Sin duda, el cuerpo de la cámara, el sensor, la pantalla o el visor, serán elementos importantes a tener en cuenta para determinar la calidad de una cámara. Pero... ¿y el objetivo? Muchas veces no se le da la importancia que merece y, sin embargo, la lente que utilizamos es la esencia y el alma de nuestras fotografías.

Si eres principiante y acabas de comprar tu primera réflex, seguro que piensas que tu cámara no es suficientemente buena porque no hace fotazas desde el principio. Lo que debes tener claro es que el objetivo del kit que va por defecto con tu cámara siempre suele ser muy sencillo, poco luminoso y fabricado con materiales económicos.

Ahora posees una cámara con objetivos intercambiables y eso significa todo un mundo de posibilidades a tu alcance... En este artículo te contaremos todo lo que necesitas saber sobre los objetivos para que, a medida que vayas progresando, sepas cuál será el siguiente que adquirirás en tu lista.

¿Qué Es un Objetivo?

Un objetivo fotográfico está compuesto por la disposición de un cierto número de lentes que actúan como una sola lente convexa dentro del objetivo. Estas consiguen que los rayos de luz converjan en el sensor, concretamente, en el punto denominado foco.

El precio de un objetivo variará según diversos factores como la cantidad y calidad de las lentes que incluya en su interior, el material con el que esté revestido y algunas características como la estabilización o la reducción de la aparición de aberraciones cromáticas.

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• 10 Cuestiones Fundamentales sobre los Objetivos que Todo Principiante debe Conocer
• “Arrojando Luz” Sobre el Objetivo
• Ampliando el Equipo: ¿Qué Objetivo Elegir?
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La Distancia Focal

La Distancia Focal de las Lentes

La distancia o longitud focal de una lente es la distancia existente entre el centro óptico de la lente y el foco (o punto focal) donde se recoge la imagen (en cámaras digitales, el sensor).

Aunque se tiende a asimilar la clasificación de los objetivos por su distancia focal, lo cierto es que la clasificación se hace realmente por al ángulo visual que se consigue con un determinado objetivo. Pero como estos ángulos visuales se consiguen con determinadas distancias focales, se traslada esta clasificación a las distancias focales.

La distancia focal se mide en milímetros (mm) pero no nos indica la distancia física entre la cámara y el sujeto. Se refiere a las propiedades de aumento de la lente, es decir, a la distancia entre el centro óptico de la lente y el sensor de nuestra cámara.

• La Distancia Focal: Todo Lo Que Necesitas Saber Explicado con Ejemplos
• El Impacto de la Distancia Focal Utilizada en los Retratos
• Qué Es El Factor de Recorte de tu Sensor y Cómo Influye en la Focal de tus Objetivos

La Apertura Máxima

El segundo indicador que identifica una lente es su apertura máxima. Es la forma que tenemos de medir la luminosidad de un objetivo. Cuanto más podamos abrir el diafragma, más luz dejaremos pasar y (normalmente) más cara será lente.

La apertura máxima del diafragma podrás verla escrita en el mismo cuerpo del objetivo. Lógicamente, los objetivos de focal fija tendrán también un valor fijo de apertura máxima del diafragma. Sin embargo, en el caso de los objetivos zoom, esta apertura máxima puede variar en función de la distancia focal que estemos aplicando.

Veámoslo con un ejemplo. Un objetivo zoom 18-55 mm cuenta con dos aperturas máximas (f/ 3.5-5.6) Eso significa que, cuando utilicemos la distancia focal 18 mm tendremos una apertura máxima de f/3.5. Mientras que, si usamos la distancia focal en 55 mm, la apertura máxima será de f/5.6.

Es importante hacer hincapié en que un objetivo se suele considerar mejor cuanto más luminoso sea, es decir, cuanto mayor sea la apertura máxima que permita. Aunque la calidad del objetivo dependerá también de otra serie de factores, por lo que no podemos decir que un objetivo es mejor que otro simplemente porque sea más luminoso.

• El Número F, La Apertura Máxima de un Objetivo y su Diámetro
• La Apertura del Diafragma: la Explicación Más Sencilla
• El Número F en fotografía: Qué Es y Cómo se Usa

Objetivos de Focal Fija Vs Objetivos Zoom

Una vez entendido lo que es la distancia focal y la apertura máxima, lo siguiente es explicar que existen, en base a este concepto, dos tipos de objetivos: los objetivos de focal fija (una única distancia focal) y los objetivos de focal variable, más conocidos como objetivos zoom.

Las focales se presentan en milímetros. Así, cuando veamos un objetivo identificado como 50mm, sabremos que tenemos delante un objetivo de focal fija de 50 milímetros. Los objetivos de focal variable se identifican con la menor y mayor distancia focal que cubren. Así, cuando nos encontremos con un objetivo identificado como 18-55, debemos saber que estamos ante una lente cuya menor distancia focal es 18 mm y su mayor distancia focal es 55 mm.

Dicho esto, conviene explicar que, ante lo que la mayoría puedan pensar, los mejores objetivos son los de focal fija. Esto se justifica por la mayor calidad óptica y, por tanto, de imagen conseguida. Su explicación es que los cristales que se encuentran dentro de un objetivo de focal fija se encuentran también "fijos", mientras que un objetivo de tipo zoom basa su funcionamiento en el alargamiento y acortamiento del tubo que contiene los cristales del objetivo, modificando con ello la distancia entre estos cristales para las distintas focales cubiertas.

Técnicamente es complejo mantener una óptima calidad de imagen en las distintas posiciones correspondientes con las distancias focales cubiertas por un objetivo tipo zoom, pero obviamente, para el usuario final es infinitamente más cómodo portar un único objetivo (zoom) que llevar encima varios objetivos de focal fija.

• Tu Próximo Objetivo: ¿Por Qué No Un Focal Fija?
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• ¿Qué Es Un Objetivo Rápido (Fast Lens)?
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Tipos de Objetivos

Una vez explicados los conceptos más básicos, podemos hablar de diferentes tipos de objetivos. Es importante que sepamos reconocer un objetivo con solo echar un vistazo, por eso vamos a clasificarlos y conocerlos a fondo.

Como fotógrafos es esencial que sepamos para qué sirve cada tipo de objetivo y cuándo es más recomendable utilizar uno u otro según la foto que pretendamos conseguir. Estos son algunos de los más utilizados:

• Ojo de Pez (Fish Eye): entre 7 y 17 mm
• Super Gran Angular: Menos de 24 mm
• Gran Angular: entre 24 y 35 mm
• Objetivo Normal: entre 35 y 50 mm
• Teleobjetivo: 70 mm o mas
• Macro: distancia mínima de enfoque muy reducida (entre 30 y 200 mm).
• Todoterreno: amplios rangos focales en una sola lente (entre 18-300 mm)

Ojo de Pez

Los objetivos fish eye se caracterizan por ofrecer un ángulo visual extremo, de 180 grados o más. Una de sus principales características es que poseen una lente curva con forma semiesférica que no nos permitirá añadir filtros o accesorios en ella.

Debido a su gran distorsión, transforman la escena en una imagen circular, parecida a la producida al mirar a través de la mirilla de una puerta. Aunque también los hay que no llegan a deformar tanto y nos permiten obtener imágenes rectangulares, debido a que cubren toda la superficie del sensor.

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Gran Angular

Los objetivos gran angular (o super gran angular) son aquellos que cuentan con un ángulo de visión inferior al ojo de pez, pero superior a los normales. Se consideran grandes angulares los que proporcionan un ángulo visual comprendido entre los 60 y los 180 grados. Con ellos, los objetos cercanos a la cámara aparecen muy grandes con relación a los objetos más alejados y con una fuerte distorsión en perspectiva, tanto mayor cuanto más se desplazan fuera del eje óptico.

Su uso principal suele ser para la fotografía de paisajes donde poder conseguir una mayor profundidad de campo. Aunque también se usan para poder abarcar dentro del mismo encuadre todos los elementos de un espacio reducido (decoración de interiores, hoteles, inmobiliarias, etc.)

Los grandes angulares también se utilizan para exagerar la perspectiva de los objetos. Esta deformación mayor cuanto más nos acerquemos. En macrofotografía, también se colocan invertidos para conseguir la máxima ampliación cuando se trabaja con fuelles de extensión.

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Objetivo Normal

Los objetivos conocidos como normales son los que cubren un ángulo visual comprendido entre los 43 y 56 grados. Vienen a ser un término medio entre los grandes angulares y los teleobjetivos y equivalen a focales entre los 35 y los 50 mm.

Su característica principal es que no ofrecen ningún tipo de distorsión, lo que se aproxima bastante al campo visual del ojo humano inmóvil. Dentro de los objetivos normales, encontramos objetivos zoom todoterrenos y objetivos de focal fija. Más tarde veremos las diferencias entre ambos.

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Teleobjetivo

Se consideran teleobjetivos aquellas ópticas con un ángulo visual menor de 31 grados. Su principal característica es el formar en la cámara imágenes grandes de objetos alejados. Sus distancias focales son siempre mayores que las de los objetivos normales.

Dentro de los teleobjetivos se suele hacer la siguiente subclasificación:

• Teleobjetivos cortos: entre los 80 y 135 mm.
• Teleobjetivos normales: entre los 135 y 240 mm.
• Superteleobjetivos: entre los 240 y 500 mm.
• Ultratelefotos: más allá de los 500 mm.

Los teleobjetivos suelen utilizarse para hacer fotografías a distancia cuando no podemos acercarnos demasiado al sujeto u objeto fotografiado. Por ejemplo, se usan para fotografías de animales salvajes o naturaleza, reportajes, deportes e incluso para retratos en primer plano.

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Objetivo Macro

Además de los objetivos que ya hemos visto, también hay otro tipo de objetivos especiales como los macro o los todoterreno. Los objetivos macro se utilizan para un tipo de fotografía específico: la macrofotografía.

La meta de los objetivos macro es la de reproducir a tamaño natural (o incluso más cerca) el sujeto u objeto fotografiado, es decir, manteniendo una relación de aspecto 1:1 entre el objeto y el sensor de la cámara. Estas ópticas están diseñadas especialmente para disponer una distancia mínima de enfoque y que se puedan realizar fotografías desde muy muy cerca. Existen tres tipos:

• Macro de Focal Corta: entre 30 y 50mm (distancia de trabajo cercana)
• Macro de Focal Estándar: entre 60 y 105 mm (distancia de trabajo media. Suelen ser lo más utilizados)
• Teleobjetivos Macro: entre 150 y 200 mm (distancia de trabajo lejana. Se consigue mayor nivel de detalle)

Suelen ser objetivos de muy buena calidad y muy luminosos, por lo que su precio también suele ser elevado. En este caso, las distancias focales de los objetivos determinará la distancia física o de trabajo entre la cámara y el objeto fotografiado. A medida que vaya subiendo esa distancia focal, también subirá el precio.

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Objetivo Todoterreno

Los objetivos todoterreno adquieren ese nombre porque son capaces de cubrir diferentes distancias focales en una misma lente. Por ejemplo, un objetivo 18-200 mm nos permitirá realizar fotografías a una distancia focal tanto de gran angular como de teleobjetivo. Eso sí, las aperturas máximas no serán muy altas, ni tampoco la calidad de las lentes.

Pero lo cierto es que, aunque la calidad de las focales fijas suele estar muy por encima de los objetivos con focales variables, estos últimos tienen sus puntos fuertes. Cuando no podemos cargar con muchos objetivos (por peso o espacio) o necesitamos rapidez (y no podemos cambiar de lente cada vez), nos resultan muy útiles y cómodos.

Eso sí, si buscas un objetivo todoterreno, asegúrate de que cuente con estabilizador, aunque encarezca el precio. Recuerda que a partir de ciertas distancias focales es difícil evitar las trepidaciones.

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Otras Características Relevantes de un Objetivo

Existen otros elementos que forman parte de las nomenclaturas de los objetivos y que conseguirán volvernos locos. Sobre todo porque cada fabricante utiliza sus propias siglas para referirse a sistemas parecidos a los de sus competidores. En este artículo te clasificamos y explicamos que significan las siglas de un objetivo según cada marca.

Como verás hay decenas de siglas que representan características e información concreta sobre un objeto. Como referencia, algunas de las informaciones comunes que podréis encontrar en un objetivo, podrían ser:

• Lente Asférica: Es un tipo de lente cuya superficie de curvatura no es esférica, con el objeto de eliminar la aberracion esférica. Mediante un solo elemento asférico se consigue reemplazar a varios esféricos, lo que simplifica el diseño del objetivo, que normalmente está formado por varios cristales en su interior.
• Lente Apocromática: Es un tipo de lente corregida para que la longitud de onda de los tres colores primarios se encuentre en un mismo plano focal. Esta característica tiene como principal función corregir las aberraciones cromáticas.
• Ultrasónico o Hipersónico. Son objetivos que utilizan un motor especial para lograr un enfoque más rápido al convencional. Cada fabricante tiene patentada su propia tecnología y utiliza distintas siglas para referirse a ella (SSM en Sony, USM en Canon, SWM en Nikon, HSM en Sigma, SDM en Pentax, etc...)
• Lente Estabilizada para reducir el efecto de las vibraciones producidas por el pulso del fotógrafo (IS en Canon, VR en Nikon, VC en Tamron, OS en Sigma, etc...)

Además, aparecerán siglas que identifiquen el tipo de enfoque (manual, automático) y la familia de objetivos dentro del fabricante (lo que dará mayor o menor compatibilidad dentro de la marca a la hora de utilizar el objetivo con una determinada cámara). Los fabricantes también utilizan siglas específicas para referirse a tipos de objetivos dedicados exclusivamente a fotografía digital.

Por último, cabe destacar un último aspecto relevante sobre los objetivos, el punto dulce. Cada lente tiene el suyo y dependerá tanto de la distancia focal como de la apertura. Se trata de una zona de máxima precisión que se encuentra, normalmente, en la zona central del abanico de distancias focales que ofrece un objetivo zoom y en la zona central de la gama de aperturas de diafragma con la que cuenta cualquier objetivo.

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Accesorios Básicos para Objetivos

Existen multitud de accesorios que podrás adquirir para tu objetivo. Lo más relevante es que sepas cuál es el diámetro de la lente, para que sean compatibles con ella. Suele venir marcado en milímetros con un símbolo que parece un cero tachado Ø. Los filtros más comunes son los protectores, de colores, de densidad neutra (ND) o polarizadores.

No olvides otros accesorios esenciales como las tapas de protección o los parasoles. En cuanto a iluminación, existen flashes que se pueden acoplar al propio objetivo para conseguir una iluminación más uniforme. Me refiero, por ejemplo, al flash anular, el cual se utiliza mucho en fotografía macro.

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Protección, Almacenaje y Limpieza de los Objetivos

Finalmente, no olvides mimar todo lo posible tus objetivos. Cuando los cambies trata de hacerlo de forma rápida y eficaz, siendo más delicado posible. El cristal es frágil, por lo que debemos almacenar nuestras lentes en un lugar libre de humedad, polvo o suciedad.

Cuando guardes tus objetivos asegúrate de que llevan ambas tapas puestas (la delantera y la trasera). Mételos dentro de una funda acolchada para protegerlos al máximo de golpes y caídas. Haz lo mismo con los filtros y consérvalos de forma segura en un portafiltros diseñado específicamente para su almacenaje y transporte.

Tampoco olvides mantener limpios tus objetivos y sus accesorios. Existen kits de limpieza muy económicos que incluyen elementos como la pera de aire, líquido limpiador, brochas y gamuzas o paños de microfibra. Estos accesorios especializados te resultarán muy útiles para llevar a cabo esta tarea sin rayar o dañar la lentes o los filtros.

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Las fotografías de desiertos son atractivas porque son paisajes dramáticos, majestuosos y misteriosos que nos transmiten una gratificante sensación de soledad, serenidad y tranquilidad.

Para un fotógrafo puede ser una experiencia muy interesante, ya seas aficionado o veterano. El problema es que no es tan sencillo fotografiar el desierto y si no conocemos algunos detalles importantes es posible que se convierta en todo un desafío conseguir buenas fotografías en este medio.

Por eso, hemos recopilado hasta 12 recomendaciones imprescindibles que deberías conocer antes de aventurarte con tu cámara entre las interminables dunas. ¡Vamos allá!

#1. Aprovecha las Primeras/Últimas Horas del Día

Panasonic Lumix DC-G9 · 34.0mm · f/13 · 1/3200s · ISO 400

En fotografía la luz lo es todo, pero en un escenario como el desierto, las condiciones lumínicas serán especialmente importantes. Como sabes, el amanecer y el atardecer se caracterizan por mantener una posición del Sol baja. La única diferencia entre las primeras y las últimas horas del día radica en el posible viento que pueda hacer en la zona.

Si elegimos los primeros y últimos 90 minutos del día para hacer nuestras fotos o lo que conocemos también como hora dorada, lograremos mejores fotos. Esa posición del sol hará que las sombras se alarguen y conseguiremos crear la sensación de volumen que definen los surcos en la arena.

Frente al amanecer y al atardecer, las horas centrales son las menos indicadas para hacer fotos por la posición del Sol. Cuando está alto incide con un ángulo que no enfatiza las texturas ni beneficia a esa definición del volumen, por lo que no nos interesa.

#2. El Sol, Mejor en Perpendicular

Hay otro aspecto que es importante tener en cuenta sobre la posición del Sol y nuestra posición a la hora de tomar las fotos. Si nos colocamos de espaldas al Sol y este brilla directamente detrás de nosotros, nuestra escena estará completamente iluminada y plana porque no habrá sombras visibles desde esa perspectiva.

Recuerda los conceptos básicos de iluminación en fotografía y aplícalos en el desierto. Cuando la luz incide de forma lateral sobre un elemento la otra mitad se proyectará en una sombra y esto creará sensación de profundidad y de tridimensionalidad.

Si queremos que nuestras fotos tengan más volumen y sean mucho más atractivas, lo más recomendable es que nos coloquemos de forma perpendicular al sol. Esto nos ayudará a obtener contraste entre luces y sombras creando formas, texturas y patrones que ya no nos darán una imagen plana.

#3. Dispara en Formato RAW

Los grandes contrastes de luz que puedes encontrar en distintas escenas pueden hacer que tengas problemas con la medición que se traduzcan en fotos con zonas subexpuestas o sobreexpuestas. La buena noticia es que disparando en RAW tendrás alguna opción más para tratar de recuperar parte de la información de la foto.

Recuerda que si la luz es muy brillante la arena actuará como reflector y aún se intensificará más, por lo que puedes usar el botón de compensación de la exposición. Si compensas negativamente un par de pasos (o los que sean necesarios) ayudarás a tu cámara a medir mejor la luz de la escena.

Lo mismo te pasará con el balance de blancos, que será difícil definir cuál es mejor elegir en cada momento. Así que dispara con el balance automático y espera a revelar la imagen en RAW para definir la temperatura de color que desees. Aunque si disparas durante la hora dorada, como te hemos comentado antes, conseguirás fotografías donde la arena de las dunas brille intensamente con tonos rojos y naranjas.

#4. Usa Filtros para tu Lente

Además del parasol, otro accesorio habitual para proteger la lente es el conocido como filtro UV. Si no tienes otro deberías llevarlo, aunque solo sea para proteger la lente de los potentes rayos ultravioletas, de la arena y de los golpes. Sin embargo, en un escenario como el desierto lo ideal es aprovechar para utilizar un filtro polarizador.

Con un filtro como este además de proteger la lente podrás conseguir un mayor contraste entre el cielo y la tierra, lo que te permitirá enfatizar los colores. Otro filtro interesante que te vendrá muy bien es el filtro de densidad neutra (ND) porque es capaz de reducir la intensidad de la luz que entra al sensor y permite también hacer fotografías de larga exposición diurnas sin miedo a que nuestras fotos se sobreexpongan.

Los filtros degradados de densidad neutra (GND) cuentan con una transición graduada entre una parte oscura y otra transparente. Estos filtros serán ideales para compensar el contraste entre las dunas de arena repletas de sombras sinuosas y los cielos demasiado iluminados.

#5. Aplica el Bracketing de Exposición

A veces el contraste será tan fuerte entre luces y sombras que será difícil conseguir una captura, incluso disparando en RAW o con filtros puestos en la lente. Cuanto mayor sea ese contraste más difícil será exponer correctamente tus fotos.

Para estos casos es aconsejable que hagas servir la técnica del bracketing u horquillado de exposición. Se trata de una práctica que nos permite obtener varias capturas de una misma toma pero con distintos grados de exposición. Puedes hacerlo de forma automática si tu cámara incluye la opción o realizar esas tomas tú mismo/a.

Manualmente, deberás hacer entre 3-6 tomas variando el nivel de exposición y utilizando el modo de disparo con prioridad a la apertura. Así que lo único que cambiará la cámara será la velocidad de obturación. Posteriormente, solo tendrás que combinar las fotos en un programa de edición. En este artículo te contamos cómo hacerlo.

#6. Incluye Elementos dentro del Encuadre

Canon EOS 5D Mark II · 24.0mm · ƒ/4.0 · 1/250s · ISO 100

Fotografiar desierto vacío puede ser atractivo si nos centramos en captar sombras o texturas, pero en cuanto a composición puede resultar algo monótono y poco interesante. Por eso es importante que busques detalles interesantes como personas, animales, insectos, plantas o cualquier elemento que puedas incluir en el encuadre.

Coloca elementos porque además de añadir valor a la imagen y de darle vida, también nos servirá para aplicar profundidad a la toma y, sobre todo, a darle escala. Nunca podremos saber la magnitud de una duna si no tenemos como referencia un elemento cuyo tamaño nos resulte familiar.

No te centres solo en captar paisajes con un gran angular y elementos en primer término. En un desierto también hay lugar para experimentar con un teleobjetivo que comprima la perspectiva o con un objetivo macro que capte los detalles más cercanos de un cactus o de una flor del desierto. Recuerda que hay vida más allá del paisaje.

#7. Juega con las Líneas Rectas y Curvas

NIKON D70 · 46.0mm · ƒ/6.3 · 1/1000s

Las dunas y los surcos en la arena formados por el viento, combinados con las sombras en función de la posición del sol, se convierten en magníficos aliados a la hora de buscar elementos compositivos que puedan agregar interés a nuestras fotos.

La combinación de estos elementos permite jugar con las líneas, las cuales son un elemento compositivo fantástico que podemos explotar en esta ocasión. Tanto las líneas rectas como las curvas pueden dibujar formas interesantes que podrás fotografiar para obtener imágenes abstractas que parecerán incluso pinturas.

Las huellas que dejamos en la arena con nuestro paso pueden también convertirse en un elemento compositivo interesante, aportando nuevas líneas que ayuden a dirigir la mirada o que transmitan algún mensaje.

#8. Busca Patrones y Texturas

Una de las cosas que más te va a llamar la atención a la hora de hacer fotografías en el desierto son los patrones, el ritmo y las texturas. El viento va moviendo la arena en diferentes direcciones y va creando líneas de arena que parecen moverse y serpentear alejándose en el horizonte.

Si sigues nuestro consejo y fotografías esos patrones de forma perpendicular al Sol, lograrás aplicarles sombras y volumen para que destaquen más en la toma. Eso sí, busca zonas alejadas del turismo masivo para que no haya suciedad o pisadas que contaminen la arena virgen.

De igual modo que los patrones, las texturas cercanas de la arena o de la tierra resquebrajada debido a la aridez del terreno pueden ser temáticas interesantes que perseguir. Ya lo sabes, no te centres solo en captar imágenes donde salga el cielo y las dunas y echa un vistazo al suelo que hay bajo tus pies, porque puede que te sorprenda.

#9. Cuenta una Historia Interesante

NIKON D300s · 55.0mm · ƒ/7.1 · 1/1000s · ISO 200

Además de incluir elementos en primer plano, de jugar con las líneas y de enfatizar texturas, también deberemos esforzarnos en encontrar historias que fotografiar. No dejes que la belleza de las dunas de arena acapare toda la atención y observa bien tu entorno.

Fíjate en algo inusual y diferente que pueda ser el centro de interés de tu toma. Los retratos de las personas autóctonas de la zona siempre son atractivos y exóticos cuando viajas a otros países con culturas muy distintas a la tuya. No pierdas la oportunidad de fotografiar a un nómada del desierto, a una mujer con velo o a un vendedor de camellos.

Los objetos olvidados o abandonados, como puede ser un zapato, un sombrero o incluso una muñeca pueden convertirse también en los protagonistas de tu captura. El minimalismo es una práctica ideal para realizar en el desierto pero busca también llenar el encuadre contando algo.

#10. Protege la Cámara de la Arena

Canon EOS-1D X Mark II · 24.0mm · ƒ/4.5 · 1/1600s · ISO 400

Hay distintos tipos de desierto pero la mayoría de estos consejos están centrados en los desiertos de arena, formados por dunas porque el viento y la arena fina es la combinación más dañina para nuestra cámara. Procura mantenerla guardada y protegida todo el tiempo que puedas, sacándola únicamente cuando vayas a hacer las fotos.

Es esencial que evites cambiar objetivos o tarjetas de memoria. Cualquier ranura en nuestra cámara es un punto más de entrada de arena que puede dañar nuestro equipo. Elige bien el objetivo que vayas a usar (un todoterreno que cubra muchas distancias focales, por ejemplo) y pon una tarjeta de memoria (o dos si puedes) con capacidad suficiente.

Lleva el equipo imprescindible. Si no vas a usar parte de tu equipo, mejor déjalo en casa o en un lugar seguro. No solo evitarás cargar con un peso innecesario, sino que además estará más protegido. Hay quien recomienda incluso el uso de carcasas acuáticas para proteger las cámaras. No obstante, el uso de estas carcasas puede afectar a la calidad final de las fotos.

#11. Toma Precauciones Frente al Calor

SONY ILCE-7M2 · 35.0mm · ƒ/2.8 · 1/500s · ISO 100

De igual modo que te insistimos en que protejas al máximo tu cámara, también deberás protegerte tú mismo/a. Ten en cuenta que en algunos desiertos las temperaturas pueden llegar a superar los 50ºC y eso afectará tanto a tu cámara y como a tu propia persona.

Para proteger el equipo lo principal es que no dejes que el Sol incida sobre la cámara demasiado tiempo, porque puede recalentarse. Si ves que coge mucha temperatura, envuélvela con un pañuelo o toalla fresca y seca cuando la guardes en la bolsa para que recupere su estado normal.

Evita la luz del Sol directa en las horas más calurosas y mantente hidratado/a en todo momento. Protege tu piel con ropa y/o protector solar potente, lleva gafas de sol, sombrero y un calzado adecuado. No olvides tampoco llevar un GPS para orientarte o un teléfono con el que poder comunicarte en caso de emergencia.

#12. Disfruta de la Fotografía Nocturna

NIKON D800 · 16.0mm · ƒ/4.0 · 20s · ISO 1600

El desierto es uno de los lugares más impresionantes para hacer fotografía nocturna y astrofotografía. Al no haber cables de luz que tapen el cielo ni civilización cerca tampoco habrá contaminación lumínica que estropee las vistas.

Además, las temperaturas extremas bajarán y como ya no será tan insoportable el calor podrás contemplar un cielo estrellado perfecto y hacer fotografías impresionantes, incluso de la luna. Aprovecha justo después del atardecer para realizar algunas tomas con algo de paisaje o ilumina las dunas cercanas con una linterna.

También puedes hacer fotografías de la vía láctea (si es época de que se vea) o fotografías de larga exposición para captar la trayectoria de las estrellas. Pero eso sí, para poder hacer nocturnas no podrás dejarte en casa ni el trípode ni es disparador remoto.

¡Aporta tu Granito de Arena!

Ya estás preparado/a para ir al desierto y conseguir fotografías espectaculares sin miedo a que tu equipo sufra ningún percance. Lo más importante para lograr buenas fotos en un medio tan peculiar es que seas muy creativo/a y que cuides especialmente la exposición revisando el histograma tras cada captura.

¿Has hecho fotografías en el desierto? Si has estado alguna vez en una situación como esta, es probable que tengas muchos consejos que dar al resto. Ayúdanos a completar este artículo y dinos qué más recomendarías a la hora de hacer buenas fotos en este escenario tan extremo.

¡Cuéntanos tu experiencia en los comentarios y comparte los links de tus fotos en el desierto!

Las cascadas son una de las formaciones naturales más bonitas y espectaculares para alguien que le guste fotografiar la naturaleza. A la hora de fotografiar una cascada podemos tomar distintas decisiones en función del resultado que queramos obtener, como por ejemplo qué velocidad de obturación utilizaremos. Éste parámetro es el más determinante a la hora de hacer este tipo de fotografías obteniendo resultados muy diferentes.

Utiliza la velocidad de obturación apropiada

Aunque las dos fotografías están disparadas sobre trípode, la primera está hecha a una velocidad mucho más lenta, concretamente a 1/8s.

La opción más habitual y más sencilla es la de fotografiar a velocidades rápidas, es decir, velocidades de obturación que vayan desde 1/250 o 1/500 hacia arriba, con el fin de congelar el agua que está en movimiento. La velocidad variará en función de la cantidad de agua que tenga la cascada, pero tendrá que ser rápida para congelar bien el instante.

Para hacer estas fotografías a velocidades tan rápidas no es necesario utilizar trípode, de ahí que sea más rápida y sencilla de hacer.

Misma fotografía pero esta vez con un tiempo de exposición de 30 segundos.

Por el contrario, los resultados más espectaculares y diferentes se obtienen realizando exposiciones más largas. Conforme aumentamos la velocidad el agua empieza a estar en movimiento. Utilizando tiempos de exposición de varios segundos obtendremos el efecto seda sobre la cascada. El agua que recorre la cascada creará una serie de líneas que van de arriba a abajo, y en la zona inferior tendremos diferentes formas que crea la espuma que se crea al chocar ésta con el suelo.

Cuanto mayor sea el tiempo de exposición, más definida será la forma, más suave será la transición y más difuminada aparecerá la superficie del agua.

El punto de vista

Está claro que no siempre se puede ver una cascada por detrás, así que hay que aprovecharlo para tomar fotografías diferentes.

Obviamente no existe ninguna norma o regla para fotografiar cascadas, pero mis mejores resultados los obtengo con objetivos gran angular, que me permiten capturar toda la cascada, de arriba a abajo. Suelo dejar siempre espacio por arriba, no suelo cortar la cascada ya que pierdes la referencia del tamaño y altura que tiene. También depende de si el cielo tiene algún color interesante que le dé más valor a la foto.

En ocasiones tenemos la posibilidad de fotografiar la cascada desde un punto elevado, sin embargo un contrapicado suele funcionar mejor. Yo recomiendo probar todos los encuadres posibles, con las cascadas y en cualquier situación.

No fotografíes simplemente la cascada, busca algún otro elemento del entorno que pueda acompañar tu fotografía. Esto hará que sea única y diferente al resto. En ocasiones puede ser algo característico del entorno, o incluso una roca o una planta. También puede ser interesante fotografiar a una persona junto a la cascada.

Hay cascadas de todos los tamaños, pero el gran angular te va a permitir fotografiar la cascada con una sola foto. Si nos ponemos demasiado encima de la cascada perderemos la referencia y no captaremos todo su recorrido.

No obstante, en ocasiones utilizo teleobjetivos para sacar algún detalle de la cascada, depende de cada una. Si la cascada es grande o lleva mucho caudal puede ser interesante captar sólo parte de ella. Si nuestra idea es realizar largas exposiciones entonces tendremos que fijarnos en los recorridos que forma el agua, para intuir las líneas que aparecerán en las fotos.

Ármate de paciencia

Así queda el equipo después de un rato fotografiando prácticamente al lado de una cascada. Por lo menos es agua dulce y simplemente requiere de un rato para secarlo todo, trípode, cámara, objetivo, portafiltros y filtros.

Fotografiar cascadas puede ser divertido o todo un infierno, depende del tamaño de la cascada, del agua que lleve, de las condiciones climáticas del momento y sobre todo, de cuánto te acerques a ella.

Al igual que pasa cuando fotografías al lado del mar, el espray de las cascadas hará que la lente de tu objetivo se llene de gotitas de agua y no puedas seguir fotografiando. En este caso, el agua no lleva sal, como el agua de mar, así que eliminar este agua va a ser más fácil, simplemente hay que tener en cuenta llevar varias gamuzas (sí, varias).

La situación era tan complicada que incluso una persona se me acercó a preguntarme cómo era posible que estuviera todo el rato haciendo fotos con la cantidad de gotas de agua que había cerca de la cascada. Y es que la mayoría de fotos tenían gotas de agua, como esta, a causa del espray, las cuales se ven claramente cuando tenemos un punto de luz iluminando. La única solución es limpiar constantemente el filtro con una gamuza.

En el caso de que la cascada sea muy grande y que estemos a su alcance, tendremos que tomar varias precauciones. Por ejemplo, hay que tener en cuenta que no sólo se va a mojar la lente, sino también el objetivo, la cámara, el trípode y nosotros, por lo que si ni el objetivo ni la cámara es estanca habrá que cubrirla con una funda o bolsa. Si es verano puede que nos dé igual mojarnos, pero sino tendremos que llevar ropa impermeable.

El viento puede ser nuestro aliado o ir en nuestra contra, es decir, si sopla a favor nuestro entonces genial, puesto que el espray que suelta la cascada se lo llevará el viento y no nos mojará. Ahora bien, si el viento va en contra es probable que no podamos hacer ni una sola fotografía en la que no aparezcan gotas. Para ello hay que utilizar algunos trucos.

Por ejemplo, uno de los trucos que suelo utilizar es la de poner un filtro que no voy a utilizar delante del objetivo. De esta manera estoy protegiendo ya sea mi lente o el filtro que sí voy a usar del agua, y tendré todo el tiempo del mundo para elegir bien mi encuadre. A la hora de medir la luz tendremos que tener en cuenta que el filtro protector lo quitaremos. Cuando esté todo preparado quitaremos el filtro y dispararemos lo más rápido posible. Si es una larga exposición es inevitable que las gotas vayan mojando el filtro.

Foto con el filtro que voy a utilizar para proteger el que realmente voy a utilizar. Como se puede ver, o mejor dicho, no se puede ver prácticamente nada debido a que el filtro estaba totalmente mojado.

En cuanto se quita el filtro se dispara y obtenemos una foto mucho mejor que la anterior.

Por ello, otro dato a tener en cuenta es que cuanto más cerrado está el diafragma, más profundidad de campo tenemos, por lo que las gotas de agua que no hayamos limpiado o se hayan ido adheriendo, se verán cada vez más definidas. Así que un consejo es abrir el diafragma y usar la distancia hiperfocal para conseguir profundidad de campo. Es cierto que no tendremos la misma calidad o que igual nos falta nitidez en alguna zona de la foto, pero yo lo prefiero antes que tener decenas de circulitos por toda la foto.

Podemos ver el primer filtro que protege al segundo, que es el que voy a utilizar para hacer la foto. Solamente está mojado el primero.

En mi caso utilizo una rótula de tres ejes. Esto me facilita mucho la tarea, puesto que una vez realizada la fotografía, libero el eje de rotación para darle la vuelta a la cámara y así limpiar el objetivo o filtro, poniéndome yo de espaldas a la cascada. Una vez limpio vuelvo a poner el filtro que no voy a usar como protector y giro la cámara a su posición original, ya que he mantenido los dos ejes restantes. Con otro tipo de rótula habrá que encuadrar cada vez.

Toma referencias para transmitir el tamaño real

Pero lo más difícil de conseguir en fotografía de naturaleza es transmitir lo que vimos en aquel momento, transmitir esa grandeza y magnificiencia del lugar en el que hemos estado y hemos querido inmortalizar.

Al utilizar un objetivo gran angular, todo aparece más pequeño, precisamente para que nuestro encuadre abarque muchas más cosas, restando protagonismo, en este caso a la cascada.

Suele pasar que hemos fotografiado algún elemento enorme y en nuestra fotografía no tenemos ninguna referencia para saber su tamaño real. Sólo el autor de la fotografía y las personas que han estado en el lugar interpretan bien la fotografía.

De ahí que una manera de conseguir que la gente que no conozca el lugar se haga una idea real del sitio es estableciendo una escala con elementos que todos conocemos. Un buen ejemplo sería introducir a una persona en nuestro encuadre.

Hay que reconocer que la fotografía engaña, al fin y al cabo, estamos mostrando una parte de nuestra realidad y un punto de vista concreto. Podemos hacer creer que una cascada es enorme cuando no tiene más que unos cuantos metros, y sin embargo, una cascada de 50 o 60 metros podemos hacer que parezca ridícula. Por ejemplo, Islandia se caracteriza por tener cantidad de cascadas, sin embargo, una de las más famosas es Skogafoss. Si utilizamos un objetivo gran angular a cierta distancia podemos conseguir que no tengamos una referencia real del tamaño que tiene, de ahí, que muchas de las fotografías que podéis encontrar de esta cascada en internet muestre a una persona. En ese momento ya podemos establecer una comparación y ver lo grande que realmente es.

El material

El material necesario para fotografiar una cascada no varía mucho respecto del que necesitamos para fotografiar la naturaleza. Si utilizamos velocidades rápidas podemos disparar a pulso. En ocasiones puede venir bien utilizar un filtro polarizador para eliminar los reflejos sobre el agua y conseguir más contraste.

Dependiendo de las condiciones de luz, es posible que necesitemos filtros graduados y un portafiltros.

Pero si nuestra intención es hacer largas exposiciones entonces el trípode es imprescindible, así como un cable disparador y un filtro de densidad neutra (ND). Es obvio que cuanto mayor tiempo de exposición el filtro tendrá que restar más pasos, pero en mi caso con un filtro de 6 y otro de 10 pasos es más que suficiente para cualquier situación, ya sea a plena luz del día o durante el ocaso o días nublados.

El uso es sencillo. Haremos una fotografía normal y después de poner el filtro aplicaremos la ley de la reciprocidad. Conforme vamos utilizando nuestros filtros nos daremos cuenta de cuantos pasos reales resta cada filtro. Por ejemplo, el filtro de NiSi de 10 pasos realmente resta 9, así que directamente tengo en cuenta ese valor.

Un elemento que vais a necesitar casi seguro (todo depende de cuánto os acerquéis) son las gamuzas para limpiar todas esas gotas de agua que van a empapar vuestro objetivo, pero sobre todo mucha paciencia.

Cuando estaba escribiendo, hace unos días ya, el artículo sobre el flash anular, pensé: el siguiente artículo tengo que dedicarlo a la fotografía de flores.

¿Que por qué pensé eso? Pues porque el flash anular ofrece una iluminación muy atractiva cuando estamos hablando de macrofotografía de flores. Así que, además de utilizar un flash anular, te mostraré algunos consejos para que tus fotos de flores de esta primavera sean sensacionales. ¿Te apuntas?

#1 Cuida La Luz

No es que el cuidado de la luz sea algo exclusivo de la fotografía de flores, pero sí que es cierto que cuando se trata de este tipo de fotografía se hace aún más importante disponer de una iluminación cuidada sobre el motivo principal de la imagen.

Para ello, es habitual utilizar un flash anular cuando estamos hablando de macrofotografía de flores. O bien de difusores si utilizamos luz natural, o flashes disparados desde fuera de la zapata de la cámara y con elementos como softbox o paraguas para incrementar el tamaño relativo de la fuente de luz y así dotar a la iluminación de mayor suavidad.

En las fotografías superiores se muestra la diferencia entre el disparo con un flash desnudo (fotografía de la izquierda) y con un flash con un paraguas (fotografía de la derecha) que permite lograr una iluminación mucho más suave.

Presta especial atención a las duras sombras que generan los pistilos cuando se utiliza el flash desnudo y cómo esas sombras desaparecen al disparar con un paraguas que incrementa el tamaño relativo de la fuente de luz. ¿Aprecias la diferencia?

#2 Que El Fondo No Distraiga La Atención

Aunque lo más importante de la fotografía serán las flores, no debes olvidar que un fondo inapropiado puede arruinar hasta la más bella flor. Es importante que cuides el fondo. Para ello:

• Varía el ángulo o posición desde la que fotografías para buscar el fondo apropiado.
• Utiliza profundidades de campo reducidas para restar nitidez al fondo.
• Separa el primer plano del fondo, para restar también protagonismo al fondo.

Y si ninguna de estas cosas te funciona porque los fondos naturales disponibles no son apropiados, ¿por qué no crearlo tú con una cartulina negra o de otro color?

foto por Nicolas Raymond (licencia CC)

Si optas por esta opción, eso sí, procura separar bien el fondo del primer plano y/o reducir la profundidad de campo para que no se aprecie la textura artificial del fondo.

#3 Céntrate En Los Detalles

Aunque como decía al principio, cuando hablamos de fotografiar flores no sólo debemos pensar en macrofotografía, es cierto que estas maravillas de la naturaleza invitan poderosamente a que nos centremos en sus detalles a través de la fotografía de aproximación porque:

• resulta francamente increíble la perfección y las formas de algunos de estos detalles
• al llenar el encuadre con la flor, también mejoramos el fondo de la imagen

Así que si tienes un objetivo macro a mano, lentes de aproximación, o tubos de extensión, no dudes en darle una oportunidad a la fotografía macro de flores esta primavera.

foto por Scott Parker (licencia CC)

Resultados como el de la imagen superior te están esperando a la vuelta de la esquina. Eso sí, elige bien el ejemplar que fotografías, pues la macrofotografía no sólo magnifica la belleza, sino también los defectos.

Aquí te dejo 11 consejos para lograr fantásticas fotografías macro de flores.

#4 Busca El Rocío O Simula Su Efecto

Cuando fotografiamos flores, además de cuidar la luz, es también muy importante el tipo de luz y aunque no lo haya comentado en el primer consejo, suele ser aconsejable realizar las fotos a primera hora del día.

¿Por qué? Pues porque tanto a primera hora del día, como a última, la luz no es tan directa y produce unas sombras más suaves y, en segundo lugar, porque en el caso de primeras horas de la mañana, las flores tienen la frescura y a veces incluso alguna que otra gota de rocío que le confieren un aspecto maravilloso.

Si no puedes hacer fotos a esa hora, o no tienen esa capa de rocío que te interesaría, siempre puedes simularlo con un vaporizador de agua, o bien, mediante aceite de glicerina (de venta en farmacias) aplicado con una pequeña jeringa, para lograr esa típica foto con una gran gota sobre la flor.

#5 Cuidado Con Cualquier Movimiento

La delicadeza de las flores puede hacer que cualquier mínima racha de viento las mueva, pero también tu pulso, o el uso de un tiempo de exposición demasiado prolongado pueden hacer que la imagen pierda nitidez o incluso salga trepidada.

Por eso, especialmente si hablamos de fotografía macro de flores en que el más mínimo movimiento puede echar tu foto a perder, es necesario que, para garantizar que tus fotos reflejen con todo lujo de detalles las flores que te encuentres esta primavera, aquí van algunos consejos:

• Evita que el viento mueva las flores. Aunque te parezca que el aire no se mueve, procura siempre ponerte en la dirección en que sopla el viento y así evitarás que actúe sobre las flores. Salvo que pretendas un efecto asociado al viento.
• Utiliza un tiempo de exposición reducido para garantizar que la imagen sea suficientemente nítida. Utiliza sistemas de estabilización, ten en cuenta la regla de la inversa de la focal, o incluso supérala para tener mayores garantías.
• No está demás utilizar un trípode y activar el obturador con un disparador remoto. Así asegurarás aún más que no introduces ningún movimiento a la toma.

Si sigues estos consejos, te garantizo que lograrás una fotografía nítida, salvo que en el momento de la toma se produzca un terremoto :)

Observa Muchas Fotos

Y, por supuesto, como de costumbre, siempre te vendrá muy bien observar imágenes de otros autores que puedan servirte como inspiración. ¿Quieres unas cuantas? Aquí tienes 14.

¿Qué?, ¿te animas a comenzar a fotografiar flores? Enséñanos tus fotos y cuéntanos cuáles son tus consejos para lograr los mejores resultados.

Ya te explicamos hace un tiempo cómo restaurar tus fotografías antiguas usando las herramientas de clonado y corrección de Photoshop. Gracias a ellas podías devolverle la vida a tus fotografías antiguas deterioradas. ¿Pero sabías que también puedes devolverles el color?

Photoshop nos permite colorear cualquier fotografía en blanco y negro de forma automática usando uno de los nuevos "Neural Filters" que incluyeron en 2021. En este artículo te voy a enseñar paso a paso cómo usarlo y también cómo colorear tus fotografías de forma manual, para que puedas combinar ambos métodos y conseguir un acabado perfecto. ¿Te animas?

Neural Filter: Colorear

Sin duda los Neural Filters han revolucionado Photoshop, incluyendo inteligencia artificial que automatiza muchos procesos que antes eran bastante tediosos. Y uno de ellos es colorear nuestras fotografías en blanco y negro. Colorear una fotografía a mano es un proceso largo, como te explicaré en la segunda parte de este artículo. Es un proceso que, si queremos que quede realista, requiere varias horas de dedicación.

Sin embargo, con un solo click podemos ahorrarnos literalmente horas de trabajo usando el Neural Filter: Colorear. Simplemente deberemos abrir nuestra fotografía en Photoshop e irnos al menú Filtro/Neural Filters. En esta interfaz elegiremos la herramienta Colorear. Y solamente con esta acción, ya vas a ver que la fotografía cobra vida y se llena de color automáticamente, solamente con un click.

Por supuesto, como cualquier automatismo, no siempre va a funcionar perfectamente. En este caso, aunque nos ha coloreado perfectamente la cara de la chica, sí hay algunas zonas que no han quedado bien coloreadas. Aun así, este filtro nos ofrece algunas herramientas para mejorar el automatismo inicial.

En el menú de la derecha podemos ver una miniatura de la fotografía original. Si pinchamos en cualquier lugar de esta miniatura vamos a crear un punto para indicarle a Photoshop qué color tiene esa zona. Podemos ir creando puntos alrededor de toda la fotografía para pulir las zonas que no hayan quedado bien coloreadas y mejorar mucho el automatismo inicial.

A continuación te doy algunos trucos para agilizar este proceso:

• Si pulsas cualquier punto puedes editarlo como quieras.
• Si pulsas y arrastras cualquier punto puedes recolocarlo donde quieras.
• Si pulsas Alt + Click sobre un punto y arrastras, lo clonarás. Esto es ideal para colocar varios puntos del mismo color en zonas distintas.
• Si pulsas un punto y lo arrastras fuera de la miniatura, lo eliminarás.

Por otra parte, debajo de la miniatura encontrarás otras herramientas muy interesantes también para personalizar todavía más el color de la fotografía:

• Un desplegable con diferentes perfiles de color predefinidos. Debajo de él encontrarás un deslizador para aumentar o reducir la intensidad de estos estilos.
• Una serie de deslizadores para configurar la saturación y las tonalidades de la fotografía.
• Un deslizador para eliminar los artefactos de color extraños que puedan estropear la fotografía.
• Un deslizador para reducir el ruido de la fotografía y eliminar un poco ese típico grano que nos aparece en las fotografías antiguas escaneadas.

Debajo de estas herramientas encontramos las opciones de salida, con las que podemos configurar cómo queremos que se aplique este filtro en nuestra fotografía, si en la misma capa, como una aparte o como un filtro inteligente.

Finalmente, cabe mencionar que al lado de este desplegable de las opciones de salida encontrarás dos iconos muy interesantes también:

• Mostrar original: Que te permitirá hacer una comparativa del "antes y después" de la aplicación de este filtro.
• Vista previa de la capa: Que te permitirá elegir si quieres que se muestre tan solo la capa actual o todas las capas del documento. Esto te servirá si por ejemplo tu fotografía está formada por diferentes capas y quieres que el filtro se aplique teniendo en cuenta todas ellas.

Una vez tengas todo el filtro configurado, no te quedará más que darle a OK para aceptar los cambios.

Como ves, nuestra fotografía ha quedado bastante acertada y tan solo le hemos dedicado un minutito escaso a este proceso. Conseguir esto a mano hubiera supuesto perfectamente una hora de trabajo, o incluso más. Ahora verás cómo se hace.

Fotografía original

Fotografía restaurada y coloreada

Colorear una Fotografía en Blanco y Negro con Photoshop

Antes de que existiera este increíble Neural Filter había que colorear las fotografías a mano. Pero aunque ahora dispongamos de este automatismo es necesario conocer el proceso igualmente, porque nos va a ayudar a mejorar las zonas que este filtro no consiga colorear correctamente.

Como ejemplo voy a utilizar esta fotografía. Vamos a prepararla bien antes de ponernos a colorearla.

En primer lugar, la he restaurado rápidamente como ya vimos paso a paso en el artículo "Cómo Restaurar Fotos Antiguas con Photoshop Paso a Paso", usando las herramientas de clonado y corrección.

También le he aplicado el Filtro Topaz Denoise. Es un plugin de Photoshop muy interesante que nos va a ayudar a reducir el ruido que la fotografía ha ganado a causa de la impresión y escaneado de la imagen, y además también le aplica un toque de nitidez para que se vea mucho más definida que antes. Si no dispones de este plugin también puedes usar las herramientas nativas de Photoshop, tanto para reducir el ruido como para ganar nitidez en la imagen.

A continuación es importante que, antes de empezar el proceso de coloreado, la pasemos completamente a blanco y negro. Cuando escaneamos una fotografía puede que agarre alguna dominante de color e incluso que se creen artefactos de color extraños. Por eso siempre va a ser conveniente pasarla a blanco y negro antes de empezar, desde el menú Imagen/Ajustes/Desaturar. Así ya partiremos de una fotografía completamente en blanco y negro.

Ahora que ya tenemos nuestra fotografía restaurada y preparada, vamos a empezar el proceso de coloreado.

Crea una capa nueva vacía desde el botón que encontrarás debajo de la ventana de capas. Esta nueva capa deberá estar por encima de la capa de la fotografía y la deberás poner en Modo de Fusión: Color. Así vamos a poder pintar sobre ella con la herramienta Pincel sin tapar la información de la fotografía, solamente va a mostrarse el color que elijamos, y así podremos ir pintándola.

Puedes usar pinceles pequeños y con una dureza alta para ir coloreando a mano las zonas sin salirte, o puedes utilizar selecciones para facilitar la tarea.

Recuerda que puedes usar también automatismos para esto, como por ejemplo la opción Seleccionar sujeto (dentro del menú Selección) que también es relativamente nueva. Otra herramienta que también te ayudará mucho es Seleccionar y Aplicar máscara, que mejorará mucho selecciones difíciles, como por ejemplo el cabello o zonas con un borde poco definido. Ya te explicamos cómo usar paso a paso esta herramienta en nuestro artículo "Aprende a Seleccionar Pelo a la Perfección con Photoshop".

Hemos ido coloreando la fotografía en diferentes capas, e incluso puedes ir bajándole la opacidad a cada una de ellas para encontrar exactamente la saturación de color que más te guste.

También es importante que sepas que por mucho que elijas un color oscuro, no vas a oscurecer la fotografía. El modo de fusión Color tan solo va a mostrar el tono del color que elijas, la luminosidad va a seguir siendo la de la fotografía original. Por eso, si quieres oscurecer alguna zona, como por ejemplo en este caso el cabello y los ojos, deberás hacerlo con algunacapa de ajuste, como Brillo/Contraste, Niveles o Curvas.

Como ves, después de todo este trabajo conseguimos una fotografía coloreada pero bastante plana. El plan ahora es ir eligiendo diferentes tonalidades e ir dándole riqueza a los colores de la fotografía. También puedes usar la técnica de Dodge & Burn para oscurecer y aclarar ciertas zonas y darle más volumen a este coloreado.

Nosotros hemos seguido pintando la fotografía un rato pero de forma bastante simple. Hemos dedicado unos 10 o 15 minutos para conseguir este coloreado que, como ves, es muy sencillo y plano. También hemos probado a pintar las flores de la camiseta para ver cuánto tardaríamos en colorearla entera, y sería un trabajo que bien podría durar una hora entera.

Este proceso puede durar lo que quieras; cuantas más horas le dediques, más rico y realista quedará el color de la fotografía. Pero como te digo, es un proceso largo y tedioso.

Un proceso que, como hemos visto antes, se puede reducir a unos pocos clicks usando el Neural Filter: Colorear. Así que, hoy por hoy, mi opinión personal es que ya no vale la pena realizar este proceso a mano, al menos no desde el principio. Es mucho más fácil y rápido usar el Neural Filter como base y después mejorar las zonas que no hayan terminado de quedar bien con esta técnica a mano.

Vamos a ver a continuación cómo podemos combinar ambos procesos para conseguir una fotografía perfectamente coloreada en muy poco tiempo.

Combinando Ambos Métodos: Neural Filter + Coloreado a Mano

Vamos a usar como ejemplo de nuevo otra fotografía de la misma sesión con la modelo de antes que, por cierto, es mi querida madre en su adolescencia. Como veis, en esta ocasión he elegido una fotografía para ponérselo difícil al automatismo, en exterior, con todo un paisaje y un pueblo de fondo. Al igual que antes, la he restaurado y la he desaturado completamente para partir de una imagen en blanco y negro.

Como ya suponía, el Neural Filter: Colorear se ha equivocado en varias zonas, pero sorprende lo bien que suele trabajar los tonos de la piel; la riqueza de tonalidades que utiliza este filtro le da un realismo al color que difícilmente podemos conseguir nosotros a mano sin dedicarle muchísimo tiempo (y maña) al proceso. También me encanta la riqueza de colores que le da a las flores de la camiseta, que también sería bastante tedioso conseguir a mano.

Ahora toca ir marcando diferentes puntitos en la miniatura para indicarle al automatismo de qué color deberían ser las zonas en las que se ha equivocado. Sin embargo, al ser una fotografía más compleja, es difícil ser preciosos a la hora de colocar estos puntos donde queremos y que afecten solamente a la zona que queremos. Es por eso que nos encontramos con que algunas zonas pequeñas no se colorean correctamente: la zona interior de los brazos, del asa del cántaro y de los arcos del puente, y también las manos, que han quedado un tanto desaturadas.

Es aquí cuando entra en juego el método manual. En lugar de complicarnos la vida creando mil puntitos sin conseguir un resultado aceptable, directamente esas zonas no las tocaremos con el Neural filter y las colorearemos a mano.

Simplemente aceptaremos el filtro y crearemos, como hemos hecho antes, una capa nueva vacía en modo de fusión Colorear. Ahora sí va a ser mucho más sencillo ser precisos para colorear correctamente esas zonas que no habían terminado de quedar bien.

Y el resultado, como veis, ¡queda estupendo! Y eso que es una fotografía MUY complicada, ya la he elegido a propósito para complicarle la vida al Neural filter. Colorear esta fotografía a mano hubiera sido una locura, muchas horas de dedicación que se han reducido a un puñado de minutos con un resultado increíble gracias a la combinación de ambos métodos.

¿Te animas a probar ahora tú? Seguro que ya tienes un montón de fotografías en mente con las que te gustaría practicar. ¿A qué esperas?

No te pierdas también nuestro Fototip sobre coloreado de fotos antiguas en nuestra Zona Premium, donde verás el proceso de forma mucho más amena y visual. ¡Aquí te dejo un pequeño fragmento!

Colorea tus Fotos Antiguas en Blanco y Negro con Photoshop

Una imagen vale más que mil palabras ¿verdad? Pues cuando se trata de vender un producto más todavía. Tanto es así que la foto de producto puede ser determinante a la hora de que un cliente decida efectuar o no una compra.

¿Estás pensando en abrir una tienda online? ¿Quieres poner a la venta tus productos en Amazon? ¿Buscas atraer compradores en plataformas de venta de artículos de segunda mano? Hoy te diremos qué equipo y materiales necesitas para montar tu propio set de fotografía de producto en casa.

Vamos a tratar de acoplarnos a diferentes presupuestos, desde el set más básico con aquello que podamos encontrar por casa, hasta accesorios y materiales más profesionales ajustados a diferentes bolsillos. Te aseguramos que podrás hacer fotazas sin necesidad de tener un equipo inalcanzable.

El Crecimiento del Comercio Electrónico

Los tiempos cambian y cada vez son más los negocios, tanto grandes como pequeños, que apuestan por el comercio electrónico y la venta de sus productos desde plataformas de venta online. Renovarse o morir, esa es la premisa básica en un mundo cada vez más globalizado y digitalizado.

El problema es que no siempre podremos pagar los servicios de un fotógrafo de producto profesional que disponga de un estudio especializado, como los que contratan las grandes marcas. Pero claro, tampoco nos interesa subir una foto demasiado amateur porque si nuestro producto es de calidad, se merece una foto que represente la categoría que tiene.

La fotografía de producto no consiste solo en apuntar y disparar. Hasta los artículos más básicos necesitan fotografiarse con el equipo, la iluminación y el espacio adecuados. Al menos si queremos obtener imágenes atractivas que generen ventas.

Además, no solo los comerciantes y empresarios venden su género online. Gracias a plataformas como Ebay, Wallapop, Vibbo o Milanuncios, entre otras, también los usuarios pueden realizar la compra-venta de productos de segunda mano.

La buena noticia es que no necesitamos un estudio fotográfico para conseguir buenas fotografías de producto. Podemos conseguir que tengan un aspecto muy profesional con accesorios y objetos caseros que seguro que tienes a tu alcance.

Obviamente, si tenemos más recursos y más accesorios siempre nos resultará más fácil conseguir tomas espectaculares. Sin embargo, te sorprenderás al saber que puedes adquirir ciertos materiales fotográficos enfocados a producto a precios muy asequibles.

El Equipo Fotográfico

Como es obvio lo primero que vamos a necesitar para hacer fotos de producto es un equipo fotográfico básico. Depende de los recursos que tengamos o de lo que estemos dispuestos a invertir te conviene elegir unas u otras opciones.

#1. Cámara de Fotos o Smartphone

El elemento más indispensable será la cámara de fotos. Puede ser una cámara réflex, sin espejo, bridge o compacta, no es necesario que sea la mejor cámara del mercado. Mientras tengas la posibilidad de usar los parámetros más básicos de forma manual será suficiente.

Con parámetros básicos nos referimos al balance de blancos, la velocidad de obturación, la apertura del diafragma y la sensibilidad ISO. Si nos olvidamos del modo automático y aprendemos a jugar con el triángulo de exposición adecuadamente conseguiremos mejores tomas.

No descartes la tampoco la idea de adquirir una cámara de segunda mano, tendrás una buena cámara a un precio más económico. Aquí te dejamos algunas cámaras que podrían ser las ideales para ti:

• 6 Cámaras Compactas Recomendadas para Fotógrafos
• Las 9 Mejores Cámaras Compactas Avanzadas (Tipo Bridge)
• Guía Definitiva para Comprar una Cámara Réflex de Segunda Mano

Obviamente, si tienes un buen presupuesto y pretendes utilizar la cámara para hacer otro tipo de fotos o aprender fotografía con expectativas más altas, puedes optar por una cámara de mayor calidad. Echa un vistazo a estas cámaras, las hay más simples y más avanzadas, pero ajustadas a todos los bolsillos.

• Las 8 Cámaras Réflex para Principiantes más Recomendadas
• Las 12 Cámaras EVIL más Recomendadas
• Las 10 Cámaras Full Frame Más Económicas

Por otro lado, si no quieres comprar una cámara pero tienes un móvil de última generación con una buena cámara, también podrás utilizarlo. Hoy en día, existen móviles con cámara que son capaces de hacer fotos de muy buena calidad, permitiéndonos manejar manualmente incluso los parámetros básicos como la apertura, velocidad, ISO etc.

Si están pensando en renovar tu smartphone y aprovechar para comprarlo con una cámara potente, en este artículo te contamos cuáles son los móviles con mejor cámara del momento.

#2. Objetivo

Si tienes una cámara con lentes intercambiables te interesa saber que la elección del objetivo también será importante. En fotografía de producto no queremos que nuestro artículo aparezca deformado, por lo que debemos evitar focales extremas como angulares o teleobjetivos, los primeros alargan la perspectiva y los segundos la comprimen.

Las lentes que mejor mostrarán la realidad y menos deformación presentarán serán las lentes estándar entre los 30 y 55mm. Si tienes una lente zoom, trata de trabajar dentro de esas distancias, aunque también puedes optar por adquirir una lente fija de calidad (como un 35 o un 50mm) que seguramente ofrecerán menos aberraciones, mayor nitidez y mejor contraste.

Aunque lo más importante es que una lente fija será mucho más luminosa, porque su apertura máxima de diafragma será de f/2.8, f/1.8 o f/1.4. Ten en cuenta que quizá tu lente zoom tenga una apertura máxima de f/3.5, pero eso solo será en su focal más angular, en 50mm quizá ya sea de f/4.5 y dejará pasar mucha menos luz.

Si tus productos son muy pequeños, como los artículos de joyería, quizá te interese más adquirir una lente macro. La macrofotografía es todo un mundo por descubrir y necesitarás una buena iluminación, así como el dominio del bracketing de enfoque, pero los resultados serán del todo espectaculares.

• 10 Razones por Las Que Necesitas un 50 mm
• ¿50mm o 35mm? Respondemos la Eterna Pregunta
• Los 10 Objetivos Macro Más Recomendados

#3. Trípode

Cuando no tenemos demasiadas fuentes de iluminación, no contamos con una lente muy luminosa y no podemos forzar demasiado la ISO porque sale mucho ruido, tendremos que jugar con el tercer parámetro del triángulo de exposición: la velocidad de obturación.

El problema es que si dejamos el obturador abierto demasiado tiempo las fotos saldrán trepidadas debido al inevitable movimiento de nuestras manos. Para eso nos vendrá bien utilizar un trípode, ganaremos estabilidad y podremos hacer fotos con velocidades lentas y conseguir más luz.

Aunque este no es el único motivo. Es mucho más recomendable que todos los artículos de tu tienda online estén tomados con un encuadre similar y desde la misma perspectiva. Así es como lograrás homogeneidad y coherencia visual. Fotografiar unos artículos más lejos y otros más cerca puede afectar al tamaño/escala que imagine el espectador.

Si usas un trípode, solo tendrás que ir cambiando los productos y tomar tus fotos. Si no te molesta podrás dejar el set siempre listo para cuando lo necesites. Puedes incluso usar un disparador remoto para no tener que tocar ni la cámara una vez tengas claro el encuadre y los parámetros, preocupándote solo del encuadre y la composición.

• Cómo Elegir el Trípode que Necesitas y Acertar
• +30 Trípodes Fotográficos Recomendados (incluidos los de móvil)

#4. Carta/Tarjeta de Grises

No es imprescindible utilizarla pero es un accesorio muy económico que nos vendrá muy bien para la fotografía de producto. Se denomina tarjeta gris 18% (en inglés, 18 grey/gray card), aunque coloquialmente se le llama también tarjeta de grises.

Se trata de una tarjeta o carta que cuenta con una propiedad de reflectancia muy concreta. De hecho, ese 18% hace referencia a la cantidad de luz que refleja, un tono gris neutro que nos ayudará a medir el tono de la luz y elegir una exposición correcta según la iluminación que tengamos.

Además de ayudarnos a calcular una correcta exposición, también nos ayudará a ajustar el balance de blancos. Ten en cuenta que en una estancia podemos tener luces cálidas y frías al mismo tiempo y eso puede agregar dominantes de color a nuestro producto alterando el color original.

Si te interesa especialmente que tus artículos tengan un color fiel a la realidad, deberías adquirir una de estas tarjetas. Así evitarás perder luego tiempo en la edición tratando de que se parezcan lo máximo posible al tono original o intentando arreglar las dominantes de color por zonas.

En este artículo te explicamos cómo utilizarla correctamente y aquí van algunas tarjetas de calidad con precios muy interesantes:

• Tarjeta Gris diferentes tamaños + correa de transporte desde 8,99€
• Tarjeta Gris + Reflector Blanco 60cm diámetro Andoer + Funda de transporte por 16,99€

El Set Fotográfico

Una vez tenemos el material fotográfico le toca el turno a la preparación del set donde haremos nuestras fotos. En realidad no necesitaremos demasiadas cosas, de hecho seguramente muchas las tendremos ya, pero aun así nos conviene conocer alternativas que nos ayuden a mejorar.

#1. Localización

Para montar nuestro pequeño estudio fotográfico necesitamos espacio, cuanto más mejor, porque podremos movernos más libremente alrededor del set y colocar accesorios o trípodes de iluminación sin problemas.

Si vamos a trabajar principalmente con luz natural nos interesa colocar el set junto una pared que tenga al lado una ventana. Cuanto más grande sea la ventana mejor, porque dispondremos de más luz y menos tendremos que añadir nosotros.

Cuando utilizas solo luz artificial, la localización te importará menos, aunque necesitarás espacio para colocar los accesorios de iluminación y varios enchufes para poder hacer que funcionen (a no ser que trabajes con baterías externas).

Si dispones de una habitación entera para trabajar debes saber que existen estudios fotográficos portátiles que incluyen fondo, focos e incluso difusores a un precio relativamente asequible, como este de Neewer por unos 250€.

#2. Mesa o Superficie Estable

Al trabajar con luz natural, coloca la mesa al lado de la ventana de forma que la luz incida lateralmente. No la pongas justo delante de la ventana porque no queremos un contraluz que haga sombras feas, ni tampoco te coloques entre la mesa y la ventana porque tú mismo/a generarás sombras.

Si las paredes de la habitación son blancas y lisas, de igual modo que la mesa, ya tendrás el set prácticamente montado. Además, piensa que si todo es blanco reflejará la luz que entre dentro de la estancia y estarás ganando todavía más luminosidad.

Una pared con gotelé, por ejemplo, puede generar sombras indeseadas si no usamos profundidades de campo muy escasas que desenfoquen mucho el fondo. Por último, no hace falta que uses una mesa obligatoriamente, será suficiente con una superficie estable que se encuentre a una altura media para que estés cómodo/a y el trípode se coloque fácilmente.

• Mesa Plegable Blanca 75x50x56 por unos 30€
• Mesa Plegable Blanca 180x74x74 por unos 85€

#3. Fondo

En la mayoría de los casos tendremos que añadir un fondo a nuestro set. A no ser que vayas a hacer tomas cenitales (desde arriba) lo más recomendable es un fondo continuo para que no se note la línea entre la mesa y la pared. Te servirá el típico papel continuo para manteles de mesa, una tela blanca (bien planchada) o incluso una cartulina A3 blanca que puedas pegar con cinta adhesiva a la pared o sujetar con pinzas.

Si quieres ir un paso más allá puedes adquirir un fondo con una estructura (para productos más grandes) o una mesa plegable con fondo continuo incorporado. Este tipo de sets son muy cómodos porque podrás montarlo y desmontarlo fácilmente y suelen contar con fondos de muy buena calidad en diferentes colores y fabricados con materiales como PVC o vinilo. Los encontrarás con acabados en brillo o en mate y no se arrugarán ni se despegarán.

El color más utilizado para foto de producto suele ser el blanco, porque nos permite que destaque el objeto. Aunque también puedes usar el color negro (habitual en artículos de lujo, bebidas alcohólicas), el verde croma para añadir un fondo personalizado, u otros colores que contrasten con nuestros artículos.

• Soporte para fondo de gran tamaño (2x3m) por unos 60€ (sin la tela)
• Tela para fondo color blanco (2x3m) por unos 35€ (disponibles otros colores)

#4. Decoración y Plexiglass

Muchas veces mostrar el producto 'desnudo' nos puede resultar un poco antiestético para vender cierto tipo de artículos. Por eso, si lo deseas puedes incluir algunos elementos de atrezzo que embellezcan la imagen y le den un valor añadido (especificando si están o no incluidos en la descripción de la venta).

Por ejemplo, introducirlos dentro de una cesta para que no sean elementos flotantes, o rodearlos con papel maché, flores secas, luces led, etc. Trata de que sea algo tenga algún tipo de relación con el artículo para que sea coherente utilizarlo y, por supuesto, que no llame la atención por encima del producto principal.

El plexiglass es un producto estrella dentro de la fotografía de producto. Se trata de una superficie reflectante fabricada con metacrilato o acrílico (normalmente blanco o negro) que ofrece un reflejo nítido muy elegante y atractivo visualmente. Lo encontrarás a buen precio y el resultado lo valdrá.

• 100 Hojas de Arce Decorativas de Colores para decoración por 7€
• 1 kg de Conchas marinas y caracolas decorativas por 22€
• Tablero reflectante acrílico 30x30cm (blanco + negro) por unos 18€

Iluminación

Para hacer nuestras fotos de producto vamos a necesitar luz, eso ya lo sabes. No todos vamos a tener los mismos recursos o el mismo presupuesto, por eso vamos a explicarte primero qué necesitas para trabajar únicamente con la luz natural que entra por la ventana.

Después iremos añadiendo otros accesorios económicos que mejorarán y facilitarán tu trabajo. Trabajar con luz artificial te permitirá libertad horaria, independencia y comodidad por lo que también veremos qué necesitamos para hacer fotos de producto con ella.

Luz Natural

Como ya te hemos comentado antes, situando nuestro set junto a una ventana grande y que deje pasar mucha luz, tendremos ya la fuente de luz principal. El problema es que si incide en una zona del artículo, generará sombras y eso no nos interesa en fotografía de producto.

Para eliminar sombras tendremos que añadir otras fuentes de luz. Si no tenemos ninguna, podemos reflejar esa luz colocando un reflector en el lado contrario a la fuente de luz principal (donde se generen esas sombras) para agregar lo que conocemos como luz de relleno.

Por un lado, para reflejar la luz y rellenar las sombras podrás crear tus propios reflectores caseros: una cartulina blanca o papel de aluminio. Si colocas este accesorio ya tendrás la fuente de luz principal (la ventana) y la luz de relleno (el reflector casero).

Por otro lado, si la luz que entra por la ventana es demasiado intensa, también puedes reducirla usando un difusor casero: papel vegetal de hornear. Puedes hacer un marco de cartón y pegar con papel adhesivo el papel vegetal para crearlo tú mismo/a. Al ser una superficie traslúcida filtrará y atenuará esa intensidad si la colocas entre la ventana y el producto.

Con el tiempo, si buscas un accesorio más profesional podrás adquirir un Reflector 5 en 1 (blanco, plata, dorado, negro y difusor). Este incluye todos los reflectores, un difusor y el lado que sirve para recortar la luz.

Los hay de diferentes tamaños y son realmente económicos. Si no tienes dónde colocarlo o a nadie que te lo pueda sujetar, también hay pinzas de sujeción para colocarlos sobre un trípode de iluminación.

• Reflector Circular Pequeño 60 cm por unos 25€
• Reflector Circular Grande 110 cm + Soporte de sujeción por unos 40 €
• Pinza/Soporte de Sujección para Reflector por unos 25€
• Soporte Telescópico Giratorio para Reflector por unos 51€

Luz Artificial

Si la luz natural se queda corta y necesitas añadir más luz o directamente buscas un acabado más profesional, puedes optar por la luz artificial para iluminar tus fotos de producto. Para empezar, te puede servir la luz de una lámpara, un foco o un flexo que tengas en casa y que emita una luz potente.

Esa será tu fuente de luz principal, a la que podrás agregar un reflector como luz de relleno (ya sea casero o profesional). Así ya tendrías un esquema de luz artificial viable. Si la luz de la lámpara fuera muy intensa podrías añadir un trozo de papel vegetal (sujeto con pinzas) para difuminar la luz.

Si necesitas una fuente de luz potente que puedas mover y dirigir gracias a un trípode, puedes adquirir a un foco de luz continua con un trípode de iluminación. Así podrás redireccionar la luz y regular la altura y la distancia a la que quieres colocar la fuente de luz.

• Foco de Luz Continua + Trípode + Bolsa de Transporte por unos 60€
• Trípode para Iluminación (sirve para soportes de reflector, panel led, flash, foco, etc) por unos 32€

También te servirá un panel de luz LED o un anillo de luz que funcione con baterías externas. En ambos casos podrás adquirir modelos que te permitirán regular la intensidad de la fuente de luz (más o menos potente) y el balance de blancos (más frío o más cálido).

• Anillo de Luz Led Ajustable + Mini trípode por unos 40€
• Panel LED Profesional con Balance de Blancos e Intensidad Regulables por unos 90€

Si prefieres utilizar flashes externos y optar por la fotografía strobist, la cosa se complicará un pelín más. Si vas a usar un flash externo separado de la cámara necesitarás usar un trigger (o disparador remoto para flash) para poder sincronizarlo con el disparo de la toma.

Añadiendo un reflector al otro lado desde donde dispares un flash, ya tendrías un buen esquema de luz a dos puntos. Ten en cuenta que si usas más flashes y amplías el esquema de iluminación, también necesitarás más triggers para que se sincronicen todos.

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Tanto si eliges la opción de luz continua como la luz de flash, no olvides que podrás añadir difusores (caseros o profesionales) para atenuar la intensidad de la luz y que suavizarla para no sea tan dura. Cuanta más luz añadas a un set de fotografía de producto, más puro será el resultado que obtendrás.

En este Fototip de la Zona Premium te explicamos cómo hacer fotografía de producto con un esquema de iluminación a 3 puntos, fíjate qué materiales hemos utilizado:

Fragmento Fototip Esquema de Iluminación a 3 Puntos

Puedes añadir todas las fuentes de luz o reflectores que desees además de la luz principal y la de relleno. Por ejemplo, un contraluz que resalte la figura sobre el fondo, una luz cenital y otra nadir que eliminen las sombras que quedan y otra que ilumine el fondo (si no estás usando un fondo continuo).

Caja de Luz

Hablando de mucha luz... Quizá te interese conocer este accesorio fotográfico pensado especialmente para la fotografía de producto: las cajas de luz, también llamadas Soft Box o Tend Light en inglés. Como vas a ver, nos quitan muchísima faena a la hora de montar todo el set de trabajo.

Con este accesorio tenemos una luz led blanca que rebota por toda la caja iluminando de manera suave y uniforme nuestro artículo, evitando que aparezcan sombras. El fondo puede ser intercambiable, así que podremos colocar el color que queramos y será de un material tipo goma eva que no generará reflejos.

Existen muchos tipos de cajas de luz, de diferentes tamaños y construidas con diversos materiales, pero la mayoría suelen ser plegables para poder guardarlas y usarlas solo cuando las necesitemos.

• Caja de Luz 25 cm por unos 25 €
• Caja de Luz 40 x 40 cm (2 Focos LED +4 Colores de Fondo) por unos 54 €
• Caja de Luz 61x61 cm (con 4 fondos+ tiras LED + bolsa de transporte) por unos 90 €

¿Te estás preguntando si puedes construir una tú mismo/a en casa? ¡Pues claro que sí! Además solo necesitarás una caja de cartón, tijeras y cúter, cartulinas/goma de eva de colores, papel vegetal, chinchetas, cinta adhesiva, un lápiz y una regla.

Agregando luz a nuestra caja

En este Artículo te contamos como construirla y en este Fototip, disponible para usuarios premium, te mostramos paso a paso cómo montarla desde cero. Aquí puedes ver una pequeña muestra del uso que podemos darle una vez construida.

Programa de Revelado y Retoque

Una vez tenemos las fotos hechas llega el momento de revelarlas, retocarlas y subirlas a la plataforma online. Puedes utilizar diferentes programas de revelado y de retoque, lo importante es que el resultado final nos convenza y las fotos cumplan los requisitos que queremos y que nos solicita la web.

Lo más recomendable es que el producto ocupe más o menos el 85% de la imagen para que destaque suficiente (sobre todo si se va a visualizar en un tamaño mediano/pequeño). No es aconsejable que se vean bordes o marcos ni sombras indeseadas, deberemos eliminarlas en el procesado.

Trata de eliminar todas aquellas machas, motas de polvo, arañazos, reflejos o desperfectos que puedan haberse fotografiado en tu artículo. Evita también añadir logotipos, dibujos o texto, al menos en la imagen principal, si puedes añadir más de una foto del producto entonces sí.

Si buscas un programa de revelado gratuito tienes varias opciones muy interesantes como RawTherapee, LightZone o DarkTable. Todos estos programas los puedes descargar gratis sin versiones de prueba ni marcas de agua. Para un retoque más específico y avanzado necesitarás un programa especializado, como es GIMP, la alternativa gratuita a Photoshop.

También hay softwares pago que ofrecerán interfaces más atractivas y que serán más potentes a la hora de revelar fotos como Lightroom, Camera Raw, Capture One o Luminar. Puedes bajar las versiones temporales de prueba y ver si son lo que estás buscando. Lo mismo pasará con Photoshop para retoque, que será de pago pero podrás probarlo temporalmente.

Para los que vais a hacer las fotos de producto con el móvil, no olvidéis disparar vuestras tomas en formato RAW. Entrad en las opciones y configurad ese formato antes que nada y así la cámara captará toda la información necesaria para procesar bien la foto.

A la hora de editar las fotos podrás pasarlas al ordenador (con la máxima calidad posible y sin compresión) y editarlas con los programas que te hemos dicho antes. Pero también podrás editarlas desde tu propio móvil y subirlas a la plataforma que vayas a utilizar. Prueba algunos programas como Snapseed, Pixlr o Adobe Photoshop Express.

¿Algún Truco o Consejo?

¿Ya te hemos convencido? Como has visto, no necesitas el mejor espacio ni los accesorios más caros para hacer fotos de producto.

Si sabes cómo usar correctamente los recursos que tengas a tu alcance o que puedas permitirte dentro de tu presupuesto, podrás hacer buenas fotos de tus artículos y venderlos online.

¿Y tú? ¿Haces fotos de producto? ¿Qué materiales utilizas? ¿Qué consejos y trucos podrías darle a aquellos que están empezando en esto?¡Deja tu comentario y cuéntanoslo!

En la mayoría de tus retratos, el foco de atención va a recaer en la mirada del modelo. Pero a veces esa mirada no llama la atención tanto como debería: ha quedado algo apagada por la luz del ambiente, o no está tan definida como nos gustaría.

Por eso en este artículo quiero enseñarte a potenciar la mirada de tus retratos al máximo, tanto en Lightroom como en Photoshop, para que los ojos de tu modelo se conviertan en un imán de miradas. Es un proceso sencillo y no necesitarás tener experiencia en estos programas porque lo vamos a ver paso a paso. ¿Te quedas?

Parte Siempre de una Buena Base

El "antes y después" de nuestra foto de portada

Antes de empezar a enseñarte a potenciar la mirada en el procesado, cabe destacar que será importante partir de una buena fotografía de base. Si el ojo de tu modelo ha quedado muy ensombrecido a causa de una mala iluminación o, peor aún, está desenfocado, no vamos a conseguir un buen resultado por mucho que lo retoquemos.

Así pues, procura iluminar bien los ojos de tu modelo, bien aprovechando la luz del ambiente o bien utilizando algún accesorio como el reflector 5 en 1, o empleando iluminación artificial, como el flash externo o un panel led.

Y, por supuesto, asegúrate de enfocar perfectamente los ojos, pues en el buen enfoque reside gran parte de la atracción de la mirada en un retrato. En el procesado veremos cómo dale algo más de nitidez a la mirada, pero nunca podremos enfocar un ojo desenfocado, tenlo en cuenta.

Difícilmente podremos conseguir que un ojo apagado y poco definido llame verdaderamente la atención

Cómo Potenciar la Mirada con Lightroom

Primero vamos a ver qué técnicas y procesos nos brinda Lightroom para acentuar la mirada de tus modelos, y después lo veremos en Photoshop.

Usa el Ajuste Local Pincel de Ajuste

Lo primero que vamos a necesitar aplicar en Lightroom es un ajuste local, para que todos los cambios afecten solo a los ojos de tu modelo. En este caso, el ajuste local que mejor nos viene es el Pincel de Ajuste, ya que nos permitirá pintar a mano alzada la zona a la que queremos afectar. Vamos a agregar dos ajustes: uno que afecte a todo el ojo y otro que solo afecte al iris. Vamos primero a agregar el ajuste que afectará a los ojos al completo.

Potencia el Ojo Entero

Selecciona el Pincel de Ajuste; lo encontrarás en la barra de herramientas que hay debajo del histograma, con este icono: . Verás que al pulsarlo se desplegará un panel debajo con todos los ajustes que podemos aplicar.

En primer lugar nos iremos abajo del todo de este panel, que es donde está la configuración del propio pincel. Vamos a poner un tamaño relativamente pequeño, para poder ser precisos a la hora de seleccionar el ojo, y vamos a ponerle un desvanecimiento bajo, de 10 o 20 px., para que el borde sea bastante definido. Pulsa la tecla O para ver por dónde estás pintando y procede a pintar los dos ojos como si los estuvieras coloreando, es decir, pulsando el botón izquierdo del ratón sin soltar. Si cuentas con una tableta gráfica, te será mucho más fácil ser preciso; tan solo tendrás que pintar con el lápiz.

Si te sales de las líneas del ojo, no te preocupes; para borrar tan solo tienes que pintar mientras mantienes pulsada la tecla Alt. El borrador tiene su propia configuración de pincel, así que configúralo de la misma manera que hemos configurado antes el pincel.

Con esto habremos definido el rango de acción del efecto. Cuando ya hayas pintado correctamente la zona que quieres alterar, vuelve a pulsar la O para esconder la máscara roja y ver bien los cambios que aplicarás al ojo.

Cada fotografía será diferente, así que prueba los ajustes para ver qué le sienta mejor a los ojos de tu modelo. En este caso, aumentaré la exposición, las altas luces y los blancos para que la mirada destaque mucho más, y bajaré la saturación un poco para hacer el globo ocular algo más blanco, con lo que parecerá más luminoso.

No te preocupes por que el iris también pierda color, ya que después vamos a retocarlo aparte y volveremos a subirle la saturación solo a él. Finalmente también he aumentado la Claridad para contrastarlo y definirlo más.

Es importante que alejes el zoom y mires los cambios que estás aplicando a tu retrato también a un tamaño normal, porque ahí te darás cuenta si te has pasado o no con el efecto. Un buen retoque puede marcar la diferencia en tu retrato, pero si no se hace bien puede producir el efecto contrario y causar rechazo. Si los ojos saltan demasiado a la vista y se ven exagerados o irreales, tu retrato podría verse arruinado. Así que recuerda, en la moderación está el gusto.

Mejora el Iris

Ahora que ya hemos mejorado los ojos al completo, le toca el turno a los iris, que son lo más importante del ojo. Unos iris bien definidos, luminosos y de colores vibrantes se convertirán en un imán de miradas y harán que tu retrato literalmente hipnotice.

Para retocar los iris, al igual que antes, vamos a usar el Pincel de Ajuste. En este caso, pintaremos solo la zona de los iris.

Al igual que te comentaba antes, cada fotografía necesitará unos ajustes distintos. En este caso voy a darles algo más de contraste y claridad, y subiré un poco las altas luces para que destaquen más. Además les subiré la saturación para recuperar el color perdido en el paso anterior. Por último les daremos un poquito de enfoque, para ganar nitidez.

Borra Algunas Venitas de los Globos Oculares

Para finalizar, a veces hay alguna venita demasiado marcada que puede llegar a arruinar la mirada de nuestro modelo. No es conveniente eliminarlas todas, porque sino quedarán unos ojos demasiado irreales, pero sí será recomendable eliminar o suavizar las venas demasiado marcadas. Unos ojos con venas muy marcadas pueden transmitir cansancio, tristeza o incluso ira, y puede que eso no sea lo que quieras que transmita tu retrato.

Para borrar las venitas usaremos la herramienta Eliminación de manchas , que también se encuentra en la barra de herramientas que hay debajo del histograma. Configuraremos un pincel fijo, para abarcar tan solo las venitas, y pintaremos sobre ellas. Automáticamente Lightroom copiará sobre esta selección una zona que él considere correcta, para tomarla como muestra para la corrección.

No siempre acierta, así que si crees que otra zona puede ser mejor que la que ha elegido Lightroom, pincha sobre el círculo de la muestra y arrástrala a donde quieras. En este caso, Lightroom había marcado la muestra en el cabello, así que la he arrastrado a una zona del ojo donde no había venitas.

¡Y listo! Si miramos la fotografía a un tamaño normal, comparada con la foto sin retocar vemos que la mirada llama mucho más la atención ahora, ¿verdad? Es un cambio sutil, no queremos que nuestra modelo parezca una vampiresa. En fotografías de tipo fantasía puedes exagerar este efecto un poco más, pero para retratos normales mejor no pasarse o nos quedará un retrato demasiado artificial.

Cómo Potenciar la Mirada con Photoshop

Ahora que ya hemos visto cómo conseguir potenciar la mirada en Lightroom vamos a verlo también en otro de los programas más conocidos y utilizados en todo el mundo: Photoshop. Puede que Photoshop te parezca un programa abrumador, dada la cantidad de menús y herramientas que tiene, pero ya verás como este proceso va a ser igual de sencillo que el anterior.

Usa Capas de Ajuste o el Filtro de Camera Raw

En Photoshop podemos seguir un proceso similar al que hemos seguido en Lightroom.

Primero duplicaremos la capa con el atajo de teclado Control (o Comando en Mac) + J, y seleccionaremos los ojos enteros con alguna herramienta de selección básica, como la Selección Rápida o la Herramienta Lazo .

Llegados a este punto, podemos seguir dos caminos:

• Puedes agregar una o varias capas de ajuste desde el botón rápido que encontrarás debajo de la ventana de capas. Al igual que antes, vamos a aclarar el ojo y a blanquear un poco el globo ocular, así que sería interesante agregar una capa de ajuste de Niveles o Curvas, y otra de Intensidad. Te habrás dado cuenta de que al agregar una capa de ajuste con la selección activa, ésta desaparece y se convierte en una máscara de esa capa de ajuste. Pero no es necesario que vuelvas a seleccionar el ojo de nuevo para agregar otra capa de ajuste nueva, simplemente haz Control (o Comando en Mac) + Click izquierdo sobre la máscara de capa para convertirla de nuevo en selección.
• Otra opción es que conviertas la selección del ojo en una máscara de capa desde el botón rápido que encontrarás debajo de la ventana de capas. Ahora vuelve a seleccionar la capa (tendrás la máscara de la capa seleccionada, no la propia capa) y ve al menú Filtro/Filtro de Camera Raw. Se abrirá una interfaz que, si te fijas, es muy parecida a la de Lightroom. Aquí podemos aplicar rápidamente varios ajustes a la capa, como hemos hecho antes con Lightroom. Aunque veas que toda la fotografía se altera en esta interfaz, recuerda que la capa tiene una máscara que solo deja visibles los ojos, así que no te preocupes; al aceptar el filtro estos cambios tan solo se aplicarán a los ojos.

Tanto si has seguido un camino como el otro, vas a tener que acoplar todas las capas en una misma capa para continuar con el retoque. Sin embargo, no queremos acoplar la imagen y perder las capas, por si acaso luego necesitamos modificar algo. Así que vamos a acoplar las capas en una capa nueva utilizando el atajo de teclado Control (o Comando en Mac) + Shift + Alt + E.

Ahora, en esta nueva capa, vamos a seleccionar tan solo los iris, de la misma manera que hemos hecho antes, con la Selección rápida o la herramienta Lazo. Y, al igual que antes, podremos agregar los ajustes que necesitamos con capas de ajuste o convertir la selección en máscara de capa y usar el Filtro de camera raw, ¡tú decides! Recuerda que si usas el Filtro de camera raw no debes preocuparte aunque veas que toda la fotografía se altera con los ajustes, luego la máscara de capa hará que tan solo afecten a los iris.

Los ajustes que vamos a agregar van a ser:

• Subir la saturación y la claridad para darle una mayor presencia a los iris.
• Subir un poco la exposición y las luces para aclararlos un poco.
• Cambiar el balance de blancos, en este caso, para potenciar el color verde de los ojos de la modelo.
• Aumentar un poco el enfoque para ganar nitidez. Si los ajustes han generado algo de ruido, puedes jugar con los deslizadores de reducción de ruido y de enfoque para conseguir ganar nitidez pero compensar el ruido generado.

Usa el Modo de Fusión Sobreexponer Color

Para acentuar los iris, otro método que podemos seguir es el siguiente.

Después de seleccionar los iris pulsa el atajo de teclado Control (o Comando) + J para duplicar la capa. Pero como están los iris seleccionados, solo duplicaremos los iris en una capa nueva. Ahora pon esta capa con los iris en modo de fusión Sobreexponer color. Con esto lo que vamos a conseguir es que los colores del iris se aclaren y acentúen muchísimo, demasiado, en realidad.

Por eso el siguiente paso va a ser bajarle mucho la opacidad a la capa, hasta encontrar un equilibrio entre potencia y realismo.

Después vamos a darle un poco más de saturación a los colores, ya que antes en el retoque de los ojos enteros hemos perdido algo de saturación. Haz Control (o Comando en Mac) + Click sobre la capa de los iris para volverlos a seleccionar y agrega una capa de ajuste de Intensidad.

Borra Algunas Venitas de los Globos Oculares

Al igual que antes, también vamos a borrar algunas venitas que pueden afear la mirada. En este caso, borraremos una vena que hay muy marcada en el ojo izquierdo. Pero lo primero va a ser unir de nuevo todas las capas en una sola, para trabajar mejor. Recuerda el atajo de teclado: Control (o Comando en Mac) + Shift + Alt + E.

Puedes borrar fácilmente las venitas de los ojos usando el Pincel corrector o la Herramienta parche :

• Con el Pincel corrector, pulsa Alt + click sobre una zona del ojo limpia de venitas y pinta sobre la zona con venitas, para que Photoshop las corrija usando como muestra la zona limpia que le has marcado.
• Con la Herramienta parche, selecciona a mano alzada la zona con venitas, pulsa dentro de esta selección y arrástrala hacia una zona limpia. Photoshop las corregirá tomando como muestra esa zona limpia.

Y esta era la última parte del retoque. Pero a veces nos pasa que estamos retocando con mucho zoom, y al alejarlo y ver la fotografía entera nos damos cuenta de que quizás el retoque es demasiado exagerado y se nota en exceso.

Si es el caso, bájale la opacidad a la capa lo que creas necesario, para que la foto quede más natural. Si la última capa que tienes es una capa de ajuste o no tiene la opacidad al 100%, recuerda que puedes fusionar todas las capas en una capa nueva con el atajo de teclado Control (o Comando en Mac) + Shift + Alt + E.

¡Y listo! Ya tenemos nuestra mirada potenciada en Photoshop. Ha ganado mucha fuerza, ¿verdad? Ahora te toca a ti intentarlo con tus propias fotos. ¿Nos enseñas alguna? ¡Déjanos un comentario!

En nuestro artículo Guía Definitiva para Elegir el Trípode que Necesitas te hemos hablado de qué es el trípode, qué partes lo componen, los tipos que hay y los materiales de fabricación con los que pueden estar hechos, y para qué tipo de fotografías se utilizan. En +30 Trípodes Fotográficos Recomendados te ofrecemos una lista de trípodes recomendados según tu nivel y el tipo de fotografía que vayas a practicar. ¿Nos queda algo más por saber de este accesorio? ¡Por supuesto que sí!

En este artículo vamos a ir un paso más allá y nos pondremos a trabajar con él. Porque solo de esa forma podremos ofrecerte los mejores consejos a la hora de utilizarlo. Y es que fotografiar con la cámara montada sobre el trípode puede parecer una tarea sencilla... total, tan solo hay que enroscar la zapata a la cámara, colocar ésta sobre las patas y empezar a disparar ¿no?

Pues lo cierto es que existen algunos trucos que nos ayudarán a hacerlo de forma más efectiva, y lo más importante, con mejores resultados. Porque si pretendemos lograr una buena estabilidad, conseguir la máxima nitidez, poder realizar fotografías de larga exposición sin trepidaciones y al mismo tiempo evitar que nuestro equipo corra peligro, hay que hacerlo empleando el trípode con criterio. ¿Te quedas conmigo para aprender a sacarle el máximo partido?

1. Define Tu Composición

Empecemos por el principio. El primero de los consejos es que definas la composición de tu fotografía antes de sacarlo y montarlo. Puede parecer una tontería, pero nos vamos a ahorrar trabajo.

Tienes la cámara en tus manos y puedes buscar el encuadre definitivo que te convenza. Porque trabajar con el trípode es más tedioso que hacerlo sin él, admitámoslo. Con la cámara en mano tenemos mayor libertad de movimiento y trabajamos mucho más rápido. Si ya de primera colocas la cámara sobre el trípode sin saber cuál va a ser la foto que vas a hacer, seguramente te toque subir o bajar patas para ajustarlo a la altura final, poniendo en riesgo la cámara si ya la has colocado sobre él. Así que primero visualiza, establece cuál será el encuadre aproximado de la toma y así los ajustes que tendrás que hacer cuando coloques la cámara sobre él serán mínimos.

2. El Orden de Montaje Importa

Una vez definido el encuadre llega el momento de montar el trípode, y para hacerlo hay un orden recomendado. Lo primero que haremos será desplegar las patas. En algunos simplemente tendrás que abrirlas, y en otros te tocará voltearlas y a continuación bajar la columna central, ya que están plegados de manera más compacta. De este modo tendremos el trípode montado con su altura mínima, que es como obtendremos mayor estabilidad.

Si en tu caso necesitas ganar altura, a la hora de alcanzarla lo haremos de la siguiente manera. Independientemente de las secciones que tenga el trípode, siempre empezaremos sacando primero las más anchas, que son las que están más próximas a la rótula. Así pues primero sacaremos las más gruesas, y si nos falta todavía altura iremos sacando progresivamente las que le siguen, una a una.

Fragmento Fototip Consejos para Usar Tu Trípode

¿Por qué no lo hacemos al revés? Pues porque si te fijas en el tamaño de las patas, las de arriba son más gruesas que las de abajo, lo cual las hace más estables. Ten presente también que cuanta más altura queramos alcanzar, iremos perdiendo algo de estabilidad.

3. Evita Elevar la Columna Central

Es por eso que otra de las recomendaciones es que la columna central no la extiendas si no es estrictamente necesario. Si por ejemplo queremos conseguir una altura como la que te muestro a continuación, lo haremos como en la foto de la izquierda y no como en la de la derecha. Date cuenta como en el primer ejemplo tenemos una estabilidad bastante mayor que en el segundo.

Si la columna de tu trípode es extensible, al igual que con las patas, sacaremos primero la sección más gruesa.

4. Coloca Peso Extra en el Gancho

Sí por lo que sea necesitamos subir el trípode a su altura máxima, podemos utilizar algunos truquitos para seguir garantizando el máximo de estabilidad. El más sencillo es que aproveches el gancho que suele ir al final de la columna central en la mayoría de trípodes, y dejes colgado en él tu mochila o algo que añada peso extra para que sea más difícil moverlo. Aunque procura que aquello que dejes colgando no se balancee o ese movimiento acabará siendo contraproducente.

¿Tu trípode no dispone de ese gancho o te resulta incómodo su sistema? Pues siempre hay alternativas, como el caso de este accesorio que colgaremos con cintas de velcro a las diferentes patas, y sobre el cuál podremos dejar nuestra mochila y otras cosas de manera más cómoda y sin que se muevan. Este también nos vendrá muy bien para situaciones en las que aunque nuestro trípode sea robusto, haga mucho viento y corramos el riesgo de que tumbe nuestro equipo al suelo; una situación en la que quizá otra cosa que te interese es mantener alrededor de tu cuello la correa de la cámara como extra de seguridad, teniendo en cuenta que no deberás moverte ni tirar de ella para no afectar al resultado de la toma.

5. Mantén la Columna Central Completamente Vertical

Te he hablado de que no subas la barra central de tu trípode si no es estrictamente necesario, pero hay otra cosa que debes tener en cuenta sobre esta, y es que cuando la montes, procures que la columna se quede totalmente en vertical. Piensa que la fórmula que rige la estabilidad de un trípode es la ley de la gravedad, por lo que cuanto más vertical se encuentre esta barra, más centrado estará el vector de fuerza que apunta al suelo y más estable estará el trípode.

Piensa en una torre de bloques de madera. Si las piezas se van desplazando, a medida que ponemos más, la torre se hará más inestable y acabará cayendo. Sin embargo, si colocamos cada pieza justo encima de la anterior la construcción no sufrirá falta de estabilidad aunque aumente su altura.

Una manera de corroborar que nuestra columna está en vertical es observando el nivel de burbuja que muchos trípodes llevan incorporado sobre las propias patas del trípode. Ojo, no el nivel de burbuja de la rótula, que también es muy útil, pero que no nos sirve para asegurar una buena colocación de las patas sobre el terreno. Sino fíjate en el siguiente ejemplo. Podemos tener la barra central super torcida, y sin embargo seguir teniendo el nivel de burbuja de la rótula bien ajustado. La cámara estará recta, pero estamos perdiendo mucha estabilidad. La manera adecuada sería asegurar que las patas están montadas bien niveladas, y todo lo demás será un extra.

Como no todos los trípodes tienen ese nivel de burbuja, simplemente fíjate en que la columna esté lo más recta posible.

6. Fija Bien los Anclajes Antes de Soltar

¿Y qué más cosas debemos tener en cuenta a la hora de montar el trípode? Pues una muy importante es asegurarse de que fijamos bien los anclajes antes de soltar la cámara. Esto ocurre sobre todo con el anclaje de la rótula. Si no la apretamos bien, puede que al soltar la cámara ceda hacia adelante y se pegue un golpe con el propio trípode, algo que debemos evitar a toda costa.

También asegúrate de fijar bien los mecanismos de sujeción de las patas, ya sean de pestaña o de rosca, ya que sino al soltar el trípode se plegará y podrá caer hacia el suelo.

Y no menos importante es fijar bien la zapata. Primero en la propia cámara y después cuando la unimos con las patas, ya que si no está bien sujeta la cámara correrá un grave peligro.

7. Ten en Cuenta las Especificaciones de Tu Trípode

Por otro lado, siempre hay que tener muy presente las especificaciones de nuestro trípode. Tanto las patas como la rótula cuentan con sus propias especificaciones que nos indicarán el peso máximo que soportan, que es importante que respetes para que tus fotos no salgan movidas, pero sobre todo para no llevarte ningún susto.

Recuerda que cuando hablamos del peso de tu equipo debes contar todo aquel con el que vayas a trabajar. Normalmente será tanto el de la cámara como el del objetivo, pero si en alguna ocasión también utilizas otros accesorios como el flash, deberás sumar ese peso.

8. Sitúa una de las Patas Apuntando Hacia Adelante

A la hora de trabajar deberás aprender a colocar de forma adecuada tu trípode, y con esto me refiero a que siempre coloques una de las patas apuntando hacia adelante.

Primero porque esto te permitirá trabajar de manera más cómoda, al poder acercarte físicamente a la cámara sin que otra de las patas te estorbe y acabes moviendo el trípode o tropezándote con él. Y segundo, porque de esta forma evitarás que la cámara ceda hacia adelante si chocas con el trípode, o si este soporta mayor peso en la parte de delante, como cuando trabajamos por ejemplo con teleobjetivos.

9. Utiliza Soportes de Apoyo

Sobre teleobjetivos también deberás tener en cuenta la siguiente recomendación. Si el teleobjetivo con el que trabajas pesa poco y no tiene una distancia focal demasiado larga, normalmente no habrá ningún problema. Pero a medida que trabajemos con teleobjetivos más pesados y largos, el centro de gravedad se desplazará y la estabilidad del trípode se resentirá. En estos casos es recomendable que utilicemos un accesorio conocido como collar o anillo de sujeción, hecho específicamente para cada lente y que nos ayuda a sostener el equipo no por la cámara, sino por la lente, para así equilibrar el centro de gravedad del equipo.

Y otro accesorio destacable es el soporte en forma de L. Se trata de un soporte que acoplaremos a nuestra cámara con el que podremos cambiarla de posición de horizontal a vertical de forma ágil, y que nos ayudará a ganar un extra de estabilidad, ya que no tendremos que recurrir a forzar la rótula para mantener la posición vertical.

10. Utiliza los Pies de Trípode Adecuados para el Terreno

Respecto a los pies del trípode, normalmente estos son de goma y se adaptan bien a muchos tipos de terreno. Pero por ejemplo si vas a trabajar sobre terrenos blandos como el césped, es más interesante que si cuentas con pies de clavo trabajes con ellos, ya que se agarrarán mucho mejor al terreno brindándote un punto de apoyo más seguro.

11. Aprende a Lograr Ángulos Bajos con Tu Trípode

Si nuestro deseo es realizar planos a ras de suelo con el trípode, es importante que conozcas las posibilidades que tienes para hacerlo. Lo primero en lo que pensamos es en no subir las patas obviamente, pero puede que la altura mínima del trípode todavía sea demasiada. Lo segundo que haremos será abrir más las patas, y en la mayoría de casos nos encontraremos con otro obstáculo, la columna central chocará en el suelo y nos impedirá bajar más el ángulo.

En este caso, puedes utilizar el adaptador de ángulo bajo que llevan muchos de ellos, que precisamente nos permitirán abrir las patas sin que la columna choque tan pronto. Hay otros trípodes que cuentan con una columna reversible con la que invertiremos la cámara y podremos acercarla mucho más al suelo. Y por último, tenemos los trípodes con columna multiángulo que nos permitirán trabajar de manera más cómoda.

12. Cuida el Mantenimiento de Tu Trípode

Por otro lado, también es importante que cuidemos el mantenimiento de nuestro trípode para alargar al máximo su vida útil. Con esto me refiero a que lo tratemos con ciertos cuidados, como por ejemplo:

• Que evitemos forzar los anclajes
• Que no lo guardemos sucio o sin limpiar después de haberlo utilizado en zonas de agua salada o con barro
• Que no lo guardemos adecuadamente en una bolsa de transporte acolchada que amortigüe los golpes
• Que no vigilemos el estado de las gomas

Todo esto son detalles que sin duda pueden acortar mucho la vida útil de nuestro trípode.

13. No Te Olvides de Llevar un Disparador Remoto

Cuando hablamos del trípode resulta muy difícil no mencionar a su compañero de batalla, el disparador remoto. Porque al disparar nuestras fotos, aunque sea con la cámara sobre el trípode, aún podemos mover la cámara al pulsar el botón de disparo. Juntos, trípode y disparador, conforman un combo ideal para evitar las vibraciones y las fotos trepidadas, así que plantéate adquirir uno del tipo que mejor se adapte a ti, para poder trabajar con la máxima estabilidad posible y así obtener resultados más nítidos.

Como alternativa, siempre puedes recurrir a utilizar el temporizador de tu cámara.

14. Desactiva el Estabilizador de la Lente y de la Cámara

¿Y qué más podemos tener en cuenta en el momento de disparar nuestras fotografías? Pues por ejemplo, que es recomendable que desactives el estabilizador de tu cámara y de tu lente. Este funciona muy bien cuando disparamos a pulso, pero cuando la cámara está sobre el trípode, el estabilizador seguirá tratando de eliminar posibles movimientos involuntarios, algo que no es necesario en este caso y que puede llegar a ser contraproducente.

15. Si Usas Cámara Réflex, Bloquea el Espejo

Y en el caso de que utilices una cámara réflex, también es aconsejable que actives la opción de levantar el espejo (en algunos modelos la encontrarás como activar bloqueo del espejo), ya que ese movimiento por leve que sea podría llegar a afectar a la toma en caso de exposiciones muy largas.

16. Fíjate en que No Se Cuele en el Encuadre una Pata o la Sombra del Trípode

Como consejo extra a la hora de hacer nuestras fotografías con un trípode, puede parecer una obviedad, pero fíjate en que no salgan las patas del trípode en tu composición. Por que sí, esto te puede ocurrir si empleas lentes muy angulares u ojos de pez. Y también fíjate en que no aparezca la sombra de este en el encuadre, ya que puede estropear una bonita fotografía.

¡Aprovecha al Máximo Este Accesorio!

Y así es como se trabaja adecuadamente con este accesorio. Ahora, la próxima vez que salgas a realizar fotografías con él, puedes poner en práctica todos estos consejos para trabajar de manera más eficiente y conseguir unos resultados más nítidos.

¿Añadirías algún punto más a la lista? ¡Déjanos tu comentario!

Cuando visitamos una ciudad, normalmente, el centro histórico y neurológico suele ser donde se encuentra la Iglesia o la Catedral. Según la tendencia arquitectónica del momento en el que se construyeron y de la tradición religiosa de la zona, encontraremos edificios más o menos fastuosos.

Lo que está claro es que este tipo de edificios religiosos suelen ser uno de los elementos que fotografiamos cuando visitamos un lugar. Podemos realizar tomas tanto en el exterior como en el interior, aunque lo importante será evitar fotografiar la típica toma de postal e intentar buscar ángulos y encuadres interesantes.

En este artículo hemos recopilado una serie de fotografías de estas maravillas arquitectónicas para darte ideas e inspirarte y poder conseguir fotografías espectaculares ¿Con cuál te quedas tú? ¿Cuál es tu favorita? ¿Por qué? Cuéntanoslo en los comentarios.

#1. Magic Light

iPhone 7 Plus · 6.6mm · ƒ/2.8 · 1/60s · ISO 640

Cuesta creer que esta fotografía tan bella puede haber sido tomado con un smartphone, pero así es. Habrá ocasiones en la que no llevarás la cámara encima y el móvil podrá captar ese momento bello que tus ojos ven, como la luz que entra por las vidrieras y se proyecta sobre el interior de esta catedral.

#2. St. Andrew's Cathedral, Singapore

DJI FC2103 · 4.5mm · ƒ/2.8 · 1/640s · ISO 100

¿Recuerdas cuando estudiabas la construcción de las catedrales en la escuela? La planta de esta es claramente de cruz latina ¿a que sí? Lo sabemos gracias a esta vista cenital del edificio. Ha sido tomada con un dron y sin duda es una imagen original y fuera de lo habitual.

#3. Adelaide Ovalà, Australia

Sony ILCE-7S · 35.0mm · f/2.0 · 1/1000s · ISO 1000

Una metafoto (una fotografía dentro de otra fotografía) siempre es una fórmula que suele funcionar a la perfección. Ya sea con la pantalla de un móvil o con la de la propia cámara de fotos. Trata de hacer este tipo de capturas en días nublados o colocando la pantalla en una zona de sombra para que el reflejo del sol en la pantalla no estropee la foto.

#4. Florence, Italy

Canon EOS 550D · 100.0mm · ƒ/7.1 · 1/400s · ISO 100

Al pensar en fotografiar catedrales y abarcar todo su esplendor quizá pensemos en llevar a cuestas nuestra lente gran angular. Sin embargo, un teleobjetivo es una lente que no debes descartar. Fíjate en cómo esta toma integra la Catedral de Florencia dentro de la propia ciudad. De hecho, al comprimir la perspectiva, incluso podemos ver un bello paisaje de fondo.

#5. Faith

NIKON D610 · 16.0mm · ƒ/11.0 · 2.5s · ISO 100

El interior de las Iglesias y Catedrales suele ser también muy bello, repleto de líneas, colores y detalles. Lo único malo es que normalmente no habrá demasiada luz y no siempre podrás montar un trípode dentro... En esos casos, prueba a hacer una foto a ras de suelo con una velocidad lenta. Así obtendrás más luz y más estabilidad.

#6. Tibidabo, Barcelona

NIKON D3200 · 18.0mm · ƒ/5.0 · 1/125s · ISO 100

Esta Iglesia es tan impresionante que podríamos fotografiarla a cualquier hora del día para obtener una fotografía estupenda. Pero si a una foto buena le añades un plus, como puede ser este atardecer y sus bonitos colores, triunfarás. Fíjate en que la luz anaranjada que baña las formas del edificio son irresistibles.

#7. St. Peter's Basilica, Vatican City

Fujiflim X-T1 · 11.5mm · f/8.0 · 1/250s · ISO 400

Un recurso que nunca falla es el de los reflejos y esta es la prueba. En una plaza tan abarrotada como la de la Basílica de San Pedro es difícil hacer una foto sin que aparezcan multitud de personas en el encuadre. Sin embargo, este fotógrafo ha decidido darle prioridad al reflejo y al ennegrecido cielo y su toma ha ganado mucho encanto.

#8. Siena Church Ceiling

Fujifilm X-T1 · 11.0mm · f/2.8 · 1/100s · ISO 500

Cuando entres dentro de una Iglesia o de una Catedral que no se te olvide nunca mirar hacia arriba. La linterna, la cúpula, los frescos, los arcos, las ventanas, las vidrieras... Todo son obras de arte que están ahí y que puedes fotografiar si eliges un ángulo nadir o si te atreves a sentarte o tumbarte un momento en el suelo.

#9. Oakland, United States

Fujifilm X-T20 · 16.0mm · f/2.0 · 15s · ISO 1600

Si eres fan de la fotografía nocturna y te gusta captar imágenes de la vía láctea, puedes aprovechar la posición en la que vaya a parecer para incluirla dentro de encuadres interesantes como el de esta Iglesia. Con aplicaciones como Photopills podrás saber a qué hora y dónde se podrá ver, incluso en tiempo real con la opción de realidad aumentada.

#10. Como Cathedral

Canon EOS 5D Mark III · 24.0mm · ƒ/4.0 · 1/80s · ISO 2500

El interior de esta Catedral es realmente oscuro, a excepción de los rayos de luz que atraviesan el rosetón principal. Para poder exponer bien esta captura y evitar trepidaciones, el autor/a tuvo que subir la ISO hasta 2500. En estos casos también suele ser recomendable realizar un bracketing de exposición para conseguir la luz correcta en la toma.

#11. Reykjavík, Iceland

Fujifilm X-T2 · 23.0mm · f/8.0 · 1/250s · ISO 1600

¿Qué transmite esta foto? ¿Pureza, sencillez, humildad, paz? El minismalismo y el espacio negativo es el protagonista de esta imagen que trata de plasmar algunos de los valores de la religión cristiana. Los tonos rosados en contraste con el azul del cielo los consigue al realizar la foto durante el atardecer.

Canon EOS 1100D · 50.0mm · ƒ/2.5 · 1/2000s · ISO 100

¿Eres de los/las que les gusta enmarcar sus fotos? No hace que dejes esa tarea para la edición, porque existen decenas de marcos naturales en el mobiliario urbano que puedes usar en tu beneficio. Aquí, además de haber usado un marco irregular y desenfocado, se ha escogido el blanco y negro para crear contraste entre luces y sombras.

#13. Santa María Del Mar, Barcelona

Sony ILCE-6000 · 19.0mm · ƒ/3.5 · 1/20s · ISO 800

En multitud de series y películas las iglesias aparecen como escenarios místicos, abandonados y tétricos. Si sabes como jugar con la iluminación y con el procesado de las imágenes puedes llegar a lograr ese aspecto lúgubre y sombrío, como de el una película de terror.

#14. St. Paul's Cathedral, London

Canon EOS M5 · 10.0mm · f/7.1 · 1/80s · ISO 100

Cuantas veces te hemos insistido en el poder que tienen las líneas ¿verdad? Pero es que en una composición juegan un papel muy importante y si sabemos cómo colocarlas seremos capaces de dirigir la mirada del espectador hacia donde nos interesa. En este caso todas las líneas nos conducen hasta la Catedral, que además se refleja en los dos edificios colindantes.

#15. Dresden, Germany

Sony ILCE-7M2 · 28.0mm · f/10.0 · 1/100s · ISO 2000

Uno de los detalles más bonitos que puedes fotografiar en el interior de una Iglesia o de una Catedral será el órgano. Normalmente, estos grandísimos instrumentos musicales son muy antiguos y están considerados también como obras de arte en sí mismas.

Canon EOS 7D · 24.0mm · ƒ/4.0 · 1/30s · ISO 1600

No olvides visitar estos edificios religiosos también por la noche. Si se encuentran en una gran ciudad, normalmente tendrás una iluminación bella y fotogénica que podrás aprovechar. Si además puedes incluir un cielo estrellado o integrarlo dentro de una estampa callejera tu imagen también ganará fuerza.

#17. Reims, France

Canon EOS 700D · 10.0mm · ƒ/3.5 · 1/250s · ISO 800

El poder del contraluz es muy fuerte en imágenes donde buscamos captar misticismo y espiritualidad. Esos rayos de luz entrando por las puertas de la Iglesia además de dar ese toque emocional, generan unas sombras alargadas en las sillas iluminadas que añaden mayor dramatismo.

#18. Valencia, Spain

Sony ILCE-7M2 · 24.0mm · ƒ/7.1 · 1/250s · ISO 100

No nos olvidamos tampoco de las impresionantes fachadas de las Catedrales. Suelen estar repletas de detalles, figuras, columnas que se alzan hacia arriba como si quisieran acercar a los hombres hacia el cielo. Quizá este ángulo contrapicado exprese mucho más de lo que habíamos pensado al verla la primera vez ¿no crees?

#19. St. Stephen’s Basilica in Budapest

Motorola G 4 · 4.7mm · f/2.0 · 1/108s · ISO 64

Como te comentábamos antes, una fotografía de un elemento arquitectónico puede ganar mucho poder de atracción si conseguimos enmarcarlo dentro de otros elementos. En este caso, la Basílica tiene como marco un mercadillo navideño cuyo arco de luces envuelve la toma.

#20. Rosone

Panasonic DMC-FZ72 · 64.9mm · f/5.6 · 1/800s · ISO 100

El rosetón suele ser uno de los adornos más llamativos de este tipo de edificaciones religiosas. Se trata de ventanas circulares caladas dotadas de hermosas vidrieras, responsables de la entrada de luz (y de color) al interior del edificio. Si usas un teleobjetivo podrás acercarte lo suficiente como para captar los detalles de los dibujos.

#21. Mittelberg, Austria

Fujifilm X100T · 23.0mm · ƒ/2.8 · 1/1300s · ISO 200

Uno de los aspectos que más puedes explotar a la hora de conseguir fotografías espectaculares es el contraste. Esta estampa helada es atractiva porque los tonos oscuros de la Iglesia y de las casas de alrededor contrastan perfectamente con la nieve y la niebla.

#22. Como, Italy

Canon EOS 70D · 35.0mm · ƒ/4.5 · 1/800s · ISO 800

Tampoco dejes escapar los pequeños detalles. Es inevitable dejarse seducir por la magnificencia de un edificio colosal, por sus líneas y por sus formas, pero también habrá pequeños y sustanciosos elementos a los que podremos prestarles atención para que se conviertan en los protagonistas de nuestra toma.

#23. Millennium Bridge, London

Canon EOS 600D · 85.0mm · ƒ/8.0 · 1/125s · ISO 200

¿Quieres una foto que sea original de verdad? Por que esta sin duda no te ha dejado indiferente verdad. Fotografiar la vida a través de los charcos es todo un arte, y también un riesgo, porque no siempre es una fórmula que funciona como esperamos ¿Te atreves a probarla?

#24. Santa Maria Novella, Firenze

Sony ILCE-6500 · 16.0mm · f/4.0 · 1/30s · ISO 250

¿No es muy habitual hacer turismo por la noche verdad? Quizá deberías empezar a aficionarte a hacer tus fotos de madrugada o justo antes del atardecer ¿qué por qué? Pues porque además de que la luz será muy bella, las calles estarán desiertas y podrás hacer tus fotos sin que esté lleno de gente ¡Créeme es un buen truco!

#25. Church Bench with Sunbeam

Nikon D610 · 24.0mm · ƒ/8.0 · 3/10s · ISO 100

Por último, os dejamos esta magnífica foto. Da igual si eres o no creyente, al ver esta imagen dudo que no se te pongan los pelos de punta. ¿Acaso esos rayos de luz alumbran el lugar donde antes hubo personas arrodilladas rezando? Abre bien los ojos ante situaciones como estas, porque la magia está al alcance de tu cámara...

Las mejores fotos son aquellas que cuentan historias ¿verdad? Una captura puede no ser perfecta en cuando a nitidez o a iluminación, pero si transmite y conecta con el espectador suele ser suficiente para que funcione.

Retratar a personas mayores puede ser una experiencia muy satisfactoria, porque la mirada y el rostro de una persona mayor puede contarnos una buena historia. Una historia llena de historias, de buenas y malas experiencias, pero sobre todo de ternura.

Si decides hacer este tipo de retratos, te interesa conocer una serie de consejos sobre iluminación, posado y problemas habituales antes de ponerte a hacerlos. Estás de suerte, porque hemos recopilado todas las recomendaciones y trucos que necesitas saber para conseguir los mejores retratos de personas mayores.

Fotografiar la Vejez

Antes de embarcarnos en el retrato a personas mayores, debemos ser conscientes de que 'persona mayor' es un concepto que puede abarcar un amplio rango de edad que variará mucho. Es decir, no es lo mismo fotografiar a una persona de 65 años que a otra de 80 años o a otra de casi 100.

Las facultades tanto mentales como físicas y de movilidad serán muy diferentes dependiendo de los años que tenga la persona, aunque también jugará un papel importante la salud y los problemas que pueda acarrear a sus espaldas.

Lo esencial, al margen de la edad del retratado, será saber dónde estarán sus límites: hasta cuándo podremos alargar una sesión, cuánto podrá andar, si será capaz de salir de su casa, etc. Y para ello lo mejor será hacer una buena preparación de la sesión y tener en cuenta dos aspectos importantes: la iluminación de la que dispondremos y el equipo que usaremos.

Preparación de la Sesión de Fotos

Para realizar esta sesión elegí una modelo muy especial, mi abuela Marisol. Es una mujer de 80 años, recién cumplidos. Cuando era joven era tan bella que todos decían que parecía una estrella de cine (y aún lo sigue siendo).

Lo cierto es que adoraba hacerse fotos y siempre se le ha dado muy bien posar, así que pensé que sería fácil convencerla. Pero aun así, tuve que seguir unos pasos esenciales para preparar la sesión de forma correcta y que todo estuviera previsto.

#1. Crear un Ambiente de Cordialidad

Siempre será mucho más sencillo hacer una sesión de este tipo con un familiar cercano. Incluso aunque el grado de confianza no sea demasiado alto, será más fácil que se construya rápidamente una relación de cordialidad entre ambos.

Para conseguirlo, independientemente del grado de confianza que haya, es recomendable que haya un encuentro previo a la sesión. A las personas mayores les gusta crear un vínculo de confianza y eso se construye hablando y contando vivencias personales.

#2. Aclarar el Objetivo de la Sesión

En esa reunión previa también es conveniente que, una vez acceda a hacerse las fotos, aclaréis cuál será el objetivo de la sesión. Ten en cuenta que las personas mayores no han crecido con cámaras de fotos a su alcance ni con las redes sociales, por lo que no han practicado demasiado las poses.

Las cámaras suelen causarles algo de respeto y la naturalidad será algo que les costará tener frente a una lente que les intimida (de ahí que la confianza y la seguridad sea importante). Por lo tanto, si insisten en que quieren salir rejuvenecidos y agraciados tendrás que atender a sus deseos y dejar la crudeza para los retratos callejeros.

#3. Duración y Localización

Por último, habrá otros temas relevantes que deberíais tratar en vuestra reunión. Por un lado, la duración de la sesión, que ya sea en un interior o en un exterior no debería ser demasiado extensa. Para una persona de avanzada edad, el hecho de tener que moverse (por poco que sea), de estar mucho rato en la misma postura o de seguir órdenes lo agotará tanto física como mentalmente.

Así que lo más recomendable será ser realistas y planificar una sesión corta en una localización adaptada a sus limitaciones. Si no puede salir de casa, la haremos en interior. Mientras que si puede salir, elegiremos un parque o una localización cercana a su domicilio para que pueda desplazarse fácilmente y no tardemos demasiado en volver cuando esté agotado/a.

#4. La Importancia de la Iluminación

Un aspecto esencial al que debemos darle prioridad a la hora de hacer nuestros retratos a personas mayores es la iluminación. Cómo la utilicemos dependerá del objetivo de la sesión que te comentábamos antes.

A no ser que te vayas a dedicar a hacer retratos callejeros, será difícil encontrar personas mayores que te pidan que remarques sus arrugas o que lo hagas parecer más mayores. Es más habitual que te pidan retratos donde se suavicen los efectos de la edad y salgan lo más favorecidos posible.

En ese caso nuestro objetivo será el de evitar que la luz genere sombras marcadas en el rostro de nuestro retratado. El contraste será el peor enemigo de las marcas y de los pliegues del rostro, por lo que trataremos de no acentuar los volúmenes ni las texturas para que las sombras sean lo más difusas posible.

Cuanto más grande sea la fuente de iluminación principal mejor, porque la transición entre las luces y las sombras será más suave. Si eliges un interior tendrás que acercarte todo lo posible a una ventana y si optas por un exterior, elige las primeras y últimas horas del día (justo antes de que se ponga o salga el Sol por el horizonte) cuando la luz es más homogénea y cálida.

#5. Equipo Fotográfico Básico

Para fotografiar personas utilizaremos un 35mm o un 50mm. Son objetivos que nos ofrecen un campo visual similar al de la visión humana y no deforman el rostro. Nos interesa también que sean lentes luminosas, con una apertura máxima amplia f/1.8 o f/1.4. Así lograremos un bonito desenfoque fondo y que nuestro sujeto destaque más.

Si no queremos agobiar demasiado a nuestros sujetos y que no se sientan incómodos rodeados de flashes, trípodes, softboxes y cables, trataremos de usar la menor cantidad de equipo fotográfico posible.

Nos harán falta difusores para suavizar la intensidad de la luz y, en algunos casos, dispersar su direccionalidad. También nos vendrá bien un reflector 5 en 1 que incluya la parte blanca, plateada y dorada para rellenar las sombras que se puedan generar en el rostro del retratado.

Si tu idea es la de utilizar luz artificial será mucho más recomendable que optes por luz continua y evites los flashes. Unos destellos muy intensos podrían molestar y deslumbrar a una persona mayor, llegando incluso a desorientarla y a causarle malestar. Un softbox, un paraguas o un panel led de luz continua serán opciones más adecuadas para este tipo de retratos.

Retratos en Interior

Ya te hemos dicho muchas veces que no hay nada mejor que la luz natural para los retratos, pero no siempre podrás permitirte ese lujo. En muchos casos, tendrás que fotografiar a personas mayores que no podrán salir de casa debido a su reducida movilidad.

Como no tendremos mucho espacio para desplegar un gran equipo y tampoco nos interesa estresar a la persona, tratemos de usar pocos accesorios. Por lo que desecha la idea de transportar un estudio de fotografía a casa de una persona mayor.

Una ventaja de estar en su espacio es que el retratado se sentirá cómodo en su territorio y la naturalidad fluirá, incluso podrás fotografiarlo llevando a cabo tareas de su vida cotidiana. Presta atención porque te vendrá bien conocer algunos consejos específicos de retrato en interior aplicados a personas mayores.

#1. Cerca de la Ventana

Puede que tengas suerte y la persona a la que vayas a retratar viva en una casa antigua de techos altos o en una casa con jardín. Pero también será habitual que viva en un piso normal con unos ventanales más bien pequeños.

Como hemos decidido que montar un estudio o usar muchos accesorios no será lo más adecuado, optaremos por usar luz natural. Para poder aprovecharla al máximo, escogeremos la habitación más luminosa y abriremos paso a la luz subiendo las persianas o toldos y retirando las cortinas.

Ahora pídele al sujeto que se acerque a la ventana todo lo posible para poder sacarle partido a la luz. Pero trata de evitar las horas en las que el sol incide de forma directa en ella. Si el sujeto no es capaz de aguantar mucho tiempo de pie tendrás que colocar una silla o una butaca para que esté más cómodo/a y hacer las fotos desde su altura.

#2. Usa un Difusor/Reflector

Hay algunos accesorios sencillos que probablemente sí que necesitarás añadir al esquema de iluminación en interior para conseguir mejores resultados. Si la luz de la ventana es muy intensa podemos atenuarla y dispersar su direccionalidad utilizando un difusor.

Si no tienes este accesorio no te preocupes, puedes usar la propia cortina como difusor. Si es blanca no habrá problema, pero si es de un color concreto podrá ejercer un dominante de color sobre el rostro, que deberás corregir posteriormente.

Colocando al sujeto lateralmente con respecto a la ventana, obtendremos unas sombras marcadas en un lado del rostro. Podremos atenuar la transición entre las luces y las sombras con un reflector, ya que lograremos reflejar la luz que provenga de la ventana sobre esas sombras y suavizarlas al máximo. Si usas un reflector 5 en 1 podrás elegir entre el reflector blanco, el plateado o el dorado.

#3. Elige Luz Continua

Cuando necesitamos un extra de luz, solemos utilizar uno o varios flashes para hacer retratos en interior. Si el destello es muy intenso se pueden usar difusores o incluso rebotar la luz en el techo. Sin embargo, si podemos hacerlo, vamos a prescindir de los flashes cuando hagamos retratos a personas mayores.

El motivo ya te lo hemos dicho antes, no queremos dañar su vista ni hacerles sentir incómodos. No nos interesa que quieran acabar la sesión antes de tiempo ni que estén pasando un mal rato. Por eso, elegiremos una fuente de luz continua para iluminar mejor nuestros retratos en interior.

Puedes optar por un softbox, con un paraguas o bien por un panel led con intensidad y balance de blancos regulable. Cualquiera de esas opciones te resultará más efectiva que el uso de un flash. Colócalo preferiblemente de forma frontal o a 45º del sujeto. Si lo colocas de forma lateral tendrás que rellenar las sombras con el reflector, como hemos hecho antes.

Retrato en Exterior

Si tienes la oportunidad de salir al exterior a hacerle fotos a una persona mayor, elige esta opción. Si sabemos cómo jugar con ella, la luz natural nos proporcionará retratos realmente bellos.

No podrás dominar la luz tan fácilmente como en un estudio, pero podrás modificarla o redireccionarla para que se adapte a lo que necesitas. Así que toma nota de estos consejos útiles para fotografiar a personas mayores en exteriores.

#1. Elige las Horas Adecuadas

La premisa básica que ya sabemos es la de evitar a toda costa la luz del directa del Sol. Para ello, deberemos huir de las horas centrales del día porque la luz es muy intensa y blanca, lo que generará un contraste muy marcado que no nos interesará en absoluto para el tipo de retrato que buscamos.

Nos conviene mucho más el alba, el crepúsculo o un día nublado. ¿Por qué? Pues porque cuando el sol se encuentra por debajo del horizonte, la luz tiene muy baja intensidad y tiene muy poco contraste. Por otro lado, en los días nublados las propias nubes actúan como un difusor gigante del sol que suavizará la luz atenuando también el contraste de una luz intensa.

#2. Huye de las Sombras Marcadas

La luz puede ser frontal, lateral, cenital o trasera pero nos interesa especialmente la luz frontal porque es la que menos volumen genera. Mientras tanto, la luz lateral o cenital creará sombras poco favorecedoras que, como ves en el ejemplo, acentuarán las arrugas y defectos en el rostro de nuestro sujeto.

Si a la hora de hacer tus fotos en exterior te das cuenta de que estás obteniendo sombras demasiado marcadas, es buena idea que trates de buscar la sombra de un árbol o de un edificio o que uses un difusor para que la luz se suavice todo lo posible.

#3. Añade un Reflector o Luz Continua

Cuando necesites más luz para rellenar las sombras que están remarcando las arrugas de tu retratado opta por reflectores o por luz continua. De igual modo que antes, evitaremos el uso de flashes, que en exterior también resultarán más molestos para una persona mayor.

Con reflectores naturales o con el reflector 5 en 1 reflejarás la luz ambiente sobre las sombras que quieras atenuar y con un panel led, por ejemplo, también podrás corregir esas imperfecciones. En ambos casos puedes variar la intensidad y el color para lograr diferentes efectos.

Posado de Personas Mayores

Ahora que ya sabemos cómo dominar la luz tanto en un interior como en un exterior, vamos a fijarnos en las poses que podemos pedirle a nuestros sujetos para que salgan más favorecidos.

Nuestro retratado debe estar cómodo en todo momento. Por lo que no podrás abusar del tiempo que pueda estar de pie, ni tampoco es recomendable que le hagas andar demasiado dentro de la propia localización.

Además, las personas mayores no son modelos entrenados ni tienen experiencia, por lo que van a necesitar que los dirijas. Tendremos que aplicar consejos muy específicos y tratar de evitar algunos problemas habituales con los que seguramente nos encontraremos.

#1. Pose Sentado

Cuando el sujeto sea una persona muy mayor o su movilidad sea muy reducida, no tendremos más remedio que hacer nuestros retratos sentado. Podemos elegir un sillón, una silla o una butaca, donde se sienta cómodo/a. Es imprescindible que tenga un respaldo donde apoyar la espalda y poder estabilizarse.

Un buen truco para que la persona no se recline demasiado hacia atrás al sentarse es el de colocar uno o varios cojines en la espalda que lo mantengan erguido. Cuidado con no sentar al sujeto muy en el extremo del asiento para evitar que se caiga.

Otra recomendación para que el sujeto no se venza hacia delante es el de pedirle que coloque las palmas de las manos sobre las rodillas. Además de ayudarle a estabilizar su centro de gravedad, estará separando los brazos del cuerpo y se verán más delgados y estilizados.

Por último, evita fotografiar a la persona sentada de frente y desde arriba. Solo conseguiremos un efecto de empequeñecimiento del sujeto y una apariencia de los muslos y piernas poco favorecedora. Es mejor optar por un retrato de perfil o colocarnos en el marco de la cabeza y los hombros.

#2. Pose De pie

Si tenemos la suerte de fotografiar una persona mayor llena de vitalidad y movilidad, podemos pedirle que pose de pie para nosotros e incluso cambiar de localización en varias ocasiones. Recuerda que si es mucho más bajito/a que tú debes agacharte un poco para tomar las fotos a su altura y no empequeñecerlo todavía más.

Un truco para que nuestro sujeto aguante más rato de pie es el de dejar que se apoye sobre una pared, una farola o cualquier una superficie que le pueda dar algo de estabilidad. Podemos fotografiarlo de forma frontal o con el cuerpo de forma lateral y la cabeza frontal, para añadir algo de dinamismo a la pose.

Aunque si elegimos esa última postura, puede surgir un problema con el cuello del retratado. Ya sea por la papada o por el exceso de piel colgante en la zona, se pueden formar pliegues indeseados que no favorecerán al sujeto. En estos casos, podemos hacer varias cosas.

Primero, le pediremos que extienda la mandíbula hacia adelante para estirar un poco la piel del cuello, pero sin exagerar demasiado ni alargar el cuello hacia arriba. Si aun así no consigues eliminar esas arrugas, también puedes optar por pedirle que baje la barbilla y tomar la foto desde un ángulo más picado para ocultar el defecto.

#3. Problemas Habituales

Tanto si fotografiamos a personas mayores sentados como de pie habrá algunos problemas frecuentes que vamos a encontrarnos. Alguno, como el de los reflejos, puede que ya lo tengas controlado, pero otros puede que sea la primera vez que te enfrentes a ellos y no sepas cómo lidiar con ellos. Así que, toma nota:

• Reflejos en las Gafas. Lo más recomendable es que le pidas que se las quite. Pero si prefiere llevarlas porque forman parte de su personalidad o se siente más cómodo/a con ellas podemos pedirle que baje la barbilla levemente hacia abajo. Si aparecen sombras demasiado feas las compensaremos con el reflector.
• Calvicie. Con la falta de pelo nos pasa lo contrario que nos ocurría con el exceso de piel en el cuello. Si la cabeza resulta una superficie demasiado reflectante, podremos usar un difusor para atenuar los reflejos o buscar un ángulo contrapicado y pedirle que suba un poco la barbilla. Si hay confianza con el retratado, podemos incluso maquillar la zona con polvos compactos.
• Canas/Pelo Blanco. Un pelo canoso o completamente blanco será todo un reto a la hora de tomar fotos oníricas donde no haya contraste. Deberemos ir con mucho cuidado de no sobreexponer el cabello de los retratados, porque el pelo reflejará la luz del entorno y será más fácil que aparezca quemado.
• Manos Temblorosas. En cuanto al handiwork, vas a tener que adaptarte a la situación. Si la persona sufre de artrosis o de temblores continuos es difícil que puedas jugar con sus manos para unas poses naturales. Si crees que puede hacerlo, pídele que coloque el puño en el mentón o la mano en la barbilla, que sujete un objeto o incluso que coloque ambas manos sobre el regazo.

Consejos Útiles para Lograr Más Naturalidad

Cómo Lograr Mayor Naturalidad en los Retratos a Mayores

Las personas mayores no han crecido subiendo fotos a las redes sociales ni haciéndose selfies. A excepción de algunas personas que se hayan podido dedicar expresamente al mundo de la fotografía, la mayoría no sabrán posar y le tendrán mucho respeto a la cámara.

Conseguir poses casuales y atractivas será realmente complicado y a muchos les costará imitar los gestos que les puedas pedir, así que ten mucha paciencia. Te va a tocar ser creativo/a e ir improvisando para lograr que la naturalidad fluya con una persona mayor.

#1. Tareas Cotidianas

Para que una persona de edad avanzada se sienta realmente a gusto y cómoda, el recurso más eficaz será el de fotografiarla mientras hace algo cotidiano. Si, por ejemplo, es una mujer a la que le gusta coser, no pierdas la oportunidad de fotografiarla mientras hace sus labores de costura.

Si a la persona que vas a fotografiar le gusta pescar, dar de comer a las palomas o pasear junto al mar, propón hacer una parte de la sesión en ese lugar especial. Hazle fotos haciendo lo que más le gusta y/o usando el sitio como localización. Al identificar ese lugar como su 'territorio' se sentirá como en su casa.

#2. Provoca una Risa Natural

Normalmente, las personas mayores no querrán que los saques riéndose a carcajada limpia. Primero porque no querrán parecen ridículos frente a la cámara y segundo porque se imaginan que las patas de gallo y las arrugas se acentuarán más de la cuenta.

A no ser que esa persona cuente con una dentadura poco favorecedora o que le falten piezas dentales, cuéntale un chiste o algo divertido para poderlo fotografiar riéndose y que se relaje un poco. Después ya decidirás si la foto es buena o no, pero no tomes todas las fotos con un semblante demasiado serio porque podrán resultar aburridas.

#3. Céntrate en los Detalles

No hagas solo retratos clásicos del sujeto mirando a cámara en diferentes poses. Añade algo de creatividad. Puedes pedirle que mire hacia el infinito o que se lleve a cabo sus labores habituales sin que se acuerde de que tú estás ahí fotografiando cada movimiento.

Si desactivas el sonido de la cámara resultará más sencillo pasar desapercibido. Así podrás hacerle fotos de perfil, de espaldas o de detalles concretos, como sus manos: que coloque una sobre la otra, que sujete un bastón, una rosa o algún objeto que le de seguridad e impida que su pulso tiemble.

#4. Dale Protagonismo a la Mirada

Los ojos de un anciano han vivido incontables acontecimientos, algunos de ellos trágicos y terribles, otros maravillosos y tiernos. Son las mirada de la experiencia y suelen estar cargada de sentimientos, así que céntrate en fotografiarlas de cerca y en darles el protagonismo que merecen.

Cuando tengas una mirada bien encuadrada, pídele que te cuente alguna historia impactante de su vida para que sus ojos empiecen a narrar esas vivencias. Si logras que se emocione seguro que será capaz de transmitir mucho a través de sus ojos.

El Efecto Contrario: Retratar la Esencia de la Vejez

Si lo que de verdad te interesa es fotografiar el paso del tiempo plasmado sobre el rostro y el cuerpo del sujeto retratado deberás buscar el efecto contrario. Siempre que tu familiar o conocido esté de acuerdo, puedes centrarte en enfatizar las arrugas, manchas e imperfecciones que tenga.

Eso no quiere decir que nuestro objetivo sea el de fotografiar desfavorecido al sujeto. Podemos enfatizar las marcas de su rostro y seguir sacándolo agraciado, solo que tendremos que trabajar la luz de otra forma y no centrarnos tanto en corregir sus defectos.

Para ello, trabajaremos con una iluminación lateral o cenital que genere mayor textura y volumen. Podremos usar el reflector negro para recortar la luz o alejar mucho el reflector plateado o la luz continua para rellenar menos las sombras del rostro. Piensa que nos interesará que haya algo más de contraste para remarcar las arruguitas.

Procesado de Retratos a Personas Mayores

Una vez tenemos la sesión terminada, llegará el momento de revelar y procesar las fotos seleccionadas. Podemos optar por varios procedimientos a la hora de editar nuestros retratos a mayores, según cuál haya sido el objetivo de la sesión de fotos que se fijó en la reunión previa.

Si nuestro sujeto quiere aparecer muy favorecido, disimulando las arrugas y efectos de la edad, tendremos que optar por un revelado estilo beauty. Mientras que, si lo que se busca es la naturalidad y resaltar ese contraste de los efectos de la edad, buscaremos un tratamiento más contrastado.

#1. Embellecer al Sujeto

Revelado Beauty en Personas Mayores

Cuando queramos que se suavicen los defectos nos interesará darle a la imagen un aspecto suavizado y luminoso, casi onírico. Para conseguirlo debemos realizar una serie de ajustes básicos.

• Selecciona un Perfil lavado y añade las Correcciones de lente (aberraciones, deformación y viñeteo)
• Elige un Balance de Blancos cálido y aumenta ligeramente la Exposición, los Blancos y las Sombras
• Baja las Altas Luces, el Contraste y la Claridad para suavizar tanto las sombras como las texturas
• Si tu versión de Lightroom cuenta con el deslizador de Textura, bájalo para suavizar únicamente la piel de forma natural
• Aumenta la Intensidad para darle vida a los colores y descontrasta un poco más las sombras con la Curva de Tonos
• Añade un Filtro radial para agregar un aura suave y dulcificar todavía más el retrato
• Aplica otro Filtro radial invertido en la mirada del sujeto para añadir algo de contraste y enfoque
• Por último, corrige algunas imperfecciones (si las hay) con el Eliminador de Manchas y blanquea un poco la dentadura si lo crees necesario

#2. Remarcar los Efectos de la Edad

Si lo que nos interesa, por el contrario, es hacer hincapié en el paso del tiempo y enfatizar las arrugas, cicatrices y manchas del rostro tendremos que realizar otro tratamiento en la fotografía. Nos interesará más contrastar la imagen y resaltar las texturas.

• Selecciona un Perfil lavado y aplica las Correcciones de lente
• Elige un Balance de Blancos más frío y aumenta el Contraste y la Claridad para acentuar las arrugas y marcas
• Si tu versión de Lightroom cuenta con el deslizador de Textura, súbelo para remarcar también la piel
• Baja las Sombras y los Negros para oscurecer también el fondo y que el rostro gane más fuerza
• Sube las Altas luces y los Blancos para compensar la exposición y aumenta la Intensidad para ganar viveza
• Añade algo más de contraste con la Curva de Tonos bajando las sombras y subiendo las Altas luces

Blanco y Negro Vs Color

Después de aplicar los ajustes básicos de revelado exporta tu foto en color. Ahora, atrévete a probar con el blanco y negro, tanto si deseas embellecer la toma como si pretendes enfatizar todavía más los efectos de la edad.

Las fotos en blanco y negro, con tonos sepia o con estilo retro suelen gustarle mucho a las personas mayores porque les recuerda a las fotos que se hacían cuando era jóvenes, por lo que optar por convertirlas puede ser todo un acierto.

Accede a Menú Básicos/Tratamiento/Color/Blanco y Negro y selecciona este último. Desde aquí podrás personalizar la escala de grises que más te interese. Al prescindir de cualquier color podremos dar mucho más protagonismo a la textura. Para ello aumentaremos el contraste y la textura, bajando un poco los negros y exagerando la Curva de Tonos.

Si el rostro de nuestro modelo luce apagado una vez lo pasemos a blanco y negro, podremos crear un Pincel de Ajuste en su mirada para subir la exposición y las sombras e iluminar sus ojos. Con un Filtro radial invertido adicional podremos mejorar esa luz en todo el rostro e incluso añadir algo de nitidez subiendo el Enfoque.