Du 14 mars au 15 juillet 2012, le musée Maillol consacre une exposition à la célèbre peintre baroque Artemisia Gentileschi, fille d’Orazio Gentileschi, représentant du caravagisme romain au début du XVIIe siècle.

J’avais été très critique vis-à-vis du musée Maillol pour l’exposition Pompéi. Je suis un peu plus indulgent pour cette exposition sur Artemisia Gentileschi, tant l’objectif est ambitieux. Il s’agit d’exposer une peinture aux influences multiples, celle de son père mais également celles des nombreux pays qu’ils ont visité. Une autre difficulté, celle-ci plus grande encore, se dresse devant le commissaire : un grand nombre des toiles connues ne sont pas signées, et en effet, la facture des tableaux est inégale.

Résultat : l’exposition est, il faut le reconnaître, plutôt élitiste, et les quelques textes qui la parsèment, s’ils sont bien écrits et permettent de suivre dans les grandes lignes la vie, l’oeuvre et son contexte historique, on peinera à rentrer dans les tableaux. L’audioguide est certainement un secours mais son prix s’ajoute à celui déjà élevé de l’entrée… Un avantage cependant de ce lieu : le public est calme et discipliné, il règne même un silence que l’on aurait aimé voir rompu par de la musique adaptée à la délectation de l’oeuvre d’Artemisia.

C’est dans des expositions comme celle-ci que la visite avec le groupe « Un soir, un musée, un verre » est inestimable. En plus d’en faire un moment convivial, elle l’augmente : mon parcours a été infiniment enrichi par les commentaires éclairés d’une historienne de l’art spécialiste, notamment, de l’époque d’Artemisia !

En bref, l’exposition est à voir pour la magnificence de la peinture d’Artemisia (en particulier des tissus), et pour la culture bien sûr, mais on gagnera énormément à emmener sa médiation avec soi, ou à défaut, à recourir à l’audioguide.

Vue de l'(Entre)ouverture du Palais de Tokyo (Paris) / © Cheik/CNDprod

Les deux demi-niveaux que vous connaissiez (si l’on omet l’espace VIP qui s’étendait au premier étage et qui s’ajoutera aux nouveaux espaces) sont complétés par deux nouveaux grands étages, et plusieurs salles de projection héritées de l’ancienne cinémathèque. Ce qui était avant le rez-de-chaussée est à présent le niveau 2, au dessous duquel vous allez découvrir le niveau 1 avec un grand hall déjà aperçu pour l’exposition Rachel, Monique de Sophie Calle. Il était alors sombre : ses fenêtres ont été dévoilées pour en faire un grand espace lumineux donnant sur les alentours. On retrouvera d’ailleurs à cet étage dès septembre un nouveau restaurant avec vue sur la Tour Eiffel. En s’éloignant du hall on revient vers des zones plus sombres et plus en friche, et notamment vers une buvette : Un instant mon petit, ouverte pour le temps de la Triennale et gérée par des étudiants de l’école des Arts Décoratifs. Cartons peints à la main en guise d’enseignes, planches de bois récupérées sur le chantier du Palais en guise de tables, une ambiance cheap et underground.
En descendant au niveau 0, la pénombre se fait froide et humide, les oeuvres grinçantes se ressentent plus fort, le sol n’est plus lisse mais irrégulier, poussiéreux. A tel point qu’après s’être habitué à la pénombre, c’est en ressortant à l’air libre et à la lumière que la transition est étrange.

Vue du niveau 0 depuis le niveau 1, dans la partie la plus en friche du Palais

Au total, on passe ainsi de 8 000 m2 d’espace d’exposition à presque trois fois plus : 22 000 m2 s’offrent aux nouveaux visiteurs dans ce nouveau Palais de Tokyo, un palais version 2.0 ?
Mon clin d’oeil n’est pas innocent. Le Palais de Tokyo a maintenant la latitude de créer un lieu de vie avec une signature qui rappelle l’activité berlinoise, encore réaffirmée. Il peut fédérer une communauté créative et proactive qui se retrouvera dans un palais qui pourrait jouer le rôle d’incubateur. Il peut développer une offre inventive et décalée de médiation, à l’image du Mac/Val, mon musée d’art contemporain préféré. A ce jour, le Palais ne s’est pas investi dans la construction d’un réseau virtuel qui compléterait ce nouveau bâtiment en étant capable de l’innerver, lui faisant faire un pas décisif en donnant à Paris un lieu incontournable de l’art contemporain in progress. Wait and see…

Merci beaucoup à @MayaMilky et @Stylegenre qui m’ont guidé dans mes visites du Palais !

Si vous avez bien suivi, le thème de l’année 2011 était « Monuments et animaux ». Cette année, de mai à octobre, le thème sera « Monuments et imaginaires ». Parce que la création des monuments a répondu à des imaginaires, et parce que ces monuments eux aussi habitent les imaginaires de ceux qui les voient ou les visitent.

Partant de ce thème, la programmation artistique des monuments montrera une plus grande diversité de styles que Monuments et animaux, qui était centré sur l’art contemporain, et cherchera plus d’accord entre les lieux et les oeuvres qui y sont exposées. Au commissariat de cette exposition « du réseau », comme on dit au CMN, le réseau de la centaine de monuments nationaux, Christian Caujolle, directeur de l’agence de photographes VU’.

Comme de coutume, une exposition à la Conciergerie viendra clore la saison : « Rêves et monuments », du 22 novembre 2012 au 24 février 2013. Visions mythiques, romantiques, gothiques, fictives et virtuelles du monument, c’est le programme que nous proposera le commissaire Christian Corvisier, charismatique historien de l’architecture qu’on ne se lasse pas d’écouter. Autant vous dire que j’attends déjà beaucoup de cette exposition, qui même si elle ne sera pas intégralement composée à partir des oeuvres exposées précédemment dans le réseau, utilisera quelques-unes de celles-ci, principalement contemporaines.

Et ce n’est pas tout : une exposition s’installera cet été au Panthéon, « Jean-Jacques Rousseau et les arts », du 29 juin au 30 septembre. A l’occasion du tricentenaire de sa naissance, Guilhem Scherf, conservateur en chef au département des Sculptures du Musée du Louvre, présentera l’auteur, son regard sur les arts visuels mais aussi sur son image, et finira sur son opposition avec Voltaire… difficile de ne pas l’évoquer quand on voit se faire face les tombes de ces deux ennemis jurés.

Tentons quelque chose de nouveau ce mois-ci. C’est toujours une sélection a priori des expositions qui commencent dans le mois, oui mais. Je faisais, à l’instinct, une sélection, sans la justifier, et n’ayant, par la force des choses, pas vu les expositions, je citais un extrait du communiqué de presse.

Aujourd’hui, ce que je vais essayer avec la sélection, c’est dans l’esprit de la maison : expliciter cet attrait subjectif pour une exposition plutôt qu’une autre, et à vous de vous retrouver dans cette subjectivité ou au contraire d’agir en réaction.

Je laisse bien sûr des liens vers les pages des expositions quand elles existent. Et je vais tâcher de laisser des images, parce qu’il faut mettre des images.

• Depuis le 3 avril et jusqu’au 12 avril, l’exposition Le Miroir et l’Encyclopédie à la galerie Michel Journiac de l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne

  Parce que nous avons vu cette exposition avec le groupe « Un Soir, un Musée, un Verre », et que les étudiants du master 2 professionnel Sciences et Techniques de l’Exposition ont fait un excellent travail sur tous les plans. L’entrée est libre et le catalogue, écrit et pensé par des esprits aiguisés, est moins cher que l’entrée dans bien des expositions de moins bonne facture !

  

• Depuis le 4 avril, l’exposition Comme un ananas, carte blanche à Philippe Katerine à la Galerie des galeries

  Parce qu’imaginer la carte blanche à un chanteur décalé dans la limite du populaire dans la galerie d’un grand centre commercial est un énoncé assez piquant pour que l’on se déplace.

  

• Depuis le 4 avril, l’exposition Les belles heures du duc de Berry au musée du Louvre

  Si vous avez aimé l’exposition sur les miniatures flamandes qui vient de se terminer à la BnF, vous serez sûrement curieux de voir les planches exceptionnelles de ce manuscrit.

• Depuis le 4 avril, les trois expositions de la Maison Européenne de la Photographie : Dominique Auerbacher, Guido Albi Marini et Paolo Pellegrin

  Parce que les expositions de la MEP, si elles se résument à des accrochages et si les textes qui les accompagnent sont souvent bien peu des indications de ce que l’on va voir, ont toujours quelque chose qui mérite de passer par votre oeil pour aller s’imprimer dans votre cerveau.

• Depuis le 5 avril, l’exposition Cima da Conegliano au musée du Luxembourg

  Parce que j’avais aimé l’exposition consacrée par ce musée à Lucas Cranach l’ancien, et qu’il n’y a pas de raison qu’ils ne traitent pas aussi bien la renaissance vénitienne que la renaissance allemande.

  

  Cima da Conegliano, Saint Sébastien, 1500-1502, Musée des Beaux-Arts de Strasbourg © RMN-GP / Stéphane Maréchalle

• Depuis le 6 avril, l’exposition Rêves de laque, le Japon de Shibata Zeshin au musée Cernuschi

  Parce qu’avec les oeuvres de Shibata Zeshin, on est au coeur des influences japonisantes sur l’esthétique fin XIXe à Paris et à Londres, et donc tout est dit.

  

• A partir du 10 avril, l’exposition Les maîtres du désordre au Musée du quai Branly

  Parce que j’aime le pitch de l’exposition, selon lequel tout ordre est imparfait et a besoin d’une dose de désordre pour son équilibre. C’était un peu le thème développé dans les suites malheureuses de Matrix. Le commissariat est assuré par Jean de Loisy, nouveau président du Palais de Tokyo et commissaire de la Monumenta 2011 d’Anish Kapoor, et par Nanette Jacomijn Snoep, responsable des collections Histoire au musée du quai Branly. Ce rôle de Jean de Loisy pique ma curiosité, même si j’aurais rêvé d’un commissariat par Philippe Descola qui avait signé l’excellente exposition La fabrique des Images.

  

• A partir du 11 avril, l’exposition La presse à la une à la BnF – François Mitterrand

  Parce que la BnF a le fonds rêvé pour nous faire revivre l’histoire de la presse d’information française, et que c’est le genre de sujet d’exposition qui nous pique un peu, ça sent trop la fin du papier, de ces journaux qu’on s’échangeait de la main à la main sans la traçabilité et les statistiques de lecture d’un article plutôt qu’un autre…

  

• A partir du 19 avril, l’exposition Keep Portland Weird à la Gaîté Lyrique

  Parce qu’à ce qu’il paraît, ça sera une exposition d’art, avec des vrais morceaux de musée dedans.

  

• A partir du 20 avril, la Triennale 2012 au Palais de Tokyo

  Parce que ce n’est pas tous les jours qu’un lieu comme le Palais de Tokyo réouvre ses portes avec encore plus d’espace et de surprises qui nous attendent. Comme la « cafétéria délirante », constituée de wagonnets sur roulettes couverts de laine au crochet. Vous l’aurez compris, comme l’ancien Palais de Tokyo, le nouveau est un endroit qu’il faut voir et où il faut être vu.

• A partir du 25 avril, l’exposition Eugène Atget et Emmanuel Pottier au musée Carnavalet

  Quoi, il vous faut une raison pour aller au musée Carnavalet ? Des photos du Paris de la fin du XIXe siècle aux années 20 devraient vous convaincre.

  

Du 24 mars au 17 juin 2012, le Grand Palais consacre une rétrospective à l’oeuvre d’Helmut Newton qui n’en demandait pas tant. On aurait voulu que l’exposition soit plus grande !

L’exposition au Grand Palais commence par un message d’Helmut Newton aux témoins de sa postérité : il ne fait pas ses photos pour être exposé dans un musée, il n’est qu’un sbire. Un ouvrier de la photographie de mode. Mais le mal est fait : le travail d’Helmut Newton est exposé dans les galeries du Grand Palais. C’est donc en tant qu’oeuvre d’art que je voudrais le commenter, en ne l’évoquant justement pas sous l’angle de la photographie de magazine, puisque comme il le rappelle :

Une bonne photographie de mode doit ressembler à tout sauf à une photographie de mode.

Autoportrait avec June et modèles, Paris, 1981 - © Helmut Newton Estate

Dans la deuxième salle de l’exposition, il nous lance :

Rien n’est plus dévoilant que la nudité, fût-elle la nudité vêtue.

Un message à tiroirs. L’interprétation la plus évidente de la première partie de la phrase est proposée en illustration juste en dessous via trois diptyques qui fonctionnent identiquement : dans un même décor et avec la même attitude, les modèles de la première photographie sont habillés, ceux de la seconde ne le sont plus.

Sie kommen (Elles arrivent), Vogue France, Paris, 1981 - © Helmut Newton Estate

La deuxième partie de la phrase est la clé de la salle suivante. L’objectif de Newton démasque, dévoile à un point tel que ses modèles, bien que vêtus, pourraient en être gênés. Ses portraits sont ceux d’une jet set saisie comme Doisneau a saisi les badauds des Halles. Il montre qu’il n’a pas besoin de déshabiller ses modèles, pas même de les passer aux rayons X comme ceux de la dernière salle. Une dernière salle qui agit à bien des titres comme une salle à message, une salle d’explication, on le verra.

Catherine Deneuve, Esquire, Paris, 1976 - © Helmut Newton Estate

Et des explications, on dirait qu’il en faut pour parler d’Helmut Newton, souvent considéré comme un symbole de provocation. En effet, comment parler de ses mises en scène parfois pour le moins évocatrices ? Peut-être d’abord en lui laissant, encore une fois, la parole :

Je suis très attiré par le mauvais goût, plus excitant que le prétendu bon goût qui n’est que la normalisation du regard. Si je cherche la vérité du point de vue, je ne vais pas me conformer à ce que l’on accepte ou non.

S’il utilise le mauvais goût, c’est avec une discipline de fer. Aussi n’est-ce pas de la vulgarité : la vulgarité, c’est le laisser-aller. Or rien ne se laisse aller dans les compositions de Newton : tout est pensé, prévu, construit, on ne tergiverse pas pendant des heures et des dizaines de prises de vues. Le corps humain, la chair est contrainte, sculptée, usinée :

Certains travaillent l’or ou l’acier. Ma matière première, c’est la chair humaine.

Ses photographies, qui pour certains ne relèvent pas de l’art mais du papier glacé (entendu au vernissage presse), montrent pourtant la mise en scène d’une narration pertinemment privée de ses références, des mouvements toujours en quête d’un but hors cadre, face au cadre. Un photographe vulgaire ou superficiel, vraiment ? Certainement pas, et c’est encore la dernière salle qui va nous offrir des réponses. Que nous dit dans celle-ci Helmut Newton, en guise de conclusion ? Quelque chose qu’aurait pu dire, et a probablement dit à peu de choses près Oscar Wilde :

A ceux que mes photos scandalisent, je réponds « il faut être à la hauteur de sa mauvaise réputation ».

Et de répondre en images : une grosse main baguée serrant des billets, voilà pour les magazines de mode, behind the scenes. Un cul de poulet ouvert sur une planche à découper qui hurle : « du vulgaire, vous voulez du vulgaire ? Je peux le faire ».

Vogue France, Paris, 1994 - © Helmut Newton Estate

Dans cette dernière salle, ceux qui devaient être choqués le sont, se déchaînent. A l’endroit où c’était prévu, même, sans s’apercevoir qu’ils sont tombés dans le panneau.

Du 21 mars au 16 juillet 2012, le Grand Palais laisse Emmanuelle Héran, directeur scientifique adjoint de la RMN, construire une exposition à thème : celui de l’animal. Un parcours dans l’art animalier de la Renaissance à l’art contemporain.

Théodore Géricault, Tête de lionne, vers 1819 - Paris, Musée du Louvre, département des peintures - © Service presse réunion des musées nationaux - Grand Palais / Christian Jean

Après les traités de chasse de Gaston Fébus et d’autres auteurs du Moyen-Âge qui déjà proposent des recueils d’études réalistes d’animaux, au Grand Palais l’exposition démarre à la Renaissance avec le mouvement naturaliste et les Tierstücke de Dürer. Les représentations des animaux deviennent des oeuvres à part entière, datées, signées, destinées à la collection.

Le parcours n’est pas construit chronologiquement, ni même, semble-t-il, comme un seul propos, mais comme une succession de sujets terminée par une morale de l’histoire. Des sujets plutôt bien traités, pertinemment illustrés par les oeuvres accrochées, même si on ressent une impression de survol, à quitter aussi vite un sujet pour un autre. Cela dit, on croit entendre quand même, peut-être pas un discours, mais au moins une remarque s’exprimer dans l’exposition, qui nous dit que l’histoire de l’art animalier est bien une partie semblable au tout, qu’on y retrouve la trace des mêmes mouvements que dans la « grande » histoire de l’art.

Exemple : au début du XXe siècle, alors que les impressionnistes se font connaître, Calder veut rompre avec la représentation fidèle, analytique des animaux pour leur préférer une synthèse de silhouette, d’attitude, de moment.
Autre élément, plus surprenant encore, le parallèle qui se dessine entre l’histoire des musées et celle des zoos. Tout comme les cabinets de curiosités tendent à disparaître au XIXe siècle pour laisser place aux musées, les ménageries privées se voient remplacées à la même époque par des zoos visitables par tous. L’institutionnalisation de l’étude des animaux et de la recherche en histoire naturelle était déjà en marche depuis la fondation du musée national d’histoire naturelle en 1793.

Gilles Aillaud, Ours blanc, 1981 - Huile sur toile, 190x150 cm - Villeurbanne, Collection Rhône-Alpes, Institut d'art contemporain Villeurbanne/Lyon - © Musée d'art moderne de Saint-Etienne métropole / Yves Bresson / Adagp, Paris 2012

La fin de l’exposition nous rappelle à notre responsabilité : le dodo, alors qu’il n’avait pas de moyen de s’envoler ou de se défendre et n’était pas comestible, a été victime de l’homme. L’ours polaire lui existe encore, mais pour combien de temps encore ? Dans combien de temps les ours blancs n’existeront-ils plus que dans les zoos, condamnés à des vies qui n’ont plus rien à voir avec leur nature ?

Beauté animale
Grand Palais, Galeries nationales
21 mars 2012 – 16 juillet 2012

Du 28 février au 2 septembre 2012, le musée des Arts et Métiers organise en collaboration avec Radio France une exposition consacrée à la radio : son évolution technique, des premiers récepteurs aux podcasts, mais aussi ses grandes heures.

L’espace d’exposition temporaire du musée des Arts et Métiers est un long couloir qui se prête bien aux expositions chronologiques. Pour Radio, le musée en prend son parti en construisant l’exposition autour d’une frise centrale qui n’est pas sans rappeler le sélecteur de stations des radios à réglage manuel.

Dès sa naissance et tout au long de son histoire, la radio reste un media de passion, associée à un esprit de liberté. Autant le dire tout de suite, c’est loin d’être le cas de la télévision, qui met en jeu une telle infrastructure qu’elle peut difficilement être personnelle ou clandestine, et si coûteuse qu’elle se situe hélas par définition dans une logique de rentabilité. Alors que, des sans-filistes aux podcasteurs en passant par la radio libre émise depuis Londres à destination des résistants du sol français, la liberté est cruciale. Alors que dans les expériences de création radiophonique, dans ces moments merveilleux de poésie sonore qui habitent nos (ou du moins mes) nuits, la question de la rentabilité ne devrait pas avoir droit de cité.

Vous l’aurez compris, j’aime la radio. J’aime les grands rendez-vous radiophoniques que j’ai pu connaître sur Radio France. J’aime les polaroïds de Marie Richeux, j’aime le dimanche matin Eclectik avec Rebecca Manzoni, j’aime les nuits sonores avec toutes les émissions qu’a pu créer Thomas Baumgartner. J’aime aussi les débats passionnés dans Le Masque et la Plume, dans l’Esprit Public, ou ceux plus calmes de la Rumeur du Monde.

L’exposition offre, au fil d’une chronologie des techniques qui permettra notamment de découvrir ou redécouvrir les premiers récepteurs à lampes ou les mythiques enregistreurs Nagra, de confortables espaces d’écoute qui permettent de revivre des grands moments de radio : les premières fictions radiophoniques, les premiers canulars aussi, et les différents concepts d’émissions qui ont accompagné l’évolution de la société et de ses goûts.

Aimant la voix, la radio et rêvant d’y contribuer, j’ai moi-même acheté il y a des mois un enregistreur, un Zoom H2. J’y ai une prise de son dans l’exposition Rachel, Monique de Sophie Calle : j’ai aimé isoler l’expérience sonore d’une exposition épurée comme celle-ci de son expérience visuelle. J’y ai aussi une interview avec une artiste, toujours pas publiée, je ne sais pas pourquoi je n’ose pas. Mais j’ai bien envie de me forcer un peu, et vous entendrez peut-être bientôt ici-même une interview…

Du 7 mars au 4 novembre 2012, le musée de la Marine propose une exposition sur les phares, des monuments de notre patrimoine qui, s’ils sont imposants et se voient de loin, sont pourtant méconnus. Une des plus belles démonstrations d’unité dans une exposition, un coup de maître.

Vue de l’exposition, Ballet des optiques © musée national de la Marine/S. Dondain

Les phares nous accueillent avec une première scène d’une grande beauté, le ballet des optiques : lumière et chorégraphie mécanique, le clin d’oeil aux ballets contemporains de Danser sa vie est bien là !
Après cette mise en bouche, l’exposition nous emmène en France vers le premier phare de nos côtes, celui de Cordouan, construit en 1611, et nous montre les premières techniques de conception des réflecteurs qui étaient employées sur les phares français jusqu’à la fin du XVIIIe siècle. On est ensuite invités à traverser la Manche (physiquement !) pour découvrir l’histoire et le savoir-faire qui s’y trouve en matière de phares : leur marine étant internationalement réputée, il était normal qu’il en soit de même pour leurs phares. C’est la famille des Stevenson, ingénieurs spécialisés dans les phares durant plusieurs générations (jusqu’à Robert Louis, qui rompt la chaîne pour devenir écrivain), qui est alors dépositaire de l’expertise dans une Ecosse où l’organisation mi-publique, mi-privée du marché du phare le rend bien plus florissant que le nôtre.

Mais la France va bien vite rattraper son retard par une innovation technologique en rupture, de celles que l’on fait quand on est tellement en retard que l’on est obligés de faire preuve de génie, de penser à côté. J’aime bien l’expression anglaise, think out of the box. Cette innovation, c’est l’invention par Fresnel d’optiques pour remplacer les réflecteurs, des optiques utilisant des lentilles à échelons qui redressent les rayons lumineux. C’est une révolution : plus besoin d’une source de lumière par réflecteur, une seule source centrale suffit. Mieux encore, les rayons lumineux portent beaucoup plus loin : un phare de premier ordre est visible à 60 kilomètres !

Mais toi qui es scientifique, dis-nous comment ça marche !

D’accord, mais je ne vais rien faire de mieux que vous commenter quelques images venant d’un document intitulé « Les lentilles à échelons de Fresnel » écrit par un chercheur qui n’est autre que … Vincent Guigueno, le commissaire de l’expo Phares ! Un commissaire passionné et passionnant qui est aussi 2.0 : vous pouvez le retrouver sur Twitter sous le nom de @GardienPhare.

Avant Fresnel, on emploie comme je le disais des réflecteurs, qui sont des miroirs paraboliques au centre desquels on place une source de lumière. Vous connaissez le principe mais généralement vous l’utilisez dans l’autre sens, avec la parabole qui vous permet de recevoir les chaînes du satellite : vous recevez des ondes qui viennent de très loin, et la forme de la parabole a la propriété bien agréable de les concentrer sur le récepteur. Avec la lumière, on fait l’inverse pour envoyer le plus loin possible un faisceau lumineux.

Inconvénient : il faut une lampe (par exemple à huile) dans chaque réflecteur ! Arrive donc dans le milieu des marins un petit jeune, notre Augustin Fresnel, qui s’est déjà fait remarquer en contestant la théorie corpusculaire de la lumière de Newton, et qui veut amener dans les phares des techniques d’optique qui pour l’instant ne sont pas connues hors de quelques expériences scientifiques.

L’idée géniale est la suivante. Là encore, il s’agissait de penser à l’envers : on utilisait des lentilles pour concentrer la lumière et faire chauffer un point (vous l’avez tous fait avec une loupe), donc dans l’autre sens, on pouvait partir d’un point lumineux pour en faire un faisceau bien droit :

Inconvénient : d’abord, imaginez la taille et le poids de l’engin. On est autour de 1820, Saint Gobain est déjà très bon pour faire des vitrages et des miroirs de grande taille, mais ce n’est pas très réaliste. Et surtout, plus le faisceau doit être large, plus la lentille doit être épaisse, et donc plus le trajet de la lumière à l’intérieur est long. Ce qui ne nous plaît pas du tout : plus la lumière fait un long trajet, plus elle perd de puissance lumineuse. D’où l’idée de Fresnel : la seule chose qui nous sert dans cette énorme lentille, ce sont ces deux surfaces qui modifient l’angle d’attaque de la lumière. Le reste, on l’enlève :

(C’était la parenthèse physico-géométrique, nous pouvons reprendre la critique d’exposition et reparler du reste du phare :)

Phare de la Hague © Marine Nationale

L’exposition raconte bien plus que cette histoire que je viens de rapporter dans les grandes lignes, et le fait en apportant, comme Fresnel, de bien agréables innovations. Le parcours de l’exposition d’abord rompt avec l’habituel double couloir de l’espace d’exposition du sous-sol du musée de la Marine. Les dispositifs interactifs ne sont pas des anachroniques NTIC, et on s’en réjouit : elles nous auraient rappelé ces ignobles boîtiers GPS qui ont petit à petit remplacé nos phares. Non, ici on manipule des leviers qui commandent à la lumière, n’est-ce pas bien plus adapté ? Dans le même ordre d’idées, la typographie retenue pour les noms des salles est celle, pensée pour une lisibilité optimale en toutes conditions climatiques, des parois des phares.

Et ce qui transparaît encore plus dans cette exposition, c’est une volonté, très clairement aboutie, de nous rendre les phares vivants. Et ceux qui me connaissent savent à quel point je suis persuadé que c’est l’exercice le plus difficile à réaliser, qu’il produit les expositions les plus agréable à visiter, et la médiation la plus efficace qui soit. J’ai particulièrement apprécié le parti pris de ne pas cloisonner les techniques artistiques et leurs époques de production. Ainsi, des bandes dessinées en noir et blanc se mélangent harmonieusement avec les gravures anciennes. Une bande sonore accompagne la reconstitution de la chambre de veille d’un gardien de phare.

La construction des phares, la dure vie des gardiens dans les purgatoires et enfers, la dangereuse relève, la lueur des phares dans la création littéraire et artistique sont certains des nombreux thèmes que vous découvrirez dans l’exposition… jusqu’à la triste annonce de leur disparition pour laisser place à l’électronique. Je recommande vivement l’exposition à tous, que vous ayez le pied marin ou non. Oubliez vos a priori sur les musées si vous en avez, et allez prendre votre quart dans les phares du musée de la Marine. C’est un de mes meilleurs moments en expo depuis que j’en visite.

Et à l’occasion de l’expo Phares, participez à Phares@Monde, la grande collecte photo sur Flickr du Musée de la Marine !

Phares
Du 7 mars au 4 novembre 2012
Musée national de la Marine
17 place du Trocadéro 75116 Paris
Du lundi au vendredi : 11h-18h
Samedi et dimanche : 11h-19h
Fermeture des caisses 45 minutes avant
Fermé le mardi et le 1er mai
Plein tarif exposition : 9 €

Du 1er février au 25 mars 2012, la Gaîté Lyrique pose une question : qu’ont en commun des sacs de couchage boulottant une poubelle, un prototype de skateboard à lévitation, des micro-fermes urbaines, un robot trader rétro et un service web qui conserve des e-mails pour les envoyer plus tard ? C’est 2062.

L’institution qui se propose d’explorer les (r)évolutions numériques propose en effet de découvrir une sélection de projets, artistiques ou non, relevant plus ou moins de visions du futur. Au sous-sol, les oeuvres du collectif Pleix posent quelques questions, notamment autour de la mutation des espèces (Hybrid, 2012) et de l’existence centrée sur le numérique (Family shades, 2012).

A l’étage du dessus, on trouve Saudade du Futur, un projet de NoDesign qui prend la forme d’une courte et peu lisible rétrospective de l’histoire de la technologie (la taille et le type de police de la frise sont très mal choisis), continuée par une prospective sur les innovations à venir. Une (une !) oeuvre évoque l’impact potentiel de cette évolution technologique sur la société : Les Misérables par les Editions du Livre Public, qui proposent en 2042 une nouveauté sur le marché. Des livres papier, qui sont donc durables, solides, fiables, ne consomment pas d’énergie, ne proposent pas de personnalisation ni ne tracent l’utilisation qu’en fait le lecteur et les autres livres qu’il lit pour lui en conseiller qui devraient lui plaire.

En montant d’un étage encore, on trouve des micro-fermes qui s’annoncent comme une forme d’agriculture urbaine au goût post-apocalyptique. Autour, on a disposé des chambres à air qui semblent être destinées à faire office de sièges. Cela me laisse bien songeur. Est-ce une référence à un futur tel que celui de Mad Max 2 ? Cela ne doit pas être de la provocation d’un goût discutable comme celle des chambres à air de Museomix, vu que nous ne sommes pas dans un musée. Reste l’explication que l’humanité, après avoir atteint des sommets de confort dans les derniers siècles, ait entamé une chute commençant avec les fauteuils de plastique de la deuxième moitié du XXe, pour finir dans des chambres à air en 2062 ?

Enfin, au dernier étage, des dispositifs permettent d’envoyer des traces de soi dans le futur, et des machines rétro figurent des robots traders qui analysent et enregistrent les flux financiers à la manière de sismographes attendant une catastrophe (RYBN – ADM.9).

J’ai été déçu par cette proposition : la Gaîté Lyrique a déjà su montrer qu’elle était capable de mieux. Bien sûr, on peut trouver des projets intéressants dans 2062. Ce qui me gêne, c’est l’impression que la Gaîté a fait un appel à manifestations d’intérêt, qu’elle a sélectionné les projets qui lui semblaient les plus sympas, et a fait 2062. Il y manque une trame qui articulerait et justifierait l’agencement de ces projets artistiques et technologiques. Non, là, j’ai un peu l’impression d’avoir vu non pas une exposition mais un Pinterest. Signe des temps ?

[NDLR : Nous accueillons aujourd'hui avec grand plaisir Alice Martel, qui a assisté à la présentation à la presse de l'exposition et nous offre sa critique de l'exposition. Retrouvez la sur Twitter : @stylegenre !]

Fantastique, gothique, onirique, enfantin, décalé, poétique… d’inévitables adjectifs pour évoquer le cinéma de Tim Burton, réalisateur américain devenu populaire avec des films tels qu’ Edward au mains d’argent, Beetlejuice, Big Fish, Sweeney Todd, Charlie et la chocolaterie… mais aussi grâce à ses films d’animation : L’étrange noël de Monsieur Jack, Les Noces Funèbres, et le prochain Frankenweenie. Du 7.03.12 au 5.08.12, la Cinémathèque française lui rend hommage et nous dévoile 700 dessins, photographies, figurines, maquettes, qui sont la trame de son univers cinématographique.

Tim Burton, Sans titre (Doodle Pad Series – Série de gribouillages sur bloc de papier). 1989–1993. Encre et crayon de couleur sur papier, 43.2 x 61 cm. Collection privée © 2011 Tim Burton

Comment muséaliser l’œuvre d’un réalisateur ? Eh bien, par chance, Tim Burton est avant tout dessinateur. Pour cet homme qui se dit peu loquace, le dessin est le langage premier, naturel. Il dessine constamment, sur tout ce qui lui tombe sous la main, oubliant la technique pour mieux laisser libre cours à son imagination. Différentes influences se font sentir dans ses croquis : guignol, pop surréalisme, gothique, expressionnisme allemand, école Disney, Roald Dahl… Les personnages qu’il invente sont des anti-héros, des marginaux attachants, des freaks dont il révèle la part d’humanité. Le recueil de poèmes illustrés La triste fin du petit Enfant Huître nous en avait donné un premier aperçu lors de sa parution en 1997. C’est d’ailleurs l’un de ses personnages, « l’Enfant Tâche », qui illustre l’affiche de l’événement.

Si l’exposition fait la part belle aux dessins de Burton, elle n’oublie pas d’évoquer l’aspect protéiforme de sa créativité : dès l’entrée, on plonge dans l’ambiance burtonienne à travers une série de grands polaroids surréalistes ainsi que d’étranges peintures phosphorescentes sur velours noir.

Tim Burton, Sans titre (Fille bleue avec crâne). 1992–99. Polaroid, 83,8 × 55,9 cm. Collection privée © 2011 Tim Burton

L’exposition déploie ensuite une collection impressionnante de dessins, de maquettes, d’accessoires et d’extraits de films. Les commissaires de l’exposition ont joué les archéologues dans les archives personnelles de Tim Burton et dans les institutions qu’ils a fréquentées pour retrouver ces œuvres « qui n’étaient pas destinées à êtres montrées ». Ils ont relevé le défi d’y mettre de l’ordre grâce à d’habiles sections thématiques. Les textes sont courts et pertinents, ils parviennent à accompagner cet univers tout en piquant notre curiosité. Une épaisse moquette rouge rend le chemin joyeux et souligne l’exubérance des œuvres.

Seul bémol : les cartels, souvent placés trop bas, sont difficiles à lire, surtout en période d’affluence. Et le succès de l’exposition ne fait aucun doute ! Pour les fans de Tim Burton, la visite sera aussi délicieuse qu’un bonbon croqué le soir d’Halloween, entre rires et effroi.

À Burbank, où j’ai grandi, la culture des musées n’existait pas (…) Je m’occupais en allant voir des films de monstres, en regardant la télévision en dessinant, ou en jouant au cimetière du coin. Plus tard, quand j’ai commencé à fréquenter les musées, j’ai été frappé d’y retrouver une atmosphère semblable à celle des cimetières. Pas parce qu’ils sont morbides, mais parce qu’il y règne un calme à la fois introspectif et électrisant : l’excitation, le mystère, la découverte, la vie et la mort réunies en un même lieu. C’est pourquoi, après tant d’années, faire l’objet d’une exposition (…) revêt pour moi une signification toute particulière.

(Tim Burton, extrait du catalogue de l’exposition.)

N.B. : Créée à New York avant de voyager à Melbourne, Toronto et Los Angeles, l’exposition montre à Paris quelques exclusivités : une série de serviettes en papier sur lesquelles Tim Burton a l’habitude de dessiner au cours des repas avant de les offrir à ses amis ; des maquettes et dessins de ses deux prochains films, Frankenweenie et Dark Shadows.

Le programme des projections, conférences, visites est à retrouver sur le site de l’expo Tim Burton.