‘Machete’, el personaje creado por el director, guionista y compositor Robert Rodríguez, fue en primer lugar un experimento en forma de trailer surgido a raíz de la película ‘Grindhouse: Planet Terror‘. Sin embargo, y según palabras del intérprete que da vida a ese vengador de cuchillos y tatuajes, Danny Trejo, el germen de la idea ya se encontraba presente en el momento en que Rodríguez rodaba ‘Desperado’, en 1995. Tuvieron que pasar 15 años hasta que el director pudiese dar forma a la que, presumiblemente, será su segunda saga tras la tetralogía de ‘Spy Kids’.

Danny Trejo en 'Machete'.

La secuela de ‘Machete’ se llamará ‘Machete Kills’ y contará con el genio y figura de ese ex-boxeador de 67 años que es Danny Trejo. Un señor que nunca pensó en protagonizar una película: “No creo que Hollywood me hubiera elegido jamás para un rol protagónico. Vamos a ser claros: yo no tengo la cara de Brad Pitt o Leonardo DiCaprio. Pero fue decisión de Robert Rodríguez“. Pese a la confirmación de Trejo, que seguirá dando guerra para rato con este rol de super héroe mexicano, poco se sabe de las partenaires femeninas de la primera entrega, Michelle Rodríguez y Jessica Alba y tampoco de Steven Seagal o Robert De Niro.

Lo que sí es seguro es que habrá continuación, debida sobre todo a la reacción espectacular de los fans. El mismo Rodríguez lo cuenta con entusiasmo: “Machete es un auténtico superhéroe, y ‘Machete Kills’ será más grande y ambiciosa que el primer film”. El film, que empezará a rodarse este abril, contará la historia de cómo el Gobierno de los Estados Unidos contrata a Machete para una misión especial: la de acabar con un narco mexicano a punto de detonar una guerra a escala mundial gracias a un arma espacial por satélite. Como aliciente, se prevé que el malo malísimo sea una especie de homenaje a James Bond, el héroe de las buenas maneras por excelencia. Suponemos que como antagonista al semblante duro de Machete, un villano de esa guisa irá que ni pintado.

Tras esta segunda parte, Robert Rodríguez se pondrá a calentar motores para la que será la tercera y última entrega: ‘Machete Kills Again… In Space!’. Nunca un falso trailer dentro de una peli había dado lugar a una franquicia tan poderosa, con miles de fans en todo el mundo esperando ver a uno de los más importantes héroes mexicanos del cine por derecho propio. Con permiso, claro está, de Marlon Branco como Emiliano Zapata y Antonio Banderas como el Mariachi.

Para más información sobre la saga, te dejamos una entrevista con Danny Trejo y Jessica Alba.

Personajes ambivalentes, ambiciones desmedidas, crímenes sexuales, sospechosos habituales… todos los ingredientes que debe tener un buen thriller político para gustar al gran público son de sobra conocidos. Eso de que la realidad supera con creces la ficción no siempre es cierto, sobre todo cuando los recovecos de la imaginación de un buen guionista se ponen en marcha, algo difícil de imitar. Sin embargo, en ocasiones la vida nos brinda algunos pasajes que merecen la pena per se, sin que ningún demiurgo del cine haya decidido mover a sus marionetas de carne y hueso. Es lo que viene a denominarse “basado en hechos reales”. Ese podría ser el caso de uno de los episodios más escandalosos de 2011, aquel en el que se vio envuelto el candidato probable socialista a las elecciones francesas y presidente del FMI, Dominique Strauss-Khan.

El actor Gérard Depardieu.

Hagamos un repaso somero a las características del affair DSK. Personajes ambivalentes… ¿es Strauss-Khan víctima o verdugo? ¿Culpable o inocente?. Ambiciones desmedidas… la chute de un posible presidente de la República Francesa puede tener más de un conspirador. Crímenes sexuales… ¿fueron consentidas las relaciones entre el político socialista y la camarera? ¿Es DSK un devorador sexual? Sospechosos habituales… ¿posible sabotaje de la oposición? Para ordenar todas estas preguntas y tratar de darles un sentido, el pasaje que recoge la detención de este ex-ministro por las autoridades estadounidenses en Nueva York será llevado al cine por (atención) el realizador Abel Ferrara, responsable de títulos como ‘Bad Lieutenant’ (1992) o ‘Body Snatchers’ (1993).

No sabemos cómo encajará este caso un cineasta como Ferrara, pero si hacemos caso a su trayectoria auguramos grandes dosis de violencia y tensión psicológica.  No en vano, Ferrara ya tiene experiencia en eso de los thrillers… no hay más que recordar pelis como ‘The Funeral’ (1996) o ‘New Rose Hotel’ (1998). Pero esta no es la única sorpresa relacionada con este proyecto en ciernes, pues el director neoyorquino ya ha confirmado la presencia de un peso pesado del cine francés para el papel de DSK. Nada más y nada menos que Gérard Depardieu, sobre el que Ferrara se expresa en estos términos: “No le conozco más que de verlo en un par de películas, pero me lo encontré en Deauville en septiembre de 2011 y descubrí a un hombre genial, que piensa y siente las cosas, y que conoce el asunto perfectamente. Es todo lo que un director puede esperar de un actor”. Junto a él, y suponemos que dando vida a la influyente mujer de Strauss-Khan, Anne Sinclair, la también francesa Isabel Adjani.

Con más sombras que luces, finalmente Dominique Strauss-Khan fue puesto en libertad por falta de pruebas. Sin embargo, la película desea seguir escarbando en una herida que aún no ha cerrado del todo. No podemos sino esperar grandes resultados de este film con vocación internacionalista que se rodará entre París, Washington y Nueva York. Tal y como dice Ferrara, “en todos los centros de poder porque, de hecho, es un film sobre gente rica y poderosa”. Por el momento se baraja la opción de empezar a rodar en julio de este año, si bien es cierto que el director se encuentra aún ultimando los detalles de su futuro proyecto, ‘Jekyll and Hyde’, al tiempo que tiene pendiente por estrenar en Estados Unidos el film ’4:44 Last Day On Earth’.

Fuente / Fotogramas

Si hay una directora en nuestro país con una trayectoria constante, coherente y sólida esa es la madrileña Icíar Bollaín. Y si, con sus cuatro primeras películas como realizadora (‘Hola, ¿estás sola?’; ‘Flores de otro mundo’, ‘Te doy mis ojos’ y ‘Mataharis’) ésta diseccionaba el alma femenina desde distintos puntos de vista, sin olvidar el aspecto social que caracteriza todas sus películas, en los últimos tiempos podemos observar que Bollaín ha adquirido cierta voluntad internacionalista. Su periplo por el extranjero la llevó a Bolivia en 2010 con ‘También la lluvia’, y ahora vuelve a repetir experiencia en Nepal. De ese lugar del mundo nos habla precisamente su nueva película, ‘Katmandú, un espejo en el cielo’.

Verónica Echegui en Katmandú

‘Katmandú’ se basa en la historia real de una maestra catalana, Vicki Subirana (Laia en el film) que viajó a Nepal huyendo de un pasado complicado y se dio de bruces con una realidad descorazonadora: la del sistema de castas de la India, la de la pobreza extrema y la de una comunidad que tiene muchas de las cosas que a ella le faltan. El guión se encuentra firmado por el marido de la realizadora, Paul Laverty, guionista habitual de Ken Loach. Por el momento, y antes de su periplo por festivales internacionales, la cinta cuenta con dos nominaciones a los Premios Goya: una como Mejor Actriz para Verónica Echegui y otra para el mismo Laverty, por la adaptación de ‘Una maestra en Katmandú’ al cine, el libro autobiográfico de Subirana.

Rodada en inglés y nepalí, y con actores no profesionales, ‘Katmandú’ está protagonizada por Echegui, su marido de conveniencia Norbu Tsering Gurung y la mujer que sirve de contraréplica a la mentalidad occidental de la protagonista, Harmila, interpretada por Sumyata Battarai. Entre estos tres personajes bascula la historia de una mujer empeñada en abrir una escuela en Nepal contra viento y marea. O, lo que es lo mismo, contra la tradición milenaria de las castas (y los consecuentes prejuicios morales) y un gobierno corrupto reflejado en la costosa burocracia que deberá sortear. Pero Laia hará todo lo posible por conseguir sus objetivos, incluso casarse para conseguir la residencia.

Echegui junto a Saumyata Bhattarai y Norbu Tsering Gurung.

Como siempre que dos culturas radicalmente distintas se encuentran, surge la misma cuestión: ¿mediante qué prisma vamos a enfocar una realidad multiforme? ¿Son los valores tradicionales dignos de respeto o un atentado contra los derechos humanos? ¿Es la cultura occidental un modelo a seguir? ¿Qué significa progreso? Estas y muchas más son las preguntas que la mirada de Icíar Bollaín tiene que ir dando respuesta a lo largo del metraje, pues la absoluta neutralidad es una apuesta perdida de antemano. Ella misma da sentido a la película a través de su protagonista, Laia: “Quería narrar el proceso de aprendizaje de una mujer, su viaje por otra cultura, cómo llega con prepotencia, choca contra esta nueva sociedad, pero finalmente aprende a entenderla y respetarla en lugar de prejuzgarla“, cuenta Bollaín.

La película establece una dura crítica contra la falta de educación y servicios sociales con los que millones de familias tienen que lidiar en un país como India. La pobreza extrema y la falta de perspectivas vitales (esas niñas obligadas a prostituirse) quedan bien patentes en el film. Sin embargo, y sin demasiadas volteretas morales, Bollaín se centra en el choque cultural antes que en el juicio de realidades ajenas a la nuestra, si bien deja claro que todo progreso pasa necesariamente por la educación. No obstante, los 144 minutos que dura el film no son suficientes para que entendamos al cien por cien la evolución de la protagonista. Pero las exigencias de la ficción son precisamente estas: la narración te abduce y te lleva de la mano cual niño que teme ser perdido por un barrunto de cuestiones mucho más complicadas que las expuestas.

Hace poco te hablábamos del remake norteamericano de una de las películas españolas más originales de los últimos tiempos: ‘Los Cronocrímenes‘, de Nacho Vigalondo. El reputado guionista Steve Zaillian será quien lleve a cabo ‘Timecrimes’, que es como se llamará la versión anglosajona de la peli, con el respaldo de DreamWorks Pictures. Pues bien, además de dar el salto a Hollywood gracias a este remake y otros proyectos que te adelantamos más adelante, Vigalondo ya tiene lista la que será su próxima película. Esta vez, como en la anterior, el director se adscribe a un género concreto para dar una vuelta de tuerca más, aplicando su ya conocida originalidad. Hablamos de ‘Extraterrestre’, una incursión en el poco transitado género de la ciencia-ficción a la española, llegando incluso a rozar la pura comedia romántica.

A través de la página de Fotogramas, él mismo lo explica de la siguiente manera: “Hubo un momento en que vi que la trama empezaba a parecerse a ‘Bésame, tonto’ (Billy Wilder, 1964), por poner un ejemplo. Pero eso no era un obstáculo, incluso lo abracé. Lo bonito del cine es no cerrarse ninguna puerta y a partir de ahí yo creo que el género perfecto es el total: esa película que no tiene miedo de hacer reír en una secuencia y aterrorizar en la siguiente“. El argumento, por lo tanto, mezcla el romance con la ciencia-ficción, al tiempo que se incurre en el género de la comedia. Por suerte, no tendremos que esperar mucho para poder verla, pues llega a las salas españolas este mes de marzo.

La historia arranca un domingo por la mañana, cuando un tipo se despierta en una cama con la chica a la que ha conocido el día anterior y con la que ha pasado una noche de sexo. A lo violento de esa situación se le suma una imprevista invasión alienígena a escala global. La pareja, totalmente extraña el uno para el otro, debe lidiar con el hecho de que no pueden salir del apartamento, obligados a convivir a la fuerza. En cuanto a los actores principales, Vigalondo ha contado con Julián Villagrán como el protagonista masculino y Michelle Jenner como la bella desconocida con la que comparte lecho. Junto a ellos, Carlos Areces y Raúl Cimas pondrán la nota más histriónica.

Además de ‘Extraterrestre’, el director cántabro ya tiene algunos proyectos hollywoodienses que le harían dar el salto al nuevo continente. De hecho, no olvidemos que el mismo Damon Lindelof, uno de los creadores de ‘Perdidos’, llegó a reconocer que ‘Los Cronocrímenes’ dejó una impronta imborrable en el equipo, terminando por influenciar la serie. Además de Lindelof, el guionista Mark Millar se ha interesado en su particular universo. Tanto es así que ambos se encuentran mano a mano escribiendo el guión de ‘Supercrooks’, film que se centra en el universo de los superhéroes y que podría dirigir el español. Además, Vigalondo tiene otro as en la manga con sabor norteamericano: se titula ‘Windows’ y se materializará antes que ‘Supercrooks’.

De este modo, Nacho Vigalondo sigue la trayectoria de otros españoles que ya han dado el santo a Hollywood, como puedan ser J. A. Bayona, Rodrigo Cortés o Juan Carlos Fresnadillo. Si a esto no se le llama “fuga de cerebros”, entonces es que no somos conscientes de los talentos que el cine patrio se empeña en perder.

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Tras asistir a diversos rumores que apuntaban hacia el director Darren Aronofsky como el encargado de sacar adelante el esperado remake de ‘Robocop’ (Paul Verhoeven, 1987), hace ya un tiempo que te contamos quién sería el cineasta definitivo: el brasilero Jose Padilha, responsable entre otras de ‘Tropa de Élite‘. Lo cierto es que cuando Aronofsky se desmarcó de este proyecto para emprender su grandilocuente y soñada película, ‘Noah‘, sobre el pasaje bíblico del arca de Noé, fueron muchos los que dieron por perdida la nueva adaptación de este clásico moderno de la ciencia-ficción. Sin embargo, poco a poco nos vamos enterando de más datos que apuntan a que la fase de preproducción estaría a punto de iniciarse.

Alex Murphy es Robocop.

El último de ellos es la entrada del guionista Nick Schenk, que además de trabajar repetidamente para la televisión, es el responsable del guión de una de las mejores películas de Clint Eastwood: ‘Gran Torino‘. Pues bien, todo parece apuntar, o al menos así se afirma desde The Hollywood Reporter, que la Metro Goldwyn Mayer tiene pensado iniciar el rodaje este verano, por lo que es importante que la película cuente con alguien que le de el nuevo giro que todos esperan. Como protagonista, y aunque aún no tenemos datos oficiales, se baraja el nombre de uno de los actores de moda: Michael Fassbender como Robocop, papel originalmente interpretado por Peter Weller.

Cabe recordar que Robocop es la historia de un policía, Alexander James Murphy, que fallece durante el cumplimiento de su deber como tal. Murphy es entonces trasladado al de la mega-corporación Omni Consumer Products, donde será el elegido para poner en práctica un novedoso proceso que acabará por transformarle en cyborg. En la peli original dirigida por Veroheven, Murphy se transformaba en Robocop en un corto periodo de tiempo gracias a la genialidad de un plano subjetivo, en el que se observa cómo los científicos operan cambios en su cuerpo. Sin embargo, para el nuevo director, Jose Padilha, lo verdaderamente importante es lo que ocurre durante este lapso de tiempo. Es decir, cómo se transforma un ser humano en un robot programado.

“Puedo decir que en el primer Robocop, cuando Alex Murphy es asesinado inmediatamente se ven algunos hospitales y esas cosas, y después se corta y entra el personaje de Robocop. Mi película tendrá dos cortes. ¿Cómo se crea Robocop?, ¿cómo poco a poco se transforma ese hombre en robot? ¿cómo es realmente su parte humana y cómo afecta a su cerebro y a él como persona?”. A juzgar por estas declaraciones, guionista y director tendrán que ponerse ya manos a la obra para tratar de ofrecernos nuevas dimensiones en una historia que ya es mítica para muchos espectadores.

Somos muchos los que pensamos que el proyecto debería haberlo recogido alguien como David Cronenberg, pues el mayor exponente de la ‘Nueva Carne’ podría dar un giro más que interesante a esta historia, sobre todo teniendo en cuenta que Robocop no es otra cosa que una exploración cinematográfica de las barreras que separan lo orgánico de lo mecánico. Incluso hubiésemos confiado en Darren Aronofsky, como fiel heredero de este movimiento. Sin embargo, y dado que ambos parece más interesados en explorar nuevos caminos, no nos queda más remedio que dar un voto de confianza a Padilha y Schenk.

Los cameos siempre han sido una de las grandes bazas de las series de televisión. Personajes conocidos por todo el mundo que, por unos cuantos minutos e incluso capítulos, forman parte de la trama que los espectadores siguen capítulo a capítulo. Los cameos suelen ser unas interpretaciones más bien cortas, como pequeños guiños al público. No obstante, y dado que hablamos de dos grandes damas de la gran pantalla, suponemos que los guionistas habrán querido exprimir todo el jugo posible a su paso por el medio catódico. Y es que no todos los días una producción televisiva tiene el gusto de contar con estrellas oscarizadas de la talla de Susan Sarandon o Shirley McLaine. A esta última la veremos en una de las series que más está dando que hablar:’Downton Abbey‘.

Shirley McLaine dará la réplica a Maggie Smith.

La actriz norteamericana es el nuevo fichaje estrella de un serial cuyo mayor atractivo es resultar 100% británico. De hecho, la protagonista de películas como ‘El apartamento’ o ‘Irma la dulce’ encarnará a un nuevo personaje llamado Martha Levinson, y que no es otra que la madre de Lady Grantham (Elizabeth McGovern). Evidentemente, no habrá sitio en la mansión para dos pesos pesados como son la propia McLaine y Maggie Smith, que interpreta a la manipuladora Lady Violet, Condesa viuda de Grantham. Desde luego, no podían haber escogido mejor actriz para dar la réplica Smith, y aquellos que aún la siguen tendrán el placer de volver a verla interpretar desde que apareciese en ‘Historias de San Valentin’, de Garry Marshall.

Otra de las series con fichaje estrella es ‘Con C mayúscula’ (The big C), que se emite por la cadena Showtime. Esta producción protagonizada por Laura Linney gira alrededor de una mujer a la que se le diagnostica cáncer, con el consecuente giro que emprende su vida. La tercera temporada empezará en los Estados Unidos el 8 de abril, aunque por el momento no hay ninguna cadena que la emita en España. Una pena, pues uno de los rostros más conocidos que pasarán por ella es el de la actriz Susan Sarandon dando vida a Joy, una mujer que ha conseguido vencer su enfermedad y que entabla amistad con Cathy (Linney), convirtiéndose en un modelo de lucha y superación para la protagonista.

Como ves, Sarandon y McLaine son dos cameos de lujo para dos series de éxito, pero los ejemplos son muchos. Series como ‘Glee’ han hecho de esta práctica su seña de identidad. Y tú ¿cuál piensas que es una de las incursiones más memorables de la ficción en la pequeña pantalla?

La historia negra de Hollywood, aquella que las rutilantes estrellas se afanan por ocultar, se encuentra teñida de drogas, alcohol, barbitúricos y, como no, mucho sexo. Así lo demostró en su día el cineasta experimental Kenneth Anger, el encargado de componer un decálogo de las perversiones de las estrellas del cine de los años 20, 30, 40 y 50. Hablamos de ‘Hollywood Babilonia’ (después hubo un ‘Hollywood Babilonia II’). Poco importa si los chismes y demás escabrosos episodios eran totalmente verídicos o no: Anger había destapado la caja de Pandora y los pecados de la meca del cine quedaban al descubierto. Desde entonces, distintas publicaciones han querido arrojar luz sobre los secretos mejor guardados de las estrellas. Pues bien, es el turno de un hombre llamado Scotty Bower, que vivió de primera mano fogosos pasajes de alcoba acompañado de los actores y actrices más cotizados de la época.

La actriz Katharine Hepburn, una de las protagonistas del libro.

Lo descubrió un periodista de la revista ‘Vanity Fair’ llamado Matt Tyrnauer, y desde entonces la expectación ante su posible testimonio no se ha hecho esperar. Tyrnauer había oído hablar de un tal Scotty, todo un semental en el mundillo, cuando preparaba su documental sobre Rodolfo Valentino: ‘Valentino: The Last Emperor’. Este misterioso hombre, un antiguo marine retirado, era conocido como el gigoló del Hollywood clásico y compartió lecho con muchas de las estrellas de antaño. Y hablamos tanto de ellas como de ellos, pues el susodicho gustaba de codearse con todo el mundo. De hecho, era conocida su atracción bisexual por actores, actrices, directores y demás fauna autóctona que correteaba por las colinas de Sunset Boulevard. Pues bien, ahora Scotty, que cuenta con 88 años en su haber, va a desvelar sus secretos de juventud. Y, de paso, el de decenas de celebridades.

El próximo 14 de febrero las librerías estadounidenses contarán con un nuevo libro en el que las mentes más calenturientas, a la par que cinéfilas, podrán regodearse de lo lindo. Hablamos de ‘Full Service: My Adventures in Hollywood and the Secret Sex Lives of the Stars’ (‘Servicio completo: Mis aventuras en Hollywood y los secretos de la vida sexual de las estrellas’). Coescrito junto a Lionel Friedberg, Scotty narra sus peripecias en Hollywood. Pero ¿cómo llegó un chaval de 23 años a este mundo? Sencillamente, Scotty trabajaba en una gasolinera cercana a los estudios de la Paramount, y eran muchas las estrellas que se paraban a repostar. El primero que encontró las segundas intenciones a esta palabra fue Walter Pidgeon, actor que le pagó la suma de 20 dólares por poder pernoctar con él. Después de Pidgeon fueron muchos más: Cary Grant, Spencer Tracy, Edith Piaf, Vivien Leigh o Rock Hudson gozaron de los servicios sexuales de este joven que, por lo visto, se puso de moda entre el star-system.

Uno de los chismes más jugosos es el episodio que compartió junto a la gran Katharine Hepburn. No sabemos si el anciano Scotty Bower tiene accesos de senilidad o sencillamente antes pasaban cosas excepcionales, pues éste cuenta que una vez hizo las veces de meretriz con la Hepburn para concertarle una cita con 150 mujeres. Ahí es nada. Además de los ya mencionados, en el libro aparecen otros ‘amantes’ como el rey abdicado de Inglaterra Eduardo VIII, el escritor y dramaturgo Tennessee Williams, el actor y director Charles Laughton, la actriz Rita Hayworth, Errol Flyn, Noël Coward, Mae West, James Dean… y hasta el mismísimo jefe del FBI J. Edgar Hoover, cuya homosexualidad acaba de ser confirmada en el reciente film de Clint Eastwood, ‘J. Edgar’.

Más información / Grove Atlantic

Foto / Classic Films Stars

‘J. Edgar’, lo nuevo del prolífico Clint Eastwood, en plena forma con 80 años, es un biopic puro y duro. Habrá quien sea más o menos aficionado al género, y habrá a quien no le apetezca una aproximación parcial a un personaje real. Con la sombra de ‘La dama de hierro’ planeando encima del film, podemos decir que Eastwood consigue sortear con éxito todos los demonios que comúnmente se asocian a este tipo de retratos, consiguiendo presentar un personaje poliédrico, cuyos desmanes de poder y ansias dictatoriales no se justifican, aunque sí se vislumbran como pecados humanos. El film recorre la vida del creador del FBI, John Edgar Hoover, desde los 20 años hasta su muerte. Con una estructura basada en los saltos espacio-temporales, el guión de Dustin Lance Black nos muestra la (poca) distancia entre un Hoover joven y empecinado en progresar y el dinosaurio ávido de control en el que se acaba convirtiendo. El espectador consigue dejarse llevar con facilidad entre estos dos polos gracias a un excelente trabajo de montaje y, por descontado, a la efectiva narración de Black, que ya se labró su fama en eso de los biopics gracias a ‘Mi nombre es Harvey Milk‘.

Leonardo DiCaprio y Armie Hammer en una escena del film.

Las comparaciones son odiosas, pero ‘J. Edgar’ se hace fuerte en todo aquello que falla en ‘La dama de hierro‘, propuesta interesante pero empecinada en justificar lo imposible. Eastwood, al contrario, nos muestra un personaje débil y vulnerable en la intimidad, pero implacable en su vida pública, estableciendo una relación de causa / consecuencia, sin que por ello se establezca una disculpa. Sencillamente, el espectador cuenta con las pistas para comprender qué ha pasado con ese hombre, lo más parecido a un dictador que ha tenido Estados Unidos. Un sujeto obsesionado por el control, tanto el de sus congéneres y como el de sus propios sentimientos. Un homosexual reprimido, un hombre dominado por su madre (Judi Dench), y un tirano temido por la nación a causa de sus inquisidoras prácticas al mando del FBI.

Como los buenos autócratas, Hoover estuvo en el poder durante 48 años (1924-1972), periodo que recorre gran parte de la historia norteamericana del siglo XX y que, por tanto, hace que la película funcione como una especie de radiografía sentimental de los Estados Unidos. Casi medio siglo siendo el hombre más temido de la nación, sobreviviendo a ocho presidentes, y sobre todo, ejerciendo de perfecto fabulador. Y es que uno de los puntos más interesantes de la película es ver al director del FBI dictando la historia de su vida, llena de logros, a una serie de jóvenes principiantes de la oficina. Eastwood deja que descubramos que, bajo ese halo del poder absoluto, hay un mentiroso. Hoover es un narrador excepcional, pero también un hombre que ha creado una épica de sí mismo que lo erige a la categoría de semidios y que, lo más grave, él mismo no ha tenido ningún problema en creer.

De esta forma, Clint Eastwood realiza una doble operación directamente relacionada con la manera en que se concibe la historia de su país. A medida que Hoover construye el discurso oficial, Eastwood lo desmonta al tiempo que realiza una suerte de hagiografía de los Estados Unidos, evidenciando el puritanismo, la violencia y la represión como fórmulas para  de mantener el status quo institucional. Por otro lado, es grato ver la manera en que el director, caracterizado por interpretar y poner en escena a personajes eminentemente varoniles, trata la homosexualidad de su protagonista. De hecho, cuando ‘J. Edgar’ resulta más emocionante es cuando traslada la intriga política al ámbito de la alcoba: los pasajes que Hoover comparte junto con su inseparable Clyde Tolson (Armie Hammer), director adjunto del FBI y amor de su vida. Sí es cierto, por otro lado, que se echa en falta una mayor profundización en determinados pasajes históricos, como la responsabilidad de Hoover en la Caza de Brujas en el Hollywood de los años 50, por ejemplo.

Hoover dicta la historia de su vida.

Eastwood deja en un segundo plano a Capone, Dillinger, Machine Gun Kelly, la Gran Depresión, los Kennedy, el Ku Klux Klan o Luther King. El crimen del bebé robado de los Lindbergh, que dio paso a la fundamental Ley Lindbergh y posterior desarrollo del FBI, ocupa parte sustancial de la trama, pero éste se relaciona con la importancia que le otorga la dominadora madre de Hoover (esa escena en el cine donde ella llora viendo al pequeño Lindbergh es decisiva). Y es que en ‘J. Edgar’ lo que realmente importa es aquello que no aparece en los libros de texto o en los periódicos: cómo se forja la personalidad del protagonista. Este biopic, aunque político (lo es, y mucho) resulta ser también un biopic del alma de Hoover. Porque parece ser que el Hombre de Hierro sí la tenía, y bastante atormentada por cierto. Eastwood evidencia así la eterna y desmedida ambición de un hombre que tuvo a la casta política bajo el yugo de sus informaciones. Sin embargo, y cuando Hoover se mira al espejo, se encuentra con lo mismo que vemos nosotros: dolor y patetismo.

Para acabar, solo cabe mencionar el excelente trabajo del tandem Dicaprio / Eastwood que es, como era de esperar, impecable. De hecho, la película en si misma es impecable, aunque no por ello resulte sorpresiva o sustancialmente decisiva en la carrera de su director. Sin embargo, y llegados a este punto, no podemos sino preguntarnos por qué ‘J.Edgar’ se encuentra ausente en esta edición de los Oscar y por qué la Academia de Cine ha decidido que, este año, Leonardo DiCaprio no merece una nominación como Mejor Actor Principal. ¿Tendrá la culpa el maquillaje, uno de los peores que se recuerdan?

Inquietante, paranormal, oscura… así se nos presenta la nueva propuesta del español Rodrigo Cortés. Parece ser que el fenómeno ‘Buried‘ aún persiste en las retinas de más de un espectador, haciendo que la espera hasta el estreno de ‘Luces Rojas’ (‘Red Lights’) se haga más larga. Las expectativas son muchas y por eso nosotros te adelantamos el trailer de la película, que llegará a las pantallas españolas el próximo 2 de marzo. Como puntos positivos, la tercera película de Cortés, responsable de films como ‘Concursante’ o la ya mencionada ‘Enterrado‘ (‘Buried’), cuenta con un reparto de escándalo y la promesa de adentrarnos en el oscuro universo de la parapsicología. Ya hay quien la ha comparado con ‘El Protegido’, de M. Night Shyamalan. Sea como fuere, esperemos que este film de que hablar, tanto dentro de nuestras fronteras como fuera de ellas.

Sigurney Weaver y Cillian Murphy en 'Luces rojas'.

Ya que hemos hecho mención al reparto de ‘Luces Rojas’, vamos a pasar a enumerarlo, pues no tiene desperdicio: Cillian Murphy, Robert De Niro, Sigourney Weaver, Elizabeth Olsen, Toby Jones, Joely Richardson y Leonardo Sbaraglia son los principales protagonistas de este thriller paranormal, rodado parcialmente en Barcelona, que cuenta la historia de dos investigadores de fraudes paranormales, Margaret Matheson (Sigourney Weaver) y su joven ayudante Tom Buckley (Cillian Murphy). Juntos estudian diferentes fenómenos metafísicos con el objetivo de demostrar que siempre existe un origen fraudulento, bien sea porque se pretenda engañar al gran público, bien porque la persona cree tener capacidades extrasensoriales. El equilibrio entre la ciencia y la superstición se rompe cuando aparece Simon Silver (Robert de Niro), un legendario psíquico extremadamente dotado, que vuelve tras una ausencia de tres décadas para erigirse como el mayor desafío mundial para la Ciencia ortodoxa y los profesionales. Entre ellos, claro está, Margaret y Tom. Pero mientras Margaret parece mostrarse más escéptica, Tom experimenta una fuerte y creciente obsesión por Silver, que parece manifestar poderes inexplicables.

‘Luces Rojas’ ha supuesto la confirmación de Cortés en el mercado estadounidense, o por el momento, y hasta que juzguemos el éxito de la peli en el continente norteamericano, una nueva oportunidad de hacer cine cine en Hollywood pero con acento español, como es el caso de J.A. Bayona y ‘Lo imposible‘ o el de Juan Carlos Fresnadillo con ‘Intruders‘. Por el momento, y tras ser presentada en el Festival De Sundance, parece que el film no ha gustado mucho a los críticos, además de costa sudor y lágrimas el poder conseguir un distribuidor en los Estados Unidos. Sin embargo, y si hacemos caso de las últimas noticias, parece ser que finalmente será Millennium Entertainment quien se encargue de esta parte del proceso. En España hemos tenido un poco más de suerte, y el próximo 2 de marzo tendremos la película en las salas de cine.

Probablemente Brad Pitt y George Clooney sean los dos actores que se disputen este año el premio al mejor actor en la gala de los Oscar, con el permiso de Jean Dujardin, que está inconmensurable en la laureada The Artist. A Clooney lo hemos visto en una interpretación excelente en Los descendientes, de Alexander Payne – una interpretación que le ha valido un Globo de Oro – y a Pitt lo podremos ver en las salas de cine españolas a partir del 3 de febrero con otra de las grandes películas del año: Moneyball: rompiendo las reglas.

Brad Pitt ha conseguido una nominación a los Oscar por su interpretación en Moneyball

Bennet Miller es el director de esta película entre comedia y drama que cuenta cinematográficamente la historia de Billy Beane. Este hombre se hizo cargo de un pequeño y modesto equipo de béisbol. Como manager general de los Oakland Athletics, pronto se dio cuenta de que poco tenía que hacer con el ínfimo presupuesto del que disponía y fue entonces cuando decidió echar mano del ingenio para formar un equipo competitivo que le reportara éxitos.

Para conseguirlo, aprovechó una avanzada máquina que podía realizar análisis avanzados de juego gracias a las estadísticas de los jugadores. Este aparato, descartado por todo el mundo, se convierte en la clave del éxito de Billy Beane (Brad Pitt) ya que le permite encontrar buenos jugadores y ficharlos cuando aún nadie da dinero por ellos. Con la ayuda de esa máquina, la manera de fichar jugadores en las ligas americanas de béisbol cambió para siempre.

Basada en hechos reales y en un libro de Michael M. Lewis de 2003 que ya contaba esta misma historia, Moneyball: rompiendo las reglas cuenta con un guión escrito por Steven Zaillan (responsable de otros guiones, como el de American Gangster) y Aaron Sorkin (La red social). Junto a Brad Pitt, encontramos a Robin Wright (La princesa prometida), Jonah Hill (Supersalidos) o Philip Seymout Hoffman, quien ya trabajó con el director Bennet Miller en Capote, su primera y exitosa película (recibió una nominación a los Oscar como mejor película).

Como leemos en SensaCine.com, para la preparación de esta película, Brad Pitt se metió de lleno en la vida de Billi Beane. Pitt investigó sobre el pasado de este exjugador y entrenador de béisbol, lo encontró e incluso se entrevistó con él para conseguir una interpretación lo más fidedigna posible y atender a los consejos que éste le dio. Brad Pitt es también productor en esta película, bajo la sociedad “Plan B Entertainment” (productora de otras películas como Infiltrados o El árbol de la vida). Moneyball: rompiendo las reglas contó con un presupuesto bajo, unos 50 millones de dólares, teniendo en cuenta la calidad del reparto (por lo menos en cuanto al número de estrellas). En un principio el proyecto estuvo en manos de Steven Soderbergh, que pretendía intercalar entrevistas con jugadores y entrenadores de béisbol, pero finalmente fue Miller quien dirigió la película. Para dar más realismo a la historia, lo que sí se añadió fueron imágenes de archivo en el montaje final de la película. Para ello, el director colaboró con Jodi Tippi, un documentalista que le permitió acceder a una gran cantidad de horas de partidos y, además, consiguió imágenes rodadas por los mismos espectadores desde las gradas.

Si bien en muchas ocasiones las películas que giran en torno al mundo del deporte suelen ser muy estereotipadas, en esta ocasión el director ha conseguido imprimir un sello muy personal a la cinta. A Miller no le interesan los típicos “héroes” deportivos aclamados por sus triunfos, prefiere centrarse en los éxitos más tranquilos, los que se consiguen con el esfuerzo y la superación y que lleva su tiempo conseguir.

Seis nominaciones a los Oscar abalan esta película, incluidas las de mejor película, mejor montaje (para Christopher Tellefsen), mejor guión y mejor mezcla de sonido. Curiosamente, el guitarrista Joe Satriani, originario de Oakland, interpretó para la película la misma versión del himno de los Estados Unidos que había tocado en el partido de apertura de la temporada de béisbol de 2002. No nos olvidamos de las nominaciones por la interpretación: Jonah Hill tiene sus opciones como mejor actor de reparto y Brad Pitt, como ya hemos anunciado al principio, es uno de los más firmes candidatos a ganar el Oscar como mejor actor principal.

Estos actores y muchos más los puedes encontrar en las páginas de SensaCine.com, una guía imprescindible para conocer mejor el mundo del cine. Este portal recoge información muy variopinta sobre la vida y obra de actores y actrices de Hollywood, pero también europeos y de cualquier otra parte del globo y de la pequeña pantalla. Son muy interesantes los “Top” que publican con los actores y actrices más queridos por los usuarios del portal y algunos especiales que nos acercan el lado más personal de estos profesionales de la interpretación. Por ejemplo, es muy interesante un especial sobre las transformaciones que sufren los actores para meterse en el papel, como ha hecho recientemente Leonardo DiCaprio para interpretar al director del FBI J. Edgar Hoover.

Tras el impacto provocado por la repentina muerte del cineasta griego Theo Angelopoulos llega la resaca, y son muchos los profesionales del medio cinematográfico los que lamentan la ausencia de este artesano incansable de la imagen. Angelopoulos, de 77 años, fue víctima de un accidente de circulación el pasado día 24 de enero a las siete de la tarde, al ser atropellado por una moto mientras se encontraba, irónicamente, analizando las localizaciones para su próxima película en las inmediaciones de Atenas. El rodaje de este proyecto, de continuar con vida el director, ya hubiese empezado. En este artículo te ofrecemos un recorrido por la trayectoria de un autor que se fue demasiado pronto, cuando aún le quedaban muchas cosas por contar.

Fallece Angelopoulos.

Théodoros Angelopoulos nació el 27 de abril de 1935 y pese a que en un principio iba para abogado, lo cierto es que el gusanillo del arte se rebeló por fin tras acabar los estudios de Derecho y realizar el servicio militar, en 1960. En ese momento se matricula en La Sorbona de Paris y más tarde en la Escuela de Cine, marchando a su país natal, Grecia, en 1963 y tras haber sido expulsado a finales del primer curso por “inconformista”. Sin embargo, ese inconformismo habría de aportar gran parte del carácter de su filmografía.

Ya en Atenas empezará a dirigir sus primeras piezas, algunas de ellas inacabadas por falta de fondos, mientras colaboraba con diversas publicaciones de orden izquierdista. Se puede decir que su primer largometraje fue ‘Reconstrucción’, en 1970, sobre la historia de un crimen pasional. Sin embargo, es con su segundo film, ‘Días de 36′. cuando se da a conocer. Además, en el film encontramos algunos de los rasgos estéticos y temáticos que a partir de este momento serían indisolubles al cine de Angelopoulos. En primer lugar, su compromiso político. De hecho, ‘Días de 36′ muestra la corrupción política de un Gobierno, que debe recurrir al asesinato para acallar una crisis.

La importancia de ‘Días de 36′ en la trayectoria de Angelopoulos es notable, pues además de inaugurar una etapa de gran éxito internacional gracias a festivales y certámenes, inaugura lo que llegará a ser su llamada “trología histórica”, que seguirá con ‘El viaje de los comediantes’ (1975) y ‘Los Cazadores’ (1977). En este momento, ya es uno de los directores europeos más laureados. Conocido por su carácter detallista y perfeccionista, el cineasta creará escuela al basar su cine en la narración pausada y las tomas largas. Así, Angelopoluos nunca renunció a la experimentación, pues son conocidas sus alteraciones del eje cronológico, sus dilataciones espacio-temporales y su amor por los planos secuencia y los tiempos muertos.

Su trayectoria a partir de esta trilogía, con películas como ‘Paisaje en la niebla’(1988) o ‘La mirada de Ulises’ (1995), no hará sino confirmarle como una de las voces europeas del cine con más influencia internacional. Pero además de su vertiente artística, experimental y refinada donde las haya, lo cierto es que para el cineasta griego el cine seguía teniendo la misma utilidad que en su juventud. Esto es, la de un vehículo contestatario, soporte gracias al cual expresar diferentes denuncias sociales. En definitiva, como espejo a otras realidades, normalmente menos gratas, que nos son negadas.

En el momento de su muerte, Théo Angelopoulos se disponía a rodar la que anunció como su última película: ‘El otro mar’, que además serviría de colofón a su trilogía sobre la crisis económica que atraviesa Grecia.

Ahora que ya conocemos las nominaciones a los Oscar 2012, toca hacer quiniela. Para ello, evidentemente, no vale con conocer de refilón a los nominados, sino que lo verdaderamente jugoso es poder comprobar de primera mano de qué hablan, y cómo lo hacen, los filmes candidatos a llevarse el galardón de Mejor Película. ¿Por qué? Pues porque aunque los Oscar, como todos los premios, son parciales y olvidadizos, pero también nos hablan de las tendencias comerciales y estéticas del continente norteamericano en materia cinematográfica. Cine hecho para el gran público, películas de corte intimista, comedias agridulces, sorpresas de última hora, grandes producciones… entre las nueve candidatas a la Mejor Película de 2012 hay de todo. ¿Quieres conocerlas?

• The Artist. Qué podemos decir de esta coproducción dirigida por el francés Michel Hazanavicius, gran triunfadora en los Globos de Oro, donde consiguió hacerse con los galardones a la Mejor Comedia Musical, Mejor Actor para Jean Dujardin y de Mejor Banda Sonora. Si hacemos caso a los tópicos típicos del mundo del cine y consideramos los Globos como la antesala de los Oscar, lo cierto es que este film tiene todas las papeletas para acumular gran parte de las 10 nominaciones con las que se presentará el próximo 26 de febrero. Sin embargo, hasta en una gala tan coreografiada como es la de los Oscar, hay lugar para las sorpresas. Los competidores de ‘The Artist’ son muchos y poderosos, así que mejor andarse con ojo.

• Los descendientes. Una de las sorpresas más gratas de la temporada, aunque previsiblemente la cinta de Alexander Payne no consiga el estatuto de Mejor Película. Mucho más probable sería el Oscar al Mejor Guión Adaptado o, como no, el de Mejor Actor para George Clooney, que ya resuena en todas las encuestas como firme candidato. Sin embargo, los miembros de la Academia han tenido el detalle de no olvidarse de uno de los cineastas norteamericanos más estimulantes (y menos aprovechados) de este siglo, Payne, que también se encuentra nominado como Mejor Director.

• Criadas y señoras. Aunque sea el sleeper del año, una cinta de bajo presupuesto (bajo para Hollywood, ojo) centrada en el trabajo de sus actrices y girando en torno a un tema social como es el racismo, lo cierto es que, a nuestro humilde parecer, no entendemos qué hace aquí la cinta de Tate Taylor y por qué no hay cabida para David Fincher en esta edición con ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’. De metraje excesivo y cierta voluntad maniquea, aquello más destacable de este melodrama son sus interpretaciones y no así su guión. Por lo cual, sí nos congratulamos de que tres de sus intérpretes femeninas (Viola Davis, Jessica Chastain y Octavia Spencer) se encuentren nominadas.

• La invención de Hugo. Parece mentira, pues Martin Scorsese es uno de los directores más sólidos, en activo desde sus inicios, pero poco dado a ser pasto de las simpatías de los académicos. ¿El porqué? Cada uno tendrá su propia teoría, pero lo cierto es que esta vez tampoco creemos que sea la definitiva, pues su película cuenta con contrincantes de alto voltaje. Sin embargo, si hay algo que tenemos claro es que, pese a la espera, la recompensa para Scorsese por una trayectoria más que solvente no puede demorarse mucho. En esta ocasión, el cineasta adapta una famosa novela gráfica y juega con la tecnología 3D para ofrecernos una historia aparentemente anclada en el pasado pero que tantea las posibilidades de la inteligencia artificial.

• Midnight in Paris. La primera coproducción española que podría llevarse un Oscar y la primera vez que, desde ‘Hannah y sus hermanas’, que una peli de Woody Allen se cuela en el olimpo de las candidatas a ser la mejor del año. Como no podía ser de otra forma, Allen también compite por el Mejor Guión Original, y aunque él no sea aficionado a estos saraos (disfruta mucho más con homenajes extra-hollywoodienses), lo cierto es que con esta cinta ambientada en Paris, el neoyorkino ha conseguido que parte de sus fieles vuelvan a quedarse satisfechos. Algo que, reconozcámoslo, no pasaba hacía mucho tiempo.

• Moneyball: Rompiendo las reglas. Lo importante de la cinta de Bennet Miller (director de ‘Truman Capote’) no es esta película sobre el mundo del béisbol, sino el hecho de que podamos ver a Brad Pitt nominado al Oscar al Mejor Actor Protagonista después de dos candidaturas fallidas: ‘Doce Monos’ y ‘El curioso caso de Benjamin Batton’. En esta ocasión compite directamente contra su amigo y gran favorito, George Clooney. Sin embargo, lo cierto es que con ‘Moneyball’ puede pasar como con ‘La red social’ el pasado año: el público se olvida de la temática y accede a sus significados más profundos y universales, haciendo que esta peli centrada en un equipo deportivo menor, pero que gana temporada tras temporada, se convierta en algo mucho más trascendente.

• Tan fuerte, tan cerca. Según la crítica, facilona carne de Oscar firmada por todo un experto en el terreno: Stephen Daldry, director de ‘Billy Elliot’ o ‘El Lector’, ambas nominadas con anterioridad. La opinión de los académicos la conoceremos más adelante, pero lo cierto es que esta lacrimógena historia basada en la novela homónima de Jonathan Safran Foer es carne de cañón para corazones sensibles a la infancia y sus problemas. Y es que el relato acompaña  a un niño de nueve años, superdotado, a la búsqueda de una cerradura en Nueva York, una ciudad con 162 millones de cerraduras. Si a eso le sumamos el traumático tema del 11-S y las interpretaciones de Sandra Bullock y Tom Hanks, ¿qué nos queda? Pues eso, carne de Oscar.

• El árbol de la vida. Ha sido un caso extraño, pues su virtuosismo visual y su extremadamente cuidada puesta en escena se ha visto confrontada a la parcial inteligibilidad de su mensaje. Sin embargo, la Academia parece haberse quedado satisfecha con las aspiraciones metafísicas y religiosas de Terrence Malick, y ha incluido este poema visual entre las candidatas a la Mejor Película. Junto a esta nominación, una merecidísima para el director de fotografía, Emmanuel Lubezki, y otra para Malick como Mejor Director. Será por eso de que se prodiga poco por el medio cinematográfico y, evidentemente, por méritos propios.

• War Horse (Caballo de batalla). Historia épica de superación personal y buenos sentimientos ambientada en la Primera Guerra Mundial. De hecho, algo parecido a ‘Salvar al Soldado Ryan’ pero sustituyendo a Ryan por un caballo llamado Joey. Como la gran mayoría de las nominadas, ‘War Horse’ también se encuentra basada en una novela homónima, esta vez de Michael Morpurgo, aunque cuenta con la baza de tener al mismísimo Steven Spielberg como director. Desde 2005, con ‘Munich’, este productor y realizador todoterreno no había sido nominado a un Oscar a la Mejor Película. De hecho, la última vez  que ganó una estatuilla en esta categoría fue también la primera, en 1993, con ‘La lista de Schindler’. Demasiado tiempo ha pasado ya desde entonces… Cuidado ‘The Artist’ porque ‘War Horse’ te sigue de cerca y además es producto 100% nacional.

Más información / Oscar.go

La gran revelacion de Cannes 2011 fue, junto con ‘The Artist‘, la película de la francesa Valérie Donzelli ‘Declaración de Guerra‘. Aclamada por crítica y público, esta historia agridulce y sin prejuicios sobre una pareja joven que debe enfrentarse a una de los mayores desafíos de su vida, llega a las pantallas españolas el 3 de febrero. Y nosotros te invitamos a verla… gratis. Además de hacer las delicias en Cannes, la película fue seleccionada para competir en los Oscar 2012 por Francia, en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa. Por si esto no fuera poco, ‘Declaración de guerra’ salió más que airosa en el pasado Festival de Gijón 2011, consiguiendo los galardones en los apartados de Mejor película, actor (Jérémie Elkaïm) y actriz (la propia Donzelli). ¿Te parece suficiente reclamo?

Escena del filme.

Los aficionados al cine francés, o sencillamente a las buenas historias, podrán participar en el sorteo y comprobar qué hay de cierto en el reciente éxito de la peli de Donzelli. Sorteamos 5 entradas dobles para ver buen cine europeo, y para hacerte con ellas tan solo tienes que enviar un mail al correo concurso@zumodeblogs.es indicando en el asunto el título de la película. El contenido del mail deberá contener tu intención de participar en el concurso. Eso sí, ten en cuenta que los pases se harán únicamente en los cines Golem de Madrid (calle Martín de los Heros, 14, Metro Plaza de España) el día 8 de febrero a las 20:30 horas.

Para aquellos que aún no se hayan decidido, diremos que ‘Declaración de guerra’ es una historia basada en hechos reales, que narra la lucha entrañable pero durísima de una pareja, Roméo y Juliette, que deben aunar fuerzas para salvar la vida de su pequeño, Adam, aquejado de un tumor cerebral. Cada uno por separado harán de tripas corazón, pero no podrán evitar que su relación se vea afectada. Sin embargo, la cineasta huye del sentimentalismo lacrimógeno propio de los melodramas para presentarnos una historia diferente contada con inteligencia. Los personajes, fiel reflejo de una generación, la nuestra, que no está acostumbrada a luchar por la vida, se verán desprotegidos ante lo que se les viene encima. Sin embargo, y en una especie de oda a la resistencia del ser humano, sabrán sacar lo mejor de ellos mismos y darse cuenta de su capacidad de lucha.

Una historia que huye del maniqueísmo propio de este tipo de situaciones, y que nos sumerge en un mundo que se parece mucho al nuestro: lleno de contradicciones, momentos de luz y momentos de oscuridad. La misma Valérie Donzelli lo explica de la siguiente manera: “dos enamorados despreocupados, nada preparados para la guerra, como toda la generación a la que pertenecemos, pero que se van a sorprender ante su capacidad de lucha y de convertirse en héroes a su pesar. Llevar a cabo esa guerra es una forma de heroísmo. Ante esta prueba, se convierten en pareja, en adultos responsables”.

El nuevo proyecto de la cineasta y publicista Isabel Coixet se llamará ‘Marburg’, así ha sido confirmado por el guionista de esta nueva película que, como ha sido siempre costumbre en las distintas producciones de la realizadora catalana, contará con un elenco internacional y será rodada en inglés. De hecho, y como podrás comprobar por ti mismo, la historia de la que habla ‘Marburg’ así lo requiere. De hecho, se trata, a voz de pronto, de un proyecto mucho más ambicioso que de costumbre, aunque suponemos que Coixet no olvidará la impronta intimista que siempre infiere a sus retoños fílmicos.

‘Marburg’ es un drama sobre una enfermedad viral que recorre el mundo, y es por ello que la historia se distribuye entre cuatro periodos históricos y cuatro emplazamientos diferentes: la Alemania de 1967, Pensilvania en 1981, Sudáfrica en 1999 y Australia en 2007. Unos 40 años de recorrido de este virus que ocurre en cuatro sitios del mundo, todos ellos llamados Marburg. La trama de la peli se inicia en una localidad alemana llamada Marburg, como no podía ser de otra forma, donde 23 personas caen fulminadas y fallecen cuando el virus se desarrolla. Eso es lo que sabemos sobre él por el momento. De dónde viene y qué lo ha generado, son interrogantes que solo podrá desvelar la propia Coixet en su película, que, por cierto, empieza a rodarse este 2012.

El creador de tan alentador supuesto es Guillem Clua, que ya ultima los detalles del guión basándose en la obra de teatro homónima que él escribió y dirigió, estrenándose en el Teatre Nacional de Catalunya (TNC) en mayo de 2010. Además de Clua, la adaptación cinematográfica contará con la colaboración de Massa d’Or, la compañía que ya fuese productora de éxitos como ‘Pa Negre‘.

Regreso al cine de ficción

‘Marburg’ supone la vuelta de Isabel Coixet al cine de ficción desde que en 2009 rodase ‘Mapa de los sonidos de Tokio‘, protagonizada por la atípica pareja formada por Sergi López y la japonesa Rinko Kikuchi. Tras esta película, que pasó sin pena ni gloria entre la crítica y el público, la directora se centró en su faceta de documentarista y llevó a cabo ‘Escuchando al juez Garzón‘, producida por su recién estrenada compañía Miss Wasabi Films. Por otro lado, Coixet no ha abandonado su faceta como publicista, que la ha llevado a colaborar con marcas como Estrella Damm, Peugeot, Evax o Kelloggs.

No podría haber tenido mejor carta de presentación la esperadísima “Los descendientes” en su estreno en las carteleras españolas que los premios que recientemente ha conseguido en los Globos de Oro. Según vemos en SensaCine.com, esta comedia dramática que se ha llegado a los cines de España este mismo fin de semana pero que se estrenó en EEUU en noviembre, ya lleva casi 50 millones de dólares de recaudación.

Portada de "Los descendientes", con George Clooney

El director, Alexander Payne, que también fue el responsable de Entre copas, ha sido el encargado de adaptar al cine la primera de las novelas de  Kaui Hemmings, una joven escritora de origen Hawaiano que ha utilizado estas famosas islas del Pacífico como marco incomparable para contar sus historias y sus inquietudes.

George Clooney interpreta a Matt King, miembro de una de las familias de terratenientes más importantes de la isla que descienden directamente de los antiguos príncipes indígenas que lideraban la sociedad Hawaiana. Matt lo tiene todo en la vida para ser feliz, tanto a nivel económico, con el poder que le otorga su posición, como a nivel familiar, con una bella esposa y unos buenos hijos. Sin embargo, esta situación idílica empieza a derrumbarse cuando Elisabeth (interpretada por Patricia Hastie), su mujer, sufre un accidente en lancha y queda en coma.

A partir de este momento el cristal con el que ve las cosas Matt empieza a oscurecerse. Se ve incapaz de hacer frente a sus dos hijas, ambas en edad adolescente, que empiezan a descontrolarse. La mayor siente la necesidad de rebelarse contra todo y la menor la imita en mayor o menor medida. Por otro lado, Matt descubre que su mujer mantenía una relación de infidelidad con un agente inmobiliario y que tenía intención de divorciarse para irse con él. Al “shock” por estas noticias se le suma que no puede pedir explicaciones a su mujer y que no encuentra la manera de canalizar el dolor que le produce saber que toda su vida ha sido una farsa.

“Los descendientes” se ha llevado dos Globos de Oro en la edición de 2012, uno como mejor película dramática y otro para George Clooney como mejor actor de drama. Estos premios, que pueden ser un anticipo de los próximos Oscar, no hacen más que avalar la trayectoria tanto del actor como del director. Ambos estuvieron a punto de trabajar juntos en Entre copas y desde entonces, como nos cuentan en SensaCine.com, Clooney ha buscado la manera de trabajar jutnos. Por lo visto, el resultado está siendo muy positivo para ambos.

Curiosamente, en “Los descencientes”, George Clooney realiza un papel marcado por dos de su “fobias”: el estar casado y el tener hijos. En su vida real, Clooney ha reiterado en innumerables ocasiones que no tienen intención de casarse y mucho menos de tener hijos. En la ficción no es la primera vez que lo vemos en esta situación, aunque en “Los descendientes” parece que el papel haya sido escrito para él porque acaba siendo un padre inexperto y un marido en estado de “shock”. Además, curiosamente, la misma escritora autora de la novela en la que se basa la película, Kaui Hemmings, reveló que se había entretenido mucho pensando quién podría interpretar el papel de Matt King en el cine y resultó que el primer actor que le vino a la mente fue George Clooney.

Clooney en su papel de padre de familia

Como vemos en SensaCine.com, junto a “Los descendientes” encontramos en la cartelera otras películas de estreno y algunas que siguen su recorrido por los cines españoles. Entre estas últimas destaca la segunda entrega de las aventuras del Sherlock Holmes de Guy Ritchie y Robert Downey Jr. o la versión americana de la primera entrega de la saga Millennium, “Los hombres que no amaban a las mujeres”.

Acompañan a estos grandes títulos otras películas más de temporada, como Jack y su gemela, con Adam Sandler interpretando a dos hermanos gemelos tan diferentes como la noche y el día, o Alvin y las ardillas, la vuelta de estos simpáticos dibujos animados en un mundo de actores reales. El gato con botas, Copito de nieve, y El rey león son otras muestras de que el cine de Navidad todavía perdura en las carteleras de los cines. Además, aprovechando el tremendo éxito de largo recorrido que está teniendo la historia de Rapunzel y Flinn Ryder entre los niños y niñas, Disney ha decidido llevar de nuevo a las pantallas y por tiempo limitado su Enredados, una versión muy divertida de la historia de la joven princesa de largos cabellos encerrada en una torre.

El toque de ciencia ficción lo pone en la cartelera La hora más oscura, que cuenta cómo una invasión extraterrestre sorprende a un grupo de jóvenes americanos en Moscú. La española La chispa de la vida, de Alex de la Iglesia, permanece en cartelera una semana más con una historia entre lo cómico y lo trágico sobre la desesperación de las personas ante las penurias.

Interpretar el papel de Fidel Castro seguramente será uno de los retos más deseados por todos los actores latinos que se precien. La trascendencia y complejidad de un personaje determinante de la historia debe despertar los anhelos más ocultos de muchas estrellas del cine, pero solo los mejores (o con los agentes más profesionales) tienen el honor de hacerse con uno de esos roles que cambian su carrera. Ese podría ser el caso del filme que empieza a gestarse en Hollywood y que se basa en uno de los pasajes de la vida de Castro, en concreto aque que compete a la relación con su hija Alina.

¿Será Antonio Banderas el comandante Castro?

Además de Antonio Banderas en el papel de Castro, se barajan otros nombres para capitanear el proyecto. En primero de ellos, el de la mismísima Alina Fernández, hija exiliada de Fidel cuyo libro, ‘La hija de Castro, Memoria en el exilio de Cuba’, ha servido como inspiracion inmediata para el guión. Un guión que, por otro lado, estará firmado por Bobby Moresco, co-autor de la oscarizada ‘Crash‘ y ganador de un Pulitzer Nilo Cruz. El director será Michael Radford, el mismo que ya realizó con éxito películas como ‘El cartero y Pablo Neruda’, ‘El mercader de Venecia’ o ‘Un plan brillante’.

Como partenaire de Antonio Banderas, y presumiblemente en el papel de Alina, se baraja el nombre de la también española Paz Vega. Sin embargo, el reparto de esta producción aún está por conformar, aunque los bordes de esta historia empiezan a perfilarse. En primer lugar, no será un biopic estricto, sino un relato centrado en determinados pasajes de Fidel Castro. En concreto, las relación de éste con su hija antes de que ésta decidiese escapar de Cuba en 1993 motivada por sus pensamientos contrarios al régimen castrista, haciéndose pasar por turista española.

Alina Fernández es hija ilegítima de Castro aunque reconocida por el comandante. Tras pasar por Nueva York, Atlanta y Madrid, Alina se estableció en Miami, donde actualmente trabaja en los medios de comunicación. Para Fernández, además, Antonio Banderas sería el candidato perfecto capaz de interpretar a su padre en la gran pantalla, pues éste tiene “un carisma fenomenal y la capacidad para interpretar el papel a la perfección, puede hacer perfectamente cualquier papel que se proponga“.

Más información / Elseptimoarte

El mundo de la ficción ha evolucionado considerabemente hacia renovadas formas de relato, sobre todo desde que la fiebre por las series de televisión surgiese con fuerza, motivada en parte por la gran cantidad de profesionales dispuestos a arriesgar en un viejo medio que en estos momentos se aleja del tradicional apelativo de ‘caja tonta’. Nuevas posibilidades se abren ante el público, permitiendo a la ficción televisiva emprender nuevos caminos nunca explorados. ¿Quieres saber cuáles son las novedades en seriales norteamericanos para el año que entra? Aquí te presentamos las ocho grandes propuestas venidas de los Estados Unidos:

Cartel promocional de The River.

• Smash (NBC). El 6 de febrero llega a la pequeña pantalla una producción avalada por Steven Spielberg y que intentará recoger el legado musical de ‘Glee’. ¿Logrará superar a la serie en la que se inspira?

• Vee (HBO). Julia-Louis Dreyfuss encarna a la vicepresidenta de los Estados Unidos en esta producción quepretende  seguir la estela de ‘El ala oeste de la Casa Blanca’.

• ¡Rob! (CBS). Esta vez se trata de una sitcom protagonizada por el actor y humorista Rob Schneider , que da vida a un hombre que se casa con una mexicana y debe integrarse con la familia de ella. Dato curioso, la esposa en cuestión no es para nada mexicana, sino catalana: se trata de Claudia Bassols. Se estrenó el 12 de enero.

• The River (ABC). Una nueva apuesta por el misterio que se estrenará el 7 de febrero. Ambientada en el corazón de la jungla amazónica, el español Jaume Collet-Serra es el encargado de dirigir capítulo el piloto.

• Touch (FOX). Kiefer Sutherland vuelve a la televisión tras la exitosa 24, esta vez inmerso en una trama repleta de fenómenos paranormales. Se estrena el 25 de enero.

• Alcatraz (FOX). Tras el éxito de perdidos, la nueva serie de J.J. Abrams contará con la presencia de Jorge García. Las comparaciones son odiosas, pero ya tenemos material suficiente para poder hacerlas, pues la serie se estrenó en su país de origen el 16 de enero.

• House of lies (Showtime). Kristen Bell vuelve a ser protagonista en la pequea pantalla después de la serie que relanzase su carrera, ‘Veronica Mars’. En esta ocasión estará acompañada por Don Cheadle en una historia centrada en el mundo de las finanzas. Eso sí, en clave de comedia.

• The Firm (NBC). ¿Recuerdas esa peli con Tom Cruise y Paul Newman llamada ‘La Tapadera’? Pues bien, esta serie protagonizada por Josh Lucas viene a ser una suerte de remake para la pequeña pantalla. Esta vez, la novela de John Grisham se convierte en serial.  Fue estrenada el 8 de enero.

Como puedes comprobar una serie de propuestas para todos los gustos. Ahora solo te alta ver pilotos a mansalva y decidir tus favoritas.

El día 27 de enero se estrena la que será una de las propuestas más apetecibles de la cartelera, y no solo porque se trate de una rara avis dentro de las producciones españolas, sino porque su presumible éxito viene precedido de una publicación que ya ha vendido más de 35.000 ejemplares. Hablamos de la adaptación cinematográfica del cómic de Paco Roca: ‘Arrugas’. La novela gráfica que fuese Premio Nacional de Cómic en 2008 se transforma ahora en un film 2D para adultos, dirigido por Ignacio Ferreras y producido por Perro Verde Films.

'Arrugas', muy pronto en los cines.

Suponemos que la historia, ya de por sí conmovedora sobre el papel, adquirirá nuevas dimensiones gracias al formato de la animación digital. Sin embargo, y al final, con lo que nos quedamos es con la experiencia de Emilio y Miguel, los dos ancianos protagonistas recluidos en un geriátrico sobre el cual planea la sombra del Alzhéimer. Emilio es un viejo que teme ser trasladado a la planta de arriba, la de los deshauciados que no pueden valerse por sí mismos, y para evitarlo contará con la ayuda y solidaridad de Miguel y otros compañeros. En ‘Arrugas’ el humor se tiñe con ternura, pero también con dolor, pues para Miguel empieza una nueva forma de vida en la que deberá luchar para guardar sus últimos recuerdos. Un tema extremadamente duro, el del Alzhéimer, pero tratado con respeto y sensibilidad.

Además de lo atrayente de la propuesta, y para los más escépticos, podemos decir que el filme se encuentra abalado por un puñado considerable de nominaciones para distintos premios. Tanto la crítica nacional como la internacional, abalan este hecho. Así, ‘Arrugas’ ha sido nominada en la vigesimosexta edición de los premios Goya del cine español, pudiendo conseguir dos galardones, uno como Mejor película de animación y otro como Mejor guión adaptado, que caería en manos de Paco Roca y sus colaboradores: Ángel Cruz, Ignacio Ferreras y Rosanna Cecchini.

Además de los Goya, la peli está nominada a los Premios Gaudí de la Academia de Cine catalán, así como a los Premios Annie, organizados por la International Animated Film Society de Hollywood de Los Ángeles. Como guinda para un pastel que parece estar delicioso, ‘Arrugas’ también ha sido preseleccionada para los Oscar. No sabemos si habrá suerte y el 24 de enero, fecha en que se anuncia a los nominados, podremos tener una cinta española entre los candidatos. Por el momento, ‘Pa Negre’ no lo ha logrado… ¿será el año de Paco Roca?

Más información / Página Web Oficial

Era la candidata española para estar entre las cinco películas nominadas para el Oscar a la Mejor película de habla extranjera, pero finalmente no ha habido suerte. ‘Pa Negre‘, la cinta de Agustí Villaronga, basada en la novela de Emili Teixidor, y centrada en los estragos morales de la Guerra Civil española, no ha conseguido superar la penúltima de las cribas. Así, la candidata española no será una de las cinco finalistas susceptibles de llevarse la tan ansiada estauilla. Sí podrían serlo, en cambio, filmes como el belga ‘Bullhead’, de Michael R. Roskam, o la canadiense ‘Monsieur Lazhar’ de Philippe Falardeau.

'Nader y Simin, una separación', la preferida de los corrilos cinéfilos.

El resto de nominaciones se completan con la danesa ‘Superclásico0, de Ole Christian Madsen; la israelí ‘Foot Note’ de Joseph Cedar; la marroquí ‘Omar ma tuer’, a cargo de Roschdy Zem; la polaca ‘In Darkness’ dirigida por por Agnieszka Holland; la taiwanesa ‘Saideke Balai (Warriors of the Rainbow)’ de Wei Te-sheng y, como no, la alemana ‘Pina 3D‘ del reputado Wim Wenders. Sin embargo, y como en todo corrillo que se precie (el cinematográfico en ocasiones se asemeja a un patio de vecinos), la gran favorita, aquella que resuena en las encuestas, es la iraní ‘Nader y Simin, una separación’, dirigida por Asghar Farhadi.

Por el momento tendremos que esperar para conocer la selección definitiva de nominados al Oscar, pues las candidaturas completas no las conoceremos hasta el próximo 24 de enero. Para la gala, la número 84 de la historia de estos galardones, aún queda un poco más: el 26 de febrero en el Teatro Kodak de Los Angeles y presentada por Billy Crystal. Lo que sí sabemos seguro es que no veremos a Villaronga subir al estrado, ya que este año, como el pasado, España se queda fuera de las candidaturas.

Oscars con sabor español

Aunque Villaronga no lo haya conseguido con ‘Pa Negre’, lo cierto es que otros españoles sí han llegado a erigirse con el premio cinematográfico más famoso del mundo gracias a distintas producciones. El primero de los directores patrios en llevarse un Oscar a la Mejor película de habla no inglesa fue Luís Buñuel en 1972 por ‘El discreto encanto de la burguesía’. José Luis Garci se lo llevó en 1983 gracias a ‘Volver a Empezar’ y Fernando Trueba en 1993 por ‘Belle Époque’. Como no, Pedro Almodóvar, adorado por Hollywood, fue en siguiente en 1999 con ‘Todo sobre mi madre’. Más tarde, en 2004, Alejandro Amenábar se hacía con el Oscar a raíz de ‘Mar Adentro’.

Si hay una predicción segura que podríamos hacer de cara a 2012 es el hecho de que este año que nos queda por delante nos traerá dos filmes muy diferentes sobre un mismo personaje histórico: Abraham Lincoln, el que fuese el decimosexto presidente de los Estados Unidos. Si hace poco pudimos ver la metamorfoseada cara del actor Daniel Day Lewis como Lincoln para el nuevo y esperado film de Steven Spielberg del mismo nombre, en esta ocasión te presentamos una propuesta mucho mas trash que de costumbre. Sobre todo al tratar de revisitar la historia norteamericana.

Escena de 'Abraham Lincoln: Vampire Hunter'.

En ‘Abraham Lincoln: Vampire Hunter’ desde luego no podemos hablar de una biografía al uso, sino mas bien de todo lo contrario. De una historia fantastica construida sobre los cimientos de un personaje real. Una propuesta a priori divertida que mezclara la vida de Lincoln con jaurias de seres sobrenaturales. Y es que en el film que te presentamos Abraham Lincoln es una suerte de superheroe de las tinieblas: por el dia preside los Estados Unidos y por la noche emula a Buffy Cazavampiros.

El porqué lo encontramos en una historia totalmente inventada, pero efectiva, inspirada directamente de una novela de Seth Grahame-Smith, que inventa para la ocasión un perfecto Van Helsing, que además de matar vampiros con hacha en mano es todo un patriota. Para su adaptación cinematográfica se ha contado con el director de ‘Wanted’, el realizador ruso Timur Bekmambetov. A la espera de su estreno el 22 de junio, por el momento te dejamos con el trailer.

¿Reescribir la historia? Abaham Lincoln superhéroe

Indiana, 1818. Un niño de nueve años sufre a los pies de la cama donde yace su madre moribunda. La mujer ha sido atacada por unos extraños seres aquejados de una rara enfermedad. De hecho, se trata de los mismos lugareños, infectados con la llamada “enfermedad de la leche”. Pasado un tiempo, ese niño se da cuenta de que la dolencia de su madre no se debía a otra cosa que al hecho de haber sido atacada por vampiros. Se incia entonces una venganza que quedará reflejada en un diario que el infante escribe diariamente. Ese niño es Abraham Lincoln y sus ansias de vendetta le llevarán incluso hasta la Casa Blanca.

Maestro de la mente y el cuerpo, Lincoln consigue también ganar las elecciones, debido sobre todo a su defensa de la Unión y a su determinación de hacer de los esclavos hombres y mujeres libres. Pero su otra faceta, la de asesino de vampiros, pertenece oculta. Hasta que Seth Grahame-Smith tropieza con el diario secreto de Lincoln.

Glenn Close, la multinominada a los Oscar, premios Bafta y Globos de Oro, así como ganadora de varios premios Emmy, es sin duda la piedra angular sobre la que gira la producción y realización de “Albert Nobbs“. Esta película, que llegará a los cines españoles el 27 de enero, cuenta con fuerza y detalle una historia sobre lo dura y complicada que puede ser la vida y de los sacrificios que una persona se ve obligada a realizar por su supervivencia. Glenn Close encarna a Albert Nobbs, el mayordomo de un importante hotel de Dublín, el Morrison, que ha pasado toda su vida fingiendo ser un hombre para evitar pasar hambre. Hija ilegítima sin ni si quiera un nombre, es criada por una mujer a la que han pagado para mantener en el anonimato a la familia. Con el fin claro y decidido de no acabar en un hospicio, la joven toma la determinación de hacerse pasar por un hombre para encontrar trabajo. La Irlanda del siglo XIX presentaba este desalentador panorama: una pobreza infinita a la vuelta de la esquina para quienes no podían acceder a un puesto de trabajo.

Albert Nobbs

A los 14 años, Nobbs se convierte en empleado del hotel y varias décadas después sigue con las dudas sobre su continuidad, de la misma manera que el resto de los trabajadores del Morrison, los que aportan el contrapunto cómico a este drama social, viven con la incertidumbre sobre su futuro laboral y el abismo de la miseria que se atisba ante las amenazas de despido. Nobbs no sabe nada de su vida, toda ella la ha pasado prácticamente en el hotel. La baja consideración que se le daba a los mayordomos y trabajadores de los hoteles, que no podían mirar a la cara a los clientes, se había convertido en el mejor aliado para mantener su gran secreto (y en consecuencia su trabajo).

En este tenso marco de relaciones laborales, miedo y dudas, Nobbs entabla una buena relación con Helen, la actriz australiana Mia Wasikowska,  una joven doncella que trabaja en el hotel y que a su parecer es alguien con quien compartir su vida e incluso emprender nuevos proyectos, como el de un negocio propio. Se inicia así un triángulo que se completa con Joe, el novio de Helen, que la anima a ceder al cortejo de Abert Nobbs porque de esta manera está consiguiendo regalos como chocolate, whisky y dinero e incluso un puesto de trabajo en el hotel.

El compromiso de Helen con su novio Joe es tal que a pesar de que Albert se muestra ante ella tal y como es, la doncella le sigue el juego sin levantar sospechas para contentarle. El amor que siente por Joe es tan grande que le empuja a mentir y seguirle el juego a Nobbs. A medida que avanza la historia, los personajes van cobrando forma y vamos descubriendo aspectos muy interesantes de todos ellos, como la difícil infancia por la que ha pasado Joe, interpretado por el actor inglés Aaron Johnson.

El guion de la película es de la propia Glenn Close, en colaboración con el escritor John Banville y Gabriella Prekop, y se basa en un relato corto del autor irlandés del siglo XIX George Moore que Simone Benmussa llevó al teatro. En esta obra de 1982 se inició la relación de Glenn Close con el personaje de Nobbs, ya que ella misma se encargó de interpretar el papel de la joven que se convierte en mujer para sobrevivir. A lo largo de su carrera profesional, Glenn Close ha ido madurando la idea de llevar esta historia al cine. Barajó diferentes nombres para dirigir la película, pero hasta que no se topó por segunda vez con Rodrigo García, en Nueve vidas (2005) no se decidió. Unos años después y tras buscar ella misma las localizaciones en Irlanda, el sueño de Glenn Close se ha convertido en realidad.

Cuando se hizo público el trailer de lo nuevo de Wes Anderson, ‘Moonrise Kingdom’, las redes sociales se revolucionaron. De hecho, el film llegaría a estar entre los TT (trending topics) durante casi un día. No es para menos, pues los admiradores de este niño mimado del cine indie son muchos, aunque silenciosos. Cada estreno de Anderson no es un acontecimiento a gran escala, pero su corta filmografía es admirada y redescubierta continuamente por muchos amantes del cine. Esta vez, y después de su incursión en el mundo de la animación con ‘Fantastic Mr Fox‘ (2009), este director norteamericano nacido en Texas vuelve para relatarnos la historia de un niño y una niña que se enamoran y deciden huir lejos del mundo que les rodea. De nuevo, Anderson nos envuelve en el universo de la infancia a través de personajes universales y una estética más que reconocible.

Escena de Moonrise Kingdom.

Este escapismo infantil, tan presente en la filmografía de Anderson, se traslada ahora al verano de 1965 en una isla frente a la costa de Nueva Inglaterra. En un campamento infantil, dos jóvenes de doce años caen rendidos el uno de otro, llevando hasta el final un pacto secreto por el cual deciden escapar de ese mundo opresivo formado por adultos. Sus familiares y amigos inician entonces una suerte de “persecución” para encontrarlos. Por el camino, los distintos personajes mostrarán sus rencillas en la sombra y algún que otro romance oculto. Los niños están interpretados por los casi debutantes Jared Gilman y Kara Hayward, mientras que el resto del reparto se completa con algunos de los actores más variopintos del Hollywood actual: Bill Murray, como no podía ser menos, pero también Bruce Willis, Edward Norton, Frances McDormand, Tilda Swinton y Harvey Keitel.

En Estados Unidos el estreno de ‘Moonrise Kingdom’ tiene ya una fecha: el 25 de mayo. Por el momento, y mientras esperamos su estreno en las salas españolas, solo podemos instar a los fans de Wes Anderson a atreverse con una retrospectiva completa de su altamente recomendable filmografía: desde la que fuese su ópera prima ‘Bottle Rocket’ (1996); pasando por grandes éxitos del cine indie como ‘The Royal Tenenbaums’ (2001), ‘The Life Aquatic’ (2004), ‘Viaje a Darjeeling‘ (2007) o su último éxito, la adaptación del cuento infantil de Roald Dahl ‘Fantastic Mr Fox’.

Más información / Europa Press

Estamos en época de premios, eso seguro. Tras los Globos de Oro llegarán los Oscar y los Goya. Pero ahora es el turno de hablar de los BAFTA, los galardones otorgados por la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión, que tendrán lugar el próximo 12 de febrero. Como vemos, es temporada de red carpet y mientras esperamos nosotros te ofrecemos a los nominados. ¿Qué podemos decir sobre los BAFTA 2012? Que entre el palmarés se encuentran algunas de los films que a buen seguro veremos en otros certámenes, como ‘The Artist‘, ‘Drive‘, ‘Criadas y señoras‘ o ‘Los descendientes‘. Títulos de los que hemos hablado aquí y que constituyen algunos de las obras más importantes (por su calidad o repercusión mediática) de 2011. Como novedad, estaremos pendientes del recorrido de películas como ‘We Need to Talk About Kevin’ de Lynne Ramsay, nominada como Mejor película británica. Un inquietante thriller intergeneracional con Tilda Swinton y John C. Reilly como protagonistas, que esperemos no se demore mucho en llegar a los cines de nuestro país.

'We need to talk about Kevin', una de las sorpresas de la temporada.

Cabe destacar también la presencia de una categoría conocida como Mejor revelación britanica y que da buena cuenta de lo que le espera al cine de ese país si sigue apostando por los profesionales que han sido nominados. En definitiva, los representantes del futuro, gente como Joe Cornish (‘Attack the Block‘), Will Sharpe, Tom Kingsley y Sarah Brocklehurst por ‘Black Pond’. El actor Ralph Fiennes reconvertido en director para ‘Coriolanus’. Richard Ayoade por ‘Submarine. Acabando con Paddy Considine y Diarmid Scrimshaw por dirigir y producir ‘Redención’ respectivamente.

Aquí tienes a los nominados de las principales categorías. ¿Qué conclusión extraes? ¿Cuál es tu peli o actor preferido?

Mejor película:

‘The Artist’
‘Los descendientes’
‘Drive’
‘Criadas y señoras’
‘El topo’

Mejor película británica:

‘My Week With Marilyn’
‘Senna’
‘Shame’
‘El topo’
‘We Need to Talk About Kevin’

Mejor Dirección:

Michel Hazanavicius, ‘The Artist’
Nicolas Winding Refn, ‘Drive’
Martin Scorsese, ‘La invención de Hugo’
Tomas Alfredson, ‘El topo’
Lynne Ramsay, ‘We Need to Talk About Kevin’

Mejor actor protagonista

George Clooney, ‘Los descendientes’
Jean Dujardin, ‘The Artist’
Michael Fassbender, ‘Shame’
Brad Pitt, ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’
Gary Oldman, ‘El topo’

Mejor actriz protagonista

Bérénice Bejo, ‘The Artist’
Viola Davis, ‘Criadas y señoras’
Meryl Streep, ‘La dama de hierro’
Tilda Swinton, ‘We Need to Talk About Kevin’
Michelle Williams, ‘My Week With Marilyn’

Mejor actor de reparto

Kenneth Branagh, ‘My Week With Marilyn’
Jim Broadbent, ‘La dama de hierro’
Christopher Plummer, ‘Beginners (Principiantes)’
Jonah Hill, ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’
Philip Seymor Hoffman, ‘Los idus de marzo’

Mejor actriz de reparto

Jessica Chastain, ‘Criadas y señoras’
Judi Dench, ‘My Week With Marilyn’
Melissa McCarthy, ‘La boda de mi mejor amiga’
Carey Mulligan, ‘Drive’
Octavia Spencer, ‘Criadas y señoras’

Mejor guión original

‘The Artist’
‘La boda de mi mejor amiga’
‘El irlandés’
‘La dama de hierro’
‘Midnight in Paris’

Mejor guión adaptado

‘Los descendientes’
‘Criadas y señoras’
‘Los idus de marzo’
‘Moneyball: Rompiendo las reglas’
‘El topo’

Mejor película extranjera

‘Incendies’
‘Pina 3D’
‘Potiche, mujeres al poder’
‘Nader y Simin, una separación’
‘La piel que habito’

Aunque ahora el mundo lo conozca gracias al papel del galán de cine George Valentin, lo cierto es que el francés Jean Dujardin es uno de los actores más conocidos y valorados de su país, Francia. Se dio a conocer en 2003 gracias a la pequeña pantalla, pero su ascenso ha sido tal que ahora ya se lo rifan en todos los festivales. Y es que su papel en el film de Michel Hazanavicius, ‘The Artist‘, le ha valido la Palma de Oro en Cannes y el premio al Mejor Actor de Comedia en la 62º edición de los Globos de Oro. Con un notable acento francés, Dujardin ha revelado durante su discurso de agradecimiento en los Globo que, en su día, un agente le dijo que nunca podría ser actor: gesticulaba demasiado. Precisamente fueron la expresividad de su rostro y la vitalidad de su cuerpo los principales atributos que le harían ganarse el papel en ‘The Artist’… sin duda uno de los más importantes de su carrera.

Jean Dujardin explora diferentes registros en 'The Artist'.

Pero Jean Dujardin ya existía mucho antes de este film. ¿Quieres saber cuáles fueron sus inicios?

Como ya hemos dicho, fue el medio catódico aquel que dio a este actor nacido en Rueil-Malmaison (Hauts-de-Seine) en 1972 la oportunidad de hacerse un hueco en el cine francés. Un gars, une fille (Un chico, una chica) fue la serie de televisión que le hizo popular y el lugar donde conoció a la persona que más tarde se convertiría en la mujer de su vida: su compañera de reparto Alexandra Lamy. Así, y desde 2003, Dujardin comparte su vida con la protagonista de ‘Ricky’ (François Ozon). Antes de unirse a Lamy, el actor tuvo dos hijos con una mujer llamada Gaëlle, pero sería a partir de Un gars, une fille cuando Dujardin encontraría el camino hacia el éxito profesional y personal.

El cine vino de la mano de Mariages! (Valérie Guignabodet) en 2004, sin embargo fue la película de humor Brice The Nice aquella que lo posicionaría como uno de los mejores cómicos de su generación. No obstante, su gesto seguía siendo histriónico y su registro limitado a la comedia. OSS 117 : Le Caire, nid d’espions explota, de nuevo, su faceta cómica, haciendo de contrapunto satírico de James Bond. Sin embargo, esta interpretación le valdría una nominación a los César (premios de la Academia de Cine francesa) como Mejor Actor. Producciones como Lucky Luke, Le Bruit des glaçons, Un balcon sur la mer o Les petits mouchoirs (‘Pequeñas mentiras sin importancia’ es su título en español), le confirman como uno de los rostros más conocidos del cine francés.

Sin embargo, con la llegada de ‘The Artist’ y su éxito internacional, la carrera de Jean Dujardin se abre a nuevos horizontes inexplorados. Por el momento, una película muda le ha valido el reconocimiento de la crítica internacional. Como su personaje George Valentin, ¿será capaz Dujardin de adaptarse a los requerimientos del cine parlante, y en inglés? Compatriotas como Gérard Depardieu, Audrey Tatou o Marion Cotillard ya lo hicieron en su día.

De cine…

La esperada antesala de los Oscar, esto es la noche de los Globos de Oro, nos ha regalado a nuestro entender algunos de los galardones más merecidos del año 2011. El de Kate Winslet por una de las mejores miniseries de la historia, ‘Mildred Pierce’ (Tod Hayness), el otorgado a Michelle Williams como Mejor Actriz de comedia por ‘Mi semana con Marilyn‘. O el de Meryl Streep por ‘La Dama de Hierro‘, un galardón más que previsible, aunque no por ello menos merecido. El resto, caras conocidas de la gran pantalla desfilando por la alfombra roja, un Ricky Gervais mucho más comedido de lo esperado y unos galardones en los que la francesa ‘The Artist‘ ha sido la gran afortunada. La película de Michel Hazanavicius ha conseguido hacerse con el Globo de Oro a la Mejor Comedia Musical, el de Mejor Actor para Jean Dujardin (más que merecido) y el de Mejor Banda Sonora.

Contra todo pronóstico, el español Pedro Almodovar se ha quedado compuesto y sin Globo por ‘La Piel que Habito’, galardón que le ha robado la iraní ‘Nader y Simin. Una separación’ (Asghar Farhadi), proclamándose mejor película de habla no inglesa. Además del Globo honorífico para el actor Morgan Freeman, otros pesos pesados de Hollywood han hecho acto de presencia en el escenario para recoger sus premios. Ese es el caso de los veteranos Steven Spielberg (mejor filme de animación por ‘Las aventuras de Tintín’), Martin Scorsese (mejor dirección por ‘La invención de Hugo‘) y Woody Allen (mejor guion por ‘Midnight in Paris’).

… Y televisión

Pero no solo el cine es protagonista de los Globos de Oro, ya que las estrellas del medio catódico viven esa noche uno de sus días más gloriosos y emocionantes. Mucho más repartidos que sus partenaires cinematográficos, la única serie que repite premio es ‘Homeland’, como Mejor Drama y Mejor Actriz para Claire Danes. Si abandonamos el drama y giramos hacia la comedia, podemos decir que el Globo para ‘Modern Family’ ha cumplido las expectativas de las encuestas en un año poco prolífico para el humor televisivo. En cuanto a los actores, cabe destacar los galardones de Laura Dern por ‘Iluminada’, Matt LeBlanc por ‘Episodes’ y el de Idris Elba por la mini-serie ‘Luther’.

Por el momento, y hasta que no se conozcan los candidatos a los Oscar 2012, no podremos ver cuánto de adivina tiene esta gala. Lo que sí podemos asegurar es que más de un nombre propio mencionado en este artículo brillará con luz propia en la red carpet del cine por excelencia.