¿Alguna vez has visto una fotografía como la de la portada, en la que el sol parece la típica estrella que vemos en los dibujos animados? Ese efecto, conocido con nombres como starburst en inglés o simplemente sol con efecto estrella, es muy fácil de conseguir, y en este artículo te contaré las recomendaciones que deberías seguir si quieres aplicarlo a tus imágenes.

¿Qué Es el Efecto Sol Estrellado?

Seguro que tienes alguna foto en la que aparece el sol en el encuadre de la toma con este efecto, pero si te preguntan cómo lo has hecho no sabrías responder. A veces las casualidades están ahí para ayudarnos a conseguir un efecto resultón, pero siempre es mejor que sepas cómo se lleva a cabo para que lo emplees cuando quieras, o lo evites si no te agrada.

Este efecto estrellado con el que podemos ver el sol, pero también la luna o las luces de una calle por la noche por ejemplo, se caracteriza por transformar las fuentes de luz en una especie de estrella, de la cual podemos ver cómo emanan rayos de luz.

El efecto nos ayuda a darle interés a la fotografía, pero hay que saber cuál es la mejor manera de llevarlo a cabo para obtener una imagen con calidad, y no una imagen arruinada por la falta de nitidez y los destellos borrosos.

Difracción y Efecto Estrellado

El efecto estrella de una fuente de luz es el resultado de la difracción de la luz. Como te explicábamos ya en este otro artículo, la difracción es un fenómeno que implica una ligera flexión de las ondas alrededor de pequeños obstáculos y la propagación de éstas a través de pequeñas aperturas.

En fotografía, la difracción ocurre cuando las ondas de luz pasan a través del diafragma de una lente. Cuando éste está más cerrado, la difracción es más pronunciada.

Aunque se puede llegar a creer que obtendremos mayor nitidez con aperturas pequeñas (es decir, con número f altos), esto es erróneo, ya que ya sabemos que cuando utilizamos aperturas muy pequeñas la difracción provoca una perdida de nitidez en nuestras fotografías. Eso sí, a pesar de ello, está claro que a menor apertura mayor será la difracción y por lo tanto más evidente será el efecto estrella del que hablamos.

9 Consejos para Conseguir el Efecto Sol Estrellado

A continuación vamos a ver los consejos que debemos seguir para sacar el efecto de luz estrellada en nuestras fotografías.

1. Seguridad ante Todo

Cuando incluimos el sol en nuestro encuadre debemos tener mucho cuidado, sobre todo si lo miramos a través del visor óptico de la cámara (en el caso de que sea una cámara réflex). Tenemos que proteger nuestros ojos, por eso es mejor que encuadres la escena componiendo a través del live view para no tener que mirar directamente al sol si éste es muy brillante.

Pero la luz del sol no solo puede ser perjudicial para nuestros ojos, sino también para nuestra cámara, ya que el principio es el mismo que cuando utilizamos una lupa, por lo que si enfocamos directamente al sol, y especialmente si trabajamos con teleobjetivos, la luz puede llegar a dañar los componentes internos de la cámara o incluso dañar el propio sensor. Así que si vas a hacer este tipo de fotografías, huye de los teleobjetivos y opta por trabajar con el visor electrónico (cámaras sin espejo) o el modo live view (cámaras réflex).

2. Utiliza el Diafragma Adecuado

La apertura es sin duda el factor más importante para conseguir el efecto estrellado. Cuanto menor sea la apertura que empleemos (es decir, cuanto mayor sea el número f con el que configuremos la cámara), más evidente será el efecto.

Con un apertura pequeña la luz se curva alrededor de las palas de la lente en un ángulo más pronunciado, lo cual provoca que aparezcan los rayos que simulan el efecto estrellado.

Una apertura f/11 te ofrecerá ya un efecto estrellado, y conforme vayas aumentando ese número f el efecto será más claro. Aunque bien es cierto que como hemos comentado muchas veces, trabajar con aperturas extremadamente cerradas no solo provocará difracción en las fuentes de luz, sino también en toda la imagen, por lo que las fotografías que obtengamos contarán con menor calidad y nitidez.

3. La Lente También Importa

Una forma de producir estrellas de sol (o luces en general) de manera más nítida, reduciendo a la vez el destello de la lente que es el responsable de reducir la claridad de los detalles y eliminar el color y el contraste, es empleando objetivos de mayor calidad.

Las lentes que son de mayor calidad te ofrecerán resultados más nítidos y limpios. Por supuesto también podemos eliminar esos destellos en edición, pero difícilmente podremos lograr la mismo nitidez que obtenemos ya desde el momento de la captura.

4. Conoce Tu Objetivo a Fondo

Otro aspecto importante relacionado con las lentes es el número de hojas que tiene el diafragma. No todas las lentes tienen las mismas, y dependiendo del número que tengan saldrán más o menos rayos del efecto estrellado de las fuentes de luz.

Se tiende a pensar que cuantas más palas tenga la lente, más explosión de estrellas podremos conseguir, pero esto no es del todo cierto.

Cuando las palas son número par, los picos de difracción están directamente uno frente al otro, y se cancelan entre sí, por lo que una diafragma con 6 palas, producirá solo seis puntos. Sin embargo, si el número de palas es impar los puntos de difracción no se alinean perfectamente, y lo que ocurre es que se producen el doble de picos que número de palas hay. Así pues, un diafragma de 5 hojas producirá 10 picos, haciendo que el efecto sea más poderoso.

Es por ello que es interesante que intentes conseguir el efecto probando diferentes lentes para ver las diferencias.

5. Fuentes de Luz Puntuales o Muy Potentes

Cuanto más pequeña y/o potente es una fuente de luz, más efectivo será la aplicación del efecto.

Por ejemplo, si fotografiamos el sol, aunque no sea una fuente pequeña sí que es una fuente muy potente, por lo tanto destacará en la escena a pesar de que ésta también esté iluminada, y por eso el efecto podrá contemplarse. Y si además sigues el consejo de intentar buscar contraste entre la fuente de luz y el fondo aún destacará más.

Por otro lado, la luna o las luces de una farola por la noche, aunque no son tan potentes como el sol, su tamaño es más pequeño y son mucho muy puntuales, y al ser de noche y haber mayor contraste, es relativamente sencillo lograr el efecto.

Otra cosa muy distinta será por ejemplo intentar aplicar el efecto a la luz que produce una linterna en pleno día. Al estar la escena tan iluminada y la fuente de luz no ser demasiado potente, el efecto no se llegará a apreciar.

6. Distancia Focal Amplia

Cuanto menor sea la distancia focal, menor será la apertura física del diafragma, de modo que cuanto más nos alejemos de la fuente de luz, más explosión de estrellas veremos en la fotografía.

Además, si empleamos lentes más angulares el sol no robará todo el protagonismo a la toma con el efecto estrellado, y podemos componer para que sea un punto más de interés de la fotografía, pero sin restarle importancia al resto del paisaje.

7. Enmascara la Fuente de Luz

Una forma de conseguir que el efecto estrellado sea más dramático es bloqueando parcialmente la fuente de luz. Por ejemplo, si vas a fotografiar con este efecto el sol, y lo haces enmascarándolo parcialmente con las hojas de un árbol o un edificio, aumentará el contraste de esa región del marco y el efecto se pronunciará más.

Para ello deberás moverte para conseguir el mejor punto desde el que hacer la toma y realizar varias pruebas, ya que un ligero movimiento hacia un lado u otro puede hacer causar un gran cambio en el destello de la luz.

8. ¿Filtros UV Sí o No?

Cuando fotografiamos directamente al sol se recomienda emplear filtros UV para proteger el sensor de nuestras cámaras. No obstante, ocurre muchas veces que aun siguiendo las recomendaciones que hemos visto hasta el momento para lograr el efecto estrellado, no logramos obtenerlo como queremos.

En estos casos, puede que se deba precisamente al uso del filtro UV, que puede llegar a provocar destellos indeseados en la imagen y hacer que la fotografía salga menos limpia, provocando que el efecto no luzca tal y como queremos.

9. Activa el Aviso de Altas Luces

Una opción muy interesante de nuestras cámara es el aviso de altas luces o patrón cebra, que nos indica precisamente aquellas zonas de la imagen que se están quemando y por tanto de las que no podremos recuperar información en edición, ni aun habiendo disparado en formato RAW.

Si disparamos al sol puede que esté salga quemando, pero procura que los elementos de alrededor no lo estén. Es mejor subexponer un poco la imagen y levantar sombras en edición, que perder información en áreas importantes.

Otros Aspectos a Tener en Cuenta

Otros aspectos que deberás tener en cuenta a la hora de conseguir el efecto estrellado son:

• El efecto estrellado se aplica tanto a la fotografía diurna como a la nocturna. El Sol, que es la estrella más cercana a la Tierra puede ofrecerte este efecto durante el día, así como también puede hacerlo su reflejo en objetos brillantes. Por la noche, cualquier fuente de luz brillante y distante también podrá producirlo, como lo es por ejemplo la Luna, o las luces de una ciudad.
• La exposición afecta directamente a la intensidad del efecto estrellado. Cuanto más larga sea la exposición, más evidente será el efecto, y cuanto más brillantes sean los puntos de luz, también destacará más.
• Si quieres que el efecto estrellado destaque, busca contraste en tus fotografías. Por ejemplo, si realizas una fotografía de noche, en la que aparece una farola con el efecto, y el resto de la escena es un cielo nocturno oscuro, el efecto se verá más definido y llamativo. Si en esa misma escena hay más luz proveniente de otras farolas que provocan que el fondo sea más brillante y por tanto no hay tanto contraste, entonces el efecto no destacará tanto.
• En fotografía nocturna, el trípode será un imprescindible. Cuando hacemos fotografías nocturnas tenemos menos luz en la escena, por lo que nos toca recurrir a aperturas grandes, ISO's altos y velocidades de obturación lentas para poder exponer bien la toma. Como en este caso necesitamos que el diafragma esté cerrado, tendremos que recurrir a los ISO's altos y las velocidades lentas para poder conseguirlo, y para ello un trípode será esencial, ya que de lo contrario conseguir la imagen sería imposible.
• Utiliza el modo de Prioridad a la Apertura o el Manual. Como ya hemos visto la apertura de diafragma es de los tres elementos que conforman el triángulo de exposición el más relevante para crear este efecto, por lo tanto, el modo A/Av te permitirá tener el total control sobre éste parámetro mientras la cámara se encarga de calcular el resto para obtener una exposición adecuada. Si quieres ir un paso más allá, entonces opta por el modo manual para tener el absoluto control sobre todo.
• Mantén el sensor de la cámara y la lente limpios. Si éstos no están limpios los destellos indeseados y las manchas que aparecerán en la imagen la estropearán, y tendremos que invertir más tiempo en edición para poder eliminarlas. Por eso es recomendable asegurarse antes de disparar la toma de que están perfectamente limpios.
• Huye de los días nublados y con niebla. Cualquier nube o bruma en el aire filtrará o bloqueará los rayos de sol, por lo que el efecto de la explosión estrella del sol se reducirá considerablemente.
• Sé original y trabaja la composición. Sobre todo en los casos en los que enmascaramos un poco el destello a través del algún objeto. intenta ubicarlo en una zona de la composición que tenga sentido y le de más fuerza a la imagen.
  

  Tras realizar la primera toma me di cuenta de que podía usar el efecto estrellado del sol para conseguir una composición más creativa, así que fui moviéndome hasta posicionarlo justo en la punta de la construcción.

• Uso de filtros degradados de densidad neutra. Estos filtros pueden sernos de gran utilidad en diversas ocasiones, ya que podremos subexponer unos cuantos pasos el área en la que aparece el sol, y así poder equilibrar mejor la exposición de la toma sin tener que subexponerla demasiado.

Siempre Nos Quedarán los Filtros Estrella y Photoshop

Hay otro modo de conseguir este efecto, y es empleando un filtro estrella, o filtro cruzado. Estos filtros precisamente lo que hacen es difractar intencionalmente la luz tienen gracias a una rejilla que tienen en la superficie que es la responsable de crear el efecto estrella.

El filtro afectará a todas las fuentes de luz que haya, y aunque es cierto que crea un efecto muy curioso, también suele provocar la aparición del arco iris en la luz a causa de la dispersión de la luz, lo cual produce problemas de suavidad en las imágenes.

Existen muchas variantes de estos filtros, que producen diferentes números de puntos, a continuación te dejamos algunos enlaces por si te interesa adquirir alguno.

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Por otro lado, otra opción a la que podemos recurrir es Photoshop u otros software de edición. En este otro artículo te explicábamos paso a paso cómo conseguirlo.

¡Aprende a Sacar (o Evitar) el Efecto Starburst!

¿Te gusta este efecto o prefieres evitarlo? Sea cual sea tu respuesta, lo mejor es que conozcas y entiendas a qué se debe su aparición, para que puedas controlar siempre cuándo quieras que aparezca en tus tomas, o qué configuraciones deberías evitar para que no aparezca.

¿Te animas a enseñarnos tus fotos con efecto estrella a través de los comentarios?

La sabiduría popular está llena de grandes consejos para todas las situaciones, pero demasiado a menudo este conocimiento del boca a boca se llena de errores por el camino. Y lo malo es que es muy difícil detener la propagación de estas falsas afirmaciones una vez que están en el aire.

Pero precisamente para eso vengo hoy, a frenar algunos de los mitos y errores comunes en boca de la gente que estoy seguro que habrás escuchado alguna vez, siempre intentando razonar su origen y el porqué de cada error. ¿Listo? ¡Vamos allá!

1. Un objetivo 50mm en una cámara Full Frame da el mismo campo de visión que el ojo humano

Esta afirmación, que tiene como argumento que éste es el objetivo que todos los fabricantes llaman “estándar”, se puede desmentir rápidamente en casa. Mirando hacia delante en una habitación, comprobando qué abanico abarcamos bien con la vista y haciendo una foto a 50mm (ó 35mm en cámaras APS-C), vemos que en la foto aparece una zona mucho más estrecha que lo que vemos con los ojos. Porque nuestro campo de visión tiene en realidad una amplitud equivalente a nada menos que un objetivo gran angular 12mm. Si bien la zona de máxima nitidez y atención de nuestro ojo, ésa con la que ahora mismo lees estas líneas, es muchísimo más reducida, equivalente a un teleobjetivo de distancia focal 1000mm.

La razón por la que el objetivo 50mm sea el objetivo estrella y considerado estándar tiene una razón simple y de simplicidad: es la distancia focal más sencilla (y por lo tanto barata) de fabricar para negativos y sensores de 35mm, ya que no requieren muchas lentes ni elementos asféricos ni de dispersión anómala, con lo que se convirtieron en los objetivos base para acompañar toda cámara réflex.

2. Lo primero que hay que hacer es poner un filtro para proteger el objetivo

Es una frase que toda persona que acabe de comprarse una cámara réflex escuchará por todos lados. Puede que a un amigo o puede que incluso al mismo vendedor de la tienda. Y el argumento de que sirve para proteger el objetivo en el caso de que se te caiga es válido, pero no me parece para nada la mejor opción ya que el filtro UV que le pones a tu cámara recién comprada para protegerla no es un filtro de cristal profesional de 100€, sino el más económico que te venden en la tienda, y con ello estás tirando por la borda todo el esmero con el que fabricaron las lentes de tu objetivo.

La calidad de imagen que obtienes se ve siempre limitada por la lente de peor calidad que tienes delante del sensor, y ésa es sin duda el filtro de 15€ hecho de plástico. Y por eso, en vez de proteger el objetivo de una posible caída con un filtro, yo veo mucho más eficaz y sensato hacerlo con un parasol. Cuesta tanto o menos que cualquier filtro, protege el cristal frontal de rayaduras y golpes y, no sólo no perjudica la calidad de imagen, ¡sino que la mejora! Un parasol mejora el contraste obtenido y evita los flares, además de que, en el caso de romperse por un golpe, puede arreglarse fácilmente. Todo ventajas.

Un parasol que absorbió una caída, protegiendo las lentes y cuerpo del objetivo. Se rompió, pero con un poco de pegamento pudo arreglarse.

3. Hay que apagar la cámara para cambiar el objetivo por la electricidad estática

Corre un mito por muchos rincones de internet que dice que el sensor de las cámaras se carga de electricidad estática y si no la apagas al cambiar de lentes, ésta atrae el polvo y se te ensucia el sensor enseguida, como si de un trapo atrapapolvo se tratase. Un mito que se desmiente conociendo el funcionamiento de una réflex y un poco de física. Y es que aunque es cierto que por la naturaleza del efecto fotovoltaico un sensor se puede cargar de electricidad estática, ésta no desaparece después de aplicar las cargas, precisamente por ser estática. Permanece aún después de apagar la cámara, y habría que descargarlo por contacto con una tierra. ¿Por qué no es preocupante entonces? Pues porque en las cámaras réflex el sensor está protegido por la cortinilla en todo momento excepto en el momento exacto de hacer la foto. Luego cambiando el objetivo, el sensor no está nunca expuesto al polvo.

¡Pero ojo! Este mito adquiere más sentido en las nuevas cámaras sin espejo, donde a menudo el obturador es electrónico y el sensor sí queda al contacto directo con el aire.

4. Más megapíxeles significa mejor cámara

Éste es un clásico que estoy seguro de que la mayoría de los que están leyendo esto saben de sobra que es falso, pero por si acaso lo reitero: los megapíxeles (que significa “millones de píxeles”) sólo indican el tamaño de la imagen digital obtenida. Además, aumentar el número de fotodiodos en el sensor va casi inevitablemente ligado a una menor calidad a ISOs altos al tener estos fotodiodos una superficie menor sobre la que recibir luz, por lo que tener una cámara con más megapíxeles de los que realmente necesitas puede ser hasta contraproducente. Con las resoluciones que manejamos hoy en día, por normal general es más relevante la calidad de imagen obtenida que el tamaño de dichas fotos.

5. Jamás hay que usar el flash integrado

Es cierto que la luz que da un flash integrado es considerada de mala calidad al venir completamente de frente, no crear volumen en los rostros y dar poca potencia, entre otros. Pero para nada ésta debería ser una regla insalvable. El flash integrado no deja de ser un recurso más que nos ofrece nuestra cámara, y está a nuestro criterio usarlo o no dependiendo de la situación. Porque es muy probable que alguna vez nos encontremos en la situación de no tener nada de luz, y es mejor una luz mala que ninguna. O puede que tengamos la creatividad para usarlo con modificadores de luz, para rebotar o para hacer saltar otro flash esclavo. No te prohíbas usar el flash integrado, ¡aprende a sacarle partido!.

6. Editar en Photoshop es falsear la foto, la fotografía analógica es la única pura

Es cierto que con la edición digital se pueden crear auténticas monstruosidades, pero los ajustes en el revelado de exposición, contraste, luces altas o bajas, colores, virados, corrección por zonas y un sinfín de variaciones que mucha gente considera “alteración photoshop” no son, ni mucho menos, algo nuevo de la fotografía digital. El revelado personalizado para conseguir hacer destacar nuestra foto se lleva haciendo desde que se tuvo medios e ingenio para no revelar todas las fotos igual. Muchísimas de las correcciones que se hacen hoy en día tienen su equivalente analógico, y lo hacían tanto los grandes maestros de mediados de siglo como los aficionados en sus cuartos de baño con luz roja.

Ejemplo de cómo se mejoraba una foto de la agencia Magnum

7. Abrir y cerrar un JPEG muchas veces hace perder calidad

Es algo que he escuchado a más de una persona y creo que viene de un efecto “juego del teléfono” en el que se ha ido desvirtuando la afirmación inicial. Y es que abrir y cerrar un archivo, que sólo se lee y sobre el que no se hace ningún cambio, no puede hacer que pierda calidad.

Probablemente lo que quiso decir la persona que inició el teléfono es que editar una foto repetidas veces en un editor como Photoshop, y guardar cada una de esas veces haciendo una compresión JPEG, hará que se vaya perdiendo calidad paulatinamente. Es lógico: si cada vez que lo vuelves a guardar aplicas una compresión adicional, cada vez reduces más el archivo. Pero para nada esto ocurre sólo con abrir y cerrar el archivo con un visor de fotos.

8. El enfoque a infinito está al final del recorrido del enfoque

¡Mucho cuidado con esto! Cuando quieras enfocar al infinito para tomar fotos del horizonte o las estrellas, no gires el anillo de enfoque hasta el tope, porque el enfoque perfecto a infinito está un pelín antes de llegar al final del recorrido. En objetivos de gama alta es fácil intuirlo porque marcan en la ventana de enfoque el punto de infinito, dejando un cierto recorrido tras esta marca por la que aún puedes moverte.

¿Por qué lo hacen así? Pues bien, viene en casi todos los manuales de objetivos pero poca gente lo lee: la razón es que el enfoque a infinito depende de varios parámetros, como posibles variaciones de calibración o incluso la temperatura, por lo que el objetivo se diseña con un rango extra para compensar el enfoque a infinito cuando estas condiciones cambien. Por eso es siempre buena idea enfocar un punto muy lejano con la pantalla de la cámara y con magnificencia, para asegurarnos de que con las condiciones presentes se está enfocando al infinito.

9. Al hacer fotos de estrellas hay que cerrar mucho el diafragma para obtener mucha profundidad de campo

Otro error típico al querer enfocar el infinito. Y es que en la fotografía de naturaleza es, efectivamente, muy usual hacer fotos con diafragma cerrado para aumentar la profundidad de campo, pero únicamente porque se intenta que estén enfocados tanto los objetos cercanos como los del horizonte.

Al hacer fotos a montañas lejanas y estrellas, en las que apuntamos con la cámara hacia arriba, normalmente no sacamos ningún objeto cercano, por lo que la profundidad de campo no la necesitamos lo más amplia posible. De hecho, la mayoría de fotos nocturnas están hechas con diafragmas de f2.8 y menores, dado que es necesario para captar toda la luz posible de estrellas y la Vía Láctea. Lo óptimo sería enfocar a la distancia hiperfocal.

10. Hay que desactivar el estabilizador al usar trípode

Sí y no. La respuesta correcta es que no es una afirmación rotunda, sino que depende del objetivo o la cámara en cuestión. Hay estabilizadores que están preparados para desactivarse solos cuando detectan que están completamente estables en un trípode, y hay otros que al estar completamente quietos producen un indeseado efecto de trepidación inducida al intentar compensar un movimiento que no hay.

Por eso, hay que leer los manuales -¡esos desconocidos!- de nuestro objetivo o nuestra cámara, dependiendo de si hablamos de estabilizador en el objetivo o en el cuerpo, para saber si hace falta desactivarlo o no al usar un trípode.

11. La exposición perfecta es la que marca el exposímetro a 0

Los más avanzados sabrán que esto es totalmente falso, pero es un mito muy extendido entre las personas que se inician en la fotografía y están aprendiendo a manejar el exposímetro. Que el exposímetro marque cero significa que hay equivalencia en el número de píxeles con ponderaciones de luces altas y bajas. Es decir, que hay igual cantidad de partes claras que oscuras de manera que la mezcla sea un gris medio, y eso no tiene por qué ser lo correcto.

Pongamos el ejemplo de un retrato con fondo blanco: aquí queremos que el blanco se vea, efectivamente, blanco, con lo que sus píxeles habrán de tener todos exposición equivalente a casi +2. Los píxeles del rostro, dependiendo del tono de piel, se moverán entre -1 y +1, con lo que la media ponderada de todos estos píxeles nos daría una exposición correcta rondando el +1. Y el caso contrario sería el de una foto con muchas partes oscuras, donde querríamos una exposición por debajo de 0. Por lo tanto, siempre hemos de valorar razonadamente cuál es el valor correcto de exposímetro que requiere nuestra foto.

12. La máxima nitidez se consigue a f8

Es cierto que a f8 casi todos los objetivos trabajan en una zona de buena nitidez, pero no siempre será su punto de máxima nitidez o punto dulce. Por normal general, éste se alcanza unos 2 ó 3 pasos por debajo de su máxima apertura. Es decir, en un objetivo con apertura máxima f1.4, probablemente tengamos su punto dulce rondando el f4. Serían los objetivos con aperturas máximas de f3.5 ó f4 los que tendrían en torno a f8 su punto dulce.

Con ello no quiero decir que a f8 trabajen mal los objetivos de más apertura máxima, pues normalmente todo objetivo trabaja muy bien hasta aproximadamente f13. A partir de ahí sí suelen empezar a perder nitidez de nuevo hasta alcanzar su mínimo diafragma, entre f16 y f22.

13. Los objetivos macro sólo son realmente buenos en cortas distancias

Estos objetivos, que tienen la peculiaridad de poseer una arquitectura interna que les permite enfocar muy cerca, no están en absoluto limitados para trabajar como cualquier otro objetivo. Pueden enfocar hasta el infinito y además suelen tener una altísima nitidez, por lo que son tan válidos para hacer macrofotografía como retratos o paisaje.

Quizás la única desventaja para estos dos últimos usos es que al tener un mayor rango de distancias de enfoque entre las que moverse, el autofoco puede tardar más en acertar con el punto deseado.

Pero, para solucionarlo, en la mayoría de los objetivos macro está la posibilidad de avisarle si estamos trabajando en cortas o largas distancias, de manera que podemos acotar la zona de trabajo del enfoque para que éste sea más rápido y preciso.

14. La profundidad de campo se reparte 1/3 delante del objeto enfocado y 2/3 por detrás

Una afirmación bastante extendida que viene a decir, grosso modo, que por detrás del objeto enfocado hay bastante más zona enfocada que por delante, pero esto ni es siempre cierto ni en estas proporciones. Pensándolo un poco se desmiente en seguida este mito: si fuese cierto, no tendría sentido el concepto de la hiperfocal. El caso es que la profundidad de campo depende de cuatro parámetros: la distancia focal (d), el número de diafragma (f), el círculo de confusión (B) y la distancia de enfoque (L), y sus límites cercano y lejano de la zona enfocada tienen las expresiones matemáticas siguientes:
Es decir, vemos que el límite lejano -el punto enfocado más alejado-, va a crecer mucho más rápido que el límite cercano. Aplicando valores para un objetivo 50mm y f4 podemos ver esto mucho mejor:

Con esto podemos ver claramente cómo se reparte la profundidad de campo. En distancias de enfoque muy cercanas, el reparto de zona enfocada por delante y por detrás es prácticamente simétrico, y a medida que enfocamos zonas más lejanas este reparto se hace más desigual. La zona enfocada por detrás va creciendo más y más rápido hasta que llega una distancia de enfoque, la distancia hiperfocal, en que la zona enfocada por detrás llega hasta el infinito. Se ve, por lo tanto, que el reparto de aproximadamente 1/3 por delante y 2/3 por detrás sólo es válido cuando enfocamos a una distancia entre 4 y 8m.

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¿Qué es el arte? Por lo general se define como una actividad o producto realizado con una finalidad estética y comunicativa, para expresar una visión a través de cualquier recurso, sea plástico, lingüístico o sonoro.

¿Esto quiere decir que el arte no tiene normas? Sí, y no. Y me explico: El arte tiene sus normas, que deben ser respetadas en la medida de lo posible, y en ciertas ocasiones concretas, quien las rompe, se convierte en un artista revelación. (Qué queréis que os diga, el mundo del arte es complejo y contradictorio)

Las "reglas" a la hora de hacer fotografía

Hoy en día, con toda la información que hay en Internet, ¿Quién no sabe de qué trata la regla de los tercios? Que levante la mano quien conozca la regla de la mirada. Punto extra para el que sepa explicarme la regla del horizonte, y cómo se relaciona con la regla de los tercios.

Apuesto a que todos los lectores de dzoom estaríais aprobados.

Las estructuras de la imagen, así como las reglas del color y muchas más cosas, se aplican a la fotografía como se aplicaban a la pintura mucho antes de que viniese Nièpce y nos diese esta brillante herramienta que es la fotografía.

A lo que voy, es a que casi todas las disciplinas que hoy en día se practican en fotografía, beben de la pintura de alguna manera: El bodegón o naturaleza muerta, el paisajismo, el retrato, etcétera.

Existe una disciplina pictórica, que siempre me ha llamado la atención, y que pocas veces había visto representada en la fotografía. Hablo del Surrealismo.

Obviamente, es muy complicado crear con sólo una cámara algo remotamente parecido a lo que hacía Salvador Dalí, o René Magritte.

Quiero aclarar aquí, que aunque difícil, es posible, como prueba un botón: Dalí Atomicus, de Phillipe Halsman.

¿Qué es la composición fotográfica?

La composición fotográfica es el hecho de crear una imagen final, utilizando dos o más fotografías para ello.

Para los más puristas, quiero dejar claro que el resultado de estas técnicas no será una fotografía, en absoluto. Será una imagen, ni más ni menos. Recordemos que el objetivo de esto es crear imágenes llamativas, y no "puramente fotográficas"

La composición fotográfica se aplica a prácticamente cualquier trabajo publicitario, y grandes fotógrafos como Annie Leibovitz o Dave Hill la utilizan para muchos de sus trabajos actuales.

Por supuesto, no estamos aquí para igualar a estos maestros, pero quizá sí para llegar a entenderlos.

¿Por qué componer en lugar de fotografiar sin más?

Los más avispados probablemente os estéis preguntando justamente esto. La respuesta es muy simple: Porque hay cosas que, por su naturaleza imposible, no pueden ser fotografiadas.

Supongo que la mayoría habéis escuchado hablar del cuento de Pulgarcito, ese niño tan pequeño que se dormía en una hoja de un árbol... ¿Qué pasaría si quisiésemos representar eso mismo en una fotografía?

Tendríamos dos opciones:

• Conseguir (o construír) una hoja enorme, y contratar a un modelo muy pequeñito.
• Sacar una foto del modelo, y otra de una hoja totalmente normal, y unirlas con nuestro programa de edición preferido.

Por aprovechamiento del tiempo y del dinero, la segunda opción es la mejor, ¿Verdad?
Vamos con un ejemplo visual:

Quiero aclarar, que cuando hablamos de componer, hablamos de crear una imagen que no podría ser creada de ninguna otra manera, no de solucionar errores de manejo en la cámara, o de tapar posibles fallos.

¿Qué hay que tener en cuenta a la hora de componer?

Existen dos tipos principales de composición fotográfica: Aquella en la que la cámara continúa siempre fija en un trípode, y aquella en la que no.

Para no ponerme técnico, cuando la cámara no se mueve, y lo que se desplaza son los distintos elementos de la escena, la luz se mantiene estable y el fondo también, así que es relativamente fácil para nosotros componer las distintas fotografías.

Os ofrezco como ejemplo una imagen que compuse para mis amigos Ana e Ignacio, donde podéis ver que esta técnica sirve para crear unos clones bastante cabreados de Ana, y desesperar a Ignacio hasta llevarlo a los límites de su paciencia.

Lo único que debemos tener en cuenta para esto, es que la cámara no se mueva de su posición original. Para ello, podemos ayudarnos de un trípode y un disparador remoto (Los hay realmente baratos en Internet, por menos de 20€ puedes hacerte con uno).

Ah, ¡pero amigo! esta era la parte fácil (De verdad que sí). Lo realmente complicado aparece cuando tenemos que componer elementos que no están en la misma escena. La cosa puede ponerse realmente complicada.

Estos son todos los factores que debemos tener en cuenta para cada uno de los elementos de nuestra composición:

• Perspectiva.- Todos los elementos deberán ser vistos desde el mismo ángulo y altura
• Iluminación.- Todos los elementos deberán estar iluminados desde la misma dirección, y con la misma dureza de luz.
• Profundidad de campo.- Las partes enfocadas y desenfocadas de la imagen, deben seguir la lógica del mundo real. Por poner un ejemplo, a nuestro Pulgarcito tendríamos que ponerlo en el punto más enfocado de un "paisaje" sacado con nuestro macro preferido.
• Color (Y agárrate porque vienen curvas)
  • La temperatura de color entre los elementos debe tener una relación natural. Es decir, que un objeto iluminado con luz de tungsteno nunca va a cuadrar correctamente en una habitación iluminada por la luz del día. De todos modos, esto tiene fácil solución si trabajamos en RAW.
  • Debemos tener en cuenta que los objetos reflejan no solo la luz, sino el color también. Esto es, si nuestro Pulgarcito está sentado en una hoja verde, sus posaderas tenderán más hacia el verde que si estuviese sentado en la seta roja de David el Gnomo, no sé si me explico.

Y ahora que tenemos todo este batiburrillo en la cabeza... Vamos a hacernos la pregunta principal:

¿Qué es lo más importante para que la composición tenga éxito?

Voy a ser claro y directo: Lo más importante es "ver" la imagen antes de hacerla. Un pequeño boceto siempre puede ayudar para eso, así podrás programar cómo iluminar tus modelos o tus objetos, la perspectiva en la que deben estar, etcétera

Os dejo varios de mis bocetos (Y lo siento por las cruces encima de ellos, significa que ya los he hecho... mis bocetos son bastante caóticos de por sí)

Como veis, ni siquiera hay que ser bueno dibujando (Soy consciente de mi ineptitud), solo hay que tener la idea clara. ¡Buena suerte!

Siempre te hemos contado que para crecer y mejorar como fotógrafo hay que practicar. Pero muchas veces tenemos algunos malos hábitos que nos impiden avanzar y no nos damos cuenta de ellos, los hacemos inconscientemente.

Por eso, en este artículo te proponemos un cambio: adquirir unos nuevos hábitos. En realidad muchos de ellos se pueden considerar microhábitos, porque tan solo te llevará unos segundos ponerlos en práctica. Pero eso sí, deberás acostumbrarte a ellos. Si los aplicas en tu vida fotográfica diaria, en unos pocos meses notarás como tus fotografías mejoran más y más. ¿Quieres convertirte en un gran fotógrafo?

1. Fíjate en los Parámetros de tu Cámara

Uno de los peores hábitos que solemos tener todos al principio es disparar sin fijarnos en los ajustes de la cámara. Este hábito normalmente lo adquirimos porque nos acostumbramos a disparar en automático. Pero cuando estás empezando a trastear el modo manual, comprobar los parámetros con los que vas a disparar es vital.

Por eso, un microhábito que deberías adquirir es fijarte en qué parámetros tiene puestos la cámara siempre que vayas a hacer una foto, para ajustarlos si es necesario. También es interesante que te fijes en qué tipo de modo de disparo y de medición estás usando, sobre todo si los cambias a menudo.

Otro microhábito que puede venirte bien relacionado con este mismo tema es colocar todos los parámetros a unos valores normales o habituales antes de guardar tu cámara. Así, cuando vuelvas a usarla no te pillarán desprevenido ajustes especiales como por ejemplo la compensación de exposición, el modo bracketing, el disparo retardado, una ISO muy alta, un balance de blancos personalizado, etc. Si no los quitas justo después de usarlos será muy fácil que olvides que los tienes activos, y podrías perder una buena toma por culpa de ellos.

Respecto a esto, si alguna vez cambias el formato de imagen será importantísimo que vuelvas a dejarlo como estaba una vez hayas terminado. No querrás encontrarte con la horrible situación de darte cuenta, al pasar las fotos a tu ordenador, de que has disparado toda una sesión en JPG.

2. Mira a tu Alrededor antes de Encuadrar

Mirar todo lo que te rodea antes de disparar también es un microhábito que debes adquirir si quieres mejorar tus fotografías. Muchas veces disparamos sin ni siquiera pararnos a analizar la localización en la que estamos. Si lo hubiéramos hecho, quizás hubiéramos descubierto que simplemente girándonos 180º podíamos conseguir una mejor iluminación, un fondo más limpio o un encuadre más bonito.

Por eso, es importante que antes incluso de encender tu cámara te pares a analizar el entorno, y que visualices la fotografía antes de ponerte a encuadrar. Un mal hábito que debes abandonar es el de primero ponerte el visor en el ojo (o la pantalla) y después ponerte a buscar qué foto quieres. Siempre conviene hacerlo al revés: analiza la localización, visualiza la fotografía, encuadra y dispara.

3. Mira Todo el Encuadre antes de Disparar

Otro microhábito que debes evitar es el de no tomarte tu tiempo al encuadrar. Parece que nos quema el dedo del botón de disparo cuando estamos mirando a través del visor (o la pantalla) y no hay por qué presionarlo tan rápidamente.

En su lugar, acostúmbrate e intenta adquirir un nuevo microhábito: fijarte bien en todo el encuadre de tu fotografía, no solo en el centro o en la cara de tu modelo si estás realizando un retrato, que es lo que solemos hacer.

• Mira el fondo para comprobar que no hay ningún elemento que distraiga la atención o "ensucie" la fotografía. Si lo hay, reencuadra para evitarlo.
• Mira los bordes del encuadre para comprobar que no estás cortando ningún elemento o ninguna parte o extremidad del modelo si estás disparando un retrato. Recuerda que en fotografía de retrato no se deben cortar ni manos, ni pies, ni articulaciones. Si adviertes que estás cortando algún elemento con el encuadre, tómate tu tiempo para reencuadrar y moverte si es necesario para que entre entero dentro del encuadre o, por el contrario, que se quede totalmente fuera de él.

4. Busca Ángulos Diferentes

Muchas veces pensamos que nuestras fotos siempre lucen igual, o que no conseguimos los mismos resultados que otra gente en los mismos lugares. Esto es por una falta de originalidad y creatividad a la hora de realizar nuestras fotografías.

Tómate tu tiempo para analizar la fotografía que quieres conseguir y piensa qué tipo de plano le sentaría mejor. Prueba ángulos y posiciones diferentes, no te quedes siempre con el más cómodo.

Hay un pequeño ejercicio que suele venir bien para adquirir este microhábito, que consiste en disparar 5 ángulos diferentes de cada fotografía. Así te obligarás a pensar, a analizar el entorno y a descubrir ángulos que de otra manera nunca hubieras visualizado.

5. Parte de la Regla de los Tercios en tus Composiciones

La regla de los tercios es, sin duda, la regla de composición más básica y utilizada. Y por ello siempre es aconsejable partir de ella a la hora de componer nuestro encuadre. ¿Con esto quiero decir que siempre hay que seguirla? No; si te fijas, he dicho "partir de ella". ¿Qué quiero decir con esto?

Para alguien que no está acostumbrado a prestar atención a la composición de la toma puede resultar muy complicado adquirir este hábito si ni siquiera sabe muy bien en qué tiene que fijarse. Por eso, una buena manera de adquirir este microhábito es empezar componiendo tus tomas siguiendo la regla de los tercios.

Fragmento Fototip La Regla de los Tercios

Recuerda que la regla de los tercios consiste en partir el encuadre en 3 tercios horizontales y 3 verticales. En estas líneas horizontales imaginarias deberíamos situar el horizonte de la fotografía, y en las intersecciones de estas líneas deberíamos situar el centro de interés.

Una vez hayas encuadrado siguiendo esta regla, visualiza tu encuadre y decide si le sienta bien o si prefieres romper la regla de los tercios para transmitir una sensación diferente. O bien reencuadrar para seguir otras reglas diferentes como la simetría o la simetría dinámica.

Recuerda que todas las "reglas de composición" no son más que guías y ayudas, no leyes absolutas, pero vienen genial para partir de una base, sobre todo cuando estamos empezando.

6. Dispara Solo en las Mejores Condiciones Lumínicas

Si quieres mejorar tus fotografías, uno de los elementos clave que deberías controlar es la luz. La iluminación puede cambiar por completo un paisaje o el rostro de tu modelo. Así pues, uno de los hábitos que debes adquirir es el de planificar con antelación tus salidas fotográficas y tus sesiones.

Así, podrás consultar el tiempo atmosférico y controlar el horario de la salida y puesta del sol para elegir el mejor momento del día para tus fotografías. ¿Y cuál es ese? Bueno, va a depender mucho de qué tipo de fotografía estés haciendo, pero sin duda uno de los mejores momentos del día es la hora dorada, es decir, justo al amanecer o al atardecer. El sol, al estar más bajo ofrece unas sombras más favorecedoras, tanto para retrato como para paisaje, y su temperatura de color cálida también embellece la fotografía.

Otros tipos de fotografía, como por ejemplo la fotografía urbana, prefieren la hora azul, que viene justo después de la hora dorada (o justo antes en el amanecer). El contraste de ese azul tan intenso del cielo con las luces de la ciudad crea unas armonías de color muy interesantes. O, por otra parte, para retrato también vienen genial los días nublados, porque la luz es mucho más homogénea y proyecta unas sombras muy suaves.

Así pues, dependiendo del tipo de fotografía que quieras hacer, planifica tus sesiones en las mejores horas.

7. Aprende a Ser Selectivo

Algo a lo que también debes acostumbrarte es a ser selectivo a la hora de fotografiar. Disparar 200 fotos en un rato no te hará crecer como fotógrafo. Lo que te hará crecer como fotógrafo es observar el entorno, encuadrar directamente con tus ojos y visualizar la fotografía, y disparar tan solo cuando de verdad creas que la fotografía valdrá la pena.

¿Cuántas fotografías tienes en casa sin revelar porque las hiciste sin pensar y al verlas después en el ordenador no te dicen nada? Seguro que no me equivoco si digo que cientos e incluso miles. Por eso, habitúate a "disparar la foto" primero con tus ojos, para darte cuenta de si de verdad será una buena foto, con una buena composición y una iluminación adecuada. Analiza si va a tener un centro de interés claro y si ese es el mejor ángulo o si le favorecería más otro encuadre diferente. Así tan solo dispararás cuando sepas que la fotografía va a ser buena.

Por eso, aprender a ser selectivo y habituarte a pensar antes de disparar te ayudará a crecer como fotógrafo. Mucha gente dice que para ser mejor fotógrafo hay que disparar, disparar y disparar, pero lo cierto es que hay que disparar con criterio. No vale disparar a lo loco.

8. No te Olvides del Procesado

Si de verdad quieres que tus fotos luzcan exactamente como tú quieres, será importante que dispares en formato RAW para procesarlas después y darles el aspecto que buscabas y, por qué no, también darles tu estilo personal.

Lo más importante para realizar un buen procesado y no perder tiempo es saber qué quieres conseguir. Al igual que antes te decía que es importante visualizar la foto incluso antes de encender la cámara, en el procesado pasa lo mismo: es importante visualizar el resultado final antes incluso de encender el programa de edición. Si ya sabes hacia dónde quieres dirigirte antes de empezar a procesar la fotografía, no solo la editarás más rápido, sino que la editarás mejor.

Incluso puedes ir un paso más allá y habituarte a disparar las fotografías pensando en el procesado posterior. Con esto no quiero decir que dispares las fotos mal pensando en que podrás corregirlo en el procesado, no. A lo que me refiero es a que dispares sabiendo qué posibilidades tiene esa fotografía después en el procesado, por ejemplo a la hora de compensar grandes contrastes entre luces y sombras, o a la hora de destacar alguno de los colores que predominan. Teniendo en cuenta qué es lo que puedes conseguir en el procesado sabrás bien cómo tienes que disparar la toma.

Así pues, debes habituarte a visualizar la fotografía, con su procesado y todo, antes incluso de encender tu cámara.

9. Haz Fotos Todos los Días

Fragmento Fototip 'Consejos para Mantener la Motivación'

Una buena manera de mejorar tus fotografías es hacer al menos una cada día. Si te falta inspiración, existen proyectos fotográficos muy interesantes que te ayudarán a incentivarte, como por ejemplo el proyecto 365, que consiste en realizar una fotografía diariamente.

Si crees que todos los días no puedes realizar una buena fotografía porque no todos los días sales de casa, o porque no tienes demasiado tiempo, te recomiendo que le eches un vistazo a nuestro artículo "¿Es que en Casa no hay Fotos Memorables que Sacar?". Verás la de grandes posibilidades fotográficas que tienes a tu alcance sin ni siquiera salir de casa.

También puede que me digas que no vas a cargar con tu cámara allá donde vayas para poder hacer una foto al día. Y tienes razón, cargar con el equipo fotográfico no siempre viene bien. En ese caso, usa una cámara compacta o incluso tu teléfono móvil. Quizás no puedas practicar tocando todos los parámetros de la fotografía, pero sí podrás usarlos para mejorar tus encuadres y composiciones. Para esto sirve cualquier cámara, e incluso tus propios ojos.

A medida que vayas haciendo fotografías te habituarás a ver el mundo de otra manera, verás fotografías en cualquier parte y "las dispararás" con tus propios ojos. Y esto también te ayudará a ser mejor fotógrafo, porque encuadrar y componer, aun sin cámara, es un ejercicio fotográfico fantástico.

10. Mira Fotos, ¡Muchas Fotos!

Mirar fotografías diariamente te ayudará a entrenar tu ojo fotográfico, a ver el mundo desde la perspectiva de otros y a inspirarte para seguir creciendo como fotógrafo. Sigue a los mejores para ver hasta donde puedes llegar, pero sigue también a otros fotógrafos más sencillos, amigos y compañeros que comparten este bonito hobby, para analizar sus fotografías para ver cómo se podrían mejorar. Por supuesto, también será esencial que analices y critiques tus propias fotografías. Aprender de los errores siempre es constructivo, tanto si son tuyos como si son los errores de otro.

Por otra parte, cuando vayas a realizar alguna salida fotográfica también será interesante ver fotos del lugar realizadas por otros fotógrafos. Verlas te ayudará a visualizar encuadres interesantes, pero tampoco debes dejar que te condicionen. Hacer "la típica foto" del lugar está bien, pero intenta también ser original y buscar nuevos ángulos que sorprendan. Cuando has visto hasta la saciedad el mismo encuadre de algún lugar típico, verlo desde otra perspectiva siempre llama mucho la atención.

11. Dedica Tiempo a Formarte

Y finalmente, un hábito que ya estás haciendo ahora mismo y que deberías seguir practicando: formarte en fotografía. Dedicar tiempo a leer artículos, ver videotutoriales, leer libros o hacer cursos sobre fotografía te ayudará a seguir creciendo como fotógrafo y a aprender nuevas técnicas, conceptos y prácticas necesarios para seguir avanzando. Y, por supuesto, ¡no olvides leer el manual de tu cámara!

Aquí en dzoom podrás encontrar 3 nuevos artículos cada semana, así que visítanos a menudo para no perderte ninguno. También puedes suscribirte a nuestra Zona Premium para encontrar infinidad de vídeos, ebooks y otros recursos. ¡Todas las semanas añadimos uno nuevo!

¿Nos Recomiendas Alguno Más?

Ya has visto que la gran mayoría de estos hábitos y microhábitos son fáciles de aplicar. Puede que al principio te olvides de algunos de ellos, pero no decaigas, solo se convertirán en un verdadero hábito si los repites a diario hasta que los hagas sin pensar.

¿Y tú? ¿Tienes algún hábito o microhábito que te haya servido para mejorar como fotógrafo? ¡Compártelo con nosotros en los comentarios!

El vídeo es fotografía en movimiento, por eso no es de extrañar que a muchos amantes de la fotografía también les apasione esta otra materia. Además hoy en día, con las nuevas cámaras que están saliendo al mercado, cada vez resulta más fácil poder practicar ambas disciplinas con la misma herramienta.

Hoy voy a lanzarte una cuestión que seguro que ya te has planteado alguna vez para hacer fotos pero no para hacer vídeos: ¿qué es mejor una cámara réflex o una cámara evil/sin espejo? Más que una respuesta contundente, lo que haré será contarte mi propia experiencia y explicarte cuáles fueron las razones por las que acabé decantándome por una de ellas. ¿Te quedas conmigo para descubrirlo?

Repasando Ambos Sistemas

¿Cámara réflex? ¿Cámara evil/mirrorless? Si todavía no sabes qué diferencias hay entre estos dos tipos de cámara, entonces te recomiendo que le eches un vistazo a los siguientes artículos:

• ¿Comprar una Cámara Réflex o Sin Espejo?
• Rompiendo 10 Mitos sobre las Cámaras Sin Espejo
• Todo lo que Necesitas Saber Antes de Adquirir Tu Nueva Cámara

Sobre todo nos tiene que quedar claro que la diferencia más notable es que las réflex poseen un visor óptico, ya que la luz que entra a través del objetivo se refleja en un espejo y luego llega al visor; mientras que las cámaras evil/mirrorless poseen un visor electrónico, ya que no tienen espejo y la luz llega directamente al sensor.

Pero bueno, no me quiero extender en profundizar en las diferencias entre ambos tipos de cámaras porque eso como te comentaba ya lo hemos hecho en otros artículos. Ahora lo que nos interesa es ver qué nos ofrecen ambos sistemas en cuanto a la grabación de vídeo. Veámoslo por partes.

Disfrutando del Vídeo

¿Sabéis qué responder cuando os preguntan si queréis más a "mamá" o a "papá"? Pues eso mismo me pasa a mí cuando me preguntan si prefiero el vídeo o la fotografía. Siempre he sentido que mi corazoncito tenía un hueco por igual para ambas disciplinas, y que ninguna de ellas estaba por encima de la otra. ¿Por qué elegir cuando puedo disfrutar de ambas?

La fotografía me da la capacidad de inmortalizar momentos para recordarlos para siempre, para transmitir un mensaje o una sensación a través de una única imagen, y eso es impresionante. Pero cuando quieres ver o recordar cómo era algo o alguien realmente, el vídeo es el rey. En una fotografía no puedes escuchar una voz, o ver cómo se dibuja la sonrisa de un ser querido. Tampoco puedes ver el movimiento del agua del mar o cómo una cascada caía con fuerza sobre un río. Todos esos detalles se captan mejor con imágenes en movimiento.

Así que al final uno mismo tiene que saber cuándo es el momento para hacer una captura, o cuando es el momento para grabar vídeo. Puede que la situación incluso dé para las dos cosas, y en esos casos hay que tener el equipo adecuado para poder afrontarla.

Hace unos cuantos años era prácticamente imposible utilizar una misma herramienta para practicar ambas materias, y aunque la cámara nos brindara esa posibilidad, una de ellas siempre tenía una calidad bastante baja. Las cámaras de vídeo eran para hacer vídeo, y las cámaras de foto eran para hacer foto, y no había más. Eso implicaba que si querías dedicarte a ambas disciplinas necesitabas llevar dos cámaras diferentes encima, y tener presupuesto para ambas, claro está.

Con el tiempo y los avances tecnológicos eso ha ido cambiando. Las cámaras réflex empezaron a incorporar la grabación de vídeo ya con una calidad destacable, además con la ventaja de poder usar la textura que tanto nos gusta de este tipo de cámaras en un vídeo, con sus desenfoques y sus escasas profundidades de campo, algo que queda muy cinematográfico. Y más recientemente llegaron las cámaras sin espejo, que sin duda trajeron consigo unas cuantas ventajas respecto a este tema.

Yo tuve la gran suerte de que en mi casa el tema audiovisual siempre ha estado muy presente, así que empecé grabando los vídeos familiares con las cámaras de vídeo Sony CCD-TR810E, Panasonic NV-GS70 y Canon HDV20. Cámaras que como indicaba antes eran para hacer vídeo. Hasta que llego a mis manos mi primera réflex digital, la Canon 550D. Con esta cámara aprendí a empezar a trabajar mis dos pasiones con una única herramienta.

Primeros Cambios

¿Cuáles fueron los primeros cambios a los que me tuve que enfrentar? Uno de los más notorios era la propia forma y ergonomía de la cámara. Mis anteriores cámaras de vídeo eran más alargadas y tenían un agarre para que pusieras la mano dentro y la cámara no se moviera de ahí, lo cual también te aportaba un extra de estabilidad a la hora de grabar. Ahora la cámara ya no se cogía así. Ahora tenía en mis manos una cámara de fotos, que iba colgada a mi cuello con su cinta y que tenía que sujetar con las dos manos.

Otro punto importante es que había que cambiar el chip. La misma herramienta me servía para ambas cosas, pero tenía que aprender a configurar la cámara de manera rápida para cada situación. Si no estabas en el modo vídeo, por mucho que le dieras al botón de grabar no se grababa nada, porque lo único que estaba haciendo era activar el modo Live View de la cámara. Así que había que acostumbrarse a pensar en ello.

Uno de los cambios más notorios sin duda era el enfoque. Hasta el momento no me había tenido que preocupar en enfocar la imagen. A pesar de contar también con un modo manual, el enfoque de las cámaras de vídeo con las que trabajaba siempre lo tenía en modo automático, así que yo apuntaba y la cámara hacía el trabajo. Pero eso cambió de forma radical con la réflex. Aquí el enfoque era totalmente manual.

¿Qué suponía eso? Pues que tenía que aprender a trabajar con el anillo de enfoque del objetivo y saber que esa forma de trabajar tenía límites. Por ejemplo, para grabar objetos en movimiento tenía que estar reenfocando continuamente y contar con los sucesivos fallos que se daban al pasarme el punto idóneo y tener que volver a llevar el anillo un poco hacia atrás. Lo mismo ocurría si era yo la que me movía por una escena. O trabajaba con aperturas amplias o el enfoque se iba al garete.

Cuando colocaba la cámara sobre trípode y el sujeto u objeto estaban quietos perfecto, pero ser precisos reenfocando constantemente era una tarea muy difícil.

Y algo parecido ocurría con el "zoom". Con la cámara de vídeo solo tenía que darle al botón de acercar y alejar y el zoom iba progresivamente. Ahora, si colocaba lentes zoom en la cámara y quería acercarme al sujeto en plena grabación tenía que mover yo la lente de un lado a otro con los consecuentes trompicones que eso provocaba en la imagen. Aunque también es cierto que el empleo del zoom durante la grabación está más pensado para vídeos caseros que profesionales. Al final te acostumbras a trabajar sin él, y si quieres acercarte te acercas tú físicamente al elemento que estás grabando. Así que esa es una de las enseñanzas que extraje de este cambio.

El poder trabajar con diferentes lentes desde luego fue un punto muy ventajoso, porque ahora podía trabajar con aquella que más me convenía según la situación, y aprovechar sobre todo las grandes aperturas de las focales fijas. Además, también estaba trabajando con un sensor más grande, y la textura que tenía la imagen era muy distinta a la que me ofrecía la cámara de vídeo. Ahora era todo como más cinematográfico.

Como punto negativo, en la cámara réflex solo podía ver a través del live view, y en condiciones en las que había mucha luz en el entorno eso suponía un problema, porque el visionado no era bueno y en más de una ocasión grabé imágenes que estaban mal expuestas o incluso desenfocadas.

También cabe destacar que seguía trabajando con una cámara de fotos, y eso tenía sus consecuencias, como un consumo de batería muy elevado, recalentamiento de la cámara al grabar vídeo, y una mala estabilización.

Otro cambio importante fue el sistema de almacenamiento, ya que en mis primeras cámaras de vídeo el metraje se grababa en una cinta mini DV, mientras que ahora todo pasaba por una tarjeta SD, lo cual ayudaba a la hora de transferir los archivos de una manera más cómoda y rápida al ordenador.

Un Paso Más: El Cambio de Réflex

Tras un tiempo trabajando con esta cámara, y debido a algunas necesidades, cayó en mis manos la Canon 7D. Una réflex más avanzada, que realmente era la hermana mayor de la Canon 550D ya que poseía el mismo sensor, pero con unas características y funciones más orientadas al uso profesional.

¿Qué mejoras noté respecto a su antecesora para grabar vídeo? Pues una mayor calidad de la pantalla, más luminosa y con mayor resolución, lo cual ayudaba a visualizar mejor el contenido durante la grabación, aunque seguía teniendo problemas cuando había un exceso de luz en el ambiente.

Respecto al enfoque y la estabilización seguíamos igual. Tened en cuenta que esta compra fue debido también a una oferta muy suculenta, y a que en fotografía sí que me ofrecía bastantes mejoras en cuanto a funciones.

¿Qué pasó entonces? Pues que empecé a grabar los fototips de dzoom, videotutoriales para la zona premium en los que necesitaba que los automatismos funcionaran, porque en la mayoría de ocasiones tenía que grabarme yo sola y la opción manual me complicaba muchísimo el trabajo. Necesitaba una cámara que tuviera funciones automáticas para vídeo, y a ser posible, que me permitiera conectarla a alguna aplicación para poder controlarla remotamente a la hora de grabarme yo misma.

Por otro lado, no fue hasta que vi una comparación de un clip de vídeo de mi querida Canon 7D con el de una cámara evil que grababa en 4k, cuando me di cuenta de que había un salto bastante importante de calidad. Ya no solo de las funciones que necesitaba para trabajar de manera más cómoda, sino de calidad de imagen.

Hoy en día las réflex se han puesto más las pilas en este tema y puede que las diferencias no sean tan notorias, pero en mi caso y en aquel momento lo fueron, y por eso me lancé a buscar la que sería mi próxima cámara.

Probando el Sistema Mirrorless

Y entonces llegó ella. No era ni la cámara más cara del mercado ni la mejor, pero sí la que yo necesitaba. La Panasonic Lumix G7. Una cámara muchísimo más ligera que la Canon 7D, y con bastantes mejoras para grabar mis vídeos.

Como mejoras destacables, lo primero el enfoque. Esta cámara ya tenía enfoque automático y continuo para vídeo. No es perfecto ni mucho menos, pero ya era un avance enorme para mi. Además en el caso de trabajar con el enfoque en manual, disponía de una ayuda muy grande con el focus peaking, que es una especie de chivato de la cámara que te remarca con algún color cuál es la zona de la imagen que está enfocada para que puedas asegurarte de que el foco está donde quieres.

Además, la exposición automática funcionaba bastante bien para mi sorpresa, y aunque hay situaciones en las que grabar en modo manual es obligatorio, son otras muchas las que podía resolver bien con el modo automático, sobre todo aquellas en las que requería rapidez.

Fragmento Fototip Cámaras de Fotos para Vídeo - Mi Experiencia Personal

La grabación en 4k fue todo un descubrimiento. Mis vídeos ahora cuando los veía en el ordenador aun me trasladaban más al lugar debido a la definición y nitidez que sacaban. Claro está que al grabar en 4k las tarjetas se llenaban mucho más rápido, por eso está opción solo la destinaba a viajes, a grabaciones en las que quería obtener la máxima calidad en mis imágenes o a las ocasiones en las que sabía que podría necesitar reescalar la imagen en la edición.

Por otro lado otro cambio muy positivo fue el de poder conectar la cámara a una aplicación y manejarla con cualquier tablet o móvil. Eso me facilitó muchísimo el trabajo, y me permitió grabarme de manera mucho más fácil y cómoda, sin necesidad de tener que pedir ayuda.

Además, otra de las cosas que siempre eché en falta en las réflex que tuve fue la posibilidad de tener una pantalla totalmente articulada, que me permitiera grabar planos desde ángulos poco comunes sin tener que estar tirándome por el suelo o subiéndome a sitios imposibles. Y eso con esta mirrorless lo solventaba.

Respecto al visor, la mayoría de veces empleo la pantalla para grabar claro, pero en alguna que otra ocasión también he grabado a través del visor electrónico por la gran cantidad de luz que había en el ambiente y que me impedía apreciar bien la imagen. Y el hecho de poder elegir, es un plus sin duda.

También noté que las baterías, a pesar de ser pequeñas, grabando vídeo duraban más que en la cámara réflex. Para foto no claro, pero para vídeo sí. No obstante uno de los primeros complementos que adquirí para la cámara fueron un par de baterías extra para no quedarme nunca tirada.

Por otro lado, también suponía una ventaja la posibilidad de conectar un micro de corbata directamente a la cámara para recoger el audio sin tanto ruido ambiente. Aunque con el tiempo acabé adquiriendo una grabadora externa y sincronizando los audios después para obtener mayor calidad, que la cámara tuviera la entrada para poder conectar un micro externo me vino muy bien al principio.

Como desventaja, tengo que señalar que el cuerpo de esta cámara seguía sin poseer un estabilizador que me ayudara a evitar tanta trepidación a la hora de grabar determinados planos, por lo que trabajar con gimbal se hizo imprescindible para determinados trabajos.

Pero no penséis que me olvidé de mi equipo réflex. En ese momento empecé a trabajar con las dos cámaras, destinando la réflex únicamente para fotografía, y la sin espejo para vídeo y también para fotos. ¿Cuál fue el siguiente problema? El peso. Cargar siempre con ambos equipos, y además lentes y accesorios varios, a veces suponía acabar la sesión con dolor de espalda. Así que el siguiente paso era intentar buscar la cámara híbrida, una cámara que me permitiera practicar ambas disciplinas llevando un único cuerpo.

Segunda Etapa: Cámaras Sin Espejo Avanzadas

Tras mucho buscar, leer e indagar, al final encontré la que sería la siguiente sucesora: la Sony A7 III. Esta cámara respondía a la mayoría de necesidades que tenía, y es por eso que tras algún tiempo y esperando a que llegara alguna oferta, terminó formando parte de mi equipo. Esta cámara no solo me traía beneficios para vídeo, sino también para foto, lo cual la convertía en una opción muy interesante.

Para empezar, el tema del enfoque era sin duda una mejora muy importante. Aquí el modo automático funciona realmente bien, puedes confiar en él al grabarte sabiendo que serás tú lo que salga enfocado en el plano, y eso da muchísima tranquilidad y comodidad a la hora de grabarse uno mismo.

Además esta cámara gestiona los ISO's altos muy bien, algo que echaba un poco en falta en mis anteriores equipos sobre todo cuando los usaba para fotografía nocturna, y para grabar vídeos en entornos en los que había poca luz.

Importante también la incorporación de un estabilizador de 5 ejes en el cuerpo de la cámara. Por primera vez podía disfrutar de esta característica, y aunque he de decir que he probado estabilizadores más avanzados, tenerlo ya es un paso importante, y las trepidaciones al grabar vídeo se han reducido bastante.

Otro dato a destacar es su sensor, que ya no es ni el APSC de las réflex que tenía, ni el micro cuatro tercios de mi anterior mirrorless, sino full frame. Esto puede tomarse como una ventaja o no dependiendo del tipo de fotografía/vídeo que hagamos, sin duda. Y digo esto porque ya sabemos que el recorte de sensor afectará reduciendo la cantidad de escena retratada, algo que para determinadas temáticas puede ser más óptimo que contar con un sensor completo.

En esta cámara un punto a favor también es la doble ranura para tarjetas, que me permite o bien tener copia de seguridad de mis archivos, pasar de una a otra cuando se acabe la primera, o lo que es muy interesante también, en una guardar fotos y en la otra los vídeos.

La batería en esta ocasión la mejoraron para que durara más y se nota, incluso grabando vídeo, y lo cierto es que se agradece mucho. Aún así siempre llevo un par de baterías extra por si acaso.

Por supuesto, en este caso también contamos con grabación en 4k, y además perfiles planos que lejos de ser un RAW de vídeo, sí que permiten ajustar a nuestro gusto los vídeos sin perder tanta calidad. Además otro punto extra, la posibilidad de grabar cámaras lentas con sonido incluido y con enfoque automático, algo que no todas las cámaras incorporan y que puede ayudarte a lograr planos realmente interesantes.

Tal y como hablo de ella puede parecer que es una auténtica maravilla, pero... ¿es la cámara perfecta? No, por supuesto que no, también tiene carencias como todas. Por ejemplo, echo en falta la capacidad de grabar en 60 fps a 4k, o algo tan básico como una pantalla totalmente abatible como tenía en la Lumix, y que aquí se ha convertido en basculante. Además, no nos olvidemos de la inversión en ópticas. Para fotografía sí que opté por adquirir un adaptador y aprovechar mis lentes de la réflex Canon. Pero para vídeo... es otro cantar, ya que el enfoque continuo lo perdemos, y no en todos los casos nos interesará hacerlo. Eso te empuja a comprar alguna lente específica para la cámara, pero para ello hay que ahorrar y saber qué es lo que vamos a necesitar exactamente.

Veredicto Final Según Mi Experiencia

El veredicto es que me alegra haber pasado por cada una de las cámaras que he tenido, aun sabiendo que no son las mejores del mercado ni mucho menos, y que el paso de una a otra ha llevado mucho tiempo, esfuerzo, ahorro y crecimiento personal, tanto de fotógrafa como de videógrafa. Contado en un solo artículo puede parecer que voy a cámara por año, pero os aseguro que no es el caso. He tratado de trasladaros mi propia experiencia para que os sirva de ayuda y comprobéis que no siempre existe aquello que necesitamos, o incluso que puede que no sepamos qué es lo que necesitamos.

Porque uno no aprecia las bondades de algo hasta que no sabe que las necesita, es por ello que empezar de menos a más es importante, porque con el tiempo acabas haciéndote con la cámara que mejor se adecua a ti, independientemente de que esté en el top de cámaras o no.

Para vídeo, y reiterando que hablo de mi propia experiencia y de los modelos de cámara con los que he trabajado yo, sí que puedo decir que las cámaras sin espejo son mejores que las réflex. De hecho hace mucho que dejé de grabar vídeo con mi réflex porque no creo que llegue a la calidad que ofrecen mis dos sin espejo. Ya sabes lo que dicen, a la bueno uno se acostumbra muy rápido. Lo que sí que te puedo decir es que no he dejado de usar ninguna de ellas, y que las voy combinado o usando según la sesión que vaya a realizar.

¿Y tú? ¿Has probado ambos sistemas para grabar vídeos? ¿Cuál es tu veredicto?

Cuando empezamos a hacer fotografías los resultados muchas veces no son lo que nosotros buscamos, y puede llegar a ser un poco frustrante. Sin embargo, siempre digo que para mejorar una fotografía podemos empezar por evitar cometer ciertos errores. A veces son pequeños detalles, pero todo suma para conseguir la composición perfecta.

Crear una rutina o forma de actuar cuando hacemos fotos también nos puede ayudar a ir mejorando poco a poco nuestras fotos, como comprobar el histograma o asegurarnos de que la foto no ha salido movida.

Aquí os dejo una serie de consejos que si seguimos nos ayudarán a conseguir mejores fotografías.

1. Piensa antes de disparar.

Se supone que las líneas deben apuntar al barco, pero no se encuentra en una buena posición en el encuadre, además, el tamaño es muy pequeño como para destacar, además, tenemos una puesta de Sol justo en el lado opuesto compitiendo y tiene todas las de ganar.

¿Sabes lo que quieres fotografiar y porqué? Si no lo sabes difícilmente conseguirás tu objetivo y por lo tanto la fotografía será ambigua. Es importante saber porqué vamos a disparar y qué es lo que tiene que destacar por encima de todo. El porqué disparamos tiene que ser una razón de peso. Muchas veces el error comienza por no saber qué queremos fotografiar, y otras viene por el hecho de no saber elegir bien el sujeto. Si el sujeto no tiene suficiente interés o no destaca la foto no tendrá interés.

Una de las cosas más importantes a la hora de tomar una fotografía es determinar el encuadre, y no lo podemos hacer hasta que no sepamos cuál es nuestro sujeto.

El encuadre muestra nuestra realidad, porque en el momento de disparar tenemos que determinar lo que queda dentro y lo que queda fuera. De esta manera estamos mostrando parte de lo que está delante de nuestros ojos.

2. Sólo tú sabes lo que quieres mostrar.

Que alguien me diga lo que quería fotografiar aquí porque ni yo mismo me acuerdo. Esto es lo que pasa cuando ves fotos antiguas. Aparecen muchos elementos, y ninguno destaca, la foto es ambigua.

A veces tenemos claro lo que queremos fotografiar pero no estamos muy acertados a la hora de disparar. Hay varios motivos, pero lo más habitual suele ser que el sujeto apenas destaca sobre todos los demás elementos de la foto.

Tú sabes el motivo por el que has disparado, pero si no consigues que el sujeto destaque, la gente que ve tu foto no lo sabrá. Tienes que ponerte en el lugar de los demás y pensar si aquello por lo que hiciste la foto realmente se ve, realmente tiene la importancia suficiente, si tiene el tamaño adecuado para llamar la atención, o si hay otros elementos que compiten por destacar.

Como comentábamos antes, el éxito final de una fotografía viene determinado en gran parte por nuestro encuadre. Está muy relacionado con la composición, un arte que requiere de un arduo y largo estudio que nos permitirá transmitir y contar historias a través de nuestras fotografías.

3. Comprueba las esquinas.

Una de las fotos de Venecia que más me gustan es esta donde debí hacer poco más de zoom para eliminar tanto el barco que viene por arriba como los elementos de la esquina superior derecha. En esta ocasión lo podemos solucionar con un simple reencuadre, pero no siempre se puede hacer.

Un error habitual suele ser el centrar la atención sobre el sujeto y olvidarnos del resto. Cuando miramos a un punto, los elementos que hay alrededor los vemos borrosos. Si no prestamos atención a todas las partes de nuestro encuadre es posible que se cuele algún objeto. Por eso, una vez hemos colocado al sujeto en nuestro encuadre debemos tomarnos nuestro tiempo para comprobar cada una de las esquinas por si hay algo que no queremos que esté.

4. Prueba diferentes puntos de vista.

El punto de vista es muy importante puesto que puede sorprender o no decir nada. Si fotografiamos desde un punto de vista habitual como es la altura de nuestros ojos, no habrá sorpresa, será un punto de vista al que estamos acostumbrados. Si mostramos algo que ya hemos visto de otra manera entonces sí nos llamará la atención y estaremos más tiempo observando la foto.

5. Busca encuadres tanto en horizontal como en vertical.

Hay ocasiones en las que la foto te pide un encuadre con una orientación determinada, ya sea en horizontal o en vertical. Otras veces no está tan claro. En más de una ocasión he pensado, después de ver alguna de mis fotografías, que debía haber probado ambas opciones.

Puede ser que ciertas fotografías te pidan una orientación determinada, pero en más de una ocasión, si nos trabajamos la composición podemos obtener fotografías igual de buenas en ambas orientaciones, teniendo más variantes de un mismo lugar o momento.

6. Utilizar el visor para mejorar tu composición.

Hay algunas cámaras que no disponen de visor, como las antiguas cámaras compactas, o incluso los mismísimos móviles. Sin embargo, lo que más me gusta de mi cámara réflex es su visor óptico, por encima de los visores digitales de las nuevas cámaras sin espejo. La razón es muy sencilla, cuando miro por el visor me abstraigo y solamente veo mi encuadre. Todo lo demás está a oscuras, y puedo ver perfectamente cada detalle, cada elemento, me puedo fijar en cada una de las esquinas revisando si está todo en su lugar.

Solamente en los casos en los que la cámara tiene un punto de vista bajo y no puedo agacharme uso el live view (pantalla de visión directa), aunque prefiero utilizar mi visor en ángulo, lo que me permite mirar por el visor aunque la cámara esté a ras de suelo.

7. Comprueba la nitidez de tu foto en el momento.

Enfocar es algo que hay que hacer siempre que disparamos, pero muchas veces, sobre todo cuando estamos empezando, no controlamos sobre qué punto hemos enfocado. Controlar el punto de enfoque y dónde estamos enfocando es algo que pasa desapercibido, ya que la mayoría de las fotografías aparecen con cierta nitidez.

Si nuestras fotografías tuvieran poca profundidad de campo seguramente nos daríamos cuenta de que pocas fotos están enfocadas allí donde nosotros queríamos, por eso es importante controlar el punto donde estamos enfocando y revisar, una vez hemos disparado, que ese punto está nítido.

Detalle al 100% de la foto anterior. Como se puede observar no tiene nitidez ya que está trepidada. El tiempo de exposición es de 0,5 segundos y posiblemente el viento o cualquier descuido pudo provocar el movimiento. La foto completa sin hacer zoom pasa desapercibida, pero en realidad esta foto no se puede imprimir ya que saltaría a la vista la trepidación.

La forma de hacerlo es sencilla, ver la foto al 100%. No vale con darle a play y ver la foto, puesto que en muchas ocasiones no apreciaremos ninguna diferencia. Si además hemos disparado a velocidades lentas, es imprescindible hacer esta misma comprobación para saber si la foto está movida.

8. Revisa si la exposición es correcta.

Por último y no menos importante, algo que es recomendable hacer es comprobar si la exposición de nuestra foto es correcta. La única manera de hacer esto es revisar el histograma. El histograma nos da la información a nivel de tonos de la foto, de manera imparcial, con lo que sabremos si nuestra foto está subexpuesta y debemos aumentar la exposición o si tenemos zonas quemadas con demasiada luz.

Comprobar la fotografía en la pantalla para ver si la luz y el color son los correctos no es un buen método, o por lo menos, no es fiable ya que la imagen la vemos a través de una pantalla, que tiene una calidad determinada.

Además, la pantalla se ve influida por la cantidad de luz ambiente que haya en ese momento, por lo que en días soleados, las fotos parecerán más oscuras de lo que realmente son.

Entender bien el significado de un histograma es fundamental si queremos exponer correctamente. Una vez comprobamos el histograma, sino está bien simplemente debemos corregir los parámetros y repetir la foto.

Salvo fotografías de acción o momentos efímeros, siempre podremos repetir y volver a casa con la mejor exposición posible de la foto que estamos haciendo.

Cuando alguien empieza en el mundo de la fotografía es normal que escuche o lea una serie de palabras cuyo significado desconoce, que hace más difícil el aprendizaje. Esto sucede en cualquier especialidad, por lo que es recomendable familiarizarse lo antes posible.

Hay términos que están relacionados con las partes de una cámara, otras que hacen referencia a técnicas fotográficas, algunas que tienen que ver con el procesado digital, y así hasta completar un abanico bastante extenso que se suelen escuchar en cualquier corrillo en la que se encuentren, tanto aficionados como profesionales de la fotografía.

A continuación comentaré algunos de estos términos que son imprescindibles para no perderse.

Valor de exposición o EV

La cámara nos muestra el EV de la escena a través del exposímetro, una gráfica que suele ir desde el -3 hasta el +3. En este caso nos muestra un valor EV 0 en función de los parámetros seleccionados. Si pusiéramos una velocidad de 1/125 tendríamos el doble de luz, y el exposímetro marcaría +1.

Es el término que se refiere a la cantidad de luz que tiene una escena concreta. Si la luz de una escena cambia, por ejemplo, una habitación a oscuras en la que encendemos la luz, el EV de dicha escena cambiará.

En función del EV que tenga la escena que queramos fotografiar, tendremos que establecer unos valores para el diafragma, el tiempo de exposición y el ISO.

Fotografía subexpuesta y sobreexpuesta

Fotografía sobreexpuesta. Tiene demasiada luz, y el cielo está quemado, los blancos no tienen detalle, se ha perdido la información.

Fotografía subexpuesta ya que el histograma está pegado a la izquierda. Los tonos oscuros se han quedado en negro puro.

Se dice que una fotografía está subexpuesta cuando tiene menos luz de la que debería, es decir, está oscura. Y por el contrario, cuando tiene más luz de la que debería se dice que está sobreexpuesta. En ocasiones, cuando una foto está demasiado sobreexpuesta se dice que hay zonas quemadas, es decir, hay zonas blancas en las que no tenemos nada de información, hemos perdido el detalle. Las cámaras tienen la opción de configurar el aviso de altas luces para saber qué zonas se nos ha quemado de la foto (partes blancas de la foto que parpadean). Para comprobar si una foto está subexpuesta o sobreexpuesta se utiliza el histograma, que muestra la información tonal de cada píxel de nuestra fotografía.

Diafragma

foto por Nayuki (licencia CC)

Es la apertura del objetivo, que podemos abrir o cerrar controlando la cantidad de luz que llega al sensor. Se establece a través del número f, y puede tener los siguientes valores: 1, 1.4, 2, 2.8, 4, 5.6, 8, 11, 16, 22, etc...

A priori puede parecer complicado y no tener ningún sentido dichos números, pero con la práctica nos acabarán sonando. De todos modos, existe un truco para acordarse de todos estos números. Simplemente tenemos que recordar el número 1 y el 1.4. De manera que el siguiente número será el doble del anterior. Por ejemplo, el siguiente número f de 1.4 es el doble del anterior, que era 1, por lo que nos da f2. El siguiente de f2 será el doble de 1.4, es decir, f2.8, y así sucesivamente.

Estos números corresponden a los valores de diafragma de pasos completos. Las cámaras nos permiten configurar el diafragma en pasos completos, en mitades o en tercios (que es lo más habitual). De manera que partiendo de f2.8, pasaríamos a f3.2, después a f3.5 y por último a f4. De f2.8 a f4 hay un paso completo, sin embargo, de f2.8 a f3.2 hay un tercio, al igual que de f3.2 a f3.5, y de f3.5 a f4. Si sumamos tres tercios nos da un paso completo. De esta manera podemos ajustar mejor la cantidad de luz que dejamos pasar por el objetivo.

Paso completo

Dado un valor de exposición (EV) cualquiera para una escena concreta, aumentar un paso la exposición significa doblar la cantidad de luz de dicha escena. Si restamos un paso, estamos reduciendo la cantidad de luz a la mitad.

Podemos aumentar o disminuir la exposición un paso completo a través del diafragma, de la velocidad de obturación o del ISO.

Por ejemplo, de f2.8 a f4 cerramos un paso, por lo que obtenemos la mitad de luz. Si pasamos de tener una velocidad de 1/500 a 1/250 estamos aumentado la cantidad de luz el doble, por lo tanto, tenemos un paso más de luz. Y por último, si modificamos el ISO de 400 a 200 reducimos el EV un paso completo, obteniendo la mitad de luz que al principio.

Como hemos visto en el caso del diafragma, es posible ajustar la exposición en mitades o en tercios. También se puede hacer esto con la velocidad y con el ISO.

Exposímetro

Es el gráfico o numeración que muestra el valor de la exposición que ha captado el fotómetro de nuestra cámara para la escena que vemos a través del visor. Suele ir desde el -2 o -3 hasta el +2 o +3. Del 0 al +1 hay un paso más de luz (el doble), del +1 al +2 hay otro paso. Lo contrario sucede del 0 al -1, y así sucesivamente.

Obturador

Es el mecanismo de la cámara que se abre y cierra cuando pulsamos el botón de disparo, permitiendo que la luz alcance al sensor. Está compuesto por dos cortinillas.

La velocidad a la que se abren determina la cantidad de luz que entrará al sensor. Viene especificada por la velocidad de obturación o tiempo de exposición.

Distancia focal

Dos fotografías tomadas en el mismo lugar pero con objetivos diferentes. La primera se utilizó una distancia focal de 16mm, por lo que el ángulo de visión es muy grande, ideal en espacios pequeños. La segunda se hizo a una de las columnas de la izquierda con un 200mm. Acerca los objetos, y por lo tanto el ángulo de visión es menor.

Determina tanto el ángulo de visión como el alcance o grado de aumento. Cuanto mayor sea la distancia focal, más zoom tenemos, por decirlo de alguna manera. Es el típico objetivo con el que podemos fotografiar algo que está muy lejos, ya que nos lo acerca. Esto implica que el ángulo de visión sea muy pequeño.

Por el contrario, si tenemos un ángulo de visión grande podremos abarcar una mayor escena, por ejemplo un paisaje, una habitación, etc...Con estos objetivos los objetos parecen más pequeños de lo que son realmente, y si nos acercamos mucho a un objeto (o persona) consigue deformarlo considerablemente.

Profundidad de campo

22mm a f4.

22mm a f5.6.

22mm a f16. Todas las fotos enfocan al fondo, y como se puede observar, cuando más cierro el diafragma más profundidad de campo hay, por lo que cada vez hay más elementos nítidos.

Es la distancia entre el punto más cercano y el más lejano que aparecen nítidos (o aparentemente nítidos) en nuestro encuadre.

Cuanto mayor es la apertura del diafragma, menor es la profundidad de campo. Cuanto mayor es la distancia focal, menor será la profundidad de campo. Cuanto más cerca estamos del objeto que hemos enfocado, menor profundidad de campo.

Conocer, y sobre todo, entender estos conceptos hará que nuestro aprendizaje sea más sencillo.

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La peor foto es aquella que mata la realidad cuando realmente se busca lo contrario. Esto ocurre especialmente en la fotografía gastronómica, la de comida de toda la vida. Nada tienen que ver el encuadre, la calidad de la luz, el ángulo de esta, la perspectiva…; todos ellos son valores añadidos que resultarán, en caso de sumar, en una fotografía que triunfará. Lo que aquí importa es la textura y la reproducción fiel del color. ¡Ah, y el enfoque! Mejor dicho, la zona enfocada. Estos no restan, si no están presentes no hay foto buena. Excluyo las expresiones fotográficas en nombre del arte.

¿Cómo se Atreven a Comer lo que Fotografían?

Me espanto cuando veo gente dispuesta a ingerir lo que parecen –a juzgar por las fotos que publican- productos, ya no de dudosa calidad, sino directamente en mal estado. Todos parecen salivar ostensiblemente dedicando, no pocos elogios, al fotógrafo, a la comida y a los locales. Sinceramente, viendo las fotos, ni me planteo pisarlos.

Siendo honestos, cabe matizar dos cuestiones innegables: que la gente sigue viva tras comerse lo que fotografía y que los restaurantes, bares, taperías…, de los cuales se muestran los platos que la gente dice comerse, todavía no han sido cerrados por Sanidad. Así pues, hemos de concluir que muchas de las fotografías compartidas en las redes sociales no son un fiel reflejo del plato. En fin, todo resulta un tanto extraño.

La Lista de la Compra

La fotografía de alimentos es un mundo aparte dentro del mundo de la fotografía, un arte en sí misma, que va ganando adeptos. Sea cual sea el interés que os mueva, compartir el momento, obtener un recuerdo, conseguir una imagen para la publicación de un blog…, considero importante esforzarse para conseguir la imagen más fiel posible.

Las fotografías que se muestran en publicaciones culinarias y en muchos restaurantes, han sido realizadas por fotógrafos profesionales, además en ocasiones, de primer nivel. Fotógrafos que comparten protagonismo con estilistas de comida, sí, cuyo cometido es conseguir que los platos luzcan de la mejor forma posible. Tanto es así que muchos cocineros famosos tienen un fotógrafo trabajando a tiempo completo para ellos, dedicados en exclusiva a fotografiar sus platos para, posteriormente, utilizar esas fotos para su promoción.

Por tanto, ya tenemos alguna pista de lo que podremos, o no podremos, obtener. Quien piense que con su móvil será capaz de acercarse a la calidad de las mencionadas fotos, casi con certeza, puedo afirmar que verá sus expectativas defraudadas.

Por consiguiente, las claves principales para obtener fotografías de comida apetecibles, pasan por imitar lo que hacen los profesionales.

1. En la fotografía profesional de alimentos se utilizan productos que no son comestibles, los cuales están orientados a mejorar el aspecto de los alimentos fotografiados y a evitar aquellos que se deterioran rápidamente. No ocurre así en los restaurantes, donde la buena presencia depende únicamente de las habilidades del personal y de la calidad de los alimentos. La foto debe de realizarse inmediatamente, una vez que nos han servido.
2. La iluminación profesional está muy estudiada y controlada, tanto si es natural como artificial. En los restaurantes encontraréis tantas posibilidades de iluminación como locales. La iluminación que generan los focos de los locales, raras veces tiene la consideración de idónea.
3. Los equipos que utilizan son profesionales, no hacen fotos con la cámara de un móvil, ni siquiera con la del último modelo comercializado.
4. Se usan reflectores, espejos y otros complementos, para conseguir llevar la luz allí dónde se necesita. Tened en cuenta que en muchas ocasiones se utilizan contraluces o luz lateral.
5. Usan un trípode, lo que permite trabajar son ISO's bajas y profundidades de campo adecuadas, evitando además, la trepidación. Hay locales oscuros como cuevas, donde la exposición requiere el uso de ISO elevada, grandes aperturas y velocidades lentas.
6. Fotógrafo y cocinero trabajan sincronizados. Los platos se sacan cuando ambos están preparados. Las salsas, aliños, etc, se añaden en el último momento para dar una apariencia de recién preparado.
7. Algunos alimentos pierden sus cualidades fotogénicas a los pocos minutos de ser emplatados, por ejemplo la pasta. Haz las fotos lo antes posible.
8. Y por supuesto, las fotos son procesadas antes de ser expuestas.

Si al llegar hasta aquí, todavía no has desistido de hacer fotos en restaurantes, te voy a explicar lo que hago yo cuando decido hacer fotos de lo que como, fuera de mi casa.

Las Principales Consideraciones

Convirtiendo los puntos anteriores en requerimientos, ya estarían enunciadas. ¿Cuántos de ellos podéis cumplir cuando vais a cenar a un restaurante? Si digo uno o dos no me equivoco mucho.

1. Si tienes una réflex, úsala. Su sensor de mayor tamaño ofrecerá mejor resultado en el tratamiento del ruido y en el manejo de las ISO's elevadas.
2. Es fundamental respetar al máximo texturas y colores. Así, el ajuste preciso del balance de blancos es importante, evitando –por ejemplo- que el pulpo adquiera una tonalidad amarilla o verdosa, sinónimo de que no está bien.
3. Si las luces del restaurante no rinden todo el espectro cromático se producirán dominantes de color que afectarán a los colores de los alimentos. En muchos casos, tienen difícil, incluso imposible, corrección.
4. Si vas a usar tu móvil o una cámara compacta, debes de saber que en condiciones de baja iluminación la calidad que ofrecen es escasa y que generarán mucho ruido. Hoy existen smartphones con cámaras con aperturas de f/1,8 (el mío, je,je) lo que está francamente bien, pero no es suficiente en muchas ocasiones porque la ISO necesaria es elevada. Por tanto, intenta que la luz no le llegue totalmente a contraluz, mejor lateral.
5. Continuando con los Smartphones, sujétalo bien, porque bajará tanto la velocidad que tendrás riesgo de trepidación. Es fácil encontrar velocidades por debajo de 1/30.
6. Siempre que puedas, mientras tengas luz natural, elige sentarte al lado de una ventana. Tendrás más luz. La única precaución es situar el plato fuera del alcance de los rayos solares.
7. Con la luz natural también se pueden introducir algunas dominantes de color indeseadas si, por ejemplo, la luz llega tamizada a través de un toldo o de unas cortinas de color.
8. Puedes girar el plato para buscar el mejor ángulo, no te quedes con la posición en la que el camarero te ha dejado el plato.
9. Apaga el flash de la cámara, de cualquier cámara, incluido el móvil. Si no hay luz suficiente no hagas la foto, disfruta de la comida, y no incordies al resto de comensales.
10. Procesa la foto: un poquito de luz aquí, algo de saturación, un ajuste preciso del balance de blancos, un poquito de relleno a las sombras, quizá un poco menos de contraste, un pelín de nitidez y un marco delicado, harán que la foto luzca mejor. Hay muchos programas de edición, pero si hablamos de móvil, a mí me gusta Snapseed. ¡Nada de filtros!
11. Sobre la perspectiva, encuadre, formato… hay mucha literatura en internet. Quizá en otro artículo me decida a hablaros sobre ello.

Resumiéndolos todos en uno: recuerda que el interior del pulpo es blanco, ni verde ni amarillo. Si presenta alguno de ellos, no lo comas y si no puedes conseguir una foto de él con su interior blanco, haz fotos alternativas, del local, de los cubiertos, de los muchos detalles que cualquier local ofrece.

Para Finalizar

Muchos locales venden una imagen cuidada, de presencia exquisita, con productos de primera calidad y preparaciones de alta cocina, con meticulosos emplatados y, muchos de ellos, con chefs de primer nivel. Si has quedado satisfecho, ayuda al restaurante.

Sé honesto si no has sido capaz de hacerle justicia al plato y avisa a tus lectores indicando que el plato real presenta un aspecto mejor del que muestra la foto. Diles que había poca luz, o que una dominante de color arruinó la toma.

Haz buenas fotos: tus lectores lo agradecerán, pensarán que su aspecto es saludable y se plantearán seriamente ir al restaurante.

Me sorprende que los restaurantes todavía no se hayan planteado prohibir las fotos que se realizan de sus platos. Sé que es un tema controvertido, ya que existen derechos por ambas partes, local y comensal, difíciles de dirimir. Pero hay un aspecto claro, un restaurante vende comida y la imagen de lo que vende debe de ser adecuada a su nivel y pretensiones. Y en muchas ocasiones, las fotos que se suben a las redes sociales no lo son. Hasta qué punto favorecen o perjudican al restaurante, lo desconozco. Si yo tuviese un restaurante, ofrecería la posibilidad de que la gente se descargase las fotos de los platos que se está comiendo. Sería una promoción increíble, adaptada a mis intereses.

Por último, suelo realizar fotos en los restaurantes, pero siempre pido permiso antes, no uso flash y no me levanto para, girando alrededor de la mesa, buscar el mejor ángulo para cada plato; todo ello con el fin de no perjudicar la experiencia del resto de comensales que, al igual que yo, también van a pagar su cubierto y tienen derecho a disfrutar sin que nadie les de la comida/cena.

Salvo que estemos fotografiando bebés o niños pequeños, durante la fase de edición y procesado de nuestras fotografías de retrato, siempre surge la posibilidad de realizar un pequeño "facelifting" sobre el rostro de los sujetos para hacer desaparecer arrugas o manchas en la piel, ¿a que sí?

En función de lo bien que realicemos esta técnica, podremos mejorar nuestra fotografía, o bien arruinarla, si ofrecemos un resultado artificial y poco favorecedor. Por eso hoy te voy a dar un par de trucos para conseguir un resultado natural en Photoshop. Utilizaremos, por supuesto, el pincel corrector puntual, aunque, como veremos, lo configuraremos de una forma muy concreta.

Usando El Pincel Corrector Puntual En Modo Normal

Incluso aquellos usuarios que no están muy duchos en el manejo de Photoshop conocen que hay una herramienta denominada "pincel corrector puntual" que permite sustituir el contenido de la región sobre la que se aplica por el de una región cercana.

Hay diversas variantes de esta herramienta: una que permite seleccionar la región que se tomará como motivo (pincel corrector), otra que elige automáticamente la porción a tomar como referencia (pincel corrector puntual), la herramienta parche (que permite seleccionar una región más irregular), etc.

Todas estas herramientas son accesibles, además de mediante su selección en la barra de herramientas, a través del atajo de teclado "J ". Y, su aplicación en modo normal nos permite llegar a un resultado como el que puedes ver en la imagen que se muestra a continuación.

Aplicación de corrección de arrugas: Imagen original a la izquierda y resultado de aplicar el pincel corrector puntual en modo Normal a la derecha.

Como ves, comparando el antes y el después, se ha aplicado esta herramienta sobre la zona inferior de los ojos y también en la frente. Sin embargo, el resultado es muy artificial. Observa el ojo izquierdo, donde la sombra se corta de forma completamente abrupta, o la frente, que se ve anormalmente lisa. ¿Cómo lo mejoramos?

Mejora #1: Cambiando El Modo De Fusión Al Valor Aclarar

Cuando tratamos de corregir una arruga o una mancha en la piel, normalmente lo que pretendemos es eliminar o reducir la intensidad de las sombras que sobre esas regiones originan las arrugas y hacen que éstas sean más visibles.

Por ese motivo, si en lugar de sustituir todo el contenido, sólo sustituimos aquellos píxeles que son más oscuros que los que están presentes en la región que tomamos como motivo, conseguiremos mantener la textura pero reduciendo la visibilidad de manchas y arrugas.

Para conseguir esto, basta con modificar el modo de fusión de la herramienta y, en lugar de usar el modo Normal que viene por defecto, sustituirlo por el modo "Aclarar".

Aplicación de corrección de arrugas: Imagen original a la izquierda y resultado de aplicar el pincel corrector puntual en modo Aclarar a la derecha.

El resultado en esta ocasión, si comparamos la imagen original (a la izquierda), con el resultado de aplicar el pincel de corrección puntual en modo Aclarar (a la derecha), resulta mucho más natural. No hay cortes abruptos y además se ha mantenido cierta textura, con la consiguiente mejora en naturalidad. ¿No crees?

Mejora #2: Reduciendo La Opacidad De La Capa De Ajuste

Aunque el cambio de modo aporta mucha mayor naturalidad a la imagen, es cierto que puede resultar aún un resultado algo irreal. ¿Qué podemos hacer para mejorarlo? Pues muy sencillo, trabajaremos con el valor de opacidad para regular la intensidad del ajuste.

Para ello, dejamos la imagen original en una capa debajo, duplicamos esta capa (Ctrl + J) y aplicamos el ajuste sobre la nueva capa ("Modo Aclarar"). Hecho esto, reducimos la opacidad de la capa con el ajuste hasta lograr el resultado deseado. En este caso, me he quedado con un valor de opacidad del 59%, porque era el valor cuyo resultado me gustaba más.

Aplicación de corrección de arrugas: Imagen original a la izquierda y resultado de aplicar el pincel corrector puntual en modo Aclarar y seleccionar un valor de Opacidad del 59% a la derecha.

¿Qué te parece el resultado? Es cierto que se siguen apreciando arrugas en frente y bolsas de los ojos, pero el resultado es muchísimo más natural, ¿no crees?

Esta recomendación de variar la opacidad, como sabes, no es exclusiva de este ajuste, sino que es un "truco" que en general suele venir bien para casi cualquier tipo de ajuste o retoque, porque te ayuda a variar a tu gusto la cantidad o intensidad de ajuste que realizas. Ya la conocías, ¿verdad?

Comparando Todas Las Opciones

Por si no he conseguido transmitirte la clara ganancia que aportan estos ajustes, a continuación te muestro una comparativa de todos ellos sobre la región del ojo derecho del sujeto retratado.

Comparativa de las diferentes opciones de corrección de arrugas. A la izquierda del todo: original. La segunda imagen empezando por la izquierda muestra el resultado de aplicar el pincel corrector en modo Normal. La segunda imagen empezando por la derecha ofrece el resultado de aplicar el pincel corrector en modo Aclarar. Por último, la imagen de la derecha ofrece el resultado de aplicar el pincel en modo Aclarar, pero con un valor de opacidad de 59%.

Como puedes ver, el resultado más natural es el ofrecido por la aplicación del pincel corrector en modo Aclarar pero reduciendo la opacidad. De este modo conseguimos que se mantenga una textura más cercana a la imagen original.

¿Y Tú Cómo Haces Para Corregir Las Arrugas?

Espero haberte descubierto el que es, en mi opinión, uno de los métodos más adecuados para realizar este tipo de ajustes. Ya sabes que, tras tomar una fotografía, sólo se ha realizado la primera parte de todo el trabajo. Y trucos como éste son tremendamente útiles.

¿Conocías esta técnica?, ¿utilizabas alguna variante de la misma?, ¿o quizás otra herramienta para hacerlo?, ¿eres más amigo de usar el filtro paso alto para estos menesteres?, ¿o quizás el método de separación de frecuencias? Sea cual sea la técnica que utilizas, cuéntanosla. Nunca está demás conocer otras técnicas, por si en alguna ocasión no acaban de funcionar las que ya conocemos.

Conseguir llamar la atención y que la gente se pase el mayor tiempo posible mirando una fotografía es la finalidad cada vez que mostramos una de nuestras obras. Pero para que eso suceda tenemos que conseguir fotografías originales, diferentes, que no se hayan visto antes o que muestren las cosas de una manera distinta.

En el artículo de hoy te voy a dar una serie de consejos para que puedas ponerlos en práctica la próxima vez que salgas a fotografiar.

Puntos de vista diferentes

A veces es mirar hacia abajo, otras hacia arriba. Estaba atardeciendo en Roma y la luz era muy lateral, por lo que las sombras se alargan. En este caso, un edificio más alto que la iglesia sirve de lienzo para conseguir la sombra de la iglesia y la torre.

Suele suceder que damos por hecho que las cosas sólo se pueden fotografiar desde un sitio y con un punto de vista determinado. Muchas veces no nos planteamos que pueden existir otras opciones y ni siquiera exploramos el lugar.

Si estamos en una ciudad podemos movernos, cambiar de posición, intentar encontrar puntos desde donde podamos fotografiar las cosas con otra perspectiva. Si vamos a un lugar muy fotografiado y repetimos la foto no conseguiremos ninguna sorpresa.

Explorando el lugar, moviéndose, probando encuadres acabas prácticamente en el suelo, pegado a la barandilla buscando líneas, como me pasó a mí en esta fotografía. No llegué directamente a esta posición, sino a través de varias ideas.

Es cierto que en ocasiones, un lugar tiene un punto desde el cual parece que todo encaja, y no debemos evitar hacer esa foto, pero no deberíamos conformarnos. Yo trato de obtener múltiples fotografías de un lugar y luego elegiré la que más me gusta.

A veces es el momento el que crea una situación diferente, una luz, un color. En ocasiones aparecen, en otras las buscamos.

El encontrar un punto de vista distinto es algo que trato de conseguir siempre y algo que me llena de satisfacción cuando lo consigo.

Prueba velocidades lentas

Probando un efecto de movimiento de la cámara sin mover el eje central, para conseguir un efecto como el de las circumpolares en fotografía nocturna.

Ahora nos vamos a centrar en utilizar velocidades lentas de disparo. Esto nos va a permitir obtener resultados muy variados. Lo importante ahora no es la nitidez precisamente, sino conseguir otro efecto, aunque es interesante que, a pesar del movimiento, se intuya lo que estamos fotografiando.

Por ejemplo, podemos utilizar la técnica del zooming, que consiste en hacer zoom a la vez que disparamos. Esto crea un efecto como si entráramos en un túnel y nos llevara hasta el fondo.

Podemos realizar movimientos con la cámara adrede, aprovechando que la velocidad es lenta, para que el sensor capte formas. Dependiendo de cómo sean esos movimientos el resultado variará. Es más, a veces, ni siquiera nosotros somos capaces de repetir una misma foto.

Una velocidad lenta y un pequeño gesto crea un efecto pictórico, que junto al movimiento de las olas crea esta fotografía que parece más bien un cuadro.

Este efecto se puede utilizar en cualquier ámbito, pero es muy frecuente ver fotografías de paisaje o naturaleza utilizando esta técnica. El resultado, en muchas ocasiones es pictórico, dando la sensación de tener una pintura más que una fotografía.

Dependiendo de la velocidad y de lo rápido que hagamos los movimientos podemos obtener fotografías que al verlas somos capaces de identificar los objetos o crear abstracciones.

También podemos incluir la técnica del barrido, que a muchos les gusta, sobre todo cuando empiezan a fotografiar. Con esta técnica podemos desenfocar el fondo y tener un sujeto nítido.

Largas exposiciones

Fotografía de más de 2 horas de exposición, en la que se ha capturado el movimiento de la Luna y Venus, aprovechando el reflejo sobre los campos de arroz de la Albufera. Esta fotografía no se puede ver a menos de que te la imagines en la cabeza, y para ello hay que planificarla previamente. A veces lo consigues, otras veces no, pero si no lo intentas seguro que no.

Las largas exposiciones estaban asociadas a la fotografía nocturna, pero desde que se pusieron de moda los filtros ND (Densidad Neutra), es muy habitual ver diariamente fotografías de larga exposición diurna (LED).

Estos filtros permiten alargar la exposición durante el día y conseguir, por ejemplo, que no aparezca gente en un lugar concurrido. Siempre que la gente no se detenga, la poca luz que llega al sensor evita que los capte. Fotografiar un lugar que todos sabemos que siempre está lleno de gente y mostrarlo vacío suele sorprender. Tenemos esa opción o madrugar mucho.

Pero las largas exposiciones nos permiten mostrar movimiento. Un movimiento que aparentemente no podemos ver con nuestros ojos, y que estamos intuyendo. Este es el primer paso para tomar fotografías que hemos imaginado previamente.

Tanto las fotografías donde capturamos las nubes en movimiento, el agua con ese efecto seda, o incluso las trazas de estrellas por la noche, son fotografías que una persona no puede ver, pero que sucede con el paso del tiempo, y la cámara lo captura.

Explorar este tipo de fotografía y pensar en posibles composiciones es otra manera de ir evolucionando y de conseguir que nuestras fotografías, no sólo llamen la atención, sino que sean únicas.

Múltiple exposición

Aquí podemos ver una múltiple exposición tomada directamente en cámara con la Canon 5D Mark III. Me hice un autorretrato como fotografía base y después busqué algo que pudiera fusionarse bien con mi rostro. La idea aquí era que se me viera el perfil de la cara y hacer otra fotografía, donde la luz quemada perfilara mi cabeza por detrás. La textura de los árboles destacan sobre mi cara.

Cada vez hay más cámaras que disponen de la funcionalidad de la múltiple exposición. Algo, que antes se podía hacer con el carrete sin ningún problema, solamente teníamos que no pasar el negativo y disparar dos o más veces sobre el mismo negativo.

Hoy en día algunas cámaras te permiten disparar y fusionar hasta 9 fotos en un sólo archivo. El potencial es enorme y aquí realmente se ve la imaginación a la hora de fotografiar.

Si una fotografía puede ser única, imagínate si combinas dos o más. La idea es conseguir un fondo y con una segunda toma crear un sujeto. Combinarlas pensando que las luces se van sumando para crear siluetas, o utilizar desenfoques imposibles, incluso cambiando de objetivo entre fotografías.