Caminho da Arte

Impressionismo

2020-01-12T09:04:00.000-08:00

Impression Sunrise, óleo sobre tela de 1872

O impressionismo foi um movimento que surgiu na pintura francesa do século XIX, vivia-se nesse momento a chamada Belle Époqueou Bela Época em português. O nome do movimento é derivado da obra "Impressão: nascer do sol" (1872), de Claude Monet.

Começou com um grupo de jovens pintores que rompeu com as regras da pintura vigentes até então. Os autores impressionistas não mais se preocupavam com os preceitos do realismo e/ou da academia. A busca pelos elementos fundamentais de cada arte levou os pintores impressionistas a pesquisar a produção pictórica não mais interessados em temáticas nobres ou no retrato fiel da realidade, mas em ver o quadro como obra em si mesma. A luz e o movimento utilizando pinceladas soltas tornam-se o principal elemento da pintura, sendo que geralmente as telas eram pintadas ao ar livre para que o pintor pudesse capturar melhor as variações de cores da natureza.

O impressionismo não foi aceito de primeira na Europa do século XIX pois os estilos que até então eram os vigentes eram completamente opostos a academia, que quebrava com a linearidade: neo-classicismo, realismo e romantismo. Estes três movimentos se preocupavam com a linearidade. No caso do neo-classicismo, também preocupava-se com a perfeição, a ponto de que pintores passariam a corrigir seus modelos para atingí-la. O realismo, por outro lado, se preocupava em retratar a realidade exatamente como ela era. Já o trabalho romântico era extremamente subjetivista.

Mas alguns artistas e intelectuais, sob a influência de Charles Baudelaire, possuem o desejo de mudança. Baudelaire acreditava que era necessário que o olhar do artista fosse desprovido de preconceito e que houvesse um compromisso com o presente. Este desejo de mudança se traduz em experimentação de reformulação pictórica, que mais tarde levaria a pintura a ficar livre para traçar um novo caminho.

O impressionismo é uma arte visual, onde a representação do que se vê é o tema central das obras do movimento. As cenas pintadas são, em grande parte, apenas as que são observadas pelo próprio pintor. Neste sentido, o “ver” do impressionismo assume outro sentido; é o de selecionar, recortar, modelar de acordo com o objeto que se observa diretamente. Os artistas do impressionismo selecionam a impressão como uma experiência importante a ser valorizada.

Mas apesar de parecer que o impressionismo se trata de imitação do real, não é exatamente isso que os artistas impressionistas fazem. O impressionismo é sobre traduzir um objeto real através do olhar diferenciado, onde posteriormente essa forma de olhar se torna uma construção sobre o objeto real.^[4]

Os impressionistas buscavam retratar os objetos através do contraste de cor e luz, onde as próprias pinceladas dos pintores se tornam uma marca de luz e sombra na tela. A pincelada do impressionismo deixa uma marca na tela, como se fosse a letra do autor; seu relevo, deixado na tela propositalmente, faz com que a luz e sombra estejam presentes em cada pincelada. A sensação, elemento fundante do impressionismo, deixa de ser puramente fisiológica e passa a ser construída e deliberada.

O impressionismo, em primeira instância, se utiliza da paisagem como objeto único e central no quadro. Seria durante o Realismo que surgiria a paisagem como tema central de pinturas e quadros, tendo caráter especialmente referencial. O impressionismo é a técnica pictórica que levou seus artistas a representarem da melhor maneira a impressão visual da realidade.

Mas o impressionismo não causou só reações de críticas. A resistência ao impressionismo e suas obras vinha da grande ruptura que o impressionismo trazia enquanto movimento: ele negligenciava as formas para privilegiar a cor. Não é todo o impressionismo que é rejeitado, no entanto. Algumas das características do impressionismo que foram adotadas da pintura clássica ainda são bem vistas pela maioria, sendo que podem ser enxergadas como o rigor que não era presente, até então, nas pinturas impressionistas.

Por volta de 1884, surgiu uma estética relacionada àquela impressionista por excelência, que ainda que crítica ao impressionismo, continuaria seu legado. O neo-impressionismo não rejeitava todos os princípios e obras impressionistas como era comum à sua época, mas sim queriam dar continuidade ao que os impressionistas começaram, codificando suas descobertas de acordo com um método racional. Eles se aproveitam de Eugène Delacroix como o pai da pintura moderna, sendo que eles então o reivindicam como precursor de todo um movimento.

Características

Monet: Mulheres no jardim de 186

Orientações gerais que caracterizam a pintura

a pintura deve mostrar os pontos que os objetos adquirem ao refletir a luz do corpo num determinado momento, pois as cores da natureza mudam todo dia, dependendo da incidência da luz do sol;
é também, com isto, uma pintura instantânea (captação do momento), recorrendo, inclusivamente, à fotografia;
as figuras não devem ter contornos nítidos pois o desenho deixa de ser o principal meio estrutural do quadro, passando a ser a mancha/cor;
as sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como é a impressão visual que nos causam. O preto jamais é usado em uma obra impressionista plena;
os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. Assim um amarelo próximo a um violeta produz um efeito mais real do que um claro-escuro muito utilizado pelos academicistas no passado. Essa orientação viria dar mais tarde origem ao [pontilhismo];
as cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura de pigmentos. Pelo contrário,devem ser puras e dissociadas no quadro em pequenas pinceladas. É o observador que, ao admirar a pintura, combina as várias cores, obtendo o resultado final. A mistura deixa, portanto, de ser técnica para se tornar óptica;
preferência pelos pintores em representar uma natureza morta a um objeto;
Valorização de decomposição das cores.

Entre os principais expoentes estão Claude Monet, Edgar Degas, Auguste Renoir, Alfred Sisley e Camille Pssarro. Podemos dizer ainda que Claude Monet foi um dos maiores artistas da pintura impressionista da época.
Orientações gerais que caracterizam o impressionista:
Rompe completamente com o passado;
inicia pesquisas sobre a óptica e os efeitos ( ilusões) ópticos;
é contra a cultura tradicional;
pertence a um grupo individualizado;
falam de arte, sociedade, etc: não concordam com as mesmas coisas porém discordam do mesmo;
vão pintar para o exterior, algo mais conveniente com a evolução da industria, nomeadamente, telas com mais formatos, tubos com várias tintas, entre outras coisas.

Os efeitos ópticos descobertos pela pesquisa fotográfica, sobre a composição de cores e a formação de imagens na retina do observador, influenciaram profundamente as técnicas de pintura dos impressionistas.

Eles não mais misturavam as tintas na tela, a fim de obter diferentes cores, mas utilizavam pinceladas de cores puras que colocadas uma ao lado da outra, são misturadas pelos olhos do observador, durante o processo de formação da imagem.

Ao invés das formas serem representadas exatamente como elas são, os artistas do impressionismo expressam as formas tal como elas se apresentam sobre a deformação da luz. O espaço e o volume são definidos não pelos contornos ou pela geometria precisa da perspectiva, mas sim pela degradação de cor e tons (entende-se por cor como a qualidade da cor, enquanto por tom entende-se o grau de intensidade das cores).

Os pintores impressionistas abandonam os contrastes de claro e escuro, e trocam os tons que normalmente se encaixariam nas sombras (marrons, negros, cinzentos) por tons como azuis, verdes, amarelos, entre outros. Para empregar certas cores, os pintores impressionistas usam de uma técnica chamada de mistura óptica, que consiste em justapor cores diferentes sobre a tela (e não misturá-las na paleta) para então sugerir uma nova cor aos olhos do espectador. Apesar de experimentarem com muitas noções científicas sobre cor e luz em suas pinturas, os pintores impressionistas não os aplicavam com regularidade. As pinturas expressionistas eram, acima de tudo, de uma grande espontaneidade, e rejeitavam teorias metódicas.

Origens

Édouard Manet

Édouard Manet não se considerava um impressionista, mas foi em torno dele que se reuniram grande parte dos artistas que viriam a ser chamados de impressionistas. O impressionismo possui a característica de quebrar os laços com o passado e diversas obras de Manet são inspiradas na tradição. Suas obras no entanto serviram de inspiração para os novos pintores.

O termo impressionismo surgiu devido a um dos primeiros quadros de Claude Monet (1840-1926) Impressão - Nascer do Sol, por causa de uma crítica feita ao quadro pelo pintor e escritor Louis Leroy "Impressão, Nascer do Sol -eu bem o sabia! Pensava eu, se estou impressionado é porque lá há uma impressão. E que liberdade, que suavidade de pincel! Um papel de parede é mais elaborado que esta cena marinha".

O termo “impressionistas” foi cunhado graças a uma exposição que ocorreu em Paris em abril de 1874, composta de artistas excluídos pela elite acadêmica. Foi a partir desta exposição que a crítica de Louis Leroy se deu, publicada no jornal Le Charivari.^[3] A expressão foi usada originalmente de forma pejorativa, mas Monet e seus colegas adotaram o título, sabendo da revolução que estavam iniciando.

Mas foi antes do impressionismo sequer se chamar impressionismo que sua estética surgiu. Os pintores impressionistas anteriores à sua época são encontrados muitas vezes entre os realistas, já que o impressionismo está amplamente vinculado à estética barroca e realista. A estética impressionista nasceu em Veneza, onde luz, cores e sensações foram incorporadas à pintura. Alguns grandes renascentistas, como Giorgione, Ticiano, Veronese e Tintoreto, em meados do século XV até o século XVI, deram prioridade à cor sobre a forma, onde tentaram traduzir a luz da vida real para a tela com pinceladas visíveis para trazer a ilusão de vida.

Mas não foi apenas em Veneza que a estética impressionista tomou forma. Na Espanha, com pintores como El Greco, Velázquez e Goya, há também resquícios desta estética em diversas obras. Seria com vazio entre as pinceladas, o emprego do preto e representação de momentos luminosos ou dinâmicos que o impressionismo espanhol se afirmaria enquanto estética.^[6]

Em Flandres, poucos pintores se atreveram a usar da estética impressionista, mas foi com as pinturas de Rubens (1577-1640) que um dos elementos chave desta estética surge: a composição de cores quentes passou a fazer parte da sombra. Esse foi um elemento que vemos repetido com frequência em outras pinturas expressionistas a partir daquele momento.

A feitura fragmentada, comumente achada nas pinturas impressionistas, no entanto, não surgiu com Rubens, mas com o pintor holandês do século XVII, Frans Hals (1580? - 1666). Sua técnica sugeria forma e volume a partir da luz criada pelas pinceladas. Foram também os paisagistas holandeses que abordaram o problema do "ao ar livre", problema este no qual impressionistas franceses se debruçaram mais tarde. Mesmo sem pintarem do lado de fora, dão a impressão do ar livre em suas telas.

Na Inglaterra, a conexão com o impressionismo e sua estética é clara. As paisagens eram tema das pinturas inglesas desde o final do século XVIII, e é no século XIX que três pintores ingleses vão influenciar diretamente a estética impressionista, sendo estes Constable, Bonington e Turner. Constable se utilizava, enfim, do estudo feito fora do ateliê para suas pinturas. Ele o considerava indispensável. Trazia em suas telas impressões fugazes, onde o vento e a atmosfera apareciam, apesar de não palpáveis. Através de suas pinturas ele estava determinado a captar em sua tela os aspectos mais voláteis da natureza. Suas obras exerceram grande influência sobre Delacroix. Por outro lado, Bonington também exerceu influência considerável sobre Delacroix e pode-se perceber algumas características impressionistas em seus estudos de atmosfera. Já Turner, pintor de paisagens marinhas, faz com que a água e o céu se confundam em suas pinturas por meio de uma construção específica da atmosfera.^[

Na França, foi no século XVII que a estética impressionista apareceu pela primeira vez, com Poussin, Claude Gellée, Watteau, Chardin, Joseph Vernet e Fragonard. Alguns destes pintores se aproximaram do impressionismo por conta de como trabalhvam com as cores, as luzes e as sombras; outros, por se utilizarem da paisagem como tema central da obra.

Mas uma das origens diretas do impressionismo foi, com certeza, Eugène Delacroix (1798-1863). Alguns autores acreditam que Delacroix mereça o nome de “pai do impressionismo” tanto quanto Claude Monet. Muitos vêem nele um precursor do movimento, onde os reflexos coloridos são dados como extremamente importantes. Delacroix declarou, em 1852, que o cinzento era inimigo da pintura, mostrando mais uma vez sua ligação clara com o movimento impressionista. Ele também fez declarações que se relacionam com a mistura óptica e a fragmentação da pincelada, ambas características recorrentes das pinturas impressionistas.

A origem do grupo impressionista, no entanto, acontece mesmo em Paris. Em busca de um ensino de arte onde o pictórico fosse liberal, ganham força a Académie Suisse e o Ateliê Gleyre. A Académie Suisse, localizada no Quai de Orfèvres, era onde se trabalhava para ganhar pouco, onde havia uma grande liberdade e necessidade de independência. Lá foi onde estudaram nomes como Pissarro, Cézanne e Guillaumin. Foi quase ao mesmo tempo que fundava-se o Ateliê Gleyre, aberto por Charles Gleyre que era professor na Escola de Belas-Artes. O ateliê foi frequentado por Fréderic Bazille, Claude Monet, Reinoir e Sisley.

Esses grupos de artistas impressionistas, até então, não tinham local de encontro. Encontravam-se no ateliê de Fatin Latour ou no de Claude Monet. Mas queriam encontrar-se com maior frequência e em local mais adequado. Decidiram então encontrar-se em um café calmo, às quintas-feiras, mais precisamente no Café Guerbois. As reuniões se seguiram, principalmente, entre 1868 e 1870.

Na época, a fama de Manet fez com que seus colegas de grupo o considerassem o promotor da vanguarda. Ele viraria, então, o presidente dessas sessões. Agrupavam-se, nestas reuniões, nomes da pintura como: Constantin Guys, Claude Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Cézanne, Bazille, Fantin-Latour. Mas não apenas de pintores se constituía a reunião, contando também com escritores e críticos como Théodor Duret, Paul Alexis, Zacharie Astrux, Duranty, e outros membros, como o musicólogo Edouard Maitre e o fotógrafo Nadar.

Impressionismo no Brasil

O Violeiro, de Almeida Júnior, 1899.

Eliseu Visconti - Moça no Trigal - c.1916

No início do século XX, Eliseu Visconti foi sem dúvida o artista que melhor representou os postulados impressionistas no Brasil. Sobre o impressionismo de Visconti, diz Flávio de Aquino: Visconti é, para nós, o precursor da arte dos nossos dias, o nosso mais legítimo representante de uma das mais importantes etapas da pintura contemporânea: o impressionismo. Trouxe-o da França ainda quente das discussões, vivo; transformou-o, ante o motivo brasileiro, perante a cor e a atmosfera luminosa do nosso País.

Principais pintores impressionistas brasileiros: Eliseu Visconti, Almeida Júnior, Timótheo da Costa,Georgina de Albuquerque, Henrique Cavaleiro, Vicente do Rego Monteiro e Alfredo Andersen.

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Música expressionista

2020-01-08T11:08:00.000-08:00

Música expressionista caracteriza-se pela emotividade intensa, dissonâncias extremas, melodias ásperas e angulosas, podendo ser atonal, dodecafônica e/ou serial. Assim como nas outras manifestações artísticas expressionistas, o compositor deposita em sua música seus sentimentos mais profundos, extremos e desesperados, dando à obra um caráter exagerado e soturno.

Arnold Schoenberg, Alban Berg, e Anton Webern, formadores da "Segunda Escola de Viena", são os três principais compositores expressionistas, sendo o primeiro o criador do estilo, e os outros dois seus discípulos de maior renome.

Na música, o expressionismo começou como um exagero, até mesmo uma distorção, do romantismo tardio, em que os compositores passaram a despejar na música toda a carga de suas emoções mais intensas e profundas. Dentre os que escreviam em estilo expressionista estavam Arnold Schoenberg (que também era pintor) e seus alunos: Alban Berg e Anton Webern. Os três, trabalhando juntos na capital austríaca, tornaram-se conhecidos como "A Segunda Escola de Viena".

Na primeira fase, a música expressionista apoiava-se em harmonias que se tomavam cada vez mais cromáticas, o que acabou levando à atonalidade. A música expressionista em estilo atonal é caracterizada por harmonias extremamente dissonantes; melodias frenéticas, desconjuntadas, incluindo grandes saltos; contrastes violentos e explosivos, com os instrumentos tocando asperamente nos extremos de seus registros. O expressionismo foi prefigurado no sexteto de cordas Noite Transfigurada, de Schoenberg, escrito em 1899. Em 1908 ele compôs o Segundo Quarteto de Cordas, que inclui no terceiro e no quarto movimentos uma voz de soprano. Mas é no quarto movimento que Schoenberg abandona de vez a tonalidade, partindo para sua primeira aventura atonal. (O soprano começa, muito apropriadamente: Sinto o ar de outro planeta... Dissolvo-me em sons...").

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Impressionismo na música

2020-01-08T10:30:00.001-08:00

Impressionismo na música foi um movimento na música erudita que se desenvolveu principalmente na França, a partir da segunda metade do século XIX, prosseguindo até meados do século XX. Assim como o seu homólogo e precursor nas artes visuais, o impressionismo musical se caracteriza sobretudo pela sugestão e atmosfera, em lugar da forte emoção ou da ilustração de narrativas (como em música de programa), típicos da música romântica.

Surgiu como uma reação aos excessos da Era Romântica, caracterizada pelo uso dramático do sistema das escalas maior e menor, ao passo que a música impressionista tende a fazer mais uso de dissonâncias com escalas não tão comuns, tal como a escala hexafônica. Os compositores românticos também usavam gêneros mais longos de música, como a sinfonia e o concerto, enquanto os compositores impressionistas preferiram formas mais curtas.

Origens, forma e estilo

Origina-se na França, caracterizada por sugestão e atmosfera, abstêm-se dos excessos emocionais da era Romântica. Compositores impressionistas preferiam composições com formas curtas como o nocturne, arabesque, e o prelúdio. Talvez a inovação mais notável usada pelos compositores impressionistas tenha sido o uso da escala de acordes de 7ª maior e a extensão de estruturas nos acordes com intervalos de 3ª à harmonias de cinco e seis partes. Um estilo musical, distinto e marcante, do período da música impressionista foi o efeito de planar sobre uma frase melódica. Claude Debussy, especialmente, foi mestre deste efeito. Várias de suas composições ele utiliza acordes de 11ª e 13º bem abertos e repetitivos, lentamente e, com um toque ostinato sobre estes acordes, ele desenvolve uma linha simples melódica por cima da mão que fica repetindo o acompanhamento nas mesmas notas, causando este efeito ser chamado de "planando", o que críticos descrevem como: "O efeito disso era uma nova e estranha sonoridade.";pois causa a impressão de Debussy estar voando, planando lentamente, com o acompanhamento da música. Cerca de 20 anos após o surgimento do Impressionismo na pintura, ouvia-se Prélude à l'après-midi d'un Faune (Prelúdio à tarde de um fauno) de Claude Debussy. Esse prelúdio foi uma marcante manifestação musical Impressionista.

"A música orquestral de Debussy é a que corresponde melhor à sua imagem de impressionista.". Maurice Ravel também utiliza os mesmo efeitos que Debussy, e sua Pavane pour une infante demonstra isto muito bem. Ravel só mudou seu estilo de Impressionista para o neoclassicismo, depois que Debussy faleceu, em 1918.

Assim como na pintura, a música impressionista não possui linhas (melódicas) nítidas, suas melodias são pouco angulosas, sensuais e etéreas. O efeito dos sons é muito importante no contexto da obra, muitas vezes mais importantes que a própria melodia, como se pode observar nos floreios e dedilhados representados em Gaspard de La Nuit, obra para piano de Maurice Ravel.

A música impressionista não segue o clássico sistema tonal Ocidental, buscando harmonias dissonantes (para os padrões da época) em outras culturas, principalmente asiáticas.

O Impressionismo basicamente caracteriza-se por ter um lirismo íntimo solitário (seguindo os passos dos Impressionistas e Simbolistas que preferem o imaginário e fantasioso ao real); freqüentemente nota-se uso de efeitos sonoros (a exemplo do Jeux d'Eau de Maurice Ravel, que inicia-se com floreados representando a água corrente). Os Impressionistas fizeram uso imenso da escala hexatonal para simular efeitos emocionais suspensos, etéreos (fortificando assim a sensação de sonho e fantasia). Jeux d'Eau (1901), foi uma das primeiras composições de Ravel chamada de impressionismo. "Esta peça fez o seu nome nos círculos sociais de Paris. A peça foi dedicada a Gabriel Fauré, e foi escrita enquanto Ravel ainda estudava com Fauré no conservatório.''

Influências

A influência de impressionismo visual na sua contraparte musical é bem discutida. Claude Debussy e Maurice Ravel são considerados, em geral, os maiores compositores impressionistas. Mas, Debussy não concordou com o termo, chamando-o de invenção dos críticos. Erik Satie também foi considerado como parte dos impressionistas, embora o seu método tivesse uma proposta diferente. Paul Dukas é outro compositor francês às vezes chamado de impressionista mas o seu estilo é talvez mais próximo do final da Era Romântica. Entre outros músicos impressionistas fora da França incluem-se obras de Ralph Vaughan Williams e Ottorino Respighi.

O Impressionismo também influenciou a música de Manuel de Falla, Frederick Delius, Isaac Albéniz, Camille Saint-Saëns, Francis Poulenc; assim como músicos de jazz, como o pianista Bill Evans e de bossa-nova, como o maestro Antônio Carlos Jobim, que utilizou não só motivos impressionistas, como também estruturas harmônicas similares às de Debussy e Ravel, nas suas músicas populares como nas eruditas (como A Sinfonia da Alvorada, por exemplo).

Dentre os grandes precursores do Impressionismo, podem-se citar:o pianista virtuose húngaro Franz Liszt, Richard Wagner, Edvard Grieg e Christian Sinding com obras que continham muitas das características básicas do Impressionismo e prenunciavam tantas outras.

Obras importantes

Prélude à l'après-midi d'un Faune (Prelúdio à Tarde de um Fauno) - Claude Debussy;

Estampes - Claude Debussy;

Suíte Bergamasque - Claude Debussy;

Pelléas et Mélisande - Claude Debussy;

La Mer - Claude Debussy;

Trois Images - Claude Debussy;

Sonata para Piano e Violino - Claude Debussy;

Jeux d'Eau - Maurice Ravel;

Bolero - Maurice Ravel;

Pavane pour une infante défunte - Maurice Ravel;

Concerto para Piano em Sol Maior - Maurice Ravel;

Quarteto de Cordas em Fá Maior - Maurice Ravel;

Rapsódia Espanhola - Maurice Ravel;

Daphnis et Chloé - Maurice Ravel;

Le Tombeau de Couperin - Maurice Ravel;

Gaspard de la Nuit - Maurice Ravel

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MÚSICA CLÁSSICA

2019-02-26T06:20:00.001-08:00

Pyotr Ilyich Tchaikovsky
Retrato de Tchaikovsky pintado em 1893
Nome completo	Pyotr Ilyich Tchaikovsky
Nascimento	7 de maio de 1840 Kamsko-Wotkinski Sawod, Udmurtia Império Russo
Morte	6 de novembro de 1893 (53 anos) São Petersburgo, Distrito Federal do Noroeste Império Russo
Ocupação	Compositor
Carreira musical
Período musical	Romantismo
Assinatura

Piotr Ilitch Tchaikovsky (em russo: ^?Пётр Ильи́ч Чайко́вский, por vezes, traduzido Pyotr Ilyich Tchaikowsky); (Kamsko-Wotkinski Sawod, actual Tchaikovsky, 7 de maio de 1840 — São Petersburgo, 6 de novembro de 1893) foi um compositor romântico russo que compôs géneros como sinfonias, concertos, óperas, ballets, para música de câmara e obras para coro para liturgias da Igreja Ortodoxa Russa. Algumas das suas obras encontram-se entre as mais populares do repertório erudito. Este foi o primeiro compositor russo a conquistar fama internacional, tendo sido maestro convidado no final da sua carreira pelos Estados Unidos e Europa. Como exemplo pode considerar-se o concerto inaugural do Carnegie Hall de Nova Iorque, em 1891. Tchaikovsky foi honrado em 1884 com uma pensão vitalícia pelo Imperador Alexandre III.

Tchaikovsky foi educado para ter uma carreira como funcionário público. Na sua época as oportunidades para se ter uma carreira musical (na Rússia) eram escassas e não existia um sistema público de educação musical. Quando surgiu a oportunidade, ingressou no Conservatório de São Petersburgo, onde se graduou em 1865.

A sua vida foi preenchida por crises pessoais e depressões. Estas crises advém do facto de a sua mãe ter falecido prematuramente e do colapso da sua relação com a viúva Nadezhda von Meck. A sua possivel homossexualidade foi mantida em sigilo por anos. A sua morte prematura aos 53 anos de idade é atribuída à cólera, mas especula-se um possível suicídio.

Embora não faça parte do chamado Grupo dos Cinco (Mussorgsky, César Cui, Rimsky-Korsakov, Balakirev e Borodin) composto por compositores nacionalistas russos, a sua música tornou-se conhecida e admirada pelo seu carácter distintamente russo, bem como pelas suas ricas harmonias e vivas melodias. As suas obras, no entanto, foram muito mais ocidentalizadas que as de seus compatriotas, uma vez que utilizava elementos internacionais em simultâneo com melodias populares nacionalistas russas.

Piotr Ilitch Tchaikovsky nasceu em 7 de maio de 1840 na cidade de Votkinsk, localizada na província de Vyatka. Sua família teve um longo histórico de serviço militar. Seu pai, Ilya Petrovich Tchaikovsky, foi um engenheiro que serviu como tenente-coronel do Departamento de Minas. Sua mãe, Alexandra Andreyevna (nome de solteira - d'Assier), foi a segunda das três mulheres de Ilya. Ambos os pais de Tchaikovsky tiveram educação nas artes e incentivaram o interesse dos filhos na música.

A família Tchaikovsy em 1848.

Tchaikovsky teve quatro irmãos(Nikolay, Ippolit, e os gêmeos Anatoly e Modest), uma irmã, Aleksandra e uma meia-irmã Zinayda proveniente do primeiro casamento de seu pai. O compositor era particularmente próximo de Aleksandra e dos gêmeos. Com o correr do tempo Anatoly obteve uma carreira proeminente, enquanto Modest se tornou dramaturgo, libretista e tradutor. Aleksandra se casou com Lev Davydov e teve sete filhos.

Em 1843 a família contratou Fanny Dürbach, uma governanta francesa de 22 anos, para cuidar das crianças e ensinar francês a Nikolai. Tchaikovsky era inicialmente considerado muito novo para começar os estudos, mas sua insistência convenceu a governanta. Dürbach se provou uma excelente professora, com seis anos o compositor já havia se tornado fluente em francês e alemão. Tchaikovsky se tornou muito apegado à Fanny, a afeição que ele recebia da jovem moça serviu como compensação pela indiferença de sua mãe a qual teria sido descrita como fria, infeliz e distante. Outros afirmam que a mãe tinha um carinho muito grande pelo filho. A governanta guardou muitos dos trabalhos de A família Tchaikovsy em 1848.Tchaikovsky da época, o que inclui suas suas primeiras composições.Tchaikovsky começou a tocar órgão com cinco anos. Um precoce talento, se tornou capaz de ler partituras tão habilmente como seu professor em três anos. Seus pais o apoiaram inicialmente, contratando um tutor, comprando uma orchestrina, e encorajando seus estudos no piano. No entanto, a família decidiu em 1850 enviar Tchaikovsky para a Escola Imperial de Jurisprudência em São Petersburgo. Essa decisão pode ter tido razões práticas. Seus pais se tornaram insensíveis em relação ao seu dom musical, pois os únicos caminhos para uma carreira nesse ramo na época eram como professor ou como instrumentista em um dos teatros imperiais. Ambos eram considerados parte do mais baixo nível social, sem mais direitos do que camponeses.

Em 1848 a família fixa-se em São Petersburgo, onde o compositor obtém as primeiras aulas teóricas musicais com diversos professores particulares, entre eles o maestro Filipov.

Em 1850 os desejos da família eram que fosse advogado. Foi para a Escola de Direito de São Petersburgo onde cursou até 1859, mostrando-se um estudante muito aplicado, e antes mesmo de se formar foi empregado como funcionário do Ministério da Justiça.

O sofrimento de Tchaikovsky ao abandonar a mãe para frequentar o internato causou um trauma emocional que o atormentou por toda a sua vida. A morte de Alexandra Andreyevna por cólera em 1854, o devastou, afetando-o de tal forma que ele não poderia se comunicar com Fanny Dürbach durante dois anos. A perda o levou a fazer sua primeira composição séria, uma valsa em sua memória.

O pai de Tchaikovsky, que também havia contraído cólera, assim que recuperado, o mandou de volta para a escola, esperando que os estudos ocupassem a mente do garoto. Em compensação por suas perdas e isolação, Tchaikovsky fez amizades duradouras com seus colegas de classe incluindo Aleksey Apukhtin e Vladimir Gerard. A música se tornou um unificador. Enquanto não era uma prioridade oficial na Escola de Jurisprudência, Tchaikovsky a manteve como uma atividade de lazer, frequentando, com regularidade, a ópera com outros alunos. Pyotr também continuou seus estudos no piano com Franz Becker, um fabricante de instrumentos que visitava ocasionalmente a escola, entretanto, de acordo com o musicologista David Brown, os resultados foram desprezíveis.

Em 1855, Ilya começou a pagar aulas particulares de piano para Tchaikovsky com o professor Rudolph Kündinger. Quando o professor foi questionado a respeito da carreira musical do garoto, respondeu que nada sugeria um futuro como compositor ou intérprete. Kündinger posteriormente admitiu que seu julgamento foi baseado em sua própria experiência negativa como músico na Rússia.

Em 1855, Ilya começou a pagar aulas particulares de piano para Tchaikovsky com o professor Kündinger. Quando o professor foi questionado a respeito da carreira musical do garoto, respondeu que nada sugeria um futuro como compositor ou intérprete. Kündinger posteriormente admitiu que seu julgamento foi baseado em sua própria experiência negativa como músico na Rússia.

O pai de Tchaikovsky, que também havia contraído cólera, assim que recuperado, o mandou de volta O pai de Tchaikovsky, que também havia contraído cólera, assim que recuperado, o mandou de volta para a escola, esperando que os estudos ocupassem a mente do garoto. Em compensação por suas perdas e isolação, Tchaikovsky fez amizades duradouras com seus colegas de classe incluindo Aleksey Apukhtin e Vladimir Gerard. A música se tornou um unificador. Enquanto não era uma prioridade oficial na Escola de Jurisprudência, Tchaikovsky a manteve como uma atividade de lazer, frequentando, com regularidade, a ópera com outros alunos. Pyotr também continuou seus estudos no piano com Franz Becker, um fabricante de instrumentos que visitava ocasionalmente a escola, entretanto, de acordo com o musicologista David Brown, os resultados foram desprezíveis.

Tchaikovsky em sua adolescência. (1863)

Disseram a Tchaikovsky para terminar seu curso e depois tentar um posto no Ministério da Justiça. Mesmo tendo colocado este conselho em prática, seu pai continuou receptivo quanto à carreira musical de Piotr. Ele simplesmente não conhecia o potencial de seu filho e estava inseguro com relação ao seu futuro.para a escola, esperando que os estudos ocupassem a mente do garoto. Em compensação por suas perdas e isolação, Tchaikovsky fez amizades duradouras com seus colegas de classe incluindo Aleksey Apukhtin e Vladimir Gerard. A música se tornou um unificador. Enquanto não era uma prioridade oficial na Escola de Jurisprudência, Tchaikovsky a manteve como uma atividade de lazer, frequentando, com regularidade, a ópera com outros alunos. Pyotr também continuou seus estudos no piano com Franz Becker, um fabricante de instrumentos que visitava ocasionalmente a escola, entretanto, de acordo com o musicologista David Brown, os resultados foram desprezíveis.

Em 1855, Ilya começou a pagar aulas particulares de piano para Tchaikovsky com o professor Rudolph Kündinger. Quando o professor foi questionado a respeito da carreira musical do garoto, respondeu que nada sugeria um futuro como compositor ou intérprete. Kündinger posteriormente admitiu que seu julgamentofoi baseado em sua própria experiência negativa como músico na Rússia.

Em 1863 Tchaikovsky decide dedicar-se inteiramente à carreira musical. Opondo-se totalmente às expectativas da família, abdica da carreira jurídica e se matricula no Conservatório de São Petersburgo, onde permanece três anos. É no Conservatório que Tchaikovsky tem contato com as obras dos grandes mestres alemães, bem como com composições de Glinka, Meyerbeer, Schumann e Liszt. Foi aluno de Anton Rubinstein em orquestração, e de Nikolai Zaremba.

Depois de se formar no Conservatório, Tchaikovsky considerou voltar aos serviços públicos devido às suas necessidades financeiras, entretanto, foi-lhe oferecido, em 1866, um cargo de professor de teoria musical no Conservatório de Moscou que foi mantido até 1878. Embora a oferta incluísse um salário de apenas 50 rublos por mês, aceitou-a. Foi nesta época que recebeu a notícia da primeira apresentação pública de um de seus trabalhos, “Danças Características”, conduzida por Johann Strauss II em um concerto no Parque de Pavlovsk em 11 de setembro 1865. Em 1867 foi um dos designados pelo Conservatório de Moscou a receber oficialmente Hector Berlioz em sua viagem à Rússia.

Em 1868 trava contato com o Grupo dos Cinco, movimento nacionalista russo que compartilhava do ideal de criar uma música fundada sobre o folclore nacional, contra a tutela e influência das escolas francesa e italiana. O grupo era formado pelos compositores Mily Balakirev, César Cui, Modest Mussorgski, Aleksandr Borodin e Nikolai Rimsky-Korsakov.

Sua primeira ópera, Voyevoda, baseada em uma peça de Alexander Ostrovsky, foi estreada em 1869. O compositor ficou insatisfeito com a obra e, tendo usado partes dela em trabalhos posteriores, destruiu o manuscrito.

Anton (direita) e Nikolay Rubinstein (1910).

Em 1870 compôs Undina. Apenas alguns trechos da ópera foram apresentados, tendo ela posteriormente sido destruída. Entre esses projetos, Tchaikovsky começou a compor uma ópera chama Mandragora, para um libreto de Sergei Rachinskii; a única música que completou foi um pequeno coro de Flores e Insetos.

A primeira ópera de Tchaikovsky a sobreviver intacta, foi "O Oprichnik", estreada em 1874. O autor da peça propriamente dita, Ivan Lazhechnikov havia morrido em 1869, Pyotr então, decidiu escrever o libreto ele mesmo, modelando sua técnica dramática na de Eugène Scribe.

A última das primeiras óperas, "Vakula, o ferreiro", foi composta na segunda metade de 1874. O libreto baseado em "Véspera de Natal" de Gógol deveria ter sido musicalizado por Alexander Serov, mas com a morte do mesmo, Tchaikovsky assumiu o cargo.

Em 1875 viaja pela Europa e conhece em Paris Saint-Saëns, Franz Liszt, Georges Bizet e Jules Massenet.

Em 1876 Nikolai Rubinstein apresenta o compositor à baronesa Nadyezhda von Meck, que se sente profundamente atraída pela obra de Tchaikovsky. Inicialmente a baronesa o incumbe em algumas transcrições para violino e piano, mas em seguida se converte em mecenas de Tchaikovsky, sob a única condição de comunicarem-se somente por carta. Essa correspondência durou quatorze anos, sem nunca terem se visto. O mecenato resguardou Tchaikovsky de dificuldades financeiras durante esse tempo. (A Sinfonia nº 4 em fá menor, opus 36, é dedicada à baronesa) Nesse mesmo ano de 1876, recebe o encargo de coreógrafo do Teatro Bolshoi de Moscou, onde nasce o ballet O Lago dos Cisnes. O mecenato da baronesa von Meck possibilitava Tchaikovsky dedicar-se exclusivamente a composição, então em 1878 deixa sua cátedra no Conservatório de Moscou.

Em 1880 Nikolai Rubinstein o incumbe de compor uma abertura sinfônica-coral de tema patriótico, prevista para a inauguração da uma exposição em Moscou: nasce a Abertura 1812.

Em 1892 já não conta mais com a ajuda da baronesa von Meck. Sua irmã Alexandra morre. E aos cinquenta anos tem a aparência de um homem muito mais velho.

Em junho de 1893 Tchaikovsky recebe o título de Doutor Honoris Causa da Universidade de Cambridge. Em outubro do mesmo ano sua saúde se agrava profundamente. Em 6 de novembro de 1893 Tchaikovsky morre aos 53 anos, em São Petersburgo.

Casamento mal sucedido

Foi durante uma crise de meia-idade, aos 36 anos, que o compositor revelou por carta a Modest, seu irmão e confidente, uma decisão contrária ao seu próprio desejo:

“

Agora estou passando por um período muito crítico em minha vida. Eu vou entrar em mais detalhes mais tarde, mas por agora vou simplesmente dizer-lhe: eu decidi me casar. É inevitável. Eu tenho que fazer isso não apenas para mim, mas por você, Modest, e por todos aqueles que amo. (...) Como é terrível pensar que aqueles que me amam possam, por vezes, sentir vergonha de mim. Em suma, eu procuro casamento ou algum tipo de envolvimento público com uma mulher, para calar a boca de várias criaturas desprezíveis cujas opiniões não significam nada para mim, mas que estão em posição de causar sofrimento aos que estão perto de mim.

”

Foto de Antonina e Tchaikovsky durante a sua lua de mel, em 1877.

A união de fachada aconteceu na Igreja de São Jorge, em Moscovo, no mês de julho de 1877. Tchaikovsky casou-se com Antonina Milyukova, uma mulher de 28 anos, sua ex-aluna no Conservatório de Música de Moscou. Na verdade, ela o havia conhecido muito antes, quando tinha apenas 16 anos, na casa de amigos. Foi lá que se apaixonou platonicamente por ele, decidindo largar tudo pra estudar música ao seu lado. Anos depois de abandonar a escola por dificuldades financeiras, ela escreveu para o compositor, declarando seu envolvimento. Foi nesta ocasião que Tchaikovsky pensou numa possível companheira por conveniência.

Questões de dinheiro e uma incapacidade para compor agravaram a situação e levou Tchaikovsky a níveis profundos de desespero. O casal viveu junto por apenas dois meses antes da crise emocional que o obrigou a deixar a cidade. Pyotr viajou para Clarens, na Suíça para descanso e recuperação. Ele e Antonina permaneceram casados legalmente, mas nunca viveram juntos novamente e nem tiveram filhos, embora Antonina mais tarde tivesse dado à luz a três filhos por outro homem.

"Somente agora, após meu casamento, começo a entender que nada é mais inútil do que não querer assumir como somos", escreveu.

Crescimento público

Apesar de seu desprezo por sua vida pública, Tchaikovsky agora a aceitava tanto como consequência de sua crescente fama, quanto pela obrigação pessoal que sentia em promover a música russa. O compositor também atuou como diretor da filial de Moscovo da Sociedade de Música Russa entre 1889 e 1890. Neste posto, o compositor convidou muitas celebridades internacionais para conduzir a orquestra, inclusive Johannes Brahms, Antonín Dvořák e Jules Massenet, embora nem todas tivessem aceitado.

Tchaikovsky também promoveu a música russa como condutor, procurando estabelecer-se no mundo musical por pelo menos mais uma década. Pyotr estava em demanda considerável por toda a Europa e Rússia, o que o ajudou a superar o medo do palco e aumentou sua autoconfiança. Sua condução o trouxe para a América em 1891, onde liderou a Sociedade de música de Nova Iorque em março, no concerto inaugural do Carnegie Hall.

Morte

A última casa onde Tchaikovsky morou, em Klin.

Em 28 de outubro de 1893 Tchaikovsky realizou a estreia de sua Sexta Sinfonia, a Patética em São Petersburgo. Nove dias depois, o compositor morreu aos 53 anos. Foi enterrado no Cemitério Tikhvin no Mosteiro Alexander Nevsky, perto dos túmulos dos companheiros compositores Alexander Borodin, Mikhail Glinka e Modest Mussorgsky, mais tarde Rimsky-Korsakov, Balakirev também foram enterrados nas proximidades.

Até hoje, a cada biografia sobre a vida do compositor, surge uma nova teoria ou detalhe sobre a causa de seu falecimento. Embora a morte de Tchaikovsky, tradicionalmente, tenha sido atribuída à cólera, provavelmente contraída através da água potável contaminada, se apresentam teorias diferentes. Já foram descritos casos de supostos assassinatos ou suicídios.

Nesta última linha, uma surpreendente hipótese foi revelada pela musicóloga soviética Alexandra Orlova em 1978. Segundo sua apuração, um membro da aristocracia russa havia escrito uma carta direcionada ao czar Alexandre III acusando Tchaikovsky de seduzir e manter um relacionamento sexual com seu sobrinho de 17 anos. A carta, porém, não foi entregue diretamente ao czar, mas aos cuidados de um funcionário, Nikolay Jacobi, que coincidentemente estudou com Tchaikovsky na Escola de Direito de São Petersburgo.

Escandalizado com o conteúdo da correspondência e temendo que a história manchasse a reputação da Escola, Jacobi não entregou a carta. Preferiu instituir uma corte de honra incluindo outros seis companheiros da Instituição para discutir o assunto e tomar uma decisão. Foi assim que convocaram Tchaikovsky para uma reunião que durou cerca de cinco horas. Nela, induziram o compositor a dar fim à própria vida antes que o pior acontecesse. Caso a denúncia se tornasse pública, Tchaikovsky poderia ser exilado, perderia seus direitos civis e teria sua imagem manchada para o resto da vida, prejudicando familiares, ex-alunos, amigos e companheiros. Ao sair da reunião cambaleante e pálido, o compositor teria decidido ingerir arsênico, morrendo no dia 6 de novembro de 1893. Por ser considerada uma versão aparentemente sensacionalista, muitos historiadores questionam essa hipótese, mesmo que ela tenha sido confirmada por alguns conhecidos de Tchaikovsky.

Balés

Tchaikovsky talvez seja mais conhecidos por seus bailados, no entanto foi apenas no fim de sua carreira, com seus dois últimos balés, que seus contemporâneos passaram a apreciar suas qualidades como autor desse género.

(1875–1876): O Lago dos Cisnes, Op. 20. O primeiro balé de Tchaikovsky foi encenado pela primeira vez (com algumas omissões) no Teatro Bolshoi em Moscou em 1877.
(1888–1889): A Bela Adormecida, Op. 66. Considerado um dos melhores trabalhos de Tchaikovsky. Encenado pela primeira vez em 1890 no Teatro Mariinsky em São Petersburgo.
(1891–1892): O Quebra Nozes, Op. 71. Tchaikovsky não ficou muito satisfeito com esta obra, seu último balé.
Óperas
- chaikovsky escreveu onze óperas:
  - Voyevoda (1867/68)
  - Undina (1869)
  - O Oprichnik (1870/72)
  - Vakula, o Ferreiro (1874)
  - Eugene Onegin (1877/78)
  - A Dama de Orleans (1881)
  - Mazeppa (1884)
  - Cherevichki (1885)
  - A Feiticeira (1887)
  - Dama de Espadas (1890)
  - Iolanta (1892)

Sinfonias

As sinfonias mais antigas de Tchaikovsky são normalmente trabalhos alegres de caráter nacionalista, enquanto as últimas tratam do destino, perturbação e, em especial a Patética, desespero. As três últimas de suas sinfonias numeradas (quarta, quinta e sexta) são consideradas obras-primas e são freqüentemente executadas. Existe ainda uma "Sétima Sinfonia" que é uma compilação de temas musicais descartados pelo compositor e reunidos após a sua morte pelo compositor soviético Semyon Bogatyrev e lançada como "Sinfonia Nº 7 em Mi Bemol Maior". 1235

(1866): n.º 1 em sol menor, Op. 13, "Sonhos de um dia de Inverno"
(1872): n.º 2 em dó menor, Op. 17, "Pequeno Russo"
(1875): n.º 3 em ré maior, Op. 29, Polonesa
(1877–1878): No. 4 em fá menor, Op. 36
(1885): Sinfonia Manfredo, si menor, Op. 58. Baseada no poema dramático Manfredo, de (Lorde Byron).
(1888): n.º 5 em mi menor, Op. 64
(1893): n.º 6 em si menor, Op. 74, Patética

Tchaikovsky também escreveu quatro suítes para orquestra entre a Quarta e a Quinta Sinfonias. Ele pretendia chamar uma ou mais delas de "sinfonias", mas foi convencido a mudar os títulos.

Concertos

(1874–1875): Dos seus três concertos para piano, é o No.1 em Si Bemol Menor, Op. 23, que é o mais conhecido e admirado. Ele foi inicialmente rejeitado pelo pianista Nikolai Grigorievitch Rubinstein, como mal-escrito e impossível de ser tocado, e depois estreado por Hans von Bülow (que ficou encantado em tocar uma peça dessa qualidade) em Boston, 1875. Van Cliburn, um norte-americano, conquistou a primeira Competição Internacional Tchaikovsky com esta obra deixando os cidadãos russos atordoados, pois esse prêmio havia sido criado para celebrar a Rússia e os russos.'
(1878): Seu Concerto para violino e orquestra (Tchaikovsky) em Ré Maior, Op. 35, foi composto em menos de um mês, entre Abril e Maio de 1878, mas sua primeira execução ocorreu apenas em 1881 porque Leopold Auer, o violinista para quem Tchaikovsky pretendia dedicar a obra, se recusou a tocá-la. Este concerto é considerado um dos melhores já feitos para o instrumento e é muitas vezes executado hoje em dia.
(1889): O chamado "Terceiro Concerto para Piano em mi bemol maior", Op. 75, tem uma história curiosa. Ele foi iniciado após a Quinta, e deveria ser a próxima sinfonia, ou seja, a Sexta. No entanto Tchaikovsky abandonou essa obra e concentrou seus esforços naquela que hoje nós conhecemos como a Sexta Sinfonia, um trabalho totalmente diferente (a Patética). Após a morte de Tchaikovsky o compositor Sergei Taneyev trabalhou a sinfonia abandonada, adicionou uma parte em piano, e a lançou como o "Terceiro Concerto para Piano de Tchaikovsky".

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre

Niccolò Paganini

2016-06-28T16:44:00.001-07:00

Niccolò Paganin

Niccolò Paganini (Gênova, 27 de outubro de 1782 — Nice, 27 de maio de 1840) foi um compositore violinista italiano que revolucionou a arte de tocar violino, e deixou a sua marca como um dos pilares da moderna técnica de violino. O seu caprice em Lá menor, Op. 1 No. 24 está entre suas composições mais conhecidas, e serve de inspiração para outros proeminentes artistas comoJohannes Brahms e Sergei Rachmaninoff.

Biografia

Quando criança era constantemente obrigado pelo próprio pai a estudar violino, por horas a fio, sob ameaça de castigos severos. Quando tinha nove anos de idade foi para Parma a fim de estudar com o famoso violinista Alessandro Rolla. E, após ter executado o mais recente concerto de Rolla à primeira vista, o velho mestre aconselhou-o a continuar os seus estudos em composição: "Nada tenho a lhe ensinar, meu menino, vá e procure Ferdinando Paër".

Em seus primeiros concertos públicos foi logo considerado uma criança prodígio. Após libertar-se da custodia do pai-déspota, começou carreira como virtuoso do violino, em toda a Itália. Ficou famoso também pelo seu estilo da vida rebelde, frequentemente gastando todo o seu dinheiro em jogos e diversões noturnas. Durante os anos de 1800-1805 desapareceu completamente da vida pública.

Embora, no início de sua vida profissional desse os seus concertos apenas na Itália, sua fama como violinista-virtuoso logo espalhou-se por toda Europa.

Somente em 1828 saiu da Itália para uma viagem de concertos no estrangeiro. Apresentou-se naÁustria, Alemanha e França entre outros países, sempre com grande sucesso. Chopin, Schubert e Schumann estavam na audiência de alguns destes concertos e, parecem ter ficado maravilhados com a sua execução ao violino.

É desnecessário dizer que a maioria das obras de Paganini foram escritas para violino. Conquanto diversas obras para violino e orquestra possam fazer parte das suas peças, o violinista somente compôs cinco verdadeiros concertos para violino. O primeiro Concerto pode provavelmente ser datado de 1817. Em todas as apreciações, cartas e outras fontes contemporâneas aparece o testemunho de como as plateias e os críticos reagiram à execução deste "violinista diabólico". E mesmo agora - ainda que Paganini tenha morrido^[1] há mais de um século e meio - ele ainda aparece como um exemplo clássico da execução "virtuosística" ao violino.

Os últimos anos da sua vida foram passados em Nice. Apesar de muito rico, ficou doente de tuberculose e quase não podia falar.

O estilo de vida de Niccolò Paganini e a sua aparência mefistofélica deram origem a historias de que o seu virtuosismo era devido a um pacto com o demônio. É mais provável que ele fosse portador de uma doença, a Síndrome de Marfan, cujos sintomas típicos são os dedos particularmente compridos e magros.

Na história dos intérpretes do violino os pontos de referência mais importantes podem ser encontrados a partir do século dezessete. Por um lado isso é coerente com a origem do que hoje em dia é considerado um "verdadeiro" violino e, por outro com o desenvolvimento da legítima música instrumental na qual a virtuosidade se tornou um elemento cada vez mais importante.

Ainda que em séculos anteriores diversos instrumentos de cordas tivessem sido conhecidos - tais como o árabe redab e o violino medieval - o violino com quatro cordas não se transformou em padrão antes que o estilo barroco viesse a surgir na Itália. Com o novo idioma o estilo do instrumental concertante veio a florescer: embora tivesse havido definitivamente obras instrumentais anteriormente, elas tinham sido baseadas principalmente nos modelos vocais e o verdadeiro estilo virtuoso de execução desenvolveu-se durante o período no qual o princípio concertante estava se tornando gradualmente mais importante. Os compositores mais importantes para o instrumento no século dezessete e na primeira parte do século dezoito foram italianos, tais como Marini, Corelli, Vivaldi e Tartini. Só gradualmente é que outros países começaram a desempenhar algum papel, por exemplo, com Leopold Mozart (pai de Wolfgang Amadeus Mozart) que foi não somente um músico talentoso como também publicou um dos mais influentes métodos, na época, para a execução do instrumento.

Niccolò Paganini

Tão esquecido quanto possa estar Viotti em nossos dias, assim também é Nicoló Paganini. Sendo um dos primeiros instrumentistas do romantismo musical. Paganini mostrou a pianistas do quilate de Franz Liszt uma nova forma tocar, explorando a técnica e a virtuosidade de um instrumento. considerado por muitos o melhor violinista de todos os Tempos.

Obras

Lista de composições

24 Capriccio, para violino solo, Op.1

No. 1 in E major (The Arpeggio)
No. 2 in B minor
No. 3 in E minor (La Campanella)
No. 4 in C minor
No. 5 in A minor
No. 6 in G minor (The Trill)
No. 7 in A minor
No. 8 in E-flat major
No. 9 in E major (The Hunt)
No. 10 in G minor
No. 11 in C major
No. 12 in A-flat major
No. 13 in B-flat major (Devil's Laughter)
No. 14 in E-flat major
No. 15 in E minor
No. 16 in G minor
No. 17 in E-flat major
No. 18 in C major
No. 19 in E-flat major
No. 20 in D major
No. 21 in A major
No. 22 in F major
No. 23 in E-flat major
No. 24 in A minor (Tema con variazioni)

6 sonatas, para violino e violão, Ops. 2 e 3

Op. 2, No. 1 in A major
Op. 2, No. 2 in C major
Op. 2, No. 3 in D minor
Op. 2, No. 4 in A major
Op. 2, No. 5 in D major
Op. 2, No. 6 in A minor
Op. 3, No. 1 in A major
Op. 3, No. 2 in G major
Op. 3, No. 3 in D major
Op. 3, No. 4 in A minor
Op. 3, No. 5 in A major
Op. 3, No. 6 in E minor

12 Quartetos para Violino, Violão, Viola e Violoncelo, Op. 4

No. 1 in A minor
No. 2 in C major
No. 3 in A major
No. 4 in D major
No. 5 in C major
No. 6 in D major
No. 7 in E major
No. 8 in A major
No. 9 in D major
No. 10 in A major
No. 11 in B major
No. 12 in A minor
No. 13 in F minor
No. 14 in A major
No. 15 in A minor

Concerto for violin No. 1, in D major, Op. 6 (1817)

Concerto for violin No. 2, in B minor, Op. 7 (1826) (La Campanella, 'The little bell')

Concerto for violin No. 3, in E major (1830)

Concerto for violin No. 4, in D minor (1830)

Concerto for violin No. 5, in A minor (1830)

Concerto for violin No. 6, in E minor (1815?)

Le Streghe, Op. 8

Carnevale di Venezia, Op. 10

Moto Perpetuo in C major, Op. 11

Non più Mesta, Op.12

I Palpiti, Op.13

60 Variations on Barucaba for violin and guitar, Op. 14

Cantabile in D major, Op. 17

18 Centone di Sonate, for violin and guitar

Arranged works

Introduction, theme and variations from Paisiello's 'La bella molinara' (Nel cor più non mi sento) in G major
Introduction and variations on a theme from Rossini's 'Cenerentola' (Non più mesta)
Introduction and variations on a theme from Rossini's 'Moses' (Dal tuo stellato soglio)
Introduction and variations on a theme from Rossini's 'Tancredi' (Di tanti palpiti)
Maestoso sonata sentimentale (Variations on the Austrian National Anthem)
Variations on God Save the King, Op. 9

Miscellaneous works

Perpetuela (Sonata Movimento Perpetuo)
La Primavera
Sonata con variazioni (Sonata Militaire)
Napoleon Sonata
Romanze in A minor
Tarantella in A minor
Grand sonata for violin and guitar, in A major
Sonata for Viola in C minor
Sonata in C for solo violin

Obras inspiradas por Paganini

Angra - A faixa-título de Angels Cry apresenta um breve arranjo de "Caprice no. 24"
James Barnes – Fantasy Variations on a Theme by Nicolo Paganini
Michael Angelo Batio – No Boundaries
Jason Becker - Perpetual Burn
Hector Berlioz - Harold In Italy was originally commissioned by Paganini as a virtuosic piece for himself, however it did not meet with his approval.
Mario Castelnuovo-Tedesco − Capriccio Diabolico for classical guitar is a homage to Paganini, and quotes "La campanella"
Frédéric Chopin − Souvenir de Paganini for solo piano (1829; published posthumously)
Luigi Dallapiccola – Sonatina canonica in mi bemolle maggiore su "Capricci" di Niccolo Paganini, for piano (1946)
Bela Fleck − "Moto Perpetuo (Bluegrass version)", from Fleck's 2001 album Perpetual Motion, which also contains a more standard rendition of the piece
Fritz Kreisler − Paganini Concerto in D Major (recomposed paraphrase of the first movement of the Op. 6 Concerto) for violin and orchestra
Johann Nepomuk Hummel - Fantasia for piano in C major "Souvenir de Paganini", WoO 8, S. 190.
Franz Lehár − Paganini, a fictionalized operetta about Paganini (1925)
Franz Liszt − Six Grandes Études de Paganini, S.141 for solo piano (1851) (virtuoso arrangements of 5 caprices, including the 24th, and La Campanella from Violin Concerto No. 2)
Yngwie Malmsteen – O Concerto de violino No. 4 foi usado na abertura de "Far Beyond the Sun" no álbum Trial By Fire: Live in Leningrad. Caprice No. 24 foi usada como parte do solo da canção "Prophet of Doom" de seu álbum War to End All Wars.
Cesare Pugni - The Pas de deux from his ballet Satanella borrows themes from Paganini's Carnevale di Venezia, Op.10
Nathan Milstein − Paganiniana, an arrangement of Caprice Nr. 24, with variations based on the other caprices
George Rochberg − Caprice Variations (1970), 50 variations for solo violin
Uli Jon Roth − "Scherzo Alla Paganini" and "Paganini Paraphrase"
Robert Schumann − Studies after Caprices by Paganini, Op.3 (1832; piano); 6 Concert Studies on Caprices by Paganini, Op.10 (1833, piano). A movement from his piano work "Carnaval" (Op. 9) is named for Paganini.
Marilyn Shrude − Renewing the Myth for alto saxophone and piano
Philip Wilby - Paganini Variations, for both wind band and brass band
Steve Vai − "Eugene's Trick Bag" para o filme Crossroads. Caprice Nr. 5
Eugène Ysaÿe − Paganini variations for violin and piano
Rachmaninoff - Rapsódia Sobre Um Tema de Paganini

Homenagens

Um pequeno asteroide (2859 Paganini) descoberto em 1978 pelo astrônomo soviético Nikolai Stepanovich Chernykh tem o seu nome.

Em 1989 foi lançado o filme de terror ficcional Paganini Horror, dirigido por Luigi Cozzi.

2016-04-13T07:55:00.004-07:00

Lista dos museus de arte mais visitados do mundo

O "Museu do Louvre", em Paris, um dos maiores do mundo e o mais visitado museu de arte.

o "Museu Britânico", em Londres, o mais visitado do Reino Unido.

O "Metropolitan", em Nova Iorque, o mais visitado dos EUA.

A "Galeria Nacional", Londres.

Os "Museus do Vaticano", reúne um dos maiores acervos de arte sacra.

"Museu do Palácio Nacional", Taipei.

Teatro Museu-Dalí.

Istanbul Modern.

Philadephia Museum of Art.

Catalunya National Museum of Art (MNAC), in Barcelona.

National Gallery of Austrália..

Stedelijk Museum, em Amesterdão.

Austria, Vienna, Kunsthistorisches Museum.

Fachada do Museu Real da Escócia.

Art Institute of Chicago main entrance. Photo taken by en:User:Pinotgris on April 29, 2007.

Centro Cultural (Cultural Centre) Banco do Brasil (CCBB) in Rio de Janeiro, Brazil.

Hermitage museu em São Petersburgo, Rússia..

Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand.

Museu Nacional da China em Pequim.

Museu Nacional da Coreia.

Museu da Língua Portuguesa.

Museu Van Gogh.

Museu Delacroix.

Museu Oscar Niemeyer.

Museu do Ar e Espaço.

Museu Egípcio.

Museu Imperial.

Palazzo Torrigiani.

Museu Solomon R. Guggenheim.

wikipédia.

Creta

2016-04-12T15:54:00.000-07:00

Creta (em grego: Κρήτη; transl.: Kríti) é a maior e mais populosa ilha da Grécia. Situada no sul do mar Egeu, é a quinta maior ilha do Mediterrâneo e a segunda maior do Mediterrâneo Oriental. Administrativamente é uma região, com capital em Heraclião, que é também a maior cidade da ilha. Tem 8 336 km² e em 2011 tinha 623 065 habitantes (densidade: 74,7 hab./km²).

Creta

Περιφέρεια Κρήτης

Cândia, Tagales

— Região —

Vista do sítio arqueológico de Cnossos

Localização de Creta na Grécia

Coordenadas

35° N 25° E

Capital

Heraclião

Administração

- Governador regional

Stavros Arnaoutakis (2011,PASOK)

Área

- Total

8 336 km²

População (2011)

- Total

623 065

• Densidade

74,74/km²

Gentílico:

cretense

Fuso horário

EET (UTC+2)

- Horário de verão

EEST (UTC+3)

Unidades regionais

Chania • Heraclião • Lasíti •Retimno

Sítio

www.crete.go r v.g

A ilha constitui uma parte significativa da economia e do patrimônio cultural da Grécia, ao mesmo tempo que conserva características culturais próprias, nomeadamente na música e poesia. Foi em Creta que floresceu a Civilização Minoica, entre os primeiros séculos do 3º milênio a.C. e meados do 2º milênio a.C., que é considerada a mais antiga civilização de que há registo na Europa. Segundo a mitologia grega, foi ali que cresceu Zeus e que viveu o Minotauro.

Etimologia

A primeira referência escrita à ilha, em textos da cidade síria de Mari datados doséculo XVIII a.C., é Captara, uma forma repetida por fontes neoassírias posteriores e na Bíblia, onde aparece como Capthtor. No Antigo Egito foi conhecida como Keftiu. Pensa-se que o nome minoico fosse semelhante simultaneamente aos nomes sírio e egípcio.

Em micênico aparece a forma ke-re-si-jo ("cretense") em textos escritos em Linear B, com as palavras ke-re-te (*Krētes; em grego posterior: Κρῆτες, plural de Κρής e ke-re-si-jo (Kresijos; em grego posterior: Κρήσιος), "cretense". Em grego antigo o nome Creta (Κρήτη) aparece pela primeira vez na Odisseia de Homero. A sua etimologia é desconhecida. Uma proposta especulativa sugere que o nome deriva da palavra luvita hipotética *kursatta (cf. kursawar, ["ilha"], kursattar ["cortar" ou "lascar"]). Em latim tornou-se Creta.

O nome árabe original de Creta era Iqrīṭiš (اقريطش), mas depois do estabelecimento pelo Emirado de Creta no século IX da sua nova capital em Rabḍ al-Ḫanda (ربض الخند; moderna Heraclião) tanto a cidade como a ilha passaram a ser chamados Khandhax/Chandáx (Χάνδαξ) ou Khandhakas/Candacas (Χάνδακας), que deu origem ao noma tem uma forma alongada, com 260 km na direção leste-oeste e 60 km na direção norte-sul na e latino sua e veneziano Candia, do qual derivaram o português Candia, o francês Candie e o inglês Candy ou Candia. Durante o domínio otomano, a ilha chamou-se Girit (كريت).^[^{carece de fontes]}

Geografia física

Com 8 336 km² de área, Creta é a maior ilha da Grécia e a quinta maior do Mediterrâneo. Situa-se na parte mais meridional do Egeu, separando este mar do mar da Líbia.

Morfologia

A ilha tem uma forma alongada, com 260 km na direção leste-oeste e 60 km na direção norte-sul na sua parte mais larga. Na parte mais estreita, o istmo de Ierápetra, a distância entre as costas sul e norte é de apenas 12 km. O perímetro total da costa é 1 046 km. A costa é muito recortada.

A costa norte é banhada pelo mar de Creta (em grego: Κρητικό Πέλαγος), a sul pelo mar da Líbia (Λιβυκό Πέλαγος), a oeste pelo mar Mirtoico (Mυρτώο Πέλαγο) e a leste pelo mar de Cárpatos. A ilha encontra-se a cerca de 160 km do ponto mais meridional da Grécia continental, ou seja, da costa sul do Peloponeso.

orografia e hidrografia

Creta é uma ilha montanhosa, encontrando-se as serras mais elevadas ao longo de uma sucessão de altas cordilheiras que praticamente percorrem a ilha de leste a oeste e das quais se destacam, nessesentido:

As Montanhas Brancas que se elevam até aos 2 453 metros no monte Pachnes.

A cordilheira do monte Ida ou Psilorítis, cujo nome se deve à montanha mais elevada (2 456 m), e da qual também faz parte o monte Cédros (1 777 m).

Os montes Dícti, cuja montanha mais alta é Spathi (2 148 m).

A cordilheira de Trípti, cuja montanha mais alta é Afentis (1 476 m).

Estas montanhas originam grandes vales, como o de Amári, planaltos férteis como o de Lasíti, Omalós ou de Nída, cavernas como aIdeana (de Zeus) e Dicteia (de Psicro), onde segundo a lenda Zeus nasceu e foi criado, respetivamente, além de vários desfiladeiros ou gargantas, como a de Samariá, Imbros, Curtaliótico (ou Asomatos), Chá (ou Há), Platánia, a garganta do Morto, em Cato Zacro, Richti, perto de Sitía, etc.

Os principais rios são o Ieropótamo, o Coilíaris, o Anapodiáris, o Almiro e o rio Grande (Megalos Potamós). Há apenas dois lagos de água doce: o Curnás e o Agia, ambos na unidade regional de Chania.^[^{carece de fontes]} O Voulisméni, em Ágios Nikolaos era um lago de água doce, mas no último terço do século XIX foi artificialmente ligado ao mar.

Ilhas em volta

Ao largo das costas de Creta há numerosas ilhas, ilhéus e rochedos. Muitas delas são visitadas por turistas, algumas são visitadas apenas por arqueólogos e biólogos. Algumas são áreas protegidas. Entre elas encontram-se (de oeste para leste):

Imeri e Ágria Gramvoúsa — Situadas no extremo noroeste, junto à laguna de Balos, no município de Císsamos, foram um reduto depiratas e de rebeldes.

Elafonisi — Situada no extremo sudoeste na unidade regional de Chania, ali ocorreu um massacre de várias centenas de pessoas, levado a cabo em 1824 por soldados otomanos, durante a Guerra de independência da Grécia. Outro desastre associado a ilha é o naufrágio do navio de passageiros Imperatrix, em 1907.

Gavdos — Situada 48 km ao largo de Chora Sfakion, é frequentemente apontada como o ponto mais meridional da Europa. Habitada desde o Neolítico, chegou a ter 8 000 habitantes no período bizantino. É um das localizações possíveis da mítica Ogígia, ondeCalipso teve Ulisses como prisioneiro.

Paximadia — São dois ilhéus situados ao largo de Agía Galíni onde, segundo uma versão da mitologia grega a deusa Leto deu à luzApolo e Ártemis.

Dia — Também conhecida como ilha de Zeus (Δία é homónimo de Zeus em grego, situa-se ao largo de Heraclião. Tem diversos vestígios arqueológicos e segundo a lenda é um monstro petrificado por Zeus e é um dos locais onde o herói Teseu poderá ter deixado a sua amante Ariadne quando voltou para Atenas após ter matado o Minotauro.

Spinalonga — Situada ao largo de Elunda, ali existe uma grande fortaleza veneziana e onde funcionou a última leprosaria da Europa.

Chrissi — Situada ao largo de Ierápetra, é famosa pelas suas praias de areia branca e pequenas conchas, pelas águas límpidas azul-turquesa e pouco profundas e pelas abundantes rochas vulcânicas coloridas. Pela sua «rara combinação de ecossistemas, que é habitat de muitas espécies endémicas», e ao seu «elevado valor estético, classificado como de excecional beleza natural», a ilha integra uma área protegida com 700 hectares que faz parte da Rede Natura 2000.

Pseíra — Situada no golfo de Mirabelo, tem importantes vestígios arqueológicos que remontam ao 4º milénio a.C.. Ali se situou uma importante cidade portuária durante o período minoico.

Dionisíades — Situadas ao largo de Siteía, no extremo nordeste de Creta, foram um local de culto de Dionísio. Juntamente com opalmeiral de Vai constituem uma reserva natural.

Cufonisi — Conhecida como Leuce na Antiguidade, situa-se ao largo da extremidade sudeste de Creta. Tem vestígios arqueológicos importantes, que vão do período minoico até ao pós-bizantino. Na Antiguidade era conhecida pela exploração de esponjas e pela produção de uma tintura púrpura a partir do molusco Hexaplex trunculus.

Clima

Creta situa-se entre duas zonas climáticas, a do Mediterrâneo e a do Norte de África, sendo a primeira a predominante. O clima de Creta é, por isso, predominantemente temperado. A humidade pode ser bastante alta, dependendo da proximidade do mar, com os invernos relativamente amenos. A queda de neve é comum nas montanhas entre novembro e maio, mas rara em áreas baixas, embora chegue a ocorrer não só no inverno mas até na primavera. Enquanto nos cumes das montanhas a neve perdure quase todo o ano, junto à costa em geral só dura alguns minutos ou horas. No entanto, por exemplo em fevereiro de 2004, uma vaga de frio atingiu a ilha, que ficou totalmente coberta de neve urante algum tempo. Durante o verão, as temperaturas médias atingem 20 e muitos ou 30 e poucos graus Celsius e as temperaturas máximas 30 e muitos ou pouco mais de 40°C.

A costa sul, incluindo a planície de Messara e os montes Asterúsia, encontra-se na zona climática norte-africana, pelo que desfruta de bastante mais dias de sol e temperaturas altas ao longo do ano do que o resto da ilha. Ali as tamareiras dão fruto e as andorinhaspermanecem todo o ano em vez de migrarem para África. A fértil região em volta de Ierápetra, no canto sudeste da ilha, é conhecida pela sua excecional produção agrícola ao longo de todo o ano. Ali são produzidas em estufas durante o inverno todo o tipo de hortaliçastípicas do verão.

Geografia humana e infraestruturas

Creta é a ilha mais populosa da Grécia — em 2011 tinha 623 065 habitantes. Em meados da década de 2000, aproximadamente 42% da população vivia nas principais cidades, enquanto que 45% vivia em áreas rurais.

As principais cidades cretenses são (dados de 2011):

Heraclião, com 173 993 habitantes no município e 192 215 na área metropolitana

Chania, com 53 910 habitantes na unidade municipal

Retimno, com 28 987 habitantes (em 2001)

Ierápetra, com 23 708 habitantes na unidade municipal

Ágios Nikolaos, com 12 638 habitantes no centro urbano e 20 679 na unidade municipal

Siteía, com 9 912 habitantes no centro urbano e 14 513 na unidade municipal.

Administração

Creta e as pequenas ilhas mais próximas formam a região de Creta (em grego: Περιφέρεια Κρήτης), uma das 13 subdivisões administrativas de primeiro nível criadas pela reforma administrativa de 1987. A reforma administrativa de 2011, conhecida como plano Kallikratis, redefiniu e ampliou os poderes e autoridade dessas regiões. A região de Creta, cuja capital é Heraclião, divide-se em quatro unidades regionais (antes de 2011 designadas prefeituras), as quais são, de oeste para leste: Chania, Retimno, Heraclião e Lasíti. As unidades regionais estão por sua vez subdivididas em 24 municípios e estes em unidades municipais. Na maior parte dos casos, estes últimos eram municípios autónomos, que foram aglomerados pelo plano Kallikratis. Alguns dos municípios correspondem, nem sempre exatamente, a antigas províncias.

O governador da região desde 1 de janeiro de 2011 é Stavros Arnaoutakis, do PASOK, eleito nas eleições regionais de novembro de 2010.

População

É de extrema importância ressaltar que os povoadores de Creta eram provindos ou da Europa Continental (da Península dos Balcãs, neste caso, da Grécia continental), da Península da Ásia Menor ou de ambas as regiões. O povoamento humano ocorreu durante a Pré-História, há várias dezenas de milhares de anos, quando a espécie homo sapiens (humanos modernos) se estabeleceu pela primeira vez na ilha.

Os habitantes mais antigos de que existem registos históricos eram os eteocretenses, cuja Civilização Minoica foi a primeira em território europeu, e que terá começado no 3º milénio a.C. A questão da origem dos eteocretenses e da sua língua ainda está em debate. Há linguistas e filólogos que filiam o povo e a língua eteocretense no ramo de linguas anatólicas indo-europeias, enquanto outros os filiam em outro ramo indo-europeu ou ainda em povos e em línguas pré-indo-europeias do Mar Mediterrâneo do Norte.

Em finais do 2º milénio a.C., nos séculos XIII e XII a.C., os gregos micênicos terão conquistado a ilha e introduzido a sua língua, que, depois de vários séculos, substituiu o eteocretense. Depois de alguns séculos, os cretenses passaram a identificar-se étnica e linguisticamente com os restantes gregos. O dialeto grego da Antiguidade falado pelos cretenses era mais aparentado com os dialetosdórios da península do Peloponeso (caso do espartano, o dialeto de Esparta).

Tradicionalmente, a população era quase toda formada por pescadores e marinheiros mas a atividade agrícola também era essencial para a vivência da população da ilha.

Economia

A economia da ilha baseia-se sobretudo em serviços, entre os quais se destaca o turismo, embora a agricultura ainda tenha uma papel importante, sendo Creta uma das únicas ilhas gregas que seria auto-suficiente sem a indústria turística.^[16] A economia começou mudar visivelmente durante a década de 1970, quando o turismo começou a ganhar cada vez mais importância. Embora a agricultura e a pecuária continuem a ser importantes, devido ao clima e terreno da ilha, verificou-se uma diminuição da manufatura e uma expansão dos serviços, sobretudo dos relacionados com o turismo. Os três setores principais da economia cretense (agricultura/pecuária, indústria alimentícia e serviços) estão intimamente ligados e muito interdependentes. O rendimento per capita é substancialmente mais alto do que a média grega e o emprego no final da década de 2000 era aproximadamente 4%, metade da média nacional.

Como em muitas regiões gregas, a viticultura e olivicultura têm um papel muito significativo. A produção de laranjas e limões também é importante. Até há alguns anos havia restrições nas importações de bananas na Grécia, pelo que este fruto era cultivado em Creta, quase sempre em estufas. A produção de laticínios também tem uma contribuição importante para a economia local e há diversas especialidades de queijo, como o mizithra, antótiros ou kefalotiri.

Turismo

Creta é um dos destinos de férias mais populares na Grécia. 15% das chegadas de turistas registadas no país são feitas pelo porto ou pelo aeroporto de Heraclião e os voos charter para esta cidade constituem 20% de todos os voos charter na Grécia. A ilha é visitada por mais de dois milhões de turistas anualmente.^[^{carece de fontes]} O número de camas de hotel aumentou 53% em Creta entre 1986 e 1991, quando no mesmo período o aumento a nível nacional foi 25%. Atualmente as infraestruturas turísticas da ilha são dirigidas a uma grande variedade de preferências, e incluem alojamentos de todos os tipos e preços, que vão dos grandes hotéis de luxo com grandes piscinas, jardins, instalações esportivas e de recreio, até parques de campismo, passando por apartamentos e pequenos hotéis explorados por famílias ou simplesmente quartos arrendados.

Além das inúmeras praias e alguns centros de grande animação noturna, como Chersonissos e principalmente Mália, outras atrações turísticas populares são os sítios arqueológicos, nomeadamente os minoicos, os centros históricos e portos venezianos de Chania e Retimno, o castelo veneziano nesta última cidade, as inúmeras igrejas e mosteiros ortodoxos, as espetaculares gargantas, das quais a maior e mais famosa é a de Samariá, as ilhas de Chrissi, Elafonisi, Gramvoúsa e Spinalonga e a praia das palmeiras de Vai.

O clima ameno de Creta atrai o interesse de europeus do norte que procuram uma casa de férias ou residência permanente na ilha. Os cidadãos da União Europeia podem comprar livremente propriedades e residir sem que sejam necessárias grandes formalidades. Um número cada vez maior de empresas imobiliárias têm o seu negócio focado sobretudo em expatriados britânicos, seguidos de alemães, holandeses, escandinavos e outras nacionalidades da Europa Ocidental que querem ter uma casa em Creta. Os expatriados britânicos concentram-se principalmente nas unidades regionais ocidentais de Chania e Retimno e, em menor escala, Heraclião e Lasíti.

Um dos atrativos óbvios em termos de turismo cultural são os sítios arqueológicos, com destaque para os sítios minoicos de Cnossos eFesto e o sítio clássico de Gortina, entre inúmeros outros. Um pouco por toda a ilha há vários museus, nomeadamente arqueológicos, entre os quais se destaca, pelas suas excecionais coleções minoicas, o Museu Arqueológico de Heraclião.

Transportes

A ilha dispõe de uma rede de estradas asfaltadas que chega praticamente a todas as localidades. No entanto, não há qualquerautoestrada na verdadeira aceção do termo, embora haja uma via rápida ao longo da costa norte, que liga Chania a Ágios Nikolaos.

Creta tem três aeroportos internacionais: um em Heraclião (Nikos Kazantzakis; IATA: HER; ICAO: LGIR), outro em Chania (Daskalogiannis; IATA; CHQ; ICAO: LGSA) e outro, mais pequeno, em Siteía (IATA: JSH; ICAO: LGST). O aeroporto de Heraclião é o mais movimentado da Grécia a seguir ao de Atenas; em 2012 serviu 5 051 496 passageiros, 83,3% deles de voos internacionais. No mesmo ano, o aeroporto de Chania serviu 1 832 974 passageiros (78,3% internacionais) e o de Siteía 37 081 (6,4% internacionais). Há muito que há planos para substituir o aeroporto de Heraclião por um novo, em Castéli, no local que atualmente é uma base aérea.

A ilha é bem servida por ferryboats, sobretudo do Pireu, o porto de Atenas, mas também de outras ilhas, por companhias como a Minoan Lines e a ANEK Lines, que operam principalmente nos portos de Heraclião, Souda e Retimno e, em menor escala, também emCíssamos, Ágios Nikolaos e Siteía.

Atualmente não há transportes ferroviários em Creta, embora nas décadas de 1920 e 1930 tenha havido uma pequena linha industrial debitola estreita em Heraclião, entre Giofyros, na parte ocidental, e o porto, situado a leste do centro, com 6 km de extensão.

Fauna e flora

Creta está isolada de qualquer continente, o que se reflete na diversidade e especificidade da sua fauna e flora. Em resultado do seu isolamento, a fauna e flora de Creta pode fornecer muitas pistas para a evolução das espécies. Ao contrário de outras regiões da Grécia, não há animais perigosos para o homem. Os antigos gregos atribuíam a inexistência de cobras venenosas ou grandes mamíferos comoursos, lobos ou chacais ao trabalho de Héracles, que levou um touro cretense vivo para o Peloponeso. Héracles queria honrar o local de nascimento de Zeus removendo todos os animais "prejudiciais" e "perigosos" de Creta. Mais tarde, os cretenses acreditaram que a ilha tinha sido limpa de criaturas perigosas pelo apóstolo Paulo, que passou por Creta e, segundo a lenda, teria vivido lá durante dois anos. São Paulo teria conseguido expelir aos animais perigosos através de exorcismo e bênçãos.

Em Heraclião há um museu de histórial natural, administrado pela Universidade de Creta, e dois aquários públicos: o Aquaworld em Chersonissos e o Cretaquarium em Gournes, nos quais se podem ver seres marinhos comuns nas águas de Creta, ambos situados poucos quilómetros a leste de Heraclião.

Mamíferos

No Pleistoceno Creta teve algumas espécies de mamíferos bastante peculiares pelo seu pequeno tamanho, como o elefante-pigmeu(Mammuthus creticus, Palaeoloxodon chaniensis ou Palaeoloxodon creutzburgi), o hipotótamo-pigmeu-de-creta (Hippopotamus creutzburgi) e o Candiacervus (um veado)

Os mamíferos atuais incluem o vulnerável kri-kri (Capra Aegagrus Creticus), a cabra selvagem de Creta, que vive no parque nacional de Samariá e nas ilhas de Thodorou, Dia e Agioi Pandes, o gato-bravo-cretense (Felis silvestris cretensis) e o rato-espinhoso-cretense (Acomys minous)Outros mamíferos terrestres incluem espećies ou susbespécies endémicas como a fuinha-cretense, adoninha-cretense, o texugo-cretense e o musaranho-cretense (Crocidura zimmermanni), esta última ameaçada de extinção. Outros mamíferos dignos de destaque são, por exemplo, o ouriço-cacheiro Hemiechinus auritus e o arganaz.

As espécies de morcego incluem o Rhinolophus blasii, o Rhinolophus hipposideros, o Rhinolophus ferrumequinum, o Myotis blythii, omorcego-lanudo (Myotis emarginatus), morcego-de-kuhl (Pipistrellus kuhlii), morcego-anão (Pipistrellus pipistrellus), morcego-de-savi(Hypsugo savii), morcego-hortelão (Eptesicus serotinus), morcego-orelhudo-castanho (Plecotus auritus), morcego-de-peluche(Miniopterus schreibersii), morcego-rabudo (Tadarida teniotis) e Myotis mystacinus

Aves

Há uma grande variedade de aves, que incluem águias (principalmente em Lasíti), andorinhas (por toda a ilha no verão e todo o ano no sul da ilha), pelicanos (ao longo da costa), grous (em Gavdos, Gavdopoula). As montanhas cretenses são refúgio para o abutre-barbudo,águia-real, abutre-fouveiro, falcão-da-rainha, falcão-peregrino, falcão-borni, peneireiro-vulgar, aluco, mocho-galego, gralha-cinzenta,gralha-de-bico-vermelho, gralha-de-bico-amarelo, poupa-eurasiática.

Répteis e anfíbios

Há diversas espécies de répteis e tartarugas. Em alguns locais há serpentes escondidas debaixo das rochas. Quando chove podem ver-se sapos e rãs. Os répteis incluem o Lacerta trilineata, camaleão-comum (Chamaeleo chamaeleon), Chalcides ocellatus, osga-moura(Tarentola mauritanica), Ablepharus, osga-turca (Hemidactylus turcicus), Cyrtopodion kotschyi, tartaruga-grega (Testudo graeca eMauremys caspica).

Há quatro espécies de serpentes, nenhuma perigosa para o homem. Estas incluem a Zamenis situla, Hierophis gemonensis, Natrix tessellata e a única serpente venenosa, uma espécie de cobra-gato noturna que evoluiu para produzir um veneno fraco na parte detrás da boca para paralisar osgas e pequenos lagartos e que não é perigosa para humanos.

Entre as tartarugas podem mencionar-se a tartaruga-verde (Chelonia mydas) e a tartaruga-comum (Caretta caretta), ambas espécies ameaçadas.^[34] A última faz ninhos e desova nas praias da costa norte, em volta de Retimno e Chania, e na costa sul, ao longo do golfo de Messara.

História

Fresco do "Princípe dos Lírios", em Cnossos

Há vestígios de hominídeos em Creta desde pelo menos há 130 000 anos. Os assentamentos datados do Neolítico pré-cerâmico, no 7º milénio a.C., tinham animais domésticos como bovinos, ovinos, caprinos, suínos e cães, além de cultivarem cereais e legumes. Um dos maiores desses assentamentos foi Kephala, que depois se tornaria Cnossos, o maior centro urbano da ilha. Outros assentamentos neolíticos foram Magasa e Trapeza.

Nos primeiros séculos do 3° milénio a.C., desenvolveu-se em Creta a Civilização Minoica, a primeira civilização avançada europeia, que atingiu um elevado grau de sofisticação em vários campos. As ruínas minoicas mais monumentais, os chamados palácios, como Cnossos, Festo, Mália e Hagia Triada, são atualmente atrações turísticas. A Civilização Minoica irradiou depois para outras regiões do mar Egeu, incluindo a Grécia continental. A partir da primeira metade do 2º milénio a.C. Creta chegou a ser o centro cultural e comercial do Mediterrâneo Oriental, graças à sua marinha, que transportava produtos comovinho, azeite, cerâmica, tecidos e joalharia tanto para locais vizinhos como para paragens mais distantes, como a Sicília ou o Egito. Os minoicos usaram um tipo de escrita, o Linear A, que ainda não foi decifrado. A história cretense primitiva está repleta de lendas como as do rei Minos, Teseu e o Minotauro, as quais foram transmitdias oralmente e chegaram até oas nossos dias graças a poetas como Homero.

A Civilização Minoica extinguiu-se no final do século XV a.C., quando a ilha foi ocupada militarmente pelos aqueus (Civilização ménica), oriundos do continente grego. Embora durante algum tempo se tivesse afirmado que a causa principal para o declínio minoico foram ostsunamis causados pela erupção de Tera, que se estima ter ocorrido em algum momento entre 1 650 e 1 450 a.C., ultimamente essa hipótese é posta em causa, quando não rejeitada, por diversos estudiosos. Os registos mais antigos de escrita em grego, escritas emLinear B, são do período micénico ca. e foram encontrados em Cnossos.

Após o período minoico, a ilha foi dominada por várias entidades gregas, embora a ilha fosse repartida entre várias cidades-estado independentes, algumas delas bastante poderosas. No século IV a.C. houve uma grande guerra entre as principais cidades da ilha. No primero quartel do século I a.C., as cidades-estado cretenses envolveram-se nas Guerras Mitridáticas entre a República Romana e oReino do Ponto. Um ataque romano à ilha em 71 a.C. comandado por Marco António Crético foi repelido. No entanto, em 69 a.C., os romanos lançaram outra campanha militar em grande escala contra a ilha, com três legiões sob o comando de Quinto Cecílio Metelo Crético, e em 67 a.C. toda a ilha estava sob o domínio romano. Há algum tempo que Cnossos tinha perdido protagonismo em favor deGortina, que se tornou a capital não só da ilha como da província romana de Creta e Cirenaica, criada em 20 a.C. e que incluía também grande parte do que é hoje a Líbia. Com a reforma administrativa de Diocleciano (r. 284–305 d.C.), a província de Creta passou a fazer parte da Diocese da Mésia, da Prefeitura pretoriana da Ilíria. Creta foi separada da Cirenaica em ca. 297 e em 306, durante o reinado deConstantino, passou a fazer parte da Diocese da Macedónia.

Quando o Império Romano foi dividido, Creta ficou na parte oriental, modernamente conhecida como Império Bizantino. A ilha foi devastada por sismos em 365 e 415, atacada por vândalos em 467, por eslavos em 623 e po árabes em 654, na década de 670 e durante o século VIII. Circa 732, o imperador Leão III, o Isáurio transferiu a jurisdição da ilha do papa para o Patriarcado de Constantinopla.

Entre 823–961, a ilha foi ocupada pelos árabes, tendo sido reconquistada pelo Império Bizantino no ano de 961, que a tornou numa base naval importante. Após a Quarta Cruzada, nos pimeiros anos do século XIII, passou para as mãos da República de Veneza. Estes teriam que defender a ilha das investidas dos otomanos durante o século XV. Os turcos instalaram-se na ilha em 1645 e acabam por conquistá-la totalmente em 1715, introduzindo o islamismo sunita, contudo, a grande maioria da população permaneceu fiel ao cristianismo ortodoxo grego.

Tornou-se um estado autónomo em 20 de março de 1898 e independente em 6 de outubro de 1908 ficando a população dividida entre turcos e gregos.

Mitologia

Lista de soberanos cretenses na mitologia grega:

Astério, marido de Europa

Minos, filho de Zeus e Europa (Minos pode ter sido um rei mitológico ou pode ter sido um termo local para rei, semelhante à palavrafaraó no Egito)

Deucalião, filho de Minos (ou de outro Minos)

Idomeneu, neto de Minos

Wikipedia

2016-01-29T13:53:00.001-08:00

Katharine Hepburn

Katharine Hepburn
Katharine em 1941
Nome completo	Katharine Houghton Hepburn
Outros nomes	First Lady of Cinema Kate The Great Kate
Nascimento	12 de maio de 1907 Hartford, Connecticut
Nacionalidade	norte-americana
Morte	29 de junho de 2003 (96 anos) Old Saybrook, Connecticut
Ocupação	Atriz
Atividade	1928 - 1994
Cônjuge	Ludlow Ogden Smith (1928 - 1934) Spencer Tracy (1941 - 1967; sua morte) (parceiro)
Oscares da Academia
Melhor Atriz Principal 1934 - Morning Glory 1968 - Guess Who's Coming to Dinner 1969 - The Lion in the Winter 1982 - On Golden Pond
Emmys
Melhor Atriz (Minissérie/Filme) para televisão 1975 - Love Among the Ruins
Prémios Screen Actors Guild
Screen Actors Guild Life Achievement Award 1979 - Prémio Honorário
Prémios BAFTA
Melhor Atriz Principal 1969 - The Lion in the Winter 1969 - Guess Who's Coming to Dinner 1983 - On Golden Pond
Festival de Cannes
Melhor Atriz Principal 1962 - Long Day's Journey into Night
Outros prêmios
Festival de Veneza - Melhor atriz 1934 - Little Women American Film Institute 1990 - AFI Honorário Urso de Ouro 1984 - Honorário
IMDb: (inglês)

Katharine Houghton Hepburn (Hartford, 12 de Maio de 1907 — Old Saybrook, 29 de Junho de 2003) foi uma importante atriz dos Estados Unidos. Hepburn foi indicada 12 vezes ao prêmio Oscar, que venceu em quatro ocasiões, marca até hoje não superada por nenhuma atriz.^[1]

A carreira de Hepburn é vista como uma das mais famosas de Hollywood e durou por mais de 60 anos. Ela trabalhou com diversos tipos de gêneros da comédia ao drama e recebeu quatro prêmios do Oscar de Melhor Atriz, um recorde até os dias atuais. Criada no Connecticut por pais ricos e progressistas, Hepburn começou a atuar enquanto estudava na Bryn Mawr College. Depois de quatro anos no teatro, críticas favoráveis a seu trabalho na Broadway trouxeram-lhe a atenção de Hollywood. Seus primeiros anos na indústria cinematográfica foram marcados por sucessos, incluindo um Oscar por sua atuação em Morning Glory em 1933, mas este filme foi seguido por uma série de fracassos comerciais. Em 1938 ela foi rotulada como "veneno de bilheteria". Na década de 1940 ela foi contratada pela a Metro-Goldwyn-Mayer, onde sua carreira foi focada em uma aliança com Spencer Tracy.

Hepburn alcançou grande sucesso na segunda metade de sua vida, onde ela apareceu em varias produções de Shakespeare. Ela conseguiu aprovação atuando como mulheres de meia-idade, como em The African Queen em 1951. Três Oscares vieram mais tarde por seu trabalho em Adivinhe Quem Vem Para Jantar em 1967, O Leão no Inverno em 1968, e On Golden Pond em 1981. Na década de 1970 ela começou a aparecer em filmes de televisão, que se tornaram o foco de sua carreira mais tarde. Ela permaneceu ativa até a velhice e morreu em 2003, com 96 anos. Em 1999, ela foi nomeada pelo American Film Institute como a maior estrela feminina de todos os tempos.

Início da vida

Hepburn nasceu em Hartford, Connecticut, em 12 de maio de 1907, a segunda de seis crianças. Seus pais eram Thomas Norval Hepburn (1879-1962), um urologista do Hospital Hartford, e Katharine Martha Houghton (1878-1951), uma ativista feminista. Quando ela era criança, a mãe de Hepburn entrou em vários protestos a favor do "Votos para mulheres".

Katharine Hepburn jovem em 1928.

Hepburn, quando jovem, gostava de ser chamada de Jimmy e gostava de cortar o cabelo curto como o de um rapaz. Thomas Hepburn, seu pai, ensinou seus filhos a nadar, cavalgar, lutar e jogar golfe e tênis. Hepburn era um fã de filmes desde criança, e ela foi várias vezes ao cinema.

Em 3 de abril de 1921, ao visitar amigos em Greenwich Village, Hepburn descobriu seu irmão mais velho, Tom, que ela adorava, morto, aparentemente por suicídio Ele amarrou uma folha em torno de uma viga e se enforcou. A família de Hepburn negou que tenha havido suicídio e afirmou que a morte de Tom deve ter sido uma experiência que tinha dado errado. O incidente fez com que Hepburn se tornasse nervosa, temperamental, e a desconfiar de pessoas. Ela se afastou das outras crianças, saiu da Oxford School, e começou a receber aulas particulares. Durante muitos anos, celebraria o aniversário de Tom (8 de novembro) como seu próprio aniversário.

Em 1924, Hepburn ganhou um lugar no Bryn Mawr College, que frequentou principalmente para satisfazer a sua mãe, que tinha estudado lá, e recordou que não gostou da experiência. Ela lutou com as exigências escolares do ensino universitário, e foi suspensa por fumar em seu quarto. Hepburn foi escolhida para atuar, mas os papéis em peças da faculdade eram condicionados às boas notas. Uma vez que suas notas haviam melhorado, começou a se apresentar regularmente. O papel do líder em uma produção de A Mulher na Lua, em seu último ano, e a resposta positiva que recebeu, fez com que ela seguisse sua carreira no teatro. Acabaria por se formar em história e filosofia.

Carreira

Teatro

Katharine Hepburn em 1940

Hepburn deixou Bryn Mawr determinada a se tornar uma atriz.^[4] Um dia depois de ter se formado, ela viajou para Baltimore para atender Edwin H. Knopf, que dirigia uma bem-sucedida companhia de teatro. Impressionado com Hepburn, Knopf colocou-a em sua produção atual, a Czarina. Ela recebeu boas críticas por seu papel pequeno. Na semana seguinte ela atuou em um outro show semanal, mas ela foi criticada por sua voz aguda, e assim deixouBaltimore para estudar com um tutor de voz aclamado em Nova Iorque.

Katharine Hepburn em O Marido da Guerreira.

Knopf decidiu produzir o Big Pond em Nova York e pediu Hepburn para ser a substituta para a protagonista. Uma semana antes da abertura, a protagonista foi demitida e substituída por Hepburn. Na noite de estreia, Hepburn misturou suas linhas, tropeçou nos seus pés, e falou muito alto e rápido. Ela foi prontamente demitida, e a protagonista original foi recontratada. Sua estreia na Broadway veio em 12 de novembro de 1928, no Teatro Cort, mas os comentários para o show eram pobres e fechou depois de oito noites. No início de dezembro, ela deixou o teatro para se casar com Ludlow Ogden Smith, seu namorado da faculdade. Ela planejava deixar o teatro para trás, mas começou a perder o trabalho e rapidamente retomou o papel de uma estudante em férias.

Hepburn apareceu em um grande número de peças em Connecticut, e ela provou ser um sucesso. Durante o verão de 1931, Philip Barry pediu-lhe para aparecer em sua nova peça, The Animal Kingdom, ao lado de Leslie Howard. Começaram os ensaios em novembro, e Hepburn sentiu que este era o papel para fazer dela uma estrela, mas Howard não gostava da atriz e mais uma vez ela foi demitida. Ela pegou um pequeno papel em um peça, mas como os ensaios começaram, ela recebeu uma oferta de ler para o papel principal na fábula grega O Marido da Guerreira.

O biógrafo Charles Higham afirma que a peça, que exige uma energia agressiva e atlética, era ideal para a atriz, e ela se envolveu com entusiasmo a sua produção. Foi inaugurada em 11 de março de 1932, no Teatro Morosco na Broadway. O espetáculo decorreu durante três meses, e Hepburn recebeu críticas positivas.

Katharine Hepburn

Sucesso em Hollywood

Katharine Hepburn em A Bill of Divorcement

Hepburn chegou à Califórnia em julho de 1932, aos 25 anos de idade. Ela estrelou o filme A Bill of Hepburn chegou à Califórnia em julho de 1932, aos 25 anos de idade. Ela estrelou o filme A Bill of Divorcement junto com John Barrymore. O filme foi um sucesso e Hepburn recebeu ótimas críticas. O The New York Times chamou a atuação de "excecionalmente bem … a caracterização da senhorita Hepburn é uma das melhores vistas na tela". Com o sucesso de A Bill of Divorcement, a RKOassinou com a atriz a um contrato de longo prazo. Nesse período ela conheceu George Cukorque se tornou um amigo e colega dela, e ele e Hepburn fizeram dez filmes juntos.

O segundo filme Hepburn foi Christopher Strong (1933), a história de uma aviadora e seu caso com um homem casado. O filme não foi bem sucedido comercialmente, mas os comentários para Hepburn foram bons. Seu terceiro filme confirmou Hepburn como atriz principal em Hollywood. Ao atuar como a aspirante a atriz Eva Lovelace em Morning Glory, ela ganhou o Oscar de Melhor Atriz. Ela tinha visto o guião sobre a mesa do produtor Pandro S. Berman e ficou convencida que havia nascido para o papel. Hepburn optou por não participar da cerimônia de entrega de prêmios, mas ficou emocionada com a vitória. O sucesso continuou com o papel de Jo na adaptação cinematográfica de Little Women (1933). O filme foi um sucesso, um dos maiores sucessos da indústria do cinema até hoje, e Hepburn ganhou o prêmio de Melhor Atriz no Festival de Veneza. Little Women era um dos filmes favoritos pessoais de Hepburn e ela ficou orgulhosa de seu desempenho.

Katharine Hepburn em Little Women

Até o final de 1933 Hepburn estava no topo de sua profissão, mas desejava provar-se naBroadway. Jed Harris, um dos produtores teatrais de maior sucesso da década de 1920, estava passando por uma crise na carreira. Ele perguntou a Hepburn se ela gostaria de aparecer na peça The Lake, e ela concordou em fazer por um salário baixo. The Lake foi um completo fracasso. Antes que ela conseguisse a licença para participar de The Lake, a RKO pediu que ela fizesse o filme Spitfire (1934). O papel de Hepburn no filme foi de Gatilho Hicks, uma menina de montanha sem instrução. É amplamente considerado um dos seus piores filmes, e Hepburn recebeu críticas negativas pelo o seu papel.

Veneno de bilheteria

Após os fracassos de Spitfire e de The Lake, a RKO lançou Hepburn em The Little Minister(1934), baseado em um romance vitoriano de James Barrie, em uma tentativa de repetir o sucesso de Little Women. Não houve recidiva tal, e o filme foi um fracasso comercial. O drama romântico Break of Hearts (1935), com Charles Boyer também perdeu dinheiro nas bilheterias. Depois de três filmes esquecíveis, o grande êxito voltou a Hepburn com Alice Adams (1935), a história de desespero de uma menina para ascender na escala social. O filme foi um sucesso, um dos favoritos pessoais de Hepburn, e deu a atriz sua segunda indicação ao Oscar.

Katharine Hepburn no filme Mary of Scotland de 1936.

Em 1935 ela atuou em Sylvia Scarlett (1935) de George Cukor onde ela atuou pela primeira vez com Cary Grant. Seu cabelo foi cortado, por que seu personagem se disfarça de menino no filme. Os críticos não gostaram Sylvia Scarlett e ela era impopular com o público. Por seu próximo filme ela interpretou Mary Stuart no filme de John Ford Mary of Scotland (1936). Novamente com uma recepção pobre. A Woman Rebels (1937), e Quality Street (1937) tiveram um cenário de época, mas ambos foram um fracasso. Nenhum filme era popular com o público, o que significava que ela tinha feito quatro filmes mal sucedidos em uma fileira.

Juntamente com uma série de filmes impopulares, surgiram problemas na atitude de Hepburn Ela teve um relacionamento difícil com a imprensa, com a qual era rude e provocativa. Quando lhe perguntaram se ela tinha filhos, ela respondeu, "Sim, eu tenho cinco: dois brancos e três negros " Ela não dava entrevistas e negou pedidos de autógrafos, o que lhe valeu o apelido de "Katharine de arrogância". O público também ficou perplexo com sua comportamento infantil e escolhas fora de moda, e ela se tornou uma figura muito impopular. Hepburn percebeu que ela precisava para deixar Hollywood, e ela retornou para o leste para estrelar uma adaptação teatral de Jane Eyre. Teve uma bem sucedida turnê , mas incerta sobre o roteiro e não querendo correr o risco de falhar novamente após o desastre de The Lake, Hepburn decidiu ir contra o show ir para a Broadway. No final de 1936, Hepburn disputava o papel de Scarlett O'Hara em E Tudo o Vento Levou. O produtor David O. Selznick se recusou a oferecer-lhe o papel porque sentiu que ela não tinha senxualidade para o papel.

Katharine Hepburn em Bringing Up Baby

O seu filme seguinte, Stage Door (1937) foi com Ginger Rogers em um papel que reflete sua própria vida, que de uma menina rica da sociedade tentando se tornar atriz. O filme foi nomeado para Oscar de Melhor Filme mas não foi o sucesso de bilheteria que a RKO esperava. Ela atuou em na comédia Bringing Up Baby ao lado de Cary Grant, que foi aclamado pela crítica, mas foi, no entanto, sem sucesso nas bilheterias. Com o gênero imensamente popular no momento, o biógrafo de A. Scott Berg acredita que a culpa do fracasso estivesse com a rejeição dos espectadores de Hepburn.

Bringing Up Baby foi o último filme de Hepburn na RKO. Após sua liberação, Hepburn foi incluída em uma lista de atores considerados "Veneno de Bilheteria". O próximo filme a lhe ser oferecido foi Mother Carey's Chickens, um filme com poucas perspectivas. Durante aquele período muitos atores tinham medo de deixar a estabilidade do sistema dos estúdios no momento, mas a riqueza pessoal Hepburn significava que ela poderia se dar ao luxo de ser independente. Ela assinou contrato para a versão cinematográfica de Férias (1938) com aColumbia Pictures, atuando pela a terceira vez com Grant. A comédia foi bem recebida pela crítica, mas novamente um fracasso de bilheteria. Refletindo sobre essa mudança de fortunas, Andrew Britton descreve Hepburn da seguinte forma:

Nenhuma outra estrela surgiu com maior rapidez ou com mais aclamação em êxtase. Mas também nenhuma outra estrela tornou-se tão impopular em tão pouco tempo.

— Andrew Britton sobre a carreira de Hepburn

Retorno

James Stewart e Katharine Hepburn em The Philadelphia Story

Após este declínio em sua carreira, Hepburn tomou medidas para criar o seu próprio retorno. Ela deixouHollywood para procurar um projeto de estágio, e assinou contrato para estrelar a nova peça de Philip Barry, The Philadelphia Story. Foi adaptado para mostrar a atriz, com o caráter da socialite Tracy Lord incorporando uma mistura de humor, agressividade, nervosismo e vulnerabilidade. Howard Hughes, namorado de Hepburn na época, percebeu que a peça poderia ser seu bilhete de volta para Hollywood e lhe comprou os direitos do filme antes mesmo de estrear no palco. The Philadelphia Story em sua primeira turnê nos Estados Unidos, foi recebido com críticas positivas, e, em seguida, abriu emNova York, na Schubert Theatre em 29 de março de 1939. Foi um grande êxito, tanto pela crítica como financeiramente, com 417 performances e depois ainda houve uma segunda turnêbem-sucedida.

Vários dos grandes estúdios de cinema se aproximaram de Hepburn para produzir a versão cinematográfica da peça de Barry. Ela optou por vender os direitos para a Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), com a condição de que ela fosse a estrela. Como parte do acordo, ela também exigiu o diretor George Cukor, mas as co-estrelas que ela queria, Clark Gable e Spencer Tracy, estavam indisponíveis. Louis B. Mayer prometeu a ela então James Stewart e Hepburn escolheu seu amigo e anterior co-estrela, Cary Grant. The Philadelphia Story foi um dos maiores sucessos de 1940, quebrando os recordes da Radio City Music Hall. A Variety afirmou, "É o filme de Katharine Hepburn … A concepção perfeita da socialite avoada, mas com personalidade principal, a história sem ela é quase inconcebível." Hepburn foi indicada para ao seu terceiro Oscar de Melhor Atriz.

Hepburn também foi responsável pelo desenvolvimento de seu próximo projeto, a comédia romântica Woman of the Year co-estrelado por Spencer Tracy. Lançado em 1942, Mulher do Ano foi outro sucesso. Os críticos elogiaram a química entre as estrelas e o O World-Telegram elogiou duas "performances brilhantes", e Hepburn foi indicada para ao seu quarto Oscar de Melhor Atriz.

Katharine Hepburn emStage Door Canteen (1943).

Décadas de 1940 e 1950

Katharine Hepburn em The African Queen (1951).

Katharine Hepburn e Spencer Tracy no filme Adam's Rib de 1949.

Desde Woman of the Year Hepburn havia se comprometido em um relacionamento amoroso com Tracy e se dedicou a ajudar a estrela, que sofria de alcoolismo e insônia. Sua carreira desacelerou, e como resultado, e ela trabalhou menos do que década de 1930, e não apareceu no palco novamente até 1950. Sua única aparição em 1943 era de um cameo no filme de guerra moral Stage Door Canteen, atuando como ela mesma. Ela atuou como um camponês chinês no drama Dragon Seed. Em seguida, ela se reuniu com Tracy para a versão cinematográfica de Without Love (1945). Without Loverecebeu críticas negativas, mas uma nova imagem de Tracy-Hepburn foi um grande evento e era popular em seu lançamento.

O seguinte filme de Hepburn seria Undercurrent (1946), um filme noir com Robert Taylor e Robert Mitchum, que foi mal recebido. Ela fez um novo filme com Tracy em 1947 chamado de The Sea of Grass. No mesmo ano, Hepburn interpretou Clara Wieck Schumann em Song of Love. Ela treinou intensamente com um pianista para o papel. Seu próximo papel filme veio de forma inesperada, ela concordou em substituir Claudette Colbert apenas alguns dias antes do início das filmagens do filme de Frank Capra, o drama político chamado State of the Union (1948) Os críticos reagiram positivamente ao filme e teve um bom desempenho nas bilheterias.

Tracy e Hepburn apareceu no cinema em conjunto pelo o terceiro ano consecutivo em 1949 com o filme Costela de Adão. Uma história de advogados casados que se opõem uns aos outros no tribunal, onde Hepburn descreveu como "perfeito para [Tracy] e mim". Ela foi fundamental na escalação de Judy Holliday para o filme, que deu o pontapé inicial na carreira da jovem atriz de Hollywood. Costela de Adão foi um sucesso, com críticas favoráveis e um dos filmes mais rentáveis de Tracy e Hepburn.

Os anos de 1950 vieram para que Hepburn assumisse uma série de desafios profissionais, e estende-se ainda mais do que em qualquer outra atriz em sua vida em uma idade quando a maioria das atrizes começaram a recuar. Em janeiro de 1950, Hepburn fez seu primeiro empreendimento em Shakespeare, atuando como Rosalind em As You Like It. Os comentários para Hepburn foram variados, mas ela foi apontada como a única mulher em Hollywood que estava apresentando bons desempenhos no palco.

Em 1951, Hepburn filmou The African Queen, seu primeiro filme colorido, onde interpretou Rose Sayer, uma solteirona missionária na África Oriental Alemã com a eclosão da I Guerra Mundial. Co-estrelado por Humphrey Bogart, The African Queen foi filmado principalmente no Congo Belga, uma oportunidade que Hepburn abraçou. Foi uma experiência difícil, e Hepburn acabou ficando doente com disenteria durante as filmagens. O filme foi lançado no final de 1951 com o apoio popular e aclamado pela crítica , e deu a Hepburn sua quinta indicação ao Oscar de Melhor Atriz.

Hepburn fez a comédia esportiva Pat and Mike (1952), outro filme com Tracy. Pat e Mike foi um dos filmes mais populares e aclamados pela crítica de Tracy e Hepburn, e também era um dos favoritos pessoais de Hepburn dos nove filmes que ela fez com Tracy. O desempenho lhe rendeu uma indicação para o Globo de Ouro de Melhor Atriz - Comédia ou Musical.

No verão de 1952, Hepburn apareceu no West End de Londres para uma temporada de dez semanas em The Millionairess. Seus pais tinham visitado a West End quando ela era criança, o que tornou a peça uma experiência especial para a atriz.

Pat and Mike foi o último filme por completo em seu contrato com a MGM, tornando-a livre para escolher seus próprios projetos. Ela passou dois anos viajando e descansando, antes de atuar no drama romântico de David Lean Summertime (1955). O filme foi filmado em Veneza, com Hepburn atuando como uma solteirona solitária que tem um caso de amor apaixonado. O papel ganhou sua outra indicação ao Oscar e tem sido citado como um dos seus melhores trabalhos.

Spencer Tracy e Katharine Hepburn em Adam's Rib (1949).

Hepburn recebeu uma indicação ao Oscar no segundo ano consecutivo por seu trabalho de frente com Burt Lancaster em The Rainmaker (1956). Mas ela atuou em um filme de menos sucesso naquele ano, The Iron Petticoat (1956), uma reformulação da clássica comédia Ninotchka, com Bob Hope. Foi um fracasso comercial e de crítica, e Hepburn considerou o pior filme de seu currículo.

Tracy e Hepburn se reuniram novamente pela primeira vez em cinco anos para a comédia Desk Set (1957). Naquele verão Hepburn voltou a Shakespeare. Ela apareceu em Stratford,Connecticut, no American Theatre de Shakespeare, onde ela repetiu o papel de Portia en The Merchant of Venice. Os shows foram bem recebidos. Depois de dois anos longe do cinema, ela estrelou uma adaptação cinematográfica da peça controversa de Tennessee Williams Suddenly, Last Summer (1959) com Elizabeth Taylor e Montgomery Clift. O filme foi filmado em Londres, e foi "uma experiência completamente miserável" para Hepburn. Ela chegou a brigar com o diretor Joseph L. Mankiewicz durante as filmagens. O filme foi um sucesso financeiro e seu trabalho tão assustador como a tia Violet Venable deu Hepburn sua oitava indicação ao Oscar.

Sucesso na década de 1960

Hepburn voltou para Stratford no verão de 1960 para atuar como Viola em Noite de Reis e Cleópatra em Antônio e Cleópatra. Seu repertório foi melhorado quando ela apareceu no filme de Sidney Lumet na versão cinematográfica de Eugene O'Neill Longa Jornada Noite Adentro (1962). Foi uma produção de baixo orçamento, e Hepburn apareceu no filme por um décimo do seu salário estabelecido. Longa Jornada Noite Adentro rendeu a Hepburn uma indicação ao Oscar e o prêmio de Melhor Atriz no Festival de Cinema de Cannes.

Katharine Hepburn em Rooster Cogburn

Após a conclusão de Longa Jornada Noite Adentro, Hepburn fez uma pausa em sua carreira para cuidar do doente Spencer Tracy. Ela não voltou a trabalhar até 1967 em Guess Who's Coming to Dinner, seu nono filme com Tracy. O filme tratou do assunto do casamento inter-racial, com a sobrinha de Hepburn, Katharine Houghton, atuando como sua filha. Tracy estava morrendo, sofrendo os efeitos da doença de coração. Tracy morreu 17 dias depois de filmar sua última cena. Guess Who's Coming to Dinner foi um retorno triunfal para Hepburn e seu filme de maior sucesso comercial até hoje. Ela ganhou seu segundo Oscar de Melhor Atriz, 34 anos depois de ganhar o seu primeiro. Hepburn sentiu o prêmio não era só para ela, mas também foi dado para homenagear Tracy.

Hepburn rapidamente voltou a atuar após a morte de Tracy, escolhendo preocupar-se como um remédio contra a dor.Ela atuou como Eleanor da Aquitânia em The Lion in Winter (1968). Ela leu extensivamente na preparação para o papel, o qual ela estrelou ao lado de Peter O'Toole. As filmagens ocorreram em Montmajour Abbey, no sul da França. O filme foi indicado em todas as categorias principais do Oscar, e pelo segundo ano consecutivo Hepburn ganhou o Oscar de Melhor Atriz , prêmio dividido com Barbra Streisand.

Entre dezembro de 1969 e agosto de 1970, Hepburn estrelou o musical da Broadway Coco, sobre a vida de Coco Chanel. Hepburn admitiu que antes do show, ela nunca tinha visto um musical teatral. Ela não era uma boa cantora, mas a atriz teve aulas de canto seis vezes por semana, em preparação para o show. Os comentários para a produção eram medíocres, mas Hepburn foi elogiada e Coco era popular com o público. Hepburn recebeu uma ovação de pé no final da noite, e a temporada do espetáculo foi prorrogada por duas vezes. Mais tarde, ela disse que Coco a marcara porque, pela primeira vez, percebera que o público não estava contra ela, mas realmente parecia amá-la. Seu trabalho rendeu a Hepburn uma nomeação ao Tony Award.

Trabalho no cinema, televisão e teatro

Katharine Hepburn em The Lion in Winter

Hepburn permaneceu ativa durante a década de 1970. Primeiro, ela viajou até Espanha para filmar uma versão de Eurípedes em The Trojan Women em 1971 ao lado de Vanessa Redgrave. Em 1971 ela assinou contrato para estrelar o filme Travels with my Aunt, mas estava descontente com as primeiras versões do roteiro e ela decidiu reescrevê-lo sozinha. O estúdio não gostava de suas mudanças, assim Hepburn abandonou o projeto e foi substituída porMaggie Smith. Seu próximo filme foi uma adaptação de Edward Albee, A Delicate Balance(1973), dirigido por Tony Richardson, e teve um lançamento pequeno e recebeu geralmente opiniões desfavoráveis. Em seguida, ela se aventurou na televisão pela primeira vez, em uma produção de Tennessee Williams, The Glass Menagerie. Hepburn recebeu uma indicação aoEmmy Award ao atuar como Amanda Wingfield do Sul, que abriu sua mente para trabalhos futuros na televisão. Seu projeto seguinte foi o filme de TV Love Among the Ruins (1975), um drama com Laurence Olivier.

Hepburn fez sua única aparição no Oscar em 1974, para apresentar o Irving G. Thalberg Memorial Award para Lawrence Weingarten. Ela recebeu uma ovação de pé, e brincou com a plateia, dizendo o seguinte:

Estou muito feliz que eu não ouvi ninguém gritar "Já era tempo"

— Hepburn no Oscar de 1974

No ano seguinte, ela foi atuou com John Wayne no filme Rooster Cogburn, uma sequência de seu filme vencedor do Oscar True Grit.

Em 1976, Hepburn voltou à Broadway para uma corrida de três meses em A Matter of Gravity. O papel da excêntrica Sr.ª Basil foi considerado uma vitrine perfeita para a atriz, e a peça foi muito popular apesar das críticas pobres. Mais tarde, fez uma turnê de sucesso em todo o país. Durante a sua execução Los Angeles, Hepburn fraturou o quadril. Ela optou por continuar a turnê em uma cadeira de rodas. Após três anos longe do cinema, Hepburn estrelou o filme de 1978 Olly Olly Oxen Free. A comédia de aventura foi um dos maiores fracassos de sua carreira. Ela atuou no filme para televisão The Corn Is Green (1979), que foi filmado no País de Gales. Foi o último dos dez filmes feitos com George Cukor, e ela ganhou sua terceira indicação ao Emmy.

Na década de 1980 Hepburn tinha desenvolvido um notável tremor e por causo disso ela não atuou durante dois anos. Durante este período, viu a produção da Broadway de On Golden Pond, e foi impressionada com sua descrição de um casal de idosos casados tendo de lidar com as dificuldades da velhice. Jane Fonda tinha comprado os direitos da peça para seu pai, o ator Henry Fonda, e Hepburn procurou para contracenar com ele no papel de Ethel Thayer. On Golden Pond foi um sucesso, o segundo filme de maior bilheteria de 1981. O filme demonstrou a energia de Hepburn aos 74 anos, e lhe valeu o seu segundo BAFTA e o quarto Oscar de sua carreira. Hepburn também voltou ao palco em 1981. Ela foi indicada ao Tony Award por sua interpretação em The West Side Waltz.

Foco na televisão

Em 1984, Hepburn estrelou a comédia de humor negro Grace Quigley, a história de uma mulher idosa que pede um assassino profissional (Nick Nolte) para a matar. Hepburn encontrou humor no tema mórbido, mas os comentários foram negativos e a resposta do público foi muito fraca. Em 1985, Hepburn apresentou um documentário de televisão sobre a vida e a carreira de Spencer Tracy. A maioria dos papéis de Hepburn a partir deste ponto foram em filmes para televisão, que não receberam o elogio da crítica como os seus trabalhos anteriores, mas manteve-se popular com o público. Ela recebeu uma indicação ao Emmy em 1986 pelo telefilme Mrs. Delafield Wants to Marry, dois anos depois voltou para a comédia Laura Lansing Slept Here. Em 1991 ela lançou sua autobiografia, Me: Stories of my Life. Ele superou listas de mais vendidos por mais de um ano. Ela voltou às telas da televisão em 1992 com The Man Upstairs, co-estrelado por Ryan O'Neal, pelo qual ela recebeu uma indicação ao Globo de Ouro. Em 1994 ela trabalhou com Anthony Quinn em This Can't Be Love, que foi amplamente baseado em na própria vida de Hepburn, com numerosas referências à sua personalidade e carreira.

A aparição final de Hepburn num filme lançado nos cinemas foi em Love Affair (1994). Aos 86 anos de idade, ela desempenhou um papel de apoio ao lado de Annette Bening e Warren Beatty. Foi o único filme da carreira de Hepburn, com excepção da aparição no Stage Door Canteen, no qual ela não desempenhou um papel principal. Hepburn filmou o seu último papel na televisão no filme Um Natal (1994), pelo qual ela recebeu uma indicação ao Screen Actors Guild Award aos 87 anos.

Vida pessoal

Relacionamentos

Hepburn só teve um marido que foi Ludlow Ogden Smith, um empresário e socialite da Filadélfia a quem ela conheceu quando estudava na Bryn Mawr. O casal se casou em 12 de dezembro de 1928, quando ela tinha 21 anos e ele tinha 29 anos. Hepburn não se comprometeu com o relacionamento e priorizou sua carreira. Em 1934, ela viajou para o México para conseguir um divórcio rápido. Hepburn muitas vezes expressou a sua gratidão para com Smith por seu apoio financeiro e moral nos primeiros dias de sua carreira.

Logo depois de se mudar para a Califórnia, Hepburn começou um relacionamento com seu agente Leland Hayward. Ambos eram casados. Hayward propôs Hepburn em casamento, depois de terem cada um se divorciado, mas ela não queria se casar novamente. Em 1936, enquanto ela estava em turnê de Jane Eyre, Hepburn começou um relacionamento com o empresário Howard Hughes. Eles se conheceram enquanto Hepburn estava filmando Sylvia Scarlett, quando foram apresentados pelo seu amigo em comum Cary Grant. Hughes quis se casar com ela, e os tablóides publicaram suas núpcias iminentes, mas naquela época Hepburn estava muito focada em sua ressurreição da carreira. Eles se separaram em 1938, quando Hepburn deixou Hollywood após ser rotulada de "veneno de bilheteria".

Hepburn manteve sua decisão de não se casar novamente, e fez uma escolha consciente de não ter filhos. Ela sentia que a maternidade deveria ser um compromisso de tempo integral, e não era o que ela estava disposta a fazer. Rumores já existiam desde a década de 1930 que Hepburn pode ter sido uma lésbica ou bissexual. Em 2007, William J. Mann lançou uma biografia da atriz na qual ele argumentou este o caso. Em resposta a esta especulação sobre sua tia, Katharine Houghton disse: "Eu nunca descobri qualquer indício que ela fosse lésbica ".

Spencer Tracy

Katharine Hepburn com Spencer Tracy

O relacionamento mais importante da vida de Hepburn foi com Spencer Tracy. Lauren Bacall, um amiga próxima, mais tarde descreveu que o amor de Hepburn era "cego" com o ator. A relação recebeu muita publicidade, e é frequentemente citado como um dos assuntos lendários de amor em Hollywood. A primeira vez que eles se encontraram ela tinha 34 anos e ele tinha 41 anos; Tracy inicialmente desconfiou que Hepburn fosse lésbica , mas Hepburn disse que ela"soube imediatamente que eu o achei irresistível.". Tracy permaneceu casado durante toda a sua relação, embora ele e sua esposa Louise vivessem vidas separadas desde 1930, e nunca houve uma divisão oficial e nenhuma das partes perseguiu com um divórcio. Hepburn não interferiu, e nunca lutou pelo o casamento. Tracy ficou determinado a ocultar a relação com Hepburn de sua esposa, e ela teve que permanecer privada. Eles tiveram cuidado para não serem vistos em público juntos, e se mantiveram em residências separadas. Tracy era uma pessoa alcoólatra, periódica e problemática, que Hepburn descreveu como "torturado" pela culpa e pela miséria, e ela se dedicou a fazer sua vida mais fácil. Muitas vezes eles passaram trechos de tempo separados devido ao seu trabalho, particularmente na década de 1950, quando Hepburn foi em grande parte ao exterior para compromissos profissionais.

A saúde de Tracy diminuiu significativamente na década de 1960, e Hepburn fez uma pausa de cinco anos em sua carreira para cuidar dele. Ela se mudou para a casa de Tracy durante este período, e estava com ele quando ele morreu em 10 de junho de 1967. Por consideração para a família de Tracy, ela não compareceu ao seu funeral. Foi só depois da morte de Louise Tracy, em 1983, que Hepburn começou a falar publicamente sobre seus sentimentos por seu frequente co-estrela.

Morte

O túmulo da atriz Katharine Hepburn, em Cedar Hill Cemetery, emHartford.

A saúde começou a deteriorar-se não muito tempo depois de sua aparição na tela final. No inverno de 1996 ela foi hospitalizada com pneumonia. Em 1997 ela ficou muito fraca, e estava falando e comendo muito pouco, e temia-se que ela iria morrer. Ela mostrou sinais de demência em seus últimos anos. Em maio de 2003, um tumor agressivo foi encontrado no pescoço de Hepburn. A decisão foi tomada para não intervir medicamente , e ela morreu em 29 de junho de 2003, na casa da família Hepburn em Fenwick (Connecticut). Ela tinha 96 anos e foi sepultada em Cedar Hill Cemetery, Hartford. Hepburn pediu para que não tivesse serviço memorial.

A morte de Hepburn recebeu atenção do público. Muitas homenagens foram realizadas natelevisão, jornais e revistas dedicados a questões da atriz. O presidente americano George W. Bush disse que Hepburn "será lembrada como um dos tesouros artísticos do país".As luzes dos teatros da Broadway se mantiveram apagadas durante uma hora em sua homenagem, coisa que nunca tinha sido feito antes.Em 2004, de acordo com os desejos de Hepburn, seus pertences foram colocados em leilão em Nova York. O evento arrecadou 5,8 milhões de dólares.

Filmografia

Katharine Hepburn em 1942.

Katharine Hepburn em The African Queen (1951).

1932 - A Bill of Divorcement (br: Vítimas do Divórcio)
1933 - Little Women (br: Quatro Irmãs)
1933 - Morning Glory (br: Manhã de Glória)
1933 - Christopher Strong (br: Assim Amam as Mulheres)
1934 - The Little Minister (br: Sangue Cigano)
1934 - Spitfire (br: Mística)
1935 - Break of Hearts (br: Corações em Ruínas)
1935 - Sylvia Scarlett (br: Vivendo em Dúvida)
1935 - Alice Adams (br: A Mulher que Soube Amar)
1936 - A Woman Rebels (br: Liberta-te Mulher!)
1936 - Mary of Scotland (br: Mary Stuart, Rainha da Escócia)
1937 - Stage Door (br: No Teatro da Vida)
1937 - Quality Street (br: A Rua da Vaidade)
1938 - Holiday (br: Boêmio Encantador)
1938 - Bringing Up Baby (br: Levada da Breca)
1940 - The Philadelphia Story (br: Núpcias de Escândalo)
1942 - Keeper of the Flame (br: Fogo Sagrado)
1942 - Woman of the Year (br: A Mulher do Dia)
1943 - Stage Door Canteen (br: Noivas do Tio Sam)
1944 - Dragon Seed (br: A Estirpe do Dragão)
1945 - Without Love (br: Sem Amor)
1946 - Undercurrent (br: Correntes Ocultas)
1947 - Song of Love (br: Sonata de Amor)
1947 - Sea of Grass (br: Mar Verde)
1948 - State of the Union (br: Sua Esposa e o Mundo)
1949 - Adam's Rib (br, pt: A Costela de Adão)
1951 - The African Queen (br: Uma Aventura na África)
1952 - Pat and Mike (br, pt: A Mulher Absoluta)
1955 - Summertime (br: Quando o Coração Floresce)
1956 - The Iron Petticoat (br: A Saia de Ferro)
1956 - The Rainmaker (br: Lágrimas do Céu)
1957 - Desk Set (br: Amor Eletrônico)
1959 - Suddenly, Last Summer (br: De Repente, no Último Verão)
1962 - Long Day's Journey into Night (br: Longa Jornada Dentro da Noite)
1967 - Guess Who's Coming to Dinner (br: Adivinhe Quem Vem para Jantar)
1968 - The Lion in Winter (br: O Leão no Inverno)
1969 - The Madwoman of Chaillot (br: A Louca de Chaillot)
1971 - The Trojan Women (br: As Troianas)
1973 - A Delicate Balance (br: Equilíbrio Delicado)
1973 - The Glass Menagerie (br: 'Algemas de Cristal) – Filme para TV
1975 - Rooster Cogburn (br: Justiceiro Implacável)
1975 - Love Among the Ruins (br: Amor entre Ruínas) – Filme para TV
1978 - Olly Olly Oxen Free (br: A Grande Aventura)
1979 - The Corn Is Green (1979) (br: O Milho Está Verde) – Filme para TV
1981 - On Golden Pond (br: Num Lago Dourado)
1984 - The Ultimate Solution of Grace Quigley (br: Grace Quigley - Um jogo de Vida e Morte)
1986 - Mrs. Delafield Wants to Marry - Filme para TV
1988 - Laura Lansing Slept Here (br: Laura Lansing Dormiu Aqui) - Filme para TV
1992 - The Man Upstairs - Filme para TV
1993 - Katharine Hepburn: All About Me (br: Katharine Hepburn: Tudo Sobre Mim) - Documentário feito pela própria atriz.
1994 - One Christmas (br: O Poder do Natal) - Filme para TV
1994 - Love Affair (br: Segredos do Coração)
1994 - This Can't Be Love (br: Vestígios de uma Paixão) - Filme para TV

Principais prêmios e indicações

Prêmios

Oscar

Ano	Categoria	Notas	Resultado
1934	Melhor Atriz Principal	Morning Glory	Venceu
1936		Alice Adams	Indicado
1941		The Philadelphia Story	Indicado
1943		Woman of the Year	Indicado
1952		The African Queen	Indicado
1956		Summertime	Indicado
1957		The Rainmaker	Indicado
1960		Suddenly, Last Summer	Indicado
1963		Long Day's Journey into Night	Indicado
1968		Guess Who's Coming to Dinner	Venceu
1969		The Lion in Winter	Venceu
1982		On Golden Pond	Venceu

BAFTA

Ano	Categoria	Notas	Resultado
1952	Melhor Atriz Estrangeira	The African Queen	Indicado
1956		Summertime	Indicado
1957		The Rainmaker	Indicado
1969	Melhor Atriz Principal	Guess Who's Coming to Dinner	Venceu
1969		The Lion in Winter	Venceu
1982		On Golden Pond	Venceu

Prêmios Globo de Ouro

Ano	Categoria	Filme	Resultado
1953	Melhor Atriz - Comédia ou Musical	The Rainmaker	Indicado
1957	Melhor Atriz - Drama	The Rainmaker	Indicado
1960		Suddenly, Last Summer	Indicado
1963		Long Day's Journey into Night	Indicado
1968		Guess Who's Coming to Dinner	Indicado
1969		The Lion in Winter	Indicado
1982		On Golden Pond	Indicado
1993	Melhor Atriz - Minissérie ou Filme de TV	The Man Upstairs	Indicado

Festival de Cannes

Ano	Categoria	Filme	Resultado
1953	Melhor Atriz	Long Day's Journey into Night	Venceu

Emmy Awards

Ano	Categoria	Filme	Resultado
1975	Melhor Atriz - Filme de TV	Love Among the Ruins	Venceu

Festival de Veneza

Ano	Categoria	Filme	Resultado
1934	Melhor Atriz	Little Women	Venceu

Wikipédia

2015-12-15T14:46:00.000-08:00

Cinema do Brasil

O cinema do Brasil existe como exibição e entretenimento desde julho de 1896, e como realização e expressão desde 1897. Embora nunca tenha chegado a se estruturar plenamente como indústria, o cinema brasileiro, em seus mais de 118 anos de História, teve momentos de grande repercussão internacional, como na época do Cinema Novo, e de crescimento do mercado interno, como no período da Embrafilme . Na primeira década do século XXI, a atividade cinematográfica no Brasil envolve pouco mais de 2 milsalas, que vendem uma média de 100 milhões de ingressos anuais, dos quais entre 15 e 20% são para filmes brasileiros. A produção nacional tem mantido uma média de 90 a 100 filmes de longa-metragem por ano, sendo que nem todos conseguem lançamento comercial .

Segundo o crítico e historiador Jean-Claude Bernardet, "não é possível entender qualquer coisa que seja do cinema brasileiro se não se tiver em mente a presença maciça e agressiva, no mercado interno, do filme estrangeiro.

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História

O início

A primeira exibição de cinema no Brasil aconteceu em 8 de julho de 1896, no Rio de Janeiro, por iniciativa do exibidor itinerante belga Henri Paillie. Naquela noite, numa sala alugada do Jornal do Commercio, na Rua do Ouvidor, foram projetados oito filmetes de cerca de um minuto cada, com interrupções entre eles e retratando apenas cenas pitorescas do cotidiano de cidades da Europa. Só a elite carioca participou deste fato histórico para o Brasil, pois os ingressos não eram baratos^[6] . Um ano depois já existia no Rio uma sala fixa de cinema, o "Salão de Novidades Paris", de Paschoal Segreto .

Os primeiros filmes brasileiros foram rodados entre 1897-1898. Uma "Vista da baia da Guanabara" teria sido filmado pelo cinegrafista italiano Affonso Segretto^[4] ^[8] ^[9] (irmão de Paschoal) em 19 de junho de 1898, ao chegar da Europa a bordo do navio Brèsil - mas este filme, se realmente existiu, nunca chegou a ser exibido. Ainda assim, desde os anos 1970, 19 de junho é considerado o Dia do Cinema Brasileiro. Hoje em dia, os pesquisadores consideram que os primeiros filmes realizados no Brasil são "Ancoradouro de Pescadores na Baía de Guanabara , "Chegada do trem em Petrópolis" , "Bailado de Crianças no Colégio, no Andaraí"^[e "Uma artista trabalhando no trapézio do Politeama" .

Affonso Segretto , junto aos primeiros projetores da Empresa Paschoal Segretto: os irmãos italianos foram os precursores do cinema no Brasil.

Estruturação do mercado exibidor: 1907-1910

A estruturação do mercado exibidor de cinema no país acontece entre 1907 e 1910, quando o fornecimento de energia elétrica no Rio e São Paulo passa a ser mais confiável (inauguração da Usina de Ribeirão das Lajes). Em 1908 já havia 20 salas de cinema no Rio, boa parte delas com suas próprias equipes de filmagem. Exibiam filmes de ficção das companhias Pathé e Gaumont (França), Nordisk (Dinamarca), Cines (Itália), Bioskop (Alemanha), Edison, Vitagraph e Biograph (EUA), complementados por "naturais" (documentários) realizados na cidade poucos dias antes (como "A chegada do Dr Campos Sales de Buenos Aires", "A parada de 15 de novembro" ou "Fluminense x Botafogo")

Primeiros filmes "posados" e "cantados": 1906-1911

Os primeiros filmes "posados" (isto é, de ficção) feitos no Brasil eram em geral realizados por pequenos proprietários de salas de cinema do Rio e São Paulo, sendo frequentemente reconstituições de crimes já explorados pela imprensa: o média "Os Estranguladores", de Francisco Marzullo (1906), o primeiro sucesso, com mais de 800 exibições no Rio; "O Crime da mala", de Francisco Serrador (São Paulo, 1908) e "Noivado de Sangue", de Antonnio Leal (Rio, 1909). Mas há também comédias, como o curta "Nhô Anastácio chegou de viagem", de Marc Ferrez (1908).

Em 1909 surgem os filmes "cantados", com os atores dublando-se ao vivo, por trás da tela. O sucesso do sistema resulta na filmagem de revistas musicais ("Paz e amor", 1910, com sátira ao presidente Nilo Peçanha) e trechos de óperas ("O Guarany", 1911). Há forte concorrência entre as produções do Cinematógrafo Rio Branco (de Alberto Moreira) e da Rede Serrador, que se instala no Rio e produz o drama histórico "A República portuguesa" (1911), outro sucesso. Hoje não existem sequer fragmentos desses filmes.

Adaptações literárias: 1911-1926

A partir de 1911, chegam a São Paulo imigrantes italianos que aca

bariam tomando conta do mercado nos próximos 30 anos: Gilberto Rossi, João Stamato, Arturo Carrari. O ator italiano Vittorio Capellaro associa-se ao cinegrafista Antônio Campos e juntos filmam os longas "Inocência" (1915), a partir do romance de Taunay, e "O Guarani" (1916), baseado em José de Alencar. No Rio, Luiz de Barros, que viria a realizar mais de 60 longas-metragens até os anos 70, também começa por José de Alencar: "A Viuvinha" (1915), "Iracema" (1918) e "Ubirajara" (1919). Mais tarde, uma nova versão de "O Guarani" (1926), de Capellaro, será exceção na década: um filme brasileiro de sucesso.

Cavação: 1916-1935

A partir de 1916, os "naturais" se organizam em cinejornais, produzidos e exibidos semanalmente, mantendo o pessoal de cinema em atividade com filmagens de futebol, carnaval, festas, estradas, inaugurações, fábricas, políticos, empresários, etc. Muitas pautas eram claramente encomendadas, misturando jornalismo e propaganda. Daí o termo pejorativo "cavação", ou picaretagem.

Até 1935, existiram 51 cine-jornais no país, alguns de vida curta; mas o Rossi Atualidades teve 227 edições em 10 anos (1921-31), financiando a produção dos filmes de ficção dirigidos por José Medina e fotografados por Gilberto Rossi, como "Exemplo regenerador" (1919), "Perversidade" (1920) e a obra-prima do cinema mudo brasileiro "Fragmentos da vida" (1929). O Canal 100 e os cine-jornais dePrimo Carbonari e Jean Manzon são um prolongamento do período da cavação, sendo mostrados nos cinemas até o final dos anos 70, quando desistem de competir com a instantaneidade dos telejornais.

Invasão: 1915-1930

Já em 1911, empresários norte-americanos visitaram o Rio de Janeiro para sondar o mercado cinematográfico brasileiro, e logo abriram o Cinema Avenida para exibir exclusivamente filmes daVitagraph. Com a Primeira Guerra Mundial, a produção europeia se enfraquece, e os EUA passam a dominar o mercado mundial. Francisco Serrador cria a primeira grande rede de exibição nacional (salas em São Paulo, Rio de Janeiro, Niterói, Belo Horizonte e Juiz de Fora), desiste de produzir e torna-se distribuidor de filmes estrangeiros.

Os filmes brasileiros passam a ter dificuldades de exibição, o que leva a uma queda de produção violenta. Surgem as revistas especializadas em cinema e começam a difundir-se os mitos e estrelas deHollywood. A partir dos anos 1930, diversos acordos comerciais estabelecem que os filmes norte-americanos passam a entrar no Brasil isentos de taxas alfandegárias.

Estúdios Kaiser de Cinema, em Ribeirão Preto.

Ciclos regionais: 1914-1929

Fora do eixo Rio-São Paulo, o cinema brasileiro produziu uma série de ciclos de pequena duração, todos com histórias parecidas: entusiasmo inicial, realizações precárias, algum sucesso local, dificuldades num mercado dominado pelo produto estrangeiro, final prematuro.

Em Pelotas, Francisco Santos realiza "O Crime dos banhados" (1914), provavelmente o primeiro longa brasileiro, e ainda o curta "Os Óculos do vovô" (1913), do qual resta hoje o fragmento mais antigo de filme brasileiro de ficção.

O ciclo mais importante é o de Recife (1923-31), onde Edson Chagas, Gentil Roiz e outros realizam 12 longas e 25 curtas, inclusive "Aitaré da praia" (1925), que chegou a ser exibido no Rio.

Em Porto Alegre (1925-33), Eduardo Abelin, José Picoral e outros realizam 6 filmes de ficção (3 curtas e 3 longas).

Do ciclo de Cataguases (Minas Gerais) destaca-se Humberto Mauro, autor de longas como "Brasa Dormida" (1928) e "Sangue Mineiro" (1929), que o colocam na vanguarda do cinema brasileiro de então.

Neste período, registram-se ciclos regionais também em Belo Horizonte, Campinas, João Pessoa, Manaus e Curitiba.

Surgimento do som: 1929-1935

O primeiro filme sonoro brasileiro é a comédia "Acabaram-se os otários" (1929), de Luiz de Barros. "Coisas nossas" (1931), de Wallace Downey, é um musical cantado em português, com cantores brasileiros, e de grande sucesso. Na contra-mão, Mário Peixoto realiza "Limite" (1930), filme mudo de pouca aceitação popular, mas hoje considerado um marco do cinema experimental.

No começo dos anos 30, o cinema brasileiro passa por uma rápida fase otimista, já que os "talkies" (filmes falados) de Hollywood têm dificuldades de entrar no mercado brasileiro, por deficiência das salas e pelo problema da língua. Em 1930-1931 são produzidos quase 30 longas de ficção, mas, em função dos custos, a produção volta a se concentrar no Rio e em São Paulo. Surgem no Rio as produtoras Cinédia, de Adhemar Gonzaga, e Brasil Vita Filmes, de Carmen Santos. Humberto Mauro, já o maior diretor de cinema do país, realiza para a Cinédia sua obra-prima "Ganga bruta" (1933) e para a Brasil Vita Filmes o sucesso "Favela dos meus amores" (1935).

Cena de "Acabaram-se os otários" de 1929

Domínio de Hollywood: 1934-1942

As distribuidoras de filmes norte-americanos no Brasil investem muito dinheiro em publicidade e na aparelhagem de som dos cinemas, e passam a vender seus filmes no sistema de "lote". Ao contrário do que se esperava, o público brasileiro rapidamente se acostuma a ler legendas. A revista Cinearte diz incentivar o cinema brasileiro, mas defende explicitamente a imitação dos filmes norte-americanos, sua "higiene", seu "ritmo moderno" e seu respeito pelos que têm "o direito de mandar".

Em 1932 Getúlio Vargas cria a primeira lei de apoio ao cinema brasileiro, mas obrigando apenas a exibição de cine-jornais . No ano de 1934, não é produzido nenhum longa no país. Edgar Roquette-Pinto cria então o Instituto Nacional de Cinema Educativo e chama o diretor Humberto Mauro que, em 1936, produz o filme épico O Descobrimento do Brasil. De 1936 a 1964 o diretor realizaria mais de 300 documentários curta-metragem .

Dentro da ideia de imitar Hollywood, a Cinédia continua produzindo musicais: românticos como "Bonequinha de seda" (1936) ou carnavalescos como "Alô, alô, Brasil" (1935) e "Alô, alô, carnaval" (1936), nos quais surge Carmen Miranda, logo contratada por Hollywood. Em 1940, a Cinédia produz "Pureza", com grande orçamento, cenários especiais, equipamentos novos importados dos EUA e um absoluto fracasso. Em 1942, dos 409 filmes lançados no país, apenas 1 é brasileiro.

As irmãs Carmen Miranda eAurora Miranda em cena do filme Alô, Alô, Carnaval.

Tentativa de industrialização: 1948-1959

No final dos anos 40, a ideia de "tratar temas brasileiros com a técnica e a linguagem do melhor cinema mundial" seduz empresários e banqueiros paulistas, que se associam ao engenheiro Franco Zampari na Vera Cruz - uma grande produtora construída nos moldes deHollywood, com enormes estúdios, muitos equipamentos, diretores europeus e elencos fixos.

Alberto Cavalcanti, cineasta formado na França e Inglaterra, volta ao Brasil para trabalhar na Vera Cruz. Vários profissionais estrangeiros passam a fazer parte das produções da companhia, entre eles o fotógrafo inglês Chick Fowle, o diretor argentino (mas radicado em Londres) Tom Payne, e o diretor italiano Luciano Salce. Em 5 anos são produzidos 18 filmes, do melodrama "Caiçara" (1950) ao musical biográfico "Tico-tico no fubá" (1952), do drama histórico "Sinhá Moça" (1953) à comédia sofisticada "É proibido beijar" (1954), do policial "Na Senda do Crime" (1954) à comédia caipira "Candinho" (1954), com Mazzaropi.

Apesar disso, a Vera Cruz nunca conseguiu resolver o problema da distribuição de seus filmes, e foi à falência. Pressionada pelas dívidas, vendeu os direitos de "O Cangaceiro" (1953), de Lima Barreto, para a Columbia Pictures, e não ganhou nada por ter produzido o primeiro filme brasileiro de sucesso internacional.

Outras companhias com o mesmo espírito da Vera Cruz, mas com menor capital, tiveram o mesmo fim: a Maristela, que produziu 24 filmes a partir de "Presença de Anita" (1950) e fechou em 1958; a Multifilmes, que realizou 9 longas, inclusive o primeiro filme brasileiro em cores, "Destino em apuros" (1953), e encerrou suas atividades em 1954; a Brasil Filmes, que produziu 7 filmes, entre eles "O Sobrado" (1956), de Walter George Durst, baseado em Erico Verissimo, e faliu em 1959.

Chanchada: 1947-1959

No Rio dos anos 40, Moacir Fenelon, José Carlos Burle e Alinor Azevedo criam a Atlântida Cinematográfica, sem grandes investimentos em infraestrutura mas com produção constante. Estreiam com o sucesso "Moleque Tião" (1941), drama baseado na vida do comedianteGrande Otelo, que interpretou a si próprio no filme. Luiz Severiano Ribeiro, dono do maior circuito exibidor brasileiro, associa-se e passa a facilitar a exibição dos filmes da Atlântida, vindo a comprar a empresa em 1947. Pela primeira vez no cinema brasileiro, estão associados produção e exibição.

Em seguida, a Atlântida passa a produzir comédias musicais de fácil comunicação com o público, tendo como tema principal o carnaval, como "Este mundo é um pandeiro" (1947) e "Carnaval no fogo" (1949), ambos de Watson Macedo. O apelo popular dos filmes da Atlântida acaba influenciando a Cinédia, que realiza o melodrama "O Ébrio" (1946), de Gilda Abreu, com Vicente Celestino, grande bilheteria em todo o país.

Formando uma espécie de "star-system" a partir do rádio, os grandes nomes da Atlântida são Oscarito, Grande Otelo, Ankito eMesquitinha (comediantes), Cyll Farney e Anselmo Duarte (galãs), Eliana (mocinha), José Lewgoy (vilão) e os cantores Sílvio Caldas,Marlene, Emilinha Borba, Linda Batista.

Aos poucos, as histórias vão abandonando o carnaval e explorando a comédia de costumes, a partir dos tipos folclóricos do Rio de Janeiro. Os melhores momentos vêm com os filmes de Carlos Manga "Nem Sansão nem Dalila" (1954) e "Matar ou correr" (1954), satirizando dramas americanos de sucesso. O público gosta, mas os críticos "sérios" dizem que chanchada não é cinema. (Chanchada em espanhol significa exatamente "porcaria".)

As chanchadas (e a Atlântida) se esgotam no final dos anos 50, quando o público parece cansar da fórmula, e as maiores estrelas são chamadas para trabalhar na televisão.

Precursores do Cinema novo: 1953-1962

Ainda nos anos 50, por influência do Neo-realismo italiano, surge no Rio um profundo questionamento às tentativas de transplantarHollywood para o Brasil. Alex Viany realiza "Agulha no palheiro" (1953) e Nelson Pereira dos Santos filma "Rio, 40 graus" (1955), ambos com baixo orçamento, temática popular e busca de um realismo brasileiro. O filme de Nelson termina proibido pela censura, desencadeando uma campanha de estudantes e intelectuais pela sua liberação.

Em São Paulo, Roberto Santos aplica os mesmos princípios na comédia de costumes "O grande momento" (1958). Como os anteriores, o filme tem problemas de distribuição e não atinge o grande público.

Em Salvador, "Bahia de todos os santos" (1960), de Trigueirinho Neto, e "Barravento" (1961), de Glauber Rocha, desencadeiam um novo ciclo regional, que atrai cineastas de outros estados em busca da temática nordestina: entre outros, "O pagador de promessas" (1962), de Anselmo Duarte, premiado com a Palma de Ouro no Festival de Cannes, apesar de criticado pelos novos cineastas como um filme "tradicional".

Cinema novo: 1963-1970

Uma parcela (pequena, mas significativa) da juventude brasileira descobre este novo cinema, comprometido com a transformação do país. Em 1963, o movimento é deflagrado por 3 filmes: "Os Fuzis", de Ruy Guerra; "Deus e o diabo na terra do sol", de Glauber Rocha; e "Vidas secas", de Nelson Pereira dos Santos. Em todos eles, é mostrado um Brasil desconhecido, com muitos conflitos políticos e sociais. Uma mistura original de Neo-realismo (por seus temas e forma de produção) com Nouvelle vague (por suas rupturas de linguagem). É Glauber quem define os instrumentos do cinema novo: "uma câmara na mão e uma ideia na cabeça"; e também o seu objetivo: a construção de uma "estética da fome".

Após o golpe militar de 31 de março de 1964, os cineastas (e o país) se interrogam sobre o futuro e sobre as suas próprias atitudes de classe. Os filmes marcantes desse segundo momento do Cinema Novo são "O Desafio" (1965), de Paulo César Saraceni; "Terra em transe" (1967), de Glauber Rocha; e "O Bravo guerreiro" (1968), de Gustavo Dahl.

Enquanto isso, longe do Cinema novo, Domingos de Oliveira redescobre a comédia carioca com "Todas as mulheres do mundo" (1967) e "Edu coração de ouro" (1968).

Com o AI-5 (13 de dezembro de 1968), a ditadura militar fecha o Congresso e os partidos políticos existentes e censura a mídia e as diversões públicas. A perseguição às oposições, a restrição da atividade sindical e a prática de tortura nas prisões criam um clima de medo que se reflete em toda a cultura do país. Neste terceiro momento, o Cinema Novo volta-se para o passado, para a História, ou para projeções alegóricas do país real: "O Dragão da maldade contra o santo guerreiro" (1969), de Glauber Rocha; "Os Herdeiros" (1969), de Cacá Diegues; "Macunaíma" (1969), de Joaquim Pedro de Andrade; "Os Deuses e os mortos" (1970), de Ruy Guerra.

"Údigrudi": 1968-1970

Uma nova geração de cineastas responde à nova situação política do país com mais radicalidade: a estética do lixo, o Cinema marginal, o "údigrudi" - termo irônico, corruptela de "underground", um dos nomes da contracultura norte-americana dos anos 6. Suas obras, em maioria, são pouco assistidas, com exceções como no caso de O Bandido da Luz Vermelha. Os cineastas marginais rejeitavam as fórmulas tradicionais de narrativa e estética e encontravam sua força no cinema experimental. Os principais representantes do movimento são Rogério Sganzerla (O Bandido da Luz Vermelha, 1968), filme no qual se nota a influência de cineastas como Jean-Luc Godard e Orson Welles; e Júlio Bressane (Matou a família e foi ao cinema, 1969). Em 1970, os dois fundam a produtora Belair Filmes e realizam, em apenas 3 meses, 6 longas de baixíssimo custo.

Embrafilme: 1969-1982

O Estado brasileiro há muito tempo interferia no cinema do país - a princípio, para garantir o mercado do filme norte-americano; mais tarde, em resposta a anseios nacionalistas de industrialização. As leis de obrigatoriedade de exibição de filmes brasileiros existem desde 1932 (para cine-jornais) e 1939 (para longas-metragens). Em 1966, o INCE (que existia desde 1936) é ampliado e transformado no Instituto Nacional de Cinema (INC), cujos principais objetivos são estimular a produção e exibição de filmes brasileiros^[.

Mas é com a criação da Empresa Brasileira de Filmes (Embrafilme), em plena ditadura militar (1969), que o Estado passa a financiar a produção, enquanto o Conselho Nacional de Cinema (Concine) se preocupa com a legislação do setor. Parte do lucro das distribuidoras de filmes estrangeiros no Brasil é taxado (como na Alemanha), e esse dinheiro é usado para produzir filmes nacionais (como naArgentina), mas o sistema de escolha dos filmes a serem produzidos é absolutamente centralizado. Os cineastas oriundos do Cinema novo (quase todos cariocas ou morando no Rio de Janeiro) ficam com a maior parte dos recursos.

A contradição básica do sistema se revela quando o filme "Pra frente, Brasil" (1982), do ex-diretor geral da Embrafilme Roberto Farias, parcialmente financiado pela Embrafilme (um órgão do governo) é proibido pela Censura (outro órgão do mesmo governo).

Pornochanchada

Na passagem para a década de 1970, despontava no cinema brasileiro uma certa quantidade de títulos influenciados nas comédias populares italianas dos anos 1960, na releitura com grande malícia da tradição carioca da comédia popular da época da chanchada e de um insinuante erotismo nos filmes paulistas do final da década de 1960. Nascia ali a pornochanchada, que inicialmente se especializou em produções que combinavam situações eróticas e altas doses de humor. Apoiado principalmente nas produções em grande escala da Boca do Lixo paulistana, converteu-se em pouco tempo em um grande sucesso comercial, impulsionando um precário mas estimulante sistema cinematográfico, que soube tirar proveito da lei de reserva de mercado implementada no final da década de 1930 pelo governo Getúlio Vargas Em função dessa obrigatoriedade das salas de exibição reservar um número mínimo de dias para a exibição de filmes brasileiros, as pornochanchadas eram muito requisitadas pelos grandes exibidores, que em muitos casos pagavam adiantado aos produtores apenas para garantir que os filmes fossem exibidos com exclusividade em seus cinema Os bons retornos de espectadores nas bilheterias garantiram a continuidade do processo e de uma praticamente harmonia entre as diferentes partes da cadeia cinematográfica nacional. No entanto, a pornochanchada entrou em colapso com seu esgotamento estético e a concorrência fatal dos filmes pornográficos hardcore, decretando o fim do gênero genuinamente brasileiro.

Conquista do mercado: 1970-1981

Nos anos 70, a palavra de ordem dos ex-cinemanovistas é "Mercado é cultura". Tratava-se de fazer com que os filmes brasileiros fossem vistos pelo público de cinema no Brasil. E, de certa forma, graças às produções da Embrafilme de um lado, às produções baratas da turma da pornochanchada de outro, aos filmes infantis dos Trapalhões de um terceiro, e ainda a um novo "star-system" gerado pela televisão, isso foi conseguido.

O mercado diminuiu: de 3200 cinemas em 1975 para 1400 em 1985; de 270 milhões de espectadores em 1975 para 90 milhões em 1985. Mas o Brasil produziu mais filmes: chegou a 100 em 1978 e a 103 em 1980. E a participação dos filmes brasileiros no mercado cresceu muito: de 14% dos ingressos vendidos em 1971 para 35% em 1982.

"Dona Flor e seus dois maridos" (1976), de Bruno Barreto, chega a 11 milhões de espectadores, mais do que qualquer filme estrangeiro. "A Dama do lotação" (1978), de Neville d'Almeida; "Lúcio Flávio, o passageiro da agonia" (1977), de Hector Babenco; "Eu te amo" (1981), de Arnaldo Jabor; "Xica da Silva" (1976), de Cacá Diegues; e mais 14 filmes dos Trapalhões ultrapassam, cada um, os 3 milhões de ingressos vendidos.

Anos 80

Festival de Gramado

Em outubro de 1982, a crise econômica do país piora com a falta de dinheiro para pagar a dívida externa. Falta dinheiro para que o consumidor brasileiro possa ir ao cinema, falta dinheiro para produzir filmes. A produção volta a cair. Os exibidores (donos de cinemas), assessorados pelos distribuidores estrangeiros, começam uma batalha judicial contra a lei da obrigatoriedade, e em muitas salas simplesmente param de passar filmes brasileiros. Metade dos filmes produzidos em 1985 foi de sexo explícito.

Apesar de tudo, surge uma nova geração de cineastas em São Paulo, onde se destacam Sérgio Bianchi (Mato eles?, 1982), Hermano Penna (Sargento Getúlio, 1983), André Klotzel (A marvada carne, 1985) e Sérgio Toledo (Vera, 1987), mas seus filmes são vistos basicamente em festivais.

Graças à "Lei do Curta" (de 1975, mas aperfeiçoada em 1984), que obriga a sua exibição antes do longa estrangeiro, o curta-metragempassa a ser o único cinema brasileiro com acesso ao mercado. Assim, em todo o país surgem novos cineastas e novas propostas de produção, e os curtas brasileiros ganham vários prêmios internacionais.

Outro destaque da década é a produção de documentários de longa-metragem, também sem acesso ao mercado, mas refletindo sobre a história recente do país: Jango (1984), de Sílvio Tendler; Conterrâneos velhos de guerra (1989), de Vladimir Carvalho; e a obra-primaCabra marcado para morrer (1984), de Eduardo Coutinho.

Era Collor: 1990-1992

6th Brazil Filme Fest no Cinema The Royal, em Toronto.

Em dezembro de 1992, ainda no governo de Itamar Franco, o Ministro da Cultura Antonio Houaiss cria a Secretaria para o Desenvolvimento do Audiovisual, que libera recursos para produção de filmes através do Prêmio Resgate do Cinema Brasileiro e passa a trabalhar na elaboração do que viria ser a Lei do Audiovisual, que entraria em vigor no governo deFernando Henrique Cardoso.

A partir de 1995, começa-se a falar numa "retomada" do cinema brasileiro. Novos mecanismos de apoio à produção, baseados em incentivos fiscais e numa visão neoliberal de "cultura de mercado", conseguem efetivamente aumentar o número de filmes realizados e levar o cinema brasileiro de volta à cena mundial. O filme que inicia este período é Carlota Joaquina, Princesa do Brazil (1995) de Carla Camurati, parcialmente financiado pelo Prêmio Resgate. No entanto, as dificuldades de penetração no seu próprio mercado continuam: a maioria dos filmes não encontra salas de exibição no país, e muitos são exibidos em condições precárias: salas inadequadas, utilização de datas desprezadas pelas distribuidoras estrangeiras, pouca divulgação na mídia local.

Em 1997, para alcançar o mercado cinematográfico, as Organizações Globo criaram sua própria produtora, a Globo Filmes, empresa especializada que veio a reposicionar o cinema brasileiro em, praticamente, todos os segmentos. Isto porque, em um curtíssimo tempo, a produtora Globo Filmes viria a se tornar um grande monopólio ocupante do mercado cinematográfico brasileiro. Ainda que para a escala de operação da rede de televisão, o seu braço cinematográfico possa vir a ser considerada uma empresa pequena. Dessa maneira, através do cinema, o conglomerado foi capaz de atingir um dos últimos segmentos tradicionais do mercado audiovisual brasileiro, nicho no qual ela ainda não apresentava nenhuma participação realmente direta. Entre 1998 e 2003, a empresa se envolveu de maneira direta em 24 produções cinematográficas, e a sua supremacia se cristalizaria definitivamente no último ano deste período, quando os filmes com a participação da empresa obtiveram mais de 90% da receita da bilheteria do cinema brasileiro e mais de 20% do mercado total.

Alguns filmes lançados na primeira década do novo século, com uma temática atual e novas estratégias de lançamento, como Cidade de Deus (2002) de Fernando Meirelles, Carandiru (2003) de Hector Babenco e Tropa de Elite (2007) de José Padilha, alcançam grande público no Brasil e perspectivas de carreira internacional. Segundo o crítico Luiz Zanin Oricchio, "Cidade de Deus", por sua importância, teria sido o marco final do período conhecido como "a retomada do cinema brasileiro"

Pós-retomada: a partir de 2003

O cinema brasileiro bateu recorde em 2013, com mais de 127 longa-metragens que chegaram às telas, 9 dos quais fizeram mais de 1 milhão de espectadores, enquanto 88 foram visto por menos de 10 mil pessoas, de acordo com informações divulgadas pela Agência Nacional do Cinema.^[27 Os números marcam aquele que é o melhor ano da indústria audiovisual nacional desde o início dos anos 1980. Antes, os anos mais fortes para a produção brasileira, em bilheteria, haviam sido 2010, quando os longas nacionais venderam 25,687 milhões de ingressos, e 2003, com 22,055 milhões de ingressos vendidos. Em número de lançamentos, os melhores anos, depois de 2013, foram 2011, com 99 títulos, e 2009, com 84. O salto visto este ano prova que a indústria nacional está se consolidando. A arrecadação também obteve um crescimento significativo ao superar a cifra de R$ 270 milhões, quase o triplo do arrecadado em 2012, quando houve um retorno de R$ 157 milhões. A maior parte do faturamento derivou de comédias como Minha Mãe é uma Peça e De Pernas pro Ar 2, enquanto dramas como Serra Pelada, Flores Raras e O Segredo dos Diamantes faturavam abaixo do esperado ou encontravam problemas para serem distribuídas. Acerca dessas comédias, o crítico da Folha de S.Paulo Inácio Araujo afirma que "o cinema brasileiro continua a buscar seu público. E a referência desse público amplo, hoje, é a estética dos programas da Globo ou os blockbusters americanos. Esses últimos não podemos imitar. Então o cinema imita, no que pode, a Globo. São essas comédias idiotas, com atores que se esforçam para imitar atores de teatro colegial, aquela luz esbranquiçada. O público responde bem a isso. Que dizer? Não é o cinema brasileiro que está doente. É o cinema.

Wikipédia

História do cinema

2015-12-04T09:24:00.003-08:00

História do cinema

Estabelecer marcos históricos é sempre perigoso e arbitrário, particularmente, no campo das artes. Inúmeros fatores concorrem para o estabelecimento de determinada técnica, seu emprego, práticas associadas e impacto numa ordem cultural. Aqui serão apresentados alguns, no intuito de melhor conhecer esta complexa manifestação estética a qual muitos chamam de a 7ª Arte. De fato, a data de 28 de Dezembro de 1895, é especial no que refere ao cinema, e sua história. Neste dia, no Salão Grand Café, em Paris, os Irmãos Lumièrefizeram uma apresentação pública dos produtos de seu invento ao qual chamaram Cinematógrafo. O evento causou comoção nos 30 e poucos presentes, a notícia se alastrou e, em pouco tempo, este fazer artístico conquistaria o mundo e faria nascer uma indústria multibilionária. O filme exibido foi L'Arrivée d'un Train à La Ciotat.

"Le Sortie de l'usine Lumière à Lyon", dos Irmãos Lumière

Hoje em dia, o cinema baseia-se em projeções públicas de imagens animadas. O cinema nasceu de várias inovações que vão desde o domínio fotográfico até a síntese do movimento utilizando a persistência da visão com a invenção de jogos ópticos. Dentre os jogos óticos inventados vale a pena destacar o thaumatrópio (inventado entre 1820 e 1825 por William Fitton), fenacistoscópio (inventado em 1829 por Joseph-Antoine Ferdinand Plateau), zootropo(em 1834 por Will George Horner) e praxinoscópio (em [[1877]. Em 1888, Émilie Reynaud melhorou sua invenção e começou projetar imagens no Musée Grévin durante 10 anos.

Em 1876, Eadweard Muybridge fez uma experiência: primeiro colocou 12 e depois 24 câmeras fotográficas ao longo de um hipódromo e tirou várias fotos da passagem de um cavalo. Ele obteve assim a decomposição do movimento em várias fotografias e através de umzoopraxiscópio pode recompor o movimento. Em 1882, Étienne-Jules Marley melhorou o aparelho de Muybridge. Em 1888, Louis Aimée Augustin Le Prince filmou uma cena de cerca de 2 segundos mas a fragilidade do papel utilizado fez com que a projeção ficasse inadequada.

William Kennedy Laurie Dickson, chefe engenheiro da Edison Laboratories, inventou uma tira de celuloide contendo uma sequência de imagens que seria a base para fotografia e projeção de imagens em movimento. Em 1891, Thomas Edison inventou o cinetógrafo e posteriormente o cinetoscópio. O último era uma caixa movida a eletricidade que continha a película inventada por Dickson mas com funções limitadas. O cinetoscópio não projetava o filme.

Programa da primeira exibição

Baseado na invenção de Edison, Auguste e Louis Lumière inventaram o cinematógrafo, um aparelho portátil que consistia num aparelho três em um (máquina de filmar, de revelar e projetar). Em 1895, o pai dos irmãos Lumière, Antoine, organizou uma exibição pública paga de filmes no dia 28 de dezembro no Salão do Grand Café de Paris. A exposição foi um sucesso. Este dia, data da primeira projeção pública paga, é comumente conhecida como o nascimento do cinema mesmo que os irmãos Lumière não tenham reivindicado para si a invenção de tal feito. Porém, as histórias americanas atribuem um maior peso a Thomas Edison pela invenção do cinema, quando na verdade o que ele fez foi pegar pequenos vídeos e exibi-los em maquinas caça-níquel, e para não perder tal fonte lucrativa sempre foi contra a exibição dos filmes em grandes salas.

Os irmãos Lumière enviaram ao mundo, a fim de apresentar pequenos filmes, os primeiros registros como um início do cinema amador. "Sortie de l'usine Lumière à Lyon" (ou "Empregados deixando a Fábrica Lumière") é tido como o primeiro audiovisual exibido na história, sendo dirigido e produzido por Louis Lumière. Do mesmo ano, ainda dos irmãos Lumière o filme "The Sprinkler Sprinkled", uma pequena comédia. Menos de 6 meses depois, Edison projetaria seu primeiro filme, "Vitascope".

Quando o cinema chegou no Brasil

A primeira exibição de cinema no Brasil aconteceu em 8 de julho de 1896, no Rio de Janeiro, por iniciativa do exibidor itinerante belga Henri Paillie. Naquela noite, numa sala alugada do Jornal do Commercio, na Rua do Ouvidor, foram projetados oito filmetes de cerca de um minuto cada, com interrupções entre eles e retratando apenas cenas pitorescas do cotidiano de cidades da Europa. Só a elite carioca participou deste fato histórico para o Brasil, pois os ingressos não eram baratos. Um ano depois já existia no Rio uma sala fixa de cinema, o "Salão de Novidades Paris", de Paschoal Segreto.

Experiência de Eadweard Muybridge

Animação

Cinema mudo ou nada

Desde o início, inventores e produtores tentaram casar a imagem com um som sincronizado. Mas nenhuma técnica deu certo até a década de 20. Assim sendo, durante 30 anos os filmes eram praticamente silenciosos sendo acompanhados muitas vezes de música ao vivo, outras vezes de efeitos especiais e narração e diálogos escritos presentes entre cenas. Tendo destaque para Charles Chaplin, considerado uma das figuras mais importantes no cinema mudo.
Desenvolvimento e negócio

O ilusionista francês, Georges Méliès começou a exibir filmes em 1896, quando ganhou uma "filmadora". Ele foi pioneiro em alguns efeitos especiais. Seu filme "Le Voyage dans la Lune" (ou "Viagem à Lua") de apenas 14 minutos foi provavelmente o primeiro a tratar sobre o assunto de alienígenas.

Edwin S. Porter que se tornou cameraman de Thomas Edison usou pela primeira vez a técnica de edição de imagens. Em seu filme "Life of an American Fireman" de 1903 é possível ver duas imagens diferentes mas que ocorreram simultâneamente, a visão de uma mulher sendo resgatada por um bombeiro e a mesma cena com a visão do bombeiro resgatando a mulher. Em "The Great Train Robbery"(1903), um dos primeiros westerns do cinema, o grande legado foi o "cross-cutting" com imagens simultâneas em diferentes lugares. Mas o mais importante em Porter, foi que o final do filme "The Great Train Robbery" teve que ser mudado, por motivos morais e éticos, visto que originalmente os bandidos se saiam bem no final, o que passava uma ideia de impunidade ao povo, se mostrava a partir dai, um cinema "educador".

O desenvolvimento de filmes fez crescer os nickelodeons, pequenos lugares de exibição de filmes onde se pagava o ingresso de 1 níquel, no qual se juntavam uma grande quantidade de pessoas, chamando a atenção da elite para o poder de influencia daquelas exibições. Os filmes também começaram a crescer em duração. Antes um filme durava de 10 a 15 minutos. Em 1906, o filme australiano"The Story of the Kelly Gang" tinha 70 minutos sendo lembrado até hoje como o primeiro longa metragem da história do cinema. Depois do filme australiano, a Europa começou a produzir filmes até mais longos: "Queen Elizabeth" (filme francês de 1912), "Quo Vadis?"(filme italiano de 1913) e "Cabiria" (filme italiano de 1914), este último com 123 minutos de duração.

Imagem do polêmico filme"The Birth of a Nation"

Em janeiro de 1914 foi exibido "Photo-Drama of Creation" (http://www.jw.org/en/publications/magazines/w20140215/photo-drama-of-creation/), um filme com mais de 8 horas de duração apresentado e narrado por Charles Taze Russell, fundador do movimento religioso dos Estudantes da Bíblia (chamados atualmente de Testemunhas de Jeová) e da Sociedade Torre de Vigia.^[2] O Fotodrama consistia de um conjunto de slides com pinturas coloridas descrevendo o relato criativo bíblico desde a criação do Universo aos dias atuais, se prolongando pelos 1.000 anos futuros do reino de Jesus, segundo as crenças de Russell íblicos, narrados por um locutor bem conhecido da época. Muitas cenas eram acompanhadas por música clássica. Operadores habilidosos usavam fonógrafos para tocar as gravações de música e voz, sincronizando o som com slides e filmes coloridos que encenavam histórias famosas da Bíblia. Foi o primeiro filme a incluir som sincronizado e imagens coloridas.

Pelo lado americano, o diretor D. W. Griffith conseguia destaque. Seu filme, "The Birth of a Nation" (ou "O Nascimento de uma nação") de 1915, foi considerado um dos filmes mais populares da época do cinema mudo, causou polêmica porque foi mal-interpretado, onde um simples retrato da sociedade americana foi considerado uma glorificação da escravatura, segregação racial e promoção do aparecimento da Ku Klux Klan e Intolerance (1916) já "Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages" (ou "Intolerância") é considerado uma das grandes obras do cinema mudo, apesar da grande massa não ter entendido a proposta de quatro historias simultâneas, achando o filme muito confuso.

Em 1907, os irmãos Lafitte criaram os filmes de arte na França com a intenção de levar as classes mais altas ao cinema já que estes pensavam ser o cinema para classes menos educadas.

Hollywood

Até esta época, Itália e França tinham o cinema mais popular e poderoso do mundo mas com aPrimeira Guerra Mundial, a indústria europeia de cinema foi arrasada. Os EUA começaram a destacar-se no mundo do cinema fazendo e importando diversos filmes. Thomas Edison tentou tomar o controle dos direitos sobre a exploração do cinematógrafo. Alguns produtores independentes emigraram de Nova York à costa oeste em pequeno povoado chamado Hollywoodland, graças a Griffith, que já o sugeria. Lá encontraram condições ideais para rodar: dias ensolarados quase todo ano, diferentes paisagens que puderam servir como locações e quase todos as etnias como, negros, brancos, latinos, indianos, índios orientais e etc, um "banquete" de coadjuvantes. Assim nasceu a chamada "Meca do Cinema", e Hollywood se transformou no mais importante centro da indústria cinematográfica do planeta.

Nesta época foram fundados os mais importantes estúdios de cinema (Fox, Universal, Paramount) controlados por judeus (Daryl Zanuck, Samuel Bronston, Samuel Goldwyn, etc.) que viam o cinema como um negócio. Lutaram entre si e às vezes para competir melhor, juntaram empresas assim nasceu a 20th Century Fox (da antiga Fox) e Metro Goldwyn Meyer (união dos estúdios de Samuel Goldwyn com Louis Meyer). Os estúdios encontraram diretores e atores e com isso nasceu o "star system", sistema de promoção de estrelas e com isso, de ideologias e pensamentos de Hollywood.

Começaram a se destacar nesta época comédias de Charlie Chaplin e Buster Keaton, aventuras de Douglas Fairbanks e romances deClara Bow. Foi o próprio Charles Chaplin e Douglas Fairbanks junto a Mary Pickford e David Wark Griffith que acabaram criando aUnited Artist com o motivo de desafiar o poder dos grandes estúdios.

"The Gold Rush" de Charlie Chaplin.

O MUNDO NO CINEMA

Em alternativa a Hollywood existiam vários outros lugares que investiam no cinema de arte e contribuiam para seu desenvolvimento.

Na França, os cineastas entre 1919 e 1929 começaram um estilo chamado de Cinema Impressionista Francês ou cinema de vanguarda (avant garde em francês). Se destacaram nesta época o cineasta Abel Gance com seu filme épico "Napoleon" e "J’Accuse" e Jean Epsteincom seu filme "A queda da casa de Usher" de 1929, ainda se destaca Germaine Dulac de "La Souriante Madame Beudet". Ainda temos nesse movimento "A Moça da Água", de Jean Renoir, que mais tarde ajudaria a construir outra escola de cinema: Realismo Poético Francês.

Na Alemanha surgiu o expressionismo alemão donde se destacam os filmes "Das Cabinet des Dr. Caligari" ("O gabinete do doutor Caligari") de 1920 do diretor Robert Wiene, "Nosferatu","Phantom" ambos de 1922 e do diretor Friedrich Wilhelm Murnau e Metrópolis de Fritz Lang de 1927. Outros filmes de destaque são: "O Gabinete das Figuras de Cera" e "A Última Gargalhada".

Na Espanha surgiu o cinema surrealista donde se destacou o diretor Luis Buñuel. "Un Perro andaluz" (ou "Um Cão Andaluz" em português) de 1928 foi o filme que mais representou o cinema surrealista de Buñuel. Destaca-se ainda: "A Idade do Ouro".

Na Rússia se destacou o cineasta Serguei Eisenstein que criou uma nova técnica de montagem, chamada montagem intelectual ou dialéctica. Seu filme de maior destaque foi "O Couraçado Potemkin" (ou br: "O Encouraçado Potemkin") de 1925. Já Dziga Vertov, de "O Homem com a Câmera" se propôs a um documentário sofisticado, chamado "Cine-Olho". Outros filmes de arte russos de destaque são:"Aelita" e "Terra".

O dinamarquês Carl Theodor Dreyer, roda "Le Passion de Jeanne D'arc", um filme mudo de 1928 com a atriz Maria Falconetti no papel de Joana. Considerado por alguns um dos melhores filmes de todos os tempos. O filme dá valor à expressão facial. Foi filmado na italia

Infelizmente, cerca de 90% dos filmes mudos se perderam, por falta de cuidado ou de boa conservação.

De fato, a maioria dos filmes mudos foi derretida a fim de recuperarem o nitrato de prata, um componente caro.

A era no som

Até então já haviam sido feitos experimentos com som mas com problemas de sincronização e amplificação. Em 1926, a Warner Brothers introduziu o sistema de som Vitaphone (gravação de som sobre um disco) até que em 1927, a Warner lançou o filme "The Jazz Singer", um musical que pela primeira vez na história do cinema tinha alguns diálogos e cantorias sincronizados aliados a partes totalmente sem som; então em 1928 o filme "The Lights of New York" ,(também da Warner), se tornaria o primeiro filme com som totalmente sincronizado. O som gravado no disco do sistema Vitaphone foi logo sendo substituído por outro sistema como o Movietone da Fox, DeForest Phonofil Photophone da RCA com sistema de som no próprio filme.

O Beijo, lançado em 1929 e protagonizado pela atriz sueca Greta Garbo, foi o último filme mudo da MGM e o último da história de Hollywood, com exceção de duas jóias raras de Chaplin: Luzes da Cidade e Tempos Modernos.

No final de 1929, o cinema de Hollywood já era quase totalmente falado. No resto do mundo, por razões económicas, a transição do mudo para o falado foi feito mais lentamente. Neste mesmo ano já lançado grandes filmes falados como "Blackmail" de Alfred Hitchcock(o primeiro filme inglês falado), "Applause" do diretor Rouben Mamoulian (um musical em preto e branco) e "Chinatown Nights" de William Wellman (mesmo diretor de "Uma estrela nasce" de 1937). Foi também no ano de 1929 criado o prêmio Oscar ou Prêmios da Academia que serve até os dias atuais como premiação aos melhores do cinema.

Criatividade

O uso do som fez com que o cinema se diversificasse mais em termos de gêneros. Dessa nova tecnologia nascia o musical e também algumas comédias. E do casamento dos dois surgia a comédia musical.
Anos 30

"Gone With the Wind" de Victor Fleming.

Filmes históricos ou bíblicos na maioria das vezes caminharam de mãos dadas. Dentre os que misturavam este dois gêneros se destacaram "Os dez mandamentos" (versão original de 1923),"Rei dos Reis" de 1932 e Cleópatra de 1934.

Filmes de gangsters se tornaram populares como por exemplo "Little Caesar" e "The Public Enemy" ambos de 1931. Este tipo de filme foi fortemente influenciado pelo Expressionismo Europeu. Talvez o ator que mais se destacou neste gênero foi Humphrey Bogart.

O gênero ficção cinetífica já existente desde o cinema mudo foi se desenvolvendo cada vez mais com a produção de clásicos como "Drácula" (com Bela Lugosi) de 1931 e "Frankenstein"(com Boris Karloff) do mesmo ano.

O duplo sentido com conotações sexuais de Mae West em "She Done Him Wrong" de 1933. A comédia anarquica sem sentido dos Irmãos Marx.

Em 1939 os maiores êxitos do cinema foram "O Maravilhoso Mágico de Oz" e o "Gone with the Wind" (pt: "E tudo o vento levou"; br: "E o vento levou").

Na Itália foi criada a Cinecittà por ordem de Mussolini em 1937. Na América Latina se destacaram o mexicano Cantinflas e a luso-brasileira Carmem Miranda. Carmem Miranda estreou no filme "Alô, Alô Carnaval" de 1936 mas conseguiria sucesso internacional na década seguinte atuando em Hollywood.

Anos 40

O filme "Casablanca" de 1943

A Segunda Guerra Mundial fez com que a Inglaterra e Estados Unidos produzissem vários filmes com apelo patriota e que serviram de propaganda de guerra. Havia também já no final da guerra filmes antinazistas. Dentre os filmes que retrataram a época da guerra se destacou o popular"Casablanca" de 1943 com o ator Humphrey Bogart.

No começo da década, o diretor Orson Welles lançou o filme "Citizen Kane" (em Portugal, "O Mundo a seus Pés"; no Brasil, "Cidadão Kane") com inovações como ângulos de filmagem e narrativa não linear. Em 1946, o diretor Frank Capra lançou o filme "It's a wonderful life". Ambos os filmes estão classificados entre os melhores de todos os tempos.

No ano de 1947, o Comitê de Segurança dos Estados Unidos fez a primeira lista negra de Hollywood acusando 10 diretores e escritores de promover propaganda comunista. Os filmes "Mission to Moscow" e "Song of Russia"foram considerados propaganda pró-soviética.

Na Itália nascia o Neorrealismo como reação ao cinema fascista do regime de Mussolini, e buscava a máxima naturalidade, com atores não profissionais, iluminação natural e com uma forte crítica social. Se considera inaugurado o gênero com "Roma, cidade aberta" (de1945), ainda que se considera como seu maior representante "Ladrão de bicicletas" de Vittorio de Sica.

Anos 50

"Vertigo" de Alfred Hitchcock

O Comitê de Segurança amplia a lista negra incluindo diretores, atores e escritores incluindo até mesmo Charles Chaplin.

O início da década de 50 marcou para a chanchada brasileira uma enorme reviravolta. Embora a Atlântida tenha se consagrado na década anterior como uma das mais fortes indústrias cinematográficas do país, ainda assim as produções eram um tanto desleixadas. Os estúdios estavam mal acomodados, os equipamentos sem a manutenção necessária e os atores recebiam quantias ínfimas pelo árduo trabalho de interpretar em condições precárias. No fim da década 40, mais precisamente no ano 47, o sucesso das chanchadas trouxeram para a Atlântida uma série de novos investidores, interessados principalmente em participar dos lucros da empresa, então ainda sob a administração dos irmãos Burle e Moacyr Fenelon. Entra em cena nesta altura um personagem que será fundamental na consolidação das produções da Atlântida na década de 50: Luís Severiano Ribeiro Jr.. Severiano entrou juntamente com vários outros empresários nos investimentos em produções, que a ele principalmente interessavam por seu domínio em pelo menos 40% das salas de exibição no Brasil. Assim, ele poderia participar dos lucros de uma forma muito maior. A grande surpresa veio ainda em 1947, quando noticiaram que Severiano havia comprado uma grande quantia de ações da Atlântida, tornando-se acionista majoritário e, consequentemente, dono da companhia.

Os filmes 3-D porém duraram pouco tempo, de 1952 até 1954 dentre os quais se destacou o filme "House of Wax" de 1953.

O cineasta Akira Kurosawa projeta mundialmente o cinema japonês com os filmes "Rashomon" e "Shichinin no Samurai", lá também se destaca Kenji Mizoguchi ("Ugetsu monogatari") e Yasujiro Ozu ("Tokyo monogatari ").

No final da década de 1950 surgia na França o movimento Nouvelle Vague no qual se destacaram Claude Chabrol, Jean-Luc Godard("O Acossado") e François Truffaut ("Os Incompreendidos").

Marilyn Monroe se destaca como atriz e símbolo sexual feminino nas obras de Billy Wilder em "The Seven Year Itch", de 1955 e "Some Like it Hot", de 1959.

O cinema da Índia era produzido em grande escala mas no ano de 1955 pela primeira vez ganhou reconhecimento internacional com o filme "Pather Panchali" (ou "A canção do caminho").

O cineasta sueco Ingmar Bergman ganha projeção internacional como um dos maiores cineastas de todos os tempos com as obras-primas "Det Sjunde Inseglet" e "Smultronstället", ambas do ano de 1957.

Alfred Htichcock lança "Vertigo", considerado um dos maiores êxitos do cinema.

Anos 60

Nos anos 60 o sistema Hollywood começou a entrar em declínio. Muitas produções passaram a ser feitas em Pinewood Studios naInglaterra e Cinecittà na Itália ficando fora de Hollywood. "Mary Poppins" de 1964 da Walt Disney Productions, "My Fair Lady" também de 64 e "The Sound of Music" (br: A noviça rebelde — pt: Música no coração) de 1965 estão entre os filmes mais rentáveis da década.

Iniciado pelo diretor John Cassavetes, o cinema americano passou a tomar novos rumos com a produção independente com orçamento reduzido.

Na França o destaque ficou para "Jules e Jim" de 1962 (br: "Uma mulher para dois" de François Truffaut). Na Itália foi o filme "La dolce Vita" de Federico Fellini de 1960. Na Inglaterra o destaque ficou para o início da série de filmes de 007 com o filme "Dr.No" em 1962. Na América Latina o maior destaque ficou por conta da Argentina e do diretor Fernando Solanas.

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Cinema

2015-12-04T07:10:00.002-08:00

Cinema (do grego: κίνημα - kinema "movimento") é a técnica e a arte de fixar e de reproduzir imagens que suscitam impressão de movimento, assim como a indústria que produz estas imagens. As obras cinematográficas (mais conhecidas como filmes) são produzidas através da gravação de imagens do mundo com câmeras (câmaras) adequadas, ou pela sua criação utilizando técnicas de animação ou efeitos visuaisespecíficos.

Os filmes são assim constituídos por uma série de imagens impressas em determinado suporte, alinhadas em sequência, chamadas fotogramas. Quando essas imagens são projetadas de forma rápida e sucessiva, o espectador tem a ilusão de observar movimento. A cintilação entre os fotogramas não é percebida devido a um efeito conhecido comopersistência da visão: o olho humano retém uma imagem durante uma fração de segundo após a sua fonte ter saído do campo da visão. O espectador tem assim a ilusão de movimento, devido a um efeito psicológico chamado movimento beta.

O cinema é um artefato cultural criado por determinadas culturas que nele se refletem e que, por sua vez, as afetam. É uma arte poderosa, é fonte de entretenimento popular e, destinando-se a educar ou doutrinar, pode tornar-se um método eficaz de influenciar os cidadãos. É a imagem animada que confere aos filmes o seu poder de comunicação universal. Dada a grande diversidade de línguas existentes, é pela dublagem (dobragem) ou pelaslegendas, que traduzem o diálogo noutras línguas, que os filmes se tornaram mundialmente populares.

Origens

A origem da palavra "cinema" deve-se à circunstância de ter sido o cinematógrafo o primeiro equipamento utilizado para filmar e projetar. Por metonímia, a palavra também se refere à sala onde são projetadas obras cinematográficas.

O uso da película para a produção de filmes encontra-se em recessão. O cinema digital está em plena expansão desde meados da primeira década do séc. XXI, tanto na tomada de vistas como na projeção. O digital permite, além disso, que os filmes circulem fora dos circuitos tradicionais de distribuição, entre particulares e instituições.

Primórdios

A invenção da fotografia, e sobretudo a da fotografia animada, foram momentos cruciais para o desenvolvimento não só das artes como da ciência, em particular no campo da antropologia visual.

O cinema existe graças à invenção do cinematógrafo, inventado pelos Irmãos Lumière no fim do século XIX. Em 28 de dezembro de1895, na cave do Grand Café, em Paris, realizaram os dois engenhosos irmãos a primeira exibição pública e paga da arte do cinema: uma série de dez filmes, com duração de 40 a 50 segundos cada (os primeiros rolos de película tinham apenas quinze metros de comprimento). Os filmes até hoje mais conhecidos desta primeira sessão chamavam-se "A saída dos operários da Fábrica Lumière" e "A chegada do trem à Estação Ciotat", cujos títulos exprimem bem o seu conteúdo. Apesar de também existirem notícias de projeções um pouco anteriores, de outros inventores (como os irmãos Max e Emil Skladanowsky ^[1] ^[2] na Alemanha), a sessão dos Lumière é aceita pela grande maioria da literatura cinematográfica como o marco inicial da nova arte. O cinema expandiu-se a partir de então pela França, por toda a Europa e Estados Unidos, por intermédio de cinegrafistas enviados pelos irmãos Lumière para captar imagens pelo mundo afora.

Inovações: arte e comércio

Nesta mesma época, um mágico ilusionista, chamado Georges Méliès, dono de um teatro nas vizinhanças do local da primeira exibição dos Lumière, quis comprar um cinematógrafo para o utilizar em seus espetáculos. Os Lumière não quiseram vender-lhe o aparelho: o pai dos irmãos inventores argumentava que o cinematógrafo tinha unicamente finalidade científica e que o mágico teria, por certo, prejuízo se gastasse dinheiro com a máquina para fazer entretenimento. Frustrado, Méliès conseguiu no entanto adquirir um aparelho semelhante na Inglaterra, fabricado por Robert William Paul, tornando-se assim o primeiro grande produtor de filmes de ficção, comnarrativas sedutoras e truques aliciantes, destinados ao grande público: os primeiros efeitos especiais da história do cinema. Foi ele o criador da fantasia na produção e realização de filmes.

Logo depois, nas duas primeiras décadas do século XX, o diretor estadunidense David W. Griffith, um dos pioneiros de Hollywood, realizou filmes que o levaram a ser considerado pela historiografia cinematográfica o grande responsável pelo desenvolvimento e pela consolidação da linguagem do cinema, como arte independente, apesar das polêmicas (polémicas) ideológicas em que se envolveu. Foi ele o primeiro a fazer filmes em que se utilizou a montagem e em que certos movimentos de câmera (câmara) foram usados com maestria, estabelecendo assim os parâmetros da linguagem cinematográfica, que a partir de então se universalizou. Destaque para "Intolerância", admirado até hoje por cineastas e cinéfilos de todo o mundo. Seguidamente, certos agentes do Construtivismo russo,Dziga Vertov no documentário e Sergei Eisenstein na ficção, darão uma importante e decisiva contribuição para o desenvolvimento das técnicas narrativas e de montagem no cinema.

Em suma, os irmãos Lumière e Meliès deram origem a dois géneros fundamentais de cinema: o cinema documental e o cinema de ficção. Como forma de registrar (registar) acontecimentos ou de narrar histórias, o cinema é considerado uma arte, denominada sétima arte, desde a publicação, em 1911, do Manifesto das Sete Artes do teórico italiano Ricciotto Canudo.

Capturando imagens e som para efeitos de comunicação, o cinema também é mídia. Desde a sua origem que é arte e comércio. A indústria cinematográfica cedo se transforma em negócio lucrativo em países como a Índia e os Estados Unidos, respetivamente o maior produtor em número de filmes por ano e o que possui a maior economia cinematográfica, tanto no mercado interno quanto no volume de exportações.

No suporte em película, a projeção de imagens estáticas em sequência para criar a ilusão de movimento terá de ser de no mínimo 16 fotogramas (quadros) por segundo, para que o cérebro humano não detete que são simples imagens isoladas. Desde 1929, juntamente com a universalização do cinema sonoro, as projeções cinematográficas no mundo inteiro foram padronizadas em 24 quadros por segundo. O cinema digital alterou este padrão. Em vídeo digital é comum o uso de 25 frames (fotogramas) por segundo e de 30 nos EUA.

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2014-05-28T09:45:00.000-07:00

Nicolau Maquiavel

Nicolau Maquiavel (em italiano: Niccolò di Bernardo dei Machiavelli; Florença, 3 de maio de 1469 — Florença, 21 de junho de1527) foi um historiador, poeta, diplomata e músico italiano do Renascimento. É reconhecido como fundador do pensamento e daciência política moderna , pelo fato de ter escrito sobre o Estado e o governo como realmente são e não como deveriam ser. Os recentes estudos do autor e da sua obra admitem que seu pensamento foi mal interpretado historicamente.

Desde as primeiras críticas, feitas postumamente pelo cardeal inglês Reginald Poleas opiniões, muitas vezes contraditórias, acumularam-se, de forma que o adjetivo maquiavélico, criado a partir do seu nome, significa esperteza, astúcia, aleivosia, maldade.

Maquiavel viveu a juventude sob o esplendor político da República Florentina durante o governo de Lourenço de Médici e entrou para a política aos 29 anos de idade no cargo de Secretário da Segunda Chancelaria. Nesse cargo, Maquiavel observou o comportamento de grandes nomes da época e a partir dessa experiência retirou alguns postulados para sua obra. Depois de servir em Florença durante catorze anos foi afastado e escreveu suas principais obras. Conseguiu também algumas missões de pequena importância, mas jamais voltou ao seu antigo posto como desejava.

Como renascentista, Maquiavel se utilizou de autores e conceitos da Antiguidade clássica de maneira nova. Um dos principais autores foi Tito Lívio, além de outros lidos através de traduções latinas, e entre os conceitos apropriados por ele, encontram-se o de virtù e o de fortuna.

Contexto histórico

A península Itálica no período do Renascimento(1494).

Durante o Renascimento, as cinco principais potências na península Itálica eram: o Ducado de Milão, a República de Veneza, a República de Florença, o Reino de Nápoles e os Estados Pontifícios.3 A maior parte dos Estados da península era ilegítima, tomados por mercenários chamados "condottieri".

Foram incapazes de se aliar durante muito tempo estando entregues à intriga diplomática e às disputas, e, por suas riquezas, eram atrativos para as demais potências europeias do período, principalmente Espanha e França. A política italiana era, portanto, muito complexa e os interesses políticos estavam sempre divididos. Batalhando entre si, ficavam à mercê das ambições estrangeiras, mas a influência de alguém como Lourenço de Médici havia impedido uma invasão. Com a morte deste em 1492, e a inaptidão política de seu filho, a Itália foi invadida por Carlos VIII, causando a expulsão dosMédici de Florença.

Esta era palco do conflito entre duas tendências: a da exaltação pagã do indivíduo, da vida e da glória histórica, representada por Lourenço de Médici e seu irmão Juliano de Médici; e a da contemplação cristã do mundo, voltada para o além, que se formava como resposta ao ressurgimento da primeira nos mais variados aspectos da vida como a arte e até na Igreja, representada por religiosos como Girolamo Savonarola.

Anunciando a chegada de Carlos VIII como a de um salvador, contrário aos Médici e com grande apoio popular, o pregador Girolamo Savonarola tornou-se a figura mais importante da cidade dando ao governo um viés teocrático-democrático. Com sua crescente autoridade e influência, Savonarola passou a criticar os padres de Roma como corruptos e o Papa Alexandre VI por seu nepotismo e imoralidade. Em 12 de maio de 1497, o papa excomungou o frade, mas a excomunhão foi declarada inválida por ele. No entanto, Savonarola acabou preso e executado pelo governo provisório em 23 de maio de 1498.4 Com a demissão de seus simpatizantes, cinco dias depois da morte do frade, Maquiavel, com 29 anos, foi nomeado para o cargo de secretário da Segunda Chancelaria de Florença.

Juventude

Catarina Sforza Riario, porLorenzo di Credi, na Pinacoteca Cívica de Forlì

Pouco se conhece da biografia de Maquiavel antes de entrar para a vida pública. Ele era o terceiro de quatro filhos de Bernardo e Bartolomea de' Nelli. Sua família era toscana, antiga e empobrecida. Iniciou seus estudos de latim com sete anos e, posteriormente, estudou também o ábaco, bem como os fundamentos da língua grega antiga. Comparada com a de outros humanistas sua educação foi fraca, principalmente por causa dos poucos recursos da família.

Não se sabe ao certo o que teria levado à escolha de Maquiavel para a chancelaria em 19 de junho de 1498. Alguns autores afirmam que ele teria trabalhado aí como auxiliar em 1494 ou 1495, hipótese contestada atualmente. Outros preferem atribuir a sua entrada à escolha de um antigo professor seu, Marcelo Virgilio Adriani, o qual ele teria conhecido em aulas na Universidade Pública de Florença e naquele momento era Secretário da Primeira Chancelaria.

Segunda Chancelaria

A principal instituição de Florença nesse período era a Senhoria com diversos órgãos auxiliares como as duas chancelarias. A primeira chancelaria era responsável pela política externa e pela correspondência com o exterior. A segunda ocupava-se com as guerras e a política interna. No entanto, essas funções muitas vezes se sobrepunham e a autoridade da primeira chancelaria prevalecia sobre a da segunda. Entre as funções exercidas por Maquiavel, estavam tarefas burocráticas e de assessoria política, de diplomacia e de comando no Conselho dos Dez, um outro órgão auxiliar da Senhoria.

Primeiras missões diplomáticas

A primeira de suas missões foi a de convencer um condottiero a continuar recebendo o mesmo soldo. Nesse momento, o governo da República de Florença desejava reaver o controle de Pisa que havia aproveitado a passagem de Carlos VIII para rebelar-se, de forma que, ao realizar essa primeira missão de forma satisfatória, foi enviado em julho de 1499 para negociar com Catarina Sforza, duquesa de Ímola e Forlì a renovação da "condotta" de seu filho Otaviano e para tentar conseguir o auxílio dela com soldados eartilharia para a tomada de Pisa.

Estátua de Maquiavel naGalleria degli Uffizi, Florença.

O governo de Florença contratara o filho da duquesa por 15 mil ducados sabendo-o mau estrategista militar e Maquiavel tinha como instruções, diminuir o soldo e conseguir tropas e munição para a retomada de Pisa. Ele conseguiu de forma satisfatória reduzir o soldo a 12 mil ducados e não comprometeu a cidade na defesa de Ímola e Forlì como queria Catarina.A partir dessa primeira missão, escreveu oDiscorso fatto al Magistrato dei Dieci sopra le cose di Pisa, de 1499, seu primeiro escrito político.

Missão à corte francesa

Pouco depois Luís XII, sucessor de Carlos VIII, conquistou o Ducado de Milão a Ludovico Sforza e, em troca de seu apoio, a República de Florença solicitou o auxílio deste na guerra contra a República de Pisa. Luís XII enviou um exército mercenário que se mostrou indisciplinado e desinteressado pela luta, tendo até mesmo prendido um comissário de Florença. Logo foi necessário enviar representantes à cortefrancesa em Nevers para relatar a situação e encontrar uma solução sem, entretanto, irritar o rei. Para isso, foram enviados Francisco della Casa e Maquiavel. Pouco antes de ir, seu pai morreu e ficou só com o irmão Totto, que em breve se dedicaria à vida eclesiástica, pois as duas irmãs já haviam se casado.

Aos dois, o rei respondeu que parte da culpa pelo fracasso era de Florença e inclusive insistiu para que o ataque a Pisa continuasse às custas da cidade para reparar a honra do rei. Sem poderes para negociar, Maquiavel limitou-se a aconselhar a Senhoria durante o período em que acompanhou a corte através de França e a solicitar o envio de embaixadores que pudessem tratar destes assuntos com mais autoridade. Aí pôde conhecer um pouco mais sobre uma nação que se havia unificado em torno de um rei, diferentemente da Itália. Depois de mais duas viagens à França anos depois, reuniria suas observações sobre a política francesa em dois textos: "Ritrati delle cose di Francia" (1510) e "De natura gallorum".

De volta à cidade, em 1501, casou-se com Marietta Corsini, com quem teria quatro filhos e duas filhas (Bernardo, Ludovico, Piero, Guido, Bartolomea e outra menina morta na primeira infância) mas teve logo que viajar de novo, pois os partidos políticos de Pistoia, outra cidade submetida a Florença, haviam se unido e ameaçavam rebelar-se. Maquiavel foi de opinião que se deveria dar fim e proibir tais partidos.

César Bórgia

César Bórgia, por Altobello Melone, na Galleria dell'Accademia Carrara,Bérgamo

Entre 1502 e 1503, Maquiavel teve contato com César Bórgia, filho do papa Alexandre VI, um cruel e ambicioso condottiero..

César Bórgia (conhecido também como Duque Valentino), por volta de 1501 como condottiero da Igreja e filho do papa, vinha conquistando territórios na Toscana, como Faenza, em 25 de abril . Acercou-se de Florença com seus exércitos e exigiu que a cidade se aliasse a ele, pagasse-lhe um tributo e mudasse seu governo para um mais favorável a si. Quando os florentinos, sem opção, estavam prestes a ceder, Luís XII de França pressionou César Bórgia que foi obrigado a levantar acampamento. Dirigiu-se para Piombino, conquistando-a facilmente e também Pesaro e Rimini, após o quê voltou para Roma.

César Bórgia percebeu que, com a aliança francesa, Florença seria um empecilho a seu plano de expansão e por isso solicitou o envio de representantes com os quais tratar de seus interesses. Para essa missão, em 24 de junho de 1502, foi enviado Francisco Soderini, tendo Maquiavel como secretário e auxílio. Durante a ida, surpreendeu-os a notícia da conquista do ducado de Urbino pelo duque Valentino: ele pediu um reforço de artilharia para a cidade e quando este lhe foi enviado, voltou-se contra o ducado.

Chegadas as tropas francesas, os enviados puderam retornar. Após a retirada das tropas de Bórgia da Toscana, Maquiavel escreveu o "Sobre o modo de tratar os povos rebelados da Valdichiana" (1502) sua primeira obra sem relação com as atividades da Chancelaria e foi neste período (22 de setembro de 1502) que ocorreu uma reforma na constituição florentina tornando o cargo de gonfaloneiro vitalício. Ele era ocupado por Piero Soderini, de quem Maquiavel tornou-se próximo.

Nesse meio tempo, César Bórgia conquistou a seus próprios condottieri Città di Castello e Bolonha. Temendo o duque, estes se reuniram em Magione para conspirar contra ele. César Bórgia solicitou a Florença um embaixador para negociar uma aliança e enviaram-lhe Maquiavel, sem poderes de embaixador, em 5 de outubro de 1502, apenas com a incumbência de entregar os conjurados, afirmando que eles haviam convidado Florença para participar da conspiração, mas que esta havia se negado.

A 9 de dezembro, César Bórgia marchou para Cesena com a intenção de dar fim ao conluio. Lá, mandou prender seu lugar-tenente, Ramiro de Lorque, que apareceu morto no dia seguinte. Dirigiu-se para Pesaro e depois, para Fano, ordenando que Orsini e Vitellozzo Vitelli, dois de seus subordinados, conquistassem Senigallia (26 de dezembro aonde, juntamente com Oliverotto de Fermo deveriam aguardá-lo. Foi aí que, ao chegar com suas tropas, mandou prender e, mais tarde, executar os três. Desse acontecimento deu Maquiavel sua análise no escrito: "Descrição da forma como procedeu o Duque Valentino para matar Vitellozzo Vitelli, Oliverotto da Fermo, o senhor Paolo e o Duque de Gravina Orsini" (1503).4 nota 2

Pedindo ajuda florentina, mas sem esperá-la, partiu para conquistar Città di Castello, Perugia, Corinaldo, Sassoferrato e Gualdo, de onde Maquiavel foi chamado de volta por ter sido nomeado um embaixador. Chegou a Florença em 23 de janeiro de 1508. Com a morte de Alexandre VI e tendo Júlio II se tornado Papa, César Bórgia perdeu seu apoio e veio a se enfraquecer. Feito prisioneiro duas vezes, morreu lutando pelo exército de Navarra, mas a figura de César Bórgia ficaria marcada para Maquiavel como a do perfeito representante de seu príncipe.

Guarda florentina

Com a morte de César Bórgia, surgiu um novo problema: a expansão da República de Veneza pela Romanha que surpreendeu o Papa, os florentinos e o imperador Maximiliano. Sentindo os perigos externos se avolumarem e, por outro lado, conhecendo a ineficiência das tropas mercenárias, Maquiavel solicitou a Soderini a permissão para criar um exército formado por cidadãos de Florença. Recebida a autorização após alguma resistência, iniciou imediatamente seus trabalhos e apenas cinco meses depois, em 15 de fevereiro de 1506 as novas tropas desfilaram na Piazza della Signoria. Pouco antes havia terminado o Decennale primo , poema de 550 versos em "terça rima" que narravam os últimos dez anos e ao qual se seguiria o Decennale secondo (em 1509).

Por essa época, o Papa Júlio II decidiu retomar os domínios da Igreja conquistados por Veneza e pelos homens de Bórgia: Baglioni e Bentivoglio. Marchando contra eles, pediu ajuda de Florença mediante envio de tropas. Sem querer desguarnecer Pisa ou desgostar o Papa, decidiu-se enviar Maquiavel para ganhar tempo. Ele acompanhou o papa atéPerugia, onde assistiu espantado à rendição de Baglioni, pois não compreendia como ele havia deixado passar a oportunidade de prender o Papa, na sua visão, um príncipe invadindo seus domínios como outro qualquer. Não estava presente na tomada da Bolonha por que Florença finalmente enviou as tropas solicitadas, bem como um embaixador para substituí-lo.

Queda de Soderini

Nesse período, Maximiliano I declarou ter a intenção de conquistar a Itália para restaurar o antigo Sacro Império Romano-Germânico fazendo-se coroar em Roma. Com isso, osflorentinos decidiram enviar representantes para saber a que custo poderiam preservar a cidade. Maquiavel e Francesco Vettori — que se tornariam amigos daí em diante — foram encarregados dessa negociação, passam por Trento, Bolzano e Innsbruck em dezembro de 1507 e chegaram à corte, em Viena, em janeiro de 1508.

Em 16 de junho de 1508, Maquiavel e Vettori retornam a Florença , pois Maximiliano seria derrotado pela República de Veneza. Ao retornar, Maquiavel passou a organizar as operações contra a República de Pisa, vencida em 4 de junho de 1509, após 15 anos de guerra. Da experiência com a viagem ao império, Maquiavel escreveria o "Ritratti delle cose dell'Alemagna" (1508-1512).1

Entrementes as hostilidades entre o papa e Veneza chegaram ao máximo. Em 25 de março de 1509, o papa Júlio II alia-se à Liga de Cambra. Esta vence a República de Veneza em Agnadello (14 de maio), tomando a maior parte das possessões venezianas em terra firme. Por outro lado, decidindo que não poderia deixar a Itália cair em mãos estrangeiras, o papa formou uma aliança com a Espanha e Veneza contra a França.

Os florentinos que sempre contaram com a ajuda do rei francês e que não queriam desagradar o papa viram-se divididos. Maquiavel foi enviado pela terceira vez à corte francesa para explicar a prudência dos florentinos apesar da exigência do rei de que esta se declarasse a seu favor. Sem sucesso, retornou em outubro de 1510 com a certeza de que haveria uma guerra entre a França e os Estados da Igreja.

Após Luís XII ter convocado um concílio cismático contra o papa e este decidido reunir-se em Pisa, domínio florentino, o papa ameaçou Florença com a excomunhão e Maquiavel teve que negociar o afastamento da reunião. Apesar do sucesso da missão — os padres dirigiram-se para Milão — o papa resolveu dar fim ao governo de Soderini. Uniu-se aorei de Aragão contra a França e como Florença se recusou a apoiá-lo, a Dieta de Mântua atacou a cidade e destituiu Soderini, trazendo os Médici de volta ao poder.

Escrita das principais obras

Casa de Maquiavel durante seu exílio em Sant'Andrea in Percussina

Em 7 de novembro de 1512, Maquiavel foi demitido sob a acusação de ser um dos responsáveis por uma política anti-Médici e grande colaborador do governo anterior. Foi multado em mil florins de ouro e proibido de se retirar da Toscana durante um ano.

Para piorar sua situação, no ano seguinte dois jovens, Agostino Capponi e Pietropolo Boscoli, foram presos e acusados de conspirarem contra o governo. Um deles deixou cair involuntariamente uma lista de possíveis adeptos do movimento republicano, entre os quais estava o de Maquiavel, que foi preso e torturado. Para sua sorte, com a morte do papa Júlio II em 21 de fevereiro de 1513 e a eleição de João de Médici, um florentino, como Leão X, todos os suspeitos de conspiração foram anistiados como sinal de regozijo e com eles Maquiavel, depois de passar 22 dias na prisão.

Papa Júlio II, retrato de Rafael Sanzio,1512, National Gallery,Londres.

Libertado, seguiu para uma propriedade no distrito de Sant'Andrea in Percussina distante 3,3 quilômetros da comuna de San Casciano dei Bagni, província de Florença. Foi durante esseostracismo e inatividade, o qual duraria até sua morte, que ele escreveu suas obras mais conhecidas: "O Príncipe" e os "Discursos sobre a primeira década de Tito Lívio" (1512-1517). Foi também nesse período que conheceu vários escritores no Jardim Rucellai, círculo de literatos, e se aproximou de Francesco Guicciardini apesar de já conhecê-lo há tempos. Entre os escritos desse período estão o poema Asino d'oro (1517), a peça A Mandrágora (1518), considerada uma obra prima da comédia italiana, e Novella di Belfagor (romance, 1515), além de vários tratados histórico-político, poemas e sua correspondência particular (organizada pelos descendentes) como Dialogo intorno alla nostra língua (1514), Andria (1517), Discorso sopra il riformare lo stato di Firenze (1520), Sommario delle cose della citta di Lucca (1520), Discorso delle cose florentine dopo la morte di Lorenzo (1520), Clizia, comédia em prosa (1525), Frammenti storici (1525) e outros poemas como Sonetti, Canzoni, Ottave, e Canti carnascialeschi.

Com a morte de Lourenço II em 1520, Júlio de Médici, que depois tornou-se papa com o nome de Clemente VII, assumiu o poder em Florença. Ele via Maquiavel com melhores olhos que seus antecessores e o contratou como historiador da república para escrever umaHistória de Florenç, obra a qual dedicaria os sete últimos anos de sua vida. Nesse mesmo ano, ele estava ocupado escrevendo A Arte da Guerra (1519-1520). E é a partir de uma viagem a trabalho a Lucca que ele escreveu a "Vita di Castruccio Castracani da Lucca" (1520).

Após a queda dos Médici, em 1527, com a invasão e saque de Roma pelas tropas espanholas de Carlos I, a república instalou-se novamente na cidade com o restabelecimento do Grande Conselho anteriormente instituído por Savonarola. Maquiavel viu mais uma vez suas esperanças de voltar a servir à cidade serem desfeitas, pois havia trabalhado para os Médici e foi tratado com desconfiança pela nova república.

Poucos dias depois, ficou doente, sentindo dores intestinais. Morreu obscuramente em 21 de junho e no dia seguinte foi enterrado no túmulo da família na Igreja de Santa Croceem Florença.

O Príncipe

Lourenço II de Médici, por Cristofano dell Altissimo, 1550.

O "Príncipe" é provavelmente o livro mais conhecido de Maquiavel e foi completamente escrito em 1513 apesar de publicado postumamente, em 1532. Teve origem com a união de Juliano de Médici e do Papa Leão X, com a qual Maquiavel viu a possibilidade de um príncipe finalmente unificar a Itália e defendê-la contra os estrangeiros, apesar de dedicar a obra a Lourenço II de Médici, mais jovem, de forma a estimulá-lo a realizar esta empreitada. Outra versão sobre a origem do livro, diz que ele o teria escrito em uma tentativa de obter favores dos Médici, contudo ambas as versões não são excludentes.

Está dividido em 26 capítulos. No início ele apresenta os tipos de principado existentes e expõe as características de cada um deles. A partir daí, defende a necessidade do príncipe de basear suas forças em exércitos próprios, não em mercenários e, após tratar do governo propriamente dito e dos motivos por trás da fraqueza dos Estados italianos, conclui a obra fazendo uma exortação a que um novo príncipe conquiste e liberte a Itália. Em uma carta ao amigo Francesco Vettori, datada de 10 de dezembro de 1513 , Maquiavel comenta sobre o escrito:

E como Dante diz que não se faz ciência sem registrar o que se aprende, eu tenho anotado tudo nas conversas que me parece essencial, e compus um pequeno livro chamado "De Principatus", onde investigo profundamente o quanto posso cogitar desse assunto, debatendo o que é um principado, que tipos de principado existem, como são conquistados, mantidos, e como se perdem

– Carta de Nicolau Maquiavel a Francesco Vettori, de 10 de dezembro de 1513.

Discursos sobre a primeira década de Tito Lívio

Os "Discursos sobre a primeira década de Tito Lívio" opõem-se a "O Príncipe" pelo tema, apesar de ambos compartilharem alguns conceitos. Foram pensados como análise e comentário a toda a obra de Tito Lívio mas permaneceram incompletos, não passando da primeira década.

Esta obra surgiu da vontade do autor de comparar as instituições da antiguidade, em especial as da Roma clássica, com as de Florença no período. Assim, seguindo a obra de Tito Lívio, analisa como surgem, se mantém e se extinguem os Estados. Ficou assim dividido em três partes, estudando na primeira a fundação e a organização, em seguida o enriquecimento e a expansão e por fim sua decadência.

A Arte da Guerra

Entre 1519 e 1520, escreveu .Dell'arte della guerra (A Arte da Guerra), o único de seus trabalhos sobre política publicado em seu tempo de vida Em síntese, ele dá conselhos sobre como obter e manter força militar e defende que o preparo militar dos cidadãos é necessário para eles e seu Estado mantenham a liberdade

Interpretações comuns

Folha de rosto da edição de 1550 de O Príncipe e de A vida de Castruccio Castracani da Lucca, de Nicolau Maquiavel

A obra de Maquiavel relaciona-se diretamente com o tempo no qual foi produzida. O método utilizado por ele rompe com a tradição medieval ao fundamentar-se no empirismo e na análise dos fatos recorrendo a experiência histórica da Roma Antiga ganha por ele em seus estudos. Além disso, ele foi o primeiro a propor uma ética para a política diferente da ética religiosa, ou seja, a finalidade da política seria a manutenção do Estado.

O primeiro a se pronunciar sobre sua obra foi o cardeal inglês Reginald Pole, se dizendo horrorizado com a influência que ela teria sobreThomas Cromwell. Os jesuítas o acusaram de ser contra a Igreja e convenceram o Papa Paulo IV a colocá-lo no Index Librorum Prohibitorumem 1559. Na França, um huguenote chamado Innocent Gentillet escreveu uma obra na qual o acusou de ateísmo e, seus métodos, de causadores do Massacre da noite de São Bartolomeu. Esta obra foi muito difundida na Inglaterra, contribuindo para a visão apresentada noteatro do século XVI. Em geral seus críticos se basearam em O Príncipe, analisando a obra isoladamente das demais obras de Maquiavel e sem levar em conta o contexto no qual foi produzida.

Houve também aqueles que quiseram conciliar seu pensamento com a Igreja ou torná-lo um nacionalista; sem muito sucesso, pois manipulavam seu pensamento da mesma forma. No presente, as análises feitas procuram levar em conta principalmente os Discursos sobre a primeira década de Tito Lívio e sua A Arte da Guerra, contextualizando seus escritos e declarando que Maquiavel não inventou uma teoria política, apenas descreveu as práticas que viu refletindo sobre elas.

Conselheiro de tiranos

Busto de Maquiavel em Florença no Palazzo Vecchio.

Essa análise começou a difundir-se com a Reforma e a Contra-Reforma. Se até então suas obras eram ignoradas, a partir daí, o autor e suas obras passaram a ser vistos como perniciosos, sendo forjada a expressão "os fins justificam os meios", não encontrada em sua obra.

Essa interpretação está ligada também a visão de seus escritos como base teórica do absolutismo, ao lado de Thomas Hobbes e Jacques-Bénigne Bossuet, sem, no entanto, contemplar-se os Discursos sobre a primeira década de Tito Lívio em que faz elogios à forma republicanade governo.

Em sua obra O Príncipe, defendeu a centralização do poder político e não propriamente o absolutismo. Suas considerações e recomendações aos governantes sobre a melhor maneira de administrar o governo caracterizam a obra como uma teoria do Estado moderno. Ele é, de fato, considerado o "pai da moderna teoria política".

Maquiavel defende a ideia de que um bom Estado depende de um bom governante, e para que ele seja bom, deveria possuir boas virtudes. Para ele, são características relevantes de um bom príncipe, ser bondoso, caridoso, religioso e ter moral. Contudo, Maquiavel argumentava não ser necessário possui-las de fato, o governante devia apenas manter as aparências, pois o governo precisa do apoio e opinião pública; em momentos de crise a população deve ficar contra o governo.Maquiavel se preocupava em manter o Estado, por isso deixa conselhos para o soberano sobre como o fazer. Deste modo, ele apresenta propostas de como dominar nações.

No caso de dominação sobre uma cultura diferente, ele apresenta três meios para tal feito.

Dominação militar < Colonização < Mudança da capital

A dominação militar é vista como o meio menos eficiente, pois assim a nação estrangeira enxergaria o príncipe como um inimigo e não o apoiaria. A colonização tem maior eficácia, porém não é suficiente. Desta maneira, haveria uma mescla entre a cultura da nação dominada e da nação dominadora, beneficiando ambas as partes. Já a transferência da capital seria o meio mais eficaz. Se o príncipe reside na nação que está dominando, ele passa a levar melhorias para o lugar e a ganhar maior aceitação do povo.

No caso de dominação de um país de grande extensão, ele propõe duas alternativas:

Centralizar burocraticamente < Descentralizar aristocraticamente

Maquiavel afirmava que a segunda proposta era mais eficaz, pois ao descentralizar o poder, ele conferiria autoridade a algumas famílias aristocráticas para governar determinadas regiões do país. Dessa forma, ele teria pessoas de sua confiança fiscalizando todo o território e o poder ainda estaria concentrado em suas mãos. Já a primeira alternativa não seria uma boa solução, pois ele apenas criaria instituições burocráticas, mas o poder ainda estaria centralizado em si.

Maquiavel ainda propõe explicações para dominar uma sociedade acostumada com suas próprias leis:

Destruição < Transferência de capital < Tolerância conservadora

Em primeira instância, o príncipe deveria permitir as leis da nação dominada e tolerar as diferenças. Dessa maneira, a tolerância conservadora é vista como a melhor opção. A segunda alternativa também é considerada aceitável em caso de a primeira não demonstrar êxito, já que ao transferir a capital ele passa a levar mais melhorias para o local e a ganhar aceitação do povo. Caso a população não aceite dominação e se revolte, a única alternativa restante seria a destruição daquele povo.

Uma leitura apressada ou enviesada de Maquiavel poderia levar-nos a entendê-lo como um defensor da falta de ética na política, em que "os fins justificam os meios". Para entender sua teoria é necessário colocá-lo no contexto da Itália renascentista, em que se lutava contra os particularismos locais. Durante o século XVI, a península Itálica estava dividida em diversos pequenos Estados, entre repúblicas, monarquias, ducados, além dos Estados da Igreja. As disputas de poder entre esses territórios era constante, a ponto de os governantes contratarem os serviços do condottieri (mercenários) com o intuito de obter conquistas territoriais.

Foi muito difundida no século XVI e encontram-se aproximadamente 400 peças que citam Maquiavel, todas vinculando seu nome à maldade, a ardilosidade e a falta de escrúpulos. William Shakespeare, por exemplo, o coloca em uma fala de Ricardo, Duque de Gloucester na sua peça sobre Henrique VI (Henry VI, Part 1, Henry VI, Part 2, Henry VI, Part 3).

Conselheiro do povo

Uma segunda interpretação diz que ao escrever O Príncipe, Maquiavel tentava alertar o povo sobre os perigos da tirania, tendo entre seus adeptos, Baruch de Espinoza e Jean-Jacques Rousseau. Este último escreveu "(…) é o que Maquiavel fez ver com evidência. Fingindo dar lições aos reis, deu-as, e grandes, aos povos." Foi defendida recentemente por estudiosos da obra dele como Garret Mattingly.

Há os que afirmam ser O Príncipe uma sátira dos costumes dos governantes ou que o autor não acreditaria no que escreveu, baseando esta afirmação na preferência que teria Maquiavel pela República como forma de governo. Contudo o autor também faz críticas a República.

Nacionalista

Maquiavel era um verdadeiro republicano, mas ele acreditava que somente a força de um líder especial poderia criar o um Estado italiano forte como ele imaginava.1 Isso, muito tempo depois, na Europa do século XIX, durante as Guerras Napoleônicas, com a Alemanha e a Itália fragmentadas e com os nacionalismos internos surgindo, gerou uma visão de Maquiavel como um nacionalista exaltado, disposto a tudo pela união e defesa da Itália, como demonstrado no último capítulo de "O Príncipe":

"Não se deve, portanto, deixar passar esta ocasião: a Itália, tanto tempo passado, há de ver enfim, a chegada de seu redentor. E faltam-me palavras para exprimir com que amor seria ele recebido em todas aquelas províncias que padeceram com o alúvio invasor dos estrangeiros; com que sede de vingança, com que inabalável fé, com que devoção, com que lágrimas. Que portas fechar-lhe-iam? Que povos negar-lhe-iam a obediência? Que inveja ser-lhe-ia oposta? Que italiano negar-lhe-ia o respeito?"

A obra de Maquiavel revela a consciência diante do perigo da divisão política da península em vários estados, que estariam expostos à mercê das grandes potências europeias.Hegel, Herder, Macaulay e Burd foram alguns de seus defensores, certamente fundamentando sua interpretação no capítulo final de O Príncipe em que Maquiavel faz uma apaixonada defesa de uma Itália unificada, afirmando que um povo só pode ser feliz e próspero se estiver unido.

Pensamento

Maquiavel não foi um pensador sistemático. Ele utiliza o empirismo para escrever através de um método indutivo e pensa em seus escritos como conselhos práticos, sendo além disso antiutópico e realista. A teoria não se separa da prática em Maquiavel. Os conceitos desenvolvidos por ele rompem com a tradição medieval teológica e também com a prática, comum durante o Renascimento, de propor Estados imaginários perfeitos, os quais os príncipes deveriam ter sempre em mente. A partir da observação da política de seu tempo e da comparação desta com a da Antiguidade vai formular o seu pensamento por acreditar na imutabilidade da natureza humana.

Virtù e fortuna

Os conceitos de virtù e fortuna são empregados várias vezes por Maquiavel em suas obras. Para ele, a virtù seria a capacidade de adaptação aos acontecimentos políticos que levaria à permanência no poder. A virtù seria como uma barragem que deteria os desígnios do destino. Mas segundo o autor, em geral, os seres humanos tendem a manter a mesma conduta quando esta frutifica e assim acabam perdendo o poder quando a situação muda.

A ideia de fortuna em Maquiavel vem da deusa romana da sorte e representa as coisas inevitáveis que acontecem aos seres humanos. Não se pode saber a quem ela vai fazer bens ou males e ela pode tanto levar alguém ao poder como tirá-lo de lá, embora não se manifeste apenas na política. Como sua vontade é desconhecida, não se pode afirmar que ela nunca lhe favorecerá.

História

O túmulo de Maquiavel naBasílica da Santa Cruz.

Maquiavel escreve história mais como pensador político do que como historiador Assim ele não se preocupa tanto com a referência precisa de afirmações contidas nas suas obras, ainda que tenha ido aos arquivos de Florença - prática incomum na época - e deixa transparecer nas suas obras históricas a defesa de algumas das suas ideias através da narração dos factos históricos. Ele também acredita que a história se repete, tornando a sua escrita útil como exemplo para que os homens, tentados a agir sempre da mesma maneira, evitassem cometer os mesmos erros.Assim, enquanto alguns dos seus biógrafos atribuem-lhe os fundamentos da escrita moderna da história, outros admitem que ele não possuía uma visão crítica o suficiente para poder separar os fatos históricos dos mitos e aceitou como verdade, por exemplo, a fundação mitológica de Roma, Outros, ainda, atribuem-lhe uma "concepção dogmática e ingénua da história".

Ética

A ética em Maquiavel se contrapõe à ética cristã herdada por ele da Idade Média. Para a ética cristã, as atitudes dos governantes e os Estados em si estavam subordinados a uma lei superior e a vida humana destinava-se à salvação da alma. Com Maquiavel a finalidade das ações dos governantes passa a ser a manutenção da pátria e o bem geral da comunidade, não o próprio, de forma que uma atitude não pode ser chamada de boa ou má a não ser sob uma perspectiva histórica.

Reside aí um ponto de crítica ao pensamento maquiavélico, pois com essa justificativa, o Estado pode praticar todo tipo de violência, seja aos seus cidadãos, seja a outros Estados. Ao mesmo tempo, o julgamento posterior de uma atitude que parecia boa, pode mostrá-la má.

Natureza humana

Para ele, a natureza humana seria essencialmente má e os seres humanos querem obter os máximos ganhos a partir do menor esforço, apenas fazendo o bem quando forçados a isso. A natureza humana também não se alteraria ao longo da história fazendo com que seus contemporâneos agissem da mesma maneira que os antigos romanos e que a história dessa e de outra s civilizações servissem de exemplo. Falta-lhe um senso das mudanças históricas.

“

"Mesmo as leis mais bem ordenadas são impotentes diante dos costumes" (…) ”

— Nicolau Maquiavel

Como consequência acha inútil imaginar Estados utópicos, visto que nunca antes postos em prática e prefere pensar no real Sem querer com isso dizer que os seres humanos ajam sempre de forma má, pois isso causaria o fim da sociedade, baseada em um acordo entre os cidadãos. Ele quer dizer que o governante não pode esperar o melhor dos homens ou que estes ajam segundo o que se espera deles.

Notas

Ir para cima↑ Del modo di trattare i popoli della Valdichiana ribellati
Ir para cima↑ Descrizione Del modo tenuto dal duca Valentino nell' ammazzare Vitellozzo Vitelli, Oliverotto da Fermo, il Signor Paolo e il Duca di Gravina Orsini
Ir para cima↑ Maquiavel havia dado o nome De Principatus (Dos Principados). Cerca de cinco anos após sua morte os editores Blado e Giunta rebatizaram a obra como Il Principe (O Príncipe)
Ir para cima↑ Não confundir com Lourenço de Médici, o Magnífico. Aqui trata-se de Lourenço, duque de Urbino, neto do primeiro e sobrinho do papa Leão X.

Assinatura
Nicolau Maquiavel, pintura de Santi di Tito, noPalazzo Vecchio
Nascimento	3 de maio de 1469 Florença, Itália
Morte	21 de junho de1527 (58 anos)
Nacionalidade	Italiana
Influências	Influências]
Influenciados	Influenciados]
Magnum opus	O Príncipe
Escola/tradição	Republicanismo clássico,filosofia do Renascimento erealismo político
Principais interesses	Política, história, literatura,música

Wikipédia

2014-05-19T14:02:00.001-07:00

Edgar Allan Poe

Edgar Allan Poe (nascido Edgar Poe; Boston, 19 de Janeiro de 1809 - Baltimore, 7 de Outubro de 1849) foi um autor, poeta, editor e crítico literário americano, fez parte do movimento romântico americano. Conhecido por suas histórias que envolvem o mistério e o macabro, Poe foi um dos primeiros escritores americanos de contossendo considerado o inventor do gênero ficção policial, também recebendo crédito por contribuição ao emergente gênero de ficção científica.3 Ele foi o primeiro escritor americano conhecido a tentar ganhar a vida através da escrita por si só, resultando em uma vida e carreira financeiramente difícil.

Ele nasceu como Edgar Poe, em Boston, Massachusetts; quando jovem, ficou órfão de mãe, que morreu pouco depois de seu pai abandonar a família. Poe foi acolhido por Francis Allan e o seu marido John Allan, de Richmond,Virginia, mas nunca foi formalmente adotado. Ele freqüentou a Universidade da Virgínia por um semestre, passando a maior parte do tempo entre bebidas e mulheres. Nesse período, teve uma séria discussão com seu pai adotivo e fugiu de casa para se alistar nas forças armadas, onde serviu durante dois anos antes de ser dispensado, depois de falhar como cadete em West Point, deixou a sua família adotiva. Sua carreira começou humildemente com a publicação de uma coleção anônima de poemas, Tamerlane and Other Poems (1827).

Poe mudou seu foco para a prosa e passou os próximos anos trabalhando para revistas e jornais, tornando-se conhecido por seu próprio estilo de crítica literária. Seu trabalho o obrigou a se mudar para diversas cidades, incluindo Baltimore, Filadélfia e Nova York. Em Baltimore, em 1835, casou-se com Virginia Clemm, sua prima de 13 anos de idade. Em Janeiro de 1845, Poe publicou seu poema The Raven, foi um sucesso instantâneo. Sua esposa morreu de tuberculose dois anos após a publicação. Ele começou a planejar a criação de seu próprio jornal, The Penn (posteriormente renomeado para The Stylus), porém morreu antes que pudesse ser produzido. Em 7 de Outubro de 1849, aos 40 anos, Poe morreu em Baltimore; a causa de sua morte é desconhecida e foi por diversas vezes atribuída ao álcool, congestão cerebral, cólera, drogas, doenças do coração, raiva, suicídio, tuberculose entre outros agentes.

Poe e suas obras influenciaram a literatura nos Estados Unidos e ao redor do mundo, bem como em campos especializados, tais como a cosmologia e a criptografia. Poe e seu trabalho aparecem ao longo da cultura popular na literatura, música, filmes e televisão. Várias de suas casas são dedicadas como museus atualmente.

História

Edgar Allan Poe nasceu no seio de uma família escocesa-irlandesa, filho do ator David Poe Jr., que abandonou a família em 1810, e da atriz Elizabeth Arnold Hopkins Poe, que morreu após o nascimento de Rosalie, a irmã mais nova de Poe. em 1811. Depois da morte da mãe, Poe foi acolhido por Francis Allan e o seu marido John Allan, um mercador de tabaco bem sucedido de Richmond, que nunca o adotou legalmente, mas lhe deu o seu sobrenome (muitas vezes erroneamente escrito "Allen").

Esta placa marca o local aproximado6 onde Edgar Poe nasceu,Boston, Massachusetts.

Depois de frequentar a escola de Misses Duborg em Londres, e a Manor School em Stoke Newington, Poe regressou com a família Allan a Richmond em 1820, e registrou-se na Universidade da Virgínia, em 1826, que viria a frequentar durante um ano apenas. Desta viria a ser expulso graças ao seu estilo aventureiro e boêmio.

Retrato de Elizabeth Arnold Hopkins Poe, a mãe de Edgar Allan Poe

Na sequência de desentendimentos com o seu padrasto, relacionados com as dívidas de jogo, Poe alistou-se nas forças armadas, sob o nome Edgar A. Perry, em 1827. Nesse mesmo ano, Poe publicou o seu primeiro livro, Tamerlane and Other Poems. Depois de dois anos de serviço militar, acabaria por ser dispensado. Em 1829, a sua madrasta faleceu, ele publicou o seu segundo livro,Al Aaraf, e reconciliou-se com o seu padrasto, que o auxiliou a entrar na Academia Militar de West Point. Em virtude da sua, supostamente propositada, desobediência a ordens, ele acabou por ser expulso desta academia, em 1831, fato pelo qual o seu padrasto o repudiou até a sua morte, em 1834.

Poe mudou-se, em seguida, para Baltimore, para a casa da sua tia viúva, Maria Clemm, e da sua filha, Virgínia Clemm. Durante esta época, Poe usou a escrita de ficção como meio de subsistência e, no final de 1835, tornou-se editor do jornalSouthern Literary Messenger em Richmond, tendo trabalhado nesta posição até 1837. Neste intervalo de tempo, Poe acabaria por casar, em segredo, com a sua prima Virgínia, de treze anos, em 1836.

Em 1837, Poe mudou-se para Nova Iorque, onde passaria quinze meses aparentemente improdutivos, antes de se mudar para Filadélfia, e pouco depois publicar The Narrative of Arthur Gordon Pym. No verão de 1839, tornou-se editor assistente daBurton's Gentleman's Magazine, onde publicou um grande número de artigos, histórias e críticas. Nesse mesmo ano, foi publicada, em dois volumes, a sua colecção Tales of the Grotesque and Arabesque (traduzido para o francês por Baudelairecomo "Histoires Extraordinaires" e para o português como Histórias Extraordinárias), que, apesar do insucesso financeiro, é apontada como um marco da literatura norte-americana.

Durante este período, Virgínia Clemm soube sofrer de tuberculose, que a tornaria inválida e acabaria por levá-la à morte. A doença da mulher acabou por levar Poe ao consumo excessivo de álcool e, algum tempo depois, este deixou a Burton's Gentleman's Magazine para procurar um novo emprego. Regressou a Nova Iorque, onde trabalhou brevemente no Evening Mirror, antes de se tornar editor do Broadway Journal. No início de 1845, foi publicado, no jornal Evening Mirror, o seu popular poemaThe Raven (em português "O Corvo").

Em 1846, o Broadway Journal faliu, e Poe mudou-se para uma casa no Bronx, hoje conhecida como Poe Cottage e aberta ao público, onde Virgínia morreu no ano seguinte. Cada vez mais instável, após a morte da mulher, Poe tentou cortejar a poeta Sarah Helen Whitman. No entanto, o seu noivado com ela acabaria por falhar, alegadamente em virtude do comportamento errático e alcoólico de Poe, mas bastante provavelmente também devido à intromissão da mãe de Miss Whiteman. Nesta época, segundo ele mesmo relatou, Poe tentou o suicídio por sobredosagem de láudano, e acabou por regressar a Richmond, onde retomou a relação com uma paixão de infância, Sarah Elmira Royster, então já viúva.

Retrato de Virginia Clem, a prima de 13 anos de Poe que se tornaria a esposa do escritor

Diferentemente da maioria dos autores de contos de terror, Poe usa uma espécie de terror psicológico em suas obras, seus personagens oscilam entre a lucidez e a loucura, quase sempre cometendo atos infames ou sofrendo de alguma doença. Seus contos são sempre narrados na primeira pessoa.

Morte[editar | editar código-fonte]

Ver artigo principal: Morte de Edgar Allan Poe

Poe foi enterrado originalmente na parte de trás do cemitério de Westminster, sem uma lápide. A da imagem marca hoje em dia o lugar original.

No dia 3 de Outubro de 1849, Poe foi encontrado nas ruas de Baltimore, com roupas que não eram as suas, em estado de delirium tremens, e levado para o Washington College Hospital, onde veio a morrer apenas quatro dias depois. Poe nunca conseguiu estabelecer um discurso suficientemente coerente, de modo a explicar como tinha chegado à situação na qual foi encontrado. As suas últimas palavras teriam sido, de acordo com determinadas fontes, "Lord, please, help my poor soul", em português, "Senhor, por favor, ajude minha pobre alma."

Nunca foram apuradas as causas precisas da morte de Poe, sendo bastante comum, apesar de incomprovada, a ideia de a causa do seu estado ter sido embriaguez. Por outro lado, muitas outras teorias têm sido propostas ao longo dos anos, de entre as quais: diabetes, sífilis, raiva, e doenças cerebrais raras.

Estilo literário e temas

Gêneros

As obras mais conhecidas de Poe são Góticas, um gênero que ele seguiu para satisfazer o gosto do público. Seus temas mais recorrentes lidam com questões da morte, incluindo sinais físicos dela, os efeitos da decomposição, interesses por pessoas enterradas vivas, a reanimação dos mortos e o luto. Muitas das suas obras são geralmente consideradas partes do gênero do romantismo sombrio, uma reação literária ao transcendentalismo, do qual Poe fortemente não gostava.

Além do horror, Poe também escreveu sátiras, contos de humor e hoaxes. Para efeito cômico, ele usou a ironia e a extravagância do rídiculo, muitas vezes na tentativa de liberar o leitor da conformidade cultural. De fato, "Metzengerstein", a primeira história que Poe publicou, e sua primeira incursão em terror, foi originalmente concebida como uma paródia satirizando o gênero popular. Poe também reinventou a ficção científica, respondendo na sua escrita às tecnologias emergentes como balões de ar quente em "The Balloon-Hoax".

Poe escreveu muito de seu trabalho usando temas especificamente oferecidos para os gostos do mercado em massa. Para esse fim, sua ficção incluiu muitas vezes elementos da popular pseudociência, como frenologia e fisiognomia.

Teoria literária[editar | editar código-fonte]

A escrita de Poe reflete suas teorias literárias, que ele apresentou em sua crítica e também em peças literárias como "The Poetic Principle".

Ele não gostava de didaticismo e alegoria, pois acreditava que os significados na literatura deveriam ser uma subcorrente sob a superfície. Trabalhos com significados óbvios, ele escreveu, deixam de ser arte. Acreditava que o trabalho de qualidade deveria ser breve e concentrar-se em um efeito específico e único. Para isso, acreditava que o escritor deveria calcular cuidadosamente todos sentimentos e ideias.

Em "The Philosophy of Composition", uma peça na qual Poe descreve seu método de escrita em "The Raven", ele afirma ter seguido estritamente este método. Porém, foi questionado se ele realmente seguiu esse sistema.

T. S. Eliot disse: "É difícil para nós lermos esta peça sem pensar se Poe escreveu seu poema com tanto cálculo, ele poderia ter pego um pouco mais de dores sobre isto: o resultado dificilmente tem crédito ao método". O biógrafo Joseph Wood Krutch descreveu a peça como "um exercício um tanto engenhoso na arte de racionalização".

Nacionalidade	norte-americano
Data de nascimento	19 de janeiro de 1809
Local de nascimento	Boston, Massachusetts Estados Unidos
Data de falecimento	7 de outubro de 1849 (40 anos)
Local de falecimento	Baltimore, Maryland Estados Unidos
Género(s)	Mistério Horror Fantasia
Ocupação	Escritor, poeta, crítico e editor
Período de atividade	1832 - 1849
Movimento	Romantismo sombrio
Obra(s) de destaque	The Murders in the Rue Morgue The Purloined Letter The Mystery of Marie Roget
Cônjuge	Virginia Eliza Clemm Poe
Assinatura

Obras[editar | editar código-fonte]

Ver página anexa: Lista de obras de Edgar Allan Poe

O Wikisource possui obras de
Edgar Allan Poe

O Wikiquote possui citações de ou sobre: Edgar Allan Poe

A Dream (1827)
A Dream Within a Dream (1827)
Dreams (1827)
Tamerlane (1827)
Al Aaraaf (1829)
Alone (1830)
To Helen (1831)
Israfel (1831)
The City in the Sea (1831)
To One in Paradise (1834)
The Conqueror Worm (1837)
The Narrative of Arthur Gordon Pym (1838)
Silence (1840)
A Descent Into the Maelstrom (1841)
Tell Tale Heart (1843)
Lenore (1843)
O Gato Preto (1843)
Dreamland (1844)
The Purloined Letter (1844)
The Divine Right of Kings (1845)
The Raven (1845)
The Philosophy of Composition
Ulalume (1847)
Eureka (1848)
Annabel Lee (1849)
The Bells (1849)
Eldorado (1849)
Eulalie (1850)
The Valley Of The Unrest
Bridal Ballad
The Sleeper
The Coliseum
Sonnet:To Zante
To One in Paradise
The Haunted Palace
Romance
FairyLand
Song
To F-
To -
To F-s S.O-d
To The River-
The Lake.To-
The Bells
A Valentine
An Enigma
To --
To M.L.S.-
To My Mother
For Annie
The pit and the pendulum (1842)
William Wilson (1839)
Berenice (conto)
Morella (conto)
The Oblong Box (conto)
The Man of The Crowd (conto)
The Assignation (conto)
The Oval Portrait (conto)
The King Pest (conto)
The Gold-Bug (conto)
Ms.Found In a Bottle (conto)
The Balloon Hoax (conto)
Metzengerstein
Ligeia (conto)
"Thou Art the Man" (conto)
The Spectacles (conto)
The Premature Burial (conto)
A Tale of the Ragged Mountains (conto)
The Island of the Fay (conto)
The Colloquy of Monos and Una (conto)
The Conversation of Eiros and Charmion (conto)
A Queda da Casa de Husher (conto) (1839)
Os Assassinatos da Rua Morgue (conto) (1841)
A Máscara da Morte Rubra (conto) (1842)
O Mistério de Marie Rogêt (conto) (1842)
O Poder das Palavras (conto) (1845)
O Demônio da Perversidade (conto) (1845)
The System of Doctor Tarr and Professor Fether (conto) (1845)
Os Fatos que Envolveram o Caso Mr.Valdemar (conto) (1845)
A Esfinge (conto) (1846)
The Cask of Amontillado (conto) (1846)
The Domain of Arnheim (conto) (1847)
Mellonta Tauta (conto) (1849)
Hop-Frog ou Os Oito Orangotangos Acorrentados (conto) (1849)
Von Kempelen and His Discovery (conto) (1849)
X-ing a Paragrab (conto) (1849)
A Cabana de Landor (conto) (1849)

Origem: Wikipédia

Estilo arquitetónico

2012-12-09T03:47:00.000-08:00

Estilo arquitetônico é uma expressão utilizada com o fim de classificar períodos da história da arquitetura de acordo com suas caraterísticas formais, técnicas e materiais. Este esforço de classificação tem, por vezes, resultados um pouco arbitrários: é, no entanto, unânime a consideração de que existem caraterísticas comuns nas obras de arquitetos de tenham trabalhado na mesma época, na mesma região geográfica ou, simplesmente, quando têm conhecimento dos trabalhos desenvolvidos pelos outros – as chamadas “influências” na obra individual de cada criado.r

Capela de Versailles vista da tribune royale, um exemplo notável do Barroco francês.

Estilo regência

O estilo regência, também conhecido como regência francesa, é um estilo decorativoarquitectónico (interiores e exteriores) e, acima de tudo, um estilo de mobiliário. Este estilo desenvolve-se em França durante a regência de Filipe de Orléans entre 1715 e 1723, após o reinado de Luís XIV e enquanto Luís XV é menor de idade (tem apenas 5 anos de idade quando morre o seu bisavô, Luís XIV).

Em termos artísticos faz a transição entre o estilo Luís XIV (inserido no movimento barroco) para o estilo Luís XV (inserido no movimento rococó). De um modo geral, e por ser um estilo de transição, possui ainda muito da sumptuosidade controlada do anterior, demonstrando já alguns elementos típicos do rococó, a leveza e liberdade das linhas. Neste pequeno período de tempo, estas duas vertentes decorativas vão coexistir em harmonia, resultando em criações de elegante flexibilidade.

Durante o período de regência, em que a corte deixa Versailles para se acomodar em Paris, a França atravessa um período económico difícil, e opta-se agora pela construção de paláciosde menores dimensões e interiores menos sumptuosos, mais virados ao intimismo e à simplicidade, mas sem perder totalmente o esplendor anterior. Também os exteriores diminuem em severidade e controle, adoptando já algumas linhas mais espontâneas, que terão o seu apogeu na total liberdade imaginativa do rococó. Este desejo de uma maior liberdade formal, fora da rigidez artística do século anterior, desponta simultaneamente com a mudança social e mental que toma lugar no século XVIII, onde a sociedade aspira a uma maior independência, descontracção e alegria no quotidiano

Pós-modernidade

Pós-modernidade ou Pós-modernismo é a condição sócio-cultural e estética que prevalece no capitalismo contemporâneo após a queda do Muro de Berlim e a consequente crise das ideologias que dominaram o século XX. O uso do termo se tornou corrente embora haja controvérsias quanto ao seu significado e a sua pertinência.

Algumas escolas de pensamento tem-na como o fundamento do alegado esgotamento do movimento modernista, que dominou a estética e a cultura até final do século XX, substituindo, assim, a modernidade. Outros, por sua vez, afirmam que a pós-modernidade seria a extensão da modernidade, englobando-a para cobrir o desenvolvimento no mundo, onde houve a perda da aura do objeto artístico pela sua reprodução em múltiplas formas: fotografias, vídeos, etc. (Walter Benjamin).

Pós-modernidade pode significar uma resposta pessoal para uma sociedade pós-moderna, as condições na sociedade que fazem-na pós-moderna ou o estado de ser que é associado a uma sociedade pós-moderna. Em muitos contextos, poderia ser distinguido de pós-modernismo, a consciente adoção de filosofias pós-modernas ou de seus traços na arte, literatura e sociedade.

O crítico brasileiro Mário Pedrosa foi um dos primeiros a utilizar este termo em 1964 (Madeira, A. p.1). Em importante artigo sobre a arte de Hélio Oiticica Pedrosa afirmava na ocasião (Pedrosa, 1981:2005):

A esse novo ciclo de vocação antiarte chamaria de arte pós-moderna.

Pós-modernidade pode significar uma resposta pessoal para a sociedade pós-moderna. As condições nas quais a sociedade faz-se pós-moderna ou o estado de ser que é associado com uma sociedade pós-moderna. Na maioria dos contextos pode ser distinguida de pós-modernismo, a consciente adoção de filosofias pós-modernas ou traços na arte, literatura e sociedade.

Ópera de Sydney, projeto do dinamarquês Jørn Utzon. O pós-moderno em arquitetura refere-se às várias manifestações de reação ao Estilo Internacional

Ordem dórica

A ordem dórica é a mais rústica das três ordens arquitetônicas gregas. Dentre suas características é possível citar as colunas desprovidas debase, capitel despojado, arquitrave lisa, friso com métopas e tríglifos, emútulos sob o frontão.

[editar]Origem

Surgiu nas costas do Peloponeso, ao sul, no início do século VII a.C., e apresenta-se no auge no século V a.C. É principalmente empregada no exterior de templos dedicados a divindades masculinas e é a mais simples das três ordens gregas definindo um edifício em geral baixo e de carácter sólido. A coluna não tem base, tem entre quatro e oito módulos de altura, o fuste é raramente monolítico e apresenta vinte estrias ou sulcos verticas denominados de caneluras. O capitel é formado pelo équino, ou coxim, que se assemelha a uma almofada e por um elemento quadrangular, o ábaco. O friso é intercalado por módulos compostos de três estrias verticais, os tríglifos, com dois painéis consecutivos lisos ou decorados, as métopas. A cornija apresenta-se horizontal nas alas, quebrando-se em ângulo nas fachadas de acordo com o telhado de duas águas.

A versão romana transmite, em geral, maior leveza através das suas dimensões mais reduzidas.

O Commons possui uma categoria com multimídias sobre Ordem dórica

Capitel e entablamento dórico, Partenon

Elementos arquitetônicos na ordem dóric

Neogótico

2012-10-21T08:57:00.001-07:00

Neogótico ou revivalismo gótico é um estilo de arquitetura revivalista originado em meados do século XVIII na Inglaterra. No século XIX, estilos neogóticos progressivamente mais sérios e instruídos procuraram reavivar as formas góticas medievais, em contraste com os estilos clássicos dominantes na época.
O movimento de revivalismo gótico teve uma influência significativa na Europa e nas Américas, e talvez tenha sido construída mais arquitetura gótica revivalista nos séculos XIX e XX do que durante o movimento gótico original

A Igreja Votiva em Viena (Áustria).

O revivalismo góticoencontrou paralelo e apoio no medievalismo, que teve suas origens no interesse antiquarial por relíquias e curiosidades. Na literatura inglesa, o revivalismo gótico e o romantismo deram origem à novela gótica, gênero inaugurado por O Castelo de Otranto (1764) de Horace Walpole, e inspirado em um gênero de poesia medieval que parece emergir da poesia pseudo-bárdica do Ossian. Poemas como Os Idílios do Rei, de Alfred Tennyson, projetam temas modernos em cenários medievais dos romances Arturianos. Na literatura germânica o revivalismo gótico também teve raízes em tendências literárias.

Continuidade e Ressurgimento
Considera-se que a arquitetura gótica nasceu com a Basílica de Saint-Denis, em Paris, em 1140, e terminou com a maravilhosa Capela de Henrique VII em Westminster, no início do século XVI. Contudo, a arquitetura gótica não morreu completamente em 1520, mas perdurou em diversos outros projetos de catedrais e na construção de templos rurais em distritos isolados da França, Inglaterra, Espanha, Alemanha e na Comunidade Polonesa.

Torre Tom, de Sir Christopher Wren.

A desaparecida Abadia de Fonthill.

Em Bolonha, o arquiteto barroco Carlo Rainaldi construiu em 1646 abóbadas góticas (completadas em 1658) para a Basílica de San Petronio, que estava em construção desde 1390; ali o contexto gótico da estrutura suplantou considerações a respeito de estilos mais contemporâneos. Da mesma forma, arquitetura gótica sobreviveu em ambientes urbanos durante o fim do século XVII, como é evidente em Oxford e Cambridge, onde reformas e acréscimos neogóticos aos edifícios foram considerados mais adequados ao estilo das estruturas originais do que poderia ser o barroco vigente na época. A Torre Tom de Sir Christopher Wren, no Christ Church College da Universidade de Oxford, e mais tarde as torres ocidentais da Abadia de Westminster, de Nicholas Hawksmoor, confundem as fronteiras do que se poderia considerar uma continuidade ou um ressurgimento do gótico.
Em meados do século XVIII, com o surgimento do romantismo, um crescente interesse sobre a Idade Média entre alguns connoisseurs influentes deu margem a uma abordagem mais apreciativa quanto a algumas manifestações artísticas medievais, começando com a arquitetura, a arte funerária da nobreza, vitrais e manuscritos iluminados. Outras artes góticas continuaram a ser consideradas bárbaras e rudes, como a tapeçaria e o trabalho em metal.
Associações sentimentais e nacionalistas com figuras históricas foram tão fortes, neste início de ressurgimento, como interesses puramente estéticos. Alguns poucos britânicos, e logo alguns alemães, começaram a apreciar o caráter pitoresco das ruínas - e pitoresco começou a ser uma qualidade estética - e os efeitos suavizantes do tempo. Os detalhes góticos da Villa Twickenham, de Walpole, apelavam para os gostos rococó da época, e por volta de 1770 arquitetos completamente neoclássicos como Robert Adam e James Wyatt foram capazes de prover detalhes góticos para salas, bibliotecas e capelas para uma visão romântica de uma abadia gótica, a Abadia de Fonthill, em Wiltshire. O Castelo de Inveraray, construído em 1746 com projeto de William Adam, assinala os primeiros sinais neogóticos na Escócia. O estilo Gothick era uma manifestação do artificialismo pitoresco encontrado em outras artes - estes templos ornamentais e casas de verão ignoravam a lógica estrutural do verdadeiro edifício gótico e eram com efeito construções Palladianas, apenas com arcos de ogiva.

A geração posterior tomou mais a sério a arquitetura gótica, e abriu caminho para publicações sobre história da arquitetura eclesiástica na Inglaterra que receberam diversas edições e ainda eram republicadas em 1881, caso da Attempt to discriminate the styles of English architecture from the Conquest to the Reformation, preceded by a sketch of the Grecian and Roman orders, with notices of nearly five hundred English buildings, de Thomas Rickman, escrita em 1814.

Romantismo e Nacionalismo
O neogótico francês nasceu como um aspecto menor da anglomania, começando por volta de 1780. Quando Alexandre de Laborde, erudito francês, disse que "a arquitetura gótica tem uma beleza própria", a idéia era nova para a maioria dos leitores franceses. Em 1828 Alexandre Brogniart, diretor da Manufatura de Sèvres, realizou diversos esmaltes de grandes proporções para a capela real de Luis Felipe.

Basílica de Sainte-Clothilde, Paris

Arcisse de Caumont lançou sólidas bases para o ressurgimento gótico na França, fundando a Societé des Antiquaires de Normandy, e publicando um grande trabalho sobre arquitetura normanda em 1830. No ano seguinte apareceu a novela de Victor Hugo, Notre Dame de Paris, onde a grande catedral francesa era de uma só vez cenário e protagonista desta obra de ficção que ganhou enorme popularidade. No mesmo ano a monarquia francesa criou o posto de Inspetor-Geral de Monumentos Antigos, ocupado em 1833 por Prosper Merimée, que se tornaria o secretário de uma nova comissão que incumbiria Viollet-le-Duc de relatar as condições da Abadia de Vézelay, em 1840. A seguir Viollet-le-Duc começaria então a restaurar os edifícios mais simbólicos da França, incluindo a Catedral de Notre Dame, Vézelay, Carcassone, o Castelo Roquetaillade, a Abadia do Monte Saint-Michel e o Palácio Papal de Avinhão.

Fachada do Duomo de Florença.

Em Florença, a parcialmente completa fachada do Duomo, erguida para as núpcias entre as casas Medici e Lorena em 1588-1589, foi desmantelada, e assim permaneceu até 1864, quando foi organizado um concurso para definir uma nova fachada, mais afeita ao estilo da estrutura de Arnolfo di Cambio e ao belo campanário ao lado. O vencedor deste concurso foi Emilio de Fabris, que terminou as obras em 1887 com a policromia e mosaicos que hoje vemos.
A influência de Pugin e Ruskin

No fim da década de 1820, ainda um jovem, Augustus Pugin trabalhava para dois empregadores muito conhecidos, fornecendo desenhos góticos para objetos de luxo. Para Morel e Seddon, moveleiros reais, ele criou desenhos góticos para a redecoração de ambientes no Palácio de Windsor. Para o ourives real Rundell Bridge & Co. ele fez desenhos para pratarias a partir de 1828, usando um vocabulário formal gótico anglo-francês, o qual ele ainda seguiria em produções posteriores para o novo Palácio de Westminster. Entre 1821 e 1838 ele e seu pai publicaram uma série de volumes sobre desenho arquitetural. O título do primeiro era Specimens of Gothic Architecture, e os 3 seguintes receberam o nome de Exemples of Gothic Architecture, que seriam reimpressos e permaneceriam como padrão para revivalistas góticos por pelo menos um século. Em Contrasts Pugin manifestou sua admiração não só pela arte medieval, mas por todo o ethos medieval, dizendo que a arquitetura gótica era o produto de uma sociedade mais pura. Pugin acreditava que o gótico era uma arquitetura verdadeiramente cristã, e até mesmo afirmou que "o arco ogival era produto da fé católica". Seu edifício mais famoso é as Casas do Parlamento, em Londres, que ele desenhou em dois períodos entre 1836 e 1852, junto com seu colaborador Charles Barry. Pugin encarregou-se das decorações e Barry do arcabouço simétrico do edifício.

St. Alban, Macclesfield, desenhada por Pugin.

John Ruskin complementou as idéias de Pugin em seus dois livros, que tiveram enorme influência: The Seven Lamps of Architecture (1849) e The Stones of Venice (1853). Encontrando seu ideal arquitetônico em Veneza, Ruskin propôs que os edifícios góticos suplantavam toda outra arquitetura por causa do "sacrifício" dos pedreiros em esculpir com grande minúcia cada pedra. Ruskin fez pela arquitetura civil o que Pugin fez pela religiosa, embora tenha se limitado ao campo teórico.

Eclesiologia

Na Inglaterra a Igreja nacional estava experimentando um ressurgimento da ideologia e ritualismo anglo-católicos na forma do Movimento de Oxford, e se tornou desejável que se construísse muitas igrejas novas para reunir a população em crescimento, o que encontrou imediatamente muitos apoiadores nas universidades onde o movimento eclesiológico estava se formando. Seus proponentes afirmavam que o gótico era o único estilo adequado para uma igreja paroquial, e privilegiaram um momento específico na era gótica, o gótico decorado. A revista do movimento, The Ecclesiologist, era tão ácida em suas críticas a toda edificação que não encontrasse seus padrões rigorosos que chegou a tomar corpo um movimento chamado gótico arqueológico, que produziu alguns dos prédios mais convincentemente medievais de toda a corrente neogótica. Mesmo com toda esta influência, o movimento revivalista não teve uma uniformidade de princípios. Alguns advogavam uma inspiração eclesiológica estrita, enquanto outros se contentavam com o aspecto puramente estético, combinando-o com outros estilos ou adotando simplificações. Viollet-le-Duc e o gótico metálico

Sainte-Chapelle, restaurada por Viollet-le-Duc.

Mesmo não tendo a França participado do movimento desde seus inícios, ela foi capaz de produzir um ativista incomparável na pessoa de Viollet-le-Duc. Sendo ao mesmo tempo um arquiteto de primeira linha e um teórico influente e poderoso, seu talento especial residiu no terreno da restauração. Ele considerava válido restaurar edifícios a um estado de completude que não foi conhecido mesmo por seus criadores originais, e aplicou suas teorias em Notre Dame, em Carcassone e na Sainte-Chapelle, onde não hesitou em substituir elementos originais da cantaria medieval. Sua abordagem lógica do gótico estava em flagrante contraste com as origens românticas do movimento, e foi considerada por alguns como um prelúdio para a honestidade estrutural típica do modernismo.
Ao longo de toda suas carreira ele permaneceu num impasse a respeito da propriedade da combinação de metal e pedra na construção de um edifício. Na verdade o ferro vinha sendo usado desde o início do revivalismo, mas com Ruskin e as exigências do gótico arqueológico a respeito da verdade estrutural, o ferro, seja aparente ou não, foi considerado inadequado para uma edificação gótica. Este argumento começou a ser derrubado em meados do século XIX, à medida que foram sendo erguidas grandes estruturas pré-fabricadas como o Palácio de Cristal, de ferro e vidro, e o pátio envidraçado da Universidade de Oxford, e que pareceram encarnar princípios góticos através do ferro.
Entre 1863 e 1872 Le-Duc publicou seus Entretiens sur l’architecture, um conjunto de ousados projetos para edifícios que combinavam ferro e pedra. Embora jamais tenham sido construídos efetivamente, influenciaram diversas gerações de desenhistas e arquitetos, especialmente Gaudí na Espanha e Bucknall na Inglaterra. A flexibilidade e força proporcionadas pelas estruturas de metal possibilitaram aos projetistas neogóticos novas soluções estruturais que teriam sido impossíveis apenas com a pedra, como a ponte Calvert Vaux no Central Park de Nova Iorque, e que pressagiam de certa forma o Art Nouveau.
Em torno de 1872 o revivalismo gótico estava maduro o bastante na Inglaterra para que Charles Locke Eastlake, um influente professor, produzisse uma History of the Gothic Revivalism, mas um ensaio mais extenso, The Gothic Revival: An Essay, seria escrito apenas em 1928 por Kenneth Clark.

Artes Decorativas
O neogótico não se limitou à arquitetura. Mobília neogótica é encontrável na Inglaterra desde c. 1740, como por exemplo na mansão de Lady Promfet em Arlingtons Street, Londres, e a Abbotsford, de Sir Walter Scott, exemplifica o gótico regência em seu mobiliário. Decorações neogóticas foram produzidas com baixo custo em papel de parede e cerâmicas. O catálogo da Grande Exposição de 1851 está repleto de detalhes neogóticos, desde rendados e tapetes até maquinaria pesada.

Adaptações

Prédios do Boston College.

Casas e pequenas igrejas empregando elementos góticos se tornaram comuns no fim do século XIX na América do Norte, inserindo-os em um contexto estilístico tipicamente americano, muitas vezes se resumindo a empregar aberturas ogivais e fachadas elevadas.

Do século XX em diante
Na virada do século XX, desenvolvimentos tecnológicos como a lâmpada elétrica, o elevador e a estrutura metálica levaram muitos arquitetos a considerar a cantaria pesada como obsoleta. Estruturas de ferro assumiram as funções de abóbadas de nervuras e arcobotantes. Alguns usaram decorações neogóticas para adornar esqueletos metálicos subjacentes, como no caso do arranha-céu Woolworth Building de Cass Gilbert, de 1907, em Nova Iorque, e a Tribune Tower de Raymond Hood, em Chicago, de 1922.
Em torno da metade do século o neogótico havia sido suplantado pelo modernismo.
Não obstante o revivalismo gótico continuou a exercer influência, até porque alguns de seus projetos mais importantes ainda estavam em fase de construção na segunda metade do século, como a Catedral de Liverpool, de Giles Gilbert Scott. A reconstrução do campus da Universidade de Yale por James Gamble Rodgers, e os primeiros prédios do Boston College, de Charles Donagh Maginnis, contribuíram para estabelecer uma tradição neogótica na arquitetura de educandários americanos. Um arquiteto importante como Ralph Adams Cram, autor da ambiciosa Catedral de São João o Divino, em Nova Iorque, afirmou que "o estilo concebido e aperfeiçoado por nossos ancestrais é incontestavelmente uma herança nossa".

Interior da Igreja de Santa Teresinha, em Porto Alegre.

Embora depois da década de 1930 o número de novos projetos neogóticos declinasse rapidamente, alguns ainda apareceram, como a Catedral de Bury St. Edmunds, construída entre 1950 e 2000.

No Brasil
O neogótico popularizou-se no Brasil perto do final do reinado de D. Pedro II, especialmente a partir da década de 1880. Talvez a igreja neogótica brasileira mais antiga seja a do Santuário do Caraça, em Minas Gerais, construída entre 1876 e 1883 em substituição a uma igreja colonial. Outra igreja neogótica pioneira é a Catedral de Petrópolis, começada em 1884 mas só concluída cerca de 1925, que abriga os túmulos do Imperador e sua família. No Rio de Janeiro, então capital, foram construídos muitos edifícios neste estilo a partir da década de 1880, como o pitoresco Palácio da Ilha Fiscal, construído sobre uma ilha na Baía da Guanabara entre 1881 e 1889, a Igreja da Imaculada Conceição em Botafogo (1888-1892), a Igreja Metodista do Catete (1886) e outros. O neomanuelino, variante portuguesa do neogótico, aparece por primeira vez nessa época no Real Gabinete Português de Leitura, edificado entre 1880 e 1887 no centro do Rio.

Catedral de São Paulo.

Igreja de São Sebastião Mártir, em Venâncio Aires.

O neogótico foi muito empregado em todo tipo de edifícios seculares e militares, incluindo casas particulares, mas foi particularmente popular em edifícios religiosos. Em São Paulo capital, a primeira igreja neogótica foi a Igreja Luterana de Martin Luther (1906-1908), seguida uns anos mais tarde pela monumental Catedral da Sé, construída a partir de 1913 e inaugurada apenas em 1954. Outras catedrais neogóticas incluem a Catedral de Santos (1909-1967), a Catedral da Boa Viagem em Belo Horizonte (começada em 1913), a Catedral de Vitória (1920-1970) e outras. Igrejas neogóticas tardias começaram a ser construídas até pelo menos a década de 1930, como a Catedral Metropolitana de Fortaleza, começada em 1939 e inaugurada apenas em 1978.

No Rio Grande do Sul o neogótico foi o estilo preferido para a construção de uma infinidade de capelas e templos, especialmente nas regiões de colonizações italiana e alemã, entre fins do século XIX e começo do século XX. Dentre estes são exemplos interessantes a Catedral de Caxias do Sul, começada em 1895 como igreja paroquial, e a Capela do Santo Sepulcro, na mesma cidade, Igreja Matriz de N. S. de Lourdes em Flores da Cunha, a Igreja Cristo Rei em Bento Gonçalves, a Igreja Matriz de São Pedro em Garibaldi, e a Matriz de São Luiz Gonzaga, em Veranópolis. Também a cidade de Santa Cruz do Sul, de colonização alemã, possui uma catedral com uma vigorosa e original interpretação do estilo gótico, construída entre 1928 e 1936. Outro exemplo de destaque na mesma região é a Igreja de São Sebastião Mártir em Venâncio Aires. Outro exemplo importante é a Igreja de Santa Teresinha, em Porto Alegre, construída entre 1924 e 1931, de estilo puro e refinado.
Outro exemplo de catedral neogótica e a catedral Sagrado Coração de Jesus e Cristo rei situada na cidade de Petrolina interior de Pernambuco. Na cidade de Feira de Santana, Bahia, há um outro belíssimo exemplo de uma arquitetura neogótico, a Paróquia Senhor dos Passos, que teve o início da sua construção em 09 de outubro de 1921 e a conclusão das obras em 17 de maio de 1964.

Catedral de São João Batista, em Santa Cruz do Sul.

Em Portugal
Em Portugal o estilo gótico dominou a arquitetura no período entre o século XIII e os inícios do século XVI. Nessa última fase, o exuberante gótico português ficou conhecido como estilo manuelino. Como em outros países europeus, a partir do século XIX vários dos antigos edifícios góticos foram restaurados e muitas vezes parcialmente recriados, de maneira mais ou menos fantasiosa, em estilo neogótico ou, no caso específico de Portugal, em estilo neomanuelino. Assim, houve várias intervenções em edifícios como a Torre de Belém, o Mosteiro da Batalha e o Mosteiro dos Jerónimos, entre outros, que tentaram recuperar o antigo brilho destes emblemáticos monumentos. O Mosteiro dos Jerónimos, por exemplo, foi alvo de um grande restauro a partir de 1867 em que foram inteiramente remodelados em estilo neomanuelino a torre sineira e o antigo dormitório dos monges.

Palácio da Pena, Sintra.

Por outro lado, também houve edifícios construídos de raiz em estilo neogótico e/ou neomanuelino desde a primeira metade do século XIX, acompanhando o espírito romântico vigente na época. Muitas destas primeiras experiências também incorporam toques orientalistas e exóticos, com citações da arquitetura islâmica. Exemplos importantes são a Palácio de Monserrate (depois de 1858) e o Palácio da Pena (depois de 1838), ambos em Sintra, este último sendo uma mistura caprichosa entre o neogótico, o neomanuelino e o neoislâmico.
O neomanuelino transformou-se em um dos estilos favoritos em Portugal, dando origem a obras como o Palácio Hotel do Buçaco, a Quinta da Regaleira, o Palácio dos Condes de Castro Guimarães, a Estação Ferroviária do Rossio, os Paços do Concelho de Sintra e Soure, entre muitos outros edifícios. O neogótico estrito está representado em menos edifícios. Um exemplo notável é o Elevador de Santa Justa (1898-1902), em Lisboa, uma estrutura de ferro decorada com motivos góticos.

Origem: Wikipédia

Pierre-Auguste Renoir

2012-06-25T09:05:00.000-07:00

Pierre-Auguste Renoir

Nascimento	25 de fevereiro de 1841 Limoges
Morte	3 de dezembro de1919 (78 anos) Cagnes-sur-Mer
Nacionalidade	Francês
Ocupação	Pintor
Movimento estético	Impressionismo

Pierre-Auguste Renoir (Limoges, 25 de fevereiro de 1841 — Cagnes-sur-Mer, 3 de dezembro de 1919) foi um dos mais célebres pintores franceses e um dos mais importantes nomes do movimentoimpressionista

Desde o princípio sua obra foi influenciada pelo sensualismo e pela elegância dorococó, embora não faltasse um pouco da delicadeza de seu ofício anterior como decorador de porcelana. Seu principal objetivo, como ele próprio afirmava, era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. Apesar de sua técnica ser essencialmente impressionista, Renoir nunca deixou de dar importância à forma - de fato, teve um período de rebeldia diante das obras de seus amigos, no qual se voltou para uma pintura mais figurativa, evidente na longa série Banhistas. Mais tarde retomaria a plenitude da cor e recuperaria sua pincelada enérgica e ligeira, com motivos que lembram o mestreIngres, por sua beleza e sensualidade.

A sua obra de maior impacto é Le Moulin de la Galette, em que conseguiu elaborar uma atmosfera de vivacidade e alegria à sombra refrescante de algumas árvores, aqui e ali intensamente azuis. Percebendo que traço firme e riqueza de colorido eram coisas incompatíveis, Renoir concentrou-se em combinar o que tinha aprendido sobre cor, durante seu período impressionista, com métodos tradicionais de aplicação de tinta. O resultado foi uma série de obras-primas bem no estilo Ticiano, assim como de Fragonarde Boucher, a quem ele admirava. Os trabalhos que Renoir incluiu em uma mostra individual de 70, organizada pelo marchand Paul Durand-Ruel, foram elogiados, e seu primeiro reconhecimento oficial veio quando o governo francês comprou Ao Piano, em 1892.

Primeiros anos

"Mulher com sombrinha".

Renoir nasceu em Limoges em 25 de fevereiro de1841. Seu pai, Léonard, era alfaiate e sua mãe, Marguerite, costureira. Eram uma família de classe média e em 1844, mudaram-se para Paris para tentar uma vida melhor. Renoir estudou até os 13 anos, depois começou a trabalhar em uma fábrica de porcelana dos Irmãos Lévy onde pintava buquês e flores em artigos de porcelana. Ficou na fábrica até os 17 anos e depois foi trabalhar para M. Gilbert pintando temas religiosos vendidos a missionários e pintou em leques e tecidos que eram mais bem remunerados na época e que lhe permitiu juntar algumas economias.

Em 1862 após juntar dinheiro com seu trabalho, Renoir realiza seu sonho: aos 21 anos muda-se pra Parìs e entra para a École des Beaux-Arts de Paris ("Escola de belas artes"). Entrou também para o ateliê de Charles Gleyre. Assistindo às aulas no ateliê, além de aperfeiçoar a sua técnica, conquistou a amizade de Alfred Sisley, Monet eBazille, com quem compartilhou dias de muita conversa e teorização em Paris e de árduo trabalho em Argenteuil, pintando ao ar livre.

Em 1863, Renoir abandonou a École des Beaux-Arts e passou a pintar ao ar livre emFontainebleau. A sua primeira obra A Esmeralda entrou para o Salão em 1864, com ela Renoir conseguiu um certo sucesso. Porém após a exposição, Renoir destruiu-a. Em1865, Renoir e seus amigos tornaram-se próximos de Monet depois, ele conseguiu uma certa noteriedade após expor as suas obras "Almoço na Relva" e "Olympia".

Com a guerra franco-prussiana, seus amigos pintores dispersaram-se e Renoir passou a se hospedar constantemente na casa do amigo Jules Le Couer. Foi na casa de Le Couer que Renoir conheceu Lise Trèhot que passou a ser sua modelo preferida durante um certo tempo. Entre as obras de destaque que Lise posou estão: "Mulher com a sombrinha" (de1867), "A jovem Cigana" (de 1868) e seu último quadro como modelo que foi "Mulher com periquito" (de 1871).

Lise com a sombrinha é considerada sua primeira obra de destaque. Lise pousou para a tela em Fontainebleau entre as folhagens de uma floresta. Com um vestido todo branco onde poderia apreciar-se os jogos de luz e sombra. A obra era inspirada em Coubert. Apesar do relativo sucesso da obra na ocasião, Renoir atravessava dificuldades financeiras. Em 1869 morava com Lise, de dezanove anos, na casa de seus pais.

Em 1870, Renoir se alistou na cavalaria para lutar na guerra franco-prussiana, mas deu baixa um ano depois por causa de uma doença. Neste mesmo ano, morreria na guerra seu amigo Bazille.

Período Impressionista

"O camarote", 1874

Retrato de Madame Henriot, 1876

Entre 1870 à 1883, Renoir entra em seu período impressionista. Pinta várias paisagens mas suas obras são mais caracterizada ao retratar a vida social urbana.

“"Numa manhã um de nós já não tinha preto, e assim nasceu o Impressionismo."^[1]”

— Renoir

No salão de 1872, ele expôs a tela"Mulheres parisienses vestidas como Argelinas" no Salão Oficial o que lhe conferiu grande sucesso. No ano seguinte, Renoir alugaria um apartamento em Montmartre onde pintou duas obras famosas: "O camarote" e "A bailarina". Em 1873, junto aos seus amigos impressionistas, Renoir expôs suas obras em um salão alternativo ao Salão Oficial de Paris que foi um fracasso. Neste salão alternativo, Renoir vendeu seu quadro "O camarote" por 425 francos.

No ano de 1875, Renoir vendeu "O passeio" por 1.200 francos. Com o dinheiro ele pode alugar um prédio maior em Montmartre onde ele pintou várias obras. Em 1876, Renoir pintou várias obras famosas: "Nu ao sol", "O balanço" e "Le moulin de la galette". A obra"Le moulin de la galette" foi exposto no terceiro salão alternativo dos impressionistas e trouxe-lhe grande reputação.

[RE][I][U]Com 18 anos, Renoir começou a pintar e decorar persianas e leques. Em 1862, foi estudar na Academia de Belas Artes. Estudou também na academia do pintor suíço Charles Gabriel Gleyre. Nesta academia conheceu outros artistas famosos da época como, por exemplo, Claude Monet e Alfred Sisley. De Monet, Renoir recebeu influência no tratamento da luz, sendo que o trabalho com as cores foi influência recebida de Delacroix.

Período seco

Em 1881, Renoir passaria a buscar novas inspirações. Primeiro foi à Argélia depois àItália. Na Itália, Renoir conheceu os grandes centros: Milão, Roma, Veneza, Nápoles. O que mais lhe impressionou na viagem foi ver de perto as obras de Rafael.

A viagem foi uma inspiração para buscar mais consistência em sua obra tentou tornar-se um artista em grande estilo renascentista. As figuras de suas obras tornaram-se mais imponentes e formais, e muitas vezes abordou temas da mitologia clássica. O contorno de seus personagens tornaram-se mais precisos, formas desenhadas com mais rigor e cores mais frias.

“"Por volta de 1883, eu tinha esgotado o Impressionismo e finalmente chegado à conclusão de que não sabia pintar nem desenhar."^[1]”

— Renoir

Além de Rafael, Renoir foi influenciado pela obra de Ingres, pintor neoclássico, que admirava e defendia em debates com os amigos impressionistas.

Esse novo período em sua arte, de 1883 a 1887, ficou conhecido como período seco. Nesta nova fase não houve mais espaço para pintura ao ar livre.

"Mulher amamentando

Esse novo período em sua arte, de 1883 a 1887, ficou conhecido como período seco. Nesta nova fase não houve mais espaço para pintura ao ar livre.

Renoir começaria a realizar estudos do qual surgiria uma de suas grandes obras: "As grandes banhistas" que só ficou pronta em 1887

Período Iridescente

Chamada pelo pintor de período iridescente, a partir de 1889 Renoir mudaria novamente de estilo. Era uma fase de recuperação da liberdade da juventude. Em1890, ele pintou "Duas meninas colhendo flores" e "No prado". Passou também a pintar muitos nus e retratos (ainda uma das maiores fontes económicas do pintor).

Em 1894, Renoir teve mais um filho, Jean Renoir, que se tornaria um grande cineasta francês cuja maiores obras seriam A grande Ilusão e A Regra do jogo. Em 1901, Renoir e Aline tiveram mais um filho, Claude, apelidado de Coco.

Em 1903, Renoir ao piorar da artrite mudou-se para Cagnes. Passou a retratar Gabrielle, jovem contratada para servir seus pequenos filhos.

Sentindo cada vez mais dificuldades para segurar os pincéis e acabou tendo que amarrá-los às mãos. Começou também a esculpir, na esperança de poder expressar seu espírito criativo através da modelagem, mas até para isso ele precisou de ajuda, que veio na forma de dois jovens artistas, Richard Gieino e Louis Morel, que trabalhavam segundo suas instruções.

Apesar das graves limitações físicas, Renoir continuou trabalhando até o último dia de sua vida. Em 1908, ele pintou sua versão para "O julgamento de Paris".

Aline morreu em 1915 e Renoir em 1919 aos 78 anos.

Obras

- Mulher com sombrinha (1867)
- O Camarote (1874)
- Le Moulin de la Galette (1876)
- Madame Georges Charpentier e suas filhas (1878)
- Remadores em Chatou (1879)
- Elizabeth e Alice de Anvers (Les Demoiselles Cahen d'Anvers - Rose et Bleue) (1881)
- A dança em Bougival (1883)
- Mulher amamentando (1886)
- As grandes banhistas (1887)
- Menina com espigas (1888)
- Menina jogando criquet (1892)
- Ao piano (1893)
- Odalisca (1904)
- Retrato de Claude Renoir (1908)
- Banhista enxugando a perna direita (1910)

Wikipedia

Monet

David Gilmour

2012-02-13T15:36:00.001-08:00

Sir David Jon Gilmour, CBE (Cambridge, 6 de Março de 1946)^[1] é um guitarrista e cantor britânico, vocalista da banda inglesa Pink Floyd, tendo também editado álbuns a solo bem como colaborado com outros artistas. Depois da saída de Roger Waters a meio da década de 1980 tornou-se a principal figura da banda. Foi considerado o 14º melhor guitarrista do mundo pela revista norte-americana Rolling Stone.

David Gilmour

David Gilmour em 2 de Julho de 2005 no Live

Informação geral


Nome completo	Sir David Jon Gilmour
Nascimento	6 de Março de 1946 (65 anos)
Origem	Cambridge, Inglaterra
País	Reino Unido
Gêneros	Rock progressivo, psicodéli co,hard rock
Instrumentos	Vocal, guitarra, baixo, teclado,sintetizador, saxofone, banjo,bandolim, gaita, bateria, violão,programação
Modelos de instrumentos	Guitarras: Fender Stratocaster, Fender Telecaster, Gibson Les Paul, Gibson Cascade, Contrabaixo Fender Precision Violões: Gibson, Ovation, Takamine, Martin, Steinberger e Taylor
Período em atividade	1963 - atualmente
Gravadora(s)	EMI, Capitol, Columbia, Sony
Afiliações	Pink Floyd, Syd Barrett, Ron Geesin, Roger Waters, Unicorn,Roy Harper, Kate Bush, Wings,Atomic Rooster, Paul McCartney,Supertramp, Bryan Ferry, Nick Mason e Rick Fenn, Pete Townshend, Arcadia, The Dream Academy, Berlin, Rock Aid Armenia, Warren Zevon, All About Eve, Elton John, The Who, Paul Rodgers, B. B. King, Ringo Starr,Alan Parsons, Chris Jagger & Atcha, Dalbello, The Orb, Sam Brown

Biografia

Nomeado doutor em arte, nasceu emCambridge, Inglaterra e cresceu emGrantchester Meadows. Seu pai Douglas Gilmour, foi um professor de Zoologia daUniversidade de Cambridge. Sua mãe Sylvia também era professora. A sua educação teve lugar na Waldorf School e foi durante muitos anos um modelo para essa escola, tendo no entanto descrito a sua educação como “horrível”.

Pink Floyd

Conheceu Syd Barrett quando frequentava o Colégio de Artes e Tecnologia de Cambridge, embora não tenha pertencido á formação inicial dos Pink Floyd. Seu primeiro grupo chamava-seJoker’s Wild para quem começou a tocar em1963. A banda mudou o seu nome para Flowersem 1967 tendo acabado nesse mesmo ano, tendo Gilmour formado os Bullitt. Juntou-se aos Pink Floyd em Janeiro do ano seguinte. Syd Barrett saiu do grupo alguns meses mais tarde e ele então assumiu o papel de guitarrista principal.

Roger Waters deixou o grupo em 1985 assumindo que sem ele os Pink Floyd se desmembrariam. Em vez disso, David Gilmour assumiu por completo o controle da banda e criou A Momentary Lapse Of Reason. Ele explica:

"Eu tinha um cem número de problemas com a direção da banda no passado recente, antes de Roger sair. Eu achava que as músicas tinham muitas palavras, e que devido ao significado dessas palavras serem tão importantes, a música tinha-se tornado um mero veículo para as letras, o que não era muito inspirador...The dark side of the moon e Wish you were here tiveram um enorme sucesso, não apenas devido à contribuição de Roger, mas também porque havia um equilíbrio maior entre a música e as palavras do que em álbuns mais recentes. É isso que estou tentando fazer em A Momentary Lapse Of Reasonfocar mais na música, restaurando o equilíbrio

"

[edita
r]Carreira solo

Durante os intervalos musicais dos Pink Floyd, passava o tempo tocando como músico de estúdio, produzindo discos e até fazendo as vezes como engenheiro de som de palco para uma enorme variedade de espectáculos incluindo, Roy Harper, Kate Bush, The Dream Academy,Grace Jones, Arcadia, Bryan Ferry, Robert Wyatt, Hawkwind, Paul McCartney, Ringo Starr, Sam Brown, Jools Holland, Propaganda, Pete Townshend, The Who, Supertramp (juntos criaram o êxito "Brother where you bound" do álbum com o mesmo nome), vários "supergrupos" de solidariedade e muito mais.

Lançou o seu primeiro álbum, na Primavera de 1978 simplesmente chamado de David Gilmour. O seu segundo álbum About face foi editado em 1984.

Em 2002 fez uma série de concertos acústicos em Londres e Paris, juntamente com Rick Wright(tecladista do Pink Floyd) e uma pequena banda e coro, e que foi documentado na edição deDavid Gilmour in Concert.

Recentemente em 2006 lançou mais um trabalho solo, "On An Island", considerado por ele o seu melhor trabalho em 30 anos. O disco contou com um elenco de nomes de ouro na música, os quais já conhecidos pela maioria dos fãs de Gilmour como Guy Pratt, Jon Carin e Richard Wright , além das participações de David Crosby e Graham Nash, e a co-produção do guitarristaPhil Manzanera.

No ano de 2008, Gilmour lançou o DVD Duplo "Remember That Night - Live at the Royal Albert Hall" que sintetizou os grandes shows deste seu, até aqui, último trabalho. No segundo semestre do mesmo ano, David lançou o álbum "Live In Gdànsk", gravado na Polônia no ano de 2006, em comemoração aos 26 anos do partido Solidariedade. Assim como em "Remember That Night", este disco traz raridades e clássicos do Pink Floyd, além de seus recentes trabalhos.

Em outubro de 2010, foi anunciado o lançamento do álbum Metallic Spheres, da banda de música eletrônica The Orb, com a colaboração de David. O trabalho contém músicas inacabadas de Gilmour remixadas pelo The Orb em um novo formato de áudio tridimensional.

Guitarra

Gilmour é um músico com uma pegada muito sentimental. Ele transmite ao instrumento tudo o que ele realmente quer que seja executado ( isto é chamado pelos guitarristas de "feeling" ). Foi inovador no uso de efeitos sonoros na guitarra. Conhecido também por improvisar solos ao vivo feitos com a boca, com uma técnica magnífica, fazendo sua guitarra cantar. Recentemente, seu solo em "Comfortably Numb" foi considerado por um site especializado como sendo o melhor solo de guitarra de todos os tempos.

Também utiliza em suas apresentações um modelo de guitarra estilo "mesa", a lapsteel guitar, com a qual faz solos memoráveis e geniais, como em "Breathe", "High Hopes" e "One Of These Days", entre outras.

David possui, dentre muitas outras guitarras, uma das primeiras Fender Stratocaster fabricadas. Com número de série da primeira linha de stratocaster fabricada pela Fender. Um modelo de cor creme e metais dourados. Ele raramente a usa em shows, por ser considerada muito rara e especial, além do receio de que seja roubada. Ele pode ser visto tocando com esta guitarra no show comemorativo do aniversário de 50 anos da Fender Stratocaster, em 2004.

Em 2008 a Fender lançou uma Stratocaster em sua homenagem, batizada de "Black Strat", na sua linha de guitarras "Artist Signature Series". O modelo recria, em detalhes, uma Stratocaster preta com escudo negro que Gilmour a muitos anos utiliza.

Vida pessoal

Casou-se por duas vezes. Com sua primeira esposa, Ginger, teve quatro filhos: Alice (1976), Clare (1980), Sara (1982) e Matthew (1985).

Sua atual esposa é a jornalista e escritora Polly Samson. Casaram-se em 1994 durante a turnê The Division Bell. Tem neste casamento mais quatro filhos: Charlie adotivo (é filho de Polly e do poeta, ator edramaturgo Heathcote Williams) e três biológicos: Joe, Gabriel e Romany.

Não gostava da banda britânica The Beatles , entretanto reverenciava os músicos do conjunto , suas maiores inspirações eram Led Zeppelin , BB King e Rolling Stones.

É o membro mais novo do Pink Floyd. Foi convidado pouco tempo antes da saída de Syd Barrett da banda. O primeiro trabalho do Pink Floyd liderado por David Gilmour (após a era Roger Waters) foi o disco A Momentary Lapse of Reason que foi seguido por álbum duplo ao vivo chamado Delicate Sound Of Thunder. Depois de algum tempo fora, a banda voltou a lançar um disco com canções inéditas, The Division Bell. Em 1995 foi lançado outro álbum duplo ao vivo, gravado no teatro Earls Court, Londres, chamado P•U•L•S•E

, com direção e liderança de David Gilmour.

David Gilmour e família em 2005.

Reconhecido por ações humanitárias

Ao longo de sua vida, tem colaborado ativamente em muitas organizações de caridade. Colabora com entidades como: Greenpeace, European Union Mental Health and Illness Association e Anistia Internacional. Realizou um projeto habitacional para os sem-teto e pessoas com deficiência intelectual.

Em 1996 foi induzido no Hall da Fama do Rock and Roll com os Pink Floyd. Em Novembro de2003 foi-lhe atribuída a Ordem do Império Britânico.

A aviação

David Gilmour é também um piloto experiente. Sua empresa, Intrepid Aviation, acumulou um impressionante conjunto de aeronaves históricas. Ele decidiu vender a Intrepid, pelo seguinte motiv:

"A Intrepid Aviation foi para mim uma forma de fazer meu hobby pagar a si mesmo , mas, gradualmente ao longo de alguns anos a Intrepid Aviation tornou-se um negócio, que tive de administrar. De repente eu percebi que em vez de ser um passatempo que desfrutava era uma empresa e por isso decidi vende-la. Não sou mais seu proprietário. Tenho apenas um bom e velho biplano no qual passeio pelo céu de vez em quando ..."

Gilmour em concerto na O2 Arena,Londres, 2011.

Discografia

Álbuns a solo

David Gilmour (1978)

About Face (1984)

On an Island (2006)

Live In Gdansk (2008)

Com o Pink Floyd

Gilmour está presente na discografia do grupo entre1968 e 2001, a saber:

A Saucerful of Secrets (1968)

Music from the Film More (1969)

Ummagumma (1969)

Atom Heart Mother (1970)

Meddle (1971)

Obscured by Clouds (1972)

The Dark Side of the Moon (1973)

Wish You Were Here (1975)

Animals (1977)

The Wall (1979)

A Collection Of Great Dance Songs (1981)

The Final Cut (1983)

A Momentary Lapse of Reason (1987)

Delicate Sound Of Thunder (1988)

The Division Bell (1994)

P•U•L•S•E (1995)

Is There Anybody Out There ? (2000)

Echoes (2001)

Outros

Metallic Spheres (2010), colaboração com a banda The Orb

Filmografia

Live At Hammersmith Odeon (1984)

David Gilmour in Concert (2002)

Remember That Night (2007)

Live In Gdansk (2008) (Kit Edition)

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

David Gilmour

2012-02-13T15:35:00.001-08:00

David Gilmour

David Gilmour em 2 de Julho de 2005 no Live

Informação geral


Nome completo	Sir David Jon Gilmour
Nascimento	6 de Março de 1946 (65 anos)
Origem	Cambridge, Inglaterra
País	Reino Unido
Gêneros	Rock progressivo, psicodéli co,hard rock
Instrumentos	Vocal, guitarra, baixo, teclado,sintetizador, saxofone, banjo,bandolim, gaita, bateria, violão,programação
Modelos de instrumentos	Guitarras: Fender Stratocaster, Fender Telecaster, Gibson Les Paul, Gibson Cascade, Contrabaixo Fender Precision Violões: Gibson, Ovation, Takamine, Martin, Steinberger e Taylor
Período em atividade	1963 - atualmente
Gravadora(s)	EMI, Capitol, Columbia, Sony
Afiliações	Pink Floyd, Syd Barrett, Ron Geesin, Roger Waters, Unicorn,Roy Harper, Kate Bush, Wings,Atomic Rooster, Paul McCartney,Supertramp, Bryan Ferry, Nick Mason e Rick Fenn, Pete Townshend, Arcadia, The Dream Academy, Berlin, Rock Aid Armenia, Warren Zevon, All About Eve, Elton John, The Who, Paul Rodgers, B. B. King, Ringo Starr,Alan Parsons, Chris Jagger & Atcha, Dalbello, The Orb, Sam Brown

Biografia

Pink Floyd

"Eu tinha um cem número de problemas com a direção da banda no passado recente, antes de Roger sair. Eu achava que as músicas tinham muitas palavras, e que devido ao significado dessas palavras serem tão importantes, a música tinha-se tornado um mero veículo para as letras, o que não era muito inspirador...The dark side of the moon e Wish you were here tiveram um enorme sucesso, não apenas devido à contribuição de Roger, mas também porque havia um equilíbrio maior entre a música e as palavras do que em álbuns mais recentes. É isso que estou tentando fazer em A Momentary Lapse Of Reasonfocar mais na música, restaurando o equilíbrio

"

[edita
r]Carreira solo

Lançou o seu primeiro álbum, na Primavera de 1978 simplesmente chamado de David Gilmour. O seu segundo álbum About face foi editado em 1984.

Guitarra

Vida pessoal

Casou-se por duas vezes. Com sua primeira esposa, Ginger, teve quatro filhos: Alice (1976), Clare (1980), Sara (1982) e Matthew (1985).

Não gostava da banda britânica The Beatles , entretanto reverenciava os músicos do conjunto , suas maiores inspirações eram Led Zeppelin , BB King e Rolling Stones.

, com direção e liderança de David Gilmour.

David Gilmour e família em 2005.

Reconhecido por ações humanitárias

Em 1996 foi induzido no Hall da Fama do Rock and Roll com os Pink Floyd. Em Novembro de2003 foi-lhe atribuída a Ordem do Império Britânico.

A aviação

David Gilmour é também um piloto experiente. Sua empresa, Intrepid Aviation, acumulou um impressionante conjunto de aeronaves históricas. Ele decidiu vender a Intrepid, pelo seguinte motiv:

"A Intrepid Aviation foi para mim uma forma de fazer meu hobby pagar a si mesmo , mas, gradualmente ao longo de alguns anos a Intrepid Aviation tornou-se um negócio, que tive de administrar. De repente eu percebi que em vez de ser um passatempo que desfrutava era uma empresa e por isso decidi vende-la. Não sou mais seu proprietário. Tenho apenas um bom e velho biplano no qual passeio pelo céu de vez em quando ..."

Gilmour em concerto na O2 Arena,Londres, 2011.

Discografia

Álbuns a solo

David Gilmour (1978)

About Face (1984)

On an Island (2006)

Live In Gdansk (2008)

Com o Pink Floyd

Gilmour está presente na discografia do grupo entre1968 e 2001, a saber:

A Saucerful of Secrets (1968)

Music from the Film More (1969)

Ummagumma (1969)

Atom Heart Mother (1970)

Meddle (1971)

Obscured by Clouds (1972)

The Dark Side of the Moon (1973)

Wish You Were Here (1975)

Animals (1977)

The Wall (1979)

A Collection Of Great Dance Songs (1981)

The Final Cut (1983)

A Momentary Lapse of Reason (1987)

Delicate Sound Of Thunder (1988)

The Division Bell (1994)

P•U•L•S•E (1995)

Is There Anybody Out There ? (2000)

Echoes (2001)

Outros

Metallic Spheres (2010), colaboração com a banda The Orb

Filmografia

Live At Hammersmith Odeon (1984)

David Gilmour in Concert (2002)

Remember That Night (2007)

Live In Gdansk (2008) (Kit Edition)

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

David Gilmour

2012-02-13T15:33:00.000-08:00

David Gilmour

David Gilmour em 2 de Julho de 2005 no Live

Informação geral


Nome completo	Sir David Jon Gilmour
Nascimento	6 de Março de 1946 (65 anos)
Origem	Cambridge, Inglaterra
País	Reino Unido
Gêneros	Rock progressivo, psicodéli co,hard rock
Instrumentos	Vocal, guitarra, baixo, teclado,sintetizador, saxofone, banjo,bandolim, gaita, bateria, violão,programação
Modelos de instrumentos	Guitarras: Fender Stratocaster, Fender Telecaster, Gibson Les Paul, Gibson Cascade, Contrabaixo Fender Precision Violões: Gibson, Ovation, Takamine, Martin, Steinberger e Taylor
Período em atividade	1963 - atualmente
Gravadora(s)	EMI, Capitol, Columbia, Sony
Afiliações	Pink Floyd, Syd Barrett, Ron Geesin, Roger Waters, Unicorn,Roy Harper, Kate Bush, Wings,Atomic Rooster, Paul McCartney,Supertramp, Bryan Ferry, Nick Mason e Rick Fenn, Pete Townshend, Arcadia, The Dream Academy, Berlin, Rock Aid Armenia, Warren Zevon, All About Eve, Elton John, The Who, Paul Rodgers, B. B. King, Ringo Starr,Alan Parsons, Chris Jagger & Atcha, Dalbello, The Orb, Sam Brown

Biografia

Pink Floyd

"Eu tinha um cem número de problemas com a direção da banda no passado recente, antes de Roger sair. Eu achava que as músicas tinham muitas palavras, e que devido ao significado dessas palavras serem tão importantes, a música tinha-se tornado um mero veículo para as letras, o que não era muito inspirador...The dark side of the moon e Wish you were here tiveram um enorme sucesso, não apenas devido à contribuição de Roger, mas também porque havia um equilíbrio maior entre a música e as palavras do que em álbuns mais recentes. É isso que estou tentando fazer em A Momentary Lapse Of Reasonfocar mais na música, restaurando o equilíbrio

"

[edita
r]Carreira solo

Lançou o seu primeiro álbum, na Primavera de 1978 simplesmente chamado de David Gilmour. O seu segundo álbum About face foi editado em 1984.

Guitarra

Vida pessoal

Casou-se por duas vezes. Com sua primeira esposa, Ginger, teve quatro filhos: Alice (1976), Clare (1980), Sara (1982) e Matthew (1985).

Não gostava da banda britânica The Beatles , entretanto reverenciava os músicos do conjunto , suas maiores inspirações eram Led Zeppelin , BB King e Rolling Stones.

, com direção e liderança de David Gilmour.

David Gilmour e família em 2005.

Reconhecido por ações humanitárias

Em 1996 foi induzido no Hall da Fama do Rock and Roll com os Pink Floyd. Em Novembro de2003 foi-lhe atribuída a Ordem do Império Britânico.

A aviação

David Gilmour é também um piloto experiente. Sua empresa, Intrepid Aviation, acumulou um impressionante conjunto de aeronaves históricas. Ele decidiu vender a Intrepid, pelo seguinte motiv:

"A Intrepid Aviation foi para mim uma forma de fazer meu hobby pagar a si mesmo , mas, gradualmente ao longo de alguns anos a Intrepid Aviation tornou-se um negócio, que tive de administrar. De repente eu percebi que em vez de ser um passatempo que desfrutava era uma empresa e por isso decidi vende-la. Não sou mais seu proprietário. Tenho apenas um bom e velho biplano no qual passeio pelo céu de vez em quando ..."

Gilmour em concerto na O2 Arena,Londres, 2011.

Discografia

Álbuns a solo

David Gilmour (1978)

About Face (1984)

On an Island (2006)

Live In Gdansk (2008)

Com o Pink Floyd

Gilmour está presente na discografia do grupo entre1968 e 2001, a saber:

A Saucerful of Secrets (1968)

Music from the Film More (1969)

Ummagumma (1969)

Atom Heart Mother (1970)

Meddle (1971)

Obscured by Clouds (1972)

The Dark Side of the Moon (1973)

Wish You Were Here (1975)

Animals (1977)

The Wall (1979)

A Collection Of Great Dance Songs (1981)

The Final Cut (1983)

A Momentary Lapse of Reason (1987)

Delicate Sound Of Thunder (1988)

The Division Bell (1994)

P•U•L•S•E (1995)

Is There Anybody Out There ? (2000)

Echoes (2001)

Outros

Metallic Spheres (2010), colaboração com a banda The Orb

Filmografia

Live At Hammersmith Odeon (1984)

David Gilmour in Concert (2002)

Remember That Night (2007)

Live In Gdansk (2008) (Kit Edition)

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

David Gilmour

2012-02-13T15:29:00.000-08:00

David Gilmour

David Gilmour em 2 de Julho de 2005 no Live

Informação geral


Nome completo	Sir David Jon Gilmour
Nascimento	6 de Março de 1946 (65 anos)
Origem	Cambridge, Inglaterra
País	Reino Unido
Gêneros	Rock progressivo, psicodélico,hard rock
Instrumentos	Vocal, guitarra, baixo, teclado,sintetizador, saxofone, banjo,bandolim, gaita, bateria, violão,programação
Modelos de instrumentos	Guitarras: Fender Stratocaster, Fender Telecaster, Gibson Les Paul, Gibson Cascade, Contrabaixo Fender Precision Violões: Gibson, Ovation, Takamine, Martin, Steinberger e Taylor
Período em atividade	1963 - atualmente
Gravadora(s)	EMI, Capitol, Columbia, Sony
Afiliações	Pink Floyd, Syd Barrett, Ron Geesin, Roger Waters, Unicorn,Roy Harper, Kate Bush, Wings,Atomic Rooster, Paul McCartney,Supertramp, Bryan Ferry, Nick Mason e Rick Fenn, Pete Townshend, Arcadia, The Dream Academy, Berlin, Rock Aid Armenia, Warren Zevon, All About Eve, Elton John, The Who, Paul Rodgers, B. B. King, Ringo Starr,Alan Parsons, Chris Jagger & Atcha, Dalbello, The Orb, Sam Brown

Biografia

Pink Floyd

"Eu tinha um cem número de problemas com a direção da banda no passado recente, antes de Roger sair. Eu achava que as músicas tinham muitas palavras, e que devido ao significado dessas palavras serem tão importantes, a música tinha-se tornado um mero veículo para as letras, o que não era muito inspirador...The dark side of the moon e Wish you were here tiveram um enorme sucesso, não apenas devido à contribuição de Roger, mas também porque havia um equilíbrio maior entre a música e as palavras do que em álbuns mais recentes. É isso que estou tentando fazer em A Momentary Lapse Of Reasonfocar mais na música, restaurando o equilíbrio

"

[edita
r]Carreira solo

Lançou o seu primeiro álbum, na Primavera de 1978 simplesmente chamado de David Gilmour. O seu segundo álbum About face foi editado em 1984.

Guitarra

Vida pessoal

Casou-se por duas vezes. Com sua primeira esposa, Ginger, teve quatro filhos: Alice (1976), Clare (1980), Sara (1982) e Matthew (1985).

Não gostava da banda britânica The Beatles , entretanto reverenciava os músicos do conjunto , suas maiores inspirações eram Led Zeppelin , BB King e Rolling Stones.

, com direção e liderança de David Gilmour.

David Gilmour e família em 2005.

Reconhecido por ações humanitárias

Em 1996 foi induzido no Hall da Fama do Rock and Roll com os Pink Floyd. Em Novembro de2003 foi-lhe atribuída a Ordem do Império Britânico.

A aviação

David Gilmour é também um piloto experiente. Sua empresa, Intrepid Aviation, acumulou um impressionante conjunto de aeronaves históricas. Ele decidiu vender a Intrepid, pelo seguinte motiv:

"A Intrepid Aviation foi para mim uma forma de fazer meu hobby pagar a si mesmo , mas, gradualmente ao longo de alguns anos a Intrepid Aviation tornou-se um negócio, que tive de administrar. De repente eu percebi que em vez de ser um passatempo que desfrutava era uma empresa e por isso decidi vende-la. Não sou mais seu proprietário. Tenho apenas um bom e velho biplano no qual passeio pelo céu de vez em quando ..."

Gilmour em concerto na O2 Arena,Londres, 2011.

Discografia

Álbuns a solo

David Gilmour (1978)

About Face (1984)

On an Island (2006)

Live In Gdansk (2008)

Com o Pink Floyd

Gilmour está presente na discografia do grupo entre1968 e 2001, a saber:

A Saucerful of Secrets (1968)

Music from the Film More (1969)

Ummagumma (1969)

Atom Heart Mother (1970)

Meddle (1971)

Obscured by Clouds (1972)

The Dark Side of the Moon (1973)

Wish You Were Here (1975)

Animals (1977)

The Wall (1979)

A Collection Of Great Dance Songs (1981)

The Final Cut (1983)

A Momentary Lapse of Reason (1987)

Delicate Sound Of Thunder (1988)

The Division Bell (1994)

P•U•L•S•E (1995)

Is There Anybody Out There ? (2000)

Echoes (2001)

Outros

Metallic Spheres (2010), colaboração com a banda The Orb

Filmografia

Live At Hammersmith Odeon (1984)

David Gilmour in Concert (2002)

Remember That Night (2007)

Live In Gdansk (2008) (Kit Edition)

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

David Gilmour

2012-02-13T15:25:00.000-08:00

David Gilmour

David Gilmour em 2 de Julho de 2005 no Live

Informação geral


Nome completo	Sir David Jon Gilmour
Nascimento	6 de Março de 1946 (65 anos)
Origem	Cambridge, Inglaterra
País	Reino Unido
Gêneros	Rock progressivo, psicodélico,hard rock
Instrumentos	Vocal, guitarra, baixo, teclado,sintetizador, saxofone, banjo,bandolim, gaita, bateria, violão,programação
Modelos de instrumentos	Guitarras: Fender Stratocaster, Fender Telecaster, Gibson Les Paul, Gibson Cascade, Contrabaixo Fender Precision Violões: Gibson, Ovation, Takamine, Martin, Steinberger e Taylor
Período em atividade	1963 - atualmente
Gravadora(s)	EMI, Capitol, Columbia, Sony
Afiliações	Pink Floyd, Syd Barrett, Ron Geesin, Roger Waters, Unicorn,Roy Harper, Kate Bush, Wings,Atomic Rooster, Paul McCartney,Supertramp, Bryan Ferry, Nick Mason e Rick Fenn, Pete Townshend, Arcadia, The Dream Academy, Berlin, Rock Aid Armenia, Warren Zevon, All About Eve, Elton John, The Who, Paul Rodgers, B. B. King, Ringo Starr,Alan Parsons, Chris Jagger & Atcha, Dalbello, The Orb, Sam Brown

Biografia

Pink Floyd

"Eu tinha um cem número de problemas com a direção da banda no passado recente, antes de Roger sair. Eu achava que as músicas tinham muitas palavras, e que devido ao significado dessas palavras serem tão importantes, a música tinha-se tornado um mero veículo para as letras, o que não era muito inspirador...The dark side of the moon e Wish you were here tiveram um enorme sucesso, não apenas devido à contribuição de Roger, mas também porque havia um equilíbrio maior entre a música e as palavras do que em álbuns mais recentes. É isso que estou tentando fazer em A Momentary Lapse Of Reasonfocar mais na música, restaurando o equilíbrio

"

[edita
r]Carreira solo

Lançou o seu primeiro álbum, na Primavera de 1978 simplesmente chamado de David Gilmour. O seu segundo álbum About face foi editado em 1984.

Guitarra

Vida pessoal

Casou-se por duas vezes. Com sua primeira esposa, Ginger, teve quatro filhos: Alice (1976), Clare (1980), Sara (1982) e Matthew (1985).

Não gostava da banda britânica The Beatles , entretanto reverenciava os músicos do conjunto , suas maiores inspirações eram Led Zeppelin , BB King e Rolling Stones.

, com direção e liderança de David Gilmour.

David Gilmour e família em 2005.

Reconhecido por ações humanitárias

Em 1996 foi induzido no Hall da Fama do Rock and Roll com os Pink Floyd. Em Novembro de2003 foi-lhe atribuída a Ordem do Império Britânico.

A aviação

David Gilmour é também um piloto experiente. Sua empresa, Intrepid Aviation, acumulou um impressionante conjunto de aeronaves históricas. Ele decidiu vender a Intrepid, pelo seguinte motiv:

"A Intrepid Aviation foi para mim uma forma de fazer meu hobby pagar a si mesmo , mas, gradualmente ao longo de alguns anos a Intrepid Aviation tornou-se um negócio, que tive de administrar. De repente eu percebi que em vez de ser um passatempo que desfrutava era uma empresa e por isso decidi vende-la. Não sou mais seu proprietário. Tenho apenas um bom e velho biplano no qual passeio pelo céu de vez em quando ..."

Gilmour em concerto na O2 Arena,Londres, 2011.

Discografia

Álbuns a solo

David Gilmour (1978)

About Face (1984)

On an Island (2006)

Live In Gdansk (2008)

Com o Pink Floyd

Gilmour está presente na discografia do grupo entre1968 e 2001, a saber:

A Saucerful of Secrets (1968)

Music from the Film More (1969)

Ummagumma (1969)

Atom Heart Mother (1970)

Meddle (1971)

Obscured by Clouds (1972)

The Dark Side of the Moon (1973)

Wish You Were Here (1975)

Animals (1977)

The Wall (1979)

A Collection Of Great Dance Songs (1981)

The Final Cut (1983)

A Momentary Lapse of Reason (1987)

Delicate Sound Of Thunder (1988)

The Division Bell (1994)

P•U•L•S•E (1995)

Is There Anybody Out There ? (2000)

Echoes (2001)

Outros

Metallic Spheres (2010), colaboração com a banda The Orb

Filmografia

Live At Hammersmith Odeon (1984)

David Gilmour in Concert (2002)

Remember That Night (2007)

Live In Gdansk (2008) (Kit Edition)

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

David Gilmour

2012-02-13T15:20:00.000-08:00

David Gilmour

David Gilmour em 2 de Julho de 2005 no Live

Informação geral


Nome completo	Sir David Jon Gilmour
Nascimento	6 de Março de 1946 (65 anos)
Origem	Cambridge, Inglaterra
País	Reino Unido
Gêneros	Rock progressivo, psicodélico,hard rock
Instrumentos	Vocal, guitarra, baixo, teclado,sintetizador, saxofone, banjo,bandolim, gaita, bateria, violão,programação
Modelos de instrumentos	Guitarras: Fender Stratocaster, Fender Telecaster, Gibson Les Paul, Gibson Cascade, Contrabaixo Fender Precision Violões: Gibson, Ovation, Takamine, Martin, Steinberger e Taylor
Período em atividade	1963 - atualmente
Gravadora(s)	EMI, Capitol, Columbia, Sony
Afiliações	Pink Floyd, Syd Barrett, Ron Geesin, Roger Waters, Unicorn,Roy Harper, Kate Bush, Wings,Atomic Rooster, Paul McCartney,Supertramp, Bryan Ferry, Nick Mason e Rick Fenn, Pete Townshend, Arcadia, The Dream Academy, Berlin, Rock Aid Armenia, Warren Zevon, All About Eve, Elton John, The Who, Paul Rodgers, B. B. King, Ringo Starr,Alan Parsons, Chris Jagger & Atcha, Dalbello, The Orb, Sam Brown

Biografia

Pink Floyd

"Eu tinha um cem número de problemas com a direção da banda no passado recente, antes de Roger sair. Eu achava que as músicas tinham muitas palavras, e que devido ao significado dessas palavras serem tão importantes, a música tinha-se tornado um mero veículo para as letras, o que não era muito inspirador...The dark side of the moon e Wish you were here tiveram um enorme sucesso, não apenas devido à contribuição de Roger, mas também porque havia um equilíbrio maior entre a música e as palavras do que em álbuns mais recentes. É isso que estou tentando fazer em A Momentary Lapse Of Reasonfocar mais na música, restaurando o equilíbrio

"

[edita
r]Carreira solo

Lançou o seu primeiro álbum, na Primavera de 1978 simplesmente chamado de David Gilmour. O seu segundo álbum About face foi editado em 1984.

Guitarra

Vida pessoal

Casou-se por duas vezes. Com sua primeira esposa, Ginger, teve quatro filhos: Alice (1976), Clare (1980), Sara (1982) e Matthew (1985).

Não gostava da banda britânica The Beatles , entretanto reverenciava os músicos do conjunto , suas maiores inspirações eram Led Zeppelin , BB King e Rolling Stones.

, com direção e liderança de David Gilmour.

David Gilmour e família em 2005.

Reconhecido por ações humanitárias

Em 1996 foi induzido no Hall da Fama do Rock and Roll com os Pink Floyd. Em Novembro de2003 foi-lhe atribuída a Ordem do Império Britânico.

A aviação

David Gilmour é também um piloto experiente. Sua empresa, Intrepid Aviation, acumulou um impressionante conjunto de aeronaves históricas. Ele decidiu vender a Intrepid, pelo seguinte motiv:

"A Intrepid Aviation foi para mim uma forma de fazer meu hobby pagar a si mesmo , mas, gradualmente ao longo de alguns anos a Intrepid Aviation tornou-se um negócio, que tive de administrar. De repente eu percebi que em vez de ser um passatempo que desfrutava era uma empresa e por isso decidi vende-la. Não sou mais seu proprietário. Tenho apenas um bom e velho biplano no qual passeio pelo céu de vez em quando ..."

Gilmour em concerto na O2 Arena,Londres, 2011.

Discografia

Álbuns a solo

Com o Pink Floyd

Gilmour está presente na discografia do grupo entre1968 e 2001, a saber:

A Saucerful of Secrets (1968)
Music from the Film More (1969)
Ummagumma (1969)
Atom Heart Mother (1970)
Meddle (1971)
Obscured by Clouds (1972)
The Dark Side of the Moon (1973)
Wish You Were Here (1975)
Animals (1977)
The Wall (1979)
A Collection Of Great Dance Songs (1981)
The Final Cut (1983)
A Momentary Lapse of Reason (1987)
Delicate Sound Of Thunder (1988)
The Division Bell (1994)
P•U•L•S•E (1995)
Is There Anybody Out There ? (2000)
Echoes (2001)

Outros

Metallic Spheres (2010), colaboração com a banda The Orb

Filmografia

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

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Domínio de Hollywood: 1934-1942

Tentativa de industrialização: 1948-1959

Chanchada: 1947-1959

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Cinema novo: 1963-1970

"Údigrudi": 1968-1970

Embrafilme: 1969-1982

Pornochanchada

Conquista do mercado: 1970-1981

Anos 80

[edita
r]Carreira solo

[edita
r]Carreira solo