La película sigue la historia de Rick Power, un cantante de bodas que una noche conecta musicalmente con Danny Wilson, una estrella pop en busca de reinventarse. Lo que comienza como una sesión improvisada entre dos músicos termina convirtiéndose en un conflicto inesperado cuando una canción compartida durante aquella noche aparece convertida en un éxito mundial sin que su verdadero origen quede del todo claro. A partir de ahí, la historia explora temas como la autoría, el reconocimiento y el precio del éxito dentro de la industria musical.

Uno de los mayores aciertos de Letras Robadas es que logra hablar de temas complejos sin perder nunca su tono cercano y entretenido. La película plantea preguntas interesantes sobre quién merece el crédito por una creación artística, pero evita caer en discursos pesados o en respuestas fáciles. Más que buscar culpables, invita al espectador a reflexionar sobre el talento, la inspiración y la forma en que el arte puede transformarse dependiendo de quién lo interprete.

La química entre Paul Rudd y Nick Jonas es, sin duda, uno de los pilares de la película. Ambos construyen personajes con suficientes matices para que entendamos sus motivaciones y, en más de una ocasión, nos encontremos cambiando de bando. A esto se suma una banda sonora que no solo acompaña la historia, sino que se convierte en parte fundamental de ella, algo que los seguidores del trabajo de John Carney seguramente sabrán apreciar.

«Una historia humana, emotiva y cercana sobre el talento, los sueños y el reconocimiento que todos buscamos.»

Pero donde Letras Robadas realmente destaca es en su capacidad para conectar con cualquiera que alguna vez haya sentido que su esfuerzo pasó desapercibido o que no recibió el reconocimiento que merecía. Bajo su apariencia de comedia musical se esconde una historia humana, divertida y emotiva sobre los sueños, las oportunidades y la búsqueda de validación en un mundo donde el éxito no siempre llega a quien más lo merece.

La banda sonora se te va a quedar pegada,  y para ser honestos, siempre te diremos que no importa lo que leas o escuches (referente a opiniones de esta película, no sobre su musica), anda a verla y sé tu propio crítico. Te aseguramos que te va a gustar.

La película nos presenta a Adam, un joven que ha pasado gran parte de su vida lejos de Eternia. Sin embargo, cuando el legendario poder de Grayskull vuelve a cruzarse en su camino, deberá regresar a un mundo dominado por Skeletor y asumir su destino como He-Man. Junto a Teela, Man-At-Arms y otros aliados, tendrá que enfrentar una amenaza que pone en riesgo no solo a su reino, sino también a todo aquello en lo que cree.

Lo primero que sorprende de Amos del Universo es que entiende perfectamente qué tipo de película quiere ser. En una época donde muchas adaptaciones buscan ser más oscuras, complejas o «adultas», esta apuesta por la aventura, la fantasía y el espectáculo sin complejos. Eternia luce vibrante, colorida y llena de personalidad, mientras que la acción se siente grande y entretenida, recuperando parte de esa magia que hizo tan popular a la franquicia en los años 80.

«Más que una adaptación, es un viaje directo a la infancia de quienes crecieron junto a He-Man.»

Nicholas Galitzine cumple con creces como Adam y He-Man, entregando un protagonista más humano de lo que muchos podrían esperar. También destacan Camila Mendes como Teela y un Jared Leto que abraza completamente la extravagancia de Skeletor, convirtiéndolo en un villano tan teatral como amenazante. Si bien la película no está libre de problemas —algunos momentos se extienden más de la cuenta y ciertos chistes no siempre funcionan—, el corazón de la historia logra mantenerse firme durante gran parte del recorrido.

Quizás el mayor mérito de Amos del Universo es que entiende que He-Man siempre fue una aventura fantástica sobre héroes, villanos y mundos imposibles. No intenta reinventar la rueda ni convertirse en algo que no es. Puede que algunos espectadores encuentren su propuesta demasiado clásica o nostálgica, pero quienes entren a la sala buscando una película entretenida, con acción, fantasía y una buena dosis de espíritu ochentero, probablemente salgan bastante satisfechos.

La película ya está en cines y emulando a mismo He-Man que aparecía al final de cada episodio, Recuerda siempre que no importa lo que leas o escuches, anda a verla y sé tu propio crítico, hasta luego amigos.

«Entrega exactamente lo que el género promete: entretenimiento ininterrumpido, tensión papable y héroes que llegan al límite de sus capacidades físicas y mentales.»

Sinopsis:

Los obreros de una construcción en Londres desentierran una bomba de la Segunda Guerra Mundial sin explotar, lo que obliga a la población a evacuar la ciudad. Unos ladrones oportunistas, aprovechan el caos para llevar a cabo un elaborado atraco.

Reseña:

En pleno 2025, mientras se construye un edificio en mitad de Londres, se desentierra una bomba que ha estado inactiva desde la Segunda Guerra Mundial. Tanto la policía como los militares despliegan un operativo para evacuar la zona de la ciudad y para intentar desactivarla, guiados por el especialista Mayor Will Tranter (Aaron Taylor-Johnson). Si de por sí la tarea no era ya difícil, al mismo tiempo una banda de hombres asaltan la bodega de un banco, poniendo en riesgo a todos los involucrados.
Existe una cuenta regresiva, la bomba activa su reloj y aún no encuentran la forma de desactivarla sin que explote en el intento. Mientras tanto, la policía se encarga de mantener a salvo a los civiles, por un lado, y de atrapar a quienes se aprovecharon de la situación para robar millones de un banco, por otro.
Zona de Riesgo es una película de acción en su estado puro que no pide disculpas por su intensidad. Entre el límite de tiempo, la investigación policial, peleas y persecuciones, el director David Mackenzie logra capturar la magia y adrenalina de las clásicas películas de acción. Sin querer ahondar en cuestiones filosóficas profundas, entregando exactamente lo que el género promete: entretenimiento ininterrumpido, tensión papable y héroes que llegan al límite de sus capacidades físicas y mentales.

Como toda buena película de este último tiempo, siempre hay algo innovador y en esta historia se materializa en muchos giros de trama. Justo cuando crees que la película seguirá el camino predecible y todo será igual que siempre, se produce un plot twist que cambia por completo la historia, en que finalmente todo está entramado. La conexión entre la amenaza de la bomba y el robo al banco está tejida de tal manera que mantiene al espectador intrigado y dudando constantemente de las verdaderas intenciones de los personajes. Con un toque nostálgico de películas de acción que veías los fines de semana por la tarde, Zona de Riesgo es ligera y entretenida, perfecta para desconectarse de la rutina.

Ya disponible en cartelera desde este 28 de mayo.

​Sinopsis

​Tras la caída del cruel Imperio, los señores de la guerra imperiales siguen dispersos y generando caos en la galaxia. Para proteger los avances y la paz de la incipiente Nueva República, el legendario cazarrecompensas mandaloriano, Din Djarin (Pedro Pascal), junto a su joven aprendiz y ahora hijo adoptivo, Grogu, deberán asumir misiones de alto riesgo para erradicar las últimas amenazas imperiales que acechan en las sombras.

Entretenida, pero con sabor a televisión

​Tras salir de la función, la sensación que me quedó es muy clara: la película es sumamente entretenida y cumple, pero se siente como un capítulo de larga duración o una temporada resumida.
​La estructura de la historia sufre por su origen televisivo. Es el clásico ritmo de «aceptar misión, viajar a un planeta, combatir, salvar el día y repetir». De hecho, siendo muy honesto, creo que hay varios episodios individuales de la serie en Disney+ que están muchísimo mejor hechos, con un peso emocional más fuerte y un guion superior al de este largometraje.

​Lo nuevo, la estética y la música

​El diseño de producción es notable. Las nuevas criaturas, droides y las incorporaciones al elenco (como Sigourney Weaver) aportan frescura y están muy bien logrados.
​A nivel técnico la película funciona, pero me pasó algo bien particular con la atmósfera. Tiene muy buena banda sonora y la propuesta visual es potente, sin embargo, por momentos sentí que estaba viendo más un fragmento de Blade Runner que una película de Star Wars. Aunque todo anda bien en la producción, hay pasajes donde la música y la estética se alejan de esa esencia tan propia de la saga y de lo que veníamos escuchando en The Mandalorian.

​Veredicto

​The Mandalorian & Grogu no viene a revolucionar la franquicia; es una apuesta segura por parte de Lucasfilm. Sin embargo, cumple con lo básico: cualquier fanático de la serie la va a ir a ver, la va a pasar bien y saldrá entretenido de la sala. No es la mejor historia de Mando, pero en pantalla grande, el viaje se disfruta.

Luego de haber dicho todo esto, ya sabes que la película estará en cines desde este 21 de Mayo y no importa lo que leas, no importa lo que escuches, anda a verla y se tu propio crítico.

Uno de los grandes atractivos de The Frame es su conocido Modo Arte, una función que permite mostrar pinturas, fotografías e ilustraciones en pantalla con una apariencia muy similar a la de un cuadro real. A través de la Samsung Art Store, los usuarios pueden acceder a una selección gratuita de obras y, si lo desean, ampliar la experiencia con una suscripción que desbloquea más de 3.000 piezas provenientes de museos y galerías internacionales.

En el papel, la propuesta suena bastante interesante. Samsung asegura que su tecnología Glare Free reduce los reflejos y ayuda a que las obras se vean con un acabado similar al de un lienzo, mientras que sensores de movimiento y brillo ajustan automáticamente la imagen según las condiciones de la habitación. Todo esto busca que el televisor no destaque como una pantalla apagada, sino como un elemento decorativo activo dentro del espacio.

La versión más avanzada, The Frame Pro, incorporaría un panel Neo QLED con tasa de refresco de 144 Hz y conectividad inalámbrica mediante Wireless One Connect, una solución que promete una instalación mucho más limpia y sin el tradicional enredo de cables. Además, su compatibilidad con SmartThings lo convierte en un centro de control para otros dispositivos del hogar.

Por ahora, todo apunta a que The Frame es una propuesta pensada para quienes valoran tanto el diseño como la tecnología. Queda por ver si la experiencia real está a la altura de lo que promete Samsung, pero la idea de tener un televisor que también funcione como una obra de arte es, sin duda, una de las apuestas más originales del mercado. ¿Te gustaría tener un producto así en tu casa o prefieres un televisor tradicional?

así es el nuevo menú de The Mandalorian and Grogu

Si hay dos cosas que me gustan muchísimo, son Burger King y Star Wars. Por eso, cuando supe que ambas marcas se unieron para lanzar un menú especial inspirado en The Mandalorian and Grogu, supe de inmediato que esta era una colaboración hecha para fans como yo.

Y es que no todos los días podemos disfrutar de una hamburguesa con un toque galáctico mientras esperamos el estreno de una nueva película del universo Star Wars. Hacen ya 6 años que no tenemos un estreno de Star Wars en cines.

Un menú digno de viajar por la galaxia

Desde el 6 de mayo, Burger King Chile ya tiene disponible este menú de edición limitada inspirado en The Mandalorian y Grogu, una campaña global que se está realizando en más de 80 países y que llega justo en la antesala del estreno de la película, programado para el próximo 21 de mayo de 2026 en cines.

La propuesta no solo incluye productos temáticos, sino también artículos coleccionables que harán feliz a cualquier fanático de la saga.

¿Qué incluye el menú especial en Chile?

Para quienes ya crecimos viendo Star Wars y seguimos emocionándonos con cada nuevo estreno, el llamado Combo Galáctico trae varias sorpresas:

• Una hamburguesa servida en un llamativo pan con semillas de sésamo negras.
• El nuevo Grogu Sundae, un helado acompañado de salsa de pistacho.
• Una taza coleccionable personalizada con diseño exclusivo.

Y sí, solo con ver el sundae inspirado en Grogu ya siento que necesito probarlo.

Los niños también pueden unirse a la aventura

Como toda buena colaboración familiar, los más pequeños también tendrán su dosis de Star Wars gracias al menú King Jr., que incluirá 8 figuras coleccionables basadas en personajes de The Mandalorian and Grogu.

Estas figuras estarán disponibles por tiempo limitado y hasta agotar stock, por lo que si en tu casa hay pequeños jedis o mandalorianos en entrenamiento, conviene ir cuanto antes.

Una colaboración que tiene todo el sentido del mundo

The Mandalorian se transformó rápidamente en una de las producciones más queridas del universo Star Wars, y Grogu —o “Baby Yoda”, como muchos lo seguimos llamando— se convirtió en un fenómeno mundial.

Por eso, ver a Burger King sumarse con una campaña tan completa es algo que realmente entusiasma. No se trata solo de cambiar el envoltorio o poner un juguete en la caja; aquí hay un esfuerzo por crear una experiencia entretenida y coleccionable para fans de todas las edades.

Y siendo totalmente sincero, esta es exactamente la clase de promociones que disfruto: comida rica, objetos coleccionables y una excusa perfecta para volver a ver la serie antes del estreno de la película.

Mi opinión como fan de Star Wars y Burger King

Como alguien que ha seguido Star Wars durante años y que además siempre ha tenido debilidad por las hamburguesas a la parrilla de Burger King, esta colaboración me parece una combinación ganadora.

El pan negro del Combo Galáctico se ve increíble, el Grogu Sundae suena tan curioso como delicioso y las tazas coleccionables son ese tipo de detalle que uno quiere guardar.

Además, todo esto sirve para aumentar aún más las expectativas por The Mandalorian and Grogu, una película que promete llevar a Din Djarin y Grogu a una nueva aventura en la pantalla grande.

¿Dónde conseguirlo?

El menú especial ya está disponible en restaurantes seleccionados de Burger King en Chile, así como en la Mi BK Chile y en el sitio oficial de Burger King Chile

Eso sí, tanto las tazas como las figuras estarán disponibles por tiempo limitado y hasta agotar stock, así que si eres fanático de Star Wars, mi recomendación es que no te quedes esperando.

La Fuerza y el sabor se unen

Definitivamente, esta es una de las colaboraciones más entretenidas que hemos visto este año. Burger King logró combinar la emoción de Star Wars con una experiencia sabrosa y coleccionable que hará felices tanto a adultos como a niños.

Si eres fan de Grogu, de The Mandalorian o simplemente te gustan las promociones especiales con productos únicos, este menú merece una visita.

Y sí, yo ya estoy preparando mi viaje a Burger King… porque cuando la Fuerza llama, hay que responder.

Es curioso recordar que, cuando se estrenó la original en 2006, si bien tuvo éxito comercial, muchos la subestimaron como una comedia pasajera. Fue el tiempo, la televisión y el cariño de la gente en sus casas lo que la convirtió en un objeto de culto. Muchos perdieron la oportunidad de vivirla en pantalla grande en aquel entonces, y esta secuela se presenta como la revancha perfecta para experimentar este universo en una sala de cine; si tienen la oportunidad de ir, no la dejen pasar.

​Sinopsis

​En un mundo dominado por las redes sociales y el contenido inmediato, la legendaria revista Runway se encuentra al borde del abismo financiero. Miranda Priestly, enfrentándose a un mercado que ya no rinde culto a la edición impresa, se ve obligada a recurrir a la única persona en quien confía para intentar salvar su legado: Andy Sachs. Andy, ahora una periodista de renombre con su propia ética profesional, deberá decidir si regresa al caos de los tacones y el café hirviendo para rescatar a la mujer que, en su momento, casi la destruye.

​Reseña

​A título personal, me parece que estamos ante una de las pocas secuelas que realmente justifica su existencia. Si bien no busca ser una obra maestra del séptimo arte, es una película sumamente entretenida que funciona de principio a fin. Se pasa volando, se hace corta y logra que uno se mantenga conectado con la pantalla en todo momento. Lo que más destaco es que no intenta replicar la fórmula exacta de hace dos décadas; es más madura y reflexiva. Ver a Miranda Priestly (Meryl Streep) lidiando con directivos millennials y presupuestos recortados le da una capa de humanidad fascinante. Ya no es solo la jefa implacable; ahora es una guerrera defendiendo el rigor editorial en un mar de algoritmos. La dinámica con Andy (Anne Hathaway) ha evolucionado hacia un respeto mutuo que se siente orgánico y necesario.

​»No es solo moda, es supervivencia. Miranda y Andy regresan para demostrarnos que el estilo es eterno, pero el rigor es una especie en extinción.»

​Sin embargo, hay momentos en los que la película tropieza. En su afán de sentirse «moderna», a veces cae en situaciones que se perciben un poco forzadas, rompiendo el ritmo que tan bien venía construyendo. Se nota un esfuerzo marcado por agradar a las nuevas audiencias, lo que lleva al guion a sobreexplicar cosas que en la primera película eran evidentes con un solo gesto; esa sutileza se extraña. Además, la subtrama romántica de Andy carece de química real y se siente más como un compromiso de guion que como una necesidad de la historia.

​Por otro lado, aunque visualmente la producción es impecable, se percibe que prefirieron irse por el camino seguro. Se nota que el equipo se siente cómodo en esta posición y apostaron por lo que saben que funcionará con el público masivo, en lugar de mantener la mordacidad y el riesgo que hicieron de la primera entrega algo tan único y afilado. A pesar de esto, volver a ver a Emily Blunt y Stanley Tucci en sus personajes es un acierto total; sus escenas fluyen con naturalidad y mantienen el espíritu de la historia vivo.

​En conclusión, es una película que funciona, donde se pasa muy bien y que logra cerrar un ciclo que muchos esperábamos. Es la oportunidad ideal para vivir este universo en la pantalla grande como no pudimos hacerlo hace 20 años.

No importa lo que leas, no importa lo que escuches; ve tú mismo y sé tu propio crítico.

Y eso, para mí, ya dice bastante.

Porque más allá de los números o especificaciones, lo que importa es cómo responde cuando lo estás usando de verdad. En mi caso: redes sociales abiertas todo el día, edición rápida de fotos y videos, grabación en movimiento, apps de mensajería, navegación constante… todo eso mezclado. Y el teléfono responde bien, sin tirones raros, sin pausas incómodas.

Algo que me llamó la atención es que esa fluidez se mantiene con el paso de las horas. No es ese típico rendimiento que parte increíble y después se va cayendo. Acá hay una consistencia que se nota, y que probablemente tiene que ver con cómo Samsung está usando la inteligencia artificial para optimizar procesos en segundo plano.

También lo noté en la batería. Sin meterme en números exactos, el teléfono entiende bastante bien el uso que le doy y se adapta. No es magia, pero sí una gestión más inteligente que hace que el equipo aguante mejor el ritmo. Este punto es un win que enamora.

En una época donde hacemos todo desde el celular, ese equilibrio entre potencia y estabilidad es clave. Y el S26, al menos en mi experiencia, cumple bien en ese sentido: no te hace pensar en el rendimiento, simplemente te deja usarlo.

Hoy, con todo el boom de la inteligencia artificial, uno pensaría que el foco está solo en software, pero el diseño sigue siendo clave. Y acá se nota que no quisieron reinventar todo, sino pulir lo que ya venían haciendo bien. Es un equipo cómodo, liviano dentro de lo que es su gama, y sobre todo bien equilibrado en la mano. No cansa, no molesta, no estorba… que parece obvio, pero no todos lo logran.

En mi caso, que paso gran parte del día con el teléfono en la mano —grabando, editando, respondiendo cosas— se agradece mucho esa ergonomía. Hay detalles como los bordes, el agarre o incluso cómo se distribuye el peso que terminan marcando la diferencia en el uso prolongado.

Visualmente también va por una línea más limpia. No es un teléfono que busque llamar la atención de forma exagerada, sino que se siente más sobrio, más maduro. Y eso conecta bastante con lo que está pasando hoy: menos show, más funcionalidad.

Al final, el diseño del S26 es de esos que no necesitas explicar demasiado. Lo usas, te acostumbras rápido y después te cuesta cambiarlo. Y sí, puede que no sea el más “disruptivo”, pero definitivamente es uno de los más cómodos que he probado últimamente.

«Estamos ante una película que no busca responder todas las preguntas, sino hacernos sentir. Y en esa búsqueda, triunfa.»

• Título: Michael
• Dirección: Antoine Fuqua
• Guion: John Logan
• Reparto: Jaafar Jackson, Colman Domingo, Nia Long, Juliano Valdi, KeiLyn Durrel Jones, Miles Teller, Laura Harrier
• Música: Lior Rosner (basado en la discografía de Michael Jackson)

Rating: 4.5/5

Sinopsis: La película recorre la vida de Michael Jackson desde sus inicios como niño prodigio hasta su consagración como ícono global, explorando el costo emocional de la fama. A través de su relación con su exigente padre, Joseph Jackson, Michael revela la historia de un artista brillante marcado por una infancia difícil, cuya sensibilidad y talento lo llevaron a convertirse en leyenda.

Reseña:

Llega a nuestra cartelera la esperada biopic del rey del pop: Michael, dirigida por Antoine Fuqua (Día de entrenamiento, El Justiciero) y protagonizada por Jaafar Jackson y Colman Domingo (Rustin, The Walking Dead). La vimos y te contamos todo, sin spoilers aquí en tu Canal Favorito.

Voy a ser muy sincera, es difícil para mí poder ser objetiva respecto a esta película y me disculpo de antemano porque Michael es mi ídolo, el soundtrack de mi vida y cada canción representa también una etapa como persona. Llevaba años esperándola y cuando eso sucede, el primer visionado de una cinta siempre es caótico, lleno de sentimientos y de ansiedades que no te dejan ver todos los detalles para una reseña, sin embargo, haré mi mejor esfuerzo por ser lo más objetiva posible.

Lo primero que hay que entender, es que existen dos tipos de biopics musicales: el primero suele ser más conservadora, que sigue el camino del héroe y se centra en plantear una historia de vida con un guion pulido y se centra en el personaje y su relación con su arte. Suelen ser comedidas, técnicamente perfectas y las actuaciones suelen ser correctas, son películas que hablan de su personaje en «tercera persona» como Bohemian Rhapsody. La segunda categoría, son aquellas biopics que están hechas, producidas, incluso escritas por el mismo artista, lo que les da una libertad artística mucho mayor, son rupturistas y, a veces, más profundas, porque el personaje habla de sí mismo en «primera persona» como Better Man o Rocketman. Por obvias razones, Michael está en la primera categoría. No podremos saber nunca si esta es la película que él hubiera querido hacer, pero eso no es culpa de las personas detrás de la producción.

Michael se enfrenta a la tarea casi imposible de retratar la vida de una de las figuras más influyentes y complejas de la música contemporánea, equilibrando un legado musical imperecedero y una vida rota por una infancia terrible. Y lo hace desde un lugar claro: el corazón.

Desde lo emocional, la película golpea directo al alma. Para quienes crecimos admirando a Michael Jackson, esta se convierte en una experiencia profundamente íntima, una comunión con aquella figura que muchos deshumanizaron en su momento y que hoy estamos aprendiendo a conocer, a descubrir a la persona detrás del mito. Aquí es donde la cinta triunfa, ya que logra capturar al hombre detrás del ícono, mostrando a un artista marcado por una infancia dura, exigente y, en muchos momentos, cruel. Ese contraste entre el niño vulnerable y la leyenda que llegó a ser está trabajado con una sensibilidad que conmueve. Hay escenas que no se sienten como reconstrucciones y que muestran heridas difíciles de ver. Saber lo que vivió Michael es una cosa, él mismo lo comentó en entrevistas, pero verlo representado en pantalla, con esa crudeza, es otra completamente distinta.

En ese sentido, la figura de Joseph Jackson cobra un peso enorme. La interpretación de Colman Domingo es intimidante. Cada vez que aparece en pantalla, transmite autoridad, dureza y una tensión constante que incomoda. Y claro que debe incomodar, nos debe hacer sentir en la piel de un niño sensible enfrentado a esa fuerza incontrolable que era el patriarca de la familia Jackson, una figura que construyó al mejor artista de nuestra época, pero que destruyó a la persona. Domingo domina cada escena en la que aparece y se convierte en el pilar emocional más duro de la película, lo que lleva a su contraparte en la pantalla a buscar el cariño en otras figuras paternas.

Por su parte, la interpretación de Jaafar Jackson de Michael es espectacular, hay un respeto evidente en cada gesto, en cada movimiento, en cada mirada. Se siente una recreación cargada de humanidad. Porque imitadores de Michael hay muchos y muy espectaculares, pero pocas veces hemos visto una encarnación que lo represente como persona, no solo como artista. Y Jackson lo logra, tiene la mezcla de carima centelleante y la timidez de su tío, así como una voz prácticamente igual y un talento desbordante a la hora de bailar. No sé si había una mejor opción, pero para mí, descubrir el talento de Jafaar me deja con muchas ganas de ver cómo despega en su carrera.

En el apartado técnico, la película es impecable. Antoine Fuqua apuesta por una puesta en escena cuidada, con encuadres que acompañan el estado emocional del protagonista y una fotografía que oscila entre lo íntimo y lo espectacular. Los números musicales son, sin duda, uno de los grandes puntos altos, con recreaciones fieles de presentaciones icónicas y videoclips que demuestran el nivel de detalle y dedicación del equipo de producción. Aquí hay amor, y se nota. La música, como era de esperar, juega un rol central y va más allá de la simple nostalgia, se utiliza como una extensión narrativa, una representación de lo que significaba en la vida de su protagonista. Las canciones significaron una via de escape y, a su vez, una prisión para el protagonista de la historia.

Si hay un punto débil, es quizás el alcance de la historia. La película no logra profundizar tanto como uno quisiera en ciertas relaciones, especialmente con sus hermanos. Sin embargo, también es justo reconocer lo difícil que es condensar una carrera tan vasta, iniciada prácticamente a los cinco años, en una sola película de dos horas. Si pudiéramos llamarlo de alguna forma, sería que Michael es un retrato emocional más que una biografía. Algo que, si eres fan de MJ, te va a encantar.

Estamos ante una película que no busca responder todas las preguntas, sino hacernos sentir. Y en esa búsqueda, triunfa. Para los fans, será una experiencia conmovedora; para el resto, una mirada potente sobre el costo humano de la fama. Lo que es yo, la veré varias veces en la mejor pantalla posible. Hay experiencias que deben vivirse en sala de cine y esta es una de ellas.

Muy buena.

Erika Moreno I.