¿Eres principiante y todavía no tienes claro el significado de las siglas básicas de un objetivo? ¿Sigues sin entender del todo conceptos esenciales como la distancia focal, la apertura máxima o la distancia mínima de enfoque de una lente?

Como fotógrafo es fundamental el conocimiento del propio objetivo, porque saber las virtudes y limitaciones de una lente te permitirá hacer mejores fotos (o no hacerlas peores), del mismo modo que te ayudarán a conocer tu cámara.

En el artículo de hoy vamos a comprender, de una vez por todas, las cuestiones fundamentales que necesitas saber sobre una lente. Dejaremos de lado los tecnicismos complicados para explicarte de forma sencilla y con ejemplos prácticos cómo son tus objetivos.

¿Conoces de Verdad tus Objetivos Fotográficos?

No hay nada peor que no estar familiarizado con tu cámara o con tu lente y ver cómo pasan delante de ti oportunidades irrepetibles que no has aprovechado. Debes asumirlo, cuando decides comprar una cámara con lentes intercambiables lo de apuntar y disparar ya no te servirá.

Ahora tienes que usar varias lentes con unas especificaciones técnicas concretas que serán diferentes entre ellas. Son muchas las características que un objetivo puede tener y que definirán tanto su calidad como su rendimiento en diversas situaciones y para cada tipo de fotografía.

Si al mirar las características de un objetivo te entran sudores fríos porque no entiendes del todo qué es cada cosa, este es tu artículo. Lo que vamos a hacer es explicar cuáles son las cuestiones fundamentales comunes que incluyen la mayoría de objetivos que encontrarás en el mercado actual. ¡Empecemos!

#1. Distancia Focal

La distancia focal será la característica principal de un objetivo. Se mide en milímetros (mm) y nos indica la longitud física que habrá entre el sensor de la cámara y el centro óptico de la lente que tenga el objetivo.

Esta medida nos va a indicar lo amplio o lo reducido que es nuestro ángulo de visión a la hora de tomar fotos. Cuanto más cerca está el sensor del centro óptico (menos mm tiene la lente) más alejada se verá la escena, como ocurre cuando miramos a través de un objetivo gran angular.

Mientras que, cuanto más lejos está el centro óptico del sensor (más mm tiene la lente), más cercana se verá nuestra escena o nuestro sujeto/objeto fotografiado, como al mirar a través de un teleobjetivo.

Por lo tanto, conocer los milímetros que tiene una lente (un 50mm, un 24mm o un 90mm) nos ayudará a saber qué ángulo de visión podremos fotografiar, es decir, la cantidad de escena que podremos abarcar en nuestra composición.

Este gráfico te ayudará a comprender el concepto. En él podemos ver la relación entre distancias focales (mm de un objetivo) y el ángulo de visión que nos permite captar cada uno. Cada color nos indica la magnitud del ángulo y el tipo de fotografía más utilizado en cada caso.

Hagamos ahora una prueba de campo con diversos objetivos para acabar de comprender qué es la distancia focal. Utilizaremos la misma cámara, una Nikon D7100, y diversas lentes con diferentes distancias focales y dispararemos nuestras tomas sin movernos del sitio.

¿Notas como el espacio fotografiado se va reduciendo a medida que aumentamos los mm de distancia focal y que se va ampliando a media que se reducen los mm?

Ahora ya comprendes lo importante que es saber cuántos mm tiene una lente a la hora de hacer un tipo de fotografía u otro ¿verdad?

La distancia focal también será un parámetro que influirá en la profundidad de campo. Cuando usemos objetivos con focal larga (100, 200, 300mm) nuestra toma tendrá menor profundidad de campo y cuando usamos focales cortas (11, 16, 35mm) la profundidad de campo será mayor.

¿No recuerdas que era la profundidad de campo? Se trata de la zona de la imagen que podemos decir que apreciamos como nítida o enfocada. Esto influirá decisivamente a la hora de guiar la mirada del espectador hacia una zona concreta de la captura porque inconscientemente nos fijamos en la zona más nítida de una imagen.

En este artículo te explicamos detalladamente y con ejemplos qué es la profundidad de campo, porque son varios los factores que influyen para que la zona que aparezca nítida sea mayor o menor.

Vamos a poner a prueba nuestras lentes. Buscaremos el mismo encuadre usando un 13mm y 135mm para ver cómo se comportan. Este es el resultado que hemos obtenido con el angular y una apertura relativamente alta y con el teleobjetivo y una apertura baja.

Como ves, la zona apreciablemente nítida es mucho mayor usando una focal corta (gran angular) que usando una focal larga (teleobjetivo). Por lo tanto, a más milímetros, menor profundidad de campo.

Hemos comprobado que difícilmente podrás conseguir retratos con bokeh usando un gran angular (ni siquiera usando aperturas amplias) porque las características inherentes a la propia lente no te lo permitirán.

#2. Focal Fija o Variable

Pasemos al siguiente punto que suele preocuparnos, ¿por qué hay objetivos en los que pone 18-55mm o 55-200mm? ¿Y otros en los que solo pone 35mm o 50mm? Pues porque, por un lado existen lentes zoom capaces de abarcar varias distancias focales en un solo objetivo y, por otro lado, lentes fijas (lentes prime, en inglés) que solo cuentan con una distancia focal fija.

Para entenderlo mejor lo veremos con un ejemplo. Este objetivo 18-55mm me permite disparar fotos a 18, 20, 25, 30, 35, 40, 45, 50 o 55mm. Todas las que quiera dentro del rango focal que va de los 18 a los 55 milímetros.

De hecho, a medida que voy aumentando la distancia focal, es decir, moviendo el anillo específico para ello, el centro óptico del que te hablábamos antes se va separando del sensor.

Mientras tanto, esta lente fija 50mm solo me deja disparar fotos desde una distancia de 50mm. Y como ves, no existe el anillo zoom, solo el anillo de enfoque.

Por tanto, cuando veas un objetivo en el que haya escritas dos distancias focales distintas es porque identifica cuál es la mayor y la menor distancia focal que cubrirá. Y si solo ves una distancia focal, es porque se trata de una lente fija.

Dicho esto, es relevante explicar que la calidad óptica de las lentes fijas es normalmente superior a la de las lentes zoom, a pesar de que estas últimas sean más versátiles.

¿Por qué? Pues porque, como has visto, un objetivo de tipo zoom basa su funcionamiento en el alargamiento y acortamiento del tubo y es complicado mantener una óptima calidad de imagen en todas las posiciones de los cristales. En cambio, sí que es más fácil tener una lente fija con un cristal que nos ofrezca la máxima calidad.

#3. Apertura Máxima

Ahora llega un concepto esencial que sin duda será crucial a la hora de elegir un objetivo, porque será uno de los factores que más encarecerá su precio. Nos referimos a la apertura máxima del diafragma de una lente.

El diafragma, si no te acuerdas bien de que era, es un dispositivo que forma parte de la lente y que se compone de unas palas que se abren y cierran. Según cuanto se abran o se cierren esas palas será más grande o más pequeño el orificio por donde entrará la luz que llegará hasta el sensor de nuestra cámara.

¿Y qué ocurre cuando abrimos o cerramos el diafragma? Pues que, además de que obtendremos mayor o menor cantidad de luz, también conseguiremos tener mayor o menor profundidad de campo.

La apertura estará representada por un número llamado f. Como puedes observar en el gráfico de arriba, cuanto más se reduce el número f más se abre el diafragma, más luz obtenemos y menor profundidad de campo tenemos.

Por tanto, además de la distancia focal, de la que te hemos hablado antes, otro de los factores cruciales para determinar la profundidad de campo y que tiene que ver con tu lente será la apertura del diafragma.

Como esto al principio cuesta un poco de visualizar, vamos a verlo con un ejemplo. Las siguientes fotografías están tomadas con el mismo objetivo, un 35mm, y desde la misma distancia.

Lo único que hemos cambiado es la apertura del diafragma, en la primera hemos elegido una apertura reducida (número f alto), en concreto f/8, y en la segunda hemos elegido un apertura amplia (número f bajo), en concreto f/1.8.

¿Te das cuenta de que si usamos una apertura amplia obtenemos una profundidad de campo y la zona nítida en la imagen es mucho más reducida? Tanto el fondo como la parte de delante se aprecian borrosos, lo que nos permite fijar la atención en el objeto fotografiado.

Además, si te fijas en los parámetros verás que al haber dejado pasar más luz a través del diafragma hemos tenido que aumentar la velocidad y reducir la ISO para no sobreexponer la foto. Por lo que, una lente con una apertura máxima amplia nos interesa para contar mayor luminosidad.

Pero también debemos tener en cuenta que, cuanto mayor suele ser la apertura máxima de una lente f/1.8, f/1.4, f/1.2, más caro suele ser su precio.

Vale, todo esto está muy bien, pero ¿por qué a veces vemos una lente en la que hay varias aperturas máximas? Eso es porque en lugar de tener una apertura máxima fija, tienen una apertura máxima variable.

En muchos objetivos zoom, que abarcan diversas distancias focales no pasará esto. Fíjate en la foto, lo que significa es que si usas la lente en la posición de 70mm la apertura máxima que tendrás es de f/4, mientras que si eliges una distancia focal de 300mm, la apertura máxima que te permitirá será de f/5.6.

Eso no significa que todas las lentes zoom sean así. Existen algunas que tienen una apertura máxima fija como este Tokina 11-16 mm con una apertura máxima de f/2.8.

Sin embargo, cuanto más rango focal abarquen más difícil será que puedan mantenerla fija y si lo hacen... Más vale que prepares la cartera porque el presupuesto se disparará todavía más.

#4. Distorsión de la Lente

Distorsión de Barril y Distorsión de Cojín

En mayor o menor medida y dependiendo del tipo de cristales que alberguen, las lentes suelen tener un cierto grado de distorsión. Pero ojo, hay dos tipos de distorsión, que como principiante no debemos confundir, una es la distorsión de la lente y otra la distorsión de la perspectiva.

Vamos a ver primero a qué nos referimos con distorsión de la lente. Existen dos tipos comunes de distorsión de lente o distorsión esférica de la óptica. La distorsión de barril la reconocerás en seguida porque las líneas rectas se curvarán hacia fuera, mientras que en la distorsión de cojín se curvarán hacia dentro.

Los objetivos fijos suelen tener menor distorsión, porque los fabricantes no tienen la dificultad de acoplar en un mismo objetivo varias distancias focales, cosa que sí que ocurre con las lentes zoom.

Sin embargo, actualmente la tecnología ha mejorado mucho y existen lentes zoom con muchas menos distorsiones que antes. Pero aun así es interesante que sepas porqué las líneas rectas no aparecen muchas veces rectas en tus composiciones.

¿Y dónde encontraremos este tipo de distorsiones? Pues sobre todo en las focales más cortas y más largas. Si te fijas en un cristal de una lente gran angular u ojo de pez, ya verás que de por sí está más curvada de lo normal. Por eso, en objetivos angulares con focales cortas es habitual la distorsión de barril.

En el caso de las focales largas, como los teleobjetivos es más habitual la distorsión de cojín, aunque no será tan acusada como la de barril y puede que no se reconozca tan a simple vista como en el caso anterior.

Hagamos una prueba con distintos tipos de lente a ver si conseguimos apreciar cómo se curvan las líneas. En la primera foto utilizaremos una lente gran angular 11mm, en la segunda un 35mm y en la tercera un teleobjetivo 300mm. ¿Notas la diferencia?

Con el gran angular apreciamos la distorsión de barril, con el 35 no notamos nada extraño y con el teleobjetivo se distingue un poco la distorsión de cojín, aunque la verdad es que no es tan notable como en la primera.

Sea cual sea el tipo de distorsión que tengan tus lentes no es algo que deba preocuparte demasiado, porque hoy en día con cualquier programa de edición podrá corregirlas.

En Adobe Lightroom, por ejemplo, le puedes indicar al propio software qué objetivo has utilizado para realizar una toma y el programa corregirá automáticamente esa distorsión de forma personalizada.

#5. Distorsión de la Perspectiva

Ahora que ya sabemos qué es la distorsión de la lente y cómo corregirla vamos a conocer qué es la distorsión de la perspectiva. Se trata de la transformación que experimenta un sujeto u objeto fotografiado y su entorno según su proximidad con respecto a nuestra cámara. Vamos a verlo de nuevo con un ejemplo.

Vamos a fotografiar esta figura con un gran angular desde una distancia alejada. Después, nos iremos acercando cada vez un poco más y realizando diferentes tomas. ¿Notas como la perspectiva se va descomprimiendo y se va deformando la cabeza de la figura?

Gran angular 11mm. Cuanto más nos acercamos a la figura más se aleja el fondo de ella.

Esa distorsión o deformación se debe a la cercanía o lejanía entre nuestra cámara y la escena que fotografiemos, por eso la llamamos distorsión de la perspectiva.

Teleobjetivo 300mm. Cuanto más nos acercamos a la figura más acercamos el fondo hacia ella.

Con un teleobjetivo nos pasará justo al contrario, se producirá una compresión de la perspectiva, como una especie de efecto fuelle que comprimirá los planos de la imagen, acercando el fondo.

Vamos a hacer la misma prueba con este puente. Lo fotografiamos con una lente angular desde muy cerca y con teleobjetivo desde mucho más lejos. El resultado que obtenemos es sorprendente y os aseguramos que es el mismo puente.

¿Notas como la perspectiva se alarga en el primer caso y se comprime en el segundo? El fondo parece estar mucho más cerca en la segunda foto y ni siquiera se ve el cielo.

#6. Motor de Enfoque Automático

Como sabes, en la gran mayoría de cámaras digitales actuales hay dos formas de enfocar tus imágenes: manual o automáticamente. Esto no era posible antes de 1987 porque no existían los motores de enfoque. Fue Canon el pionero en integrar un sistema de motor ultrasónico en sus lentes.

En solo 30 años los motores de enfoque han evolucionado mejorando muchísimo la precisión, la suavidad del movimiento y el silencio del enfoque. Y es muy importante aprender a dominar bien el enfoque, porque gracias a él conseguiremos que salga nítida el área que más nos interesa resaltar en una imagen.

Cuando elegimos el enfoque automático, el cuerpo de la cámara manda una señal a la lente para que cambie el enfoque. Para saber si una lente tiene o no motor de enfoque solo tienes que fijarte en la montura.

Si ves que tiene pines de conexión eléctricos integrados puedes estar seguro/a de que se producirá esa comunicación entre cámara y lente a la hora de querer enfocar tus fotos automáticamente.

¿Y qué pasa si una lente que me interesa no tiene motor de enfoque? Pues que debemos asegurarnos de que nuestra cámara sí que tiene un motor de enfoque interno en el cuerpo antes de comprarla. Por lo tanto, primero tendremos que saber el modelo de cámara que tenemos y en función de eso elegir un objetivo.

En Nikon, por ejemplo, si veo que una lente es AF, es porque no tiene motor de enfoque y necesitaré que mi cámara sí que lo tenga para poder enfocar automáticamente. Si lo compro igualmente, podré usar la lente pero tendré que asumir que solo podré enfocar mis fotos de forma manual.

Sin embargo, si la lente es AF-I o AF-S, significa que el objetivo tiene motor de enfoque integrado, así que si mi cámara no tiene motor de enfoque interno, no pasa nada, podré enfocar automáticamente gracias a que la lente sí que incluye el sistema de autofocus.

El resto de marcas tiene sus propias patentes de motor ultrasónico y es importante que te familiarices con las siglas, porque cada una tiene las suyas:

En definitiva, a la hora de elegir un objetivo, también es importante fijarnos en su motor de enfoque. Primero saber si lo incluye (para que pueda ser compatible o no con nuestro modelo de cámara) y después en sus características. 

A la hora de grabar vídeo, un buen motor de enfoque marcará la diferencia. Cuanto más rápido y preciso sea su rendimiento, más suave y progresivo sea su movimiento y/o más silencioso sea su motor, más cara será la lente.

#7. Tiempo Máximo de Exposición

¿Cuál es la velocidad de obturación más lenta a la que soy capaz de hacer fotos a pulso, sin que salgan movidas, usando una determinada distancia focal?

No nos referimos a cosas como "una vez fui capaz de hacer una foto a pulso a X velocidad y me salió bien", sino más bien a "tengo comprobado que las fotos a velocidades superiores a X no me salen trepidadas".

Teniendo el control de la velocidad de obturación mínima que necesito para hacer fotos a pulso con garantías, me ayudará a ajustar los valores de sensibilidad ISO y de apertura adecuados para lograr la foto que quiero sin que salga movida.

Para poder calcular el tiempo de exposición máximo que necesitamos podemos utilizar la Regla de la Focal Inversa. Es decir, que para asegurarnos de que una foto no sale trepidada nuestra velocidad de obturación debe ser igual o superior a la inversa de la focal que estamos usando.

Veámoslo con un ejemplo. Si disparo una toma con una lente 50mm, la regla de la focal inversa me recomienda que trabaje con un una velocidad de obturación mínima de 1/50s o más rápida. Por lo tanto, cuanto más angular es un objetivo más lenta puede ser la velocidad que usemos sin miedo a trepidaciones.

Hacemos dos fotos con el 50mm, una con una velocidad de 1/50s y otra con una velocidad de 1/20s ¿Sale trepidada? Si recortamos la captura vemos que si no cumplimos la regla sí que sale trepidada la imagen.

¿Y qué pasará con una focal larga, como un teleobjetivo? Se supone que el tiempo mínimo de exposición también tendrá que ser mayor y tendremos que aplicar la regla a la distancia focal que estemos usando.

Si disparamos con un 300mm, necesitaremos un tiempo mínimo de exposición de 1/300s para poder disparar a pulso sin que haya trepidaciones. ¿Lo probamos?

Hacemos dos fotos con la distancia focal de 300mm, una con una velocidad de 1/320s y otra con una velocidad de 1/80s. De nuevo, podemos ver que si no cumplimos con la regla de la focal inversa obtenemos una foto trepidada.

A no ser que nuestra lente sea muy luminosa, que usemos un trípode o que contemos con un buen estabilizador de imagen, ¡no será nada fácil ignorar esta regla! Y si no contamos con una cámara Full Frame, también deberemos tener en cuenta el factor de recorte.

#8. Estabilizador de Imagen

Algunas lentes, especialmente las más actuales disponen de una función que te ayudará a mantener la lente imagen lo más inmóvil posible cuando disparas a velocidades de obturación más lentas, porque no siempre tendremos a mano un trípode o una superficie segura.

Para evitar trepidaciones e imágenes borrosas producidas por el propio movimiento de nuestras manos y de nuestro cuerpo, será ideal contar con lentes que incorporen esta funcionalidad. No solo nos vendrán bien usando velocidades lentas por escasez de luz, sino también cuando usemos focales largas.

Cuando miras a través del visor de la cámara teniendo montado un teleobjetivo de 200 ó 300 mm no es lo mismo que cuando miras a través de un gran angular 11mm ¿verdad? Por poco que nuestro pulso tiemble, a través de un tele veremos como vibra toda la composición.

Si tu lente tiene estabilizador seguramente será un una palanca que deberás activar en el cuerpo del propio objetivo. Vuelve a mirar ahora a través del visor con el estabilizador activado... ¿Es magia? No, es una tecnología inteligente que mueve la lente para contrarrestar vibraciones menores que puedan producirse.

Cada marca, como ocurría con el motor de enfoque, tiene unas siglas para definir la función de estabilizador de imagen. Apréndelas para saber cuando una lente lo lleva o no:

Un extra de estabilidad siempre será una bendición, sobre todo si no contamos con una lente súper luminosa, ni podemos forzar demasiado la ISO. Y lo mismo nos pasará a la hora de grabar vídeo, que la fluidez será mucho mayor en cada movimiento.

Debes tener varias cosas en cuenta cuando una lente tiene el estabilizador activado. Una de ellas es que tendrá sus limitaciones a la hora de corregir el movimiento así que no te confíes pensando que eliminará cualquier tipo de vibración. Además, si lo activas consumirás más batería, por lo que si no lo necesitas, desactívalo.

Otra es que te acuerdes de quitarlo a la hora de hacer tomas fijas desde un trípode como largas exposiciones o panorámicas. Estando activado podrías confundir al estabilizador y producir justo el efecto contrario y que tus fotos salgan trepidadas o que tus vídeos en plano fijo vibren de forma extraña.

#9. La Distancia Mínima de Enfoque

Vamos a seguir intentando entender los símbolos y números que hay dibujados en nuestra lente. Algunas veces encontrarás una marca compuesta por el símbolo de infinito, un guion y un número que indica un distancia en metros(m) y/o en pies (ft).

Yo lo he encontrado escrito en tres lentes: el 35mm (∞-0.3m), el 18-55mm (∞-0.28m) y el 55-200mm (∞-0.95m). ¿Qué significa esto? Pues esta marca nos indica una distancia, en concreto la del rango en el que nuestra lente será operativa.

La Distancia Mínima de Enfoque de un Objetivo

Para ser más específicos, esta será la distancia mínima a partir de la que nuestro objetivo podrá empezar a enfocar un elemento. Si intentamos enfocar algo por debajo de esa distancia nos resultará imposible porque nuestra lente no será capaz de hacerlo.

La distancia mínima de enfoque se mide desde el plano del sensor de la cámara hasta el objeto fotografiado. ¿Y dónde está exactamente situado el sensor? Te preguntarás. Pues hay una manera de saberlo.

Existe un símbolo llamado 'marca de plano focal' en el armazón exterior de la cámara que lo indica. Es un círculo tachado por una línea más larga que encontrarás fácilmente en uno de los laterales de la parte superior de la cámara, que también se usa habitualmente para calcular la hiperfocal.

Vamos a comprobar si esto es cierto. Voy a tratar de enfocar un elemento por debajo de la distancia mínima de enfoque de mi 35mm utilizando un metro. Si enfocamos la figura desde una distancia de 30 cm vemos que la logra enfocar correctamente, pero a 20cm no es capaz de hacerlo.

Para poder acercarme más a un elemento y que salga nítido necesitaré una lente que me lo permita, como un objetivo macro. Probaremos un con 60mm MICRO, que tiene una distancia mínima de enfoque de 0.18m. Como ves, sí que es capaz de enfocar un elemento a 18cm, pero si nos acercamos más, perdemos la nitidez.

Ahora que ya sabes que todos los objetivos tienen una distancia mínima por debajo de la cual no son capaces de enfocar. No te obceques en tratar de realizar un encuadre imposible con tu cámara estando demasiado cerca. No es que el objetivo sea de mala calidad, es que tendrá sus límites y tienes la obligación de conocerlos.

#10.  Diámetro de la Lente

Por último, otra de las cuestiones fundamentales que debes saber sobre objetivos y que quizás desconozcas es qué significa este símbolo Ø seguido de una cifra en milímetros. Por ejemplo, en esta lente macro podemos ver que pone Ø 55mm.

¿Qué nos dice esta medida? Pues se trata del tamaño que tiene diámetro de la lente. Saber esto nos ayudará a elegir accesorios que sean compatibles con nuestro objetivo para poder acoplarlos adecuadamente y que cumplan su función.

Necesitarás saber el diámetro para poder acoplar un filtro, un parasol, una tapa de protección, una lente de aproximación, un flash anular, una anillo de inversión, tubos de extensión o cualquier accesorio que tenga que ir colocado en la lente.

Los filtros quizás sean los accesorios que más vayas a utilizar acoplados en tu objetivo. Los habrá protectores como los filtros UV que te ayudarán sobre todo a salvaguardar el cristal del objetivo. Pero también los habrá de colores, de densidad neutra (ND) o polarizadores.

Pero, ¿qué pasa si compro un filtro con el diámetro equivocado y no puedo devolverlo? ¿O si no tengo presupuesto para comprar otro filtro pero quiero usarlo con otros objetivo de diferente diámetro? No te preocupes, existe un solución.

Puedes comprar anillos adaptadores para convertir tu filtro en un accesorio compatible con cualquier objetivo, independientemente de su diámetro. Tendrás que ir acoplando los distintos anillos para agrandar o reducir el diámetro de tu filtro y así poder acoplarlo al que más te interese.

Otra opción es la adquirir un portafiltros con anillos de adaptadores incluidos de diferentes tamaños e ir cambiando los cristales cuadrados en el propio portafiltros, sin necesidad de acoplarlos a la propia lente. Ganarás mucho tiempo y evitarás con mayor facilidad la aparición de elementos extraños.

¡Explora tus Objetivos!

Ya tienes lo necesario para saber leer la información de tu lente y comprender cuáles son sus puntos fuertes y sus puntos débiles. Como principiante, estos conocimientos te van a resultar muy útiles para empezar a conocer a fondo tu equipo.

Una vez tengas esto claro ya podrás empezar a enredarte con otros conceptos más complicados como el factor de recorte, el punto dulce o el bokeh, pero una buena base siempre es necesaria para sostener tu aprendizaje.

Hace unas semanas nació mi tercera hija y en medio de la vorágine y la alegría que supone un acontecimiento de este tipo, toda la familia -no es sólo cosa del fotógrafo, son muchos más los implicados y responsables- sacamos un huequecito para hacer algunas fotos que nos permitan recordar dentro de unos años este maravilloso acontecimiento familiar.

En dzoom hemos hablado en múltiples artículos sobre fotografía a bebés y recién nacidos y también sobre fotografía en blanco y negro. Pues bien, hoy vamos a unir estas dos disciplinas y a ofrecerte algunas ideas y consejos por si te animas a aplicarlas de forma simultánea en una próxima sesión de este tipo. ¿Estás listo?

Algunos Conceptos Básicos Sobre Fotografía de Bebés y Fotografía En Blanco Y Negro: Tirando De La "Hemeroteca" de dzoom

Como te decía en la introducción, en dzoom ya hemos escrito largo y tendido sobre estas dos disciplinas. Si no has consultado alguno de estos artículos, o quieres refrescar conceptos, te recomiendo este artículo sobre fotografía de recién nacidos:

• 11 Consejos para Fotografiar Bebés (o Recién Nacidos)

Así mismo, en lo que respecta a fotografía en blanco y negro, existe un artículo que incluye una amplísima cantidad de información referente a esta disciplina y que cuenta con referencias a varias decenas de artículos sobre la materia. Si quieres convertirte en un especialista de la fotografía en blanco y negro, te recomiendo que empieces por el siguiente artículo:

• Fotografía en Blanco y Negro: la Guía Más Completa

Además, si dentro del ámbito del blanco y negro, estás especialmente interesado en fotografía de retrato, aquí tienes 6 consejos para mejorar tus retratos en blanco y negro.

A continuación, una vez introducido el tema y realizadas referencias a artículos muy interesantes sobre el mismo, nos centraremos en las ideas y consejos que prometía al inicio.

¿Por Qué Funcionan Tan Bien Las Fotografías De Recién Nacido En Blanco Y Negro?

#1 Suavidad, Tersura, Placidez

Las fotografías en blanco y negro eliminan parte de la información (el color) de la fotografía, que podría distraer, y permiten que nuestra mirada se centre en otros aspectos: texturas, siluetas, contrastes, etc., o bien la ausencia de éstos.

Los recién nacidos, en su mayoría, presentan habitualmente una piel tersa y homogénea y formas delicadas, por lo que la conversión de las fotografías de recién nacido a blanco y negro (a través de un procesado adecuado, por supuesto), nos ayudan a destacar las cualidades de estos protagonistas.

Además, si las características de la imagen lo permiten, podríamos llegar a una fotografía en clave alta, muy adecuadas para fotografía de recién nacidos y en las que la tersura, suavidad y placidez de los bebés se magnifica.

#2 Contrastar Texturas

El blanco y negro permite llamar la atención sobre las texturas y en el caso de los recién nacidos, si jugamos con elementos de atrezzo adecuados, podemos realzar fácilmente la tersura del bebé en comparación con las características de esos otros elementos del encuadre.

Se ve tan plácido al bebé que uno puede pensar: sí que debe ser mullida y esponjosa la manta en la que duerme, ¿verdad? Y cómo destaca la suavidad de su piel en comparación con el aspecto del gorrito, ¿no crees?

#3 Destacar Las Miradas

El blanco y negro también resulta muy adecuado cuando queremos destacar miradas. Pues bien, los recién nacidos nos obsequian desde el principio con expresiones de lo más graciosas y, por supuesto, con unas miradas realmente cautivadoras.

¿Verdad que resulta intrigante, curioso y atractivo pensar, a través de la mirada de la niña, en qué estaría pensando en esa fotografía? Trata de poner color a la imagen, ¿no crees que probablemente le habría restado claridad y fuerza a la fotografía?

#4 Evitar Distracciones e Intensificar El Mensaje

Cuando hacemos uso del blanco y negro y además trabajamos con fondos completamente blancos, o completamente negros, simplificamos la composición y esto permite dar mayor claridad en el mensaje e incluso potenciar el mismo.

Imagina esta misma imagen con otro fondo no uniforme y con color. ¿No crees que la imagen tendría mucha menos fuerza? La simplicidad del blanco y negro permite que la imagen y su mensaje sean mucho más claros y fuertes para el observador.

Para lograr fondos completamente negros, existen una serie de aspectos a tener en cuenta que no debes olvidar. Si no tienes claro cómo lograrlo, echa un vistazo a este artículo sobre cómo conseguir un fondo totalmente negro.

#5 Enfatizar Expresiones Y Sentimientos

Como última característica del blanco y negro como catalizador para las imágenes de recién nacidos, hablaremos de su capacidad de intensificar expresiones. Podríamos decir que la cantidad de información que resta a la escena al eliminar el color, se la aporta como potenciador de las expresiones y situaciones que incluye.

En este caso, te dejo varias imágenes en las que la cara de la bebé, sus hermanas, o la orgullosa madre, adquieren muchísima fuerza al gozar de la claridad que ofrece el blanco y negro mediante el contraste tonal de las escenas.

En esta imagen, se observa a la bebé segura y fuerte en brazos de su padre y con una expresión de determinación y fuerza que permite aventurar su carácter, ¿no te parece?

En este caso, se aprecia a una madre feliz y orgullosa y a una bebé cómoda, aunque despierta y atenta, a pesar de tener sólo días de vida.

Por último, tenemos una escena de hermanas felices que parecen augurar fantásticas historias en compañía de la nueva integrante del "grupo". Los vestidos a rayas, la manta de pelo y los lunares de una de las diademas de las niñas, unida a las expresiones de las mayores, contribuyen a lograr una imagen muy expresiva y potente, que predicen grandes momentos de diversión futuros :)

Algunos Consejos Sobre El Procesado De Fotografías En Blanco y Negro

Como sabes, no es recomendable configurar tu cámara en modo blanco y negro, sino que es mejor disparar en color y, posteriormente en tu ordenador, procesar y convertir las imágenes a blanco y negro.

Pero, por supuesto, antes de llevar a cabo la conversión, trabaja sobre tu imagen para que cuente con un nivel adecuado de exposición, nitidez y balance de blancos. La edición de una foto en blanco y negro debe comenzar trabajando sobre la imagen en color. Trabaja por zonas si es preciso

Una vez que la imagen esté correcta en color, elige bien el método para convertir la imagen a blanco y negro: Escala de Grises, Desaturar, Color Lab, Mezclador de Canales, Métodos Rob Carr, Rusell Brown, Greg Gorman... Si no tienes claras las diferencias, prueba distintos métodos y quédate con el más apropiado para cada fotografía.

Por último, una vez convertida a blanco y negro, realiza algunos ajustes finales que puedan potenciar sus resultados: incrementando, o adecuando el nivel de nitidez, ajustando de forma precisa la exposición global, o local, definiendo el nivel de contraste oportuno, etc.

En el caso de las fotografías de recién nacidos, existe un parámetro que te resultará muy útil: Claridad. A través de este ajuste podrás potenciar aún más la suavidad en la piel de los bebés. Eso sí, utilízalo de forma selectiva y procurando no llegar a un resultado excesivamente artificial.

Y cuando hayas finalizado, sepárate de la imagen por unos minutos y vuelve a verla "con ojos nuevos" para terminar de ajustarla y dejarla perfecta.

No Te Olvides Del Color

Aunque es cierto que he dicho que en este artículo me centraría en el blanco y negro, el color es maravilloso y puede haber fotografías en las que mostrar una piel sonrosada, unos labios vibrantes, o un colorido atrezzo, pueden dar mucha fuerza y hacer destacar tus imágenes.

Así que, aunque el blanco y negro te ofrezca muchas posibilidades, no dejes de lado al color y prueba también tomas en las que el color te permita mostrar toda la vida que encierran esos pequeñitos.

La Fotografía de Bebés: Centra La Atención En Los Detalles

Tanto en color, como en blanco y negro, esos "locos bajitos" están llenos de detalles que resultan cautivadores delante de una cámara. Fotografiar sus diminutos dedos, sus naricitas, o cualquier otra parte de su cuerpo, ya sea en color, o en blanco y negro, permite obtener magníficos resultados.

Céntrate en esas pequeñas partes de los bebes, rellena el encuadre, trabaja bien profundidades de campo reducidas y lograrás también fotografías muy interesantes.

En la imagen superior, se ha centrado la atención en los brillantes ojos y en la naricita de botón de la bebé, destacando estas partes gracias al empleo de una profundidad de campo limitada.

Por su parte, en esta otra imagen, la atención se ha centrado, también por la estrecha profundidad de campo, en los deditos de los pies de la bebé, que resultan graciosos y muy atractivos.

Aunque una edición de imágenes en blanco y negro podría haber incrementado aún más la atención sobre los detalles, es la composición elegida y el enfoque selectivo lo que hace que estas imágenes destaquen.

¿Has Realizado Alguna Sesión a Recién Nacidos Recientemente?, ¿Algún Consejo?

Y hasta aquí este artículo en que he querido hablarte sobre mi última sesión de recién nacido con mi hija. Como te he comentado, he buscado darle un fuerte protagonismo al blanco y negro. Pero estoy seguro que tú has optado por conjugar la sesión con otras disciplinas, quizás el macro, o con algún consejo que no he citado yo a lo largo del artículo.

¿Por qué no nos lo cuentas, o compartes con nosotros alguna de las fotos de la sesión que nos dé ideas para nuestras próximas sesiones? Como ya te hemos contado otras veces, un consejo que aplica a cualquier tipo de disciplina es observar muchas fotografías para poder tener ideas que poder "copiar", o en base a las que obtener fotografías con tu propio sello.

¿Cuántas veces has sentido la necesidad de realizar una sesión fotográfica en la que el motivo principal no sea un retrato, un paisaje o una escena cotidiana; sino que seas tú mismo el artífice de la escena? Crear y experimentar con nuevas formas de hacer fotografía es muy gratificante, aunque esa escena no represente nada que habitualmente percibamos en el día a día.

En el artículo de hoy veremos cómo conseguir imágenes tan curiosas y abstractas como la que se muestra en la portada, empleando ingredientes tan comunes como lo son el aceite, el agua y el lavavajillas. De este modo la próxima vez que te quedes sin inspiración, no te apetezca salir o no puedas salir a la calle porque hace mal tiempo, ya tienes una excusa para coger tu cámara y disfrutar creando y fotografiando un "mundo" hecho enteramente por ti.

Qué Necesitas Para Crear Tu Imagen Abstracta

Si te gusta el resultado de la imagen de portada y ya te lo imaginas como tu próximo fondo de pantalla, déjame decirte que para realizar este tipo de fotografías basta con reunir los siguientes materiales:

• Una fuente de cristal
• Agua
• Aceite
• Lavavajillas (bastan un par de gotas)
• Una tablet, o cartulinas u hojas con colores
• Un palo de madera, o una pajita (para remover los líquidos)
• Tu cámara con un objetivo
• Un trípode
• Un disparador remoto, o el temporizador de tu cámara
• Dos superficies para poder elevar la fuente de cristal, como por ejemplo revistas, libros o cajas

Colocándolo Todo en su Sitio

Ahora que ya tenemos listo el material, es el momento de colocarlo todo en su posición. Puedes trabajar en el mismo suelo, o sobre una superficie elevada como una mesa.

Lo primero que haremos será verter un poco de agua en la fuente de cristal. Ten en cuenta que si echas poquita se llegará a ver la textura del vidrio de la fuente, mientras que si echas un poco más de agua, esta aparecerá difuminada. Según el resultado que busques, te convendrá poner más o menos agua. Lo mejor es que realices varias pruebas y te quedes con el método que más te guste.

El siguiente paso es añadir unas cuantas gotas de aceite a la fuente. En este caso también nos encontramos frente a dos opciones. Si echamos poco aceite tendremos más espacio negativo en nuestra composición, en cambio si echamos más cantidad, la imagen se llenará de burbujas. En cualquier caso, ambas opciones te ofrecerán resultados muy atractivos.

Ahora es el momento de elegir si queremos realizar las fotografías solo con agua y aceite, u optar por añadir un par de gotitas de lavavajillas a la ecuación. ¿Qué implica una opción u otra?

Si solo echamos aceite a la fuente de cristal con agua la apariencia de éstas será más plana, sin embargo si añadimos unas gotitas de lavavajillas éste nos ayudará a remarcar los contornos de las burbujas y conseguir así que éstas se realcen. Eso sí, si optas por la segunda opción recuerda no echar más de un par de gotas de lavavajillas. ya que de lo contrario las gotas de aceite se irán hacia las esquinas de la fuente y será más difícil mezclarlas.

Es el momento de coger el palo de madera o pajita y agitar la mezcla para que se generen las formas curiosas que vamos a fotografiar, y que veíamos en el ejemplo.

A continuación colocaremos las bases elevadas que tengamos, y pondremos sobre ellas la fuente de cristal. Recuerda que en este punto lo más importante es que esas bases, ya sean cajas o pilas de libros o revistas, sean estables y estén colocadas a la misma altura para que no haya peligro de que la fuente se pueda caer.

Lo esencial ya lo tenemos, sin embargo, si hiciéramos ahora mismo la fotografía obtendríamos una toma con texturas atractivas, pero con un fondo apagado que podría mejorar, y es por ello que el siguiente paso es aportarle un toque de color a ese fondo.

Dale un Toque de Color a Tus Tomas

Como decíamos, darle un toque de color a nuestra fotografía sin duda la hará más llamativa, porque de este tipo de imágenes no solo nos gustan las texturas sino también la combinación de los colores del fondo, y para aportar ese toque de color podemos optar por varias opciones.

Papel de Color y Fuente de Luz

Esta opción consiste en que cojas un papel, fotografía o cartulina de color, y lo coloques justo debajo de la fuente de cristal. Cuántos más colores aparezcan en la imagen que coloquemos debajo de la fuente, más llamativa resultará la fotografía resultante.

Eso sí, necesitaremos una fuente de luz para iluminar el papel del fondo, como por ejemplo una antorcha led, una lámpara o un flash externo.

¿Qué nos llama la atención de esta opción? Que resulta menos peligrosa, ya que debajo de la fuente solo hay un "papel", no un dispositivo electrónico. Pero también es cierto que necesitaremos una fuente de luz externa, y que los colores del fondo dependerán mucho del papel/cartulina/fotografía que coloquemos debajo de la fuente.

Una Tablet

Si optamos por la segunda opción necesitaremos una tablet, y en ella pondremos la imagen que queremos en pantalla completa para que se convierta en el fondo de nuestras fotografías.

Para dicha imagen, puedes fabricarte tú mismo la mezcla de colores a través de Photoshop y, por ejemplo, la herramienta bote de pintura y la selección de una combinación atractiva. De este modo lograrás un resultado más personal. O también puedes buscar en Google Imágenes "colorful wallpaper", "colorful images", o cualquier otro término de búsqueda en el que se haga referencia al color. Una vez que busques por estos términos, tendrás la posibilidad de elegir desde tu tablet algunos de los cientos de miles de resultados que obtendrás de forma inmediata y escoger aquellos que más te gusten.

A continuación deberás poner la imagen en pantalla completa y subir el brillo de tu tablet al máximo. Con esta opción no necesitaremos fuente de luz externa porque es la propia tablet la que aporta la luz que necesitamos.

Ajustes Recomendados Para La Toma

Una vez tenemos el set preparado, es el momento de preparar el equipo. Lo primero que haremos será montar el trípode y colocar la cámara de tal forma que se quede en paralelo a la fuente de cristal, ya que solo si está totalmente paralela lograremos que aparezca nítidas toda la superficie de las burbujas.

También dejaremos preparado el disparador remoto, o si no lo tenemos, configuraremos el temporizador de la cámara para trabajar de forma más cómoda y evitar posibles trepidaciones.

Respecto a qué lente es aconsejable emplear, lo ideal es que hagas las tomas con un objetivo macro, que además de ofrecerte bastante luminosidad, te permitirá acercarte mucho más a las burbujas. Eso no quita que no puedas hacer este ejercicio con otro tipo de objetivos, aunque es cierto que no es aconsejable que sean muy angulares, ya que sino sacarás la fuente entera y no podrás centrarte en el motivo principal: las burbujas.

El siguiente paso es configurar los parámetros de nuestra cámara.

• En cuanto a la apertura de diafragma, escogeremos una amplia, aunque asegurándonos de que salga bien nítida la zona que deseamos. Según el objetivo que utilicemos, una apertura de entre 2.8 y 4 será lo ideal, ya que además nos ayudará a conseguir una profundidad de campo escasa, haciendo que las burbujas aparezcan perfectamente nítidas, y el fondo desenfocado.
• Respecto a qué velocidad de obturación debemos configurar, dependerá en gran medida de la apertura que hayamos seleccionado y de la luz que tengamos iluminando la cartulina de color o del brillo de la tablet. Lo ideal es que tengas bastante luz, o que configures el brillo de la tablet al máximo. Los valores para lograr una exposición adecuada podrán variar entre 1/25s y 1/250s aproximadamente.Ten en cuenta también que el aceite se mueve más de lo que creemos, lo cual puede llegar a ocasionar desenfoque de movimiento si empleas una velocidad demasiado baja.
• Por último, en cuanto a la ISO ya sabes que a mayor ISO mayor probabilidad de que aparezca ruido, por lo tanto intenta que esta sea la mínima posible.

Fotografía Creativa con Gotas de Agua y Aceite

Y algo muy importante también es el enfoque. Puedes enfocar en automático, aunque dado que estamos trabajando sobre trípode y nuestro motivo no se va a mover del sitio, lo mejor es que enfoques en modo manual, y te ayudes del live view de tu cámara para asegurar que el foco está justo en las burbujas.

Una vez lo tengas todo listo, es el momento de empezar a disparar. No tengas miedo de realizar muchas fotografías. Ayúdate de la pajita o palo de madera para ir moviendo de vez en cuando las burbujas y conseguir resultados diferentes. Y por supuesto, no te olvides tampoco de cambiar la imagen de fondo para variar de colores.

¡No te Olvides del Procesado!

Una vez obtengas tus fotografías descubrirás que éstas tienen potencial, aunque los colores y quizás el nivel de definición no llegan a ser todo lo buenos que te gustarían. Eso es porque nos falta un último paso: el procesado.

Los ajustes que deberás tocar y que te ayudarán sin duda a destacar más tu toma son el nivel de Exposición, Contraste, Claridad, Saturación y también la Máscara de Enfoque.

También puede resultar oportuno realizar un reencuadre de la imagen para centrarnos en alguna región concreta, o mejorar la composición de la toma. Así que no descuides tampoco el tener que variar el encuadre en la fase de procesado.

Ten en cuenta, por tanto, que tras tomar tu fotografía, será recomendable que inviertas un poco de tiempo procesando la misma y haciendo que reluzcan sus características de intensidad y nitidez, entre otras.

Otras Imágenes De Ejemplo Que Puedan Darte Ideas

No tengas miedo a realizar decenas de fotografías, incluso aunque pienses que son fotografías aparentemente iguales. Siempre hay alguna pompa que varía de forma o posición.

También es importante que sobre una misma imagen de la tablet o del papel de fondo, busques distribuciones de burbujas diferentes, para lo que deberás ayudarte de tu palito de madera o pajita y la previsualización del resultado a través del display de tu cámara.

Comprobarás que es un proceso bastante entretenido y divertido.  Además, cuantas más imágenes tengas de partida, mejores imágenes podrás seleccionar y terminar de preparar ya en tu ordenador.

A continuación te dejo con algunos ejemplos de tomas que hemos logrado con este ejercicio.

Ejemplo #1

Ejemplo #2

Ejemplo #3

Ejemplo #4

Ejemplo #5

Ejemplo #6

Ejemplo #7

Ejemplo #8

Ejemplo #9

¡Anímate A Probarlo!

¿A que nunca habías pensado que el agua, el aceite y un poquito de lavavajillas podrían dar tanto juego en tus imágenes? Desde luego experimentar con nuevas formas de hacer fotografía es algo que todo fotógrafo debería plantearse, y este es un ejemplo de lo que podemos conseguir haciéndolo.

¿He despertado el gusanillo en ti y ya estás preparando todo lo que necesitas? Pues entonces no seas tímido y muéstranos tus resultados a través de los comentarios. Seguro que nos das nuevas ideas que poder probar.

Como sabes, la primavera ha llegado. Y con ella el campo sale de su letargo. Silvestres o de jardín, muchas flores están a punto de estallar. ¿Estás preparado? Pues toma nota, que aquí te traemos un buen puñado de fotos de flores para inspirarte... y que la primavera no te pille por sorpresa.

Por cierto, también hay algunos tipos de flores que florecen en otoño, así que estos consejos también van por ti si vives en el hemisferio sur... ¡No hay excusa! ¡Sal a fotografiar la belleza de las flores que nos regala cada año la naturaleza!

1. Two Bees on Purple Flower

Nikon D700 · 105.0mm · f/6.3 · 1/500s · ISO 500

Cuando llega la primavera aparecen las flores, pero también el polen. Los que son alérgicos/as sabrán muy bien a lo que nos referimos... Esa explosión de colores y de olores hace que las abejas se sientan atraídas por las flores y que vayan en busca de su polen. Aprovecha para captar ese mágico momento, pues son insectos muy bellos y fotogénicos que aportarán valor añadido a tu captura.

2. White Dandelion

Canon EOS 700D · 85.0mm · f/5.6 · 1/3200s

Los dientes de león son plantas que nos pueden dar mucho juego fotográficamente. Al tener esta forma tan peculiar, la luz las atraviesa creando una textura muy interesante y atractiva. En esta imagen podemos apreciar cómo el/la fotógrafo/a aprovecha la luz del atardecer para superponer el sol con el diente de león y conseguir una silueta a contraluz cargada de fuerza visual.

3. Three Orange Flowers

Nikon D5000 · 1/1250s · ISO 100

La Regla de los Impares se llama así porque defiende que, a nivel visual, es más atractivo un número impar que uno que sea par, porque conseguimos también equilibrio. Pero se trata de un equilibrio más dinámico. Fíjate en estas tres flores, están dispuestas de forma escalonada, dos de ellas se sitúan en puntos fuertes de la rejilla de los tercios y la flor central está posicionada de forma distinta ¿Podría estar mejor repartido el peso visual en esta toma?

4. Pink Flower with Sunlight

Canon EOS 400D · 37.0mm · f/8.0 · ISO 100

De nuevo tenemos un contraluz bellísimo. Pero en este caso, no se buscaba inmortalizar una silueta. Podemos apreciar los colores rosáceos de los pétalos de la flor y los verdes del sépalo, incluso las venas son apreciables al trasluz. El poder de la iluminación es muy relevante en esta toma, ya que la impregna de un significado místico que va mucho más allá de fotografiar una simple flor del campo.

5. Purple Flower Field Under Blue Sky

Fujifilm X-T1 · 10.0mm · f/5.0 · 1/2000s · ISO 400

Cuando hablamos de fotografiar flores no solo te decimos que metas en la mochila un objetivo macro. También puedes ir en busca de estampas tan bellas como este paisaje, donde un objetivo gran angular te ayude a captar un amplio rango de visión. Aunque la floración de los campos de lavanda tarda mucho más en aparecer, así que podrás ir practicando hasta que llegue el momento.

6. Man in Red

Canon EOS Rebel T5i · 50.0mm · f/3.2 · ISO 200

Las flores también pueden ser un elemento protagonista en tus retratos. En este en concreto, podemos ver cómo se ha planeado la toma con sumo cuidado. El chico viste una camisa de color rojo intenso mientras sujeta una rosa roja en primer término. Por otro lado, los pétalos dejados caer alrededor del modelo, lo envuelven y enmarcan dentro de la composición.

7. Pink Ball Dahlia Flower

Nikon D3300 · 38.0mm · f/4.8 · 1/800s · ISO 400

Fotografiar rosas, margaritas o girasoles suele ser un clásico habitual entre los fotógrafos que salen en búsqueda de flores. Pero no dejes de fotografiar otros tipos de flores más extraños y exóticos. Si no conoces el nombre de la flor, no te preocupes, ya lo encontrarás buscando información sobre ella. Sorprender al espectador también puede ser la clave para que una fotografía funcione.

8. Humminbird

Canon EOS-1D X · 400.0mm · f/7.1 · 1/8000s · ISO 5000

Si tienes la suerte de vivir en América o de viajar allí, no pierdas la oportunidad de fotografiar un colibrí. Son aves autóctonas de allí, por lo que España no podemos encontrarlas. Lo más parecido que tenemos es la mariposa colibrí, pero no se trata de un ave como tal. Si encuentras un colibrí, recuerda usar altas velocidades para congelar el movimiento, pues aletea entre 20 y 50 veces por segundo.

9. Dandelion

Olympus E-M10 · 60.0mm · f/3.2 · 1/800s · ISO 200

Aunque, si bien es cierto que una flor se caracteriza por su color, también puedes hacer alguna que otra toma en blanco y negro. Si tu flor o planta es de color blanco, como el diente de león, y cuenta con una textura marcada y atractiva, prueba a omitir el color y centrarte en captar esa textura.

10. Pink Petal Flower

Canon EOS 80D · 100.0mm · f/2.8 · 1/1000s · ISO 100

Cuando encontramos una flor grande, frondosa y bien florecida, podemos optar por rellenar el encuadre totalmente y enfatizar ese patrón. Esa sucesión de pétalos iguales unos a otros crean un ritmo compositivo muy armónico visualmente que da sensación de movimiento y provoca incluso cierto placer visual. Aprovéchalo en tu composición.

11. Woman in Red Dress

Canon EOS 6D · 85.0mm · f/1.8 · 1/2500s · ISO 100

Si tienes claro que quieres hacer una sesión de fotos en un lugar concreto con unas flores de un color determinado, puedes pedirle a tu modelo que vista con un atuendo de tonos similares. Así, tus fotografías tendrán mucha más fuerza y serán mucho más atrayentes visualmente. En este caso, tanto la diadema, como el vestido o el color de los labios destacan entre las flores rojas y se integran perfectamente en la composición.

12. Black Butterfly Contrast

Canon EOS REBEL T3i · 400.0mm · f/5.6 · 1/640s · ISO 400

Sin duda, los que más van a disfrutar en una salida fotográfica en busca de flores van a ser los amantes de la fotografía macro. Si además tienes la suerte de estar fotografiando una flor y que se pose una mariposa sobre ella, tendrás la fotografía macro primaveral perfecta. Recuerda buscar el contraste de color con respecto al fondo o desenfócalo para que no distraiga demasiado la atención.

13. Yellow Petal Flower

Canon EOS 60D · 15.0mm · f/5.6 · 1/640s

Los nenúfares que flotan sobre lagos o charcas artificiales nos pueden dar mucho juego a la hora de fotografiarlos. Fíjate que al estar posados sobre el agua suelen reflejarse en ella. Por lo tanto, podemos sacar partido a esos reflejos en nuestra composición y darles también protagonismo. Prueba también a colocarlos a un lado del encuadre siguiendo la regla de los tercios.

14. Woman Taking Selfie

Canon EOS 5D Mark II · 70.0mm · f/4.0 · 1/200s

¿Puede una persona tener el mismo protagonismo que unas flores en un retrato? Todo depende de cómo compongamos nuestra toma. Fíjate en esta imagen donde la chica se mimetiza con la frondosidad de las flores. No llegamos a ver su rostro de forma completa porque está medio escondida entre ellas. Este es un recurso que puedes utilizar en tus retratos: tapar con flores los ojos, la boca o incluso todo el cuerpo o algunas partes concretas (a lo 'American Beauty')

15. Red Petaled Flowers

Sony ILCE-7M2 · 24.0mm · f/8.0 · ISO 100

Antes hablábamos de la belleza de los campos de flores. Este es otro ejemplo de cómo podemos optar por un objetivo angular si queremos captar un campo de amapolas en su totalidad. Si además esperamos a que llegue el atardecer con sus colores rojizos y anaranjados añadiremos un plus de hermosura a la toma, porque el sol bañará con su luz ese manto de pequeñas florecillas y agregará mayor profundidad.

16. Red Rose

Nikon D610 · 60.0mm · ƒ/5.6 · 1/8s · ISO 320

Una rosa roja siempre será un gustazo de fotografiar. Si te fijas en la forma en que se abren sus pétalos, te darás cuenta de que las líneas que dibujan son sensuales y cautivadoras a la vista. Fíjate también en las gotas de agua brillantes que la recubren en esta fotografía ¿no crees que le dan un toque extra de frescura? Si sales a hacer tus fotos a primeras horas del día aún podrás captar el rocío matinal sobre las flores.

17. Woman Lying on Grass Field

Canon EOS 5D Mark III · 85.0mm · f/1.2 · 1/1250s

¿Qué sientes el observar este retrato? ¿Acaso la chica se ha podido quedar dormida sobre un manto de flores amarillas? ¿Habrá estrenado hoy ese vestido primaveral? Se trata de un retrato en el que la modelo sale bellísima, pero que también nos cuenta una historia. Quizá nos transmite la idea que la primavera ha llegado, que nos rodea y que nos envuelve con su calidez tras el invierno.

18. Purple Pollen Flowers

Canon EOS 550D · 105.0mm · f/16.0 · 6/1s · ISO 100

Fíjate bien en las texturas marcadísimas del estigma del pistilo y de las anteras de los estambres. Solo con un teleobjetivo macro se puede conseguir ese nivel de detalle tan increíble. Las enormes anteras violetas parecen esponjosas y suaves al tacto, o al menos dan ganas de tocarlas al mirar la captura. Todo un placer para la vista si eres de los que adoran ver los detalles tan cercanos.

19. Ring on Red Rose

Canon EOS 750D · 60.0mm · f/11.0 · 1/2s

Ya te hablábamos antes de las posibilidades que nos ofrece esta flor. La rosa roja suele utilizarse para representar cosas bellas. Aunque si está marchita, también puede representar todo lo contrario: tristeza, desamor, muerte... Normalmente, si está en pleno esplendor, la podremos usar para simbolizar el amor, en parte, porque también suele regalarse entre enamorados. Si colocas dos anillos sobre ella puede incluso representar un enlace próximo o un aniversario.

20. Tulip Arrangement

Nikon D3500 · 300.0mm · f/10.0 · 1/250s · ISO 400

Sabemos que las flores nacen normalmente a la altura suelo y eso muchas veces supone un problema para poder fotografiarlas con total libertad y sin riesgo de pisarlas. Si quieres obtener bellas tomas desde lejos, no dudes en colocarte a cierta distancia con un teleobjetivo y a ras del suelo con un bean bag. Además de conseguir bellas tomas no dañarás la naturaleza. No olvides que, como fotógrafos, no debemos interferir para preservar estas maravillas que nos regala la primavera. ¡Disfrútalas!

¿Te Inspiraron? ¿Cuál Fue tu Favorita?

Si tienes pensado salir este fin de semana ahí fuera y con la cámara en mano en busca de flores que inmortalizar, no te olvides de repasar nuestro artículo 7 Consejos Esenciales para Hacer Fotos a Flores.

De igual modo, te puede resultar interesante repasar algunos consejos para fotografiar algún simpático insecto, así que no te pierdas este otro artículo: 10 Consejos Determinantes para Fotografiar insectos.

Cuando empiezas a disparar en RAW un nuevo mundo de posibilidades de procesado se abre ante tus ojos. Pero lo que también habrás notado es que tu espacio libre en el disco duro se va reduciendo considerablemente. ¿Y qué decir de las copias de seguridad? Cada vez requieres más espacio para guardar tus fotografías de manera segura.

Por eso más de una vez te habrás planteado borrar tus antiguos RAWs. Es algo que te desaconsejo completamente. En este artículo te quiero mostrar por qué yo decidí no borrar todos mis RAWs y cuáles son los que conservo.

¿Por Qué No Borro mis RAWs?

Un archivo RAW es un formato crudo, sin compresión, o más bien dicho de "compresión sin pérdidas". Este archivo no es un archivo de imagen en sí, sino que contiene todos los datos de la fotografía tal y como ha sido captada por el sensor de la cámara. Así como el JPG aplica de manera automática todos estos datos y ajustes, el RAW los contiene todos para que el fotógrafo los aplique manualmente a su gusto en el procesado o "revelado digital".

Por este motivo se dice generalmente que el RAW es el "negativo digital", porque conserva muchísima más información que un archivo JPG que, en este símil, equivaldría a la fotografía revelada. Una fotografía revelada puedes escanearla y volverla a procesar, pero nunca conseguirás tener tanta calidad y detalle como si volverias a revelar el negativo. Con los archivos RAW para lo mismo: puedes volver a revelar un JPG pero jamás conseguirás sacar la misma calidad y detalle que si vuelves a revelar el RAW desde cero.

Esta es una de las razones por las que no borro mis RAWs. Vamos a ver las diferentes razones en profundidad:

1. Re-Revelar tus RAWs Antiguos

Siempre lo digo: lo que más me gusta de la fotografía es que nunca dejo de aprender. Y por supuesto también aprendemos mucho sobre procesado con los años. ¿Cuántas veces has visto una fotografía tuya de hace algunos años y has pensado en lo mucho que la mejorarías actualmente?

Puede que te gustara repetirla de nuevo, desde cero, es decir, desde el disparo. Pero no siempre es posible, quizás sea una fotografía de un viaje que no vayas a repetir en muchos años. ¿No te haría ilusión procesarla de nuevo? Es increíble ver cuánto puedes mejorar una fotografía con los nuevos conocimientos que has ido adquiriendo a lo largo de los años. Y para muestra, un botón: aquí te muestro un ejemplo propio.

Revelado de 2014 vs Revelado de 2018

Viajé a Islandia en 2014 y con un nuevo viaje a esta maravillosa isla a la vista, decidí calmar mi impaciencia volviendo a procesar alguna de mis fotografías favoritas de aquel viaje. ¡No me podía creer cuánta información me dejé por el camino en mi revelado inicial! Con todos los conocimientos que he ido adquiriendo estos años, creo en mi más sincera opinión que mejoré mucho la fotografía que hice en 2014.

Y este nuevo procesado solo lo pude conseguir gracias a haber conservado el archivo RAW. Podría haber intentado mejorar el JPG, pero recuperar las zonas de altas luces y de sombras tan contrastadas hubiera sido imposible. Quizás habría podido recuperar parte de la información, pero nunca podría haberla recuperado toda, como he conseguido con el archivo RAW.

2. Aplicar Técnicas Novedosas

La tecnología avanza a pasos agigantados, y también lo hacen los programas y técnicas de procesado. Los algoritmos que usan los programas para trabajar y procesar los datos mejoran día a día y consiguen sacar mucha más información de un mismo archivo RAW. Por eso, te puede venir bien guardar tus RAWs para re-procesarlos con las nuevas técnicas, herramientas o programas de procesado que vayan saliendo.

Revelado con pincel de historia vs Revelado con máscaras de luminosidad

Por ejemplo, esta vía láctea la revelé hace un par de años, usando la técnica del pincel de historia de Photoshop. Sin embargo, hace poco decidí re-procesarla usando las nuevas máscaras de luminosidad de Tony Kuyper. Como se puede comprobar, conseguí sacar mucha más información en este segundo procesado, gracias a la mejora de la técnica.

Nota: Si estás interesado en estas técnicas y otras técnicas de procesado de la vía láctea, no te pierdas nuestro artículo: "Consigue una Vía Láctea Increíble con estas 5 Técnicas de Edición en Lightroom y Photoshop".

3. Adaptarse a las Modas

¡Ay las modas! Nos encantan un día y al día siguiente las odiamos, ¿verdad? A lo largo de los años he visto muchas modas subir y caer: los HDR extremos, las desaturaciones selectivas, el efecto Dragan, el efecto Adamski, etc. Ahora se llevan de moda el estilo vintage y el efecto orange teal. ¿Pero hasta cuándo?

Todo son técnicas y efectos que se han puesto muy de moda en ciertos momentos, pero que luego han saturado tanto nuestras redes que hemos acabado por aborrecerlos. Por eso si procesas tus fotografías con cualquiera de estos (u otros) efectos o técnicas será muy recomendable guardar el archivo RAW. Porque lo que hoy te encanta mañana te podría parecer demasiado recargado o exagerado, y quizás te apetezca volver a procesar la fotografía en un futuro para darle un aspecto más normal. ¡O incluso para seguir una nueva moda!

Fotografía con estilo teal and orange. Hoy me encanta, pero quizás de aquí a unos años prefiera procesarla de nuevo

4. Presentarte a Concursos de Fotografía

Muchos concursos de fotografía son muy exigentes a la hora de asegurarse de la autoría y la veracidad de las fotografías que se presentan, y por eso requieren la entrega del archivo RAW en el caso de ser uno de los agraciados. Un archivo RAW no puede ser alterado, y además contiene todos los datos EXIF de la fotografía: modelo de cámara, objetivo, parámetros usados, día y hora, e incluso datos de localización si la cámara dispone de GPS.

Por eso, gracias al archivo RAW los organizadores del concurso pueden de verdad confirmar que esa fotografía no ha sido alterada de ninguna manera, y que tan solo ha sido procesada utilizando un revelado simple. Así pues, si no guardas los RAWs de tus fotografías o si ni siquiera disparas en este formato, te quedarás sin poder participar en muchos concursos de fotografía.

Aprende a Ser Selectivo

Por supuesto conservar todos tus RAWs es una locura. Los primeros años será factible, pero cuando lleves unos cuantos años más vas a tener que dejarte el sueldo en discos duros externos. Por eso lo más óptimo será solamente conservar los mejores RAWs. ¿Y cuáles son esos?

Bueno, esto es algo muy subjetivo. Creo que todos sabemos diferenciar nuestras mejores fotos del resto. Cuando viajas o haces una sesión fotográfica puedes volver a casa con cientos e incluso miles de fotografías. Muchas de ellas serán parecidas y por eso la mayoría ni siquiera verán la luz nunca. ¿Por qué? Precisamente porque al hacer el proceso de selección elegirás las mejores. Esto es:

• Las que técnicamente sean mejores: buen enfoque, nitidez, exposición...
• Las que mejor composición tengan.
• Las que mejor luz tengan.
• Las que tengan algún detalle especial.
• En las que mejor salga nuestro modelo, en el caso de que sean fotografías de retrato.

De esas fotografías es principalmente de las que tienes que guardar el archivo RAW. El resto puedes revelarlas tan solo en JPG o borrarlas si crees que no merece la pena porque tienes muchas otras parecidas y mejores. Así ahorrarás mucho espacio.

Aprende a diferenciar entre Recuerdos y Fotografías Profesionales

Puede que te esté costando más de lo que creías decidir con qué RAWs quedarte. Y es que nuestras fotos son como nuestros pequeños retoños, ¿verdad? Cuesta deshacerse de ellas, cuesta elegir cuál se queda y cuál se va. Puede que aprender a distribuirlas en dos tipos de fotografía te ayude a verlo con una mayor claridad.

Debemos aprender a diferenciar entre fotografías para el recuerdo y fotografías para nuestro portfolio profesional. Con "portfolio profesional" no me estoy refiriendo tan solo a los fotógrafos profesionales. Cualquier fotógrafo, aunque sea aficionado, tiene su colección de fotos de las que está orgulloso como fotógrafo, ¿no? A este tipo de fotos me estoy refiriendo. De estas fotografías de las que estás orgulloso como fotógrafo es de las que deberías conservar el RAW, por las razones que te he dado antes.

En cambio, las fotografías para el recuerdo son fotografías que quizás no subirías a tu portfolio, pero que te encantaría volver a ver más adelante para recordar ese momento o ese viaje especial. Estas fotografías puedes revelarlas en JPG para conservarlas, pero puedes eliminar el archivo RAW para evitar que ocupen demasiado espacio tanto en tu ordenador como en tus copias de seguridad.

Adoro esta fotografía y me trae recuerdos estupendos, pero no guardé el RAW porque no es una fotografía de portfolio

Organízate

Por supuesto, para hacer esta selección primero debes ver todas las fotografías y decidir con cuáles te quedas. En sesiones o excursiones cortas será sencillo, pero la cosa se complica cuando vuelves de las vacaciones con miles de fotos en tu tarjeta de memoria.

Bueno, en este caso no te quedará más remedio que conservar los RAWs y guardar una copia de seguridad de todos ellos hasta que saques tiempo para revisar y procesar tus fotografías. Intenta no demorar esto mucho en el tiempo, aunque a veces dé pereza, porque más pereza da todavía cuando ya se te han acumulado varias sesiones y viajes por revisar.

Una manera sencilla y rápida de visualizar, puntuar y elegir las fotografías de cada sesión, excursión o viaje es el catálogo de Lightroom. Con Lightroom podrás ver todas las fotografías a la vez, revelarlas rápidamente e incluso revelarlas por lotes. También podrás puntuarlas y marcarlas con colores para decidir fácilmente cuáles son las mejores y qué RAWs conservarás. Además, también podrás exportar grandes lotes a la vez rápidamente en JPG, para las fotografías que quieras conservar tan solo en este formato.

La fotografía de paisajes es una disciplina que se diferencia en muchos aspectos de otros tipos de fotografía. Su ejecución, la búsqueda del momento, la duración de la sesión, su ubicación... Todo ello son elementos que hacen que tengamos que preocuparnos especialmente por la elección nuestro equipo.

¿Sirve cualquier equipo? ¿Qué accesorios son los más recomendados? En este artículo veremos cuáles son los elementos que deberías tener muy en cuenta si estás pensando en hacer una escapada para fotografiar paisajes. Concédeme unos minutos y te contaré cuales son.

Accesorios en Fotografía, un Complemento Interesante

La fotografía es una disciplina muy amplia cuyo requisito mínimo es tener una cámara con la que poder hacer nuestras tomas. Eso sí, a la hora de ejecutar nuestras fotos, podemos emplear una gran cantidad de accesorios que nos pueden ayudar de diferentes formas. Cada temática obviamente requerirá de unos accesorios u otros, y cuando hablamos de fotografía de paisaje la lista que podemos tomar de referencia es bastante extensa.

Esto, por supuesto, no implica que solo puedas hacer buenas fotos de paisaje si haces uso de todos estos accesorios, en absoluto. Pero sí que está bien conocerlos y saber si nos van a ayudar a conseguir las fotografías que queremos, ya que quizás el motivo por el que no consigues un determinado resultado es porque te falta uno de estos accesorios, o quizás te estás complicando mucho la vida para hacer una toma porque desconoces la existencia del accesorio que te ayudará a que ese proceso sea infinitamente más sencillo.

Recordando el Equipo Básico para Fotografía de Paisaje

Empecemos por el principio. ¿Cuál es el equipo básico que necesita un fotógrafo de paisaje? Pues como apuntábamos antes, su cámara y una lente. Si los tienes, ya puedes realizar fotografías.

Respecto a la cámara, tenemos una amplia gama entre la que elegir. Puede que hagas tus fotos de paisaje con la cámara de tu móvil, con una compacta, o con una réflex o sin espejo. En función del tipo de cámara que tengas, podrás trabajar con más o menos accesorios. Como tampoco me quiero extender mucho en este punto, te dejo a continuación algunos artículos para que conozcas los diferentes tipos de cámaras que hay y sus principales características.

• 6 Cámaras Compactas Recomendadas para Fotógrafos
• Los 8 Móviles con Mejor Cámara
• Las 9 Mejores Cámaras Compactas Avanzadas (Tipo Bridge)
• Las 8 Cámaras Réflex para Principiantes más Recomendadas
• Las 14 Cámaras EVIL más Recomendadas

Por otro lado, otro elemento fundamental del equipo son las lentes. A este respecto, será con las cámaras réflex y sin espejo a las que nos referiremos, ya que son estas las que tienen la posibilidad de intercambiar sus objetivos.

Aunque si bien es cierto que las lentes grandes angulares son las más populares entre los fotógrafos de paisaje porque son con las que lograremos abarcar un mayor ángulo de visión para poder captar la grandiosidad de un paisaje, también los teleobjetivos e incluso las focales fijas pueden ser una gran opción para trabajar en esta temática. Todo depende del propósito que persigas. A este respecto, te recomiendo que le eches un vistazo a los siguientes artículos.

• Objetivos Recomendados para Fotografía de Paisaje
• Fotografiar Paisajes: ¿Angular o Teleobjetivo?
• Todo lo que Necesitas Saber Sobre Objetivos en Fotografía
• ¿Cómo Hice Esta Foto?: Teleobjetivos y Compresión de la Perspectiva en Fotografía de Paisaje

Y ahora, tras ver los dos elementos clave, pasemos a descubrir cuáles son los accesorios más interesantes de cara a realizar fotografía de paisaje. En todos ellos encontrarás enlaces a guías completas que incluyen enlaces de compra por si estás buscando hacerte con ellos.

1. La Mochila

Aunque no es un elemento estrictamente fotográfico, sin duda forma parte de nuestro equipo y en este caso cobra una relevancia fundamental.

Probablemente la jornada nos lleve unas cuantas horas, muchas de ellas en movimiento, y la manera de transportar y proteger nuestro equipo mientras no lo estamos usando será muy importante para el éxito de nuestra misión.

Te recuerdo que estamos hablando de fotografía de paisaje, por lo que es recomendable que uses una buena mochila fotográfica, de las de dos asas a la espalda, que te permita almacenar todo el equipo necesario mientras tu columna se resiente lo menos posible.

Aquí importa más la capacidad y la comodidad que un bonito diseño, así como también es preferible utilizar mochilas de dos asas en vez de las bolsas tipo bandolera o las simples fundas para colgar del cuello, ya que cuanto mejor repartido esté el peso, mejor. Sobre ello, puedes ampliar la información en nuestra Guía Definitiva para Elegir tu Mochila Fotográfica. Y si necesitas dos ejemplos de mochilas idóneas para el fotógrafo de paisaje échale un vistazo a los siguientes artículos.

• Accesorios K&F Concept para Fotógrafos Viajeros
• OneMo BackPack: la Mochila Diseñada para el Fotógrafo Aventurero

Otro aspecto sobre las mochilas que también es interesante para el fotógrafo de paisaje es que estas sean impermeables o cuenten con una funda que la proteja de la lluvia y la humedad, ya que nunca sabemos cuando nos puede coger un chaparrón en medio de una excursión, y seguro que no quieres que tu equipo acabe empapado.

2. El Trípode (+ Rótula)

El trípode es un elemento que se utiliza en muchos tipos de fotografías, pero sin duda la fotografía de paisaje es una de las modalidades estrella. Este nos ayudará tanto a obtener tomas con una mayor nitidez, hasta lograr imágenes de larga exposición diurna o incluso fotografías de paisaje nocturnas.

A la hora de elegir uno, te recomiendo que busques un buen trípode que sea ligero y robusto. Robusto porque debe aguantar bien el trabajo al que le sometamos, y ligero porque si vas a cargar con él, tu espalda lo agradecerá.

En este sentido es bueno que conozcas los diferentes materiales que hay, ya que algunos como la fibra de carbono harán que el peso de tu trípode se reduzca considerablemente. Aunque el desembolso que tendrás que hacer por un trípode de este material será más alto, precisamente para practicar esta modalidad fotográfica y teniendo en cuenta la cantidad de excursiones que harás con él cargado a la espalda, puede que merezca la pena.

Fragmento Fototip Accesorios Fotografía de Paisaje

También deberás fijarte en otros aspectos como lo compacto que es, o la altura mínima y máxima de este. Y por supuesto, hay que prestarle atención a una parte muy especial del trípode, la rótula. Esta conforma la cabeza del trípode, y existen de diferente tipos, incluso específicas para paisaje. Así que valora muy bien tus necesidades y busca una que te permita lograr las tomas que quieres de forma cómoda.

Y como nota adicional, la mayoría de trípodes actuales ya llevan integrado un nivel burbuja, pero si no es el caso, existe un pequeño y económico accesorio que puedes añadir a tu cámara y te ayudará a que tus fotos tengan los horizontes rectos cuando las dispares.

3. El Disparador Remoto o Intervalómetro

Si existe un compañero ideal para tu trípode, ese sin duda es el disparador remoto, y aunque si no dispones de uno también puedes utilizar el temporizador de tu cámara, por lo poco que cuestan es aconsejable que nunca falte uno de ellos en tu mochila.

Este accesorio resulta perfecto para evitar transmitir vibraciones a la cámara a la hora de pulsar el botón de disparo, porque de nada sirve trabajar con el trípode si justo cuando apretamos el botón de disparar, la cámara registra el movimiento que hemos causado. Además, también resulta muy útil por ejemplo si queremos un retrato en el paisaje y no podemos pedírselo a nadie.

Por otro lado, tenemos el intervalómetro, otro accesorio que nos permite disparar la cámara de forma remota, pero que además nos da la posibilidad de poder disparar automáticamente muchas tomas seguidas, algo muy útil si queremos realizar un timelapse o por ejemplo cazar un rayo o una estrella fugaz en nuestra imagen.

Si no sabes cuál de los dos te conviene más, te recomiendo que leas nuestro artículo ¿Disparador o Intervalómetro? ¿Con o Sin Cable?: Despeja tus Dudas Por Fin, en el que seguro que se disipan todas tus dudas.

4. Los Filtros

Cuando ya llevas un tiempo realizando fotografía de paisaje y quieres ir un paso más allá en lo que respecta a los resultados que obtienes, los filtros son un accesorio interesante que te ayudarán a conseguir imágenes fascinantes.

Sobre filtros hemos hablado mucho en dzoom, y para la temática de paisaje resultan especialmente útiles. Dentro de los diferentes filtros que hay, los más empleados para esta temática son los siguientes:

• El Filtro Ultravioleta. No produce ningún efecto, pero sí que nos ayudará a proteger nuestra lente de agentes externos y otros accidentes que puedan ocurrir.
• El Filtro Polarizador. Con él lograremos reducir los reflejos que aparecen en nuestra fotografía, además de un mayor contraste y saturación de colores.
• El Filtro de Densidad Neutra. Este filtro reduce la intensidad de luz que penetra en el objetivo y le llega a la cámara, afectando a toda la imagen por igual. Se utiliza mucho para conseguir el famoso efecto seda y trazas de movimientos en las nubes.
• El Filtro Degradado de Densidad Neutra. También reduce la intensidad de luz que le llega a la cámara, pero en este caso no de forma uniforme. Con él conseguiremos compensar la exposición de una fotografía con grandes contrastes lumínicos, es decir, que tiene una parte mucho más oscura que otra. Existe una variante de este filtro conocida como filtro inverso.

5. Tarjetas y Baterías Extra

Hacer fotografía de paisaje implica muchas veces realizar largas excursiones en las cuales nuestra cámara estará encendida durante mucho rato. Eso supone que la batería puede que se agote antes de lo que nos gustaría, así que si quieres evitar quedarte sin la foto debido a que tu cámara se ha apagado, es aconsejable que siempre lleves una o dos baterías de repuesto en tu mochila.

Y al igual que ocurre con las baterías, pasa con las tarjetas de almacenamiento. Si eres de los que se deja llevar por la euforia y suele hacer muchas fotos, o si vas a estar varios días de excursión realizando tomas de paisaje, lo mejor es que lleves varias tarjetas de reserva. Nunca sabes cuando se te pueden acabar, o incluso si pueden darte un error. Así que ya sabes, más vale prevenir que curar.

6. Kit de Limpieza

Contar con un kit de limpieza para nuestro equipo fotográfico cuando estamos en plena naturaleza es más útil de lo que puedas imaginar. Sí, es cierto que de todos los accesorios que estamos viendo quizás sea el menos glamuroso, pero... ¿y si nos acercamos a una cascada y nuestra lente queda cubierta de un montón de gotas? ¿Vas a pasarle la manga de tu suéter para secarlas y arriesgarte a rayar el cristal? La respuesta correcta sería "no", obviamente.

Para hacerlo existen kits de limpieza que nos ayudarán a limpiar nuestro equipo a la vez que seguimos cuidándolo y prolongando su vida. Dichos kits cuentan con gamuzas de microfibra, alcohol isopropílico y una pera o soplador de aire, entre otros. Sobre ello te halamos en La Guía Completa para Limpiar Objetivos y Filtros Fotográficos.

Otros Accesorios Interesantes

Ya hemos visto los que serían los accesorios más utilizados por un fotógrafo de paisaje, pero queremos ir un paso más allá y ampliar esta lista con otros que quizás no sean tan obvios o necesarios, pero que pueden resultar de gran ayuda. Veámoslos.

Ropa y Calzado Cómodo

Si somos fotógrafos de paisaje seguramente realizaremos muchísimas excursiones en plena naturaleza, por lo que llevar ropa y calzado cómodo será altamente recomendable. Lo que pretendemos es disfrutar de la sesión, así que imagínate que no puedes hacerlo por algo tan tonto como que te rocen los zapatos. Mejor no llegar a ese punto, ¿vredad?

Por otro lado también hay que saber al lugar al que vamos y el tiempo que hará en él, para que esa ropa se ajuste también al clima. Si por ejemplo subimos a una cumbre, es probable que haga bastante más frío en ella que el que hacía en el punto inicial de la excursión, así que será mejor que llevemos abrigo o un chubasquero que al menos pueda cortar el viento.

Una Silla Plegable

No para todos los casos, pero cuando nuestra fotografía e paisaje conlleva estar varias horas en un mismo lugar, puede ser interesante llevar una silla plegable con nosotros para descansar.

Por ejemplo, si estamos esperando una puesta de sol y aun falta un buen rato, o si vamos a realizar un time lapse, tener un punto de apoyo para descansar o incluso para dejar sobre él el resto del equipo puede ser interesante.

Un Móvil

Además de por razones de seguridad, llevar el teléfono móvil contigo en tus excursiones para cazar estupendas fotografías de paisaje puede brindarte bastante beneficios, como por ejemplo:

• Poder consultar las condiciones meteorológicas en tiempo real.
• Utilizar mapas y la navegación del GPS para llegar hasta ciertas localizaciones.
• Emplear aplicaciones fotográficas como Photopills que te ayudarán a planificar tus tomas.
• Llevar contigo el manual de la cámara por si necesitas consultar el uso de alguna función.
• Controlar la cámara de forma remota.
• Y por supuesto, utilizar la cámara de fotos del propio móvil para documentar el viaje o para mandar a la familia y amigos en el propio momento.

Tarjetero

Aunque muchas mochilas ya llevan un bolsillo destinado a guardar nuestras tarjetas, dado que se trata de un accesorio bastante pequeño y delicado, es interesante contar con un tarjetero donde poder guardarlas todas con un extra se seguridad.

Funda Lluvia

Igual que nosotros tenemos chubasqueros y paraguas para las ocasiones en las que nos pilla la lluvia por el camino, no está de más que si sabemos que vamos a un destino donde las lluvias son bastante probables, contemos en nuestra mochila con una funda de lluvia para nuestra cámara. De ese modo, podremos seguir realizando nuestras tomas aunque caigan unas cuantas gotas, sin miedo a que nuestro equipo se estropee.

Linternas y Frontales

No es que necesariamente se te vaya a hacer de noche por el camino, que también podría darse el caso, pero llevar una linterna o un frontal en tu mochila puede serte de gran utilidad. Imagina por ejemplo que acudes a un entorno en el que tienes que pasar por alguna cueva, llevar una linterna puede ayudarte a tener una mejor visibilidad en ella.

Eso por no mencionar si nos gusta también la fotografía de paisaje nocturna, donde llevar una linterna o frontal sí que se hace un requisito indispensable para saber por donde vamos y poder trabajar.

Una Bola de Cristal

A veces podemos utilizar objetos para darle a nuestras fotos un toque diferente. Es lo que pasa por ejemplo cuando empleamos una esfera de cristal, de la que ya te hablamos en este otro artículo.

Con ella no solo podremos jugar con la refracción en nuestras fotografías, sino que también captaremos a través de la esfera un mayor ángulo de visión, tal y como ocurriría si empleáramos una lente ojo de pez.

Utilizarla a la hora de fotografiar paisajes nos puede dar mucho juego, sobre todo si trabajamos con ella colocándola en ángulos bajos, o cuando creamos múltiples reflejos si la ponemos sobre el agua.

Un Dron

Cada vez el uso de los drones está más generalizado, ya que podemos encontrar modelos asequibles que nos brindan una perspectiva fotográfica el paisaje totalmente distinta a lo que estamos acostumbrados. Además, con un dron no solo podremos disfrutar de la fotografía, sino también realizar fantásticas tomas de vídeo.

Eso sí, hay que ser precavidos y conocer la legislación de los diferentes lugares respecto a su empleo, ya que hay muchos destinos naturales en los que su uso está prohibido.

Un Portátil

Aunque este complemento no sería para llevarlo en nuestra mochila durante las excursiones obviamente, si nuestra fotografía de paisaje implica que vamos a realizar un viaje a un lugar en el que estaremos varios días alojados en una base, quizá sea interesante que lleves contigo un ordenador portátil. Este no solo te servirá para realizar copias de seguridad diarias de las fotos que vayas haciendo, asegurándote así de que no pierdes el material, sino que además te permitirá vaciar una de las tarjetas si te vieras en el punto de que te has quedado sin espacio de almacenaje.

Por otro lado, un ordenador también te ayudará a que puedas planificarte tus días de escapada fotográfica de manera más cómoda que con el móvil.

Accesorios de Paisaje: ¿Los Tienes Todos?

Y hasta aquí llega la selección de accesorios interesantes para fotografía de paisaje. ¿Los tienes todos? ¿Echas en falta alguno en la lista? Si es así estaremos encantados de que nos lo indiques en los comentarios para poder complementarla.

Ya te contamos en nuestro artículo "¿Sabías que Puedes Ganar Dinero con Tus Fotos en Internet?" que puedes ganar dinero con tus fotografías gracias a los stocks de imágenes. Sin embargo, si te has pasado por alguna de las páginas más famosas de stock, verás que hay miles de fotografías entre las que es difícil destacar.

¿Cómo podemos entonces ser vistos en una web tan masificada? Sin duda deberás tener en cuenta dos factores clave: identificar qué carencias tiene la página y, por supuesto, ofrecer una gran calidad fotográfica. ¿Quieres que te cuente cómo conseguirlo? ¡Entonces sigue leyendo!

¿Cómo Destacar en una Web de Fotografías de Stock?

Si alguna vez has entrado en alguna web de fotografías de stock sabrás que a veces es abrumador la cantidad de imágenes que nos aparecen de una misma temática. Conseguir que nuestras fotografías sean las elegidas para que el usuario las descargue no es tarea fácil. La competencia es feroz.

Por eso tenemos que hacer todo lo posible por que nuestras fotografías destaquen, llamen la atención y ofrezcan una gran calidad, composición y mensaje. ¡Vamos a ver algunos consejos para conseguirlo!

1. Identifica qué Temáticas están Más Solicitadas

Para trabajar con páginas de imágenes de stock debes conocer bien el mercado. Estar al día de cuáles son las modas y tendencias en alza te vendrá genial para anticiparte a las necesidades del usuario.

Muchos, al hablar de fotos para webs de stock, piensan directamente en fotos de tipo bodegón. Pero lo cierto es que actualmente también están en alza las fotos de tipo life style, fitness y tecnológicas. Destacar entre miles de fotos similares es muy complicado, por eso estar atento a las tendencias que se llevan en cada momento te asegurará el éxito.

Después existen otras temáticas que siempre suelen funcionar, como las fotografías de pareja, familia, belleza, salud o business. Es complicado meter cabeza en este tipo de temáticas porque suelen estar bastante saturadas, pero si ofreces una gran calidad fotográfica o si buscas un punto de vista original, puedes conseguirlo.

2. Busca Carencias en Otras Temáticas Menos Buscadas

Otra opción es olvidarte de los temas que están más saturados y dedicarte a identificar posibles carencias que cubrir. Es posible que estas temáticas menos buscadas no te proporcionen un flujo de descargas muy elevado, pero en el momento en el que alguien necesite descargar una foto de esa temática, tan solo encontrará las tuyas. ¡Descargas aseguradas!

Así pues, investiga las diferentes temáticas que puedes ilustrar con los recursos que tienes a tu alcance y mira a ver si están o no cubiertas en la página de stock. Si no lo están, o si las imágenes disponibles dejan bastante que desear, ¡es tu oportunidad!

Por otra parte, procura estar siempre al día con las tendencias actuales. Éstas cambian periódicamente y no siempre están cubiertas en las webs de imágenes de stock. Si eres de los primeros en identificar una nueva temática de moda, conseguirás estar entre los primeros puestos.

3. Cuida la Iluminación

La iluminación es clave en cualquier tipo de fotografía, pero sin duda en este tipo de fotografía todavía lo va a ser más, ya que vas a "competir" contra cientos e incluso miles de fotografías. Si quieres ser tú el que se lleve el gato al agua, tu fotografía tiene que destacar con una iluminación bien cuidada y dirigida.

Apuesta por iluminaciones laterales o a 45º para realzar volúmenes y evitar el aspecto plano que deja la luz frontal. Aprovecha la luz natural, pero apóyate con luz artificial para compensar sombras y hacer que tu centro de interés destaque.

A no ser que busques un aspecto más fuerte y agresivo, procura usar difusores o rebotar la luz para que sea más suave, ya que siempre genera una sensación más apacible, limpia y atractiva. Esto normalmente atraerá más miradas y eso significa más descargas.

4. Apuesta por la Simplicidad

Algo importante en las fotos de stock es la simplicidad en las tomas. Procura incluir tan solo los elementos necesarios, no más, para que se entienda el concepto que quieres transmitir o para que el centro de interés destaque a simple vista. Intenta también que los fondos sean cuanto más limpios mejor, cualquier elemento que distraiga la atención del verdadero fin de la fotografía, sobra.

Piensa que los usuarios de webs de fotografías de stock buscan ilustrar sus contenidos con fotografías con un concepto claro, para que sus lectores visualicen al instante sobre qué están hablando. Por tanto, la fotografía tiene que hablar por sí sola. Si hay que mirar dos veces tu fotografía para averiguar cuál es el centro de interés, o si hay que detenerse un momento a pensar qué es lo que quiere transmitir, no funcionará.

5. Busca la Tridimensionalidad

Algo que también suele resultar muy atractivo es romper con la bidimensionalidad para evitar ofrecer fotografías demasiado planas.

Para ello juega con los planos de la fotografía y la escasa profundidad de campo: un primer plano desenfocado, un centro de interés perfectamente nítido y un fondo con un bonito bokeh te ayudarán a crear una sensación de profundidad que siempre suele funcionar muy bien.

6. Incluye Fondos Variados

También puede ser interesante buscar fondos variados para que tu sesión sea más amplia y pueda abarcar un mayor número de necesidades.

Hay usuarios que buscan fondos completamente blancos o negros, otros que prefieren los fondos más neutros o de algún color específico, otros que buscan un fondo con un bonito bokeh, u otros que buscan un set más casero o vintage. Aprovecha que ya tienes todo preparado para la sesión e intenta realizarla con una buena diversidad de fondos, para tener más probabilidad de atraer a los usuarios de la web de stock.

7. Aplica la Psicología del Color

El color es uno de los recursos más potentes con los que contamos para transmitir sensaciones diferentes en nuestras fotografías, así que elige bien qué color quieres que sea el dominante en tu composición.

• Los fondos blancos crean una sensación de pureza, limpieza y profesionalidad.
• Los fondos negros transmiten un gran impacto. Son arriesgados pero proporcionan mucha fuerza a la fotografía.
• Los fondos con un tono neutro, como gris o beige, vienen genial para destacar productos de colores vistosos. Al tener un color neutro no llaman la atención y ayudan a que la atención se centre tan solo en el propio producto que se quiere mostrar.
• También puedes optar por usar fondos con textura, como madera, tela de arpillera, pizarra, mármol... Para las fotografías de comida y productos naturales suelen quedar muy bien, transmiten una sensación hogareña e incluso a veces, ese toque vintage que tan de moda se lleva ahora.

O, por otra parte, puedes optar por usar fondos de colores. Muchos fotógrafos optan por usar el mismo tono que el tono predominante en la toma, para crear una composición muy armónica, pero otros optan justo por lo contrario: usar el color complementario al color dominante, para crear un contraste de color muy llamativo.

Si quieres experimentar con el color, la rueda cromática gratuita de Adobe es una herramienta fantástica para crear paletas de color para tus fotografías.

8. Cuenta una Historia

Algo que también suele funcionar muy bien en este tipo de páginas de imágenes de stock es realizar series fotográficas en las que se cuente una historia. Muchas veces los usuarios buscan más de una imagen para ilustrar lo que están contando, necesitan mostrar un antes y un después, e incluso a veces también un "durante".

Así pues, no te limites a capturar a tu sujeto o a tu centro de interés siempre en la misma situación, cambia la escenografía para que esta situación avance y se desarrolle.

9. Aprovecha el Set y Haz Muchas Fotos

Una vez tengas montado todo el set para hacer las fotografías, no te conformes con un par. Muchas veces los usuarios se encuentran con que una fotografía podría ser perfecta para lo que necesitan, pero si fuera un poco más general, si tuviera otro tipo de fondo o si tuviera formato vertical en vez de horizontal. Las necesidades de los usuarios son muy variadas y si no encuentran en tu fotografía exactamente lo que están buscando, se irán a buscar otra.

Por eso, una vez tengas montado el set no te cuesta nada hacer una buena sesión de al menos 10 fotos para cubrir cualquier tipo de demanda: fotos más generales, más cercanas, planos detalle, diferentes angulaciones, en formato horizontal y en formato vertical, etc. ¡Que no se te quede nada en el tintero!

10. Procesa las Fotografías

Siempre solemos aconsejarte que proceses tus fotografías para dejarlas completamente a tu gusto y estilo, pero en esta ocasión todavía es más importante, ya que no vas a tener que dejarlas a tu gusto, sino al gusto de consumidor. Sobra decir que en este tipo de fotografías disparar en RAW va a ser muy importante, ya que te permitirá darles un procesado mucho más apurado y con más matices.

Las fotografías de stock siempre se suelen preferir luminosas y con balances neutros, a no ser que claramente se esté mostrando algo que requiera otro tipo de aspecto, como por ejemplo un atardecer. Si los colores son importantes, procura saturarlos lo justo para que queden vibrantes pero no demasiado exagerados.

Busca una iluminación equilibrada, baja las altas luces y sube las sombras para evitar contrastes muy fuertes, a no ser que la temática que estés fotografiando requiera este aspecto más agresivo. Pero si no es así, opta siempre por un aspecto más armónico, ya que será más probable que tu fotografía resulte atractiva a un mayor número de gente.

¿Se te Ocurre Algún Consejo Más?

Como ves la fotografía de stock es todo un mundo aparte. Es cierto que a veces puede resultar abrumador y desesperanzador intentar empezar a vender tus fotografías en webs de imágenes de stock, pero no decaigas. Siguiendo estos consejos y siendo constante y paciente, puedes conseguirlo.

¿Alguna vez has vendido alguna de tus fotos en páginas web de imágenes de stock? ¿Quieres añadir algún consejo más? ¡Déjanos un comentario!

La velocidad de obturación es uno de los parámetros que podemos establecer a la hora de tomar una fotografía, con la idea de regular la cantidad de luz que entra al sensor.

Si la velocidad es rápida entrará poca luz al sensor. Si es lenta entrará mucha. Por lo tanto, cuánto más lenta sea la velocidad de obturación más luz llegará al sensor. Para los que no lo sepan, la velocidad de obturación y el tiempo de exposición es lo mismo.

De manera que cuando no tenemos luz suficiente debemos tener tiempos de exposición cada vez más largos. El problema viene cuando disparamos a pulso y no podemos bajar de cierta velocidad sin que se nos mueva la foto. Es cuando debemos utilizar un trípode.

Nos falta luz para hacer la foto, ¿Qué hacemos?

El modo BULB se configura cuando queremos establecer un tiempo de exposición superior a 30 segundos (o 60 en otros modelos), que es el tiempo máximo de exposición que nos permite establecer.

Con el modo BULB podemos establecer el tiempo de exposición que nosotros queramos.

¿Cómo Configuro el Modo BULB?

Vemos que este modelo de Fujifilm tiene un dial con un modo BULB.

Obviamente, para establecer la velocidad manualmente debes configurar el modo M o Manual. Si cogéis vuestra cámara y empezáis a alargar el tiempo de exposición veréis que solamente podéis llegar hasta 30 segundos (en la mayoría de cámaras).

Muchos pensaréis que 30 segundos es mucho tiempo, pero si quieres hacer fotografía nocturna, donde no hay nada de luz, con 30 segundos no es suficiente. Si vuelves darle click para aumentar el tiempo verás que aparece la letra B o la palabra BULB.

Hay cámaras que disponen directamente de un modo B en su rueda de control, haciendo más rápido y fácil la transición de un modo al otro.

¿Cómo Funciona el Modo BULB?

Mi Canon me dice que tengo puesto el modo BULB. Además, se puede ver el icono que indica que tengo el levantamiento del espejo activado.

Cuando configuramos la cámara en modo BULB, podemos mantener pulsado el botón de disparo todo el tiempo que queramos, y durante este tiempo el obturador permanecerá abierto captando luz. Cuando soltemos, se cerrará y nos mostrará la fotografía.

Hay cámaras que permiten pulsar una vez para empezar la exposición y otra vez para finalizarla.

Modo BULB: ¿Qué Necesito?

Para hacer este tipo de fotografías en modo BULB donde los tiempos de exposición son largos es imprescindible utilizar un trípode.

Además, nadie hace las fotografías manteniendo el botón de disparo pulsado, ya que es algo engorroso y además puede mover la cámara. Lo que se suele hacer es utilizar un cable disparador. Con este cable podemos disparar la foto y también bloquear la exposición todo el tiempo que queramos.

¿Cuánto Tiempo Tengo que Estar Exponiendo?

Cuando pongo el modo BULB ya no puedo configurar el tiempo de exposición porque lo tenemos que programar nosotros, ya sea manualmente con un cable disparador o con un mando intervalómetro.

En el momento que establecemos el modo BULB desaparece el exposímetro, ya que no podemos medir la luz. La luz se mide en función de los valores de diafragma, tiempo de exposición e ISO. El modo BULB es un modo donde podemos exponer durante el tiempo que queramos, y eso, la cámara no lo sabe por lo tanto no puede darnos una medición.

Si no tengo el exposímetro, ¿cómo mido? ¿Qué valores pongo? Así a bote pronto, parece complicado saber cuánto tiempo tengo que estar con el obturador abierto, y más si no tengo exposímetro. Sin embargo, en la práctica es mucho más sencillo de lo que parece.

El truco está en medir antes de poner el modo BULB y después aplicar la ley de la reciprocidad. Por ejemplo, si estamos haciendo una foto de noche en medio del campo, obviamente no hay luz, por lo que podemos establecer un valor ISO alto, un valor de diafragma abierto y un tiempo de exposición aleatorio. Si tenemos algo de luz, podemos medir en esa zona para ver qué tiempo configurar.

Una vez hecha la foto revisamos el histograma y vemos si se nos ha quedado muy oscura o muy clara. En función del resultado, modificamos el tiempo de exposición hasta que el histograma esté donde nosotros queremos.

Es entonces cuando ponemos el modo BULB y aplicamos la ley de la reciprocidad. Por ejemplo, partimos de los parámetros f/4, 10 segundos e ISO 6400. Como no queremos disparar a ISO tan alto aplicamos la reciprocidad hasta ISO 100. Eso son 6 pasos menos por lo que debemos aumentar el tiempo de exposición 6 pasos también.

Recordad que un paso más es el doble de luz, por lo tanto, debemos duplicar el tiempo de exposición 6 veces, obteniendo un tiempo de exposición de 640 segundos (10 minutos y 40 segundos).

Este sería el tiempo de exposición que deberíamos controlar para que la foto saliera correctamente iluminada en el modo BULB. Si no queremos estar pendientes del tiempo, existen los intervalómetros, que son muy parecidos a los cables disparadores pero que contienen un display programable.

En este aparato podemos establecer el tiempo de exposición, por ejemplo los 640 segundos y despreocuparnos. Cuando llegue el tiempo la cámara dejará de exponer. Fácil, ¿verdad?

¿Cuándo Podemos Utilizar el Modo BULB?

A pesar de ser de día podemos usar el modo BULB porque hemos puesto un filtro ND, en este caso de 10 pasos, por lo que la exposición, en este caso, supera los 30".

El modo BULB se utiliza cuando le llega poca luz al sensor, ya sea porque el entorno es oscuro o porque nosotros configuramos la cámara para que llegue poca luz.

El caso más habitual es cuando vamos a realizar fotografía nocturna, sobre todo lejos de entornos urbanos donde no hay luz artificial. En estas condiciones no hay luz suficiente para tomar una fotografía con tiempos de exposición normales, por lo que debemos usar el modo BULB y configurar tiempos más largos.

Podemos fotografiar estrellas o incluso obtener trazas de estrellas gracias a que éstas se van moviendo continuamente (en realidad todos sabemos que quién se mueve es la Tierra). También se usa para hacer light painting, es decir, iluminar por la noche objetos con linternas.

Otra práctica muy habitual es cuando utilizamos filtros de densidad neutra. Estos filtros son cristales oscuros que evitan que llegue luz al sensor. La luz que restan está estipulada en función del número de pasos. De manera que, cuando ponemos un filtro de este tipo delante del objetivo, en muchas ocasiones tenemos que poner el modo BULB ya que el tiempo de exposición supera los 30 segundos.

Cómo Hice Esta Foto - Equipo Necesario

Con estos filtros conseguimos efectos muy interesantes, como puede ser el efecto seda del agua, el movimiento de las nubes, o conseguir que no aparezca gente en nuestras fotografías debido al movimiento continuo de cada persona.

Consejos y trucos

Cuando vamos a utilizar el modo BULB debemos tomar precauciones y levantar el espejo antes de disparar. Por ello, cuando utilicemos el mando disparador, debemos pulsar dos veces, la primera para levantar el espejo y evitar trepidaciones, y después para empezar la obturación.

Cuando hacemos fotografías donde hay muchos pasos de diferencia entre los parámetros puede resultar difícil o lento aplicar la reciprocidad de cabeza, por eso existen aplicaciones que son muy fáciles de utilizar y que nos ahorrarán hacer los cálculos. La aplicación que suelo utilizar se llama Calculador de Exposiciones.

Podemos aplicar la reciprocidad cuando el entorno es oscuro y hemos subido mucho el ISO o cuando estamos utilizando filtros ND (densidad neutra) ajustando el número de pasos que resta el filtro, devolviendo los parámetros correctos.

Por último, no hay que olvidarse de desconectar el estabilizador de imagen cuando disparamos sobre trípode para evitar fotos movidas.

Si has tenido que fotografiar a una persona que lleve gafas seguro que te ha provocado un pequeño quebradero de cabeza lograr sacar la captura que quieres sin que aparezcan reflejos en los cristales de las gafas. En el artículo de hoy vamos a descubrir cómo evitar esos temidos reflejos y así poder ver lo que se esconde tras la mirada de tus modelos.

Los Temidos Reflejos en los Cristales de las Gafas

Cuando realizamos un retrato nos solemos preocupar por la iluminación que éste tiene, pero hay una cosa que se nos puede pasar por alto y que puede llegar a estropear nuestras fotografías. ¿Qué ocurre si nuestro modelo lleva gafas? Decirle a nuestro modelo que tenemos problemas con la foto por culpa del reflejo de sus gafas puede incomodarlo, y si le pedimos que se las quite quizás no se sienta él mismo, así que ésta no es la solución más recomendada.

Para cuando nos encontramos en estas ocasiones, hemos querido mostrar un ejemplo práctico. Para empezar, hemos preparado un set en un interior en el que contaremos con un flash externo y un reflector para ver cuáles son los consejos que deberemos seguir para evitar los temidos reflejos en las gafas. Le hemos indicado a nuestro sujeto que se situara en el medio del encuadre, y tenemos el flash montado sobre la zapata de nuestra cámara, de modo que el haz de luz incidirá de manera frontal sobre el sujeto.

Al realizar la primera prueba, como comprobamos en la siguiente imagen, el reflejo es muy evidente y oculta parte de los ojos de nuestro sujeto.

Ángulo Incidente y Ángulo de Reflexión

Antes de ver las posibles soluciones para evitar esos molestos reflejos, vamos a repasar dos conceptos clave, el ángulo de incidencia y el ángulo de reflexión de la luz.

• El ángulo de incidencia es aquel con el que llega la luz a nuestro sujeto. Éste absorbe parte de la luz, y la otra parte la refleja, dando lugar al ángulo de reflexión de la luz.
• El ángulo de reflexión siempre será el mismo que el ángulo de incidencia, pero en sentido contrario.

A esto debemos añadirle que hay 3 posiciones que podemos ajustar para evitar los reflejos, y estas son:

• La posición de la fuente de luz
• La posición de tu modelo
• La posición de la cámara

Sabiendo esto, deberemos trabajar con ellas de tal modo que en las gafas no se produzcan los reflejos, y por supuesto asegurarnos de que el ángulo de la luz que le llega a nuestro sujeto no coincide con el ángulo desde el que lo estamos fotografiando.

Colocar la fuente de luz de forma frontal y a la altura de la mirada de nuestro sujeto, como hemos visto, no es la solución para evitar que aparezcan los molestos reflejos en los cristales de sus gafas. Veamos qué opciones tenemos para arreglarlo.

Métodos para Evitar los Reflejos en las Gafas

1. Inclinar y Ladear la Cabeza

Una de las soluciones más sencillas que tenemos para evitar los reflejos en las gafas es pedirle a nuestro sujeto que incline su cabeza hacia uno de los lados, y baje la barbilla un poco hacia abajo. Si prefieres que su barbilla no esté inclinada hacia abajo, siempre puedes pedirle que se ajuste la posición de las gafas hasta que desaparezca el reflejo.

2. Cambiar el Ángulo de la Luz

La posición desde la que la llega la luz a nuestro sujeto va a influir mucho en la aparición o no de reflejo en los cristales. Para que compruebes esto sin tener que estar moviendo tu fuente de luz principal todo el rato, te aconsejo que enciendas la linterna de tu móvil, y vayas moviéndola poco a poco para ver cómo en determinadas posiciones el reflejo desaparece.

La foto de la izquierda está hecha sin reflector, la de la derecha con reflector. Es por eso que conseguimos rellenar la mitad de la cara que antes teníamos en sombra.

Por norma general, la mejor posición será colocar la fuente de luz en uno de los laterales, y no de forma frontal como la teníamos antes. Además, le pediremos a nuestro sujeto que ladee su torso hacia el lado contrario en el que tenemos la fuente de luz principal para evitar los deslumbramientos, así lograremos disimular el reflejo. En este punto, para rellenar un poco las sombras dramáticas que han quedado en la otra parte de la cara, usaremos un reflector.

3. Cambiar la Altura de la Luz

Otra cosa que también nos ayudará a disimular los reflejos será subir la altura de la fuente de luz respecto al sujeto. Porque si disparamos el flash de forma frontal y a la altura de los ojos, el ángulo de reflexión de la luz irá directamente a la lente de nuestra cámara y la deslumbrará.

Por lo tanto, para variar el ángulo de reflexión, prueba a elevar la fuente de luz para evitar que aparezcan reflejos en las gafas, incluso disparando el flash de forma frontal. Eso sí, ten cuidado y no subas demasiado la fuente de luz, porque si te pasas aparecerán sombras muy marcadas de la montura de las gafas en la mirada de nuestro sujeto.

4. Cambiar la Distancia de la Fuente de Luz Respecto al Sujeto o Usar un Difusor

Por último respecto a la fuente de luz, trataremos de que la luz sea lo más suave posible, y para ello tenemos una solución: poner un difusor delante de ella. ¿Y por qué? Pues porque así evitaremos que las propias gafas creen sombras duras sobre la zona de la mirada que pueden distraer y ensuciar un poco la foto.

5. Usar el Filtro Polarizador

Otra de las opciones que tenemos es emplear un accesorio: el filtro polarizador. Ya sabes que este filtro se caracteriza por disimular y/o eliminar los reflejos que se producen en diferentes superficies, tales como el agua o el cristal.

Para comprobar los resultados, acoplaremos el filtro polarizador a nuestro objetivo. Ahora es cuestión de que vayas girando el filtro hasta conseguir la posición adecuada en la que más se disimulen los reflejos.

6. Usar el Reflejo a Nuestro Favor

Ya sabes lo que dicen, si no puedes con tu enemigo… ¡únete a él! A veces puedes intentar sacar una parte más creativa y jugar con el reflejo que se produce en los cristales de las gafas de tu modelo. Sobre todo, si las gafas son de sol, puede quedar un efecto de lo más curioso.

Un Ejemplo en Exterior

Hemos visto cómo trabajar y disimular los reflejos en gafas en un interior y con el absoluto control de la luz, pero… ¿qué ocurre cuando trabajamos en un exterior? Pues la teoría es la misma, solo que en este caso tenemos un menor margen de control de la situación, por lo que nos tocará o bien mover al sujeto, o bien movernos nosotros.

Si trabajamos con el sol como fuente de luz no podremos manipularla, pero nos quedan algunos de los trucos que hemos comentado antes, como pedirle a nuestro sujeto que incline el rostro, disparar la toma desde una altura superior a los ojos del modelo, emplear un filtro polarizador o aprovechar el reflejo para sacar una foto más creativa. Y además tenemos un truco extra. Si es dé día y tenemos suficiente luz, puedes colocar a tu sujeto de tal modo que le dé la espalda al sol, y así evitar el reflejo directo que puede provocar el sol sobre las gafas.

Cuando Ya Es Demasiado Tarde… Siempre Nos Quedará Photoshop

Puede que hayas hecho una foto en la que no te has dado cuenta de que estaban esos reflejos, y al verla en el ordenador los hayas descubierto. ¿Significa eso que ya no hay remedio? Bueno, siempre nos queda un as en la manga, y en este caso es Photoshop. A continuación te presentamos dos métodos de corrección que puedes utilizar.

Método 1: Pincel Corrector

Con él lo que haremos será disimular las zonas en las que se hayan producido los reflejos, pero ojo, porque estos tienen que ser leves. Si ocupan parte del ojo, de la ceja o tapan mucha información de una zona no podremos arreglarlo. Recuerda que este método es la última opción y que más vale hacer bien la toma desde el momento de la captura.

Lo primero que haremos será abrir la fotografía en Photoshop, y duplicar la capa, o bien mediante el botón derecho del ratón y duplicar capa, o pulsando el comando control + J en Windows, o comando + J en MAC.

A continuación haremos zoom sobre la zona de la mirada que es la que nos interesa, seleccionaremos el pincel corrector, y ajustaremos el tamaño del pincel según la corrección que vayamos a realizar. Lo siguiente será pulsar la tecla Alt y hacer click sobre la zona en la que quieras coger la muestra de referencia, y a continuación soltaremos el botón ALT y pintaremos sobre la zona en la que tenemos el reflejo.

Se trata de ir ajustando el tamaño del pincel y elegir bien las muestras de referencia, para al final lograr disimular el reflejo. Por último, para comprobar el resultado puedes desactivar la visualización de la capa que hemos creado y veremos el antes o el después.

Tener el ajuste en una capa distinta a la original también nos permite jugar con la opacidad por si nos hemos excedido con los ajustes.

Método 2: Fusión de Fotos

Este es un truco extra, hay otro modo de conseguir evitar el reflejo en Photoshop y asegurarse al 100% de que nos va a salir bien, pero para ello necesitaremos realizar previamente una toma del sujeto con gafas, y otra sin ellas, y tienen que ser lo más parecidas posibles para después poder fusionarlas.

A continuación, abriremos las dos imágenes en Photoshop, y lo que haremos será duplicar la fotografía hecha sin gafas como una capa nueva en la misma imagen en el que está la fotografía hecha con gafas. Haz zoom sobre la imagen y baja la opacidad de la capa de arriba sobre el 50%, es decir, de la toma hecha sin gafas. Selecciona la herramienta de Mover y mueve la capa de arriba hasta que veas que ambas imagen se fusionan casi en la misma posición. Aquí es donde comprobarás lo importante que es que las dos tomas se hayan hecho prácticamente en la misma posición, porque sino no realizar este método.

Una vez las tengas bien alineadas, vuelve a subir la opacidad de la segunda capa, y a continuación desactiva su visualizacón.

Selecciona la herramienta de Selección Rápida, y sobre la capa de la foto con gafas selecciona con esta herramienta os cristales de las gafas. La selección no hace falta que esté perfecta, porque luego la perfeccionaremos.

Ahora vuelve a activar la visualización de la capa de arriba (la toma hecha sin gafas). Comprobarás que la selección que hemos hecho marca los la zona de los cristales. Acude a la opción de creación de máscara y púlsala. Automáticamente verás que los ojos de la imagen sin gafas han quedado fusionados con la toma hecho con gafas, de forma que evitamos que aparezcan los reflejos.

Seguramente verás algún error respecto a la selección, así que es el momento de perfeccionarla. Como sabes, cuando trabajamos con las máscaras las zonas que están en negro son las que no se van a ver en el resultado final, mientras que las blancas sí que se verán. Así que es el momento de que selecciones el pincel, y vayas pintando de blanco o negro las diferentes zonas hasta que conseguir una selección perfecta. Para comprobar la selección puedes pulsar Alt y con el ratón pinchar sobre la máscara, de esa forma verás en blanco y negro lo que está seleccionado de la imagen. Si vuelves a pulsar Alt y pinchar en la imagen volverás a ver el resultado final.

Por último, si ambas tomas originales tenían exactamente la misma posición, puedes bajar mínimamente la opacidad para que el cambio entre una toma y otra sea más suave y quede más real a la vista. Si no es el caso, no lo hagas, puesto que se verá de fondo la posición de nuestro modelo en la otra toma.

¡Dile Adiós a Los Reflejos!

Ya has visto que siguiendo los consejos que te hemos dado es muy sencillo evitar la aparición de reflejos en las gafas de nuestros modelos, sin tener que recurrir a pedirles que se las quiten, ya que de ese modo pueden verse extraños. Así que anímate a probar los distintos métodos y escoge el que mejor te funcione.

Y recuerda, si quieres ver de forma más detalladas cómo se hizo esta sesión, no te pierdas el fototip de nuestra zona premium.

Cuando fotografiamos a los niños junto a sus padres las imágenes adquieren una magia especial. La ternura y el cariño se puede ver a través de ellas, incluso aunque los rostros de sus protagonistas no aparezcan en la toma. Porque este tipo de tomas son dignas de admirar, en este artículo hemos querido recopilar algunos de los mejores ejemplos para que te sirvan de inspiración. ¡No te los pierdas!

Fotografiando Entornos Familiares

Fotografiar entornos familiares es una tarea agradecida por los preciosos resultados que podemos llegar a obtener, pero también puede convertirse en algo complejo, ya que los niños suelen estar bastante inquietos. De cómo realizar fotografías a niños ya te hemos hablando en otras ocasiones, pero en este artículo hemos querido concretar un poco más.

La relación entre padres e hijos es única, y poder guardar un recuerdo de ello no tiene precio. Son muchos los momentos que un padre o una madre vive con el pequeño de la casa, y seguro que agradece tenerlos inmortalizados en una fotografía.

A continuación veremos ejemplos estupendos de fotografías de hijos con sus padres para que te inspires y te animen a realizar las tuyas propias, todas ellas acompañadas por comentarios en los que se analizan brevemente los aspectos fotográficos clave de cada captura.

1. Simuangco

Canon EOS 60D - 50.0mm - ƒ/1.8 - 1/500s - ISO 160

Hay fotografías que hablan por sí solas. En este ejemplo podemos contemplar el rostro de una pequeña que mira hacia sus padres con una cara de lo más simpática. Quizá incluso pensando algo como... "de mayor quiero ser tan alta como ellos".

Comprobamos, que no es necesario mostrar los rostros de todos los sujetos que aparecen en la toma para contar una historia. En esta imagen, deducimos perfectamente que se trata de una familia paseando con la peque de la casa.

Por otro lado, parte del encanto de esta toma radica en que está realizada desde la altura de los ojos de la niña, y no desde la altura del fotógrafo con un plano picado.

2. Father and Daughter

Canon EOS 5D Mark III 66.0mm - ƒ/5.0 - 1/200s - ISO 100

Un contraluz al atardecer es un buen escenario para realizar fotografías de retrato. Cuando trabajamos en este tipo de condiciones ya sabes que podemos optar por exponer bien el fondo y dejar a nuestros sujetos en forma de silueta, o exponerlos bien a ellos y dejar que se cree una especie de aura mágica debido a la luz del ambiente, tal y como ocurre en este caso.

Por otro lado, los rostros de los protagonistas de la toma son el centro de interés indiscutible de la fotografía. Veamos a una niña radiante de felicidad abrazando al que probablemente sea su héroe, su padre.

3. Enredados

¿Cuántas veces hemos hablado de que un plano detalle, por muy cerrado que sea, es capaz de contar una historia? Esta fotografía es un claro ejemplo de ello. Una toma en la que solo aparecen manos, pero en la que intuimos que son las manos de una madre y su hijo, que se aferra a ellas como si soltarse fuera a provocar su perdición.

Por otro lado el empleo del blanco y negro en este caso ayuda a enfatizar la atención sobre el elemento principal (las manos), y el contraste entre luz y sombra crea una composición realmente atractiva.

4. ¡A Volar!

Canon EOS 5D Mark III - 85.0mm - ƒ/1.8 - 1/640s - ISO 200

Un padre es capaz de hacer sentir a un hijo como si fuera un superhéroe capaz de volar. En esta fotografía se ha conseguido captar el momento justo en el que el niño estaba en volandas, y eso ha sido posible porque se ha trabajado con una velocidad de obturación alta para conseguir congelar el movimiento del niño en el aire, de lo contrario hubiera sido con desenfoque por movimiento.

También es posible que el fotógrafo disparara activando el modo ráfaga y así captara varias tomas de la misma escena para después poder escoger la mejor.

5. Familia de Excursión

GoPro HERO5 Black - 3.0mm - ƒ/2.8 - 1/1400s - ISO 100

¿Quién dice que con los niños no se puede ir de excursión? Está claro que las cosas se complican un poco, pero si uno quiere, se puede.

Si hay algo que nos llama la atención de esta captura es lo angular que resulta. Si nos fijamos en los datos exif, comprobamos que está realizada con una cámara de acción, las cuales se caracterizan por tener lentes muy angulares para poder registrar escenas deportivas.

En este caso, seguramente se ha optado por emplear este tipo de cámara porque pesa poco y es muy manejable, algo que nos viene genial si estamos realizando una excursión con niños.

6. Eskimo kissing

Canon EOS 5D Mark III - 56.0mm - ƒ/5.6 - 1/320s - ISO 200

Una composición simétrica, en la que padre e hija conectan sus narices en un beso esquimal. Esta fotografía editada en blanco y negro con los negros levantados, es sumamente tierna. La expresión de sus protagonistas demuestra el amor y el cariño que sienten uno por el otro.

Si te fijas el fondo es bastante neutro, lo cual nos ayuda a focalizar la atención sobre los sujetos.

7. Comerte a Besos

Sony Ilce-7 - 50.0mm - ƒ/1.8 - 1/250s - ISO 2500

Hay ocasiones en la que los padres se comerían a besos a sus hijos, y en esta fotografía queda demostrado. Lo mejor es que no solo la madre se come a besos al niño más pequeño de la familia, sino que su hermanita mayor imita el comportamiento de su madre para tratar de hacer lo mismo, y eso convierte a la captura en una toma muy especial.

Parte del encanto de la imagen es la iluminación natural que envuelve la escena, y que proviene de lo que parece ser una gran ventana. Además, no hay sombras duras en los rostros, por lo que intuimos que una cortina clara hace de difusor, de manera que el resultado es una iluminación suave y uniforme en todo la escena.

8. Father Daughter Love

Canon EOS 5D Mark IV - 50.0mm ƒ/1.2 - 1/8000s - ISO 100

Antes te explicaba que cuando realizamos retratos a contraluz podemos optar por exponer bien al sujeto y sobreexponer el fondo, o por exponer bien el fondo y dejar a nuestros sujetos en forma de silueta, tal y como ocurre en la imagen de este ejemplo.

Cuando optamos por exponer bien el fondo debemos ser conscientes de que ese fondo tiene que ser o bien neutro, o un fondo atractivo, ya que va a llamar la atención del espectador. En este caso se ha hecho una elección perfecta, ya que el mar y el sol de un atardecer son un perfecto telón de fondo para nuestras tomas.

Además, la luz cálida del atardecer crea un atmósfera mágica para la toma, en la que comprobamos como un padre va con su hija hacia la orilla del mar.

9. En Sus Brazos

NIKON D500 - 29.0mm - ƒ/2.8 - 1/320s - ISO 800

Esta es sin duda una toma cargada de ternura, en la que unos padres sostienen a su hijo con mucho cariño. Esta fotografía está realizada en un interior, un lugar en el que no siempre tenemos toda la luz que nos gustaría. Es por ello que los protagonistas se han situado con muy buen criterio frente a la ventana, de forma que reciben toda la luz natural que pueden.

10. Woman and child touching faces

SONY ILCE-6000 - 1/160s - ISO 100

Los planos cerrados tienen la ventaja de ser mucho más íntimos y así transmitir con más facilidad los sentimientos. En este ejemplo podemos comprobar cómo en este primer plano conjunto la madre sale radiante de felicidad con su hijo.

Además, también nos destaca en esta fotografía el bonito bokeh de fondo.

11. Summer Waning

Canon EOS 5D Mark II - 24.0mm - ƒ/5.6 - 1/200s - ISO 800

¿Te has dado cuenta de que editar las fotos de niños con sus familias en blanco y negro es un recurso muy común? Esto de debe en parte a que la fotografía en blanco y negro nos ayuda a dirigir la atención hacia el tema principal de la toma, sin distracciones cómo puedan ser el color.

En este ejemplo se juega con las líneas diagonales que dibujan las piernas del padre y su hijo en la composición, que establecen también un contraste entre niño y adulto.

12. El Campeón

Los niños suelen ser inquietos y les gusta estar jugando continuamente. Si además su padre se une a su juego, entonces ya tiene ganada su completa admiración. Esta toma es un ejemplo de ello, en el que padre e hijo corren juntos por la naturaleza. Si hay algo que nos llama la atención en esta toma es la alta velocidad de obturación con la que debe haberse hecho para poder captar al niño en el aire sin que salga desenfocado.

Además, la profundidad de campo tirando a bajo ayuda a focalizar la atención sobre los sujetos, y sin duda haberse agachado a la altura del niño para realizar la toma ha sido todo un acierto. 

13. Hold My Hand

Cuando hablamos de fotografía a niños los accesorios y la ropa que llevan también resulta relevante para la sesión. En esta captura nos llama la atención especialmente, ya que contemplamos a un padre vestido de traje, que lleva a su hijo de la mano también vestido de manera elegante. Seguramente acudan a un evento elegante y por eso llevan ese vestuario.

La toma ha sido capturada desde la altura del niño, y  la edición de blanco y negro le da un toque especial a la fotografía.

14. Matching tops for mom and daughter

En esta captura en la que una madre y su hija caminan por una pasarela, si hay dos cosas que nos seducen son los tonos cálidos propios de la luz del atardecer, y el poder que tienen las líneas que dibuja la pasarela, llegando a crear un punto de fuga al final de la composición.

15. Come here for a second, I wanna try something

SONY ILCE-6300 - 30.0mm - ƒ/1.4 - 1/1600s - ISO 2500

¿Quién dice que una captura de padre e hijo no puede ser divertida? Hay que echarle imaginación, pero a veces se logran tomas tan graciosas como esta. Desde la posición adecuada, en este caso colocándonos a ras del suelo, conseguimos jugar con la perspectiva y hacer creer que la cabeza del niño es la que falta en el cuerpo del padre. Sin duda una toma muy original con la que habrán disfrutado haciéndola.

16. Me Quedo Contigo

Luz de atardecer, entorno de lujo en la playa, y una madre con su hijo abrazándola con toda la ternura del mundo. Sin duda esta toma tiene todos los ingredientes para convertirse en una fotografía que nos agrada. Incluso aunque no veamos el rostro de la madre. Da igual. Sabemos que es una buena madre solo por la forma en la que su hijo la abraza, y para ello haber realizado la toma con un plano medio corto nos ayuda a captar bien esa sensación.

17. ¡Te Pillé!

Las sesiones en estudio también pueden ser una buena opción para retratar el cariño entre madre, padre e hijos. La principal ventaja es que el fotógrafo tendrá un mayor control de la luz, algo que nos ayudará a obtener la foto tal y como la deseamos. El inconveniente es que dependiendo de cómo sea el niño, trabajar en un estudio puede resultar bastante más forzado que hacerlo en un exterior, en el que el pequeño puede entretenerse con muchas más cosas y mostrarse más natural.

En este ejemplo, se ha conseguido una toma preciosa, que destaca por una estupenda iluminación lateral, y por un enfoque perfecto en los ojos del niño, que atrapan nuestra mirada desde el primer vistazo.

18. Momento del Selfie

SONY ILCE-6000 - 35.0mm - ƒ/1.8 - 1/200s - ISO 100

No todos nuestros retratos tienen que ser mirando a cámara. O no al menos mirando a la cámara principal. En este ejemplo comprobamos como una madre se hace un selfie con sus dos hijos.

La toma es muy natural, ya que el resultado no es la captura que saldrá en el móvil (que puede estar más forzada), sino que comprobamos en este plano que la madre está radiante haciéndose la foto con sus hijos, pero que ellos no parecen estar tan entusiasmados.

Por otra parte, la luz es perfecta, sin contraste entre luces y sombras fuerte, y eso se debe a que parece que la toma se realizó durante el atardecer, una vez el sol ya se había puesto.

19. La Luz de Sus Ojos

Canon EOS 6D - USM 50.0mm · ƒ/1.8 · 1/1600s · ISO 50

La escasa profundidad de campo de esta captura logra destacar a los auténticos protagonistas de la toma, un padre y su hija. Fíjate que si comprobamos los datos exif la apertura utilizada ha sido de f/1.8. Como en otros de los ejemplos vistos, la luz cálida del atardecer queda perfecta en este tipo de tomas, y al dispararla desde un ángulo ligeramente contrapicado, parece que el bebé está más alto de lo que en realidad pueda estar.

20. Dolomiti Lookout

Canon EOS 5D Mark IV - 67.0mm - ƒ/2.8 - 1/320s - ISO 800

Te hemos hablado en alguna ocasión del conocido como retrato sin rostro, retratos cuya principal característica es que no se llega a distinguir el rostro de los sujetos que aparecen en la toma. Este es un claro ejemplo de este tipo de fotos.

En ella contemplamos a una madre con su hija contemplando las vistas de una montaña, y conectando totalmente con la naturaleza. Podemos apreciar que la captura se ha realizado o con un objetivo con una distancia focal media, ya que la profundidad de campo es bastante amplia, así como también lo es el ángulo de visión.

21. Nuestro Tesoro

SONY ILCE-6000 - 35.0mm - ƒ/1.8 - 1/60s - ISO 400

Si hay algo que destaca en esta fotografía, aparte de la expresión sincera del bebé, es el marco natural que se crea con los contornos de las formas del cuerpo de sus padres. Este marco nos ayuda a centrar la atención en el verdadero protagonista de la toma, y es un claro ejemplo de que un marco natural en fotografía no siempre tiene que ser un elemento del entorno, sino que podemos dibujarlo nosotros mismos con nuestro cuerpo. 

22. Mother Earth

Canon EOS 6D - 50.0mm - ƒ/4.0 - 1/250s - ISO 320

Esta captura es un retrato conjunto de una madre con su hijo. Sus rostros aparecen con expresiones muy fotogénicas, ella dirigiendo su mirada a un punto fuera del encuadre (¿quizás al padre?), y el niño mirando directamente a cámara, mientras se apoya en su progenitora.

La luz de este retrato es bastante difusa, e intuimos que puede ser porque se ha hecho durante un día nublado, ya que no hay rastro de rayos de sol.

Comprobamos que la apertura que se ha utilizado es bastante amplia, primero porque los sujetos destacan del resto de elementos, convirtiéndose en los protagonistas indiscutibles de la toma. Y por otro, porque al emplearse aperturas amplias conseguimos el precioso bokeh que se llega a apreciar en las hojas de los árboles.

¡Fotografía a la Familia!

Tiernas, graciosas, bonitas, sorprendentes... las tomas que puedes hacer de padres y madres con sus hijos pueden ser de muchas formas, y solo lo descubrirás si te lanzas a hacerlas. En este artículo ya has visto algunos ejemplos de ello, y ahora te toca a ti. Coge tu cámara, y fotografía a tus hijos con la familia.

Por si necesitas algunos consejos para realizar este tipo de tomas, te dejamos estos dos interesantes artículos:

• 12 Consejos para Hacer Fotos de Familia Memorables
• 12 Ideas para Fotografiar tus Vacaciones en Familia
• 5 Consejos Para Fotografías De Familias Numerosas
• Cómo Compaginar el Entorno Familiar y la Afición por la Fotografía Sin Que Nadie Resulte Herido

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