El ángulo de la toma nos habla de la altura y el grado de inclinación -de ahí lo de ángulo- de la cámara con respecto al sujeto fotografiado. De este modo, un mismo sujeto puede ser fotografiado con un ángulo normal, picado, contrapicado... Y como sabes, el uso de uno u otro ángulo hará que la fotografía resultante nos transmita mensajes muy distintos.

En este artículo de hoy quiero hablarte de un ángulo que no está entre los 5 ángulos clásicos que se recogen en la práctica totalidad de libros y manuales de fotografía. El ángulo del que hablaremos hoy es el denominado "ángulo gusano". Por su nombre, es posible que te imagines por qué se caracteriza este ángulo y para qué variedades fotográficas puede funcionarte. Pero, si no se te ocurre, tranquilo, para eso he preparado este completo artículo al respecto.

Los 5 Magníficos

Como te decía en la introducción, existen 5 ángulos clásicos que siempre aparecen en cualquier artículo, libro, o referencia al respecto. Se trata de los siguientes:

• Normal o a nivel
• Picado
• Contrapicado
• Cenital o picado perfecto
• Nadir o contrapicado perfecto

A partir de sus nombres es relativamente sencillo imaginar cómo debe situarse la cámara con respecto al sujeto para aplicar cada uno de ellos. Lo que no es tan obvio es el significado que aporta cada uno de estos ángulos a nuestras tomas.

Para saber más sobre estos ángulos, te invito a que revises nuestro artículo Los 5 Ángulos de Disparo Clave en Fotografía.

Qué Es El Ángulo "Gusano"

Quizás porque es una variante de uno de los anteriores, o quizás porque su uso no está tan extendido como el del resto, el ángulo gusano tiende a no mencionarse en muchas clasificaciones. Pero aquí lo vamos a desvelar.

El ángulo gusano, u oruga, como también se le conoce, se caracteriza por que el fotógrafo está tumbado en el suelo y sitúa su cámara en ángulo normal hacia un sujeto que, por sus características, también "vive" o se encuentra en el suelo.

Se trata de simular la visión que tienen los gusanos u otros animales que viven a ras de suelo, de ahí su nombre. Por tanto, podríamos decir que se trata de una variante del ángulo normal, pero en la que el fotógrafo debe situarse a ras de suelo y disponer la cámara de forma paralela al piso.

Características de Este Ángulo

Las fotografías que utilizan este ángulo nos ofrecen una visión diferente de la realidad, porque no estamos acostumbrados a vivir a ras de suelo, ¿verdad?

Nos permite, además, centrarnos en sujetos que habitualmente se encuentran a esa altura y visualizarlos con cercanía, o bien reproducir la visión que ellos tienen del mundo que les rodea.

Algunas Tomas En Que Este Plano Funciona Genial

Ahora que ya conoces en qué consiste este ángulo, déjame que te hable de algunas tomas en las que te funcionará realmente bien, porque no pensarás que sólo puedes utilizar este ángulo para fotografiar gusanos, ¿no?

Además, con estas ideas, seguro que te animo a probarlo en tu próxima sesión fotográfica.

Animales Que Viven En El Mismo Hábitat Que Los Gusanos

Como es lógico, se trata de un ángulo que funcionará muy bien para presentar a animales que están acostumbrados a "morder el polvo" :)

Fotografías de gusanos, hormigas, arañas y cualquier otro tipo de bicho similar, serán tomas que ganarán mucho con este tipo de ángulo. Si te interesa la temática, tenemos más artículos con secretos sobre la fotografía de insectos, no te los pierdas.

Bebés y Niños Que Gatean

Aunque no es un tipo de ángulo muy apropiado para personas en general, sí que es cierto que hay algunas personitas que pasan más tiempo por el suelo que otras, ¿verdad?

Pues eso, para bebés y niños que aún no saben caminar erguidos, este tipo de plano también funcionará muy bien, porque te presentará a estos niños desde el mismo punto de vista que ellos se ven a sí mismos.

Si quieres más ideas para fotografiar a bebés y recién nacidos, echa un vistazo a estos 11 consejos.

Mascotas Cuadrúpedas

Al igual que funciona con niños que gatean, también es un ángulo muy apropiado para retratar a todos aquellos animales que, aunque sean más grandes que los gusanos u otros insectos, también pasan mucho tiempo cerca del suelo.

Tienes perros o gatos, pues prueba este ángulo, verás como tus fotos gozan de un aspecto mucho más cercano. Y si lo que quieres son más consejos sobre fotografía de mascotas, no te pierdas estos 14 consejos sobre el tema.

Fotografía Macro

Cuando estamos fotografiando objetos de reducidas dimensiones, es muy probable que muchos de ellos se encuentren habitualmente en el suelo. Por ese motivo, en muchas fotografías macro, el reproducir la versión que de ellos podría tener un gusano nos ofrece un resultado fabuloso.

La micología es un buen ejemplo de disciplina en la que el uso de este ángulo hace que las setas desplieguen toda su belleza. Si quieres más consejos sobre cómo fotografiar setas, te invito a que revises los 5 consejos que yo mismo aprendí en mi primera sesión.

Tomas Con Una Perspectiva Diferente

Fotografiar desde el suelo aporta resultados poco habituales, ya que no es una visión que acostumbremos a tener. Sin embargo, precisamente esta perspectiva tan poco habitual puede ser muy atractiva.

En imágenes de carreteras, o vías de tren, o cualquier otro elemento que recorre la escena hasta el infinito, el ángulo gusano puede propiciar tomas muy interesantes. Ya sabes que la presencia de líneas en las fotografías siempre las dota de un aspecto especial.

¿Y Tú?, ¿Conoces Y/O Aplicas Otros Tipos De Ángulos En Tus Fotos?

¿Conocías ya este curioso ángulo fotográfico?, ¿lo usas quizás en algún otro tipo de toma que yo he obviado en esta relación? Si es así, por favor, cuéntanoslo y comparte con nosotros algún ejemplo. O quizás prefieres ángulos más clásicos, ¿cuál es tu favorito?, también puedes hablarnos de él en la sección de comentarios.

Si eres más de otros tipos de ángulos, o te quedas con ganas de descubrir nuevas opciones, te invito a conocer otro que también puede interesante conocer y aplicar en algunas tomas. Se trata del plano holandés o aberrante, que se caracteriza por presentar una escena en la que la cámara se ha girado con respecto al otro eje y mostrar así un horizonte que no se muestra recto en nuestra imagen.

¡Pruébalos todos y dinos cuál es tu favorito!

Sois muchos los que nos pedís que os recomendemos programas para montar vídeos con fotografías. Ciertamente, se trata de una práctica muy entretenida cuando tenemos algo de tiempo libre y que sirve para crear clips muy emotivos que provocarán muchas sonrisas y alguna que otra lágrima.

Si aprendes a editar vídeos, podrás hacer un montaje con fotos de tu último viaje en familia, regalarle a tu pareja un vídeo romántico o darle a una sorpresa a un amigo/a por su cumpleaños, recopilando fotos de sus amigos y allegados.

Por eso, en este artículo hemos reunido una serie de softwares gratuitos y muy sencillos de utilizar, para que puedas montar tus propios vídeos con fotos. Te explicaremos cómo editar con cada programa e incluso al final podrás ver un vídeo donde explicamos, paso a paso, cómo montar un vídeo con Wondershare Filmora 9.

#1. Fotos (Windows)

Atrás quedaron los programas nativos de Windows como el famoso 'Movie Maker' o 'Películas y TV' que en su día nos hicieron bien su papel. Ahora tenemos la aplicación 'Fotos' para editar proyectos de vídeo.

Descarga aquí Fotos

¿No lo sabías? Si usas Windows 10 ya tienes un programa para editar vídeos, simple pero efectivo (y gratis).

Al entrar en la aplicación de Fotos (instalada por defecto en Windows 10) encontrarás un botón llamado 'Editor de Vídeo' ¡Sorpresa! ¿Estaba bien escondido verdad?

Si haces click se abrirá una nueva ventana a modo de biblioteca donde se almacenarán todos los proyectos de vídeo que vayas realizando.

Selecciona 'Proyecto de vídeo nuevo' y se abrirá el editor. Lo primero que te pedirá es que le des un nombre al proyecto antes de empezar, por ejemplo: 'Cumpleaños Mamá' o 'Viaje a Londres'.

El siguiente paso será el de darle al botón 'Agregar' y seleccionar la carpeta donde hayas guardado todas las fotos que quieres usar para tu vídeo. Puedes ir arrastrando cada foto una a una para que sigan un orden concreto o seleccionarlas y arrastrarlas todas a la vez a la barra de abajo para que se coloquen unas tras otras.

Ahora llega el momento de personalizar tu vídeo. Arriba a la derecha puedes añadir música a través de dos opciones. La primera, 'Música de Fondo', te ofrecerá una lista de canciones libres de derechos que puedes usar y la segunda, 'Audio personalizado', te dejará agregar una canción que ya tengas descargada o un archivo de audio con tu voz, por ejemplo.

En la barra de herramientas tendremos la posibilidad de 'Agregar una tarjeta Título' donde queramos (al principio o entre medias de otras fotos). Podremos asignar una 'Duración' determinada a cada foto (1, 2, 3 segundos) y añadir 'Texto' con un editor muy sencillo.

También podemos asignarle 'Movimientos' a cada foto, superponer 'Efectos 3D' (como destellos o burbujas) e incluso agregar 'Filtros' (tipo Instagram) como blanco y negro, vintage, etc. Cuando ya tengas tu vídeo editado solo tendrás que hacer click en 'Finalizar Vídeo' arriba a la derecha.

#2. iMovie (Mac)

Apple también cuenta con su aplicación nativa para editar vídeos, iMovie. Si no la tienes instalada por defecto podrás descargarla gratis en la App Store. Además, también tienes una versión completa de la aplicación para iPad y iPhone.

Descarga aquí iMovie

De igual modo que 'Fotos' presenta una interfaz muy intuitiva y sencilla de utilizar, aunque a simple vista ya veremos que es más avanzada y nos ofrece más posibilidades. Pero vamos a ver primero como crear un proyecto.

Haz click en 'Crear Nuevo' y aparecerán dos opciones: 'Película', para crear un vídeo desde cero con la duración que queramos o 'Trailer', que nos dejará elegir una plantilla similar a la del trailer de una película.

Si elegimos 'Trailer', lo bueno es que solo tendremos que añadir algunas fotos y texto para tener nuestro vídeo. Pero, lo malo es que estaremos más limitados, sobre todo en cuanto a duración, porque son trailers y duran poquito.

A la hora de editar, haz click sobre 'Importar contenido', busca y selecciona las fotos que quieres añadir a tu vídeo. Ahora solo tendrás que arrastralas al Time Line de abajo en el orden que quieras.

Si te fijas, aquí tenemos muchas más posibilidades de personalización. En lugar de tener una sola pista de vídeo, también contaremos con una pista de Audio y podremos añadir una pista de Fondos y otra de Títulos sobre las imágenes. De hecho, también podremos agregar más pistas de audio y de vídeo si lo deseamos.

En la barra superior, encontraremos una biblioteca de 'Audio' con música y efectos de sonido, 'Títulos' con diferentes tipografías y movimientos incluidos, 'Fondos' con animaciones y algo que echábamos de menos en el anterior programa: 'Transiciones'. Nos vendrán estupendamente para fundir unas imágenes con otras y que el salto no sea tan brusco entre ellas.

Si le damos al icono del micro , situado en la ventana del reproductor, podremos grabar audio.  Se creará automáticamente una nueva pista dentro del proyecto para poder bajarla al Time Line. Para aumentar y reducir el tamaño de los clips, tanto el audio como el vídeo, solo tendremos que hacer click en las esquinas del clip y estirar o acortar.

Por último, cabe destacar la pequeña barra de herramientas que encontramos arriba a la derecha. En ella podremos realizar ajustes concretos a las fotos: mejoras de brillo y contraste automáticos, equilibrio y corrección de Color, añadir filtros, etc.

Para exportar nuestro vídeo terminado haremos click en el icono de la esquina superior derecha y elegiremos entre diversas opciones: mandar por Correo electrónico, subir a Youtube/Facebook/Vimeo o convertir en un archivo de vídeo local en formato .mp4 (ahí no nos da más opciones).

#3. Openshot (Windows, Mac y Linux)

Si buscamos otro editor de vídeos sencillo, que esté en español y que además sea totalmente gratis, tenemos más alternativas y Openshot es una de ellas. Destaca porque además cuenta con una interfaz muy fácil de utilizar y con la que en seguida te familiarizarás, gracias también a un breve tutorial que aparecerá al principio.

Descarga aquí Openshot

Aunque a simple vista nos parezca un software más complicado que los otros que hemos visto, tiene prácticamente las mismas opciones básicas que hemos conocido hasta ahora. También destaca por aceptar muchos formatos de archivos tanto de audio como de vídeo (algo en lo que otros programas pueden fallar).

Eso sí, asegúrate de que tener activa la interfaz simple en el Menú superior Vista/Vistas/Vista Sencilla, porque si tienes seleccionada la opción Vista Avanzada quizá te resulte más engorroso y complicado editar tus vídeos.

Para importar imágenes haremos click en este icono y buscaremos la carpeta con nuestros archivos. Ahora podremos ir arrastrando, una a una, las fotos en las líneas de tiempo. Nos aparecen hasta cinco pistas por defecto, que nos sirven tanto para audio como para vídeo, aunque podemos añadir todas las que queramos.

Para añadir títulos tendremos que ir al Menú superior Título y elegir entre Título Normal o Título Animado. Se abrirá una ventana emergente que nos permitirá personalizar la fuente, el mensaje y los colores de nuestro nuevo título. Una vez creado nos aparecerá en la ventana 'Archivos del proyecto' como un elemento más que poder arrastrar al Time Line.

Las Transiciones y los Efectos los encontraremos como pestañas adicionales en la interfaz principal. Las transiciones las arrastraremos y las colocaremos sobre las imágenes donde queremos que se apliquen y lo mismo con los efectos. Aunque estos últimos, además de ser escasos, ralentizarán muchísimo el funcionamiento del programa.

La lentitud será uno de sus puntos débiles de Openshot y en seguida te darás cuenta. Aunque tiene otras ventajas como la posibilidad de añadir Marcadores, cortar clips con la herramienta Navaja o la posibilidad de hacer Capturas de fotogramas con el botón .

Una vez finalizada la edición, podrás exportar tus vídeos haciendo click en el icono . Al abrirse la ventana emergente podrás elegir entre una exportación sencilla (que ya tendrás muchas más opciones que las que nos daban en otros programas) y la opción Avanzada, con muchas más opciones desplegables.

#4. ShotCut (Windows, Mac y Linux)

ShotCut es otro programa de edición de vídeo de software libre que lleva más de 10 años usándose como alternativa a otros programas de pago. Quizá no tenga el aspecto más profesional ni la interfaz más atractiva, pero sí que es eficiente y trabaja de forma rápida.

Descarga aquí Shotcut

Cuando lo abrimos por primera vez, nos pide que creemos un 'Proyecto Nuevo' y que le indiquemos la carpeta donde lo vamos a guardar, así como el formato de vídeo que queremos. Aunque podemos seleccionar 'Automático' para que el programa se base en el primer archivo que importemos para elegir el formato.

Una vez se abra el proyecto, veremos una interfaz simple y que nos mostrará más bien poco. Será en la barra de herramientas superior donde podremos modificar la vista de nuestra interfaz. En 'Lista de reproducción' veremos las miniaturas de los archivos, en 'Línea de Tiempo', el Time line donde arrastraremos los archivos y en 'Filtros', el listado de efectos y transiciones que podremos aplicar.

También podemos activar la ventana de 'Historial', 'Tareas' o la de 'Medidor de pico de audio', que nos vendrá bien si añadimos canciones o efectos de sonido, para poder comprobar el nivel del volumen. Un punto a favor del programa es que si hacemos click y arrastramos en estos iconos , podremos aumentar o reducir las ventanas para personalizar la interfaz a nuestro gusto.

Para empezar a editar nuestro vídeo, tendremos que hacer click sobre 'Abrir Archivos' y elegir las fotos y los audios. Seguidamente, podremos arrastrar las imágenes a la pista de vídeo que tenemos por defecto en la Línea de Tiempo. Con los iconos de las Lupas (-, +), podremos aumentar o reducir el tamaño de las miniaturas.

Si hacemos click en este icono , que se encuentra en la barra de herramientas de la Línea de tiempo, podremos añadir una pista de audio (o todas las pistas de video y de audio que queramos) y arrastrar a esta nueva pista la música.

Para añadir efectos, tendremos que seleccionar una foto y hacer click sobre 'Filtros' (incluye transiciones, filtros y texto). Aparecerán tres listas: Favorito, Vídeo y Audio y en cada uno habrá una serie de efectos que podremos ir sumando o restando a la foto seleccionada del Time Line.

A pesar de que tendremos lo más básico, los Filtros se quedarán quizá un poco pobres en cantidad. Se echa en falta un mayor número de transiciones, porque solo dispondremos de Fundidos. La herramienta 'Texto' tampoco es muy cómoda, nos puede resultar algo complicada y enrevesada hasta que nos acostumbremos a ella.

A la hora de exportar solo tendremos que hacer click en el botón Exportar de la barra superior. Como verás, se abrirá una nueva ventana que nos permitirá exportar el vídeo en una gran variedad de formatos. Aunque sí que echamos en falta la exportación orientada a redes sociales y formatos específicos para dispositivos móviles.

#5. Wondershare Filmora (Windows y Mac)

Filmora es ahora mismo uno de los mejores softwares de edición de vídeo dirigido exclusivamente a principiantes y novatos. Cualquiera puede aprender a usar este programa, independientemente de su nivel y los resultados que obtendrá serán muy profesionales.

Si tu intención es la de montar vídeos con fotos, clips de vídeo y música de forma casual pero con un acabado bastante más avanzado, este es tu programa.

Descarga aquí Wondershare Filmora

Existe un versión Pro enfocada a profesionales, pero esta es más sencillas e intuitiva. El flujo de trabajo es fluido y eficaz, sin tirones ni ralentización al añadir efectos o transiciones (como pasaba con los dos programas anteriores).

Al iniciar el programa por primera vez, aparecerá una ventana con una guía de usuario y con propuestas de vídeo tutoriales que te explican cómo utilizar cada herramienta. Podrás acceder a ellos en cualquier momento y resolver tus dudas.

En cuanto a la edición, puedes añadir todas las pistas de audio y de vídeo que desees (hasta 100 de cada). Destaca también por contar con una amplia biblioteca de músicas y sonidos, así como listado de transiciones, efectos, elementos, e incluso, el formato de pantalla dividida. Solo tendrás que hacer click y arrastrar.

A la hora de exportar, también serán todo facilidades, porque podrás elegir el formato, el dispositivo o incluso la red social (Youtube, Vimeo) así como la grabación en un DVD. Si quieres ver cómo se hace, aquí hemos preparado un vídeo donde explicamos cómo editar un vídeo con Filmora, paso a paso:

Wondershare Filmora 9: Montando un Vídeo con Fotos Paso a Paso

Aunque no todo iba a ser perfecto. Filmora tiene un pero, uno muy grande que es la marca de agua. Puedes descargar el programa gratis y montar tu vídeo con todas las funciones disponibles, pero a la hora de exportar tu vídeo tendrá una franja con el logo incorporada que no podrás evitar.

Es bueno saber esto antes de echarle horas a la edición y encontrarte luego con esa la sorpresa. La marca de agua, solo desaparece si pagas una cuota anual de 40€ o bien inviertes 60€ para tenerlo ilimitado para siempre. Lo bueno es que te dejarán probar el programa completo antes de decidir si te quedas con él o con otros que hayas utilizado.

¿Qué Programa me Conviene Más Elegir?

Como has podido ver, cada programa para editar fotos nos ofrece unas u otras prestaciones y todos tienen sus puntos fuertes y débiles. Lo que tienen en común es que te servirán para poder crear un vídeo con fotos sea cual sea tu nivel.

Si quieres hacer un vídeo sencillo y sin muchas pretensiones quizá la mejor opción es que optes por 'Fotos' si tienes Windows o por 'iMovie' si tienes un Mac. Ambos son intuitivos y al ser programas nativos de tu propio sistema operativo funcionarán de forma fluida.

Sin embargo, si eres un/a autodidacta nato/a y lo que buscas es hacer vídeos más espectaculares yendo un pasó más allá, Filmora podría ser la alternativa. Gracias a sus tutoriales podrás ir aprendiendo a montar vídeos e ir subiendo la dificultad de las metas que te vayas fijando a ti mismo/a.

¿Conoces otro programa para editar vídeos con fotos dirigido a principiantes? ¡Deja un comentario y cuéntanos tu experiencia!

Hay personas que tienen arte a la hora de posar, y otras a las que les cuesta más. Aunque ese arte sea algo innato, existen una serie de consejos que pueden ayudarnos a mejorar nuestras poses ante la cámara.

En el artículo de hoy ahondaremos en ello para ayudarte, en este caso, a que tus modelos femeninas salgan mejor en las fotos y que éstas luzcan con un toque más profesional. ¡Vamos a verlo!

El Arte de Saber Posar en Fotografía

Una buena pose no solo beneficia a nuestra modelo, sino que puede cambiar mucho el resultado final de una fotografía. Y no solo se trata de la forma de colocar nuestro cuerpo, sino que también es cuestión de la actitud que damos a entender que tiene nuestra modelo ante la cámara.

Como no todas las personas con las que trabajes serán modelos, y por tanto no todas sabrán cómo actuar ante la cámara, hoy te daremos las claves que necesitas para ayudarles a que se sientan cómodas y salgan con la mejor de las poses.

En Qué Detalles Deberemos Fijarnos Especialmente

Cuando vamos a hacer una fotografía, ya sea un retrato o cualquier otra temática, no solo tenemos que hacer click con nuestra cámara. Los detalles cuentan, por eso es importante que estés alerta y observes todo lo que envuelve y conforma esa fotografía.

En el caso de los retratos femeninos, los que te presentamos a continuación son los detalles a los que deberás prestar especial atención.

• La espalda. La espalda tiene que estar recta, nada de encorvarse o la postura no será nada favorecedora para nuestra modelo. Sobre todo en planos que sean ladeados, guía a tu modelo para que coloque la espada recta. Un truco que puedes emplear es indicarle a la modelo que saque pecho y culete, ya que de esta forma aunque pueda parecer a una postura forzada, estaremos realzando la curva natural de la columna y consiguiendo su figura luzca más atractiva.
• Las manos. Cuando le pidas a tu modelo que pose para ti una de las cosas que ocurre más a menudo es que no sabe cómo colocar sus manos. De repente parece que esa parte de su cuerpo no pertenece a ella. Para tratar de ayudarla, trata de indicarle cómo quieres que coloque sus manos cuando se coloque frente a la cámara. Un truco que puedes utilizar es pedirle que realice algún movimiento para que éstas queden más naturales en la captura, como por ejemplo pedirle que se acaricie o se recoja el pelo.
• El pelo. Nuestro pelo es una parte más de nosotros, y cuando se trata de una melena larga también hay que saber cómo colocarla para que luzca más bonita. Muchas veces dejamos que el pelo caiga sobre los hombros, y esta es la opción menos favorecedora de todas. Puedes indicarle a tu modelo que opte por echarse todo el pelo por delante o todo el pelo por detrás, aunque lo más recomendable es colocar uno de los lados por delante y el otro por detrás, ya que de esa manera quedará más natural. 
• Las piernas. Respecto a las piernas, la recomendación general es que cruce las piernas, y descanse el peso sobre la que esté situada por delante, sobre todo en tipos de plano como el americano. De este modo romperemos la simetría del cuerpo consiguiendo una postura más interesante.
• La barbilla y mentón. Son muchas las ocasiones en las que le pediremos a nuestra modelo que levante un poco la barbilla para mejorar su postura, y muchas las veces que lo que conseguiremos es que se sitúe mirando hacia arriba. Para tratar de ser más conciso con lo que queremos conseguir, es mejor que le indiques que tire sus orejas hacia adelante. Utilizando esta técnica, tu modelo echará el mentón hacia adelante, y aunque pueda parecer algo incómodo, conseguiremos que la barbilla aparezca mucho más fina. Por otro lado, la línea que se marca en nuestra cara al inclinar la barbilla hacia abajo resulta muy atractiva, así que te recomiendo que explotes este recurso. Y si las manos aparecen cerca del rostro, procura que éstas no tapen la barbilla o la mandíbula. 
• Los brazos. Una manera de estilizar la figura de nuestra modelo es separando los brazos del tronco, ya que de este modo mostramos su tamaño real y percibimos mejor la forma de su cintura. Es por ello que es muy habitual ver a las modelos posar con los brazos en jarra o sobre el cabello.
• Los hombros. Cuando nuestra modelo se coloca de frente a la cámara sus hombros parecen más grandes que si se gira ligeramente. Esto para cierto tipo de retratos, como por ejemplo el de un futbolista, puede venir bien, pero en un retrato femenino no suele ser la mejor opción. Por tanto, en este caso, indícale que no se coloque totalmente frontal a la cámara sino que se gire ligeramente.
• La mirada. Procura que la mirada de tu modelo no aparezca como perdida, sino que sea expresiva y natural. Para conseguirlo le indicaremos a la modelo no que mire, sino que "seduzca" a la cámara. Un truco que suele funcionar muy bien es decirle que cierre los ojos y tras contar hasta 3 los abra para conseguir una mayor frescura y naturalidad. Otro aspecto sobre la mirada es que también intentaremos que la nariz de la modelo siga su dirección, ya que de lo contrario sus ojos aparecerán en blanco y no es algo que suela quedar demasiado natural en las fotos. 
• La boca. ¿Cuántas veces hemos visto que al salir ante la cámara la gente fuerza una sonrisa totalmente artificial? Lo ideal es conseguir una expresión que no parezca forzada, así que ya sea seria o sonriendo fíjate en que la expresión de tu modelo sea lo más natural posible. Algunos trucos que pueden funcionar son abrir ligeramente la boca y dejarla relajada para conseguir una sonrisa natural, e incluso apoyar la lengua tras los dientes incisivos tal y como hacen muchas modelos profesionales.

Las Mejores Poses Según el Ángulo de la Modelo

Tras ver las anteriores recomendaciones, podemos decir que una de las clasificaciones de poses que podemos hacer es según el ángulo de la cara de la modelo respecto a la cámara, es decir, cómo está de girada la modelo en relación a la lente. A este respecto, los 4 ángulos que más favorecerán a tu modelo son:

• Frontal. Con este ángulo veremos la cara completa de la modelo, y su nariz apuntará directamente al objetivo.
• 3/4. La cara de la modelo gira ligeramente, hasta el punto en el que no podemos verle ya la oreja del lado al que gira.
• 2/3. Nuestra modelo gira un poco más hasta que la línea de la nariz casi toca el contorno de la mejilla en el lado opuesto, aunque ten cuidado de no romper esa línea.
• Perfil. Cuando el sujeto gira 90 grados, quedando totalmente de perfil a la cámara. Con este ángulo solo veremos un lado de su cara.

Analizando 3 Ejemplos Prácticos de Posado Femenino

Hay infinidad de poses para que le indiques a tu modelo, tantas que es imposible poder abarcarlas todas en un solo artículo. Es por ello que a continuación hemos seleccionado 3 poses muy favorecedoras para tu modelo que vamos a analizar al detalle. Primero, veremos cómo posa nuestra modelo sin darle ningún tipo de indicación, y a continuación analizaremos su postura para mejorarla.

Ejemplo de Pose 1

Para la primera pose le indicamos a nuestra modelo que iba a a salir de cuerpo entero, y que queríamos que su cuerpo estuviera orientado hacia la cámara. Analicemos cuál fue su posado.

• Lo que hizo. La modelo se situó de forma frontal a la cámara y siendo consciente de que salía su cuerpo entero en la imagen. Si nos fijamos, percibimos que estaba demasiado tensa, y que la postura de sus hombros y la rectitud de su cuerpo no favorecen su figura. Además, tenía el pelo sobre los hombros y los brazos pegados al torso.
• Lo que corregimos. Lo primero que le indicamos que corrigiera fue la posición de sus piernas. Le pedimos que las cruzara y que apoyara el peso en la que colocara por delante. A continuación, le indicamos que girara e inclinara ligeramente uno de sus hombros, y que pusiera su espalda recta, nada de curvarse. Otro detalle es el pelo, fíjate en que se le quedó antes todo encima de los hombros y como hemos visto no era lo más indicado, así que probamos a echarle el mechón de un lateral por delante y el otro por detrás. Por último, le pedimos que separara sus brazos del torso colocando la mano sobre la cintura para estilizar su figura.

¿Te das cuenta de cómo ahora su cuerpo parece que forma una s? Cuando posamos, la simetría de nuestro cuerpo no suele funcionar muy bien en fotografía, así que trata de romperla y busca realzar las curvas. El cuerpo de la modelo lucirá mucho más estilizado.

Ejemplo de Pose 2

Para la pose 2 le indicamos a la modelo que se trataría de un plano corto y que queríamos que se vieran sus manos.

• Lo que hizo. Si nos fijamos y analizamos la postura de nuestra modelo, observamos que con las manos se tapó parte del rostro, y que más que acariciarlo parecía que se lo estaba agarrando, lo cual no queda tan natural. Además sus hombros y su espalda estaban echados hacia adelante, lo cual tampoco la favorece. Fíjate también en su boca, aunque la expresión era seria ya hemos comentado antes que era aconsejable abrirla ligeramente para conseguir un mejor resultado.
• Lo que corregimos. ¿Qué le pedimos? Que se relajara, o al menos que transmitiera eso en la fotografía. Primero le guiamos para que colocara su espalda recta e inclinara ligeramente uno de sus hombros para romper la simetría. A continuación le pedimos que se acariciara el rostro con las manos o hiciera algún movimiento con ellas para pillar las manos de una forma natural, y siempre, intentando que no se tapara la línea que marca la mandíbula. También le indicamos que echara hacia adelante el mentón para estilizar su cuello y que se colocara el pelo hacia atrás. ¿Mejor no?

Ejemplo de Pose 3

Para la última postura le pedimos a la modelo que se sentara y posara. Veamos el resultado.

• Lo que hizo. Cómo comprobamos, le resultó bastante complicado colocar sus piernas y sus brazos de forma cómoda en esta postura. No es fácil que quede natural y además su figura salga estilizada. Si nos fijamos, su espalda no estaba recta, y sus hombros estaban echados hacia adelante, lo cual no favorecía la postura.
• Lo que corregimos. ¿Qué podemos hacer para mejorarla? Primero le dijimos que había sido un acierto que se girara ligeramente para no salir totalmente frontal o de perfil en la foto, sin embargo, le indicamos que levantara la pierna más lejana a la lente y apoyara el brazo en ella para mejorar la postura. A continuación, le pedimos que inclinara ligeramente su cabeza y que sonriera, y por último que se colocara el pelo hacia adelante. Observa las diferencias.

¡Consigue la Pose Perfecta!

¿Cambian los resultados fotográficos de una pose a otra verdad? En la mayoría de situaciones lograremos mejorar esas poses fijándonos y corrigiendo pequeños detalles. Recuerda que es de vital importancia que los consejos e instrucciones que le vayas dando a tu modelo se los des poco a poco y de forma clara, ya que de lo contrario más que guiarla le estarás liando con tanta información.

¿Qué me dices? ¿Te animas a aplicar estos consejos en tu próxima sesión?

Imagínate un globo lleno de agua. Ahora imagina que lo pinchas y explota. Ya pasó. No te has dado ni cuenta de lo que ha ocurrido en esas milésimas de segundos ¿verdad? Con la fotografía de alta velocidad podemos conseguir capturar ese preciso instante consiguiendo que el mundo se detenga ante nuestra cámara y retratándolo en nuestra captura.

No tenemos poderes mágicos para poder parar el tiempo... pero esto es algo que se le acerca. ¿Te quedas conmigo para profundizar en el maravilloso mundo de la fotografía de alta velocidad?

¿Qué Es la Fotografía de Alta Velocidad?

La fotografía de alta velocidad es aquella que captura momentos que ocurren durante una fracción de tiempo que no podemos apreciar a simple vista. Por ejemplo, como decíamos antes no somos capaces de ver cómo estallan las gotas de un globo de agua al romperse, o como un vaso de cristal se hace añicos al caer al suelo.

Si hay algo que caracteriza a este tipo de fotografía, y que precisamente le otorga su nombre, es la alta velocidad a la que necesitamos disparar nuestra toma.

Cuenta mentalmente uno. Eso es un segundo ¿verdad? Pues la fotografía de alta velocidad requiere que hagamos la toma en una pequeña parte de ese segundo, así que imagínate lo rápido que debe ser el disparo fotográfico para congelar el movimiento de algo.

¿Qué Equipo Necesito para Fotografía de Alta Velocidad?

foto por Marcos de Madariaga (licencia CC)

Para poder hacer fotografía de alta velocidad necesitaremos un equipo concreto.

• Una cámara con controles manuales. Una de las variables que necesitaremos controlar para obtener nuestra toma de alta velocidad (como su nombre indica) es la velocidad de obturación. Para ello necesitaremos una cámara que nos permita trabajar en modo manual y poder configurar así los parámetros tal y como nosotros queremos.
• Un objetivo. Está claro, si tenemos el cuerpo de cámara pero no un objetivo poco podremos hacer. A la hora de escoger un objetivo para nuestra sesión de fotografía de alta velocidad por supuesto podemos utilizar nuestro objetivo del kit. Aunque si tenemos la posibilidad de elegir, intentaremos que este sea lo más luminoso posible (y a continuación te explicaré por qué), o también que este cuente con una distancia focal que sea larga, es decir, un teleobjetivo, ya que de ese modo evitaremos que en el caso de romper o explotar un globo con agua, las gotas mojen la cámara.
• Un flash externo (si es HSS mejor). Cuando aumentamos la velocidad de obturación estamos dejando que pase luz a la cámara durante menos tiempo, y esa falta de luz la tenemos que compensar con otras variables. Una buena idea es compensarla añadiendo más luz a la escena, y es por ello que un flash externo te será de gran utilidad en esta técnica. Eso sí, habrá ocasiones en las que no te valdrá cualquier flash, y tendrás que buscar uno que disponga del modo HSS (High Speed Sync), ya que con este tipo de flashes podrás trabajar con velocidades de obturación que superen los disparos hechos a 1/250 segundos sin que veamos en la imagen la cortinilla de la cámara y consiguiendo así ser mucho más precisos a la hora e congelar un movimiento.
  

  foto por Chris Martino (licencia CC)

• Triggers. Si utilizamos el flash lo recomendado no será posicionarlo de manera frontal sobre la zapata de la cámara, sino que habrá que ponerlo de forma lateral o incluso a contraluz. Para ello necesitaremos triggers que nos permitan disparar el flash desde fuera de la cámara.
• Un trípode. Trabajando con velocidades de obturación altas no tendremos problemas en cuanto a que nuestra foto salga trepidada, así que esa no es la razón por la que es recomendado trabajar con trípode. El trípode se aconseja porque este tipo de fotografía requiere que estés pendiente de muchos elementos a la vez, y dejar la cámara con el encuadre deseado para poder prestarle atención al resto de detalles nos ayudará a trabajar de forma más cómoda.
• Un disparador remoto. Por la misma razón que el trípode, un disparador remoto no es que sea indispensable pero sí que nos ayudará a trabajar de forma más cómoda.

Otros Requisitos Interesantes

foto por Wes Peck (licencia CC)

No diremos que se trata de equipo fotográfico imprescindible, pero sí que te vendrá muy bien contar con:

• Una buena dosis de paciencia. Si crees que el primer disparo de fotografía de alta velocidad será perfecto, déjame que te diga que es poco probable (¡ojalá me equivoque!). Es muy difícil pillar justo el momento preciso y exacto que queremos, y la práctica constante va a ser esencial. Así que si hay algo que necesitas a la hora de hacer este tipo de tomas es una buena dosis de paciencia. Relájate, y repite las veces que haga falta. Todo esfuerzo servirá para al final conseguir la toma deseada.
• Un ayudante. Muchos de los mejores temas para practicar la fotografía de alta velocidad pasan por romper algo o explotar elementos que contienen líquidos. ¿Te ves capaz de tirar ese elemento, disparar la foto y controlar más cosas a la vez? Puede ser agotador, así que lo mejor es que le pidas a alguien que te eche una mano y así poder centrarte en la foto, la técnica y la composición de la misma.
• Un rincón adecuado. Puede parecer una tontería, pero... ¿no dispararías un globo de agua en mitad del salón, verdad? Asegúrate de que el lugar en el que realizas la foto no hay elementos que corran peligro.

Temáticas Interesantes para Fotografía de Alta Velocidad

Hay infinitas ideas para que practiques la fotografía de alta velocidad, pero por si no sabes por dónde empezar, aquí te doy unas cuantas. Piensa, que en general, las fotos más vistosas serán aquellas en las que aparecen elementos que sufren un impacto.

• Un globo de agua explotando
• Tirar un chorro de agua a alguien o algo
• Dejar caer un objeto en un cubo de agua
• Dejar caer algo susceptible de romperse al suelo (vaso de cristal, pieza de cerámica, un huevo)
• Dejar caer líquido en un vaso (leche, agua, pintura)
• Dejar caer gotitas de agua sobre una superficie lisa o vaso de agua
• Saltos y movimientos de gente
• Pelo al movimiento
• Animales en acción
• Deportistas en acción

Métodos para Conseguir Fotografías de Alta Velocidad

A la hora de practicar la fotografía de alta velocidad vamos a diferenciar dos métodos: hacer las fotos jugando con velocidades de obturación altas, y hacer las fotos empleando flashes. Veamos las diferencias.

Método 1: Utiliza Velocidades de Obturación Alta (Sin Flash)

De este método lo que más destaca es que podemos emplearlo al aire libre, y tanto el sujeto u objeto de la foto, como el fondo pueden estar iluminados. Será el obturador de nuestra cámara con lo que trabajaremos para congelar el movimiento del sujeto/objeto que aparece en la foto.

Eso sí, la velocidad de obturación de la mayoría de cámaras está limitada a una velocidad máxima del obturador de 1/4000 s o 1/8000 s. Esto que puede sonar a un velocidad muy rápida, puede que ante ciertas situaciones no sea suficiente y nuestros sujetos/objetos pueden llegar a aparecer borrosos.

Por lo tanto, si lo que deseamos es precisión máxima este no será el método más adecuado para practicar la fotografía de alta velocidad.

Si quieres conocer más sobre este método, no te pierdas nuestro artículo "Los 6 Mejores Consejos Para Congelar el Movimiento con tu Cámara Fotográfica".

Método 2: Utilizando el Flash

Con este segundo método necesitaremos uno o más flashes, a ser posible que sean HSS como hemos comentado antes. Este tipo de flashes lo que hacen es dejarnos disparar a una velocidad mayor de 1/250 segundos sin que aparezca la cortinilla del obturador en la imagen, tal y como te contábamos en este otro artículo.

La fotografía en este caso se tomará abriendo el obturador de la cámara, activando el flash y cerrando el obturador de la cámara.

A diferencia del primer método, en esta ocasión la toma deberá hacerse en un entorno oscuro, ¿por qué? Pues porque aquí, la velocidad de obturación que configuremos en la cámara dará básicamente igual. Solo capturaremos el instante en el que la luz del flash ilumina el objeto a fotografiar. Es decir, que el tiempo de exposición lo va a marcar el tiempo durante el cual tengamos encendido el flash. Lo del entorno oscuro es para evitar que si utilizamos tiempos de exposición algo más lentos en nuestra cámara, no tengamos una exposición excesiva.

foto por DAVID MELCHOR DIAZ (licencia CC)

Si quieres ampliar la información de este método con los siguientes artículos:

• Superando La Velocidad de Sincronización De Nuestra Cámara En Fotografías Con Flash: ¿Qué Opciones Existen?
• Por Fin el HSS Explicado de Forma Sencilla para que No te Quede Ninguna Duda
• Descubre el Modo Multi o Estroboscópico de tu Flash y Consigue Efectos Espectaculares en tus Fotografías

Algunos Consejos Extra

Además de lo que hemos comentado hasta el momento, a continuación te ofrezco una serie de consejos interesantes a tener en cuenta cuando realizamos este tipo de fotografía.

• Protege tu equipo de posibles salpicaduras. Utiliza focales largas para evitar tener que acercarte mucho al objeto o sujeto que vamos a fotografiar, y si usas flashes y piensas salpicar con líquido el objeto protégelos cubriéndolos con bolsas de plástico.
• Utiliza el modo ráfaga y el enfoque continuo para no pederte el momento clave.
• Acuérdate de componer. En este caso la técnica es lo que más vamos a tener que practicar, pero no descuides la composición de tus tomas para que estas consigan una apariencia mas atractiva.
• Cuida el fondo de tus imágenes. Un mal fondo puede estropear tu fotografía. Busca el contraste y la sencillez para que sea el elemento o sujeto fotografiado lo que destaque.

¡Sé Rápido y Captura el Instante!

Como has comprobado, la fotografía de alta velocidad nos puede ayudar a conseguir capturas de lo más creativas, así como también nos permite congelar instantes que nuestros ojos no son capaces de apreciar.

Con un poco de paciencia y mucha práctica, tu también puedes conseguir impactantes imágenes como las de este artículo.

¿Te animas? ¡Y recuerda que estaremos encantados de que nos las enseñes en los comentarios!

Hemos hablado largo y tendido sobre el retrato en dzoom, ¿a que sí? En mi caso, se trata de mi disciplina fotográfica favorita -y me consta que la de muchos otros de los lectores del blog-, por eso me resulta tan cómodo e interesante escribir al respecto.

Tras muchos artículos en que te hemos dicho lo que debes hacer para obtener una pose natural, para mejorar la iluminación e incluso para lograr dominar este campo de la fotografía tan popular. Hoy voy a hablarte de lo que NO debes hacer. Creo que puede ser un complemento fantástico para mejorar tus retratos. ¿Estás listo?

Error #1: Enfocar A Una Zona Distinta De Los Ojos

Sí. Ya sé que esto es un poco de trampa, porque estoy presentando una de las máximas del retrato pero en negativo para poder decir que el no seguirla es un error. Sin embargo, quiero hacerlo así para recordarte lo importante que es enfocar a los ojos de tu modelo.

En esta fotografía, el plano focal se sitúa claramente en los ojos, mostrándolos nítidos y brillantes. También ayuda a dirigir la mirada a esa zona el que el resto del rostro de la modelo esté tapado y que no haya distracciones en el fondo. Pero, sin duda, es el nivel de nitidez sobre los ojos lo que confirma que esa región es el centro de atención de la imagen. ¿Te imaginas el desastre que supondría que el foco se hubiese ido a las manos o a alguna zona de la vestimenta?

Cuando observamos una fotografía de una persona, rápidamente vamos a buscar sus ojos, de ahí que si éstos no se muestran nítidos, nuestro cerebro tienda a pensar que pasa algo raro en esa fotografía y empiece a recorrer la fotografía de forma un tanto caótica en busca de otros elementos nítido.

Por ese motivo, salvo que quieras resaltar otro rasgo del sujeto retratado que creas que debe llevarse todo el protagonismo de tu imagen, utiliza un área de enfoque adecuada, o bien enfoca y recompón para lograr que los ojos de tu modelo salgan perfectamente nítidos. Para ello es fundamental que domines a la perfección los modos de enfoque de tu cámara.

Error #2: Que Tu Modelo NO Mire A La Cámara O Disponga Su Mirada En Una Dirección Distinta A La Marcada Por Su Nariz

Asociada también a los ojos del sujeto, existe una regla que seguro conoces, se trata de la regla de la mirada, y habla de dejar espacio al sujeto, dentro del encuadre de tu fotografía, en la dirección a donde se dirige su mirada.

No obstante, el error del que quiero hablarte ahora va más allá de no respetar esta archiconocida regla. Si el sujeto mira a la cámara, no hay problema. Pero piensa en una imagen en que el sujeto esté mirando en una dirección distinta a aquella que le une con la cámara. Pues bien, es un error que en ese caso, la dirección marcada por su nariz y aquella marcada por su mirada no coincidan.

En esta fotografía, la modelo se sitúa de perfil a la cámara, pero dirige la mirada hacia ésta, por lo que el aspecto de los ojos resulta natural, ya que, aunque se aprecia un porcentaje importante de globo ocular, también se muestra de forma completa el iris y la pupila del ojo que se encuentra más cerca de la cámara. Imagina esta misma imagen, pero con la modelo dirigiendo su mirada hacia su derecha. El resultado sería muy poco natural, ¿no te parece?

¿Por qué es un error? Muy sencillo. En primer lugar, porque se trata de una posición de nuestros ojos tremendamente antinatural y, en segundo lugar, porque, en esta posición, se mostrará de forma predominante el color blanco -del globo ocular- en los ojos del sujeto y muy poco su iris y pupila, lo que ofrecerá un aspecto extraño e incluso diabólico, que rara vez querrás que se muestre en tus fotos. ¿No?

Error #3: No Hablar Con Tu Modelo

No importa si se trata de un modelo profesional, o de un amigo o familiar que no tiene experiencia delante de una cámara. Tu modelo necesita que te comuniques con él. A medida que vas tomando fotografías, es importante que realices un refuerzo positivo sobre lo que va haciendo bien y le ayudes a corregir aquello que no te gusta. No basta con pensarlo. Debes expresarlo y hacérselo saber.

Si no hay comunicación, el modelo perderá la guía que el fotógrafo debe darle y su rostro se irá mostrando más y más tenso por la falta de feedback con respecto a cómo lo está haciendo. Si, además, la comunicación se refuerza a través de alguna fotografía en la que puedas indicarle lo que ha hecho bien y lo que no ha hecho correctamente, garantizaremos una mejor comprensión del mensaje que quieres trasladarle.

Error #4: No Cuidar El Fondo De La Imagen

En la fotografía de retrato está muy claro el protagonista y resulta incluso fácil hacérselo entender así a quien mira la fotografía. A través de una composición adecuada, o situando el foco en los ojos del retratado, por ejemplo.

En esta imagen se ha elegido un fondo que, lejos de restar protagonismo a la niña por la dirección de las líneas marcadas por los ladrillos y el nivel de desenfoque de éstos, ayuda claramente a quien mira la imagen a dirigir su atención sobre la modelo.

Sin embargo, no debemos olvidar que el fondo de nuestras imágenes juega un papel fundamental, que debe complementar y, en el caso de la fotografía de retrato, no restar ni un ápice de protagonismo al sujeto retratado.

Si quieres manejar el fondo de tus fotografías de retrato a tu antojo, revisa estas 5 claves para conseguirlo.

Error #5: Realizar Retratos Sólo Desde Tu Perspectiva Habitual

Las personas tenemos la tendencia a fotografiar el mundo tal y como se ve desde nuestros ojos, a la altura que éstos están. Sin embargo, cuando nos subimos sobre algo, nos tiramos al suelo, o, en definitiva, cuando variamos la posición de nuestros ojos y observamos el mundo, apreciamos una realidad completamente distinta.

¿Notas algo raro en esta fotografía? Exacto, tanto los papás, como el fotógrafo se han puesto al nivel de la bebé. De este modo, vemos el mundo como ella lo ve y se la muestra de forma más dominante y segura. Como diciendo: "a esta altura, yo controlo" :)

¿Por qué te digo esto? Porque resulta un error muy habitual el tomar retratos únicamente desde nuestra perspectiva habitual. Sin embargo, nos estamos perdiendo los resultados que nos ofrece variar este condicionante. Si lo haces, descubrirás los 5 ángulos clave de la fotografía y, lo más importante, podrás aplicarlo a tus retratos para lograr resultados diferentes y más atractivos.

¿Qué Error Nos Recomiendas Evitar?

Y con esto doy por finalizados los 5 errores que yo considero fundamental evitar para lograr mejorar tu fotografía de retrato. ¿Coincides conmigo?, ¿o existe algún error que consideres que debemos incorporar a esta lista? Seguro que sí.

Ya sabes, somos todo oídos. Estamos deseando conocer nuevos errores que poder desterrar y así seguir perfeccionando nuestra técnica de retrato.

Las selecciones son una de las herramientas más potentes que nos brinda Photoshop, porque nos permiten desde aplicar ajustes o efectos en una sola zona hasta recortar partes de nuestra fotografía para ponerlas en otro sitio, o para poner otro elemento en su lugar. Sin duda, con las selecciones podemos hacer infinidad de cosas; los límites los pone nuestra imaginación.

En este artículo veremos qué son las selecciones, para qué sirven y cómo se usan las más básicas. Así pues, no vas a necesitar tener ningún conocimiento previo sobre selecciones en Photoshop, porque aquí encontrarás la base. ¿Te quedas a descubrirla?

¿Para Qué Sirven las Selecciones?

Una selección es una zona que acotamos en nuestra fotografía para actuar solamente dentro de ella, y que podremos realizar con diversas herramientas que veremos en este artículo. Como por ejemplo, seleccionar el pelo de un retrato a la perfección.

Cuando creemos una selección, la reconocerás porque la zona definida quedará rodeada por una línea de puntitos discontinuos y nos permitirá diferenciarla claramente del resto de la fotografía.

Como te comentaba, las selecciones son una herramienta muy potente, y nos permiten hacer múltiples cosas para ajustar, modificar y transformar las fotografías a nuestro gusto. Entre sus usos más comunes encontramos:

1. Pintar sin Salirse de una Zona

Cuando hacemos una selección solamente vamos a poder actuar dentro de ella. Eso significa que si pintamos con el pincel no vamos a salirnos de esta selección por mucho que pintemos por fuera.

Pero, ¿de qué nos sirve pintar dentro de una selección en fotografía? Por ejemplo podemos darle un toque de color a cierta parte de la imagen en una capa vacía y después jugar con la opacidad y los modos de fusión para integrarla. También podemos crear viñeteados blancos, negros o de color.

He seleccionado la zona central y he pintado en naranja para darle un toque más cálido solo a esa zona. Después he fundido la capa usando el modo de fusión Luz suave.

2. Aplicar Ajustes en una sola Zona

Los ajustes de corrección de color, que encontramos en el menú Imagen/Ajustes, pueden ayudarnos a mejorar una fotografía drásticamente. Sin embargo, a veces solamente nos gustaría aplicarlos en una sola zona de la fotografía, para mejorar esa parte de una manera concreta sin afectar al resto de la imagen.

Pues con las selecciones podemos conseguirlo. Simplemente selecciona la parte de la fotografía a la que quieres aplicar el ajuste y verás que cuando lo usas solamente alterarás esa zona de la imagen.

Aplicando un ajuste de corrección de color vemos que solamente alteramos el color de la zona seleccionada

Sin embargo, para este tipo de correcciones, las capas de ajuste vienen mucho mejor, ya que están pensadas precisamente para esto. Las capas de ajuste combinan el poder de las selecciones y de las máscaras para hacer una corrección de color por zonas perfecta.

3. Aplicar Filtros en una Sola Zona

De la misma manera que podemos aplicar una corrección de color en una zona concreta gracias a las selecciones, podemos aplicar también cualquier efecto del menú filtros. Desde aplicar un enfoque o desenfoque hasta los filtros más artísticos, cualquiera de ellos actuará solamente en la zona delimitada por la selección.

Aplicando un filtro de desenfoque gaussiano vemos que solamente alteramos la zona seleccionada

4. Copiar una Zona de la Imagen

Photoshop nos permite copiar cualquier zona seleccionada desde el menú Edición/Copiar o pulsando el atajo de teclado Ctrl (o Cmd) + C, y pegarla en una capa nueva desde Edición/Pegar o pulsando el atajo de teclado Ctrl (o Cmd) + V. Así, por ejemplo, puedes tapar otra zona que no te guste, o duplicar ciertas partes de la fotografía que te interesen.

También puedes, si lo prefieres, pegar esta zona copiada en otra imagen diferente o en un documento nuevo, si pretendes realizar cualquier tipo de fotomontaje.

5. Recortar una Zona de la Imagen

En lugar de copiarla, también puedes recortar la zona seleccionada desde Edición/Cortar o con el atajo de teclado Ctrl (o Cmd) + X y pegarla, igual que antes, desde Edición/Pegar o Ctrl (o Cmd) + V.

Ten en cuenta que si cortas una zona ésta se quedará transparente, mostrando un entramado de cuadrados blancos y grises. Por eso el cortar suele venir bien cuando queremos añadir otra imagen en la zona eliminada, por ejemplo, otro fondo.

Sino, siempre puedes taparla copiando otra zona encima, clonando con la herramienta Tampón de clonar, o puedes probar a seleccionarla y usar la opción Edición/Rellenar/Según contenido para que Photoshop "se invente" lo que podría haber dentro basándose en las zonas colindantes. Esta última opción no siempre funciona bien del todo, pero te puede dar una buena base para arreglar la zona bien después.

Cabe destacar que cuando recortamos ciertas zonas de la imagen para hacer fotomontajes, es más recomendable ocultarlas usando máscaras que borrarlas o cortarlas directamente, ya que con una máscara siempre vamos a poder modificar y recuperar ese recorte a posteriori.

Para ello simplemente después de haber realizado la selección, ve a Capa/Máscara de Capa/Ocultar Selección, o pulsa el botón rápido  que encontrarás debajo de la ventana de Capas.

Con una selección podemos recortar a alguien del fondo para ponerlo en otro sitio

Opciones Comunes a Todas las Selecciones

Antes de ver cómo funciona cada selección por separado, es interesante conocer primero algunas opciones que son comunes a todas o casi todas las selecciones de Photoshop.

1. Menú Selección

Desde el menú Selección encontraremos muchos ajustes que podemos aplicar a cualquier tipo de selección. Los más comunes son:

• Invertir: Podemos invertir la selección para seleccionar justo lo contrario a lo que está seleccionado. También se puede activar esta opción con el atajo de teclado Ctrl (o Cmd) + Shift + I.
• Seleccionar todo: Para seleccionar toda nuestra fotografía podemos usar el atajo de teclado Ctrl (o Cmd) + A.
• Deseleccionar: Para eliminar una selección podemos usar esta opción, o simplemente pulsar el atajo Ctrl (o Cmd) + D.
• Modificar: Desde este submenú podemos ampliar o contraer la selección, seleccionar solamente el borde de la misma, redondear sus esquinas o modificar la dureza de su borde. Esta última opción la ampliaremos más adelante.
• Transformar selección: Con esta opción vamos a poder modificar la selección a nuestro gusto, cambiando su escala, su perspectiva, rotándola o sesgándola, como hacemos con las imágenes con la opción de Transformación Libre. Al igual que ésta, haciendo click con el botón derecho del ratón dentro de la selección nos aparecerá un menú con todas las opciones de transformación disponibles.

Menú Selección

2. Sumar y Restar Selecciones

En todas las selecciones vamos a encontrar, en la barra de herramientas superior, los iconos de sumar  y restar  selección. Si intentas crear una selección cuando ya hay otra selección activa, la primera selección simplemente desaparecerá. Sin embargo, si dejas pulsado cualquiera de estos dos iconos la nueva selección se añadirá o se restará a la selección que había en primer lugar.

También puedes usar los atajos rápidos de teclado para hacer esto. Simplemente, cuando vayas a crear una nueva selección, mantén pulsado Shift para sumarla a la selección anterior, o Alt para restarla. Verás que, al pulsar estas teclas, al lado del cursor te aparecerá un pequeño símbolo de + o de - respectivamente.

Finalmente, al lado de estos iconos de sumar y restar encontrarás el icono de crear una intersección , para sustraer la nueva selección de la selección anterior. Esta herramienta no suele usarse tanto, pero puede venirnos bien en alguna ocasión concreta.

Ejemplo de suma y resta de dos selecciones

3. Desvanecer Borde

En muchas selecciones también vamos a encontrar en la parte de arriba la opción desvanecer, que por defecto nos va a aparecer fijada en 0 px. ¿Qué significa esto? El desvanecimiento va a definir la dureza del borde de nuestra selección. Con el desvanecer en 0 vamos a conseguir que el borde de nuestra selección sea completamente duro, es decir, que el borde de puntitos sea el límite exacto de nuestra selección.

Sin embargo, si aumentamos el número de píxeles del desvanecer, vamos a hacer que el borde de nuestra selección sea más difuso. Concretamente, se difundirá los píxeles que nosotros le hayamos definido en el número de px de desvanecer.

Ejemplo de desvanecimiento del borde en una selección cuadrada del mismo tamaño

¿Para qué nos puede servir esto? En muchas ocasiones, sobre todo si queremos aplicar un ajuste de color o un filtro, vamos a necesitar que el borde sea difuso para que el efecto se integre bien y no quede como un "pegote".

Además, si recortamos por ejemplo una persona para ponerla en otro sitio diferente, siempre se recomienda darle 1 o 2 px de desvanecer al borde, para que el recorte no sea tan duro y quede más natural.

Finalmente, como te comentaba antes, cabe destacar que si ya has realizado la selección y olvidaste ponerle desvanecimiento, puedes añadirlo a posteriori desde el menú Selección/Modificar/Desvanecer.

En ambas fotos se ha corregido la zona de la arena, pero en la izquierda se ha seleccionado con desvanecer a 0px y en la derecha con desvanecer a 200px. Se nota claramente el corte en medio del agua en la foto de la izquierda, mientras que en la derecha, al ser mucho más difuso, se integra mejor

4. Suavizar / Mejorar Automáticamente

En muchas selecciones vas a encontrar en la barra de opciones superior una casilla llamada Suavizar o Mejorar Automáticamente. Si activamos esta opción, la selección suavizará su borde automáticamente nada más crearse.

Suavizar el borde no significa lo mismo que Desvanecer, la dureza del borde va a ser la misma. Lo que significa es que se eliminarán automáticamente posibles aristas y bordes irregulares, que normalmente responden a un fallo en la selección.

Por eso es conveniente tenerla activada, a no ser que notes que la selección no está funcionando bien en los posibles bordes irregulares que tenga tu selección, ya que los podría interpretar como errores, cuando en realidad la selección debe ser así.

Selecciones Básicas en Photoshop

Ahora sí, ha llegado el momento de ver qué tipos de selección existen y cómo funciona cada una. Como te comentaba, en este artículo solo vamos a ver las más básicas, ya que es un artículo enfocado a principiantes. Por eso, en esta ocasión no vamos a hablar de selecciones avanzadas como la selección por canal, la selección con pluma o el perfeccionar borde. Sobre estas selecciones más avanzadas ya te hablábamos en el artículo La Guía Definitiva para Cambiar el Fondo de tus Fotografías con Photoshop.

1. Selección de Marco o Forma

La selección más básica que encontramos es la Selección de Marco o de Forma, que encontramos en el menú de herramientas lateral con este símbolo . Si la mantenemos pulsada, se nos desplegarán 4 tipos de selección diferente:

•  Marco rectangular: Crearemos una selección con forma rectangular.
• Marco elíptico: Crearemos una selección con forma circular.
•  Fila única: Crearemos una selección de 1 solo píxel de alto que abarcará todo el ancho de la imagen.
•  Columna única: Crearemos una selección de 1 solo píxel de ancho que abarcará todo el alto de la imagen.

Para crear estas selecciones solamente deberás pinchar con el ratón y arrastrarlo sin soltar para definir la forma y el tamaño de la selección. Si mantienes pulsada la tecla Shift mientras lo haces, tanto el marco rectangular como el elíptico crearán una selección proporcional totalmente cuadrada o circular respectivamente.

Las selecciones rectangular y circular sobre todo nos vendrán bien para aplicar ajustes o filtros en zonas concretas de la imagen, ya que es raro encontrar algo que podamos copiar o recortar que encaje justo dentro de estas formas. Con un Desvanecer bastante alto, también podemos usarlas para crear viñeteados.

Las otras dos selecciones, fila y columna única, es menos frecuente usarlas. Quizás puedan ser útiles para crear tablas o elementos poligonales.

Invirtiendo una selección de marco elíptico podemos crear un viñeteado muy natural

2. Lazo

Otra de las selecciones más básicas que encontramos en Photoshop es el Lazo . Para usar el lazo simplemente deberemos pulsar el botón izquierdo del ratón y, sin soltarlo, dibujar la selección como si de un lápiz se tratara. Cuando lleguemos al punto de inicio, o simplemente cuando soltemos el botón del ratón, la selección se cerrará y se creará.

El problema de esta selección es que al ser a mano alzada es muy poco precisa. Es cierto que si en lugar de un ratón usamos una tableta gráfica podremos ser mucho más precisos, pero aún así no deja de ser una selección a mano alzada.

Es por eso que esta selección nos va a venir bien para seleccionar zonas irregulares con un desvanecimiento muy alto, para aplicar filtros o efectos, o para sumar/restar pequeños trocitos a otras selecciones más precisas, para apurarlas y ajustarlas exactamente a la zona que queremos delimitar.

Hemos seleccionado el suelo con el lazo con un Desvanecer de 100px para aplicar un ajuste de Tono/Saturación y que se integre suavemente con la fotografía

3. Lazo Poligonal

Dentro de la herramienta Lazo, si la mantenemos pulsada, nos aparecerán otros dos lazos más. Uno de ellos es el Lazo poligonal . El lazo poligonal crea la selección haciendo clicks con el ratón.

Cada click, será un punto nuevo en nuestra selección, que irá avanzando hasta cerrarse cuando volvamos a llegar al punto inicial, o si simplemente hacemos doble click para que se cierre directamente.

El problema de esta selección es que si intentamos seleccionar algo curvo nos van a quedar aristas en la selección, por lo que esa curva no se seleccionará correctamente. Podemos intentar hacer los puntos muy juntos, para hacer la selección lo más curva posible, pero a no ser que esa curva sea muy pequeña no merece la pena perder el tiempo, ya que existen otras selecciones que vendrán mejor para seleccionar curvas.

Sin embargo, esta selección es muy interesante para seleccionar elementos poligonales, ya que las líneas de la selección serán totalmente rectas.

El lazo poligonal nos viene bien para seleccionar zonas rectas, pero en cambio en las zonas curvas e irregulares no es preciso y deja aristas

4. Lazo Magnético

Como te comentaba, dentro de la herramienta Lazo, si la mantenemos pulsada, encontramos otros dos lazos más. El otro lazo que encontramos es el Lazo magnético . El lazo magnético funciona de la misma manera que el lazo normal, pulsando el botón izquierdo del ratón y dibujando el trazo a mano alzada hasta llegar al punto inicial o soltarlo.

Sin embargo, la gran diferencia es que el lazo magnético analiza la zona que quieres seleccionar y "se pega" a la línea que él cree que debe ser el límite de la selección.

Esto es muy útil para seleccionar elementos complejos, pero tiene una limitación: la zona a seleccionar debe tener un color claramente diferente de la zona que no queremos seleccionar. Si ambas zonas tienen un color similar, el lazo magnético no será capaz de diferenciarlas y no se "pegará" correctamente a la línea.

Siguiendo con el ejemplo anterior, el lazo magnético sí ha podido ser más preciso a la hora de seleccionar las partes curvas e irregulares del castillo

5. Varita Mágica

Otra selección muy común en Photoshop es la Varita mágica . A diferencia de todas las selecciones que hemos visto hasta ahora, la varita mágica creará la selección de forma automática, no la vamos a tener que crear nosotros. Esto nos va a permitir seleccionar cosas con formas complejas.

La varita mágica va a seleccionar todos los píxeles con un tono similar al píxel que señalemos haciendo un simple click con el ratón. Sin embargo, esta herramienta tiene sus limitaciones: al igual que el lazo magnético, si la diferencia de tono entre lo que sí queremos seleccionar y lo que no queremos es mínima, va a liarse y probablemente seleccionará zonas que no queremos, y dejará zonas que sí queremos fuera de la selección.

Por eso, la varita mágica solamente nos va a venir bien si lo que queremos seleccionar tiene un tono muy diferente de lo que no queremos seleccionar. Sin embargo, vamos a poder hacerla un poquito más precisa que el lazo magnético con algunas opciones que veremos a continuación.

Selección realizada con Varita mágica a Tolerancia 30px y la opción de Contiguo desactivada, para poder seleccionar fácilmente los huecos blancos pequeños

En la barra de opciones superior encontraremos algunas opciones que no nos aparecían en las selecciones anteriores:

• Tolerancia: La tolerancia es una de las opciones más potentes de la varita. Con ella vamos a definir la exigencia de la varita mágica para discriminar o no, los tonos similares al píxel seleccionado. Cuanta menos tolerancia pongamos, más exigente se va a volver la varita, y cuanta más tolerancia le pongamos, más píxeles de tonos más diferentes seleccionará. La tolerancia normal para que la herramienta funcione correctamente oscilaría entre 20 y 50 px, pero cada fotografía es diferente, así que todo es cuestión de ir probando hasta encontrar la tolerancia correcta que seleccione exactamente los tonos que quieres. Además, como te comentaba antes, puedes añadir o restar selección, para poder elegir varios tonos en una misma selección. Por otra parte, también puedes bajar la tolerancia para restar o sumar zonas que no se hayan seleccionado correctamente, o incluso sumarlas y restarlas con otras herramientas como por ejemplo el lazo.
• Suavizar: Si activamos esta opción nuestra selección suavizará automáticamente cualquier arista o zona irregular que pueda haber en el borde. Es por eso que suele ser conveniente tenerla activada.
• Contiguo: Esta opción viene activada por defecto e implica que solamente se van a seleccionar los píxeles de tonos similares al píxel elegido, que estén colindantes a él, es decir, que sean contiguos. Si la desactivamos, se van a seleccionar los píxeles de tonos similares de TODA la fotografía. Normalmente esto no nos va a venir bien porque se van a seleccionar zonas que no queremos, pero puede ser útil en ciertos casos como en el ejemplo de arriba, por lo que conviene conocer esta opción.
• Muestrear todas las capas: Activar esta opción nos va a servir sobre todo cuando hacemos montajes, ya que nos va a permitir seleccionar una zona que no se encuentre delimitada en una sola capa, sino que sea una composición de varias capas. Así, en lugar de tener que acoplar las capas, tan solo deberemos activar esta opción.

En este caso desactivar la opción Contiguo no nos ha venido bien para seleccionar el cielo, ya que el acueducto también tiene muchas zonas de color similar que se han seleccionado

6. Selección Rápida

Selecciones Básicas en Photoshop - Selección Rápida

Encontramos la herramienta de Selección rápida  en la barra de herramientas lateral, dentro de la varita mágica, si dejamos pulsado su icono un segundo. Esta herramienta, al igual que la varita, nos va a permitir seleccionar zonas complejas, ya que la selección se va a ir creando automáticamente.

Para crear esta selección deberemos hacer click y arrastrar el ratón como si estuviéramos pintando toda la zona que queremos seleccionar. A medida que arrastramos el ratón, la herramienta analizará la zona y seleccionará la parte con un aspecto similar.

La ventaja que esta herramienta nos ofrece sobre la varita mágica es que la zona a seleccionar puede tener varios tonos diferentes sin problema, ya que al arrastrar el ratón por encima de todos ellos interpretará que queremos seleccionar todos esos tonos.

Eso sí, nos encontraremos con la misma limitación que con el resto de selecciones "automáticas": si el aspecto de la zona que no queremos seleccionar es similar al de la zona que sí queremos, la herramienta se confundirá y no la seleccionará correctamente. Sin embargo, al igual que con  el resto de selecciones, podremos añadir o restar zonas que se hayan seleccionado mal para ajustar la selección mejor.

Otra ventaja de la selección rápida es que en la parte superior tenemos un menú para configurar el pincel de la selección. Te comentaba que esta selección funciona como si estuviéramos pintando, pues tenemos un pequeño menú donde poder configurar el tamaño, la dureza y el espaciado de este pincel de selección.

De la misma manera que con la varita, en esta barra superior encontramos otras opciones interesantes:

• Muestrear todas las capas: Funciona exactamente igual que la opción de Muestrear todas las capas de la varita mágica.
• Mejorar automáticamente: Es una opción muy similar al Suavizar de la varita mágica, por lo que es interesante tenerla activada.

Con la selección rápida hemos podido seleccionar fácilmente este paisaje con diversos tonos, que habría costado mucho más de seleccionar con la varita mágica

7. Modo de Máscara Rápida

Finalmente, la última selección que vamos a ver es el Modo de máscara rápida. Esto no es en sí una selección, sino que vamos a entrar en un modo en el que nosotros mismos vamos a pintar la selección con la herramienta Pincel.

Para ello, lo primero que tenemos que hacer es activar el Modo de máscara rápida , que encontraremos en la barra de herramientas lateral, justo debajo de los cuadrados de selección de colores. Una vez pulsado este icono, se nos convertirá en este otro , que significará que ya estamos en el modo de máscara rápida. Además, notarás que tu capa actual aparece de color rojo en la ventana de capas.

Una vez en este modo, vamos a usar la herramienta Pincel  para pintar la zona que queramos seleccionar. Esta zona se pintará de un tono rojo semitransparente. Técnicamente lo que NO pintemos es lo que será seleccionado, pero normalmente es más fácil pintar lo que SÍ queremos seleccionar y después invertir la selección. Puedes configurar el tamaño, la forma, la dureza y la opacidad del pincel para ajustar la selección exactamente a lo que necesites. También puedes usar la herramienta Borrador  para borrar alguna zona que hayas pintado sin querer.

Para tener más precisión con esta herramienta es recomendable usar pinceles pequeños para los bordes de la selección, acercarnos a la zona con la lupa y trabajar con una tableta gráfica en vez de con el ratón.

Finalmente, cuando ya hayamos seleccionado toda la zona correctamente, volveremos a pulsar el icono de Modo de máscara rápida para salir de este modo. En ese momento, toda la zona que no estaba pintada de rojo quedará seleccionada. Si lo que querías seleccionar era la zona pintada, simplemente deberás invertir la selección desde el menú Selección/Invertir selección o pulsando el atajo de teclado Ctrl (o Cmd) + Shift + I.

Podemos activar este modo en cualquier momento, incluso cuando ya tenemos una selección activa, aunque la hayamos realizado con otra herramienta de selección. Así, podremos "editarla" en este modo, pintando o borrando zonas para ajustarla a nuestras necesidades. De hecho, este modo sirve realmente para esto, para apurar otras selecciones, ya que pintar una selección desde cero normalmente nos costará más así que usando otras herramientas de selección.

En esta foto vemos que en el modo de máscara rápida el cielo está pintado de rojo, por lo que significa que al salir de este modo estará seleccionado todo menos el cielo, es decir, tendremos seleccionados el suelo y la montaña

¡Atrévete a Experimentar con las Selecciones!

Como has visto, existen multitud de tipos de selección para poder ajustarla exactamente a lo que quieres. Tan solo es encontrar la que mejor te venga y echarle un poquito de paciencia, ¡pero el resultado merecerá la pena!

¿Y tú? ¿Ya usabas las selecciones? ¿Quieres compartir con nosotros algún montaje o ajuste que hayas realizado con ellas? ¡Nos encantaría verlos!

Con la selección que habíamos realizado antes en esta foto hemos conseguido borrar el cielo blanco y colocar otro mucho más atractivo

Cada momento del día tiene una luz concreta. En numerosos artículos te hemos dicho que la luz del atardecer es una de las más buscadas por los fotógrafos, independientemente de la temática que se quiera abordar. En esta ocasión vamos a analizar cómo podemos aprovechar al máximo la luz del atardecer para conseguir retratos espectaculares.

La Mágica Luz del Atardecer

No es ningún secreto. La luz del atardecer es una de las más buscadas por los fotógrafos y sus cámaras. Las puestas de sol nos brindan una atmósfera cálida y suave que les otorga a nuestras fotografías un atractivo especial.

Pero aunque esa luz sea buena, para poder aprovecharla y sacarle partido tenemos que conocer sus características y saber cómo trabajar con ella, para poder configurar nuestra cámara y conseguir el resultado que queremos en nuestra toma.

foto por Irene Mei (licencia CC)

En esta ocasión nos hemos propuesto trabajar la temática de retratos con la luz del atardecer, así que repasemos qué debemos conocer de la luz con la que vamos a trabajar:

• La temperatura de color de la luz del atardecer es cálida.
• Es una luz que se va haciendo más suave y menos contrastada a medida que baja el sol y aparece la neblina atmosférica que la difunde.
• La dirección desde la que proviene la luz es baja.
• La luz varía de manera muy rápida, por lo que deberás estar preparado para realizar algunos reajustes de configuración.

Una vez conocidas las principales características, vamos a ver cuáles son las claves para realizar una sesión de retrato con éxito durante el atardecer.

1. Elige y Estudia la Localización de la Sesión

Lo primero que tenemos que hacer antes de empezar con la sesión de retrato es haber elegido y estudiado la localización en la que realizaremos la sesión. No nos vale cualquiera, y además nos podemos llevar sorpresas desagradables si vamos improvisando sobre la marcha en el mismo momento de la sesión.

Imagínate que habías pensado en hacer la sesión en plena calle para conseguir un retrato callejero al atardecer. Puede que algún edificio en el que no pensabas tape por completo los últimos rayos de luz del día y te impida conseguir tu foto que deseabas.

Es interesante tener estudiada la localización para saber la hora exacta en la que tiene lugar el atardecer, y por dónde se va a esconder el sol, además de elegir en qué lugares exactos queremos las fotos. En un rincón de un parque, al lado de una fuente, junto a la orilla del mar... Es recomendable que te acerques antes del día de la sesión al lugar y te anotes cuáles son los escenarios perfectos para tus fotografías, ya sea en una libreta o en tu móvil y así tenerlos presentes el día de la sesión.

Y no solo eso, sino que este proceso también nos servirá planificar cuáles serán las fotos principales de la sesión que queremos hacer y en qué orden las realizaremos. Por ejemplo, si llegamos muy pronto intentaremos localizar un rincón con sombra para empezar con la sesión mientras la luz todavía es dura y contrastada. Otro aspecto a tener en cuenta es cuál es el punto más alto del lugar en el que la luz del atardecer aguantará más, para así aprovecharla al máximo. Y por último, es interesante que localicemos cuál es la mejor ubicación para ver la puesta de sol e incluirla en nuestras últimas tomas.

2. Acude a la Lugar con Antelación

Una vez estudiada la localización lo siguiente será acudir el mismo día de la sesión con antelación al lugar en el que realizaremos las fotos. ¿Cuanto tiempo antes? Pues lo recomendable es estar entre una o media hora antes de que empiece el atardecer, ya que así nos dará tiempo a prepararnos, y a intercambiar opiniones con nuestros modelos y que éstos cojan confianza con nosotros.

Ese tiempo también nos servirá para explicarle a los modelos cuál es la planificación de la sesión.

3. Aprovecha los Diferentes Momentos de Luz

Como te decía antes, un amanecer o un atardecer tiene diferentes fases de luz que nos ofrecerán tomas diferentes. Es por ello que seguiremos el siguiente esquema en nuestras sesión de retrato al atardecer:

1. Fotografías a la sombra mientras la luz todavía es dura y con fuertes contrastes. Pon a tu modelo o modelos en un lugar en el que haya sombra. Durante estos primeros momentos la luz probablemente no será la más bonita de la sesión, sino que provocará sombras duras y fuertes contrastes poco favorecedores, por eso la mejor solución es que tus modelos se sitúen en un lugar en el que haya sombra, y el sol se quede reservado para iluminar el fondo como mucho.
2. Fotografías en las que se filtra la luz y tenemos una atmósfera mágica. El siguiente tipo de fotografía que llevaremos a cabo será introduciendo ya el sol en la toma, pero filtrándolo con los elementos que tenemos disponibles en el encuadre, como por ejemplo las ramas de un árbol. 
3. Fotografías de siluetas. Las siluetas pueden resultar muy atractivas en fotografía, sobre todo si tenemos un bonito atardecer como telón de fondo, así que antes de que baje más la posición del sol, éste puede ser el momento de probar con algunas tomas en las que salga la silueta de nuestro modelo.
4. Fotografías durante la hora dorada. En este momento será cuando tengamos la luz de la famosa hora dorada. Ésta es la famosa hora en la que la luz es cálida y difusa, así que aprovéchala al máximo porque no dura demasiado. Puedes aprovechar esa cálida luz para iluminar el rostro de tu modelo colocándole de forma frontal al sol, puedes realizar un bonito contraluz, iluminar con ella el contorno de tu modelo, jugar con las siluetas o incluso buscar la aparición de flares en la lente.
5. Fotografías durante la hora azul. La hora azul se produce justo en el momento en el que el sol ya se ha puesto, y dura como mucho 15 minutos. Aunque nuestros modelos ya no estarán iluminados por los rayos del sol, el ambiente que tenemos, la luz suave y los tonos del cielo pueden ser muy atractivos, así que aprovecha este momento para realizar algunas capturas más.

3. Configura Adecuadamente la Cámara

Tenemos que encontrar un punto de equilibrio entre la sensibilidad ISO, la apertura de diafragma y la velocidad de obturación escogidas para las fotos. Para ello lo mejor será trabajar en modo manual, siempre teniendo en cuenta que:

• Cada vez tendremos menos luz, por lo que necesitaremos emplear aperturas de diafragma amplias, siempre revisando que la profundidad de campo de nuestra imagen sea la suficiente tener enfocado a nuestro sujeto.
• Que la velocidad de obturación no deberá ser muy baja, ya que por un parte sí, obtendremos más luz, pero el problema será que nuestros sujetos saldrán movidos.
• La sensibilidad ISO no debe ser demasiado elevada. Cada vez los sensores tienen más calidad, pero debemos conocer cuál es el límite de sensibilidad ISO en el que nuestra cámara trabaja bien para que el ruido no estropee nuestra fotografía.

foto por SaraLuperini (licencia CC)

Otro punto aconsejable es que dispares tus tomas en formato RAW, ya que de este modo no importará el balance de blancos que utilices en el momento de la toma, porque lo podrás cambiar en edición sin perder calidad. Además, un RAW siempre te ofrece mayor margen de corrección que un JPEG, y sino échale un vistazo a los ejemplos que te poníamos en este otro artículo. Si no quieres o no te es posible disparar en RAW, entonces configura tu balance de blancos entre 3.000 y 4.000 kelvin para conseguir los tonos propios de atardecer.

3. Lleva Accesorios de Iluminación

Puedes hacer tus fotografías utilizando únicamente la luz natural de la que dispones en el ambiente, o utilizar accesorios de iluminación que complementen la luz de la escena, como pueden ser un reflector 5 en 1 o un flash externo. Con ellos lo que haremos será restar sombras en el rostro de nuestros modelo, al tiempo que podremos mantener una exposición acertada del fondo del retrato.

Si usas el reflector ten en cuenta que la parte dorada es la que te dará una luz más cálida que se asemeje a la luz propia del atardecer, aunque ello no implica que no puedas optar por los lados blanco o plateado y así crear cierto contraste.

Si utilizas uno o varios flashes externos también puedes añadirles geles CTO para conseguir una luz más cálida. Para no sobreexponer el rostro de nuestro modelo cuando usamos flashes, deberemos medir la exposición de la toma no en su rostro sino en el fondo, y luego recomponer la toma. También puedes suavizar la luz del flash gracias a difusores como paraguas, y es aconsejable que trabajes con los flashes no desde una posición frontal, sino que puedas colocarlos donde tenga más sentido, y para ello el uso de triggers será necesario.

Otros Consejos para un Retrato al Atardecer Perfecto

foto por Sheng P. (licencia CC)

Además de los consejos en cuanto a la luz que te hemos dado, recuerda que en un retrato influyen muchas variables para lograr un buen resultado. Entre ellas, el posado por ejemplo. En este artículo te contábamos como unos ligeros cambios en las poses de tus modelos pueden cambiar de forma radical el resultado final.

La posición de las manos también juega un papel importante en el posado, así que revisa el trabajo con ellas.

El ángulo o el tipo de plano desde el que hagas la toma también influirán mucho en el resultado final, así que no los descuides. Por ejemplo, si quieres introducir el sol en tu captura el plano deberá ser más amplio (plano general), mientras que si no quieres introducirlo puedes optar por planos más cercanos e íntimos. Por norma general, cuando tengamos la mejor luz haremos uso de planos más amplios, mientras que cuando la luz todavía no es la idónea recurriremos a planos más cerrados.

Y por último, recordarte que en nuestra guía para conseguir buenos retratos encontrarás diferentes puntos clave para tener en cuenta y mejorar tu fotografía de retrato.

Disfruta Fotografiando Retratos al Atardecer

foto por Phong Nguyen (licencia CC)

Complementar una de las luces naturales más bonitas que hay, como es la del atardecer, con una temática como la de retratos puede darnos resultados sorprendentes. Y lo mejor, es que las tomas que podemos lograr son de lo más variadas. ¡No lo pienses más! ¡Anímate y disfruta capturando tus mejores retratos con la luz favorita de los fotógrafos!

El verano es esa gran época del año en la que ultimamos los preparativos para disfrutar de las vacaciones. Es la época en la que nos preparamos las maletas, disfrutamos de la piscina y la playa, de los viajes, de la familia, de una cervecita fresquita para combatir el calor... y por supuesto, de la fotografía.

Por si necesitas un poquito de inspiración, a continuación te dejo un buen recopilatorio de fotos con un toque veraniego. Y si lo que necesitas son consejos para practicar la fotografía en verano, no dejes de leer estos artículos:

• ¿Qué Fotografiar este Verano?
• Consejos para Disfrutar de tu Cámara este Verano
• 24 Consejos para Proteger tu Cámara este Verano
• 13 Consejos Básicos para Hacer Fotos en la Playa

¡A disfrutar del verano! 

1. Gaviotas

Nikon D300s · ƒ/10.0 · 1/250s · ISO 200

Para muchos, las gaviotas se asocian a la playa y las vacaciones. En esta toma para poder captarlas con la cámara se empleó una velocidad rápida que fuera capaz de congelar el movimiento, con una profundidad de campo grande que permitiera sacar a foco a todas ellas.

2. Lecturas de Verano

Nikon D750 · 50.0mm · ƒ/1.4 · 1/1250s · ISO 50

El verano es una buena época para coger ese libro que tantas veces has querido empezar. Para esta foto fíjate en que se ha utilizado una apertura de diafragma muy grande, y gracias a ella se ha logrado sacar un fondo difuminado con bokeh.

3. Tonos de playa

NIKON D4S · ƒ/ 2.8 · 1/2500s · ISO 100

Verano y playa van cogidos de la mano. Lo que nos ha cautivado de esta toma no es solo el motivo, sino el atractivo juego con el contraste de colores.

4. Alcanzar la cima

Nikon D3300 · ƒ/3.5 · 1/500s · ISO 100

Los hay que se van a la playa, y los hay que se van a la montaña para poder escalar la cima más alta y cumplir su reto. Esta toma se hizo con un gran angular para poder recoger el paisaje como telón de fondo de este retrato sin rostro.

5. Child with ice cream cone

¿Qué tendrán los helados que nos gustan tanto? Estos pueden convertirse en un elemento de atrezzo de tus retratos familiares veraniegos.

6. La Feria

Canon EOS 5D Mark III · ƒ/6.3 · 1.6s · ISO 100

En verano son muchos los lugares que ponen en marcha sus ferias. Este lugar es ideal para llevarse la cámara y el trípode, y jugar con largas exposiciones en nuestras tomas y las luces de colores del ambiente.

7. Detalles del mar

Los detalles importan, por eso en esta toma una simple caracola de mar con un fondo desenfocado y la luz del atardecer nos genera sensación de tranquilidad y paz.

8. Colorful beach huts on beach

FUJIFILM X-T10 · ƒ/2.0 · 1/4000s · ISO 200

El contraste de colores potencia nuestras imágenes, así que aprovecha si cuando acudes a la playa compruebas que hay casetas de colores pegadas las unas a las otras.

9. Just below the surface

Canon EOS-1D X Mark II · ƒ/11.0 · 1/250s · ISO 1250

Durante el verano pasamos gran parte del tiempo debajo del agua refrescándonos. Es por ello que una buena idea puede ser hacerse con una cámara gopro y fotografiar desde debajo el agua.

10. Vía Láctea

Canon EOS 5d Mark III · 16.0mm · ƒ/2.8 · 25/1s · ISO 3200

Durante las vacaciones de verano puedes aprovechar las noches y fotografiar la impactante vía láctea. Recuerda que deberás buscar un sitio con poca contaminación lumínica, y que depende del hemisferio en el que estés podrás disfrutar de ella en una época del año u otra. En este tipo de fotografía marcará la diferencia un buen procesado de la imagen.

11. Niña en la playa

Los peques son los protagonistas del verano, así que no olvides aprovechar y sacarles bonitos retratos allá donde estés.

12. Explosión en el agua

Panasonic DC-GH5 · ƒ/2.0 · 1/125s · ISO 200

Si no has podido salir de vacaciones no te preocupes. Puedes hacer fotografías veraniegas también dentro de casa, y practicar técnicas fotográficas como la alta velocidad de esta toma.

13. Family silhouette

NIKON D90 · ƒ/16.0 · 1/1250s · ISO 400

No te olvides de captar los momentos mágicos con la familia, como en esta toma, que el juego de siluetas ha creado una bonita imagen.

14. Santorini

Sony Ilce-7r · ƒ/3.5 · 1/500s · ISO 100

En verano muchos aprovechan para viajar y visitar lugares con los que siempre han soñado. No te olvides de coger tu lente angular para poder captar paisajes amplios con tu cámara.

15. Bubbles

SONY ILCE-7M2 · ƒ/2.5 · 1/200s · ISO 500

Las burbujas de jabón pueden ser muy divertidas, y además podremos sacar tomas originales con ellas.

16. Happy child playing on the beach

NIKON D90 · ƒ/5.0 · 1/3200s · ISO 200

De nuevo, la familia disfrutando en la playa. Aquí es importante trabajar con velocidades de obturación altas para congelar el movimiento  de los sujetos.

17. Beach sunset

Canon EOS 50D · ƒ/7.1 ·1/10s · ISO 100

En verano también puedes escaparte para hacer fotografía de paisaje y capturar un bonito atardecer en un paisaje de costa, con velocidades de obturación lentas para lograr un atractivo efecto seda.

18. Flamingo

GoPro HERO3 Black Edition · ƒ/2.8 · 1/1600s · ISO 100

De nuevo, gracias a las cámaras de acción podemos capturar escenas menos corrientes, como esta en la que vemos tanto por encima como por debajo del agua.

19. El salto

Canon EOS 5D Mark III · ƒ/4.0 · 1/5000s · ISO 400

Utilizar velocidades de obturación alta también nos servirá para congelar el salto de una persona a una piscina o lago.

20. Amor de verano

SONY ILCE-9 · ƒ/4.5 · 1/125s · ISO 250

Crea historias a partir de los detalles.

21. Merecido Descanso

Canon EOS 6D · ƒ/4.5 · 1/200s · ISO 125

Con un retrato sin rostro puedes hacer que quien observa la fotografía se sienta identificado con el sujeto de la toma, como en este caso, podemos imaginarnos dándonos un baño relajante.

22. Diversión

Canon EOS 5D Mark III · ƒ/2.0 · 1/1600s · ISO 200

Las altas velocidades te ayudarán a congelar el movimiento y captar la esencia de un instante. En este caso, al emplear también un número f bajo se ha conseguido un precioso bokeh en las gotas de agua.

23. Splash

Nikon D3100 · ƒ/6.3 · 1/1250s · ISO 400

De nuevo, con velocidades altas podemos congelar el movimiento de un pelo mojado logrando una curiosa imagen.

La luz es básica en la fotografía, no te descubro nada nuevo. Y si además esa luz tenemos que proporcionarla nosotros con accesorios como los flashes, se convierte en un aspecto fundamental a la hora de conseguir buenos o malos resultados en tus fotografías.

En el artículo de hoy quiero que conozcas los 5 modos, probablemente, más conocidos de iluminar tus retratos de estudio. Sí, no creas que cuando uno se dispone a hacer un retrato e iluminarlo adecuadamente es cuestión de azar el conseguir un buen resultado. Todo lo contrario, hay un amplio abanico de posibilidades, que deberás manejar. ¿Quieres conocerlas?

Ante Todo, Evita La Luz Frontal

Recuerda que, cuando te hablamos de los muchísimos beneficios que te ofrece un flash externo, uno de los más importantes que destacamos fue el de poder dispararlo desde una posición distinta a la de la cámara.

Esta características es fundamental y, en la medida de lo posible, trata de hacer uso de ella siempre que puedas. Los resultados que ofrece una toma con iluminación de flash frontal y disparado desde la misma posición en que se encuentra la cámara no son nada buenos.

Por supuesto, hay veces que no te queda más remedio. Pero, si puedes, separa el flash de la cámara. Evitarás reflejos, ojos rojos, sombras mucho más irreales y, en definitiva, un resultado nada natural.

Luz Frontal No, Vale. ¿Desde Qué Posición Ilumino Entonces?

Bien, ha quedado claro que hay que procurar separar flash y cámara, pero una vez separados, hay muchas posibilidades a la hora de colocar el flash, ¿verdad?

Pues vamos a hablar de 5 posibilidades, destacando sus características. Así que, presta atención y toma nota para poder ponerlo en práctica.

#1 Rembrandt Light

Este modo de iluminación busca conseguir un resultado similar al que caracteriza a los retratos del genial pintor.

Pero, ¿qué tienen de particular sus retratos? Pues, muy sencillo, presentan una parte del rostro claramente iluminada y otra más en penumbra (apareciendo un pequeño triángulo de claridad bajo el ojo de esta parte menos iluminada).

El cómo conseguirlo es muy sencillo, hay que situar la fuente de luz a unos 45º de la cámara, que se posicionará frente al sujeto a retratar. A 45º, pero en la otra dirección de la cámara, se podrá situar un reflector.

foto por Peter Hessels (licencia CC)

#2 Split Light

Si llevamos al extremo el modo de iluminación anterior, es decir, situando la fuente de luz a 90º de la cámara y, por tanto, completamente en el perfil del sujeto a fotografiar, conseguimos el modo split light.

Este modo recibe este nombre porque la palabra split en inglés significa partir / dividir y eso es, precisamente, lo que se consigue con esta iluminación, partir al sujeto en dos: la mitad de la cara completamente clara y la otra mitad en penumbra.

Se trata de una iluminación muy dramática, que puede ser útil si lo que buscas es, precisamente, transmitir esta sensación.

foto por Christine Tran (licencia CC)

#3 Broad Light

El tercer modo de iluminar retratos es a través de la denomida broad light, que es una mezcla entre los dos modos anteriores.

En este caso, la luz se sitúa a 45º de la cámara, como en el modo Rembrandt, pero la cara del sujeto a retratar se gira 45º en sentido opuesto.

De este modo, se expone claramente un perfil de la cara, y el otro queda oculto, confiriendo a la toma una mezcla de belleza e intriga.

foto por Jefferson Clark (licencia CC)

#4 Butterfly Light

El curioso nombre de este modo de iluminación viene de la sombra que se genera bajo la nariz del sujeto retratado, en forma de mariposa (butterfly).

Para conseguirlo, basta con situar la fuente de luz enfrente del sujeto, pero en lugar de hacerlo a la misma altura que la cámara, el flash ha de elevarse, de modo que se consiga una iluminación superior.

Se trata de una posición formando un ángulo de 45º con respecto a la cámara, pero, en este caso, en el plano vertical, no en el plano horizontal como en el caso de Rembrandt light.

foto por Elsa Salinas (licencia CC)

#5 Loop Light

El último modo de iluminación que vamos a ver en este artículo es el conocido como loop light, se trata en este caso de un modo intermedio entre Rembrandt y butterfly.

El resultado es similar al del modo butterfly, aunque con las sombras ligeramente curvadas y desplazadas hacia el lado opuesto al de la fuente de luz.

Para lograrlo, basta con situar la fuente de luz a 45º de la cámara tanto en el plano vertical, como en el plano horizontal.

foto por Kaytee Dalton (licencia CC)

¿No Ha Quedado Claro? Mejor Te Lo Explico Con Un Vídeo

Reconozco que los esquemas anteriores pueden no ser suficientemente explicativos, por eso voy a dejarte el vídeo en base al que yo he podido obtener los esquemas anteriores.

Se trata de un vídeo de Jay P. Morgan, que, aunque está en Inglés, será más que suficiente, junto con los párrafos anteriores, para que te enteres a la perfección de cómo funcionan estos 5 modos de iluminación.

Y, si todavía te quedan dudas, que no creo, te dejo también otra página de apoyo: Virtual Lighting Studio. En ella puedes simular los resultados que ofrece cada modo de iluminación.

También te puede interesar: Cómo Montar tu Propio Estudio Fotográfico Casero Lowcost

Ahora Sólo Queda Ponerlos En Práctica

Como suelo acabar mis artículos, ahora es cuando te propongo que pongas en práctica lo aprendido y nos cuentes qué tal te resulta.

También puedes hablarnos de otros modos de iluminación que conozcas y que creas que puede ser de utilidad conocerlos para el resto, etc.

El mundo de la iluminación es apasionante y muy amplio, así que, ya sabes, estamos deseando aprender con tus conocimientos, experiencias y dudas. ¡Compártelos!

Fotografía de Portada: Galería de Astragony - Bamboo

La arena de la playa, la sal del mar, la humedad, el calor... Lo cierto es que el verano y las vacaciones son momentos en los que tu cámara está especialmente expuesta. Por eso es necesario mantener la guardia alta y redoblar los esfuerzos para protegerla al máximo.

Si estamos protegiendo, lo primero es saber cuáles son nuestros enemigos. Por el tipo de actividades que llevamos a cabo en el período estival, los principales riesgos para tu cámara suelen ser: arena, sal, agua, altas temperaturas y caídas. Permanece en guardia frente a estos peligros y tu cámara te lo agradecerá.

En el artículo de hoy hemos recopilado una serie de consejos útiles para conseguir que tu equipo supere la prueba y dure muchos años. Por muy cuidadoso/a que seas, seguro que esta información te sirve como recordatorio o incluso te da alguna idea más para mantener tu cámara segura a pesar de los peligros.

Luchando Contra la Arena

La arena es especialmente peligrosa cuanto más fina es. Al intentar eliminarla de componentes ópticos, puede producir rayaduras permanentes e irreparables.

También se puede introducir por pequeñas rendijas dañando botones y componentes electrónicos. Estas son algunas medidas que puedes tomar para luchar contra ella:

#1. Evita el Contacto Directo

Si eres amante de la playa seguro que has tenido la experiencia de comprobar hasta dónde se puede llegar a colar la arena y lo difícil que es eliminarla completamente.

Por eso, evita el contacto directo de tu cámara con la arena. Para ello, procura tener la cámara en su funda cuando no la estés utilizando, y la bolsa siempre en alto, lo más alejada posible del suelo.

#2. Manos y Cara Limpias

Antes de coger la cámara, asegúrate siempre de tener las manos y la cara perfectamente limpios y sin un grano de arena pegado.

Somos conscientes de que la ausencia total de arena en el cuerpo cuando estás en la playa, es prácticamente imposible. Por tanto, evita poner la cámara en contacto otras partes del cuerpo que sí pueden estar impregnadas de partículas.

#3. Nunca Realices una Fricción

Si descubres que hay algunos granos de arena adheridos a la cámara, no los quites con lo primero que tengas a mano. Deberás tener especial cuidado si la arena se encuentra sobre los componentes ópticos de tu equipo.

Debes limpiar bien tus lentes. Ni se te ocurra aplicar fricción con algún tejido, porque solo conseguirás arañar el material y dejar una marca que no se podrá reparar nunca.

#4. Mejor Limpiarla en Casa con Tranquilidad

Si se te cae la cámara al suelo o entra en contacto directo con la arena de forma agresiva, es mejor que la guardes en la bolsa y no vuelvas a usarla. Es preferible llegar a casa y tomarte tu tiempo para limpiarla.

Utiliza una pera de aire eliminar toda la arena que haya quedado adherida a la lente o al cuerpo y la brocha o pincel para incidir suavemente en las zonas más conflictivas.

#5. Evita Soplar Tú

Como te acabamos de comentar, el aire a presión viene muy bien para limpiar los restos de arena. Lo que nunca debes hacer es soplar tú con la boca.

Si lo haces, corres el riesgo de que con el aire también se proyecten diminutas gotas de saliva. Si se mezclan junto con la arena pueden crear una combinación fatal muchísimo más difícil de eliminar.

#6. Deja la Tapa del Objetivo Puesta

Cuando no estás haciendo fotos, pero no quieres guardar la cámara en la bolsa porque pronto la vas a volver a usar, lo más recomendable es que mantengas puesta la tapa del objetivo el mayor tiempo posible.

Así evitarás salpicaduras, golpes y si alguna racha de viento levanta algo de arenilla, la tapa protegerá la lente al máximo.

#7. Usa un Filtro UV

Fragmento Fototip Filtros para Fotografía de Paisaje

Los filtros UV se utilizan para proteger el objetivo. Por un lado, en las cámaras más antiguas absorben los rayos ultravioletas consiguiendo que determinadas fotos parezcan más claras y naturales.

Y, por otro lado, protegen tu objetivo de la arena, el agua y otros agentes externos incluso de los golpes que podemos darle sin querer.

#8. Pon una Carcasa

foto por Nicolas (licencia CC)

Desde que las cámaras de acción están de moda y la gente se las lleva a la playa o a la piscina, se usan cada vez menos las carcasas acuáticas para las cámaras digitales habituales.

Sin embargo, aún existen carcasas estancas genéricas o para modelos concretos que te permitirán hacer fotos sin ningún riesgo. Quizá perderás algo de nitidez y comodidad pero valdrá la pena para proteger tu equipo.

#9. Guarda la Cámara en una Bolsa Hermética

Cuando acabes de usar tu cámara y quieras guardarla de nuevo en la mochila o funda fotográfica, introdúcela antes en una bolsa hermética de plástico como las que usas para los alimentos congelados.

De este modo, si la arena se ha colado dentro de la bolsa de tu equipo, todavía le quedará otro nivel de protección adicional.

#10. Evita Cambiar de Objetivo

Como sabes, siempre hay fibras, polvo y partículas suspendidos en el ambiente. Además, puede aparecer un soplo de aire cargado de suciedad en el momento en que estás cambiando la lente... ¿Conoces la Ley de Murphy verdad?

Pues no te arriesgues a exponer el sensor de tu cámara bajo estas circunstancias porque las consecuencias podrían ser fatales.

Defendiéndote de la Sal

La sal es tan peligrosa como la arena, solo que además también es corrosiva. El agua salada, al secarse, puede convertirse en pequeñas escamas de sal o polvo de sal que son capaces de colarse por todas partes y que incluyen potentes agentes corrosivos.

De hecho, aunque nos sequemos bien después de bañarnos en el mar, nuestra piel contiene restos de sal. Por lo tanto, a la hora de hacer fotos en la playa, ten en cuenta los consejos que te dimos para la arena y además considera los siguientes:

#11. Lávate las Manos

Antes de sostener la cámara, enjuágate las manos con abundante agua dulce o con una toallita húmeda desechable.

Por muy bien que te seques con la toalla, el salitre no se elimina. Además, la toalla seguramente tendrá arena también, con lo cual el peligro es doble.

#12. No te Cuelgues la Cámara

Si tu intención es bañarte en el mar y luego salir y seguir haciendo fotos, vístete primero. Recuerda que después de bañarte tu cuerpo y tu traje de baño contendrán restos de sal.

Aunque te hayas lavado las manos, si te cuelgas la cámara al cuello es más fácil que tu cámara entre en contacto directo con el agua salada.

#13. Usa el Parasol

foto por Neil Girling (licencia CC)

El parasol no solo es un accesorio que evita que la luz estropee tus fotos. También nos sirve (y mucho) para ganar protección extra.

Las minúsculas gotas de agua de mar que se generan en la playa por efecto de las olas son una amenaza real. De igual modo, también protege la lente de golpes y amenazas externas.

Evitando el Agua y la Humedad

En verano, en nuestro tiempo de ocio solemos tener a menudo muy cerca el agua para combatir el calor, ya sea en piscinas, lagos, playas o ríos.

En el mejor de los casos, nuestras manos y cuerpo suelen estar mojados o húmedos. En el peor de los casos, se nos puede caer la cámara.

Cualquier tipo de componente electrónico mezclado con agua suele acabar en catástrofe, así que toma nota de estos consejos:

#14. Manos y Cara Secas

Además de tener las manos limpias es importante que tanto tus manos como tu rostro estén completamente secos. Si mojas la cámara, por poco que sea, esas gotas se pueden filtrar y crear condensación.

Las consecuencias de esas filtraciones pueden ser que se formen hongos o que incluso se estropeen piezas electrónicas internas y la cámara deje de funcionar.

#15. Evita Zonas Peligrosas

Trata de situar la cámara lejos de lugares de peligro en los que pudiera mojarse por accidente. Si el agua está muy cerca, la exposición al riesgo es muy alta.

Lo mejor es evitar las situaciones de peligro pero si no hay más remedio, ponle una carcasa acuática a tu cámara y no se la quites, incluso cuando estés fuera del agua.

#16. Si se Moja, No la Enciendas

Es un acto reflejo que apenas podemos controlar. Cuando algo le pasa a la cámara solemos encenderla inmediatamente para ver si se ha estropeado.

Pero haznos caso, si se trata de agua no lo hagas. En esta ocasión es preferible que se seque del todo primero. Encender la cámara estando mojada puede causar daños mucho peores.

#17. Si se Cae Directamente al Agua...

No te vamos a engañar. Si tu cámara se cae al agua y se sumerge parcial o totalmente en ella la situación va a ser realmente complicada.

Tenemos un artículo donde te contamos paso a paso qué debes hacer si esto ocurre, pero intenta que nunca te pase: ¡¡¡Socorro: Cámara al agua!!!

Combatiendo las Altas Temperaturas y la Luz Directa

La exposición directa al inclemente Sol del verano de tu cámara es un importante enemigo para su durabilidad, especialmente de determinados materiales.

Si es un exposición prolongada se pueden llegar a ocasionar incluso daños irreparables. Aquí tienes algunos consejos que puedes seguir:

#18. No Dejes la Cámara al Sol

Ni siquiera si se encuentra dentro de la bolsa, no dejes que la cámara reciba la luz del Sol de forma directa. Siempre que vayas a dejar la cámara sin usar por unos momentos, busca un lugar a la sobra lo más fresco y seco posible.

Por otro lado, vigila también el Sol y su trayectoria para evitar que sin darte cuenta pasen las horas y el Sol incida directamente sobre tu equipo.

#19. Evita Dejarla Dentro del Coche

Si tienes que dejar la cámara en el coche busca un lugar totalmente cubierto donde vaya a estar fresco y no reciba en ningún momento del día la luz del Sol.

Cuando dejes el coche en un exterior recuerda que la cámara no se vea desde fuera. Además de que no le dé el Sol, también nos interesa protegerla frente a los amigos de lo ajeno.

#20. Consulta sus Limitaciones

Nunca está de más repasar el manual de cámara para comprobar cuál es el rango de temperaturas que el fabricante indica para tu modelo.

Hay algunas cámaras rugerizadas y tempestizadas más resistentes que las habituales que son ideales para la práctica de ciertos deportes. No lleves tu cámara al límite nunca, pero conoce de lo que es capaz.

Previniendo los Golpes y las Caídas

Tenemos que reconocer que este no es un riesgo veraniego, sino que se extiende a lo largo de todo el año.

Pero no por ello hay que prestarle menos atención. Si no quieres lamentarte después, ten en cuenta también estos consejos para proteger tu equipo:

#21. Procura Mantener la Cámara en la Bolsa

Cuando no estés usando la cámara y sepas que no vas a usarla en un buen rato, guárdala en bolsa o mochila fotográfica. Llevarla continuamente fuera por la comodidad de tenerla a mano puede ser un riesgo innecesario.

Y en caso de que veas una situación de peligro, no lo dudes, métela rápidamente en la bolsa o incluso protégela con tu propia ropa o con tu propio cuerpo. Por otro lado, las lentes que no estés utilizando, guárdalas también en la mochila, en su bolsa protectora o en un portaobjetivos.

Consejos para el Transporte de Objetivos

#22. La Tapa, el Filtro y el Parasol Siempre Puestos

Aunque sea incómodo poner y quitar la tapa cada vez que hacemos fotos, valdrá la pena. A veces nos olvidamos de que llevamos la cámara colgada y si realizamos un movimiento brusco podemos golpear la lente contra algún elemento. Si lleva la tapa, el cristal estará protegido.

El filtro UV y el parasol tampoco te molestarán, de hecho te darán el doble de protección, así que no los dejes dentro de la mochila y pónselos a la lente.

#23. Enrolla la Correa al Brazo

Cuando no puedas llevar la cámara colgada al cuello, ya sea porque estás mojado o manchado de arena, puedes afianzar tu cámara enroscando la correa de la cámara en tu brazo.

Quizá no sea el método más seguro del mundo, pero te dará un margen de reacción antes de que la cámara caiga al suelo para poder llegar a tiempo a atraparla.

#24. Añade una Empuñadura Extra

Las empuñaduras son una excelente opción para evitar accidentes. Tienen un precio muy asequible y son muy útiles porque dan estabilidad y confianza al añadir ese extra de seguridad a la sujeción y al agarre de la cámara.

Algunas se adaptan a la mano y otras también incluso a la muñeca, por lo que también permiten proteger la cámara frente a tirones o robos.

#25. Agrega Peso al Trípode

Si vas a hacer fotos con teleobjetivos, panorámicas, timelapses, largas exposiciones o nocturnas, necesitarás un trípode. Si el que tienes es demasiado ligero y poco robusto, tu cámara también correrá peligro de caer sobre la arena o el agua con un golpe o una racha de viento fuerte.

En esos casos, utiliza el gancho extraíble que suele haber en la columna central de la mayoría de trípodes para colgar la mochila o cualquier elemento que añada peso y le de un extra de firmeza.

¿Conoces Más Consejos?

Seguro que hay más peligros y que te has encontrado cara a cara con ellos ¿verdad que sí? No dejes que nada arruine tus vacaciones y siéntete seguro/a.

Si conoces algún truco más para proteger tu cámara este verano no dudes en compartirlo con nosotros en los comentarios.

Recuerda que ¡toda precaución es poca cuando se trata de nuestro equipo fotográfico, pero en especial de nuestra cámara!