La luz es básica en la fotografía, no te descubro nada nuevo. Y si además esa luz tenemos que proporcionarla nosotros con accesorios como los flashes, se convierte en un aspecto fundamental a la hora de conseguir buenos o malos resultados en tus fotografías.

En el artículo de hoy quiero que conozcas los 5 modos, probablemente, más conocidos de iluminar tus retratos de estudio. Sí, no creas que cuando uno se dispone a hacer un retrato e iluminarlo adecuadamente es cuestión de azar el conseguir un buen resultado. Todo lo contrario, hay un amplio abanico de posibilidades, que deberás manejar. ¿Quieres conocerlas?

Ante Todo, Evita La Luz Frontal

Recuerda que, cuando te hablamos de los muchísimos beneficios que te ofrece un flash externo, uno de los más importantes que destacamos fue el de poder dispararlo desde una posición distinta a la de la cámara.

Esta características es fundamental y, en la medida de lo posible, trata de hacer uso de ella siempre que puedas. Los resultados que ofrece una toma con iluminación de flash frontal y disparado desde la misma posición en que se encuentra la cámara no son nada buenos.

Por supuesto, hay veces que no te queda más remedio. Pero, si puedes, separa el flash de la cámara. Evitarás reflejos, ojos rojos, sombras mucho más irreales y, en definitiva, un resultado nada natural.

Luz Frontal No, Vale. ¿Desde Qué Posición Ilumino Entonces?

Bien, ha quedado claro que hay que procurar separar flash y cámara, pero una vez separados, hay muchas posibilidades a la hora de colocar el flash, ¿verdad?

Pues vamos a hablar de 5 posibilidades, destacando sus características. Así que, presta atención y toma nota para poder ponerlo en práctica.

#1 Rembrandt Light

Este modo de iluminación busca conseguir un resultado similar al que caracteriza a los retratos del genial pintor.

Pero, ¿qué tienen de particular sus retratos? Pues, muy sencillo, presentan una parte del rostro claramente iluminada y otra más en penumbra (apareciendo un pequeño triángulo de claridad bajo el ojo de esta parte menos iluminada).

El cómo conseguirlo es muy sencillo, hay que situar la fuente de luz a unos 45º de la cámara, que se posicionará frente al sujeto a retratar. A 45º, pero en la otra dirección de la cámara, se podrá situar un reflector.

foto por Peter Hessels (licencia CC)

#2 Split Light

Si llevamos al extremo el modo de iluminación anterior, es decir, situando la fuente de luz a 90º de la cámara y, por tanto, completamente en el perfil del sujeto a fotografiar, conseguimos el modo split light.

Este modo recibe este nombre porque la palabra split en inglés significa partir / dividir y eso es, precisamente, lo que se consigue con esta iluminación, partir al sujeto en dos: la mitad de la cara completamente clara y la otra mitad en penumbra.

Se trata de una iluminación muy dramática, que puede ser útil si lo que buscas es, precisamente, transmitir esta sensación.

foto por Christine Tran (licencia CC)

#3 Broad Light

El tercer modo de iluminar retratos es a través de la denomida broad light, que es una mezcla entre los dos modos anteriores.

En este caso, la luz se sitúa a 45º de la cámara, como en el modo Rembrandt, pero la cara del sujeto a retratar se gira 45º en sentido opuesto.

De este modo, se expone claramente un perfil de la cara, y el otro queda oculto, confiriendo a la toma una mezcla de belleza e intriga.

foto por Jefferson Clark (licencia CC)

#4 Butterfly Light

El curioso nombre de este modo de iluminación viene de la sombra que se genera bajo la nariz del sujeto retratado, en forma de mariposa (butterfly).

Para conseguirlo, basta con situar la fuente de luz enfrente del sujeto, pero en lugar de hacerlo a la misma altura que la cámara, el flash ha de elevarse, de modo que se consiga una iluminación superior.

Se trata de una posición formando un ángulo de 45º con respecto a la cámara, pero, en este caso, en el plano vertical, no en el plano horizontal como en el caso de Rembrandt light.

foto por Elsa Salinas (licencia CC)

#5 Loop Light

El último modo de iluminación que vamos a ver en este artículo es el conocido como loop light, se trata en este caso de un modo intermedio entre Rembrandt y butterfly.

El resultado es similar al del modo butterfly, aunque con las sombras ligeramente curvadas y desplazadas hacia el lado opuesto al de la fuente de luz.

Para lograrlo, basta con situar la fuente de luz a 45º de la cámara tanto en el plano vertical, como en el plano horizontal.

foto por Kaytee Dalton (licencia CC)

¿No Ha Quedado Claro? Mejor Te Lo Explico Con Un Vídeo

Reconozco que los esquemas anteriores pueden no ser suficientemente explicativos, por eso voy a dejarte el vídeo en base al que yo he podido obtener los esquemas anteriores.

Se trata de un vídeo de Jay P. Morgan, que, aunque está en Inglés, será más que suficiente, junto con los párrafos anteriores, para que te enteres a la perfección de cómo funcionan estos 5 modos de iluminación.

Y, si todavía te quedan dudas, que no creo, te dejo también otra página de apoyo: Virtual Lighting Studio. En ella puedes simular los resultados que ofrece cada modo de iluminación.

También te puede interesar: Cómo Montar tu Propio Estudio Fotográfico Casero Lowcost

Ahora Sólo Queda Ponerlos En Práctica

Como suelo acabar mis artículos, ahora es cuando te propongo que pongas en práctica lo aprendido y nos cuentes qué tal te resulta.

También puedes hablarnos de otros modos de iluminación que conozcas y que creas que puede ser de utilidad conocerlos para el resto, etc.

El mundo de la iluminación es apasionante y muy amplio, así que, ya sabes, estamos deseando aprender con tus conocimientos, experiencias y dudas. ¡Compártelos!

Fotografía de Portada: Galería de Astragony - Bamboo

La arena de la playa, la sal del mar, la humedad, el calor... Lo cierto es que el verano y las vacaciones son momentos en los que tu cámara está especialmente expuesta. Por eso es necesario mantener la guardia alta y redoblar los esfuerzos para protegerla al máximo.

Si estamos protegiendo, lo primero es saber cuáles son nuestros enemigos. Por el tipo de actividades que llevamos a cabo en el período estival, los principales riesgos para tu cámara suelen ser: arena, sal, agua, altas temperaturas y caídas. Permanece en guardia frente a estos peligros y tu cámara te lo agradecerá.

En el artículo de hoy hemos recopilado una serie de consejos útiles para conseguir que tu equipo supere la prueba y dure muchos años. Por muy cuidadoso/a que seas, seguro que esta información te sirve como recordatorio o incluso te da alguna idea más para mantener tu cámara segura a pesar de los peligros.

Luchando Contra la Arena

La arena es especialmente peligrosa cuanto más fina es. Al intentar eliminarla de componentes ópticos, puede producir rayaduras permanentes e irreparables.

También se puede introducir por pequeñas rendijas dañando botones y componentes electrónicos. Estas son algunas medidas que puedes tomar para luchar contra ella:

#1. Evita el Contacto Directo

Si eres amante de la playa seguro que has tenido la experiencia de comprobar hasta dónde se puede llegar a colar la arena y lo difícil que es eliminarla completamente.

Por eso, evita el contacto directo de tu cámara con la arena. Para ello, procura tener la cámara en su funda cuando no la estés utilizando, y la bolsa siempre en alto, lo más alejada posible del suelo.

#2. Manos y Cara Limpias

Antes de coger la cámara, asegúrate siempre de tener las manos y la cara perfectamente limpios y sin un grano de arena pegado.

Somos conscientes de que la ausencia total de arena en el cuerpo cuando estás en la playa, es prácticamente imposible. Por tanto, evita poner la cámara en contacto otras partes del cuerpo que sí pueden estar impregnadas de partículas.

#3. Nunca Realices una Fricción

Si descubres que hay algunos granos de arena adheridos a la cámara, no los quites con lo primero que tengas a mano. Deberás tener especial cuidado si la arena se encuentra sobre los componentes ópticos de tu equipo.

Debes limpiar bien tus lentes. Ni se te ocurra aplicar fricción con algún tejido, porque solo conseguirás arañar el material y dejar una marca que no se podrá reparar nunca.

#4. Mejor Limpiarla en Casa con Tranquilidad

Si se te cae la cámara al suelo o entra en contacto directo con la arena de forma agresiva, es mejor que la guardes en la bolsa y no vuelvas a usarla. Es preferible llegar a casa y tomarte tu tiempo para limpiarla.

Utiliza una pera de aire eliminar toda la arena que haya quedado adherida a la lente o al cuerpo y la brocha o pincel para incidir suavemente en las zonas más conflictivas.

#5. Evita Soplar Tú

Como te acabamos de comentar, el aire a presión viene muy bien para limpiar los restos de arena. Lo que nunca debes hacer es soplar tú con la boca.

Si lo haces, corres el riesgo de que con el aire también se proyecten diminutas gotas de saliva. Si se mezclan junto con la arena pueden crear una combinación fatal muchísimo más difícil de eliminar.

#6. Deja la Tapa del Objetivo Puesta

Cuando no estás haciendo fotos, pero no quieres guardar la cámara en la bolsa porque pronto la vas a volver a usar, lo más recomendable es que mantengas puesta la tapa del objetivo el mayor tiempo posible.

Así evitarás salpicaduras, golpes y si alguna racha de viento levanta algo de arenilla, la tapa protegerá la lente al máximo.

#7. Usa un Filtro UV

Fragmento Fototip Filtros para Fotografía de Paisaje

Los filtros UV se utilizan para proteger el objetivo. Por un lado, en las cámaras más antiguas absorben los rayos ultravioletas consiguiendo que determinadas fotos parezcan más claras y naturales.

Y, por otro lado, protegen tu objetivo de la arena, el agua y otros agentes externos incluso de los golpes que podemos darle sin querer.

#8. Pon una Carcasa

foto por Nicolas (licencia CC)

Desde que las cámaras de acción están de moda y la gente se las lleva a la playa o a la piscina, se usan cada vez menos las carcasas acuáticas para las cámaras digitales habituales.

Sin embargo, aún existen carcasas estancas genéricas o para modelos concretos que te permitirán hacer fotos sin ningún riesgo. Quizá perderás algo de nitidez y comodidad pero valdrá la pena para proteger tu equipo.

#9. Guarda la Cámara en una Bolsa Hermética

Cuando acabes de usar tu cámara y quieras guardarla de nuevo en la mochila o funda fotográfica, introdúcela antes en una bolsa hermética de plástico como las que usas para los alimentos congelados.

De este modo, si la arena se ha colado dentro de la bolsa de tu equipo, todavía le quedará otro nivel de protección adicional.

#10. Evita Cambiar de Objetivo

Como sabes, siempre hay fibras, polvo y partículas suspendidos en el ambiente. Además, puede aparecer un soplo de aire cargado de suciedad en el momento en que estás cambiando la lente... ¿Conoces la Ley de Murphy verdad?

Pues no te arriesgues a exponer el sensor de tu cámara bajo estas circunstancias porque las consecuencias podrían ser fatales.

Defendiéndote de la Sal

La sal es tan peligrosa como la arena, solo que además también es corrosiva. El agua salada, al secarse, puede convertirse en pequeñas escamas de sal o polvo de sal que son capaces de colarse por todas partes y que incluyen potentes agentes corrosivos.

De hecho, aunque nos sequemos bien después de bañarnos en el mar, nuestra piel contiene restos de sal. Por lo tanto, a la hora de hacer fotos en la playa, ten en cuenta los consejos que te dimos para la arena y además considera los siguientes:

#11. Lávate las Manos

Antes de sostener la cámara, enjuágate las manos con abundante agua dulce o con una toallita húmeda desechable.

Por muy bien que te seques con la toalla, el salitre no se elimina. Además, la toalla seguramente tendrá arena también, con lo cual el peligro es doble.

#12. No te Cuelgues la Cámara

Si tu intención es bañarte en el mar y luego salir y seguir haciendo fotos, vístete primero. Recuerda que después de bañarte tu cuerpo y tu traje de baño contendrán restos de sal.

Aunque te hayas lavado las manos, si te cuelgas la cámara al cuello es más fácil que tu cámara entre en contacto directo con el agua salada.

#13. Usa el Parasol

foto por Neil Girling (licencia CC)

El parasol no solo es un accesorio que evita que la luz estropee tus fotos. También nos sirve (y mucho) para ganar protección extra.

Las minúsculas gotas de agua de mar que se generan en la playa por efecto de las olas son una amenaza real. De igual modo, también protege la lente de golpes y amenazas externas.

Evitando el Agua y la Humedad

En verano, en nuestro tiempo de ocio solemos tener a menudo muy cerca el agua para combatir el calor, ya sea en piscinas, lagos, playas o ríos.

En el mejor de los casos, nuestras manos y cuerpo suelen estar mojados o húmedos. En el peor de los casos, se nos puede caer la cámara.

Cualquier tipo de componente electrónico mezclado con agua suele acabar en catástrofe, así que toma nota de estos consejos:

#14. Manos y Cara Secas

Además de tener las manos limpias es importante que tanto tus manos como tu rostro estén completamente secos. Si mojas la cámara, por poco que sea, esas gotas se pueden filtrar y crear condensación.

Las consecuencias de esas filtraciones pueden ser que se formen hongos o que incluso se estropeen piezas electrónicas internas y la cámara deje de funcionar.

#15. Evita Zonas Peligrosas

Trata de situar la cámara lejos de lugares de peligro en los que pudiera mojarse por accidente. Si el agua está muy cerca, la exposición al riesgo es muy alta.

Lo mejor es evitar las situaciones de peligro pero si no hay más remedio, ponle una carcasa acuática a tu cámara y no se la quites, incluso cuando estés fuera del agua.

#16. Si se Moja, No la Enciendas

Es un acto reflejo que apenas podemos controlar. Cuando algo le pasa a la cámara solemos encenderla inmediatamente para ver si se ha estropeado.

Pero haznos caso, si se trata de agua no lo hagas. En esta ocasión es preferible que se seque del todo primero. Encender la cámara estando mojada puede causar daños mucho peores.

#17. Si se Cae Directamente al Agua...

No te vamos a engañar. Si tu cámara se cae al agua y se sumerge parcial o totalmente en ella la situación va a ser realmente complicada.

Tenemos un artículo donde te contamos paso a paso qué debes hacer si esto ocurre, pero intenta que nunca te pase: ¡¡¡Socorro: Cámara al agua!!!

Combatiendo las Altas Temperaturas y la Luz Directa

La exposición directa al inclemente Sol del verano de tu cámara es un importante enemigo para su durabilidad, especialmente de determinados materiales.

Si es un exposición prolongada se pueden llegar a ocasionar incluso daños irreparables. Aquí tienes algunos consejos que puedes seguir:

#18. No Dejes la Cámara al Sol

Ni siquiera si se encuentra dentro de la bolsa, no dejes que la cámara reciba la luz del Sol de forma directa. Siempre que vayas a dejar la cámara sin usar por unos momentos, busca un lugar a la sobra lo más fresco y seco posible.

Por otro lado, vigila también el Sol y su trayectoria para evitar que sin darte cuenta pasen las horas y el Sol incida directamente sobre tu equipo.

#19. Evita Dejarla Dentro del Coche

Si tienes que dejar la cámara en el coche busca un lugar totalmente cubierto donde vaya a estar fresco y no reciba en ningún momento del día la luz del Sol.

Cuando dejes el coche en un exterior recuerda que la cámara no se vea desde fuera. Además de que no le dé el Sol, también nos interesa protegerla frente a los amigos de lo ajeno.

#20. Consulta sus Limitaciones

Nunca está de más repasar el manual de cámara para comprobar cuál es el rango de temperaturas que el fabricante indica para tu modelo.

Hay algunas cámaras rugerizadas y tempestizadas más resistentes que las habituales que son ideales para la práctica de ciertos deportes. No lleves tu cámara al límite nunca, pero conoce de lo que es capaz.

Previniendo los Golpes y las Caídas

Tenemos que reconocer que este no es un riesgo veraniego, sino que se extiende a lo largo de todo el año.

Pero no por ello hay que prestarle menos atención. Si no quieres lamentarte después, ten en cuenta también estos consejos para proteger tu equipo:

#21. Procura Mantener la Cámara en la Bolsa

Cuando no estés usando la cámara y sepas que no vas a usarla en un buen rato, guárdala en bolsa o mochila fotográfica. Llevarla continuamente fuera por la comodidad de tenerla a mano puede ser un riesgo innecesario.

Y en caso de que veas una situación de peligro, no lo dudes, métela rápidamente en la bolsa o incluso protégela con tu propia ropa o con tu propio cuerpo. Por otro lado, las lentes que no estés utilizando, guárdalas también en la mochila, en su bolsa protectora o en un portaobjetivos.

Consejos para el Transporte de Objetivos

#22. La Tapa, el Filtro y el Parasol Siempre Puestos

Aunque sea incómodo poner y quitar la tapa cada vez que hacemos fotos, valdrá la pena. A veces nos olvidamos de que llevamos la cámara colgada y si realizamos un movimiento brusco podemos golpear la lente contra algún elemento. Si lleva la tapa, el cristal estará protegido.

El filtro UV y el parasol tampoco te molestarán, de hecho te darán el doble de protección, así que no los dejes dentro de la mochila y pónselos a la lente.

#23. Enrolla la Correa al Brazo

Cuando no puedas llevar la cámara colgada al cuello, ya sea porque estás mojado o manchado de arena, puedes afianzar tu cámara enroscando la correa de la cámara en tu brazo.

Quizá no sea el método más seguro del mundo, pero te dará un margen de reacción antes de que la cámara caiga al suelo para poder llegar a tiempo a atraparla.

#24. Añade una Empuñadura Extra

Las empuñaduras son una excelente opción para evitar accidentes. Tienen un precio muy asequible y son muy útiles porque dan estabilidad y confianza al añadir ese extra de seguridad a la sujeción y al agarre de la cámara.

Algunas se adaptan a la mano y otras también incluso a la muñeca, por lo que también permiten proteger la cámara frente a tirones o robos.

#25. Agrega Peso al Trípode

Si vas a hacer fotos con teleobjetivos, panorámicas, timelapses, largas exposiciones o nocturnas, necesitarás un trípode. Si el que tienes es demasiado ligero y poco robusto, tu cámara también correrá peligro de caer sobre la arena o el agua con un golpe o una racha de viento fuerte.

En esos casos, utiliza el gancho extraíble que suele haber en la columna central de la mayoría de trípodes para colgar la mochila o cualquier elemento que añada peso y le de un extra de firmeza.

¿Conoces Más Consejos?

Seguro que hay más peligros y que te has encontrado cara a cara con ellos ¿verdad que sí? No dejes que nada arruine tus vacaciones y siéntete seguro/a.

Si conoces algún truco más para proteger tu cámara este verano no dudes en compartirlo con nosotros en los comentarios.

Recuerda que ¡toda precaución es poca cuando se trata de nuestro equipo fotográfico, pero en especial de nuestra cámara!

La fotografía macro es una de las especialidades fotográficas más espectaculares visualmente. Nos deja ver detalles que normalmente pasan desapercibidos para el ojo humano y que nos fascina ver tan de cerca.

Si quieres conocer este tipo de fotografía, en este artículo vamos a crear un guía de iniciación. Repasaremos punto por punto en qué consiste, qué material necesitas y cómo aprender a dominar la técnica. ¡Allá vamos!

La Fotografía Macro

Canon EOS 600D · 50.0 mm ·1/60 s · ISO 200

Se trata de un tipo de fotografía donde el tamaño del sujeto u objeto fotografiado en la imagen es igual que el tamaño real del sensor del dispositivo fotográfico. Suele utilizarse para fotografiar animales u objetos de tamaño muy reducido, principalmente insectos, plantas, flores o minerales.

El prefijo macro-, significa grande o muy grande. Por lo tanto, la macrofotografía nos permitirá obtener imágenes grandes de elementos muy pequeños. Cuidado, porque dicen que el fotógrafo que decide especializarse en este subgénero de la fotografía corre el riesgo de 'engancharse'.

Lo cierto es que la mayoría de aficionados a la fotografía acaban interesándose por probar la fotografía macro, y más aún los que son amantes de los pequeños detalles ¿Eres tú uno de ellos?

Fragmento Fototip 'Iniciación a la Macrofotografía'

Equipo Necesario en Fotografía Macro

Canon EOS 5D Mark II · 105.0 mm · f/6.3 · 1/60 s · ISO 800

Para practicar la fotografía macro vas a necesitar un equipo básico concreto. Aunque habrá materiales opcionales que te servirán o no según el tipo de foto o de sujeto/objeto que fotografíes. Hay diferentes rangos de precios y algunas alternativas más económicas para aquellos que deciden iniciarse en este tipo de fotografía.

Sin embargo, ya te adelanto que la macrofotografía es una afición exclusiva y lo entenderás cuando veas los precios. Sin embargo, recuerda que siempre nos queda la opción de optar por los artilugios caseros y por el mercado de segunda mano.

1. Cámara Fotográfica

Lo primero que vas a necesitar, como es obvio, es una cámara de fotos. Puedes optar por una cámara réflex o por una cámara sin espejo. Es cierto que muchas cámaras compactas cuentan con un modo escena macro, representado por el icono de una flor. Sin embargo, el modo macro que ofrecen estas cámaras no es un macro real sino ficticio.

Si estás pensando en adquirir tu primera cámara digital y necesitas algún consejo, echa un vistazo a estos artículos. Recuerda que no debes escoger la mejor cámara del mercado sino la cámara más adecuada para ti.

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2. Objetivo Macro

La principal herramienta para conseguir buenas capturas dentro de este género es una lente macro. Si dispones de un buen presupuesto, esta es la opción más recomendable. El precio de un objetivo macro puede varias según la marca y la distancia focal, pero si quieres uno de calidad media el precio rondará los 400-800 euros.

Los objetivos macro suelen tener una distancia focal entre los 50 mm y los 200 mm.  Aunque consideraríamos teleobjetivos macro, a los que van desde 150 mm a 200 mm. Cuanta mayor focal tengas, como ocurre con cualquier objetivo, mayor será la distancia a la que puedas estar del objeto fotografiado. Aunque el precio del objetivo también aumentará, y mucho.

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Canon EOS 60D · 135.0 mm · f/5.6 · 1/100 s · ISO 1000

3.  Alternativas Económicas a un Objetivo Macro

Si no puedes permitirte comprar un objetivo o no tienes claro todavía si la macrofotografía es lo tuyo, existen alternativas con precios más asequibles. Me refiero, por ejemplo, a los tubos de extensión y a las lentes de aproximación. Los primeros se colocan entre el cuerpo de la cámara y el objetivo para aumentar la distancia focal. Mientras tanto, las lentes son filtros que hacen la función de lupa y, según el número de dioptrías que tengan, ampliarán el sujeto más o menos.

También puedes optar por la inversión del objetivo que consiste, básicamente, en hacer fotos con el objetivo del revés mediante el uso de anillos de inversión. Todas estas alternativas, te permitirán hacer fotografías macro con resultados buenos, pero nunca equiparables a los que conseguirás con un objetivo macro.

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4. Trípode

Usar trípode es imprescindible en la fotografía macro y elegir uno bueno para este género será la clave. Primero, busca uno que sea pesado y robusto. Piensa que cualquier vibración puede arruinar tu foto, por lo que necesitamos que sea estable y que no sea vulnerable a agentes externos.

Trata de que tenga la columna central extraíble para poder colocarla horizontalmente o incluso de forma invertida y tener acceso a cualquier posición que necesitemos. Finalmente, elige uno cuyas patas no estén unidas en el centro y sean capaces de abrirse desde distintos ángulos para poder adaptarse a terrenos irregulares.

En cuanto a la rótula, la más apropiada para macro es la de cremallera, porque que permite un control milimétrico del plano. Los raíles de enfoque también te proporcionan desplazamientos muy precisos para conseguir buenos apilamientos de enfoque, que más tarde explicaremos en qué consisten. También puedes optar por compra un mini trípode o la alternativa del bean bag, para poder hacer tomas a ras de suelo. Eso sí, asegúrate siempre de que el método que eliges es efectivo y de que será capaz de soportar el peso de tu cámara.

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Canon EOS 5D Mark II · 100.0 mm · f/8.0 · 1/160 s · ISO 100

5. Flash

Como veremos luego, la iluminación en la fotografía macro es esencial y disponer de un flash será importante. Si tienes un flash externo, lo más recomendable es extraerlo de la zapata y si usas el que viene integrado tendrás que hacer rebotar la dirección de la luz para que sea efectivo. Necesitamos que la luz del flash, en lugar de llegar por arriba, incida de forma frontal sobre el objeto fotografiado.

Para fotografía macro existen flashes específicos como el flash anular, y si quieres dedicarte a la fotografía macro, tendrás que hacerte con uno de estos. Se trata de un flash circular, situado justo delante del objetivo. Cuenta con la ventaja de una iluminación más uniforme y, aunque el elemento esté muy cerca del objetivo, no habrá sombras en él.

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6. Disparador Remoto

Cuando realizamos fotografía macro debemos evitar al máximo las trepidaciones y si no tocamos la cámara a la hora de hacer la captura mejor. Para reducir al máximo la posibilidad de movimiento podemos usar el disparador automático de la cámara.

Sin embargo, la opción del disparador remoto es la más cómoda y rápida, sobre todo si vas a utilizar uno o más flashes.

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7. Otros Accesorios Interesantes

Hay infinidad de complementos específicos para fotografía macro que podrás encontrar en el mercado. Muchos de ellos podrás hacerlos de forma casera, como pequeños reflectores o fondos. Puedes usar cartulinas o papel de aluminio para crearlos tú de forma sencilla.

Cuando hagas fotos el aire libre, un cartón grande te puede servir de cortaviento para que el aire no arruine la nitidez de tus fotos. Finalmente, una colchoneta mullida y aislante también te puede resultar muy útil para estar un poco más cómodo si te colocas en ciertas posturas.

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Técnicas para Fotografía Macro

SONY SLT-A65V · 90.0 mm · f/4.0 · 1/160 s · ISO 500

Hay varios aspectos importantes que debemos priorizar a la hora de configurar nuestra cámara y realizar fotografía macro. Como ya habrás imaginado, solo por los materiales que te acabamos de decir que son esenciales, el enfoque va a ser la clave. Aunque hay más aspectos que debemos tener en cuenta.

#1. Colocación de la Cámara

Lo primero que debes hacer es seleccionar tu objeto o sujeto y colocar el trípode y la cámara fija a la altura adecuada. Si la posición va a ser muy complicada para que puedas manejar los controles de la cámara, es posible que te interese configurar la cámara a priori.

Lo más recomendable, es que sitúes la cámara a la misma altura que el elemento fotografiado y lo más paralela posible a él. De este modo te resultará más fácil conseguir una mayor nitidez del objeto en cuestión.

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Canon EOS 750D · 60.0 mm · f/11.0 · 1/8 s

#2. Apertura del Diafragma

Los objetivos macro suelen ser muy luminosos, y por eso tienen diafragmas que se pueden abrir hasta f 1.4 y similares. Es tu elección escoger la profundidad de campo que quieres en tus fotografías, pero debes ser consciente de un par de cosas.

Un diafragma más abierto (número f bajo) nos dará una menor área nítida. Los extremos no suelen ser buenos y objetivos como los 50mm f 1.8 tienden a mostrar aberraciones cromáticas si abres el diafragma al máximo. Si cierras un paso o dos el diafragma, la profundidad de campo será prácticamente la misma, pero tendrás fotografías más nítidas y evitarás, en gran medida, las aberraciones.

Por otro lado, un diafragma más cerrado (número f alto) nos dará menor cantidad de luz. Seguro que ya habías pensado en esto, pero si quieres tener una profundidad de campo más grande, deberás cerrar el diafragma a f 8 o f 11. Las consecuencias de esto es que necesitarás más luz para tener una fotografía correctamente expuesta.

• Guía Sencilla para Aprender a Utilizar el Diafragma
• El Número F, La Apertura Máxima de un Objetivo y su Diámetro
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Canon EOS 1300d · 60.0mm · ƒ/2.8 · 1/40s · ISO 100

#3. Sensibilidad ISO y Velocidad de Obturación

Lo más recomendable es que uses una sensibilidad ISO lo más baja posible. Al usar trípode tendrás la mayor estabilidad y las trepidaciones serán mínimas, por lo que podrás subir la velocidad de obturación con tranquilidad. Sin embargo, este consejo solo te servirá si fotografías en un interior con un objeto inanimado.

Aunque uses trípode, si estás en el exterior, el viento puede mover una flor o un insecto puede cambiar de posición. La luz también irá variando según avance el sol, pase una nube o haya escasez de luz. En estos casos, deberás jugar con la velocidad de obturación y arriesgar un poco más subiendo la ISO.

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• 7 Consejos Imprescindibles Para Dominar La Sensibilidad ISO
• Velocidad de Obturación: Qué Es y Para Qué Sirve
• Cómo Capturar el Movimiento y Dominar el Tiempo de Exposición

Canon EOS 70D · 100.0 mm · f/10.0 · 4/1 s · ISO 125

#4. Iluminación Extra

Los objetivos macro acostumbran a tener diafragmas que se pueden abrir mucho, pero ¿qué pasa si la luz es escasa o usamos alguna de las otras alternativas para hacer macrofotografía? Exacto, necesitaremos puntos de luz que nos ayuden. La luz natural te ayuda a obtener resultados más "realistas", sin embargo, al no poder controlarla te puede resultar más difícil trabajar con ella. Trata de acercarte a una ventana o haz las fotografías al aire libre, buscando días soleados.

Si eliges usar flash incorporado o el flash externo de la zapata, lo más probable es que aparezcan sombras no deseadas sobre el objeto fotografiado. Puedes evitar este problema usando un difusor o cambiando la dirección de la luz (rebotándola, por ejemplo), para que ilumine el elemento de manera más homogénea. Aunque, como ya te he comentado antes, el flash anular es el más aconsejable para la macrofotografía. Su principal baza con respecto a otros tipos de iluminación es que la luz llega al sujeto desde muchos puntos diferentes y de manera muy uniforme.

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OLYMPUS IMAGING CORP. E-300 · 40.0 mm · f/8.0 · 1/80 s · ISO 100

#5. Enfoque Manual

Cuando ya tenemos la cámara colocada, los parámetros seleccionados y la luz que necesitamos, llega la hora de enfocar. Sin duda es la parte más difícil, ya que cualquier error, por pequeño que sea, puede suponer la pérdida del foco y la ruina de la captura.

Trabaja siempre con el modo de enfoque manual. Es aconsejable que, si tienes una réflex, levantes el espejo de tu cámara o que utilices el modo live view. Toma todas las precauciones posibles para evitar movimientos indeseados. Ahora, en el modo live view amplia la imagen todo lo posible y enfoca en modo manual la zona que quieras resaltar.

Recuerda que si no consigues enfocar todo el elemento puedes usar el bracketing u horquillado de enfoque. Con esta técnica puedes realizar distintas tomas de la misma escena con diferentes puntos de enfoque. Después podrás fusionarlas en una única fotografía donde el elemento principal aparezca perfectamente nítido.

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• Cómo Realizar Fotografías Macro con un Foco Total
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Sony Ilce-7rm2 · 70.0mm · ƒ/4.0 · 1/1000s · ISO 400

Temáticas para Fotografía Macro

A la hora de hacer macrofotografía tienes muchas opciones para explorar, pero quizá podemos clasificarlas en dos grupos:

1. Fotografiar Animales, Plantas u Objetos Pequeños

NIKON D7000 · 105.0 mm · f/5.6 · 1/250 s

Esta es la premisa de la fotografía de insectos y de la fotografía de la flora (plantas, flores) Aunque también puedes centrarte en elementos de reducido tamaño y crear fotografías con ellos. Busca objetos cotidianos como botones, monedas, miniaturas o maquetas. También puedes dedicarte a la fotografía de bisutería y joyas, dentro del campo de la fotografía de producto.

2. Fotografiar Cualquier Cosa de Cerca

Nikon D5100 · 90.0mm · ƒ/14.0 · 6/1s · ISO 100

Es una opción que también puede ser interesante. Es cierto que, para fotografiar cosas pequeñas, por normal general deberás acercarte a ellas.  Pero me refiero a buscar detalles, texturas o, incluso, intentar llevar a lo abstracto elementos de tu día a día mediante la descontextualización.  Piensa en cómo se verían muy de cerca unas gotas de agua, la esponjosidad de una mousse de chocolate o la rugosidad de la madera de un árbol.

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Composición Fotografía Macro

Como en todas las otras disciplinas de la fotografía, la composición es muy importante en las tomas macro. En general, si te dedicas a fotografiar cosas de cerca, tenderás a rellenar el encuadre con ellas.

En cambio, si buscas sujetos más pequeños te será más difícil llenar toda la composición. Presta especial atención a aspectos como el fondo que elijas, el contraste, el color y la perspectiva. Por supuesto, puedes romper estas "reglas" cuánto desees.

Lo que sí es muy importante es que identifiques muy bien el sujeto principal de tu fotografía e intentes situarlo en una posición interesante dentro del encuadre. Las reglas de composición fotográfica como la regla de los tercios, la proporción área o la simetría dinámica pueden aplicarse también en la fotografía macro.

Normalmente, seguirlas te ayudará a conseguir imágenes atractivas visualmente. Aunque, debes tener muy en cuenta que, en este campo, la paciencia será tu mejor aliada para lograr buenas composiciones.

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Procesado de Fotografías Macro

Canon EOS 6D · 100.0 mm · f/14.0 ·1/125 s · ISO 100

Puedes utilizar programas como Adobe Lightroom o Adobe Photoshop para el procesado de tus imágenes. En primer lugar, puedes abrir tu imagen en RAW y reencuadrar la composición (si es necesario). Seguidamente, los tres aspectos que deberás priorizar a la hora de revelar tus fotografías macro son la corrección de la exposición, el equilibrio de color y la nitidez.

Como sabes, en fotografía macro conseguir una nitidez total del objeto fotografiado puede resultar muy complicado en algunas situaciones. Por eso, cuando hablábamos del enfoque manual, te recomendábamos usar la técnica del bracketing u horquillado de enfoque. Ahora es el momento de fusionar esas imágenes para conseguir que tu elemento esté completamente nítido. Para ello puedes utilizar programas como Adobe Photoshop, Helicon Focus o la alternativa gratuita CombineZM.

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Fotografía Macro: la Grandeza de los Pequeños Detalles

Panasonic DMC-FZ8 · 19.0 mm · f/3.2 · 1/50 s · ISO 200

Reconócelo, después de leerte la guía sobre la macrofotografía te ha empezado a picar el gusanillo... Si quieres empezar ya no necesitas hacer una gran inversión al principio. Puedes empezar por invertir en las alternativas económicas que te hemos comentado y realizar tus propios accesorios caseros.

Vale la pena probar nuevos géneros de la fotografía cuando ya hemos aprendido a dominar otros. Así que, atrévete a embarcarte en la búsqueda de los pequeños detalles.

¿Necesitas más inspiración? Pues no te pierdas esta impresionante selección de fotografías macro que acabarán por enamorarte definitivamente.

En una sesión larga es completamente normal que el maquillaje de tu modelo no luzca perfecto todo el rato. Y ya ni hablar de fotografías en eventos sociales, donde el maquillaje todavía está expuesto a más complicaciones: sudor, llantos (de alegría claro), restregones con las manos, beber y comer, etc. Todo esto hace que el resultado final de nuestros retratos no sea tan bonito como quisiéramos. Un retrato con un mal maquillaje puede no resultar atractivo, y si además la persona retratada se ve mal, todavía tendremos un drama mayor. Para estos casos contamos con el maquillaje digital.

El maquillaje digital consiste en aplicar maquillaje a nuestros modelos a través de un programa de edición. En este artículo vamos a usar Adobe Photoshop CC 2018, aunque podrás usar versiones anteriores sin problema. Con las técnicas que vamos a aprender en este artículo puedes tanto mejorar el maquillaje ya existente como crearlo de cero. ¡Tú decides!

1. Cambiar de Color el Maquillaje

Podemos cambiar fácilmente el color del maquillaje de nuestra modelo con cualquier Capa de ajuste que altere los colores: Tono/Saturación, Equilibrio de color, Corrección selectiva, Intensidad, etc.

Lo primero que deberás hacer es seleccionar la zona maquillada con alguna selección básica como la selección rápida o incluso a mano alzada con el lazo (eso último será más sencillo usando una tableta gráfica). Para conseguir naturalidad deberemos jugar con el Desvanecimiento, un parámetro que podremos configurar en el menú superior antes de crear la propia selección, o que podemos agregar a posteriori desde el menú Selección/Modificar/Desvanecer, o desde las Propiedades de la máscara de la capa de ajuste una vez creada.

• Usa un desvanecimiento de 1 o 2 px en maquillajes con un borde más duro, como el pintalabios, el eyeliner o líneas definidas de maquillajes fantasía.
• Usa un desvanecimiento de 30 px o más en maquillajes más difusos como la sombra de ojos o el colorete

Con la selección activa agrega la capa de ajuste que prefieras desde el menú Capa/Nueva capa de ajuste o desde el botón rápido  que encontrarás debajo de la ventana de capas. Así la máscara de la capa de ajuste ya tomará la forma de la selección y actuará solamente en esa zona.

Después simplemente deberás ir jugando con los deslizadores del ajuste para conseguir el tono que quieras.

2. Pintar la Sombra de Ojos y el Colorete

Usando la misma técnica que en el punto anterior también podemos crear sombras y colorete desde cero, aunque nuestra modelo no esté maquillada.

Deberás seleccionar la zona donde quieras aplicar la sombra o el colorete, con un desvanecimiento bastante pronunciado, para que el borde se quede difuso y natural. Lo más sencillo será usar la herramienta lazo y dibujar la selección a mano alzada.

Cuando ya tengas la selección hecha, añade una capa de ajuste de Tono/Saturación y automáticamente la máscara de la capa de ajuste adoptará la forma de la selección. Ahora ve moviendo los deslizadores hasta conseguir el tono de sombra o colorete que prefieras.

Desde las propiedades de la máscara podrás hacer que el borde todavía se desvanezca más, si ves que te ha quedado demasiado duro para que quede natural.

3. Dibujar un Eyeliner

Con esta técnica conseguirás tanto dibujar un eyeliner desde cero como arreglar un eyeliner mal hecho o medio borrado. Para dibujar un eyeliner correctamente lo mejor será usar una tableta gráfica. Una tableta nos va a permitir dibujar unos trazos naturales y precisos, algo completamente necesario para dibujar una raya del ojo realista.

Crea una capa nueva vacía, desde el menú Capa/Nueva/Capa o desde el botón rápido  que encontrarás debajo de la ventana de capas. Usa la herramienta Pincel  con un tamaño pequeño y un borde al 80% de dureza aproximadamente. Activa el icono de Tamaño por presión  para hacer que la línea quede todavía más natural. No elijas color negro; para que quede más realista, elige mejor el tono más cercano al negro que encuentres dentro de tu fotografía, usando la herramienta Cuentagotas . Si estás arreglando un eyeliner, entonces elige directamente el color del eyeliner real, con el cuentagotas también.

A continuación pon la capa en Modo de fusión Superponer, Oscurecer o Multiplicar, para que esta capa nueva se funda con la fotografía original, y baja su opacidad hasta conseguir que se integre de manera natural. Mira el resto de negros de la fotografía para guiarte y conseguir que quede realista.

Por otra parte, si no dispones de una tableta gráfica, puedes crear trazos bastante naturales usando la herramienta Pluma . Simplemente dibuja una línea con la pluma usando la menor cantidad de puntos posible, para que sus curvas queden más naturales. Después pulsa con el botón derecho del ratón para desplegar el menú de la pluma y selecciona Contornear trazado. Asegúrate de tener la herramienta pincel configurada como te comentaba antes, con un tamaño pequeño y al 80% de dureza aproximadamente. Puedes probar a marcar la casilla Simular presión, en ocasiones puede hacer que la línea quede más realista, aunque como es un proceso automático no siempre la dibujará como más te gustaría.

Finalmente, al igual que antes, coloca esta capa nueva en Modo de fusión Superponer, Oscurecer o Multiplicar y baja su opacidad hasta conseguir que se integre correctamente.

4. Mejorar el Pintalabios

Por muy bien que tu modelo lleve los labios pintados, su borde nunca va a quedar perfecto. Seguro que has visto más de una vez anuncios de cosméticos en revistas o carteles donde la modelo lleva unos labios con una línea completamente definida y perfecta. Esto se consigue fácilmente con Photoshop, con la herramienta Pluma.

Descubre la Herramienta Pluma de Photoshop

Usa la herramienta Pluma  y, con la menor cantidad de puntos posible (jugando con los tiradores para crear curvas), bordea la parte externa del labio superior y cierra el trazo por la parte de arriba, tal y como se muestra en la imagen. Procura que el borde que toca el labio quede pegado al labio y por dentro de él, que no se monte con la piel en ningún momento, sino no quedará perfecto.

Cuando tengas el trazo cerrado, pulsa el botón derecho y elige la opción Hacer Selección. Ponle un Desvanecimiento de 1 píxel si quieres que el borde del labio quede definido y perfecto, o 2 píxeles si quieres que quede algo más natural. También será recomendable marcar la casilla Suavizado para evitar cualquier posible arista en la selección.

Una vez creada la selección, usa el Tampón de clonar  y pulsa Alt para seleccionar como muestra la parte de la piel que esté directamente encima del propio labio. Ahora, con un pincel pequeño y muy difuso, clona la piel justo por encima del borde del labio. Gracias a la selección conseguirás eliminar las partes de pintalabios que no siguieran exactamente la línea del labio, haciendo que el contorno quede perfecto y bien definido.

Si alguna zona de la piel ha quedado algo rara después del clonado, puedes arreglarla con el Pincel corrector o la herramienta Parche.

Finalmente, repite este mismo proceso con el labio de abajo para completar el retoque.

5. Pintar los Labios

En el punto anterior te mostraba cómo mejorar el pintalabios de nuestra modelo. Pero también podemos usar esta técnica para pintar de cero unos labios que no estén maquillados.

Al igual que antes, con la herramienta Pluma  dibuja el contorno del labio superior con la menor cantidad de puntos posible. Sin embargo, ahora en vez de cerrar el trazado por arriba deberás cerrarlo siguiendo toda la forma del labio. Haz lo mismo con el labio inferior, para tener un trazado que contenga todo el labio. Si tu modelo tiene la boca cerrada también puedes crear un trazado que abarque ambos labios a la vez.

Cuando ya tengas tu contorno cerrado, pulsa con el botón derecho del ratón para desplegar las opciones de la herramienta pluma y elige Hacer selección. Al igual que antes, dale 1 px de Desvanecimiento si quieres que el pintalabios quede más definido, o 2 px si quieres que quede más natural. Marca también la casilla Suavizado para que la selección quede mejor.

Con la selección activa, agrega una Capa de ajuste  de Tono/Saturación y mueve los deslizadores para conseguir el tono de pintalabios que más te guste. Hay muchos otros métodos para poder pintar los labios en este último paso, como usar alguna otra capa de ajuste que afecte al color de la fotografía o pintar en una capa nueva y después jugar con los modos de fusión.

6. Alargar las Pestañas

Para alargar las pestañas de nuestra modelo podemos hacerlo de dos maneras diferentes.

Una será simplemente dibujarlas a mano, con una tableta gráfica. Crea una capa nueva y usa un pincel fino, con una dureza al 70-80% y del mismo color que las pestañas originales. Ve dibujando más pestañas y alargando las pestañas ya existentes, siguiendo tanto la dirección como la curvatura originales, para que queden más realistas. Finalmente puedes poner esta capa nueva en algún modo de fusión que te ayude a integrarlas mejor, como Oscurecer o Multiplicar, y/o jugar con la opacidad de la capa para conseguir que queden lo más realistas posible.

Por otra parte, otra forma de conseguir unas pestañas increíbles será usar un brush o una overlay de pestañas. Puedes descargarlos de internet y acoplarlos a tu fotografía fácilmente. Si no sabes bien qué son o cómo funcionan, te recomiendo que leas nuestros artículos sobre el tema:

• Descubre los 35 Mejores Pinceles (Brushes) para Photoshop
• Descubre qué son las Overlays en Photoshop y Cómo Integrarlas Perfectamente

7. Hacer "Contouring" Digital

El "contouring" se ha puesto muy de moda últimamente. Es una técnica de maquillaje que suelen usar las famosas e instagramers más influyentes, que juega con sombras y luces para "esculpir" los contornos de la cara (y a veces también del resto del cuerpo) al gusto, disimulando las partes que menos gustan y acentuando las que más.

Podemos aplicar la técnica del contouring de manera digital también en nuestros retratos, con la técnica del Dodge & Burn. Esta técnica consiste en acentuar las sombras y las luces de la fotografía y en crear sombras y luces nuevas para jugar con los volúmenes del retrato. En este artículo te explicamos a fondo esta técnica y repasamos varias maneras de aplicarla paso a paso.

8. Maquillaje de Fantasía

Los maquillajes de fantasía son un estilo recurrente para conseguir retratos originales y creativos. Sin embargo, es muy difícil conseguir que un maquillaje fantasía quede perfecto. Por eso, con Photoshop podremos arreglarlo e incluso crearlo desde cero para acercarnos lo máximo posible a la perfección.

Para pintar la piel sin estropear la textura lo mejor será hacer una separación de frecuencias. Esta técnica consiste en separar en dos capas diferentes la textura y el color de nuestra fotografía, de manera que podamos retocarlas por separado. Si hacemos una separación de frecuencias, en la capa de color podremos mejorar el maquillaje o incluso crearlo de manera digital.

Para hacer una separación de frecuencias en tu fotografía sigue estos pasos:

1. Duplica la capa dos veces, con Control + J o Comando + J (en Mac)
2. Renombra las capas para no liarte: a la capa de arriba llámala Textura y a la de abajo llámala Color.
3. Selecciona la capa Color y ve al menú Filtro/Desenfocar/Desenfoque gaussiano. Agrega un desenfoque de 2 px.
4. Selecciona la capa Textura y ve al menú Imagen/Aplicar Imagen. Pon los siguientes parámetros:
   • Capa: Color
   • Canal: RGB / Marca la casilla Invertir
   • Fusión: Añadir
   • Opacidad: 100%
   • Escala: 2
5. Si lo has hecho bien la capa Textura se habrá quedado de un tono gris. Ponla en Modo de fusión Luz lineal para que se funda con la capa Color.

Ahora ya tienes la textura y el color de la fotografía en capas diferentes. Simplemente deberás pintar en la capa Color para mejorar el maquillaje fantasía, o para crearlo desde cero.

La fotografía es luz, sin ella no existiría. ¿Cómo vamos a realizar entonces fotografías por la noche si no es ayudándonos de luz artificial que nos ilumine la escena? ¿Es posible? En el artículo de hoy no solo veremos que es perfectamente factible, sino que además hay muchas situaciones en las que tu mejor opción será apagar el flash de la cámara.

El Reto de Fotografiar Sin Luz

No entendemos la fotografía sin luz. Hay ocasiones en las que podemos disfrutar de capturar escenas en las que tenemos una luz preciosa, pero seguro que te encuentras con otras en las que las condiciones lumínicas del entorno no son las más óptimas. Aunque pienses que no puedes enfrentarte a este tipo de situaciones, trata de amoldarte y hazle frente al reto que supone fotografiar en condiciones de luz escasa.

¿Flash o No Flash?

Si lo que necesitamos para hacerle frente a un entorno oscuro es luz, es lícito pensar que un flash puede ayudarnos a superar los obstáculos que nos ofrece un entorno con condiciones lumínicas pobres. ¿Pero realmente un flash es lo que necesitamos?

Piensa que el flash integrado de la cámara lanza un tipo de luz muy dura, y puede que más que mejorar nuestra toma la estropee o haga que ésta sea poco natural. Además, piensa que por ejemplo el flash integrado de la cámara no alcanza más de 3 o 5 metros, así que si quieres iluminar algo que esté a más distancia de poco te servirá. Es más, seguramente empeorará la imagen provocando que esta aparezca más oscura, así que utilizar el flash no es una buena opción en todos los casos.

Un caso distinto es el de emplear un flash externo y dispararlo separado de la cámara, ya que de este modo tendremos mayor control y podremos conseguir resultados más óptimos. Aunque en este artículo nuestro propósito es que le hagas frente a una escena oscura sin necesidad de flash, así que atento a los siguientes consejos.

6 Consejos para Fotografiar con Poca Luz y sin Flash

Hemos visto que el uso del flash en entornos oscuros no resulta demasiado acertado en muchos de los casos, pero... ¿qué opciones tenemos para que nuestras imágenes no salgan oscuras? Veámoslo a continuación.

1. El Trípode será tu Mejor Amigo

Un modo de conseguir que entre más luz al sensor de nuestra cámara es empleando velocidades de obturación lentas, pero si hacemos esto necesitamos un accesorio esencial: el trípode. ¿Por qué? Porque vamos a indicarle a la cámara que realice la foto durante 1 o varios segundos, y mientras está exponiendo la toma no deberemos moverla si queremos que no nos salga trepidada.

Además, otro accesorio que está muy asociado al trípode es el disparador remoto, que nos ayudará a no mover la cámara cuando pulsamos el botón de disparo. Ya lo sabes, obtener una imagen adecuada en un entorno oscuro empieza por tener estos dos accesorios.

Como contrapunto, piensa que si colocamos la cámara en el trípode no obtendremos trepidación de la cámara, pero depende de lo que vayas a capturar tu imagen puede salir borrosa. Imagina que vas a realizar un retrato. La persona deberá permanecer lo más inmóvil posible durante la toma para no salir borrosa. No solo la cámara deberá estar estable, sino que el motivo fotográfico también tiene que estarlo. 

2. Enfoca al Infinito

Nikon D7000 · 17.0mm · ƒ/2.8 · 8/5s · ISO 100

Una cosa está clara, si hay poca luz, el sistema de enfoque automático de tu cámara lo tiene mucho más complicado. Ésta tratará de enfocar pero se pasará un buen rato intentándolo, sin asegurarnos que finalmente vaya a funcionar.

Así pues, cuando fotografiamos en entornos oscuros lo mejor es que configures el foco manual de tu cámara, y lo fijes al infinito.

Otro modo es que ilumines con una linterna el punto que deseas que salga nítido, enfoques manualmente, te ayudes de los beneficios del uso del modo del live view, y a continuación apagues la linterna y realices la foto.

3. ISO's Altas

De la sensibilidad ISO ya te hablábamos en profundidad en este otro artículo. A modo de resumen, la ISO hace referencia a la sensibilidad que tiene el sensor de nuestra cámara hacia la luz, y esta se mide en números (100, 200, 400, 800...). Cuanto mayor es el número, mayor es la sensibilidad de la cámara hacia la luz, por lo que podremos obtener nuestra toma con más luz.

¿Es ésta la solución definitiva entonces? ¿Disparamos con una sensibilidad alta nuestras fotos y ya está? Como ya te imaginarás, no, ésta no es la solución. Muchos fotógrafos le tienen fobia a aumentar la ISO, y no es algo infundado, ya que cuanta mayor ISO usemos, mayor probabilidad de que aparezca ruido en nuestras imágenes y que este deteriore el resultado final.

Por tanto, se trata de que realices diferentes pruebas con tu cámara hasta encontrar cuál es el valor máximo de sensibilidad ISO con el que consideras que la imagen tiene una calidad aceptable, y entonces establezcas ese valor como tu límite cuando tienes que emplearlo porque las condiciones de tu entorno así lo requieren.

4. Velocidades de Obturación Lentas

FUJIFILM X-T10 · ƒ/22.0 · 14s · ISO 200

Cuanto más tiempo tenemos el obturador de nuestra cámara abierto, más luz dejaremos entrar al sensor, y por tanto, nuestra foto saldrá menos oscura. Trabajar con velocidades de obturación lentas es un buen método de conseguir que nuestra toma tenga la luz que a simple vista resulta obvio que falta en el entorno. Pero recuerda, es muy importante trabajar sobre trípode y con un disparador remoto para intentar no producir ningún movimiento sobre la cámara mientras ésta está exponiendo la toma.

La velocidad de obturación también se mide en números (1/2, 1/4, 1/8, 1/16, 1/32, 1/64, 1/125, 1/250...). Cuanto mayor es el número, mayor es la cantidad de luz que entra al sensor. 

Recuerda que la cantidad de luz que captura la cámara es inversamente proporcional a la velocidad de obturación que configuremos, así pues cuanto más rápida sea la velocidad de obturación, menos luz dejaremos pasar, y viceversa.

Pero ojo, porque si trabajamos con velocidades lentas tenemos que ser conscientes de que no podremos congelar el movimiento, no podremos capturar por ejemplo a una persona saltando y que se distinga perfectamente en ese salto. Sus manos y piernas aparecerán borrosas porque se ha registrado el movimiento. Esto nos lleva a tener que jugar con otras variables para conseguir una adecuada exposición de la toma sin perder de vista otros puntos como el congelar o no el movimiento en una toma.

5. Aperturas de Diafragma Grandes

Llegamos a la tercera de las variables del triángulo de la exposición que influirá en la captación de más o menos luz: la apertura de diafragma. El diafragma, tal y como te explicábamos en este artículo, es como un agujero que deja pasar más o menos cantidad de luz a la cámara. Al igual que las variables anteriores, se representa también con números, siendo los números más bajos aquellos que se corresponden con una apertura más grande, y los más altos aquellos en los que el diafragma está más cerrado y por lo tanto deja pasar menos luz.

Cuanto más abierto tengamos el diafragma más luz dejaremos pasar a la cámara, lo cual nos vendrá genial para entornos en los que hay poca luz, pero cuidado, porque cuando usamos aperturas muy amplias, o lo que es lo mismo trabajamos con números f bajos, la profundidad de campo es muy reducida, y podemos caer en el error de que nuestra imagen no tenga el foco en el punto exacto.

Las lentes más luminosas suelen ser las focales fijas, que trabajan con aperturas máximas entre f/1,2 o f/1,8.

6. Captura Tu Imagen en Formato RAW

Por último, un buen consejo es que dispares en formato RAW. Un archivo RAW captura muchos más detalles e información que un JPEG, por lo que tendrás un margen más amplio de corrección en cuanto a la exposición, el color, el nivel de detalle, etc. Eso sí, ten presente que el formato RAW ocupa más espacio que el JPEG, y que necesitarás un software de edición para poder revelar tus tomas.

10 Fotografías sin Flash de Ejemplo en Entornos Oscuros

A continuación os muestro algunas tomas en las que el entorno era oscuro y hemos conseguido sacarlo con una exposición adecuada sin la necesidad de emplear un flash.

1. Luz en la Tormenta

Sony Ilce-5000 · 44.0mm · ƒ/8.0 · 10s · ISO 100

Aunque en esta escena no había mucha luz, comprobamos que la exposición es totalmente acertada gracias a los 10 segundos de exposición que se emplearon para captar la toma tal y como indican los datos exif. Además, la velocidad de obturación lenta también provoca que el agua que aparezca tenga un atractivo efecto seda, que refleja a la perfección la escena principal.

2. Pueblo Dormido

Nikon D7200 · 75.0mm · ƒ/14.0 · 30/1s · ISO 100

Si hubiéramos disparado el flash desde la cámara en esta escena no hubiera iluminado prácticamente nada, porque la toma se ha realizado con un teleobjetivo, y el flash no tiene un alcance tan extenso. En este caso utilizando una velocidad de obturación algo baja hemos logrado sacar la captura con la exposición adecuada para que se distinga que está anocheciendo y que las luces del pueblo iluminan las calles.

3. Calles Vacías

Nikon D5100 · 18.0mm · ƒ/8.0 · 13s · ISO 125 s

Las farolas de la calle son una fuente de luz que puede ayudarnos a aportarle ese toque de iluminación que le falta a nuestra imagen, así que estate atento y antes de disparar fíjate en que elementos hay en el entorno que puedan ayudarte a darle un poco más de luz.

4. El Mercado

Cuando las distancias entre la cámara y el elemento a fotografiar son grandes de nada sirve el uso del flash. Repasa los consejos que te hemos dado y juega con las variables del triángulo de exposición para conseguir la exposición que deseas.

5. Bosque Misterioso

Si se hubiera disparado el flash para realizar esta toma nos hubiéramos cargado todo el ambiente tenebroso que se percibe en ella. Hacerla sobre un trípode con una velocidad de obturación larga puede ayudarnos a lograr más luminosidad, pero recuerda que si quieres congelar el movimiento de las hojas en un día con viento, tendrás que compensar con otras variables como la ISO o la apertura de diafragma para poder congelarlas.

6. Cielo Nocturno

SONY · ILCE-6000 · ƒ/1.4 ·13s · ISO 3200

La fotografía nocturna necesita que apliquemos cada uno de los consejos que te hemos dado. Si observamos pro el visor de nuestra cámara cuando cae la noche, lo veremos todo negro. Necesitamos trabajar con ISO's altas, velocidades de obturación lentas y diafragmas abiertos para poder aprovechar la poca luz que le llega al sensor de la cámara. Además, si disparamos en formato RAW tendremos un margen mayor para luego corregir la toma en edición y aportarle más luminosidad si hiciera falta.

7. Al Caer la Noche

SONY ILCE-7RM3 · ƒ/10.0 · 10s · ISO 100

En esta captura se logra la iluminación necesaria porque se ha disparado durante 10 segundos la toma, consiguiendo así capturar el bonito efecto seda en el agua.

8. Rincones de la Ciudad

Canon EOS 700D · ƒ/1.4 · 1/100s · SO 100

La ciudad está repleta de escaparates, letreros y faroles que le aportan luz a la escena. Identifícalos y busca la mejor ubicación para aportarle a tu captura la luz que necesita.

9. Retrato a la Luz de las Velas

Este retrato no sería lo mismo si hubiéramos disparado un flash frontal. Lo bonito aquí es que el sujeto queda más integrado en la toma porque está iluminado con la misma luz que distinguimos en el entorno.

10. París en el Horizonte

París, la ciudad de la luz, en esta ocasión tiene una iluminación tenue, pero que sabiendo aprovechar y combinar con los parámetros de la cámara, podemos sacar expuesta correctamente.

11. Miradas

También puedes ayudarte de luces externas que iluminen a tu sujeto, como ocurre en esta toma. No es un flash, sino una luz mucha mas suave que acompaña a nuestro retrato.

¡No le Tengas Miedo a la Oscuridad!

Ya has visto que realizar fotografías en un entorno oscuro es todo un reto, pero no tiene por qué suponer un problema. Tenemos diversos modos de conseguir una exposición adecuada para nuestra toma, y depende de cómo queramos que sea ésta, deberemos combinarlos todos de un modo u otro para obtener buenos resultados. ¡No tengas miedo a la oscuridad, y sal a practicar!

Hemos hablado en otras ocasiones sobre ellos de forma más detallada, pero creemos que es importante dedicar una entrega en profundidad para que conozcas todos los modos de disparo que ofrece tu cámara.

Por supuesto, estos modos dependerán, primero, de si tienes una compacta, una bridge o una réflex, y, dentro de cada categoría, del equipo del que dispongas, pues algunas cámaras pueden presentar un mayor número de modos que otras.

Por tanto, planteamos esta nueva entrega como un artículo donde trataremos algunos de los modos más comunes presentes en las cámaras digitales de hoy en día (aunque quizás mañana los fabricantes incorporen nuevos modos). ¿Quieres conocerlos?

El Modo Auto: Cuando la Cámara lo Hace Todo por Ti

Para tratar los distintos tipos de modos, lo primero que vamos a hacer es establecer una clara línea entre los modos automáticos (auto y modos escena) y los no automáticos (semiautomáticos y manual).

Cuando el modo automático de la cámara está seleccionado en el dial de una cámara, el fotógrafo no necesita más que encuadrar, enfocar y disparar. Es la propia cámara la que selecciona y ajusta los parámetros y el fotógrafo no tiene que preocuparse absolutamente de nada.

Es el modo paradigmático, ya que la cámara debe "arreglárselas" para lograr que la foto salga bien, sea cual sea el tipo de toma. Como podrás imaginar, para situaciones normales es un modo apropiado, pero no siempre será así.

Imagina que se trata de una escena con mucho movimiento, o con escasa iluminación, o en la que te gustaría que la profundidad de campo fuese muy amplia... En ese tipo de casos puede que falle y te interese usar otros modos más apropiados a cada situación.

Los Modos Escena (SCENE o SCN)

Conoce los Modos Escena para Aprender Fotografía

Los modos escena, que en algunos diales aparecerán como SCENE o SCN, son modos automáticos preconfigurados que seleccionaremos en función del tipo de fotografía que estemos realizando.

Así, la cámara conocerá, de antemano, ante qué situación se encuentra y cuál es el acabado que esperas obtener en tu foto final para, de ese modo, utilizar la configuración correcta. Veamos los modos más habituales que encontraremos en la mayoría de cámaras:

• Retrato. Permite realizar, como su propio nombre indica, retratos. Para ello abre bastante el diafragma buscando reducir todo lo posible la profundidad de campo y que así el fondo quede difuminado. Al mismo tiempo, selecciona una velocidad de obturación adecuada para evitar que el movimiento de la persona retratada pueda causar que esta salga trepidada.
• Niño. Busca enfatizar los colores de la escena pero sin saturar excesivamente los colores de la piel para que permanezcan suaves y naturales. Su objetivo es proporcionar un equilibrio entre velocidad de obturación y apertura. ¿Cómo? Usando una velocidad de obturación lo suficientemente rápida como capturar a un niño en movimiento y una apertura lo bastante reducida como para desenfocar el fondo y que el niño destaque sobre él.

• Paisaje. En esta ocasión se cierra todo lo posible el diafragma para ampliar al máximo la profundidad de campo y, en función de la luz, se establece un tiempo de exposición adecuado para que la foto quede correctamente expuesta.
• Deporte. Este modo no solo vale para retratar eventos deportivos, sino que su principal aplicación es la de fotografiar escenas en las que haya movimiento y que, por tanto, requieran de unas condiciones de elevada velocidad de obturación para que la foto no aparezca borrosa. La cámara, además de seleccionar una velocidad lo suficientemente alta, se encarga de lograr que la foto aparezca correctamente expuesta, modificando también los otros valores que participan en la exposición.
• Noche (Retrato o Paisaje Nocturno). Mediante una considerable apertura de diafragma y un tiempo de exposición apropiado, la cámara se prepara para unas condiciones de iluminación deficientes. Esta falta de iluminación, además de mediante la apertura y la velocidad de obturación, se pretende corregir elevando todo lo posible la sensibilidad del sensor. De ahí, que pueda incluir mucho ruido una foto de este tipo. También es frecuente que salte el flash integrado en este tipo de modo para contrarrestar, de nuevo, la escasa iluminación.

• Macro. Este modo busca, como su nombre indica, disponer a la cámara en condiciones de retratar escenas a tamaño real e incluso multiplicado varias veces. Para ello se abre mucho el diafragma y se adecúa el tiempo de exposición con el objeto de reducir la profundidad de campo y obtener una foto completamente nítida y contrastada, además de, por supuesto, una foto correctamente expuesta. Para el uso de este tipo de modo es necesario muy buen pulso, el uso de un trípode o un punto de apoyo. En caso contrario, la foto saldrá movida.
• No flash. En ocasiones, aunque la falta de iluminación o el movimiento de los objetos en la escena aconsejen usar el flash, el fotógrafo no quiere que éste se dispare. Bien porque busca un efecto curioso en su fotografía, o bien porque la escasa potencia del flash no hará más que lograr una toma demasiado oscura. Esto último es muy frecuente en situaciones en que el objeto se encuentra a más distancia de la recomendada para el flash. En estas situaciones conviene evitar que el flash se dispare y tratar de contrarrestar esto, elevando la sensibilidad ISO y disparando con la ayuda de un trípode o de una buena sujeción que evite el movimiento de la cámara.

Quizás tu cámara o la de algún amigo tenga más modos escena como: Puesta de Sol, Animales, Gastronomía, Amanecer, Cumpleaños, Fuegos Artificiales, etc. Pero el listado que hemos analizado más en profundidad cubre un amplio abanico de los que encontraremos más fácilmente en la mayoría de cámaras.

Sin embargo, existen modelos en los que no será necesario siquiera contar con los modos escena, porque incorporarán un Modo Automático Inteligente que detectará el tipo de fotografía que estás haciendo para elegir los parámetros más adecuados.

Nuestra recomendación con respecto a los modos escena (y a los automáticos en general) es que te resultarán útiles, o bien si no tienes tiempo para preparar una determinada toma, o bien acabas de empezar y si no conoces cómo funciona el triángulo de exposición ni los valores de apertura, obturación e ISO, entre otros.

Es más, si eres principiante, los modos escena te pueden ayudar a conocer que parámetros son más recomendables para cada tipo de fotografía y así irte familiarizando con el funcionamiento del triángulo de exposición, ya que variará mucho según la captura que quieras hacer.

Los Modos Semiautomáticos: La Transición

Cuando ya dominas bastante mejor el significado de la apertura del diafragma, la velocidad de obturación y la sensibilidad ISO, entonces estás más que preparado/a para sacarle el máximo partido a estos modos.

Ahora serás tú quien digas a tu cámara lo que debe hacer y no al contrario. ¡Inténtalo!

Las cámaras suelen incluir tres modos semiautomáticos identificados por las letras: A (o Av), S (o Tv) y P. A continuación veremos qué significa cada uno de estos modos:

• Programa (P). Es el modo manual más cercano al automático, pues la cámara selecciona de forma automática los valores de apertura y velocidad, pero permite al fotógrafo elegir algunos valores como el balance de blancos, la sensibilidad ISO, la compensación de la exposición, etc.
• Prioridad a la Apertura (A o Av). Este modo permite al usuario seleccionar la apertura del diafragma con la que se realizará la toma. Una vez fijada la apertura por el fotógrafo, la cámara fijará la velocidad del obturador para que la exposición sea correcta. En aquellas tomas en las que quieras controlar la profundidad de campo, este modo te será muy útil.

Fragmento Fototip Modos Semiautomáticos en Detalle

• Prioridad a la Velocidad (S o Tv). A diferencia del anterior, en este caso el parámetro que fija el fotógrafo es el tiempo de exposición. Por su parte, la cámara abre o cierra el diafragma para que la foto quede correctamente expuesta.  Piensa en este modo cuando quieras "congelar" o "descongelar" una escena.

El Modo Manual: ¡Pasa a Dominar tu Cámara!

El modo Manual (M) es aquel en el que la cámara deja hacer al fotógrafo. El fotógrafo tiene la obligación de elegir tanto el valor de apertura de diafragma, como el de velocidad de obturación, como el de sensibilidad ISO.

La cámara ya no establecerá ninguno de los valores para que la exposición sea correcta. A lo sumo, el exposímetro te indicará si la foto va a quedar subexpuesta o sobreexpuesta. Tendrás que ser tú el que subiendo o bajando pasos de apertura o de velocidad, el que logres exponer correctamente.

Por lo tanto, en este modo tú mandas y decides todos los parámetros que configurarán la toma porque ya dominas el triángulo de la exposición y lo manejas a tu antojo según la situación y el resultado que pretendes obtener.

Recuerda que, además del seguir las indicaciones del exposímetro de tu cámara antes de realizar la toma, también es importante que, después de fotografiar, revises el histograma para comprobar que la exposición es correcta.

Entonces, ¿Qué Modo Elijo?: 3 Consejos

Te hemos descrito más de 10 modos de disparo con sus correspondientes características y tomas más apropiadas para utilizarlos. En este sentido, además de lo que ya te hemos dicho, no te podemos contar mucho más, ni decirte que uses siempre un modo u otro. Ya sabes mucho de lo que hay que saber sobre estos modos.

Simplemente, te vamos a dar unos consejos que, personalmente, sigo y me parece que podrán ayudarte a ti también para saber qué modo elegir:

• Es fundamental leerse el manual de usuario o libro de instrucciones de tu cámara para conocer las posibilidades que te ofrece tu equipo. Presta especial atención a conocer los modos de disparo que te ofrece y sabrás cómo sacarles el mayor partido posible.
• Algunos de los modos preconfigurados, como deporte o paisaje, valen, además de para fotografías similares a las que indica su icono, para otro tipo de tomas de características similares. Por ejemplo, el modo deporte no solo es útil en eventos deportivos, vale para todo tipo de tomas que requieran una alta velocidad de obturación.  Conoce bien cada modo de disparo de tu cámara y para qué te puede servir.
• Abandona el modo automático y los modos preconfigurados lo antes posible (siempre y cuando tu cámara disponga de modos manuales). Empieza ya mismo a trabajar en manual, o seas perezoso/a, tus fotos con el tiempo te lo agradecerán. Serás tú el que controle a tu cámara y no al revés.

Haz Fotos, 'De un Modo u Otro...'

Ya hemos cubierto los modos de disparo más importantes de que dispones en tu cámara. Además, hemos tratado de dejarte claro que no hay comparación entre el resultado y la satisfacción personal que puedes lograr con los modos manuales frente a los automáticos, por muy buenos que sean los modos preconfigurados de tu cámara.

Para hacer mejores fotos comienza por conocer y dominar los modos de disparo que tienes y verás como empiezas a lograr esa mejoría de la que venimos hablando en todos nuestros artículos.

Eso sí, para dominar estos modos es necesario: primero conocerlos, y, lo que es más importante, practicar y practicar hasta que los controles a la perfección. ¡Adelante, ahora te toca a ti hacerte con los mandos de tu cámara y ponerte a disparar, vaquero!

Lo diferente es atractivo por naturaleza. Nuestra mente se acostumbra a lo cotidiano, realiza un balance de contextos que considera “normales”, relajándose y perdiendo con ello la capacidad de sorprenderse y por tanto el interés en determinadas situaciones. Este hecho es aplicable a la mayor parte de nuestra vida y, por supuesto, también lo es para la fotografía. Cuando practicamos fotografía social buscamos “el momento”: ese gesto, acción o suceso diferente al resto del acontecimiento transcurrido, se trata del “instante” con más valor.

En fotografía de paisajes ocurre lo mismo, necesitamos “algo” que nos aparte por un instante del transcurso de un día normal y, por regla general, ese punto de acción nos lo van a proporcionar los fenómenos meteorológicos: atardeceres, lluvia, nieve o el afamado arco iris entre otros. ¿Os parece interesante? Veamos que peculiaridades posee la fotografía del arco iris, cómo sacarle partido y algunos consejos prácticos a la hora de abordarlo, ¡sigue leyendo!

Descomponiendo la Luz

Como en la mayoría de artículos que comparto con vosotros, me gustaría que viéramos en primer lugar cierta documentación previa, algo de la “ciencia” del arco iris, ¡vamos a ello!

¿Qué es el arco iris? Fenómeno óptico y meteorológico, surge de la interacción entre la luz y el agua. Cuando ésta atraviesa una gota (al igual que lo haría en un prisma) se descompone en diferentes frecuencias de color donde el rojo queda en la zona exterior del arco y el violeta en la interior. Los colores que podremos observar formarán escala desde el rojo seguido de naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta. Como curiosidad, en condiciones de laboratorio se han conseguido reproducir hasta trece arcos iris simultáneamente, aunque en condiciones “normales” lo más habitual será encontrar uno o, en el mejor de los casos, uno doble con la disposición de color invertida respecto al principal.

Lo mejor de todo es que “funciona” no sólo con la lluvia, sino también con cascadas de agua o fuentes lo que multiplica las posibilidades de encontrarlo ¿Qué tal si continuamos con aspectos puramente fotográficos?

Planteamiento Inicial: No es Solo Arco Iris

Plantearse fotografiar el arco iris no es tarea fácil. Si bien todos lo hemos visto en numerosas ocasiones a lo largo de nuestras vidas, el hecho de enfrentarnos a un fenómeno tan efímero complica considerablemente las cosas. Cuando me refiero a que “lo complica” no hablo de capturarlo de cualquier forma, eso resulta sencillo lógicamente. Convendría considerar el arco iris como “complemento” de un gran paisaje (natural o urbano) y que abordáramos su retrato de la misma forma que lo haríamos ante cualquier otra situación, es decir, tras una previa exploración del paisaje escogido, estudio de ángulos, puntos de vista…

He aquí cuando llega la parte complicada: conseguir incluir el arco iris en una imagen que por sí sola ya sería una gran fotografía, estudiada y planteada con anterioridad. También podemos plantear la situación de tal forma que éste protagonice la escena, quizá buscando su reflejo en el agua o abstrayéndonos sobre alguna de sus partes mediante zoom. Probablemente este ejercicio ponga a prueba nuestra paciencia y varios días de lluvias “pinchados” en nuestro lugar escogido sin obtener resultados, pero finalmente lo conseguiremos si somos perseverantes en nuestros proyectos y el resultado final lo habrá merecido.

Cómo Abordar la Fotografía de Arco Iris

Ya comentábamos en el apartado anterior que la fotografía de arco iris deberíamos plantearla de la misma forma que un gran paisaje. ¿Cuándo será más probable “toparnos” con éste fenómeno? En las latitudes donde existan cuatro estaciones marcadas tendremos mayores posibilidades de fotografiarlos en primavera y otoño, quizá tras alguna de las habituales tormentas que protagonizan tantos y tantos días. Otra posibilidad sería buscarlos en cascadas naturales o fuentes, siempre presentes si logramos encontrar el ángulo adecuado.

Sobre fondos oscuros destacarán más sus colores, aunque no resulta un aspecto demasiado importante. Respecto al equipo, además del que utilizaríais en cualquiera de vuestras salidas, quizá el más relevante sea el polarizador. Ojo, el filtro polarizador posee un anillo (parecido al de los objetivos) que nos permitirá variar el ángulo de polarización y, con ello, evitaremos atenuar el arco en pro de resaltarlo. Por último, según la localización que hayamos escogido convendría llevar trípode, aunque no será estrictamente necesario.

Lenguaje Visual y Arco Iris

¿Os habéis planteado qué implicaciones visuales puede tener? El arco es una línea curva y, como tal, tendrá efecto de cierre además de cierta correspondencia con las propiedades de los círculos.

Éstas son las principales características de las líneas curvas, perfectamente aplicables a la línea descrita por el arco iris:

• Ofrecen un progresivo cambio de dirección
• Expresan ritmo y movimiento más allá que las rectas. También son suaves y fluidas
• Son atractivas por naturaleza, asociándose con la elegancia y delicadeza
• Constituyen una potente herramienta dirigiendo la mirada
• Pueden formarse mediante implicación de puntos o aprovechando la curvatura de estructuras artificiales y naturales
• Poseen sensación de cierre gracias a su natural asociación con círculos

Bajo mi punto de vista la propiedad de mayor relevancia es el efecto de cierre que poseen, todo lo que ubiquemos en el interior del arco iris cobrará de forma inmediata mayor peso visual, las curvas son grandes directores de la mirada.

foto por piotr mamnaimie (licencia CC)

¿Lo resumimos todo?

7 Consejos para Fotografiar Arcos Iris

Qué mejor forma de concluir que repasando algunos de los consejos nombrados a lo largo del artículo:

• No te dejes llevar por su “magia”, plantéate su retrato como cualquier proyecto paisajístico, busca ángulos y puntos de vista interesantes que puedan quedar resaltados por éste fenómeno
• Presta atención a cascadas y fuentes, allí también aparecen
• En lugares con agua tales como lagos, ríos o mares podrías conseguir incluir su reflejo completando un círculo perfecto
• En primavera y otoño será más fácil encontrarlos tras sus peculiares tormentas
• No es imprescindible retratarlos por completo, prueba a realizar abstracciones mediante zoom
• El uso de polarizador potenciará sus colores
• Se trata de una línea curva, aprovéchala para ejercitar tu lenguaje visual

¿Te animas con la fotografía de arcos iris?

La fotografía nocturna de estrellas, también conocida como astrofotografía, es un tipo de fotografía muy atractivo e interesante. Sin embargo, a veces nuestras fotografías no tienen la fuerza que nos gustaría, les falta algo que atraiga la atención.

Pero no te preocupes, existen multitud de recursos que podemos aplicar para añadirle un toque de interés a nuestras astrofotografías. En este artículo vamos a ver 10 consejos que te serán muy útiles para conseguirlo. ¡Atento!

1. Ilumina el Paisaje

Muchas veces lo que no llama la atención de nuestra astrofotografía es que hay demasiado paisaje en penumbra, que no llama la atención. Una buena manera de conseguir darle un valor añadido a nuestra foto es darle importancia al primer término de la fotografía.

Iluminar este paisaje para que contenga más información puede ser una buena manera de atraer más la atención. Podemos iluminar el paisaje de varias formas diferentes:

1. Ilumínalo tú mismo: Con una linterna o un flash de mano puedes ir iluminando el paisaje en los 20-30 segundos que suele durar la toma para fotografiar las estrellas. Eso sí, este método solo te servirá para iluminar paisajes no demasiado amplios, ya que  si se ven montañas lejanas, por ejemplo, no podrás llegar a iluminarlas.
2. Usa la contaminación lumínica a tu favor: Cuando te encuentras ante un paisaje muy amplio, lo mejor para poder iluminarlo por completo es usar a tu favor la contaminación lumínica, ya sea producida por una población cercana o por la luz de la luna. Es cierto que esta contaminación lumínica eclipsará muchas de las estrellas del cielo, pero a cambio te proporcionará un paisaje perfectamente iluminado.
3. Mezcla dos fotografías: Si quieres iluminar el paisaje pero no quieres perder estrellas a causa de la contaminación lumínica, lo mejor será realizar dos tomas y unirlas después en edición. Simplemente deberás exponer bien el cielo en una y en la otra el suelo, dándole más tiempo de exposición sin preocuparte de que las estrellas empiecen a dejar traza. Un buen truco también es acudir a la localización en la hora azul y realizar la fotografía del suelo en este momento, esperar a que anochezca del todo sin mover el encuadre, y disparar entonces la toma del cielo. Es más engorroso tener que esperar, pero este método le da a tu fotografía unos tonos preciosos y además generarás menos ruido. Si no sabes cómo unir las dos tomas en edición, puedes encontrar información útil al final de nuestra "Guía para fotografiar estrellas" o en nuestra "Guía para cambiar el fondo de tus fotografías".

2. Busca Siluetas Interesantes

No siempre tendremos que iluminar el primer término para darle peso en la fotografía. Otro método para darle un toque de atención al primer término es buscar una silueta interesante que ofrezca un contraste con el cielo que llame la atención. Un árbol retorcido, una montaña escarpada o simplemente la silueta de una persona serán suficientes para darle a tu fotografía el toque que le falta.

Simplemente deberás colocar tu encuadre de manera que la silueta se distinga claramente sobre el cielo. Ten en cuenta que muchas veces deberás situar tu cámara bastante cercana al suelo y realizar una toma contrapicada para que la silueta quede sobre el cielo y no quede cubierta por el resto del suelo.

3. Enfoca el Primer Término

Ya te hemos contado alguna vez que para darle mayor fuerza al primer término de tu fotografía es importante enfocarlo correctamente. Pero si sitúas tu punto de enfoque en el primer término lo que ocurrirá es que tu fondo aparecerá desenfocado.

Inspírate con Estas +40 Fotografías de la Vía Láctea

A veces este efecto puede resultar interesante, ya que las estrellas formarán un precioso bokeh y podría quedarte una toma muy original. Pero si no es esto lo que estás buscando, puedes mantener tu primer término y el fondo enfocados a la vez de dos maneras diferentes:

1. Enfoca a la distancia hiperfocal: Recuerda que la distancia hiperfocal es la distancia mínima de enfoque con la cuál conseguimos una mayor profundidad de campo, obteniendo un enfoque que se extiende desde la mitad de esta distancia, hasta el infinito. Por lo tanto, si queremos que nuestro primer término aparezca enfocado pero que también salga el fondo nítido, enfocar a la distancia hiperfocal nos será de mucha ayuda. Si no sabes bien qué es la hiperfocal o cómo calcularla, en este artículo encontrarás toda la información que necesitas.
2. Haz un focus stack: Cuando el primer término está muy cercano a nuestra cámara, ni siquiera enfocando a la distancia hiperfocal podremos conseguir que aparezcan nítido tanto él como el fondo. En este caso no nos quedará más remedio que hacer un focus stack, también conocido como bracketing u horquillado de enfoque. Esta técnica consiste en realizar diversas fotografías variando el enfoque para después fusionarlas en el procesado y obtener una fotografía con todas sus partes nítidas. Si no sabes cómo hacer un focus stack, en este artículo te explicamos paso a paso cómo conseguirlo.

4. Añade Efectos de Lightpainting

Uno de los recursos más llamativos en fotografía nocturna es el lightpainting. La "pintura con luz" nos deja colores y formas muy interesantes, que sin duda le darán a tu fotografía un toque de atención increíble.

Sin embargo combinar lightpainting con la astrofotografía puede ser un poco más difícil de lo que parece en un principio. Deberás tener en cuenta que nuestra cámara estará configurada para captar mucha luz, con una ISO muy alta y el diafragma totalmente abierto. Así que cualquier efecto de lightpainting se quemará fácilmente con estos parámetros.

Por lo tanto, procura utilizar linternas con una intensidad baja e intenta realizar las figuras de manera rápida, para conseguir que la luz se queme lo menos posible. Si aun así se quema, puedes intentar modificar los parámetros de tu cámara y encontrar un término medio para no perder demasiadas estrellas pero no quemar las luces del lightpainting.

5. Caza una Estrella Fugaz

Algo que puede proporcionarle a nuestra astrofotgrafía el centro de interés que le falta es una bonita estrella fugaz surcando el cielo nocturno. Por supuesto esto no es algo fácil de conseguir. Cazar una estrella fugaz depende de dos factores principalmente: la paciencia y la suerte.

Sin embargo, podemos aprovechar ciertas épocas del año para conseguir capturar nuestra ansiada estrella fugaz. Sí, me estoy refiriendo a las noches de lluvias de estrellas. Así como captar una estrella fugaz una noche cualquiera es algo bastante improbable, hacerlo en una noche de lluvia de estrellas es mucho más sencillo. No solo sabemos que esa noche caerán sí o sí estrellas fugaces, sino que además también se conoce desde qué radiante suelen nacer, lo que te facilitará saber hacia donde encuadrar.

Así pues las probabilidades de capturar una estrella fugaz se multiplican exponencialmente las noches de lluvia de estrellas, por lo que es una oportunidad estupenda para que cualquier toma se convierta en una fotografía impresionante.

Si quieres conocer los mejores consejos para fotografiar estrellas fugaces y cuáles son las más importantes del año, no te pierdas nuestro artículo "Descubre Todos los Secretos para Fotografiar Estrellas Fugaces (Lluvias de Estrellas)".

6. Atrévete a Usar Focales más Largas

Cuando pensamos en fotografiar las estrellas siempre tendemos a pensar que necesitamos un objetivo gran angular, cuanto más mejor. Y normalmente es cierto, no te diré que no, pero también es verdad que con distancias focales más cortas podemos conseguir astrofotografías espectaculares.

Como ya te hemos contado alguna vez, cuanto más larga es la distancia focal a la que disparamos, el fondo parece estar más cerca. En el caso de la fotografía de estrellas, vamos a conseguir que el cielo "se acerque", es decir, vamos a percibirlo visualmente más grande. Sobre todo en tomas de la vía láctea, con distancias focales mayores podemos conseguir que el centro galáctico se vea enorme.

Eso sí, cuanta mayor sea la distancia focal, menos segundos van a tardar las estrellas en empezar a dejar traza. Por eso mismo, si no contamos con una montura ecuatorial que vaya siguiendo el movimiento de rotación de la tierra, usar distancias focales muy largas es inviable, ya que tendremos que disparar a velocidades de obturación demasiado cortas como para que nuestra cámara alcance a captar suficiente luz de las estrellas para que aparezcan en la fotografía.

Sin embargo, usando por ejemplo un 35 mm. todavía podremos disparar tomas de 10 o 15 segundos sin que las estrellas empiecen a dejar traza, con lo que aún podemos conseguir una buena exposición del cielo estrellado. Y aunque no sea una distancia focal excesivamente larga, ya nos proporcionará este efecto de "acercamiento del cielo" en comparación con un objetivo gran angular.

7. Haz una Panorámica

Las panorámicas nocturnas también son un recurso muy atractivo para poder mostrar suficiente cielo sin cortar el paisaje. Además también nos permiten captar el arco completo de la vía láctea, algo que resulta siempre muy interesante.

Inspírate con Estas +40 Fotografías de la Vía Láctea

Las panorámicas nocturnas se realizan igual que cualquier otra panorámica. Deberás disparar diversas tomas, que compartan al menos un 30% de la fotografía anterior y de la siguiente, para que luego el programa de edición pueda ensamblarlas correctamente.

En este artículo podrás encontrar el proceso paso a paso, si no tienes claro cómo realizarlo.

8. Aprovecha los Reflejos

Algo que siempre llama mucho la atención en cualquier fotografía de paisaje son los reflejos en el agua. En el caso de la astrofotografía, las estrellas reflejadas en el agua le darán un plus de interés a tu fotografía, sin duda.

Ten en cuenta que requerirás que el agua esté muy en calma para que las estrellas se reflejen de manera bastante definida. Por ejemplo será ideal el agua de un lago, un embalse o la orilla de la playa.

9. Haz una Circumpolar o un Star Trails

Un efecto muy original y que siempre llama mucho la atención son las fotografías circumpolares. Éstas consisten en disparar una fotografía con una larguísima exposición, de muchos minutos e incluso horas, para captar las trazas de las estrellas alrededor de la estrella polar (o de la estrella del sur en el hemisferio sur).

Sin embargo este tipo de tomas generan mucho ruido y pueden sobrecalentar excesivamente el sensor de tu cámara, lo que puede resultar peligroso. Por eso lo que se suele hacer es hacer un star trails en vez de una toma circumpolar.

¿Pero en qué se diferencian una fotografía circumpolar de un star trails? Así como la fotografía circumpolar es una toma con una exposición larguísima, el star trails es una combinación de cientos de fotografías de exposición más corta. El resultado es muy similar, pero con la ventaja de que ni sobrecalentaremos el sensor de nuestra cámara ni generaremos tanto ruido.

Si quieres saber cómo realizar un star trails paso a paso, te recomiendo que visites este artículo: "Cómo Fotografiar Startrails: un Caso Práctico".

10. Procesa la Fotografía

Finalmente, si quieres que tu cielo estrellado llame mucho más la atención, será importante que proceses la fotografía. La mayoría de las típicas imágenes de la vía láctea que nos dejan sin aliento están procesadas para sacarle la máxima información al cielo. Así pues, si quieres potenciar las formas de la vía láctea y conseguir una astrofotografía realmente impactante, necesitarás procesar tu fotografía.

Existen diversas técnicas diferentes para potenciar los cielos estrellados de tus fotos. Si quieres conocer varias de ellas de manera detallada, no te pierdas nuestro artículo: "Consigue una Vía Láctea Increíble con estas 5 Técnicas de Edición en Lightroom y Photoshop".

Junto a las capas, las máscaras son una de las utilidades más potentes de Photoshop, y de hecho su buena fama y popularidad se deben en parte a ellas. Y es que con capas y máscaras se nos abren un sinfín de posibilidades de retoque, desde aplicar efectos o ajustes de color a nuestras fotografías, hasta crear complejas composiciones y montajes totalmente realistas.

¿Quieres conocer el uso básico de las máscaras y su estrecha relación con las capas? ¡Pues sigue leyendo!

Capas y Máscaras: la Pareja más Potente de Photoshop

Las máscaras no pueden vivir sin las capas, puesto que influyen directamente sobre ellas. Es por eso que si no conoces el funcionamiento de las capas, te recomiendo que primero le eches un vistazo a nuestro artículo "Básicos de Photoshop: Las Capas" y después vuelvas aquí. Así que a partir de este momento, vamos a suponer que conoces todas las bondades que nos brindan las capas. En este artículo vas a ver que las máscaras todavía van a complementar más si cabe esta fantástica utilidad de Photoshop.

Una máscara de capa nos va a permitir ocultar partes de una capa de manera no destructiva. Esto significa que podremos borrar ciertas zonas sin perderlas, no como ocurre con la herramienta Borrador. Si borramos alguna parte de una capa con esta herramienta, se elimina y la pierdes para siempre. En cambio, si "borras" una parte de una capa usando una máscara, ésta no se perderá sino que permanecerá oculta y la podrás recuperar fácilmente en cualquier momento.

Gracias a la combinación de capas y máscaras disponemos de un sinfín de posibilidades para retocar nuestras fotografías, como por ejemplo:

1. Cambiar el fondo de una fotografía.
2. Colocar un elemento de una fotografía en otra imagen.
3. Crear fotomontajes y composiciones.
4. Agregar un ajuste de corrección de color o luminancia tan solo a una parte de la fotografía.
5. Agregar cualquier efecto en una zona concreta de la fotografía.

¿Cómo Funcionan las Máscaras?

Tienes que pensar en la máscara como una réplica de tu fotografía en la que vas a definir qué se muestra y qué se oculta de ella. Para ello, se pinta sobre la máscara en escala de grises y cada color significará una cosa:

• Las zonas pintadas en blanco significarán que esa zona de la fotografía será visibile.
• Las zonas pintadas en negro significarán que esa zona de la fotografía se ocultará y será invisible. Si una zona de la fotografía está oculta y Photoshop no tiene nada que poder mostrar en esa parte, veremos un mosaico de cuadraditos blancos y grises que representa que esa zona es transparente.
• Las zonas pintadas en gris significarán que esa zona de la fotografía será semitransparente, es decir, se mostrará un poco. La zona se mostrará más a medida que el tono de gris sea más claro, y será más transparente a medida que el tono de gris sea más oscuro.

Cómo Funcionan las Máscaras en Photoshop

Lo verás más fácilmente con el siguiente ejemplo. Hemos colocado por encima de esta fotografía una capa con el logo de dzoom sobre fondo transparente. Hemos agregado una máscara a la capa del logo y hemos pintado un trozo en blanco, otro trozo en gris y el último trozo en negro. Como puedes ver en la imagen, la zona pintada en blanco se muestra completamente, la zona pintada en gris se muestra semitransparente (deja verse la capa que hay debajo) y la zona pintada de negro se oculta totalmente, haciendo que esta parte del logo sea invisible.

Cuando pintes sobre la máscara, en realidad no la verás. Estarás pintando sobre la propia fotografía, pero como lo que tienes seleccionado es la máscara y no la propia capa, todo lo que pintes se dibujará solamente dentro de la máscara. Aun así, verás su efecto directamente sobre la fotografía, porque estarás ocultando o descubriendo esas zonas de la capa en donde estés pintando.

Aun así, si quieres visualizar la máscara en grande puedes hacerlo pulsando Alt + click sobre la miniatura de la máscara en la ventana de capas. Para volver a visualizar la fotografía, vuelve a pulsar Alt + click sobre la miniatura de la máscara.

Finalmente también es interesante que sepas que si quieres copiar una máscara de una capa a otra capa, es tan fácil como pulsar Alt + click sobre ella y, sin soltar el botón del ratón, arrastrarla y soltarla sobre la otra capa. Esto te vendrá genial para no tener que volver a crear una máscara que ya creaste anteriormente, sobre todo si es una máscara bastante compleja.

¿Cómo Agregar una Máscara a una Capa?

Ahora que ya sabes cómo funcionan las máscaras vamos a ver de qué manera podemos agregar una máscara a una capa en Photoshop. En primer lugar asegúrate de que tienes seleccionada en la ventana de capas la capa a la que le quieres agregar la máscara. Puedes hacerlo dos maneras diferentes:

1. Desde el menú Capa/Máscara de capa: Aquí podrás elegir entre la opción "Descubrir todo" para agregar una máscara en color blanco, lo que significará que toda la capa será visible, o la opción "Ocultar todo" para agregar una máscara en color negro, lo que significará que toda la capa se ocultará.
2. Desde el botón rápido "Añadir máscara de capa": Este botón  se encuentra debajo de la ventana de capas. Si le haces click, automáticamente se creará una máscara de capa en color blanco vinculada a la capa seleccionada. Si, en cambio, pulsas este botón mientras mantienes pulsada la tecla Alt, se creará una máscara en color negro.

Técnicas para Pintar sobre la Máscara de Capa

Como te comentaba antes, deberemos pintar sobre la máscara en blanco, negro o gris para definir qué partes de la fotografía vamos a ocultar y cuáles vamos a mostrar. Puedes usar diferentes herramientas, que te vendrán mejor o peor dependiendo de lo que quieras conseguir.

1. Herramienta Pincel

Puedes pintar sobre la máscara usando simplemente la herramienta Pincel . Puedes configurarla en la barra superior, eligiendo un borde más duro, para crear bordes definidos, o con una dureza baja para crear bordes más difusos. También puedes jugar con su flujo y su opacidad para que las fusiones entre la zona oculta y la zona visible sean más suaves y se integren mejor.

Eso sí, la herramienta pincel no va a ser demasiado precisa, ya que estaremos pintando los límites de la máscara a mano alzada. Aun así, si utilizas una tableta gráfica y tienes algo de maña dibujando, puedes conseguir máscaras bastante apuradas.

Dibujar máscaras con la herramienta pincel nos servirá, sobre todo, para pintar con pinceles grandes y difusos para aplicar, por ejemplo, un efecto en una zona concreta de la fotografía. Así el corte entre la zona con el efecto y la zona sin el efecto será suave y no se notará.

Vamos a verlo fácilmente con un ejemplo. Hemos duplicado la capa de esta fotografía y le hemos aplicado el Filtro de Adobe Camera Raw para potenciar más las formas de la Vía Láctea. Sin embargo, con este efecto la parte del suelo ha quedado demasiado contrastada y oscura.

Así que simplemente vamos a agregar una máscara a la capa que tiene el filtro y con un pincel grande con dureza al 0% pintaremos toda la zona del suelo. Así conseguiremos que este efecto se oculte en el suelo, mostrándose el suelo de la fotografía original, sin el efecto. Como hemos pintado con un pincel grande y difuso, la transición entre la zona del cielo y la del suelo será muy suave y gradual, por lo que no se notará un corte brusco e irreal.

2. Selecciones

Si lo que quieres es una máscara con un borde bien definido y preciso, sin duda lo más sencillo y eficaz será utilizar selecciones. Cualquier selección puede transformarse en una máscara simplemente agregando una máscara a la capa mientras tienes la selección activa. En ese momento, la máscara tomará la forma exacta de la selección. Si la selección tenía aplicado un efecto de desvanecer en su borde, éste también se aplicará al borde de la máscara, dejándolo más difuso.

Si al crear la máscara mediante una selección te das cuenta de que la necesitas justo al revés (es decir, que la zona oculta quieres que sea la visible y viceversa), no te preocupes, invertir la máscara es tan sencillo como pulsar sobre ella para seleccionarla y darle al atajo de teclado Control + I (o Comando + I en Mac).

También es importante que sepas que una vez creada una máscara de capa, si haces Control + click (o Comando + click en Mac) sobre ella en la ventana de capas, automáticamente crearás una selección basada en la forma de la máscara. Esto es muy útil cuando quieres aplicar la misma máscara a otra capa diferente.

Si no sabes bien cómo usar las selecciones, te recomiendo que le eches un vistazo a los siguientes artículos. En ellos aprenderás a utilizar todas las selecciones disponibles en Photoshop, desde las más sencillas y básicas hasta las más complejas y precisas:

• Descubre Qué Son las Selecciones en Photoshop y Cómo Usar las más Básicas
• Selección Rápida: La Herramienta de Selección Más Sencilla de Photoshop
• La Mejor Opción Para Seleccionar Cielos en Photoshop: La Selección Por Canal
• Descubre la Herramienta Pluma: un Imprescindible de Photoshop
• La Guía Definitiva para Cambiar el Fondo de tus Fotografías con Photoshop

Vamos a ver un ejemplo rápido. Queremos ocultar el cielo de esta fotografía para colocar después una capa con un cielo nuevo.

Con la Selección rápida lo podemos seleccionar rápidamente y pulsando Alt + click sobre el botón de "Añadir máscara" que encontramos debajo de la ventana de capas, lo que conseguiremos es que la zona seleccionada se oculte (si pulsamos click solamente, lo que haremos será ocultar toda la fotografía excepto la selección).

Como ves en la fotografía, el cielo se ha ocultado y se muestra el mosaico de cuadraditos blancos y grises que representa que esa zona es transparente.

Finalmente, arrastramos desde el Explorador de Windows (o el Finder si estás en Mac) la fotografía con el cielo nuevo que queremos colocar en la foto, lo ajustamos usando los tiradores y colocamos esta capa por detrás de la capa de la fotografía original. ¡Y voilà! Un cambio de cielo sencillísimo usando tan solo dos capas y una máscara.

3. Degradados

También es interesante ver el efecto que puede crear un degradado de negro a blanco en una máscara de capa. Si lo que quieres es una transición súper gradual entre la zona que se muestra y la zona oculta, sin duda la herramienta Degradado es lo que necesitas. La encontrarás en la barra de herramientas de la izquierda. Si no la encuentras, busca la herramienta Bote de pintura y mantenla pulsada durante unos segundos para que se muestre el desplegable donde está oculta la herramienta Degradado.

En la barra superior puedes configurar el degradado con los colores y la forma que desees. Para configurar los colores del degradado de negro a blanco (o viceversa) lo más sencillo será que tengas estos dos colores seleccionados como color frontal y color de fondo en la barra de herramientas. Así automáticamente el degradado se configurará con estos colores. Después elige la forma que más se ajuste a lo que buscas:

• Degradado lineal: Es el más común, desvanecerá tu capa de un lado a otro. Puedes dibujarlo en horizontal, en vertical o en diagonal. Cuanto más estires la línea al dibujarlo más suave será la transición.
• Degradado radial: La capa se desvanecerá en forma circular. Te vendrá genial para crear viñeteados con efectos o ajustes. Cuanto más estires la línea al dibujarlo más suave será la transición.
• Degradado de ángulo: Es un degradado bastante especial por lo que no es común usarlo para crear una máscara con él. Te desvanecerá la capa suavemente en las esquinas pero en el centro te marcará una transición bastante brusca.
• Degradado reflejado: Es similar al degradado lineal, pero luego vuelve al color incial. Te servirá para crear una máscara que muestre solamente dos bordes de la capa o, por el contrario, que los oculte.
• Degradado de diamante: Es similar al degradado radial, pero en vez de desvanecer la capa en forma circular lo hará en forma de rombo.

Vamos a ver un ejemplo también con esta herramienta. Hemos duplicado la capa de esta fotografía y hemos aplicado un efecto de desenfoque desde el menú Filtro/Galería de efectos Desenfocar/Desenfoque de campo.

A continuación hemos agregado una máscara a la capa con el desenfoque y hemos pintado un degradado radial de blanco a negro, de manera que se descubra solamente la parte exterior del círculo. Así lo que conseguimos es que este efecto de desenfoque se oculte en la cara de la modelo.

Ventana de Propiedades de la Máscara

Si pulsas doble click sobre la miniatura de la máscara en la ventana de capas se te abrirá una pequeña ventana con las propiedades de la máscara.

En ella encontrarás dos deslizadores muy interesantes:

• Densidad: A medida que bajes este deslizador las zonas negras de la máscara se irán haciendo gradualmente de un gris cada vez más claro, haciendo que se muestren paulatinamente las zonas ocultas.
• Desvanecer: A medida que aumentes este deslizador el borde de la máscara se irá haciendo cada vez más difuso, para que la transición entre las zonas ocultas y las zonas visibles sea muy suave y gradual.

Además de estos dos deslizadores encontrarás 3 botones:

1. Seleccionar y Aplicar Máscara

Debajo de los deslizadores de Densidad y Desvanecer encontrarás un botón llamado Seleccionar y Aplicar máscara. Si lo pulsas se te abrirá una interfaz muy completa que te permitirá mejorar los bordes de la máscara para poder seleccionar elementos difíciles, como puede ser el pelo.

Si quieres saber cómo funciona perfectamente esta herramienta, te recomiendo que le eches un vistazo a nuestro artículo: "Aprende a Seleccionar Pelo a la Perfección con Photoshop", donde aprenderás a usarla paso a paso.

Claves para Lograr Selecciones de Pelo Perfectas

2. Gama de Colores

Debajo del botón Seleccionar y aplicar máscara encontrarás el botón Gama de colores. Este botón te creará una máscara mostrando solamente el color o colores que selecciones.

Podrás seleccionar el color que desees desde el desplegable Seleccionar o usando el cuentagotas para elegir sobre la fotografía exactamente el tono que desees. Puedes seleccionar más de un tono haciendo click sobre otro color mientras mantienes pulsada la tecla Shift, o restarlo haciendo click mientras mantienes pulsada la tecla Alt. Después, con el deslizador de Tolerancia podrás abarcar más o menos tonos para ajustar la máscara a tu gusto.

Con este tipo de máscara es muy sencillo cambiar por ejemplo el tono de un color concreto. En la fotografía de ejemplo hemos seleccionado los tonos verdes para crear una máscara que muestre tan solo este color. Después le hemos aplicado a la capa un ajuste de equilibrio de color y así solamente hemos alterado los tonos seleccionados.

3. Invertir

Este último botón invertirá la máscara de manera que las zonas pintadas en negro se pinten de blanco y viceversa. Los tonos grises también se convertirán en su gris contrario. Así se invertirá por completo la máscara, mostrando lo que antes estaba oculto y borrando lo que antes era visible.

También puedes invertir la máscara seleccionándola en la ventana de capas y pulsando el atajo de teclado Control + I (o Comando + I en Mac).

Máscaras y Capas de Ajuste

Las máscaras están muy relacionadas con las capas de ajuste, ya que todas incluyen una máscara que nos va a permitir aplicar estos ajustes de corrección de color tan solo en ciertas partes de la fotografía. Simplemente tendremos que pintar en ella en blanco, negro y gris tal y como hemos visto en este artículo.

Si quieres saber todo sobre las capas de ajuste te recomiendo que te pases por nuestro artículo: "Básicos de Photoshop: Las Capas de Ajuste".

Por ejemplo, en la siguiente fotografía hemos agregado una capa de ajuste de Equilibrio de color y hemos pintado en su máscara, ayudándonos con la selección rápida, el cielo y su reflejo de color blanco, y el resto del paisaje de color negro. Con esta máscara, todos los cambios de color que provoquemos con este ajuste solamente afectarán al cielo y a su reflejo.

Máscaras de Luminosidad

Finalmente, también es interesante que conozcas las máscaras de luminosidad. Estas máscaras seleccionarán las zonas de tu fotografía que compartan una misma luminosidad. Por ejemplo, podrás seleccionar solamente las zonas más luminosas de tu fotografía, o las zonas más sombreadas. Esto te vendrá genial para retocar tu fotografía por partes y así poder aclarar u oscurecer cada rango de luminosidad de manera independiente.

Si quieres saber cómo crear máscaras de luminosidad te recomiendo que le eches un vistazo a nuestro artículo "La Impresionante Técnica del Contraste Local por Zonas con Photoshop". También encontrarás un plugin gratuito que crea máscaras de luminosidad automáticamente en nuestro artículo "20+ Plugins Gratis (o muy Económicos) para Photoshop de lo Más Interesantes", llamado el "panel de Tony Kuyper".

En la siguiente imagen puedes ver cómo hemos seleccionado solamente las zonas más oscuras de la fotografía usando el plugin "Panel de Tony Kuyper". Después, con esta selección ya podríamos crear una máscara tal y como hemos aprendido antes.

¡A Practicar!

Ya has visto la infinidad de posibilidades que nos brindan las máscaras de capa, ¿verdad? Ahora es tu turno, anímate a probarlas y no tengas miedo de equivocarte. ¡Así es como se aprende!

El minimalismo es un estilo fotográfico que goza de gran popularidad entre muchos fotógrafos, porque nos permite identificar claramente cuál es el elemento protagonista de la toma sin que haya distracciones de por medio.

En un mundo en el que la saturación de información e imágenes está cada vez más arraigada, cuando contemplamos una obra minimalista disfrutamos de una experiencia visual mucho más relajante. En el artículo de hoy, abordaremos cuáles son las principales claves de este estilo fotográfico para que tu también puedas ponerlo en práctica.

¿Qué Es el Minimalismo?

El minimalismo es un estilo artístico que han empleado numerosos artistas del siglo XX, cuya esencia es el uso de una cantidad mínima de componentes como el color, la forma, la línea, los patrones y/o la textura.

Con este estilo se pretende transmitir un concepto, una idea o incluso una respuesta emocional por parte de quien observa la imagen. Es por ello que es de vital importancia reducir al mínimo los elementos que aparecen en la composición, de forma que aquellos que aparezcan en ella sean esenciales para transmitir lo que queremos.  Aunque por supuesto, debemos tener en cuenta que se trata de un estilo muy subjetivo, por lo que está abierto a diferentes interpretaciones.

Hacer fotografía minimalista nos presenta un gran desafío, ya que contar una historia con los mínimos elementos es una tarea complicada, pero no imposible. Si hacemos el esfuerzo de poner en práctica este estilo fotográfico estaremos incorporando una nueva perspectiva desde la que fotografiar aquello que nos rodea, siendo capaces de convertir en auténticas obras de arte momentos que son cotidianos.

11 Consejos para Aplicar el Minimalismo en Fotografía

A continuación veremos qué recursos son los más utilizados a la hora de componer nuestras fotografías minimalistas. Comprobarás que hemos intentado desglosarlos al máximo, aunque debo avisarte de que todos están íntimamente relacionados entre sí.

1. Menos es Más

Si hay algo esencial en el minimalismo es que menos es más. Debemos buscar la simplicidad en nuestras fotografías, lo cual no significa que nuestras tomas tengan que ser aburridas o poco interesantes.

Lo importante es que escojamos un motivo principal que sea llamativo y atractivo, para que capte la atención del espectador desde el primer instante. Ese motivo, que no tiene por qué ser siempre un sujeto, debe ser el elemento más fuerte de la toma, aunque eso no signifique que ocupe la mayor parte de la composición.

Cuando vayamos a realizar nuestra toma minimalista, tan importante es el centro de interés como aquello que le rodea. Al componer la toma, deberemos cuidar muy bien el espacio que rodea al punto de interés, ya que dependiendo de lo que incluyamos en el encuadre y desde qué perspectiva lo hagamos, puede distraer la atención y robarle protagonismo al motivo principal.

2. Aísla el Tema

Hemos visto que colocar menos elementos en nuestra composición es esencial para practicar la fotografía minimalista, pero además es importante que aislemos nuestro tema principal, bien buscando fondos lisos o neutros, y utilizando profundidades de campo escasas que nos ayuden a desenfocar los elementos del fondo de nuestra fotografía.

3. Composición

Como te decíamos, tener un elemento bien destacado en nuestra composición es esencial para mejorar el impacto de nuestra captura. Es por ello que resulta de gran importancia que antes de disparar a lo loco, te tomes tu tiempo para analizar qué elementos incluyes en el encuadre y cuáles no, así como también cómo distribuirás el espacio en el que se encuentra el elemento protagonista.

Por ejemplo, la regla de los tercios puede ayudarte a decidir cómo componer tu imagen, así como también puedes valerte del juego que ofrecen los patrones y las líneas.

La clave en parte radica en que nuestro sujeto o motivo protagonista aparezca bien enfocado, y si utilizas una profundidad de campo escasa que consiga destacar a ese elemento, todavía atraerás más la mirada hacia el centro de interés.

4. El Poder de las Líneas

Las líneas son un elemento compositivo común que nos ayudan a atraer la mirada del espectador hacia un punto concreto de la imagen, y además también tienen la capacidad de transmitir sensación de profundidad o distancia.

En en el minimalismo, las líneas fuertes tienen un papel muy importante, ya que pueden generar sensación de aislamiento, separación, conexión, distancia, proximidad y profundidad.

Además, tanto las líneas verticales bien marcadas, como las horizontales o las diagonales, pueden actuar como una base para que el resto de la fotografía fluya sobre ellas.

5. Iluminación

No hay fotografía sin luz, pero tampoco sin sombras. El contraste entre luces y sombras se utiliza mucho para crear imágenes minimalistas, por lo que trata de estar atento a la iluminación y las sombras de tu entorno, ya que nunca sabes dónde puede aparecer la que será tu próxima foto minimalista.

6. Colores Complementarios

Si hay un recurso con el que se suele jugar mucho en la fotografía minimalista es el color. El color es extremadamente útil cuando queremos conseguir una imagen sencilla, pero a la vez queremos destacar la atención sobre un punto.

Buscar el contraste entre colores, o jugar con elementos que tengan colores complementarios, como amarillo y morado, o naranja y azul,  funcionará muy bien.

6. Blanco y Negro

Un modo de minimizar una fotografía a su máxima expresión es, además de aplicar algunas de las técnicas que estamos comentando, disparando la imagen en blanco y negro. De esta forma todavía estaremos eliminando una distracción más, que es el color, y dejaremos la imagen en su pura esencia.

Pero ojo, no cualquier fotografía en blanco y negro es una fotografía minimalista, no te confundas. Deberás aplicar otros recursos como el uso del espacio negativo y elegir una buena composición.

7. Patrones

Los patrones geométricos también son un buen recurso para utilizar en nuestras composiciones minimalistas. La arquitectura te brindará estupendos ejemplos de ellos para que puedas incorporarlos en tus fotografías, como ventanas, escaleras, puertas, paredes de ladrillos, o incluso puentes.

8. Texturas

Hablábamos antes de patrones, pero las texturas también se utilizan mucho en fotografía minimalista. Para hacerlo, una buena iluminación será clave para realzar las texturas y resaltar su contraste y(o colores. El objetivo es que el espectador pueda llegar a sentir cómo sería tocar el elemento cuya textura estamos viendo.

9. Espacio Negativo

Ya te hemos contado en otras ocasiones que el espacio negativo es muy valioso en una captura, porque por una parte nos ayuda a dejar respirar la composición, y por otra al intentar dejarla más limpia de elementos, también conseguiremos focalizar más la atención sobre nuestro motivo fotográfico principal, algo que resultará muy útil para nuestras imágenes minimalistas.

Además, el espacio negativo también nos permitirá crear un sentido de escala en la imagen, dándonos pistas de cómo son de grandes o pequeños los objetos o sujetos protagonistas de la imagen en relación al entorno en el que se encuentran.

Puedes buscar el espacio negativo por ejemplo cambiando de ángulo y disparando hacia el azul del cielo, en el color de la pared de una casa. o incluso en un fondo desenfocado. Las posibilidades son muchas.

10. Contraste

Cuando buscamos una respuesta emocional, el contraste es uno de los mejores recursos que encontraremos. Y no solo me refiero a contraste de colores, o contraste lumínico entre luces y sombras que son los que a todos nos vienen a la cabeza cuando pensamos en la palabra "contraste".

Este término también engloba el contraste entre formas, o incluso entre ideas o sentimientos, lo cual es un fantástico recurso para transmitir un mensaje con fuerza y que deje al espectador pensando, obteniendo así toda su atención.

11. Cuenta una Historia

Ya hemos analizado muchas de las claves que caracterizan a una buena fotografía minimalista: tienen un centro de interés llamativo, líneas simples, colores atractivos y contrastados... Pero para ir un paso más allá nos hace falta algo más. ¿Es tu imagen capaz de contar una historia siguiendo el estilo minimalista? ¿Puede llegar a transmitir sensaciones o conceptos?

Para poder contar una historia en una captura minimalista deberemos tener un centro de interés fuerte, pero además deberemos valernos de la iluminación, las personas o el movimiento.

¡Quédate con Lo Importante!

El estilo de fotografía minimalista puede ofrecernos imágenes con muchísima fuerza. Que sean sencillas y contengan los mínimos elementos posibles para evitar las distracciones, hará que el espectador sepa de forma instantánea hacia dónde tiene que mirar.

Te animamos a que la próxima vez que salgas con tu cámara no tengas miedo a probar estilos diferentes, y te atrevas a poner en practica este tipo de fotografía.