Seguro que en más de una ocasión te ha ocurrido lo siguiente: sales de excursión con tu cámara, piensas si llevar o no el trípode, y finalmente decides dejarlo porque no estás dispuesto a cargar con el peso que supone sin estar seguro de si lo vas a utilizar.

Cuando al final estás en medio de tu sesión fotográfica, se presenta esa oportunidad en la que podrías haber utilizado el trípode y lamentas no haberlo cogido. ¿De verdad no te ha pasado nunca?

En este artículo te hablaremos de las bondades del bean bag, un accesorio que te podría haber salvado de esa situación. Es tan sencillo de utilizar como efectivo y, además, muy fácil de fabricar en casa ¿Quieres saber más? 

Una Buena Alternativa al Trípode

El trípode es un accesorio fundamental en nuestro equipo fotográfico, pero hay ocasiones en las que por algún motivo no puede acompañarnos en nuestra escapada fotográfica. ¿Existen alternativas más cómodas y ligeras?

Por supuesto, una de ellas es el monopie o monopod. No es un sustituto real, ya que no podemos hacer el mismo tipo de fotografías, pero puede ser un interesante suplente en determinadas situaciones en las que el trípode no nos puede acompañar.

El bean bag es otra alternativa todavía menos voluminosa y más ligera. Si apoyamos bien la cámara sobre él la posición no variará. Esto nos permitirá, al igual que el trípode, ajustar nuestra cámara para realizar exposiciones con tiempos ilimitados.

No te preocupes si piensas que tus fotos pueden salir torcidas. Lo solucionas rápido acoplando un nivel como este a la zapata de tu flash para asegurarte de que la cámara se alinea con respecto al horizonte. Esto te vendrá genial, sobre todo, para fotografía de paisaje.

¿Qué es Exactamente un Bean Bag?

Bean Bag significa, literalmente, "bolsa de judías". Y es que este accesorio es precisamente la evolución de una bolsa de legumbres. Haz la prueba en casa, si coges una bolsa de legumbres en la que el contenido no esté completamente comprimido verás que se convierte en una masa bastante moldeable.

Con esa misma filosofía se concibe el bean bag. Se trata de una simple bolsa de tela u otro material, rellenada con un producto (no tienen que ser necesariamente legumbres) que amortigue lo suficiente.

De este modo, podrás apoyar esa bolsa sobre una superficie y colocar encima la cámara, adaptando la forma de la bolsa para que tu cámara quede fija y orientada hacia aquello que quieras fotografiar.

Además de dar estabilidad, proporcionan seguridad para que tu equipo se quede fijo sobre una superficie irregular o en pendiente. Y en el caso de las cámaras DSLR, también ayudan a absorber las vibraciones creadas por el espejo al levantarse.

¿Dónde Comprar un 'Bean Bag'?

Si no eres muy mañoso, puedes comprar un bean beag. Es un accesorio bastante asequible que encontrarás en tiendas por unos 15 o 20 euros. En Amazon puedes comprar un bean bag sencillo con tela de camuflaje por unos 15€. Incluso podrás adquirir solo la tela por unos 13€ y rellenarla con el material que tú quieras.

También verás que hay otros bean bags mucho más profesionales, con forma de U para colocarlos cómodamente en una barandilla o en la ventanilla del coche.

Algunos incluso cuentan con una base para colocar bien la cámara o un teleobjetivo muy grande. Estos accesorios tienen mayor calidad y su precio ya ronda los 30-40 euros. Aunque si te gusta la fotografía de animales salvajes, sin duda, son la mejor opción.

¿Qué Necesito para Crear un 'Bean Bag'?

Aunque puedes comprarlos baratos, la opción más económica siempre es fabricarse uno personalizado con materiales sencillos que encontremos en casa. Veamos primero los elementos que necesitamos para crear nuestro propio bean bag:

Materiales Necesarios

• Dos trozos de tela de 30 cm x 40 cm
• Aguja e hilo
• Unas tijeras
• Un metro o una regla
• Un embudo mediano
• El relleno (legumbres u otro material)

¿Cuál es el Mejor Relleno?

Pues lo más clásico, como el nombre del propio accesorio indica, es que usas frijoles o alubias. Aunque te servirá cualquier tipo de legumbres, como lentejas o garbanzos.

Sin embargo, puedes elegir otras opciones como granos de maíz, guisantes secos o arroz. Este último quizá es menos recomendable porque acaba desprendiendo el almidón en forma de polvo y se puede colar por el tejido llegando a ensuciar la cámara.

Si prefieres evitar productos alimenticios, también puedes decantarte por otros materiales como bolas de poliestireno o de sílice, que absorben muy bien la humedad, o incluso semillas de lino ¡Tú eliges con qué material rellenar tu bean bag!

Creando tu 'Bean Bag' Personalizado en solo 4 Pasos

Cómo Crear un Bean Bag Personalizado Paso a Paso

Una vez tenemos todos los materiales, es el momento de ponernos manos a la obra y crear nuestro bean bag. Toma nota de cada uno de los pasos:

Paso 1. Mide y Corta dos Trozos de Tela

Primero medidos y recortamos con las tijeras dos piezas de tela del mismo tamaño. En este caso 30x40 cm, pero puedes hacerla más pequeña si consideras que es demasiado grande para tu cámara.

El material de la tela puede ser algodón, lycra o incluso fieltro. Lo importante es que sea resistente y fácil de trabajar. Aunque, si tu idea es usarlo para fotografiar la naturaleza salvaje y llevarlo al campo o a la playa, lo más recomendable es que optes por una tela que sea impermeable.

Paso 2. Cose los Trozos de Tela Simétricamente

Cuanto tengas los retales cortados, únelos de forma simétrica y cose con aguja e hilo ambas partes por el borde. Asegúrate de dejar algo de margen y no coser los retales justo por el límite. Haz hincapié en las esquinas y refuérzalas dando algunas puntadas de más, para que no sea más fuerte y no se nos salga el relleno al hacer presión.

Importante, no llegues a coser del todo la bolsa. Para poder introducir el relleno, tendremos que dejar un trozo de unos 2-3cm sin coser. Ahí será donde colocaremos el embudo y rellenaremos nuestro bean bag antes de coserlo del todo.

Paso 3. Voltea la Tela e Introduce el Relleno

Ahora, dale la vuelta a la tela que acabas de coser. De esta forma las costuras se quedarán por dentro y al estar ocultas no se verán. Seguidamente, coloca el embudo en el pequeño agujero que hemos dejado y rellena la bolsa con el material que hayas elegido. En nuestro caso, con lentejas pardinas.

¡Ojo! No rellenes del todo la bolsa. Tienes que dejar espacio para que las legumbres puedan moverse y adaptarse cuando coloquemos nuestra cámara encima. Piensa que si está demasiado llena la bolsa, la cámara no podrá acoplarse y si está demasiado vacía tampoco nos servirá.

Paso 4. Comprueba el Relleno y Cose del Todo la Bolsa

Si no estás seguro de haber dejado bastante espacio en el relleno, haz una prueba antes de coser. Coloca la cámara encima presionando con la mano la costura abierta para que no se salga el relleno.

Así sabrás si tu bean bag funciona bien o si debes añadir o quitar relleno antes de coserlo del todo. Finalmente, tendremos que acabar de coser la abertura de 2-3cm que habíamos dejado antes para que quede bien cerrada.

¡Sal a Probar tu Nuevo 'Bean Bag'!

Ahora ya tienes tienes terminada tu bean bag personalizada. Lo que haremos será salir a probarla y comprobar que nos da la estabilidad que necesitamos.

Como puedes ver en la foto, si colocamos nuestra cámara sobre la bolsa, esta se adapta muy bien y se queda totalmente fija. Tanto para ángulos picados como para contrapicados nos servirá, aunque siempre tendremos que asegurarla y fijarla bien antes de soltarla.

Para los amantes de la fotografía salvaje o de la fotografía macro, será casi imprescindible que tengan tu propio bean bag. De hecho, es una buena idea usar tela de camuflaje (como la que hemos visto antes) para construirlo y pasar todavía más desapercibido en la naturaleza.

Si vas a apoyarla sobre superficies mojadas y no has podido crear tu bean bag con tela impermeable, tendrás que protegerlo para que no traspase la humedad. Mételo dentro de una bolsa hermética de congelación o incluso dentro de una bolsa de plástico para evitar que se moje y se estropee.

Otro truco interesante, si no quieres llevar peso, es llevar la bolsa de tela vacía y rellenarla con arena de playa, de monte o con piedras pequeñas recogidas en el mismo sitio donde vayas a hacer tus fotos.

En definitiva, el bean bag es un accesorio muy versátil. Puedes utilizarlo colocándolo encima de un trípode improvisado como podría ser un muro, un tronco de árbol, una roca o la puerta de un coche.

Otro de los usos más habituales es en fotografías a ras de suelo o lo que también se conoce como ángulo gusano. Solo tendrás que depositar el bean bag en el suelo y tu cámara sobre él, para conseguir estabilidad, seguridad y capturas muy bellas. ¡Disfrútalo!

A pesar de que la fotografía de bodas es una disciplina que me parece interesantísima y muy atractiva, nunca hasta hace unas semanas había podido ser el fotógrafo oficial en una boda. Y lo cierto es que ni siquiera participé en todo el reportaje, sólo en la sesión de fotos previas al novio. Pero, aún así, fue suficiente para sacar una serie de lecciones aprendidas que quiero compartir contigo.

No soy, ni mucho menos, un especialista en la materia, como se desprende del párrafo anterior. Aunque sí he participado en bastantes sesiones de los otros dos tipos de eventos que componen la terna BBC (Bodas, Bautizos y Comuniones). Y estas sesiones sí que me han ayudado a suplir mi escasa experiencia en bodas. Empecemos con los consejos que quiero compartir contigo sobre la fotografía de bodas, ¿estás listo?

#1 Prepara La Sesión Con Antelación

foto por Claudio Matsuoka (licencia CC)

Esta preparación tiene dos partes fundamentales:

• El equipo, con la cámara, objetivos y flashes que vas a necesitar. Así como pilas, baterías y tarjetas de memoria limpias y recargadas. Es fundamental contar con repuesto para prácticamente todo, por lo que pueda pasar.
• La sesión en sí: tiempos de llegada y salida de los distintos puntos en los que se realizará la sesión, bloques en que se organizará la sesión, tipos de fotografía, encuadres y poses, elementos de atrezzo, etc.

En el caso de la preparación de la sesión, yo considero esencial dedicar un buen tiempo, varios días antes del evento, a planificar la sesión y también buscar imágenes que puedan servir como guía a los novios.

En mi caso, como se trataba exclusivamente de la pre-boda del novio, dividí la sesión en los siguientes bloques:

• El novio
• El novio y la madrina
• El novio y los padres
• El novio y la familia
• Detalles

Para cada uno de estos bloques, preparé varias fotografías que pudiesen servir a los modelos como referencia. Por supuesto, las fotografías pueden ser de tu catálogo, o de otro, pues servirán como referencia. Con estas fotos de ejemplo facilitas la comunicación y permites que sea más ágil.

Todo esto lo preparé en una nota de Evernote que tenía sincronizada en mi ordenador, tablet y móvil. Y desde éste último dispositivo era desde el que se las enseñaba al novio y familia cada vez que les pedía una nueva pose.

#2 Es Muy Difícil Hacerlo Solo. No, Mejor Dicho, Es Imposible Si Quieres Que Salga Bien

Lo cierto es que acabé participando en esta sesión de rebote. Los novios le encargaron el reportaje completo a un amigo y a éste le falló en el último momento su habitual colaborador en sesiones de bodas.

Como a mi amigo le resultaba imposible poder realizar las fotos de pre-boda a novio y novia él solo, ya que estaban en puntos muy distantes, me pidió si yo podía encargarme de hacer las fotos al novio. Él, a su vez, se encargaría de las de la novia.

foto por Brooke Novak (licencia CC)

No obstante, aún en las fotos de la ceremonia o el banquete, en que no hay problemas de distancia física, una sesión tan importante como el reportaje de una boda, en la que el tiempo vuela y todo debe salir bien a la primera y con muy poco margen de error, es vital poder realizarla contando con la colaboración de más de un fotógrafo, o al menos un asistente que pueda ayudarte.

Así que mi recomendación es que jamás lo abordes en solitario. Contar con la participación de al menos otro fotógrafo o asistente ayudará a ganar tiempo, a lograr mejores imágenes, a contar con distintos puntos de vista, etc.

Si no te queda más remedio, entonces deberás tratar de pedir cierta colaboración tanto de los propios modelos, como de familiares que haya cerca. Aunque asumiendo el posible desconocimiento y, lo que es más importante, el nerviosismo del momento.

#3 No Te "Bautices" En Una Sesión de Boda

Perdóname el juego de palabras. A lo que me refiero con bautizarte, es que no se te ocurra estrenarte con una sesión de bodas, o al menos no lo hagas de forma profesional, pues es muy probable que el resultado no esté a la altura.

El reportaje de bodas es complejo, exigente y dura bastante tiempo. Por lo que requiere pericia, tablas y experiencia por parte del fotógrafo. Como ya te hemos recomendado en otra ocasión, haz tus primeros pinitos en otro tipo de eventos, participa como fotógrafo no oficial en otras bodas o como asistente antes de asumir tu primera sesión de bodas como fotógrafo profesional.

Si esto no puede ser porque una sesión de boda llama a tu puerta antes de tiempo, sé humilde y asume que es posible que muchas cosas no te salgan como a los expertos. Y, ya puestos, aprovecha para ir ganando experiencia. Seguro que la siguiente sale mejor :)

#4 Acuerda Una Duración Suficiente de Cada Sesión

El día de la boda, todo está medido y cronometrado: la hora de inicio de la ceremonia, la hora de fin de la ceremonia, la hora de inicio del cocktail, la hora de inicio del banquete... La sesión de pre-boda no puede ser menos.

Acuerda con los novios la hora exacta a la que estarás en casa de cada uno de ellos y el tiempo que necesitas que le dediquen a la sesión de pre-boda. Pídeles que, por favor, sean puntuales y estén listos a esa hora y, como es lógico, sé tú también puntual.

De hecho, si puedes, llega con cierta antelación para ir reconociendo el terreno y visualizar lo antes posible aquellas habitaciones en las que realizarás las fotografías.

#5 ¿Ya Has Llegado? Preséntate y Comienza A Prepararlo Todo

Es deseable que ya hayas pasado algo de tiempo con los novios antes del día D, aunque si no ha sido posible, preséntate y habla brevemente con ellos para adquirir cierta confianza, también, por supuesto, con el resto de familia que saldrá en las fotos, y comienza a trabajar.

Pide permiso para acceder a las habitaciones o rincones que la familia haya preparado para la sesión y empieza a proyectar en tu cabeza los tipos de tomas que realizarás en cada una de ellas.

No nos engañemos, en la mayoría de las situaciones no vamos a encontrar algo como lo de la imagen. Es más que probable que las habitaciones sean más pequeñas, tengan menos luz, haya más muebles o elementos de los que te gustaría, algo esté descolocado, ropa doblada (o desdoblada) a la vista, o cualquier otro tipo de elemento que no favorezca a las fotos que tienes en mente.

No tengas reparo en pedir que retiren todo aquello que te sobre, o si no ves a nadie libre, hazlo tú mismo. Debes dejar las habitaciones lo más acondicionadas posible para las fotos que tienes en la cabeza.

Si hay alguna estancia que pienses que también quedaría bien y no te la han mostrado, consulta si podrías utilizarla. La habitación del novio o la novia suele tener una carga sentimental importante, pero a veces no se le da la relevancia que merece en los reportajes. Pregunta por ella.

Una vez que hayas reconocido las habitaciones, comienza a preparar tu equipo: cámara, objetivos, flashes, difusores (los paraguas en interiores funcionan muy bien), etc. Y, por supuesto, realiza fotografías de prueba para ajustar parámetros.

#6 Empieza Por El/La Novio/a

Recuerda que estamos hablando de las fotos de pre-boda, así que, bien el novio, bien la novia, serán los protagonistas de esta parte de la sesión. Por ese motivo, deberás dedicarles el mayor tiempo y la mayor atención a ellos.

Comienza por planos más generales, para ir poco a poco acercándote a un mayor detalle. Como te comentaba en el punto 1, creo que es muy útil y ágil contar con imágenes de ejemplo que poder mostrar al novio para indicarle lo que esperas de él. Este tipo de pose, esta otra, con la mano así, con las piernas de esta manera, con la chaqueta quitada, abrochándote los gemelos, etc.

#7 Continúa Con La Madrina, Padres, o Familia. Si Están Listos, Claro

En función de que el resto de participantes vayan estando arreglados, se pueden ir realizando unas u otras fotografías. En las bodas normalmente todos están ayudando al novio o a la novia y, una vez que éstos están arreglados, comienzan a arreglarse ellos.

Así que, en mi opinión, aquí debes adaptarte al ritmo de cada uno. Si es posible, fotografía al novio y a la madrina, pero si no está lista la madrina, inténtalo con el padre, o con los hermanos o hermanas, sobrinos, etc.

Y si ninguno está listo, tienes el comodín de los detalles.

#8 La Importancia Y El Encanto de los Detalles

Los protagonistas está claro quiénes son en una boda, pero hay actores inanimados secundarios que tienen mucha importancia y le dan un sentimiento especial al reportaje.

Estoy hablando, por supuesto, del ramo, las arras, los anillos, el prendido, la invitación, los gemelos, los pendientes, los zapatos, una foto del novio o la novia cuando eran pequeños, un rincón de su casa, etc.

Todos estos elementos también pueden y deben tener un hueco en el reportaje y te ayudarán a rellenar aquellos tiempos en que no haya ninguna persona lista.

#9 Favorece La Naturalidad En Las Poses Y En Las Caras

Sé que es cierto que el mostrar imágenes para que las imiten no favorece mucho la naturalidad, pero no debe entenderse como una copia exacta, ni debe buscarse esto por parte del fotógrafo. Sólo que sirva como guía y ayuda.

A partir de ahí, déjales actuar libremente, que adapten las poses propuestas en base a su comodidad y naturalidad. Invítales a que hablen, estén tranquilos, se relajen.

Para mejorar la naturalidad también ayudará contar con objetivos de focal larga que te permitan no invadir su espacio y quedarte a cierta distancia de los sujetos.

#10 Realiza Siempre Varias Tomas de Cada Encuadre

Cuando entran en juego personas, y más en una situación de tensión como una boda, los nervios son traicioneros y nos hacen cerrar los ojos, poner caras inverosímiles y no parecer nosotros.

Por este motivo, resulta muy oportuno que el fotógrafo tome la precaución de realizar más de una fotografía de cada escena. Así podremos tener más de una opción entre las que poder elegir, o incluso para combinarlas y obtener una foto final correcta.

Estamos hablando de fotografía digital, así que no escatimes y realiza múltiples disparos de cada situación para tener garantías de un buen resultado.

#11 Entrega El Reportaje En Un Tiempo Razonable: Uno o Dos Meses Sería Fantástico

Ésta es probablemente la crítica más recurrente que he oído de los reportajes de boda de mis amigos, familiares y conocidos. Frases como: "con suerte tendremos el reportaje antes del año que viene", o "nos han dicho que tienen mucho trabajo ahora, que ya nos dirán una fecha de entrega", están a la orden del día, ¿verdad?

Pues bien, mi recomendación es que adquieras un compromiso y lo cumplas. Y, por supuesto, que ese compromiso no se vaya más allá del mes o dos meses desde la boda. Y, si no puedes conseguir esto, al menos realiza una primera entrega en ese tiempo de las fotos principales y proporciona el reportaje completo en un tiempo no mucho mayor.

De este modo te diferenciarás y ofrecerás un servicio de mayor calidad. Eso sí, para ello no renuncies a la calidad. Sin duda, el primer objetivo debe ser realizar reportajes de calidad. De nada vale un resultado mediocre en un tiempo récord.

¿Cuál Es Tu Consejo?

Éstos son los consejos que yo he podido extraer de mi primera sesión de pre-boda y de las muchas sesiones que he realizado en bautizos y comuniones. Espero que resulten de tu interés y te ayuden cuando te veas en una situación similar.

A lo mejor tú también tienes algún consejo o recomendación que compartir en base a tu experiencia. ¡Anímate y compártelo a través de los comentarios!

Ah, y por cierto, ¡Enhorabuena, Pablo y Rosi! Que seáis muy, muy felices. Y gracias por la oportunidad de participar en este día tan especial.

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Si la apariencia que tus fotos muestran en pantalla no refleja lo que crees recordar de la escena, es probable que hayas captado una imagen plana, con escasa perspectiva.

No me refiero a lo colorido de la estampa o a la belleza de los elementos que componen la imagen. Me refiero a la apariencia plana que esta adquiere al reproducirse en nuestros lienzos, digitales o impresos.
¿Quieres saber cómo puedes mejorar este aspecto?

Constantemente leemos artículos relacionados con las reglas de composición, pero en la mayoría de esos artículos tan sólo se enumeran una serie de recomendaciones que ciertamente mejoran algunas cuestiones compositivas, pero que también encasillan la visión del fotógrafo.

En mi opinión, lo que pocas veces he leído son artículos que apelen a la tradición pictórica y, en consecuencia, muestren su evolución a lo largo de los siglos como base del conocimiento para expresar cómo reflejar los elementos de una escena tridimensional en un plano bidimensional: el lienzo, la pantalla o el papel fotográfico.

Cierto es que la fotografía representa la inmediatez y que mucha gente se conforma con la captura sin mayores pretensiones estéticas u organizativas de la imagen capturada. Sin negar esa evidencia, opino que el conocimiento siempre es un plus y de forma inconsciente puede mejorar la escena capturada.

Hablemos de la perspectiva

La perspectiva es el conjunto de técnicas que nos permiten trasladar una escena tridimensional a un plano bidimensional, recreando la profundidad y la posición relativa de los objetos que aparecen en la escena.

El estudio de la perspectiva no es trivial, pero podemos utilizar una simplificación para entender la importancia que tiene.
Como mínimo nos interesa conocer la perspectiva lineal y la perspectiva aérea.

La perspectiva lineal

Es la que se refiere a la geometría de la escena. Con la distancia los elementos de la escena pierden tamaño, definición de su contorno y, por su puesto, detalle.

• Los elementos que tenemos cerca se ven más grandes.
• Los contornos se suavizan con la distancia haciendo que sus ángulos y aristas, se suavicen.
• Las figuras se aplanan perdiendo profundidad y en consecuencia nitidez.

El elemento principal de la perspectiva son las líneas paralelas y las oblicuas.

Las líneas paralelas atraviesan la escena en cualquier dirección y nunca llegan a juntarse en un punto llamado punto de fuga.

Las líneas oblicuas son las que crean la sensación de profundidad al converger en la distancia. El punto de convergencia, que tradicionalmente, se encuentra dentro del marco (del lienzo, de la foto…) se denomina punto de fuga.

Es importante señalar que, cuando hablamos de fotografía, el paralelismo de las líneas está referido al plano del sensor, es decir, si mantenemos el sensor de la cámara perfectamente vertical respecto al suelo, veremos cómo fugan las líneas de una carretera y sus bordes, pero las verticales de los edificios –paralelas al sensor- también se mantendrán paralelas entre ellas.

Perspectiva de un punto. Todas la lineas confluyen en el punto de fuga, más allá de la niebla. Las verticales no fugan.

Así, podemos establecer tres tipos de perspectiva:

• De un punto. Esta perspectiva se produce cuando la cámara está situada de forma paralela a una pared. Las líneas verticales de esa pared o edificio se mantendrán paralelas y no fugarán; aunque si lo harán las líneas horizontales, las del suelo, las que delimitan los bordes superiores de los edificios… Es la fuga de un punto. Un ejemplo sería si nos situamos en el medio de una calle y enfocamos hacia el final de la misma, eso sí, manteniendo el sensor paralelo a las paredes de los edificios.
• De dos puntos. En la fuga de dos puntos nos encontramos con dos puntos de fuga diferentes, dos tipos de líneas paralelas que se dibujan oblicuas hacia dos fugas diferentes dentro de la misma imagen. Se consigue manteniendo el sensor paralelo a las paredes de los edificios, pero enfocando a una esquina o rincón. Ejemplo: si nos situamos frente a la esquina de un edificio, de forma que veamos dos de sus fachadas que den a calles diferentes –obviamente- veremos que las líneas perpendiculares al sensor fugarán en la dirección de cada calle; generándose, en consecuencia dos puntos de fuga.
• De tres puntos. La fuga de tres puntos se produce en la misma situación anterior, mirando hacia una esquina o rincón, pero añadiendo inclinación vertical a la cámara, de forma que ésta pique hacia arriba o hacia abajo. Con esta inclinación evitamos que las líneas verticales que formen las paredes permanezcan como tales y, en consecuencia, también fuguen. Si se trata de edificios lo normal será que el punto de fuga se encuentre fuera del marco, por lo que será necesario observar esta cuestión con detenimiento.

Dos puntos de fuga. Las verticales se mantienen como tales, mientras que las dos fachadas de la casa fugan desde la esquina hacia izquierda y derecha, generando dos puntos de fuga; ambos fuera del marco de la foto.

La perspectiva lineal nos ayuda a situar los objetos en la escena y a establecer relaciones entre ellos. No es necesario que exista una línea visible que los una, la distancia entre ellos crea un punto de unión y, por tanto, de fuga que podemos utilizar en nuestra composición.

La pérdida de definición tanto de la forma como de los detalles en los objetos alejados hace necesario acercarlos si queremos mantener un buen nivel de definición y detalle.

La perspectiva aérea

Podríamos decir que es un complemento de la perspectiva lineal ya que está representada por la atmósfera que envuelve a los objetos.

A medida que nos alejamos se pierde la saturación de los colores, haciendo más vibrantes aquellos que se encuentran cerca de la cámara. En las fotos de paisaje también se puede observar una progresiva dominante azulada. Elimina las formas y las líneas que dibujan la perspectiva lineal.

En esta foto se puede apreciar la desaturación de los colores con la distancia, la perdida de nitidez y el virado al azul.

Otras consideraciones

Hemos dicho que los objetos disminuyen con la distancia. Esto provoca el efecto de la compresión de los planos, erróneamente atribuido a la longitud focal de los objetivos utilizados.

Cuando dos objetos están separados entre sí una distancia cualquiera y nosotros nos situamos más cerca de uno de ellos, el lejano parecerá pequeño en comparación con este. Si nos alejamos lo suficiente, parecerá que ambos están pegados el uno al otro, generando sensación de compresión de los planos. Luego la compresión de planos está provocada por la distancia al objeto y no por la distancia focal del objetivo.

Conclusión

Los pocos aspectos enumerados en este artículo tienen su base en la tradición pictórica, en su evolución a lo largo de los siglos.

Existen otros tipos de perspectiva, que no he desarrollado en este artículo por estar en desuso o por no ser tan interesantes para el fin perseguido: favorecer la mejora de la composición fotográfica con el conocimiento más elemental de lo que es la perspectiva.

Como nota final indicar que el Renacimiento supuso el punto de inflexión en la representación de la perspectiva en los cuadros.

Y como siempre, espero vuestros comentarios y experiencias al respecto.

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¿Alguna vez has visto retratos como el de nuestra portada? No, no es un efecto creado en Photoshop y no, no vas a necesitar gastarte un riñón en equipo. Te aseguro que invirtiendo menos de 60 euros puedes hacer tu propia sesión con luz negra y maquillaje fluorescente.

En el artículo de hoy vamos a ver paso a paso cómo realizar una sesión de este estilo tan especial. ¿Te animas a probar algo nuevo?

¿Qué es la Luz Negra?

La conocida como “luz negra” no es más que luz ultravioleta. Nuestro ojo no es capaz de percibirla, pero sí podemos ver qué efectos causa sobre ciertos colores y materiales, por eso los vemos brillar. Aprovechando este efecto tan curioso podemos conseguir retratos muy creativos y originales. ¡Enseguida te cuento cómo conseguirlos!

Materiales Necesarios

Lo primero que vamos a ver es qué materiales vamos a necesitar para nuestra sesión. Deberás comprar 2 materiales específicos, aunque como te comentaba antes, por menos de 30 euros en Amazon puedes hacerte con ambos.

1. Bombillas de luz negra

Lo primero que vamos a necesitar, obviamente, son bombillas de luz negra. Yo compré este pack que incluía dos bombillas led de 7W, así podremos crear esquemas de iluminación algo más complejos que con una sola.

También puedes optar por otros tipos de iluminación, como tubos fluorescentes, barras, paneles o tiras led e incluso linternas.

Por otra parte, necesitarás un portalámparas para las bombillas. Si no dispones de portalámparas profesionales, en realidad te valdrá cualquier lámpara que tengas por casa.

2. Maquillaje fluorescente

El otro material específico que vamos a necesitar comprar va a ser un pack de maquillaje o pintura fluorescente, también llamado maquillaje o pintura neón.

Existen muchos tipos de pintura fluorescente. Yo opté por este pack de maquillaje porque venían diversos colores y plantillas para facilitar el dibujo.

3. Un Objetivo Luminoso

Y finalmente necesitaremos nuestro equipo fotográfico habitual. Es recomendable usar un objetivo bastante luminoso, puesto que vamos a trabajar con una luz algo tenue, así evitaremos subir demasiado la ISO.

Maquillando a Nuestra Modelo

Ahora le toca el turno al estilismo. Si se te da bien dibujar, o cuentas con un maquillador profesional de body paint, puedes conseguir maquillajes increíbles.

Pero tranquilo, no hace falta ser muy mañoso con la pintura para conseguir resultados geniales con esta técnica. Puedes optar por pintar salpicaduras o restregones; quedan muy bien y no se necesita saber dibujar.

Prueba con diferentes herramientas para crear texturas distintas, puedes usar cualquier cosa: pinceles, esponjas de maquillaje, pulverizadores, cepillos de dientes… ¡e incluso hasta tus propias manos! Si buscas un maquillaje más pictórico, también puedes ayudarte de plantillas que te faciliten la tarea.

Si no sabes muy bien cómo maquillar a tu modelo, intenta mirar referencias en internet para tomar ideas. También ayuda pensar en una temática concreta para la sesión y dirigir el maquillaje hacia esa temática.

Respecto a la ropa, procura usar ropa oscura para que no refleje la luz, sino brillará también y le robará protagonismo a tu maquillaje.

En esta sesión nosotras hemos decidido probar 3 maquillajes diferentes:

1. Salpicaduras

Como te comentaba, este maquillaje es muy sencillo de crear porque no necesitas saber dibujar y siempre queda bien. Puedes diluir en agua un poco de pintura y rociarlo sobre tu modelo con un pulverizador. Si no dispones de uno, puedes mojar un cepillo de dientes o un pincel e ir salpicando con el dedo a tu modelo.

Aunque no vayas a hacer fotografías de cuerpo completo, no te olvides de rociar también un poco los hombros, el busto, los brazos y las manos de tu modelo, para que también aparezcan pintados si salen en algunas fotos.

2. Huella de la Mano

Otro maquillaje para los que no tenemos el don del dibujo: usar tus propias manos como pincel.

Simplemente diluye pintura en un poco de agua y embadurna bien tus manos, como si te las estuvieras lavando con jabón, para que queden bien impregnadas de pintura. Después presiona tu mano sobre tu modelo procurando no arrastrarla, para que se quede impresa la huella sobre la piel. Puedes crear estilismos muy interesantes y con una carga de significado increíble.

Nosotras hemos optado por poner una mano tapando la boca de nuestra modelo y otra alrededor de su cuello, como una metáfora de la opresión.

3. Maquillaje Pictórico

Finalmente, aunque lo del dibujo no se nos da del todo bien, hemos decidido crear un maquillaje pictórico ayudándonos de plantillas. Después, decidimos crear algunas curvas con pequeños puntitos, porque quedan muy bonitos y son mucho más sencillos de dibujar que las líneas.

Finalmente pintamos también un poco las pestañas y los labios de nuestra modelo, para completar el maquillaje.

Preparando el Set

Vamos a preparar un set muy sencillo, ya que lo que realmente tiene que destacar es nuestra modelo y su maquillaje. Buscaremos un fondo uniforme y oscuro, para que el maquillaje destaque más todavía.

Respecto a la iluminación, vamos a usar un esquema muy sencillo: colocaremos ambas bombillas a 45º a izquierda y derecha de la modelo, para conseguir una iluminación uniforme que haga brillar todo el maquillaje por igual.

Después puedes ir variando el esquema de iluminación, colocando las luces de forma más lateral, a 90º, o incluso levantándolas por encima de tu modelo simulando un esquema clamshell.

Configurando la Cámara

Una vez montado todo el set y con el maquillaje de nuestra modelo listo, toca hacer algunas pruebas de iluminación para ver cómo configurar nuestra cámara.

1. Velocidad de Obturación

En primer lugar, pondremos una velocidad de obturación lo suficientemente lenta como para ganar la máxima luz posible, pero no demasiado para evitar trepidar la fotografía a causa de nuestro pulso o de los movimientos de la modelo. Yo he optado por dejarla en 1/60 segundos.

2. Apertura de Diafragma

Respecto a la apertura de diafragma, como estaremos trabajando con poca luz, vendrá bien abrirlo bastante. Pero eso sí, ten en cuenta que a diafragmas extremos, como f/1.8 o f/1.4, vamos a tener una profundidad de campo muy escasa. El brillo del maquillaje destacará mucho más que los ojos de nuestra modelo, y por eso es posible que el autoenfoque de la cámara se líe un poco. Así pues si usas un diafragma muy abierto, comprueba que las tomas están saliendo bien enfocadas.

Puedes usar la luz de ayuda al enfoque de tu cámara o, en el caso de no disponer de ella, puedes usar una pequeña linterna para alumbrar la cara de tu modelo y asegurarte de que estás enfocando exactamente sus ojos. Y si no quieres jugártela, será mejor que optes por cerrar el diafragma un poco, para evitar sorpresas.

3. Sensibilidad ISO

Y finalmente configuraremos la ISO; súbela hasta que consigas una exposición adecuada. Procura no quemar el maquillaje, ya que va a brillar mucho más que la piel de tu modelo. Usa la medición puntual para medir tan solo la luz que reflejan los colores más brillantes del maquillaje.

Yo en este caso he tenido que subir la ISO entre 500 y 1000 (dependiendo de la fotografía) para conseguir una exposición adecuada. Procura disparar en formato RAW para después poder recuperar matices en las sombras y en las altas luces, ya que la diferencia entre unas y otras va a ser bastante grande.

¡Luces, Cámara, Acción!

Ahora que ya lo tenemos todo preparado y configurado, ¡toca hacer la sesión!

Procura realizar tomas con tipos de plano y ángulos variados, y no te olvides de captar también detalles de ciertas partes del maquillaje.

En este caso descarté totalmente hacer fotografías de cuerpo entero porque estas bombillas no abarcan suficiente para ello. Si quieres hacer tomas de cuerpo entero y maquillar un bodypaint completo te recomiendo que, en ese caso, compres mejor tubos led de luz ultravioleta bastante largos.

Este maquillaje es muy fácil de eliminar, con un poquito de agua tibia o una toallita desmaquillante se quita enseguida, así que puedes permitirte probar con diferentes estilismos a lo largo de la sesión, si tan solo pintas la cara y el busto.

Por otra parte, también podemos mezclar más técnicas con ésta para conseguir fotografías muy originales. Son técnicas que ya hemos visto en otros artículos, como "Utiliza Geles de Colores para Lograr Retratos Originales" o "Consigue Un Retrato Original y Creativo con Luces Led"

1. Contraluz con Gel de Color

Si la silueta de tu modelo se pierde demasiado en el fondo, una buena manera de realzarla es darle un toque de contraluz. Pero como estamos trabajando con maquillaje de colores fluorescentes, ¿por qué no probar a ponerle un gel de color al contra? Eso sí, procura que sea una luz tenue para que no eclipse el brillo del maquillaje fluorescente. Por eso decidí pasar del flash y usar un panel led.

Como gel de color simplemente usé un celofán grande de color azul doblado en varias partes.

Como ves, conseguimos no solo remarcar los contornos de nuestra modelo, sino también darle otro toque de color diferente.

2. Bokeh con Tira de Luces Led

Y de la misma manera que ese toque de color del contraluz le da un valor añadido a nuestra fotografía, ¿qué tal si probamos con otra técnica diferente? Vamos a agregar un poco de bokeh con una tira led de colores.

Pon la tira led por delante de tu objetivo para que sus luces se desenfoquen creando un bonito bokeh. También puedes experimentar haciendo que tu modelo sujete la tira y que sus luces se vayan desenfocando poco a poco a medida que se acercan al objetivo.

Procesa tus Fotografías

Como te comentaba antes, es recomendable disparar en formato RAW para poder equilibrar las sombras y las altas luces de la toma, que serán muy dispares. Además también nos será útil para ajustar el balance de blancos y los colores de la toma a nuestro gusto.

Así pues, vamos a importar nuestra sesión a Lightroom para revelarla fácilmente.

En primer lugar le voy a poner un Perfil plano a la toma para conseguir ganar matices en las sombras y en las altas luces. Es cierto que así la fotografía pierde contraste y fuerza, pero eso se lo daremos nosotros después.

Vamos primero a modificar el Balance de blancos y el Matiz de la toma para encontrar unos colores que nos gusten. La tonalidad púrpura de las bombillas ultravioleta puede ser un quebradero de cabeza a la hora de ajustar el color de la toma, así que disparar en RAW nos facilitará mucho el trabajo.

Ahora que ya tenemos los colores ajustados, vamos a ajustar la luminancia. Primero aumentaremos levemente la Exposición de la toma, bajaremos un poco las Altas luces para recuperar los colores del maquillaje, y después subiremos las Sombras para que la piel de nuestra modelo no quede tan oscura.

Después le daremos un poco de Contraste y Claridad a la toma para que gane algo de fuerza.

A continuación puedes reducir un poco el ruido de tu toma, si es necesario, desde el menú Detalle. En mi caso, sobre todo reduje el ruido cromático usando el deslizador de Color, y aumenté un pelín también el deslizador de Luminancia para reducir el grano un poco, pero sin pasarse, ya que este último sí le restará nitidez a nuestra fotografía.

Finalmente, puedes usar algún ajuste local, como por ejemplo el Pincel de ajuste, para darle algo más de luz a las zonas que se hayan quedado algo apagadas. También puedes usar estos ajustes para oscurecer un poco el fondo si se ha iluminado demasiado.

Puedes copiar estos ajustes desde el botón Copiar que encontrarás debajo del panel izquierdo, y pulsar el botón Pegar en otra fotografía para aplicarle exactamente los mismos ajustes automáticamente. Cuando los copies, te aparecerá una ventana con los diferentes tipos de ajuste, por si hay algo que no quieras copiar, como por ejemplo los ajustes locales o el recorte del encuadre, ya que esos retoques suelen ser más personales de cada foto.

Si quieres pegar este ajuste a todas las fotos a la vez (o a unas cuántas), simplemente selecciona las demás fotografías, pulsando la primera y haciendo Shift + Click sobre la última, y después pulsa el botón derecho del ratón sobre cualquiera de ellas. Ve al menú Ajustes de revelado/Pegar ajustes para aplicar este mismo revelado al resto de la sesión. Después puedes ir una por una para terminar de ajustar cada foto individualmente.

Finalmente, exporta la fotografía como ya te explicamos en el artículo "Todo lo que Necesitas Saber al Exportar una Foto en Lightroom". Puedes darle los últimos retoques en Photoshop si lo prefieres, como por ejemplo hacerle una Separación de frecuencias para mejorar la piel o aplicarle un Dodge & Burn para jugar con el volumen y la iluminación.

¡Ahora te Toca a Ti!

¿Qué te ha parecido esta sesión tan especial? Trabajar con luz negra y maquillaje fluorescente es muy divertido y nos ofrece un sinfín de posibilidades, tan solo hay que echarle un poco de imaginación.

¿Te animas a probar tú ahora?

Es cierto que existen multitud de materiales que podemos utilizar para añadir luz artificial a nuestras fotografías macro. Saber dominar la iluminación en macrofotografía es esencial pero también es importante saber aprovechar la que tenemos a nuestro alcance.

En este artículo vamos a comprender cómo funciona la luz natural y cómo podemos sacarle el máximo partido para hacer nuestras fotografías macro. Si sabes cómo, puedes conseguir fotografías espectaculares con elementos que seguramente tendrás en tu casa. ¿Probamos?

¿Qué es la Luz Natural?

La luz natural es el término que utilizamos en fotografía cuando nos referimos a la luz del sol. En contraposición, la luz artificial es aquella que se crea mediante la transformación de electricidad en luz con el uso de bombillas.

A pesar de que la luz natural tiene el sol como origen puede ser muy distinta según diversos factores que la modifican. Nos referimos a aspectos como la hora del día, la estación del año, las condiciones meteorológicas u otras circunstancias que puedan influir en la forma en la que el Sol llega a la Tierra.

El reto como fotógrafos es comprender cómo funciona la luz natural y sacarle el máximo partido posible. Antes de ponernos a practicar y probar con la luz, vamos a conocer algunos aspectos básicos de la luz para saber cómo dominarla.

#1. La Calidad de la Luz

La 'calidad' de la luz es un término utilizado normalmente por los fotógrafos para referirse a la 'dureza' o 'suavidad' de una fuente de luz. Esta calidad, viene determinada por cómo se produce la transición entre las luces y las sombras de una imagen.

Una luz suave produce transiciones también suaves y los bordes de las sombras se muestras difuminados. A veces puede pecar de ser una iluminación plana y suele tener origen en fuentes de luz grandes y cercanas.

Mientras tanto, una luz dura crea transiciones abruptas entre las diferentes áreas tonales. Produce sombras muy contrastadas con bordes muy definidos y suelen producirla fuentes de iluminación pequeñas y lejanas.

Esto lo podemos entender mejor si analizamos la luz del sol. Durante el amanecer y el atardecer la luz es más blanda mientras que a mediodía es más dura y directa. Esto se debe a la distancia entre el Sol y la Tierra y al ángulo en el que se encuentra en cada situación.

#2. La Dirección de la Luz

La dirección de la luz se refiere, más concretamente, a la posición la luz respecto al sujeto u objeto fotografiado. Ese posicionamiento determinará el tamaño de la sombra que se proyectará creando más o menos forma y textura.

El principio básico que debemos tener en cuenta es que, las sombras se proyectan en el lado opuesto en el que se encuentra la fuente de luz. Según dónde se encuentre la luz, obtendremos un tipo de diferente de iluminación. Si es frontal la luz creará un efecto de aplanamiento sobre el objeto fotografiado, ya que la sombra se proyectará por detrás de él.

Sin embargo, una luz lateral nos dará mayor sensación de volumen y tridimensionalidad ya que acentuará la textura de las superficies. Una luz que incide por detrás del sujeto, es decir, un contraluz, nos ayudará a separar el sujeto del fondo, resaltando y dando mayor importancia al sujeto.

#3. El Color y El Contraste de la Luz

Por último, el color de la luz, o el balance de blancos que seleccionemos y el contraste de la luz natural vendrán determinados por dos factores esenciales:

• La hora del día (la posición del sol): cuanto más cerca esté el sol del horizonte, menos contraste obtendremos y más cálida será la luz. Esto ocurre principalmente porque la luz solar tiene que cruzar más atmósfera, por lo que se crea menos contraste y filtra la luz azul dando como resultado un efecto tonal amarillento.
• Las condiciones meteorológicas: afectarán al contraste y al color, sobre todo con la presencia de las nubes. Estas actúan como un gigantesco difusor que suaviza la luz y la tinta de colores azulados.

Cómo Modificar La Luz Natural

Aunque realmente no podemos controlar la luz solar de igual forma que controlamos la luz artificial, sí que podemos modificarla. De esta forma podremos adaptarla según las necesidades que tengamos en cada momento. Hay al menos dos comportamientos de la luz que podemos aprovechar en nuestro beneficio.

• Luz Difusa: en fotografía, lo que hacemos es filtrarla a través de una superficie traslúcida para conseguir que la luz se divida hacia diferentes direcciones homogeneizando la iluminación. Así conseguimos suavizarla y obtener menor contraste y sombras más difuminadas.

Fíjate cómo en la primera fotografía las sombras son más duras y el contraste más marcado.

• Luz Reflejada: se consigue rebotando la luz en una superficie reflectante sobre el sujeto u objeto fotografiado. El efecto que se logra es el de redireccionar la luz y modificar también su intensidad.

En la fotografía de la izquierda observamos cómo el reflector ha redireccionado y rebotado la luz sobre el lado oscuro del tornillo homogeneizando la iluminación y suavizando la sombra del objeto.

Accesorios Económicos para Practicar

Existen accesorios básicos de iluminación como son los difusores y reflectores, que son recursos fundamentales para realizar fotografías al aire libre con luz natural. Para macrofotografía también encontrarás material fotográfico específico como el que te contamos en este artículo.

Sin embargo, si prefieres una opción más económica o solo quieres probar a experimentar con la luz, puedes crear tus propios accesorios. De hecho, podrás hacerlo de forma sencilla con objetos y materiales que encontrarás por casa.

Para crear tu difusor necesitas una superficie traslúcida, que no sea ni demasiado opaca ni demasiado transparente. El papel vegetal que usamos para hornear es un material ideal para usarlo como difusor. Solo tienes que recortar el material con unas tijeras dándole el tamaño y la forma que más te convenga.

Por otro lado, para crear tu reflector lo ideal es escoger un material opaco y reflectante, como el papel de aluminio. Si lo recortas o lo pliegas para darle más consistencia, conseguirás crear un excelente reflector casero. Un folio o papel blanco doblado varias veces también hará la función de reflector.

Cómo Añadir Más Cantidad de Luz

Aunque la luz natural nos proporcione un solo foco de iluminación, podemos crear luces adicionales usando los reflectores. Vamos a verlo con varios ejemplos. Primero, hemos realizado una fotografía donde la luz natural incide sobre la parte derecha del collar (la luz que entra por la ventana en un día soleado).

Aunque la luz es buena en el lado derecho y da tridimensionalidad al objeto, parece que en el lado opuesto se queda un poco oscura. Lo que podemos hacer es añadir otro punto de luz haciendo rebotar parte de esa luz natural en la zona que nos interese iluminar.

Para añadir luz podemos optar por varias opciones. Sea cual sea la que elijamos, como queremos reflejar la luz, deberemos colocarla justo en el lado opuesto al origen de la luz principal.

• Superficie Espejada: con este espejo de tocador conseguimos una luz intensa y puntual. Logramos iluminar una zona muy concreta y crear tridimensionalidad y profundidad.

Si usamos el espejo obtenemos una parte izquierda de la imagen más iluminada, aunque las sombras duras persisten.

• Superficie Reflectante: con el reflector de aluminio que hemos fabricado antes, redireccionamos la luz y la posicionamos sobre la zona del objeto izquierda. Conseguimos iluminar la zona, pero de forma mucho menos intensa y puntual que con el espejo. Esta luz es más difusa, pero también consigue crear sensación de volumen.

Con el papel de aluminio también conseguimos iluminar la parte izquierda del collar y las sombras son más suaves.

• Superficie Blanca: con un simple papel de color blanco podemos iluminar suavemente y de forma homogénea una zona las zonas en sombra. De las tres opciones, es con la que conseguimos extender más la luz rebotada y suavizar las sombras.

Usando el papel blanco como reflector conseguimos una iluminación más homogénea y unas sombras aún más suavizadas.

Finalmente, si lo que deseas es restar iluminación, porque la luz natural es demasiado intensa, utiliza el papel vegetal como difusor. Obtendrás mejores resultados.

Cómo Separar Sujeto y Fondo

En fotografía sabemos que hay muchas técnicas para separar el sujeto fotografiado del fondo: la distancia focal, la apertura del diafragma, la distancia entre el sujeto y el fondo e incluso la iluminación.

Sin embargo, en fotografía macro el sujeto que elegimos puede estar poco accesible y el área de trabajo es muy pequeña y todos esos factores no estarán a nuestro alcance. De hecho, cualquier pequeño cambio en macro puede arruinar completamente nuestra captura, por lo que es imprescindible usar trípode y disparador remoto o automático.

Pronto te darás cuenta de que el verdadero enemigo y, a la vez, aliado de la fotografía macro será la profundidad de campo. En la mayoría de los casos, el área de enfoque es tan pequeña que el mínimo cambio de distancia respecto al objeto fotografiado o de la apertura puede ser crítico.

Sin embargo, utilizar una apertura de diafragma más alta te ayudará a separar el sujeto del fondo y a obtener una mayor cantidad de luz. Fíjate en estas dos fotografías, en la primera el fondo aporta demasiada información visual y distrae mucho la atención.

La segunda foto está realizada con el mismo objetivo, pero con una mayor apertura (un número f más bajo). Al aparecer el fondo más desenfocado, se focaliza la atención en la rosa y la captura es mucho más atractiva.

Otra forma de conseguir fondos separados del sujeto es usando la luz. Podemos poner un fondo blanco detrás del sujeto u objeto fotografiado e incluso iluminarlo para que aparezca sobreexpuesto y pase desapercibido. Así el sujeto se quedará con todo el protagonismo posible y el fondo no será una distracción innecesaria.

Cómo Mezclar Luz Natural y Artificial

En la segunda fotografía hemos usado una intensidad de flash muy baja y una velocidad de obturación lenta. El resultado es mucho más natural que en la primera fotografía.

Muchas veces, por más que utilicemos los trucos que tengamos a mano, la luz natural no es suficiente para iluminar nuestra escena. Por eso, mezclar la luz natural con la luz artificial puede ser una opción viable si no tenemos más remedio. Sin embargo, no será una tarea fácil conseguir mezclar ambos tipos de luz logrando un aspecto natural y sin que parezca que hay un pegote de luz artificial.

El secreto consiste en mezclar la cantidad correcta de ambas fuentes de luz. Para ello tendrás que ir modificando la intensidad de la luz de tu flash, rebotarla sobre alguna superficie o incluso usar un difusor para suavizarla.

Como ves, la luz artificial puede proporcionar reflejos muy atractivos que no conseguirías utilizando solo la luz natural. Aunque puede ocurrir que el fondo te aparezca muy oscuro (si está un poco lejos).

Para ello prueba a utilizar velocidades de obturación bajas. Así captarás más luz en el fondo y homogeneizarás más la imagen, dándole el aspecto natural que andamos buscando.

Un Último Truco: Incluir Luces LED

Las luces LED se han convertido en los últimos años en un recurso de luz continua cada vez más extendido en el mundo de la fotografía. ¿Por qué? Pues uno de los motivos es por su eficiencia energética.

Estas bombillas son capaces de convertir más del 80% de la energía consumida en luz, mientras que una lámpara tradicional incandescente solamente transforma en luz el 20%. De hecho el 80% restante se desperdicia en forma de calor.

Al no generar calor recalentándose y estar disponibles en infinidad de colores, las luces LED son un complemento ideal para experimentar en fotografía. Aunque uses luz natural para tus fotografías prueba el truco de incluir unas luces LED en tu composición.

En las fotografía de arriba hemos utilizado luz natural, pero al haber usado una velocidad de obturación lenta hemos añadido luces LED con la técnica del lightpainting. Consiste en mover rápidamente la luz sobre el objeto fotografiado mientras se realiza la captura. Como ves, hemos conseguido crear más textura y tridimensionalidad, así como matices de colores atractivos.

Si te gusta experimentar con la fotografía macro y la abstracción para conseguir fotografías originales y creativas, echa un vistazo al artículo Fotografía Macro Abstracta: Caso Práctico Paso a Paso.

¿Sabes algún truco más? Cuéntanoslo en los comentarios. Atrévete a para empezar a practicar en casa y ¡no olvides dejar los links con tus fotos macro realizadas con luz natural!

Ya te hemos hablado en más de una ocasión sobre la fotografía macro, e incluso hemos visto distintos accesorios como los tubos de extensión o las lentes de aproximación. Hoy te traemos una recopilación de 35 fotografías macro impresionantes, para que te inspires, te motives y te animes a adentrarte en este fantástico mundo minúsculo. ¡Te sorprenderás!

La fotografía macro es un mundo repleto de posibilidades. Cualquier elemento de nuestra vida cotidiana puede servirnos para practicarla, y lo podemos observar como nunca antes lo habíamos visto. En otras ocasiones, sin embargo, vas a tener que salir ahí fuera para poder encontrar bonitos modelos.

Pero ahí también radica uno de los atractivos de este tipo de fotografía: la búsqueda. Salir al bosque a buscar una flor, una seta, un insecto... Sentarte discretamente a esperar a que ese bichito se coloque exactamente en el punto que quieres. La paciencia, sin duda, es imprescindible para disfrutar este tipo de fotografía.

Sin embargo, a veces también nos falta ese empujón de inspiración para salir cámara en mano a buscar. Y cuando esto ocurre, ver fotos de referencia ayuda mucho a animarte para volver a recuperar esa motivación perdida. Por eso, en el artículo de hoy queremos mostrarte una gran variedad de fotografías macro para inspirarte.

1. Macro Inspected Flower

foto por Tero Mononen (licencia CC)

2. Dandelion Macro

foto por glg61 (licencia CC)

3. Pencil Macro

foto por Konstantin Lazorkin (licencia CC)

4. Butterfly

foto por Mariely Hernández (licencia CC)

5. Mordor Minni

foto por Peter Gorges (licencia CC)

6. Antique Clock

foto por Gwen Bouquin (licencia CC)

7. Platycryptus Undatus - Tan Jumping Spider

foto por Colin Carmichael (licencia CC)

8. Waterjuffer Macro

foto por Wendy (licencia CC)

9. Flower Macro

foto por 白士 李 (licencia CC)

10. Cricket

foto por Dean Morley (licencia CC)

11. Snail

foto por Alexey Kljatov (licencia CC)

12. Tip of a Pen

foto por Hans Arvid Johansen (licencia CC)

13. Drops Macro

foto por Aroon Kalandy (licencia CC)

14. Weaver Ant

foto por Troup Dresser (licencia CC)

15. Night Frog

foto por Joe (licencia CC)

16. Red Rose Macro Close Up with Rain

foto por Christopher Kray (licencia CC)

17. Wasp

foto por David Melchor Díaz (licencia CC)

18. Snowflake Macro

foto por Alexey Kljatov (licencia CC)

19. Green Eyes

foto por Gorgeous Eyes (licencia CC)

20. Day 6

foto por Sakuto (licencia CC)

21. Wave

foto por David Melchor Díaz (licencia CC)

22. Prachuap Khiri Khan

foto por Troup Dresser (licencia CC)

23. Green Fly

foto por Eric Stavale (licencia CC)

24. Punto Rojo

foto por Andrés Nieto Porras (licencia CC)

25. Silver Ring with Pink Stone

foto por slgckgc (licencia CC)

26. Ladybug

foto por Riccardo Cuppini (licencia CC)

27. Look in to my Eyes

foto por Silvain de Munck (licencia CC)

28. Spiral

foto por Rob Albright (licencia CC)

29. Clock

foto por Thierry Marysael (licencia CC)

30. Caterpillar

foto por Lennart Tange (licencia CC)

31. Gustavo

foto por Iñaki Bolumburu (licencia CC)

32. Coin

foto por DJ Singh (licencia CC)

33. After

foto por Johan J.Ingles-Le Nobel (licencia CC)

34. Keyboard

foto por Adriaan (licencia CC)

35. Guitar

foto por Alexander Stramma (licencia CC)

Foto de cabecera por David Melchor Díaz (licencia CC)

Una boda es un momento muy especial en la vida de una pareja, y la fotografía es uno de los mejores medios que tenemos para poder retener ese recuerdo y observarlo tantas veces como queramos.

Además de los momentos más especiales de la boda, la pareja también suele querer fotos a solas en las que se transmita la magia que hay entre ellos y el amor que comparten, pero durante el día señalado todo sucede demasiado rápido, y a veces no hay casi tiempo para reservar aunque sean 10 minutos para ello. La mejor solución para remediar esto es tener una postboda. Quédate conmigo y descubre todo lo que necesitas saber acerca de ella.

Fotografiando Una Postboda

Como te decía, el día de la boda sucede todo muy rápido. Apenas ha llegado el fotógrafo a casa de la novia para capturar ese momento en el que la familia la descubre con el precioso vestido puesto, y cuando queremos darnos cuenta ya se ha terminado la fiesta que se sucede tras la cena. Es un día intenso, lleno de emociones y de momentos especiales, y un día en el que sobre todo los recién casados quieren estar con las personas de su entorno que más les importan.

Es por esta razón que no siempre resulta fácil encontrar un hueco para separar a los novios de todos los invitados y hacerles una pequeña mini sesión de recién casados. Normalmente esto suele hacerse durante el cóctel, pero claro, eso conlleva que los novios se pierdan gran parte de él.

Ante esta situación, muchas parejas deciden optar por disfrutar ese día de cada momento y de toda la gente que les rodea, y dejar la sesión de fotos para otro día, lo que se conoce como postboda.

La sesión postboda tiene además otras ventajas, como por ejemplo que los novios estarán muchísimo más tranquilos y relajados, ya que habrán superado los nervios y la tensión del día de la boda. Eso ayudará a que salgan mucho más naturales en las fotografías.

Y por otro lado, también tendremos la ventaja de que no iremos con prisas. La sesión durará lo que tenga que durar (o lo que la pareja y el fotógrafo haya acordado previamente). Pero no habrán prisas porque reclaman a los novios en otro sitio, lo cual nos ayudará sin duda a tener una sesión mucho más tranquila, y en la que podemos ser más creativos.

Ahora que te he explicado cuáles son las razones por las que una pareja puede valorar la opción de apostar por una postboda, veamos algunos consejos para tener en cuenta si somos los fotógrafos de una sesión de este tipo.

Planificación

Uno de los puntos esenciales que marcarán en buena medida el éxito de la sesión es la planificación que realicemos de ésta. Una sesión postboda no consiste en quedar un día con la pareja y decidir sobre la marcha un sitio para hacer fotos. Para nada.

Una buena planificación tendrá en cuanta varios detalles a determinar con la pareja antes del día de la sesión, como:

• El lugar. Elegir el lugar es un punto muy importante. ¿La pareja quiere un sitio bonito sin más, o un sitio con el que tengan un vínculo? Esas cosas deberás hablarlas con ellos. Si te piden consejo, es buena idea que busques lugares próximos a tu zona que sepas que puedan darte juego fotográficamente hablando. Presentarles diferentes opciones a los novios les demostrará que te preocupas por ellos y quieres ofrecerles la opción que más se les ajuste. Además, es interesante que una vez decidida la localización, acudas antes para estudiar qué puntos son los mejores. Aunque también existe la posibilidad de que la pareja quiera acudir a un lugar más lejano porque le gusta, algo que el día de la boda por tiempo y distancia sería imposible.
• El momento del día es otro aspecto esencial. La luz de mediodía no es la misma que la luz de el atardecer. En una postboda tenemos la ventaja de elegir el momento del día en el que queremos hacer las fotos. Por norma general se aconseja hacer este tipo de sesiones cuando cae la tarde, ya que la luz que obtenemos es más suave y cálida. 
• Los trajes. Algo que también debemos preguntarle a la pareja es si les importa mancharse el traje, sobre todo a la novia. Eso nos aportará pistas en cuanto a la localización, y también nos permitirá tener más margen a la hora de buscar fotos más creativas.
• El peinado y maquillaje. El día de la postboda la novia puede decidir si repetir peinado o no. Puede que el día de la boda escogiera uno bonito pero con el que no se sentía cómoda, y a eso puede ponerle remedio el día de la postboda, eligiendo uno más natural y con el que se sienta ella misma. En cuanto al maquillaje ocurre lo mismo, el día de la postboda puede ser más natural.

Si Puedes, Cuenta con un Ayudante

En una sesión de esta índole vamos a necesitar cuidar al máximo los detalles. No vale con disparar sin pensar. Muchas veces te encontrarás en la tesitura de que para lograr una toma necesitas que alguien te eche un mano, y evidentemente ninguno de los novios pueden ser esa persona que buscas. Es por ello que llevar a alguien de confianza que te preste su ayuda puede marcar la diferencia entre una buena foto, y una foto espectacular.

Por ejemplo, imagina que tienes la foto perfecta preparada. La pose de los novios es elegante, el fondo que los rodea es precioso, tienes el encuadre perfecto... pero te falla una cosa: la luz. Resulta que la luz que incide sobre la pareja es demasiado dura, algo que podríamos solventar con un difusor, pero claro, tu mismo no serás capaz de sujetarlo y hacer la toma que querías. Puedes llevarte trípodes y pinzas para sujetarlo, pero te restarán tiempo de la sesión y además al aire libre puede que haga viento y no sea la mejor opción. Si llevas a alguien contigo, te puede ayudar fácilmente sujetándolo mientras tu haces la captura, de forma mucho más ágil y sin correr peligro.

Haz que la Pareja se Sienta Cómoda

Aún hoy en plena época de selfies, hay mucha gente a la que una cámara le intimida. Es por ello que una de tus principales tareas es intentar que la pareja se sienta cómoda y se relaje. Piensa que no son modelos profesionales, y que seguramente el posado en las fotos les haga estar algo tensos.

Para intentar que esto no ocurra habla con ellos, cuéntales anécdotas y hazles reír. También puedes pedirles que realicen acciones, lo cual hará que salgan mucho más naturales en las fotos.

Algunos Disparos Clave

Cuando realizamos fotografía de parejas son múltiples las opciones que tenemos. A continuación desglosamos el tipo de disparos que podemos hacer en este tipo de sesiones.

La Pareja Junta Posando

Cuando empezamos la sesión es el momento más tenso e incómodo de todos. Piénsalo, si alguien te dijera "sal ahí y posa para mí", así en frío, lo cierto es que difícilmente saldríamos bien. Es por eso que lo mejor que puedes hacer es empezar con tomas en las que aparezcan los dos, y por supuesto que hagas uso de tus dotes de buen conversador para intentar que se vayan relajando poco a poco.

Comprobarás que las primeras tomas son más formales y serias, y que conforme los novios se van relajando aparecen las sonrisas sinceras y las capturas tienen mucho más que contar.

Solo la Novia

La novia es la estrella que más brilla, y es por eso que es buena idea que la fotografíes también en solitario. Para este tipo de capturas te será de gran ayuda que el novio le hable o le mire, ya que así ella se relajará y seguro que muestra una sonrisa mucho más natural.

Es importante que varíes escalas y ángulos de plano, para poder captar así tanto el contexto en el que está o su vestido en planos más abiertos, como jugar con primeros planos que son mucho más íntimos.

Recuerda que el posado también es importante y que puede mejorar mucho el resultado final de una imagen, así que ve guiándola para que su postura sea la que quede más bonita. En este otro artículo te hablábamos en detalle sobre este tema.

Solo el Novio

Por supuesto, el novio es el coprotagonista de esta historia, así que se merece el mismo trato. Repetiremos lo que hemos hecho con la novia, cambiando la escala y el ángulo de las tomas, y jugando también con las recomendaciones para mejorar el posado masculino.

Detalles

¡No te olvides de los detalles! No en todas las capturas se tienen que ver a los novios o el lugar en el que se encuentran. Hay tomas en las que con un simple detalle se puede transmitir mucho. Por ejemplo, las manos de los novios entrelazadas, la novia cogiendo su ramo, alguno de los complementos que llevan, una mirada o sonrisa...

Fotografías de Acción

Si queremos conseguir una fotografía realmente natural entonces lo mejor es que la pareja esté realizando una acción, y así se olvide de nuestra presencia. Pedirles que paseen de la mano, que se besen o que se miren seguro que te brindará fotografías mágicas en las que se transmite el amor que comparten.

Cuida la Iluminación

Ya sabes que la iluminación es un aspecto fundamental en fotografía, y si cuidamos este aspecto nuestras tomas tendrán un mejor resultado. Como te comentaba antes, este tipo de sesiones es mejor hacerlas con la luz del atardecer, que es algo más suave y cálida, y nos brindará un ambiente ideal para este tipo de tomas. Pero está claro que no siempre podemos elegir, así que siempre está bien conocer unos cuantos consejos para intentar controlar la iluminación que tenemos en el momento.

• Antes de disparar analiza desde qué posición incide la luz a tus sujetos.
• Haz uso de accesorios como reflectores y flashes externos para rellenar las sombras.
• Los difusores te serán de gran ayuda para suavizar y homogeneizar la luz que le llega a tus modelos.
• Busca la sombra de edificios o árboles para evitar los fuertes contrastes en el rostro.

De todo esto te hemos hablado mucho en los siguientes artículos.

• 7 Trucos para Controlar la Iluminación de Tus Retratos en Exterior
• Descubre las Claves para Sacarle el Máximo Partido a la Luz del Sol en tus Retratos Utilizando tu Flash Externo
• Los 4 Esquemas Básicos de Iluminación a Contraluz
• 5 Esquemas De Iluminación Para Aprender A Trabajar Con La Luz Natural
• Domina La Intensidad Del Sol En Tus Fotografías Con Tu Reflector 5 en 1
• Descubre Cómo Encontrar Reflectores Naturales para Tus Retratos

Objetivos Recomendados

En cuanto a objetivos, te diré que las focales fijas seguro que te dan buenos resultados. Con ellas lograrás desenfoques artísticos que te ayudarán a enfatizar la atención sobre los protagonistas. Además, la gran luminosidad de estas lentes te vendrá muy bien si por ejemplo realizas la sesión al atardecer y poco a poco te vas quedando sin luz.

También es cierto que aunque las lentes fijas sean una de las opciones más recomendadas, puedes optar por emplear teleobjetivos y conseguir así separar a la pareja del fondo, o incluso lo contrario, objetivos más angulares que te permitan distinguir el entorno en el que está la pareja.

Lo ideal, es tener una focal principal, y luego complementar con otras la sesión para tener unas cuantas fotografías diferentes.

Siempre Preparado

Como fotógrafos debemos estar siempre preparados y temernos que las cosas pueden fallar. La batería de la cámara se puede acabar, la tarjeta se puede llenar, el tiempo de la sesión puede ir de las manos por entretenernos demasiado en algún momento...

Estas cosas pueden pasar, por eso es importante que siempre lleves material de repuesto (tarjetas y baterías son un imprescindible), y que te hagas un pequeño planning para establecer cuánto tiempo tienes para dedicarle a cada uno de los puntos de la localización en los que quieres hacer las fotos. Luego, una vez en la sesión, ya determinarás si merece la pena sacrificar uno de ellos por estar más tiempo en otro, pero tener un plan te servirá de guía para no relajarte.

Ten Presente las Reglas de Composición y Cuida los Fondos

Cuidar la composición en este tipo de sesiones es imprescindible. Ten en cuenta que vamos a tener más tiempo para trabajar que el mismo día de la boda, y eso significa que tenemos que dar lo mejor de nosotros. Los novios son los auténticos protagonistas, así que ten presente las muchas reglas de composición de las que te hemos hablado en numerosas ocasiones, y utilízalas o no a tu favor.

Además, no te olvides de cuidar los fondos de tus fotografías, ya que de lo contrario pueden aparecer en la toma elementos del entorno que estropeen la toma.

Configura Bien la Cámara

Aunque es cierto que no hay una configuración de parámetros mágica que se convierta en la fórmula exacta para conseguir buenas fotografías, sí que te puedo ofrecer una serie de recomendaciones que te vendrán bien para la sesión, como:

• Disparar siempre en formato RAW para tener mayor margen de corrección en edición.
• Activar el modo ráfaga de nuestra cámara, de ese modo nos aseguraremos de que ninguno de los novios salga con los ojos cerrados o con una expresión extraña.
• Dispara a una velocidad mínima de 1/250 para asegurarte de que los novios no salen movidos.
• Si quieres que los dos novios salgan enfocados evita usar aperturas demasiado grandes, ya que un ligero movimiento de ellos o nuestro puede provocar que uno de ellos salga desenfocado.
• Comprueba el histograma de las fotos parar verificar que no estás quemando las altas luces, que en este caso se corresponderán con el vestido de la novia.

Utiliza Accesorios para Darle un Toque Diferente a la Sesión

El día de la sesión de postboda contamos con más tiempo para trabajar, lo cual nos permite asegurarnos las fotos de tipo más clásico, pero también reservar una parte de ese tiempo a experimentar y ser algo más creativos.

En ese sentido, hay muchísimos accesorios que te ayudarán a impulsar esa creatividad, como por ejemplo un prisma de cristal, una tira de luces led o geles de colores. Incluso puedes hacerles bailar y probar con técnicas como el barrido. Es bueno reservar un momento para probar este tipo de tomas, ya que seguramente serán con las que más sorprendas a la pareja.

¡No Te Olvides de Editar las Fotos!

Y por último ya solo nos queda darle unos cuantos ajustes a las fotografías antes de entregarle la mejor selección a la pareja. Es aconsejable que apliques un mismo estilo y paleta de color en todas para que tengan un nexo de unión, y que te atrevas a editar alguna de las fotos en blanco y negro.

¡Logra una Postboda de Éxito!

Ahora ya sabes qué recomendaciones pueden venirte bien a la hora de fotografiar una postboda. Recuerda que una buena planificación, y la elección del lugar y el momento del día en el que realizaremos las fotos serán clave. También deberás intentar que la pareja se sienta cómoda y relajada durante la sesión, y con eso y tus conocimientos de fotografía seguro que consigues unos resultados estupendos.

Un prisma de cristal además de ayudarnos a entender las propiedades de la luz, nos puede ser de utilidad para crear efectos originales en nuestras tomas sin necesidad de emplear programas de edición como Photoshop. En el artículo de hoy te enseñaré unos cuantos trucos para que le saques partido a este accesorio y tus fotos tengan un toque creativo.

Buscando Ideas Nuevas

A cualquier fotógrafo le gusta salirse de vez en cuando un poco de la rutina y sorprender con tomas originales. Para cumplir con este cometido, muchas veces se recure a objetos que tenemos por casa, o a objetos que si bien tienen un fin distinto, en fotografía también pueden tener un papel esencial.

En nuestro artículo 17 Ingeniosos Trucos Fotográficos con Objetos Cotidianos ya te nombrábamos muchos de ellos. Pero esto es algo que evoluciona, y siempre podemos encontrar nuevos accesorios que nos ayuden a ser más originales en nuestras tomas. Hoy te muestro lo que puedes llegar a conseguir empleando un prisma de cristal.

Nuevo Accesorio Fotográfico: Un Prisma de Vidrio

Nuestro objeto protagonista de hoy es el prisma de cristal. Este accesorio, propio del departamento de ciencias de la universidad para explicar el comportamiento de la luz, se ha convertido en una herramienta a la que cada vez más fotógrafos recurren para agregar bonitos reflejos y luz a sus tomas.

¿Recuerdas cuando en el artículo de los 17 trucos con objetos cotidianos te decíamos que podías usar la pantalla del móvil para crear un bonito reflejo? Pues con un prisma aun te quedará mejor.

Sam Hurd es el fotógrafo que puso de moda este uso creativo del prisma en fotografía, y lo bautizó como "prisming". Aquí en su blog puedes ver numerosas fotografías en las que lo ha utilizado.

¿Qué es lo mejor de este accesorio? Pues que además de ser bastante económico como comprobarás a continuación, nos da efectos creativos y lo podemos llevar en nuestra mochila siempre, ya que se trata de un accesorio pequeño y que no pesa demasiado, algo que no ocurría en el caso de la bola de cristal, la cual es bastante más pesada sobre todo si usamos tamaños grandes.

Los Prismas y La Luz

El prisma nos ayuda a ver el comportamiento de la luz. Si incidimos luz sobre el prisma, observaremos que pueden pasar tres cosas:

• O refleja la imagen de todo aquello que se encuentre dentro de un radio de 180 grados.
• O refleja los tonos del ambiente, ya sean blancos, cálidos o fríos según la temperatura de color de la luz disponible, de forma que se crea un clima luminoso.
• O la luz blanca se divide mostrándonos todo el espectro de colores en la lente, al igual que ocurre cuando observamos el arco iris.

Un rayo de luz está formado por diferentes ondas electromagnéticas con diferentes longitudes de onda. Cuando el rayo de luz golpea contra un trozo de cristal lo que ocurre es que la luz pasa a través de el. Sin embargo, cuando la superficie de vidrio está en ángulo, las longitudes de onda se doblan, y se produce el famoso fenómeno conocido como la refracción.

Cuando el haz de luz sale por el otro lado del prisma las longitudes de onda se doblan nuevamente, y cada color se dispersa en un ángulo distinto, de modo que se crea un efecto similar al del arco iris.

¿Qué Accesorios Necesitamos?

Para poder hacer tomas con este accesorio te recomiendo que tengas preparado el siguiente equipo.

• Tu cámara con un objetivo, aunque también puedes realizar la captura con el móvil.
• Un prisma de cristal para realizar el efecto. Los hay de diversos tamaños como veremos a continuación.
• Un paño de microfibra para limpiar el prisma, ya que al cogerlo con nuestras manos se ensuciará muy fácilmente, y eso puede estropear el reflejo en nuestra toma.
• Una linterna, te vendrá bien para crear el efecto arco iris que te explicaré a continuación en caso de que no tengas la luz natural necesaria.
• Trípode (opcional). Te ayudará a trabajar de manera más cómoda.

Usos Creativos del Prisma en Fotografía

Usar un prisma de cristal en fotografía requiere que te armes de paciencia, porque vas a tener que tirar mucho del "prueba y error" hasta que consigas pillarle el truco, pero no te rindas porque verás como merece la pena.

Lo ideal es que optes por un prisma que puedas sujetar fácilmente con la mano. Piensa que con una mano tendrás que sostenerlo, y con la otra tendrás que sujetar la cámara y disparar la toma. Para estos casos te recomiendo que optes por utilizar un trípode, ya que hacerlo te ayudará a asegurarte de que tu toma no sale trepidada, y además podrás trabajar de manera mucho más cómoda. También puedes utilizar el modo Live View para componer de manera más ágil.

Una de las cosas sorprendentes de este pequeño accesorio es que tan solo colocándolo delante de nuestra lente obtenemos el efecto. No hace falta colocar adaptadores, ni cambiar de objetivo, ni siquiera poner filtros... solo necesitarás sujetar con tu mano el prisma y colocarlo como más te guste. Eso nos permite tener una gran agilidad a la hora de trabajar, y que si en un momento dado no quieres hacer la toma con este efecto, simplemente lo quitas del encuadre y ya está, en un segundo ya puedes disparar sin él.

El uso del prisma en fotografía nos ayuda a controlar nuestras composiciones de una manera diferente y original, convirtiendo algo cotidiano en algo especial. Los efectos que produce quedan especialmente bien en temáticas como la fotografía de retrato.

Gracias al uso del prisma en fotografía lograremos fotos originales que tienen su efecto creativo ya desde la propia toma, sin necesidad de añadirlo en edición, lo cuál también ayuda a que este efecto luzca más natural a la vista.

Algunos Consejos Que te Vendrán Bien

Ya hemos visto que el prisma puede ofrecernos tomas realmente creativas, pero ¿qué consejos te vendrán bien a la hora de fotografiar con él? ¡Aquí van!

• Quítale el parasol a tu objetivo, ya que cuanto mas cerca esté el prisma de la lente más desenfocado aparecerá y no se notará tanto que se trata de un objeto añadido "a la fuerza".
• Trabaja con el modo de enfoque en punto único, ya que sino la cámara puede equivocarse constantemente y enfocar el punto que no deseamos.
• Configura tu cámara en modo manual o en el de prioridad a la apertura de diafragma para tener el control de la exposición, al mismo tiempo que juegas con la escasa profundidad de campo en tu composición. Si ésta es baja, lograrás destacar más a tu sujeto protagonista, de lo contrario habrán demasiados elementos a foco, y se distinguirá perfectamente el prisma, algo que no nos interesa. Dentro de los valores de escasa profundidad de campo, ve cambiándolos ya que entre un f/1.8 y un f/2.8 puede variar mucho el resultado.
• No te quedes con la primera foto que hagas. Mueve le prisma en diferentes posiciones y ángulos hasta comprobar cuál es el resultado que más te gusta. 
• Por norma general, las distancias focales largas suelen funcionar mejor que las cortas en este tipo de tomas. Un objetivo 50 mm o de mayor focal podrán ofrecerte grandes resultados.
• Aprovecha los rayos de luz, tanto naturales como artificiales, para reflejarlos en el prisma.
• Mantén limpio el prisma. Al tener que sujetarlo con las manos es imposible no dejar huellas, pero trata de llevar contigo un paño y limpiar al menos la parte del prisma que aparece en la toma para no estropear los reflejos.
• Busca elementos atractivos que reflejar en tu imagen, como por ejemplo las luces de la ciudad de noche, las ramas de un árbol o el sol en un atardecer.
• Ten en cuenta que el reflejo que produce el prisma no solo resulta llamativo, sino que además nos puede ayudar a ocultar elementos del encuadre que no nos gustan.

Maneras de Colocar el Prisma

Puede que te estés preguntando si hay un modo concreto de colocar el prisma delante de la lente para obtener mejores resultados. La verdad es que lo ideal es que vayas probando tu mismo, pero a modo de simplificación te diré que puedes obtener los siguientes efectos.

1. Colocar el prisma ligeramente delante de la lente y por los laterales de la imagen, de forma que complemente suavemente a tu sujeto protagonista.
2. Colocar el prisma justo en medio de la lente y lograr un efecto más abstracto.
3. Incidir luz sobre el prisma hasta lograr que aparezca el espectro de colores, y situarnos de tal modo que éste recaiga sobre el rostro de nuestro modelo.
4. Por último, puedes componer tu imagen sin el sujeto dentro, y hacer que éste aparezca en el reflejo del prisma.

Dónde Comprar Tu Prisma

Existen primas de diversos tamaño, a continuación te enlazamos algunos de los más interesantes para que puedas hacerte con el tuyo.

• Prisma Top Homer de 15 cm por unos 9€
• Set de 3 Prismas (15 cm, 10 cm y 6 cm) por unos 30€

3 Ejemplos Hechos para la Ocasión

A continuación te muestro algunas de las pruebas que hemos hecho para la ocasión. Si quieres descubrir más sobre el cómo se hizo recuerda que puedes ver el fototip del artículo, el cual incluye más detalles para que aprendas a utilizarlo y sacarle provecho en tus tomas.

1. Ejemplo Retrato con Prisma

En el primer ejemplo optamos por conseguir que el espectro de colores apareciera en el rostro de nuestra modelo. Contando nuestra experiencia, te diré que no está de más que te acompañe (además del o la modelo), una tercera persona que pueda ayudarte a trabajar cómodamente y conseguir el efecto cómo deseas.

Tal y cómo se ve en la foto, nosotras al final lo conseguimos, pero dar con el punto exacto en el que salía el arcoiris, hacerlo coincidir en la zona del rostro que queríamos, indicarle a la modelo la posición y pose, y al mismo tiempo enfocar y disparar, no fue nada fácil.

Tras varias pruebas también descubrimos que era mejor subexponer un poco la toma, ya que de lo contrario la zona más iluminada (las luces cálidas del espectro), salían quemadas y no podían rescartarse. Así que la solución por la que optamos fue subexponer ligeramente la toma, y en edición subir las sombras, ya que al disparar en formato RAW teníamos más margen de corrección.

2. Ejemplo Retrato con Prisma

Para esta segunda toma quisimos que saliera nuestra modelo, pero no de forma directa, sino a través del reflejo. Sus labios se convirtieron en los protagonistas.

Como fotógrafa me sitúe cerca de la modelo, coloqué en prisma en la posición en la que conseguía el reflejo que me gustaba, y a continuación disparé la foto.

3. Ejemplo Retrato con Prisma

Para el último ejemplo decidimos aprovechar el reflejo de la vegetación que nos rodeaba. Por esa razón colocamos a nuestra modelo en uno de los bordes del encuadre, siguiendo los puntos de interés de la regla de los tercios, para a continuación rellenar con el reflejo del prisma el espacio negativo que nos quedaba.

La ejecución en este caso fue más sencilla. Hubo que ir moviendo el prisma cerca de la lente hasta encontrar el punto en el que nos ofrecía el reflejo idóneo.

Y si después de ver las fotos y los modelos de prismas todavía no estás convencido, te animo a que practiques con la pantalla de tu móvil o con un espejo de mano. Aunque no es exactamente igual, si que te acercará al efecto que produce el prisma, y puedes con probar así si te gusta o no el efecto en tus tomas.

¡Busca la Creatividad con un Prisma!

Hay que ver como un sencillo accesorio como lo es un prisma de cristal, puede darnos tanto juego en nuestras tomas. Como has comprobado puedes adquirir uno por precios bastante asequibles, así que no te quedes sin probarlo si te han gustado los efectos que puedes conseguir con él. Y por supuesto, ya sabes que nos encantará ver tus fotos hechas con un prisma si las compartes con nosotros en los comentarios.

Actualmente estamos atravesando una transición en la que muchos de nuestros recuerdos todavía están en formato analógico, es decir, en forma de negativo. Seguro que muchos de vosotros habéis escaneado todas esas fotografías para poder guardarlas para siempre en vuestros discos duros. ¿Pero sabías que también pueden escanearse los negativos?

En este artículo vamos a ver las diferentes maneras con las que podemos escanear un negativo, tanto con escáneres especializados como con técnicas más caseras, y después aprenderemos a editarlos en Photoshop para volver a recuperar sus colores originales. ¡No te lo pierdas!

¿Por Qué Escanear un Negativo?

Quizás la primera pregunta que te haya venido a la cabeza al leer el título de este artículo es: "¿Por qué escanear un negativo cuando puedo escanear fácilmente una fotografía revelada?". Por eso también es la primera pregunta que quiero responderte.

Es normal que una fotografía revelada tenga una menor calidad que el negativo, sobre todo si ya hace mucho que se reveló. Además, muchas de las fotografías más antiguas que conservamos pueden no estar en las mejores condiciones. O incluso también pueden estar pegadas en un álbum, lo que dificultará mucho la tarea de escaneado.

Para todos estos casos, lo mejor será escanear directamente los negativos. ¿Cómo podemos hacerlo? Podemos conseguirlo de diferentes formas. ¡Vamos a verlas!

1. Usar un Escáner Especial para Negativos

Existen escáneres especiales para escanear negativos y diapositivas, que pueden venirnos muy bien para digitalizar todos nuestros recuerdos.

Lo mejor de este tipo de escáneres especializados es que no solo digitalizarán nuestros negativos sino que además los positivarán, es decir, la imagen digital que obtendremos ya será la fotografía "revelada", no un escaneo en sí del negativo. Esta es una ventaja que no vamos a poder obtener con las demás opciones, que son algo más caseras.

Para saber qué escaner elegir, fíjate en la resolución que ofrecen. Se calcula en dpi (dots per inch) o lo que es lo mismo, ppp (puntos por pulgada). A mayor dpi mayor resolución tendrán las fotografías resultantes. Eso sí, deberás fijarte en los dpi reales. Los dpi por interpolación no nos dan un resultado real, sino que esos puntos por pulgada extra se calculan basándose en los píxeles que tienen alrededor. Se podría decir que se los "inventa" basándose en los puntos reales que tiene alrededor, por lo que pueden aparecer zonas mal calculadas y se pierde calidad.

A continuación te enlazo algunos escáneres de negativos que pueden interesarte, ordenados de menor a mayor precio:

• Escáner de Negativos y Diapositivas Digitnow por unos 60€
• Escáner de Negativos y Diapositivas por unos 65€
• Escáner de Negativos y Diapositivas por unos 55€
• Escáner de Negativos y Diapositivas Digitnow por unos 65€
• Escáner de Negativos y Diapositivas Digitpro por unos 99€
• Escáner A4 y Negativos HP por unos 199€
• Escáner de Negativos y Diapositivas Kodak por unos 205€

2. Usar un Escáner Normal

Podemos escanear un negativo con un escáner normal de toda la vida, pero no va a ser tan sencillo como colocar el negativo dentro, cerrar la tapa y pulsar el botón. Para poder digitalizar correctamente un negativo la luz tiene que incidir por ambos lados de la película. Hay escáneres normales con una pequeña lamparita arriba colocada especialmente para escanear negativos, pero si no dispones de uno así, puedes usar un pequeño truco.

Podemos crear un reflector que refleje esa luz sobre el propio negativo. Imprime o dibuja sobre una cartulina una plantilla como ésta, para construir una especie de pirámide sin base. Puedes descargar esta plantilla en PDF desde AQUÍ.

Cuando  hayas construido esta pirámide, fórrala toda por dentro con papel de plata, para que sea capaz de reflejar bien la luz.

Deberás colocarla de la siguiente forma, de manera que quede media pirámide cubriendo el negativo y la otra media sobre el propio escáner. Así, podrá recoger la luz del escáner y reflejarla sobre el negativo. Una vez hecho esto y sin cerrar la tapa del escáner, escanea el negativo de la manera habitual. Es recomendable usar al menos una configuración de 1200 dpi para conseguir una buena calidad.

Si la luz ha quedado desigual, un buen consejo es colocar un cuadradito de papel seda encima del negativo, para que se difumine uniformemente la luz que le llega al negativo por la parte de arriba.

Piensa que este método solo sirve para escanear el negativo. Para conseguir que este negativo digitalizado se transforme en una fotografía con sus colores normales hay que positivarlo. Al final de este artículo encontrarás cómo conseguirlo en Photoshop

Personalmente, a mí este método (a mí) no me ha funcionado bien. Mi escáner no emite prácticamente luz hacia arriba y, al ser tan tenue, el reflector no es capaz de arrojar suficiente luz. El resultado es que el negativo se queda demasiado oscuro como para poder conseguir un resultado decente. Si te ocurre lo mismo que a mí, o no tienes un escáner normal, no te preocupes. A continuación vamos a ver un método con el que solo necesitarás unos cuantos materiales de papelería y tu cámara de fotos.

3. Crear tu Propio Escáner de Negativos DIY

Si no quieres gastar tanto dinero en un escáner o el método anterior no te ha funcionado, quizás te apetezca probar a construir tu propio "escáner de negativos". Aunque más que un escáner, será un "digitalizador de negativos", porque no va a escanear nada, sino que será nuestra cámara la que digitalizará cada negativo.

Para construirlo necesitarás:

• Cartulina negra
• Un folio de papel A4
• Una caja de cartón con tapa (por ejemplo una caja de zapatos)
• Una regla
• Tijeras o cútter
• Pegamento
• Una luz
• Y una cámara, que será la encargada de digitalizar el negativo.

A continuación te detallo todos los pasos a seguir para construir tu propio "Escáner de negativos DIY" y empezar a digitalizar todos los negativos que quieras:

1. Forra la parte superior de la tapa de la caja de cartón con cartulina negra.
2. Recorta un cuadrado en el centro de la tapa de 3,5 x 5 cm.
3. Ahora construiremos el compartimento donde irán los negativos. Recorta un trozo de cartulina negra que tenga 3 veces el ancho de tu tira de negativos.
4. Dobla esta cartulina en 3 partes iguales.
5. En el medio de la cartulina doblada recortaremos un cuadrado de 2,5 x 5 cm, dejando medio centímetro de margen por arriba y por abajo.
6. Pega la cartulina doblada para que no se abra
7. Pégala a continuación sobre el cuadrado que hemos recortado antes en la tapa de la caja, haciendo coincidir los dos cuadrados recortados.
8. Ahora vamos a construir el soporte donde deberemos situar la cámara. Recorta un rectángulo de cartulina negra de 30 x 10 cm. para hacer un cilindro
9. Dobla 1 cm. en uno de los bordes largos de este rectángulo y corta cada pocos cm. una línea (solo en la parte doblada) para convertir esto en una especie de solapa que nos permita pegar el cilindro en la tapa de la caja.
10. Pega los bordes cortos del rectángulo de cartulina negra para crear un cilindro, y dobla hacia afuera las solapas.
11. Pega las solapas del cilindro a la tapa de la caja, dejando justo en el centro el cuadrado que habíamos recortado anteriormente.
12. Coloca el folio de papel A4 en la parte de dentro de la tapa, sin doblarla, haciendo como una especie de barriga en el medio. Si no se mantiene, puedes ponerle un par de trocitos de celo para que no se caiga al darle la vuelta a la tapa. Esto hará que la luz se difumine bien.
13. Mete dentro de la caja de zapatos la luz y cierra la tapa. Procura que emita luz hacia arriba, no servirá por ejemplo una linterna que alumbre las paredes de la caja; debe enfocar hacia la tapa.
14. Coloca tu tira de negativos dentro del soporte de cartulina que pegaste anteriormente en la tapa, haciendo coincidir el negativo que quieras digitalizar justo en el cuadradito recortado.
15. Enciende la luz y dispara la foto, apoyando la cámara completamente perpendicular al cilindro de cartulina.

Finalmente pasa las fotografías a tu ordenador y ya estarán preparadas para que las positives en un programa de edición.

¿Cómo Positivar un Negativo en Photoshop?

Ahora que ya hemos aprendido a escanear nuestros negativos, toca aprender cómo positivarlos; es decir, vamos a revelarlos digitalmente. Normlamente los escáneres especiales de negativos ya realizarán este paso ellos solos, pero si escaneamos nuestro negativo de manera casera vamos a tener que positivarlos nosotros mismos. No te preocupes, no es complicado. Con Photoshop podemos hacerlo fácilmente.

Lo primero que debemos comprender es que los colores que vemos en un negativo son los complementarios a los reales, es decir, los opuestos. Partiendo de esta base, lo que deberemos hacer para convertir nuestro negativo en una foto normal será cambiar sus colores actuales por sus colores complementarios. Deberás seguir estos pasos:

1. Recorta la imagen con la herramienta Recortar  para quedarte tan solo con la fotografía, desechando el resto del negativo. Esta herramienta también te permitirá rotar el lienzo si la fotografía está algo torcida.
2. Comprueba que la foto está del derecho. Si pusiste el negativo del revés no te preocupes, podrás darle la vuelta desde el menú Imagen/Rotación de Imagen/Voltear lienzo horizontal.
3. Ahora ve al menú Imagen/Ajustes/Invertir (o usa el atajo de teclado Ctrl+I o Cmd+I en Mac) para invertir los colores de la fotografía. Es decir, cambiar los colores actuales por sus contrarios.
4. Ahora ya tendremos nuestra fotografía con los colores correctos, pero normalmente va a tener una enorme dominante de color. Por lo general, los negativos tienen un tono muy marrón anaranjado, que al invertirlo se convertirá en una dominante muy azul. Para corregir esto ve al menú Imagen/Ajustes/Equilibrio de color y corrige el color desde estos deslizadores. Cada fotografía será diferente, pero para eliminar esta dominante azul seguro que deberás mover el deslizador de cian/rojo bastante hacia el rojo. Mueve los demás deslizadores hasta ajustar el color a tu gusto.
5. Finalmente también puedes darle a Imagen/Color automático, para terminar de corregir los colores, normalmente este proceso automático suele funcionar bien.
6. También puedes probar con Imagen/Contraste automático y Imagen/Tono automático para darle el toque final, o corregirlo tú a mano desde los ajustes Imagen/Ajustes/Brillo y contraste, Niveles, Curvas o Tono/Saturación. Si lo prefieres, puedes editar la foto directamente desde el menú Filtro/Filtro de Camera Raw para tener más a mano todas las herramientas de corrección de color, y aplicarlas todas a la vez, que es mucho más cómodo.

Uno de los retoques más sencillos (pero a la vez más impactantes) que podemos hacer con Photoshop en fotografías de retrato, es cambiar el color de los ojos. Es posible que alguna vez lo hayas intentado y que no haya quedado como esperabas, sino todo lo contrario, te ha quedado completamente irreal.

No te preocupes, cambiar el color de los ojos y que quede realista y natural es muy sencillo, si sabes cómo. Vamos a verlo paso a paso en el siguiente artículo. ¡Verás qué fácil es!

Elige la Foto Adecuada

Lo primero que deberás hacer es elegir la fotografía adecuada. Con esto no me refiero a que no se pueda cambiar el color de ojos de todas las fotografías, se puede. Pero si quieres que se note y que quede bien, la fotografía debería cumplir una serie de requisitos básicos:

• Los ojos deben estar bien iluminados: Muchas veces la propia iluminación del lugar hace que nuestros ojos queden en sombra, e incluso que nuestra frente o pestañas los oscurezcan. Evita este tipo de fotografías y opta por retratos con luz frontal o a 45º, donde el ojo esté perfectamente iluminado y pueda apreciarse sin problema el color original del iris.
• Procura que el iris esté bastante cerrado: Si de verdad quieres que se note el cambio, busca fotografías donde el iris del ojo esté bastante cerrado. De lo contrario, casi no se apreciará el color original, ni el cambio cuando lo retoques.
• Elige fotografías cercanas: Obviamente, si quieres que el retoque se note, lo ideal será usar fotografías cercanas, por ejemplo un primer plano.

Yo voy a utilizar estas dos fotografías. Como puedes ver, ambas son retratos cercanos, bien iluminados y donde se puede apreciar perfectamente el color original del iris. Vamos a ver paso a paso cómo retocarlas para cambiar el color de los ojos de manera muy sencilla. Vamos a ver un ejemplo con ojos claros y otro con ojos oscuros, puesto que nos van a plantear problemas diferentes.

Cambiar el Color en Ojos Claros con Photoshop

Vamos a empezar primero con el ejemplo de ojos claros. Los ojos claros van a ser muy fáciles de retocar siempre y cuando queramos cambiarlos a otro tono claro, por ejemplo de azul a verde, o viceversa. Sin embargo la cosa se nos va a complicar un poco si lo que queremos es oscurecerlos. Vamos a ver primero el cambio fácil, y después veremos cómo oscurecerlos.

Abre tu fotografía en Photoshop y crea una capa nueva vacía, pulsando el botón rápido que encontrarás debajo de la ventana de Capas , o usando el atajo de teclado Control+Shift+N (o Comando+Shift+N en Mac). Añade a esta nueva capa vacía una máscara de capa, desde el botón rápido que también encontrarás debajo de la ventana de Capas .

Pinta toda la máscara de capa de color negro, o simplemente selecciónala y pulsa Control+I (o Comando+I) para invertirla y que se quede totalmente en negro. Ahora, pinta sobre la máscara de capa todo el iris en color blanco, sin salirte. Puedes ayudarte usando selecciones si lo prefieres. No importa que abarques también la pupila, al ser negra no se verá afectada por el cambio de color.

Si le das doble click a la máscara de capa se desplegarán las propiedades de la máscara. Puedes darle un par de puntitos de Desvanecer si quieres que el borde no quede tan duro; el retoque quedará más natural. Yo le he puesto 0,3 px. pero dependerá mucho de la resolución de tu fotografía (cuanto más pequeña sea, menos Desvanecer necesitará).

Aunque simplemente podrías pintar con el color de ojo que quisieras directamente sobre la capa vacía, sin usar máscaras, prefiero hacerlo de esta manera porque así es muy fácil ir cambiando de color para hacer diferentes pruebas. Sin no tienes una máscara de capa con la forma del iris, tendrías que volver a pintar sin salirte del iris cada vez que quisieras probar un color diferente. De esta forma tan solo tendrás que ser cuidadoso pintando la máscara y después ya podrás probar sin preocuparte todos los colores que quieras.

Ahora que ya tenemos nuestra capa vacía con máscara en el iris, vamos a elegir un color para cambiar el tono de los ojos de nuestra modelo. Como en mi ejemplo ella tiene los ojos verdes, vamos a probar a cambiárselos a azul. Si quieres que el cambio quede realista procura elegir colores no demasiado claros e intensos; intenta elegir tonos un poco grisáceos, sino quedarán demasiado chillones e irreales.

Ahora simplemente deberás pintar los ojos sobre la capa vacía, sin preocuparte de salirte, ya que la máscara tan solo va a mostrar el color sobre el iris. Esta es la ventaja de trabajar con la máscara, sino tendrías que pintar con cuidado cada vez que quisieras probar un color nuevo.

Pon la capa que acabas de pintar en Modo de fusión Tono, para que se fusione con la capa de la fotografía y cambie el tono de los ojos de tu modelo. Si no te gusta el resultado, puedes ir cambiando el color fácilmente pintando en la capa hasta encontrar el color que te encaje con lo que querías.

Si quieres conseguir un efecto más de fantasía, otra opción también puede ser poner la capa en Modo de fusión Color. El color se verá mucho más intenso, pero también más irreal, por lo que tan solo funcionará en fotografías de índole fantástica. En esta ocasión, sin embargo, sí deberás pintar en negro sobre la máscara de capa las pupilas, porque con este modo de fusión sí se verán afectadas por el cambio de color.

Oscurecer Ojos Claros con Photoshop

Como te comentaba antes, el problema viene cuando queremos oscurecer los ojos claros. Si, siguiendo con el mismo ejemplo, pintamos en la capa nueva de color marrón, por muy oscuro que sea, los ojos siguen quedando claros, y el marrón prácticamente ni se nota. Si probamos con el modo de fusión Color la cosa no mejora mucho tampoco. Sí conseguimos un tono más amarronado, pero sigue siendo claro, y además queda poco realista. ¿Qué hacemos entonces?

A la izquierda la capa en modo de fusión Tono. A la derecha, la capa en modo de fusión Color

Lo que necesitamos es oscurecer el iris. Vamos a ocultar la capa del nuevo color para trabajar mejor. Para ello, pulsa el icono en forma de ojo que hay delante de la capa. Después para activarla de nuevo tan solo deberás volver a pulsar ahí.

Selecciona el iris pulsando Control+Click (o Comando+Click en Mac) sobre la máscara de capa que hemos hecho antes sobre él, así la selección tomará la misma forma que la máscara. Con esta selección activa, agrega una capa de ajuste de Niveles desde el botón rápido que encontrarás debajo de la ventana de capas .

Oscurece el iris desplazando el triángulo de los medios tonos (el central) hacia la derecha. También puedes desplazar el triángulo de los negros un poco hacia la derecha para que el negro no quede tan negro, ajustándolo así al contaste de tu fotografía original.

Ahora vamos a volver a activar la capa nueva con el color de ojos. Pinta sobre ella en color marrón y ponla en modo de fusión Color, ya que en modo de fusión Tono normalmente no se verá bien el color marrón sobre el ojo oscurecido. Como te comentaba antes, al poner la capa en este modo de fusión sí tendremos que pintar en color negro sobre la máscara las pupilas, para que no les afecte el cambio de color también a ellas.

Como ves por fin hemos podido darle un tono marrón a los ojos de nuestra modelo. Sin embargo, ha quedado muy irreal. Para darle más realismo, vuelve a seleccionar los iris pulsando Control+click sobre la máscara, y agrega una capa de ajuste de Intensidad. Baja la intensidad hasta que el color quede más natural.

¡Y listo! Ya sabes cómo cambiar unos ojos claros a cualquier color, tanto claro como oscuro. ¿Quieres verlo ahora con el ejemplo de ojos oscuros?

Cambiar el Color en Ojos Oscuros con Photoshop

Ahora vamos a ver el caso contrario, aclarar unos ojos oscuros. Aunque el proceso va a ser similar al anterior, sí va a ser más difícil. Vamos a conseguir que el color de ojos se note bastante, pero será complicado que queden unos ojos tan claritos como los originales de la chica anterior, ya que siempre va a quedar mejor oscurecer un ojo claro, que aclarar un ojo oscuro. Aun así podemos conseguir buenos resultados. ¡Vamos a verlo paso a paso!

Al igual que antes, vamos a crear una capa nueva con una máscara que abarque tan solo el iris, sin la pupila. Si la pintamos de color azul, por muy chillón que sea, y la ponemos en modo de fusión Tono o Color, verás que el color se nota un poquito pero queda demasiado oscuro.

Al igual que antes hemos tenido que oscurecer el ojo claro, para que se note más vamos a tener que aclarar el ojo oscuro. Pulsa Control+Click sobre la máscara de la capa nueva para seleccionar el iris y añade una capa de ajuste de Niveles igual que hemos hecho antes, pero ahora desplaza el triángulo de los medios tonos (el del medio) hacia la izquierda en vez de hacia la derecha, para aclarar el iris.

A continuación pon la capa del color en modo de fusión Color o Tono, aunque en ojos bastante oscuros normalmente queda mejor el modo de fusión Color, se nota más. Recuerda usar tonos no demasiado chillones o claros, para que quede un color natural.

Si crees que el color ha quedado demasiado intenso, puedes añadir una capa de ajuste de Intensidad (seleccionando igual que antes la máscara del iris) y bajársela un poco, para que quede más natural.

¡Y voilá! Ya tenemos a nuestra compañera Silvia con unos bonitos ojos azules. ¿Te animas a probar tú ahora?