes globales: Temperatura +12, Contraste + 10, Claridad + 3, Saturación +6, Enfoque +11. Además, realicé una corrección con el pincel de ajuste reduciendo el contraste e incrementando la claridad en la zona del vapor. Así, llegué a la siguiente imagen.

¿Qué?, ¿qué opinas?, ¿te hace un cafelito? La verdad es que después de tantas fotos de cafés, entran ganas de tomarse uno (incluso a los que no acostumbramos a tomarlo :)

¿Un Vídeo Explicativo? Seguro Que Resuelve Cualquier Duda Que Aún Puedas Tener

He de reconocer que la idea del artículo no se me ocurrió por arte de magia, sino que fue a través de un vídeo explicativo de learnmyshot.com. En este vídeo se explican muchas de las cosas que yo ya he comentado y, aunque está en inglés, estoy seguro de que te ayudará a lograr una mejor aplicación de la técnica. No te lo pierdas.

[iframe http://www.youtube.com/embed/mLooocJ8dMk 595 335]

¿Está bien?, ¿verdad? Claro, sencillo y preciso. Para que no te quede ninguna duda sobre cómo conseguir tu propia fotografía de café hirviendo. ¡Gracias Robert!

¿No Se Te Da Bien El Vapor?, ¿Por Qué No Lo Intentas Con El Humo?

¿Lo has intentado y no has logrado nada medianamente decente y empiezas a estar un poco harto del dichoso vapor porque no consigues un buen resultado? No te preocupes, hay otras alternativas.

Como puedes ver en la fotografía de la derecha, con la que me encontré tratando de recoger fuentes de inspiración para elaborar este artículo, existe la opción de simular el vapor a través del humo, al que ya dedicamos un artículo hace tiempo, ¿no lo recuerdas?

La idea es situar la taza, en este caso con granos de café, aunque podría ponerse con líquido o lo que estimes oportuno y, justo detrás de ella, algún elemento encendido que genere el humo para simular el vapor.

Está claro que las siluetas que generan el humo y el vapor son distintas, pero el resultado creo que también puede merecer la pena.

Puede resultarte interesante probarlo si no has conseguido la fotografía de vapor, o si, aún habiéndola conseguido, quieres seguir disfrutando de tu tiempo libre con nuevos retos fotográficos.

¡A Practicar!

Una vez finalizados los consejos y explicaciones sobre este nuevo proyecto al que enfrentarte, es tu turno. Te toca probarlo, contarnos tus experiencias, dudas, consejos, reflexiones...

No me negarás que te he dado un buen entretenimiento para el próximo rato libre que puedas disfrutar con tu cámara. ¿A que sí?

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El Papel del Color en el Lenguaje Visual y Cómo Sacarle Partido en tus Fotos

Mònica Vidal — Mon, 20 May 2013 07:58:31 -0400

La primera fotografía en color fue realizada el año 1861, por James Clerk Maxwell. Desde entonces ha llovido mucho y el color ha ido ganando cada vez más importancia en nuestras fotografías. Cuando hablamos de color, no sólo hablamos de retratar la realidad de la misma manera como la ven nuestros ojos (o, al menos, de la manera más parecida posible), porque el color es otro de los elementos del lenguaje visual que, como la textura o el ritmo, nos pueden ayudar a componer nuestras imágenes para lograr transmitir con ellas aquello que queramos. Vamos a profundizar un poco más en el mundo del color para ver cómo podemos sacarle el máximo partido en nuestras fotografías.

El Apasionante Mundo del Blanco y Negro

Vale, sí. ¿Hemos dicho que hablaríamos del color y lo primero que hacemos, es hablar del blanco y negro? En el fondo tiene sentido: el blanco y el negro también pueden ser considerados colores, ¿no? Pero no es esta la razón por la que vamos a empezar el artículo dedicado al color hablando del duotono. La verdad es que el color influye muchísimo en la fotografía monocromática pues, en función de como revelemos (ya sea química o digitalmente) nuestra imagen, el resultado puede ser muy distinto.

Cuando hablamos de las razones por las que fotografiar en blanco y negro podía ser interesante ya vimos como una misma fotografía podía cambiar sustancialmente en función de si se trataba el color de una manera o de otra. Pero es que el color, en todas sus tonalidades, también se aprecia en las imágenes en blanco y negro, por la tonalidad de gris en la que se convierten, por la luminosidad del color, por el contraste que genere con los colores entre los que se encuentre. El caso es que, aunque tengamos en mente que nuestra imagen final será en blanco y negro, debemos prestar especial atención a los colores de nuestra escena.

Contraste por Color

Tanto si vamos a hacer una foto en blanco y negro como si hemos decidido hacerlo a todo color, hay algo que las distintas tonalidades de las que dispongamos en nuestro encuadre nos regalará: el contraste. El contraste de una imagen no es sólo la diferencia que pueda haber entre los tonos más claros y los más oscuros de ésta. Una fotografía en la que haya contraste es aquella en la que sus elementos son muy dispares o contrapuestos. Así pues, el color puede dotar nuestras imágenes de un gran contraste, como veremos a continuación.

La Armonía del Color

Combinar colores para que la mezcla resulte agradable a la vista no es fácil. Sin embargo, siguiendo el círculo cromático que veremos a continuación, aprenderemos qué colores combinan mejor entre ellos ya sea armonizando o contrastando.

Armonía de análogos: aquellos colores que se sitúan lado a lado en el círculo cromático armonizan entre sí. Son colores muy parecidos y se suelen encontrar juntos en la naturaleza. Construir imágenes combinando estos colores nos dará resultados, por lo tanto, muy naturales y agradables visualmente.

Las familias de colores. Las familias de colores incluyen todas aquellas tonalidades que armonizan entre sí porque tienen una misma base cromática, están basados en el mismo color primario. Así pues, diferenciamos tres grandes familias de colores: la del amarillo, la del azul y la del rojo.
Contraste de colores complementarios. Los colores complementarios son aquellos que están más alejados el uno del otro en el círculo cromático. Un color parece mucho más vibrante y saturado cuando se encuentra justo al lado de su complementario, el contraste que se consigue emparejando estos colores es máximo.

¿Para qué sirve saber esto? ¿Debemos estar pendientes de los colores que aparecen en nuestras fotografías para que armonicen? ¡En absoluto! Es bueno conocer el color en su vertiente más teórica porque ello nos ayudará a componer nuestras fotografías cuando podamos influir, de alguna manera, en el color que en ellas aparecerá. Si buscamos el contraste, por ejemplo, deberemos buscar colores complementarios, mientras que si buscamos un resultado natural, deberemos jugar con las familias de colores y los colores análogos.

La Psicología del Color

De entre todos los elementos del lenguaje visual, el color es el que, posiblemente, genere una respuesta emocional más fuerte y marcada. Es cierto que la percepción del color es totalmente individual y nunca podremos saber cómo percibe una tonalidad una persona ajena a nosotros, sin embargo, existen algunos apuntes generales que relacionan ciertos colores con ciertas reacciones y/o emociones:

El blanco es el color de la pureza y de la luz. Expresa paz, sinceridad e inocencia. El blanco, además, regala luz y vacío. Pero se trata de un vacío agradable, positivo. Por otro lado, también expresa limpieza y frialdad.

El negro, por su parte, es todo lo contrario al blanco. Expresa misterio, miedo, tristeza. Nos puede dar un vacío infinito que, para nada, sea agradable. A la vez, es el color de la elegancia, la nobleza y la sobriedad.
El rojo es el color de la euforia, la excitación y la vitalidad. Nos remite a la sangre, la agresividad, la lucha. Es un color dinámico y nos acerca, también, al mundo de la sensualidad y la pasión.
El naranja es acogedor, cálido y joven. También es muy dinámico y activo.
El verde, por el contrario, es el color más tranquilo de todos porque nos evoca a la naturaleza. Es, por lo tanto, un color relajante, calmado, estático.
El azul también se relaciona con la calma, el sosiego, la serenidad. Las tonalidades azules nos dan sensación de lejanía así que nos puede ayudar cuando busquemos la profundidad en nuestras imágenes. Es un color serio y que puede transmitir tristeza.

Usos Creativos del Color

El balance de blancos. Siempre que hablamos del balance de blancos es para llegar a la conclusión de que debemos calcular bien la temperatura de color con la que vamos a trabajar para conseguir imágenes lo más naturales y reales posibles. Imágenes en las que el blanco sea blanco y el resto de colores sean fieles a la realidad. ¿Por qué no intentamos jugar con las dominantes de color para conseguir transmitir cosas distintas?
Los filtros también nos pueden ayudar en esta misión porque nos darán tonalidades que, posiblemente, no pudiéramos conseguir forzando el balance de blancos "incorrecto" (conste que hablo de balance de blancos "incorrecto" porque no sería el que usaríamos en circunstancias normales pero que, en ese momento, puede ser el que más nos interese usar).
El retoque fotográfico será nuestro GRAN aliado para conseguir usar el color de manera creativa. Ya sea para virar nuestra fotografía al blanco y negro que mejor nos parezca o para modificar los colores de nuestra fotografía para conseguir una escena totalmente irreal. Sea como sea, recuerda que no siempre la exagerada saturación de un color mejorará la fotografía. A veces tendemos a pensar que cuanto más vivo sea un color, mejor. Cuando retoquemos el color de nuestras imágenes no deberíamos perder de vista la escena inicial, para, aunque la modifiquemos a nuestro gusto, llegar a conseguir algo que sea natural. Evidentemente, siempre y cuando ése sea nuestro fin.

¿Cómo Potenciar el Color?

Todo esto esta muy bien pero... ¿Cómo podemos potenciar el color en nuestras imágenes? Debes tener en cuenta de que la cámara de fotos dista mucho del ojo humano y hay colores que son muy difíciles de captar con el sensor de nuestras máquinas como podrían ser, por ejemplo, el verde o el rojo. Sea como sea, la manera más fácil de conseguir unos colores vivos y saturados es utilizando luz directa.

Si además, subexpones (¡un poco!) la imagen, todavía conseguirás unos colores más saturados aunque, evidentemente, con un poco menos de luminosidad. Si por el contrario sobreexpones un poco tu escena, conseguirás colores más cercanos a las tonalidades pastel. Estarán menos saturados pero tendrán, evidentemente, más luminosidad. Si lo que quieres es intentar conseguir desaturar los colores sin necesidad de disparar en blanco y negro ni de pasar por el procesado de las imágenes, puedes probar con algún esquema de contraluz o con imágenes en clave baja o alta. No eliminarás los colores por completo pero las tonalidades de tus fotografías serán menos evidentes.

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24h Atada a la Camara de mi Móvil... y Sobreviví

Mònica Vidal — Fri, 17 May 2013 07:42:17 -0400

¿Qué pasa cuando vives enganchado a tu cámara de fotos y un día te la dejas en casa? Cuando tu manera de vivir la fotografía implica llevar la cámara siempre encima para estar preparado cuando aparezca el momento oportuno de realizar la foto, el hecho de dejarte la cámara en casa puede generarte problemas o, incluso, ansiedad.

Sin embargo, hoy en día esto tiene una fácil solución porque, quien más quien menos, todos llevamos siempre una cámara encima: la cámara del móvil. ¿Se puede sobrevivir sólo con esta cámara? ¡Vamos a ver como sí!

La Calidad de la Imagen no lo es Todo

Cuando pensamos en la fotografía hecha con el teléfono móvil, pensamos en imágenes de dudosa calidad. Es cierto que en los últimos años las cámaras de estos dispositivos han ido mejorando hasta el punto de llegar a ser verdaderas maravillas en miniatura que pueden conseguir imágenes muy resultonas. Sin embargo, y siendo sinceros, una cámara de estas características nunca podrá ofrecer los mismos resultados que una cámara de fotos de verdad.

Así que, para alguien que está acostumbrado a hacer fotografías con, por ejemplo, una réflex; esto puede ser un verdadero inconveniente, hasta el punto de negarse a realizar una fotografía con el móvil porque "será una imagen de mala calidad". Si ese es tu caso, ¿te has parado a pensar que, quizás, la calidad de imagen está sobrevalorada?.

Por norma general, solemos considerar una fotografía "bien hecha" si se trata de una imagen nítida, libre de grano o ruido, bien enfocada... Una foto "limpia" en general. Pero a veces, y en función de lo que queramos expresar con nuestras imágenes, nosotros mismos podemos buscar romper estos parámetros de "la fotografía perfecta" para que el grano o el desenfoque nos ayuden a expresar ciertas cosas.

Si esto es así en la fotografía tradicional (por llamarla de algún modo), ¿por qué no puede ser lo mismo en la fotografía tomada con el móvil? Estamos de acuerdo en que nunca conseguiremos los mismos resultados con un teléfono que con una cámara de fotos... ¿y si aprovechamos esto y lo usamos a nuestro favor para poder contar las historias que queramos? ¿Que la foto no tiene la "calidad" que nos gustaría? Plantéate si eso significa que realmente lo que no tiene es la nitidez que nos gustaría. Una imagen puede ser buenísima, de una calidad suprema, sin necesidad de ser nítida, limpia o perfecta técnicamente. Cuando la historia que cuenta la imagen inunda el encuadre, ¡el resto pasa a un segundo plano!.

Ten en Cuenta las Limitaciones de la Cámara

Vale, sí, acabamos de decir que las limitaciones de la cámara de tu teléfono no deben disuadirte de utilizarla pero aún así, ser consciente de estas limitaciones te ayudará a poder aprovecharla más si en un momento dado decides que quieres utilizarla. La única manera de ser consciente de lo que tu cámara puede hacer y lo que no, es conociéndola: experimentando con ella, poniéndola a prueba:

Busca la distancia mínima de enfoque, quizás te sorprenda si descubres que ¡puedes realizar fotos macro con ella! Y es que, por norma general, las cámaras de muchos de los smartphones de los que disponemos hoy en día, suelen tener una distancia mínima de enfoque bastante pequeña, ¡con lo que se pueden lograr imágenes de acercamiento muy espectaculares!
Mira qué profundidad de campo ofrece. A no ser que descargues en tu teléfono alguna aplicación que te permita modificar los parámetros de exposición de tu cámara, es muy posible que la cámara de tu teléfono móvil actúe por ella sola midiendo la luz y eligiendo los parámetros que más le interesen en cada momento. Por eso, puede ser interesante ver qué profundidades de campo te ofrece y en qué condiciones (según la luz, según la distancia de enfoque, según la distancia entre el sujeto y el fondo...)
No todas las cámaras tratan el color de la misma manera porque esto depende, en gran medida, de la óptica de la que dispongan y del sensor que tengan. Por eso, investiga cómo trata el color la cámara de tu teléfono, sobre todo para estar en preaviso y que, en un momento de apuro, no te lleves un disgusto al ver que esa flor tan bonita que tenías delante, no sale como esperabas en la fotografía.
¿Tiene flash? ¿Qué tal funciona? Es cierto que los flashes de este tipo de cámaras suelen ofrecer unos servicios bastante reducidos: suelen tratarse de bombillas led que iluminarán a muy poca distancia y con una potencia más bien reducida. Por eso, prueba a hacer fotografías con el flash a distintas distancias del sujeto, para ver hasta dónde llega y en qué condiciones.

Todo esto, además de ayudarte a conocer la cámara que tienes entre manos, te proporcionará información que, más adelante, podrás usar en tus fotografías. Por ejemplo, si sabes que la cámara de tu teléfono te permite enfocar a una distancia más pequeña que tu cámara "buena", quizás te dé ideas para realizar fotografías que con la cámara "buena" no habrías podido hacer. Todo es cuestión de saber qué máquina tenemos y de cómo podemos usarla en nuestro propio beneficio.

¿Puedes Volver a Hacer la Misma Foto con la Cámara "Buena"?

A veces, vamos por la calle y vemos una fotografía que, creemos, debe ser tomada en ese momento. Si llevamos nuestro equipo fotográfico con nosotros, será una situación muy fácil de solucionar. Pero si es uno de esos días en los que tenemos que confiar en la cámara de nuestro teléfono móvil, la cosa, quizás, se complica un poco más. En este caso, nos encontraremos con dos situaciones posibles:

Podrás volver al mismo sitio y tomar la misma foto. Si se trata de fotografiar una escultura, un edificio o algo que vaya a estar inmóvil en su sitio, quizás tengas la opción de volver otro día y tomar la misma fotografía. Cuando pase eso, no olvides hacer la fotografía con el móvil igualmente. Te servirá para tomar referencias, saber el ángulo exacto que te llamó la atención, recordar cómo daba la luz al sujeto en ese momento justo... También puede serte útil si se te ha ocurrido utilizar esa localización para posibles futuras sesiones de fotos. Entonces lo ideal sería que hicieras un reportaje rápido de las posibilidades que el entorno te dé para que, cuando decidas volver, sepas a qué te vas a enfrentar exactamente. Sin embargo, es muy probable que, aunque el motivo sea inmóvil, lo que te haya llamado la atención en ese momento sean las circunstancias que, quizás, sean irrepetibles. Entonces te encontrarás en la segunda situación:
No podrás volver y tomar la misma foto. En estos casos, en mi opinión, es mejor tomar una foto que no vaya a ser perfecta antes que dejar pasar esa oportunidad. Como ya hemos visto, si se trata de imágenes que vayan a contar historias, quizás tendríamos que ser capaces de abandonar "la perfección técnica fotográfica" para centrarnos en captar lo que queramos. Es cierto, habrá situaciones en las que la nitidez, en el enfoque y la calidad de la imagen sean algo necesario para lograr la fotografía que queramos hacer, aún así, si no tomas la imagen porque "no quedará bien", quizás en un futuro, cuando recuerdes la oportunidad perdida, te arrepientas.

Cinco Consejos Rápidos para Hacer Mejores Fotografías con el Móvil

Son sólo cinco apuntes, quizás muy básicos y evidentes, que he ido aprendiendo a lo largo del tiempo al hacer fotografías con el teléfono:

Cuánta más luz, mejor. Por norma general, las cámaras de los teléfonos móviles de hoy en día acostumbran a tener una gestión del ruido bastante mala. Esto significa que, cuanta menos luz tenga la cámara para trabajar, menos calidad tendrán nuestras imágenes. Busca la luz natural y evita el flash en la medida de lo posible, ¡tus fotos lo agradecerán!
Cuánto más cerca, mejor. Estas cámaras no suelen presumir de muchísimo detalle, así que si lo que quieres es aprovecharlo al máximo, busca los primeros planos.
Evita el zoom. Rotundamente. El zoom digital le restará calidad a tus imágenes. Es más recomendable que hagas la fotografía sin aplicar el zoom y después, durante el procesado, recortes la parte que más te interese.
Los efectos, después de la fotografía. Los filtros, desenfoques, marcos... Siempre deben incorporarse a posteriori, aunque la cámara te ofrezca la posibilidad de tomar la fotografía con los efectos activados. Intenta conservar, siempre, el archivo original de tu fotografía, quién sabe si, en un futuro, vas a querer recuperarlo o aplicarle otros efectos.
Sujeta el móvil correctamente. Así evitarás trepidaciones y, quizás, alguna que otra caída.

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Descubre el 'Drag the Shutter' y Controla la Luz como un Profesional

autor invitado — Wed, 15 May 2013 08:18:49 -0400

Alfredo: ¡Hola! no hace falta que os presente a Jon Hernández, Lo tenemos de nuevo en dZoom con otro interesante artículo sobre el mundo del Flash. ¡Espero que os guste!

¡Hola de nuevo! Hoy os voy a contar una técnica que utilizamos en iluminación que produce efectos muy interesantes, me vais a disculpar pero como yo estudié en el extranjero no tengo ni idea de cómo le llaman en español, pero en inglés se conoce como:

¡Drag the shutter!

Como muchos sabéis cuando trabajamos con flash la velocidad del destello es tan rápida que la velocidad de obturación no afecta a la exposición creada por el flash siempre que nos mantengamos dentro de la máxima sincronización. Esto ya lo comentamos hace algún tiempo en Por Fin el HSS Explicado de Forma Sencilla para que No te Quede Ninguna Duda

Así pues, una foto en la que solo haya luz con flash tendrá la misma exposición independientemente de la velocidad de obturación usada, (De nuevo dentro de los límites de sincronización) a menos que estemos en una cámara oscura, tenemos más o menos luz ambiente, y la velocidad de obturación si afecta a esa luz.

Si solo hacemos fotos a 1/200 o 1/250 cuando trabajamos con flash, estamos dejando pasar la mitad de nuestra foto, ya que estamos ignorando la exposición creada por la luz ambiente.

Drag the shutter significa literalmente "Estirar el obturador" y lo que hacemos es simplemente controlar el tiempo de exposición para que la luz ambiente sea más o menos visible.

Veamos unos ejemplos:

(Todas estas fotos son ejemplos demostrativos, para ayudar a entender la lección, en ningún momento son trabajos finalizados y son archivos RAW directos de cámara sin más retoque que la reducción para su publicación)

Foto 1

En esta foto vemos un ejemplo donde gracias al "drag the shutter"conseguimos enfatizar las luces de las bombillas del salón, dando un aspecto más natural a la foto. Además en casos como este, donde la temperatura de la luz (Balance de blancos) ambiente y artificial son diferentes, darle más exposición a la luz ambiente afectara también al tono general de la imagen (tenemos una dominante mayor de la luz ambiente)

Foto 2

En esta foto la piscina está iluminada por flashes, pero las habitaciones no aportaban mucho, así que dando un mayor tiempo de exposición conseguimos que las luces continuas (bombillas) se muestren mejor en nuestra foto.

Foto 3

En este caso un retrato donde gracias al control del obturador aportamos más luz al fondo pero nuestra modelo que está iluminada por un flash tiene exactamente la misma exposición.

Otras cosas que se pueden hacer gracias al "drag the shutter"

Hemos visto algunas aplicaciones de esta técnica aplicada a la fotografía con flash, donde podemos decidir desde la cantidad de luz que nos aporta una bombilla hasta el tono de un fondo en un retrato, pero esta técnica se puede usar sin flash o con él para conseguir cosas como:

Muchos de estos efectos se han explicado en el pasado en dZoom, pero hoy habéis descubierto su uso en la fotografía con flash. ¡A partir de ahora tenéis un parámetro más en el que pensar cuando estéis haciendo fotos combinando luz natural con luz artificial!

¡Nos vemos pronto!

Jon Hernández es el fotógrafo tras la marca The Kube Studio, trabaja sobre todo en fotografía comercial, deportiva y producto. Y comparte muchos de sus trucos y herramientas en su blog donde podéis encontrar muchos tutoriales y artículos sobre fotografía.

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Domina La Intensidad Del Sol En Tus Fotografías Con Tu Reflector 5 en 1

Javier Lucas — Mon, 13 May 2013 07:23:06 -0400

Hay pocos accesorios a los que le haya sacado tanto partido como al reflector 5 en 1 que compré hace un par de años. Y lo cierto es que en un número importante de ocasiones no lo he utilizado como reflector, sino como difusor.

Sí, oyes bien, lo he usado justo para lo contrario para lo que está concebido un reflector. En lugar de rebotar la luz, la dejaba pasar, previo proceso de difusión. ¿Cómo es esto posible y para qué podría querer hacer este uso? No te preocupes, te lo cuento con todo lujo de detalles en este artículo. ¿Te interesa?

Recordemos Cómo Son Estos Reflectores 5 en 1 Y Sus Características

El nombre de estos reflectores viene de ofrecer 5 soluciones en un mismo elemento. Pero, ¿cuáles son éstas 5 opciones que nos aporta?

Blanco: Rebota la luz y puede servirnos como fuente de luz adicional en nuestras composiciones.
Negro: Absorbe la luz y permite lograr sombras más profundas, al evitar cualquier tipo de reflejo sobre el sujeto a fotografiar.
Plateado: Es un funcionamiento similar al del lado blanco, pero con un mayor poder de reflexión.
Dorado: Rebota la luz cargándola de un tono cálido muy buscado en según que tomas.
Translucido: Es el gran olvidado, porque podemos pensar que sólo se trata del soporte del resto. Sin embargo, permite difuminar la luz y lograr iluminaciones más suaves.

Como puedes ver en la imagen, para conseguir esta versatilidad, se dispone de una funda con cuatro caras (blanca, negra, plateada y dorada). Esta funda se monta sobre un anillo. En función de la forma en la que montemos la funda y la expongamos a la luz, tendremos uno de los cuatro usos primeros.

Si optamos por no aplicar la funda, nos quedaremos exclusivamente con el anillo traslucido, con lo que estaremos difuminando la luz. Porque, aunque está cubierto por una tela, esta es lo suficientemente fina como para dejar pasar la luz.

¿Por Qué Puedo Querer Difuminar La Luz?

Hay ocasiones en que no podemos controlar la dureza de la luz que incide sobre las escenas que fotografiamos y eso puede ser un problema.

No sólo cuando hay una falta de luz y empleamos flashes o reflectores para tratar de incrementar las fuentes de luz o directamente la iluminación global de la escena.

Sino que también es un problema muy importante cuando contamos con un exceso de iluminación en la escena y, sobre todo, disponemos de una iluminación excesivamente dura que ocasione sombras muy pronunciadas. Aunque, hay otras ocasiones, como las de la imagen superior derecha, en que buscamos este fuerte contraste.

No obstante, para esas situaciones con un exceso de dureza de la luz de la escena no deseado, viene a nuestro rescate el disco translúcido del reflector 5 en 1. Disponiendo este disco entre la fuente de luz y el sujeto iluminado se consigue, como veremos, un suavizado de la luz muy apropiado para lograr resultados más naturales.

Recuerdas la lata que te di con los distintos difusores para tu flash externo, ¿verdad? Pues, en este caso, el anillo traslucido, gracias a sus dimensiones, puede servirte, no sólo como difusor, al igual que lo hace un soft-box o un paraguas, de tu flash externo, sino también del sol.

¿No te lo crees? Pues sigue leyendo.

Un Ejemplo Práctico Del Uso Del Anillo Translúcido Como Difusor

Estábamos disfrutando de un placentero día de campo cuando, como de costumbre, se me ocurrió "molestar" a mis sobrinos con una sesión de fotos. Y así surgió la fotografía que puedes ver a continuación. Los ajustes de la toma, con el sol claramente a la derecha, fueron los siguientes: 50mm, 1/200 seg, f/5.0, ISO 100, Flash de Relleno.

No digo que esta imagen esté mal, pero no era el resultado buscado, la incidencia del sol sobre la parte directamente iluminada generaba una dureza excesiva para lo que yo buscaba.

Así que, aprovechando que tenía por allí el reflector, y que, como he dicho, estaba con mis sobrinos, le pedí a su hermano mayor que me echase una mano con el anillo traslucido para poder realizar una toma con una iluminación más difusa. Si él no hubiese estado, habría tenido que montar mi soporte para reflector. Gracias ;)

Como puedes ver, situó el anillo de modo que interceptase la incidencia directa del sol sobre la cabeza y parte superior del cuerpo del niño, suavizando, de este modo el resultado.

La nueva toma, una vez aplicado el anillo y con los mismos ajustes: 50mm, 1/200 seg, f/5.0, ISO 100, Flash de Relleno, pero incorporando el difusor, puedes verla a continuación.

Si te fijas bien, aún se sigue apreciando una ligera iluminación superior en la parte de la cara orientada hacia el sol, sin embargo, la diferencia con el resto de la cara es mucho más suave, ¿no crees?

¿No lo aprecias? Eso tiene fácil solución, enfrentemos ambas imágenes para verlo más claro.

Ahora ya no hay duda entre las diferencias, ¿a que no? Eso sí, tampoco quiero decir que sea mejor el resultado de la imagen de la derecha, simplemente, son distintos.

Lo que yo he pretendido contarte es cómo lograr el resultado de la derecha a partir de una fuente que aparentemente no puedes controlar: el sol. Como ves, algo de capacidad sobre el sol sí que tenemos.

Ahora, el optar por un resultado u otro ya es decisión tuya :)

¿Algún Consejo Más Para Controlar El Sol En Tus Fotografías?

¿Y tú qué?, ¿no tienes ningún truquillo para meter en cintura al sol y que te permita lograr los resultados que deseas? Seguro que sí, cuéntanos.

¿Utilizas los reflectores o el difusor de algún modo especial que crees que es interesante compartir con el resto? Ya sabes, estamos deseando seguir aprendiendo. Somos todo oídos.

Y, como siempre, si tienes dudas al respecto, éste es el espacio adecuado para plantearlas. ¡Hasta la próxima!

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Cómo Iluminamos y Fotografiamos un Pueblo Abandonado (¡¡entre más de 30 personas!!)

autor invitado — Fri, 10 May 2013 08:15:23 -0400

Alfredo: ¡Saludos! Nuevo artículo Photo Inside de Fusky (Iván) que nos explica una vez más como lograr impresionantes fotos nocturnas de larga exposición. ¡Esta vez entre más de 30 personas!

Hola. Hoy vamos a hablar de algo diferente. Normalmente, los Photo Inside de los que hablamos suelen referirse a una foto que hago o hacemos en compañía reducida. Pero lo que os traigo hoy, sobrepasa el número de dos o incluso cinco personas iluminando.Hace tiempo, desde el grupo de Lunáticos de la Hiperfocal, estábamos dando vueltas a hacer algo más complicado. Fue en un taller que impartimos desde Nightcolours, donde un alumno nos dio la idea. ¿Por qué no iluminar un pueblo abandonado?

La idea de hacerlo, iba más allá de un reto personal, o grupal. Era como dar vida a un lugar donde alguna vez, la gente vivió, compartió ilusiones, esperanzas, penas... Y que ahora está en el más completo de los olvidos.

De ahí, salió el nombre. Un nombre que poco a poco iremos dando sentido con más proyectos. Este que os traigo es el primero de los que esperamos sean muchos más.

La idea

La idea es iluminar un pueblo completamente abandonado, sin farolas, sin luces, sin vida. Queríamos revivir las piedras que aún persistían y que están en pie.

Bien, iluminar un pueblo abandonado es fantástico, pero el pueblo es grande... Así que necesitamos la ayuda de mucha gente.

Además, iluminar el pueblo está bien... Pero realmente, ¿quién da vida a algo? Las personas. Así que empezamos a pensar en pequeñas escenas que aportaran un extra a la escena.

Gente captada en una vida que fuera cotidiana. Así fue cómo empezaron a nacer los excursionistas, la mujer del paraguas, dos amigos que se encuentran en las calles del pueblo, un señor de avanzada edad yendo a su casa, la forja... E incluso un grupo de gente calentándose en una fogata.

Está muy bien, pero ¡¡¡necesitamos a mucha gente!!!

¿Qué mejor que publicar un evento y que la gente que comparte nuestra pasión se sume a esta iniciativa?

Así que maquetamos un cartel... Lo publicitamos y... más de 35 personas vinieron a nuestra llamada, lloviendo, con frío y a 150 Kms de Madrid. ¡¡¡Todo un éxito!!!

La Planificación

Con más de un mes de antelación a la publicación del cartel, hay muchas tareas complejas.

Fundamentalmente, la selección de un pueblo que reuniera las condiciones idóneas para la realización de la toma.

Debe estar totalmente abandonado.
Que no haya luces en el pueblo (Hemos encontrado pueblos abandonados con farolas en funcionamiento)
No excesivamente lejos de Madrid.
El pueblo debe estar dominado por una loma, para poder realizar la toma desde lo alto.
Contaminación lumínica nula o al menos que no nos contamine la escena.

Así fue cómo llegamos a la población de Matas, Guadalajara (España).

El pueblo reunía casi todos los condicionantes, menos uno. La contaminación lumínica de un pueblo que estaba cercano. Menos mal que el pueblo al que nos referimos estaba lo suficientemente lejos como para que con un recorte en la foto, eliminarlo del encuadre. Uff... Ya tenemos pueblo. Además, la cercanía de un castillo abandonado, accesible y en buen estado, nos podía servir para cuando finalizáramos el objetivo ir a seguir haciendo fotos. ¡Bien!

Después, se nos ocurrió realizar una demostración de nuestra técnica iluminando escenas... Así que era perfecto para pasar una noche fantástica.

El mismo día en que seleccionamos el pueblo, teníamos que realizar unas pruebas de luz, para tenerlo todo listo para cuando vinieran a ayudarnos así que Paco desde lo alto, me iba indicando las pruebas a realizar, y yo desde abajo, corriendo por todo el pueblo iba iluminando.

Gracias a las pruebas, pudimos realizar un esquema de luz. Y sobre una fotografía del pueblo, dibujamos unos puntos vitales para colocar a los fotógrafos para la noche seleccionada...

Ahora sólo hacía falta esperar a que llegara el día...

La noche

Y al fin llegó el día. Aunque se había organizado la KDD, fundamentalmente desde Facebook, más o menos la gente se iba apuntando.

En un principio, según las previsiones, la afluencia iba a ser masiva. Éramos muy optimistas, pero a medida que la fecha se acercaba, había un componente que no podíamos controlar... El tiempo. Las previsiones eran pesimistas. IBA A LLOVER.

La gente se iba dando de baja, iba a hacer frío, iba a llover, el pueblo estaba lejos de casi todos los lados.

Hasta que el mismo sábado, las previsiones del tiempo nos daban un respiro importante. No iba a llover durante la ejecución de la iluminación. Así lo hicimos saber por todos los medios, Facebook, Twitter... Sólo cabía esperar. En el primer punto de reunión, sólo fueron tres personas ajenas a la organización... ¿Cuánta gente iría al segundo y último punto de reunión?

Cuando llegamos a Sigüenza, se hizo la luz... Más de 35 personas estaban allí esperando. Todo un éxito. ¿Qué habría pasado si no hubiera estado lloviendo? Hasta gente de Barcelona se acercaron a la KDD.

Venga, no había tiempo que perder. Así que con el plano de iluminación en la mano, explicamos el plan, se comentó, se aceptaron sugerencias... ¡¡¡Y al PUEBLO!!!

Una vez en el pueblo, asignación de los actores, asignación de posiciones, reconocimiento del lugar, y a trabajar... La noche se echaba encima, y no podíamos perder ni un minuto de la tregua del tiempo. En cualquier momento se podía poner a llover.

Paco, y Sergio con las cámaras arriba de la loma encuadraban y realizaban pruebas.
Abajo, Kike, Alberto y yo colocábamos a los fotógrafos, con flashes, agrupados por filtros CTO o sin él.
La idea era simular la iluminación naranja de un pueblo, y luego luces sin filtrar para el interior de las casas.

Así comenzó el primer Ilumina el Olvido.

Cámaras, luces... Acción... Y una visita esperada.

Mediante walkies, me comunicaba con la dirección de la toma.

Siempre debe haber un director, y este papel decidimos que fuera Paco. Arriba con su cámara, examinaba los resultados de las tomas, y daba las correcciones a realizar junto con Sergio.

Abajo, yo daba las órdenes de luz para trasladar las indicaciones del director. Me ayudé de un megáfono para hablar con cada uno de los puntos del pueblo: "Número 4, dale un toque menos de flash", "La lana es excesiva!!!", "Por favor, número 15, ¡¡¡rebota el flash contra el suelo!!!" Eran unas de las muchas correcciones que había que realizar.

Y si eso no era suficiente, mandaba a Kike, que iba corriendo, a dar las indicaciones oportunas. Muchas veces, la voz no era suficiente para explicar la técnica a aplicar. Y así, foto a foto... Comenzaba a llover, así que última oportunidad.

¡¡¡Acción!!! Y los flashes empezaron a iluminar matas, historias que empezaban a tomar forma, y una voz por el walkie que fue genial: "Ok, ¡la toma es buena!" Puf... Ale, a recoger.

Mientras que recogíamos, la lluvia nos dio otro respiro, así que decidimos cenar, antes de la escena que teníamos pensada. Durante la cena, mientras comentábamos la noche... Oímos... "Buenas noches, Guardia Civil". Hombre, ya estaban tardando… jajajaja.

Normalmente, cuando salimos a realizar fotografías nocturnas, la visita de la autoridad es muy habitual. Como no solemos hacer nada malo... No pasa nada. Parece ser que el pueblo tenía dueño ¿?, y como le habían robado piedras en el pasado, venían a ver qué es lo que pasaba. Así que, identificación, una pequeña conversación y risas, que siempre se agradecen, y a continuar la noche.

Para finalizar la noche, realizamos una toma de zombies con la colaboración de los fotógrafos, para realizar una pequeña demo sobre iluminación selectiva. Y para los más aventureros, terminamos en el castillo cercano de Riba de Santiuste.

La foto

Os traigo el resultado final de la toma. El revelado, fundamentalmente lleva contraste, y saturación en la toma. No son varias fotos. Es una foto única. La última, para ser más exactos.

¿Veis todas las pequeñas historias que hemos pretendido contar en la toma?

El vídeo y el blog

Podéis ver la crónica original de Paco en el blog de Lunáticos de la Hiperfocal:

Os traigo el vídeo resumen que realizó Paco para el evento. Es muy divertido de ver, y así podéis haceros una idea de lo bien que lo pasamos... ¿Te apuntas al próximo?

Artículo y fotos por Fusky (Iván). Apasionado de la fotografía nocturna. En evolución constante. Compartiendo todo lo que sé, y aprendiendo de todos. Puedes ver más de lo que hago en El Blog de Fusky y mi Perfil en Flickr. Actualmente participo en el proyecto de talleres de fotografía nocturna www.nightcolours.es

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Hazte Un Maestro de la 'Cirugía Digital' Con la Herramienta Licuar de Photoshop

Javier Lucas — Wed, 08 May 2013 08:14:04 -0400

Aunque no me gusta engañar con mis fotografías y convertir el posprocesado en un complicadísimo proceso de transformación de lo fotografiado de modo que el resultado final no se parezca ni remotamente a la escena real, he de reconocer que hay veces en que puede venir bien aplicar alguna que otra herramienta para corregir pequeños defectos.

Por eso hoy voy a hablarte de la herramienta Licuar, que forma parte del amplísimo abanico de funcionalidades que te ofrece Photoshop. Con esta herramienta podrás trabajar sobre retratos y corregir esas pequeñas imperfecciones morfológicas que la inmensa mayoría de nosotros tenemos y con cuya eliminación podemos contribuir a un mejor aspecto de nuestros retratos. ¿Quieres ver cómo funciona?

¿Qué Tipo De Retoques Pretendemos Aplicar?

Hace poco te enseñaba a realizar auto-retratos en clave baja, ¿lo recuerdas? Como es lógico, la imagen del artículo era un auto-retrato mío :)

Pues bien, aunque quedé bastante contento del resultado. Después de observarlo unos instantes, rápidamente mis ojos se centraron en algunos detalles que la caprichosa genética ha incluido en mi cara:

unos buenos carrillos
ojos bastante achinados
el tabique un poco más ancho en la parte superior de la nariz

No se trata de defectos horrorosos, ni mucho menos. Pero sí se trata de peculiaridades que con ligeras modificaciones podrían ofrecer un resultado más atractivo de acuerdo a los cánones de belleza actuales.

Al margen de que puedas o no estar de acuerdo conmigo, lo que pretendo es mostrarte cómo proceder a realizar ciertos retoques de "cirugía digital". El someter luego a tus retratos a este tipo de operaciones y si es o no adecuado, ya es decisión tuya. Yo sólo pretende enseñarte cómo puedes hacerlo, ¿de acuerdo?

La Herramienta Licuar: Características De Su Interfaz

Una vez identificados los puntos de nuestro retrato que queremos modificar, es momento de ver cómo lograrlo.

Empezaremos por presentar la herramienta con la que lo conseguiremos, se trata del filtro Licuar (Filtro > Licuar...), al que también podrás acceder con la combinación de teclas Ctrl + Mayús + X.

Dentro de la interfaz de la herramienta destacan 3 secciones:

La parte superior izquierda en la que dispones de los distintos pinceles: deformar hacia adelante, reconstruir, molinete hacia la derecha, desinflar, inflar, empujar a la izquierda...
En la parte superior derecha las características del pincel. Pudiendo elegir el tamaño, la densidad, la presión y la velocidad.
En la parte inferior derecha (siempre y cuando esté activado el Modo Avanzado), las opciones de visualización y el tipo de máscara sobre la que aplicar el retoque.

Como ves, una herramienta muy completa y con enormes posibilidades, aunque, como verás en el siguiente apartado, no necesitas conocer, ni muchos menos utilizar, todas sus opciones.

Un Ejemplo Muy Sencillo de Uso: Pinceles de Desplazamiento y Desinflado

A pesar de tener tantas posibilidades, yo siempre que uso esta herramienta, me limito a trabajar con sólo 3 tipos de pinceles, variando exclusivamente el tamaño y densidad del mismo.

Curiosamente, cada uno de los defectos detectados en el retrato pueden resolverse haciendo uso de cada uno de los pinceles que yo acostumbro a utilizar, así que será fácil mostrárte cómo funcionan :)

1. Deformar hacia adelante.

Este pincel permite pinchar y arrastrar, de modo que puedes deformar un rostro, pero también puedes corregir aquellas "deformidades" que éste tenga. En este caso, lo utilizaremos para reducir el tamaño del carrillo en la fotografía.

Con un poco de calma, y con el tamaño de pincel adecuado, iremos desplazando el carrillo hacia adentro para tratar de presentar una transición entre pómulo y mandíbula más recta.

2. Hinchar.

Este pincel puedes utilizarlo para aquellas partes que requieran realzar su tamaño. Lo cierto es que es el pincel, de los tres presentados, que menos frecuentemente tendrás que utilizar.

En este caso, incrementaríamos el tamaño del pincel y lo situaríamos en el centro del ojo. Lo aplicaríamos varias veces y veríamos el resultado. Es probable que tengas que realizar varias pruebas e ir hacia adelante y hacia atrás hasta lograr el resultado deseado. Y ten cuidado para que el resultado logrado no sea completamente antinatural, ¿de acuerdo?

3. Deshinchar.

Será más habitual tener que reducir el tamaño de algunos elementos de nuestra cara, ése es el papel que juega este pincel.

Reduciendo un poco el tamaño del pincel y aplicando sobre la parte central del tabique podremos tratar de reducir esta imperfección y conseguir un tabique perfecto :)

¿Qué Hay Del Resultado?

La ventaja de la "cirugía digital" es que no hay que esperar tanto tiempo como en la cirugía estética para poder ver los resultados. Y, lo que es más importante, siempre hay marcha atrás. Sobre todo si has sido precavido, has guardado una copia del original como capa de fondo y has trabajado sobre otra capa :)

Al margen de bromas, aquí te dejo el antes y después de los retoques, todo ello conseguido como te he descrito en el artículo. ¿Qué opinas?, ¿ha merecido la pena?

Parecen claras las diferencias, ¿verdad? Sobre todo si te recuerdo que te centres en el carrillo, el tabique y el tamaño de los ojos. Eso sí, no entro en que te guste más una u otra. Pero lo que no me negarás es que puedes lograr cambios increíbles en apenas minutos.

¿Por Qué No Lo Intentas?, ¡Y Luego Cuéntanos Qué Tal!

Ya has visto lo sencillo que es. Y seguro que tienes un buen número de fotos candidatas a las que podrías aplicarle sin problemas este tipo de retoques. ¡Pruébalo!

Si eres más de pequeños ajustes, sin llegar a todo un proceso de cirugía, quizás puedan interesarte más otros artículos que hemos escrito sobre: cómo retocar un retrato, suavizar la piel, realzar el brillo de los ojos, blanquear los dientes, etc.

Optes por el retoque que optes, como de costumbre, cuéntanos tus dudas, reflexiones, consejos, comentarios, trucos, recomendaciones... Somos todo oídos :)

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7 Consejos Para Superar las Temidas Crisis Creativas

Mònica Vidal — Mon, 06 May 2013 07:20:01 -0400

Después de estar todo un año tomando fotos a cada momento (por un Proyecto 365), el cansancio y el agobio hicieron que dejara de lado la cámara durante un tiempo. Al principio por descansar, después por pereza y al final, me di cuenta de que hacía meses que no hacía fotos. Cuando intentaba agarrar la cámara, conseguía pocas imágenes y que, además, no me gustaban especialmente. Así que llegué a la conclusión de que había entrado en algo que hacía tiempo que no experimentaba: una crisis creativa.

¿Qué Pasaba Por Mi Mente al No Poder Hacer Fotos?

Llevaba un año entero con la cámara a cuestas, haciendo mínimo una foto cada día y de la noche a la mañana, dejé de hacer fotos. Al principio era por descansar, un proyecto 366 es muy largo y al terminarlo, estaba bastante agobiada. Así que decidí descansar. Poco a poco, fueron pasando las semanas y mi cámara empezaba a acumular polvo. Hasta llegar al punto de que me daba pereza agarrar la cámara porque no hacía fotos y a la vez, no hacía fotos porque me daba pereza agarrar la cámara.

Y esta situación me agobiaba, echaba de menos hacer fotos pero si me lo proponía, no conseguía hacer nada que me gustara. Y cuando me di cuenta, habían pasado tres meses y apenas había hecho click. ¡Con lo que yo había sido! Fue entonces cuando me di cuenta de que había entrado en una crisis creativa.

La verdad es que hacía muchos años que no había tenido una de estas y ya no me acordaba lo que se sentía. Las crisis de este tipo son algo cíclico: la inspiración, la creatividad, viene y va. Entonces, ¿cómo se solventa una crisis creativa? En mi opinión, no se puede: tiene que pasar sola. Sin embargo, hay cosas que se pueden hacer para acelerar un poco este proceso natural:

1. Mira Muchas Fotos

Es un buen momento para cargar las pilas y descubrir nuevos fotógrafos que te inspiren. Mira fotografías, analízalas, aprende a mirarlas. Empápate de imágenes, ve a algún museo, lee libros de fotografía, mira documentales. Analiza la fotografía de las películas. Pero no lo hagas con la intención de imitar, de coger carrerilla para salir a hacer fotos. Hazlo todo por el simple gusto de apreciar arte, de empaparte de belleza. También puede serte útil mirar tus propias imágenes, para ver cómo has evolucionado en los últimos tiempos, piensa en cómo mejorarías tus fotos viejas, si ahora las harías de una manera distinta... Si estás en un período poco productivo, utilízalo para inspirarte.

2. Conoce Gente Nueva

Sal a buscar gente que viva la fotografía (que no es lo mismo que vivir DE la fotografía, cuidado). Puedes probar con gente que viva este arte de tu misma manera (osea, que haga fotos "parecidas" a las tuyas) y con gente que la viva de una manera distinta. Acompáñalos a hacer fotos (con o sin tu cámara), sólo para verlos trabajar, para que te expliquen qué hacen con la cámara y que te enseñen sus resultados. Quizás no es algo automático, pero con el tiempo, te acabarán despertando el gusanillo fotográfico otra vez. Así que buscar a alguien que disfrute haciendo fotos, puede ser una buena manera de recuperar "la alegría de fotografiar".

3. Empieza Un Proyecto Nuevo

Puede parecer un poco contradictorio: si no haces fotografías, ¿cómo vas a crear un nuevo proyecto? En realidad sí tiene sentido. Por dos razones:

Si encuentras algo que te guste lo suficiente como para crear un proyecto fotográfico a su alrededor, seguramente termines animándote a hacer más y más fotos para ir ampliando el proyecto. Así que puede darse el caso de que, con el tiempo, te ayude a salir del período poco productivo en el que te encuentres.
Por otro lado, el hecho de mantener un proyecto fotográfico vivo, te obligará a hacer fotos. Quizás, salir a hacer fotos de una manera "obligada" no sea la mejor manera de salir de una crisis de este tipo. Sin embargo, si encuentras un proyecto que te anime lo suficiente, el hecho de "obligarte" a hacer las primeras fotos será sólo el inicio.

En mi caso, por ejemplo, he llegado a estrenar dos proyectos nuevos en plena crisis fotográfica. Y firmemente creo que ha sido gracias a estos nuevos proyectos que me han ocupado y obligado, en cierta medida, a volver a agarrar la cámara que he llegado a superar o, mejor dicho, a terminar con la crisis creativa que me tenía preocupada.

4. Permítete Un Capricho

Si te lo puedes permitir, hazte un regalo. No hace falta que sea una gran inversión, ni que renueves tu equipo entero. Basta con comprar algún complemento con el que puedas descubrir una nueva manera de hacer fotografía: puedes adentrarte en la fotografía macro si nunca antes lo has intentado, comprarte un reflector para probar una nueva manera de iluminar tus retratos o, simplemente, renovar la correa de tu cámara.

Esto último fue lo que yo hice: compré una correa especial para llevar la cámara a modo de bandolera, de manera que no hace falta que la guarde a cada momento en la funda o que la lleve colgada del cuello (cosa que siempre me ha sido bastante incómoda). Con esta nueva correa, siempre tengo la cámara en la mano así que la pereza de sacar la cámara de la funda no existe y por lo tanto, hago muchas fotos que antes no hubiera hecho por eso, por pereza.

5. ¿Qué Tal un Viajecito?

No te preocupes: no hace falta que vayas a dar la vuelta al mundo para recuperar tu inspiración. Con salir a dar una vuelta por algún sitio que no veas a diario bastará. Pasar un día en la montaña o un fin de semana en otra ciudad puede despertarte, de nuevo, las ganas de usar tu cámara, pues tus ojos verán cosas nuevas que, probablemente, te llamen la atención.

6. Rompe Con Tu Estilo

Si estás acostumbrado a hacer un tipo de fotografía concreto, prueba a dejar de hacerla. Investiga nuevas maneras de usar tu equipo. Experimenta con el blanco y negro, con el macro, con la fotografía urbana. Busca nuevas maneras de expresar lo que puedas llevar dentro. Haz fotografías que nunca antes habrías pensado que harías. Sal de tu "zona de confort", es decir, deja de hacer aquello que "se te da bien" para poder llegar a descubrir otros mundos fotográficos que puedan llegar a ser muy inspiradores y que, incluso, pueden llegar a darte un nuevo futuro sorprendente en la fotografía.

Quizás un buen cambio sea abandonar el universo digital y sumergirse (de nuevo o por primera vez) en el maravilloso mundo de la fotografía química, la de carrete.

7. Pero lo Más Importante Para Superar Una Crisis Fotográfica Es...

No fuerces la maquinaria. ¿No tienes ganas de hacer fotos? Pues no las hagas. Sí, es cierto que hemos estado diciendo que forzarte a hacer fotos puede sacarte de la crisis, a tu elección está el hacerlo o no. De todas formas, si lo planteas como un período de descanso (en vez de una crisis creativa o fotográfica) seguramente aproveches mejor tu tiempo y además, evitarás los agobios y el sentirte mal por no poder hacer fotografías. Aprovecha este descanso momentáneo para hacer otras cosas: inspirarte, ordenar tus ideas, ampliar conocimientos, empezar otros hobbies... Lo importante para superar una crisis de este tipo es, precisamente, olvidándote de que estás pasando por ella.

¿Nos das tu propio consejo?

¿Has pasado últimamente por una crisis de estas? ¿Tienes tu propia receta para superarlas?

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RawDroid Y Snapseed: La Pareja Perfecta Para Sacarle El Mayor Partido Fotográfico a Tu Tablet

Javier Lucas — Fri, 03 May 2013 07:20:16 -0400

Desde que me hice con mi nueva y flamante tablet he buscado aplicaciones que me permitiesen visualizar y editar de forma rápida aquellas fotografías que tomaba en mi cámara y poder revisarlas y enseñarlas a un tamaño y calidad adecuado poco tiempo después de haber disparado.

Tras probar distintas aplicaciones creo que he encontrado la pareja ideal, y además gratuita, para poder realizar mi propósito con tablets que empleen sistema operativo Android. Se trata de las aplicaciones RawDroid y Snapseed. Con las que, como verás, podrás hacer infinidad de tareas fotográficas para las que, hasta ahora, te veías obligado a encender tu portátil o sobremesa. ¿Quieres saber más de estas aplicaciones?

Mis Disculpas A Los Usuarios de iOS

Como he comentado en la introducción, se trata de dos aplicaciones y un artículo para usuarios de tablets con Android. Lo siento, pero éste es el Sistema Operativo de mi tablet y no me veo con la suficiente experiencia para aconsejar nada sobre iOS.

No obstante, Snapseed también está disponible para iOS, por lo que todo lo que se diga en el artículo al respecto de esta aplicación es aplicable para las tablets de la manzana. Y en cuanto a RawDroid, estoy seguro de que habrá múltiples alternativas para iPad.

Por lo que si no tienes Android, quizás no todo esté perdido, ¿no? Estoy seguro de que también podrás sacar estupendas conclusiones para tu tablet.

Comencemos Descargando Y Describiendo Las Características De Las Dos Aplicaciones

¿Tienes tu tablet lista? Pues prepárala, porque lo primero que vamos a hacer es descargar a través del PlayStore las aplicaciones que hemos comentado.

RawDroid: Aplicación gratuita a través de la que podrás hacer múltiples tareas relacionadas con los ficheros RAW que genera tu cámara. Si tu cámara no genera RAWs, o no quieres trabajar con este tipo de ficheros, puedes obviar la descarga de esta aplicación y descargar únicamente Snapseed.

A continuación listo algunas de las tareas que podrás realizar gracias a RawDroid:

Visualización de imágenes en modo red
Visualización de imágenes a pantalla completa
Zoom sobre las imágenes
Procesado por lotes para conversión a JPG
Procesado por lotes para cambio de nombre de las imágenes
Acceso a la información EXIF
Decodificación de ficheros RAW para poder trabajar sobre ellos en aplicaciones de retoque como Snapseed
...

Snapseed: Aplicación también gratuita (requiere 4.0 ó superior) con la que podrás hacer multitud de efectos y retoques sobre tus imágenes. Desde los más sencillos hasta los más complicados que puedas imaginar.

Éstas son algunas de sus capacidades:

Autocorrección (color y exposición)
Ajuste selectivo (sobre secciones específicas de la imagen)
Ajustes generales (saturación, contraste, balance de blancos, etc.)
Enderezar y rotar
Recortar
Efectos creativos: Blanco y negro, vintage, drama, tilt-shift, marcos, retrolux...

La interfaz de Snapseed es tremendamente sencilla, seleccionas la herramienta y, a continuación, mediante desplazamientos en vertical (para cambiar el ajuste) y en horizontal (para cambiar el nivel del ajuste) podrás hacer uso de toda la extensísima funcionalidad que ofrece.

Sé que lo he dicho, pero, por si acaso, lo vuelvo a repetir: ¡y todo esto gratis!

¿Cómo Es Mi Flujo De Trabajo Con Cámara y Tablet?

Por supuesto, con las aplicaciones que he mencionado, por muy buenas que sean, no basta. Hay que definir un buen flujo de trabajo que permita sacarles todo el partido posible y hacerlo de la forma más productiva posible.

Así que, con el objeto de que puedas valorarlo e incorporar al tuyo algunas de las prácticas del mismo, aquí te las detallo:

1. Es imprescindible disponer de un mecanismo de comunicación entre la cámara y la tablet, cada vez son más las cámaras que ofrecen, por ejemplo, funcionalidades WiFi para la comunicación con otros dispositivos.

Si no es posible la comunicación de la cámara, sí es necesario, al menos, un mecanismo que permita transmitir las imágenes desde la cámara a la tablet. Lo más sencillo es a través de la tarjeta SD si tu tablet tiene lector de SD, o bien mediante el empleo de SDs con funcionalidad WiFi.

2. Una vez que tienes resuelto el tema de la comunicación es el momento de tomar las fotografías. Aquí no hay muchos consejos específicos que dar. Eso sí, como sabes, tienes dZoom repleto de ellos si estás pensando en algún tipo de fotografía o sesión concreta.

3. Cuando has terminado con las fotos, empieza lo bueno: sacarle partido a tu tablet y a su espléndida pantalla. Transfiere las imágenes a la tablet, mediante alguno de los mecanismos descritos en el punto 1 y ve preparando tus dedos para la visualización, edición y retoque de algunas imágenes.

4. Ya tienes tus imágenes en la tablet. Lo primero, como siempre, será descartar aquellas imágenes que claramente no merecen la pena y evitar que nos roben tiempo. Para ello, abre RawDroid y con una rápida exploración a través de la vista en red, elimina aquellas que están estorbando.

5. Si quieres realizar alguna tarea por lotes sobre las imágenes, éste es el momento. Selecciona todas aquellas fotografías que desees tratar de forma global y cambia su nombre, conviértelas a JPG o realiza cualquier otra acción que desees.

6. Ahora que ya has trabajado de forma global sobre las imágenes, es momento para editar y retocar de forma individual aquellas imágenes que desees. Para ello, accede en modo pantalla completa a través de RawDroid y selecciona el botón de Edición (tiene forma de lapiz). Al pulsar sobre este botón podrás editar tu imagen con el Editor de fotos de Android, o bien, si ya tienes instalada la aplicación, con Snapseed. Por supuesto, selecciona Snapseed.

7. Dentro de Snapseed, como vimos anteriormente, tienes muchísimas posibilidades: ajustes generales, ajustes locales, efectos vintage, blanco y negro, marcos... Todo lo que se te ocurra, seguro que puedes hacerlo y de forma rápida y sencilla.

En las imágenes superiores tienes el antes y el después de aplicar sencillos ajustes sobre la imagen original del monopatín.

¿Alguna Recomendación Con Respecto Al Flujo O Aplicaciones Que Utilices?

Con esto acabo con todo lo que yo puedo aportar a este respecto: mi flujo de trabajo y las dos aplicaciones que mejores resultados me han dado.

Pero estoy seguro de que tú tienes mucho que decir a este respecto. Otras aplicaciones que hayas probado, variantes relativas al procesado de las imagenes, ¡vamos!, ¡atrévete! y ¡cuéntanos!

Más de uno tenéis tablet y apuesto a que os faltó tiempo para probar sus posibilidades fotográficas desde el momento que las sacasteis de la caja, ¿a que sí?

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¿Liso o Rugoso? Las Texturas en Fotografía y Cómo Sacarles Jugo

Mònica Vidal — Wed, 01 May 2013 07:39:18 -0400

El lenguaje visual es aquello que desarrollamos para expresar mensajes a través de las imágenes. A la hora de expresarnos visualmente, contaremos con muchísimos elementos que nos ayudarán, como podrían ser el ritmo o el volumen. Pero éstos no son los únicos.

La textura, por ejemplo, también nos puede ayudar a expresar cosas. Y es que la textura de una imagen, no es más que una ilusión óptica que ayuda a reconocer aquellas sensaciones táctiles que podría experimentar quien ve la foto, si tocara la superficie que está viendo. ¿Cómo influye la textura en las fotos? ¿Cómo conseguir potenciar la textura en nuestras imágenes?

¿Qué Nos Transmite la Textura?

Todos los objetos que tenemos a nuestro alrededor tienen textura, el verdadero reto fotográfico está en conseguir usar esta textura para nuestros intereses comunicativos. Es decir: para transmitir aquello que queramos a través de la fotografía. Cuando fotografiamos algo con una textura muy marcada, nuestra fotografía toma cierto grado de realismo, pues la imagen evocará, en la mente del espectador, el sentido del tacto. Además, la textura nos aportará cierta tridimensionalidad a nuestras fotografías, que dejarán de ser planas para adquirir cierto volumen.

A nuestro criterio quedará decidir si nos interesa buscar o no esas texturas, tanto en los retratos como en el resto de fotografías. Sea como sea, la textura siempre marcará el tono de nuestras fotos, tanto su presencia como su ausencia. Porque, en realidad, la no-textura también es una textura.

Quizás es un poco lío, voy a explicarme: como he dicho al principio del artículo, TODO lo que tenemos a nuestro alrededor tiene textura. Que algo no sea rugoso no significa, en absoluto, que no tenga textura. Simplemente que es de textura lisa. En el caso de la fotografía de bebés, por ejemplo, cuando se busca la pureza y la suavidad, suelen camuflarse las texturas que puedan provocar las arrugas o se intenta conseguir texturas muy suaves. Si buscamos las texturas en los retratos, por ejemplo, nos ayudarán a conseguir imágenes de personas con carácter, curtidas y con cierta rudeza y agresividad.

Así, para conseguir ambientes fríos y duros, nos interesará buscar las texturas más duras pero para conseguir espacios limpios y mágicos, quizás la mejor opción sea minimizar las texturas para que todo aparezca liso y suave.

Ya Hemos Decidido que Queremos Buscar las Texturas. ¿Cómo lo Hacemos?

Como siempre hemos dicho, lo más importante en fotografía es la luz. La luz es el gran pilar de las composiciones fotográficas. Así que será ella, la luz, la que nos regale las texturas. La mejor manera de conseguir buenas texturas es iluminar nuestro sujeto de manera lateral. Cuanto más lateral y rasante sea la iluminación, más evidentes serán las sombras. Además, si usamos una luz muy dura, generaremos sombras muy duras y, por lo tanto, muy definidas.

Por el contrario, si lo que queremos es eliminar del todo las texturas de nuestras fotografías, lo que tenemos que hacer es iluminar frontalmente nuestro sujeto. O bien iluminarlo desde diferentes puntos para evitar que aparezcan sombras producidas por la textura que éste tenga. Si esto, además, se hace con una luz suave, las posibles sombras que puedan aparecer y evidenciar texturas, serán, todavía, menos evidentes.

También existe la opción intermedia: aquella que busca las texturas pero no de manera agresiva, sólo para dotar de volumen el sujeto. Esto se consigue utilizando una iluminación lateral (aunque no rasante. Con que el punto de luz esté a unos 45º del sujeto, nos servirá). Las sombras, así, serán suaves y graduales. Darán sensación de volumen pero no serán agresivas.

Tenemos que tener todo esto muy en cuenta si disparamos al aire libre, especialmente si buscamos fotografías edificios o paisajes naturales pues, como ya sabemos, la luz va cambiando a lo largo del día. ¿Y esto qué significa? Significa que tenemos que estar muy pendientes de la iluminación que recibe nuestro sujeto: ¿potencia las texturas? ¿esto nos interesa?

Si sólo tienes un momento para inmortalizar aquello que tienes delante (porque, por ejemplo, estás de viaje y tienes el tiempo muy justo), quizás no tengas mucha capacidad de elección. Sin embargo, si tienes la opción de estudiar bien la iluminación del lugar que buscas fotografiar, deberás observar como le llega la luz en distintos momentos el día para, así, poder elegir cuál te interesa más. No tengas prisa para hacer este tipo de fotos, a veces la iluminación baja del sol en su puesta nos regala unas texturas muchísimo más expresivas que aquellas que podamos obtener del sol de mediodía. Teniendo en cuenta este tipo de cosas podemos conseguir pasar de fotografías "buenas" a fotografías "espectaculares". ¡Y fíjate que son sólo detalles!

Textura y Composición

Si decidimos incorporar las texturas en nuestras fotografías, debemos tener en cuenta que las sombras producidas por éstas son importantes para la composición. La composición fotográfica, por norma general, se rige por líneas, figuras y, sobre todo, pesos visuales que se deben repartir de manera atractiva para poder llegar a guiar el ojo que vea nuestras fotos y así, ayudarlo a leer nuestra fotografía. Así que, como iba diciendo, si decidimos añadir en nuestra composición un nuevo elemento (las texturas, las sombras) deberemos encontrarle un lugar atractivo en nuestra composición. Especialmente si las texturas son el punto de atención de nuestra fotografía.

Por norma general, hacer evidente la textura que tiene un objeto tiende a "llenarlo" visualmente, lo que significa que, a nivel visual, "pesará más", estará más presente, llamará más la atención al ojo que mire la fotografía. Asimismo, un objeto/sujeto que tenga una textura lisa (sea porque realmente la tiene o porque hemos disimulado su textura real mediante una iluminación frontal) será mucho más ligero visualmente. Esto es especialmente importante tenerlo en cuenta, sobretodo si en una misma composición vamos a juntar objetos con distintas texturas porque, realmente, ¡las texturas nos condicionarán la composición!

Tu turno!

Ahora te toca a ti salir a buscar las texturas a la calle. ¿Nos enseñas los resultados?

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