dZoom, Pasión por la Fotografía

Descubre los Accesorios que te Harán Cruzar la Última Frontera: El Agua

autor invitado — Wed, 19 Jun 2013 07:08:02 -0400

Alfredo: Hoy viene a dZoom Zai z para enseñarnos los trucos más importantes para perder para siempre el miedo al agua. Espero que os guste ;)

La fotografía cada día tiene menos límites. Hasta hace muy poco tiempo, el agua había sido uno de sus grandes enemigos, pero ahora se ha convertido en un escenario muy demandado. La fotografía acuática está de moda, aunque es normal que muchos de vosotros todavía dudéis ante la idea de meteros con vuestro equipo en el agua. Y es que en este medio, un pequeño error logístico se paga muy caro literalmente. Pero siendo cuidadoso, cualquiera puede disfrutar de ésta tecnología.

De momento contamos con dos opciones cuando se trata de ir al agua: cámaras acuáticas, o fundas/carcasas con las que proteger nuestro equipo. Yo voy a hablar de éstas últimas, concretamente, las de las DSLR, ya que son las que utilizo y las que más interrogantes crean.

Qué Son

Una funda o carcasa acuática es un plástico que se cierra herméticamente para evitar que el agua se introduzca en su interior. Cada vez más marcas están lanzado sus propios modelos al mercado, por lo que existe una amplia gama de precios. Pero éste es un producto con el que no te la puedes jugar, así que es necesario investigar un poco previamente y no lanzarte a por la más barata que encuentres.

Al final acaban siendo una buena inversión porque no sólo sirven para meterse con ellas en el agua; también pueden ser utilizadas para proteger la cámara del polvo o la arena (desierto), en ambientes con elevada humedad (niebla) o cuando llueve.

Diferencia entre Funda y Carcasa

Las carcasas están hechas de plástico rígido y con ellas se tiene acceso a la mayoría de los botones de la cámara. Son las que han llevado tradicionalmente los fotógrafos de surf y los de submarinismo. Se les puede acoplar un sistema de iluminación (fundamental en las profundidades), están hechas a medida para cada cámara, y su precio como os podréis imaginar es bastante elevado.

Las fundas (también llamadas Bolsas Estancas), son una opción más económica aunque hay que tener cuidado con ellas. Muchas marcas de dudosa reputación las fabrican con materiales de baja calidad para satisfacer la gran demanda del mercado, aunque también

hay fabricantes serios que crean productos de gran calidad.

Estas fundas o bolsas se caracterizan por estar confeccionadas en PVC flexible que permite el acceso aunque algo incómodo a los controles de la cámara. La parte delantera lleva un cristal a través del que se fotografía. En algunas de estas fundas se puede integrar un flash.

Yo uso las de la marca alemana EwaMarine. Hace unos años un amigo me dejó probar la suya él llevaba ya varios años utilizándola y el resultado me convenció.

Se cierra con un sistema de 2 rieles que comprimen el plástico y 3 tornillos que fijan estas piezas. Aunque parezca algo rudimentario, nunca me ha dado ningún susto, y eso que yo me meto en el agua cada semana así que he tenido oportunidades para ello. Pero éste plastiquito se ha enfrentado a olas que me lo han hecho pasar mal a mí, se ha visto envuelto en unos cuantos revolcones en orillas bravas, y ha conocido profundos fondos marinos. Vamos, que es un producto todoterreno.

Cuál Comprar

A la hora de elegir la tuya, es importante que tengas presente el uso que le quieres dar. Las fundas están fabricadas para funcionar a diferentes profundidades máximas, así que presta atención a esto. Si no prácticas submarinismo, con una que baje 3 o 5 metros tendrás más que suficiente. Ten en cuenta que para una profundidad mayor necesitarás también plomos que te ayuden a hundirte, una botella de aire y focos, además de conocimientos avanzados sobre buceo, claro.

Esto puede parecer muy obvio, pero elije una funda que se adapte al tamaño de tu cámara. Lógicamente si no cabe en ella no te va a servir de nada; pero tampoco es conveniente que quede demasiado espacio libre ya que luego el plástico sobrante puede ser molesto. Consulta con el fabricante los modelos que se pueden utilizar en cada funda.

Y no te olvides del objetivo: debe quedar lo más ajustado posible al cristal frontal. De este modo evitarás que tus fotos pierdan calidad al estar demasiado separado el objetivo del cristal.

Si piensas ponerle flash algún día, busca un modelo diseñado para ello, si no es muy posible que el flash acabe rebotando dentro.

Consejos de Uso

Ya has hecho la investigación previa, has elegido tu funda o carcasa, y llega la hora de la verdad: hay que meterse en el agua. Con la cámara dentro de la funda el acceso a los botones se complica, así que es mejor establecer los ajustes fuera y cruzar los dedos para no tener que hacer modificaciones en mitad de la sesión.

Si la cámara va a estar sobre la superficie del agua, sube un paso el ISO; si va a estar bajo el agua, súbelo como mínimo 2 (conforme te alejas de la superficie la luz disminuye rápidamente).

Enfoque automático: importantísimo. No se puede enfocar manualmente a través del plástico...

Si vas a hacer fotos bajo el agua, no olvides ponerte una máscara para poder ver. Que tu cámara funcione debajo del agua no significa que tus ojos también lo hagan ;)

A menos que busques una composición muy específica, colocar el punto de enfoque en el centro te facilitará el trabajo.

Otra cosa de la que tendrás que prescindir en el agua es del zoom, así que es mejor utilizar objetivos fijos. Al principio es un fastidio si no estás muy acostumbrado, pero al final agradecerás tener una preocupación menos, y ganarás en calidad.

Es recomendable introducir en la bolsa uno de esos saquitos que absorben la humedad que se puede formar en el interior (por condensación). Esto se debe al cambio de temperatura entre el agua y la superficie.

No traigas tu cámara enfundada desde casa; espera a llegar al sitio en el que vayas a trabajar para hacerlo. De esta forma podrás observar las condiciones de luz y ser más preciso en los ajustes. Además, la diferencia de temperatura será menor.

Y una Vez en el Agua, Paciencia y Probar, Probar, Probar

Presta atención al exterior del cristal frontal, que puede acumular gotas o incluso sal si estás en el mar y ésas gotas se secan.

También asegúrate de que el objetivo de tu cámara está bien pegado al cristal; si no es así es posible que la foto pierda calidad y/o que aparezca viñeteada. Si te sobra espacio para el objetivo dentro de la funda, simplemente agárralo de manera que queden juntos.

Al principio todo esto puede resultar un poco tedioso, y es posible que obtener los resultados esperados te lleve unos cuantos días de práctica. Pero cuando consigues tu primera foto “wow”, te das cuenta de que el esfuerzo ha merecido la pena.

Zai Aragon es fotógrafa, especializada en deportes de agua donde trabaja con figuras del deporte como Antoine Auriol -campeón del mundo de kitesurf KPWT- o Thiago Arteaga -campeón del mundo juvenil de windsurf RS:X-. Además es la directora de comunicación de Juanma Moreno -windsurf RS:X- en su campaña para los Juegos Olímpicos de Río 2016. Cuando no está metida en el agua, es porque está de viaje o montando a caballo en Texas.

Puedes seguirla en Twitter, Facebook o a través de su blog

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Un Puñado de Buenos Trucos para Sacarle Más Provecho a la Luz Natural

Mònica Vidal — Mon, 17 Jun 2013 07:26:02 -0400

La luz natural es ese tipo de iluminación que nos proporciona la radiación solar. Pero también incluye la radiación difusa del cielo y, por supuesto, toda esta luz reflejada en objetos de la superficie terrestre.

La luz natural, por lo tanto, siempre está presente en nuestras fotos, aunque no siempre la aprovechemos, ya sea porque preferimos disparar con luz artificial o porque no sabemos cómo sacarle el máximo partido a la luz natural. ¡Allá van algunos consejos para poder aprovecharla al máximo en nuestras fotografías!

Cuanta Más Luz, Mejor

Sí, es cierto que en función del tipo de fotografía que quieras hacer, quizás no te interese tener mucha luz. Sea como sea, siempre deberías buscar el máximo de luz posible para el tipo de foto que quieras realizar. Piensa que siempre estarás a tiempo de suprimir algo de luz (por ejemplo, provocando la sombra). ¿Cuál es la mejor manera de conseguir el máximo de luz natural? Acercándote a los puntos de luz. Ahí la iluminación será más intensa aunque, si el sol no da directamente en aquella zona, seguirá siendo una iluminación suave. Así que si la fotografía que buscas hacer te lo permite, busca de dónde sale la luz natural que ilumina la estancia y acércate lo máximo que puedas a esa fuente.

¿Qué pasa si quieres hacer fotografía con luz natural pero no dispones de mucha luz? Tanto si no dispones de luz porque te encuentras en una estancia oscura como si no son las horas más adecuadas para hacer las fotografías con luz natural, tienes varias opciones:

Plantearte si puedes esperar a otro momento para realizar esa foto. Si se trata de una habitación oscura de por sí, no dispondrás de esta alternativa. Sin embargo, si el sitio donde quieres hacer las fotos está oscuro porque, por ejemplo, el sol ya se ha puesto; quizás tenga la opción de volver en otro momento y realizar aquella fotografía en mejores circunstancias lumínicas. Conocer cómo se comporta la luz en cada sitio en el que vayas a hacer fotografías es muy importante para, en el momento oportuno, poder sacarle el máximo provecho a la luz natural.
Subir el iso y/o abrir diafragma. Con esto conseguirás que llegue más luz al sensor de tu cámara. Sin embargo, esto no puede interesarte si, por ejemplo, necesitas contar con una profundidad de campo grande para que toda la estancia quede enfocada o si deseas conseguir una imagen final limpia de ruido.
El trípode, tu mejor amigo. Si el tipo de fotografía que quieres hacer te lo permite, quizás la mejor opción para realizar fotografía con luz natural en una estancia poco iluminada sea agarrar el trípode y bajar la velocidad de obturación todo lo necesario. De esta forma, conseguirás hacer la foto en aquel momento y, además, podrás sacar imágenes con la profundidad de campo deseada y sin ruido producido por aumentar la sensibilidad ISO. Aún así, no hace falta decir que si estamos hablando de retratos, fotografía a animales o cualquier disciplina fotográfica que incluya seres vivos, será inviable hacer este tipo de fotos con el trípode, pues seguramente nuestro sujeto principal acabe saliendo trepidado.

Luz Natural no es Igual a Luz Incontrolable

El hecho de que no seamos nosotros los que coloquemos la luz natural no significa que no seamos capaces de controlarla. Es cierto que no podemos controlarla completamente, pero sí podemos intentar jugar un poco con ella sin dejarnos una gran cantidad de dinero por el camino.

Difusores. ¿Tienes un rayo de sol que quieres convertir en una luz más suave? Prueba con un folio, una tela blanca, un poco de papel de seda...
Reflectores. Una buena cartulina o incluso el papel de plata te pueden ayudar a dirigir la luz natural hacia donde más te interese.
Hacer sombras para introducirlas en tu composición. Realmente puedes conseguir sombras llamativas con muchos de los elementos que tengas por casa. Una buena idea puede ser agarrar un cartón o una cartulina y hacerle cortes para que la luz pase a través de ellos y genere formas interesantes.
Luces de colores. ¿Estás haciendo fotos delante de una ventana pero quieres conseguir que la luz que te llegue sea de un color concreto? Prueba con papeles de colores. Hazte con un poco de cinta adhesiva y forra los cristales de la ventana con ellos para conseguir colorear la luz natural de la estancia.
Luz secundaria. A veces pensamos que únicamente podemos hacer fotografía "sólo" con luz natural o "sólo" con luz artificial. ¿Qué tal si mezclamos ambos tipos de iluminación? Podemos servirnos, por ejemplo, de la luz natural como luz de ambiente y utilizar alguna otra fuente de luz para terminar de conseguir la iluminación deseada. Esto nos puede ayudar a darle más profundidad a la foto, a reducir posibles sombras que se generen y no nos interesen...

Planifica tus Fotos

Sea como sea, lo importante si quieres utilizar la luz natural es que planifiques bien la sesión fotográfica porque la luz natural es muy cambiante. No hay la misma luz en verano que en invierno. Tampoco por la mañana, al mediodía o por la tarde. Así que primero de todo, y siempre que te sea posible, visita y estudia el sitio en el que quieres hacer las fotografías para saber con qué te vas a encontrar.

Por ejemplo, si vas a utilizar la luz natural en exteriores, puedes dedicarte a buscar sombras que te puedan cobijar y ofrecerte distintas iluminaciones. Ya sabemos que la luz del sol directa es mucho más dura que la indirecta, así que si lo que buscas es una iluminación sin sombras muy definidas y más homogénea, disparar directamente en la sombra puede ser la mejor solución.

Vigila, también, la previsión meteorológica pues, por ejemplo, un día nublado te proporcionará una luz más suave y uniforme que uno soleado. También vigila si hay nubes que, esporádicamente, tapen el sol, ¡cuidado con que no te estropeen la foto cambiándote la luz en el último momento! Por otro lado, si vas a realizar retratos, ten en cuenta las poses de tu modelo. Es posible que tenga que forzar ciertas posturas para quedar iluminado/a de la manera que más te interese. Estate muy atento a que estas posturas sean naturales y sobre todo, a que no produzcan sombras que puedan no ser bonitas.

¿Cómo Sueles Iluminar tus Fotografías?

¿Te gusta la iluminación natural? ¿O más bien eres fan de los equipos strobist, de iluminación de estudio, etc? Has hecho algún experimento con distintas luces? ¡Los comentarios son todo tuyos para que nos lo enseñes!

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6 Consejos para Adentrarte en la Fotografía Abstracta... ¿Te Animas a Probar?

Mònica Vidal — Fri, 14 Jun 2013 07:15:44 -0400

La fotografía abstracta es una de las disciplinas fotográficas más complejas. Este arte crea un universo de líneas, superficies y composiciones que se aíslan por completo de la realidad, de manera que una auténtica obra abstracta es totalmente autosuficiente, no necesita de nada externo a ella para ser expresiva pero también comprendida y analizada.

Por ser una disciplina tan complicada es, posiblemente, una de las que menos se practican. Sin embargo, potenciar la fotografía abstracta puede ser una buena excusa para dar rienda suelta a nuestra creatividad.

La Composición en la Fotografía Abstracta

La composición es una parte muy importante del éxito de una fotografía abstracta porque, además de darnos una imagen que pueda ser atractiva visualmente para aquella persona que la mira, nos puede ayudar a aislar el motivo que queramos fotografiar del entorno en el que se encuentra, cosa que es prácticamente indispensable para lograr buenas imágenes abstractas. Por eso, muchas veces tendemos a pensar que la única manera de realizar fotografía abstracta es utilizando objetivos o complementos para hacer macros. Esto es así porque la fotografía de aproximación nos ayuda a ver las cosas de una manera diferente a la que estamos acostumbrados.

Como ya hemos visto, la única manera de aprender fotografía abstracta es aprender a mirar lo que nos rodea de una manera diferente así que, por esta regla de tres, la fotografía macro puede ser un buen camino para llegar a abstractualizar los objetos más cotidianos. Pero no es la única manera de conseguirlo, saber utilizar la profundidad de campo y los espacios vacíos es importante. Incluso tratar con el color también nos puede ayudar. Si somos capaces de ver cuándo el color es representativo de aquello que estamos fotografiando, sabremos ver cuándo puede ser interesante convertir la fotografía a blanco y negro para conseguir una imagen más abstracta.

También se pueden conseguir imágenes abstractas en color, evidentemente, pero el hecho de alejarnos de la realidad trabajando con imágenes monocromáticas nos puede ayudar a la hora de conseguir fotografías abstractas de los objetos más cotidianos.

Además, realizar fotografía abstracta con objetivos de distancias focales grandes nos será mucho más fácil que conseguirlo con objetivos de gran angular, precisamente por lo antes comentado: si conseguimos aislar los motivos de su entorno, realizar este tipo de fotografías será más fácil. Sin embargo, esto no significa, en absoluto, que sea imposible realizar fotografías abstractas con algo que no sean teleobjetivos.

¡No te Olvides de Transmitir!

El hecho de que la fotografía abstracta sea, en ocasiones, tan "geométrica" y tan "aislada de aquello que le rodea" puede llevar a pensar que estas imágenes están vacías de significado. Nada más lejos de la realidad. Cuando te aventures a realizar este tipo de fotografías, debes tener muy claro qué quieres transmitir con ellas para poder ordenar dentro del encuadre los elementos de los que dispongas, de manera que puedas llegar a transmitir el mensaje que desees.

Una imagen abstracta puede transmitir serenidad o ansiedad. Puede ser una imagen estática o con movimiento. Para conseguir transmitir emociones con este tipo de imágenes, quizás te sea útil recordar este artículo en el que hablamos de los pesos visuales y cómo utilizarlos.

Tipos de Fotografía Abstracta

La fotografía abstracta es una de las disciplinas más creativas, pues se necesita gran dosis de creatividad para poder ver y realizar imágenes impactantes. Por esta razón, es casi imposible categorizar la fotografía abstracta en diferentes modalidades. Aún así, vamos a intentarlo:

Fotografía abstracta parcial. Es aquella fotografía abstracta que no está totalmente aislada de aquello que le rodea. Podría decirse, también, de otra forma: son aquellas fotografías abstractas en las que se reconoce el elemento que ha dado pie a aquella composición. Es, digamos, la fotografía abstracta más básica y fácil de conseguir pues cualquier elemento visto desde una perspectiva inusual nos puede regalar estas fotografías. Las texturas, las líneas y las formas geométricas suelen ser las principales protagonistas.
Fotografía abstracta total. Es aquel tipo de fotografía abstracta que está totalmente aislada de su entorno. Esto significa que el espectador de la fotografía no será capaz de reconocer qué objetos o motivos han dado pie a la imagen que está viendo. Este tipo de fotografías abstractas son las más complejas de conseguir pues para llegar a ellas es necesario tener un ojo muy entrenado y una capacidad de abstracción muy grande. Las principales protagonistas son las figuras geométricas y las líneas. Las texturas no suelen aparecer en estas fotografías porque, por norma general, ayudan a identificar a qué sujeto pertenecen.

La Fotografía Abstracta y Minimalista

Muchas de las fotografías abstractas que vemos, acostumbran a ser, también, minimalistas. Esto significa que la sencillez se apodera del encuadre y que el artista decide eliminar de la fotografía todo aquello que sea superfluo. Como una de las maneras de conseguir imágenes abstractas con los sujetos de nuestro día a día es conseguir aislarlos del entorno en el que se encuentran, el hecho de buscar el minimalismo en este tipo de imágenes suele ayudar bastante a conseguir los resultados deseados. Pero esto no significa que toda la fotografía minimalista sea abstracta o que toda la fotografía abstracta sea minimalista. Son dos disciplinas fotográficas distintas que, a menudo, cruzan sus caminos.

¿Es tu Fotografía Realmente Abstracta?

Sólo hay una manera de saberlo y es preguntándote si la imagen que acabas de realizar tiene significado por ella misma o por aquello que la rodea. Como ya hemos dicho, una buena fotografía abstracta es totalmente independiente, es como si no formara parte de este mundo. Realizar fotografía abstracta no consiste en retratar algo, sino en crear a partir de aquello que vemos. Utilizar elementos de los que disponemos (líneas, texturas, volúmenes) para crear algo totalmente nuevo, totalmente diferenciado y distanciado de la realidad que nos ha dado los elementos utilizados para crear la imagen. En una fotografía totalmente abstracta será imposible adivinar de qué está formada y en tu mano está el descifrarlo o no.

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Reduciendo para la Web, No Estropees tu Trabajo en el Último Paso

autor invitado — Wed, 12 Jun 2013 08:01:09 -0400

Alfredo: Si publicas asiduamente en la web, te habrás enfrentado al dilema de la reducción del tamaño de las fotos... Hoy Jon, nos trae su técnica para hacerlo con la máxima calidad. ¡Espero que lo disfrutes!

De nuevo estoy aquí en dZoom pero hoy no os hablaré de iluminación.

Recientemente he actualizado algunas de mis herramientas de trabajo, mi ordenador y mi teléfono, y con mis nuevos dispositivos y sus pantallas de mucha mayor resolución me he dado cuenta de un error garrafal que estaba cometiendo, mi proceso de reducción para web.

Es un problema habitual que al reducir nuestras fotos para web perdamos mucha calidad, pero eso puede evitarse.

Como una imagen vale más que mil palabras, os muestro un ejemplo de como se veía una de mis fotos en mi nuevo ordenador antes y después del cambio que explico en este artículo

Seguir la evolución de las pantallas

Seamos realistas, aunque muchos puede que sigan trabajando con pantallas de 1024x768 pixeles, eso ya no es la norma.

Según este interesante artículo, podemos ver que mientras que en 2007 tan solo un 26% de los dispositivos contaba con una resolución mayor de 1024x768 hoy en día es más del 90%.

Así que sencillamente las fotos a 1024px son cosa del pasado. Si tu pantalla no tiene más resolución que esa, las pantallas del 90% de la gente que vea tus fotos sí la tiene, y ¿quién hay más importante que tu audiencia?

El Problema del Peso

En el pasado las conexiones a internet eran bastante lentas y unas fotos con calidad podían reducir la velocidad de navegación de los usuarios. Hoy en día las conexiones han mejorado mucho, y tenemos velocidades de transferencia muy altas incluso en teléfonos móviles.

El peso ya no es tan importante, pero aún debemos tenerlo en cuenta.

Adaptarse al Medio

No siempre se puede trabajar a la resolución ideal, ya que algunos medios nos limitan y hay que ser conocedor de cuáles son los requisitos de donde publicaremos nuestras fotos y adaptarlas a esa publicación.

Hoy en día cada lugar donde subimos fotos puede tener unos requisitos diferentes, es como si fuésemos a imprimir nuestras fotos para dos marcos distintos, uno de 10x50 y otro de 30x45, lógicamente sacaremos 2 fotos una para cada tamaño, pero en digital no solemos hacerlo.

Es lógico pues que saquemos diferentes tamaños de fotos según donde vaya a ser publicada y sobretodo como vaya a mostrarse.

El clásico error es conformarnos con un tamaño web que sirva para flickr, facebook, los foros etc.. pero no todos muestran las fotos igual por lo que hay que adaptarlas a cada publicación.

Mi proceso de reducción

Evidentemente este proceso no lo he inventado yo, así es como yo lo hago y es resultado de pruebas, lecturas y consejos de otros profesionales. Este formato lo uso para mi página web para mi facebook, estos medios adaptan el tamaño de sus fotos en base a la pantalla del espectador.

En mi blog sigo utilizando fotos más pequeñas ya que la plantilla no las muestra mayores, por lo que incluso con una pantalla retina no veré la foto mayor de 900px.

El Método

Lo primero es abrir nuestra imagen y una vez finalizado el procesado que queramos hacer, fusionar todas las capas visibles.

Con una imagen plana, debemos

cambiar el modo a 8 bits

Cambiado el modo, nos aseguramos que el perfil de color será el utilizado por casi todos los exploradores,

Srgb

Lo siguiente es la reducción de tamaño, en mi caso las reduzco a 2048px ya que está por encima del FULL HD y eso me garantiza que ningún monitor (ni un retina) me pixelará la imagen a pantalla completa. Es importante que en este paso marquemos la opción de bicúbica suave para ampliaciones.

Estamos reduciendo sí, pero no vamos a dejar que photoshop haga lo que quiera al reenfocar la foto, y ese tipo de procesado es el menos destructivo.

Corrección: Pablo nos indica lo siguiente. Dejar (aunque sea momentáneamente) una imagen a sólo 8 bits de profundidad por canal en un espacio extendido como es RGB, aumenta peligrosamente los espacios entre los limitados gradientes de color de una imagen a esa profundidad de bits, arriesgandote por ello a cargarte degradados suaves, así que primero reduce dicho espacio (conversión Adobe RGB- sRGB) y después reduce el número de niveles disponibles reduciendo la profundidad de bits.

Ahora nos hace falta enfocar la imagen: Hacemos una capa nueva y aplicamos a esta una máscara de enfoque, en mi caso a OJO, para este tamaño (recordar que la máscara de enfoque cambia según los píxeles de la imagen) utilizo un 100% de cantidad, entre 0'7 y 1'2 de Radio y un Umbral entre 0 y 5. Cada imagen es distinta.

Aquí os dejo un ejemplo de la diferencia de una máscara a otra, si os fijáis con un radio de 1'5 aparecen halos en la línea de la mejilla.

Hacemos el enfoque en una nueva capa ya que así podemos aplicar el enfoque selectivo en unas zonas y en otras no, con una máscara sobre la capa enfocada.

Ahora estamos listos para guardar la foto, usamos el menú guardar para web, y elegimos un JPG con una reducción al 70%. por mis pruebas esta combinación de 2048px y un 70% da un tamaño de alrededor de 500kb que me parece aceptable para los dispositivos de hoy en día, es mas, si tuviese que elegir bajaría la calidad más antes de bajar la resolución.

Recordar marcar la casilla de incrustar el perfil de color, lo último que queremos es que el perfil de color se pierda según quien vea la foto.

Os dejo otro ejemplo de un recorte de como se ve una foto al 100% en una pantalla retina, la de la izquierda es una foto a 1024px con 211kb de peso y la de la derecha a 2048 y 366kb con el proceso que hemos realizado.

Fin

Aquí tenéis la foto entera. ¿Y vosotros? ¿Pensáis que merece la pena el proceso? ¿Tienes alguna técnica alternativa?

Jon Hernández es el fotógrafo tras la marca The Kube Studio, trabaja sobre todo en fotografía comercial, deportiva y producto. Y comparte muchos de sus trucos y herramientas en su blog donde podéis encontrar muchos tutoriales y artículos sobre fotografía.

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Todo lo que Necesitas Saber Sobre el Modo TTL-BL y Sus Diferencias Con el Modo TTL (Parte I)

Javier Lucas — Mon, 10 Jun 2013 07:47:11 -0400

El flash es una poderosísima arma en manos de cualquier fotógrafo para lograr fantásticas fotos. Pero como le decían a Spiderman "un gran poder requiere una gran responsabilidad". En este caso podríamos sustituir "una gran responsabilidad", por un buen conocimiento de su funcionamiento. Pero la frase aplica a la perfección :)

Y es que, a pesar de habernos ofrecido maravillas y comodidades como el sistema TTL, el modo de sincronización de alta velocidad (HSS), la reducción de ojos rojos, la posibilidad de disparar los flashes remotamente, etc., hay mucho que saber sobre éstas y otras funcionalidades que ofrecen estos pequeños accesorios.

Algo de eso más que te queda por aprender es, seguramente, las particularidades del modo TTL-BL de Nikon, un modo de disparo de flash que podrías estarte perdiendo por no conocer cómo funciona. Así que aquí viene este artículo para que conozcas sus características y sepas cuándo y cómo utilizarlo.

Antes De Nada, ¿Conoces El Modo TTL?

Sería de locos comenzar a hablar del modo TTL-BL si antes no conocieses su modo "padre", el modo TTL. Pues bien, allá vamos con una explicación sencilla.

Las siglas TTL vienen del inglés Through The Lens (a través del objetivo). ¿Por qué este nombre? Muy sencillo, el nombre viene de que es a través del objetivo de la cámara por donde se realiza la medición del destello y el efecto de éste iluminando la escena, determinando cuándo cortar el flash al haber logrado una exposición adecuada.

Este funcionamiento difiere claramente de los otros modos del flash. En el, ya antiguo, modo automático del flash esta decisión la tomaba el propio flash, mientras que en el modo manual la decisión de la intensidad del destello la determina el fotógrafo.

Tienes información más detallada sobre los modos de disparo del flash y sus diferencias en El Flash (III): Modos de Disparo. Si no lo has leído, te lo recomiendo encarecidamente.

No obstante, para este artículo quizás con el párrafo anterior baste para que entiendas que en el modo TTL existe una comunicación entre flash y cámara (en ambos sentidos) para lograr una correcta exposición de la escena. Liberando de esta tarea al fotógrafo.

Vale. Ya Sé Qué Es TTL. ¿Y TTL-BL?

TTL-BL es un modo propio del sistema de iluminación CLS de Nikon. Disculpadme, pero desconozco el equivalente en otras marcas como Canon, Sony, Olympus, etc. Quizás podáis echarme una mano sobre este desconocimiento por mi parte en los comentarios ;)

Como es lógico, el significado de las tres primeras letras se mantiene frente a su modo de referencia, sin embargo, nos surge la duda del origen de la segunda parte del nombre del modo, ¿verdad?

Pues bien, inicialmente BL procedía de Back Lit, pues este modo de disparo de flash es ampliamente utilizado en situaciones en las que la iluminación del fondo es superior a la del primer plano: exteriores, interiores con el sujeto cerca de una ventana (como en la imagen superior), etc.

Sin embargo, en los últimos modelos de flash Nikon se ha incorporado un nuevo modo TTL-BL que, además de servir para las situaciones mencionadas, también, como veremos, tiene otras particularidades que veremos en este artículo.

¿De dónde viene entonces el nombre TTL-BL actualmente? Pues de Through The Lens - BaLanced fill, algo que podríamos traducir como "relleno balanceado". Pues este modo trata de equilibrar la iluminación entre fondo y primer plano para lograr una exposición correcta y natural.

Las Diferencias Entre TTL y TTL-BL a Través de Ejemplos

Hasta aquí podrías pensar que sólo es conveniente usar TTL-BL para aquellas situaciones con un fondo más iluminado que el primer plano y hacer uso del modo TTL para el resto de situaciones. Y podría ser una aproximación.

Sin embargo, además de quedarte con esa idea en la cabeza, también me gustaría que este artículo te permitiese saber cómo funcionan ambos modos y, de este modo, quizás incorporar el uso del modo TTL-BL en alguna que otra situación adicional en la que a lo mejor no habías pensado.

Veremos a continuación las diferencias existentes entre dos modos que aparentemente podrían parecer muy similares, pero que, como verás, son tremendamente distintos. Además, justificaremos estas diferencias mediante fotografías que las pongan de manifiesto, ¿de acuerdo?

#1 El Modo TTL Siempre Buscará Exponer Correctamente El Centro Y Sólo El Centro. Independientemente De La Configuración De Exposición De La Cámara

Las siguientes fotografías fueron realizadas ambas con sistema de medición ponderado, punto de enfoque en los ojos del burrito, f/5.6, 1/30 seg, ISO 100, pero con una única diferencia: el modo del flash.

La primera imagen, como puedes ver, fue disparada en modo TTL. El resultado muestra una cierta sobre-exposición.

En la toma realizada con los mismos parámetros pero el flash en modo TTL-BL, la exposición es perfecta, ¿verdad? Ni rastro de sobre-exposición.

¿Qué ocurriría si desplazásemos al burrito de modo que no ocupase el centro de la escena? Pues que, como veremos, este efecto de sobre-exposición en el caso del uso del modo TTL se verá de forma aún más clara. Veámoslo en las dos próximas imágenes.

En el caso de la toma con el modo TTL la sobre-exposición es aún más acusada que en el caso anterior.

Sin embargo, haciendo uso del modo TTL-BL, el resultado sigue siendo perfecto y la exposición conseguida la adecuada.

¿A qué se debe este fallo por parte del modo TTL frente al TTL-BL si aparentemente se trata de una escena bastante sencilla? Pues el problema radica en la zona cuya exposición correcta busca el flash en cada caso.

El modo TTL, independientemente del metering elegido en tu cámara (éste sólo afectará a la medición de la luz ambiente, no a la medición del flash), calculará la intensidad de destello necesaria para lograr una exposición correcta del centro de la imagen. Sin importar si el sujeto enfocado se encuentra en esta región de la fotografía o no.

Por ese motivo se sobre-expone esta imagen, porque está tratando de lograr una exposición correcta en una sección de la imagen en la que predomina el fondo negro.

El modo TTL-BL, por el contrario, tendrá en cuenta el metering elegido en la cámara, y no buscará exponer correctamente el centro de la imagen, sino el sujeto ubicado en el punto de enfoque. Sin importar el tamaño del sujeto o lo cerca o lejos que se encuentre de la cámara, éste quedará bien expuesto.

En este caso, al tomar como referencia el sujeto ubicado en la región enfocada, el flash no se ve obligado a incrementar su intensidad para lograr exponer correctamente el centro, sino que únicamente tiene en cuenta exponer adecuadamente al burrito.

Por último, si fuésemos a una toma en que el encuadre elegido ubicase al sujeto enfocado dentro de la región central de la fotografía, entonces sí conseguiríamos resultados similares al elegir el modo TTL y el modo TTL-BL. Pero, para el resto de situaciones, el comportamiento será el que has podido ver.

¿Queda más o menos clara la diferencia existente entre el cálculo de iluminación que realiza el modo TTL frente al modo TTL-BL? Basta realizar unas pruebas como las que yo te he mostrado para apreciar estas diferencias.

#2 El Modo TTL-BL No Expone Correctamente El Punto de Enfoque Elegido, Sino El Elemento Más Brillante De La Escena Para Evitar Quemarla

En el apartado anterior ha quedado claro que el modo TTL selecciona un destello adecuado para exponer adecuadamente el centro de la toma, mientras que el modo TTL-BL busca exponer adecuadamente la región en que se ha fijado el punto de enfoque, ¿verdad?

Pues vamos a ver a continuación que lo que hemos dicho sobre el modo TTL-BL no es cierto. ¿Cómo? Sí, así es. El modo TTL-BL, con el objeto de no quemar, ni sobre-exponer los sujetos dispuestos a lo largo de la escena, seleccionará un destello tal que garantice una exposición equilibrada. ¿No me crees? Echa un vistazo al siguiente ejemplo. Hemos incorporado un nuevo muñeco a la escena, en este caso un oso polar. ¿El resultado? Puedes verlo tú mismo.

El modo TTL, como cabía esperar, ha tratado de exponer adecuadamente el centro de la imagen y, al encontrarse sólo fondo negro, ha acabado sobre-exponiendo la escena y "quemando" al burrito y, especialmente, al oso.

Por su parte, el modo TTL-BL, a diferencia de lo que podríamos pensar, no ha seleccionado la intensidad adecuada para el burrito (que es donde sigue seleccionado el punto de enfoque), sino que al encontrarse un elemento más brillante en la escena (el oso), ha seleccionado la intensidad adecuada para éste.

Sin embargo, al ser completamente blanco, la exposición no ha funcionado todo lo bien que desearíamos y ha subexpuesto la toma, pues, como sabes, siempre se consideran grises medios a la hora de exponer.

Nada que no podamos resolver compensando un poquito la exposición. Como hice en la siguiente imagen, en la que mantuve los mismos parámetros anteriores, pero compensando la exposición del flash +1.3EV.

Por tanto, como hemos podido ver en este apartado, el modo TTL-BL no tiene en cuenta el sujeto enfocado, sino que selecciona la intensidad adecuada para lograr una correcta exposición del sujeto más blanco de entre aquellos situados en los distintos puntos de enfoque ofrecidos por tu cámara.

De este modo logra un resultado equilibrado en toda la escena, evitando quemar objetos de la misma. Un comportamiento acorde con su nombre, ¿no?

#3 ¿Y Qué Ocurre Cuando Disparamos Remótamente Nuestro Flash Y Tenemos Seleccionado El Modo TTL?

Al disparar de forma remota es habitual optar por la opción de disparar el flash en modo manual, no obstante, si el mecanismo de comunicación disponible entre cámara y flash lo permite, también es posible utilizar el modo TTL.

Sin embargo, a pesar de que en la cámara o en el disparador se puede seleccionar la opción TTL, la realidad es que si la comunicación entre flash y cámara es inalámbrica, el comportamiento del modo del flash será como si estuviese configurado en modo TTL-BL.

Es por este motivo por el que en muchas ocasiones en que usamos el flash a distancia de nuestra cámara y gobernado por ésta de forma remota, obtenemos resultados un tanto subexpuestos, cuando aparentemente deberían estar correctamente expuestos si el modo TTL funcionase correctamente.

La explicación es que cuando el flash encuentra en la escena objetos más brillantes que el sujeto enfocado, expone para ellos, ocasionando una subexposición general (funcionamiento TTL-BL).

Para solucionarlo, como vimos anteriormente, basta compensar la intensidad del flash en, por ejemplo ejemplo, +1.3 EV y así lograrás subir la exposición global de la toma.

¿Qué Tal Un Vídeo Para Afianzar Conocimientos?

En este completo vídeo de Desmond Downs, puedes ver una explicación de todo lo visto hasta ahora. Aunque está en inglés, creo que con lo comentado hasta el momento en el artículo no tendrás problemas para seguirlo y afianzar lo explicado.

[iframe http://www.youtube.com/embed/P8UkiBLrBH8 595 446]

¿Qué?, ¿están aún más claras, si cabe, tus ideas sobre el funcionamiento de los modos TTL y TTL-BL? Guarda este vídeo en tus favoritos para poder recurrir a él cuando te entre la duda :)

Continuará...

Curiosamente, más de 1.900 palabras después de haber comenzado este artículo, aún no te he presentado cómo sacar partido a este modo TTL-BL en las escenas para las que prometía inicialmente que te resultaría muy útil: contraluces y escenas en las que el primer plano cuenta con menor iluminación que el fondo.

Sin embargo, creo que con lo visto hasta ahora es trabajo más que suficiente para que lo revises, hagas tus pruebas y afiances este buen número de conocimientos vistos hasta el momento. Y, por supuesto, plantees tus dudas, comentarios, recomendaciones, etc.

Yo prometo volver en una segunda parte de este artículo para rematar la faena y acabar de presentarte este fabuloso modo con que nos han obsequiado los chicos de Nikon, ¿trato hecho?, ¡hasta entonces!

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Cómo Aprovechar Fotográficamente al Máximo el Atardecer

Mònica Vidal — Fri, 07 Jun 2013 08:47:52 -0400

La luz es la mejor amiga de la fotografía. Básicamente porque, sin ella, no sería posible hacer fotos. Pero esto no significa que las mejores fotografías se tomen en esos momentos en los que hay el máximo de luz. Hay un momento del día en el que la luz ya va en descenso y precisamente por eso, podemos conseguir imágenes muy espectaculares.

Estamos hablando, sin duda, de utilizar la luz del atardecer para hacer fotografías. ¿Sabes todo lo que puedes hacer durante esas últimas luces del día?

Fotos Más Interesantes Gracias a Sombras Más Alargadas

Iluminar no es tarea fácil, menos aún si la iluminación que queremos usar no es artificial y por lo tanto, no podemos controlarla del todo. Uno de los principales problemas de este tipo de iluminación es la aparición de sombras no deseadas que pueden dejar parte de nuestro sujeto completamente oscuro y sin detalle.

Sin embargo, siempre hay trucos para evitar estas molestas sombras: cambiar la posición del sujeto o utilizar un reflector, por ejemplo. Durante el atardecer, el sol está cada vez más bajo y por lo tanto, las sombras que los sujetos proyectan son cada vez más largas (sí, ¡esto también pasa al amanecer!). Podríamos decir que estas sombras proyectadas tienen más personalidad, son especiales a nivel visual y nos pueden dar muchísimo juego fotográfico si intentamos incluirlas en nuestras composiciones. Entre otras cosas porque pueden darnos muchísima profundidad: al ser tan largas, pueden ayudarnos a guiar la vista des de el primer plano de nuestra imagen hasta el fondo.

Aprovecha la Luz Más Cálida del Día

La cantidad de atmósfera que debe atravesar la luz del sol hasta llegar a nosotros es muy distinta durante las horas centrales día frente al momento del atardecer. Así que es normal que la cantidad y calidad de la luz que nos llega en este ratito antes del anochecer sea diferente. Si durante el día el sol nos da una luz más bien blanca, al atardecer nos regalará una luz rojiza.

Esto significa que, inevitablemente, las fotografías que tomemos en estos momentos tendrán una dominante más cálida. Esto puede remediarse cambiando el balance de blancos antes de hacer la fotografía (o después si disparas en RAW), sin embargo también puede ser aprovechado para conseguir un ambiente que no se puede conseguir con una luz más blanca. Esta iluminación es estupenda para realizar retratos, por ejemplo.

Podrás Conseguir Contraluces Más Fáciles

Es cierto: realizar contraluces es relativamente fácil en cualquier lugar y momento del día: basta con situar nuestra fuente de luz detrás de aquello que vamos a fotografiar. Sin embargo, si queremos realizar un contraluz muy extremo usando el sol, nos será más complicado porque en la mayor parte del día, el sol estará en una posición que nos obligará a cierto tipo de fotos (por ejemplo, contrapicados).

Durante el atardecer, como ya sabemos, el sol está más bajo y por lo tanto, utilizarlo para poder conseguir usarlo como fuente de luz para nuestros contraluces, será más fácil. Esto sumado a los colores cálidos que nos proporcionará el atardecer, puede dar como resultado fotografías muy especiales, imposibles de conseguir en otros momentos del día. Además, el atardecer puede ser el mejor momento para incluir el sol en la composición de nuestras fotografías: por un lado porque, al estar más bajo, nos será más fácil pero, a la vez, porque la cantidad de luz que nos llega de él es menor y por lo tanto, estará en más armonía con el resto de elementos de tus fotografías.

La Famosa Hora Azul a tu Disposición

Pero el atardecer no es sólo esa franja horaria en la que el cielo está rojo o naranja, incluye todo el proceso en el que el sol se pone y empieza a anochecer. Otro de los momentos que nos proporcionará este proceso es la hora azul. La hora azul es ese momento en el que el sol ya se ha puesto pero aún no es totalmente de noche. El cielo pasa a teñirse de un azul oscuro muy llamativo que, además, muchas veces tiende a mezclarse con otros colores como el naranja o el violeta para dar como resultado un cielo muy curioso que podemos aprovechar para darle otro aire a nuestras fotografías.

Durante este momento, empiezan a aparecer las primeras estrellas en el cielo, así que podemos conseguir fotografiarlas sin necesidad de trasnochar (aunque, evidentemente, los resultados no serán los mismos que si hacemos las fotografías en noche cerrada). Ten en cuenta, sin embargo, que en estos momentos la luz empezará a escasear mucho así que, para poder aprovechar la hora azul, quizás sea necesario llevar contigo un trípode y un disparador remoto para evitar que las fotografías salgan trepidadas, además, la hora azul es un proceso muy rápido en el que el el cielo irá cambiando de tonalidades hasta llegar al negro. Ten en cuenta esto para poder aprovechar mejor el tiempo del que dispongas y poder incluir estas tonalidades en tus imágenes.

Cuando Luz Natural y Artificial Se Encuentran

En este momento del día, cuando la luz natural empieza a desaparecer, es el momento en el que en las ciudades se empiezan a encender las farolas y a iluminarse los edificios más importantes. Este puede ser un buen momento para aprovechar y hacer unas fotografías muy especiales en las que aparezcan tanto la luz natural (o el cielo azul oscuro típico de la hora azul), como la luz artificial que ilumina las ciudades de noche. Además los coches empiezan, también, a usar sus faros para iluminarse el camino así que esto también nos puede regalar unas fotografías la mar de curiosas.

Las Primeras Largas Exposiciones

Durante el día es complicado realizar largas exposiciones, sobre todo cuando la luz del sol está iluminando nuestra escena porque, incluso cerrando al máximo el diafragma, puede haber demasiada luz en el ambiente como para que no podamos realizar exposiciones todo lo largas que nos gustaría. Existen, por supuesto, complementos para poder hacer largas exposiciones a plena luz del día, como los filtros de densidad neutra que lo que hacen es, simplemente, reducir la cantidad de luz que llegará a nuestro sensor.

Sin embargo, no todo el mundo dispone de estos complementos así que tendremos que esperar a que las condiciones lumínicas sean más adecuadas para poder realizar fotografías de larga exposición. Cuando empieza a anochecer, la luz del sol es mucho menos intensa y por lo tanto, nos será más fácil poder realizar fotografías como las que estamos comentando. El atardecer puede ser el momento adecuado para, por ejemplo, las fotografías de efecto seda con corrientes de agua (ríos, cascadas) o las de las estelas de los coches circulando por la calle, por ejemplo.

¿Y tú? ¿Sueles aprovechar el atardecer para tomar fotografías?

¿Nos enseñas los resultados? ¿Compartes con nosotros algún secreto o consejo para poder aprovechar aún más este momento del día?

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Dodge&Burn, Trabaja las Sombras y Luces de tus Retratos para Lograr un Resultado 'Beauty'

autor invitado — Wed, 05 Jun 2013 07:01:05 -0400

Alfredo: Vuelve a dZoom Emanuelle con un nuevo artículo sobre fotografía 'Beauty', en esta ocasión sobre el retoque de luces y sombras en retratos ¡No os lo perdáis!

Hoy os quiero presentar una técnica de retoque fotográfico denominada "Dodge&Burn" en Photoshop. Básicamente lo que haremos es pintar en nuestra imagen la luz y las sombras, esta técnica es muy útil para suavizar las transiciones entre las zonas más oscura y las más luminosas, acentuar las zonas claras o oscurecer las zonas oscura de nuestra foto.

Existen muchas maneras de utilizar esta técnica, aquí os presentaré la que yo suelo utilizar por simplicidad y por costumbre, este retoque no es destructivo ya que trabajas con capas, y se debería realizar una vez terminado el proceso de limpieza de la cara, aun no sabes como hacerlo, pues no puede perderte "Logra Una Piel 'Beauty' con la Técnica de Separación de Frecuencias"

Vamos allá, estoy seguro que ¡¡te encantarán los resultados!!

Paso 1 -Capa "LUZ"

Lo primero que vamos hacer es crear una nueva capa vacía y la nombramos "Luz" y la ponemos en modo de Fusión "Luz suave"

En ella, con un pincel blanco y una opacidad baja vamos ad acentuar las zonas de luz de nuestra imagen:

Parte superior de la ceja
Ojeras
Frente
Mentón

Una vez terminado de pintar aplicaremos a nuestra capa el filtro "Desenfoque Gaussiano", para ellos vamos a Filtro->Desenfocar-> Desenfoque Gaussiano. El Radio a elegir será el que nos permite suavizar el retoque que acabamos de realizar para que sea lo más natural posible.

La resultante sería algo así:

Fácil ¿no?

Hemos conseguido acentuar la iluminación de la cara, la parte de los ojos, la frente el cuello. Bien ahora hacemos lo mismo pero con las sombras.

Paso 2 -Capa "SOMBRA"

Creamos una nueva capa vacía y la nombramos "Sombras" y la ponemos en modo de Fusión "Luz suave". ¡Bien!

En ella, con un pincel negro y una opacidad baja vamos ad acentuar las zonas de sombra de nuestra imagen. Una vez terminado de pintar aplicaremos a nuestra capa el filtro "Desenfoque Gaussiano", para ellos vamos en Filtro->Desenfocar-> Desenfoque Gaussiano.

Esto sería nuestro resultado final

¿Que podemos conseguir con esta técnica?

Con esta técnica podemos lograr:

Dibujar la luz y las sombras en nuestra imagen.
Dar más volumen a nuestro retrato.
Suavizar la transición desde una zona de sombra a una zona luminosa.
Acentuar las zonas más importantes de un retrato, como los ojos, los labios, los pómulos etc.
Eliminar pequeñas manchas de la piel…

Esta misma técnica es sorprendente si se utiliza en imágenes de cuerpo entero; es fantástica para acentuar las líneas del cuerpo, como por ejemplo las piernas de una modelo, los brazos, el cuello etc.

¡¡Os propongo un reto!! Fijaros en las fotos de revista de moda, con un poco de atención podemos observar claramente como la luz y las sombras del cuerpo de la modelo están dibujadas claramente para acentuar sus largas piernas, sus brazos esbelto, el rostro etc.

Esto no es magia, en la mayoría de los casos es el trabajo bien hecho de un buen retocador. Ya tienes todas la herramientas a tu disposición, fíjate en el trabajo de los demás y atrévete con tus fotos, el resaltado te sorprenderá.

Muchas gracias y hasta el próximo artículo Emanuelle.

Me llamo Emanuelle, nací en Italia hace ya unos cuantos años aunque ya mismo van a ser más los pasados fuera que en mi tierra. Ahora mi gran aventura es la fotografía, no soy un profesional y estoy lejos de serlo, tengo una pequeña web emanuellephotos.es donde presento algunos de mis trabajos y en mis ratos libres si no estoy hablando de fotografía o haciendo fotos, me gusta salir con mi bici, junto con mi mujer o darme un buen paseo con mi perro.

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Cómo Compaginar el Entorno Familiar y la Afición por la Fotografía Sin Que Nadie Resulte Herido

Mònica Vidal — Mon, 03 Jun 2013 07:37:21 -0400

Cuando empezamos a entrar en el mundo de la fotografía, normalmente practicamos, aprendemos y desarrollamos nuestro ojo en un ambiente familiar. Sobre todo si no tenemos medios o tiempo para asistir a cursos, talleres o clases teóricas. Si ese es tu caso, posiblemente te hayas preocupado en algún momento de no aburrir a las personas de tu entorno con infinitas pruebas fotográficas. O, quizás, no sabes cómo combinar tus prácticas fotográficas con tus ocupaciones familiares. ¿Hay alguna manera de hacerlo?

Tú, a Tu Ritmo

No tengas prisa por aprender. Si estás entrando en el mundo fotográfico de una manera autodidacta, debes ser muy ordenado y cuidadoso pues debes asimilar bien todos los conceptos que vayan surgiendo para así, poder establecer una buena base teórica que, más adelante, te servirá para poder dar rienda suelta a tu creatividad. Busca siempre algún momento de relax para dedicarlo a tu afición, no lo mezcles con otras obligaciones: todo debe tener su tiempo. Asegúrate de poder concentrarte en lo que estás haciendo. Si necesitas practicar, busca en tu casa (o el espacio en el que estés) la manera de poder hacerlo.

Aprovecha las Circunstancias

No hace falta irse de safari a África para poder tomar fotografías buenas, ya sabemos que cualquier circunstancia que se preste nos puede regalar una buena oportunidad de tomar imágenes fabulosas. Así que aprovecha las circunstancias de las que dispongas: tu casa, tu pareja, tus hijos, tu mascota... aprende a ver de manera fotográfica todo aquello que te rodea para, así, poder sacarle el máximo jugo a todas las situaciones que tengas en tu día a día.

Las celebraciones familiares pueden ser, también, una buena manera de aprender fotografía: los cumpleaños te pueden servir para aprender a hacer fotos con iluminaciones cambiantes (como cuando se apagan las luces y se encienden las velas, por ejemplo), las bodas/bautizos/comuniones pueden ayudarte a aprender a fotografiar momentos importantes y decisivos.

Cuando apenas hay tiempo para segundas tomas y la precisión fotográfica es importante. Ten en cuenta, además que si no eres el fotógrafo oficial del evento, tendrás más libertad y menos presión para ir haciendo las fotos a tu ritmo y gusto.

Además, si convives con otras personas, éstas pueden servirte como modelos en situaciones concretas y así, puedes empezar a hacer books fotográficos o hacer sesiones de embarazo o de recién nacidos sin la presión de tener que contentar a un cliente.

Sin embargo, si vas a aprovechar tu entorno de esta manera, debes tener en cuenta una cosa: tú estarás practicando fotografía pero el resto de personas, simplemente, te estarán haciendo un favor. Tanto si posan para ti como si "toleran" (por decirlo de algún modo) el hecho de que estés enredando con la cámara en un momento importante de su vida. Por eso, debes tener en consideración las personas que están a tu alrededor, aprender a interpretar cuándo están cansados de la cámara y sobre todo, aprender a practicar tu fotografía sin interferir demasiado en lo que sea que estén haciendo.

¿Viajes Fotográficos Familiares?

Viajar en familia puede regalarte también, grandes fotografías. Sin embargo, ¿podemos ir a nuestro aire sin importunar al resto de integrantes del viaje? La verdad es que es un poco complicado, sobre todo si eres el único que quiere tomar fotografías más allá de las típicas postales que todo el mundo quiere inmortalizar y más especialmente aún, si se trata de un viaje en grupo u organizado.

Mentalízate: si quieres hacer tus fotografías en un viaje que no haya sido planteado para ser fotográfico, deberás correr mucho. Igual suena extraño: ¿correr? Sí, correr. Porque es más que probable que, en tu intento de retratar aquello que tengas delante de los ojos, te quedes más atrás que el grupo, así que te tocará acelerar el paso para poder volver a recuperarlos.

Si sabes exactamente la dirección hacia la que el grupo está caminando, también puedes intentar adelantarte (correr de nuevo) para acercarte a aquello que te llame la atención y poder realizar las fotografías antes de que los demás lleguen. Con estos dos movimientos conseguirás ir realizando tus fotos, a tu manera y sin interferir en el ritmo del resto de viajeros: ellos no deben esperarte.

Además, también puedes ser tú el que planifique el viaje que realizaréis. Esto implicará invertir más esfuerzo y tiempo pero quizás te sirva para conseguir las mejores fotografías. Si organizas bien el día, podrás estar en aquel monumento famoso al atardecer. O podrás ver como la ciudad se ilumina cuando entra la noche. Si, por lo que sea, no eres tú el que organiza el viaje, asegúrate de informarte bien de aquello que verás y de cuándo lo harás, para saber, de antemano, qué situaciones fotográficas tendrás delante (esto incluye visitas y monumentos, pero también paseos posibles y días especiales del lugar de destino).

Sea como sea, debes tener muy en cuenta el material que te vas a llevar: no debes cargar tu mochila con cámaras y objetivos si no estás completamente seguro de que los vas a usar. Piensa que llevar un peso extra, al final del día, cuando lleves muchas horas caminando, será un auténtico dolor y lo ideal sería que nunca debas pedir a alguien que te ayude a llevar el equipo. Piensa que son tus cosas, tu afición, tu decisión llevar lo que llevas así que, por lo tanto, también es tu responsabilidad.

Iniciar a la Familia en el Arte de la Fotografía

Esta puede ser una buena manera de conseguir compaginar los dos mundos. Si notas que alguno de los miembros de tu familia o entorno muestra cierto interés por lo que haces, intenta potenciar eso: explícale qué quieres conseguir, muéstrale los resultados, pídele su opinión, ofrécele la tuya propia, déjale (si es posible) la cámara para que experimente.

También puedes intentar introducir ciertos conceptos teóricos (como el triángulo de la exposición o algunas reglas básicas de composición). Sobre todo: no fuerces nada, sobre todo si se trata de niños, deja que todo esto fluya de la manera más natural posible. La curiosidad hará el resto.

A Veces, es Mejor Recurrir a Terceras Personas

Sí, ya hemos visto que la familia nos puede dar grandes fotografías y si trabajamos responsablemente, todos guardaréis un grato recuerdo de tu afición fotográfica. Sin embargo, a veces es necesario salir a buscar apoyo en terceras personas. Amigos (u otros familiares) que compartan afición contigo. Con ellos puedes hacer viajes o, simplemente, paseos fotográficos que, además de respetar tus tiempos fotográficos pueden ayudarte a aprender más fotografía.

Descansa de la Fotografía de Vez en Cuando

Sobre todo si tu afición es muy marcada y siempre andas enganchado a tu cámara. Seguramente la gente de tu alrededor agradecerá (aunque quizás no te lo digan) el hecho de poder descansar de cámara pero sobre todo, agradecerá el poder disfrutar de ti.

Porque, siendo sinceros, si estamos haciendo fotos, estamos haciendo fotos. Nos concentramos, nos fijamos en los detalles, analizamos luces, encuadres, profundidades de campo. Y no es difícil que nos olvidemos del resto.

Así que descansar en algún momento y dejar la cámara encima de la mesa (aunque siempre cerca, por si aparece aquella imagen que necesita ser captada) nos ayudará al hecho de que afición y entorno familiar se lleven mejor.

Aprende a Decir que No

Quizás esto no tenga mucho que ver con la tónica general del artículo. Sin embargo, creo que es totalmente necesario hacer una mención a una situación que seguro has vivido en alguna ocasión.

De la misma manera que los informáticos acostumbran a oír la frase "tú que eres informático, ¿me arreglas el ordenador?", los fotógrafos también solemos oír la frase "mejor haz la foto tú, que sabes más", "ven, haznos una foto, que con tu cámara salen mejor" y otras derivadas. Aprende a decir que no, sobre todo si lo que se busca es una fotografía "sin más", una fotografía que cualquier podría hacer. Por supuesto, no te costará nada hacerle el favor a aquella persona que te pida que le hagas la fotografía pero asegúrate de que eso no te acabe convirtiendo en el "fotógrafo oficial" de la familia o el grupo de amigos, si no es lo que quieres.

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¿Harto De Que Todo El Mundo Pose Igual En Tus Fotos? Te Ofrecemos Nuevas Fuentes De Inspiración Para Conseguir Resultados Diferentes

Javier Lucas — Fri, 31 May 2013 05:15:11 -0400

Últimamente no sé que pasa, pero cada vez que miro las fotografías que realizo a animales o personas, amigos o familia, individuales o colectivas, niños o grandes..., tengo la sensación de que son todas muy parecidas.

Me refiero a que tiendo a pedir determinadas poses para los retratos individuales, para cuando hay niños, para fotos de pareja, de grupos más numerosos, etc. Pero no me muevo de esas poses que sé que funcionan.

Así que he pensado buscar nuevas fuentes de inspiración y, por eso, una vez hecha esta labor de búsqueda quiero compartir contigo todo aquello que he encontrado para que si te ves como yo, sepas cómo salir del apuro. ¿Quieres saber cómo he resuelto yo esta falta de imaginación en mis fotografías? Presta atención al artículo.

Algunos Recursos Disponibles en dZoom

Como suelo hacer cada vez que necesito inspiración o información sobre algún tema relacionado con la fotografía y como también hice en esta ocasión, me di una vuelta por algunos de los artículos ya publicados en dZoom. No sería la primera vez que me daba cuenta que ya habíamos hablado en dZoom al respecto. Ya sabes, después de más de 10 años, tenemos una buena "biblioteca" en la que poder consultar :)

Y el resultado fueron algunos artículos que creo que son básicos como punto de partida y que, por ello, paso a detallarte a continuación:

Sin embargo, aunque incluían consejos muy útiles y básicos para lograr buenas fotos de individuos, parejas, grupos, en estudio, al aire libre, estáticas, en movimiento, etc., no era lo que yo necesitaba.

Lo que yo buscaba eran ejemplos y nuevas fuentes de inspiración. Nuevos modelos, poses, distribuciones, situaciones diferentes que me permitiesen salir de un estilo de fotografías en las que yo solito me estaba encasillando.

Buscando La Inspiración En Los Grandes "Álbumes" De Internet

Afortunadamente, existe un instrumento que se llama Internet y que permite a cualquiera que necesite algo, poder encontrarlo (de forma más o menos fácil, pero lo acaba encontrando).

En temas de fotografía, yo lo tengo muy claro, cada vez que necesito fuentes de inspiración, acudo a flickr y 500px y lanzo consultas. En este caso opté por consultas del tipo "posing", "groups", "animals", "couple", "children", "party", "wedding", etc.

Los resultados fueron de lo más variados y te puedo garantizar que tomé muchas ideas. Te recomiendo que cada vez que te notes falto de inspiración a la hora de realizar un determinado trabajo, no dejes pasar la ocasión.

Por supuesto, además de estas dos webs de referencia puedes acudir a foros, webs de fotógrafos profesionales, stocks fotográficos profesionales, Google Images, etc. Pero, sin duda, yo suelo empezar por los dos gigantes comentados en el segundo párrafo de este apartado.

No Olvides Que Existen Grandes Libros de Fotografía Sobre El Tema

La verdad es que con la irrupción de Internet tendemos a olvidar ese gran recurso que todavía siguen siendo los libros. En papel, o en formato electrónico, pero libros al fin y al cabo.

Basta buscar en Google por los términos "poses book", o directamente en Amazon por "poses photography" y obtendrás una avalancha de resultados.

A continuación menciono algunos de la colección de Michelle Perkins, una especialista en este campo que ofrece una amplio catálogo:

500 Poses for Photographing Women
500 Poses for Photographing Couples: A Visual Sourcebook for Digital Portrait Photographers
500 Poses For Photographing Children: A Visual Sourcebook for Digital Portrait Photographers
500 Poses for Photographing Group Portraits: A Visual Sourcebook for Digital Portrait Photographers

Aunque, por supuesto, si quieres más alternativas, puedes acceder a un repertorio de lo más variado, como digo, a través de Amazon, o directamente en cualquier buscador.

No debes olvidar lo mucho que los libros tienen todavía que aportar a la fotografía, por muy digital que sea ésta :)

Tu Smartphone O Tablet También Te Ofrece Buenas Posibilidades

Android, iOS, Windows Phone, Blackberry y sus sendas tiendas de aplicaciones son también hoy otro punto de referencia al que acudir cuando queremos información o, al menos, alguna aplicación que nos pueda ofrecer esta información.

Así fue como llegué a varias aplicaciones con fotografías de ejemplo para tener ideas sobre posibles poses a poner en práctica en mis próximas fotografías. Yo uso Android, de ahí que los ejemplos que te voy a proporcionar son de este Sistema Operativo, pero estoy seguro de que para otros Sistemas Operativos dispondrás de alternativas equivalentes, sino están disponibles directamente las mismas aplicaciones.

A continuación te dejo 3 aplicaciones gratuitas con imágenes de las que podrás tomar un buen número de ideas:

Posing w/ Ken Gehring
Wedding Portrait Posing Guide
100 Model Poses

Y hay muchas más, es sólo cuestión de seguir buscando y tener paciencia para hacerte con un buen abanico de ellas.

Posing App: El Mejor Repertorio Sobre Poses Que He Encontrado

Si no te has quedado de brazos cruzados mientras leías este artículo y has echado un vistazo por Internet a través de Google, o bien dentro de la tienda de aplicaciones de tu smartphone o tablet, sobre cualquier información disponible al respecto de esta temática de poses para fotografías, estoy seguro de que te habrás topado con Posing App.

Yo he de reconocer que ya había oído hablar de ella y mucho. Concretamente, a través de varios artículos promocionales de la aplicación en Digital Photography School en los que recogía un buen número de las poses que luego ofrece en la aplicación. Puedes ver las mismas en los siguientes enlaces:

Como puedes ver en la imagen superior derecha y en los enlaces anteriores, no se trata de fotografías, sino de esquemas de composición y algunos consejos que te resultarán tremendamente útiles y la mar de rentables, teniendo en cuenta que la aplicación para smartphones y tablets cuesta menos de 2,50 Euros. A lo que puedes añadir un paquete adicional llamado "glamour" que cuesta algo más de 1,50 Euros.

Para mí, desde luego, merece mucho la pena y espero que me sirva para poder dar un aire fresco a mis imágenes. Además, por lo que he podido ver, está disponible para Android, iOS, Windows Phone. Incluso en Amazon en formato ebook.

Eso sí, si no te decides por comprar la aplicación, al menos a través de los enlaces anteriores, creo que habrás podido hacerte una idea de gran parte del contenido que te ofrece y estoy seguro de que te ayudará a contar con nuevas alternativas que poner en práctica en tus imágenes.

¿Tú Qué Recomiendas?

Como has podido ver, éstas son sólo mis recomendaciones para un importante atasco creativo que he sufrido relativo a las poses en mis fotografías, pero estoy seguro que hay muchas más.

¿Tú qué consejo puedes darnos al respecto?, ¿has experimentado alguna vez esta misma situación?, ¿cómo lo has resuelto?, ¿tienes algún recurso por ahí escondido que te apetezca compartir con nosotros? ¡Adelante!, ¡estamos deseando escucharte!

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Artículo enviado gracias a la gentileza de MisRemedios.com, remedios caseros y tratamientos naturales que funcionan

¿Seguro que le Prestas la Suficiente Atención a la Selección de tus Fotos?

Mònica Vidal — Wed, 29 May 2013 07:22:28 -0400

Cuando hacemos fotografía podemos llegar a caer en el error que, una vez realizada y revelada la fotografía (tanto en el proceso químico como el digital) ya ha terminado nuestro trabajo como fotógrafos. Nada más lejos de la realidad y es que el paso de seleccionar las fotografías y decidir qué compartimos y qué no es una parte muy importante del relato que construyamos con nuestras imágenes. En la época de Internet todo son prisas. Los smartphones nos permiten publicar las fotografías en la red al momento. A veces, el hecho de querer publicar las imágenes que realizamos lo antes posible, puede llevarnos a hacer una mala selección del trabajo que mostramos al mundo. La selección es importante, ¿sabemos por qué? ¿La "prisa por publicar" es buena en fotografía?

La Importancia de la Selección

Lo prolíficos que seamos haciendo fotos es algo que va con la personalidad de cada uno. Hay personas que salen con la cámara y vuelven a casa con un par de fotos y personas que llenan sus tarjetas de memoria. Esto depende, sobre todo, de cómo viva cada uno la fotografía. Sin embargo, hay algo por lo que todos tenemos que pasar: la selección fotográfica. Decidir qué vamos a enseñar y qué no. Independientemente de si lo vamos a enseñar en Internet, en una exposición o tomando un café con aquella persona que quiera ver las fotos; parte del trabajo del fotógrafo es decidir con qué quedarse y qué mostrar.

Sabemos que las fotografías cuentan relatos por ellas mismas, el artista tiene el poder de potenciar esos relatos. ¿Cómo? Decidiendo qué partes del relato enseña y qué partes del relato esconde (o, dicho de otra forma, qué partes deja a la imaginación). Es decir, haciendo una selección. Cuando decidimos que queremos mostrar una serie de fotografías, debemos ser muy conscientes de lo que las fotos cuentan: ¿tenemos suficiente con una sola imagen para contar lo que queremos contar? A veces, cuando no somos conscientes de esto y no hacemos una selección cuidadosa de las fotografías que mostramos, podemos correr el riesgo de ser redundantes, de repetirnos. Tres fotografías pueden llegar a ser más expresivas e impactantes que siete u ocho.

Enseñar Fotos es Comunicar

Cuando enseñamos nuestro trabajo no estamos haciendo otra cosa que comunicar, así que debemos ser muy conscientes de lo que dicen nuestras fotos de nosotros porque, entre otras cosas, nunca podrás saber quién puede llegar a verlas. Esto incluye seguidores de tu trabajo como artista, evidentemente, pero también responsables de posibles trabajos. Nuestras fotos hablan de nosotros, vigila bien lo que dice de ti aquello que publicas. Y si decides hacerlo en Internet, recuerda: Internet no es un diario personal, es un escaparate a través del cuál mucha gente nos ve.

Internet Está Plagado de Imágenes

Sí. Pero, ¿dónde quedan las fotos? Cuando decidimos compartir nuestras imágenes es porque queremos enseñarle a todo aquel que quiera verlo lo que somos capaces de hacer. Así pues, la intención final de publicar fotografías en Internet debería ser diferenciarnos del resto. Diferenciarnos de las "fotos de Google". Aquellas que hace todo el mundo, aquellas que podría hacer cualquiera. Porque nosotros tenemos unos conocimientos (sean más vastos o más escuetos) de fotografía y esto nos permite tener más control sobre las imágenes que queremos tomar con nuestro equipo.

Así pues, cuando publiques tus fotografías, piensa: "¿Estoy publicando imágenes o fotografías?", "¿Me diferencio de aquello que ya hay en Internet o estoy haciendo más de lo mismo?". Esto, además de hacerte pensar sobre lo que publicas y lo que no, te ayudará a ver qué tipo de relación tienes con la fotografía.

La Inmediatez y la Poca Paciencia

Ya hemos comentado muchas veces las enormes ventajas de poder compartir nuestras fotografías en Internet y una de ellas es, sin duda, la inmediatez. Poder compartir aquello que estamos haciendo casi en el mismo momento en que lo hacemos (por ejemplo, gracias a los smartphones). Pero esta inmediatez es un arma de doble filo: mientras que por un lado nos permite poder compartir cuando y donde queramos nuestras fotografías, esto nos puede llevar a tener "poca paciencia fotográfica".

Vivimos en la era de la rapidez. Sin embargo, la fotografía (y el arte en general) suele ser enemigo de la rapidez. Se necesita calma para vivir la fotografía. Tener prisa por enseñar aquello que hemos hecho puede llevar a fotografías poco trabajadas (tanto en el plano de la producción fotográfica como en plano del procesado). Los proyectos fotográficos son cada vez menos pensados. Todo pasa muy deprisa y hay veces que la única manera de sacar el 100% del valor de una imagen reside, precisamente, en el saber dejarla descansar. Nadie ha dicho nunca que una fotografía deba hacerse, procesarse y mostrarse al momento.

Cada vez hay menos personas que se tomen el tiempo y las molestias (entre ellas económicas) de imprimir y estudiar sus propias fotografías, de mirarlas con calma, de aprender a leerlas. Hay historias, mensajes, relatos, relaciones entre fotografías que sólo aparecen después de observar con atención cada una de las imágenes que tenemos delante.

Una de las mejores maneras de aprender fotografía es viendo muchas fotos. De otros artistas sí, pero también las nuestras propias. Por eso es necesario que no nos desentendamos de ellas. Si decidimos publicarlas, no basta con subirlas a nuestra galería/blog/web y olvidarnos de ellas. Tenemos que crear una relación completamente personal (incluso íntima) con nuestra fotografía y en realidad, el público (o el hecho de enseñar nuestras fotografías) debería ser la última parte de el proceso fotográfico.

Cuando hacemos fotografía, sólo deberíamos pensar en nosotros, en lo que queremos conseguir, y no en quién va a ver los resultados. En mi opinión, no se deberían enseñar las fotografías hasta que la persona que las ha hecho las conozca a la perfección y para esto, se necesita calma.

Tú, a Tu Ritmo

Sí, después de decir que quizás compartir las fotos con rapidez no sea lo mejor, que ahora te diga que vayas a tu propio ritmo quizás es contradictorio. Sin embargo, como muchas otras cosas en el mundo del arte, esto es subjetivo. Cada persona necesita una agenda, un tiempo diferente para cada parte del proceso. Lo importante es que te pares a pensar si tu manera de trabajar es así porque realmente es como te gusta trabajar o es así porque como todos, estás sumergido en esta espiral del "aquí, ahora" en el que vivimos. Recuerda que siempre estarás a tiempo de compartir tus fotos de la manera que quieras. Por mucho tiempo que haya pasado desde que las tomaste.

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