Cuando el tiempo no acompaña y trae consigo días de lluvia o viento, puede que lo único que te apetezca sea quedarte cómodamente en casa y ver todo este temporal desde la ventana.

Sin embargo, esto no debe detener tus ganas de fotografiar. Hay múltiples fotos que puedes hacer en casa. Y como muestra de ello, aquí va un artículo repleto de ideas para que también disfrutes de la fotografía en días en que el tiempo no acompaña demasiado.

#1. Las Flores

Aunque crezcan en el campo y éste sea, en mi opinión, el mejor entorno en que fotografiarlas, es posible contar con flores en algún jarrón o tiesto de casa. Si tienes esa suerte, puedes aprovechar a fotografiarlas, sin importar el tiempo que haga fuera.

Eso sí, deberás cuidar muy bien la iluminación, tratando de que ésta sea suave. Ya sea situándolas cerca de la ventana y aprovechando la luz natural (si es que es suficiente), o utilizando modificadores que incrementen la superficie de la fuente de luz, si utilizas iluminación artificial.

Estos 5 consejos podrán ayudarte a mejorar tus fotografías de flores (en interior, o exterior).

#2. Velas o Chimenea

Las velas, que a menudo utilizamos cuando queremos ambientar de forma especial determinadas situaciones, resultan también, como complemento, o como sujeto principal de nuestras fotografías, muy adecuados para lograr atractivas fotografías.

Si tienes la oportunidad, la próxima vez que quieras sacar de la mochila tu cámara y el tiempo no sea muy agradable, busca unas velas, o mejor, tenlas preparadas, y aplica alguno de estos 9 consejos para fotografiar velas. Verás como el resultado merece la pena.

#3. Comida o Bebida

La comida o bebida también es otro motivo al que puedes sacar mucho partido desde la cocina o el salón de casa. Sólo necesitas un plato o cóctel con un cierto atractivo y cuidar la base, el fondo y la iluminación con que realzar el plato o copa.

foto por Michael Stern (licencia CC)

Si no tienes experiencia en este tipo de fotografía, prueba a seguir estos 5 consejos fundamentales para fotografiar comida, o echa un vistazo a este otro artículo en que se muestra el cómo se hizo de un delicioso postre.

#4. Siluetas o Retratos Frente A La Ventana

Estaba tardando mucho, ¿verdad? Sabes que mi debilidad son los retratos, y para ellos son mis dos próximas ideas. La primera consiste en fotografiar siluetas o retratos. Este último caso, si lo que sacamos no es la forma del sujeto, sino  que la iluminación es más lateral y nos permite apreciar algo más que una silueta.

El contraste entre la iluminación en la estancia y la de la calle, por mucho que el tiempo sea muy malo, podremos usarlo para obtener interesantes siluetas si el fondo de nuestras fotografías es la ventana. O bien, retratos con una iluminación suave y lateral, dependiendo del tamaño de la ventana y la mayor o menor proximidad del sujeto a la misma.

#5. Retratos Aprovechando Paredes de Colores

Además de las ventanas, otro elemento que puedes utilizar para lograr fotografías interesantes en el interior de tu casa son las paredes de colores que pueda haber en tu vivienda. Cada vez es más frecuente contar con alguna pared de cada estancia de un color distinto, más intenso y que permite diferenciar unas habitaciones de otras, ¿a que sí?

Pues bien, estas paredes pueden ser una interesantísima herramienta para lograr magníficas fotos. Eso sí, ten en cuenta sus colores para adecuar cromáticamente la indumentaria del sujeto, o utilizar una iluminación adecuada. No te pierdas estos 5 consejos sobre paredes de colores para tus fotografías.

#6. Mascotas

Si tienes mascota, puede ser un estupendo motivo que fotografiar cuando el tiempo en el exterior no acompañe. Perros, gatos e incluso mascotas más exóticas pueden regalarte interesantes escenas. ¿Un consejo? Intenta destacar sus rasgos más característicos: su "temperamento", su figura, etc.

foto por Javcon117* (licencia CC)

Si te decides por esta idea, ¿por qué no revisar estos 10 estupendos consejos para fotografiar mascotas? Seguro que consigues fotos muy atractivas de tus "compañeros" de piso animales.

#7. Arquitectura de interior

He de reconocer que sólo he realizado fotos de arquitectura de interiores cuando me han pedido imágenes para alquilar o vender una vivienda. Pero creo que también puede ser una opción que fotografiar para aquellas situaciones en que quieras coger la cámara sin salir de casa.

foto por tommerton2010 (licencia CC)

Seguro que algunas de estas fotografías nos ayudan a ver con otros ojos nuestra vivienda y enorgullecernos de ella. Este tipo de fotografía esconde múltiples consejos que te ayudarán a lograr fotos fantásticas y también errores que debes evitar. No dejes de revisar esos artículos para que tus fotos saquen a relucir todas las características de tu casa.

#8. Gotas de Agua

Con sólo un barreño, una bolsa de plástico y tu equipo fotográfico a mano, puedes conseguir una imagen tan atractiva como la que se muestra a continuación.

foto por Angel Torres (licencia CC)

Así que, la próxima vez que no sepas a qué hacer fotos, prueba a realizar un montaje como el que se muestra en La Guía Definitiva para Fotografiar Gotas de Agua. Obtendrás un resultado que despertará la atención de quienes lo observen. ¿Por qué no lo pruebas y nos cuentas el resultado?

#9. Fotografía de Producto

La última sugerencia que quiero ofrecerte para la próxima vez que quieras hacer fotos en casa es que le des una oportunidad a la fotografía de producto. Puedes probar con dispositivos electrónicos, joyas, juguetes, o incluso cámaras :)

foto por Maja Dumat (licencia CC)

Para este tipo de fotografías pueden venir bien algunos artículos que ya hemos publicado con anterioridad: plexiglass para fotografía de producto, fondos espectaculares con papel de aluminio, o consejos para utilizar una caja de luz. No dejes de revisarlos.

Ya ves, tienes unas cuantas opciones si te decantas por la fotografía de producto.

¿Más Ideas?

¿Qué?, ya tienes unas cuantas alternativas para la próxima vez que tengas ganas de fotografiar y te veas obligado a hacerlo en casa, ¿a que sí?

Aunque a lo mejor, crees que hay más opciones que no he contemplado. ¿Por qué no nos ofreces tus propias ideas y encontramos otras 9 ideas más?

También puede resultar muy interesante ver tus imágenes para alguna de las nueve ideas dadas, o algún consejo específico sobre éstas. ¡Anímate y cuéntanos!, y, sobre todo, ¡disfruta con tu cámara (también dentro de casa)!

Si has oído hablar de la técnica del HDR (High Dynamic Range), seguro que una de las primeras recomendaciones que has leído que hay que seguir es la de utilizar un trípode. Pero... ¿qué ocurre si no lo llevamos con nosotros? ¿significa eso que no podemos practicar este tipo de fotografía? En este artículo voy a demostrarte que aun sin trípode, podemos conseguir tomas HDR. Tan solo necesitarás seguir una serie de pautas, que a continuación te explicaré en detalle.

La Fotografía HDR

De la técnica de la fotografía HDR ya te hemos hablado en más de una ocasión. Para este tipo de fotografía, necesitamos realizar varias capturas con diferentes exposiciones de la misma imagen, para después en edición fusionarlas y conseguir que la toma resultante tenga un rango dinámico mucho mayor.

La mayoría de nuestras cámaras cuentan con un modo conocido como horquillado o bracketing de exposición, que es el que nos permite realizar esto de forma bastante más ágil.

Si hay un requisito esencial para practicar esta técnica es que las diferentes tomas tienen que tener el mismo encuadre, no podemos mover la cámara mucho o no podremos fusionar las fotos. Es por ello que el uso del trípode en estas situaciones es altamente recomendable.

Cuando el HDR Tiene que Ser a Mano/Pulso

Como te decía, aunque el trípode es uno de nuestros mejores aliados a la hora de practicar la técnica del HDR, hay situaciones en las que no podremos utilizarlo, como por ejemplo cuando:

• Se nos ha olvidado llevarlo con nosotros.
• Nos encontramos en un lugar muy concurrido y con tanta gente colocar nuestro trípode no es la mejor opción.
• Estamos en un lugar en el que el uso del trípode está restringido, como ocurre en algunos museos o iglesias.

En este tipo de situaciones solo tenemos una opción para seguir haciendo nuestras tomas con HDR, y es disparar a mano. Pero para que nuestras fotos salgan bien, deberemos tener en cuenta los siguientes consejos:

1. Activa el Modo Bracketing

Lo primero que tenemos que hacer para disparar nuestras tomas en HDR a mano alzada, es activar el modo de bracketing u horquillado de exposición. Algunas cámaras tienen la opción dentro del menú, mientras que otras tienen accesos directos desde los diales.

Cuando lo actives, podrás trabajar de modos distintos, tal y como veíamos cuando practicábamos el HDR con trípode. Pero sin duda, nuestra primera opción será el modo de horquillado automático, el cual para situaciones en las que disparamos a pulso suele ser el más recomendable, ya que nos permitirá ser más rápidos y así evitar las posibles trepidaciones al pulsar el botón del obturador.

A la hora de trabajar con este modo puedes configurar el modo de medición evaluativo para que la cámara lea la luz de toda la escena, y a continuación sobreexponga o subexponga en relación a esa medición. Otra opción es que trabajes con el modo de medición puntual, que es más fiable porque te permitirá medir la luz de las diferentes zonas de la imagen de forma precisa, y así conocerás las necesidades de luz finales.

Luego deberemos escoger alguno de los modos semiautomáticos de nuestra cámara. Según cuál escojas, será una variable u otra la que decidas tú, mientras que la cámara se ocupará de ajustar el resto de parámetros. Aunque al activar el modo de bracketing estos modos pueden variar un poco, actuando de la siguiente forma:

• Prioridad a la Apertura de Diafragma (A/AV): tu indicarás el número f, y la cámara decidirá la velocidad de obturación y la ISO. Aunque también puedes configurar la ISO en automático para que pueda modificarla la propia cámara.
• Prioridad a la Velocidad de Obturación /S/TV): tu indicarás la velocidad, y la cámara decidirá el número f y la ISO. Aunque también puedes configurar la ISO en automático para que pueda modificarla la propia cámara.
• Prioridad a la Sensibilidad ISO (P): tu indicarás la ISO, y la cámara decidirá tanto el número f como la velocidad de obturación.

Normalmente la más usada y recomendada es la de prioridad a la apertura de diafragma, ya que con este modo tendrás mayor control sobre la profundidad de campo de tu fotografía, y no variará la zona nítida de una imagen a otra, lo cual podría llegar a provocar problemas de nitidez, o incluso causar halos extraños alrededor de los objetos en la posterior fusión de las imágenes en edición.

Así pues, siguiendo esta recomendación, si para nuestra foto de referencia, nosotros le indicamos a la cámara que trabaje con una f/7, y la cámara calcula que el resto de valores para lograr una exposición adecuada es de 1/250s e ISO 100, si le indicamos que haga tres tomas con una diferencia de 2 pasos entre ellas, los valores quedarían como en el siguiente ejemplo:

Como comprobamos, la foto del medio es la que teníamos como base, y la que ha usado la cámara como referencia para calcular la foto subexpuesta y la foto sobreexpuesta, de forma que al juntarlas logremos un mayor rango dinámico.

Frente a una situación en la que utilizarías el trípode, al disparar a pulso necesitas asegurar que la foto no va a salir trepidada por exponer durante más tiempo del que tu pulso se puede permitir. Es por ello que resulta muy importante que cuando midas la luz de la escena, tengas en cuenta que la toma de mayor exposición de la serie no necesita una velocidad de obturación tan lenta como para provocar problemas de trepidación. ¿Y qué es demasiado lenta? Bueno, puedes seguir como guía la regla de la focal inversa, que dice que la velocidad mínima con la que podemos disparar una foto sin que salga trepidada es la inversa a la focal que estemos utilizando. Así pues, si utilizamos un 50mm, la mínima velocidad a la que deberíamos disparar a pulso en teoría sería de 1/50 s. ¿Fácil, no?

Recuerda que una vez indicada apertura que necesitas, puedes reducir el tiempo necesario de exposición subiendo el valor de ISO de tu cámara, aunque ten presente que a mayor ISO más ruido nos aparecerá, algo que no nos interesa. Si crees que los tiempos de exposición son demasiado largos, sube el ISO y mantén tiempos de exposición más cortos.

Una de las limitaciones más destacadas es que el rango dinámico final quedará limitado al que nos permita el bracketing de nuestra cámara, y hay situaciones en las que la diferencia de luminosidad en la escena hace que ese rango sea insuficiente (2 o 3 pasos como máximo). Pero en cualquier caso, siempre lo ampliaremos respecto al resultado que podríamos haber obtenido mediante una sola exposición.

Lo ideal es que no realicemos más de 5 exposiciones diferentes, ya que al no trabajar con trípode, cuantas más tomas hagamos más fácil será que nos movamos ligeramente entre una y otra y luego resulte más difícil alinear las imágenes en el procesado, lo cual provocará una imagen poco nítida y con problemas de alineación en los bordes.

2. Bloquea el Enfoque o Selecciona el Modo de Enfoque en Manual

Como vamos a realizar varias tomas de la misma imagen, nos interesa que el enfoque de todas ellas se mantenga en el mismo sitio, ya que si varía la posterior fusión de las fotografías en edición será mucho más difícil y puede causar efectos raros.

Para asegurar que el enfoque de todas las tomas sea el mismo, puedes componer tu imagen, enfocar en modo automático, y una vez hecho cambiar el modo de enfoque a manual, para que la cámara no lo vuelva a cambiar. Por supuesto, también puedes poner el enfoque en manual desde el principio, y enfocar tu mismo la zona que deseas moviendo el anillo de enfoque.

Otra opción es que bloquees el enfoque de tu cámara con el botón de bloqueo AF/AE, y lo separes del botón de disparo. La mayoría de modelos de cámaras disponen de este botón, o te dejan configurarlo en alguno de los botones personalizados.

Asegúrate, eso sí, de que quede enfocada la foto como tu quieres. Para ello puedes hacer las pruebas que necesites y comprobar en la pantalla de tu cámara si está o no correctamente enfocada la zona deseada.

3. Activa el Disparo en Ráfaga

Otro aspecto que nos ayudará a reducir el tiempo en el que disparamos las diferentes tomas, y así por tanto evitar que se produzca la temida trepidación al disparar, es activando el modo de disparo en ráfaga de nuestra cámara. 

Cada modelo de cámara tiene un número máximo de disparos que puede realizar seguidos, pues bien, cuanto más rápida sea la ráfaga de disparos, mejor. ¿Por qué? Pues porque tendremos menos posibilidades de mover el encuadre entre toma y toma, asegurándonos por tanto de que la posterior fusión de las imágenes sea fácil y no presente problemas.

Con el modo ráfaga, pulsaremos el obturador de la cámara tan solo una vez, y se efectuarán los diferentes disparos con distintas exposiciones de la misma imagen de forma seguida.

También es útil utilizar el temporizador/autodisparador de la cámara, ya que te permitirá disparar los disparos seguidos, y no causarás movimiento en la toma, porque el botón de disparo lo habrás presionado antes de que éste de efectúe.

4. Cuida Tu Postura a la Hora de Disparar

Te podrá parecer mentira, pero en función de la postura que adoptes a la hora de sostener la cámara, varía mucho la estabilidad que puedes llegar a mantener. Cuanta mayor estabilidad tengamos, podremos realizar exposiciones más largas, pero también disparos continuos manteniendo la posición del encuadre, que es lo que nos interesa en este caso.

Puesto que no tenemos trípode, y a pesar de que en situaciones de este tipo nos valdremos de las funciones de alineación con los que los programas de fusión cuentan, conceder a nuestra cámara la máxima estabilidad será clave a la hora de obtener buenos resultados.

Cuida Tu Postura al Disparar la Toma

Para ello, la forma en la en la sujetamos nuestra cámara será muy importante. En este artículo te contábamos algunos trucos para conseguir mayor estabilidad en nuestros disparos a mano, tan solo cuidado la postura de nuestro cuerpo. Acerca los codos al torso y mantente lo más quieto posible.

También es importante que dispares tras exhalar el aire, y por supuesto, puedes utilizar los elementos de tu alrededor para apoyar la cámara y darle mayor estabilidad, o incluso para apoyarte tu mismo con el fin de evitar movimientos durante el disparo.

5. Procesa Tus Imágenes

Y por último llega el momento final, el de la fusión de las imágenes. Para ello, necesitarás un programa que te permita unir las diferentes tomas que has hecho con diferentes exposiciones de la misma imagen. Hay programas gratuitos como Photomatix Pro que te permitirán a hacerlo, y si eres de los que ya se han acostumbrado a trabajar con Photoshop y Lightroom, con ellos también podrás hacerlo de manera muy sencilla. En los artículos que te muestro a continuación encontrarás cómo hacerlo paso a paso.

• Cómo Hacer HDR en Lightroom de Forma Rápida y Sencilla
• 8 Programas HDR para Hacer Fotos de Alto Rango Dinámico Alucinantes
• La Guía Definitiva de High Dynamic Range (HDR) con Photoshop
• HDR con Photoshop: La Guía Definitiva

HDR a Mano, ¡Es Posible!

Como has visto, realizar fotografías HDR sin trípode, es posible. Es cierto que le añadimos un grado de dificultad a este tipo de fotos, pero nada es imposible. Si sigues los consejos que te hemos ofrecido seguro que logras resultados estupendos.

¿Y tú? ¿Tienes algún consejo más para realizar fotografías HDR sin trípode? ¡Cuéntanoslo en los comentarios!

Seguro que más de una vez te has quedado contemplando una nube y has reconocido en ella alguna forma o incluso la cara de una persona. A esto se le conoce con el nombre de pareidolia, y es un fenómeno fisiológico en el que la mente percibe una imagen o sonido donde realmente no existe. Si quieres saber más sobre este fenómeno y cómo aprovecharlo en fotografía, no te puedes perder el artículo de hoy. ¿Te quedas conmigo?

¿Qué Es la Pareidolia?

foto por NVinacco (licencia CC)

No todo es lo que parece... Estoy segura de que alguna vez has escuchado el término de pareidolia, pero ¿sabes lo que es realmente?

Este concepto se refiere a las alteraciones perceptivas que se producen en nuestra mente cuando observamos cualquier objeto o situación que no termina de estar estructurada, es decir, que resulta ambigua. Ante dicho objeto o situación, nuestro cerebro la percibe de forma distinta, y la acaba asociando a patrones que es capaz de reconocer.

Por ejemplo, si ves en una roca o en el tronco de un árbol una cara con sus ojos, su boca y su nariz, a eso lo consideramos pareidolia.

¿Por Qué Aperece la Pareidolia?

Por ejemplo, las ventanas y la puerta del garaje de esta casa parecen formar una cara.

Según algunas teorías la pareidolia puede deberse a nuestra herencia evolutiva, y nuestra necesidad de detectar rostros por el mero hecho de sentirnos seguros, aunque también se ha sugerido que puede ser una consecuencia del sistema de procesamiento de la información en nuestro cerebro.

Nuestro cerebro recibe continuamente información en forma de líneas, formas, superficies o colores entre otras cosas, y lo que hace es tratar de emparejarlo con recuerdos que tiene almacenados en nuestro conocimiento a largo plazo. Esto explica que una información visual que puede resultar muy ambigua, la interprete como algo que podemos reconocer más fácilmente.

Pareidolia y Fotografía

El fenómeno de la pareidolia también lo podemos utilizar a nuestro favor en el campo de la fotografía para tratar de explotar la creatividad de nuestras imágenes. Piénsalo, como fotógrafos siempre intentamos observar lo que nos rodea y buscar detalles que a ojos de los demás pasan desapercibidos y que sin embargo, si les prestamos atención, tienen un encanto especial.

Entonces... ¿buscar ejemplos de pareidolia no podría ser un buen tema para alguna de nuestras sesiones fotográficas? ¡Pues claro que sí!

Localizar ejemplos de pareidolia, ya sea en tono humorístico o trágico, no es algo excesivamente complicado, pero sí que debemos aprovechar nuestra capacidad de observación al máximo para intentar encontrarlos.

Consejos para Capturar Ejemplos de Pareidolia

foto por prof.bizzarro (licencia CC)

No existe un manual que nos indique cómo ligrar buenos ejemplos de pareidolia en fotografía, pero sí que podemos darte una serie de indicaciones para que estés alerta y preparado para cazar tus propios ejemplos. ¡Vamos a verlos!

• Lleva siempre tu cámara encima, o un móvil con buena cámara. Nunca sabes cuándo puede aparecer ante ti un buen ejemplo de pareidolia, así que es interesante que siempre lleves tu cámara contigo, o al menos un móvil con cámara para poder cazarlo en el momento.
• Busca el mejor ángulo para cazar tu ejemplo, no te conformes con el primero. Como ocurre en cualquier temática fotográfica, no todos los ángulos funcionan siempre igual de bien, y con la pareidolia ocurre lo mismo. Cuando tengas localizado tu ejemplo de pareidolia muévete en busca del mejor ángulo para que la identificación de la cara o forma que veas en el ejemplo quede lo más clara posible.
  

  foto por Chris Gladis (licencia CC)

• Busca tus propios ejemplos. Inspirarse en el trabajo de otros es un buen punto de partida para buscar ejemplos de pareidolia, pero cuando vayas a cazar tus propios ejemplos trata de ser original y no repetir las mismas fotos que ya has visto que han hecho otros autores.
• Inspecciona tu entorno más cercano. No hace falta que te vayas a la otra punta de la ciudad a buscar ejemplos de pareidolia. Saca a relucir tu capacidad de observación y trata de localizarnos en tu entorno más cercano (tu casa, la calle de al lado, el parque de la esquina...).
  

  foto por Mark Iocchelli (licencia CC)

• Ten paciencia. En fotografía la paciencia es una cualidad clave. Como en pasa en otras temáticas, habrá veces en las que estemos más inspirados y la situación sea más favorecedora, y otras en las que no tendremos tanta suerte. En este caso, puede que un día encontremos tres buenos ejemplos de pareidolia, y otro no encontremos ninguno... pero no te ofusques. La clave está en ser pacientes y seguir buscando ejemplos.
• Comparte tus imágenes. No solo puedes sentir cierta satisfacción cuando obtienes un buen ejemplo de pareidolia, sino que cuando compartes esa imagen con otras personas y éstas tratan de averiguar qué es lo que aparece en tu fotografía, puede convertirse en un juego de lo más divertido, creando un vínculo cercano entre el fotógrafo y los espectadores de la imagen.

Algunos Lugares en los que Puedes Encontrarla

Como te decía, la pareidolia la podemos encontrar en cualquier lugar, pero por si no sabes por dónde empezar, aquí te dejamos una lista de sitios en los que puedes empezar a buscarla, como por ejemplo en:

foto por NottsExMiner (licencia CC)

• Los platos de comida.
• Las nubes.
• La parte frontal o trasera de algunos coches.
• La fachada de algunos edificios o casas.
• Algunos objetos domésticos.
• La luna.
• Árboles y plantas.
• Rocas.
• Pavimentos.
• El fuego.
• El humo.
• Una radiografía.
• La espuma de un café.

Yo Veo Caras... ¿Y Tu?

Como has podido comprobar estamos rodeados de ejemplos de pareidolia. Tan solo tienes que explotar tu capacidad de observación, estar atento y fijarte en los pequeños detalles para poder descubrirlos.

Por supuesto, no tienen por qué ser solo caras, aunque es cierto que es el ejemplo más común. Existen ejemplos en los que podemos llegar a reconocer animales o incluso figuras sencillas como un corazón o una estrella. En el perfil de twitter de Faces in Things, podrás encontrar una gran recopilación de estupendos ejemplos de este curioso fenómeno.

Y por último, como siempre, te invitamos a que si tu también tienes tus propios ejemplos de pareidolia los compartas con nosotros en los comentarios. ¡Anímate!

*Foto de portada por Steve Corey (licencia CC)

¡Click! (sonido del obturador). ¿Cuántas veces escuchas este sonido cuando realizas una escapada fotográfica? ¿Eres de los que dispara sin parar? ¿Piensas que llevarte a casa 1.000 fotografías es mejor que llevarte 50? En este artículo vamos a analizar por qué a muchos fotógrafos nos invade la necesidad de disparar un gran número de tomas en cada una de las sesiones que realizamos, y cómo podemos combatirla con el objetivo de desgastar menos nuestro equipo y conseguir resultados con más sentido.

Disparando a Diestro y Siniestro

¿Has tenido alguna vez la sensación de que disparas fotografías a todo aquello que se mueve? ¡E incluso a lo que no se mueve también! Este síntoma que afecta sobre todo a quienes se inician en la fotografía, pero también a fotógrafos que ya llevan un tiempo de experiencia, puede llegar a convertirse en un problema. Piénsalo, cantidad de gigas y gigas de fotografías almacenadas en nuestros discos duros que difícilmente revisaremos más de una vez, y que sinceramente, la gran parte de ellas, no nos aportarán ningún valor emocional.

Lo sé, es difícil aprender a ser selectivo, pero es nuestra mejor vía ya no solo para ahorrar espacio en nuestros discos duros, o tiempo editando nuestras imágenes, sino que es sobre todo importante porque nos ayudará a mejorar como fotógrafos.

¿Qué Razones nos Empujan a Disparar un Gran Número de Fotos?

Ahora que sabemos cuál es nuestra debilidad, es el momento de afrontarla, y para ello lo primero que tenemos que analizar es por qué ocurre. ¿Cuáles son las razones por las qué disparamos tantas fotos? Las más obvias, podemos decir que son:

• Llevarnos un recuerdo y documentar la experiencia que hemos vivido o el lugar en el que hemos estado.
• Asegurarnos de que hemos cogido el mejor encuadre/el mejor foco/la mejor luz/etc.
• No perdernos el momento exacto.
• Probar diferentes ópticas.
• Pensar que todo lo que fotografiamos es bonito.
• Estar emocionados porque estrenamos cámara o equipo.
• Porque no "cuesta" dinero, algo que sí que ocurría cuando revelábamos en analógico nuestras fotos.

Aprende a Ser Selectivo

Esta frase te la he dicho muchas veces, y a riesgo de parecer pesada, te la volveré a decir: Menos es más. Es preferible tener un número de fotos menor, pero que esas fotos nos transmitan algo o tengan una razón de ser, que disparar cientos de fotos sin sentido, simplemente haciéndolas por hacer.

Podríamos decir que hay una diferencia entre "disparar" y "hacer" una foto. Puede que haya otros términos más precisos, pero lo que quiero decir es que una cosa es ver una escena bonita, levantar la cámara y echar la foto sin más; y otra muy distinta es analizar el entorno, estudiar la luz, tener la paciencia de esperar el mejor momento, definir nuestro centro de interés, transmitir una idea... y entonces, solo entonces, pulsar el botón de disparo. No todas nuestras capturas deben cumplir todos estos puntos, está claro, pero hablamos de que se produce un ejercicio de análisis a la hora de hacer una foto, no la tomamos sin más. A esa diferencia es a la que me refiero entre disparar y hacer una foto.

Obviamente eso conlleva más tiempo de ejecución, y por tanto menos cantidad de fotos. ¿Pero no te merece la pena reducir la cantidad a cambio de conseguir que ese número limitado de imágenes tenga un sentido? ¿que no sean buenas por mera casualidad, sino porque tú has contribuido a ello?

Un buen fotógrafo no se pasa las 24 horas disparando tomas, sino observando, y solo cuando algo verdaderamente le inspira le emociona, entonces disparará la fotografía.

Haz la Foto, pero Vive el Momento

No vivas a través de la cámara. Seguro que más de una vez os han dicho en un viaje que estabais más atentos a lo que se veía en la cámara que al propio paisaje que teníais ante vosotros. Es cierto que en muchas ocasiones el hecho de llevar la cámara con nosotros nos conduce a observar concienzudamente el entorno en busca de algún detalle que capte nuestra atención, y eso es bueno. Lo que no es tan bueno es que estés tan pendiente de llevarte esa experiencia recogida en forma de foto, que te pierdas lo que tienes delante de ti.

Hay un momento para todo, y te aconsejo que cuando estés en una situación así, te guardes la cámara aunque sea unos minutos para disfrutar plenamente del momento y del entorno. Imagínate en un atardecer. Seguro que conseguirás una preciosa fotografía, pero no te pierdas la sensación de apartar la vista del visor y dirigirla al cielo, a la forma de las nubes, a su color... Al igual que en una noche estrellada. Consigue tu fotografía de la vía láctea, pero no te olvides de guardarte un momento para tumbarte en el suelo y contemplar el espectáculo que te ofrece el cielo nocturno.

Nuestra memoria no guarda imágenes tan nítidas como lo hace nuestra cámara, pero cuando recuerdes aquel momento, la sensación que tendrás al recordar ese instante, será todavía más poderosa.

Hay una película en la que en una de sus escenas se muestra esto perfectamente. El título del largometraje es La Vida Secreta de Walter Mitty, y en dicha escena el protagonista está junto a un fotógrafo de reconocido éxito. Ambos se encuentran en un escenario en el que el fotógrafo va a capturar la que probablemente sea una de sus mejores capturas, sin embargo, decide no dispararla. ¿Por qué? Porque a veces, cuando algo te llena plenamente, puedes optar por vivirlo y no dejar que la cámara te distraiga.  A continuación, te dejo la escena.

Siente Tus Fotos, Exprésate con Ellas

Otra de las claves que nos ayudará a limitar nuestro número de disparos y que tiene mucho que ver con el punto anterior es sentir algo cuando disparamos. No podemos conseguir una fotografía expresiva y llena de emoción, si antes no la hemos experimentado nosotros.

Enfréntate a la escena que quieres capturar, ¿qué quieres sacar de ella? ¿te transmite algo? No dispares solamente porque te parezca una imagen bonita. Dispara porque esa imagen te transmite algo, te hace pensar o sentir, te cuenta una historia...

Si cuando miras a través del visor descubres que no sientes nada, entonces sigue tu camino y no dispares la toma. Si sigues disparando sin más, no solo estarás contribuyendo a que la mayoría de tus fotografías carezcan de fuerza expresiva, sino que estarás cada vez más alejado de encontrar la creatividad.

Alarga la Vida de Tu Cámara

Otro punto importante y no tan emotivo como los anteriores, es que limitando tus disparos estarás alargando la vida útil de tu cámara. Ya sabes que una cámara no dura eternamente, tiene un número de disparos máximo, tras el cual, dejará de funcionar.

Tranquilo, que no cunda el pánico que ese número es muy elevado (alrededor de los 100.000 disparos o incluso más), pero es algo que tenemos que tener presente.

Preguntas Clave que Deberías Hacerte

Algunas preguntas que puedes plantearte y te ayudarán a comprender que disparar menos fotografías es una sabia decisión, son:

• ¿Disparas más porque no pagamos el revelado de las fotos como sí que lo hacíamos antes? Está claro que ahora no hace falta limitarnos a los 24 o 36 disparos que nos dejaba el carrete, pero no por ello hace falta disparar 500 fotos. Si con 50 puedes resumir o transmitir lo que quieres de una sesión, no hace falta disparar más. Créeme que ahorrarás mucho tiempo en edición.
• ¿Cuántas de las fotos que has hecho vas a editar y procesar? Seguro que hasta tú eres consciente de que no serán todas ni mucho menos, no al menos si disparas 1.000 fotos en una sesión. Si reduces el número, entonces probablemente sí que puedas responder "todas" a esta pregunta.
• ¿Ordenarás tus fotos? Por muy digitales que seamos, a nuestro disco duro le pasa como a nuestra casa... si quieres encontrar algo, es mejor que la tengas ordenada. Así pues, te resultará mucho más sencillo ordenar tus fotos si no tienes miles de ellas.
• ¿Borras aquellas que han salido mal o están repetidas? Otro punto esencial y que tiene que ver con el orden del que hablábamos antes. No es lo mismo revisar 50 fotos que 500, ¿verdad? Esa selección de lo mejor, puede ser mucho más rápida y sencilla si el conjunto de imágenes que tienes que revisar no es tan grueso.
• ¿Las compartirás a alguna plataforma online? Esta pregunta nos ayuda a reflexionar, ya que cuando subimos imágenes a internet, sea a la plataforma que sea, lo suyo es que no compartamos 50 fotos de la misma sesión, las cuales probablemente serán muy similares. Es mejor que selecciones las 5 mejores y solo compartas esas. Y para hacer esa selección, te será mucho más cómodo no tener tantas fotos entre las que elegir.
• ¿Imprimirás algún álbum? Antes de disparar a lo loco, piensa en qué tipo de fotos quieres incluir en él. Si vas añadir de diferentes sesiones, te será mucho más sencillo elegir entre una pequeña selección, que entre las cientos de fotos de una colección sin revisar.

Mientras Tanto... ¿Qué Puedo Hacer?

Conseguir realizar las fotos necesarias y no disparar sin ton ni son es algo que no conseguiremos de la noche a la mañana. Es un proceso lento, por eso aquí te dejo unos cuantos consejos para que los tengas en cuenta hasta que consigas llegar a tu meta.

1. Planifica y Limita el Tiempo de la Sesión

El primer paso es que planifiques previamente la sesión. No llegues al lugar y empieces a disparar sin pensar todo aquello que ves. Estudia previamente la localización a la que vas a ir, cuáles son las mejores horas de luz, qué puntos concretos son los que quieres inmortalizar... y para ello no hace falta que acudas un día antes al lugar, sino que puedes valerte de Internet y visitarlos en Google Maps, app's como Photopills e incluso blogs de otras personas que hayan estado en él antes.

Cuando llegues el día de la sesión tendrás un esquema mental de lo que puedes encontrarte y de lo que no quieres dejar escapar sin fotografiar, teniendo las cosas mucho más claras. Además, también te ayudará a reducir el número de disparos y ser más selectivo el tener previsto un tiempo concreto para fotografiar cada localización.

2. Sé Precavido y Lleva Equipo de Repuesto

Cuando disparamos muchas fotos hay dos elementos básicos de nuestro equipo que se agotan con mayor facilidad: las tarjetas de memoria y las baterías. Por ello es altamente recomendable que siempre lleves alguna de repuesto para no quedarte a medias en la sesión.

Respecto a las tarjetas, una buena forma de empezar a ser más selectivo es que utilices tarjetas de poca capacidad, y te propongas el reto de no llenarlas. Lleva siempre alguna más por si acaso, pero de este modo serás más exigente y empezarás a distinguir entre las fotos que quieres guardar de verdad, y las que no.

3. Almacenamiento Externo para Sesiones Largas

Si la sesión se va a alargar varios días, como en un viaje por ejemplo, es aconsejable que lleves también almacenamiento externo. Puedes llevar varias tarjetas, pero si eres de disparo fácil probablemente te quedarás sin espacio suficiente, así que un disco duro externo para ir volcando las copias a medida que acaba la jornada puede ser tu salvación. Aunque recuerda, el objetivo es que no tengas que llegar a hacer uso de él, solo es un "por si acaso".

4. Limita los Accesorios que Vas a Emplear

En nuestras mochilas solemos llevar diferentes accesorios para trabajar: filtros ND, filtros polarizadores, flashes, reflectores... si éstos son esenciales para nuestra sesión, estupendo, pero si los llevas por llevar, lo que suele ocurrir es que haces el doble de fotos porque las haces con y sin accesorio.

Igual que con las lentes. Si eres de los que lleva muchas, o tiene un objetivo que cubre un gran rango focal, seguro que acabas disparando la misma foto con todos ellos, o con varias de las distancias focales que nos ofrece nuestro todoterreno.

Para estos casos, lo mejor es establecer límites. Por ejemplo, si estamos en una ruta de un viaje, hacer el camino hacia adelante con un angular, y a la vuelta cambiarlo por un tele, por ejemplo, pero no estar cambiando cada dos por tres la lente. Si lo hacemos así, nos dará tiempo a cambiar el chip y buscar motivos que se adecúen más al tipo de lente que llevamos, alejándonos de repetir simplemente una misma toma con dos focales distintas.

5. Intenta Comunicar Algo

Intenta no perder de vista este detalle. Nuestro propósito es contar historias con nuestras fotografías, transmitir sensaciones y sentimientos, hacer pensar, llevarnos hasta un recuerdo... Si vas a disparar una toma que no te ayudará a sentir nada de esto, entonces es que no merece al pena.

Encuentra una Razón para Disparar tu Próxima Fotografía

La fotografía digital amplía de forma abrumadora los límites de disparos que podemos hacer con nuestras cámaras y aun coste bajísimo, pero eso muchas veces nos lleva a realizar fotos vacías con las que no sentimos nada. Aprender a ser exigentes y selectivos es un proceso que lleva tiempo, pero sin duda es positivo, no solo porque ahorrarás tiempo editando las tomas o espacio en tus discos duros, sino que ser selectivo te ayudará sobre todo a mejorar como fotógrafo, a capturar aquello que de verdad te transmite algo.

Y aún así, con todo ello, no te olvides nunca de que es importante que dejes espacio en tu vida para la fotografía si ésta te apasiona, pero no un espacio a la vida en tu fotografía. Aprende a reservar pequeños instantes para disfrutar también del momento.

Lightroom es uno de los programas más potentes que podemos encontrar a la hora de revelar o editar fotografías. Sin embargo, tiene tantas opciones que en un principio puede parecer abrumador utilizarlo, sobre todo si nunca antes lo has usado.

Pero no te preocupes, en este artículo vamos a ver paso a paso qué workflow seguir a la hora de retocar cualquier fotografía. Así aprenderás a retocarlas paso a paso, para dejarlas completamente a tu gusto. ¡No abandones!

Nota: No te pierdas nuestros artículos específicos para retocar en Lightroom fotografías de paisaje y retratos.

¿Qué Workflow hay que Seguir en Lightroom?

El término workflow (o flujo de trabajo) se refiere a los pasos que hay que seguir, en un orden específico, para realizar un trabajo. Cada fotógrafo puede tener un workflow diferente a la hora de retocar una fotografía, ya que la manera de trabajar de cada uno es distinta. Así pues, en este artículo voy a contarte el workflow que yo sigo, y que a mí me funciona. Después, tú puedes adaptarlo a tu gusto si prefieres trabajar de otra manera, pero te ayudará a comprender el por qué de cada paso, y qué hacer en cada uno de ellos.

Sobra decir que para realizar un revelado o edición de cualquier tipo de fotografía es muy recomendable disparar en formato RAW, ya que conserva una mayor cantidad de información, para poder retocar la fotografía exhaustivamente sin problemas.

Después de importar las fotografías a Lightroom, ve a la pestaña Revelar para comenzar a retocar la fotografía. Mi flujo de trabajo generalmente siempre es el siguiente:

1. Perfil

Lo primero que aplico a cualquier fotografía es el perfil que prefiero, para partir de una buena base para retocarla. Podrás elegir el perfil de la fotografía en el último desplegable del menú, llamado Calibración de Cámara.

Nota: En las últimas versiones del programa la opción de Perfil ha sido trasladada al primer menú, el menú Básicos, justo arriba del todo.

Personalmente, siempre pongo el perfil más "lavado" de todos, para ganar matices tanto en las sombras como en las altas luces, y tener más margen de edición. En mi cámara este perfil se llama Camera Flat, aunque variará dependiendo de la marca y el modelo de cámara que uses. Simplemente pruébalos todos hasta descubrir cuál es el que deja tu imagen más descontrastada.

2. Correcciones de Lente

Seguidamente voy al desplegable Correcciones de Lente para corregir tanto la distorsión de la lente como las posibles aberraciones cromáticas que puedan aparecer en la fotografía. Desde Perfil puedes elegir tu cámara y objetivo para que el programa corrija este aspecto automáticamente, o puedes hacerlo tú mismo desde Manual.

En la pestaña de Manual encontrarás deslizadores para corregir a tu gusto la distorsión y el viñeteo, y podrás ser mucho más preciso a la hora de eliminar las aberraciones cromáticas. Desde Tono verde y Tono púrpura podrás seleccionar el tono de la aberración a corregir, y desde Cantidad podrás eliminarla fácilmente. Eso sí, ten cuidado porque si aumentas excesivamente los deslizadores de Cantidad podrías llegar a eliminar colores de la propia foto.

3. Reencuadrar y Enderezar

Antes de aplicar cualquier otro retoque, suelo reencuadrar y enderezar mi fotografía para dejarla lista para el procesado. Este es un paso que se puede hacer también al final sin problema, pero yo prefiero hacerlo al principio para así ver exactamente como va quedando mi fotografía.

Para hacerlo, ve a la Herramienta Superposición de Recorte, que encontrarás en la barra de herramientas que hay debajo del histograma. Desde cualquier esquina o borde podrás reencuadrar la fotografía, y desde fuera del cuadro podrás rotarla para enderezarla. Desde Aspecto podrás cambiar la relación de aspecto de la fotografía y pulsando el icono del candado podrás liberar estas proporciones para hacer un recorte totalmente libre.

Recuerda, además, que pulsando la tecla O mientras estás usando esta herramienta (o desde el menú Herramientas/Superposición de guía de recorte) podrás cambiar las guías para ver, por ejemplo, las líneas de la regla de los tercios, de la simetría dinámica, de la proporción áurea o una cuadrícula más pequeña, entre otras. Así podrás acoplar tu encuadre a cualquiera de estas reglas de composición.

4. Balance de Blancos/Temperatura de Color

Ahora que ya tenemos nuestra fotografía lista para el procesado, empezaremos por el balance de blancos. Con el balance de blancos vamos a definir qué temperatura de color tendrá la luz de nuestra fotografía.

Encontrarás dos deslizadores en la parte de arriba del menú Básicos, llamados Temperatura y Matiz.

• Con el deslizador de Temperatura podrás hacer que la fotografía adquiera tonos más cálidos (derecha) o más fríos (izquierda).
• Con el deslizador de Matiz podrás virar los tonos de tu fotografía hacia magenta (derecha) o hacia verde (izquierda).

También encontrarás al lado de estos deslizadores un icono en forma de cuentagotas, que es la herramienta Selector de equilibrio de blancos. Simplemente deberás hacer click con este cuentagotas sobre una zona de la fotografía que en teoría debería tener un tono blanco, negro o gris neutro. En base a este color, Lightroom aplicará automáticamente el balance de blancos adecuado.

5. Luces y Sombras

Ahora que ya tenemos el balance de blancos adecuado, vamos a usar el resto de deslizadores del menú Básicos, que nos servirán para cambiar la luminancia y el contraste de nuestra fotografía:

• Exposición: Aclara y oscurece la luminosidad de una fotografía.
• Contraste: El contraste oscurece las sombras y aclara las luces de la fotografía, o todo lo contrario si decides bajarlo.
• Altas luces y Blancos: Estos deslizadores aclararán y darán más fuerza a las altas luces de la foto.
• Sombras y Negros: Estos deslizadores oscurecerán y darán más fuerza a las sombras de la foto.
• Claridad: Es como una especie de contraste, pero tan solo afecta a los tonos medios de la fotografía. Si lo aumentas marcarás mucho la textura, y si lo reduces difuminarás los bordes, dándole un aspecto suave y onírico.

Cómo Retocar un Retrato en Lightroom

También podrás modificar estos aspectos de la fotografía desde el menú Curva de Tonos justo debajo del menú Básicos, que funciona de la misma manera que el Ajuste de Curvas de Photoshop.

Finalmente, también cabe destacar que en el menú Efectos podemos encontrar el deslizador Borrar Neblina que, pese a que sirve precisamente para eliminar o incrementar la neblina del ambiente, lo hace contrastando mucho la imagen, por lo que nos puede venir bien usarlo aunque no haya niebla en nuestra fotografía, para contrastar mucho algunas zonas de la fotografía, como por ejemplo el cielo (luego veremos cómo aplicar ajustes locales para afectar tan solo a ciertas zonas de la foto).

Nota: En versiones más nuevas del programa encontrarás el deslizador de Borrar Neblina dentro del menú Básicos, no en el menú Efectos.

6. Colores

Una vez terminada de ajustar la luminancia de nuestra fotografía, toca pasar al retoque del color.

• Saturación e Intensidad

Dentro del menú Básicos encontramos los deslizadores de Saturación e Intesidad. Como su propio nombre indica, estos deslizadores nos van a permitir darle más fuerza a nuestros colores o todo lo contrario, desaturarlos. Mientras que Intensidad es más sutil y controlable, Saturación es más agresiva, así que usa una u otra dependiendo de tu fotografía. Eso sí, no te pases o los colores de la foto quedarán demasiado empastados e irreales.

Por otra parte, aunque bajando la saturación del todo conviertas la foto al blanco y negro, no lo hagas desde aquí. Enseguida te explico desde dónde conseguir un mejor resultado.

• Menú HSL/Color/Blanco y Negro

Este es uno de los menús más potentes de Lightroom para retocar el color de nuestras fotografías. Dentro de la pestaña HSL vamos a poder variar el tono de cada uno de los colores que aparecen, y dentro de la pestaña Color podremos aumentar o reducir la saturación de cada uno de esos colores.

Finalmente, en la pestaña Blanco y Negro podremos convertir nuestra fotografía al blanco y negro, aclarando u oscureciendo toda la gama de grises de la foto, variando cada color por separado.

• Curva de tonos

Dentro del menú Curva de tonos también vamos a poder modificar el color de nuestras fotografías, no solo la luminancia. Si te fijas, debajo de la herramienta aparece Canal: RGB, pero si pulsas en él puedes cambiarlo y modificar las curvas de cada canal por separado. Aquí podrás aumentar el tono de cada uno de los tres colores primarios (rojo, verde y azul), o restarlo, es decir, incrementar sus tonos complementarios (cian, magenta y amarillo respectivamente).

Además, como sigue siendo la herramienta curvas, puedes modificar estos colores en las sombras, los tonos medios o las altas luces por separado, dependiendo del lugar del histograma en que estés modificando la curva.

Si no conoces bien el funcionamiento de la herramienta Curvas, te recomiendo que le eches un vistazo a nuestro artículo: "Herramienta de Curvas de Tonos: Cómo Sacarle Partido".

• Otros ajustes de color

Hay otros ajustes de color que le darán a nuestra fotografía un aspecto más personal, más "cinematográfico", como Dividir Tonos o los deslizadores de Perfil que encontrarás dentro del menú Calibración de la cámara. Sin embargo, para mí estos ajustes ya son el punto y final de la fotografía, la guinda del pastel, y por eso prefiero usarlos justo al final del proceso de retoque. Y como aún vamos a modificar algunas cosas más de la fotografía, prefiero dejarlos para darle el toque final a la fotografía.

7. Ajustes Locales

* Nota: Los ajustes locales han sido totalmente remodelados. Puedes encontrar cómo funciona el nuevo panel al detalle en nuestro artículo "Nueva Herramienta Máscara de Lightroom: Los Ajustes Locales Llevados a Otro Nivel".

Puede que hayas notado que con los ajustes que le has aplicado a tu fotografía hasta ahora no toda la foto ha quedado correctamente expuesta, o que preferirías aplicar unos ajustes a una zona y otros diferentes a otra zona. No te preocupes, porque Lightroom nos ofrece diversas opciones para procesar nuestra fotografía por zonas, con los Ajustes locales.

Lightroom dispone de tres ajustes locales diferentes. Estos ajustes nos permiten variar una serie de deslizadores que ya hemos visto en los puntos anteriores, para aplicarlos tan solo en una zona concreta de la fotografía.

• Filtro graduado: Crea un ajuste que se va desvaneciendo poco a poco, en forma de degradado lineal.
• Filtro radial: Crea un ajuste que se va desvaneciendo poco a poco, en forma de degradado radial.
• Pincel de ajuste: Crea un ajuste personalizado que puedes aplicar en las zonas donde pintes con el pincel.

Estos tres ajustes locales, además, disponen de la posibilidad de aplicar una Máscara de rango (solo disponible en las versiones más actuales de Lightroom Classic CC) para acotar todavía más la zona sobre la que queremos actuar, eligiéndola por su luminancia o por su color. Si no controlas demasiado bien el uso de estas herramientas, en estos artículos aprenderás todo lo que hay que saber sobre estos ajustes locales:

• Descubre como Ganar Atención en tus Fotos con los Ajustes Locales en Lightroom
• Mejora Tus Ajustes Locales Con La Máscara de Rango de Lightroom Classic CC
• Cómo Usar el Pincel de Ajuste para Retocar el Filtro Graduado (y Radial)

8. Eliminación de Manchas y otros Defectos

Pese a que Photoshop es el programa estrella para eliminar elementos de la fotografía, Lightroom nos brinda una herramienta muy útil para poder quitar manchas u otros defectos que puedan estar estropeando nuestra fotografía.

La herramienta Eliminación de manchas es muy fácil de usar. Simplemente deberás pintar sobre la parte que quieres eliminar, y automáticamente Lightroom elegirá una zona cercana con la que sustituir esa zona que hemos seleccionado.

Si la zona que Lightroom ha elegido para copiar encima de la zona que queremos eliminar no es correcta (no siempre acierta), podemos pulsar y arrastrar el circulito para copiar exactamente la zona que nosotros queramos.

Esta herramienta no funcionará bien para eliminar elementos grandes, pero sí nos va a ser muy útil para quitar las típicas manchitas de polvo en el sensor, gotas en la lente o algún elemento pequeño que pueda estar ensuciando nuestra fotografía, como por ejemplo un papel en el suelo.

9. Enfoque y Ruido

Ahora que ya tenemos nuestra fotografía casi procesada del todo, falta darle un toque de enfoque, desde el menú Detalle. El archivo JPG aplica un pequeño ajuste para mejorar el enfoque, pero disparando en RAW lo tendremos que hacer nosotros mismos. Simplemente ve al submenú Enfoque y aumenta ligeramente los deslizadores de Cantidad, Radio y Detalle para darle más nitidez a tu fotografía. Eso sí, no te pases o aparecerán halos y bordes dobles que estropearán el resultado final.

Aquí también encontrarás el submenú Reducción de Ruido, que nos permitirá reducir el ruido de nuestras fotografías. Sobre todo para fotografías nocturnas o de larga exposición, este paso será importante. Podrás reducirlo aumentando los deslizadores de Detalle y Contraste, y con el resto de deslizadores de Color podrás eliminar también el ruido cromático. Al igual que con el enfoque, también deberás ser moderado con la reducción de ruido, o eliminarás totalmente la textura de tu fotografía, perdiendo mucha nitidez y detalle.

10. Últimos Retoques

Finalmente, tan solo nos queda darle el toque final a nuestra fotografía. Por ejemplo, podemos aplicarle, desde el menú Efectos, viñeteado o grano, para darle un aspecto más vintage.

También podemos darle el toque final de color, como te comentaba antes, desde el menú Dividir Tonos o desde los deslizadores de Perfil:

• Dividir Tonos

Esta herramienta nos va a ayudar a darle un aspecto muy personal a nuestra foto. Se trata de darle un acabado haciendo que vire ligeramente a algún color. Concretamente, podremos elegir el tono al que queremos virar las iluminaciones y darle más o menos intensidad con el deslizador de Saturación, y después haremos lo mismo con el apartado de sombras.

Finalmente, con el deslizador de Equilibrio vamos a terminar de darle nuestro toque personal, haciendo que predominen más los tonos de la zona de sombras o de la zona de luces.

• Deslizadores de Perfil

También vamos a poder darle un toque final el color de nuestra fotografía modificando los deslizadores de color de Perfil, dentro del menú Calibración de la cámara. Aquí podremos variar ligeramente el tono de cada color primario para darle a los colores de nuestra fotografía un toque personal.

• Presets

Por último, cabe destacar que existen presets que le van a dar a nuestra fotografía un aspecto concreto. Aunque muchos de ellos solo varían el color, otros también tocan otros aspectos de la fotografía, por lo que quizás después de aplicarlos tengas que modificar algún aspecto que no haya quedado como desearías.

Otra opción también puede ser aplicar el preset al inicio de todo el proceso de retoque, si ya tienes muy claro que va a ayudarte a conseguir el aspecto que buscas. Así podrás ahorrarte tiempo y algún que otro paso.

Si quieres saber cómo descargar, instalar y aplicar presets en Lightroom, te recomiendo que te pases por nuestro artículo "Presets de Lightroom Gratis: las 18 Mejores Colecciones".

Exportación en Lightroom

De nada nos sirve retocar a la perfección una fotografía si luego no sabemos cómo exportarla correctamente. Por eso, como parte final de este artículo me gustaría repasar brevemente las opciones de exportación en Lightroom.

Cuando hayas terminado de procesar una fotografía, simplemente pulsa sobre ella con el botón derecho del ratón y dale a Exportar/Exportar... Aquí encontrarás diversas opciones de exportación:

• Ubicación: Define el lugar donde se guardará el archivo.
• Nombre del archivo: Puedes elegir darle el mismo nombre que el archivo original o cambiárselo por otro personalizado.
• Ajustes de archivo: Puedes elegir el formato del archivo, su calidad y su espacio de color.
• Cambiar tamaño de imagen: Puedes optar por deseleccionarlo y exportar la fotografía al tamaño original, o personalizar un tamaño y una resolución concretos.
• Enfoque de salida: Puedes optar por darle un ligero enfoque a la fotografía en la exportación.
• Metadatos: Puedes decidir incluir o no los metadatos del archivo en la fotografía.
• Marca de agua: Lightroom te permite aplicar marcas de agua de manera muy sencilla e intuitiva, y guardarlas para aplicarlas automáticamente a todas las fotografías que exportes.
• Posprocesamiento: Puedes decirle al ordenador que abra el archivo en otro programa, una vez exportado.

Finalmente, cabe destacar que si quieres darles la misma configuración de exportación al resto de fotografías que quieras exportar, simplemente deberás elegir Exportar/Exportar con anterior para que se apliquen los ajustes que ya aplicaste en la última foto exportada.

Salimos a la calle, cogemos nuestra cámara, disparamos, y obtenemos nuestra foto. Nuestra foto perfectamente enfocada. Pero... ¿te has preguntado cómo trabaja tu cámara a la hora de enfocar? En la mayoría de ocasiones el autofocus o enfoque automático va a ser la opción de enfoque más utilizada, pero poco conocemos de ella.

En este artículo voy a tratar de explicarte cuáles son los diferentes tipos de enfoque automático que existen y cómo funciona cada uno de ellos. ¡Quédate conmigo para descubrirlo!

Tipos de Enfoque Automático

Explicar los diferentes sistemas de enfoque automático es una tarea bastante compleja, y sobre todo técnica.

Algo tan sencillo como pulsar el botón de nuestra cámara y que la imagen aparezca bien enfocada lleva detrás un gran trabajo para que sea posible. En este otro artículo te hablábamos de los modos de enfoque automático. Hoy te contaremos los diferentes sistemas que hay de enfoque automático y cómo funcionan.

Para empezar, distinguiremos entre sistemas de enfoque automático activos y sistemas de enfoque automático pasivos. Veámoslos en detalle.

Sistemas de Enfoque Automático Activo

Algunas cámaras Polaroid trabajaban con sistema de autoenfoque activo.

El sistema de enfoque automático activo funciona de la siguiente manera.

1. Nuestra cámara emite una luz infrarroja o una señal de ultrasonido en dirección al motivo que deseamos enfocar.
2. La cámara es capaz de calcular la distancia a la que se encuentra el motivo gracias a uno de los dos métodos.
3. La cámara enfoca el motivo.

Si la cámara emite una luz infrarroja, ésta calculará la luz reflejada a través de un pequeño sensor para determinar cuál es el motivo que debe enfocarse. El problema de este sistema de autoenfoque es que debemos saber que solo podremos enfocar motivos que se encuentren al alcance del rayo de luz de nuestra cámara.

Si la cámara emite ultrasonidos, ésta desprenderá una onda sónica y medirá el tiempo que tarda en regresar a ella para indicarle el motivo a enfocar.

Uno de los puntos fuertes de los sistemas de enfoque automático activos es que no hace falta que haya muchísima luz para que el autofoco trabaje bien, sino que en ambientes oscuros también podremos utilizarlo. Pero no debemos confundirlo con la luz de asistencia o lámpara de ayuda que salta cuando trabajamos en condiciones de luz escasa en nuestras cámaras réflex o evil, ya que en este caso se trata de un haz de luz que actúa como lo haría una linterna para ayudarnos a enfocar, pero pertenece a los sistemas de enfoque automático pasivo que vamos a ver a continuación.

Sistemas de Enfoque Automático Pasivo

Con el sistema de autoenfoque pasivo lograremos una mayor nitidez en nuestras imágenes. Si vamos a trabajar en ambientes en los que disponemos de bastante luz, o en los que contamos con texturas, volúmenes distintos o líneas muy marcadas, son los más indicados. Estos sistemas son los más comunes y los que funcionan a partir de la información que llega a la cámara (es decir, de la luz que refleja el objeto o sujeto a enfocar) sin que esta (la cámara) tenga que emitir ningún tipo de onda antes. Dentro de los sistemas en enfoque automático pasivos podemos distinguir entre:

Autoenfoque por Diferencia de Contraste

Este tipo de autoenfoque es el que han llevado las cámaras compactas digitales. Es un sistema más preciso que el de detección por fase, y al necesitar menos cantidad de tecnología en el interior de la cámara, eso hará que ésta sea más barata y también más pequeña. La pega es que es un sistema más lento a la hora de enfocar.

Cuando trabajamos con un sistema de autoenfoque por diferencia de contraste, nuestra cámara enfocará aquella zona que tenga un contraste máximo. Es decir, el sensor de la cámara captará la escena y analizará las diferencias de luz y el contraste que hay en ella para poder enfocar. La imagen saldrá más nítida cuando más contraste haya en la escena.

El procesador de la cámara es el que buscará los puntos de la escena en los que la iluminación cambia bruscamente para basar su sistema de enfoque.

La razón por la que este sistema de autoenfoque es más lento, es porque la cámara va a analizar la imagen al completo, independientemente de los puntos de enfoque con los que trabajemos. Al tener que analizar toda la imagen, la información a procesar es mayor y eso hace que se tarde más en enfocar que en otros sistemas. Por eso no el sistema más recomendado si pretendemos trabajar con el modo de enfoque continuo.

Otro de sus puntos flacos tiene que ver con la cantidad de luz que tiene la escena que vamos a fotografiar. Cuando la iluminación es escasa y la escena carece de contraste (fotos de noche, en interiores oscuros, o a una pared lisa y de un mismo tono), suele tener complicaciones.

Este sistema de autoenfoque es ideal para cuando queremos fotografiar a sujetos que están inmóviles. Si trabajamos con el live view de nuestras cámaras réflex estamos trabajando con este sistema. Seguro que has comprobado que en condiciones de luz escasa se empieza a escuchar el motor de enfoque de tu cámara tratando de determinar cuál es el punto a enfocar. O también en situaciones en las que todo es muy plano y no hay un elemento con lineas o textura que contraste con el fondo. Ante estas situaciones, lo mejor es que te olvides del modo automático y te pases al manual, que ese (si se hace bien) nunca falla.

Aún así, este sistema de autoenfoque ha evolucionado con el tiempo y es capaz de hacerle competencia al sistema de autoenfoque por detección de fase. Sobre todo desde el auge del modo video de nuestras cámaras, y también con gracias a las cámaras sin espejo como las evil, que cada vez tiene un sistema de autoenfoque por contraste más rápido.

Autoenfoque por Detección de Fase

Este sistema de autoenfoque es más moderno y es el que llevan las cámaras réflex. También trabaja con la luz reflejada por el objeto o sujeto que queramos enfocar, pero de una manera distinta al que acabamos de ver.

En este caso, además del sensor que conocemos habitualmente, la cámara dispone de un segundo sensor que en vez de captar la imagen, se encarga del sistema de autoenfoque. Y es propio de las cámaras réflex porque es el espejo de nuestra cámara el que va a reenviar parte de la luz al visor, pero otra parte dejará que llegue, a través de un espejo secundario, al sensor de autoenfoque.

Además, cuando la luz llega al sensor de autoenfoque de nuestra cámara, se divide en dos imágenes que llegan hasta el sistema de enfoque y son convertidas en una señal eléctrica. Esa señal eléctrica se basará en los puntos de enfoque que hayamos seleccionado a la hora de hacer la toma.

Por cada punto de enfoque, hay dos sensores separados que hacen una triangulación. La cámara analiza ambas señales eléctricas y hace que sus picos de luz coincidan para que el enfoque sea el correcto. Si los picos no coinciden, la imagen no estará enfocada, y el sistema electrónico tendrá que calcular hacia dónde debe mover la lente en función de la distancia a la que estemos del punto de enfoque.

Es más rápido que el autoenfoque por diferencia de contraste, pero requiere más tecnología en el interior de la cámara, lo cual por norma general, suele acabar en un cuerpo de cámara de mayor tamaño y también de más coste. Una de sus desventajas es que si la cámara no está bien calibrada se pueden presentar problemas de back focus o front focus (todas las imágenes aparecerán desenfocadas).

Este sistema de autoenfoque es ideal para cuando queremos fotografiar a sujetos que están en movimiento. En este caso la cámara no leerá toda la imagen como en el caso de el autoenfoque por contraste, sino que analizará los puntos de enfoque que nosotros le indiquemos. Y a este respecto debemos mencionar que existen puntos de enfoque que solo captan los cambios en vertical, otros en horizontal y otros de ambas formas, que son los conocidos puntos de enfoque en cruz.

Existen 3 tipos de puntos de enfoque: horizontales, verticales y cruzados.

Autoenfoque Híbrido

El sistema de autoenfoque híbrido es una mezcla de los dos anteriores, y uno de los sistemas que está adquiriendo mayor popularidad en la actualidad. Se trata de juntar lo mejor de ambos sistemas para conseguir un sistema de autoenfoque que sea preciso y rápido.

El auge del modo video en las cámaras réflex, y también el éxito que están cosechando las cámaras evil (sin espejo) tienen mucho que ver en su aparición, ya que en ambos casos se trabaja sin espejo y eso hace que el sistema por detección de fase que hemos explicado anteriormente no se pueda llevar a cabo tal cual hemos visto.

Entonces... ¿cómo se pueden unir ambos sistemas si no disponemos de un espejo? Pues en esta ocasión será el propio sensor de imagen quien se encargue de ello, ya que se integrarán los píxeles de detección de fase en estos. Gracias también al mejor rendimiento de los procesadores de las cámaras, el sensor será capaz de hacer un enfoque por diferencia de contraste y otro enfoque por detección de fase que le otorgan a este tipo de sistema muy buenos resultados.

¡Aprovecha al Máximo el Autoenfoque de Tu Cámara!

Ahora ya conoces algo más de los sistemas de enfoque automático de las cámaras. Las cosas son como son por una razón, y en este artículo he querido acercarte de manera sencilla a comprender la complejidad que se esconde en algo tan simple y a lo que no le damos la suficiente importancia como es el enfoque automático, un avance que nos ayuda mucho en fotografía. Seguro que ahora, tras leer el artículo, te pondrás a investigar qué tipo de enfoque automático tiene tu cámara.

¿Y tú? ¿Tienes más información sobre los tipos de enfoque automático que quieras compartir con nosotros? ¡Cuéntanosla en los comentarios!

Seguro que por muy aficionado que seas a otros tipos de fotografía, la fotografía de retrato siempre está presente en tu archivo fotográfico. Y es que siempre tenemos gente a nuestro alrededor a la que queremos plasmar para el recuerdo: amigos, hijos, familia…

Ya te hemos hablado en más de una ocasión sobre los mejores consejos para conseguir buenas fotografías de retrato pero, ¿qué pasa cuando las personas retratadas son muchas? Para fotografiar con éxito a un grupo de personas deberás tener en cuenta diversos consejos. ¿Quieres descubrirlos?

Una fotografía de grupo puede ser una toma bastante complicada, por diferentes motivos:

• No tenemos un único centro de interés.
• Unos sujetos pueden interferir sobre los otros.
• Sobre todo en grupos grandes, es difícil que todo el mundo salga bien a la vez.
• Si el grupo está de celebración, es complicado dirigirlos.

Por eso, será importante seguir una serie de consejos básicos para conseguir los mejores resultados.

1. Usa una Profundidad de Campo Amplia

Así como en los retratos de una sola persona usar una profundidad de campo escasa es un consejo recomendable, no lo va a ser tanto para fotografiar grupos.

El plano de enfoque es una línea horizontal paralela a nuestra cámara, que es más ancha o más estrecha dependiendo de la profundidad de campo que haya. Cuando la persona retratada se coloca en esa línea, su cara sale se ve nítida, y lo que queda fuera de esa línea aparecerá desenfocado.

En plano de enfoque es el trozo delimitado por la flecha roja. Todo lo que se sale de él, queda desenfocado. Por eso si colocamos todos los elementos en línea, aparecen todos nítidos.

Sin embargo, cuando tenemos a varias personas lo normal es que no todas estén situadas en el mismo plano de enfoque; no van a estar todas situadas en una línea perfecta. Por eso, si usamos una profundidad de campo demasiado pequeña, alguien podría quedarse fuera de esa línea que constituye el plano de enfoque y su cara no saldrá nítida.

En cambio, si usamos una profundidad de campo más amplia, conseguiremos que ese plano de enfoque sea más ancho y, por tanto, todo el grupo entrará dentro de esa zona que aparecerá nítida.

La primera foto tiene a dos personas desenfocadas porque se salen del plano de enfoque. En cambio, en la segunda foto, al estar en la misma línea y tener una profundidad de campo mayor, conseguimos que todo el mundo salga nítido.

Recuerda que la profundidad de campo depende de 3 factores clave:

1. El diafragma: Cuanto más abierto, menor profundidad de campo.
2. La distancia focal: Cuanto mayor distancia focal, menor profundidad de campo.
3. La distancia del plano de enfoque a la cámara: Cuanta mayor distancia, mayor profundidad de campo.

Así pues, para conseguir una profundidad de campo adecuada para una fotografía de grupo deberás cerrar un poco el diafragma (por ejemplo f/5.6 - f/8), utilizar distancias focales cortas (por ejemplo menor de 50 mm) y no acercar demasiado tu cámara al grupo de gente.

Por supuesto, cuanto mayor sea el grupo, mayor profundidad de campo necesitarás. También requerirás una profundidad de campo mayor si la gente en vez de situarse en línea se sitúan unos delante y otros detrás.

2. Usa una Velocidad de Obturación Rápida

También va a ser importante no usar velocidades de obturación demasiado lentas. Cuanto mayor sea el grupo más difícil será controlar a todo el mundo, y más cuando están de fiesta o de celebración.

Por eso será mejor subir un poco la velocidad de obturación para asegurarte de que nadie saldrá movido. Tampoco hace falta que la subas excesivamente, ya que perderías bastante luz, y ya hemos perdido bastante teniendo que cerrar el diafragma para aumentar la profundidad de campo. Así pues, con situarla alrededor de 1/200 seg. bastará.

3. Ojo con la Iluminación

La iluminación es importante para cualquier tipo de fotografía, pero en fotografías de grupo es especialmente delicada.

En primer lugar, deberás seguir los consejos básicos sobre iluminación para retrato que ya te hemos dado en más de una ocasión:

• Evita la luz frontal, optando mejor por ángulos de 45º.
• Evita la luz del mediodía y aprovecha la luz más suave del atardecer o amanecer.
• Si la luz no es buena, busca la sombra.
• En interiores busca un buen ventanal para aprovechar la luz natural.
• Si no hay suficiente luz, apóyate con un flash con difusor, o usa luz continua si no cuentas con un flash.

Además, en fotografías de grupo tendremos que tener en cuenta que, al haber más de una persona, es posible que la gente más adelantada le haga sombra a la gente que esté situada un poco más atrás. Así pues, procura evitar que la luz incida de manera lateral sobre el grupo, sino más bien en un ángulo de 45º o incluso inferior.

Fíjate siempre en los rostros de todo el mundo antes de disparar, y si ves que a alguien le afecta la sombra de otro, dirige al grupo para que todos estén en la misma línea y no interfieran unos con otros.

4. Elige Bien la Localización

No dispares a lo loco. Este es un consejo aplicable a cualquier tipo de fotografía, pero en este caso es importante recalcarlo porque al estar de celebración y tener que manejar a mucha gente, a veces disparamos sin pensar.

Fíjate bien en el lugar, y elige una localización en la que todo el mundo pueda caber bien, sin apretarse, y en la que tú te puedas alejar lo suficiente para abarcarlos todos dentro del encuadre. Si es un grupo de algo concreto procura situarlos en un contexto, es decir, en una localización que se identifique con el grupo. Por ejemplo, será interesante fotografiar a un equipo de fútbol en el terreno de juego, o un grupo de alumnos en la puerta del instituto.

Además, si es un grupo especialmente grande, busca algún lugar con escaleras o alguna grada para que la gente de atrás pueda sobresalir y no quede cubierta por la gente de delante.

Por otra parte, también será imprescindible fijarte en el fondo. Aunque no vaya a verse mucho, sí será importante prestarle la atención que merece, para que sea atractivo y no aparezca ningún elemento cortado por el borde del encuadre.

Como ya te comentaba en el punto anterior, ten en cuenta también la iluminación del lugar para elegir la localización y la posición perfectas para tu grupo.

5. Juntos pero No Apelotonados

Muchas veces pecamos de querer disparar demasiado rápido para no molestar al grupo, pero si queremos obtener un buen resultado va a ser mejor tomarnos un momento para reflexionar y colocar a la gente de la mejor manera posible. Ten en cuenta que cuanto más juntos estén más probabilidades habrá de que unos interfieran sobre otros.

Dirigir al grupo puede parecer difícil, pero deberás hacerte oír y no tener vergüenza a la hora de recolocarlos si quieres conseguir una buena fotografía. Para ello lo ideal será crear un ambiente distendido y divertido, como ya te comentaré en el punto 7 de este artículo.

Así pues, intenta distribuir a todo el mundo de manera que queden juntos pero no demasiado apretados. A no ser que sea estrictamente necesario porque el grupo sea enorme, procura que todos se distribuyan en una misma línea, para evitar que haya “cabezas flotantes “ por detrás. Si es inevitable, procura que la gente más baja se coloque delante, y busca alguna escalera o lugar elevado para que la gente de atrás sobresalga un poco y evitar este efecto que te comentaba de “cabezas flotantes”.

6. Fíjate en los Bordes de la Toma

Cuando estás centrado en mirar a tanta gente para que todos salgan bien y nadie tape a nadie, muchas veces olvidamos algo fundamental: mirar los bordes de nuestro encuadre. Y eso es algo que diferencia a una buena foto de una foto mediocre, cuidar el encuadre. Procura no solo no cortar a nadie, sino también no cortar ningún elemento del fondo.

Si no es una fotografía de grupo de cuerpo completo, recuerda los fundamentos de corte de planos de retrato: no cortes articulaciones, ni manos, ni pies. Revisa los tipos de plano en retrato y adáptalos al grupo.

7. Crea un Ambiente Divertido

Es importante que intentes crear un ambiente divertido y que te expreses transmitiendo buen rollo. Esta actitud te beneficiará en muchos sentidos:

• Podrás dirigir al grupo pero sin sonar autoritario, pudiendo así levantar la voz para que todos te escuchen sin parecer un cascarrabias.
• Conseguirás que todos (o al menos casi todos) sonrían en la fotografía. Que a veces hay fotos de grupo tan sosas que parece que esté la gente en un velatorio en vez de celebración, ¿verdad?
• Conseguirás fotografías más divertidas, sobre todo si hay niños.
• Ayudarás a desinhibirse a la gente más vergonzosa, lo que contribuirá a que salgan mejor.
• Podrás pedirle a la gente fácilmente que cambie de postura, que salte o que haga gestos graciosos, sin sonar demasiado pesado o aburrido.

8. Sé Creativo

Está claro que no siempre se puede ser creativo porque puede que no tengamos tanto tiempo o que la gente no esté por la labor, pero si cuentas con tiempo y gente dispuesta a ir un paso más allá se pueden conseguir fotografías de grupo creativas, divertidas y muy originales.

Olvídate de las caras, de mirar a cámara y de salir bien... ¡Busca introducirte en el grupo! Sácalos bailando o disfrutando del día, mirándose o interactuando entre ellos, cocinando, jugando... Este tipo de fotografías no solo transmiten el ambiente del evento o celebración sino que te hacen partícipe de él. Al contemplar después esa fotografía parecerá que estás dentro de la propia fiesta, volviendo a disfrutar lo que disfrutasteis ese día, y eso vale mucho más que ver a todo el mundo con la típica sonrisa en una foto de grupo normal.

Prueba también a realizar encuadres diferentes, picados, contrapicados, planos nadires, cenitales o incluso planos holandeses. Atrévete con los contraluces para conseguir siluetas, o con exposiciones muy rápidas para congelar el movimiento, por ejemplo, en un salto. ¡Conseguirás fotografías diferentes y divertidas!

9. No te Olvides de Incluirte en la Foto

Si estás disparando una foto familiar o una foto de tu grupo de amigos, no te olvides de algo importante: ¡salir tú también! Siempre nos pasa que hacemos las mejores fotos de nuestra familia y amigos y luego no salimos en ninguna.

Usa un trípode y el temporizador de tu cámara (o un disparador remoto) para poder salir en la fotografía. Si no cuentas con un trípode, puedes encontrar unos cuántos trucos para “inventarte” trípodes improvisados en este artículo.

10. Dispara Varias Tomas

Cuando estamos fotografiando a tanta gente es muy difícil que la foto salga bien a la primera. Uno cerrará los ojos, el otro no se habrá enterado aún de que estás disparando y el de más allá estará con la boca abierta porque te estaba preguntando que si ya estaba la foto hecha. No te preocupes, es lo más normal del mundo. Y cuando el grupo está de fiesta o celebración la cosa aún se desmadra más. ¡Y si hay niños ya ni te cuento!

Por eso lo mejor será que, transmitiendo una actitud buenrollera y divertida, los dirijas, los coloques y dispares muchas tomas. Háblales entre cada toma y prepáralos para que sepan claramente cuándo vas a disparar: haz una cuenta atrás o anúnciales que vas a disparar otra toma, para que se preparen. Cuando ya hayas disparado dos o tres tomas “normales”, anímales a hacer algún gesto divertido, levantar los brazos o saltar, para tener también tomas más desenfadadas y conseguir además que no se aburran.

También puede ser interesante que hagas la misma fotografía en escalas diferentes, es decir, más cercana y más alejada, para después elegir el encuadre que más te guste. Sobre todo si van a aparecer muchas fotos de grupo seguidas en un álbum será interesante hacer tomas con diferentes escalas para que el álbum no quede monótono.

11. Y en el Peor de los Casos… ¡Cambia las Cabezas de la Gente!

Este consejo va íntimamente ligado al punto anterior. Y es que a veces, por mucho que insistas y por muchas fotos que hagas, la cosa es imposible.

En muchas ocasiones te puedes encontrar con la siguiente situación: en la primera foto algunos han salido mal y, al repetir, salen mal los que habían posado bien al principio. Y cuando vuelvas a repetir la foto, alguna gente empezará a desesperarse y volverá a salir mal, o saldrá con una pose forzada. Cuanto más repitas y más tardes, más forzada va a salir la gente, por eso es importante tener una actitud positiva y divertida, para intentar quitarles esa tensión de encima.

Pero cuando todo lo demás falla, Photoshop puede ayudarnos. Puedes encontrar en este artículo todos los pasos que debes seguir para conseguir cambiar las cabezas de unos y otros, para quedarte con la mejor cara de cada uno. ¡Así todo el mundo saldrá estupendo!

Fotos de Grupo Perfectas... ¡Cambiando Cabezas!

¿Tienes que presentar alguna solicitud en la que necesites una foto tamaño carnet? ¿Quieres aprender a hacerte tus propias fotos? Pues no te pierdas este artículo porque en él te enseñamos a hacerlas con varios ejemplos prácticos y paso a paso, desde la captura hasta la impresión.

Fotos Tamaño Carnet

Hay muchas situaciones en las que necesitarás una foto tamaño carnet para presentar diferente tipo de documentación.  Lo ideal en estos casos es acudir a un profesional para asegurarnos de que la foto final tiene la calidad adecuada y cumple con los requisitos necesarios en cuanto a medidas y formato para poder presentarla a las instituciones oficiales según sus reglas. Porque sí, no vale cualquier foto y no vale presentarla de cualquier manera, y eso los profesionales lo tienen muy presente, por lo que nunca tendrás problemas si optas por que te hagan las fotos ellos. 

Pero hay ocasiones en las que no es posible acudir a ellos por las razones que sea, o que tampoco contamos con uno de los clásicos fotomatones cerca de casa. ¿Te acuerdas de ellos? Normalmente estaban situados  a la entrada de los centros comerciales (y hoy en día todavía muchos siguen estando). Estos te permiten sacar varias fotos a la vez entrando dentro de una especie de cabina en la que regulas la altura de la silla, cierras la cortinilla, miras al centro de la ventana y... ¡ZAS!, después de un destello cegador y unos segundos de espera, tus fotos salen directamente impresas. 

Estas alternativas siempre están ahí. La profesional y la opción rápida. Pero... ¿y si te gusta la fotografía y te apetece hacerte tú mismo las fotos de carnet? Pues claro que puedes hacerlo, siempre que sigas una serie de consejos para asegurarte de que las fotos cuentan con la calidad y requisitos adecuados.

Ahora tras el fin de las vacaciones, la vuelta al trabajo y el inicio de los cursos y estudios, reanudaremos muchas actividades para las cuales nos demanden precisamente este tipo de fotos. Y esta puede ser la excusa perfecta que necesitabas para atreverte a hacer tus propias fotos de carnet.

Fragmento Fototip Haz Tus Fotos de Carnet

¿Tienes una cámara digital y te manejas mínimamente con Photoshop o con otro programa de retoque fotográfico? Pues hoy te enseñaré cómo hacer 8 fotos tamaño carnet para que las puedas revelar en cualquier sitio (o en tu casa si utilizas impresora) por muy poco dinero. ¿Vemos cómo?

Cómo Hacer las Fotos para el Carnet

Te he dicho en el título que esta iba a ser una guía completa y así va a ser. Primero vamos a repasar todas las opciones que tenemos a la hora de hacer nuestra foto de carnet en el momento de la captura, y a continuación veremos tres ejemplos en los que hemos pues en práctica la teoría.

Para hacer nuestra foto de carnet hay cuatro cosas esenciales que debemos tener: un fondo claro y uniforme, una buena iluminación, un buen control de nuestro equipo, y una buena puesta en escena por decirlo de algún modo.

1. El Set: Fondo Claro y Uniforme

Empecemos por el principio. ¿Dónde podemos hacer la fotografía de carnet? Bueno, dudo que todos los que me estáis leyendo contéis con un estudio fotográfico profesional, así que aunque este sería el escenario ideal probablemente no sea la mejor recomendación que os puedo hacer.

Otra cosa es que hablemos de que en casa alguno de vosotros tenga su propio estudio lowcost, del que ya te hemos hablado en otras ocasiones y que puede serte muy útil si eres amante de la fotografía. Para este caso, ese estudio necesitaría simplemente de un fondo blanco y uniforme y de algunos accesorios de iluminación de los que hablaremos más adelante.

Ese fondo puede ser de diferentes materiales, como pvc, papel, vinilo o tela por ejemplo, y lo podemos sujetar de diferentes maneras, ya sea con un soporte de fondos, o incluso con chinchetas en la pared.

¿Qué más nos puede servir como fondo para este tipo de fotos? Pues una cartulina blanca que sea grande por ejemplo, o incluso una sábana clara. También una pared de nuestra casa siempre que sea clara y uniforme, y que no tenga demasiado brillo o reflejos. ¿Y por qué no? El lado blanco de tu reflector (si este es lo suficientemente grande) también puede servirte como fondo.

2. La Iluminación

En cuanto a la iluminación que podemos emplear para nuestra foto también tenemos varias alternativas. Podemos trabajar desde con luz natural hasta con luz artificial. Si optas por trabajar con luz natural, lo ideal es que coloques al sujeto delante de la ventana para que la luz le llegue de forma uniforme, o que optes por ponerlo de lado y añadas un reflector en el lado contrario para rebotar la luz y que no aparezcan sombras marcadas o zonas oscuras en este.

Si decides optar por luz artificial puedes elegir entre luz continua y luz de flash. La luz continua la puedes obtener de bombillas, una antorcha o un anillo de luz led. Sobre este último ten en cuenta que es mejor no acercarlo mucho al sujeto para que no aparezca el reflejo del anillo en los ojos, ya que suele destacar demasiado y para este tipo de toma no es lo que deseamos.

Si optas por la luz artificial de flash, podrás trabajar tanto con el flash integrado de tu cámara, como con flashes externos, ya sean de mano o de estudio, que pueden ir acompañados de softbox para suavizar el haz de luz.

Lo que deberemos tener en cuenta sea cual sea el tipo de iluminación por el que nos decantemos, es que el sujeto deberá estar separado del fondo para evitar que aparezca su sombra en el fondo en la medida de lo posible.

3. Equipo y la Configuración

Vamos con el equipo. Lo primero que deberemos tener es una cámara para poder hacer nuestra foto de carnet. Esta puede ser réflex, sin espejo, una bridge, una compacta, o incluso la cámara de tu móvil como veremos en uno de los ejemplos a continuación.

Si vas a realizarte un autorretrato, entonces será esencial contar también con un trípode y un disparador remoto, o en su defecto emplear el temporizador de la cámara.

En cuanto a qué lente es la más idónea para este tipo de fotos, si puedes escoger huye siempre de los objetivos angulares, ya que estos tienden a deformar las proporciones del rostro y sacarnos poco favorecedores. Lo ideal es que optes por distancias focales que vayan desde los 35 mm en adelante. Un teleobjetivo también te servirá, aunque ten presente que cuanto mayor sea el rango focal con el que trabajes más espacio físico necesitarás para alejarte del sujeto, y si hablamos de un interior no en todos los casos dispondremos de tanto espacio como nos gustaría.

En cuanto a la configuración, es recomendable que si tienes la opción dispares tu fotografía en formato RAW, ya que así tendrás más margen de corrección a la hora de ajustar tu fotografía.

Puedes trabajar en modo manual para controlar todos los parámetros, aunque también puedes optar por utilizar el modo semiautomático a la apertura de diafragma, ya que este semi-automatismo puede resultarnos más cómodo ala hora de trabajar, con la ventaja de que la variable más importante en este caso podremos controlarla, la apertura.

¿Por qué digo esto? Pues porque en este caso queremos que todo el rostro del sujeto que vaya a aparecer en la fotografía salga nítido, por lo que no nos interesa trabajar con aperturas muy amplias en las que la profundidad de campo sea muy escasa y por ejemplo salgan nítidos los ojos pero la nariz no. Es por ello que con este modo podremos seleccionar la apertura con la que queremos trabajar (lo ideal será optar por una apertura entre f/5,6 y f/8), e incluso la sensibilidad ISO para evitar que aparezca un exceso de ruido, mientras que la velocidad de obturación la calculará la propia cámara.

4. El Posado

Por último en cuanto a los consejos, vamos a repasar qué cosas deberemos tener en cuenta a la hora de posar frente a la cámara para este tipo de fotografías, teniendo siempre presente que el objetivo de estas capturas es sacarnos de manera natural para que se nos reconozca claramente.

• Puedes posar estando de pie, aunque si tienes la opción de sentarte en un taburete mejor porque te ayudará a salir más relajado y que tus hombros no estén tan tensos. Eso sí, evita las sillas con respaldo porque este no deberá salir en la captura.
• Tu espalda deberá estar erguida y recta, nada de poses decaídas.
• La pose deberá ser totalmente frontal a la cámara para que se nos vea bien. No se valen las fotos de perfil o ladeadas.
• Evita las sonrisas forzadas.
• Debes mirar a cámara para la foto.
• Intenta no inclinar la cabeza hacia las lados, y si puedes separa la barbilla del cuello para evitar que salga la temida "papada".
• Si llevas el pelo largo, retíratelo del rostro para que este no lo oculte, ya que como te decía antes se nos tiene que identificar perfectamente.
• En el caso de que lleves gafas graduadas, ten cuidado con los reflejos de las luces, ya que estos pueden ocultar parte de nuestros ojos y eso no está permitido. Puede seguir nuestros consejos para evitar que esto ocurra, y si no puedes, es mejor que te las quites para hacer la foto.
• Evita llevar complementos que oculten parte del rostro, como sombreros, gafas de sol, palillos en la boca, etc.
• A la hora de hacer la foto, procura dejar suficiente espacio (fondo blanco) alrededor del sujeto.

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Los 3 Casos Prácticos

Y ahora, tras ver los consejos de forma teórica voy a mostrarte tres ejemplos en los que hemos puesto en práctica lo visto. En ellos verás como hemos ido combinando diferentes opciones para obtener un mismo resultado, una foto tipo carnet.

Foto de Carnet en Interior con Luz Natural

Para el primer caso nuestra compañera Tina será nuestra modelo, y la foto la haremos en el interior de una casa. Lo que hemos hecho es buscar la luz natural de una ventana, sobre la que hay una cortina que actuará como un difusor de luz para que esta no sea tan dura y no aparezcan sombras marcadas.

Nuestro fondo será una pared, y aunque no sea perfectamente lisa y blanca (de hecho es color gris claro y tiene gotelé), podrá servirnos perfectamente como fondo de la foto. Lo único que tenemos que tener en cuenta es que nuestro sujeto tiene que separarse de ese fondo como decíamos antes, y no estar totalmente pegado a él.

Lo ideal hubiera sido que nuestra modelo se colocara frontalmente a la ventana, pero la pared que necesitamos está en otra posición, por lo que nuestra modelo deberá colocarse de forma que la luz le incida lateralmente. Esto hará que el lado del rostro que queda opuesto a la ventana aparezca un poco oscuro, pero tranquilo porque tenemos una solución muy sencilla para arreglarlo. Esa solución se llama reflector. Gracias a su cara blanca, plateada o dorada según lo necesitemos, conseguiremos que la luz de la ventana rebote en él y así lograremos rellenar las sombras que quedaban en ese lado del rostro. 

El siguiente punto tiene que ver con el posado, y aquí debemos tener especial cuidado, ya que no estamos hablando de cualquier tipo de foto, sino de un retrato que va a servir para identificarnos en diferentes documentos oficiales. ¿Qué significa esto? Pues que deberemos huir de sonrisas forzadas, de emplear complementos que oculten parte de nuestro rostro, o de poses que no sean frontales. Esta foto sirve para identificarnos, así que tenemos que salir lo más neutros y naturales posibles. 

En cuanto a la configuración de la cámara, no hay una que sea la perfecta ya que en fotografía ya sabes que todo depende de las condiciones de luz que tengamos en nuestro entorno. Lo que sí que puedo indicarte es que una manera cómoda de trabajar en este tipo de fotos es emplear el modo semiautomático a la apertura de diafragma, ya que es la variable que más nos interesa controlar. No queremos que salga enfocada la nariz y los ojos no, ¿verdad? 

Es por ello que es recomendable que domines tú la apertura de diafragma y que la fijes en valores intermedios como un f/5,6 o superior, para asegurarte de tener todo el rostro del sujeto enfocado. Con este modo semiautomático la velocidad de obturación la calculará la cámara, y la sensibilidad ISO podrás dejarla en automático o fijarla en el valor que consideres oportuno. Recuerda que si trabajas en formato RAW tendrás más ventajas a la hora de retocar la foto en edición, así que tenlo en cuenta a la hora de disparar tu toma. 

Cuando dispares la fotografía puedes hacerlo tanto en horizontal como en vertical, ya que luego tendrás que ajustar la foto en edición al tamaño que se requiere. Lo que sí que tienes que tener presente en cualquier caso es que debes dejar suficiente espacio (es decir, fondo blanco) alrededor del sujeto. Realiza varias pruebas, y ya está, tenemos nuestro primer ejemplo hecho. 

Foto de Carnet en Estudio Casero con Flash Externo

Vamos a ver otro posible escenario para realizar nuestra foto de carnet. ¿Y si eres tú mismo el que tiene que hacerse la foto? Pues como vamos a ver en este ejemplo práctico, no hay ningún problema. En este caso, vamos a hacer la fotografía en un estudio casero, en el que el fondo es un fondo de tela blanco colocado sobre un soporte. Delante de él, colocaremos un taburete para fijar la posición en la que debemos colocarnos, ya que estaremos levantándonos constantemente para revisar la toma y esto nos ayudará a guardar siempre la misma posición y no tener que corregir continuamente el encuadre. 

También utilizaremos un trípode para sujetar la cámara y que esta no se mueva. Procura situarlo siempre un poco por encima de la mirada para favorecer así el retrato. En cuanto al tema de la iluminación, hemos optado por trabajar con la luz artificial de un flash externo, que dispararemos frontalmente y que estará montado sobre la cámara.  ¿Con qué potencia? Pues dependerá un poco de las condiciones lumínicas del entorno y de la configuración con la que trabajemos en la cámara. Puedes optar por trabajar con el modo TTL si tu flash lo dispone, o por el modo manual de manera que vayas ajustando los valores a aquellos que te ofrezcan un mejor resultado. Si cuentas con una pestaña reflectora en el propio flash, quizá te interese sacar dicha pestaña para conseguir un mejor efecto. La idea es que vayas probando hasta dar con la configuración adecuada. 

También será necesario que tengas un disparador remoto, o que actives el temporizador de la cámara para poder hacer las fotografías. Recuerda siempre dejar suficiente espacio a tu alrededor, y sepárate del fondo para evitar que aparezcan sombras en este. 

En cuanto a la distancia focal que empleemos, es aconsejable que optes aquellas que sean normales o largas como te mencionábamos antes. Evita las focales angulares porque tienden a deformar las proporciones del rostro. Es mejor optar por distancias entre 30mm y 85mm siempre que sea posible, que se acercan más a la realidad.

En esta ocasión hemos decidido trabajar con el modo manual, estableciendo valores muy similares a los del ejemplo anterior, en el que tenemos una apertura de 5,6, una velocidad de obturación de 1/100s y una sensibilidad ISO de 400, no demasiada alta para evitar el exceso de ruido. 

La cámara con la que hemos trabajado cuenta con pantalla articulada, así que le hemos dado la vuelta para orientarnos en el momento de la captura. Eso sí, cuidado en que no se te desvíe la mirada en el momento del disparo, ya que recuerda que hay que mirar al objetivo, no a la pantalla. 

Y ya está. Recuerda seguir las recomendaciones en cuanto a posado que te hemos ofrecido antes, y realiza unas cuantas tomas para poder elegir en edición la mejor.

Foto de Carnet en Exterior con Móvil

Y por último, he querido probar a realizar este tipo de fotos con la cámara del móvil para ver si era factible llevarla a cabo con él. Antes de empezar, he de decir que encontré varias aplicaciones destinadas a este cometido, que ofrecen indicaciones muy interesantes a la hora de hacer la foto y te guían para conseguir un buen resultado. Algunas de estas son: 

• Foto carnet
• Passport Photo Editor
• Identificación con Foto
• EZ Passport ID Photo

El problema es que tras probarlas nos dimos cuenta de que a la hora de extraer la foto de la aplicación y exportarla la calidad bajaba radicalmente, por lo que no te recomendamos que las emplees, ya que pueden darte resultados que no sean lo suficientemente buenos como para que acepten la foto. Lo que sí que puedes hacer es realizar la foto con la cámara de tu móvil si este cuenta con buena calidad. 

Para este ejemplo Noemí será la protagonista, y hemos querido salir al exterior para demostrar que una foto de carnet no tiene por que hacerse siempre en un estudio o en un interior. 

Hemos adquirido una cartulina blanca grande que hemos colocado sobre la fachada de un edificio. Sobre esa cartulina se colocará nuestra modelo, y en este caso sí que nos interesa que se pegue bastante a ella. ¿Por qué? Pues porque aunque es grande, no lo es lo suficiente como para que no se descubra que lo de alrededor es una pared. Además, al ser totalmente lisa y blanca no tendremos ningún problema. 

¿Y la sombra? ¿Qué pasa con ella? Pues nada, porque precisamente hemos aprovechado una tarde nublada para hacer la fotografía, por lo que la luz estará muy difuminada y por lo tanto no habrá sombras marcadas. No obstante, recuerda que en el caso de que haya sol, siempre puedes optar por emplear un difusor para lograr un efecto parecido.

Al igual que con la cámara, evita usar la lente más angular que tenga tu móvil porque el rostro no aparecerá tal y como es. Es mejor que optes por lentes más cercanas si dispones de ellas y estas te proporcionan un buen resultado en cuanto a calidad. Y listo, ya tenemos nuestra captura hecha. 

@dzoom.fotografia Fotos de carnet con tu móvil en un exterior #photography #tipsmoviles #trucosfotografia #trucostiktok #dzoomfotografia #dzoom #tipsfoto ♬ Justin Bieber Type Pop R & B(808173) - Daisuke"D.I"Imai

Vídeo extraído del TikTok de Dzoom

Edición y Montaje de la Foto de Carnet

Una vez tenemos hechas nuestras fotografías llega el momento de editarlas y ajustar su tamaño para poder imprimirlas. En este punto, es importante hacer hincapié en que la edición tiene que ser muy básica. Es una edición para mejorar la toma en cuanto a exposición y color sobre todo, pero no podemos manipular la fotografía ya que se nos tiene que poder reconocer. Una cosa es que nos disimulemos un granito si justamente ese día nos hemos levantado con él, y otra muy distinta retocar la foto hasta el extremos de que no parezcamos nosotros. 

Dicho esto, si has disparado tu foto en formato RAW la abriremos en nuestro programa de edición habitual. En mi caso he utilizado Photoshop, pero no tiene por qué ser este. En las tres tomas, he realizado sobre todo ajustes de exposición, balance de blancos, contraste, tonos blancos y tonos negros. Algo muy importante es que el fondo de la toma quede lo mas blanco posible. Para ello a veces será aconsejable que uses la selección de sujeto y edites por un lado a la persona, y por el otro el fondo, ya que así te asegurarás de que ambos salen como toca. Una vez lista la fotografía, la guardaremos en formato JPEG en el ordenador.

Y ahora es cuando ponemos nuestro granito de arena para ayudarte, porque queremos facilitarte esta labor. Por esta razón hemos creado una plantilla de 10x15 mm para que coloques en ella tus fotos y puedas tener varias copias listas en poco tiempo. Eso sí, esta plantilla está diseñada para que cada una de las fotos tenga una medida de 32 x 26 mm, que es el tamaño requerido para las fotos de carnet del DNI en España. Te recomendamos que antes de seguir con el montaje, te asegures de que en tu país esas medidas son las mismas.

Dicho esto, como te decía la plantilla tiene un tamaño estándar de 10x15 para poder revelarla fácilmente en cualquier lugar, y los huecos se corresponden con el tamaño de las fotos de carnet. Tan solo tienes que colocar tus fotos y ajustarlas un poco para que queden bien.

• Descarga la plantilla en formato PSD (Photoshop)
• Descarga la plantilla en formato PNG

Montaje Paso a Paso de la Plantilla de Fotos de Carnet

El proceso que voy a seguir sirve para generar 8 fotos iguales, aunque por supuesto podrías utilizar fotos distintas. Vamos paso a paso.

1. Abre la plantilla que te he facilitado. Verás que tiene un fondo blanco con 8 huecos transparentes. Son los huecos donde colocaremos las fotos.
2. Abre la foto (o fotos) que quieras utilizar. Arrástrala directamente desde la carpeta donde la tengas guardada, o ábrela en un archivo nuevo, copia la foto (Ctrl+C) y pégala (Ctrl+V) en la plantilla, asegurándote de que está en una capa independiente.
3. Mueve la capa por debajo de la capa del fondo blanco, para que se "asome" por los huecos transparentes y así asegurarte de que tiene el tamaño adecuado. Lo normal es que la foto que acabas de pegar sea muy grande. No te preocupes, no pasa nada.
4. Ahora vamos a ajustar el tamaño de nuestra foto para que encaje en el hueco. Lo vamos a hacer utilizando la opción de menú Edición/Transformación Libre (el atajo de teclado es Ctrl+T). Verás que aparecen unos cuadrados en las esquinas de la foto. Vamos a reescalar la imagen manteniendo pulsada la tecla de Mayúsculas mientras movemos con el ratón el punto de las esquinas.
   • Si se te olvida pulsar la tecla de mayúsculas perderás la proporción de la foto. Si te ha ocurrido esto, simplemente pulsa la tecla de Escape y se anulará el cambio.
5. Puedes bajar la opacidad de la foto para poder acoplarla más fácilmente en el hueco.
6. Puedes ir moviendo la foto para ajustar su posición en el hueco. No es necesario que encaje exactamente, ya que como quedará por debajo del fondo blanco tendrá el tamaño que toca.
7. Sin embargo, si la foto es tan grande que sobresale a través de los otros huecos para otras fotos, tendrás que recortarla. Simplemente usa la selección rectangular () y selecciona el cuadrado que quieres que se muestre. No hace falta apurarlo al hueco de la plantilla, simplemente procura que no se seleccione ningún trozo de los otros huecos de la plantilla.
8. Ahora usa el botón de Máscara rápida ()que encontrarás debajo de la ventana de capas para que la fotografía se recorte siguiendo la forma de la selección.
9. A continuación, simplemente tienes que ir duplicando la capa de la foto hasta que tengas 8 iguales. Para duplicar una capa púlsala con le botón derecho del ratón y dale a Duplicar capa, o con la capa seleccionada pulsa el atajo de teclado Ctrl+J.
10. Ahora simplemente deberás acoplar cada una de las 7 fotos restantes en su correspondiente hueco. Puedes bajarles la opacidad un poco para acoplarlas más fácilmente.
11. Finalmente guardaremos en nuestro ordenador la foto en formato JPEG.

¡Y ya lo tienes! Has creado una foto con proporciones estándar que contiene 8 fotos tamaño carnet y que puedes llevar a cualquier centro de revelado e imprimirlas por el mismo precio con el que revelas una copia estándar de 10x15.

Como te indicaba antes, si has editado tu fotografía de forma correcta, seguramente el blanco del fondo sea tan blanco que a la hora de recortar tus fotos se fusione con la plantilla y no sepas muy bien por donde tienes que cortar. Para que eso no ocurra, activa el efecto de la capa de la plantilla que verás como Trazo presionando el ojo que aparece, y eso te facilitará mucho el trabajo. No te preocupes porque el borde es exterior a la foto, por lo que la foto seguirá teniendo el tamaño que toca.

Impresión de la Foto de Carnet

Nos queda el último paso, imprimir las fotos. Y ojo, porque este paso es más importante de lo que parece. Si no se hace de manera adecuada el tamaño de las fotos no será el correcto y nuestro trabajo no servirá de nada.

Opción 1: Llevar las Fotos a Imprimir

Si vas a llevar la foto a imprimirla a algún sitio, recuerda que está en formato 10x15. Esto quiere decir, que para que las fotos salgan con el tamaño adecuado, deberás imprimir la plantilla que has guardado en una foto 10x15 mm. Ni más, ni menos. Si lo haces de esta forma, tu foto quedará perfecta.

Opción 2: Imprimirlas en Casa

Si por el contrario vas a imprimir las fotos en casa porque tienes una buena impresora, aquí te dejo los pasos que debes seguir para que el resultado sea el optimo. Antes de nada, deberás adquirir papel fotográfico, ya que no vale llevar la foto impresa en un folio corriente. Puede parecer una obviedad pero no está de más recordarla. Lo más frecuente será que ese papel tenga un tamaño de DIN A4, por lo que a continuación te voy a especificar cómo debes configurar la impresión para que salga adecuadamente. En mi caso te lo explicaré con Windows, pero la configuración será la misma en Mac.

Abriremos nuestra plantilla ya terminada y con el botón derecho le daremos a la opción de imprimir. Se nos abrirá una nueva ventana en la que deberemos revisar la siguiente configuración.

• Impresora. Seleccionaremos la impresora con la que vayamos a imprimir nuestra foto. Recuerda que debe estar encendida y conectada a nuestro ordenador.
• Orientación. Elegiremos horizontal.
• Copias. Normalmente elegiremos 1, porque ya en nuestra plantilla tendremos hasta 8 fotos, por lo que en principio no necesitaremos más fotografías de carnet.
• Tamaño de papel. Elegiremos un A4, que es el tamaño folio. Si por alguna de aquellas el papel sobre el que vas a imprimir fuera directamente de 10x15 mm u otro tamaño, aquí deberías especificar cuál es.
• Tipo de papel. Especificaremos el tipo de papel con el que vamos a trabajar.
• Tamaño de foto. Pondremos 10x15 mm, que es el tamaño que ocupa y debe ocupar nuestra foto. Fíjate que en la previsualización que nos ofrece la ventana, si estamos trabajando con un tamaño de papel A4, esta foto no rellenará todo el folio, sino solo parte de él. Si no es así, es que no lo estamos haciendo bien.

Y ya está, ahora solo nos queda darle a imprimir y tendremos nuestra copia lista. Si tu foto ocupa todo el folio es que has cometido un error y se te ha pasado por alto especificar que el tamaño de la foto es de 10x15mm, un error muy común que suele ocurrir en estos casos. Tan solo tenderás que volver a darle a imprimir y corregir en la configuración este valor.

Ahora solo tienes que coger unas tijeras, recortar tus fotos por el borde que se ve y ya las tendrás preparadas para la acción.

¿Te ha convencido el método? ¿Quedan claros todos los pasos? Si tienes cualquier duda, ya sabes que puedes escribirnos en los comentarios y trataremos de ayudarte.

Las Plantillas para Descargar

• Plantilla de fotos de carnet para descargar Gratis (Photoshop .PSD)
• Plantilla de fotos de carnet en formato .PNG

“Todavía no está bien expuesta, tengo que conseguir más luz. ¿Qué cambio?” es algo que suena en nuestra cabeza constantemente. Bien porque las condiciones de luz sean escasas, o bien porque no estemos eligiendo la combinación perfecta, estamos siempre decidiendo cómo variar los parámetros básicos de la cámara para conseguir el mejor resultado de nuestra foto. Pero la combinación de éstos no es única, hay una gran variedad de opciones posibles que nos darán un resultado aceptablemente parecido y válido.

Pero el caso es que podemos encontrar una solución óptima y más adecuada si atendemos a una serie de factores que no siempre están claros. ¿Es preferible forzar la sensibilidad ISO o abrir más el diafragma?. ¿Podría arriesgarme a hacer una foto lenta a pulso?. La respuesta depende de las condiciones, y voy a intentar hacer una lista de situaciones muy comunes en las que, siempre a título personal pero bien justificado, considero que hay una mejor solución a fin de conseguir la mayor calidad de la imagen. La calidad de la fotografía, eso sí, la pondrás tú.

Un pequeño repaso a las consecuencias de cada parámetro

Toda la cuestión nace de que variar cada parámetro tiene unas consecuencias aparte de conseguir mayor o menor exposición. Consecuencias que pueden estropear sensiblemente nuestra fotografía. Por ello voy a hacer un resumen a continuación:

• Velocidad de obturación: en el caso general de que queramos una imagen estática, es decir, con todos los elementos congelados y sin trepidación, debemos atender a la velocidad mínima para que los elementos de la foto salgan estáticos (no es lo mismo fotografiar un perezoso que a unos niños corriendo),  y a la velocidad mínima que nos permite nuestro pulso. Ésta última es consecuencia de que nuestras manos se mueven inevitablemente al pulsar el botón de disparo y sostener la cámara. Así que, si no tenemos apoyada la cámara, hay una velocidad mínima a la que podemos disparar para que la imagen salga sin trepidar. Y esta velocidad mínima depende principalmente de la longitud focal del objetivo con la que estemos disparando, aparte de nuestro buen pulso.
  Una regla aproximada que nos dice la velocidad mínima de seguridad a la que podríamos disparar a pulso en una cámara con sensor APS-C es la de dividir un segundo entre la distancia focal multiplicada x1.5. Así, por poner ejemplos, quedaría:
  • Con dist. focal 35mm: 1/50s como mínimo
  • Con dist. focal 50mm: 1/80s como mínimo
  • Con dist. focal 100mm: 1/160s como mínimo
• Apertura de diafragma: como la mayoría sabréis, variar el diafragma tiene repercusión directa sobre la profundidad de campo, esto es, el área de la foto en foco. Pero también tiene una consecuencia menos conocida, y es que influye notablemente en la nitidez que podemos obtener del objetivo. Inevitablemente, por muy buenos que sean, todos los objetivos pierden algo de nitidez en las aperturas cercanas a la máxima, y ganan calidad en cuanto se cierran uno o dos pasos. Para aclarar esta idea pongo unos ejemplos, siempre aproximados:
  
  Cabe decir que la calidad de imagen obtenida vuelve a caer notablemente al acercarnos a los diafragmas más cerrados, f16-f22
• Sensibilidad ISO: sabemos que, a mayor ISO, más ruido digital se genera en la foto. El ruido es ese granulado que se produce en la imagen y estropea los colores y líneas. Pero la aparición de ruido no es, digamos, lineal. En los valores más cercanos al nominal, normalmente ISO 100, la aparición de ruido en cada paso es muy sutil. En cambio, en los valores forzados más altos el ruido introducido en cada paso se dispara. Por ello, pasar de ISO 100 a ISO 200 no debería preocuparnos apenas, pero pasar de ISO 3200 a ISO 6400 puede suponer un sacrificio de calidad muy importante. Aun así, en este post voy a intentar haceros perder el miedo al ruido digital.

Y una vez que tenemos clara todas estas consecuencias, vamos a establecer una serie de reglas que nos ayudarán a tomar decisiones para obtener la mejor toma posible.

1. Antes de sacrificar cualquier parámetro, intenta mejorar la luz

Es la regla más importante de todas. Si los parámetros ideales no son suficientes para la luz que hay, antes que nada, debemos preguntarnos: ¿Puedo mejorar las condiciones de luz? Ahí van una serie de opciones que podemos estudiar en distintas situaciones:

• En interiores: ¿puedo abrir más la ventana? ¿Retirar cortinas? ¿Encender más bombillas?
• En la calle de noche: ¿puedo acercar más al modelo a una fuente de luz? ¿Hay escaparates o farolas que me puedan ayudar? Recuerda que la potencia de la luz cae con el cuadrado de la distancia. Eso significa que si en vez de poner al modelo a 2m de la farola lo pongo a 1m, la potencia lumínica sobre su cara no es el doble, ¡es 4 veces mayor!
• En la calle de día: ¿puedo moverme de la sombra al sol? ¿Tal vez veo que en un par de minutos pasará la nube? ¿Tengo algo que sirva como reflector?

2. Hasta ISO 800 no tengas miedo

Hasta aquí lo fácil. Cuando tengamos los parámetros de velocidad y diafragma que sabemos que son los adecuados para la foto, pero aún nos falta luz, no deberíamos tener duda en que podemos permitirnos aumentar la sensibilidad sin apenas pérdida de calidad hasta una sensibilidad que, basándome en la calidad de la mayoría de cámaras APS-C actuales, he fijado en ISO 800, aunque esto puede variar un paso arriba o abajo dependiendo del modelo.

3. Mejor una foto con ruido que una foto trepidada

Aquí empiezan las decisiones. Cuando las opciones están entre aumentar la sensibilidad por encima de ISO 800 o hacer una foto más lenta de lo que dictan las reglas de foto trepidada que hemos visto arriba (sujeto muy rápido o cámara a pulso), yo, sin duda, prefiero una foto con ruido. Y éste es mi razonamiento: el ruido digital es algo que se puede paliar notablemente con procesado software. Cualquier programa de revelado RAW ofrece opciones de suavizado de ruido, aunque sea a costa de perder cierta nitidez. Además, es algo que normalmente sólo se aprecia de verdad si ampliamos la foto al 100%. En cambio, una foto trepidada o movida no hay software que lo solucione, al menos a fecha de hoy.

Por eso, si dudo entre pasar de obturación 1/100s a 1/25s o de ISO 800 a ISO 3200, yo, sin duda, preferiría subir la sensibilidad.

4. Mejor una foto con ruido que una foto desenfocada

Por el mismo razonamiento anterior, porque el ruido se puede solucionar notablemente en el postprocesado pero una foto desenfocada no, recomiendo encarecidamente que, si tenemos la sospecha de que si reducimos más la profundidad de campo un elemento importante de la foto puede salir desenfocado (por ejemplo, fotografía a una pareja y uno está un poco más adelantado que el otro), no abráis más el diafragma y ganéis luz subiendo la sensibilidad.

5. ¿Perder nitidez o ganar ruido?

Vamos a estudiar una situación más compleja, aunque igualmente probable. Pongámonos en la situación de que nos falta luz, sabemos que no tenemos el problema anterior, es decir, no nos importa perder profundidad de campo, y dudamos entre abrir diafragma o subir ISO. Pero estamos cerca de la apertura máxima, con lo que sabemos que perderemos nitidez si seguimos abriendo el diafragma. ¿Qué será peor, la pérdida de nitidez o la ganancia de ruido? Pues bien, aquí yo tomaría la decisión atendiendo al rango de ISO en que estamos:

• Como vimos al principio del post, entre ISO 100 e ISO 400 el ruido introducido es poco apreciable, así que subir sensibilidad será mejor que la notable pérdida de nitidez por apertura de diafragma al máximo.
• Sin embargo, si ya estamos en los valores altos de sensibilidad como es por encima de ISO 800, subirla más tendrá una repercusión sobre la calidad de la foto mayor que la pérdida de nitidez que supone poner el objetivo a su máxima apertura.

Lo ejemplifico con un caso práctico: si tengo un objetivo 50mm f1.8, estoy en f3.5 e ISO 100 y necesito dos pasos más de luz, sin duda subiría a f3.5 e ISO 400. En cambio, si estoy en f3.5 e ISO 1600 y necesito dos pasos más de luz, abriría a f1.8 e ISO 1600.

Todo esto, por supuesto, es una opinión personal, y hay que entender que depende mucho del objetivo y del sensor en cuestión, y que es muy difícil cuantificar y comparar ambos perjuicios pues son de naturaleza distinta.

6. Mejor tener una foto con ruido, desenfocada y trepidada que no tenerla.

Y, para terminar, allá va el consejo más importante de todos: como todas las reglas en Fotografía, aprende a ignorarlas cuando el corazón te lo pida o la situación te lo requiera. Y es que, demasiado a menudo, no hay tiempo para tomar decisiones. El momento no nos va a esperar ni nos va a regalar las condiciones ideales. Y en ese instante simplemente podemos dejar que la cámara fluya entre nuestros dedos, se alineé con nuestro ojo y capte el momento sin importar todos esos números y píxeles.

Y como un final y magistral ejemplo de esto, os dejo esta foto de Warren Richardson sobre la migración siria que le ha valido el WorldPressPhoto 2016. Esta foto la hizo a unos ruidosos ISO 6400, f1.4 y 1/5s a la tenue luz de la luna. Y sin mirar por el visor, pues no tuvo ni tiempo para eso. El resultado es el que veis: una foto llena de ruido, desenfocada y trágicamente trepidada. Y, sin embargo, maravillosa.

Normalmente en las artículos siempre vemos consejos sobre un tema específico o sobre técnicas aisladas, pero nunca vemos cómo se combina todo ello para crear de cero una fotografía. Así que en este artículo he querido mostrarte algo diferente.

En este artículo quiero mostrarte una fotografía finalizada y vamos a analizar cómo hacerla paso a paso, desde la planificación y el disparo, hasta el procesado.

¿Quieres saber cómo hice esta foto?

La Localización

Analizar la localización en la que te encuentras es muy importante para decidir qué tipo de fotografía quieres conseguir. En este caso, me encontraba ante Brúarfoss, una pequeña cascada situada al sureste de Islandia.

Uno de sus mayores atractivos es el tono turquesa de sus aguas y por eso quería hacer que su agua fuera lo que más destacara de la foto. Para ello decidí disparar una toma de larga exposición, para conseguir un efecto seda en el agua. El efecto seda me encanta porque el agua se queda con una textura muy suave y atractiva, que llama mucho la atención.

Brúarfoss (Islandia)

El Equipo

Como te comentaba, decidí hacer una toma de larga exposición por lo que necesitaba usar un trípode para poder disparar una fotografía de varios segundos sin trepidar la toma. Así pues, monté mi Nikon D500 sobre mi trípode Manfrotto 290 Dual. Es un trípode algo pesado, pero es robusto y resistente, cosa que me proporciona la estabilidad necesaria para poder disparar tomas de larga exposición sin miedo a que la fotografía se trepide por ligeros movimientos o a causa del viento.

Respecto al objetivo, elegí un gran angular, mi Tokina 11-16 mm, para poder abarcar todo el paisaje en una sola toma. Algo que me encanta del Tokina 11-16 es que pese a ser bastante angular no deforma en exceso por los bordes como otros objetivos similares.

Al objetivo le acoplé un portafiltros NiSi para poder ponerle dos filtros cuadrados diferentes:

• Un ND1000, que reduce 10 pasos la exposición de la foto; imprescindible para poder realizar tomas de larga exposición diurna.
• Y un GND8, es decir, un filtro degradado que reduce 3 pasos la exposición en su parte más oscura, para compensar un poco la claridad del cielo y evitar que se me quemaran las altas luces.

Cómo Hice Esta Foto - Equipo Necesario

La Composición

Hay un puente que pasa justo por encima de este bonito río y creí que era una buena opción disparar desde allí. Sin embargo, el puente no era del todo estable, así que para una toma de larga exposición no me servía.

Justo debajo del puente había un pequeño saliente que quedaba sobre el río, así que decidí situarme allí. Puse el trípode un poco alto, dado que la cascada es bastante bajita, para así intentar abarcarla con un poco más de perspectiva, para que no quedase tan plana.

Después encuadré jugando con la dirección del propio río, haciendo que saliera del encuadre por la esquina inferior izquierda. Aunque el saliente de debajo del puente no me daba margen para poder crear un punto de fuga potente, sí pude jugar un poco con las líneas del paisaje de esa manera.

Puente sobre Brúarfoss

Los Parámetros de la Cámara

Una vez montado todo el equipo tocaba configurar los parámetros de la cámara. Para no perder demasiado tiempo, en las tomas de larga exposición se suele usar la Ley de Reciprocidad. ¿Cómo? Muy fácil.

Primero disparamos una toma con una velocidad de obturación media, abrimos el diafragma al máximo y subimos la ISO lo que haga falta para exponer bien la fotografía. Una vez tengamos claros los parámetros que nos proporcionan una toma bien expuesta, nos vamos a cualquier app que nos ayude a calcular la exposición de la toma. Yo suelo usar Photopills.

Calculadora de exposición de Photopills

En la app pondremos los parámetros que nos han dado una toma bien expuesta y modificaremos los que queramos para que la aplicación recalcule los demás. En este caso, quería disparar a 30 segundos para crear un efecto seda bien marcado, y no quería cerrar más de f/16 para no causar difracción y perder nitidez en la toma. Así pues tuve que bajar la ISO al mínimo, a 50, para poder exponer bien la fotografía, pero sin quemar las altas luces del cielo, ya que estaba bastante blanquecino.

Finalmente, activé el disparo retardado de mi cámara, paro no hacer vibrar el trípode al pulsar el botón de disparo, y listo.

Disparo retardado

El Procesado

Una vez disparada la fotografía llega el momento de revelarla. Yo siempre disparo en formato RAW para conseguir la máxima información posible de luminancia y color, así después en el procesado tenemos un mayor margen de corrección. En este caso nos va a venir estupendamente para poder compensar el gran contraste que hay entre la oscuridad del suelo y la luminosidad del cielo.

Voy a abrir la fotografía en Photoshop. Al ser en formato RAW, se abre con Camera Raw directamente. Si tu fotografía está en JPG, para acceder a Camera RAW deberás ir al menú Filtro/Filtro de Camera RAW.

1. Perfil Plano

Lo primero que siempre hago es cambiar el perfil estándar a un perfil neutro o plano, desde el desplegable Perfil de la pestaña Básico (en versiones anteriores del programa puedes encontrarlo la pestaña Calibración de Cámara). Generalmente encontrarás el perfil más plano en el desplegable Coincidencia de cámara.

Dependiendo de la marca y modelo de cámara que tengas encontrarás perfiles diferentes, pero todas tienen uno que es más plano que los demás, en el que la fotografía aparecerá más descontrastada. Este perfil va a hacer que ni las sombras sean tan negras, ni las altas luces sean tan blancas, lo que nos vendrá genial para poder compensar el gran contraste de luminosidad entre cielo y suelo, y nos ayudará a recuperar las altas luces para conseguir algo de volumen en el cielo.

A continuación bajaremos bastante las Iluminaciones para recuperar el cielo y un poquito también la Exposición. Después subiremos las Sombras para compensar la diferencia de luminosidad del suelo. También voy a darle algo de Intensidad para que los colores se hagan más vibrantes, ya que especialmente nos interesa potenciar el agua turquesa de esta cascada.

Ahora vamos a aceptar el revelado. Sí, es cierto que así la fotografía llama poco la atención, tan descontrastada y lavada, pero esto no es la fotografía final, sino la base sobre la que empezaremos a retocar. Siempre me gusta revelar así las fotos que voy a retocar exhaustivamente, dejándolas bastante lavadas, para poder después sacar más matices en las sombras, las altas luces y los colores en el retoque posterior.

Así pues, en este paso la fotografía no tiene que quedar "bonita", tiene que quedar "útil".

2. Potenciar el Cielo

Ahora voy a intentar potenciar al máximo el cielo de la toma, ya que al ser un día tan gris ha quedado un poco soso. Ya te explicamos cómo hacerlo paso a paso en el artículo: "Consigue unos Cielos Espectaculares en tus Fotografías de Paisaje con Photoshop", así que si quieres ver exhaustivamente este paso, te recomiendo que le eches un vistazo.

Cielos Espectaculares con Photoshop

Primero duplicamos la capa y después, con la herramienta Selección rápida , seleccionamos el cielo simplemente pulsando y arrastrando. Para apurar la selección en las plantas que sobresalen, he ido al botón Seleccionar y Aplicar máscara que encontramos en el menú superior de la selección. Aquí, con el Pincel para perfeccionar bordes he pintado por todas esas zonas que no han quedado bien seleccionadas, para que Photoshop las recalcule. Cuando aceptemos, tendremos una selección mucho más apurada que antes.

Ahora, con la selección activa, vamos a irnos al botón de añadir máscara de capa que encontrarás debajo de la ventana de capas, para convertir esta selección en una máscara de capa.

Selecciona de nuevo la capa de la foto (tendrás seleccionada la propia máscara) y ve al menú Filtro/Filtro de camera raw. Aquí, aunque veas que todo afecta también al suelo, la máscara solo va a dejar que se vea el cielo, así que tan solo preocúpate de lo que le ocurra al cielo con estos ajustes.

Vamos a darle Contraste y Borrar neblina para que las nubes destaquen mucho más. También vamos a aumentar la Claridad y la Textura, y a subir las Sombras y la Exposición para poder bajar algo las Iluminaciones. Así conseguiremos que las nubes del cielo se marquen lo máximo posible.

Pero esto también ha aumentado mucho el ruido de la toma y ha creado unos colores bastante irreales en el cielo. Además, también se han marcado mucho algunas gotas que se quedaron en el filtro a causa del agua del ambiente. Vamos a solucionarlo.

Nos vamos a la pestaña de Detalle y en el panel de Reducción de ruido aumentamos al tope la Luminancia, y jugaremos con el deslizador de detalle para así eliminar el ruido de la toma pero conservando las formas de las nubes.

Como ves, la gran mayoría de las gotas se ha eliminado con este paso. Las demás las borraremos después. Vamos primero a mejorar el color del cielo.

Lo más sencillo será pasar la foto a blanco y negro.

Pero va a ser muy raro que el cielo tenga un blanco y negro puro, comparado con el suelo, así que siempre me gusta darle un poquito de tono azulado. Como al pasar la foto a blanco y negro no podemos agregar colores, lo más rápido será crear un Filtro graduado que abarque todo el cielo, y aquí ya podremos darle un toque de color desde la última opción "Color".

Pulsamos Enter dos veces para aceptar el filtro local y aceptamos el efecto para volver de nuevo a la interfaz básica de Photoshop. Como tenemos una máscara de capa, todos estos cambios tan solo se aplicarán al cielo.

Antes de continuar, vamos a eliminar las gotitas del cielo que aún se notan, para que no se nos olviden después. Usaré la herramienta Parche , que es muy sencilla. Tan solo selecciona con el ratón la mancha, y pincha y arrastra hacia la zona que quieras copiar sobre ella. Al soltar se sustituirá y fusionará automáticamente.

3. Igualar el Suelo

Ahora vamos a retocar un poco el suelo también, así que duplica la capa fondo de nuevo. Como antes hemos seleccionado el cielo, lo más sencillo va a ser usar esa selección. Para ello, pulsa Control + Click sobre la máscara de capa del cielo para crear una selección basada en esa máscara, y ve al menú Selección/Invertir, para seleccionar el suelo.

Ahora crea una máscara desde el botón rápido de debajo de la ventana de capas en la capa que has duplicado; selecciónala y ve de nuevo al menú Filtro/Filtro de camera RAW.

Aquí corregiremos ligeramente el suelo, dándole algo más de Exposición, Contraste y Claridad, subiendo las Sombras y bajando algo las Iluminaciones y los Negros. También aumentaremos bastante la Intensidad para potenciar los colores.

Recuerda que, al igual que antes, todos estos ajustes tan solo se van a aplicar a la parte de la máscara que estamos mostrando, en este caso el suelo. Así pues, cuando aplicamos estos ajustes no debemos hacer caso a cómo está quedando el cielo, porque no se va a ver. El cielo que se va a ver es el que hemos retocado antes.

Ahora tenemos separados el cielo y el suelo en dos capas distintas, así que vamos a unirlas en una capa nueva usando el atajo de teclado Control + Alt + Shift + E. Así acoplamos la imagen pero sin perder las capas anteriores, por si acaso necesitamos recuperar alguna de ellas o usar sus máscaras más adelante.

4. Corrección de Color

Para terminar de unificar cielo y suelo siempre me gusta usar los filtros de color de Consulta de colores. ¿No sabes lo que son? ¡Aquí te dejo un fragmento de nuestro Fototip sobre este ajuste!

Descubre el Ajuste Consulta de Colores de Photoshop

Aunque el color ya es algo muy personal, te voy a contar cuáles son los filtros que más me gustan a mi. Yo siempre agrego: Filmstock 50, Foggy night, Teal orange plus contrast y Fall colors. Pero eso sí, a una opacidad del 20 o 30%, porque son muy agresivos.

Después también me gusta agregar una capa de ajuste de Exposición para lavar un poco la toma y darle un toque cinematográfico, jugando con los deslizadores de Desplazamiento y Corrección de Gamma. Puedes bajarle la opacidad a la capa de ajuste también si crees que es un efecto demasiado agresivo.

Vuelve a acoplar ahora todas las capas en una nueva capa usando el atajo de teclado Control + Alt + Shift + E y vamos a ir de nuevo al Filtro de Camera RAW para darle el toque final a la fotografía. Aquí podemos ir al panel HSL para modificar el Tono, la Saturación y la Luminancia de cada color por separado. Así podremos darle una mayor presencia al turquesa del agua, y modificar al gusto el resto de los colores de la fotografía.

5. Incrementar la Nitidez

Finalmente, siempre me gusta darle un toque de nitidez a la fotografía. Personalmente me gusta hacerlo con la técnica de la separación de frecuencias, porque creo que es el enfoque que más sutil queda y no suele aumentar casi el ruido de la toma. Ya te explicamos cómo incrementar la nitidez con esta técnica en nuestro artículo "Consigue un Espectacular Nivel de Detalle en Tus Fotografías Utilizando la Separación de Frecuencias con Photoshop".

Para ello, vamos a duplicar la capa actual dos veces, para tener dos iguales. A la capa de arriba la llamaremos Textura y a la de abajo Color, para no liarnos. Vamos a seleccionar primero la capa Color y vamos a irnos al menú Filtro/Desenfocar/ Desenfoque gaussiano, y vamos a darle 2 puntos de desenfoque.

Después seleccionamos la capa Textura y nos vamos al menú Imagen/Aplicar imagen. En Capa vamos a seleccionar la capa Color, Canal lo dejaremos en RGB y marcaremos la casilla Invertir. En fusión pondremos Añadir, y Escala siempre deberá ser 2. Por eso el desenfoque era de 2 puntos, porque aquí siempre agregamos 2 puntos, así que los 2 que perdemos con el desenfoque, son los 2 que recuperamos ahora.

Al aceptar verás que la capa Textura se ha quedado totalmente gris, con las líneas de la textura ligeramente marcadas. Vamos a ponerla en modo de fusión Luz lineal para que se funda con la capa Color.

Ahora ya tenemos el color y la textura de la fotografía separados en dos capas diferentes, por lo que vamos a poder darle más enfoque tan solo a la textura de la foto, que es lo que nos interesa. Selecciona la capa Textura y ve al menú Imagen/Ajustes/ Brillo y contraste. Aquí sube el Contraste para marcar más las líneas de la textura.

Como ves, es un efecto que nos da una buena nitidez pero sin crear bordes dobles ni acentuar el ruido en exceso, como ocurre con otro tipo de filtros de enfoque.

Y ahora sí que sí, ¡ya tenemos nuestra fotografía lista!

Original

Retocada

¿Qué te ha Parecido?

Ya ves que a la hora de crear una fotografía juntamos muchas de las técnicas y consejos que siempre solemos ver por separado, por eso he querido mostrarte hoy un artículo diferente, para ver de manera práctica cómo se aplica en la realidad todo lo que vamos aprendiendo poco a poco.

¿Te animas a aplicarlo ahora en tus propias fotografías?