Le thème de cette année était « Monuments et animaux », des oeuvres contemporaines sur le thème animalier étaient ainsi présentées tout au long de l’année dans divers monuments du territoire. Amis parisiens, vous pouvez toutes les voir puisqu’elles ont toutes été rassemblées à la conciergerie pour compléter l’exposition « Bêtes Off ». De mars 2012 à 2013, le thème sera « Monuments et imaginaire » , et de mars 2013 à 2014… « Monuments et cuisine ».

En 2012, l’action du CMN se structure autour de 14 opérations majeures pour 54 millions d’euros d’investissements. Plus spécifiquement, les efforts du CMN vont se porter dans les années à venir sur deux monuments : le château de Champs-sur-Marne et la Villa Cavrois, à Croix dans le Nord.

Le château de Champs-sur-Marne date du XVIIIe siècle. Construit pour un financier de Louis XIV, confisqué, il est revendu à un autre financier qui en fait selon Saint-Simon « une superbe maison de campagne qu’il avait rendue charmante [...], chef-lieu d’une grande et belle terre ». Il est ensuite reconfisqué par la Couronne et finit après d’autres propriétaires par venir en possession de Louis César de Baume le Blanc, duc de la Vallière qui y recevra notamment Diderot, d’Alembert et Moncrif. Il le louera entre juillet 1757 et janvier 1759 à la marquise de Pompadour. Je vous passe la suite de l’histoire jusqu’à l’acquisition en 1895 du château par un riche banquier, Louis Cahun d’Anvers, qui le restaure et le remeuble, y reçoit Proust et Isadora Duncan. Le château sera cédé à l’Etat par son fils en 1935.

Suite à l’effondrement du décor d’un des plafonds du château, le CMN entreprend la restauration de l’ensemble du monument et souhaite lui ajouter un restaurant et une librairie-boutique. La restauration des espaces pose la question de leur ameublement. Parmi les époques traversées par le château, laquelle reconstituer pour le public ? C’est une décoration dans le goût du XVIIIe siècle qui a été retenue, avec en prévision, pour la réouverture du château en 2013, une exposition sur le goût des chinoiseries au XVIIIe siècle.

Second grand chantier mis en lumière par le CMN, celui d’un autre château, moderne celui-ci : la villa Cavrois. Villa-oeuvre, château du XXe siècle, la villa Cavrois est le résultat de la commande faite par le riche industriel Paul Cavrois à l’architecte Robert Mallet-Stevens en 1929. Une commande totale : l’architecte a carte blanche pour créer le bâtiment, son aménagement intérieur, son mobilier et même son jardin. Un château moderne, parce que d’allure résolument en rupture avec sa conception des espaces qui respecte les codes de l’habitat de château, autour d’un vestibule et d’un salon d’honneur. Dans un objectif de confort maximal, cette maison était équipée du nec plus ultra de la technologie : TSF, téléphone et horloge électrique dans chaque pièce, eau chaude, froide et adoucie à volonté, électroménager.

Hélas, tout le confort de la villa a été gravement dégradé, avant sa récupération par le CMN, par une longue période d’abandon et de nombreux actes de vandalisme. Son ameublement lui a été disséminé par plusieurs ventes aux enchères… Tout comme pour le château de Champs-sur-Marne, le CMN fait donc face pour la villa Cavrois à un vaste travail de restauration, et à la question de la reconstitution de l’ameublement. Comment retrouver les meubles, faut-il essayer de les reproduire à l’identique, en choisir d’autres de la même époque ?
La villa Cavrois sera réouverte en trois temps, de fin 2012 à 2014, et au cours de cette réouverture un effort particulier sera fait pour permettre aux visiteurs, par le biais de tablettes tactiles et de réalité augmentée, de découvrir les volumes qui n’existent pas encore, et le travail de restauration.

J’ai essayé de reprendre ici l’essentiel de ce que j’ai entendu lors du petit-déjeuner, mais j’en ai certainement oublié, notamment les 12 autres opérations du CMN ! Je vous renvoie donc au site web du Centre des Monuments Nationaux, et on se donne rendez-vous fin mars pour « Monuments et imaginaire » !

Bande dessinée et figuration narrative

« Bande dessinée et figuration narrative », c’est le nom de la première exposition de bande dessinée en France, en 1967. Premier élément, elle avait lieu non pas dans un musée de Beaux-Arts, mais au musée des Arts Décoratifs. Deuxième élément, les bandes dessinées sont mises face à des oeuvres du mouvement théorisé dans les années précédentes et baptisé Figuration narrative. La Figuration narrative dans les années 60 c’est, après une longue période d’essor de l’abstraction et de l’art moderne, un geste de retour à la figuration. La bande dessinée, en face, cherche une légitimation.

Récemment, à l’occasion d’une exposition de bande dessinée montée pendant le festival d’Angoulême, un commentateur à la radio se posait des questions sur la possibilité d’exposer de la BD. Faut-il exposer la bande dessinée telle qu’elle se lit et montrer toutes les planches à la suite, ou justement s’extraire de la narration ? Et partant, peut-on dire du dessinateur de BD dont les planches arrachées de la narration sont appréciées, cotées, qu’elles sont, elles, des oeuvres d’art, le travail de « vrais artistes » ?

Prenons ces mots, figuration, narration. Deleuze rappelle comment Baudelaire en ses critiques d’art appelle à se garder des dangers de l’illustration et de la narration. La bande dessinée serait ainsi, par sa nature même de figuration narrative, le prototype de l’écueil. Comment la légitimer, comment lui donner une noblesse ? Je retrouve la question de notre commentateur de radio : pour certains élus parmi les dessinateurs, les illustrations deviendraient, dépouillées de leur avant et de leur après, dépouillées de leurs textes, des oeuvres d’art, tirées en grand format, signées, cotées.

Pictoplasma : extraire le personnage du contexte narratif

Pictoplasma apporte une proposition nouvelle : le personnage sans contexte. Créé pour lui-même, sans légende, sans histoire, sans avenir, sans texte. Que reste-t-il d’une figuration dont on aurait retiré toute narration, et cela suffit-il à faire émerger un fait pictural, à faire oeuvre ?

A cette question Pictoplasma répond plutôt par la négative : non, la création de personnage, le character design n’est pas l’oeuvre d’une élite artiste, c’est celle de tout internaute, de tout enfant qui viendra griffonner son monstre. A posteriori, devant ces centaines de figures, attribuer un sens ou non, une volonté ou non, à l’un de ces personnages, c’est un choix qui revient à celui qui les regarde. On s’amuse à retrouver là une posture que beaucoup d’artistes contemporains aiment à tenir.

A rebours, Pictoplasma faisait même remonter la création de figures à travers les matières et à travers les époques, pour retrouver aussi bien le bronze (Friends With You) que la fabrique des idoles (The Missing Link). Un retour aux arts premiers, à la fois sacrés et communs ? A moins que la proposition de Pictoplasma ne soit pas d’aller vers une oeuvre, mais vers une multitude d’élémentaires, vers un code figuratif, une typographie ?

Du 7 décembre 2011 au 11 mars 2012, le Musée Français de la Carte à Jouer à Issy-les-Moulineaux présente une exposition consacrée à la place du jeu et des cartes à jouer dans les oeuvres de Lewis Carroll, et en particulier dans la plus célèbres : les aventures d’Alice au pays des Merveilles

Lewis Carroll et Alice au pays des Merveilles sont à l’honneur en ce moment : on va parler aujourd’hui de l’exposition d’Issy-les-Moulineaux, mais une autre exposition se déroule en même temps à Rennes et occupe tout le rez-de-chaussée des Champs Libres.

Comment aborder un chef d’oeuvre aussi riche en références et en interprétations que Alice au pays des Merveilles, comment également ne pas manquer d’évoquer la personnalité de Charles Lutwidge Dodgson alias Lewis Carroll et l’effervescence de son esprit, tout en rendant hommage aux illustrateurs qu’il a inspirés ? Je vais essayer de caser dans un recoin d’agenda de mon prochain séjour rennais la visite de l’expo qui s’y tient, mais à Issy-les-Moulineaux l’angle choisi pour aborder l’oeuvre était tout trouvé. C’est le musée français de la carte à jouer, sis dans le même bâtiment que le musée de la ville, qui organise cette exposition, et pense ainsi naturellement le thème et la scénographie autour des cartes à jouer, qui apparaissent dans trois chapitres des aventures d’Alice (ch . 3 : « Le terrain de croquet de la Reine », ch. 11 : « Qui a volé les tartes ? », ch. 12 : « La déposition d’Alice »), mais aussi autour des jeux, importants dans l’oeuvre de Lewis Carroll. Des jeux de logique sortis de son imagination de mathématicien, et destinés à titiller l’esprit de ses contemporains.

Le musée français de la carte à jouer annonce la couleur d’entrée de jeu : l’exposition nous accueille avec un guéridon sur lequel repose une fiole étiquetée « bois-moi », et un parcours entre de grandes cartes à jouer qui se contorsionnent. Un écriteau nous prévient que l’on n’évoluera pas dans une exposition normale : comme dans la chute d’Alice au fond du terrier du lapin blanc, haut et bas n’ont plus de sens, et la scénographie en fait bel usage.

Le parcours présente d’abord l’auteur, puis introduit l’histoire des cartes à jouer pour nous apprendre que quand Lewis Carroll écrivait Alice, ou quand John Tenniel l’illustrait, les cartes à jouer qui les inspiraient étaient certes de fabrication anglaise, mais elles étaient des descendantes de cartes produites à Rouen ! Jusqu’en 1628, année où les îles britanniques décident l’interdiction d’importer des cartes étrangères, c’est là que sont produites les cartes à jouer utilisées par les anglais.

On découvre ensuite quelques-uns des jeux inventés par le professeur Dodgson, et on peut même y jouer ! Le reste, conséquent, de l’exposition, montre les très nombreuses oeuvres et produits interprétant, illustrant voire détournant l’univers d’Alice : livres pour enfants, jeux de société, mais aussi films. On retrouvera donc bien sûr la version de Walt Disney !

L’exposition invite enfin un artiste contemporain représentant la Nouvelle Subjectivité, Pat Andrea, à exposer son interprétation d’une Alice « plus moderne et entièrement revisitée ». Peut-être par conservatisme, je ne m’attarderai pas sur ce projet, lui préférant éminemment les illustrations de la fin du XIXe siècle, celles notamment de Peter Newell, et bien sûr celles de John Tenniel. Celles-ci illustrent l’édition que je possède d’Alice in Wonderland et de Through the looking glass, aux tranches dorées et à la couverture tendue de tissu rouge. On ne se refait pas, et je ferai manger sa tablette à celui qui me proposera une version électronique.

Revenons à l’exposition : elle ravira tous les amateurs de l’univers d’Alice et sera une belle découverte pour les autres. Ne la manquez pas !

Du 23 novembre 2011 au 2 avril 2012, le Centre Pompidou retrace l’histoire conjuguée de l’art et de la danse depuis le début du XXe siècle, avènement à la fois de l’art et de la danse modernes.

Au début du XXe siècle, alors qu’avec l’impressionnisme puis le fauvisme la peinture se détache peu à peu de la figuration fidèle pour s’attacher aux sensations et à l’instinct du peintre, dans le domaine de la danse on voit un mouvement similaire, initié par Isadora Duncan, se libérer de la forme du ballet classique vers une pratique plus proche de l’expression de la sensibilité du danseur.
Dix ans plus tard, alors qu’en peinture on franchit encore une étape vers l’abstraction et la pureté géométrique (on pense à Theo van Doesburg qui crée le mouvement De Stijl, bientôt rejoint par Mondrian), parallèlement on observe dans la danse une quête de l’abstraction du mouvement, d’un essentiel du geste : une aspiration vers l’idéal de la mécanisation, d’une danse à l’image de la machine. A l’extrême de ces recherches, on élémentarise, on théorise, on géométrise le danseur dans la forme virtuelle de l’icosaèdre (on regardera avec intérêt les vidéos de William Forsythe), on construit des machines dansantes, voire on mêle humains et machines dans des ballets chorégraphiés par Maurice Béjart. Rien que cela.

Les destins de l’art et de la danse étant si intimement mêlés, il ne faut pas s’étonner de l’apparition dans l’art d’une expression directement corporelle avec la performance, qui trouve ses origines dans les premières actions dadaïstes auxquelles participent des danseuses, et qui ne cessera de se développer sous forme notamment de happenings.
L’exposition se termine par ce que devient la danse lorsqu’elle se fait populaire, avec une évocation de la culture club et des musiques pop. On s’étonnera toutefois, après une telle exhaustivité, de ne pas retrouver un autre aspect de la danse populaire, celui des bals, qui s’il trouve son origine avant les débuts de l’art moderne, montre d’indéniables résurgences.

Voici, en quelques lignes, le propos porté par l’exposition : un propos riche et pertinent, qui montre des passerelles entre histoire de l’art et histoire de la danse qui ne nous étaient pas forcément présentes à l’esprit. Un parcours à la fois illustré par les oeuvres présentées dans l’exposition et au cours d’un ambitieux cycle de 250 films (et qui s’est hélas terminé le 2 janvier).

Ce sont ces mots et tout ce qu’ils portent qui animeront la Semaine de la langue française et de la Francophonie 2012 qui se tiendra du 17 au 25 mars. En attendant, pendant dix semaines, sur le site Dis-moi dix mots qui te racontent, on lira des mots d’écoliers, des mots d’internautes, des mots d’auteurs. Mais aussi, des blogueurs : sur le site Dix mots, dix blogueurs, avec mes neuf consoeurs et confrères nous publierons chaque semaine un billet sur ce que signifie chacun de ces mots pour nous.

La liste des dix mots ? Âme, autrement, caractère, chez, confier, histoire, naturel, penchant, songe, transports.

J’ai reçu l’invitation à participer il y a quelques temps : c’est un peu différent de ce que j’ai l’habitude d’écrire ici, mais ça tombait très, très bien. Peu de temps avant, je m’étais aperçu que dans ce travail d’écriture qui n’est pas toujours facile, partir de l’exercice de la définition est souvent payant, et une définition en entraînant une autre, emmène parfois même très loin. Donc dix mots, c’est une très belle occasion de se lancer dans ce projet au cours duquel je n’aurai pas d’expositions sur lesquelles m’appuyer.

Je crois bien que c’est demain que je publierai mon premier texte. On m’a dit que je pouvais choisir dans quel ordre je les publiais, mais l’arbitraire de l’ordre alphabétique en valant bien un autre, je vais commencer par « âme ».

A très vite !

• [NEXT Magazine/Libération] Les mannequins d’Etam se déshabillent au musée d’Orsay… qui veut porter plainte
• [FranceTV info] Le musée d’Orsay furieux après un tournage sauvage d’Etam lingerie

On connaît mes nombreuses prises de position, que certains jugent conservatrices, sur les nouvelles manières de penser l’expérience muséale. Je me suis souvent élevé contre la hochettisation de la culture, contre le discrédit qu’entraînent pour les oeuvres certains types de médiation qui sous-estiment trop la capacité des publics à faire des efforts. J’ai aussi souvent condamné la récupération, le détournement par des marques de notre patrimoine culturel.

Pour être cohérent avec toutes ces prises de position, je devrais m’indigner. Mais là !

Là, j’avoue que, visitant plus d’une centaine d’expositions par an et étant confronté à tant de visiteurs qui, au mieux se complaisent dans une ridicule érudition sans vie, souvent se croient investis d’un devoir particulier d’empêcher toute visite qui serait plus vivante que la leur (oui, parfois avec ceux qui m’accompagnent, nous avons des échanges passionnés dans les couloirs des musées, et au lieu de nous rejoindre dans nos débats ces tristes sires nous intiment le silence), et au pire ne ressentent visiblement aucune gêne à vous pousser pour mieux contempler seuls les oeuvres, bref, je vous avoue que la course apeurée au premier plan à 00:32 et la clameur, le grondement primal des publics habituels à 00:46 m’ont bien fait rire.

Je présente toutes mes excuses à mon moi rigoureux, élitiste, voire réactionnaire, pour cet article léger.

Les confrères blogosphériques ont vite levé les boucliers :

• Le musée d’Orsay autorise la visite en petite culotte chez Bernard Hasquenoph
• Femmes-objets et lieux publics chez Jean-Noël Lafargue

Du 15 décembre 2011 au 28 janvier 2012, la galerie Art District expose 5 photos de chacun des 5 photographes finalistes du premier concours du Royal Monceau pour la photographie. Et sans plus attendre, je vous révèle le nom de la lauréate de ce concours : c’est Cerise Doucède, qui pour sa série Égarements a gagné une belle somme et une commande pour enrichir la collection de l’hôtel.

Egarements - Cerise Doucède

Dans Égarements, les personnages de Cerise Doucède sont perdus dans leurs pensées, portent leurs regards bien au-delà de la scène, et leurs obsessions, leurs rêves prennent forme dans une constellation d’objets qui prennent vie et les entourent.

Qu’en est-il des autres finalistes ? Chacun d’entre eux voit l’une de ses photos achetées et ajoutées à la collection du Royal Monceau.

Emile Hyperion-Dubuisson propose une série de portraits à la limite de la disparition : ses personnages surexposés se détachent à peine du fond blanc. Quelques traces d’existence entre le photographe et le décor interrogent le statut de la photographie comme moyen de capture fidèle.

Hélène - Emile Hyperion Dubuisson

Chez Laura Henno, le rapport entre personnage et décor ne se fait plus sur le plan physique, lumineux, mais sur un plan plus métaphorique. Les adolescents de Laura Henno par exemple évoluent dans des paysages eux aussi en pleine tempête. Aucun de ses portraits n’est posé : Laura Henno accompagne ses modèles jusqu’à ce que sa présence, et celle de l’appareil photo, ne viennent plus interférer dans leurs émotions, leurs expressions. J’aime tout particulièrement Freezing, que vous verrez si vous allez voir l’exposition à Art District, et certainement également dans la galerie Les Filles du Calvaire qui représente l’artiste.

Untitled - Laura Henno

Chez Cara Phillips, on ne retrouve pas ce jeu d’interaction entre le personnage et son décor commun aux trois premiers, mais une nouvelle fois, comme chez Emile Hyperion-Dubuisson, c’est la lumière qui est l’acteur principal. Chez Hyperion-Dubuisson elle dissimulait, chez Cara Phillips elle révèle. Son inspiration vient de l’imagerie médicale, où des lampes à ultraviolet font ressortir les moindres détails, même sous-jacents, les moindres « défauts » de la peau, et pose directement la question de la beauté physique. Le nom de la série : Ultraviolet Beauties.

Untitled, Ultraviolet Beauties - Cara Phillips

On retrouve finalement un jeu intéressant comme dernière combinaison entre le personnage et son décor chez Ofer Wolberger : il cache le visage du modèle. Le plus signifiant étant perdu, dissimulé par un masque inexpressif, c’est au corps d’établir la relation avec le décor. Un décor qui lui aussi justement perd toute sa consistance : déconcertant, abandonné, il n’est d’aucun secours au corps sans visage. Il en résulte des images qui sapent nos repères habituels… ce qui est toujours enrichissant.

James Dean - Ofer Wolberger

Un peu par hasard en sortant de la visite de collections flamandes, je suis tombé sur l’affiche de ce film, sorti en salles la veille. Sans vraiment prendre le temps de chercher à savoir ce que c’était, je me suis dit que la coïncidence était intéressante et je suis entré. Dans le cinéma, et dans le tableau.

Entré dans le tableau, c’est le mot, littéralement. C’est ce que propose Lech Majewski (scénariste et producteur du film Basquiat de 1996) dans cette expérience cinématographique singulière où les scènes réelles sont très naturellement mêlées avec les images de synthèse sans qu’à aucun instant cela ne semble un anachronisme.
Au contraire, on est plongés dans cette campagne hollandaise du XVIe siècle où les soldats espagnols exercent une brutale répression politique et religieuse. Mais avant de le savoir c’est d’abord presque sans aucune parole que l’on fait la connaissance des nombreux protagonistes du tableau que le film reproduit, le Portement de la Croix.

On découvre petit à petit les liens qui se tissent entre eux dans cette scène mi-historique mi-allégorique où le supplice d’un hérétique est transfiguré en Passion du Christ, et où le rôle divin est joué par le meunier d’un moulin qui surplombe les tourments du monde, ses pales commandant au temps et son grain donnant le pain nourricier.
On est au coeur de l’oeuvre de Bruegel dans son dessein de mettre à plat la réalité de son époque tout en évoquant son inscription dans un ordre éternel. C’est un moment contemplatif, esthétique, méditatif, et pourtant on est pris aux tripes… tout ça dans un seul tableau du maître. La fin du film se charge de nous le rappeler, le replaçant, tout à coup silencieux et immobile au milieu de nombreuses autres peintures du Kunsthistorisches Museum de Vienne.

On sort du cinéma en ayant envie d’emporter le tableau avec soi, chez soi, en voulant être capable de les vivre tous aussi intensément, on rêve d’une médiation qui les rende aussi vivants sans jamais les trahir, sans jamais les discréditer, en leur rendant toute leur force originelle, loin des écueils opposés du fun et de la triste érudition !

Je veux insister en particulier sur l’exposition des plans-reliefs au Grand Palais, qui permettra de mettre en lumière ces réalisations impressionnantes, trop peu connues, trop peu visitées dans leur perchoir du dernier étage du musée de l’Armée aux Invalides !

• A partir du 12 janvier, l’exposition The Complete Spot Paintings 1986-2011 de Damien Hirst à la Gagosian Gallery :

  

  DAMIEN HIRST N-Methylurea, 2005 Household gloss on canvas 120 x 120 inches (304.8 x 304.8 cm) © Damien Hirst and Science Ltd. All rights reserved, DACS 2011.

  Plus de 300 peintures sont incluses dans l’exposition, du premier pois sur carton créé par Hirst en 1986, en passant par la plus petite spot painting représentant un demi-pois et mesurant 2.54 x 3.81 cm (1996), ou une œuvre monumentale constituée de quatre pois seulement, chaque pois ayant un diamètre de 152.4 cm; jusqu’à la peinture la plus récente réalisée en 2011 comprenant 25 781 pois ayant chacun un diamètre de 1 millimètre, et dans laquelle aucune couleur n’est jamais répétée.

• A partir du 17 janvier, l’exposition William Ropp à la Maison Européenne de la Photographie :

  

  William Ropp présente, à la Maison Européenne de la Photographie, une sélection d’environ 20 photographies ponctuant 20 années de travail. De l’obscurité révélatrice du studio aux vastes étendues africaines, en passant par les villages du Mexique, ici, ailleurs, partout, il détaille les fils d’une obsession pour l’homme dépouillé de ses artifices, pour la chair sombre et difforme du désir, pour l’enfance inquiète, immobile dans l’embrasure de la porte.

• A partir du 18 janvier, l’exposition La France en relief sous la Nef du Grand Palais :

  

  Sous la nef du Grand Palais, la France s’expose en relief. Autour d’une carte de France de 650 m², seize plans-reliefs conçus du XVIIe au XIXe siècle investissent le prestigieux monument des Champs-Élysées. Des dispositifs interactifs et multimédias alliés à une scénographie originale permettront d’explorer en détail ces maquettes extraordinaires.
  Cette exposition constitue une occasion exceptionnelle pour le grand public de découvrir des pièces spectaculaires de la collection, unique au monde, du musée des Plans-reliefs. Ces plans-reliefs, maquettes historiques de villes fortifiées, constituent un ensemble commencé sous Louis XIV, à partir de 1668, et enrichi jusqu’en 1873.

• A partir du 26 janvier, l’exposition Into the woods à la Galerie des Galeries :

  

  «Into the Woods» propose, entre romantisme contemporain et minimalisme saturnien, une expérience esthétique mystérieuse. Imaginée comme une promenade en forêt, cette exposition esquisse à travers le travail de onze artistes femmes, un paysage mental fantasmagorique. Peinture, sculpture, dessin, vidéo, œuvre sonore ou installation, les techniques employées sont multiples et amorcent un parcours énigmatique. Réminiscences de contes de fées ou folklore sylvestre sont convoqués en filigrane et les œuvres surgissent comme des incantations. Leur apparente obscurité offre de multiples passages dans des univers parallèles, où l’ensorcellement nous attend. Entre des semblants de rituels, un cabinet d’œuvres au noir et une dernière note alchimique, le visiteur se perd pour mieux se retrouver lui-même.