dZoom, Pasión por la Fotografía

Aprendiendo de los Grandes: Axel Montero

Mònica Vidal — Mon, 21 May 2012 07:10:24 -0400

En un artículo anterior os hablé del trabajo de asistente de fotografía. Hoy vengo a presentaros el fotógrafo con el que realicé mis primeras asistencias. Axel Montero es fotógrafo y artista digital. Yo aprendí un montón trabajando con él y viéndolo trabajar así que le he realizado una entrevista para intentar compartir con vosotros un poco de lo que me enseñó.

¿Cuándo comenzó tu afición a la fotografía?

Aunque suene un poco típico comenzó de casualidad. En el 2010 me casé y mi mujer y yo decidimos ir de viaje a Japón. Entonces me pregunté: ¿cómo vas a ir a Japón sin una buena cámara para llevarte toda esa vivencia contigo y para siempre? Y fue cuando compré mi primera réflex digital de iniciación, la Canon EOS 550d, que para entonces era buena, bonita y barata, además de grabar vídeo a 1080p, un extra que me interesaba tener. Al volver del viaje, la cámara y yo sufrimos un estado de dependencia absoluta.

¿Cuándo y cómo llegaste a la conclusión de que querías dedicarte profesionalmente a ello?

Durante el 2011 empecé a probar con la fotografía de moda, ya que sobretodo lo que me gusta es trabajar con personas, y la moda es un campo que me apasiona, a sabiendas que es muy complejo poder dedicarse a nivel profesional. Hacer sesiones de intercambio con modelos te da experiencia y mucha práctica, fundamental para aprender y progresar. También realicé algún workshop de iluminación y fotografía de moda y de fantasía para aprender conceptos nuevos y fundamentales que pasé por alto en mi andadura autodidacta. Fue entonces, una vez adquirida dicha práctica, y sabiendo que los servicios que podía ofrecer eran competitivos, cuando me planteé cobrar por ello a nivel profesional.

¿Cómo organizas tus sesiones?

Para las sesiones de moda o fantasía lo primero es tener una idea, un concepto, y saber que es factible llevarla a cabo. Una vez sabes lo que quieres es cuando puedes ponerte a buscar el equipo necesario y que más encaja para la sesión. Yo suelo empezar por el/la modelo, que al fin y al cabo es la imagen de tu trabajo. Luego es necesario contar con maquillaje, peluquería y estilista que pueda conseguir el vestuario que necesitas. Para contactar con todos los profesionales que necesito, uso las webs Fotopunto.com y Fotoplatino.com, que son redes sociales de profesionales del mundo de la moda; además de los contactos que he ido haciendo a través de Facebook. En paralelo hay que tener en cuenta si va a ser una sesión en estudio o exterior. En caso de estudio y no contar con uno propio, buscar uno de alquiler que se ajuste a nuestras necesidades. Si la sesión es en exteriores hago una búsqueda de lo que necesito y en caso de necesitar permisos hay que pedirlos y llevarlos encima el día de la sesión. Por último un planing de los horarios y una puesta en común con todo el equipo. Algo muy a tener en cuenta, ya sea una sesión de intercambio o remunerada es redactar un contrato firmado por todos los miembros de la sesión, para ahorrarnos futuros problemas que se puedan ocasionar.

¿De qué equipo dispones y qué es lo que más usas para tus fotos?

Actualmente uso la Canon EOS 5D MarkII con un par de objetivos de focal fija, el 50mm f1.4 y el 85mm f1.8. El 50mm podría estar prácticamente soldado a la cámara, el 80% de las veces uso solo este.

¿Cómo iluminas (reflector, focos, luz natural, una mezcla…)?

En exteriores uso un par de reflectores, uno de cuerpo entero rectangular de 1,80m de alto y uno circular de un metro para planos más cortos. Los uso para rellenar las zonas que quedan en sombra cuando se trabaja con luz natural y suavizar sombras muy duras. En contraluces es esencial para poder reflejar la luz de contra del sol encima del/la modelo.

¿Le das mucha importancia a la luz que usas en tus fotos?

La luz es algo básico. Es muy importante saber que se quiere transmitir para poder usar la luz de una forma u otra. No es lo mismo usar una luz muy suave y matizada, con apenas sombras marcadas, que usar una sola fuente luz dura que te marque mucho las sombras; la intención va a ser totalmente diferente. Una sabia elección de la luz va a realzar y embellecer nuestra imagen final o, si de lo contrario no escogemos bien, esa luz puede echar a perder el mensaje que queremos transmitir.

¿Qué workflow sigues? ¿Crees que es importante seguir un buen workflow?

Los pasos que uso son los siguientes: después de acabar una sesión me aseguro que van conmigo a casa todas las tarjetas de memoria que usé, es muy importante no perder nada por el camino. Al llegar a casa lo primero es descargar directamente al disco del ordenador todos los RAW. Nombrar bien la carpeta de destino con la fecha Año/Mes/Día seguido del nombre de la sesión es básico para mantener siempre todo bien organizado y accesible. Acabada la transferencia de archivos hago backup del material a 2 discos duros externos que contienen exactamente la misma información, son un espejo uno del otro. De este modo tengo las fotografías por triplicado. Realizadas las copias de seguridad, hago la selección de las imágenes que voy a procesar con Lightroom marcando las elegidas con una etiqueta de color. Sin salir de Lightroom, hago el procesado básico de dicha selección, y paso a terminarlo en Photoshop. Una vez tengo la foto terminada, exporto 3 JPGs con diferentes tamaños, uno para impresión a tamaño completo, uno para flickr y Facebook a 1024px en su lado más ancho y otro más pequeño para mi web. Una vez he finalizado el procesado y exportación de la sesión, actualizo la copia de seguridad de los 2 discos y elimino la copia local en el disco interno del ordenador para no sobrecargarlo en memoria, quedándome así con 2 copias de los archivos.

Yo uso siempre los mismos pasos y en el mismo orden, y es importante ser muy metódico en esto para ahorrarte tiempo y no llevarte sorpresas desagradables.

¿El procesado es importante en tu trabajo? ¿Qué pasos sigues en el procesado? ¿Qué programas utilizas para todo esto?

Yo le doy la misma importancia a la realización de la fotografía que al procesado, al fin y al cabo es una parte del proceso, no hay que descuidarla en absoluto. De todos modos es un tema que genera bastante polémica entre los distintos fotógrafos, los más puristas sostienen que una foto acaba cuando el obturador se cierra y cualquier proceso posterior a ello ya es manipulación, en cambio fotógrafos más creativos usan el procesado para potenciar su imagen final. En mi caso, lo primero es un nivelado básico en Lightroom, ajustando curvas, equilibrio de color, corrección de lente y enfoque. Para los retratos, abro la imagen en Photoshop y empiezo trabajando la piel, quitando granitos, manchas, impurezas y posibles ojeras. Una vez tengo la piel limpia y suavizada empiezo el procesado por zonas potenciando la iluminación y trabajando luces y sombras. Es muy importante potenciar la mirada, los labios y trabajar la ropa para ganar más volumen y textura en los tejidos. Por último, y dependiendo del resultado que vaya buscando, aplicaré un ajuste de color u otro que me darán el aspecto final de la imagen.

¿Cuál es el mejor consejo que podrías darle al que se quiera dedicar profesionalmente a la fotografía?

Observación, análisis y autocrítica. Lo que más he aprendido es a no parar de analizar el trabajo de los demás. Hay que observar desde un punto de vista crítico miles de fotografías y extraer cuales son sus puntos fuertes para poder aplicarlo a posteriori en tu propio trabajo. Es una costumbre que no hay que perder jamás. Al margen de la parte más analítica del camino que debe seguir alguien que quiera dedicarse a esto, hay que disparar mucho. Una práctica muy común y extendida es realizar proyectos personales que te obliguen a realizar fotografías cada día. El más conocido es el proyecto 365, en el que debes tomar una foto al día. El paso siguiente es crear un buen portafolio con tus mejores fotografías y compartirlo por las diferentes redes sociales conocidas. Y el que puede que sea el mejor consejo, creer en lo que haces y tener la capacidad de conseguir que los demás también lo crean.

Enlaces Relacionados

Artículo enviado gracias a la gentileza de Domina Lightroom, Curso Online

Inspírate Con 18 Fotos de Pies y Manos

Javier Lucas — Fri, 18 May 2012 06:54:19 -0400

¿Quién no tiene a mano un par de pies o un par de manos, suyos, o de un amable amigo o familiar que se preste? Las fotografías de pies y manos tienen algo especial, sobre todo si son de un bebé. ¿A que sí?

Por eso he pensado que este artículo podría ser una buena oportunidad para despertar tu creatividad con ideas que otros ya han plasmado en sus fotografías de pies y manos.

A continuación te muestro 18 de ejemplos de las maravillosas fotos que puedes obtener sacando elementos tan cotidianos como son las manos y los pies. ¿Quieres echarles un vistazo?

Her Right Hand, My Left Hand

Merle shakes hands with her little sister

20061126_DHo_baby feet (11)_B&W_ps

Hands

Feet

10 little toes...

Hasta que la muerte los separe...

Untitled

Happy Ramadhan, Eid Mubarak - ??? ??? ?????

Woman's Hands with Glass

Pumps

#

Untitled

feet

Woman's Hands with Pearls

Baby hands

pair

Oficina de Shantala

¿Te Han Gustado?, ¿Qué Hay de las Tuyas?

Estoy seguro de que con alguna de ellas has sentido el impulso de ir a por tu cámara y tratar de lograr una toma igual o parecida. ¿A que no me equivoco?

Pues no te reprimas, ¡coge tu cámara y a disparar!

A lo mejor tienes alguna foto sobre esta temática de la que estás particularmente orgulloso. ¿Quieres compartirla con nosotros?, ¡aprovecha la sección de comentarios! Estamos deseando ver tus fotos.

¿Te Han Gustado?, ¿Qué Hay de las Tuyas?

Artículo enviado gracias a la gentileza de Fotolienzo, fotos en metacrilato y panel ligero - fotodalia

Consigue el Deseado Efecto Tilt Shift en 5 Pasos con Lightroom

Alfredo Alcalde — Wed, 16 May 2012 07:12:48 -0400

El efecto Tilt Shift, se utiliza en origen para corregir la perspectiva de las fotografías en determinados momentos, pero tiene una variante muy divertida que permite simular que la imagen captada por la cámara es muuucho más pequeñita, como si fueran maquetas. Aquí tenéis una muestra de lo que se puede conseguir

En este artículo vamos a ver como podemos conseguir ese "efecto maqueta". Ya vimos como se podía hacer con Photoshop, así que esta vez

¡lo vamos a hacer con Lightroom!

1. Selecciona una Buena Foto

Como decía, en este artículo vamos a ver como conseguir el efecto Tilt Shift Lightroom. Se puede hacer en muy pocos pasos, y no reviste mayor misterio. Lo que si parece necesario, para lograr un buen efecto de miniatura, es que la fotografía este tomada desde un cierto ángulo. Imaginad que estáis viendo una maqueta... Pues justamente ese es el ángulo que se busca. Desde lo alto. En este sentido, todas las fotos que tengáis tomadas desde una cierta altura son susceptibles de convertirse en maqueta.

Si no tenéis ninguna a mano, no hay problema, podéis hacer como yo. La plataforma de mapas de microsoft, BingMap. Proporciona la llamada "vista de pajaro" que en los lugares donde está disponible ofrece imágenes tomadas desde avioneta o helicóptero y pueden serviros de base e inspiración para crear este efecto.

Yo he seleccionado estas dos. A la izquierda el Monasterio del Escorial y a la derecha una panorámica con la catedral de Segovia.

2. Ajustes Básicos

A partir de ahora tenemos que ver la foto de otra manera, tenemos que imaginarla como una maqueta y por tanto ir haciendo todos los ajustes que permitan acercarnos a esa imagen. Una foto echa a gran distancia, como son las que tenemos hemos elegido, a menudo presentan una ligera bruma debida a la gran cantidad de aire que hay entre el objeto y el objetivo. ¡Esto no ocurriría si estuviésemos a 30 centímetros de una maqueta!

Para mitigar este efecto podemos llevar a cabo las siguientes acciones para aumentar el contraste.

Directamente podemos aumentar ligeramente el contraste
Con este mismo fin de contrastar más las luces, disminuimos el nivel de las sombras y aumentamos algo los blancos.

Como ya sabéis, todos estos ajustes dependen de cada foto, por lo que no tiene mucho sentido que hablemos de valores concretos. El punto, como ya hemos dicho arriba es tener una idea de lo que queremos obtener.

Uno de los ajustes casi obligados por los que tenemos que pasar es el ajuste del color. Os recomiendo que primero ajustemos los blancos en caso de que tengamos alguna dominancia de color indeseada. Para ello, haremos uso de los controles de Temperatura y Matiz, del panel de básicos.

Una vez hecho esto, suele ser interesante aumentar la Saturación y la Intensidad. En mi caso he aumentado la intensidad hasta un 66% y la saturación un 38%. Las maquetas se suelen pintar con colores mucho más vivos que los que vemos en realidad por lo que esta sera una buena baza a jugar para conseguir un efecto convincente.

Por otro lado, el aumento de la saturación y la intensidad pueden provocar que aparezcan algunos colores indeseados, o que adquieren demasiado protagonismo. Por suerte tenemos a mano el subpanel de Tono, Saturación y Luminancia con todo su potencial. Y podemos seleccionar un color determinado y disminuir o aumentar su saturación tanto como sea necesario.

3. Buscando Textura Maqueta

¿Que es esto?... Hum no se como decirl... yo me imagino una maqueta con texturas algo más lisas por un lado, pero con los bordes más definidos. ¿Coincidís conmigo? Si es así, el próximo paso es conseguir acercarnos a esa imagen que os estáis imaginando.

Podemos conseguir un efecto de suavizado de las texturas disminuyendo ligeramente el deslizador de claridad. Por otro lado, si es necesario puede ser conveniente aplicar un filtro para eliminar el ruido. Las imágenes que he seleccionado no tienen mucha definición, y al aumentar tanto la saturación de los colores, hace necesario el uso de este filtro. Esto además contribuirá a perder los detalles más finos de la imagen y por tanto a ese suavizado.

Aplicamos después una mascara de enfoque para dar más definición a los ángulos y detalles más evidentes de la que va a ser nuestra maqueta. Una vez más, y en este caso es especialmente importante, los valores de la máscara de enfoque dependerán sobre todo de la resolución de la foto así que una vez más...

¡Toca investigar!

4. El Toque Macro

¡He aquí los cimientos del efecto Tilt Shift! Cuanto más pequeño es un objeto, más difícil es enfocarlo en todo su volumen, ya que la profundidad de campo se reduce al mínimo. Este echo hace que si simulamos que estamos ante una fotografía macro, nuestro cerebro dirá:"Debe ser muy pequeñito, porque es una fotografía macro" Y esto es justo lo que queremos.

Vamos a hacer uso de los filtros graduados. En este artículo ya os comentamos algunas de las posibilidades de esta herramienta en Lightroom.

Lo primero que tenemos que tener claro es que elemento queremos que quede enfocado, done queremos que se centre la atención. Una vez echo esto aplicamos filtros graduados con el enfoque al -100% por encima y por debajo de ese elemento. A los lados aplicaremos igualmente otros dos filtros graduados, pero esta vez al -50% de enfoque, uno a cada lado.

Para enfatizar más el efecto, podemos aplicar otros dos filtros más en el primer y tercer tercio de la fotografía. Esto no es un patrón que haya que seguir con rigidez, sino que dependerá en todo caso del objeto de interés de la fotografía y su tamaño. En mi caso, además de los cuatro principales, he metido un quinto filtro en la zona superior.

5. Acabado final

Para rematar el trabajo con un último toque podemos simular el viñeteo propio de la fotografía macro. En el subpanel de efectos, podemos encontrar los controles de esta herramienta. Simplemente dejando el deslizador de cantidad en algo parecido a 35 puede ser suficiente.

¡Nuestra Maqueta del Escorial!

Una de las grandes posibilidades de Lightroom es poder coger tooooodo este flujo de trabajo y guardarlo para aplicárselo a otra imagen. Esto lo haríamos en el panel izquierdo haciendo clic en el icono de + de ajustes preestablecidos. De esta manera, puedo abrir mi fotografía de Segovia, y con un clic en este preset y haciendo unos mínimos ajustes, tanto de color, como de centrado de el punto de interés puedo conseguir esto otro.

¿Habéis probado alguna vez a hacer este tipo de retoques? ¡Enséñanoslo!

Enlaces Relacionados

Artículo enviado gracias a la gentileza de Domina Lightroom, Curso Online

Por Qué Deberías ser Asistente Antes de Convertirte en Fotógrafo

Mònica Vidal — Mon, 14 May 2012 07:08:03 -0400

La fotografía, como todo en esta vida, se aprende practicando. Después de dominar la cámara y saber todo lo que puedes hacer con ella, la manera de aprender a hacer fotos es, precisamente, haciendo fotos. Pero, ¿qué pasa si lo que quieres aprender no puedes hacerlo tú solo? Sesiones de fotos con modelos, sesiones en estudio, grandes producciones... Son ámbitos de la fotografía que no se pueden controlar desde el principio. ¿Cómo vas a aprender entonces? La respuesta es fácil: siendo asistente.

¿Qué Hace un Asistente de Fotografía?

El trabajo de un asistente de fotografía es, básicamente, ayudar y mirar.

Ayudar. El asistente aporta un par nuevo de manos y ojos al fotógrafo. Colocar puntos de luz, aguantar reflectores, flashes, objetivos... Lo que él o ella necesite. Se trata de que te conviertas en su sombra e intentes adelantarte a lo que pueda necesitar para hacer que su trabajo sea más fácil. También puedes ayudar aportando ideas. Si son buenas, el fotógrafo te las agradecerá enormemente. Además, puedes estar atento a las posibles imperfecciones que el fotógrafo pueda no ver (arrugas en los vestidos de la modelo, problemas en la composición...). Es importante que antes de acercarte a arreglar alguno de estos problemas lo comentes con él o con ella. Puede ser que no sean errores de verdad, sino que el fotógrafo lo quiera así. En este caso, te explicará el porqué y sus razones.
Mirar. Este es tu "otro pero no menos importante" trabajo si eres asistente. Es necesario que te fijes en todos los detalles que puedas. ¿Para qué? ¡Para aprender al máximo! Fíjate en como coloca el fotógrafo la iluminación (o en cómo te la hace colocar a ti), qué posiciones utiliza para sacar las fotos, cómo se comunica con el resto de equipo, qué objetivos usa, cómo compone... En definitiva, debes mirarlo todo y aprender todo lo que puedas.

Y, aparte de Aprender... ¿Para Qué Más Sirve ser Asistente?

Sí, aprender es lo más importante que harás si eres asistente de algún fotógrafo, pero no es lo único que te llevarás a casa cuando hayas terminado:

Vivirás el proceso y sus fases. Puede ser que, por el hecho de ser principiante o no-professional de la fotografía en general, no hayas vivido nunca lo que es una sesión de fotos en todo su esplendor. Ser asistente de una de ellas te regalará esta nueva experiencia.
Conocerás gente del mundillo. Además del fotógrafo, también coincidirás con modelos, maquilladores, estilistas... Quizás en un futuro puedas trabajar con todos ellos para llevar a cabo tu propia sesión!
Harás fotos. En este aspecto, se pueden presentar dos situaciones: puede que al fotógrafo no le importe que aproveches para sacar tus propias fotos de la sesión, así que puede servirte para ampliar tu book o, simplemente, para tener algunas fotografías diferentes.También puede ser que al fotógrafo no le haga gracia que aproveches su trabajo para hacer tus fotos (debo decir que es la situación más común, pues organizar una gran sesión conlleva mucho tiempo y quebraderos de cabeza, así que lo normal sería que sintiera un poco de rechazo a que otras personas se sirvan de eso para su propio trabajo), en este caso también puedes conseguir muy buenas fotos sin "aprovecharte" del trabajo del fotógrafo: puedes hacer un reportaje del making of de la sesión que, además, seguro es muy agradecido por todo el equipo. Un buen "detrás de las cámaras" aporta mucha profesionalidad al trabajo.
Conseguirás inspiración. El hecho de ver el trabajo de otras personas puede inspirarte para tus propios proyectos.
Descubrirás materiales nuevos. Quizás nunca antes te habías planteado si te iría bien tener un reflector u otro objetivo. O, sí que te lo habías planteado pero te gustaría probarlo antes. Esta puede ser una buena oportunidad para hacerlo!

¿A Quién puede serle Útil ser Asistente de Fotografía?

En realidad, a cualquiera persona. Todo el mundo puede aprender una enorme cantidad de cosas siendo asistente, sea cuál sea el tipo de fotografía que le guste a cada uno. Pero puestos a concretar, las personas que más jugo pueden sacarle a una asistencia son aquellas interesadas en el retrato, la fotografía de moda, los bodegones o aquellas que quieran aprender cosas concretas de la fotografía como a utilizar correctamente la iluminación, a componer las imágenes, el trato con los modelos...

Esto de Ser Asistente... ¿Se Cobra?

Ser asistente de fotografía es una profesión, así que sí, perfectamente puede cobrarse. De hecho, muchas veces son los mismos fotógrafos los que buscan asistentes para que les ayuden en sus proyectos. Pero como todo en esta vida: depende. De la relación que tengas con el fotógrafo, de si es él o ella el que busca un asistente o eres tú quien busca un fotógrafo para asistir, de si se trata de una sesión de intercambio o remunerada... Primero debes plantearte qué quieres conseguir con esa asistencia y, después, hablarlo con el fotógrafo.

Si acepta a pagarte, ¡bien! Si no, pues ya tienes unas líneas más para tu "currículum fotográfico".

Mi Propia Experiencia como Asistente

Hace ya bastante tiempo, uno de los fotógrafos que seguía publicó en una de sus redes sociales que necesitaba un asistente para una de sus sesiones. Nunca antes me había planteado ser asistente, pero me presenté voluntaria para ver como trabajaban otros fotógrafos. Mi trabajo consistió en aguantar el reflector y en hacer las fotografías para el making of. Hasta ese momento sólo había hecho fotos a amigos y conocidos así que hacer de asistente realmente me sirvió para ver una sesión de fotos en todo su esplendor y eso me motivó a empezar a buscar modelos, maquilladoras, estilistas y hasta asistentes para mis propias sesiones. Descubrí la gran diferencia entre las chicas a las que les gusta que les hagan fotos y las modelos que realmente saben cómo salir en ellas; la diferencia entre tener maquilladora o no tenerla (realmente, los resultados son muy diferentes en ambos casos). Y lo que más me sorprendió: por primera vez tuve la oportunidad de utilizar un reflector y de ver el efecto que éste tenía en las fotos. Debo confesar que, dos semanas después de mi primera asistencia, ya tenía mi propio reflector. Así que, personalmente, aconsejo a todo el mundo esto de ser asistente de fotografía. No sabes todo el jugo que le puedes aprender sólo mirando hasta que te encuentras en la situación.

Me has Animado. ¿Cómo Consigo ser Asistente de un Fotógrafo?

Puedes empezar buscando en las bolsas de trabajo. Como ya hemos comentado, son bastantes los fotógrafos que buscan asistentes y muchas veces lo publican en las páginas de ofertas de trabajo. También puedes ponerte en contacto con fotógrafos a los que sigas para ofrecerte como asistente en caso de que lo necesite. Finalmente, puedes mandar mails o llamar a estudios de fotografía o a productoras para hacerles saber que estarías dispuesto a colaborar en alguno de sus proyectos a modo de asistente. Pierde la vergüenza y empieza a moverte!

¿Se te ocurre alguna otra manera de conseguir ser asistente de algún fotógrafo? ¿Has sido asistente alguna vez? ¿Prefieres trabajar solo o con asistentes? ¡Deja tu opinión!

Enlaces Relacionados

Artículo enviado gracias a la gentileza de Fotolienzo, fotos en metacrilato y panel ligero - fotodalia

20 Fotos Explosivas de Fuegos Artificiales

Mayte Rodríguez — Fri, 11 May 2012 06:50:23 -0400

Algo deben tener los fuegos artificiales... Además de la luz, el color y el estruendo que provocan, ocurren siempre en momentos especiales, fechas u ocasiones que merecen recordarse.

Debe ser por eso por lo que basta ver el primer cohete para desenfundar rápidamente la cámara, el teléfono... ¿Habéis intentado fotografiar alguna vez unos fuegos artificiales? Parece difícil, pero ya veréis, después de leer 14 Fantasticos Consejos para Fotografiar Fuegos Artificiales seguro que no se os escapan.

Aquí os dejo 20 fulgurantes instantáneas para que os pique el gusanillo.

Yinzers enjoying the fireworks from the water (Pittsburgh 250 Celebration - 10/4/08)

Red, White & Blue

A Fire in the Sky

Welcome 2011

Happy New Years 2012!

RED BURST

Happy 4th of July !

Blue fireworks...

Pyronale Team Österreich

The Castle

Fireworks at Dusk - Main Street Disney

Fireworks over Zürich

Playing with blue fire

Untitled

Fireworks

HAPPY NEW YEAR !

¿Cuál te ha gustado más?

Seguramente alguna de las fotos que te hemos mostrado te haya llamado especialmente la atención. Si es así, dinos cuál es, y si tienes alguna foto sobre esta temática que creas que merece la pena compartir con nosotros, estaremos encantados de verla.

Enlaces Relacionados

Artículo enviado gracias a la gentileza de Domina Lightroom, Curso Online

Cómo Conseguir una Buena Fotografía en tan solo Tres Pasos

Mònica Vidal — Wed, 09 May 2012 07:01:09 -0400

Que el hecho de hacer fotografías no es sólo apretar el disparador de la cámara, se ha comentado hasta la saciedad. Detrás de una buena imagen debe haber siempre un proceso previo. Hacer fotografía significa buscar, pensar y planear; así que darle al disparador es sólo un paso más del proceso. Y no es más importante que ninguno de los otros pasos. Vamos a resumir este proceso en tres sencillos pasos. Pero antes... ¿Qué es una buena fotografía?

¿Qué es una buena fotografía?

Cierto es que, si nos dedicamos a darle al disparador de la cámara de manera obsesiva, tarde o temprano saldrá una buena fotografía. Pero lo que realmente diferencia a un fotógrafo de un "toma-fotos" es que el primero fotografía lo que quiere y el segundo, en cambio, lo hace por casualidad. Así que, como fotógrafos, no debemos contentarnos con conseguir una buena fotografía por casualidad, sino que debemos buscarla y trabajarla. Evidentemente no hay una guía para definir qué es una buena fotografía y qué no lo es, porque se trata de algo subjetivo y sobre los gustos no puede haber nunca nada escrito. Pero, en general, una buena fotografía es aquella que ha sido pensada, planificada. Puede estar planificada una parte del proceso o el proceso entero. La casualidad puede tener un factor importante dentro de una fotografía, pero no puede protagonizarla por completo.

Paso nº1: Ilumina

El arte de fotografiar consiste en cazar la luz, así que el primer paso para tomar una buena fotografía es controlar la luz que habrá en ella. ¿Qué parámetros acerca de la iluminación debes tener en cuenta?

¿Natural o Artificial?

La luz natural es aquella que proviene del sol (sea directa o indirectamente) mientras que la artificial proviene de cualquier otro tipo de foco de luz. La principal diferencia entre una y otra es que la artificial puede ser completamente controlada por el fotógrafo mientras que la natural es más difícil de controlar y se debe hacer mediante, por ejemplo, diferentes tipos de reflectores. Cabe apuntar que no hace falta escoger entre un tipo de luz u otro ya que ambos pueden complementarse.

¿Luz con color?

Las dominantes de color pueden ayudar a que tu foto transmita lo que tú quieras. Puedes utilizar el balance de blancos de manera creativa para conseguir el mismo efecto, pero también puedes servirte de filtros y geles de colores para que la luz que llegue al sujeto sea de un color determinado.

¿En qué dirección?

Hay varias direcciones a las que enfocar la luz que son bastante típicas:

Luz Frontal. Aquella luz que incide frontalmente en el sujeto. Tiene como característica que elimina las texturas del sujeto. Por esta razón, esta luz produce aplanamiento en la imagen pues se empobrecen los volúmenes.

Luz Lateral. Es la luz que queda situada a un lado del sujeto. El hecho de iluminar solo por un lado los volúmenes del sujeto hace que se generen sombras que potencien las texturas y volúmenes.

Contraluz. La conseguirás situando el punto de luz detrás del sujeto. Lo primero que se consigue cuando se hace una fotografía a contraluz es que el sujeto se convierta en una silueta. Esto tiene infinidad de posibilidades a nivel creativo. Por ejemplo: el ojo humano puede reconocer rápidamente a qué pertenece esa silueta o puede interpretarla como algo totalmente alejado de la realidad. A tu criterio está decidir cómo usar el contraluz.

Luz Cenital. Se trata de una luz situada justo encima del sujeto. Produce sombras sobre el mismo sujeto que pueden no ser muy estéticas. Por otro lado, genera un efecto muy teatral.

Luz Nadir. Al contrario que la luz cenital, la luz nadir se consigue situando el punto de luz justo debajo del sujeto. Esta es la luz más extraña de ver en una fotografía, es la que menos se utiliza pues sus resultados son muy poco naturales: las sombras que se generan en los sujetos no se encuentran en la naturaleza. De todas formas, y como ya hemos comentado, en tu criterio como fotógrafo debes decidir si te interesa usar esta luz para fines más o menos creativos.

Estos no son todos los tipos de iluminación que existen. Además, el fotógrafo puede (y debe) modificar siempre que pueda el ángulo en que la luz incida sobre el sujeto a fotografiar para conseguir el resultado que se quiera. Además, en cada situación pueden ser más recomendables unos ángulos de iluminación u otros. Por ejemplo, en los retratos suele ser recomendable evitar la iluminación frontal.

Un consejo: si quieres aprovechar la luz natural, no dejes que sea la posición del sol la que mande sobre la iluminación de tu fotografía. Mueve al sujeto, hazlo girar, ponlo en la sombra... cualquier cosa que se te ocurra es válida para conseguir tus fotografías. ¡Experimenta!

Difusores, ¿sí o no?

¿Qué vas a querer para tu fotografía: una luz dura o una luz suave?

Luz dura. Genera altos contrastes en el sujeto y unas sombras muy marcadas. En términos generales, las sombras de las fotografías deben controlarse muy bien para que no se pierda información en ellas. Pero hay veces en las que, sea por la razón que sea, puede interesarte generar sombras: para potenciar el volumen del sujeto, para que te ayuden en la composición, para crear efectos dramáticos...

Luz suave. El sujeto se ilumina más homogéneamente de manera que se eliminan o se reducen mucho las sombras, creando así sensación de suavidad. Conseguir una luz suave es más difícil que conseguir una luz dura. Para ello deberás contar con la ayuda de difusores. Tienes varias opciones: conseguir un difusor para tu flash, construir tu propio softbox o, incluso, rebotar la luz del flash en el difusor más grande y popular: el techo.

Paso nº2: Dispara

En realidad, el "disparo" es el último momento de este segundo paso. Antes de apretar el disparador, debes ser consciente de lo que vas a fotografiar:

La velocidad de obturación. ¿Vas a cazar un movimiento? o ¿vas a intentar reproducirlo? ¡Escoge bien! Si no estás muy seguro de ello, este artículo puede ayudarte!

La apertura de diafragma. ¿Cuánta profundidad de campo vas a querer en la foto? ¿Te interesa centrar la atención en un punto concreto o que toda la imagen quede enfocada? Si andas un poco pez en este aspecto, échale un ojo a este artículo!

La composición. ¿Sabes la cantidad de reglas de composición que existen? Puedes consultar algunas de ellas en este artículo. A tu elección está seguirlas o romperlas, en función de lo que quieras conseguir en tu fotografía!

Ahora sí, ya puedes hacer "click".

Pero no pienses que tu trabajo ha terminado. Hay un tercer paso:

Paso nº3: ¿Revela?

El revelado de fotografías es un tema un poco delicado. Algunos puristas afirman que una buena fotografía debe serlo antes de pasar por el procesado y, en parte, tienen razón. Personalmente considero que el procesado debe mejorar la fotografía, no crear una imagen nueva. Por supuesto no es malo ser habilidoso con Photoshop y crear mundos nuevos a partir de una imagen, pero quizás eso se alejaría de la fotografía para acercarse más a las artes gráficas. En mi opinión, como he dicho, el revelado debe mejorar la fotografía, debe dotarla de personalidad, acercarla más a tus propios gustos. Hay veces que realizamos una fotografía y no estamos contentos con ella porque la vemos "muy del montón". Desde aquí os recomiendo procesar todas aquellas imágenes que creáis oportuno, pues aunque una fotografía no sea espectacular en su inicio, puede llegar a mejorar mucho con un buen (y ligero) procesado.

Dicho esto, ¿cómo se puede procesar una fotografía?

Photoshop y Lightroom. Son los grandes y, con ellos, no necesitarás de nada más para hacer todo lo que quieras.
Gimp. Software libre. Bueno, bonito y barato (gratuito, de hecho)
Pixelmator. Sólo está disponible para Mac pero es un editor potente y sencillo de utilizar.
Photivo. Gran variedad de herramientas de las que puedes usar las que quieras.
Digikam. Procesa, archiva y guarda.

En realidad hay infinidad de programas que te permiten realizar el procesado de una fotografía. Aquí te dejo una lista de ellos, para que puedas escoger el que más te pueda servir!

Tu turno

¿Qué opinas del procesado en las fotos? ¿Tienes algun tipo de iluminación como favorito? ¿Eras consciente de todo lo que tienes en cuenta antes de hacer una foto? Adelante, ¡exprésate!

Enlaces Relacionados

Artículo enviado gracias a la gentileza de Fotolienzo, fotos en metacrilato y panel ligero - fotodalia

Buscando la Luz en la Era de Photoshop

autor invitado — Mon, 07 May 2012 07:02:54 -0400

Miguel Lucas: ¡Saludos! Os presento de nuevo a Jesus Rodriguez, que vuelve a dZoom con una interesante reflexión acerca del uso de Photoshop.

Hace unos días, ojeando un blog de arquitectura, me llamó la atención una imagen: una nube flotando en mitad de una gran sala vacía. Inmediatamente pensé en el mérito de la visión del fotógrafo y en su habilidad con el Photoshop para conseguir una imagen tremendamente simbólica. Cuando leí el pie de foto, mi percepción de la imagen cambió completamente: se trataba de una nube real, creada con humo artificial y perfectamente iluminada para hacerla destacar en el vacío de la sala.

Últimas luces. Kodachrome Basin State Park. Utah, EEUU

Comentando este caso con otros fotógrafos, una opinión común es que cuando uno muestra sus fotos, a poco que algo se salga de lo normal hay que aclarar que no se trata de un montaje digital, y a veces viendo la cara del interlocutor uno diría que no ha quedado nada convencido. Es algo que ocurre con fotos en Internet, pero también con respetables libros de gran formato. Recuerdo un comentario sobre el libro de un amigo fotógrafo: "Me gusta mucho el libro, es una lástima que las fotos estén todas retocadas".

Esto no es algo que podamos achacar a la falta de experiencia de las personas que miran nuestras fotos; nosotros mismos somos incapaces de distinguir si un elemento estaba en la escena en el momento de la toma o fue añadido (o eliminado) durante el procesado digital.

Reflejo de nubes al atardecer. Isla de Skye, Escocia

Procesado y montaje existen desde muchos años antes de la era digital y forman parte del proceso creativo. Con estos procedimientos se han conseguido auténticas obras de arte, fotos memorables, desde los clásicos del blanco y negro como Ansel Adams y Edward Weston hasta montajes digitales en la actualidad que producen escenas sacadas de un sueño.

Sin embargo, muchas veces la línea que separa una escena vista por los ojos del fotógrafo de otra conseguida con procesado digital es demasiado difusa. Conozco fotógrafos de naturaleza que han recorrido lugares remotos, estudiado el momento justo y esperado a veces durante horas para captar en sus cámaras el naranja brillante de las rocas de Utah, el azul turquesa de un lago en Nueva Zelanda o el impresionante brillo del arco iris en Escocia. El resultado son imágenes que documentan la pura belleza del mundo, que captan momentos que pocas personas podrían contemplar de no ser por el trabajo del fotógrafo. Imágenes que inevitablemente son sospechosas de retoque digital, algo penoso para quien hizo la foto, pero también, y mucho más, para quien la mira con los mismos ojos con que miraría un póster de unicornios.

Luz de atardecer sobre White Mountains, California

En la fotografía, y especialmente en la fotografía de naturaleza, podemos preguntarnos si una imagen tiene el mismo valor cuando el turquesa del lago es el que vieron los ojos del fotógrafo, por efímero que fuera ese momento, o cuando es un azul apagado transformado en turquesa por arte de Photoshop. O lo que es lo mismo, si lo único que cuenta es la imagen final o si cabe esa parte documental en la misma. Como espectadores, cada cual tiene su punto de vista. Como fotógrafo, si me viera obligado a dejar de buscar la luz para recrear esos colores en el ordenador, colgaría la cámara mañana mismo.

Jesús Rodríguez es informático de profesión, viajero y fotógrafo aficionado desde hace más de diez años. Ha recorrido los espacios naturales de Escocia, Estados Unidos y Nueva Zelanda. Es miembro fundador del colectivo Portfolio Natural y actualmente responsable del sistema de webs para fotógrafos Bluekea

Enlaces Relacionados

Artículo enviado gracias a la gentileza de Domina Lightroom, Curso Online

13 Fotos Alucinantes de la Luna

Mayte Rodríguez — Fri, 04 May 2012 07:01:35 -0400

Desde hace 4500 millones de años está ahí, y en ocasiones nos hemos acostumbrado a mirarla, pero a veces se la observa con otros ojos y se convierte en fuente de inspiración de todas las artes. Infunde una mezcla de sensaciones, desde la inquietud hasta la paz. Genera recuerdos y nostalgias pues durante toda nuestra vida la hemos visto salir en el horizonte. Es sobre todo la luz que ilumina nuestras noches.

Aquí tenéis unos consejos para conseguir llevaros buenas fotos de la luna. ¿Que os parece? ¿Lo habéis intentado alguna vez?

Nearly full moon

D800 100% Moon crop

Above the Clouds

moon rushed

400mm Moon

Mighty Tycho

ryokan

Solstice Moon

Moon @1200mm

February moon

Noche de luna llena - Full moon night

Lune

Strange Attractor

¿Cuál te ha gustado más?

Enlaces Relacionados

Artículo enviado gracias a la gentileza de Fotolienzo, fotos en metacrilato y panel ligero - fotodalia

Novedades en Lightroom 4: Mejoras del Pincel de Ajuste

Alfredo Alcalde — Wed, 02 May 2012 07:00:59 -0400

Los que vengáis de versiones anteriores de Lightroom sin duda ya conoceréis las bondades de esta herramienta, y a los que os estáis iniciando en el mundo Lightroom, os aconsejo que os paséis por este artículo, donde podréis encontrar un ejemplo de lo que se puede hacer con el Pincel de ajuste en Lightrom 3.

El pincel de Ajuste ofrece una flexibilidad total a la hora de utilizar cualquiera de sus controles asociados. La posibilidad de elegir donde quieres que se aplique un cambio y donde no, le da al usuario un enorme potencial de edición. ¡Vamos a descubrir que trae Lighroom 4 para esta herramienta!

¡Que Rabia da el Ruido!

Es cierto, el ruido es de los efectos más molestos que podemos encontrarnos en una fotografía. Pero hay ruidos y ruidos, y el que aparece con intensidad en una zona localizada es difícil de eliminar con los filtros habituales. Más que nada, porque supone una pérdida de detalle innecesaria en el resto de la fotografía.

Eso es, ¡justo lo que estáis imaginando! El nuevo pincel de ajuste permite eliminar puntualmente el ruido. Y en solo tres pasos.

Seleccionamos el Pincel de ajuste o pulsamos la letra K.
Pintamos con el la zona sobre la que queremos aplicar el efecto.
Aumentamos el deslizador de ruido del panel del Pincel de Ajuste.

¡Vamos a ver el resultado en un ejemplo! En la imagen que tenemos abajo hemos aplicado el filtro de reducción de ruido, únicamente al bolso.

¡Que Pena da el Desenfoque!

Los detalles... ¡Cuantas veces echamos en falta detalles perdidos! Podemos aplicar mascaras de enfoque, filtros, aumentar el contraste... Pero son operaciones delicadas, que suelen llevar aparejado aumento de ruido, aparición de extraños artefactos... y si el desenfoque es puntual es una pena no poder dar más nitidez a ese lugar concreto por no afectar a toda la imagen.

Pero... ¿Y si pudiéramos enfocar de forma localizada? Hasta ahora en lightroom no era posible, pero en la nueva versión aparece este control en la herramienta de pincel de ajuste. ¡Vamos a probarlo! Si os fijáis le hemos aplicado un cierto nivel de enfoque a la placa de la pared. Interesante ¿no os parece?

¡Que Raro es el Efecto Moirè!

Efectivamente, uno no sabe bien que es el efecto Moirè hasta que no se lo presentan. Basicamente se trata de un artefacto debido a la superposición de dos rejillas en un ángulo determinado... El sensor de las cámaras digitales, al estar configurado como una rejilla, es susceptible de generar el efecto Moiré cuando captura patrones paralelos o similares... ¿En que consiste este artefacto? Por un lado se dan aberraciones cromáticas, y por otro aparecen ondulaciones.

El controlador del efecto Moirè, ataca principalmente a las aberraciones cromáticas. Veamoslo en este ejemplo en el que hemos pasado el pincel de ajuste por la puerta blanca y hemos aumentado el deslizador de mitigación del efecto Moirè hasta el máximo y todos esos colores que salpicaban la fotografía desaparecen. ¡Estupendo!

¡Que Difícil es Cuadrar los Blancos!

Cuando tenemos dos fuentes de luz en nuestra toma, por ejemplo, una bombilla incandescente y un fluorescente, lo más normal es que los blancos varíen a lo largo de la foto. En este caso, un ajuste global de los blancos no nos va ha ser de utilidad, por que lo que valga para un tipo de luz no valdrá para el otro... ¡Que dilema!

Si, ya se que tenemos Photoshop, con sus estupendas capas de ajuste, mascaras y pinceles pero... no se... ya que estoy en Lightroom... me da un poco de pereza cambiar de programa... y lo mejor es que Lightroom 4 implementa es su pincel de ajuste los controles de Temperatura y Matiz para ajustar los blancos localmente! En la imagen de aquí debajo hemos aplicado un pincel de ajuste a los balcones, a los que hemos disminuido la temperatura ligeramente. Al resto de la imagen la hemos aplicado otro pincel para aumentar su temperatura y disminuir el matiz. ¿Qué os parece?

Algunos trucos

Si pulsáis la tecla O mientras pintáis con el pincel, podéis ver el área sobre la que estáis actuando. Pulsando O de nuevo, desaparece la selección.
Si no os gusta uno de los ajustes que habéis creado con el pincel, podéis eliminarlo pulsando la tecla suprimir.
En el panel del Pincel de ajuste podéis activar el botón de Máscara automática para que detecte automáticamente los bordes del objeto que estás seleccionando y no se salga mientras pintas.
Jugad con los tamaños del pincel y sobre todo con el control de desvanecer. Os ayudará a conseguir transiciones mucho más suaves.
Si necesitáis estos nuevos controles pero a modo de degradado, no hay ningún problema, porque están todos implementados igualmente en la herramienta de filtro graduado.

Enlaces Relacionados

Artículo enviado gracias a la gentileza de Domina Lightroom, Curso Online

Los 6 Mejores Consejos Para Congelar el Movimiento Con Tu Cámara

Javier Lucas — Mon, 30 Apr 2012 07:00:36 -0400

Cuando tomamos una fotografía lo que hacemos es detener el tiempo y obtener una copia de la realidad que estamos percibiendo con nuestros ojos. Una realidad que, salvo que fotografiemos a personas que estén posando, o retratemos elementos estáticos, normalmente estará en movimiento.

Este dinamismo se hace aún más patente cuando lo que pretendemos fotografiar son, precisamente, situaciones de acción y movimiento. Se me ocurren, por ejemplo, un atleta, un ciclista, un niño jugando, un skater...

Si lo que deseas es congelar perfectamente este movimiento y conseguir una imagen nítida y bien encuadrada, vamos a ver una serie de ajustes de tu cámara y consejos que te vendrán como anillo al dedo.

Antes de nada, me gustaría comentarte que en este tipo de situaciones también podrías querer buscar otros efectos, como puede ser a través de la técnica de barrido.

Aunque, como lo más normal será que desees congelar el movimiento, en este artículo me centraré en aconsejarte sobre lo que debes hacer para lograr hacerlo.

#1 Elige el Tiempo de Exposición Apropiado

No puedo darte un tiempo de exposición exacto para que "congeles el tiempo". ¿Por qué? Pues porque no lo hay. Depende de la velocidad del objeto que deseas congelar, de tu distancia a él, de la focal que estés empleando, etc.

No obstante, siempre será un buen punto de partida un tiempo de exposición de 1/500 seg para una persona que está corriendo a una velocidad normal. A partir de ese valor, deberás hacer pruebas para ver si necesitas utilizar un tiempo de exposición superior o inferior, y así lograr congelar el movimiento que estás fotografiando.

Por supuesto, si vas a fotografiar a un ciclista, tendrás que reducir este tiempo. Y si lo que vas a fotografiar es un Fórmula 1, ve pensando entonces en una reducción mucho más drástica de este valor.

Para que te hagas una idea, la fotografía superior fue tomada con los siguientes ajustes: 62mm, f/5.3, 1/640 seg, ISO 100.

#2 Utiliza Una Apertura Que Garantice la Profundidad de Campo Que Necesites

La apertura no es un parámetro especialmente decisivo, o al menos no tan decisivo como el tiempo de exposición para congelar el movimiento en tus fotografías.

Sin embargo, como sabes, la apertura, junto con la focal y la distancia al objeto enfocado, determinarán la profundidad de campo de la toma.

En función de qué desees que salga nítido en la fotografía, deberás optar por una apertura más o menos abierta.

En esta fotografía, se deseaba llamar la atención sobre el primer ciclista, de ahí que se eligiesen los siguientes parámetros de toma: 18mm, f/3.5, 1/2000 seg, ISO 100.

De hecho ésta apertura era la máxima que me permitía el objetivo, si hubiese podido habría bajado hasta f/2.8. Pero, lamentablemente, mi objetivo zoom no daba para más...

#3 Cuenta con el Valor de ISO Necesario Para Una Exposición Correcta

El empleo del valor de ISO para fotografías en las que se pretende congelar el movimiento no tiene nada novedoso frente a su uso para el resto de fotografías.

Como sabes, la sensibilidad ISO viene en tu ayuda para conseguir una exposición correcta. Ya que te permitirá variar la sensibilidad de tu sensor para que pueda captar más o menos luz.

Lo que debes hacer es tener seleccionado siempre el valor mínimo y si, por las condiciones de luz de la escena y los valores de tiempo de exposición y apertura seleccionado, necesitas más luz para una exposición correcta, deberás elevar el valor de sensibilidad ISO de tu sensor.

Las dos fotografías superiores fueron tomadas con los siguientes ajustes: 18mm, f/4, 1/1000 seg, ISO 1250.

El porqué de un ISO tan elevado está claro: estaba atardeciendo y no había demasiada luz como para que la fotografía apareciese correctamente expuesta a ISO 100.

#4 Activa el Modo Ráfaga de Tu Cámara

Cada vez un mayor número de cámaras te dan la opción de seleccionar uno o varios modos de disparo en ráfaga. Mi D7000, por ejemplo, tiene un par de modos de ráfaga: uno más rápido (CH), y otro más lento (CL).

Échale un vistazo al Manual de tu cámara y busca para saber si tienes la posibilidad de usar este modo. Gracias a él podrás disparar secuencias de fotografías de un mismo instante y quedarte con la que más te interese.

Gracias al empleo de este modo, pude sacar a este skater en los momentos más importantes del salto, el "despegue", el punto máximo de salto y el "aterrizaje".

#5 Selecciona el Modo de Enfoque Continuo AF-C

Aunque he dejado este consejo para el final, es probablemente uno de los más importantes. ¿Por qué? Pues porque tendemos a olvidarlo.

Habitualmente estamos acostumbrados a fotografiar escenas con no demasiado movimiento, de ahí que optemos por tener seleccionado el modo de enfoque estático (AF-S). ¿Por qué? Porque es mucho más preciso y adecuado para sujetos sin movimiento, o con un movimiento contenido.

Sin embargo, cuando vayas a fotografiar elementos en movimiento, no olvides seleccionar el modo AF-C. Tu cámara y objetivo te ayudarán a conseguir un sujeto mucho más nítido y bien enfocado.

Piensa en esta imagen de la derecha, es imposible conseguir un enfoque correcto con el modo AF-S, salvo que elijamos un punto que tengamos previamente enfocado y esperemos a que el sujeto en movimiento pase por él.

Lo que yo hice fue seleccionar el modo AF-C y tratar de seguir a los niños en su trayectoria a través del tobogán. De este modo, el objetivo una vez detectado el objeto en movimiento se fue encargado de mantenerlo en foco a lo largo de toda la trayectoria.

#6 Decide El Encuadre de la Toma y Piensa en la Trayectoria Del Sujeto en Movimiento

Lo último a lo que debes prestar atención en una toma de este tipo es la trayectoria que seguirá el sujeto en movimiento y preparar el encuadre de la toma teniendo en cuenta este movimiento.

Por supuesto, siempre que hay desplazamientos en la escena debes recordar la conocida regla del movimiento. De lo contrario tu fotografía se verá extraña.

En este sentido, te recomiendo que observes al sujeto y estudies su movimiento, especialmente si el movimiento es en un circuito cerrado. Una vez que tengas en la cabeza aquellos puntos por los que va a pasar, prepárate y dispara una y otra vez hasta que consigas el resultado que esperas.

Si lo que se mueve es un niño, no podrás predecir su comportamiento, así que trata de imaginar qué puede hacer y estate lo más preparado posible para "abrir fuego a discreción". :)

¿Algún Consejo Más?

Seguro que hay algo que he pasado por alto. Pero, para eso estás tú, ¿no? ¡Échame una mano! y ayúdame completar estas recomendaciones a través de los comentarios al artículo.

También puedes contarnos tus experiencias, fotos y trucos que acostumbres a poner en práctica en este tipo de tomas. ¡Estamos deseando conocerlos!

Enlaces Relacionados

Artículo enviado gracias a la gentileza de Fotolienzo, fotos en metacrilato y panel ligero - fotodalia