Campani Cultural

Encontros da Família Campani

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Fri, 24 Feb 2012 11:40:00 +0000

Emblema do último encontro

Como forma de proporcionar uma maior aproximação entre os parentes, confraternizar e discutir questões referentes às nossas origens e ligações genealógicas, os descendentes de Ludwig Campani realizaram até agora três encontros em Pareci Novo/RS.

Recordando o I Encontro da Família Campani, trago aqui um artigo escrito pelo anfitrião Carlos Antonio Campani para o Jornal FATO NOVO do Vale do Caí, em 05 de janeiro de 1995:

MEMÓRIAS DE UM CAÇADOR

Nôno, El Terrível

FAMÍLIA CAMPANI!

Fábrica de Cerveja Campani

Permitam-me escrever mais sobre o I Encontro das Famílias Campani. Descobri o seguinte: na região do Tirol, nos idos de 1800, pertencia aos Império Austro-Húngaro. Um dos fabricantes de cerveja era Campani. A única cerveja servida entre a realeza era a cerveja fabricada pelo Campani. Em Porto Alegre, meu tio avô Antônio Campani também tinha uma fábrica de cerveja. Por falar e escrever sobre cerveja, descobri o porquê da alta da "quirera de arroz". As fábricas das loiras aumentaram sua produção e a quirera subiu de preço. Aos amigos do Engenho Endres de Montenegro, aquele abraço. Está justificado o preço da quirera. Meus cachorros, como são bebedores do líquido loiro, podem fazer um pequeno regime.

Na cidade de Volterra, ao norte da Itália, tinha um engenheiro de nome Luigi Campani, participou da construção do novo Teatro da referida cidade. O engenheiro Luigi, depois casa-se com uma dama da alta sociedade e da família Del Bava Arrighi, sendo assim, introduzida na alta nobreza da cidade de Volterra, cujo ato público foi em 9 se setembro de 1832. Aqui no Brasil, especificamente no Rio Grande do Sul, os Campani já tiveram e têm participação na vida política: Antônio José Campani foi deputado estadual; Júlio César Campani foi vereador em São Sebastião do Cai, e hoje é Inspetor da Caixa Estadual; Dra. Raquel Campani Schiedel é professora universitária e Procuradora do Estado do Rio Grande do Sul; Darci Campani é líder político do PT, vereador em Porto Alegre e professor universitário, com curso de pós-graduação em Israel. Temos Campani no Poder Judiciário do Rio Grande do Sul, temos Campani na TELEPAR do Paraná, no Banco do Brasil em Brasília também temos Campani. Passo a transcrever o discurso proferido por Júlio César Campani no dia do 1° Encontro:

"Irmãos e irmãs Campani, presentes hoje neste primeiro encontro da família Campani. É com enorme satisfação e acima de tudo, um grande amor, com grande emoção que nós podemos hoje estar reunidos aqui em Pareci Novo, para comemorar, para brindarmos juntos a união da família Campani. Certo dia, ou certo dia atrás, andando pelo interior do Estado deste Rio Grande, que mora neste peito, li e ouvi uma frase que me calou muito: 'Leva dentro do teu coração duas grandes paixões, sendo que estas duas grandes paixões, dele, jamais poderão ser tiradas'. Quais seriam elas? Primeiro, o seu trabalho. O homem consegue as coisas para si, com base no seu trabalho, com base no seu esforço e com base no desprendimento. E a segunda maior delas, para que seu trabalho seja frutífero, para que seu trabalho tenha êxito, é a família. A família... o que seria de nós, se nós não tivéssemos família, para nos momentos de angústia e tristeza, para nos momentos de amor e de alegria, estar sempre ao nosso lado. E a esta família Campani,, hoje mais do que Campani, porque aqui, temos outras tantas famílias e se fôssemos citar outros sobrenomes, talvez cairíamos em erro de esquecer esse ou aquele; mas, com certeza, aqueles que ao lado dos Campani que aqui estão, vieram sobretudo e sobre maneira dar à nossa família Campani mais qualidade.

Pedro Frederico Oscar Campani

A todos vocês, que de uma ou outra maneira fazem parte da família Campani e especialmente aos Campani, o nosso mais sincero, profundo e amoroso agradecimento por terem vindo hoje, de longínquos rincões deste Rio Grande, vieram até Pareci Novo. Quero por derradeiro e para não me alongar e tornar-me cansativo, quero nesse momento, fazer um agradecimento especial a duas pessoas, das quais foi plantada, germinada e por fim, está aqui a árvore plantada. Porque tive a oportunidade de participar da I Citrusflor, onde dois Campani ali se encontravam, elaboraram e idealizaram 'que tal nós fazermos um encontro das famílias Campani', a estas duas pessoas, embora que uma delas eu seja suspeito em falar, é o meu pai, pelo amor que tenho por ele, e a outra, a qual neste momento entregarei simbolicamente um boné, com a inscrição 'Campani Símbolo de Fartura', retribuindo assim, sua participação na elaboração do I Encontro das Famílias Campani."

Abaixo, algumas fotos do III Encontro dos Descendentes de Ludwig Campani:

Fortaleza de São José da Ponta Grossa

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Sat, 04 Feb 2012 15:30:00 +0000

Mês passado tive a oportunidade de visitar a Fortaleza de São José da Ponta Grossa, em passeio que fiz nas minhas férias.

A Fortaleza de São José está localizada ao Norte da Ilha de Santa Catarina, entre as praias do Forte e Jurerê, a aproximadamente 25 km do centro de Florianópolis.

Estrategicamente situada no alto do Morro da Ponta Grossa e emoldurada pela beleza dos costões e pelas areias da Praia do Forte, São José configurava no século XVIII o terceiro vértice de um sistema triangular de defesa, formado ainda pelas Fortalezas de Santa Cruz de Anhatomirim e Santo Antonio de Ratones.

Esse sistema deveria proteger a Barra Norte da Ilha de Santa Catarina das investidas estrangeiras - principalmente da Espanha - e consolidar a ocupação portuguesa no sul do Brasil setecentista.
Assim como Santa Cruz, Santo Antônio e Nossa Senhora da Conceição (ao sul da Ilha), a Fortaleza de São José foi idealizada pelo engenheiro militar e primeiro governador da Capitania, brigadeiro José da Silva Paes.

Sua construção teve início em 1740, tendo sido concluída, aproximadamente, quatro anos após essa data. Para completar a defesa de seu flanco leste, foi construída em 1765 a Bateria de São Caetano, localizada junto à Praia de Jurerê, distante 200 metros da Fortaleza.

Segundo historiadores, a fortaleza de São José não foi efetivamente utilizada do ponto de vista bélico, nem mesmo durante a invasão espanhola de 1777.

Após esse episódio, o sistema de defesa entrou em descrédito e São José passou a ser progressivamente abandonada à sua sorte.

Em 1938, quando foi tombada pelo Serviço do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (SPHAN) , a Fortaleza encontrava-se já completamente arruinada. No final do século passado, os jornais já denunciavam a apropriação indevida de pedras, tijolos e materiais da Fortaleza para construção de moradias pela população local.

Apenas nas duas últimas décadas, São José veio a sofrer intervenções de restauro. Em 1977, por iniciativa do SPHAN, foram realizadas obras de consolidação emergencial de alguns trechos de muralhas, na Casa do Comandante, na Portada e restauração parcial da capela.

Em 1987, ao ser cadastrada como sítio arqueológico protegido por lei federal, foram realizados os primeiros trabalhos de prospecção arqueológica por técnicos do SPHAN/Fundação Pró-Memória, e que tiveram sequência em 1990 com a equipe do Museu Universitário da Universidade Federal de Santa Catarina.

Finalmente, em 1991/92 no âmbito do “Projeto Fortalezas”, São José teve a maioria dos edifícios restaurados.

Fonte: Exposição de Painéis: "Fortaleza de São José: Retorspectiva" no Paiol da Pólvora.

Abaixo, mais algumas fotos tiradas naquele sítio arqueológio:

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Felicidade? com Márcia Tiburi

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Thu, 12 Jan 2012 17:35:00 +0000

Foto: Pedro Silveira/ODIN

Para refletir sobre felicidade, trago aqui um vídeo que foi ao ar dia 07/01/2012 no programa Sempre um Papo, exibido na TV Câmara. Este é o primeiro de quatro capítulos de um Seminário no qual a filósofa Márcia Tiburi aborda o tema.

Marcia Tiburi é graduada em filosofia e artes e mestre e doutora em filosofia pela UFRGS. É professora do programa de pós-graduação em Arte, Educação e História da Cultura da Universidade Mackenzie, editora da revista TRAMA Interdisciplinar e colunista da revista Cult. Autora de diversos livros de filosofia e de literatura, entre eles Filosofia em comum (Record, 2008), Filosofia brincante (Record, 2010) e Diálogo/Desenho (SENAC, 2010), dos romances Magnólia, A mulher de costas e O manto (Record, 2009).

“FELICIDADE E INFELICIDADE: O DESEJO E A ÉTICA”

A felicidade é um tema filosófico. Muito antes de ter sido reduzida em nossos tempos a uma mercadoria publicitária, a felicidade era um ideal ético. A desvalorização da felicidade no contexto capitalista relaciona-se ao mundo do espetáculo, à banalização do desejo e também do sentido dos afetos em nossas vidas. Antes de qualquer análise temos que nos perguntar se ainda podemos falar de felicidade em nossos dias, e de qual felicidade? Não teríamos, hoje, quando vemos a colonização do desejo aniquilar o sentido da convivência e da auto-descoberta, que devolver a felicidade ao campo da ética? Ou a ética à felicidade?

Fonte: Sempre um Papo

Mudança de Ano

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Sat, 31 Dec 2011 19:20:00 +0000

Mais um ano está acabando e a impressão que dá é que ele passou muito rápido. O tempo parece estar andando cada vez mais depressa. Também, com a vida cada vez mais atribulada, quando vemos o ano já passou.

Mas o que é um ano? Na verdade é uma criação humana, a qual decretou o início e o fim de um período. Claro que isso vem de muito tempo, baseado em fatos naturais, mas para tudo o ser humano arruma um jeito de tentar se organizar. Porém cada vez mais vimos que as coisas fogem do nosso controle, a natureza está se desregulando, devido principalmente a ações do próprio ser humano que não respeita o lar onde habita.

Enfim estamos aqui, as pessoas comemorando, fazendo festas, refletindo sobre o que foi feito no ano que passou, fazendo previsões e projetos para o próximo ano que está começando. Acabamos todos nós envolvidos neste barco e somos muitas vezes abalados por este clima do momento.

Ultimamente não tenho postado muito no Campani Cultural, mas não abandonei este espaço, espero que as pessoas que curtem algumas coisas que escrevo também não abandonem, pois o que coloco aqui são coisas em que acredito: na arte, na cultura e no pensamento. Mas tudo isso não tem muita razão de ser se não for colocado em prática, na vida. Acho que a razão e a sensibilidade não são nada se não forem aproveitadas para o bem da humanidade. Além do mais, como já disse no início, a vida está cada vez mais atribulada e nem sempre conseguimos fazer o que temos vontade, por várias razões, e o fato de ficar muito tempo na frente do computador começou a me gerar algumas dores no corpo.

Então, já que estamos neste clima de mudança de ano, quero desejar a todos um ótimo 2012, com muita paz, saúde, amor e cheio de realizações, trazendo muita qualidade de vida e felicidade.

E o que é felicidade? É difícil de definir, pois ao meu ver, vivemos momentos, que são felizes ou não. E isso tem a ver com a nossa maneira de enxergar as coisas, se sabemos dar valor para cada momento da vida, e tirar proveito com o aprendizado diário. Se agirmos assim, acredito que pelo menos poderemos ter mais paz de espírito.

Lenine e o seu novo CD: Chão

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Sun, 04 Dec 2011 18:34:00 +0000

Muito interessante o novo disco do Lenine, ele mistura sons do seu cotidiano às músicas, como o canto de um pássaro que invadiu a gravação de uma das faixas.

Chão é o décimo álbum do músico e traz na capa uma foto do neto de Lenine deitado sobre o corpo-chão-descanso do avô.
Conforme o cantor: "Chão é aquilo que te sustenta."

Mais uma grande sacada e um ótimo trabalho, com inovação, sensibilidade e inteligência, desse que é um dos nomes fortes da nossa MPB.

Lenine - Chão (2011) by bruno-giorgi

Abaixo, um vídeo do programa Metrópolis, apresentado dia 29/11/2011, onde Cadão Volpato entrevista o músico Lenine, que fala do seu novo disco:

Os Negros no Rio Grande do Sul

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Wed, 16 Nov 2011 23:34:00 +0000

Os brasileiros desde cedo se acostumam com a falsa idéia de que a construção do Rio Grande do Sul é obra exclusiva de imigrantes europeus. Isso porque a inestimável contribuição dos negros permaneceu esquecida durante muito tempo pelos manuais de História. Tal "invisíbilídade" também é patente no mundo físico, comenta o historiador Pedro Rubens Vargas, do Museu Joaquim José Felizardo. Com exceção do espaço público renomeado como Largo Zumbi dos Palmares - em homenagem recente ao ícone da resistência antiescravista -, e um busto de João Cândido, líder dos marinheiros rebelados na Revolta da Chibata, em 1910, Porto Alegre não tem monumentos, nomes de ruas, nada que possa lembrar a presença multissecular e permanente dessa etnia em solo gaúcho.

Mesmo na literatura tradicional, o negro sempre apareceu quase como um objeto inanimado na paisagem. Contudo, desde o passado mais remoto, escravos africanos e seus descendentes estiveram em todas as expedições de conquista do território. Em meio a violências e humilhações, sustentaram as atividades econômicas na antiga província, da célebre indústria do charque ao comércio citadino. Trabalharam no cais do porto, em atividades domésticas, e foram alugados por seus senhores, comenta o antropólogo Losvaldyr Bittencourt Júnior, membro da comunidade negra. Os negros também resistiram, infringindo regras que lhes eram impostas, fundando quilombos e combatendo pela liberdade. Em Porto Alegre, na virada do século 19 para o século 20, com a regularização do traçado viário, a população pobre, em boa parte negra, desapareceu do centro. Essa regularização suprimiu becos e vielas, e foi seguida de medidas urbanísticas que impediram a permanência de habitações feitas de madeira, com apenas um pavimento, na região central.

Aos poucos, a trajetória do povo negro está sendo resgatada no país. Com ajuda do Sul. A contestação ao 13 de maio, por exemplo, começou na Esquina Democrática de Porto Alegre. Ao iniciar-se a década de 1970, intelectuais negros, que se reuniam ali, decidiram transformar o 20 de novembro, aniversário do assassinato do Zumbi, em data-símbolo, mais tarde denominada Dia Nacional da Consciência Negra. Também o velho baú da história oficial vem sendo remexido para derrubar mitos e colocar certos personagens em seus devidos lugares. É o caso do episódio da Revolução Farroupilha, conhecido como Massacre de Porongos, no qual o líder farrapo David Canabarro desarmou o corpo de lanceiros negros. Sem meios de defesa, a tropa foi aniquilada durante ataque noturno, realizado pelo exército imperial, comandado por Caxias.

Fonte:
INSTITUTO DO PATRIMÔNIO HISTÓRICO E ARTÍSTICO NACIONAL (IPHAN). Praça da Alfândega: Porto Alegre-RS. Programa Monumenta. Brasília: IPHAN, 2007. Série Preservação e Desenvolvimento. p. 81-83

Imagens:
Negros Libertos. Acervo Fototeca Sioma Breitman - Museu Joaquim José Felizardo. 1ª imagem de Virgílio Calegari, a 2ª e 3ª de Lunara.

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Show “Loopcínio” com Thedy Corrêa e Sacha Amback

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Tue, 15 Nov 2011 03:34:00 +0000

A Caixa Cultural Rio de Janeiro apresenta, nos dias 16 e 17 de novembro, às 19h30, o show “Loopcínio” com os artistas Thedy Corrêa e Sacha Amback, acompanhados de Jongui na bateria. O espetáculo é uma homenagem ao compositor gaúcho Lupicínio Rodrigues, um dos principais nomes da música brasileira e, com certeza, um de nossos maiores poetas.

No show, a dupla faz uma abordagem contemporânea com repertório incluindo os principais sucessos de Lupicínio, através da ótica da música eletrônica, da new bossa, das batidas modernas, e também da valorização da poesia de canções que são verdadeiros clássicos da cultura nacional.

O show explora canções clássicas com uma linguagem urbana, contemporânea, com arranjos eletrônicos que usam sintetizadores misturados com percussão para criar versões inéditas e inovadoras. “Nervos de Aço”, “Volta”, “Cadeira Vazia”, “Felicidade”, ”Tola” e “Vingança” são exemplos de uma obra poética que tem força e verdade nos dias de hoje. Carente de gravações recentes, esta obra se encontra pouco lembrada.

Artistas - Thedy Corrêa é vocalista e um dos fundadores do grupo de pop rock Nenhum de Nós. Sacha Amback atuou como músico, arranjador ou produtor em trabalhos com Lulu Santos, Adriana Calcanhotto, Zeca Baleiro, Paulinho Moska, Ana Carolina, Caetano Veloso, Lenine, Chico César, entre outros.

Os dois artistas resolveram se juntar para lembrar a importância do compositor gaúcho Lupicínio Rodrigues e resgatar sua obra. Em 2005, os músicos lançaram o disco “Loopcínio”.

Serviço:

Show “Loopcínio”
Local: Caixa Cultural do Rio de Janeiro – Teatro de Arena
Endereço: Avenida Almirante Barroso, 25, Centro (estação metrô Carioca)
Telefone:
(21) 2544-4080
Datas: dias 16 e 17 de novembro de 2011
Horário: às 19h30
Ingressos: R$15,00 (inteira) / R$7,50 (meia)
Classificação: não recomendado para menores de 10 anos
Acesso para pessoas com deficiência
Programação completa www.caixa.gov.br/caixacultural

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A Casa Grande

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Sat, 29 Oct 2011 18:48:00 +0000

A Casa, Óleo s/ tela, 90 x 90 cm, Raul Campani

...mas eu queria ter nascido numa dessas casas de

[meia-água

com o telhado descendo logo após as fachadas

só de porta e janela
e que tinham, no século, o carinhoso apelido
de cachorros sentados.
Porém nasci em um solar de leões.
(...escadarias, corredores, sótãos, porões, tudo isso...)
Não pude ser um menino da rua...
Aliás, a casa me assustava mais do que o mundo, lá fora.
A casa era maior do que o mundo!
E até hoje
- mesmo depois que destruiram a casa grande -
até hoje eu vivo explorando os seus esconderijos...

Mário Quintana

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Ópera Carmen, de Bizet

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Sat, 22 Oct 2011 04:22:00 +0000

Mais um grande espetáculo será proporcionado pelo Instituto de Cultura Musical da PUC/RS, através do seu Coral, Orquestra e Artistas convidados: A Ópera Carmen, de Georges Bizet. Ela será apresentada nos dias 29 e 30 de outubro, às 16 h no Salão de Atos da PUC/RS, prédio 4 do Campus (Avenida Ipiranga, 6681 em Porto Alegre).

Os ingressos podem ser adquiridos na bilheteria do Teatro do Bourbon Country, Av. Túlio de Rose, nº 80 ou pelo telefone (51) 3299-0800 ou então pela Tele-entrega (51) 8401-0555.

É um drama de amor e ódio, baseado na novela homônima de Prosper Mérimée, transformada em ópera por Bizet, com Libreto escrito por Henri Meilhac e Ludovic Halévy.

Elenco:

MARIA LUJAN MIRABELLI (Buenos Aires) - Carmen
JUREMIR VIEIRA (Porto Alegre/Suíça) - Don José
HOMERO VELHO (Rio de Janeiro) - Toureiro Escamillo
ADRIANA DE ALMEIDA - Micaela
PEDRO SPOHR - Zuniga
SÉRGIO SANTOS - Morales
FRANCIS PADILHA e FLÁVIO LEITE - Os Contrabandistas
ROSIMARI OLIVEIRA e LUCIANE BOTTONA - Fransquita e Mercedes (amigas de Carmen)
RAFAEL BORGES MARTINS - Lilas Pastia (Dono da taberna)

BALLET CONCERTO e TABLADO ANDALUZ
Maestro convidado: ROBERTO TÚBARO (Espanha)
Direção Cênica de VICTÓRIA MILANEZ

Georges Bizet (1838 - 1875)

Carmen foi a última ópera criada por Bizet. Na sua estréia em 1875, na Opéra-Comique de Paris, a platéia ficou chocada, devido ao caráter audacioso para a época, pois trazia como protagonista uma mulher que enfeitiçava os homens e com um final trágico.

Sem nunca ter visitado a Espanha, Bizet, que era francês, havia feito uma obra que se passava em Sevilha, portanto pesquisou a música espanhola e criou a partir disso. Este fato também foi alvo da crítica, acusando-o de certo artificialismo na composição. Os mais conservadores não aprovaram a ópera, pois para eles a sua música e o enredo eram muito ousados.

Três meses após a estréia da ópera, Bizet morreu sem ver o triunfo da obra, tendo porém uma extraordinária repercussão logo a seguir. A originalidade, a música e a trama envolvente acabaram triunfando sobre os preconceitos. Nos dez anos seguintes, ela seria apresentada cerca de mil vezes, em diferentes montagens, por toda a Europa.

Sinopse

Ato I
A trama se passa na Sevilha de 1820. Carmen é uma cigana que trabalha em uma fábrica de cigarros e que encanta todos os homens à sua volta, porém o seu objeto de desejo é Don José, um cabo do exército que é noivo de Micaela, uma jovem aldeã. Um dia Carmen se mete em uma briga com colegas de serviço, então o oficial Zuniga manda Don José prendê-la, porém ela o seduz e ele a liberta, sendo preso por esse motivo.

Ato II

Em uma taberna entra o toureiro Escamillo, encantado por Carmen tenta conquistá-la, sem sucesso. Logo após chega Don José que já está livre da prisão e se diz que apaixonado por Carmen. Após uma briga com o Tenente Zuniga, devido às circunstâncias, Don José é convencido por Carmen a acompanhá-la junto com os contrabandistas.

Ato III
Carmen e suas amigas lêem nas cartas que ela irá morrer. Don José está vigiando de um penhasco o esconderijo dos contrabandistas, aparece Escamillo e os dois duelam. Micaela pede para Don José lhe acompanhar porque a sua mãe está morrendo, ele vai e diz para Carmen que voltará.

Ato IV

Escamillo chega com Carmen em frente à Praça de touros. Enquanto Escamillo entra na Praça, Don José pede para Carmen voltar a ele, porém ela diz que não o ama mais e em uma crise de fúria ele a mata.

Abaixo, um vídeo da parte mais conhecida da ópera, onde Carmen canta a Habanera, seduzindo os homens e no final jogando uma flor a Don José:

Orquestra Villa-Lobos no Jardim Botânico

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Fri, 07 Oct 2011 22:51:00 +0000

No dia 11 do mês passado tivemos o prazer de ouvir a Orquestra Villa-Lobos no Jardim Botânico, onde foi realizada a Mostra Natureza em Foco, dentro do Projeto JardinAção VIII da Fundação Zoobotânica do RS, que contou com várias atrações. Nada mal para o início da primavera falarmos de eventos realizados ao ar livre que valorizam a natureza, ainda mais quando abre-se oportunidade à apresentação de uma Orquestra que promove a interação social para jovens através da arte.

Com 40 alunos em sua atual formação e regência da idealizadora do projeto, a professora Cecilia Rheingantz Silveira, a Orquestra Villa-Lobos tem por objetivo proporcionar a crianças e jovens da Vila Mapa, periferia de Porto Alegre, a inclusão social através da música, promovendo a auto-estima, estabelecendo interação com os elementos da cultura local e ampliando as possibilidades de participação na sociedade.

A iniciativa é mantida pela Secretaria Municipal de Educação de Porto Alegre e tem firmado parceria com várias instituições e empresas ao longo dos seus 19 anos de existência.

Inicialmente a Orquestra era formada apenas por flautas doces e com o tempo foi ampliando-se.

Desde 2003 o programa implantou as Oficinas de Música, que atualmente presta gratuitamente mais de 850 atendimentos por semana a partir dos 4 anos de idade em 70 turmas distribuídas em aulas de musicalização infantil, de vários instrumentos, canto-coral, expressão corporal, estudo avançado e teoria e percepção musical, realizadas na Escola Heitor Villa-Lobos (sede do projeto) e mais outras duas escolas infantis municipais da comunidade e nas três unidades do Instituto Cultural São Francisco de Assis, organização não-governamental situada na comunidade e parceiro do Projeto há cinco anos.

Em sua trajetória, a Orquestra Villa Lobos já lançou alguns CDs e recebeu prêmios importantes, além disso, já realizou mais de 860 concertos para público superior a 200 mil pessoas.

Abaixo, um vídeo da apresentação de uma das músicas interpretadas pela Orquestra naquele evento: "Carinhoso" de Pixinguinha.

Mais informações aqui: Myspace da Orquestra Villa-Lobos

O Homem e a Natureza em "A Alegria de Viver" de Matisse

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Wed, 28 Sep 2011 20:16:00 +0000

Esboço para Alegria de Viver, Matisse, 1905

"Quando falamos sobre a natureza, não podemos esquecer que fazemos parte dela e que devemos considerar a nós mesmos com a mesma atenção e sinceridade com que estudamos uma árvore, um céu ou uma idéia. Visto que há uma relação entre nós e o restante do universo, podemos descobri-la e depois não mais tentar superá-la."

(Henri Matisse, La Phalange, dez/1907)

Estudo para Alegria de Viver

Cada vez mais temos nos afastado da natureza, se esquecendo que somos parte integrante dela, e como conseqüência, estamos vendo o resultado do desequilíbrio constante neste organismo chamado planeta Terra. Além disso, esse distanciamento nos transforma em seres frios como o concreto que nos rodeia e nos aprisiona.

Atualmente temos visto vários incentivos, propagandas e se fala muito sobre a preocupação com a natureza, mas até onde essas preocupações não são apenas jogadas de marketing ou uma moda passageira? Espero que não, porque sabemos que quem vai sofrer as conseqüências no final das contas somos nós mesmos e, por sinal, já estamos sofrendo.

Mas esta preocupação não é de hoje, pois este afastamento é de longa data e a arte tem cumprido um papel importante nesta reflexão. Alguns artistas têm como tema esta questão em suas obras. Na pintura A Alegria de Viver, Matisse (1869-1954) propôs uma visão de como seria o mundo onde esta união entre homem e natureza estaria plena. Uma visão do ideal, como nas obras clássicas, mas agora sem os cânones estabelecidos pelo classicismo.

Conforme Argan (1992), "La joie de vivre, de Matisse (1905-6), pretende ser uma imagem mítica do mundo, como se gostaria que ele fosse: uma idade de ouro em que não há distinção entre os seres humanos e a natureza, tudo se comunica e se associa, as pessoas se movem livres como se feitas de ar, a única lei é a harmonia universal, o amor."

A Alegria de Viver ou La joie de vivre (1905-6), Óleo sobre tela, 174 x 238 cm, Barnes Foundation

Na obra La Joie de Vivre, Matisse retoma a busca do mitologismo primitivo de Gauguin, ao mesmo tempo em que mistura isso com o tema clássico de As grandes banhistas, de Cézanne, porém eliminando a profundidade espacial ainda existente neste.

Vejo esta pintura como uma expressão da alegria de viver em um mundo utópico, de um sonho revelado através das cores vivas e plenas, linhas coloridas e dançantes. A imagem no centro da tela com as figuras dançando em roda já revela um tema que Matisse irá trabalhar alguns anos depois com A Dança (1909).

Referências:

ARGAN, Giulio Carlo. Arte Moderna. São Paulo: Companhia da Letras, 1992
ESSERS, Volkmar. Matisse. Germany: Benedikt Taschen, 1993
FOURCADE, Dominique. Matisse - Escritos e Reflexões sobre Artes. São Paulo: Cosac Naify, 2007

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noreply@blogger.com (Raul Campani) — Sun, 18 Sep 2011 20:43:00 +0000

Dia 11 de setembro foi realizada a Mostra Fotográfica dos alunos do Curso de Fotografia "Natureza em Foco", ministrado pela Fotógrafa e Bióloga Eliane Heuser, no Jardim Botânico de Porto Alegre, onde teve uma homenagem e a participação de fotografias de Augusto Seidel (nosso Gutão), falecido dia 18 de julho.
No mesmo dia houve também a apresentação da orquestra Villa Lobos, que enriqueceu ainda mais o ambiente.

Sementes caem no chão
Gerando novos frutos
Acontece a transmutação
Guardando a essência do grão

Abaixo, algumas fotos do Guto, que fizeram parte da exposição:

Imagens da Mostra:

Ícones do Rock no Brasil

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Tue, 13 Sep 2011 03:33:00 +0000

Depois de termos recebido o show de Paul McCartney no Brasil em 2010, teremos algumas apresentações de peso para os próximos meses. Gigantes do rock, como o guitarrista Eric Clapton, a banda Pearl Jam, o músico norte-americano Ben Harper e o ex-integrante do Pink Floyd Roger Waters, tocarão em nosso solo.
Os vídeos abaixo não se referem aos futuros shows, mas mostram apresentações onde o Pearl Jam é acompanhado por Ben Harper e Roger Waters toca com Eric Clapton.

A banda norte-americana Pearl Jam, fará quatro apresentações no Brasil no mês de novembro. Formada no ano de 1990 em Seattle, Washington, no auge do período do movimento local grunge, é considerada uma das mais populares e influentes da década de 90. No dia 4 de novembro se apresentará em São Paulo no Estádio do Morumbi, dia 6 toca no Rio de Janeiro na Apoteose, dia 9 a banda toca no Estádio Paraná Clube, em Curitiba e, por fim, no dia 11 toca em Porto Alegre no Estádio Zequinha.

Ben Harper se apresenta dia 3 de dezembro em Porto Alegre no Pepsi OnStage, dia 4 em Florianópolis no Stage Music Park, dia 6 em Belo Horizonte no Chevrolet Hall, dia 7 em Brasília na Tenda da UnB, dia 9 em São Paulo na Via Funchal e dia 10 toca no Rio de Janeiro no HSBC Arena. O cantor e compositor californiano com 17 anos de carreira, dois Grammys, mais de 10 milhões de discos vendidos e vários hits mundiais vem para divulgar seu mais recente álbum, o "Give Till It´s Gone", além de tocar outros sucessos da carreira.

O cantor, compositor e guitarrista Eric Clapton fará três shows no Brasil em outubro. O músico toca no dia 6 em Porto Alegre no Estacionamento da Fiergs, dia 9 vai ao Rio de Janeiro, onde se apresenta no HSBC Arena e dia 12 em São Paulo no Estádio do Morumbi. É considerado um dos melhores guitarristas do mundo.
Esta é a primeira vinda do guitarrista pelo Brasil depois de dez anos. O músico apresentará a turnê de seu último álbum, “Clapton”. Ele virá acompanhado de uma banda formada por Steve Gadd na bateria, Willie Weeks no baixo e Chris Stanton nos teclado, além de Michelle John e Sharon White nos backing vocals.

O músico inglês Roger Waters fará shows no Brasil em março de 2012, com a turnê "The Wall". O ex-baixista e vocalista do Pink Floyd passará por três cidades: Porto Alegre, São Paulo e no Rio de Janeiro. Antes de chegar ao Brasil, a turnê pela América Latina passará pelo Chile e pela Argentina.

Um dos maiores sucessos do Pink Floyd, o The Wall (álbum lançado em 1979), foi adaptado para o filme "Pink Floyd The Wall" em 1982 e dirigido pelo cineasta Alan Parker. A última vez que Waters veio ao continente foi em 2007, tocando outro álbum do Pink Floyd, "The Dark Side of the Moon".

Globalização e Pós-Modernidade em Fredric Jameson

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Mon, 05 Sep 2011 22:45:00 +0000

Por Victor Costa, comunicação CPFL Cultura

Dia 26 de maio, o Café Filosófico CPFL recebeu em Campinas a visita do norte-americano Fredric Jameson, filósofo e crítico literário. Jameson é um dos mais importantes pensadores da atualidade, seus estudos sobre a pós-modernidade são referência em todo o mundo. De abordagem marxista, seu pensamento articula economia, política, estética e diversas áreas da vida contemporânea. Jameson é, com segurança, o principal nome da reflexão sobre a Globalização.

No Café Especial, Jameson apresentou a palestra Tendências Culturais Contemporâneas. De modo muito informal, em formato de bate-papo guiado pela professora da USP, Dra. Maria Elisa Cevasco, ele apresentou ideias que foram desde as Artes à gastronomia, passando pelo tema das recentes crises econômica e política.

Jameson começou caracterizando a globalização: “a face cultural de nosso momento econômico”, e continuou “a globalização e a pós-modernidade são as duas faces do nosso tempo: pós-modernidade é a esfera cultural e globalização é a esfera econômica”.

Tempo e Espaço

Tempo e espaço são conceitos essenciais na Filosofia. Para Jameson, a pós-modernidade é caracterizada justamente pela re-significação da temporalidade e da espacialidade. Segundo ele, na modernidade coexistem temporalidades plurais. Havia vários tempos. O tempo do campo, onde normalmente se nascia e se viviam os primeiros anos da existência; o tempo da cidade, onde se estudava ou se trabalhava. O tempo do casamento, da velhice, da morte. As pessoas passavam de uma temporalidade a outra. Assim era a vida. O tempo foi marca distintiva da modernidade.
Hoje, na pós-modernidade, o espaço ganha maior relevância que o tempo. A Natureza (caracterizada pelo tempo) deixa de existir e é substituída por aquilo que é feito pela mão do homem (a espacialidade). Não há mais, atualmente, o mesmo tipo de sensibilização de variações do tempo conforme havia antigamente. Agora, temos apenas em nossa volta um espaço construído.

Política

Portanto, a noção de espaço é a marca distintiva da pós-modernidade. Para Jameson, “a política pós-moderna: disputas por causa de terra, enobrecimento das cidades”. Há uma política do espaço.

E a experiência existencial: qual o status do tempo no regime do tempo? “O tempo é reduzido ao presente: ao corpo”. Assim, há o desaparecimento do senso do passado e do futuro. A isso Jameson chamou de “a eterna presentificação do corpo”, que Maria Elisa caracteriza como “eterno presente”.

Arte e Filosofia

Sobre o caos contemporâneo, sobre as angústias resultantes de viver em um eterno presente, Jameson lançou possíveis soluções. No mundo pós-moderno fragmentado, totalizar (dar sentido à vida e às relações com os outros e com o mundo) é um caminho possível. Mas como totalizar, ou seja, achar nexos entre elementos que aparentemente não têm relação alguma (eis o caos contemporâneo)? Aqui Jameson se valeu da arte, ou, para fiel ao autor, da “estética da singularidade”.
Segundo ele, a instalação é a principal forma artística da pós-modernidade. Isso porque a instalação é uma construção de elementos singulares, e de múltiplos sentidos, aparentemente, sem nexos entre si. Dar sentido à relação dos elementos de uma instalação, lançar compreensão sobre o que uma coisa tem a ver com a outra, é totalizar resguardando a singularidade.
Nas Artes, é o artista que produz os sentidos. O objeto do artista não é mais a “obra em si”, mas o sentido que dará à sua obra. Se a noção de temporalidade está dilacerada na pós-modernidade, as obras não podem mais durar para sempre, perdem-se no tempo perene. A arte é efêmera. Em uma instalação, os objetos em uma sala, por exemplo, não têm um estilo definido. Diferentes tipos de objetos juntos não representam um estilo típico do artista. “O estilo não é mais uma consideração na arte pós-moderna”. Não é mais o estilo a expressão da arte, do artista. A instalação é efêmera e está sempre pronta para a mutação, para a (re)significação.
O exercício de significar os objetos de uma instalação é como o exercício de significar – guardada a metáfora – as singularidades do mundo contemporâneo, a fim de encontrar o sentido das coisas, da vida.

Fonte: Café Filosófico CPFL

A Praça da Alfândega

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Wed, 31 Aug 2011 00:57:00 +0000

Porto Alegre cresceu muito no século XX, mudando bastante sua configuração, porém mantendo parte de seu patrimônio cultural na área central, colaborando para o tombamento do Centro Histórico e a sua revitalização pelo governo municipal em parceria com o Programa Monumenta.

Um dos projetos do Monumenta na cidade, foi a pesquisa arqueológica na Praça da Alfândega, lugar no qual um dia havia um cais, que com o aterramento da região se transformou em uma praça de grande circulação, onde na década de 30 era um espaço de convívio da sociedade porto-alegrense.

Com o passar do tempo, a Praça foi se tornando o que ela é hoje, um local de passagem e espelho de problemas sociais, mas também de muita cultura e diversidade. Devido ao seu valor cultural e a localização privilegiada, estão sendo feitas obras no sentido de restaurar o ambiente que a Praça tinha no início do século passado.

Além de ser um dos marcos iniciais da cidade, uma vez por ano, desde 1954, a Praça da Alfândega recebe durante 15 dias a Feira do Livro, o maior evento literário realizado a céu aberto das Américas.

A Praça conta com diversos monumentos, com relevância para os Monumentos ao Barão do Rio Branco e General Osório, além do grupo de esculturas de Mário Quintana e Carlos Drummond de Andrade, realizado por Francisco Stockinger (imagem abaixo):

Existem várias movimentações culturais que acontecem ao mesmo tempo na Praça da Alfândega, ou seja, através das instituições culturais que estão lá representadas por seus prédios, que em sua grande maioria já são obras artísticas, como o MARGS, o Santander Cultural e o Memorial do Rio Grande do Sul, por perto há também a Casa de Cultura Mário Quintana e futuramente na Praça teremos a Caixa Cultural. Além disso, existe uma variedade de artistas e artesãos que trabalham no entorno, fora das instituições, na rua, onde apresentam suas manifestações e suas obras.

Um exemplo é o Conjunto Bluegrass Porto-Alegrense, que algumas vezes se apresenta por lá. A gravação abaixo não ficou das melhores, mas dá pra ter uma idéia de como a Praça da Alfândega se presta a essas improvisações, onde muitos estão de passagem e correndo, mas ainda existe um espaço e um tempo para apreciarem os artistas e darem uma contribuição pelos seus trabalhos.

1ª Foto: Vista da Praça da Alfândega e da Praça Rio Branco em direção ao cais do Porto. Aproximadamente final da década de 1930. Fonte: Acervo IPHAE. Fotógrafo desconhecido

Patrimônio Cultural

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Sun, 21 Aug 2011 21:05:00 +0000

1-Biblioteca Pública de Porto Alegre

O conceito de Patrimônio vem evoluindo, de uma visão mais vinculada à proteção de bens artísticos restritos às elites até a sua configuração atual, ampliada a todos os segmentos culturais, inclusive com o estabelecimento da salvaguarda do patrimônio imaterial. A proteção do Patrimônio Cultural é necessária, devido à sua vinculação com a identidade e a memória de uma sociedade, incluída em um espaço no qual ela interage.

Este evolui até chegar ao conceito amplo consagrado pela Constituição Federal de 1988:

"Constituem Patrimônio cultural brasileiro os bens de natureza material e imaterial, tomado individualmente ou em conjunto, portadores de referência à identidade, à ação, à memória dos diferentes grupos formadores da sociedade brasileira, nos quais se incluem: I – formas de expressão; II- Os modos de criar, fazer e viver; III – As criações científicas, artísticas e tecnológicas; IV – As obras, objetos documentos, edificações e demais espaços destinados às manifestações artístico-culturais; V- Os conjuntos urbanos e sítios de valor histórico, paisagístico, artístico, arqueológico, paleontológico, ecológico e científico." (BRASIL, 1988, p.200 apud MARTINS, 2006, p.41)

Essa definição está em consonância com a Convenção da UNESCO (United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization) para a Salvaguarda do Patrimônio Cultural Imaterial, ratificada pelo Brasil em 1° de março de 2006.

2-Feira de Caruaru, considerada patrimônio imaterial do Brasil

Conforme Martins (2006, p. 41), “o decreto presidencial nº 3.551, de 04 de agosto de 2000”, em complementação a “preocupação esboçada no texto constitucional”, estabelece “mecanismos de registro do patrimônio imaterial”, que se dará através do registro dos livros:

"1) dos saberes, contemplando aqui conhecimentos, habilidades e modo de fazer; 2) das celebrações, em que serão assinalados rituais e festas representativos para a sociedade brasileira; 3) das formas de expressão, em que serão registradas manifestações literárias, musicais, plásticas, cênicas e lúdicas."

A construção da identidade, tanto individual como pertencente a um grupo, está ligada à herança deixada pelos antepassados e ao meio em que se vive, tanto material como imaterial, portanto a cultura é o resultado de várias miscigenações ocorridas no tempo e no espaço.

O mundo atual valoriza o espetáculo, o instantâneo, e o aqui e agora, provocando um vazio existencial em grande parte da sociedade. Ao não conhecer a própria história e cultura, perde-se o interesse pelo próprio lugar em que se vive e/ou frequenta.

Discutir sobre patrimônio cultural não é só falar de coisas velhas, estanques ou tradições que devem ser preservadas a qualquer custo. É sim colocar em pauta a questão da cultura como patrimônio próprio, que precisa ser valorizado, com toda a sua diversidade, sem preterir uma classe social ou etnia, valorizando o conhecimento e produção cultural miscigenada, enriquecida e modificada com o tempo. Portanto não se podem perder questões importantes na linha do tempo, pois todas essas transformações fazem parte do próprio patrimônio, história e identidade, por mais múltipla que seja. São memórias que devem ser preservadas. Pode ser uma tarefa difícil, mas que deve ser incentivada, pois depende de cada um, cada instituição e não apenas do governo.

É preciso parar um pouco para refletir no que se está fazendo com os espaços públicos, com as próprias vidas e espaços de convivência, comparando o que era antes com o hoje e projetando um futuro.

Assim, nas reflexões sobre o património cultural tem que ser contempladas diferentes marcas e lembranças, construídas através dos tempos, pelos atores que compuseram e ainda compõem o espaço citadino.

Sem a valorização da própria cultura, a população pode se tornar rebanho das forças econômicas, transformando-se e uma massa homogênea, pasteurizada e robotizada.

Se os símbolos ou produtos da cultura de um povo não são conhecidos, corre-se o risco de não se valorizar e é o que acontece muitas vezes no Brasil, que apesar de ter uma cultura tão diversificada e consequentemente tão rica, algumas pessoas não dão importância ao que é feito aqui, muitas vezes interpretado como de menor valor, porém esses produtos que vêm do povo, falam sobre sua identidade e muitas vezes dão orgulho da própria terra, fazendo a população sentir-se fazendo parte dela.

REFERÊNCIA:

MARTINS, Clerton. Patrimônio Cultural e Identidade: Significado e Sentido do Lugar Turístico. In: MARTINS, Clerton (Org). Patrimônio Cultural: Da Memória ao Sentido do Lugar. São Paulo: Roca, 2006. p. 39-50.

Fontes da fotos:

1-Site do Monumenta
2-Galeria de killercg no Flickr

Stockinger: Os Diversos Tempos da Forma

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Tue, 16 Aug 2011 00:42:00 +0000

O Museu de Arte do Rio Grande do Sul apresenta "Stockinger: Os Diversos Tempos da Forma", uma exposição panorâmica com cerca de 50 obras de Xico Stockinger, com curadoria de José Francisco Alves, curador-chefe do MARGS. A abertura ocorre no dia 18 de agosto, às 19h e a mostra ficará em cartaz de 19 de agosto até 9 de outubro, nas galerias Oscar Boeira, Ângelo Guido e sala Pedro Weingärtner. Visitação de terça a domingo, das 10h às 19h. Entrada franca.

Pela primeira vez, estarão expostas todas as obras do artista que pertencem ao acervo do Museu. A exposição homenageia os 57 anos do MARGS, instituição que Stockinger dirigiu duas vezes. O artista completaria 92 anos este mês. E também é realizada no ano do cinquentenário do Atelier Livre da Prefeitura de Porto Alegre, onde o escultor foi o primeiro diretor.

Entre as cerca de 50 obras de Stockinger no acervo, um primeiro grupo é composto por esculturas modeladas em gesso (década de 1950), resultado direto de seu aprendizado com Bruno Giorgi. Foram produzidas até cerca de 1961 e são bustos convencionais, resultado de modelo vivo, e figuras religiosas. Entre essas obras, o destaque é uma figura feminina em tamanho natural, vencedora do Festival de Artes Contemporâneas de Porto Alegre, em 1960.

Um segundo grupo homogêneo constituiu-se de xilogravuras. Arte de reprodução, a custos baixos e em quantidade, elas representam uma fase na qual Stockinger precisou desenvolvê-las por dificuldades financeiras. Essa produção foi realizada por volta de 1956 a 1961, de tal forma que o artista transformou-se em prestigiado professor da técnica. Nesse ano, ele praticamente parou de produzir gravuras e passou a formar gravadores, ministrando aulas de xilogravura (o curso Goeldi, 1961/64) no Atelier Livre da Prefeitura de Porto Alegre. Entre os alunos desse curso, destacaram-se, por exemplo, Regina Silveira e Vera Chaves Barcellos. Mas não só gravuras o MARGS possui. Este ano, junto com outras gravuras de Stockinger, reeditadas entre 2007 e 2009, está se incorporando ao acervo uma numerosa série de tacos (década 1950), que são as matrizes das xilogravuras, objetos que podem ser exibidos como documentos artísticos; além de belas peças de madeira entalhada, os tacos servem, também, para revelar os processos desta arte medieval, que se mantém viva e atual até o presente.

Entre outras esculturas pertencentes ao Museu destaca-se - em bronze, ferro e madeira- o exemplar mais conhecido da série dos Sobreviventes - conjunto com somente pouco mais que dez peças. Trata-se de um animal aterrorizador, feito com madeira, sucatas de ferro, ossos de animais e partes de bonecas de plástico. Essa série foi realizada sob caráter político-social, mas as obras acabaram por tomar feições incrivelmente horrendas, como denúncia da miséria humana, no sentido de expor o papel dantesco e destruidor que o Homem pode vir a assumir com os seus atos.

O conjunto de pedras (mármores e basalto), esculpido nas décadas de 1980 e 1990, é conhecido por revelar um artista mais preocupado com a forma. Quando esta produção foi dada a conhecimento, o próprio Stockinger a chamou de “o descanso do guerreiro”: uma pausa na arte social e figurativa por meio de uma linguagem abstrata, o aproximando da arte sensorial, orgânica.

Um outro grupo numeroso no acervo do MARGS, representa uma retomada da arte social em Stockinger, o conjunto dos homens-gabirus (1995/97). A série que denunciou a miséria do povo nordestino. Ali, em bronze fundido, o artista volta a surpreender com representações de pessoas expressando o seu mais profundo sofrimento, a miséria e a morte pela fome. Da expressão mais conhecida do artista - o guerreiro em ferro soldado e madeira - integra o acervo do Museu uma escultura de 3,4 metros de altura. Realizada em 2006 e doada em 2008, o maior guerreiro que o artista confeccionou.

Modelo curatorial

Com esta exposição o Museu de Arte do Rio Grande do Sul, dá continuidade ao projeto desta gestão de exibir o acervo da instituição através de projetos curatoriais de relevância e forte caráter de inovação. Para Stockinger: Os Diversos Tempos da Forma será utilizado novamente um modelo labiríntico de curadoria, onde as obras não estarão expostas cronologicamente, mas através de justaposições de períodos diversos da obra do artista, articulando as obras em relação à um tempo não-cronológico, dentro do que a curadoria considerou como sendo “o tempo da forma”. Dentro desta perspectiva a exposição apresenta novas possibilidades associativas, atualizando a singularidade de cada obra diante do tempo presente, independentemente do período em que tenha sido produzida. Nesse processo o visitante é beneficiado, não somente com a possibilidade de repensar a obra do artista fora da linearidade da cronologia, como por meio de novas associações conceituais, formais, políticas, e outras que a curadoria propõe via mecanismos de exibição utilizados.

Francisco (Xico) Stockinger

Nascido na Áustria, em 7 de agosto de 1919, Stockinger emigrou com sua família para o Brasil em fevereiro de 1923. Criou-se no do interior do estado de São Paulo. Depois, viveu na capital paulista e no Rio de Janeiro. Na capital fluminense, conheceu a gaúcha Yeda de Oliveira, com quem se casou em 1949. Em 1954, arranjou um emprego como diagramador e chargista em A Hora, um novo jornal porto-alegrense. Assim, ele se tornou gaúcho aos 34 anos. Em 31 de dezembro de 1958, o artista naturalizou-se brasileiro.

Quando veio para o Rio Grande do Sul, Stockinger já possuía uma formação em escultura no ateliê-escola de Bruno Giorgi (1905-1993) e havia participado de salões de arte no Rio de Janeiro - como premiado e jurado. Em Porto Alegre, lutou para se firmar no território artístico, e em dois anos já era conhecida liderança artística local. Como escultor, foi pouco a pouco se firmando através de dezenas de exposições e inúmeros prêmios que recebeu.

Por volta de 1961, sua escultura ainda não tinha atingido um caminho definido, produzindo esculturas de modelagem em gesso, numa figuração de conotação expressionista. Não podendo mandar fundir suas obras, por motivos econômicos, decidiu ele mesmo construir uma pequena fundição nos fundos de sua casa. Assim, Stockinger iniciou a sua independência financeira e, paulatinamente, o emprego fixo em um jornal (chargista e cronista) foi cedendo tempo para a atividade de escultor. Em razão da economia de material caro (metais), somado à necessidade de aumento do tamanho das peças e às motivações sociais que exigiam do artista uma tomada de posição (protesto contra a Ditadura Militar), surgiram os guerreiros - metade ferro soldado, metade madeira. Procedimento construtivo e simbologia que caracterizam a contribuição desse artista ao universo da arte. Sua produção, ainda na década de 1960, desdobrou-se em vertentes interessantes, como as obras em sucata e a série Sobreviventes. No mesmo período, iniciou o trabalho em pedra, principalmente o mármore. Nessa linha, optou por uma produção abstrata. Em 1995, outra de suas marcas foi a representação, em bronze, do “homem-gabiru”, população nordestina que, em virtude da fome, se alimentava de ratos.

Para o historiador de arte José Francisco Alves, curador da exposição “podemos encontrar na trajetória pessoal e artística de Francisco Stockinger (1919-2009), um exemplo de humanismo e ímpeto criador que raramente encontramos similar em um artista de sua geração”. Incansável, esse artista entregou-se de corpo e alma em quase tudo que se envolveu. Sua condição maior foi ser um dos principais escultores brasileiros da segunda metade do séc. XX, aquele que plasmou em três dimensões, como ninguém, a simbologia do guerreiro na arte brasileira.
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MUSEU DE ARTE DO RIO GRANDE DO SUL
Praça da Alfândega, s/nº - Centro Histórico
CEP 90010-150 - Porto Alegre/RS
Fone: (51) 3227.2311
www.margs.rs.gov.br

Fonte: MARGS e imagens postadas por Jussara Stockinger no Grupo "FRANCISCO (XICO) STOCKINGER, vida e obra" no Facebook.

Você diz que ama...

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Fri, 12 Aug 2011 22:08:00 +0000

Guarda-chuva, de Campani

"Você diz que ama a chuva, mas você abre seu guarda-chuva quando chove.

Você diz que ama o sol, mas você procura um ponto de sombra quando o sol brilha.

Você diz que ama o vento, mas você fecha as janelas quando o vento sopra.
É por isso que eu tenho medo. Você também diz que me ama."

(William Shakespeare)

Claudio Tozzi e sua obra: Guevara, Vivo ou Morto

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Sun, 07 Aug 2011 17:02:00 +0000

Guevara, Vivo ou Morto *

Cláudio Tozzi nasceu em São Paulo, em 1944, onde vive. Inicia sua carreira em 1963, quando ganha o concurso para o cartaz do XI São Paulista de Arte Moderna. Formado em Arquitetura em 1968 pela USP. A proximidade com as faculdades de Ciências Humanas criara um espaço altamente politizado, onde a temperatura dos debates ideológicos muitas vezes se elevava e se transformava em conflitos e enfrentamento entre estudantes de direita e de esquerda, sobretudo a partir do golpe militar de 1964.

Na velha FAU, fermentavam os sonhos de liberdade e de profundas transformações culturais.

A produção artística desse período foi profundamente marcada pelas propostas dos CPC - Centros Populares de Cultura, criados em 1961. O manifesto do CPC, inserido em "A Questão da Cultura Popular" escrito por Carlos Estevão Martins em 1963, quando era presidente do CPC e o livro "Cultura Posta em Questão" de Ferreira Gullar, publicado em 1964, exerceram enorme influência na criação artística, nos ambientes intelectuais e no pensamento da década de sessenta no Brasil.

A arte naqueles anos parecia não poder sobreviver fora da preocupação com a transformação política e social. Ferreira Gullar chamava atenção, no seu livro, para a necessidade de a cultura ser colocada a serviço do povo.

Claudio Tozzi, integrado com a vanguarda do seu tempo compartilha dessa preocupação. O engajamento em relação às massas está presente desde os seus primeiros trabalhos. Mais tarde Tozzi, em um depoimento realizado em 1977, afirma: "Uma das características da arte brasileira de vanguarda dos anos sessenta é a preocupação com o coletivo. Na pintura refletia-se, principalmente a temática social. Os fatos políticos eram narrados pela figura; a obra exigia do espectador não apenas uma atitude de contemplação, mas tinha o intuito de incitar seu pensamento, levá-lo à reflexão e ao debate (...) Importante também é o seu conteúdo-signifícado e a linguagem utilizada: a apropriação da linguagem usada nos meios de comunicação de massa, desde sinais de trânsito, letreiros, "outdoors", histórias em quadrinhos, até os processos fotomecânicos de reprodução (...)"

Nesses anos ocorria uma enorme transformação na pintura em todo mundo. Emergia nos EUA a Pop Art e uma nova figuração ocupava o lugar de vanguarda. No Brasil essas idéias tiveram imediatamente, enorme repercussão. Mário Schemberg, um dos críticos de arte mais atuantes nesse período, caracteriza e momento como um novo realismo.

Dizia Pierre Restany, em seu livro "Os Novos Realistas": "Desdenhando a sátira estéril e a pintura dos bons sentimentos, os artistas pop nova-iorquinos voltaram às fontes do seu folclore urbano. Desse modo compreenderam exatamente o problema, tocaram no verdadeiro objetivo, assimilam o sentido da natureza moderna, encaminharam-se para a maioria. Sua perfeita integração do real constitui o primeiro passo para a estética coletiva e a socialização da arte, preâmbulo necessário a um humanismo novo."

Levar sua produção artística para fora dos espaços convencionais das artes plásticas, como galerias e museus, foi outra preocupação presente desde o início da carreira de Cláudio Tozzi. Ele procurava comunicar-se com um público mais abrangente. Chega em determinados momentos a ganhar o carácter panfletário de forte conteúdo social, e até mesmo revolucionário, como Tozzi foi vender nas praças de São Paulo e nos estádios de futebol a serigrafia "Guevara Vivo ou Morto", a preços populares, na época dos trágicos acontecimentos que culminaram com a morte do líder revolucionário na Bolívia.

A morte de Che Guevara, foi um evento que marcou profundamente os jovens e os espíritos inquietos da época. Os acontecimentos sangrentos da Bolívia motivariam, mais que qualquer outra coisa, o surgimento de um latino-americanismo que se fortalecia aos poucos (...) Em verdade, o sentido de sua atuação, "a lição (mesmo se romântica, de sua trajetória) de sua vida, residiu no fato de que ele não tinha um país mas um continente” (...) "nascido e formado na Argentina tendo morado no México, lutado e vivido em Cuba, e tendo sido morto na Bolívia em outubro de 1967, demonstrou que estava a serviço, não de um regime, porém de uma idéia”.

Em 1968, a obra "Guevara Vivo ou Morto” sofre um atentado e é praticamente destruída, por um grupo de extrema direita, num processo de radicalização ideológica e de agressividade crescentes, sobretudo naquele ano, marcado pelas lutas estudantis contra a ditadura. Pelos movimentos de massa que procuravam restaurar a democracia e por outro lado, com a promulgação do AI 5.

Sua obra incomodava porque não estava restrita ao circuito artístico, porque não se restringia nos problemas estéticos, mas voltava-se, sobretudo, e de forma engajada à realidade, para as contradições políticas e sociais daqueles anos.

Tornava-se necessário encontrar uma linguagem acessível às massas. O artista chegou a utilizar textos em suas obras para reforçar o conteúdo semântico da imagem. Seus temas são multidões e heróis de multidões, realçadas num período de comícios agitados de greves de passeatas, de protestos e de sonhos revolucionários.

Dessa forma, a leitura de suas obras produzidas nesse período não pode ser feita isolada ou desvinculada da análise daquele momento histórico.

Tozzi não é intuitivo, ao contrário é reflexivo e metódico. As imagens são construídas com forte influência gráfica.

A partir de 1969, os trabalhos de Cláudio Tozzi deixam de expressar impactos políticos e perdem o carácter panfletário. Os tempos não permitiam. A luta armada leva a ação política para a clandestinidade e a violência da repressão alija e impede as massas de se manifestarem.

* Tinta em massa e acrílica sobre aglomerado 10/1967, 175 x 300 cm

REFERÊNCIAS:

MAGALHÃES, Fábio. Obra em Construção: 25 Anos de Trabalho de Claudio Tozzí. Rio de Janeiro:
Revan, 1989
AMARAL, Aracy. Arte Para Que? A Preocupação Social na Arte Brasileira 1930-1970. São Paulo: Nobel, 1987
RESTANY, Pierre. Os Novo Realistas: SP: Perspectivas, 1979

Mercedes Sosa, A Voz da América Latina

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Sun, 31 Jul 2011 13:48:00 +0000

Fonte: http://www.arteyfotografia.com.ar/9653/fotos/253858/

Se tivemos uma voz que representou a música latino-americana, essa foi a da argentina Mercedes Sosa (1935-2009).

La Negra, como também é conhecida, por si só já é um símbolo de nossa cultura, não apenas por ser mestiça com ascendência de ameríndios e europeus, mas principalmente porque dedicou sua carreira a cantar as músicas e os anseios da América Latina. Foi a voz dos "sem voz", com suas dores, sonhos e desejos de uma vida melhor.

Abaixo, algumas músicas do DVD "Musicalmente Mercedes Sosa", gravado ao vivo na Suíça em 1980, acompanhada pelo violonista, também argentino, Nicola Brizuela.

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Fique em Paz, Guto

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Sat, 23 Jul 2011 03:20:00 +0000

Esta semana tivemos uma perda muito marcante na família Campani, Augusto Seidel (o Guto) nos deixou no dia 18 de julho, aos 28 anos de idade, dentro de sua casa, devido a um rompimento na aorta.

Ele era um sobrinho muito querido, filho da minha irmã Denise e do Ronaldo e irmão do meu afiliado Eduardo (o Duda).

A missa de 7º dia será no domingo, dia 24/07 às 18:30, na Igreja Nossa Senhora das Graças, na Wenceslau Escobar, 2380, Bairro Tristeza em Porto Alegre/RS.

É uma dor imensa para todos da família e amigos, pois além dele ser amado por todos, estava em plena juventude. Que Deus ilumine sua alma onde ele estiver, assim como ele nos iluminou quando esteve perto de nós.

O Guto era uma pessoa especial, cativava todos a sua volta, com seu sorriso largo, sempre brincando, levando a vida na esportiva e não temendo fazer o que gostava.

Procurou aproveitar ao máximo o curto espaço de tempo que teve na vida. Viajou para Londres, onde trabalhou alguns anos, conhecendo vários lugares, pessoas e curtindo muito. Foi na Europa que conheceu a sua namorada Natasha (brasileira), com quem ficou até o último momento.

Na foto ao lado ele aparece quando era criança, com seus olhos azuis e sua cabeça avantajada, inclusive alguns brincavam chamando-o carinhosamente de "Cabeça".

Augusto era querido por todos, tanto que no seu velório ocorrido no Crematório Metropolitano São José no dia 19, estava lotado de parentes e amigos. Foi feita uma Cerimônia muito bonita em sua homenagem, com direito até a música do AC/DC, pois era o tipo de som que ele gostava e estava bem ao seu estilo irreverente.

O Guto partiu no momento em que fazia um curso que estava gostando muito: Design Gráfico na UniRitter. Era dedicado e elogiado pelos professores.

Abaixo, o que a Rebeca Donazar, minha sobrinha e prima do Guto, escreveu no Facebook:

O Guto sempre iluminou nossa família, seja nos momentos alegres e festivos, seja nos momentos difíceis. Sempre alegre e engraçado levava a cada situação uma leveza que só um anjo pode proporcionar. Em homenagem a luz do Gutão dedico este poema do Eduardo Galeano, porque só pessoas especiais brilham assim como ele brilhou e sempre brilhará nas nossas lembranças e no nosso coração. Fogos brilhantes como o Guto “ardem na vida com tanta vontade que não se podem vê-los sem pestanejar, e quem se aproxima se acende.”

E uma mensagem que a família do Guto deixou no perfil dele para os amigos:

Dizem que a vida é como um trem em trilhos. Há estações - que são as fases da vida. E nestas estações, alguns embarcam, outros descem. Embarcando ou descendo, sempre teremos amigos a nos esperar. Nosso Guto, desta vez, desceu.
Um dia, nos encontraremos novamente, quando chegar a nossa vez de descer do trem.

Aos nossos amigos, muito obrigada por todo apoio e solidariedade.

Um grande abraço de toda a família Seidel.

O Maniqueísmo

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Sun, 17 Jul 2011 13:43:00 +0000

a) Bem x Mal, de Raul Campani

Originalmente, o nome Maniqueísmo vem de uma religião sincrética dualista surgida no século III, que acredita que o mundo se divide entre o bem e o mal e esses dois princípios se combatem. Com o tempo, o termo tornou-se sinônimo de todo pensamento simplista dicotômico, com a mesma idéia de oposição entre o bem e o mal e a inexistência de noções intermediárias.

Acredito que o nosso mundo está repleto de pensamentos maniqueístas, pois as situações muitas vezes não são ponderadas em suas nuances. Um exemplo disso são as novelas da televisão, onde repetem muito os estereótipos dos personagens, que normalmente são bonzinhos ou malvados. Não quero generalizar, mas vejo que existe essa tendência nesses programas de TV, apesar de ter havido alguma mudança, mas nada muito consistente.

Tenta-se muitas vezes, passar uma idéia de mundo, não só nas novelas, mas no dia a dia, de que as coisas são muito claras e que os donos do poder ou de quem tem a palavra estão certos e tem a razão sobre o seu controle. Que se a coisa não for assim, será totalmente ao contrário. Por isso esse assunto é atual, apesar de sua origem ser bem antiga e muita coisa já ter evoluído.

Abaixo, um trecho de uma biografia de Santo Agostinho, onde fala da seita dos maniqueus, a qual era adepto em sua juventude, porém ele sofreu grandes influências neoplatônicas, posteriormente convertendo-se ao cristianismo e contribuindo muito para o desenvolvimento filosófico cristão:

"Cabe aqui uma rápida referência aos maniqueus e à sua doutrina. Eram numerosos e ativos em Cartago. Veneravam o Cristo, do qual Manes (o mais destacado, uma espécie de "líder" dos maniqueus) se proclamava o apóstolo. Falavam incessantemente do Espírito Santo. Faziam a seus ouvintes e simpatizantes promessas sedutoras: pretendiam tudo saber e demonstrar tudo. Para eles era impossível a existência de mistério. Tudo devia ser conhecido, inclusive a maneira como o mundo foi feito, e como tudo, um dia, terá fim. Falavam com veemência de dois princípios, um bom e outro mau, que desde sempre travavam entre si uma luta infernal. Todos os seres criados são marcados por esses dois princípios. Para que os homens encontrassem a salvação, fazendo com que dentro de si o bem vencesse o mal, os maniqueus propunham uma moral bastante austera: nela, tudo, ou quase tudo, era fonte de pecado, e todas as suas prescrições, portanto, tinham como característica o princípio da abstenção. Ademais disso, afirmavam que sua doutrina não tinha mistério algum e que seus escritos nada mais eram do que a pura expressão da verdade, e como tais deviam ser impostos à razão humana."¹

b) Verso da Fig a, madeira pintada

Temos que ter muito cuidado com esse tipo de pensamento, que simplifica as coisas ao extremo e que tenta incutir nas cabeças dos outros qual a verdade absoluta. Não temos boas lembranças na história da humanidade de pensamentos assim, que geraram muita desgraça. Ninguém é o senhor da verdade, o mundo está cheios de coisas a desvendar, inclusive dentro de nossas mentes.

Precisamos ponderar as mais diversas idéias, não é só porque algo vem de nossa cabeça que quer dizer que esteja certo. Existe o pensamento do outro, a moral do outro e não só da nossa tribo, portanto a noção de bem e mal precisa ser muito discutida, pois não é algo estanque. Não estou querendo dizer aqui que temos direito de prejudicar os outros, achando que não existe o certo e o errado. Só que temos que ter noção de que este pensamento de achar que existem apenas dois extremos é muito simplista, perigoso e sem graça.

O mundo tem evoluído neste sentido, mas ainda tem-se usado do pensamento maniqueísta para influenciar pessoas através da política, da religião e da publicidade, por exemplo, pois é mais fácil pensar assim, tornando-se um meio de manobra no sentido de controlar as ações de pessoas, principalmente indivíduos sem educação e cultura.

Fonte:
1. MADUREIRA, Pedro P. S. Santo Agostinho. BIBLIOTECA DE HISTÓRIA. Grandes personagens de todos os tempos. São Paulo: Ed. Três, 1973. Vol. 14 p. 45.

A Caravana da Alegria

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Wed, 06 Jul 2011 23:29:00 +0000

Devido ao grande sucesso de público, a temporada do Espetáculo Infantil "A Caravana da Alegria" foi prorrogada até o dia 17 de julho, sempre às 16hs, aos sábados e domingos na Sala Álvaro Moreira do Centro Municipal de Cultura, Av. Érico Veríssimo, 307.

É uma comédia musical muito divertida, interpretada por três atores mambembes que viajam pelo Brasil, mostrando de uma maneira lúdica as culturas de vários cantos do país, com seus folclores, lendas e cantigas.

Ingressos: R$ 20,00 (público geral) e R$10,00 (idosos, estudantes e classe artística)

Ficha Técnica:

Elenco:

DEJAYR FERREIRA - Alaor, O Declamador

JADSON SILVA - Zeca, O Comediante

RODRIGO "KÃO" ROCHA - Chico, O Apresentador

Direção - AIRTON DE OLIVEIRA

Texto Original - ALEX RIEGEL

Adaptação do Texto - RODRIGO "KÃO" ROCHA

Trilha Sonora e Arranjos - JADSON SILVA

Músicas de Abertura e Encerramento - JADSON SILVA

Acessoria Vocal - MÁRCIO BUZATTO

Criação e Confecção do Figurino - NARAY PEREIRA

Criação e Confecção do Cenário - MARCOS BUFFON

Iluminação - NARA LÚCIA MAIA

Coreografias - SAIONARA SOSSA

Imagens do Cenário - CLAU PARANHOS

Adereços:

AIRTON DE OLIVEIRA

MARCOS BUFFON

NARAY PEREIRA

PETER RIBEIRO (Esculturas)

Projeto Gráfico - RODRIGO "KÃO" ROCHA

Assistência de Produção - JADSON SILVA

Produção Executiva - AIRTON DE OLIVEIRA

Uma Realização - TELÚRICA PRODUÇÕES

Em parceria com - CIA. VENTO MINUANO E GRUPO LOUCOS DE PALCO

"Uma Caravana de Comemorações

Em 2011 a Telúrica Produções completa seus quinze anos de atividade. Casualmente o ator Dejayr Ferreira comemora seus vinte e cinco anos de vida profissional. Também faz vinte anos que Dejayr e eu trabalhamos juntos pela primeira vez. Juntamente conosco estão Jadson Silva e Rodrigo "Kão" Rocha estreando no teatro porto alegrense. Então A CARAVANA DA ALEGRIA é cheia de datas marcantes para nós e para nossa trajetória teatral. E é ótimo trabalharmos com parcerias antigas como do meu querido Deja e outras novas - Jadson e Kão - que nos enchem de novas idéias e horizontes para seguir teatrando com muita vontade e empolgação. E marcamos estas datas encenando um espetáculo para as crianças embarcarem numa viagem pelo Brasil, com bastante música, humor e diversão.
Sigamos mais quinze, vinte e cinco ou cinquenta anos nesta caravana. Porque afinal, ela é da alegria."
Airton de Oliveira

"Loucuras nos Palcos de Porto Alegre

Como diretor e líder do Grupo de Teatro Loucos de Palco, de Cachoeirinha, gostaria de agradecer as pessoas que sempre apoiaram e nos empurraram para o crescimento, acreditando em nosso trabalho e potencial. Os professores da escola Nossa Senhora de Fátima,, em especial a Denise Melo. A família de cada componente do "loucos" que estiveram juntos em cada momento. A minha cidade, minha não, a nossa Cachoeirinha, que sempre está de braços abertos a cada volta de viagem e que nos dá a oportunidade de crescimento, acreditando que podemos ser "loucos", mas temos cura, e nos "curam" com apoio e carinho vindo de seus governantes. A classe artística cachoeirense sempre foi muito forte e nos orgulhamos de fazermos parte da mesma. Por outro lado estamos muito felizes com a empreitada junto com a Cia Vento Minuano e a Telúrica Produções. O diretor Airton de Oliveira que apostou em nós e abriu caminho para fazermos o projeto "Cachoeirinha e o Teatro Além da Ponte" e firmarmos uma parceria profissional com ele e os demais participantes deste espetáculo. Para nós, fazermos uma temporada em Porto Alegre, antes era idéia e sonho. Passou a ser meta de trabalho. Hoje é realidade!"

Jadson Silva

Postagem Relacionada: Espetáculo "A Caravana da Alegria"

América Latina: Uma Arte Nossa para o Mundo Inteiro

noreply@blogger.com (Raul Campani) — Mon, 04 Jul 2011 23:58:00 +0000

Memorial da América Latina

Estou trazendo aqui uma síntese que fiz do texto que o curador Jorge Glusberg escreveu para a II Bienal de Artes Visuais do Mercosul. Nele são tratadas questões relacionadas à nossa arte, ao regionalismo, às ligações existentes entre as culturas latino-americanas e o desenvolvimento de uma arte que no início apenas importava modelos e que com o tempo foi se utilizando das linguagens universais para transformá-las de acordo com as suas culturas locais, fazendo com que novas ramificações fossem aparecendo e contribuíssem para a arte mundial. Nesse processo novamente na história da arte aparece a dualidade entre o clássico e o barroco.

Por fim, a questão do Mercosul como meio de integração de países que, apesar de suas diferenças, tem em seus históricos processos de exploração de seus povos e que precisam divulgar as suas culturas:

"I. Nas últimas décadas, a arte latino-americana conquistou seu lugar no mundo.

II. O pensador mexicano Edmundo O'Gorman preferiu falar da "Invenção da América", ao estudar o processo iniciado em 1492. O processo também foi denominado de "encontro de dois mundos".

III. De invenção histórica a América passa a ser então uma criação cultural. A miscigenação natural foi sucedida pela miscigenação cultural. A arte americana traçou duas grandes avenidas: a cultura do surreal e a cultura do racional. O barroco latino-americano é expressão maior da 1ª, o neoclassicismo aqui re-elaborado, representa a última. Ambas as orientações já estavam presentes nos modelos dos dois mundos. Mas nessas terras é que elas conseguem se firmar e adquirir perfis próprios.

IV. Para a América Latina, o séc. XIX representa a desintegração cultural nas artes plásticas e na arquitetura, com meras importações de modelos. Há poucas exceções, como o pintor argentino Candido López. Entre o final do séc. XIX e começo do XX se ouvem, na cidade do México e em Buenos Aires, as primeiras vozes de incitação nacional: dr. Atl, Martín Malharro e o Grupo Nexus, estimulam uma arte local sem xenofobia, mas também sem submissão. Na segunda metade da década de 10, em Montevidéu, o uruguaio Pedro Figari dará o passo que estava faltando: vai do nacional para o americano, com sua teoria sobre o regionalismo.

Candombe, 1921, óleo sobre tela, 75 x 105 de Pedro Figari

V. O terreno era propício para a divulgação do regionalismo. É o começo do modernismo na América, porém um modernismo diferente do europeu e do norte-americano, porque é o único caso até então regionalista.

VI. O uso das linguagens internacionais para abordar as problemáticas locais teve valiosas ramificações e contribuiu de forma significativa para a arte contemporânea do mundo.

Embora tardiamente, a integração política e econômica avança a partir do Mercosul. Mas o que acontece é que acentuamos as divergências, nunca as concordâncias, o que atrasa longamente a unidade regional. Quais são as benditas diferenças se ainda subsistem em alguns países vestígios de autoritarismo, de desigualdade, de estagnação, de atraso, de miséria? Sobressaímos mais pelo acúmulo de analogias. E quem negará as verdadeiras diferenças, as da geografia, das riquezas naturais, da superfície.

A integração cultural também não extingue a variedade: apenas a preserva, incorporando-a à somatória de suas vivências e propostas."

Fonte:
GLUSBERG, Jorge. América Latina: uma arte nossa para o mundo inteiro. In: II Bienal de Artes Visuais do Mercosul: catálogo geral. Porto Alegre: FBAVM, 1999. p.25-31.

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Reescrevendo a História da Arte Latino-Americana