Actualmente estamos atravesando una transición en la que muchos de nuestros recuerdos todavía están en formato analógico, es decir, en forma de negativo. Seguro que muchos de vosotros habéis escaneado todas esas fotografías para poder guardarlas para siempre en vuestros discos duros. ¿Pero sabías que también pueden escanearse los negativos?

En este artículo vamos a ver las diferentes maneras con las que podemos escanear un negativo, tanto con escáneres especializados como con técnicas más caseras, y después aprenderemos a editarlos en Photoshop para volver a recuperar sus colores originales. ¡No te lo pierdas!

¿Por Qué Escanear un Negativo?

Quizás la primera pregunta que te haya venido a la cabeza al leer el título de este artículo es: "¿Por qué escanear un negativo cuando puedo escanear fácilmente una fotografía revelada?". Por eso también es la primera pregunta que quiero responderte.

Es normal que una fotografía revelada tenga una menor calidad que el negativo, sobre todo si ya hace mucho que se reveló. Además, muchas de las fotografías más antiguas que conservamos pueden no estar en las mejores condiciones. O incluso también pueden estar pegadas en un álbum, lo que dificultará mucho la tarea de escaneado.

Para todos estos casos, lo mejor será escanear directamente los negativos. ¿Cómo podemos hacerlo? Podemos conseguirlo de diferentes formas. ¡Vamos a verlas!

1. Usar un Escáner Especial para Negativos

Existen escáneres especiales para escanear negativos y diapositivas, que pueden venirnos muy bien para digitalizar todos nuestros recuerdos.

Lo mejor de este tipo de escáneres especializados es que no solo digitalizarán nuestros negativos sino que además los positivarán, es decir, la imagen digital que obtendremos ya será la fotografía "revelada", no un escaneo en sí del negativo. Esta es una ventaja que no vamos a poder obtener con las demás opciones, que son algo más caseras.

Para saber qué escaner elegir, fíjate en la resolución que ofrecen. Se calcula en dpi (dots per inch) o lo que es lo mismo, ppp (puntos por pulgada). A mayor dpi mayor resolución tendrán las fotografías resultantes. Eso sí, deberás fijarte en los dpi reales. Los dpi por interpolación no nos dan un resultado real, sino que esos puntos por pulgada extra se calculan basándose en los píxeles que tienen alrededor. Se podría decir que se los "inventa" basándose en los puntos reales que tiene alrededor, por lo que pueden aparecer zonas mal calculadas y se pierde calidad.

A continuación te enlazo algunos escáneres de negativos que pueden interesarte, ordenados de menor a mayor precio:

• Escáner de Negativos y Diapositivas Digitnow por unos 60€
• Escáner de Negativos y Diapositivas por unos 65€
• Escáner de Negativos y Diapositivas por unos 55€
• Escáner de Negativos y Diapositivas Digitnow por unos 65€
• Escáner de Negativos y Diapositivas Digitpro por unos 99€
• Escáner A4 y Negativos HP por unos 199€
• Escáner de Negativos y Diapositivas Kodak por unos 205€

2. Usar un Escáner Normal

Podemos escanear un negativo con un escáner normal de toda la vida, pero no va a ser tan sencillo como colocar el negativo dentro, cerrar la tapa y pulsar el botón. Para poder digitalizar correctamente un negativo la luz tiene que incidir por ambos lados de la película. Hay escáneres normales con una pequeña lamparita arriba colocada especialmente para escanear negativos, pero si no dispones de uno así, puedes usar un pequeño truco.

Podemos crear un reflector que refleje esa luz sobre el propio negativo. Imprime o dibuja sobre una cartulina una plantilla como ésta, para construir una especie de pirámide sin base. Puedes descargar esta plantilla en PDF desde AQUÍ.

Cuando  hayas construido esta pirámide, fórrala toda por dentro con papel de plata, para que sea capaz de reflejar bien la luz.

Deberás colocarla de la siguiente forma, de manera que quede media pirámide cubriendo el negativo y la otra media sobre el propio escáner. Así, podrá recoger la luz del escáner y reflejarla sobre el negativo. Una vez hecho esto y sin cerrar la tapa del escáner, escanea el negativo de la manera habitual. Es recomendable usar al menos una configuración de 1200 dpi para conseguir una buena calidad.

Si la luz ha quedado desigual, un buen consejo es colocar un cuadradito de papel seda encima del negativo, para que se difumine uniformemente la luz que le llega al negativo por la parte de arriba.

Piensa que este método solo sirve para escanear el negativo. Para conseguir que este negativo digitalizado se transforme en una fotografía con sus colores normales hay que positivarlo. Al final de este artículo encontrarás cómo conseguirlo en Photoshop

Personalmente, a mí este método (a mí) no me ha funcionado bien. Mi escáner no emite prácticamente luz hacia arriba y, al ser tan tenue, el reflector no es capaz de arrojar suficiente luz. El resultado es que el negativo se queda demasiado oscuro como para poder conseguir un resultado decente. Si te ocurre lo mismo que a mí, o no tienes un escáner normal, no te preocupes. A continuación vamos a ver un método con el que solo necesitarás unos cuantos materiales de papelería y tu cámara de fotos.

3. Crear tu Propio Escáner de Negativos DIY

Si no quieres gastar tanto dinero en un escáner o el método anterior no te ha funcionado, quizás te apetezca probar a construir tu propio "escáner de negativos". Aunque más que un escáner, será un "digitalizador de negativos", porque no va a escanear nada, sino que será nuestra cámara la que digitalizará cada negativo.

Para construirlo necesitarás:

• Cartulina negra
• Un folio de papel A4
• Una caja de cartón con tapa (por ejemplo una caja de zapatos)
• Una regla
• Tijeras o cútter
• Pegamento
• Una luz
• Y una cámara, que será la encargada de digitalizar el negativo.

A continuación te detallo todos los pasos a seguir para construir tu propio "Escáner de negativos DIY" y empezar a digitalizar todos los negativos que quieras:

1. Forra la parte superior de la tapa de la caja de cartón con cartulina negra.
2. Recorta un cuadrado en el centro de la tapa de 3,5 x 5 cm.
3. Ahora construiremos el compartimento donde irán los negativos. Recorta un trozo de cartulina negra que tenga 3 veces el ancho de tu tira de negativos.
4. Dobla esta cartulina en 3 partes iguales.
5. En el medio de la cartulina doblada recortaremos un cuadrado de 2,5 x 5 cm, dejando medio centímetro de margen por arriba y por abajo.
6. Pega la cartulina doblada para que no se abra
7. Pégala a continuación sobre el cuadrado que hemos recortado antes en la tapa de la caja, haciendo coincidir los dos cuadrados recortados.
8. Ahora vamos a construir el soporte donde deberemos situar la cámara. Recorta un rectángulo de cartulina negra de 30 x 10 cm. para hacer un cilindro
9. Dobla 1 cm. en uno de los bordes largos de este rectángulo y corta cada pocos cm. una línea (solo en la parte doblada) para convertir esto en una especie de solapa que nos permita pegar el cilindro en la tapa de la caja.
10. Pega los bordes cortos del rectángulo de cartulina negra para crear un cilindro, y dobla hacia afuera las solapas.
11. Pega las solapas del cilindro a la tapa de la caja, dejando justo en el centro el cuadrado que habíamos recortado anteriormente.
12. Coloca el folio de papel A4 en la parte de dentro de la tapa, sin doblarla, haciendo como una especie de barriga en el medio. Si no se mantiene, puedes ponerle un par de trocitos de celo para que no se caiga al darle la vuelta a la tapa. Esto hará que la luz se difumine bien.
13. Mete dentro de la caja de zapatos la luz y cierra la tapa. Procura que emita luz hacia arriba, no servirá por ejemplo una linterna que alumbre las paredes de la caja; debe enfocar hacia la tapa.
14. Coloca tu tira de negativos dentro del soporte de cartulina que pegaste anteriormente en la tapa, haciendo coincidir el negativo que quieras digitalizar justo en el cuadradito recortado.
15. Enciende la luz y dispara la foto, apoyando la cámara completamente perpendicular al cilindro de cartulina.

Finalmente pasa las fotografías a tu ordenador y ya estarán preparadas para que las positives en un programa de edición.

¿Cómo Positivar un Negativo en Photoshop?

Ahora que ya hemos aprendido a escanear nuestros negativos, toca aprender cómo positivarlos; es decir, vamos a revelarlos digitalmente. Normlamente los escáneres especiales de negativos ya realizarán este paso ellos solos, pero si escaneamos nuestro negativo de manera casera vamos a tener que positivarlos nosotros mismos. No te preocupes, no es complicado. Con Photoshop podemos hacerlo fácilmente.

Lo primero que debemos comprender es que los colores que vemos en un negativo son los complementarios a los reales, es decir, los opuestos. Partiendo de esta base, lo que deberemos hacer para convertir nuestro negativo en una foto normal será cambiar sus colores actuales por sus colores complementarios. Deberás seguir estos pasos:

1. Recorta la imagen con la herramienta Recortar  para quedarte tan solo con la fotografía, desechando el resto del negativo. Esta herramienta también te permitirá rotar el lienzo si la fotografía está algo torcida.
2. Comprueba que la foto está del derecho. Si pusiste el negativo del revés no te preocupes, podrás darle la vuelta desde el menú Imagen/Rotación de Imagen/Voltear lienzo horizontal.
3. Ahora ve al menú Imagen/Ajustes/Invertir (o usa el atajo de teclado Ctrl+I o Cmd+I en Mac) para invertir los colores de la fotografía. Es decir, cambiar los colores actuales por sus contrarios.
4. Ahora ya tendremos nuestra fotografía con los colores correctos, pero normalmente va a tener una enorme dominante de color. Por lo general, los negativos tienen un tono muy marrón anaranjado, que al invertirlo se convertirá en una dominante muy azul. Para corregir esto ve al menú Imagen/Ajustes/Equilibrio de color y corrige el color desde estos deslizadores. Cada fotografía será diferente, pero para eliminar esta dominante azul seguro que deberás mover el deslizador de cian/rojo bastante hacia el rojo. Mueve los demás deslizadores hasta ajustar el color a tu gusto.
5. Finalmente también puedes darle a Imagen/Color automático, para terminar de corregir los colores, normalmente este proceso automático suele funcionar bien.
6. También puedes probar con Imagen/Contraste automático y Imagen/Tono automático para darle el toque final, o corregirlo tú a mano desde los ajustes Imagen/Ajustes/Brillo y contraste, Niveles, Curvas o Tono/Saturación. Si lo prefieres, puedes editar la foto directamente desde el menú Filtro/Filtro de Camera Raw para tener más a mano todas las herramientas de corrección de color, y aplicarlas todas a la vez, que es mucho más cómodo.

Uno de los retoques más sencillos (pero a la vez más impactantes) que podemos hacer con Photoshop en fotografías de retrato, es cambiar el color de los ojos. Es posible que alguna vez lo hayas intentado y que no haya quedado como esperabas, sino todo lo contrario, te ha quedado completamente irreal.

No te preocupes, cambiar el color de los ojos y que quede realista y natural es muy sencillo, si sabes cómo. Vamos a verlo paso a paso en el siguiente artículo. ¡Verás qué fácil es!

Elige la Foto Adecuada

Lo primero que deberás hacer es elegir la fotografía adecuada. Con esto no me refiero a que no se pueda cambiar el color de ojos de todas las fotografías, se puede. Pero si quieres que se note y que quede bien, la fotografía debería cumplir una serie de requisitos básicos:

• Los ojos deben estar bien iluminados: Muchas veces la propia iluminación del lugar hace que nuestros ojos queden en sombra, e incluso que nuestra frente o pestañas los oscurezcan. Evita este tipo de fotografías y opta por retratos con luz frontal o a 45º, donde el ojo esté perfectamente iluminado y pueda apreciarse sin problema el color original del iris.
• Procura que el iris esté bastante cerrado: Si de verdad quieres que se note el cambio, busca fotografías donde el iris del ojo esté bastante cerrado. De lo contrario, casi no se apreciará el color original, ni el cambio cuando lo retoques.
• Elige fotografías cercanas: Obviamente, si quieres que el retoque se note, lo ideal será usar fotografías cercanas, por ejemplo un primer plano.

Yo voy a utilizar estas dos fotografías. Como puedes ver, ambas son retratos cercanos, bien iluminados y donde se puede apreciar perfectamente el color original del iris. Vamos a ver paso a paso cómo retocarlas para cambiar el color de los ojos de manera muy sencilla. Vamos a ver un ejemplo con ojos claros y otro con ojos oscuros, puesto que nos van a plantear problemas diferentes.

Cambiar el Color en Ojos Claros con Photoshop

Vamos a empezar primero con el ejemplo de ojos claros. Los ojos claros van a ser muy fáciles de retocar siempre y cuando queramos cambiarlos a otro tono claro, por ejemplo de azul a verde, o viceversa. Sin embargo la cosa se nos va a complicar un poco si lo que queremos es oscurecerlos. Vamos a ver primero el cambio fácil, y después veremos cómo oscurecerlos.

Abre tu fotografía en Photoshop y crea una capa nueva vacía, pulsando el botón rápido que encontrarás debajo de la ventana de Capas , o usando el atajo de teclado Control+Shift+N (o Comando+Shift+N en Mac). Añade a esta nueva capa vacía una máscara de capa, desde el botón rápido que también encontrarás debajo de la ventana de Capas .

Pinta toda la máscara de capa de color negro, o simplemente selecciónala y pulsa Control+I (o Comando+I) para invertirla y que se quede totalmente en negro. Ahora, pinta sobre la máscara de capa todo el iris en color blanco, sin salirte. Puedes ayudarte usando selecciones si lo prefieres. No importa que abarques también la pupila, al ser negra no se verá afectada por el cambio de color.

Si le das doble click a la máscara de capa se desplegarán las propiedades de la máscara. Puedes darle un par de puntitos de Desvanecer si quieres que el borde no quede tan duro; el retoque quedará más natural. Yo le he puesto 0,3 px. pero dependerá mucho de la resolución de tu fotografía (cuanto más pequeña sea, menos Desvanecer necesitará).

Aunque simplemente podrías pintar con el color de ojo que quisieras directamente sobre la capa vacía, sin usar máscaras, prefiero hacerlo de esta manera porque así es muy fácil ir cambiando de color para hacer diferentes pruebas. Sin no tienes una máscara de capa con la forma del iris, tendrías que volver a pintar sin salirte del iris cada vez que quisieras probar un color diferente. De esta forma tan solo tendrás que ser cuidadoso pintando la máscara y después ya podrás probar sin preocuparte todos los colores que quieras.

Ahora que ya tenemos nuestra capa vacía con máscara en el iris, vamos a elegir un color para cambiar el tono de los ojos de nuestra modelo. Como en mi ejemplo ella tiene los ojos verdes, vamos a probar a cambiárselos a azul. Si quieres que el cambio quede realista procura elegir colores no demasiado claros e intensos; intenta elegir tonos un poco grisáceos, sino quedarán demasiado chillones e irreales.

Ahora simplemente deberás pintar los ojos sobre la capa vacía, sin preocuparte de salirte, ya que la máscara tan solo va a mostrar el color sobre el iris. Esta es la ventaja de trabajar con la máscara, sino tendrías que pintar con cuidado cada vez que quisieras probar un color nuevo.

Pon la capa que acabas de pintar en Modo de fusión Tono, para que se fusione con la capa de la fotografía y cambie el tono de los ojos de tu modelo. Si no te gusta el resultado, puedes ir cambiando el color fácilmente pintando en la capa hasta encontrar el color que te encaje con lo que querías.

Si quieres conseguir un efecto más de fantasía, otra opción también puede ser poner la capa en Modo de fusión Color. El color se verá mucho más intenso, pero también más irreal, por lo que tan solo funcionará en fotografías de índole fantástica. En esta ocasión, sin embargo, sí deberás pintar en negro sobre la máscara de capa las pupilas, porque con este modo de fusión sí se verán afectadas por el cambio de color.

Oscurecer Ojos Claros con Photoshop

Como te comentaba antes, el problema viene cuando queremos oscurecer los ojos claros. Si, siguiendo con el mismo ejemplo, pintamos en la capa nueva de color marrón, por muy oscuro que sea, los ojos siguen quedando claros, y el marrón prácticamente ni se nota. Si probamos con el modo de fusión Color la cosa no mejora mucho tampoco. Sí conseguimos un tono más amarronado, pero sigue siendo claro, y además queda poco realista. ¿Qué hacemos entonces?

A la izquierda la capa en modo de fusión Tono. A la derecha, la capa en modo de fusión Color

Lo que necesitamos es oscurecer el iris. Vamos a ocultar la capa del nuevo color para trabajar mejor. Para ello, pulsa el icono en forma de ojo que hay delante de la capa. Después para activarla de nuevo tan solo deberás volver a pulsar ahí.

Selecciona el iris pulsando Control+Click (o Comando+Click en Mac) sobre la máscara de capa que hemos hecho antes sobre él, así la selección tomará la misma forma que la máscara. Con esta selección activa, agrega una capa de ajuste de Niveles desde el botón rápido que encontrarás debajo de la ventana de capas .

Oscurece el iris desplazando el triángulo de los medios tonos (el central) hacia la derecha. También puedes desplazar el triángulo de los negros un poco hacia la derecha para que el negro no quede tan negro, ajustándolo así al contaste de tu fotografía original.

Ahora vamos a volver a activar la capa nueva con el color de ojos. Pinta sobre ella en color marrón y ponla en modo de fusión Color, ya que en modo de fusión Tono normalmente no se verá bien el color marrón sobre el ojo oscurecido. Como te comentaba antes, al poner la capa en este modo de fusión sí tendremos que pintar en color negro sobre la máscara las pupilas, para que no les afecte el cambio de color también a ellas.

Como ves por fin hemos podido darle un tono marrón a los ojos de nuestra modelo. Sin embargo, ha quedado muy irreal. Para darle más realismo, vuelve a seleccionar los iris pulsando Control+click sobre la máscara, y agrega una capa de ajuste de Intensidad. Baja la intensidad hasta que el color quede más natural.

¡Y listo! Ya sabes cómo cambiar unos ojos claros a cualquier color, tanto claro como oscuro. ¿Quieres verlo ahora con el ejemplo de ojos oscuros?

Cambiar el Color en Ojos Oscuros con Photoshop

Ahora vamos a ver el caso contrario, aclarar unos ojos oscuros. Aunque el proceso va a ser similar al anterior, sí va a ser más difícil. Vamos a conseguir que el color de ojos se note bastante, pero será complicado que queden unos ojos tan claritos como los originales de la chica anterior, ya que siempre va a quedar mejor oscurecer un ojo claro, que aclarar un ojo oscuro. Aun así podemos conseguir buenos resultados. ¡Vamos a verlo paso a paso!

Al igual que antes, vamos a crear una capa nueva con una máscara que abarque tan solo el iris, sin la pupila. Si la pintamos de color azul, por muy chillón que sea, y la ponemos en modo de fusión Tono o Color, verás que el color se nota un poquito pero queda demasiado oscuro.

Al igual que antes hemos tenido que oscurecer el ojo claro, para que se note más vamos a tener que aclarar el ojo oscuro. Pulsa Control+Click sobre la máscara de la capa nueva para seleccionar el iris y añade una capa de ajuste de Niveles igual que hemos hecho antes, pero ahora desplaza el triángulo de los medios tonos (el del medio) hacia la izquierda en vez de hacia la derecha, para aclarar el iris.

A continuación pon la capa del color en modo de fusión Color o Tono, aunque en ojos bastante oscuros normalmente queda mejor el modo de fusión Color, se nota más. Recuerda usar tonos no demasiado chillones o claros, para que quede un color natural.

Si crees que el color ha quedado demasiado intenso, puedes añadir una capa de ajuste de Intensidad (seleccionando igual que antes la máscara del iris) y bajársela un poco, para que quede más natural.

¡Y voilá! Ya tenemos a nuestra compañera Silvia con unos bonitos ojos azules. ¿Te animas a probar tú ahora?

El retrato es una de las disciplinas más populares entre los amantes de la fotografía. Lograr un buen retrato implica controlar muchos aspectos técnicos, compositivos y también de iluminación, pero no es menos importante tampoco el hecho de tener una buena idea.

En el artículo de hoy he querido recopilar una serie de trucos para lograr retratos de lo más creativos sin necesidad de salir tan siquiera de casa. Y lo mejor es que la mayoría de ellos podrás llevarlos a la práctica utilizando objetos que seguro que tienes por casa, o adquiriendo accesorios bastante económicos. ¡Quédate conmigo y descúbrelo!

El Retrato Creativo

Como te decía, el retrato es junto con el paisaje una de las temáticas más practicadas y queridas. Hay mucha teoría al respecto para mejorar a la hora de hacer nuestros retratos. Ya sabes que la iluminación juega un papel crucial, también la composición, e incluso la óptica que utilizas para hacerlos.

De todo ello te hablábamos en nuestro Curso de Fotografía de Retrato, en el que encontrarás explicaciones detalladas con ejemplos visuales y vídeos con todo lo que necesitas saber acerca de esta disciplina.

Pero en esta ocasión, como te avanzaba antes, vamos a presuponer que ya tenemos cierto control sobre todo ello, y vamos a centrarnos en pensar en ideas originales con las que podemos lograr que nuestros retratos sean más creativos. Y todo ello lo haremos utilizando recursos que tenemos por casa o que son muy económicos, para que no te sientas limitado a la hora de ponerlos en práctica.

A continuación veamos unas cuantas ideas y la manera de llevarlas a cabo paso a paso para que tú también puedas ejecutarlas. Tengo que pedirte disculpas antes de que empieces a leer porque verás mi cara en todas las fotografías sin ser de lejos la mejor de las modelos, pero mi intención era demostrarte que tú mismo puedes hacer estas fotos, por eso decidí realizarlas adrede para este artículo.

1. Retrato con Luna

Ya sabes que a los fotógrafos nos encantan los accesorios, incluso aquellos que no están relacionados directamente con la fotografía pero que sí que podemos aprovechar en ella. Es el caso de esta lámpara de luz led con forma de luna.

Puedes encontrarla de muchos tamaños. Lo ideal es que no sea demasiado pequeña, para que podamos pedirle a nuestro modelo que la sujete con sus manos y no dé la impresión de que sea una canica. Además, lo bueno precisamente de este accesorio es que es una lámpara, por lo que podemos realizar el retrato en una habitación oscura haciendo que la única luz que alumbre al sujeto sea la de la luna. Eso sí, ten cuidado a la hora de medir la luz de la escena, ya que la lámpara no deberá salir sobreexpuesta si no quieres perder información de ella.

Si deseas adquirir este accesorio te recomiendo los siguientes modelos:

• Lámpara de luna 3D (3 colores) por unos 18 € aproximadamente
• Lámpara de luna 3D (16 colores) por unos 17 € aproximadamente

2. Retrato con Gotas sobre Cristal

Otra forma muy sencilla de conseguir un retrato original es utilizando una ventana. Una ventana o incluso la mampara de la ducha. Se trata de que tu modelo se coloque al otro lado de la ventana, y si puedes rocía o salpica con unas cuantas gotas de agua el cristal. Pídele a tu modelo que se apoye sobre el cristal y que dibuje en su rostro una expresión melancólica, asociada a días grises y tristes. Tú como fotógrafo sitúate en el otro lado del cristal y busca la posición adecuada para disparar el retrato. Las gotas quedarán en primer plano desenfocadas, rellenando el espacio negativo de la imagen.

Otra opción que puedes seguir para darle un aire más misterioso a tu foto es enfocar esas gotas que hemos puesto sobre el cristal y que nuestro sujeto quede en segundo plano desenfocado. Entonces puede que no se califique como un retrato como tal, o al menos no parecerá que nuestro modelo sea lo más importante de la composición, pero seguro que el resultado queda muy atractivo.

3. Retrato con Fondo de Televisión

Este es otro de los trucos más sencillos y más vistosos. Todos tenemos una televisión en casa, así que con eso ya tienes prácticamente el set listo. Ahora es el momento de que busques un vídeo o una fotografía con colores vistosos, y sitúes a tu modelo sentado de forma paralela a la pantalla de la televisión. Lo siguiente será que prepare una pose en la que su cabeza quede encarada hacia la televisión, para que sea esta quien ilumine su rostro con los colores de la imagen.

Sitúate frente al modelo, de manera que la televisión quede a un lado y puedas desenfocarla utilizando una apertura de diafragma amplia. Si tienes una gafas de vista o de sol puedes pedirle a tu modelo que se las coloque, ya que de ese modo lograremos que la imagen de la televisión se vea reflejada en ellas añadiendo un atractivo extra al retrato. Y si aun quieres añadir algo más de reflejo, coge tu móvil y ponlo frente a tu lente hasta que consigas ese reflejo extra, como tantas veces te hemos enseñado.

Fragmento Fototip Retrato Creativo Sin Salir de Casa Parte II

4. Retrato Bicolor con Móvil

¿Te gustan los retratos en los que se mezclan diferentes colores? Pues vamos a ver cómo podemos conseguirlo. Lo primero que nos viene a la cabeza son los geles de color, un complemento para utilizar con nuestro flash que nos permitirá tintar la luz y así conseguir que la fotografía se vea de un color u otro. Por supuesto, nos dará más juego el hecho de mezclar dos colores distintos en una misma fotografía.

Como de los geles de colores ya te hablaba en este otro artículo, y a lo mejor puede que muchos de vosotros todavía no tengáis un flash, os voy a proponer algunas alternativas.

• La primera de ellas es que cojáis cualquier lámpara de vuestra casa, y utilicéis bolsas de plástico de colores para tintar la luz colocándola por delante de esta. Puedes utilizar pinzas de la ropa para sujetarla.
• También puedes aprovechar el auge de las bombillas de colores y simplemente utilizar dos portalámparas con dos bombillas con diferente color y combinarlas en tu retrato.
• Pero si buscas algo todavía más simple, prueba con lo siguiente. Coge tu móvil y el de algún amigo o familiar. En cada uno de ellos busca una imagen de un color sólido, y ponla de manera que ocupe toda la pantalla. Ahora acerca cada uno de esos móviles a tu modelo, de forma que la luz de uno ilumine medio rostro, y la luz del otro el otro medio. ¿Fácil, verdad?

5. Retrato con Arco iris

¿Qué tendrá el arco iris que nos gusta tanto? Los colores que vemos en él no son otra cosa que la descomposición de la luz solar en el espectro visible, producida por el fenómeno de la refracción. Dicho fenómeno podemos aprovecharlo para introducirlo en nuestro retrato conscientemente, y conseguir fotografías diferentes.

Si tienes un CD en casa, o incluso mejor un prisma de vidrio, puedes lograr fotografías como la siguiente.

Se trata de que busques el ángulo adecuado para la luz incida en el CD o el prisma y pueda proyectar el arco iris sobre el rostro de tu modelo. No te frustres si no lo encuentras enseguida, ten paciencia. Si insistes al final lo lograrás.

Ten presente que será recomendable que subexpongas un poco tu fotografía, ya que de lo contrario cuando proyectes los colores sobre el rostro de tu modelo puede que los más claros aparezcan sobreexpuestos y ya no puedas rescatarlos ni en edición.

6. Retrato con Espejos

Los espejos pueden darnos mucho juego en fotografía de retrato, algo de lo que ya te hablaba en este otro artículo. Desde reflejos partidos, hasta reflejos simétricos o infinitos. Da igual que tengas un espejo pequeño o uno grande, que siempre podrás aprovecharlo para lograr un retrato original.

Si es grande, puedes por ejemplo dejarlo con mucho cuidado en el suelo y ponerte encima de él como si quisieras entrar en un mundo paralelo. O también puedes enfrentar dos espejos y conseguir un atractivo reflejo infinito. Si tu espejo es pequeño, quizá sea mejor intentar focalizar la atención sobre una parte del rostro del sujeto o incluso reflejar la mirada de una persona en la posición en la que debería estar la de otra.

7. Retrato Jugando con la Perspectiva

Aunque parezca mentira, la vista es uno de los sentidos más fáciles de engañar, y esto también podemos aprovecharlo para conseguir retratos más creativos. ¿Cómo? Pues bueno, puedes intentar jugar con la perspectiva y forzarla para conseguir fotos que parecen imposibles. Y no, no tendrás que aplicar ningún efecto especial, solo engañar al ojo jugando con la perspectiva de nuestra fotografía para que diferentes planos interactúen como si estuvieran en uno solo.

De ese modo, podremos crear la ilusión óptica de que algo es más grande o más pequeño, o que está más cerca o más lejos de lo que realmente está. Fíjate por ejemplo en la fotografía que hemos puesto de ejemplo. Una zapatilla situada en primer plano, parece que va a aplastar al sujeto.

8. Retrato Levitando

Aunque la levitación parezca cosa de magia... ¿no nos permite la fotografía hacer magia? ¡Claro que sí! Es por ello que podemos conseguir retratos en los que nuestro sujeto esté levitando. Y resulta más sencillo de lo que puedas pensar.

Los pasos para hacerlo ya te los explicaba detalladamente en este artículo. Lo principal será realizar dos fotos, la de nuestro sujeto levitando y la del fondo. Evidentemente nuestro sujeto no levitará, sino que estará apoyado sobre alguna superficie. Es por ello que es importante que trabaje su pose para engañar un poco al ojo y que parezca de verdad que está en el aire. Si tu modelo tiene el pelo largo puedes decirle que lo lance justo en el momento de la captura para intensificar esa sensación. A continuación usaremos Photoshop y eliminaremos todo rastro de esos soportes, y tachán. ¡Nuestro modelo estará volando!

Por supuesto, también puedes hacer un retrato en el que no sea el sujeto el que esté levitando, sino unos cuantos objetos a su alrededor. La técnica será la misma.

9. Retrato Atrapado en una Bola de Cristal

Otro accesorio que nos gusta mucho y con el que seguro que ya hemos realizado bastantes pruebas es la bola de cristal. Con ella también jugaremos con el efecto de la refracción, y aunque normalmente no la usamos para fotografía de retrato porque como ya sabes actúa como un ojo de pez y puede deformar bastante el rostro, en este caso vamos a ver de qué manera podemos aprovecharla para conseguir un retrato diferente.

Lo primero de todo será tener una bola de cristal. Cuanto más grande sea, más cómodo nos resultará el trabajo, y sobre todo, más fácil será enfocar al sujeto que hay tras ella. A continuación te dejo un par de modelos que pueden ser interesantes si todavía no tienes una.

• Bola de Cristal 80 mm por unos 25 € aproximadamente
• Bola de Cristal 110 mm por unos 27 € aproximadamente

Ahora tenemos que decidir qué tipo de retrato queremos. Podemos optar por aprovechar el efecto ojo de pez que causa la bola y lograr un retrato deformado con cierto toque cómico. O también podemos alejar un poco la bola del modelo y simular como si este estuviera encerrado en ella.

Recuerda que el enfoque será muy crítico para realizar este tipo de tomas, por lo que te aconsejo que uses el modo live view de tu cámara y hagas zoom sobre el rostro del sujeto de tu foto para corroborar que es él el que está enfocado y no cualquier otra zona de la imagen.

10. Retrato con Luces Led

Si hay una palabra que a casi todo fotógrafo le hace suspirar esa es "bokeh". Vale, quizás estoy exagerando un poco, pero es cierto que un bonito bokeh puede mejorar mucho el resultado de nuestras fotografías y darle un aspecto más encantador, sobre todo en nuestras capturas de retrato. Cada vez se han puesto más de moda los retratos con tiras de luces led portátiles. Un accesorio de lo más económico como puedes comprobar a continuación.

• Tira de luces led cálidas por unos 10 € aproximadamente

Ya sean de colores o simplemente de un tono cálido, lo que puedes hacer es envolver a tu modelo con ellas y dejar que la tire llegue casi hasta el objetivo, de manera que además de iluminar al sujeto de forma tenue y suave, también podremos obtener ese bonito bokeh que tanto nos gusta.

Para ampliar esta información, te sugiero que le eches un vistazo al artículo Consigue Un Retrato Original y Creativo con Luces Led.

11. Retrato con Sombras con Formas

Las sombras son tan importantes como la luz en fotografía, ya que nos ayudan a darle volumen a un objeto o sujeto. Y esas sombras podemos trabajarlas y darles formas concretas para producir efectos de lo más curiosos. Lo mejor, es que no necesitarás comprar nada en particular, porque si vas a tu cocina seguro que encuentras un montón de objetos que te ayudarán a crear formas increíbles.

Por ponerte algunos ejemplos, desde uno de los accesorios de la cafetera, hasta el rallador o el colador. Todos ellos tienen pequeños huecos por los que se colará la luz y por tanto provocarán sombras con patrones muy atractivos. Lo único que tienes que hacer es coger una flash, una linterna, el flash de tu móvil o cualquier lámpara con una bombilla, y ponerle delante el accesorio en cuestión. Aléjalo más o menos de la fuente de luz y de tu sujeto, y verás cómo pueden llegar a cambiar el tamaño de las sombras proyectadas.

Fragmento Fototip Retrato Creativo Sin Salir de Casa Parte II

Por supuesto no solo te valen los utensilios de cocina, hay muchos objetos que podrán servirte para proyectar sombras muy originales. Otro truco es que cojas una cartulina y la recortes con el patrón que tu desees para conseguir la sombra que quieres.

12. Retrato Lightpainting

El lightpainting es una de las técnicas que nos permite exprimir más nuestra creatividad. Esta consiste básicamente en pintar con luz, por lo que lo que necesitarás para llevarla a cabo será un espacio totalmente oscuro, y fuentes de luz que te permitan pintar la escena. Desde linternas, hasta la pantalla de tu móvil o incluso accesorios como el hilo luminoso.

Apaga la luz de la estancia y ponte a crear. Si tienes una linterna pequeña, o una grande a la que le pongas una cartulina con forma de cono para hacer más pequeño su haz, puedes incluso dibujar o escribir palabras en el aire. Tendrás que hacer algunas pruebas antes de obtener la fotografía definitiva porque piensa que tendrás que escribir del revés, o sino voltear la foto en edición, pero los resultados merecerán la pena. Nosotros tuvimos que hacer algunas pruebas hasta conseguir escribir "dzoom" del derecho :P

13. Retrato con Anillo Luz

Vale lo admito, para este tipo de retrato vas a necesitar un accesorio que no es el más económico de la lista: un anillo de luz led. Y es cierto que el efecto que produce no gusta a todos, pero lo que no se puede negar es que llama la atención. Ya le dedicamos en su día un artículo entero de para qué se usa y los tipos de anillos que hay, y aquí vamos a recordarlo de nuevo.

Los anillos de luz se caracterizan sobre todo por su forma y por cómo reparten la luz. Normalmente suelen utilizarse de manera frontal, y se utilizan mucho para fotografía de retrato y también para fotografía macro. Los hay más grandes y más pequeños como los que te muestro a continuación.

• Anillo de luz Neewer por unos 100 € aproximadamente
• Anillo de luz 12 pulgadaspor unos 42 € aproximadamente
• Anillo de luz grande Neewer por unos 120 € aproximadamente

Lo atractivo de este accesorio es el reflejo circular que aparece en los ojos de nuestro modelo, y la luz uniforme que produce, aunque desde luego puedes utilizar este accesorio de otras muchas formas creativas.

También tengo que decirte que puedes conseguir un efecto muy similar de otras formas. Por ejemplo adquiriendo este complemento para tu flash externo habitual. También puedes optar por fabricarte tu propio anillo de luz led, o utilizar incluso tubos de luz fluorescente circulares. Es más, podrías incluso utilizar las tiras de luces led de las que hablábamos ante si las enrollas de manera circular. Así que opciones, tienes varias.

14. Retrato Múltiple

¿Te imaginas cómo sería el mundo con varios tú? Eso es lo que queremos lograr con este tipo de retrato, multiplicar a un sujeto en un misma fotografía. Tienes varias formas de hacerlo, por supuesto.

Si te apasiona la edición y Photoshop es tu programa favorito te sugiero que sigas los pasos que te dábamos en este otro artículo. Básicamente tendrás que colocar la cámara sobre un trípode y realizar tantas tomas como multiplicaciones del sujeto quieres que aparezcan en la fotografía. Además de una foto limpia del fondo claro. Luego en edición mediante el uso de máscaras conseguiremos unir todas esas fotos en una misma y así parecerá que hemos clonado el sujeto.

Por otro lado, si prefieres que la magia se haga en el mismo momento de la captura entonces puedes usar el método que te contábamos en este otro artículo. Para llevarlo a cabo necesitarás o bien el flash que lleva incorporado tu cámara, o mejor aún, un flash externo. Gracias al modo multi o estroboscópico del flash podremos conseguir reproducir varias veces una misma figura.

15. Retrato con Baja Velocidad

Muchas veces asociamos la velocidad de obturación baja, o dicho de otro modo los tiempos de exposición largos, a la fotografía nocturna. Esto se debe a que como bien sabes en ese tipo de tomas necesitamos que entre la mayor cantidad de luz posible a la cámara, y una forma de lograrlo es utilizando tiempos de exposición largos. Pero... ¿podemos aprovechar las exposiciones largas para otros usos más creativos? ¡Desde luego que sí! Uno de los que más te sonará sin duda es el famoso efecto seda que tan bonitas imágenes de cascadas y ríos nos deja.

Y aunque no es tan común, en retrato también podemos utilizarlo. Eso sí, piensa que vamos a jugar con el movimiento, y que no saldremos perfectamente nítidos entonces. Esto nos da una idea del tipo de retrato que podemos conseguir, los cuales asociaremos a cierto toque de locura. Para el ejemplo que os mostramos configuramos la cámara con 4 segundos de exposición, y la modelo (una servidora), posó unos instantes sin moverse mirando a cámara, hizo un movimiento rápido hacia un lado, y después hacia el otro, para que se quedará reflejada esa traza de movimiento.

16. Retrato con Pompas de Jabón

Las pompas de jabón forman parte de la diversión de los niños, por eso para este ejemplo ellos pueden convertirse e vuestros mejores modelos. La idea es que utilicéis una apertura amplia de diafragma para conseguir que las pompas tengan cierto desenfoque, y configuréis el modo ráfaga de vuestra cámara para pillar el mejor instante. Lo siguiente será pedirle a nuestro modelo que sople las pompas hacia la cámara, y entonces empieces a disparar. Un ejercicio muy fácil pero con resultados muy bonitos.

17. Retrato a Través de Objetos

Fotografiar a través de objetos puede ser un ejercicio muy divertido, además tenemos infinidad de posibilidades. Desde un trozo de papel de aluminio envolviendo nuestro objetivo, hasta un muelle de juguete, utensilios de cocina, una caja, o incluso un bote de cristal. Sea cual sea el objeto que elijas, colócalo próximo a tu objetivo, y pon a tu modelo enfrente de este para que parezca que de algún modo está encerrado o delimitado por él.

18. Retrato Doble Exposición

¿Alguna vez habéis visto fotografías en las que se fusionan dos capturas distintas? A esto se le conoce como doble exposición, y es muy fácil de conseguir con programas como Photoshop. Para lograrlo lo primero de todo será realizarle una fotografía a nuestro modelo. Piensa que tendremos que hacérsela a contraluz. Puede ser o bien una silueta o que lleguemos a identificar su rostro. Una vez hecha busca la fotografía que quieres fusionar y que se vea a través de su silueta. Suelen funcionar muy bien fotografías de skylines de ciudades o fotografías de naturaleza como bosques, árboles o incluso ramas de plantas y flores.

Abre primero la toma del modelo en Photoshop, y a continuación pon encima la segunda fotografía. Lo siguiente será cambiar el modo de fusión de esta capa a Trama, y voila, ya tenemos nuestra toma completada.

19. Retrato a Través de un Vaso de Agua o Lupa

Para lograr un retrato divertido también puedes utilizar un vaso o copa de cristal lleno de agua o una lupa. Con estos objetos, que seguro que tienes por casa, si el modelo se los aproxima a su rostro ampliará parte de él, consiguiendo un efecto de lo más divertido.

20. Retrato con Laca a Contraluz

Los contraluces pueden ser preciosos en fotografía de retrato. En especial cuando tenemos fondos tan bonitos como una puesta de sol, pero tranquilo, que no solo puedes obtener buenos resultados en esos casos. En este ejemplo queda demostrado que simplemente con un flash o luz continua y un bote de laca podrás sacar una foto fantástica.

La idea es que coloques a tu sujeto frente a la cámara. Si puede ponerse de perfil mejor porque así la silueta será más atractiva. A continuación, coloca el flash o luz continua justo detrás de tu modelo. Ajusta los valores de la cámara para que tu sujeto salga en silueta, y si lo que quieres es que se aprecie un poco siempre puedes poner un reflector en la parte opuesta para rellanar un poco las sombras del rostro. Lo siguiente será que eches un poco de laca desde uno de los bordes del encuadre y dispares la foto.

También puedes probarlo con humo o con agua en vez de con laca.

¡Disfruta de los Retrato Creativos!

¿Te han gustado las ideas que te hemos propuesto en este artículo para conseguir retratos más curiosos y originales? Estoy segura de que muchas de ellas quizás ya las hayas puesto en práctica, en cuyo caso estaré encantada de ver tus ejemplos si nos los dejas en los comentarios. Además, si tienes alguna idea más que pueda encajar en esta lista no dudes en comentárnosla y entre todo haremos que esta artículo esté más completo.

Las cámaras han evolucionado muchísimo con el paso del tiempo. No estoy hablando sólo del ya conocido paso de la fotografía analógica (o química) a la digital, sino que me refiero a que cada semana, o incluso cada día, se producen nuevos avances que nos ofrecen mejores "aparatos" para disfrutar de nuestra gran pasión, la fotografía.

Sin embargo, por mucho que mejoren, de momento no han logrado ni siquiera alcanzar a la mejor cámara fotográfica que existe en el mundo, nuestros ojos.

Aunque no lo creas, hasta la mejor cámara que puedas imaginar "siente envidia" de nuestros ojos, y gran parte de esa envidia se debe a un concepto que vamos a tratar hoy de forma amplia: el rango dinámico. Suena interesante, ¿verdad? Quédate con nosotros y sabrás a qué me refiero.

Como siempre, empecemos por definir qué es el rango dinámico y a partir de ahí iremos construyendo el contenido de esta entrega, ¿te parece?

¿Qué Es El Rango Dinámico?

El Rango Dinámico (Dynamic Range) de cualquier objeto, medio o soporte (no es algo exclusivo de una cámara fotográfica) representa la cantidad de señales que es capaz captar, distinguir o representar.

Así, un mayor rango dinámico permite captar, distinguir o representar (según sea la función del aparato en cuestión) un conjunto de señales más variado.

Centrándonos en el caso que nos ocupa, las cámaras fotográficas, el rango dinámico mide el conjunto de tonos desde los más oscuros a los más claros que una cámara es capaz de tomar en una fotografía.

A modo de ilustrar un poco más esta idea del rango dinámico, puedes ver el rango dinámico de una fotografía ayudándote de su histograma como hemos hecho en la imagen que tienes a la derecha. Como puedes observar, el rango de esa foto es muy reducido y se ubica, prácticamente en su totalidad, en la zona de las sombras.

¿Por Qué Es Tan Importante El Rango Dinámico Para Una Cámara?

El rango dinámico determina la capacidad de la cámara de captar detalle en objetos claros y oscuros de una misma fotografía.

Imagina una fotografía en la que existe un objeto muy claro y otro muy oscuro, piensa, por ejemplo, en un contraluz. En situaciones como ésas, nuestras cámaras son incapaces de ofrecer una imagen definida y con suficientes matices en las luces y en las sombras de la imagen.

¿Por qué? Muy sencillo, su rango dinámico no es lo suficientemente amplio y tiene que decantarse por presentar un mayor detalle de las luces, quedando muy oscuras las sombras; o ampliar el detalle de las sombras, en cuyo caso las luces quedarán "quemadas"; u optar por un término medio, de modo que ni estarán bien expuestas las luces, ni las sombras.

En la imagen superior puedes ver, según su histograma, que las luces y las sombras de la fotografía se encuentran "apelotonadas" en las zonas de la derecha y de la izquierda. Sin apenas espacio entre ellas, por lo que no se pueden apreciar matices y hay zonas quemadas y zonas completamente oscuras.

Si el rango dinámico de la cámara hubiese sido mayor podrían haberse capturado un mayor número de matices tanto en claros, como en oscuros.

Para que te hagas una idea de la amplitud del rango dinámico de la mayoría de cámaras digitales actuales, éste se encuentra entre 5 y 7 pasos f. Es decir, ésta será la máxima diferencia admisible entre luz y sombra si queremos suficiente detalle y matices en luces y sombras de la escena retratada. En caso contrario, te encontrarás en una situación como la que has visto en la imagen anterior.

¿El Rango Dinámico de Nuestros Ojos Es Mayor? Entonces, ¿Por Qué Los Envidian?

Podrías pensar ahora que la explicación de la "envidia" de las cámaras fotográficas a nuestros ojos se debe a que el rango dinámico de éstos es mucho mayor. Y, si esa ha sido tu suposición, me temo que no, o al menos no es la principal causa de envidia de las cámaras.

El mótivo de la envidia es que nuestros ojos son capaces de "componer una foto a partir de múltiples fotos con distintos niveles de exposición". Probablemente pienses, tras esta última frase, que me he vuelto loco, o simplemente no entiendas a qué me refiero.

Lo que quiero decir es que la pupila de nuestro ojo, en una escena con un amplio rango dinámico, como la de la imagen superior, y mucho contraste entre luces y sombras, se adapta de forma continua a las distintas zonas, abriéndose o cerrándose en función de la luminosidad de cada zona y enviando un gran conjunto de información que, posteriormente, el cerebro procesa y compone en "una única fotografía" de toda la escena.

De este modo, podemos ver correctamente expuesta una imagen de la que si hubiésemos hecho una foto habríamos perdido información de luces, sombras o de ambas, por las grandes diferencias de iluminación existentes.

Nota: La imagen anterior sí que tiene toda la información en luces y sombras, ¿verdad? Y no, no la he tomado "directamente de mis ojos", sino que se trata de una fotografía a la que se le ha aplicado un procesado HDR del que en breve hablaremos.

¡Claro! Por Eso Nuestra Cámara, A Veces, No Capta Lo Que Ven Nuestros Ojos

Efectivamente, como ya vimos en la entrega que trataba la exposición, la manera que tiene de saber cómo exponer una cámara es a través de su exposímetro.

Sin embargo, el funcionamiento de este elemento no considera las diferentes luminosidades, sino que calcula una media, o bien sólo se guía por la luminosidad de una determinada zona, y en base a esa media o a la luminosidad de esa determinada zona expone.

De este modo, al hacer la media, la luminosidad de la escena se compensa y la cámara no puede captar las luces y sombras con el detalle que requerirían. Y, en caso de basarse en la luminosidad de una determinada zona, el resto de escena aparecerá excesivamente oscura o clara, pues no se ha tenido en cuenta su luminosidad.

En una próxima entrega del curso hablaremos más a fondo sobre el exposímetro y los métodos de "metering" o medición de la luz que se pueden elegir. Aunque, por el momento, es suficiente con que consideres que el cálculo se realiza, grosso modo, como hemos indicado.

Entonces, ¿Puedo Hacer Algo Con Las Fotos Con Gran Variación de Luminosidad?

Por supuesto que sí. Existen formas de superar este gran inconveniente de las cámaras fotográficas. De otro modo perderíamos un gran número de escenas que retratar. Y nos veríamos privados de algunas de las, en mi opinión, más impresionantes fotos que existen.

El primero de los métodos que podría sugerirte para solventar algunos de estos problemas, especialmente en caso de contraluz, es hacer uso de un flash o fuente de iluminación externa, de manera que se ilumine la zona más oscura de la imagen y así, se reduzca la diferencia de luminosidad existente.

En segundo lugar y, lo que más de moda se ha puesto recientemente, es hacer uso de técnicas HDR, que permiten obtener una correcta iluminación de todas las zonas, claras y oscuras, mediante la composición de una única fotografía a través de varias en las que se han variado los valores de exposición. Eso sí, estas técnicas sólo podrán aplicarse dentro del flujo de postprocesado, por lo que requieren mayor tiempo.

HDR (High Dynamic Range)

Como ya he dicho es una técnica que se ha puesto muy de moda en los últimos años y que maravilla a propios y extraños por el fabuloso acabado que proporciona a numerosas fotografías.

¿Qué es exactamente? Como ya definimos en un artículo de hace más de 3 años (¡cómo pasa el tiempo!), es una técnica para procesar imágenes que busca abarcar el mayor rango de niveles de exposición en todas las zonas. Y se consigue mediante la mezcla de varias fotos de la misma imagen con diferentes exposiciones.

Si quieres disfrutar de un amplio número de maravillosas fotos tratadas mediante la técnica HDR, te recomiendo que le eches un vistazo a 2 Minutos de Fotografias HDR Impresionantes, así podrás ver el potencial que tiene esta técnica y lo mucho que puede mejorar tus fotos con problemas de rango dinámico.

¿Te ha gustado?, ¿ya te imaginas haciendo tus propias "HDRs"? En ese caso, quizás te venga bien conocer los 8 Consejos Clave para hacer Fotos HDR Espectaculares.

Eso sí, una vez hechas las fotos, recuerda que necesitas aplicar la técnica vía Software en tu ordenador. A continuación te muestro una lista con 8 programas que te permitirán aplicar estas técnicas y un sencillo tutorial con el que podrás lograr HDRs a partir de un único RAW y el programa Photomatix.

Y ahora, ¿a qué esperas? Ponte a probar "como un loco". Lograr un acabado tan sorprendente como el de las imágenes anteriores está al alcance de tu mano (con todos los respetos hacia el trabajo de Valerio), sólo necesitas seguir los pasos, practicar y hacer pruebas y, sobre todo, tener un poco de paciencia.

El Principal Consejo: ¡Aprovecha Al Máximo El Rango Dinámico de Tu Cámara!

En cualquier caso, pienses aplicar HDR después o no, si hay un consejo que quiero darte para terminar con esta entrega es que aproveches al máximo el rango dinámico que te ofrece tu cámara a la hora de tomar la foto y también durante el postprocesado de tus fotografías.

Por decirlo de algún modo, lo que quiero que hagas es que "estires" al máximo el histograma y aproveches la variedad tonal que se te ofrece. Eso sí, siempre y cuando estés contento con el resultado obtenido. En alguna ocasión puedes querer reducir la variedad tonal de una fotografía al mínimo posible.

Lo vas a ver mucho más claro con las siguientes fotografías. En una se ha hecho uso de todo el rango posible y en la otra no. El resultado, salta a la vista.

Como puedes ver, en una fotografía en la que aproveches más el rango dinámico, podrás apreciar un mayor número de matices y tu fotografía será mucho más "rica". ¿Entiendes ahora a qué me refiero con aprovechar al máximo el Rango Dinámico? Tus fotos te lo agradecerán.

En Resumen...

Y con esto creo que está bien por hoy. Hemos visto uno de los grandes peros de la cámaras fotográficas: la incapacidad de representar correctamente escenas con amplias diferencias en cuanto a luminosidad.

Ahora no sólo conoces este importante defecto, sino que también sabes a qué se debe, e incluso conoces técnicas para "arreglarlo", como el HDR. Y, en cualquier caso, conoces las limitaciones de tu cámara, lo que hará que la uses del mejor modo posible.

Será basico, por tanto, para que hagas mejores fotos, el conocer el rango dinámico de tu cámara, aprovecharlo al máximo y no excederse, para así evitar arruinar fotos por incluir zonas excesivamente oscuras u otras quemadas.

Ya sabes, ¡ahora te toca a ti ponerlo en práctica!

Capture One es uno de los programas de revelado RAW más utilizados por los fotógrafos profesionales, pero tiene sus carencias y, como te contábamos en este artículo, si lo comparamos con Adobe Lightroom o incluso con otros programas hay muchas cosas que le faltan para ser perfecto.

Sin embargo, con la última actualización de Capture One 22 llegaron novedades interesantes. De hecho, dos de ellas eran de las más esperadas por los seguidores más acérrimos: la creación de panorámicas y la fusión de imágenes HDR.

Hoy pondremos a prueba estas dos nuevas funcionalidades ¿Serán justo como las habíamos imaginado? ¿O quizás se queden más cortas de lo que esperábamos? ¡Veámoslo!

Conociendo Capture One

¿Aún no conoces Capture One? Si destaca por algo este programa de revelado RAW es porque nos da la posibilidad de revelar por capas empleando máscaras y poder aplicar ajustes locales, como una especie de mezcla entre Photoshop y Lightroom.

Así que si todavía no conoces las bondades de Capture, te aconsejo que antes le eches un vistazo a nuestra serie de artículos donde probamos una a una todas sus herramientas. Y si te quedas con ganas de más tienes un curso de iniciación completo en nuestra web.

• Conociendo Capture One: Primeros Pasos en la Interfaz
• Conociendo Capture One (II): Importación y Exportación
• Conociendo Capture One (III): El Módulo de Herramientas
• Conociendo Capture One (IV): Herramientas de Exposición
• Conociendo Capture One (V): Herramientas de Color
• Conociendo Capture One (VI): Nitidez, Niveles y Curva
• Conociendo Capture One (VII): Capas y Máscaras
• Conociendo Capture One (VIII): Efectos, Estilos y Ajustes
• Conociendo Capture One (IX): Revelado de Retratos

Creando Panorámicas con Capture One

Cada vez que se iba a lanzar una nueva versión del programa saltaban los rumores y las especulaciones. Pero esta última vez sí, con la versión 22 (15.0.0) se añadió por fin la función de unir panorámicas en Capture One y recientemente todavía no han lanzado actualizaciones para implementarla (aparte de la mejora de la traducción).

Si no sabes muy bien qué es, la técnica del stitching o 'cosido' de panorámicas, consiste en la unión de una serie de fotografías en una única toma que abarca un amplio rango de visión. Se suele utilizar sobre todo para fotografía de paisajes naturales y urbanos, escenas arquitectónicas e incluso fotografía nocturna.

La herramienta que nos propone Capture One es capaz de unir panorámicas incluso con fotos hechas con un gran angular, prometiendo que no tendremos esquinas deformadas ni distorsionadas. Además, también afirma que es posible de combinar varias filas de imágenes tomadas de una misma escena para crear una imagen de altísima resolución.

Sea como sea, lo que obtenemos al unir varias imágenes RAW (porque NO nos dejará montar panorámicas con archivos JPEG o TIFF) es un archivo en formato .DNG. Esta nueva imagen se comportará también como un archivo RAW porque podremos editarla de la misma forma en Capture One.

La Panorámica Perfecta según Capture One

Aunque Capture One nos promete que su herramienta puede unir panorámicas tomadas con cualquier objetivo, sí que nos recomienda una serie de principios para lograr conseguir una panorámica con resultados óptimos. Toma nota:

• Objetivo: utilizar preferiblemente una lente de 35 mm o de focal más larga.
• Trípode: realizar todas las fotos con un trípode bien alineado horizontalmente.
• Enfoque manual: usarlo para asegurarse de que todas las imágenes están nítidas y enfocadas a la misma distancia.
• Modo manual: disparar las tomas con una exposición manual para garantizar la misma exposición en todas las imágenes.
• Toma de imágenes: hacer una superposición de imágenes de al menos un 20-40%.
• Orientación: elegir la orientación vertical para obtener una mayor calidad de imagen y campo de visión.
• Cantidad de tomas: capturar varias filas de imágenes cuando se empleen distancias focales cortas.

Cómo Crear una Panorámica con Capture One

Después de importar nuestras imágenes a Capture One las seleccionaremos todas y aplicaremos una corrección de lente imprescindible para lograr un cielo uniforme. Me refiero al deslizador de 'Disminución de luz', con el que eliminaremos viñeteos indeseados.

Para que el ajuste se aplique al resto de fotos seleccionadas, recuerda utilizar la herramienta 'Copiar y Aplicar'. Seguidamente, para realizar el proceso de unión panorámica, haz clic derecho en cualquiera de las fotos seleccionadas y elige la opción 'Unir a Panorámica...'

Emergerá una ventana donde se generará la previsualización del panorama en función de la proyección que se encuentre seleccionada en el panel de la izquierda. Efectivamente, las Proyecciones y el Tamaño de la Sección, serán las dos únicas funciones que podamos ajustar de nuestra panorámica.

En comparación con Lightroom, notamos que nos faltan ajustes que poder aplicar, como Deformación de Límite, Recorte Automático o Llenar Bordes, las cuales resultan realmente útiles en numerosas ocasiones. Pero bueno, centrémonos en analizar las funciones que sí que nos proporciona la herramienta.

En el apartado 'Proyecciones', podremos seleccionar cuatro opciones en función de la cantidad de fotos que hemos realizado y del tipo de imagen que queremos obtener. Normalmente, las que más utilizaremos serán la Spherical y la Cylindrical, aunque podremos probar suerte con todas y ver cuál se adecua más a nuestros propósitos.

• Spherical: la proyección esférica es útil cuando deseamos unir varias filas de fotos que cubren un amplio rango de visión tanto en horizontal como en vertical.
• Cylindrical: la cilíndrica se usa cuando disponemos de una sola fila de imágenes que cubre un rango de visión de unos 100º. En esta en concreto, las líneas verticales no se deformarán tanto.
• Perspective: esta proyección tiene como objetivo simular el campo de visión de tus fotos con el correspondiente campo de visión de una lente gran angular. Es ideal para escenas que cubren menos de 100º de rango de visión o para tomas efectuadas con objetivos titl/shift descentrables.
• Panini: es la más utilizada para fotografías de arquitectura donde el punto de fuga está claramente situado en el centro del encuadre. Las líneas verticales permanecen intactas, así como las que convergen con el punto de fuga.

En 'Tamaño de Sección' encontraremos dos valores, el de Escala y el de Tamaño. Cambiando la Escala (100%, 75%, 50% y 25%) se irá modificando el tamaño de la panorámica que obtendremos.

Fragmento Fototip Creando Panorámicas e Imágenes HDR con Capture One

Debemos tener en cuenta que cuanto mayor sea la resolución de las imágenes y más imágenes decidamos unir, mayor será el peso del .DNG resultante. La resolución máxima será de 715 MP y el ancho o alto de la panorámica no podrá exceder los 65.000 píxeles.

Recuerda que si una panorámica tiene más de 600 MP de resolución el rendimiento de edición será insuficiente, ya que se estará superando el tamaño máximo que Capture puede soportar en caché. Podrás editar, pero a paso de tortuga y de hecho te saltará un aviso para que lo tengas en cuenta para que reconsideres bajar la resolución.

Por otro lado, si eres de los que les gusta trabajar con Photoshop, también es importante que sepas las limitaciones de los archivos PSD. Estos tienen una altura y anchura máximas de 30.000 píxeles y un límite de 2GB de tamaño, por lo que si tu panorama excede esas medidas, tendrás que reducirlas.

Fusionando Imágenes HDR con Capture One

Otra de las funcionalidades que se incorporó con la versión 22 (15.0.0) de Capture One es la fusión de imágenes HDR, gracias a la que podemos aumentar el rango dinámico de una foto fusionando la información de varios archivos RAW.

Esta es una técnica ideal cuando realizamos fotografías de alto contraste. Es el caso de tomas como un amanecer, un atardecer o imágenes de interiores que muestran también entornos exteriores como una ventana, o cualquier escena con grandes diferencias de exposición.

Cuando combinamos imágenes con diferentes exposiciones podremos crear una imagen única en formato .DNG y tener mucha información para trabajar tanto las altas luces como las sombras sin perder calidad. Aunque más tarde decidamos intensificar las sombras o generar un contraste intenso, tendremos más margen para jugar desde cero.

Consejos para la Toma de las Imágenes HDR

Si quieres obtener una imagen HDR combinada en óptimas condiciones, Capture One nos dice qué consejos debemos seguir para que su software trabaje mejor.

• El número de fotos. Normalmente, se deben hacer tres tomas, una subexpuesta dos pasos, otra correctamente expuesta y otra sobreexpuesta dos pasos.
• La sensibilidad ISO. Se fijará lo más baja posible para que el tiempo de exposición sea el necesario y no obtengamos ruido innecesario.
• El enfoque. Mejor si es manual para asegurarnos de que todas las imágenes tienen la misma profundidad de campo y están enfocadas a la misma distancia.
• Programa de horquillado integrado. Si la cámara cuenta con un programa para ejecutar esta técnica, se configurará para efectuar tres tomas con dos pasos de separación (+/- 2.0 EV). Se pueden realizar más tomas con pasos de separación más pequeños siempre que se alcancen los dos pasos de separación por cada lado.
• Orden de disparo. Según Capture One, el orden de los factores altera al producto y que le resulta más sencillo fusionar las fotos si fotografiamos primero la imagen subexpuesta, la correctamente expuesta y finalmente la sobreexpuesta. Asegurándonos que la toma más brillante tenga detalles en las sombras y la más oscura no tenga las altas luces demasiado quemadas.
• Trípode. Es buena idea utilizar trípode para evitar trepidaciones, aunque hay cámaras con estabilizadores de imagen muy efectivos que nos permitirán incluso disparar nuestras tomas a pulso incluso con tiempos de exposición más largos.
• El entorno. En la medida de lo posible nos conviene evitar que aparezcan personas, coches, árboles o plantas que se puedan mover con el viento, etc. Si entre una y otra foto hay mucha diferencia los efectos extraños pueden aparecer más fácilmente.

Cómo Fusionar Imágenes HDR con Capture One

El proceso de fusión es tremendamente sencillo. Una vez hemos importado las imágenes en Capture One las seleccionaremos todas. Si tienes dudas sobre cuáles son las sombras más oscuras o las luces más brillantes, recuerda que puedes activar el 'Aviso de Exposición' para que las marque en colores y así ayudarte a decidir.

Cuando ya las tengas seleccionadas haz clic derecho sobre el navegador de miniaturas y elige la opción 'Combinación HDR...'. Seguidamente, aparecerá un cuadro de diálogo con dos opciones que podremos habilitar o deshabilitar:

• Auto ajuste. Esta opción aplicará ajustes tonales automáticos en el archivo HDR fusionado que obtengamos. Las herramientas concretas que aplicará son: Exposición, Contraste, Brillo, HDR y Niveles, que tratarán de proporcionar a la imagen un contraste natural. Aunque podremos modificar o eliminar esos ajustes posteriormente.
• Alineación automática. Esta otra alineará las imágenes que durante la toma no estaban perfectamente alineadas, por lo que puedes realizar la fusión de tomas que tomaste sin trípode y obtener buenos resultados igualmente. Incluso es recomendable aplicar la herramienta a tomas hechas con trípode porque se alinean perfectamente los píxeles y se gana calidad.

Dependiendo de la potencia del ordenador la fusión de imágenes tardará más o menos y variará entre los 5 segundos y los 10 minutos. Cuando se produzca la fusión, el archivo .DNG aparecerá automáticamente junto al resto de imágenes importadas. Ahora podremos revelar la foto como si fuese un archivo RAW independiente, pero con más información que el resto de tomas.

Para recibir una notificación cuando se complete la fusión, puedes habilitarlo en Editar/Preferencias/ Notificaciones. Encontrarás tres opciones para que el programa te notifique cuándo ha terminado la exportación de una foto y cuándo se han unido panorámicas o se han combinado imágenes HDR.

Resumiendo...

Ya podemos decir que Capture One incluye las dos funciones que todos los usuarios deseaban, pero ¿son lo que esperábamos? Pues lo cierto es que la mayoría, incluida una servidora, opinan que estas herramientas son todavía simples e insuficientes.

Obviamente, no esperábamos que estuvieran al nivel de otros programas especializados como ICE y PTGui para Panorámicas o Aurora HDR y Photomatix Pro para imágenes HDR. Pero tampoco imaginábamos que iban a ser herramientas tan automáticas sin apenas posibilidades de personalización y con tan poca precisión.

El software ha dado el paso de añadir las herramientas, ahora solo nos queda esperar a que los desarrolladores las implementen poco a poco. Quizás más adelante salgan actualizaciones que nos dejen satisfechos y que mejoren la nota global de Capture One frente a la competencia. ¿Qué opinas tú? ¿Las has probado? ¡Deja un comentario!

Muchas veces tenemos la oportunidad de realizar fotos bellísimas desde el interior de edificios. Tan solo tenemos que disparar nuestra cámara a través de un cristal... Sin embargo, puede resultar más complicado de lo que parece.

Si sigues estos sencillos consejos podrás conseguir buenas fotos a través de cristales de ventanas. Además, la mayoría también los podrás aplicar a ventanillas de vehículos o incluso de locales o escaparates de tiendas. ¡Toma nota de todos ellos!

El Reto de Fotografiar a través del Cristal

Seguro que te ha pasado alguna vez. Estás de viaje y cuando subes hasta lo más alto de un edificio o monumento para realizar un fotografía panorámica de la ciudad a tus pies te encuentras con un cristal enorme que te impide conseguir la captura que tanto deseabas.

Los cristales suponen un reto para los fotógrafos por algunos contratiempos con lo que tendremos que aprender a lidiar. Los más comunes y molestos son: el deslumbramiento, las reflexiones y las refracciones.

En algunas ocasiones esos efectos que se crean en los cristales nos resultarán útiles si nuestra intención es puramente creativa. Sin embargo, si no nos interesa que aparezcan, existen trucos para poder evitar que arruinen nuestras fotos ¿Quieres saber cuáles son?

#1. Abre la Ventana

Este consejo, aunque obvio, no siempre será posible seguirlo. Normalmente, sobre todo en edificios de visitas controladas, todas las ventanas se encontrarán cerradas por motivos de seguridad, no estando permitido abrirlas.

En ese caso, no tenemos nada que hacer. Pero si se trata de una situación en la que se nos permite abrir la ventana, como en un pequeño hotel familiar, no te lo pienses ni un segundo. Abre la ventana y haz las fotos sin cristal. Te sobrarán el resto de los consejos.

#2. Apaga el Flash

Si has llegado a este punto, tienes un estupendo cristal entre la cámara y el exterior. Este cristal, la mayoría de las veces transparente, es tu mayor enemigo, y te puede dar algún que otro quebradero de cabeza.

Lo primero de todo, apaga el flash. Si eres un fotógrafo principiante, es posible que tengas el modo de disparo automático activado. Si esto es así, y la cámara considera que esas condiciones de luz son insuficientes, el flash se disparará.

Esto provocará dos cosas. La primera, garantizada, será un terrible reflejo de luz gracias al cual no se verá nada de lo que quieres sacar. Lo segundo (y más grave) es que te pueden retirar la cámara mientras dure tu visita si estás haciendo fotos en un lugar donde está prohibido el uso del flash.

#3. Enfoca Manualmente

Si intentas enfocar de forma automática a través de un cristal, lo más probable es que la cámara se confunda. Al detectar un objeto cercano no sabrá si enfocar a la ventana o al paisaje que hay detrás de ella. Si finalmente decide enfocar al cristal, la zona que te interesaba fotografiar quedará completamente borrosa.

La solución, tan simple como efectiva, es utilizar la opción de enfoque manual de la cámara y enfocar al infinito. Es bastante probable que tu máquina tenga este parámetro en algún menú o botón, aunque no sepas bien como activarlo si no lo has usado ninguna vez. Si es tu caso, revisa el manual de usuario de tu cámara.

#4. Acércate al Cristal

Si es un día soleado puede que haya un fuerte contraste con respecto a la luz del exterior. En función de la medición de la luz que haga tu cámara, pueden ocurrir que el fondo esté bien expuesto pero que se reflejen las siluetas de las personas que estén a tu lado (o la tuya). El truco para evitar esto es el de acercarte todo lo posible al cristal.

Así además de evitar el deslumbramiento y los reflejos de la ventana también evitaremos que aparezcan los defectos del propio cristal. Cuanto más te acerques a la ventana, más se desenfocará su superficie. Eso sí, ten en cuenta que si te apoyas directamente en la ventana pueden haber vibraciones o movimientos indeseados que afecten a la toma.

#5. Elige Ventanas de Un solo Vidrio

Si tienes la posibilidad de elegir entre unas u otras ventanas a la hora de hacer tus fotos, intenta que tengan un solo vidrio. Hoy en día las ventanas de muchos hoteles, lugares públicos o recintos privados, pueden tener cristales dobles o incluso triples para reforzar la seguridad.

El problema es que estos cristales extra producen un brillo adicional y multiplican los reflejos. Los consejos y trucos que te vamos a dar te servirán sobre todo para evitar los reflejos del cristal exterior pero los reflejos de los cristales internos será más complicado eliminarlos. Por lo que, si es posible, trata de evitar ese tipo de ventanas.

#6. Limpia la Ventana por Dentro (y por fuera)

Se trata de un recurso obvio pero fácil de olvidar si vamos con prisas. Tómate un momento para inspeccionar la ventana en busca de arañazos, marcas y/o suciedad. Elige el área que menos castigada esté y dedica un momento a limpiarla con una gamuza (deberías llevar más de una encima para tus objetivos).

No hace falta que limpies toda la ventana, con que despejes la zona en la que colocarás la lente será suficiente. Si tienes la posibilidad de limpiarla también por fuera siempre ganarás más nitidez y reducirás el contraste. Aunque si te acercas al cristal y usas una profundidad de campo reducida la suciedad no debería ser un problema demasiado grave. Luego veremos por qué.

#7. Evita la Luz del Sol Directa

Cuando el Sol da de lleno sobre el cristal de una ventana no solo crea deslumbramiento sino que cualquier defecto se hará todavía más visible (como el polvo o los rasguños). Por lo tanto, si puedes evitar hacer fotos desde esa ventana cuando incida en ella la luz directa, mucho mejor.

Fíjate en cómo está orientada la ventana o analiza las horas de luz para saber cuándo estará en sombra esa zona para aprovechar y hacer tus fotos. Ten en cuenta también que a cierta hora se hará de noche y se encenderán luces en el exterior. Si están cerca de la ventana también podrían arruinar tus tomas si no las puedes apagar.

#8. Usa una Apertura de Diafragma Alta

Cuando fotografiamos un paisaje solemos usar una apertura pequeña para abarcar una mayor profundidad de campo. Sin embargo, cuando disparamos a través de una ventana, puede ser un buen truco hacer justo lo contrario, porque una escasa profundidad de campo minimiza los reflejos y los defectos en las ventanas.

Si nos colocamos muy cerca del cristal y enfocamos manualmente nos interesa usar grandes aperturas. Cuanto mayor sea esa apertura (menor sea el número f) más sencillo será disparar incluso a través de una rejilla o de una mosquitera sin que aparezcan en la imagen, si estamos completamente apoyados sobre esa superficie.

#9. Dispara en Paralelo al Cristal

Cuanto más cerca dispares tu toma con respecto al cristal de la ventana, menor cantidad de reflejos obtendrás en tus imágenes. Por eso, tendrás que colocarte de forma perpendicular a la ventana y disparar en un ángulo de 90º. Este será el ideal para evitar la refracción que se puede producir si angulas más tu cámara.

Sin embargo, lo más importante es que la lente de la cámara esté en paralelo al cristal. Si no lo haces habrá más posibilidades de que se produzca un efecto prisma al rebotar la luz sobre el cristal y que aparezcan fantasmas o halos extraños en tus fotos. De hecho, cuanto más grueso sea el vidrio o más capas tenga, mayor será el riesgo.

#10. Usa un Filtro Polarizador (aunque no siempre)

Una de las principales ventajas de un filtro polarizador es que es capaz de reducir los reflejos que se producen sobre prácticamente cualquier tipo de superficie reflectante. Solo tendrás que colocarlo sobre tu lente y girarlo hasta conseguir que desaparezcan y disparar tu toma.

Sin embargo, no siempre te funcionará este truco. En algunos nos casos aparecerán patrones indeseables con los que no contabas y que quizá no descubras hasta que vayas a revelar tu foto en el ordenador. Esto ocurre muchas veces porque el filtro no es de buena calidad o porque el propio cristal de la ventana ya está polarizado.

#11. Apaga luces y Aleja Objetos Brillantes

Si tu intención es hacer fotografías por la noche a través de una ventana, tendrás que aplicar algunos trucos extra. La clave para conseguir una buena toma sin reflejos, es que el interior de la estancia donde te encuentres esté lo más oscuro posible. Por eso, lo primero que haremos será apagar todas las luces.

Ahora aleja de la ventana todos aquellos objetos brillantes o de colores claros que encuentres, como pueden unas sábanas o una lámpara. No caigas en la tentación de dejar las cortinas cerradas y la cámara en medio pensando que ganarás oscuridad porque lo más probable es que se reflejen en el cristal.

#12. Busca la Oscuridad en torno a la Lente

Como te decíamos, un entorno oscuro es indispensable para conseguir tomas perfectas y libres de reflejos. Algo que podemos hacer para conseguir más oscuridad es vestirnos con colores oscuros y evitar el color. Piensa que estarás frente a la cámara y si vistes con colores claros, estos reflejarán la luz.

Por otro lado, podemos aislar todavía más la lente de luz si usamos un parasol de goma retráctil que esté totalmente pegado al cristal. Otros fotógrafos prefieren crear un espacio de oscuridad con una 'lens skirt' o 'capucha negra'. Esta práctica consiste básicamente en pegar con cinta adhesiva una tela negra al cristal dejando un hueco para nuestro objetivo y trabajar con el modo live view.

¡No hay Reflejos que Valgan!

¿Cuántas fotos tienes en tu galería que no te sirven porque tienen reflejos? Pues no te preocupes, porque serán las últimas. Ahora que ya sabes cómo evitarlos no tendrás ningún problema en conseguir fotografías espectaculares a través de una ventana.

Aun así, no subestimes al vidrio. Algunas técnicas te funcionarán perfectamente y a la primera en algunas ventanas y otras no. Así que ve adaptándote a cada situación y creando tus propios trucos. ¿Y tú? ¿Tienes algún consejo personal que puedas aportar? ¡Cuéntanoslo!

Aunque estamos acostumbrados a que cuando hablamos de retrato este incluya la mirada y el rostro de una persona, no necesariamente tiene por qué ser así. Existe una modalidad de retrato conocida como el retrato sin rostro (sí, sé que suena algo tenebroso), y ésta se caracteriza precisamente porque en la toma no se identifica a la persona que aparece en ella. Con ello conseguimos aportarle un toque de misterio a estas capturas, y además nos ayuda a empatizar con la persona que aparece, llegando a sentirnos identificados con ella.

Del retrato sin rostro te hablábamos en detalle en el artículo El Retrato Sin Rostro, Ese Gran Desconocido. En esta ocasión te voy a presentar unas cuantas imágenes de retrato sin rostro para que te inspires y te animes a practicar este tipo de fotografía. ¿Te apuntas?

1. Take my hand

NIKON D5100 · ƒ/2.0 · 1/160s · ISO 1000

Este retrato conjunto sin rostro cumple a la perfección una de las premisas de las que hablábamos que tenían que cumplir este tipo de tomas, y es la de contar una historia. Apreciamos como un hombre le tiende la mano a una mujer, ¿quizás para ayudarla a andar por un camino? ¿es un gesto de apoyo? Esta es la magia del retrato sin rostro, que nos permite explorar lo que transmite una fotografía sin necesidad de ver la expresión de sus protagonistas.

2. Pointe and Brick

Canon EOS 7D · ƒ/1.8 · 1/640s · ISO 100

Composición, tensión y una historia que podemos percibir como dramática es lo que podemos adivinar de esta imagen. Fíjate que la toma se ha hecho centrándose en un solo detalle, las zapatillas de ballet de una bailarina, y sin necesidad de ver su cara, somos conscientes del esfuerzo que está realizando para poder desempeñar su profesión, o lo que quizás sea su sueño.

3. The girl

Canon EOS REBEL T3i · ƒ/1.4 · 1/125s · ISO 1600

La escasa profundidad de campo empleada en una fotografía nos ayuda a centrar la atención de quien observa la toma en el detalle que tenemos enfocado. En esta imagen se ha utilizado este recurso para hacernos mirar directamente la boca de la protagonista de la fotografía, y su expresión de seriedad o preocupación. ¿Qué es lo que estará pensando?

4. Red tie within a white shirt

Canon EOS 70D · 50.0mm · ƒ/1.8 · 1/500s · ISO 100

Un retrato sin rostro clásico, dejando el rostro fuera del encuadre y ofreciéndonos la información necesaria para adivinar que el protagonista de la toma está acudiendo a la ceremonia de una boda. ¿Será la suya o es un invitado especial?

5. Waves

Canon EOS 7D · ƒ/2.8 ·1/2000s · ISO 500

En este retrato sin rostro se ha empleado un tipo de plano cenital, que se caracteriza porque la cámara se sitúa en el momento de realizar al captura totalmente en ángulo perpendicular hacia el suelo. Este retrato sin rostro además nos hace sentirnos protagonistas de la toma, tal y como si se tratara de un plano subjetivo en el que precisamente el propósito es hacer partícipe al espectador.

6. Esperando en la cafetería

Canon EOS 550D · ƒ/1.8 · 1/2000s · ISO 100

Podríamos ser nosotros, podría ser cualquiera. Alguien esperando en una cafetería a que llegue... ¿quién? ¿su pareja? ¿alguien de la familia? ¿quizás se trata de una entrevista de trabajo?

A nivel compositivo, nos gusta que haya un elemento en primer término desenfocado, ya que da la sensación de que la persona a la que está esperando esté observándola.

7. Multi-tasking

Canon EOS 80D · ƒ/2.2 · 1/320s · ISO 500

Las siluetas son otra buen forma de conseguir un retrato sin rostro, ya que al tener el fondo de la imagen expuesto, el protagonista quedará subexpuesto y eso nos ayudará a ocultar su rostro.

8. Tacto

Canon EOS 5D Mark III · ƒ/3.2 · 1/2000s · ISO 100

Otra forma de ocultar el rostro es añadir elementos delante de él, como ocurre en este caso. La chica que aparece en esta fotografía ha ocultado su cara con la arena que ha cogido de la playa. Comprueba que de este modo, no hace falta usar distancias focales muy largas para que no aparezca el rostro.

9. No creas todo lo que ves

SONY ILCE-6300 · ƒ/1.4 · 1/200s · ISO 160

Al igual que en el caso anterior, en esta toma gracias al humo y la mano del protagonista se logra ocultar su cara.

10. Passion at Torquay

Canon EOS 5D Mark III · ƒ/14.0 · 1/200s · ISO 320

Otro ejemplo en el que se confirma que un objetivo angular también nos sirve para sacar retratos sin rostro. En este caso los protagonistas tan solo han tenido que darse la vuelta para contemplar el paisaje, y con esto... ¿quién no se imagina disfrutando de esa misma situación?

11. Blur

En este retrato sin rostro se ha recurrido a la técnica para ocultar la expresión del modelo. No se trata de un efecto de Photoshop, simplemente configurando la cámara con una velocidad de obturación larga podremos lograr que aquello que movamos durante la toma aparezca emborronado, como en este caso sucede con el rostro.

12.  Checking Her Purse

SONY ILCE-6000 · ƒ/5.0 · 1/160s · ISO 250

Esta toma está cargada de cierta tensión. ¿Quién es la mujer que abre el bolso? Y más importante aún... ¿Qué sacará del él? Quizás sea solo el móvil para atender una llamada, o quizás sea algo más peligroso... ¿qué opináis?

13. Child reading a book

NIKON D4S · ƒ/2.8 · 1/25s · ISO 400

Este es uno de esos retrato en el que el contexto nos ofrece mucha información sobre el protagonista. Con un libro se ha ocultado el rostro de la niña, una niña a la que sabemos que le encanta la lectura.

14. Capturando las vistas

Canon EOS 750D · ƒ/10.0 · 1/160s · ISO 100

¿Qué fotógrafo no querría encontrarse en una situación parecida? Un paisaje que enamora, y una cámara para poder registrarlo. ¿No tienes la sensación de que podrías ser tú el que está detrás de ella?

Fíjate en que para que el fondo, en este caso el paisaje, se pueda distinguir, y que el sujeto también aparezca enfocado se ha utilizado una profundidad de campo de f/10.

15. Camino por recorrer

No sabemos quienes son, pero les queda parte del camino para llegar a la meta. En esta toma se genera curiosidad por conocer más detalles de esas mujeres y de a qué lugar se dirigen, y con un marco natural se ha ocultado con gracia sus rostros para generar más misterio.

16. Descubriendo mundos

Canon EOS 6D · ƒ/2.2 · 1/4000s · ISO 100

Solo está andando por una playa, pero este niño parece que está viviendo aventuras intrépidas en su mente. ¿Quién no se ha imaginado de pequeño que este tipo de historias? ¿Quizás crea que es un pirata en busca de tesoros? ¿El capitán de un barco?

17. Mornings at Moraine Lake

Canon EOS REBEL T5i · ƒ/2.8 · 1/250s · ISO 800

Como ocurría con la imagen del fotógrafo, en este caso podemos sentirnos identificados con la mujer que aparece en la toma contemplando un paisaje tan idílico. Aquí el contexto cobra poder, y se distingue perfectamente gracias a la gran profundidad de campo que logramos con un gran angular.

18. Feet love

Canon EOS 5D Mark IV · ƒ/2.2 · 1/2500s · ISO 100

No hay rostros, pero el amor que comparte esta pareja es indudable. Los detalles en esta toma cuentan, sus manos entrelazadas, sus pies rozándose, y la posición de sus cuerpos, que denota calma y tranquilidad.

19. Storm

SONY ILCE-7 · ƒ/4.0 · 1/800s · ISO 320

Si hay algo que tenemos siempre a mano para ocultar nuestro rostro es el cabello. Vale, no en todos los casos sirve, cuanto más larga sea la melena más probabilidad de ocultarlo tendremos.

En este toma por ejemplo el viento ha hecho que todo el pelo de la chica le tapara el rostro, creando lo que podemos considerar, un retrato sin rostro.

20. Self Reflective

Canon EOS Rebel T6i · ƒ/2.8 · 1/80s · ISO 1600

Utilizar espejos o materiales reflectantes también nos ayuda a ocultar nuestro rostro, y sobre todo, a añadir misterio y tensión a nuestras tomas.

21. Disfrutando del verano

Canon EOS 6D · ƒ/4.5 · 1/200s · ISO 125

¿Quién no se imagina estando en una situación similar a la que vive la protagonista de la toma? Descanso, vacaciones y relax. Eso sí, cuidado si haces este tipo de tomas en la piscina, ya que la seguridad de tu equipo tiene que ser una de tus prioridades.

22. Child about to jump rope

Canon EOS Rebel T6s · ƒ/2.8 · 1/200s · ISO 400

En esta toma el contexto nos aporta muchísima información para entender la imagen. Una niña que sueña con ser bailarina, y que desde bien pequeña lucha por ello practicando en su casa.

23. Splash

SONY ILCE-6500 · ƒ/1.4 · 1/1600s · ISO 800

Es imposible ver esta foto y no sentirnos partícipes de ella. ¿No es como si escucharas el sonido del charco? Esto es en parte porque no aparece el rostro del protagonista, por lo que podríamos ser perfectamente nosotros.

24. Window Nap

El juego entre luces y sombras, y la posición en la que se encuentra esta mujer consiguen que su rostro quede oculto, haciéndonos pensar en cuál es el estado en el que se encuentra. ¿Cansada? ¿Triste?

25. Contornos

Canon EOS 5D Mark III · ƒ/4.0 · 1/160s · ISO 100

No es necesario que siempre pongamos un elemento delante de una persona para esconder su rostro, sino que el control y manejo de la iluminación nos pueden ayudar también a ocultarlo. El juego entre luces y sombras es esencial.

26. Dancing in the rain

Este es otro ejemplo en el que la iluminación cobra un gran papel a la hora de ocultar un rostro. Fíjate que disparando el flash a contraluz se ve perfectamente la figura que forma la modelo, pero no alcanzamos a verle el rostro.

27. Bajo las estrellas

NIKON D7000 · ƒ/3.2 · 25s · ISO 3200

De nuevo, en esta toma comprobamos con una silueta es una de las formas más recurrentes para ocultar el rostro de un modelo, y si además consigues tener un fondo tan impactante como este, tu imagen puede ser muy atractiva. Eso sí, no es lo mismo exponer una silueta al atardecer, que una silueta en plena noche en la que queremos que se perciba la vía láctea, deberás configurar la cámara según la situación.

28. Newlyweds kissing underwater

Canon EOS 6D · ƒ/11.0 · 1/100s · ISO 200

Otra forma curiosa de ocultar el rostro de una persona es jugando con la línea horizontal del agua en una piscina o en una playa por ejemplo. Eso sí, asegúrate de que tu cámara es subacuática o de que llevas la carcasa adecuada antes de hacerlo.

¿Qué te han parecido estas imágenes de inspiración? ¿Has escogido ya tus favoritas? Cuéntanoslo en los comentarios, y si quieres compartir con nosotros tu propio retrato sin rostro estaremos encantados de poder verlo.

¿Eres principiante y todavía no tienes claro el significado de las siglas básicas de un objetivo? ¿Sigues sin entender del todo conceptos esenciales como la distancia focal, la apertura máxima o la distancia mínima de enfoque de una lente?

Como fotógrafo es fundamental el conocimiento del propio objetivo, porque saber las virtudes y limitaciones de una lente te permitirá hacer mejores fotos (o no hacerlas peores), del mismo modo que te ayudarán a conocer tu cámara.

En el artículo de hoy vamos a comprender, de una vez por todas, las cuestiones fundamentales que necesitas saber sobre una lente. Dejaremos de lado los tecnicismos complicados para explicarte de forma sencilla y con ejemplos prácticos cómo son tus objetivos.

¿Conoces de Verdad tus Objetivos Fotográficos?

No hay nada peor que no estar familiarizado con tu cámara o con tu lente y ver cómo pasan delante de ti oportunidades irrepetibles que no has aprovechado. Debes asumirlo, cuando decides comprar una cámara con lentes intercambiables lo de apuntar y disparar ya no te servirá.

Ahora tienes que usar varias lentes con unas especificaciones técnicas concretas que serán diferentes entre ellas. Son muchas las características que un objetivo puede tener y que definirán tanto su calidad como su rendimiento en diversas situaciones y para cada tipo de fotografía.

Si al mirar las características de un objetivo te entran sudores fríos porque no entiendes del todo qué es cada cosa, este es tu artículo. Lo que vamos a hacer es explicar cuáles son las cuestiones fundamentales comunes que incluyen la mayoría de objetivos que encontrarás en el mercado actual. ¡Empecemos!

#1. Distancia Focal

La distancia focal será la característica principal de un objetivo. Se mide en milímetros (mm) y nos indica la longitud física que habrá entre el sensor de la cámara y el centro óptico de la lente que tenga el objetivo.

Esta medida nos va a indicar lo amplio o lo reducido que es nuestro ángulo de visión a la hora de tomar fotos. Cuanto más cerca está el sensor del centro óptico (menos mm tiene la lente) más alejada se verá la escena, como ocurre cuando miramos a través de un objetivo gran angular.

Mientras que, cuanto más lejos está el centro óptico del sensor (más mm tiene la lente), más cercana se verá nuestra escena o nuestro sujeto/objeto fotografiado, como al mirar a través de un teleobjetivo.

Por lo tanto, conocer los milímetros que tiene una lente (un 50mm, un 24mm o un 90mm) nos ayudará a saber qué ángulo de visión podremos fotografiar, es decir, la cantidad de escena que podremos abarcar en nuestra composición.

Este gráfico te ayudará a comprender el concepto. En él podemos ver la relación entre distancias focales (mm de un objetivo) y el ángulo de visión que nos permite captar cada uno. Cada color nos indica la magnitud del ángulo y el tipo de fotografía más utilizado en cada caso.

Hagamos ahora una prueba de campo con diversos objetivos para acabar de comprender qué es la distancia focal. Utilizaremos la misma cámara, una Nikon D7100, y diversas lentes con diferentes distancias focales y dispararemos nuestras tomas sin movernos del sitio.

¿Notas como el espacio fotografiado se va reduciendo a medida que aumentamos los mm de distancia focal y que se va ampliando a media que se reducen los mm?

Ahora ya comprendes lo importante que es saber cuántos mm tiene una lente a la hora de hacer un tipo de fotografía u otro ¿verdad?

La distancia focal también será un parámetro que influirá en la profundidad de campo. Cuando usemos objetivos con focal larga (100, 200, 300mm) nuestra toma tendrá menor profundidad de campo y cuando usamos focales cortas (11, 16, 35mm) la profundidad de campo será mayor.

¿No recuerdas que era la profundidad de campo? Se trata de la zona de la imagen que podemos decir que apreciamos como nítida o enfocada. Esto influirá decisivamente a la hora de guiar la mirada del espectador hacia una zona concreta de la captura porque inconscientemente nos fijamos en la zona más nítida de una imagen.

En este artículo te explicamos detalladamente y con ejemplos qué es la profundidad de campo, porque son varios los factores que influyen para que la zona que aparezca nítida sea mayor o menor.

Vamos a poner a prueba nuestras lentes. Buscaremos el mismo encuadre usando un 13mm y 135mm para ver cómo se comportan. Este es el resultado que hemos obtenido con el angular y una apertura relativamente alta y con el teleobjetivo y una apertura baja.

Como ves, la zona apreciablemente nítida es mucho mayor usando una focal corta (gran angular) que usando una focal larga (teleobjetivo). Por lo tanto, a más milímetros, menor profundidad de campo.

Hemos comprobado que difícilmente podrás conseguir retratos con bokeh usando un gran angular (ni siquiera usando aperturas amplias) porque las características inherentes a la propia lente no te lo permitirán.

#2. Focal Fija o Variable

Pasemos al siguiente punto que suele preocuparnos, ¿por qué hay objetivos en los que pone 18-55mm o 55-200mm? ¿Y otros en los que solo pone 35mm o 50mm? Pues porque, por un lado existen lentes zoom capaces de abarcar varias distancias focales en un solo objetivo y, por otro lado, lentes fijas (lentes prime, en inglés) que solo cuentan con una distancia focal fija.

Para entenderlo mejor lo veremos con un ejemplo. Este objetivo 18-55mm me permite disparar fotos a 18, 20, 25, 30, 35, 40, 45, 50 o 55mm. Todas las que quiera dentro del rango focal que va de los 18 a los 55 milímetros.

De hecho, a medida que voy aumentando la distancia focal, es decir, moviendo el anillo específico para ello, el centro óptico del que te hablábamos antes se va separando del sensor.

Mientras tanto, esta lente fija 50mm solo me deja disparar fotos desde una distancia de 50mm. Y como ves, no existe el anillo zoom, solo el anillo de enfoque.

Por tanto, cuando veas un objetivo en el que haya escritas dos distancias focales distintas es porque identifica cuál es la mayor y la menor distancia focal que cubrirá. Y si solo ves una distancia focal, es porque se trata de una lente fija.

Dicho esto, es relevante explicar que la calidad óptica de las lentes fijas es normalmente superior a la de las lentes zoom, a pesar de que estas últimas sean más versátiles.

¿Por qué? Pues porque, como has visto, un objetivo de tipo zoom basa su funcionamiento en el alargamiento y acortamiento del tubo y es complicado mantener una óptima calidad de imagen en todas las posiciones de los cristales. En cambio, sí que es más fácil tener una lente fija con un cristal que nos ofrezca la máxima calidad.

#3. Apertura Máxima

Ahora llega un concepto esencial que sin duda será crucial a la hora de elegir un objetivo, porque será uno de los factores que más encarecerá su precio. Nos referimos a la apertura máxima del diafragma de una lente.

El diafragma, si no te acuerdas bien de que era, es un dispositivo que forma parte de la lente y que se compone de unas palas que se abren y cierran. Según cuanto se abran o se cierren esas palas será más grande o más pequeño el orificio por donde entrará la luz que llegará hasta el sensor de nuestra cámara.

¿Y qué ocurre cuando abrimos o cerramos el diafragma? Pues que, además de que obtendremos mayor o menor cantidad de luz, también conseguiremos tener mayor o menor profundidad de campo.

La apertura estará representada por un número llamado f. Como puedes observar en el gráfico de arriba, cuanto más se reduce el número f más se abre el diafragma, más luz obtenemos y menor profundidad de campo tenemos.

Por tanto, además de la distancia focal, de la que te hemos hablado antes, otro de los factores cruciales para determinar la profundidad de campo y que tiene que ver con tu lente será la apertura del diafragma.

Como esto al principio cuesta un poco de visualizar, vamos a verlo con un ejemplo. Las siguientes fotografías están tomadas con el mismo objetivo, un 35mm, y desde la misma distancia.

Lo único que hemos cambiado es la apertura del diafragma, en la primera hemos elegido una apertura reducida (número f alto), en concreto f/8, y en la segunda hemos elegido un apertura amplia (número f bajo), en concreto f/1.8.

¿Te das cuenta de que si usamos una apertura amplia obtenemos una profundidad de campo y la zona nítida en la imagen es mucho más reducida? Tanto el fondo como la parte de delante se aprecian borrosos, lo que nos permite fijar la atención en el objeto fotografiado.

Además, si te fijas en los parámetros verás que al haber dejado pasar más luz a través del diafragma hemos tenido que aumentar la velocidad y reducir la ISO para no sobreexponer la foto. Por lo que, una lente con una apertura máxima amplia nos interesa para contar mayor luminosidad.

Pero también debemos tener en cuenta que, cuanto mayor suele ser la apertura máxima de una lente f/1.8, f/1.4, f/1.2, más caro suele ser su precio.

Vale, todo esto está muy bien, pero ¿por qué a veces vemos una lente en la que hay varias aperturas máximas? Eso es porque en lugar de tener una apertura máxima fija, tienen una apertura máxima variable.

En muchos objetivos zoom, que abarcan diversas distancias focales no pasará esto. Fíjate en la foto, lo que significa es que si usas la lente en la posición de 70mm la apertura máxima que tendrás es de f/4, mientras que si eliges una distancia focal de 300mm, la apertura máxima que te permitirá será de f/5.6.

Eso no significa que todas las lentes zoom sean así. Existen algunas que tienen una apertura máxima fija como este Tokina 11-16 mm con una apertura máxima de f/2.8.

Sin embargo, cuanto más rango focal abarquen más difícil será que puedan mantenerla fija y si lo hacen... Más vale que prepares la cartera porque el presupuesto se disparará todavía más.

#4. Distorsión de la Lente

Distorsión de Barril y Distorsión de Cojín

En mayor o menor medida y dependiendo del tipo de cristales que alberguen, las lentes suelen tener un cierto grado de distorsión. Pero ojo, hay dos tipos de distorsión, que como principiante no debemos confundir, una es la distorsión de la lente y otra la distorsión de la perspectiva.

Vamos a ver primero a qué nos referimos con distorsión de la lente. Existen dos tipos comunes de distorsión de lente o distorsión esférica de la óptica. La distorsión de barril la reconocerás en seguida porque las líneas rectas se curvarán hacia fuera, mientras que en la distorsión de cojín se curvarán hacia dentro.

Los objetivos fijos suelen tener menor distorsión, porque los fabricantes no tienen la dificultad de acoplar en un mismo objetivo varias distancias focales, cosa que sí que ocurre con las lentes zoom.

Sin embargo, actualmente la tecnología ha mejorado mucho y existen lentes zoom con muchas menos distorsiones que antes. Pero aun así es interesante que sepas porqué las líneas rectas no aparecen muchas veces rectas en tus composiciones.

¿Y dónde encontraremos este tipo de distorsiones? Pues sobre todo en las focales más cortas y más largas. Si te fijas en un cristal de una lente gran angular u ojo de pez, ya verás que de por sí está más curvada de lo normal. Por eso, en objetivos angulares con focales cortas es habitual la distorsión de barril.

En el caso de las focales largas, como los teleobjetivos es más habitual la distorsión de cojín, aunque no será tan acusada como la de barril y puede que no se reconozca tan a simple vista como en el caso anterior.

Hagamos una prueba con distintos tipos de lente a ver si conseguimos apreciar cómo se curvan las líneas. En la primera foto utilizaremos una lente gran angular 11mm, en la segunda un 35mm y en la tercera un teleobjetivo 300mm. ¿Notas la diferencia?

Con el gran angular apreciamos la distorsión de barril, con el 35 no notamos nada extraño y con el teleobjetivo se distingue un poco la distorsión de cojín, aunque la verdad es que no es tan notable como en la primera.

Sea cual sea el tipo de distorsión que tengan tus lentes no es algo que deba preocuparte demasiado, porque hoy en día con cualquier programa de edición podrá corregirlas.

En Adobe Lightroom, por ejemplo, le puedes indicar al propio software qué objetivo has utilizado para realizar una toma y el programa corregirá automáticamente esa distorsión de forma personalizada.

#5. Distorsión de la Perspectiva

Ahora que ya sabemos qué es la distorsión de la lente y cómo corregirla vamos a conocer qué es la distorsión de la perspectiva. Se trata de la transformación que experimenta un sujeto u objeto fotografiado y su entorno según su proximidad con respecto a nuestra cámara. Vamos a verlo de nuevo con un ejemplo.

Vamos a fotografiar esta figura con un gran angular desde una distancia alejada. Después, nos iremos acercando cada vez un poco más y realizando diferentes tomas. ¿Notas como la perspectiva se va descomprimiendo y se va deformando la cabeza de la figura?

Gran angular 11mm. Cuanto más nos acercamos a la figura más se aleja el fondo de ella.

Esa distorsión o deformación se debe a la cercanía o lejanía entre nuestra cámara y la escena que fotografiemos, por eso la llamamos distorsión de la perspectiva.

Teleobjetivo 300mm. Cuanto más nos acercamos a la figura más acercamos el fondo hacia ella.

Con un teleobjetivo nos pasará justo al contrario, se producirá una compresión de la perspectiva, como una especie de efecto fuelle que comprimirá los planos de la imagen, acercando el fondo.

Vamos a hacer la misma prueba con este puente. Lo fotografiamos con una lente angular desde muy cerca y con teleobjetivo desde mucho más lejos. El resultado que obtenemos es sorprendente y os aseguramos que es el mismo puente.

¿Notas como la perspectiva se alarga en el primer caso y se comprime en el segundo? El fondo parece estar mucho más cerca en la segunda foto y ni siquiera se ve el cielo.

#6. Motor de Enfoque Automático

Como sabes, en la gran mayoría de cámaras digitales actuales hay dos formas de enfocar tus imágenes: manual o automáticamente. Esto no era posible antes de 1987 porque no existían los motores de enfoque. Fue Canon el pionero en integrar un sistema de motor ultrasónico en sus lentes.

En solo 30 años los motores de enfoque han evolucionado mejorando muchísimo la precisión, la suavidad del movimiento y el silencio del enfoque. Y es muy importante aprender a dominar bien el enfoque, porque gracias a él conseguiremos que salga nítida el área que más nos interesa resaltar en una imagen.

Cuando elegimos el enfoque automático, el cuerpo de la cámara manda una señal a la lente para que cambie el enfoque. Para saber si una lente tiene o no motor de enfoque solo tienes que fijarte en la montura.

Si ves que tiene pines de conexión eléctricos integrados puedes estar seguro/a de que se producirá esa comunicación entre cámara y lente a la hora de querer enfocar tus fotos automáticamente.

¿Y qué pasa si una lente que me interesa no tiene motor de enfoque? Pues que debemos asegurarnos de que nuestra cámara sí que tiene un motor de enfoque interno en el cuerpo antes de comprarla. Por lo tanto, primero tendremos que saber el modelo de cámara que tenemos y en función de eso elegir un objetivo.

En Nikon, por ejemplo, si veo que una lente es AF, es porque no tiene motor de enfoque y necesitaré que mi cámara sí que lo tenga para poder enfocar automáticamente. Si lo compro igualmente, podré usar la lente pero tendré que asumir que solo podré enfocar mis fotos de forma manual.

Sin embargo, si la lente es AF-I o AF-S, significa que el objetivo tiene motor de enfoque integrado, así que si mi cámara no tiene motor de enfoque interno, no pasa nada, podré enfocar automáticamente gracias a que la lente sí que incluye el sistema de autofocus.

El resto de marcas tiene sus propias patentes de motor ultrasónico y es importante que te familiarices con las siglas, porque cada una tiene las suyas:

En definitiva, a la hora de elegir un objetivo, también es importante fijarnos en su motor de enfoque. Primero saber si lo incluye (para que pueda ser compatible o no con nuestro modelo de cámara) y después en sus características. 

A la hora de grabar vídeo, un buen motor de enfoque marcará la diferencia. Cuanto más rápido y preciso sea su rendimiento, más suave y progresivo sea su movimiento y/o más silencioso sea su motor, más cara será la lente.

#7. Tiempo Máximo de Exposición

¿Cuál es la velocidad de obturación más lenta a la que soy capaz de hacer fotos a pulso, sin que salgan movidas, usando una determinada distancia focal?

No nos referimos a cosas como "una vez fui capaz de hacer una foto a pulso a X velocidad y me salió bien", sino más bien a "tengo comprobado que las fotos a velocidades superiores a X no me salen trepidadas".

Teniendo el control de la velocidad de obturación mínima que necesito para hacer fotos a pulso con garantías, me ayudará a ajustar los valores de sensibilidad ISO y de apertura adecuados para lograr la foto que quiero sin que salga movida.

Para poder calcular el tiempo de exposición máximo que necesitamos podemos utilizar la Regla de la Focal Inversa. Es decir, que para asegurarnos de que una foto no sale trepidada nuestra velocidad de obturación debe ser igual o superior a la inversa de la focal que estamos usando.

Veámoslo con un ejemplo. Si disparo una toma con una lente 50mm, la regla de la focal inversa me recomienda que trabaje con un una velocidad de obturación mínima de 1/50s o más rápida. Por lo tanto, cuanto más angular es un objetivo más lenta puede ser la velocidad que usemos sin miedo a trepidaciones.

Hacemos dos fotos con el 50mm, una con una velocidad de 1/50s y otra con una velocidad de 1/20s ¿Sale trepidada? Si recortamos la captura vemos que si no cumplimos la regla sí que sale trepidada la imagen.

¿Y qué pasará con una focal larga, como un teleobjetivo? Se supone que el tiempo mínimo de exposición también tendrá que ser mayor y tendremos que aplicar la regla a la distancia focal que estemos usando.

Si disparamos con un 300mm, necesitaremos un tiempo mínimo de exposición de 1/300s para poder disparar a pulso sin que haya trepidaciones. ¿Lo probamos?

Hacemos dos fotos con la distancia focal de 300mm, una con una velocidad de 1/320s y otra con una velocidad de 1/80s. De nuevo, podemos ver que si no cumplimos con la regla de la focal inversa obtenemos una foto trepidada.

A no ser que nuestra lente sea muy luminosa, que usemos un trípode o que contemos con un buen estabilizador de imagen, ¡no será nada fácil ignorar esta regla! Y si no contamos con una cámara Full Frame, también deberemos tener en cuenta el factor de recorte.

#8. Estabilizador de Imagen

Algunas lentes, especialmente las más actuales disponen de una función que te ayudará a mantener la lente imagen lo más inmóvil posible cuando disparas a velocidades de obturación más lentas, porque no siempre tendremos a mano un trípode o una superficie segura.

Para evitar trepidaciones e imágenes borrosas producidas por el propio movimiento de nuestras manos y de nuestro cuerpo, será ideal contar con lentes que incorporen esta funcionalidad. No solo nos vendrán bien usando velocidades lentas por escasez de luz, sino también cuando usemos focales largas.

Cuando miras a través del visor de la cámara teniendo montado un teleobjetivo de 200 ó 300 mm no es lo mismo que cuando miras a través de un gran angular 11mm ¿verdad? Por poco que nuestro pulso tiemble, a través de un tele veremos como vibra toda la composición.

Si tu lente tiene estabilizador seguramente será un una palanca que deberás activar en el cuerpo del propio objetivo. Vuelve a mirar ahora a través del visor con el estabilizador activado... ¿Es magia? No, es una tecnología inteligente que mueve la lente para contrarrestar vibraciones menores que puedan producirse.

Cada marca, como ocurría con el motor de enfoque, tiene unas siglas para definir la función de estabilizador de imagen. Apréndelas para saber cuando una lente lo lleva o no:

Un extra de estabilidad siempre será una bendición, sobre todo si no contamos con una lente súper luminosa, ni podemos forzar demasiado la ISO. Y lo mismo nos pasará a la hora de grabar vídeo, que la fluidez será mucho mayor en cada movimiento.

Debes tener varias cosas en cuenta cuando una lente tiene el estabilizador activado. Una de ellas es que tendrá sus limitaciones a la hora de corregir el movimiento así que no te confíes pensando que eliminará cualquier tipo de vibración. Además, si lo activas consumirás más batería, por lo que si no lo necesitas, desactívalo.

Otra es que te acuerdes de quitarlo a la hora de hacer tomas fijas desde un trípode como largas exposiciones o panorámicas. Estando activado podrías confundir al estabilizador y producir justo el efecto contrario y que tus fotos salgan trepidadas o que tus vídeos en plano fijo vibren de forma extraña.

#9. La Distancia Mínima de Enfoque

Vamos a seguir intentando entender los símbolos y números que hay dibujados en nuestra lente. Algunas veces encontrarás una marca compuesta por el símbolo de infinito, un guion y un número que indica un distancia en metros(m) y/o en pies (ft).

Yo lo he encontrado escrito en tres lentes: el 35mm (∞-0.3m), el 18-55mm (∞-0.28m) y el 55-200mm (∞-0.95m). ¿Qué significa esto? Pues esta marca nos indica una distancia, en concreto la del rango en el que nuestra lente será operativa.

La Distancia Mínima de Enfoque de un Objetivo

Para ser más específicos, esta será la distancia mínima a partir de la que nuestro objetivo podrá empezar a enfocar un elemento. Si intentamos enfocar algo por debajo de esa distancia nos resultará imposible porque nuestra lente no será capaz de hacerlo.

La distancia mínima de enfoque se mide desde el plano del sensor de la cámara hasta el objeto fotografiado. ¿Y dónde está exactamente situado el sensor? Te preguntarás. Pues hay una manera de saberlo.

Existe un símbolo llamado 'marca de plano focal' en el armazón exterior de la cámara que lo indica. Es un círculo tachado por una línea más larga que encontrarás fácilmente en uno de los laterales de la parte superior de la cámara, que también se usa habitualmente para calcular la hiperfocal.

Vamos a comprobar si esto es cierto. Voy a tratar de enfocar un elemento por debajo de la distancia mínima de enfoque de mi 35mm utilizando un metro. Si enfocamos la figura desde una distancia de 30 cm vemos que la logra enfocar correctamente, pero a 20cm no es capaz de hacerlo.

Para poder acercarme más a un elemento y que salga nítido necesitaré una lente que me lo permita, como un objetivo macro. Probaremos un con 60mm MICRO, que tiene una distancia mínima de enfoque de 0.18m. Como ves, sí que es capaz de enfocar un elemento a 18cm, pero si nos acercamos más, perdemos la nitidez.

Ahora que ya sabes que todos los objetivos tienen una distancia mínima por debajo de la cual no son capaces de enfocar. No te obceques en tratar de realizar un encuadre imposible con tu cámara estando demasiado cerca. No es que el objetivo sea de mala calidad, es que tendrá sus límites y tienes la obligación de conocerlos.

#10.  Diámetro de la Lente

Por último, otra de las cuestiones fundamentales que debes saber sobre objetivos y que quizás desconozcas es qué significa este símbolo Ø seguido de una cifra en milímetros. Por ejemplo, en esta lente macro podemos ver que pone Ø 55mm.

¿Qué nos dice esta medida? Pues se trata del tamaño que tiene diámetro de la lente. Saber esto nos ayudará a elegir accesorios que sean compatibles con nuestro objetivo para poder acoplarlos adecuadamente y que cumplan su función.

Necesitarás saber el diámetro para poder acoplar un filtro, un parasol, una tapa de protección, una lente de aproximación, un flash anular, una anillo de inversión, tubos de extensión o cualquier accesorio que tenga que ir colocado en la lente.

Los filtros quizás sean los accesorios que más vayas a utilizar acoplados en tu objetivo. Los habrá protectores como los filtros UV que te ayudarán sobre todo a salvaguardar el cristal del objetivo. Pero también los habrá de colores, de densidad neutra (ND) o polarizadores.

Pero, ¿qué pasa si compro un filtro con el diámetro equivocado y no puedo devolverlo? ¿O si no tengo presupuesto para comprar otro filtro pero quiero usarlo con otros objetivo de diferente diámetro? No te preocupes, existe un solución.

Puedes comprar anillos adaptadores para convertir tu filtro en un accesorio compatible con cualquier objetivo, independientemente de su diámetro. Tendrás que ir acoplando los distintos anillos para agrandar o reducir el diámetro de tu filtro y así poder acoplarlo al que más te interese.

Otra opción es la adquirir un portafiltros con anillos de adaptadores incluidos de diferentes tamaños e ir cambiando los cristales cuadrados en el propio portafiltros, sin necesidad de acoplarlos a la propia lente. Ganarás mucho tiempo y evitarás con mayor facilidad la aparición de elementos extraños.

¡Explora tus Objetivos!

Ya tienes lo necesario para saber leer la información de tu lente y comprender cuáles son sus puntos fuertes y sus puntos débiles. Como principiante, estos conocimientos te van a resultar muy útiles para empezar a conocer a fondo tu equipo.

Una vez tengas esto claro ya podrás empezar a enredarte con otros conceptos más complicados como el factor de recorte, el punto dulce o el bokeh, pero una buena base siempre es necesaria para sostener tu aprendizaje.

Hace unas semanas nació mi tercera hija y en medio de la vorágine y la alegría que supone un acontecimiento de este tipo, toda la familia -no es sólo cosa del fotógrafo, son muchos más los implicados y responsables- sacamos un huequecito para hacer algunas fotos que nos permitan recordar dentro de unos años este maravilloso acontecimiento familiar.

En dzoom hemos hablado en múltiples artículos sobre fotografía a bebés y recién nacidos y también sobre fotografía en blanco y negro. Pues bien, hoy vamos a unir estas dos disciplinas y a ofrecerte algunas ideas y consejos por si te animas a aplicarlas de forma simultánea en una próxima sesión de este tipo. ¿Estás listo?

Algunos Conceptos Básicos Sobre Fotografía de Bebés y Fotografía En Blanco Y Negro: Tirando De La "Hemeroteca" de dzoom

Como te decía en la introducción, en dzoom ya hemos escrito largo y tendido sobre estas dos disciplinas. Si no has consultado alguno de estos artículos, o quieres refrescar conceptos, te recomiendo este artículo sobre fotografía de recién nacidos:

• 11 Consejos para Fotografiar Bebés (o Recién Nacidos)

Así mismo, en lo que respecta a fotografía en blanco y negro, existe un artículo que incluye una amplísima cantidad de información referente a esta disciplina y que cuenta con referencias a varias decenas de artículos sobre la materia. Si quieres convertirte en un especialista de la fotografía en blanco y negro, te recomiendo que empieces por el siguiente artículo:

• Fotografía en Blanco y Negro: la Guía Más Completa

Además, si dentro del ámbito del blanco y negro, estás especialmente interesado en fotografía de retrato, aquí tienes 6 consejos para mejorar tus retratos en blanco y negro.

A continuación, una vez introducido el tema y realizadas referencias a artículos muy interesantes sobre el mismo, nos centraremos en las ideas y consejos que prometía al inicio.

¿Por Qué Funcionan Tan Bien Las Fotografías De Recién Nacido En Blanco Y Negro?

#1 Suavidad, Tersura, Placidez

Las fotografías en blanco y negro eliminan parte de la información (el color) de la fotografía, que podría distraer, y permiten que nuestra mirada se centre en otros aspectos: texturas, siluetas, contrastes, etc., o bien la ausencia de éstos.

Los recién nacidos, en su mayoría, presentan habitualmente una piel tersa y homogénea y formas delicadas, por lo que la conversión de las fotografías de recién nacido a blanco y negro (a través de un procesado adecuado, por supuesto), nos ayudan a destacar las cualidades de estos protagonistas.

Además, si las características de la imagen lo permiten, podríamos llegar a una fotografía en clave alta, muy adecuadas para fotografía de recién nacidos y en las que la tersura, suavidad y placidez de los bebés se magnifica.

#2 Contrastar Texturas

El blanco y negro permite llamar la atención sobre las texturas y en el caso de los recién nacidos, si jugamos con elementos de atrezzo adecuados, podemos realzar fácilmente la tersura del bebé en comparación con las características de esos otros elementos del encuadre.

Se ve tan plácido al bebé que uno puede pensar: sí que debe ser mullida y esponjosa la manta en la que duerme, ¿verdad? Y cómo destaca la suavidad de su piel en comparación con el aspecto del gorrito, ¿no crees?

#3 Destacar Las Miradas

El blanco y negro también resulta muy adecuado cuando queremos destacar miradas. Pues bien, los recién nacidos nos obsequian desde el principio con expresiones de lo más graciosas y, por supuesto, con unas miradas realmente cautivadoras.

¿Verdad que resulta intrigante, curioso y atractivo pensar, a través de la mirada de la niña, en qué estaría pensando en esa fotografía? Trata de poner color a la imagen, ¿no crees que probablemente le habría restado claridad y fuerza a la fotografía?

#4 Evitar Distracciones e Intensificar El Mensaje

Cuando hacemos uso del blanco y negro y además trabajamos con fondos completamente blancos, o completamente negros, simplificamos la composición y esto permite dar mayor claridad en el mensaje e incluso potenciar el mismo.

Imagina esta misma imagen con otro fondo no uniforme y con color. ¿No crees que la imagen tendría mucha menos fuerza? La simplicidad del blanco y negro permite que la imagen y su mensaje sean mucho más claros y fuertes para el observador.

Para lograr fondos completamente negros, existen una serie de aspectos a tener en cuenta que no debes olvidar. Si no tienes claro cómo lograrlo, echa un vistazo a este artículo sobre cómo conseguir un fondo totalmente negro.

#5 Enfatizar Expresiones Y Sentimientos

Como última característica del blanco y negro como catalizador para las imágenes de recién nacidos, hablaremos de su capacidad de intensificar expresiones. Podríamos decir que la cantidad de información que resta a la escena al eliminar el color, se la aporta como potenciador de las expresiones y situaciones que incluye.

En este caso, te dejo varias imágenes en las que la cara de la bebé, sus hermanas, o la orgullosa madre, adquieren muchísima fuerza al gozar de la claridad que ofrece el blanco y negro mediante el contraste tonal de las escenas.

En esta imagen, se observa a la bebé segura y fuerte en brazos de su padre y con una expresión de determinación y fuerza que permite aventurar su carácter, ¿no te parece?

En este caso, se aprecia a una madre feliz y orgullosa y a una bebé cómoda, aunque despierta y atenta, a pesar de tener sólo días de vida.

Por último, tenemos una escena de hermanas felices que parecen augurar fantásticas historias en compañía de la nueva integrante del "grupo". Los vestidos a rayas, la manta de pelo y los lunares de una de las diademas de las niñas, unida a las expresiones de las mayores, contribuyen a lograr una imagen muy expresiva y potente, que predicen grandes momentos de diversión futuros :)

Algunos Consejos Sobre El Procesado De Fotografías En Blanco y Negro

Como sabes, no es recomendable configurar tu cámara en modo blanco y negro, sino que es mejor disparar en color y, posteriormente en tu ordenador, procesar y convertir las imágenes a blanco y negro.

Pero, por supuesto, antes de llevar a cabo la conversión, trabaja sobre tu imagen para que cuente con un nivel adecuado de exposición, nitidez y balance de blancos. La edición de una foto en blanco y negro debe comenzar trabajando sobre la imagen en color. Trabaja por zonas si es preciso

Una vez que la imagen esté correcta en color, elige bien el método para convertir la imagen a blanco y negro: Escala de Grises, Desaturar, Color Lab, Mezclador de Canales, Métodos Rob Carr, Rusell Brown, Greg Gorman... Si no tienes claras las diferencias, prueba distintos métodos y quédate con el más apropiado para cada fotografía.

Por último, una vez convertida a blanco y negro, realiza algunos ajustes finales que puedan potenciar sus resultados: incrementando, o adecuando el nivel de nitidez, ajustando de forma precisa la exposición global, o local, definiendo el nivel de contraste oportuno, etc.

En el caso de las fotografías de recién nacidos, existe un parámetro que te resultará muy útil: Claridad. A través de este ajuste podrás potenciar aún más la suavidad en la piel de los bebés. Eso sí, utilízalo de forma selectiva y procurando no llegar a un resultado excesivamente artificial.

Y cuando hayas finalizado, sepárate de la imagen por unos minutos y vuelve a verla "con ojos nuevos" para terminar de ajustarla y dejarla perfecta.

No Te Olvides Del Color

Aunque es cierto que he dicho que en este artículo me centraría en el blanco y negro, el color es maravilloso y puede haber fotografías en las que mostrar una piel sonrosada, unos labios vibrantes, o un colorido atrezzo, pueden dar mucha fuerza y hacer destacar tus imágenes.

Así que, aunque el blanco y negro te ofrezca muchas posibilidades, no dejes de lado al color y prueba también tomas en las que el color te permita mostrar toda la vida que encierran esos pequeñitos.

La Fotografía de Bebés: Centra La Atención En Los Detalles

Tanto en color, como en blanco y negro, esos "locos bajitos" están llenos de detalles que resultan cautivadores delante de una cámara. Fotografiar sus diminutos dedos, sus naricitas, o cualquier otra parte de su cuerpo, ya sea en color, o en blanco y negro, permite obtener magníficos resultados.

Céntrate en esas pequeñas partes de los bebes, rellena el encuadre, trabaja bien profundidades de campo reducidas y lograrás también fotografías muy interesantes.

En la imagen superior, se ha centrado la atención en los brillantes ojos y en la naricita de botón de la bebé, destacando estas partes gracias al empleo de una profundidad de campo limitada.

Por su parte, en esta otra imagen, la atención se ha centrado, también por la estrecha profundidad de campo, en los deditos de los pies de la bebé, que resultan graciosos y muy atractivos.

Aunque una edición de imágenes en blanco y negro podría haber incrementado aún más la atención sobre los detalles, es la composición elegida y el enfoque selectivo lo que hace que estas imágenes destaquen.

¿Has Realizado Alguna Sesión a Recién Nacidos Recientemente?, ¿Algún Consejo?

Y hasta aquí este artículo en que he querido hablarte sobre mi última sesión de recién nacido con mi hija. Como te he comentado, he buscado darle un fuerte protagonismo al blanco y negro. Pero estoy seguro que tú has optado por conjugar la sesión con otras disciplinas, quizás el macro, o con algún consejo que no he citado yo a lo largo del artículo.

¿Por qué no nos lo cuentas, o compartes con nosotros alguna de las fotos de la sesión que nos dé ideas para nuestras próximas sesiones? Como ya te hemos contado otras veces, un consejo que aplica a cualquier tipo de disciplina es observar muchas fotografías para poder tener ideas que poder "copiar", o en base a las que obtener fotografías con tu propio sello.

¿Cuántas veces has sentido la necesidad de realizar una sesión fotográfica en la que el motivo principal no sea un retrato, un paisaje o una escena cotidiana; sino que seas tú mismo el artífice de la escena? Crear y experimentar con nuevas formas de hacer fotografía es muy gratificante, aunque esa escena no represente nada que habitualmente percibamos en el día a día.

En el artículo de hoy veremos cómo conseguir imágenes tan curiosas y abstractas como la que se muestra en la portada, empleando ingredientes tan comunes como lo son el aceite, el agua y el lavavajillas. De este modo la próxima vez que te quedes sin inspiración, no te apetezca salir o no puedas salir a la calle porque hace mal tiempo, ya tienes una excusa para coger tu cámara y disfrutar creando y fotografiando un "mundo" hecho enteramente por ti.

Qué Necesitas Para Crear Tu Imagen Abstracta

Si te gusta el resultado de la imagen de portada y ya te lo imaginas como tu próximo fondo de pantalla, déjame decirte que para realizar este tipo de fotografías basta con reunir los siguientes materiales:

• Una fuente de cristal
• Agua
• Aceite
• Lavavajillas (bastan un par de gotas)
• Una tablet, o cartulinas u hojas con colores
• Un palo de madera, o una pajita (para remover los líquidos)
• Tu cámara con un objetivo
• Un trípode
• Un disparador remoto, o el temporizador de tu cámara
• Dos superficies para poder elevar la fuente de cristal, como por ejemplo revistas, libros o cajas

Colocándolo Todo en su Sitio

Ahora que ya tenemos listo el material, es el momento de colocarlo todo en su posición. Puedes trabajar en el mismo suelo, o sobre una superficie elevada como una mesa.

Lo primero que haremos será verter un poco de agua en la fuente de cristal. Ten en cuenta que si echas poquita se llegará a ver la textura del vidrio de la fuente, mientras que si echas un poco más de agua, esta aparecerá difuminada. Según el resultado que busques, te convendrá poner más o menos agua. Lo mejor es que realices varias pruebas y te quedes con el método que más te guste.

El siguiente paso es añadir unas cuantas gotas de aceite a la fuente. En este caso también nos encontramos frente a dos opciones. Si echamos poco aceite tendremos más espacio negativo en nuestra composición, en cambio si echamos más cantidad, la imagen se llenará de burbujas. En cualquier caso, ambas opciones te ofrecerán resultados muy atractivos.

Ahora es el momento de elegir si queremos realizar las fotografías solo con agua y aceite, u optar por añadir un par de gotitas de lavavajillas a la ecuación. ¿Qué implica una opción u otra?

Si solo echamos aceite a la fuente de cristal con agua la apariencia de éstas será más plana, sin embargo si añadimos unas gotitas de lavavajillas éste nos ayudará a remarcar los contornos de las burbujas y conseguir así que éstas se realcen. Eso sí, si optas por la segunda opción recuerda no echar más de un par de gotas de lavavajillas. ya que de lo contrario las gotas de aceite se irán hacia las esquinas de la fuente y será más difícil mezclarlas.

Es el momento de coger el palo de madera o pajita y agitar la mezcla para que se generen las formas curiosas que vamos a fotografiar, y que veíamos en el ejemplo.

A continuación colocaremos las bases elevadas que tengamos, y pondremos sobre ellas la fuente de cristal. Recuerda que en este punto lo más importante es que esas bases, ya sean cajas o pilas de libros o revistas, sean estables y estén colocadas a la misma altura para que no haya peligro de que la fuente se pueda caer.

Lo esencial ya lo tenemos, sin embargo, si hiciéramos ahora mismo la fotografía obtendríamos una toma con texturas atractivas, pero con un fondo apagado que podría mejorar, y es por ello que el siguiente paso es aportarle un toque de color a ese fondo.

Dale un Toque de Color a Tus Tomas

Como decíamos, darle un toque de color a nuestra fotografía sin duda la hará más llamativa, porque de este tipo de imágenes no solo nos gustan las texturas sino también la combinación de los colores del fondo, y para aportar ese toque de color podemos optar por varias opciones.

Papel de Color y Fuente de Luz

Esta opción consiste en que cojas un papel, fotografía o cartulina de color, y lo coloques justo debajo de la fuente de cristal. Cuántos más colores aparezcan en la imagen que coloquemos debajo de la fuente, más llamativa resultará la fotografía resultante.

Eso sí, necesitaremos una fuente de luz para iluminar el papel del fondo, como por ejemplo una antorcha led, una lámpara o un flash externo.

¿Qué nos llama la atención de esta opción? Que resulta menos peligrosa, ya que debajo de la fuente solo hay un "papel", no un dispositivo electrónico. Pero también es cierto que necesitaremos una fuente de luz externa, y que los colores del fondo dependerán mucho del papel/cartulina/fotografía que coloquemos debajo de la fuente.

Una Tablet

Si optamos por la segunda opción necesitaremos una tablet, y en ella pondremos la imagen que queremos en pantalla completa para que se convierta en el fondo de nuestras fotografías.

Para dicha imagen, puedes fabricarte tú mismo la mezcla de colores a través de Photoshop y, por ejemplo, la herramienta bote de pintura y la selección de una combinación atractiva. De este modo lograrás un resultado más personal. O también puedes buscar en Google Imágenes "colorful wallpaper", "colorful images", o cualquier otro término de búsqueda en el que se haga referencia al color. Una vez que busques por estos términos, tendrás la posibilidad de elegir desde tu tablet algunos de los cientos de miles de resultados que obtendrás de forma inmediata y escoger aquellos que más te gusten.

A continuación deberás poner la imagen en pantalla completa y subir el brillo de tu tablet al máximo. Con esta opción no necesitaremos fuente de luz externa porque es la propia tablet la que aporta la luz que necesitamos.

Ajustes Recomendados Para La Toma

Una vez tenemos el set preparado, es el momento de preparar el equipo. Lo primero que haremos será montar el trípode y colocar la cámara de tal forma que se quede en paralelo a la fuente de cristal, ya que solo si está totalmente paralela lograremos que aparezca nítidas toda la superficie de las burbujas.

También dejaremos preparado el disparador remoto, o si no lo tenemos, configuraremos el temporizador de la cámara para trabajar de forma más cómoda y evitar posibles trepidaciones.

Respecto a qué lente es aconsejable emplear, lo ideal es que hagas las tomas con un objetivo macro, que además de ofrecerte bastante luminosidad, te permitirá acercarte mucho más a las burbujas. Eso no quita que no puedas hacer este ejercicio con otro tipo de objetivos, aunque es cierto que no es aconsejable que sean muy angulares, ya que sino sacarás la fuente entera y no podrás centrarte en el motivo principal: las burbujas.

El siguiente paso es configurar los parámetros de nuestra cámara.

• En cuanto a la apertura de diafragma, escogeremos una amplia, aunque asegurándonos de que salga bien nítida la zona que deseamos. Según el objetivo que utilicemos, una apertura de entre 2.8 y 4 será lo ideal, ya que además nos ayudará a conseguir una profundidad de campo escasa, haciendo que las burbujas aparezcan perfectamente nítidas, y el fondo desenfocado.
• Respecto a qué velocidad de obturación debemos configurar, dependerá en gran medida de la apertura que hayamos seleccionado y de la luz que tengamos iluminando la cartulina de color o del brillo de la tablet. Lo ideal es que tengas bastante luz, o que configures el brillo de la tablet al máximo. Los valores para lograr una exposición adecuada podrán variar entre 1/25s y 1/250s aproximadamente.Ten en cuenta también que el aceite se mueve más de lo que creemos, lo cual puede llegar a ocasionar desenfoque de movimiento si empleas una velocidad demasiado baja.
• Por último, en cuanto a la ISO ya sabes que a mayor ISO mayor probabilidad de que aparezca ruido, por lo tanto intenta que esta sea la mínima posible.

Fotografía Creativa con Gotas de Agua y Aceite

Y algo muy importante también es el enfoque. Puedes enfocar en automático, aunque dado que estamos trabajando sobre trípode y nuestro motivo no se va a mover del sitio, lo mejor es que enfoques en modo manual, y te ayudes del live view de tu cámara para asegurar que el foco está justo en las burbujas.

Una vez lo tengas todo listo, es el momento de empezar a disparar. No tengas miedo de realizar muchas fotografías. Ayúdate de la pajita o palo de madera para ir moviendo de vez en cuando las burbujas y conseguir resultados diferentes. Y por supuesto, no te olvides tampoco de cambiar la imagen de fondo para variar de colores.

¡No te Olvides del Procesado!

Una vez obtengas tus fotografías descubrirás que éstas tienen potencial, aunque los colores y quizás el nivel de definición no llegan a ser todo lo buenos que te gustarían. Eso es porque nos falta un último paso: el procesado.

Los ajustes que deberás tocar y que te ayudarán sin duda a destacar más tu toma son el nivel de Exposición, Contraste, Claridad, Saturación y también la Máscara de Enfoque.

También puede resultar oportuno realizar un reencuadre de la imagen para centrarnos en alguna región concreta, o mejorar la composición de la toma. Así que no descuides tampoco el tener que variar el encuadre en la fase de procesado.

Ten en cuenta, por tanto, que tras tomar tu fotografía, será recomendable que inviertas un poco de tiempo procesando la misma y haciendo que reluzcan sus características de intensidad y nitidez, entre otras.

Otras Imágenes De Ejemplo Que Puedan Darte Ideas

No tengas miedo a realizar decenas de fotografías, incluso aunque pienses que son fotografías aparentemente iguales. Siempre hay alguna pompa que varía de forma o posición.

También es importante que sobre una misma imagen de la tablet o del papel de fondo, busques distribuciones de burbujas diferentes, para lo que deberás ayudarte de tu palito de madera o pajita y la previsualización del resultado a través del display de tu cámara.

Comprobarás que es un proceso bastante entretenido y divertido.  Además, cuantas más imágenes tengas de partida, mejores imágenes podrás seleccionar y terminar de preparar ya en tu ordenador.

A continuación te dejo con algunos ejemplos de tomas que hemos logrado con este ejercicio.

Ejemplo #1

Ejemplo #2

Ejemplo #3

Ejemplo #4

Ejemplo #5

Ejemplo #6

Ejemplo #7

Ejemplo #8

Ejemplo #9

¡Anímate A Probarlo!

¿A que nunca habías pensado que el agua, el aceite y un poquito de lavavajillas podrían dar tanto juego en tus imágenes? Desde luego experimentar con nuevas formas de hacer fotografía es algo que todo fotógrafo debería plantearse, y este es un ejemplo de lo que podemos conseguir haciéndolo.

¿He despertado el gusanillo en ti y ya estás preparando todo lo que necesitas? Pues entonces no seas tímido y muéstranos tus resultados a través de los comentarios. Seguro que nos das nuevas ideas que poder probar.