Caméra oeil

«Pas un mausolée, mais une salle de ciné»

Thu, 18 Apr 2013 10:38:00 +0200

Les associations se sont beaucoup battues pour que le bâtiment du Louxor soit remis dans son jus égyptien d’origine, mais, comme le dit Laurent Laborie, le président de l’une d’entre elles : «Ce qu’on va ouvrir, ce n’est pas un mausolée des pharaons, c’est une salle de ciné.»

Car jusqu’à sa malheureuse fin d’exploitation en boîte de nuit et, encore plus accablant, en dépôt de marchandises pour les magasins Tati, le Louxor fut un vrai cinéma. Il accueillit la production américaine et française, les premières exclusivités. Puis les péplums, les films soviétiques, le cinéma égyptien ou indien, le kung-fu. Et puis plus rien depuis 1983.

Délégation. Habitant du quartier, ancien des Cahiers du cinémaet animateur du festival Pépites du cinéma, Laurent Laborie préside Paris-Louxor. «En gros, les lieux culturels n’existent qu’à leur ouverture, explique-t-il. Pour avoir suivi le CentQuatre, je me rappelle qu’il n’y avait pas grand-chose avant.»

Aussi, à peine le bâtiment protégé et acheté par la municipalité en 2003, son association se met-elle à travailler sur le passé du Louxor et celui des nombreuses autres salles qui existaient dans le quartier. Paris-Louxor devient l’interlocuteur de la mission cinéma de la Ville, à laquelle l’association fait remonter tout ce qu’elle trouve. Lorsque démarre l’appel d’offres destiné à choisir l’exploitant, l’association est «consultée pour l’établissement du cahier des charges». Pendant le processus de sélection, elle recevra tous les candidats à la reprise.

En décembre 2012, Carole Scotta (Haut et Court, productrice), Martin Bidou (Xanthie Films, exploitant de salles) et Emmanuel Papillon (créateurs des premiers cinémas art et essai de la banlieue parisienne) remportent la délégation de service public pour l’exploitation du Louxor. «La chance que l’on a, dit Martin Bidou,c’est qu’on arrive dans des lieux où trois associations ont préparé le terrain.» Celle du quartier et celle de défense du bâtiment, mais surtout Paris-Louxor et son orientation cinéphilique. «Ce que nous offrons à l’exploitant, dit Laurent Laborie, c’est trois ans de visibilité et d’accompagnement.» Avant l’ouverture et après.

En effet, tout le terrain qu’a labouré Paris-Louxor avec son site et ses animations sera bien utile au nouveau cinéma. Martin Bidou, le programmateur, en est persuadé : «Nous n’attirerons pas les habitants de Denfert-Rochereau [à l’autre bout de Paris, ndlr]. Il faut vraiment nous remettre dans un contexte de cinéma de quartier.» Dans ce secteur de Paris où il n’y a pas une salle à moins de cinq stations de métro, et où les habitants ne sont pas les cinéphiles du Quartier latin, le cahier des charges prévoit tous les dispositifs possibles pour attirer le public local. «Nous avons beaucoup à faire dans les XVIII^e, X^e et IX^e arrondissements où il y a beaucoup d’écoles et peu de salles, note par exemple Martin Bidou. On est aussi très sollicités pour accueillir des festivals. Mais on veut être une salle de quartier. On ne veut pas se perdre dans les événements.»

Abordable. Pour coller au quartier, justement, l’exploitant veut développer une «université populaire du cinéma, un rendez-vous régulier avec une personnalité qui viendrait présenter un film de sa cinéphilie». Mais il a surtout prévu une tarification plus abordable que dans les grands circuits, avec un plein tarif à 9 euros.

Annoncé comme un «pavillon des cinémas du Sud» dans le dossier, le Louxor sera plus largement une salle art et essai en première exclusivité. The Grandmaster, de Wong Kar-wai, inaugurera jeudi la grande salle, avant l’Ecume des jours, de Michel Gondry la semaine suivante.

by liberation

Faire une comédie indépendante c'est possible!

Thu, 11 Apr 2013 15:58:00 +0200

Le réalisateur Fabrice Sébille nous a accordé un entretien pour nous parler de son premier long métrage.

« Blanche Nuit » réalisé par Fabrice Sébille

Blanche Nuit nous emmène dans un univers où les flics tombent amoureux des comédiennes, où les derviches tourneurs ne tournent plus rond et les sous ministres de l’Intérieur mettent la pression aux sous ministres de la Culture pour que tout ce beau monde se remette à filer droit !

1. Votre film a été présenté au Festival Européen du Film indépendant « ECU » qui est en partenariat avec After-Set ainsi que lors d’autres projections en province. Comment a été l’accueil du public lors de ces projections ?

A chaque fois l’accueil du public est très positif. Les gens aiment cette comédie qui a un style qui lui est propre. C’est un film de potes qui ne se prends pas au sérieux, avec une grande liberté de ton.

2. A propos de d’ECU et de Cinéma Indépendant, comment a été financé le film ?

C’est un Film Indépendant, le seul film totalement indépendant depuis 10 ans. Le financement est uniquement issu de fonds propres du réalisateur et du Producteur Nicolas Lesoult qui a rejoint le projet après le tournage pour la postproduction. Les acteurs sont tous en participation.

Le film n’a bénéficié d’aucune aide, ni du CNC, ni de la région. Le tournage a eu lieu à Paris dans le 11^ème arrondissement et rue des Martyrs.

Donc, il faudrait 100.000 entrées pour que nous puissions nous rembourser. Cela constitue aussi ma fierté car nous sommes seuls contre tous ! Tous les comédiens et les copains viennent pour soutenir le film. Nous avons réussi à distribuer le film !

De plus, « Blanche Nuit » a pu être réalisé grâce au Collecticf « Un nouveau regard » qui regroupe environ 200 membres qui sont comédiens, techniciens et musiciens. Tous les ans, ce collectif dont je suis à l’origine, aide un artiste en se regroupant et en finançant son film. Le collectif est également un laboratoire pour essayer des techniques de réalisation.

Donc, le premier producteur de « Blanche Nuit » est le collectif « Un nouveau regard » grâce à son apport financier et son aide humaine. Ensuite, est intervenu le producteur Nicolas Lesoult.

3. Pensez-vous que cette expérience va ouvrir une nouvelle voie ?

Le problème est qu'il y a 90 films comme le mien en attente ! Il y en aura 200 l’année prochaine. C’est une façon d’écrouler le système. Notre exception culturelle disparaît car la France a du mal à suivre. Le public se reconnaît de moins en moins dans le cinéma. Je suis très attaché au fait d’être français et à l’exception culturelle.

4. Qu'attendez-vous comme retour à propos de votre film ?

Je souhaite que le public soit le plus large possible et de beaux articles. Je ne veux pas prendre la grosse tête mais je voudrai le soutient du public.

5. Quel est le message du film ?

Le film dénonce sur le ton de la comédie, l’affrontement de deux mondes opposés aussi crétins les uns que les autres : les super réactionnaires contre les ultras gauchistes et les deux camps n’ont rien vraiment à revendiquer.

6. Comment en êtes vous arrivé à devenir réalisateur ?

Je suis cinéphile depuis tout petit. J’étais un mauvais élève à l’école. A l’école primaire, j’allais tout le temps au ciné club en 16 mm en avance pour voir comment entretenir le projecteur. Ma famille dansait et chantait. J’ai toujours été en compagnie de musiciens et dans le milieu des saltimbanques. Ceci m’a fait rêver. Je travaille depuis vingt ans, je gère un ciné club en 16 mm. Le cinéma est ma vie.

7. Quels sont vos Maîtres ?

Jean-Pierre Jeunet, le Chef Opérateur de « Blanche Nuit » et Bernard Gemähling qui est gaffé sur les films de Jeunet. Une référence est le film « C’est arrivé près de chez vous ». La Bande Dessinée avec Frankin, les Séries Noires, les BD d’humour noir, les films de Mel Brooks, les films du Studio Ealing avec Alec Guiness et aussi ceux avec Peter Sellers. Enfin « L’aventure c’est l’aventure » et d’autres films de Lelouch.

8. Quelle est l’idée de départ du film ?

Peindre la société. Le budget du film a évolué en fonction des décors prêtés. Il y a un couple de deux anti- héros qui font le lien entre deux mondes. Les artistes ne peuvent plus s’exprimer et il ne reste que l’antisystème, antitout avec de l’autre côté la Police. Il y a aussi un mélange de Théâtre et de Cinéma, une sorte de Cinéma-Cabaret comme l’a justement dit un journaliste. La création disparait car les gars fauchés qui crèvent sont les créateurs. Le film est un clin d’œil à l’époque du surréalisme du début du siècle. En particulier Pierre Dac et le Mouvement Loufoque, Francis Blanche et « L’Os à moelle » qui a influencé par la suite Woody Allen. Puis, avec « Les Carottes sont cuites », Pierre Dac et sa touche correspond à une période de crise comme c’est le cas aujourd’hui. Une autre référence est le Mouvement Situationniste qui prônait que : « La pub va vous bouffer ». Ce qui a conduit des artistes à faire des affiches clandestines.

Enfin, l’idée que les auteurs doivent être le contrepouvoir de l’idéologie.

Les cinémas de diffusion sont :

Cinéma Saint Lazare Pasquier 11h50 14h00 15h50 19h30
Arlequin rue de Rennes : 17h50
Les 3 Luxembourg 21h20 ,/ Projection en présence de l'équipe vendredi soir
Cinéma La Bastille 21h50

Page Facebook : link

Site internet : http://blanche-nuit.com/

For read in english :link

Article by Fabrice Archirel

Edition Erica Olivo

Payer plus pour voir un film

Wed, 10 Apr 2013 11:50:00 +0200

Payer plus pour bien voir un film? C'est ce que le cinéma Pathé Wepler, situé place de Clichy à Paris (18e arrondissement) propose, dans l'une de ses salles, depuis qu'elle a été modernisée.

Pour deux euros supplémentaires (soit 13,20 euros la place, au lieu de 11,20 euros), on peut s'installer au centre de la salle, dans des fauteuils plus larges que les autres.

Ian Brossat, conseiller de Paris, élu du 18e arrondissement, et chef du groupe Communiste et élus du Parti de Gauche, a immédiatement protesté contre cette "scandaleuse augmentation qui ne dit pas son nom".

Il a obtenu que le Conseil de Paris vote, le 25 mars, un voeu "relatif au service premium des cinémas Gaumont-Pathé", consistant à interpeller la ministre de la culture, Aurélie Filipetti, "afin de connaître les dispositions qu'elle compte prendre pour éviter ce type d'expérimentation".
Le voeu a été "adopté à l'unanimité des groupes politiques", assure-t-il.

Les élus protestent contre le fait que "pour le tarif habituel, le spectateur n'a plus droit qu'à des places situées sous l'écran ou sous les côtés''. Ils déplorent que l'initiative de Pathé-Gaumont "crée un cinéma à deux vitesses". Ils souhaitent empêcher que le groupe "développe cette expérimentation" à Beaugrenelle (15e arrondissement de Paris).

Le service de presse de Pathé-Gaumont nous indique " qu'il n'a "aucun commentaire à apporter".

Il est logique qu'un élu communiste proteste contre "le retour d'une première classe, disparue depuis plus de trente ans des salles françaises": "La première classe dans le métro parisien a disparu en 1982, lorsque Charles Fiterman, [membre du PC], était ministre des transports du gouvernement Mauroy", rappelle M. Brossat.

Amtuir Musée des transports

En fait, à cette date, l'accès à la première classe a été autorisé aux heures de forte affluence.
C'est seulement en 1991 que la deuxième classe a été officiellement supprimée.
"Cette abolition s'est justifiée par le faible intérêt de son existence au regard des charges qu'elle engendrait pour la R.A.T.P., du fait des déprédations dont elle était spécifiquement l'objet et des importants moyens de contrôle nécessaire pour en limiter l'accès aux seuls voyageurs disposant du titre de transport correspondant", a alors expliqué Paul Quilès (PS), le ministre des transports, au Sénat.

"Quant à la première classe du RER, elle a disparu en 1999, lorsque Jean-Claude Gayssot [PC] était ministre des transports du gouvernement Jospin", indique le conseiller de Paris.

Et vous, que pensez-vous des premières classes, au cinéma et dans les transports?

By Le monde

8ème édition du Festival Européen du Film Indépendant

Sat, 23 Mar 2013 17:17:00 +0100

ECU -‐ Le Festival Européen du Film Indépendant, premier événement européen pour les réalisateurs indépendants et leur audience, annonce sa sélection officielle pour la huitième édition du festival qui aura lieu à la fin du mois de Mars 2013.

Le festival presentera 90 films de 30 pays allant de longs métrages, courts métrages, documentaires, animations et films d'étudiants aux oeuvres expérimentales. Les cinéastes seront en compétition dans 13 catégories pour 21 prix, dont le prestigieux titre de «Meilleur film indépendant européen de 2013».

Ainsi que les projections de films, les participants du festival auront la possibilité de participer à une panoplie d'ateliers, tels que la scénarisation, le montage, l’interprétation et la direction, ainsi qu'une série de « Meet the director » tables rondes, au sein desquelles les spectateurs pourront poser des questions directement aux cinéastes. Il y a aussi un programme de musiques live organisé par Access Film-‐ Music, le partenaire d’ÉCU.

Depuis sa création il y a huit ans, ÉCU s'est révélée être un point de découverte pour beaucoup de cinéastes indépendants les plus talentueux du monde. En raison de l'engagement d’ÉCU à la découverte, la promotion et la projection de films indépendants, ce festival est souvent considéré comme la version européenne du Festival du film de Sundance.

Le Festival Européen du Film Indépendant 2013 aura lieu les 29, 30 et 31 Mars à Paris au Cinéma 7 Parnassiens et au Cinéma Action Christine à Saint-‐Germain-‐des-‐ Prés.

Pour plus d'informations et une liste complète de la sélection officielle 2013, vous pouvez vous rendre sur le site internet :

www.ecufilmfestival.com.

le Festival du Cinéma Brésilien de Paris célèbre son 15e anniversaire au cinéma L’Arlequin !

Thu, 21 Mar 2013 17:57:00 +0100

Notez bien ces nouvelles dates (avril au lieu de mai) et le retour au cinéma L’Arlequin – 400 sièges, salle spacieuse et élégante localisée au cœur de Paris dans le VIe arrondissement, entre Montparnasse et le Quartier Latin.

Le Festival du Cinéma Brésilien de Paris est l’opportunité de présenter chaque année au public français une sélection des meilleures productions du cinéma brésilien, révélant les dernières sorties en fiction et documentaire, parfois même en avant-première mondiale au Festival.

En ouverture du festival, venez découvrir la vie du grand Luiz Gonzaga, le Roi du Baião, avec le film « Gonzaga, de père en fils ». Le film, à sa sortie au Brésil, a enregistré plus d’un million d’entrées en 3 semaines !

7 films seront en compétition pour le Prix du Public.

Trois films seront dédiés au Jeune Public.

Pour cette 15e édition, le festival rendra hommage à Carlos Diegues et présentera 10 de ses films, en sa présence. Carlos Diegues est aujourd’hui l’un des cinéastes brésiliens les plus connus dans le monde. Son Curriculum Vitae est impressionnant : 13 courts-métrages et 16 longs-métrages en tant que réalisateur, 5 courts-métrages et 8 longs-métrages en tant que producteur, 3 séries télévisées, sans oublier 10 livres. Prononcer son nom renvoie automatiquement à l’image d’une figure du cinéma novo, d’un producteur qui a modernisé le cinéma brésilien, d’un réalisateur socialement engagé.

Carlos Diegues était l’an dernier le Président de la Caméra d’Or au Festival de Cannes 2012.

Au total, ce seront presque 30 films, pour aller à la rencontre du Brésil à Paris !

link du site

Le box-office chinois profite du nouvel an lunaire

Wed, 06 Mar 2013 10:42:00 +0100

Un bond de 87 %. Seuls les cinémas chinois peuvent se targuer d’une telle hausse de leurs recettes. Les salles du pays ont connu une hausse spectaculaire à l’occasion du nouvel an lunaire, entre le 10 et le 15 février.

es recettes des salles de cinéma en Chine, deuxième marché mondial du secteur, ont progressé de 87% durant les congés du nouvel an lunaire, par rapport à la période équivalente l’an passé, a annoncé mercredi le Bureau d’Etat du cinéma, de la radio et de télévision (SARFT).

Le nombre de billets vendus s’est élevé à 19,25 millions du 10 au 15 février, pour un montant total de 760 millions de yuans (91 millions d’euros). Le nombre de séances de cinéma a lui progressé de 45% pour approcher les 500 000 durant ces jours fériés.

Comme toujours en Chine, la part du lion est revenue pour le début de l’année du serpent aux films chinois, qui ont totalisé 18 millions d’entrées et engrangé 710 millions de yuans (85 millions d’euros), en hausse de respectivement 94% et 95% par rapport au début de l’année du dragon en 2012.

Les recettes ont dépassé 200 millions de yuans (24 millions d'euros) pour la seule journée de vendredi, qui coïncidait avec la Saint Valentin.

Le box office chinois s’est envolé de plus de 30% l’an dernier, atteignant 17 milliards de yuans (2 milliards d’euros) et prenant la deuxième place dans le monde derrière les Etats-Unis. Seuls 34 films étrangers ont été admis dans le pays sous le régime recherché du partage des recettes. La majorité sont des superproductions d’Hollywood.

Trois films italiens injustement oubliés à redécouvrir

Mon, 21 Jan 2013 11:28:00 +0100

Le fonds cinématographique de certains pays est une invite permanente à la plongée. C'est évidemment le cas de l'Italie, dont le long âge d'or, par delà ses chefs d'œuvre répertoriés, a produit nombre de films qui méritent d'être redécouverts. En voici aujourd'hui trois d'un coup, qu'on ira pêcher si on a la chance d'être parisien, dans une salle historique du Quartier latin, le Reflet Médicis.

Il s'agit de Primavera (1950), de Renato Castellani, La Chance d'être femme(1955), d'Alessandro Blasetti, La Corruption (1963), de Mauro Bolognini. Pourquoi ces trois titres ? Force est de constater que le motif de leur réunion est plutôt circonstanciel : ils appartiennent au catalogue de la société cinématographique Lyre, dont la directrice, Patricia Barsanti, s'associe au distributeur Jean-Marie Rodon (Action cinémas) pour une sortie simultanée, qui leur fait espérer, dans un contexte difficile, une meilleure visibilité des films qu'ils défendent.

Si la rareté est le principal argument de cette sortie groupée, chacun des films peut aussi se prévaloir d'un titre de séduction, de charme, de curiosité. Acommencer par Primavera, une comédie dont le personnage principal, un commis boulanger florentin nommé Beppe Agosti, ne peut résister à l'amour du beau sexe. Ce qui vaut à cet affabulateur invétéré d'être inculpé un beau jour de bigamie. Le concours de circonstances qui l'a mené là est désarmant. Parti faireson service militaire à Catane, en Sicile, il séduit une beauté locale promise à un de ses compagnons d'armes, puis l'épouse en se faisant porter pâle. Le subterfuge lui vaut l'emprisonnement dans le Milan septentrional, où il rencontre à sa sortie de prison une autre beauté locale, qu'il épouse à son tour, avant derevenir en Sicile consoler la première, qui découvre bientôt le pot aux roses. La futilité enjouée qui avait caractérisé le film cède à cet instant la place à une peinture autrement plus cruelle. Une tragédie de l'infâmie, avec la tristesse et l'humiliation de l'épouse trompée. Une farce sociale sardonique avec la tenue d'unprocès digne de la comedia dell'arte.

Passablement édulcorée au regard de cette soudaine vigueur, la fin du film nous renseigne sur la place qu'il occupe dans un cinéma transalpin où pointe déjà, sous la sombre fatalité du néo-réalisme, le rire de la comédie à l'italienne. Primavera("Le Printemps") est un des agents de cette transition, nommée en Italie "néo-réalisme rose". Son auteur, Renato Castellani (né en 1913, mort en 1985), aprèsavoir appartenu au groupe esthétisant des Calligraphes durant la période fasciste, connut son heure de gloire avec la trilogie d'inspiration néo-réaliste dont fait partiePrimavera, qui comprend Sous le soleil de Rome (1948) et Deux sous d'espoir(1952), récompensé du prix du jury au Festival de Cannes.

Guère plus remémoré que Castellani en France, Alessandro Blasetti (1900-1987) jouit, quant à lui, d'une haute réputation chez les cinéphiles italiens, nonobstant un engagement fasciste qui l'a conduit à tourner des films de propagande pour le régime. Il s'en éloigne au début des années 1940 pour faire bientôt partie des grands pionniers du néo-réalisme, aux côtés de Visconti. Ce tempérament éclectique doté d'une réputation de professionnalisme à l'américaine est également le découvreur d'un des couples les plus légendaires du cinéma italien :Marcello Mastroianni et Sofia Loren. C'est lui qui les réunit le premier (ils feront ensuite douze films ensemble en l'espace de quarante ans !), coup sur coup, dans Dommage que tu sois une canaille (1954) et La Chance d'être une femme(1956).

Découvrir ce dernier film aujourd'hui permet de confirmer le goût américain de son auteur. La Chance d'être une femme est une comédie sentimentale qui, à défaut d'être l'égale de ses modèles hollywoodiens, marque sa dette à leur égard : couple glamour, understatement des dialogues, légèreté et élégance de la mise en scène. Mise à la une d'un magazine par un photographe qui la prend à la volée, la somptueuse et bouillante Antonietta retrouve ce dernier, un blasé mondain du nom de Corrado, et le met en demeure de faire d'elle une vraie vedette. De guerre lasse, il la présente à un agent de cinéma, vieux beau qui s'intéresse d'aussi près qu'il le peut à la bombe sensuelle qu'on lui met entre les mains, laquelle feint de son côté de répondre à son empressement pour mieux piquer au vif Corrado, dont elle s'est amourachée en dépit de son indifférence.

Trop gentille pour être tout à fait piquante, cette chronique des faux semblants de la mondanité réserve tout de même quelques incontestables plaisirs, comme celui de savourer la rencontre de deux grands fauves de la séduction à l'italienne.

Pour qui serait assez amoureux du cinéma italien pour payer les trois séances, il faut s'attendre à un changement de registre avec La Corruption de Mauro Bolognini. Né en 1922, mort en 2001, ce réalisateur a eu, au même titre que ses collègues, un parcours très éclectique, depuis les comédies sentimentales des débuts de sa carrière jusqu'aux adaptations littéraires très stylisées qui en marquèrent la fin, en passant par une période de collaboration avec Pasolini qui donna quelques âpres chroniques sociales, telles Les Garçons en 1959 ou Le Bel Antonio en 1960.

La Corruption, objet singulier qui suit la séparation entre les deux hommes, est au milieu du gué : tentative de narration moderne plaquée sur un récit classique, histoire italienne interprétée, pour ses deux rôles principaux, par les acteurs français Alain Cuny et Jacques Perrin, du coup aussi raides l'un que l'autre. Le premier campe un richissime éditeur milanais, grand bourgeois matérialiste et cynique corrompant les œuvres de l'esprit qu'il est censé défendre. Le second pose au jeune héritier introverti et rebelle, incertain de lui-même, épris de valeurs spirituelles, et se destinant par réaction à la vocation de prêtre. Le père, au cours d'une croisière où il invite à dessein une jeune femme dépourvue de scrupules que lui-même, va tout faire pour détourner son fils de cette vocation.

Situé entre Le couteau dans l'eau (1962), de Roman Polanski et Les poings dans les poches (1965), de Marco Bellocchio, La Corruption évoque en ses meilleurs moments l'un et l'autre, ce qui fait son vif intérêt, même si le film reste globalement en deçà de ces sommets.

"Trois visages du cinéma italien". Reflet Médicis, 3 rue Champollion, 75005Paris. Tél. : 01-43-54-42-34.

Sur le Web : fr-fr.facebook.com/RefletMedicis.

Le monde

Trois excellentes raisons de revoir “Diamants sur canapé”

Tue, 15 Jan 2013 10:38:00 +0100

Cette comédie magique de Blake Edwards, tirée d'un roman de Truman Capote a fait d'Audrey Hepburn une icône. Le film ressort en salles, accompagné d'un livre.

Depuis sa sortie en 1961, la critique n'a pas toujours su quoi faire de Diamants sur canapé de Blake Edwards, mondialement connu sous son titre original Breakfast at Tiffany's, l'adaptation du roman le plus célèbre de Truman Capote. Projection trop lisse et glamour des humeurs lascives d'un livre baigné dans la fumée, le désarroi et l'alcool ? Modèle de comédie américaine, de fantaisie légère et sensuelle, faisant d'Audrey Hepburn, une des plus belles rebelles des années soixante naissantes ? A Télérama, le film a été rangée sous l'étiquette (qui ne lui va pas mal du tout) de « comédie magique » où Audrey Hepburn « glisse de scène en scène » dans une orchestration de Blake Edwards « constamment légère, brillante, enjouée ». A quelques jours du vingtième anniversaire de la disparition d'Audrey Hepburn (le 20 janvier 1993), il est encore temps de se faire une religion. D'autant que le film ressort (à peu près) en même temps qu'un livre maniaque et assez captivant, 5eme avenue, 5 heures du matin, de Sam Wasson (éditions Sonatine), exploration minutieuse de la genèse et de la fabrication d'un film culte. Alors pourquoi revoir Diamants sur Canapé ?

Pour la rencontre de Truman Capote et d'Audrey Hepburn

Ça n'avait rien d'évident. Dans le roman, Holly Golightly est une fille efflanquée , débarquée à New York avec un « petit derrière plat », des cheveux courts, une garçonne très femme au « visage à peine sorti de l'enfance ». Comme souvent, toutes les pistes sont explorées, notamment celle de Marilyn Monroe qui ne colle pas une seconde au personnage mais qui semble incontournable à l'époque. David Axelrod, le scénariste du film est aussi l'auteur de Sept ans de réflexion mais les producteurs flanchent devant la réputation d'une star de plus en plus ingérable. Ils pensent aussi à Shirley MacLaine et même à la jeune Jane Fonda mais le choix d'Audrey Hepburn est la première grande réussite du film.

Les producteurs n'y croient pas trop. Pourtant ils doivent souquer dur pour obtenir les faveurs de la jeune ingénue de Gigi et Sabrina que personne n'imagine en jeune fille libre et délurée. Dans son livre, Sam Wasson explique que le scénario laisse clairement filtrer l'idée qu'Holly est une call girl et les agents d'Hepburn refusent tout net de le faire lire à leur protégée. Les auteurs du film dégottent quand même un rendez vous avec l'actrice et le tour est joué : Audrey Hepburn se laisse tenter par le challenge et se lance dans l'aventure avec la peur au ventre. Cette angoisse et cette fragilité de tous les instants nourrissent le film où son personnage balance entre le charme mutin, l'euphorie pétillante dégagée par l'actrice et un tourment à fleur de peau qui diffuse les vapeurs sombres du roman. Audrey Holly et sa robe noire deviennent une icône glamour et une figure mélancolique qui va traverser les époques. Une héroïne moderne aussi, troublante et troublée, naïve et rouée, une des premières femmes libre et ambiguë du cinéma américain toujours tenu par le carcan des années 50.

Pour la rencontre d'Audrey Hepburn et d'Henry Mancini

Diamants sur canapé est le film fétiche d'Etienne Daho et on devine sans mal pourquoi. Le charme vaporeux d'Audrey Hepburn se réverbère d'un bout à l'autre de l'histoire, mais Diamants sur canapé est aussi une œuvre dont on peut picorer des instants que l'on se repasse en boucle. Parmi eux, il y a LA chanson, Moon River, fredonnée par Holly à la fenêtre de son appartement new yorkais (c'est aussi la chanson qui accompagne la scène d'ouverture) Malgré les doutes des producteurs qui veulent un tube sur mesure, Henry Mancini, engagé pour donner au film une de ces bande-son jazzy cool dont il commence à avoir le secret, tient absolument à la composer lui même. Il bute longtemps sur la mélodie avait d'être touché par la (simple) grâce et il a aussi la bonne idée de confier les paroles au légendaire Johnny Mercer (auquel Clint Eastwood rend hommage dans Minuit dans le jardin du bien et du mal) que l'avènement du rock'n roll est en train de chasser du paysage. Le résultat est une miniature pop aussi cool que désuète qui ne fonctionnerait sans doute pas aussi bien si Mancini et Blake Edwards ne s'était pas entêtés à la faire chanter par Audrey Hepburn, alors qu'elle ne se sentait pas de taille. La délicatesse et la fragilité de son timbre, l'interprétation à demi-voix, la douleur et la passion susurrées annoncent d'autres belles héroïnes. Les Nico, Marianne Faithfull, Charlotte Gainsbourg qui, de la clique de Warhol à celle de Daho vont colorer le monde de leur voix diaphane.

Pour la rencontre d'Audrey Hepburn et de Blake Edwards.

Lui non plus n'est pas le premier choix. Les auteurs du projet veulent John Frankenheimer, jeune réalisateur en vogue qui bosse trois mois sur le scénario. Mais on fait savoir en haut lieu qu'il n'en est pas question. On veut une signature de renom : Billy Wilder, William Wyler, George Cukor ou Fred Zinnemann... Aucun n'étant libre ou vraiment motivé, c'est le jeune Blake Edwards (près de quarante ans quand même) qui décroche le job. A l'époque, le cinéaste de la Panthère Rosen'a pas tourné grand chose mais il a le vent en poupe pour un feuilleton télé au style neuf Peter Gunn, une histoire de détective portée par une musique de générique dont Henry Mancini a fait un tube, sorte d'ancêtre rockabilly du thème de la Panthère Rose. Blake Edwards apporte la fraîcheur des ses idées de mise en scène, sa facilité de jouer avec la liberté des mœurs et la lubricité avec l'air de ne pas y toucher. Il s'entend à merveille avec Audrey Hepburn avec qui il répète chaque soir et à qui il donne confiance dans les moment les plus délirants qui vont bousculer son image à jamais. Sur ce tournage cinq étoiles, le goût d'Edwards pour le cocasse et la farce stylée commencent à s'affirmer en douce. Certaines de ses audaces tombent à plat (Mickey Rooney assez pathétique dans le rôle du voisin japonais) mais ses plus beaux délires ses profilent, notamment dans l'invraisemblable scène de fête dans l'appartement d'Holly qui préfigure la dinguerie euphorique de The Party. Pour être sûr de réussir son coup, Blake Edwards a organisé une fête véritable sur un plateau de la Paramount. D'après Sam Wasson, elle dure plusieurs jours. Et elle est de celles qu'on ne peut oublier.

Telerama 15/01/2013

MyFrenchFilmFestival lance sa troisième édition en ligne

Mon, 14 Jan 2013 11:28:00 +0100

Organisé par Unifrance et Allociné, MyFrenchFilmFestival est un festival de cinéma qui se déroule principalement sur Internet. Il revient pour sa troisième édition en ligne du 17 janvier au 17 février 2013, avec l'objectif principal de faire connaître la création cinématographique française, en particulier les œuvres de jeunes cinéastes, à travers le monde.

En se rendant sur le site Web du festival (www.myfrenchfilmfestival.com), les internautes pourront s'inscrire, visionner puis voter pour leur film préféré parmi les dix longs-métrages et les dix courts-métrages proposés dans la sélection en compétition.

Pour accompagner cette sélection, le festival présente également hors compétition deux films canadiens : un long-métrage, Roméo Onze, d'Ivan Grbovic (2011) et un court-métrage, Opasatica, d'Eric Morin (2010) ainsi qu'un grand classique du cinéma français : Les Tontons flingueurs, de Georges Lautner (1963).

Accessible en douze langues différentes, le festival sera disponible gratuitement sur la plateforme myfrenchfilmfestival.com notamment en Pologne (également sur Orange Polska), en Chine (uniquement sur Youku et Tudou), en Russie (également sur Now.ru), en Turquie et en Amérique latine.

Parallèlement au prix des internautes décerné grâce aux votes en ligne, trois autres prix seront également remis cette année : un prix de la presse internationale, un prix des réseaux sociaux et, nouveauté de l'édition 2013, un prix du jury. Ce dernier sera attribué à l'un des dix longs-métrages en compétition par un "jury des cinéastes" présidé par le réalisateur français Michel Hazanavicius (The Artist) et composé d'Emanuele Crialese (Italie), de Lucrecia Martel (Argentine) et de Wang Xiaoshuai (Chine).

Nikki Finke, célèbre journaliste et bloggueuse américaine avec le site Deadline.com, présidera, quant à elle, "le jury des réseaux sociaux".

Pour cette troisième édition, le festival sera relayé sur de nombreuses plateformes à travers le monde, comme DailyMotion, ou Numericable et UniversCiné pour la France. Egalement partenaire du festival, iTunes proposera la sélection des dix longs-métrages en sept langues dans de nombreux territoires.

Pour marquer le lancement du festival, le 17 janvier, une projection de Donoma et une session de questions/réponses sont organisées au Curzon de Soho à Londres en présence du réalisateur Djinn Carrénard.

Les dix longs-métrages en compétition :

De bon matin, de Jean-Marc Moutout
Donoma, de Djinn Carrénard
La Désintégration, de Philippe Faucon
La Pirogue, de Moussa Touré
Louise Wimmer, de Cyril Mennegun
Parlez-moi de vous, de Pierre Pinaud
Radiostars, de Romain Levy
Sport de filles, de Patricia Mazuy
Tous au Larzac, de Christian Rouaud
Une bouteille à la mer, de Thierry Binisti

Les dix courts-métrages en compétition :

Ce n'est pas un film de cow-boys, de Benjamin Parent
Double Mixte, de Vincent Mariette
Edmond était un âne, de Franck Dion
Fille du calvaire, de Stéphane Demoustier
Je sens le beat qui monte en moi, de Yann Le Quellec
Le Marin masqué, de Sophie Letourneur
Le Monde à l'envers, de Sylvain Desclous
Le Pays qui n'existe pas, de Cécile Ducrocq
Oh Willy..., d'Emma De Swaef
Un monde sans femmes, de Guillaume Brac

La seconde édition du Paris International Fantastic Film Festival se tient jusqu’à dimanche.

Thu, 22 Nov 2012 11:13:00 +0100

Dans un paysage du cinéma français rarement très accueillant pour le fantastique, le Paris International Fantastic Film Festival (Pifff) qui a débuté le 16 novembre et se poursuit jusqu’à dimanche a des allures de précieuse bulle d’oxygène. Avec le vénérable Fantastic’art de Gérardmer (Vosges), c’est l’une des rares manifestations sur le cinéma de genre. Créé l’an dernier, le Pifff avait réuni dans une petite salle du quartier Opéra, à Paris, la bagatelle de 4 600 spectateurs en trois jours, en programmant des films dont, sans lui, la grande majorité n’aurait jamais été seulement visible en France.

Pour sa seconde édition, le festival a programmé une bonne quinzaine de films récents, dont certains ont fait pas mal parler d’eux sur le Net avant leur débarquement éphémère à Paris. C’est le cas de Citadel, de Ciaran Foy, une flippante affaire d’agoraphobie en Irlande, de The Flying Swords of Dragon Gate, le nouveau Tsui Hark, ou de Modus Anomali, de l’Indonésien Joko Anwar, un survival tourné en huit jours dans la jungle.

Givré. Dans un registre plus patrimonial, le festival s’attache également à faire resurgir en salles des films qu’on ne voit plus qu’en vidéo, dans des versions plus ou moins acceptables et plus ou moins complètes. A ce titre, le Pifff a retrouvé à la cinémathèque de Toulouse une copie 35 mm de Bad Taste, le très dégoûtant et poilant premier film de Peter Jackson, tourné à l’époque où le Néo-Zélandais ne croyait pas encore qu’il habitait au pays des hobbits. Le clou (et, en l’occurence, ce n’est pas un vain mot) du programme est la nuit Clive Barker avec, comme on pouvait s’y attendre, les deux Hellraisers, Candyman, mais surtout une version complète deCabal, autrement dit Nightbreed, film de 1990 complètement givré dans lequel un psychiatre (rien moins que David Cronenberg) provoque le déchaînement d’un régiment de démons, et dont la version salles avait été atrocement mutilée. Cerise sur le gâteau, le festival a invité Russell Charrington, responsable de la restauration complexe du film qui expliquera le chemin de croix qu’a représenté ce travail.

Le Pifff présente d’autant plus d’intérêt que la plupart des films qui y sont projetés ne sortiront pas en France, ni en salles ni même en DVD. «Ce serait une formidable récompense pour le festival que des films soient achetés par des distributeurs français, résume Fausto Fasulo, rédacteur en chef de Mad Movies et créateur du Pifff avec Gérard Cohen, également de Mad Movies, et Cyril Despontin, directeur du festival Hallucinations collectives à Lyon.Certains films ont trouvé preneurs, comme Modus Anomali, qui sortira en DVD chez Free Dolphin et qui fera l’objet d’une sortie en salles. Dragon Gate sortira uniquement en DVD chez Seven 7, de même que Universal Soldier : Day of Reckoning, de John Hyams, chez Wild Side. Par ailleurs, il y avait plusieurs professionnels à la projection de Citadel, c’est sans doute bon signe.»

Public. Cette seconde édition du Pifff qui, comme l’an dernier, n’a pas bénéficié de la moindre subvention, doit une fois encore compter sur un succès public puisque les recettes constituent l’essentiel de ses ressources. «Cette édition est bien partie en termes de fréquentation, d’autant que nous avons eu une salle plus grande cette année».

Pour la clôture, dimanche, le festival projettera en avant-premièreSilent Hill : Revelation, suite en 3D signée Michael J. Bassett du film de Christophe Gans. Il reste quelques places.

(1) Gaumont Opéra Capucines. www.pifff.fr