Casa del Cappellaio Matto

McDonald's: vent'anni di collezione

2012-03-05T07:47:00.000-08:00

Un altro sguardo alle collezioni più vaste, bizzarre ed incredibili del mondo, sì.

Stavolta, dopo aver curiosato in casa della ragazza ossessionata dalle Tartarughe Ninja, tocca ai coniugi Baugher, una coppia di simpatici ed arzilli vecchietti americani intervistati da Morgan Spurlock in occasione del suo documentario del 2004 Super Size Me. L'intervista appare tra gli extra del DVD.

Bob e Myra Baugher hanno collezionato gadgets legati al mondo del McDonald's per oltre vent'anni, ed il risultato è un capanno ricolmo, ma invidiosamente ordinato, di giocattoli e sorpresine.

Guardando questi due tizi di corporatura gracile ed apparentemente sana, la domanda non può non sorgere spontanea, no: dopo hanno messo tutti quei Big Mac, Big Chicken e patatine fritte?!

Non calpestare i palmipedoni

2012-03-01T13:20:00.000-08:00

C’è un cartello, nella parte più fitta del Turgey Wood, che recita un ammonimento tanto chiaro quanto criptico: non calpestare i palmipedoni!

Un po’ come quelle piccole targhette che di tanto in tanto è possibile adocchiare all’interno delle nostre aiuole.

Certo, con tutta la buona volontà di questo mondo, per quanto si possa esagerare in senso civico, è un tantino difficile rispettare un divieto se si ignora cosa esso voglia dire. L’ignoranza non sarà una scusante, ma non si cammina mica tutti con un vocabolario sottobraccio, eh. E chiedere ad un passante fa specie. Ci si vergogna, ecco.

Un po’ come dovrà essersi sentita Alice nel leggere quel fatidico, si diceva, cartello.

Non calpestare i palmipedoni. D’accordo. Ma cosa diavolo sono i palmipedoni?

La risposta è comunque destinata a giunger presto, qualche fotogramma dopo, sorgendo letteralmente dal terreno…

Dicasi palmipedone: un piccolo esserino bicolore il cui corpo pare essere costituito da due dita troncate… Due semplici bastoncini con due grandi occhi ed un ciuffetto di capelli in testa.

Hobby preferiti: dormicchiare (come le rape) infossato nel terreno ed indicare i sentieri alle fanciulle che si son perse.

Se è pur vero che i palmipedoni non appaiano “fisicamente” tra i personaggi da Lewis Carroll ideati ed utilizzati per riempire la popolazione del Paese delle Meraviglie, è altrettanto vero come essi siano quantomeno nominati.

Avviene in Alice attraverso lo specchio e ciò che vi trovò, in un verso, l’ultimo per l’esattezza, della prima strofa del famigerato Jabberwocky, la più complessa e conosciuta poesia di nonsense mai pubblicata. Quella stessa strofa che, nella versione italiana del film Disney del 1951, è più volte cantata (tradotta liberamente ed in due differenti versioni, in realtà) dallo Stregatto.

‘Twas brilling, and the slithy toves

Did gyre and gimble in the wabe:

All mimsy were the borogoves,

And the mome raths outgrabe.

Sono i mome (aggettivo che sta per “solenne”) raths, da noi diventati palmipedoni. A totale discrezione di Roberto De Leonardis, artefice della traduzione della pellicola.

Nello Jabberwocky, i mome raths non sono descritti, e per aver qualche idea sul loro aspetto occorre ricorrere allo stesso Carroll, sulla questione, però, piuttosto confuso, oserei dire.

Una prima risposta la si rintraccia infatti molti, moltissimi anni prima della stesura di Through the Looking-Glass, and What Alice Found There. Siamo nel 1855 e Charles Lutwidge Dodgson aveva solo ventitrè anni.

Per divertire la famiglia, il futuro professore di Oxford si occupava della scrittura e delle illustrazioni di alcuni giornaletti caserecci, prima valvola di sfogo per la sua trasbordante creatività.

E’ in uno di questi, intitolato Misch-masch, che fa per la prima volta capolino quella che sarebbe diventata un bel po’ di anni dopo la prima strofa del Jabberwocky.

A compendio, il giovane Charles illustrava il significato di quelle parole in realtà senza significato alcuno. Qui, ecco il rath essere descritto come: “un tipo di tartaruga terrestre dal capo eretto, la bocca da pescecane e le zampe anteriori così ricurve all’infuori da costringerlo a camminare sulle ginocchia. Corpo verde e liscio. Si cibava di rondini ed ostriche”.

I raths sarebbero dunque delle tartarughe; questo almeno fino al 1871, al momento della pubblicazione di Attraverso lo specchio.

“E mome raths?” disse Alice. “Ma forse ti sto dando un po’ troppi grattacapi”

“Allora, un rath”, rispose Humpty Dumpty “è una sorta di maiale verde. Riguardo a mome, invece, non ne sono sicuro. Penso che possa essere un’abbreviazione per from home (data l’assonanza tra le parole n.d.r), nel senso che hanno perso la strada, sai.”

E’ tramite Humpty Dumpty, quindi, che Carroll pare correggere il tiro, ed il rath da tartaruga si trasforma in maiale.
Quindi, tanto per non sbagliare, la Disney ha pensato bene di cercare una via alternativa, dando così vita a questi piccoli cosi colorati. Unico avviso. evitare di calpestarli.

Brodus Clay - Il Funkasaurus

2012-02-24T07:20:00.000-08:00

Mi sono avvicinato al wrestling da bambino, intorno ai dieci anni, quando i ring dell’allora WWF erano calcati da personalità quali Hulk Hogan, The Ultimate Warrior, “Rodwy” Roddy Piper o i compianti Yokozuna e “Macho Man” Randy Savage.

Per contorno, poi, tutta una serie di strambi personaggi impegnati a darsele di santa ragione… C’erano indiani, clown, cacciatori di coccodrilli, indigeni e perfino malefici dentisti!
Erano i primi anni Novanta, e qui da noi scoppiava una vera e propria wrestling-mania.

Ipnotizzati dall’italiano stentato del grande Dan Peterson, guardavamo i match in tv, compravamo le action figures e imitavamo, ahimè, le mosse dei lottatori… Don’t try this at home, un par de ciufoli.

Nel tempo, il wrestling è cambiato. Crescendo siamo naturalmente diventati più smaliziati ed i veri meccanismi di questo sport/spettacolo sono infine venuti alla luce. Ma, nonostante tutto, anche se con alti e bassi, a periodi, per quanto mi riguarda, continuo a seguirlo, sì. Quando ci si appassiona a qualcosa da bambini difficilmente si riuscirà a dimenticarla del tutto.

Ora, dato che ultimamente sono in vena di sperimentare, ho pensato di dare il via ad una nuova rubrica dedicata proprio al wrestling… E dato che il wrestling, almeno per il sottoscritto, è perlopiù divertimento, non potevo non scegliere come argomento prediletto tutta quelle serie di situazioni imbarazzanti o personaggi al limite dell’assurdo che, in tutti questi anni, la WWE si è tanto impegnata a propinarci. Perché il bizzarro, il trash oserei dire, in quel di Stamford è sempre stato di casa.

E non c’è nemmeno bisogno di andare indietro nel tempo per iniziare. Proprio per nulla. Dato che, proprio in questi giorni, chi segue la WWE ha potuto imbattersi in certe nuove perle niente male. Tra queste, una chiamasi: Funkasaurus!

Il problema principale dell’atleta noto come Brodus Clay è il fiatone. La poca resistenza sul ring. Tre/quattro minuti e la fatica è già dietro l’angolo.

Intendiamoci, niente di più plausibile, eh. Non credo proprio che per un uomo di quella stazza (179 kg quelli dichiarati) sgambettare sul ring debba essere poi tanto facile. Ci si stanca subito.

Così, quando nel novembre dello scorso anno il buon Clay sparisce dalle scene, la speranza diventa quella di vederlo ritornare rinato. Magari qualche chilo in meno e, di conseguenza, una maggior autonomia. Nel frattempo, a Raw, lo show principale della WWE, un paio di promo fanno capolino, pubblicizzando un Brodus Clay all’apparenza più cattivo che mai… Un altro monster heel all’orizzonte.

Ma a metà dicembre la messa in onda di questi video cessa all’improvviso, e mentre il ritorno è rimandato di settimana in settimana senza spiegazione alcuna, l’hype, da parte di fan sempre più curiosi, cresce a dismisura. Che qualcosa stia bollendo in pentola è ormai ben chiaro.

Il 9 gennaio 2012 finalmente il ritorno. Ma prima ancora che Brodus Clay metta piede fuori dal titantroon si ha la sensazione che vi sia qualcosa di sbagliato. Quella che parte, mentre il lottatore fa capolino, non è una theme music adatta ad un monster heel. Per nulla.

Sulle note colorate di Somebody Call My Momma, accompagnato da due sinuose ballerine, ecco far il suo esordio un Brodus Clay un tantino diverso dal solito… Fasciato in un bel costumino rosso, il pesante wrestler è diventato un ballerino funk!

Cioè… Ecco perché ho sempre amato la WWE. La amo perché continua a sfuggire ad ogni mia logica. Imperterrita e strafottente.

Infatti, qual miglior soluzione all’asmatico fiatone sul ring se non quella di far ballare il diretto interessato prima (!) e dopo ogni incontro?! Un ragionamento che non fa una grinza, no.

L’insieme è però spassoso, bisogna ammetterlo. Il pubblico si diverte ed io mi scompiscio. O almeno la prima, la seconda, la terza volta… Poi il tutto diventa improvvisamente stantio. Il wrestler si cimenta sempre nei medesimi passi e fatica non poco a stare dietro alle sue ballerine. Nemmeno le nuove tutine colorate, in sostituzione al rosso, servono a qualcosa. E, sul ring, le cose non vanno meglio. Il Funkasaurus arranca.

Le prestazioni sono fiacche, anche perché la WWE pensa bene di mandargli contro un piccolo esercito di jobber. E gli squash annoiano, non c’è niente da fare.

E così ecco l’epilogo. Ultimo match alla Royal Rumble 2012 per poi sparire nuovamente dalla circolazione (stessa sorte, ahimè, per le due ballerine…), perché, a dire di Vince McMahon, capoccia della WWE, non ancora pronto per combattere in uno dei principali show televisivi.

Ha ancora il fiatone?! Ma non mi dire… Mi sa che avergli imposto di ballare non ha mica tanto aiutato, vero?

Requiem per un funkasaurus, dunque? Specie estinta?

Dal suo account twitter, il 17 febbraio, lo stesso Brodus Clay cinguetta: “Non date retta agli haters, il Funksaurus è ancora in orbita WWE”.
Somebody Call His Momma!

Trova l'intruso...

2012-02-22T09:42:00.000-08:00

Tofffsy e l'erba musicale

2012-02-16T22:44:00.000-08:00

“Narra la leggenda che il Visconte di Teufel sconfisse il Mago Nero, rapitore del diletto figlio del Mago Giallo. Tanta fu la riconoscenza del Mago Giallo che regalò al Visconte due semi della magica erba musicale che solo i buoni possono far suonare.

Il Visconte seminò un seme. L’erba germogliò e poiché era buono riuscì a farla suonare.

Il secondo seme si trova nascosto nella feritoia della più alta torre del castello. Chi volesse far germogliare l’erba dovrà seminarlo in una notte di plenilunio e bagnarlo con tre lacrime”

Ecco l’incipit di Tofffsy e l’erba musicale, il cartone animato scelto per dare il via a questo nuovo appuntamento dedicato all’animazione... Naturalmente vintage, s’intende. Quei cartoon, cioè, che hanno segnato i pomeriggi di molti bambini ormai, da un bel po’, cresciuti.

Con Tofffsy (con tre F, si badi bene) siamo negli anni Settanta, il primo dei ventisei episodi trasmesso il 16 agosto 1977 su Telemontecarlo.

Ragazzi, ho avuto un'idea!

C’è questa pianta magica in grado di suonare, ma solo se a soffiarvi contro è uno buono, e c’è anche Tofffsy, un folletto (per stessa ammissione del suo creatore, Pierluigi de Mas, famoso disegnatore, regista, animatore e produttore nostrano prematuramente scomparso nel 2005) dalla sessualità ambigua i cui due ciuffi laterali di capelli si attorcigliano su se stessi al sopraggiungere di un’idea. E Tofffsy utilizza quest’erba musicale per mettere alla prova la sincerità del pentimento di tutta quella schiera di malfattori che affollano ognuno dei ventisei episodi.

Il canovaccio è infatti sempre lo stesso: un qualche mascalzone s’intrufola all’interno del castello della Contessa, dove l’esserino vive, con l’intenzione di depredarne le ricchezze custodite.

“In molte storie di Tofffsy, la dinamica è incentrata sul denaro e sulla cattiva qualità del denaro. Comunque, il denaro non è mai visto con un occhio benevolo.” (cit. de Mas)

Ecco allora Tofffsy, spesso con l’aiuto di Otto, il vecchio fantasma della torre dal lenzuolo rattoppato, passare all’attacco, mettere in scacco il cattivo e costringerlo di fatto alla redenzione dopo averlo corporalmente punito. Il soffio sulla foglia come prova definitiva.

“Siamo stati molto attenti a specificare graficamente il tipo di foglia perché non ci fossero fraintendimenti e non ci fossero abusi, soprattutto.” (cit. de Mas)

E sono proprio “i cattivi”, perlopiù ideati dal co-autore del cartone animato Gianandrea Garola, riconoscibilissimi nei loro particolari tratti somatici, a strappare qualche sorriso. Come non nominare, allora, Gianandrea (avatar di Garola?), il perfido nipotino della Contessa, il Dottor Cattivo o, addirittura (non si bene per qual motivo), Babbo Natale?

Mandato in onda, come già detto, dall’emittente Telemontecarlo, il canale in lingua italiana del Principato di Monaco che poteva essere, durante quegli anni Settanta ed Ottanta, sfidando il monopolio della Rai, intercettato anche dalle nostre antenne, Tofffsy ha però trovato una vasta diffusione perlopiù nel solo nord Italia, dove, appunto, era possibile ricevere il segnale video della rete. Troppo lontano, allora, la restante parte della Penisola.

Qualche anno fa, nel 2007, Tofffsy e l’erba musicale ha comunque avuto la fortuna di poter finalmente esordire sugli scaffali delle videoteca in un cofanetto dvd con tutti i ventisei episodi (più qualche inserto speciale, ovviamente) completamente restaurati. L’occasione giusta, direi, per recuperare un pezzo della propria infanzia o, magari, per chi non ha potuto allora, per ovvie ragioni anagrafiche, viverlo, un piccolo prodotto di animazione di un’epoca ormai bella che andata.

L’angolo del collezionista

Il successo di un prodotto televisivo o cinematografico, si sa, si misura anche, e soprattutto, dalla portata del merchandising. Una regola che vale oggi come nel passato.

Nel nostro caso, tutto ciò che è stato all’epoca prodotto sono due pupazzi targati Fabianplastica, simil Ledra, quei giocattoli in morbida plastica (o gomma) che tanto successo (oggi oggetti con una larga fetta di collezionisti al seguito) hanno avuto durante gli anni Sessanta e Settanta.

Due soli pupazzi quindi, tanto facili da ricordare, tanto difficili da trovare, però.

Sono Tofffsy (con fogliolina di erba musicale al seguito) e Otto il fantasma (con l’immancabile palla in ferro), giù, in foto, nelle mani dello stesso Pierluigi de Mas in uno spezzone di video scippato alla breve intervista presente nel dvd.

In ogni caso, sempre una è la domanda che ci risuona nella testa: “Ragazzi, quanti di voi riuscirebbero a far suonare l’erba musicale?”

Io non penso proprio, no.

La verità sugli Happy Meal

2012-02-13T02:15:00.000-08:00

La verità sugli Happy Meal

Nel frattempo, mentre i nostri McDonald's distribuiscono a destra e manca pokemon e my little pony, qualcosa di assolutamente imprevedibile e shockante è accaduto, sì. Anzi, qualcosa di apocalittico, oserei dire. Un indizio che, più di mille tsunami, dimostra forse esserci un pizzico di verità nella non-profezia dei Maya sul 2012… In quel di San Francisco, a partire dal dicembre appena trascorso, gli happy meal, i famigerati happy meal, hanno dovuto dire addio all'immancabile giocattolo che da sempre li aveva accompagnati. E non per una mutata politica aziendale, bensì per disposizione governativa.

Una legge specifica ne ha infatti sancito il divieto, con grande disappunto, suppongo, dei collezionisti di gadget cittadini. E' davvero la fine di un'epoca... Ma solo perché oggi mi sento tanto tanto melodrammatico, s'intende.
Il motivo di una tale disposizione appare ovvio, naturalmente: evitare che il giocattolo possa agire da calamita per una fetta di popolazione americana, quella infantile, nota per poter vantare il più elevato tasso di obesità nel mondo. D'ora in avanti, il giocattolo sarà possibile acquistarlo a parte... Certo, ciò vuol dire che il bambino trascinerà ugualmente i genitori al Mc per avere il gioco; e vuoi che, una volta lì, non provveda ugualmente a rimpinguarsi lo stomaco con un bel menù? Mossa vincente, insomma. Una genialata, ecco.

Che poi, pensandoci bene, ci sarebbe anche dell'altro... Opinioni personali di un Cappellaio con poca teina, al momento, nella tazza, sì. E' davvero cosa buona e giusta che lo Stato possa intromettersi in maniera così invasiva nella politica gestionale di un'azienda privata?

Un po' come negli anni Novanta, quando il nostro governo vietò la messa in onda di pubblicità di giochi e giocattoli all'interno di trasmissioni per bambini... Cioè, davvero, e' lo Stato a doversi trasformare in babysitter mi chiedo o, piuttosto, sono i genitori che dovrebbero magari impegnarsi un po' di più nel loro ruolo educativo? Mi sa di no… Non c’è voglia. Per cui, niente di meglio che una bella legge per togliersi dall'impiccio di sciorinare qualche bel no, già.
Niente sorpresine negli happy meal a San Francisco dunque, almeno finchè il prodotto non risponderà a determinati canoni: non superare le 600 calorie e possedere un tot quantitativo imposto di frutta e verdura.

Curiosa cronaca americana per adesso. Ma, tanto per non sbagliare, meglio che facciate incetta di pokemon e my little pony. Non si sa mai.

Costa Concordia: uno strano salvataggio

2012-02-10T06:15:00.000-08:00

La Costa Concordia torna a far parlare di sé, e lo fa dalle pagine del Corriere Fiorentino, giornale regionale toscano.

La notizia è una di quelle che noi tutti avremmo voluto certamente leggere, famelici e pieni di speranze, con una maggior frequenza durante i giorni immediatamente successivi al disastro. E’ la notizia di un salvataggio, anche se, ahimè, non di un essere umano... Ormai, per questo, il possibile è già stato fatto.

No, si è trattato di un salvataggio inusuale, per alcuni probabilmente inutile, ma per altri, o comunque per qualcuno in particolare, un bambino, davvero, davvero importante, sì.

Tutto ha avuto inizio da una lettera. Una lettera da un padre, la fatidica notte su quella nave insieme al figlioletto, inviata alla famiglia dell’Isola del Giglio che aveva offerto loro asilo immediato dopo la tragedia.

Qui c’è un genitore che racconta di come il bambino, il proprio bambino, abbia problemi a dormire, sia triste ed inquieto, e non per il ricordo di quei momenti, bensì per la perdita di un oggetto a lui caro, diventato, dopo la morte della madre, vera e propria consolazione. Un feticcio che ne ricordi la presenza, se vogliamo. Uno di quegli oggetti ai quali solo i bambini possono legarsi così intimamente. Un orsacchiotto.

L’aveva lasciato in cabina, quella notte, e lì dovrebbe ancora trovarsi.

La famiglia, commossa, contatta di sua iniziativa il sindaco, e questi, a sua volta, il corpo dei vigili del fuoco; quel corpo che tanto valore ha dato prova di possedere già nei momenti successivi alla tragedia. La missione appare quindi chiara: ridare serenità ad un bambino.

I sommozzatori si mettono subito all’opera, non appena il mare permette loro di farlo.

Ed ora, fortunatamente, quell’orsacchiotto è già in viaggio verso Verona, pronto ad abbracciare qualcuno che, nonostante il suo essere fatto di semplice pezza, sembra amarlo davvero.

Anche questa, in fondo, è una storia di speranza.

Un grazie a Lucy per avermi segnalato la notizia!

E per restare in tema di orsacchiotti “fortunati”: A.A.A. Cercasi orso smarrito.

Moss Man - Master al sapore di pino

2012-02-06T05:02:00.000-08:00

C’è chi giura di averlo visto ingurgitato dal proprio cane, chi di averlo perso mentre giocava tra l’erba del giardino e chi, invece, se la ride ricordando di averlo poi riciclato come alternativo arbre magic. Per quanto mi riguarda, nulla di tutto ciò, no. Il mio Moss Man è sempre lì: insieme agli altri Masters al sicuro nella loro vetrinetta. Scomparto “buoni”, naturalmente. Anche se, questo sì, ormai privo della sua caratteristica essenza di pino.

C’è una certa semplicità nella linea dei Masters of the Universe. Uno schema chiaro e funzionante che ben si addiceva, e sempre si addice, alle aspettative dei più piccoli. Bene contro Male, bianco contro nero. Nessuna tonalità di grigio. Nessuna complessità.

Così, per un He-Man ed uno Skeletor, una Teela ed una Evil-Lyn, un Fisto ed uno Jitsu, ecco esserci anche un Moss Man per uno Stinkor. Due lati della stessa medaglia.. Stinkor puzza e Moss Man profuma.

Introdotto per la prima volta con la quarta wave del 1984/’85, l’eroica spia e maestro nel camuffamento trova spazio all’interno del mini-comic The Stench of Evil, stesso albetto che ha visto il debutto del puzzolente Stinkor. Una genesi in comune quindi, anche se, a differenza di quest’ultimo, Moss Man può dirsi quantomeno più fortunato.

La conclusione della serie animata He-Man e i Dominatori dell’Universo nel 1985 ha di fatto chiuso le porte del “successo televisivo” a gran parte dei personaggi appena commercializzati sotto forma di action figures. Alcuni di questi troveranno poi casa accogliente nello spin-off di She-Ra – La Principessa del Potere, altri dovranno accontentarsi dei soli comics.

Moss Man riesce invece a ritagliarsi ben due apparizioni. Appena in tempo. La prima nell’episodio Here, There, Skeletor Everywhere (it. La Macchina dei Guai), la seconda in The Ancient Mirror of Avathar (it. L’Antico Specchio Parlante).

Qui lo vediamo descritto come capace di comunicare telepaticamente con le piante e, soprattutto, appare chiara la sua funzione all’interno dell’eroica squadra dei Dominatori dell’Universo, dove funge da spia grazie alla facoltà di passare inosservato una volta tramutatosi in una qualsivoglia specie vegetale… Che sia un cespuglio o, si suppone, una piantina da metter sul tavolo.

Un ruolo, un’identità, che già a partire dalla serie animata del 2002 andrà pesantemente a modificarsi, facendo di Moss Man addirittura un elementale della natura, un antico essere dai sorprendenti poteri.

Deodorante al pino silvestre distribuito al Comic-Con 2010

Consigli per i collezionisti

Moss-Man è un uomo muschio e, come tale, è ricoperto di muschio (ma va?!).

E’ interessante, quindi, quantomeno ricordare come l’idea alla base del personaggio, il concept, non sia stato pura inventiva della Mattel, avendo questa forse trovato la giusta ispirazione nel folclore tedesco (e non solo) ove veri e propri Moss Men (conosciuti in lingua inglese anche con altri appellati quali: Wood People o Moss folk) hanno sempre fatto parte di quel vasto bagaglio culturale di miti e leggende proprio delle regioni boschive e montuose.

I Moss Men sono mitiche creature intimamente collegate con la foresta, descritti spesso come vecchi nani barbuti vestiti di foglie e, appunto, ricoperti di muschio. Parente di questi esseri, il nostro Uomo Selvatico, folcloristico abitante del Nord Italia.

Ora, si diceva, Moss Man è ricoperto di muschio, ecco. E, per rendere al meglio il design, si è all’epoca optato per la tecnica del flocking, già ampiamente utilizzata nell’industria del giocattolo nel decennio precedente (un caso importante, quello dei G.I. Joe).

Spalmando la superficie di colla, vi si cosparge sopra del materiale sintetico atto ad ottenere l’effetto voluto: nel nostro caso una rada pelliccia che dovrebbe (e lo fa) richiamare il muschio.

Ma il flocking sa anche creare parecchi problemi, sì.

Innanzitutto dipende molto dalla qualità della colla, tendendo naturalmente questa, nel tempo, a sciogliersi, soprattutto se il pezzo è conservato in un luogo tendenzialmente caldo. La pelliccia può quindi essere ormai sbiadita e, soprattutto, in più punti rada o mancante.

Semplice re-paint di Beast-Man, Moss Man è dotato di una mazza marrone a sua volta re-paint proveniente dal set del Castello di Grayskull. Di quest’arma, poi, ne esistono tendenzialmente due tipologie: a parte la versione standard, è possibile infatti, in alcune varianti, trovarla anche con doppio manico, essendo stato in questo caso sfruttato lo stampo dell’accessorio di Clawful.

Del Moss Man, infine, sono disponibili una gran quantità di varianti spesso tra di loro differenti per via del colore della pelliccia… Dal giallognolo della versione francese al marroncino chiaro di quella argentina (per dare un’occhiata a tutte le singole varianti continuo a consigliare l’ottimo sito Tanadelletigri). La versione base rimane, naturalmente, quella malaysiana.

Made in Malaysia

Come spesso accade, abbiamo la hard head version (con testa in gomma dura), accompagnata da una mazza marrone chiaro, e la soft head (testa in gomma più soffice), con mazza più scura e sporgenze più corte.

E se c’è, infine, un altro aspetto al quale il collezionista deve rinunciare, beh, è quello dell’odore. Questo perché dell’antica fragranza in stile pino silvestre, negli esemplari sopravvissuti, non ne è rimasto più neanche l’alone. Purtroppo.

Nuovo film per He-Man?

2012-01-30T12:16:00.000-08:00

E’ dal 1987, da quando, cioè, il regista Gary Goddard ha donato al mondo quell’esperimento mal riuscito, dai fan poco amato, che sarebbe dovuto essere la prima vittoriosa trasposizione cinematografica dei gloriosi Masters of the Universe, celeberrima linea di giocattoli che ha dettato banco per tutti gli anni Ottanta, diventando in poco tempo un vero e proprio fenomeno di costume, che noi piccoli appassionati attendiamo un nuovo tentativo che, si spera, possa esser molto più aderente allo spirito originario della serie.

Molteplici sono stati i nomi che negli ultimi anni si sono susseguiti nelle vesti di papabili registi e sceneggiatori, piccoli rumors di volta in volta rimbalzati sui siti dedicati ad He-Man & Company.

Le ultime voci sono datate aprile 2010, quando si mormorava di una certa chiamata fatta dalla Sony Pictures (che aveva acquistato i diritti dalla Warner Bros l’anno prima) a Mike Finch e Alex Litvak, i due sceneggiatori di Predators, film uscito quella stessa estate.

La richiesta sarebbe stata quella di scrivere una prima bozza per un nuovo adattamento cinematografico. Ennesimo buco nell’acqua? Non sembrerebbe, no.

E’ infatti notizia fresca fresca che la Sony avrebbe, proprio in questi giorni, prolungato il proprio contratto di collaborazione con la Escape Artist, casa di produzione indipendente chiamata a collaborare con il progetto. Tra i titoli in lavorazione in questi ulteriori tre anni risulterebbe esserci proprio il nostro Masters of the Universe.

Ma c’è di più… Un altro nome, per il ruolo di regista, è nel frattempo saltato fuori: quello di John Wayne Stevenson, veterano della DreamWorks, ultimamente arrivato alla ribalta per aver con successo diretto il film di animazione Kung Fu Panda.

Che sia dunque la volta buona?

Il Principe Adam esulta, ma Cringer borbotta: "Non dire gatto se non ce l'hai nel sacco!"

Death Row Marv - Sedia elettrica per gioco

2012-01-27T19:15:00.000-08:00

Luglio del 2008. Idroscalo di Milano. Luna Park. Una strana attrazione fa il pieno di gettoni, attirando su di sé, boccata d’aria per gli assolati e spesso vuoti servizi dei tg estivi, l’interesse nazionale. A ragione, oserei dire. Perché quel manichino dal volto deformato in un’espressione di atroce dolore, elmetto d’acciaio in testa, i nervi delle mani tesi nello sforzo disumano e disperato di stringere i braccioli della sedia, non è cosa da tutti i giorni, no. E certamente non in qualsiasi parco giochi.

E’ un prodotto che il proprietario, il giostraio 47enne Renzo Biancato ha appena ritirato da Las Vegas, dopo averlo visto pubblicizzato all’interno di una rivista specializzata in attrazioni e gadget dell’orrore.

Creato dalla ditta americana Distortions, è costato la bellezza di 5000 euro, ma, stando al proprietario, in uno stralcio d’intervista del tempo: “Ogni sera la macchina rende 50 euro, 150 la domenica”, con un utile, quindi, a partire dal quarto mese.

Un investimento, se non fosse stato però per le molte polemiche che questo bizzarro manichino ha immediatamente sollevato.

Molti hanno infatti dubitato che l’osservare la pantomima di un’esecuzione capitale, un condannato alla sedia elettrica in piena regola, potesse rientrare in una sana concezione di divertimento.

“1 Euro per vedere la morte”, recitava il cartello.

Inserita la moneta, l’esecuzione aveva inizio: tre rintocchi come prologo, poi ecco la scarica elettrica assalire per una quindicina di secondi il manichino, mentre una nube di fumo si sollevava fino a circondarne il capo. Intanto, due casse ai lati liberavano tra la folla la registrazione di agghiaccianti urla di dolore. Un minuto e tutto ritornava a tacere, pronto per il prossimo euro.

Vero è, comunque, che l’attrazione ha avuto vita breve. Denunciato dal Codacons per atti contro la pubblica decenza ed istigazione a delinquere, nonostante ne sia poi uscito del tutto pulito e vincente poiché, stando alla Procura di Milano: non sussiste alcuna violazione del codice penale, il proprietario ha pensato bene di eliminare il problema alla radice, mettendo il condannato sotto un telone di nylon. Così, tanto per non sbagliare.

Perché tutto questo?

Ma per introdurre il famoso Death Row Marv, celebre action figure oggi piuttosto rara da trovare nella sua prima edizione, che ha sollevato, a suo tempo, un simile putiferio. Era il 1999 (quasi dieci anni prima del caso nostrano) e siamo negli States.

Certo, due realtà ben diverse, ci mancherebbe. Con un approccio differente al tema della pena di morte.

Forse perché immagine, per quanto macabra e cruenta, molto più familiare, giochi simili in terra americana non sono mai stati una novità, no. Un esempio: The Shocker, attrazione abbastanza comune nei luna park.

E’ una sedia vera e propria questa, sulla quale l’intrepido aspirante condannato va a sedersi. La sedia comincia allora a muoversi, mentre una scarica di forti vibrazioni fa shakerare il malcapitato come fosse uovo da strapazzare. Si gioca così, una sfida tra amici a chi resiste più a lungo.

Ma nel Death Row Marv, parte della comunità (da rintracciare soprattutto nelle associazioni che da anni combattono per la messa al bando della pena capitale) non vi ha però trovato nulla di divertente. Nemmeno lontanamente accettabile.

Personaggio creato dallo scrittore Mark Miller per la graphic novel Sin City, Marv è condannato a morte per aver assassinato tutti coloro che si erano macchiati dell’omicidio di una prostituta della quale si era innamorato.

In punto di morte, dopo una prima scarica elettrica dimostratasi del tutto inutile, in un atto di ultimo scherno, ecco il personaggio pronunciare, dopo rauca risata, l’ormai celebre frase: “E’ il meglio che sapete fare, fiorellini?”.

Ed è proprio questo il momento che l’action figure, targata McFarlane Toys, immortala. Con Marv ben legato alla sedia e pronto per essere fritto. Immancabili: luci e suoni.

Ora, si diceva, l’action ha avuto il suo bel da fare nel contrastare le proteste, nonostante, occorre dirlo, sia nata come oggetto per soli adulti. Vietata la distribuzione nei normali negozi di giocattoli. A venderla, infatti, le sole fumetterie specializzate in gadgettistica.

In ogni caso, Death Row Marv ha fatto un bel po’ parlar di sé, sì. E continua a farlo tutt’oggi, essendo pezzo non propriamente facile da trovare (ad un buon prezzo, s’intende) sul mercato del collezionismo. Più comune, invece, la versione successiva.

Questo perché nel 2005, la licenza del marchio Sin City passava dalla McFarlane Toys alla Neca, con la conseguente, ovvia, riedizione del prodotto (con una scenografia piuttosto migliorata).
Per cui, un consiglio: controllare ben benino il marchio sulla confezione.

Il Labirinto Magico

2012-01-23T09:04:00.000-08:00

Nonostante l’intero Paese delle Meraviglie sia stato spesso accostato all’immagine di un vastissimo labirinto, percorso verso la maturità fisica e psicologica della piccola protagonista, non vi è menzione alcuna all’interno del libro. Nessun labirinto, cioè, nel momento in cui Alice fa il suo primo incontro con la Regina di Cuori. Carroll ci parla semplicemente di uno splendido giardino, ricco di aiuole e fontane.

A suggerire l’ipotesi dell’esistenza di un intricato labirinto fatto di monolitiche siepi, forse, i disegni di Sir John Tenniel, che paiono chiamare in causa quelle costruzioni verdeggianti che tanto di moda divennero durante il Cinquecento, orpelli per abbellire le sfarzose ville di nobili e cardinali.

Un’immagine tanto giocosa quanto misteriosa, quella del labirinto. Metafora di un cammino iniziatico adottata già in tempi a noi ormai lontanissimi, quando degli uomini preistorici lo disegnavano sotto forma di graffito rupestre all’interno di caverne e spelonche.

In epoca medievale, poi, quando le cattedrali gotiche s’innalzavano imponenti verso i cieli nel tentativo di congiungersi alla divinità, i labirinti diventavano arredamento di queste stesse chiese, disegnati al loro interno e letteralmente percorsi dai fedeli in un simbolico pellegrinaggio verso la Terra Santa, alla ricerca di Dio, che avrebbero trovato una volta raggiunto il centro.

Perché mai, ora, tutto questo Scolto ciarlare?

Per arrivare al 1986, ovviamente... Anno in cui non solo veniva proiettato nei cinema Labyrinth – Dove tutto è possibile, ormai vero e proprio cult di genere, ma anche per la messa in commercio del celebre Il Labirinto Magico, gioco in scatola che ancor oggi ha il suo bel posto riservato sugli scaffali di gran parte dei negozi di giocattoli! Un gioco al quale il sottoscritto giocava e gioca. Convintamene e frequentemente. Molto frequentemente, oserei dire.

Un gioco immancabile, quindi. Quello che potrebbe a buon diritto essere definito un must.

Con oltre un milione di copie vendute solo durante il primo anno di vendita, ed un successo che continua imperterrito anche a trent’anni e passa di distanza, Il Labirinto Magico ha, di fatto, cambiato la vita (soprattutto da un punto di vista economico, s’intende) del suo inventore: Max Kobbert, psicologo tedesco e collezionista di giocattoli antichi.

L’idea, stando alle sue stesse parole, l’aveva avuta nel 1981, mentre un altro giocattolo stava allora spopolando nel continente: “L’apparizione del Cubo di Rubick aveva scatenato in me una catena di nuove idee!” (cit.).

In effetti, il dott. Kobbert stava già, da tempo, tentando di sperimentare qualcosa di nuovo. Un gioco che potesse tradurre in divertimento l’immagine del labirinto, tema a lui caro: “Il concetto di labirinto mi ha sempre affascinato. Ma ogni labirinto perde il suo mistero una volta scopertone il giusto itinerario!” (cit.).

Da qui la ricerca di un labirinto che avesse potuto presentarsi in perenne movimento, e proprio dall’osservazione del Cubo di Rubick ecco venir fuori l’illuminazione: un tabellone quadrato composto da cinquanta tessere, delle quali sedici inamovibili, indispensabili per creare quei canali all’interno dei quali far scorrere quelle, invece, mobili.

Il progetto veniva presentato alla Ravensburger con il nome di The Crazy Maze! (dove maze era sinonimo di labirinto), anche se sarebbero dovuti passare altri tre anni prima che il prodotto potesse essere immesso sul mercato, tempo impiegato per il solo perfezionamento del meccanismo di spostamento delle tessere. Per il resto, a parte qualche disegno (alcuni ingredienti, giudicati forse troppo “minacciosi” per un gioco perlopiù destinato ad un pubblico di bambini, erano sostituiti con figure più rassicuranti) ed il nome, si rimaneva fedeli al prototipo di Kobbert.

Per lo psicologo, doppia soddisfazione, non c’è che dire!

Commercializzato in Germania con il nome di Das verruckte Labyrinth (fusione tra verrucken, spostare, e verruckt, pazzo) e oltreoceano come The aMAZEing Labyrinth (chiaro il gioco di parole tra maze ed amazing), Il Labirinto Magico ha subito goduto di un incredibile e rapido successo che lo stesso creatore ha spiegato illustrandone i quattro, a suo dire, punti di forza:

1. Regolamento estremamente semplice. E ciò permette anche al giocatore occasionale di unirsi in men che si dica alla sfida.

2. Grazie all’introduzione di variabili (peraltro rese ancor più marcate nella nuova edizione speciale proprio in questi giorni nei negozi), la semplicità evita comunque di trasformarsi in monotonia.

3. Gioco adatto a tutte le età, riuscendo ad accaparrarsi le simpatie di grandi e piccoli.

4. E qui dovrebbe essere lo psicologo a parlare: cosa c’è di più appagante di quella sensazione di vittoria che segue la soluzione di un problema che era inizialmente apparso come insormontabile?

Dal 1986 sono state molte le varianti del gioco ideate e pubblicate, dando così vita ad una vera e propria serie di giochi in scatola. Dopo l’originale:

1991 – Master Labyrint (I Maestri del Labirinto): nato come vera e propria evoluzione de Il Labirinto Magico, conta un regolamento più complesso che si basa, sostanzialmente, su una maggior interazione tra partecipanti, qui costretti a ostacolarsi a vicenda (ciò che nell’originale avveniva, invece, solo indirettamente e, in fondo, raramente).

Progettato come vero e proprio successore, I Maestri del Labirinto aveva di fatto soppiantato il genitore sugli scaffali dei negozi. La reazione del pubblico non si era però fatta attendere, e la versione classica ritornava presto alla carica come se nulla fosse.

E’ probabilmente tra i titoli della serie (insieme al Labirinto Segreto) oggi più rari da trovare.

1995 – Junior Labyrinth: versione semplificata per un pubblico più giovane. Il tabellone è più piccolo, come minore è il numero degli oggetti da trovare.

1998 – Secret Labyrint (Il Labirinto Segreto): altra versione difficile, ormai, da beccare in giro, il cui design si ricollega curiosamente alla genesi del prodotto. Il gioco acquista così anche un’importanza “storica”.

Questo perché, inizialmente, Max Kobbert aveva progettato il proprio The Crazy Maze con forma circolare, arrivando addirittura a brevettare un prototipo. Tuttavia, i costi per un’eventuale produzione in serie erano stati allora giudicati un po’ troppo esosi, ricorrendo così all’attuale forma quadrangolare. E’ questa infatti la differenza essenziale tra Il Labirinto Segreto ed Il Labirinto Magico. Il tabellone di quest’ultimo, novello Atlantide, è sferico.

2000 – Labyrinth: The Card Game & Il Labirinto 3-D: il primo, trasposizione (semplificata) del gioco su carte. Meno avvincente, certo, ma perfetto come tascabile, magari da portare in spiaggia, in treno o in pizzeria.

Il secondo, invece, come il titolo stesso suggerisce, presenta una costruzione in plastica, dando quindi al gioco una terza dimensione. E’, comunque, una versione super-semplificata. Adatta esclusivamente ai giovanissimi.

2005 – Labyrinth Treasure Hunt (Labyrinth – La Caccia al Tesoro): Sicuramente la versione più curiosa dell’intera serie, ma non per questo più avvincente. Di fatto altro non è che una sorta di memo, del tutto avulso dalle classiche regole del Labirinto. Tutto ciò che serve per giocarci è velocità nel contare ed una buona memoria.

E, infine, eccoci arrivare ai giorni nostri… Insieme all’Electonic Labyrinth (Il Labirinto Elettronico), passo obbligato per un’epoca in cui è la tecnologia a farla da padrone, l’edizione speciale per il ventesimo anniversario del gioco, presenza pressoché onnipresente di questo trascorso Natale. L’elegante confezione è in metallo (ma non l’ho aperta, no), e ciò che il gioco promette è l’introduzione di nuove regole atte a rendere le partite ancor più imprevedibili ed avvincenti. Recita il retro della scatola:

“Sono 25 anni che milioni di persone in tutto il mondo giocano con entusiasmo al Labirinto Magico! Per celebrare con entusiasmo, desideriamo offrire sia agli appassionati più esperti, sia a coloro che ancora non lo conoscessero, questa speciale edizione del gioco in una lussuosa scatola in metallo. Nuove e semplici regole, celate sotto alcune tessere mobili, arricchiscono ulteriormente l’emozione ed il divertimento per i giocatori di ogni età.”

La ragazza ossessionata dalle Tartarughe Ninja!

2012-01-13T06:45:00.000-08:00

Senza voler ovviamente cadere nella più bieca banalità, esistono due tipologie di collezionisti. Da una parte coloro che parlano di hobby, che si divertono a ritagliare qualche attimo, durante la giornata, per dare un’occhiata alla propria collezione, per spulciare tra le aste e-bay e, magari, fare un salto, nel fine settimana, al mercatino delle pulci più vicino.

C’è poi, invece, un’altra tipologia, dove il passatempo si tramuta spesso in ossessione, dove l’oggetto del collezionare, dal suo angolino, arriva ad invadere ogni singolo istante di vita del diretto interessato. Il collezionismo diventa, cioè, un’idea fissa, verso la quale convogliare ogni stilla di energia. E il tutto, ammettiamolo, non sembra certo essere molto salutare...

Probabilmente c’è qualcosa che non va, ed è questa la sensazione che ho avuto leggendo di Michele Ivey, ragazza del Michingan, conosciuta in rete come Turtle Girl per via del suo amore spropositato verso le Teenage Mutant Ninja Turtles, da noi più comunemente note come Le Tartarughe Ninja.

Michele non ha riservato semplicemente una stanza della propria abitazione per custodire, magari in bell’ordine, i propri tesori in vetrine e scaffali. E’ l’intera casa ad essere stata piuttosto tappezzata di ogni genere di oggetto dedicato alle verdi tartarughe… Sì, perché la simpatica Michele (che sia una persona in ogni caso amabile lo si intuisce subito guardando i video) non si è limitata, come fa la maggior parte dei collezionisti, a scegliere una categoria da collezionare, bensì ha pensato bene di metter le mani su tutto ciò che potesse anche lontanamente vantare una faccia di tartaruga ninja impressa sulla superficie. Dal semplice quaderno scolastico al pesante costume in gomma.

Michele ha iniziato a far karate per sentirsi più vicina ai suoi idoli, come anche a farcire con ogni inimmaginabile delizia le immancabili ed onnipresenti pizze giornaliere.

Un po’ troppo, forse. Anche perché, come lei stessa ammette: le tartarughe ninja sono presenti in ogni singolo aspetto della mia vita. Se non è ossessione questa…

Michele Ivey conosce a memoria (a memoria! E non è un’esagerazione) ogni battuta dei film e quando, a partire dal minuto 3:44 del secondo video, inizia a cantare una qualche canzone tratta (forse) da un episodio animato (non sono un grande conoscitore delle Turtles, lo ammetto), con un tale trasporto, credendoci, un po’ di paura la fa anche...

La collezione, comunque, è davvero notevole, sì. Una curiosità che non può certo non essere mostrata.

Che poi, preciso, sono considerazioni, le mie, che nascono dall’aver semplicemente osservato ed ascoltato i suoi video; considerazioni che, ci mancherebbe, lasciano il tempo che trovano.

Video, comunque, che, insieme a quelli che le sono stati nel tempo dedicati da trasmissioni televisive, pubblica lei stessa sul proprio sito cowabungacorner.com.

E poi, lo ammetto … E’ che vorrei l’intera sua collezione di action figures Turtles targata anni ‘90. Figures che non ho mai (ancora) iniziato a collezionare. Dei quaderni, costumi, abbigliamento, bicchieri, poster ed oggetti vari, però, ne farei anche a meno. Volentieri, ecco.

Ninnananna della Duchessa Brutta

2012-01-08T08:57:00.000-08:00

Speak roughly to your little boy,                 “Trattalo male il tuo bambino
And beat him when he sneezes:                    E se starnuta dagliele sode:
He only does it to annoy,                           Lo fa soltanto, il birichino,
Because he know it teases.”                            Perché di dar fastidio gode.”

Coro                                                 Coro
“Wow! Wow! Wow!”                            “Uau! Uau! Uau!”

“I speak severely to my boy,               “Io tratto male il mio bambino.
I beat him when he sneezes;                   Quando starnuta gliele dò sode:
For he can thoroughly enjoy            E’ infatti segno che il suino
The pepper when he pleases!”        Mangia il suo pepe, e non mi ode.

Coro                     Coro
“Wow! Wow! Wow!”           “Uau!Uau!Uau!”

Traduzione – Masolino D’Amico

La porta immetteva su una grande cucina, completamente immersa nel fumo. Al centro della sala, seduta su uno sgabello, se ne stava la Duchessa, con in braccio il suo bambino. La cuoca, invece, era china sul fuoco, impegnata a mescolare in un gran calderone che sembrava ripieno di minestra.

Estremamente scontrosa e maleducata, la Duchessa Brutta (Qui l’articolo a lei dedicato) non è proprio ciò che noi tutti definiremmo la mamma perfetta. Proprio per nulla.

Sotto lo sguardo incredulo di Alice, infatti, la nobildonna altro non fa che maltrattare il proprio bambino, un esserino il cui pianto non accenna a diminuire per tutta la durata della sua presenza sulle scene. Del resto, la filastrocca parla chiaro, no? Il reato di maltrattamento di minore ci sta tutto. Eccome!

Come più e più volte è stato detto, le filastrocche presenti in Alice’s Adventures in Wonderland sono vere e proprie parodie di altri componimenti poetici al tempo di Carroll ben conosciuti. Si tratta perlopiù di composizioni pedagogiche, fortemente moralizzanti, il cui compito era quello d’inculcare nelle menti del piccolo uditorio tutte quelle qualità che la società vittoriana considerava essenziali per una corretta educazione. Tramite queste poesie, in pratica, s’insegnava al bambino come comportarsi. Cosa fare e cosa non fare.

Ora, che fossero noiose e poco divertenti non è da mettere in dubbio, suppongo.

Ciò che Lewis Carroll fa è dunque prenderle in giro, parodiarle. Mossa vincente per conquistarsi la stima dei piccoli lettori.

E’ un atto di ribellione, in fondo. Una critica verso la stucchevole e legnosa morale vittoriana. Melensa e noiosa. E la matrice di Speak roughly to your little boy ne è un chiaro esempio.

Speak Gently

“Parla con dolcezza! E’ molto meglio

Governare con l’amore che con la paura:

Parla con dolcezza; non lasciare che le dure parole rovinino

Il Bene che potremmo fare qui!”

Così inizia Speak Gently, poesiola dalla paternità incerta, sulla cui questione, nel suo Order and Surprise, Martin Gardner, famoso studioso carrolliano, ha speso più di qualche ricerca.

S’ignora ancora, cioè, se il componimento sia opera di tal G.W. Langford, come vorrebbe la tradizione o se, piuttosto, sia da attribuire a David Bates.

Lotta sterile in realtà, dato che difficilmente oggi qualcuno la ricorderebbe se non fosse per il dovuto accenno in riferimento al libro di Alice.

Speak Gently è inesorabilmente caduta nell’oblio.

Il messaggio è comunque chiaro: rivolgersi al prossimo con calma e dolcezza, senza lasciarsi mai andare ad alcun impeto di rabbia, evitare di esser scontrosi o comportarsi in maniera saccente. Speak Gently, per l’appunto.

Parla con dolcezza! E’ una piccola cosa.
Gettata nel profondo pozzo del cuore;
Il bene, la gioia che potrà apportare,
Lo dirà l’Eternità.

A suo tempo, Carroll rimescolava il mazzo, sovvertendone completamente il significato. Ecco, quindi, che speak gently lasciava il posto a speak roughly, con sommo divertimento, s’intuisce facilmente, del piccolo lettore.

- Il figlio della Duchessa

Si è spesso voluto vedere nella figura del figlio della Duchessa, soprattutto in funzione della successiva trasformazione in porcello, una prova della capillare antipatia dello scrittore nei confronti dei bambini maschi. Simpatico e cordiale con le bambine, si sarebbe invece sempre mostrato a disagio nel conversare e scherzare con i bambini.

A sostegno di una tale tesi, si è soliti portare un passo di una sua lettera indirizzata ad una delle sue piccole amiche, tale Maggy Cunnyngham, datata 30 gennaio 1868: “A te, tutto il mio affetto. Per tua madre, i miei omaggi. Al tuo piccolo, grasso, impertinente ed ignorante fratello, il mio odio”. Ci sarebbe di più, comunque.

Di fianco, infatti, tra le altre, ecco citata anche una sua stessa frase: “Amo i bambini, ad eccezione dei maschi”.

Ora, per quanto mi riguarda, dando scarsissima importanza alla prima dedica (la scelta degli aggettivi, tra cui quell’emblematico impertinente, farebbe infatti pensare ad un evento passato ben preciso, caratterizzato magari da un comportamento da Carroll forse poco apprezzato: una battuta fuori luogo o un atto di maleducazione), è più che evidente che lo scrittore non abbia mai fatto mistero di trovarsi maggiormente a suo agio nel chiacchierare con le bambine, senza dover per questo (come alcuna maliziosamente paludosa critica ha poi suggerito) ricorrere però a degli assoluti.

Precisato ciò, significativo è cosa scrisse a riguardo del piccolo Bert Coote, un ragazzino che gli era amico: “Era dei nostri. Non era mai un adulto che fingeva di essere un bambino per farci la morale e istruirci a tradimento”. Poche parole, ma essenziali. Chiavi per risolvere il mistero. Parole che possono spiegarci il perché di quel disagio che lo scrittore si trovava spesso a vivere in presenza dei piccoli lord. La scrittrice Marina Alberghini offre un’ottima spiegazione nel suo L’Ombra del gatto, il magico sorriso di Lewis Carroll.

Ancora una volta è essenziale calare il personaggio nella propria epoca, nell’Inghilterra vittoriana, dove nascere maschio o femmina non era certo la stessa cosa. Assolutamente.

Le educazioni erano fortemente differenziate, e se una bambina di nove/dieci anni era legittimata a comportarsi come tale, da bambina di nove/dieci anni appunto, la controparte maschile, invece, non poteva.

Nella bambina si vedeva una bambina, tuttalpiù una futura madre, nel bambino un piccolo lord già bello e pronto. In loro, severamente educati a diventare veri gentiluomini inglesi, ogni tendenza al fantasticare veniva molto presto soffocata poiché giudicata futile e poco dignitosa per quello che, in fondo, seppur in miniatura, già era un uomo.

Per le bambine, invece, era fortunatamente diverso. Credere a fate e mondi magici non comprometteva certamente quel futuro caratterizzato da una carriera esclusivamente domestica. Anzi, lo sviluppo di un’indole creativa era in fondo sostenuto, ed imparare a loro volta un bel po’ di storie da raccontare ai propri futuri pargoli poteva sempre tornare utile.

Ora, è indubbio, quindi, che fosse proprio un pubblico di bambine (o bambini molto piccoli) l’auditorio preferito di Carroll e di ogni altro scrittore per l’infanzia.

In quest’ottica, ecco spiegarsi allora, in maniera anche piuttosto chiara oserei dire, il giudizio espresso da Carroll sull’amico Coote, così anche, volendo, l’astio nei confronti del fratello di Maggy.

Ciò che indisponeva lo scrittore, promotore di una concezione dell’infanzia assolutamente spensierata e libera da costrizioni, era forse il ritrovarsi davanti a bambini costretti a crescere molto prima del tempo, a comportarsi come piccoli boriosi e saccenti signorotti, probabilmente educati a mostrarsi del tutto altezzosi e disinteressati di fronte a scherzi ed indovinelli.

O, più semplicemente, tanto per dar spazio ad un po’ di malignità, seppur ben diversa da quella sterile che tanta presa ha avuto nel Novecento, i maschietti non erano quel pubblico che gli dava economicamente da mangiare. In fondo, a pensar male si fa peccato, ma spesso ci si azzecca, purché, mi par logico, non si esageri nel pensare, ecco.

Con Crystal Ball ci puoi giocare!

2012-01-02T10:46:00.000-08:00

C’era una volta, nel mio paesello, una piccola bottega delle dimensioni di uno sgabuzzino per le scope. All’interno, sul fondo, un banco corroso dalle tarme al quale sedeva, quotidianamente, puntuale come un orologio svizzero, la proprietaria, una vecchietta occhialuta e dalle labbra pendule. Tutt’intorno a lei una marea di cianfrusaglie e, accanto all’uscio, una vetrinetta rettangolare al cui vetro, ricordo, ci s’incollava sempre per vedere i nuovi (scarsi) arrivi.

Era un emporio, ma a parte i materiali che andavo a comprare con una certa frequenza su ordine della nonna, di quel posto ricordo solo i giocattoli. Era stracolmo di giocattoli. Anche se difficilmente piacerebbero ai bambini di oggi.

Non so se la mia generazione sia stata l’ultima ancora capace di divertirsi con un nonnulla. Certo è che non esistevano freni alla fantasia… Innocue trottole, giocattoli di plastica, palle di gomme e cannucce per bolle. Delle semplici bolle. E’ quasi incredibile credere, oggi, come solo vent’anni fa i bambini di tutta Italia pestassero i piedi per avere una cannuccia per fare le bolle. Bolle colorate, maleodoranti ed appiccicose.

Ed è proprio nell’emporio della signora Petrolia (così si chiamava o veniva soprannominata) che ho acquistato il mio primo Crystal Ball.

Sono dell’idea che il principale motivo del grande successo ottenuto dal Crystal Ball durante gli anni ’80 sia in gran parte da imputare alla pubblicità martellante che aveva allora invaso i nostri televisori. Un gruppetto di bambini indemoniati che si divertiva a riempire il salone di bolle colorate, attaccandole tra di loro e scagliandole contro la mobilia senza danno alcuno. Ma era il Jingle che faceva la differenza… Una canzoncina che, ci scommetto il cilindro, ricorderanno ancora tutti coloro che hanno superato indenni gli anni ’80.

Con crystal ball ci puoi giocare…Crystal Ball
e tante forme puoi inventare… Crystal Ball
con mille giochi divertenti…Crystal Ball
mille colori differenti
gioca un po' con Crystal Ball

Con Crystal Ball ci puoi giocare… Crystal Ball
e tante cose puoi inventare… Crystal Ball
non ci vuol niente per soffiare… Crystal Ball
su gioca un po' con Crystal Ball.

Poi Crystal Ball se vuoi si attacca
non rompe niente e poi non macchia
ci puoi far cose divertenti
mille colori differenti
gioca un po' con Crystal Ball!

Il gioco era semplice e senza regole. Si metteva un po’ di pasta colorata sulla sommità di una cannuccia, poi si soffiava, e se riuscivi (impresa già di per sé ardua) ne veniva fuori un palloncino colorato. Si passava così alla fase più difficile: liberarlo dalla cannuccia senza romperlo (e qui si toccava l’apice dell’impossibile).

Con questo bel palloncino si avevano poi due scelte: lanciarlo per casa, certi di non rompere nulla (a parte qualche leggera e piccola bomboniera da tempo immemore sonnacchiosa su di uno scaffale), oppure attaccarlo ad altri palloncini per creare qualche futuristica opera d’arte.

E dire che il Crystal Ball aveva già cercato in passato di sfondare le porte del successo… Inutilmente, però.

Il gioco era stato infatti creato nel lontano 1947, inventato dal chimico Claudio Pasini e messo in commercio col nome de Le bolle fatate. Ritirato per lo scarso successo, ritornava nel 1968, anche se bisognerà aspettare gli anni ’80 per il boom, quando, cioè, la compagnia di Pasini decideva finalmente di investire in una pubblicità su scala nazionale.

Ma questo gioco all’apparenza innocuo sembrava aveva anche delle zone d’ombra… Si mormorava fosse tossico! Questo perché emanava un fortissimo odore di solvente. Una fragranza così forte che avrebbe magari ispirato Lewis Carroll nello scrivere ben altri due libri sulle avventure di Alice nel Paese delle Meraviglie… Il fatto, poi, che i componenti non venissero elencati sulla confezione, e l’assenza di qualsivoglia avviso, rendevano l’insieme ancor più sospetto.

Metti un po’ di Crystal Ball sulla cannuccia recitava lo spot, ed il mondo cambierà colore!

Probabilmente era anche vero, ma il tutto destinato però a durare una frazione di sogno.

I palloncini creati, infatti, si rinsecchivano presto come prugne, in una sorta di metafora sull’inevitabile transitorietà della fanciullezza (la poesia mi sgorga da ogni dove, quest’oggi).

Tanti anni dopo, in una versione riveduta e corretta, il Crystal Ball è ancora in vendita, soprattutto online (http://www.crystalball.it), il giusto posto per ogni nostalgico. Anche se, senza quel forte odore frizzante, e senza la possibilità di risucchiare tramite la cannuccia tutti quei fluidi solventi, un bel pezzo di sano divertimento è ormai bello che andato. Che gusto c’è, mi chiedo?

Babbo Natale e la Coca-Cola

2011-12-25T15:47:00.000-08:00

Ora, mi son chiesto, come non dedicare, proprio il giorno di Natale, uno spazietto al caro Babbo di rosso vestito? Un paio di anni fa, del resto, le luci della ribalta sono spettate alla cara consorte, Mamma Natale… Solo che, siamo sinceri, c’è qualcosa di più inflazionato in blog e giornali, durante questo periodo di festa, della storia di Babbo Natale?

Non credo proprio, no. A parte, forse, la solita tiritera su come la festa sia ormai diventata un vuoto guscio di spandi&spendi.

Nel tentativo di trovare qualcosa di diverso, ecco venirmi in mente la Coca-Cola. Sì, perché è inutile negarlo, il binomio Coca-Cola/Babbo Natale esiste, almeno per quanto riguarda la pop culture, solo che viene spesso caricato di un’importanza assolutamente esagerata.

Da una parte ecco coloro, più “estremisti”, che sostengono come la stessa figura di Babbo Natale, nella sua interezza, sia una semplice invenzione della Coca-Cola Company, il risultato, piuttosto riuscito oserei dire, di una perfetta campagna di marketing. Uhm.

Dall’altra, invece, chi afferma che no, il panciuto portatore di doni non sia stato partorito dai pubblicisti, ma che l’azienda abbia però dato vita a quell’immagine classica che noi tutti oggi conosciamo: un vecchio barbuto e panciuto, foderato da un costume rosso con bordi impellicciati di bianco.

Entrambe sono cappellate. Due simpatiche leggende metropolitane.

- La coca-cola sotto processo

Nel 1901, Harvey Washington Wiley, famoso chimico, aveva dato inizio ad una crociata alimentare contro tutti quei cibi che considerava nocivi per l’organismo umano. E, in assenza della McDonald’s (bisognerà aspettare qualche anno…), uno dei bersagli prescelti era stata proprio la coca-cola. Le accuse che gli erano state allora rivolte erano le più svariate. Alcune, come riporta lo scrittore Lagioia nel suo libro dedicato a Babbo Natale, a dir poco assurde. Tra queste ultime brillava senz’ombra di dubbio quella fornita dal un tal George Stuart, metodista:

“Si è saputo che l’uso di coca-cola ha portato in una scuola femminile a deprecabili festini notturni. In più, la bibita tiene svegli i ragazzi, esponendoli alle tentazioni della masturbazione”

Suppongo che il buon Stuart avrebbe quindi tuonato anche contro l’introduzione dell’ora legale se fosse nato in Italia. L’ora della nanna rimandata di almeno un’ora… Tanti minuti in più per cadere nel peccato. Orrore!

Dalle pagine dei giornali, intanto, la battaglia di Wiley si era trasferita in tribunale, nella cittadina di Chattanooga, per l’esattezza. Dove il chimico aveva fatto nel 1907 sequestrare quaranta barili di coca-cola per procedere con alcune analisi di laboratorio. Il processo, presto trasformatosi in un vero e proprio caso mediatico, passerà alla storia proprio sotto il nome de Gli Stati Uniti contro quaranta barili di coca-cola!

The Coca-Cola Company era comunque prosciolta da ogni accusa, e Wiley definitivamente sconfitto. Un solo obbligo le era però stato imposto: nessun bambino di età apparentemente minore dei dodici anni sarebbe dovuto più apparire in inserti e cartelli pubblicitari.

Un salto avanti nel tempo, e arriviamo nel 1931. Anno a dir poco rivoluzionario per la compagnia di bevande.

La coca-cola, fino a quel momento esclusivamente venduta all’interno dei bar, approdava nei supermarket, in pratiche bottigliette da acquistare e conservare in frigo. E’ qui che il divieto pubblicitario si trasformava in ostacolo.

Quale miglior alleato nella vendita, infatti, del bambino che accompagnava la madre a far la spesa? Quale miglior arma per costringere la ligia casalinga a metter nel carrello una confezione di bottigliette coca-cola?

Ma utilizzare dei bambini per far perno su altri bambini era ormai vietato. Che fare?

Creare un’apposita figura che avesse potuto fungere da richiamo, ovviamente. Un’icona, il cui aspetto sarebbe stato in grado di far perno sulla fantasia dei più piccoli.

Il compito di sfornare qualcuno di adatto veniva così affidato all’illustratore svedese Haddon Sundblom. Il debutto della creazione datato lo stesso 1931, in un inserto pubblicitario tra le pagine del The Saturday Evening Post.

Il Santa Claus della White Rock Beverages del 1915.

- Tutte leggende metropolitane

Il Santa Claus del 1923

Ora, non me ne voglia nessuno, ma occorre proprio dirlo, sì. Nonostante il Babbo Natale di Sundblom, il grasso vecchietto dalle gote rossicce e lo sguardo bonario, sia ormai universalmente ritenuto il Santa Claus definitivo, all’illustratore ritengo vadano ben pochi meriti.

Anche perché, a dirla tutta, l’idea nemmeno è stata sua. Non solo, quindi, egli non avrebbe inventato il personaggio, né tantomeno definito il look moderno, ma ne avrebbe addirittura copiato l’utilizzo pubblicitario. Una Caporetto, insomma. La Coca-Cola Company ha ben poco di che vantarsi.

“La scelta da parte della Coca-Cola di perpetuare questo mito natalizio per così tanto tempo ha dell’abominevole. Loro hanno solo cooptato Claus, e non mi sorprenderebbe sapere che stiano addirittura pensando di dichiarare di essere stati anche i creatori del Coniglietto Pasquale!”

A parlare era tal Larry Bodkin, presidente (ignoro se lo sia ancora) della White Rock Beverages, tra le più antiche aziende di distribuzione bevande degli States. Era il 2006. E le due immagini sopra postate, datate rispettivamente 1915 e 1923, altro non sono che illustrazioni dalla White Rock Beverages commissionate per pubblicizzare le proprie bevande nel Natale di quegli anni. C’è la bibita e c’è Babbo Natale (già di rosso vestito, con cintura nera, cappello e orli bordati di bianco).

Haddan Sundblom è arrivato solo nel 1931. Per cui, quale sarebbe il suo merito?

Fa specie che l’affare White Rock sia stato per lungo tempo passato sottovoce. L’azienda protestava, ma nessuno ascoltava. Non è un caso, infatti, che negli ultimi anni molti di quei scrittori e giornalisti che si erano in passato dedicati alla storia di Santa Claus si siano visti obbligati a ritrattare alcune verità, essendo finalmente entrati in possesso di informazioni in realtà già presenti ma che nessuno si era mai preso la briga di cercare.

Perché, del resto, verificare qualcosa che si è sempre considerato verità tramandata?

- Chi ha inventato Babbo Natale?

Ovviamente, nemmeno alla White Rock Beverages deve andare il merito di aver inventato la figura di Santa Claus. A lei, tuttalpiù, l’idea di una campagna pubblicitaria che lo vedeva, forse per la prima volta, sottomesso ai valori del moderno consumismo.

La realtà è che la figura di Babbo Natale si è sviluppata nei secoli, aggiunta dopo aggiunta, senza poter, quindi, identificare con assoluta certezza una paternità ben precisa. Una fonte d’ispirazione forse; un punto d’inizio magari, ma null’altro.

Peccato, però, che l’esigenza di avere risposte sempre precise, lontane da ambiguità ed incertezze, possa spesso spingerci ad abbracciare delle mezze verità. Erronee, ma maggiormente chiare e comprensibili.

Per quanto riguarda la moderna iconografia, non il 1931, bensì il 1863 è da considerare come punto d’inizio, quando, cioè, l’illustratore Thomas Nast, combinando la figura di San Nicola con alcuni tradizionali racconti popolari tedeschi di elfi e creature magiche, compiva un primo passo nel dare a Santa Clause l’aspetto di un vecchio barbuto e panciuto. Qualche anno dopo, ecco spuntare perfino la rossa casacca.

Che la Coca-Cola Company si rassegni, dunque. Una buona volta.

Snap-Dragon

2011-12-22T02:38:00.000-08:00

Cos’è tutta questa agitazione? Questi draghi sono davvero TANTO affamati!

Sfida gli amici a sfamare il proprio drago con quante più biglie possibili nel minor tempo! Ma attenzione! Quelle blu hanno un gusto migliore rispetto a quelle arancione!

Prendi le biglie una per volta e falle scivolare fin dentro lo stomaco del tuo drago. Ma fai in fretta! Il drago con lo stomaco più rigonfio, e che avrà accumulato più punti, vince!

Così recita il retro della piccola confezione che custodisce Snap Dragon: The snappy dragon-feeding game, gioco di società edito dalla Tomy nel 1987, ed arrivato qui in Italia per mano della Giochi Preziosi a cavallo dei due decenni. Niente di interessante, però. Un semplicissimo passatempo dedicato esclusivamente ai più piccoli. Un gioco vintage che molti avranno ormai dimenticato.

Il regolamento sta tutto lì, in quelle quattro righe di presentazione. Delle biglie di diverso colore (4 blu o verdi e 16 arancione) vengono gettate all’interno di una sorta di cratere di plastica.

Scopo del gioco: raccoglierne quante più possibile con il proprio drago.

Tutto qui. Almeno in apparenza, ecco.

Perché, in fondo, Snap Dragon è molto di più di un ammasso di semplice plastica colorata. Ha una storia alle spalle. Una storia piuttosto antica, le cui fondamenta si sono sviluppate in terra inglese sul finire del Cinquecento; nato come gioco da taverna e poi diventato tipico passatempo natalizio, soprattutto della Vigilia, tra il XVI ed il XIX secolo. Il nome era lo stesso: Snap-dragon.

&lt;p&gt;&amp;lt;/center&amp;gt;&lt;/p&gt;

Preparare il gioco è semplice. Tutto ciò che occorre fare è riempire una ciotola, larga ma poco profonda, di brandy, gettandovi poi all’interno dell’uvetta (o, in alternativa, un qualsiasi altro tipico frutto di stagione). Alla mistura, poi, si darà fuoco. Ciò che ne verrà fuori sarà quanto di più suggestivo possa esistere, soprattutto se aiutato dalla giusta atmosfera: all’ombra dell’albero di Natale magari, con le luci della stanza abbassate…

La ciotola di brandy, prendendo immediatamente fuoco, sprigionerà delle eleganti fiammelle blu.

Ed il gioco? Quel che il giocatore dovrà fare è sfidare il calore del fuoco impossessandosi del maggior numero di uvetta (a mani nude, s’intende). Uvetta che dovrà poi essere subito ingurgitata. E se a scottarsi saranno (com’è ovvio che sia) dita e lingua, poco male. E’ lo scotto della tradizione.

Non si sa con esattezza quale siano le origini di questo gioco tradizionale inglese (che una volta esportato in America diventerà invece tipico della festività di halloween), dato che, tralasciando le genesi mitiche (c’è chi lo vorrebbe, per esempio, creato in ricordo dell’uccisione del drago da parte di San Giorgio), non esistono fonti.

Si sa, comunque, che è Shakespeare a nominarlo per la prima volta nel 1594, nella commedia Pene d’amor perdute. Trattasi comunque di una sola citazione. Una metafora, ad esser precisi.

E’ solo nella prima metà dell’Ottocento infatti, che, data la diffusione, inizierà ad esser presentato proprio nelle vesti di gioco di società, descritto in romanzi e citato nei dizionari.

Lo snap-dragon, la bocca di leone.

Che si ritorni al gioco, però.

Per renderlo ancor più interessante, si può eleggere un’uvetta speciale, la cosiddetta uvetta fortunata. Per distinguerla dalle altre si era soliti inserirvi all’interno un piccolo bottone d’oro, trovata che mi sento però di sconsigliare. Anche perché tra veglie, cenoni e free candies, si sarà già pesanti di nostro, senza alcun bisogno di dover mettersi a digerire anche del metallo... Per quanto nobile possa essere…

In ogni caso, trovata una valida alternativa, chiunque dovesse aver la fortuna di afferrare l’uvetta fortunata avrebbe, stando alla tradizione, diritto a vedersi esaudire un qualsiasi desiderio. O, comunque, vedersi consegnare una ricompensa.

Dello snap-dragon, infine, anche una variante, spesso identificata col nome di flap-dragon (in realtà sinonimo che indica anche il gioco classico): all’interno di una tazza di birra o sidro si pone una candela accesa. Scopo, stavolta, bere direttamente dal recipiente senza farsi scottare dalla fiamma.

Insomma, a quanto pare, una bella bruciatura natalizia è proprio d’obbligo, mi sa.

Da un semplice e dimenticato gioco anni ’90, andando indietro di qualche secolo, si è finiti per rintracciare un altrettanto gioco di società, un antenato ben più caratteristico, interessante e, soprattutto, pericoloso. Un legame che mai avevo visto altrove evidenziato, né in siti specializzati né tra chiacchiere di appassionati… forse perché poca importanza si dà alla storia (anche quella remota) di un oggetto moderno. Ed invece basta scavare un po’ per trovare quella parte più gustosa proprio perché nascosta.

Come dice Patrizio Roversi nell’omonima trasmissione da lui condotta su History Channel: tutto fa storia! Ed è ciò che più trovo affascinante.

L'Omino di Pan Zenzero - The Gingerbread Man

2011-12-17T01:40:00.000-08:00

.:: Intervallo ::.

Che Natale sarebbe, in fondo, senza un biscotto allo pan zenzero, eh?!

- Storia di un biscotto. Origini e curiosità sul gingerbread man!

Scrivevo qualche annetto fa: Anno nuovo, rubrica nuova. “Il Personaggio del Mese”, una sorta di vetrina per curiosi e strani individui, naturalmente quanto più lontani possibili dalla monotona vita reale. Ad aprire la scena, mentre le festività natalizie sono, ahimè, agli sgoccioli, l’Omino di Pan di Zenzero.

In America (e Nord Europa) è uno dei tanti protagonisti di questo magico periodo. Da noi è diventato famoso solo grazie alla serie di animazione della Dreamworks, Shrek..

Il mio ultimo incontro con questa bizzarra razza di biscotti sorridenti è avvenuto la sera della vigilia di Natale, mentre bazzicavo dalle parti delle cucine in frenetica lavorazione. Cosa c’è di più bello dello spiluccare direttamente dalle pentole?

E gli omini di pan zenzero stavano lì… Alcuni ancora da fare, altri già rosei e sorridenti, ed altri ancora, purtroppo, un po’ troppo abbronzati (posso dire abbronzato, no? Non vorrei certo sollevare un... <Continua a leggere l'articolo sul Gingerbread Man!>

Lord Death Man

2011-12-15T01:00:00.000-08:00

Progetto Arkham Asylum: cos'è?

L'abbiamo ultimamente incontrato sulle pagine di Batman, Inc., riportato sulle scene dallo scrittore Grant Morrison. L'abbiamo visto affrontare il Cavaliere Oscuro all'ombra del Sol Levante e, infine, darsi all'esplorazione dello spazio...

Ma Lord Death Man è, in realtà, una vecchia conoscenza del batverse, apparso negli anni Sessanta negli States e poi emigrato in Giappone...

Leggi su DC Leaguers!

Il presepe della Kinder Ferrero

2011-12-11T08:55:00.000-08:00

Ero al supermercato con mio padre quella mattina di dicembre 1996. Probabilmente mi ero concesso un giorno di vacanza legalizzata (i tempi del marinare la scuola erano ancora lontani, ahimè) e stavo sicuramente gironzolando tra gli scaffali in cerca di chissà quale insalubre porcheria da metter nel carrello. E poi l’incredulità nello sguardo. Per chi ha sempre amato l’arte del presepe, una piccola gioia.

Se ne stava lì, il presepe della kinder, quieto quieto nel suo stand pubblicitario, circondato dagli altri, più usuali, ovetti di cioccolato… All’esterno, una colorata confezione, all’interno, un simpatico e curatissimo presepe in cartone. Dentro ogni uovo, una statuina.

Era la prima volta che la Kinder Ferrero faceva qualcosa del genere. Il primo anno di quella che sarebbe diventata una piacevole e gustosa tradizione natalizia per molto tempo.

Il proposito iniziale ricordo esser stato: si apre un ovetto al giorno, stile calendario dell’avvento, per intenderci. La realtà, però, è stata ben diversa. La sera stessa dell’acquisto il presepe l’era bello che montato. In ogni sua parte.

L’ho utilizzato per molti anni, da ragazzino. E quando ho dovuto trascorrere gran parte di dicembre lontano da casa, me lo son portato dietro, giusto per dar un tocco di Natale anche dove di Natale poco o nulla purtroppo c’era.

La scenografia in cartoncino è ormai andata, ma le statuine le conservo tutt’oggi. Con affetto.

Un peccato, dato che proprio questo primo esperimento, il presepe targato ’96, completo in ogni sua parte (e naturalmente in buone condizioni) ha ormai raggiunto un valore collezionistico che si aggira sugli 80/100 euro. Non male. Proprio per nulla.

Presepe 1996

Come già accennato, un esperimento vero e proprio. Una prova di mercato.

Desiderosa di testare le reazioni del pubblico al nuovo prodotto, la Ferrero sorteggia solo alcune regioni nelle quali commercializzarlo. Fortunatamente, la Sicilia è tra queste.

Lo scenario è semplice: un’ambientazione quasi del tutto desertica, con qualche casa sullo sfondo. Delle piccole sagome in cartone (un pozzo, del vasellame ed un gruppetto di pecore) decorano infine la parte centrale, altrimenti esageratamente vuota poiché troppo vasta.

Nove le statuine: la Sacra Famiglia, bue, asino, Re Magi e pastorello con pecora. Quattro piccoli animaletti vanno poi a decorare la figura del Bambinello, dell’asino e del bue.

Presepe 1997

Data l’ottima accoglienza ricevuta, il Presepe kinder sbarca sugli scaffali di ogni supermercato italiano l’anno dopo, ripetendo il successo (adesso su larga scala, ovviamente) dell’anno precedente. L’impostazione generale è perlopiù mantenuta, sebbene l’azienda si sia preoccupata di differenziare le due edizioni per mezzo di alcune piccole aggiunte e di una differente colorazione.

Sempre nove, le statuine.

E’ il colore, come già detto, a cambiare. Le tonalità sono infatti molto più accese e lucide, e la stessa statuina della Vergine viene spogliata della povera e spenta tunica marroncina per vestire i colori certamente più eleganti ed universalmente conosciuti del bianco e del celeste.

Le figure, poi, si vedono arricchite da qualche nuovo e sfizioso particolare (sul bastone di San Giuseppe appare un uccello; un castoro, invece, accompagna il magio in piedi).

Anche lo scenario in cartone acquista più colore, con una maggior attenzione nei confronti dei particolari.

N.B: non era raro, comunque, trovare all’interno di questa confezione personaggi in realtà provenienti dall’edizione precedente. Come se non bastasse, alcuni tra i nuovi pezzi portano addirittura il marchio Ferrero ‘96.

Presepe 1998

L’idea diventa interessante, soprattutto per chi, fuori da ogni intento collezionistico, pensa bene di adoperare le statuine kinder per dar vita ad un presepe a tutti gli effetti.

Alle nove statuine originali, infatti, ecco aggiungersene altre quattro, andando così ad ampliare il parquet di figuranti. Ora abbiamo anche un angioletto, un suonatore di flauto, un pastore con pecora in spalla ed una madre con bambino. Il presepe si riempie.

Anche la scenografia muta, acquistando un aspetto molto meno desertico. Sullo sfondo, non più dune ma ampi prati verdeggianti.

Curiosamente, del presepe ’98 esistono due versioni. Una composta dal numero standard di nove personaggi, l’altra, invece, di dodici.

Quest’ultima, per una qualche ragione, è stata commercializzata esclusivamente in Sardegna, vantando anche la presenza dei tre Magi, nell’altra, invece, assenti.

Aggiunta importante è quella di una base atta a fornire una maggior stabilità alle figure (con sommo gaudio del San Giuseppe, finora traballante Torre di Pisa).

Presepe 1999

Messi ancora una volta a tacere i Magi, alla schiera di pastorelli si aggiungono altre quattro nuove figure: un carrettiere, un donna con oca, una pescivendola ed un ragazzo con secchi.

La Sacra Famiglia (+ angelo) è dotata di aureole fosforescenti ed un re-style generale è portato al termine.

I cambiamenti più significativi avvengono in ogni caso allo scenario. Tanto che, tra tutte le edizioni, non esito a considerare quella del ’99 come la migliore; merito della parte in cartoncino, appunto.

La grotta, trasformatasi in una sorta di vero e proprio palco teatrale, si slancia verso l’esterno grazie ad una struttura che simula una tettoia in legno. Lo sfondo acquista inoltre profondità e tridimensionalità con l’apporto di ulteriori pezzi di scenario.

Si arriva altresì alla giusta combinazione tra l’ambientazione desertica del ‘96/’97 e quella campagnola del ’98. Perfetta, insomma.

Presepe 2000

L’anno seguente, il presepe della Kinder Ferrero ritorna con uno scenario ulteriormente cambiato. Profondamente. L’ambientazione è ormai completamente urbana, presentando una stalla in un pieno centro cittadino immerso nella neve. Nel complesso, però, un passo indietro.

Dopo una bella rimpastata di colore alle statuine del ’99, ecco l’introduzione di due soli personaggi.

Mantenuta la donna con l’oca ed il ragazzo con secchi, esordisce un arrotino e la tipica figura di Benito, il pastore addormentato. Altra aggiunta (i pezzi passano così da nove a dieci): la cometa.

Presepe 2001

A casa kinder pare esser giunto il momento di un profondo cambiamento, probabilmente per svecchiare un prodotto già al suo quinto anno di vita.

Sinceramente, non so quanto questa possa esser stata scelta vincente. Chi godeva, magari, nell’acquistare anno per anno il presepe al fine di ampliare il numero di statuine sarà stato quanto meno deluso, come interdetti devono esser stati anche i bambini, essendo lo stile di questa nuova edizione forse un po’ troppo asciutto, stilizzato e serioso.

Si ritorna, per certi versi, alla semplicità del ’96, e, occorre ammetterlo, il presepe si fa più ieratico ( questo sì, adatto per esser esposto in salotto). E forse è a questo che la kinder aspirava: innalzare l’età dell’acquirente.

Si ritorna alle nove figure. Tutto è profondamente cambiato. Tutto nuovo! Si legge del resto sulla confezione.

Presepe 2004

L’esperimento del ’01 non deve essere stato molto soddisfacente se per ben due anni, negli stand kinder, del presepe nemmeno l’ombra. Si riflette, probabilmente, se continuare o meno.

Poi, quasi a voler lasciarsi alle spalle il tentativo precedente (sono semplici supposizioni, s’intende) la kinder intraprende la via opposta, passando, di fatto, da un estremo all’altro.

Il tono del nuovo presepe è infatti chiaramente ideato per attirare l’attenzione dei piccolissimi. Le figure assumono un’aria più giocosa, disegnate come fossero i piccoli attori di quella che potremmo definire la tipica recita scolastica di Natale (in tal caso, la barba di San Giuseppe sarebbe finta, s’intende).

Lo scenario quasi scompare, con la capanna (sormontata da una stella cadente con un simpatico visino dipinto) che arriva ad occupare i tre quarti dell’intero presepe.

A parte la Sacra Famiglia, abbiamo: uno zampognaro, un portatore di secchi, un angelo ed un pastorello con pecora.

Scompare il marchio Ferrero, sostituito da adesso in poi da sigle identificative.

A campeggiare sulla confezione una nuova scritta: Il mio presepe.

Presepe 2006

Ultimo anno, dopo la nuova assenza targata ‘05. Lo stile de Il mio presepe del 2004 è mantenuto. Per la prima volta, dall’ormai lontano ‘96, spariscono il bue e l’asinello, lasciando il posto a dei Re Magi naturalmente adeguati al nuovo stile bambinesco.

Fanno poi capolino un pescatore (con laghetto incorporato), una venditrice di pulcini ed un cammello (da affiancare al corteo dai Magi). Qui e lì qualche altra figurina supplementare va a completare il look di alcuni personaggi (una scimmietta da appendere alla corona di un magio, la papera da affiancare al pescatore e la pecorella alla culla del Bambinello).

Ottime statuine, comunque. Nel loro stile, belle da guardare, sì.

Dieci anni di presepi kinder, quindi. Dieci (quasi…) festività natalizie all’insegna del cioccolato al latte più famoso d’Italia.

Un altro tassello di nostalgia da aggiungere al nostro puzzle

Parenti Serpenti di Mario Monicelli

2011-12-07T20:53:00.000-08:00

Parenti Serpenti - Film di Mario Monicelli (1992)

Nuovo appuntamento con la rubrica Ciak... Si gioca!, in cerca di giochi e giocattoli all'interno di pellicole per cinema e televisione.

Stavolta, per dare il benvenuto al periodo festivo, tocca a Parenti Serpenti, un piccolo capolavoro di commedia nera all'italiana datato 1992.

Nonostante la cornice natalizia, Mario Monicelli bandisce ogni accenno al benchè minimo buon sentimento.

A dispetto della tipica commedia natalizia (cinema americano docet), qui regna infatti egoismo, tradimento, invidia e vanità. Non c'è spazio per lo Spirito natalizio. Nemmeno alla fine.

Eppure, nella descrizione della cornice di fondo, quella delle vacanze natalizie puntualmente ed indissolubilmente trascorse in famiglia, la pellicola centra in pieno la realtà. Nelle molte scene a tavola, tra casseruole di spaghetti al sugo e cantanti in tv, tombolate e schiamazzi tra parenti, non fatico a vedere molti dei miei tipici natali. Non un'atmosfera patinata e costruita, bensì intima e casereccia. Il Natale di molti, in pratica.

Orbene, in una scena (fotogramma in alto), all'interno del Grand Cafè, il bar più importante di Sulmona, paesino in cui il film è ambientato, ecco far capolino, alla destra di Renato Cecchetto, una confezione di ovetti kinder. Il cartoncino colorato pubblicizza gli Happypotami.

Usciti sul mercato nel 1991 (fornendo quindi un suggerimento su quando la pellicola sia stata effettivamente girata), gli Happypotami hanno inaugurato la fortunata tradizione delle miniature dipinte a mano, dando allora il via al fenomeno del collezionismo di sorpresine. Prima di loro, infatti, solo piccoli giocattoli montabili, molto spesso di scarsa fattura.

Vero e proprio successo di costume, gli Happypotami hanno invaso bar e supermercati, riuscendo addirittura a fare un piccolo cameo nel mondo del cinema.
Mica male per dei piccoli ippopotami blu, no?!

La bambola maleducata

2011-12-04T05:55:00.000-08:00

La storia si ripete, senza scampo. E si ripete in maniera così certosina che il più delle volte pare quasi volerci prendere in giro. O, ancor più semplicemente, è l’uomo a costringerla a ripetersi. Creatura, in fondo, così poco originale.

Ora, un paio di anni fa è stata la volta del topolino pedofilo <vai al post>, un polemico pupazzetto che tanto clamore aveva fatto in quel d’America.

Oggi, invece, è la volta di una bambola. Una bambola sorprendentemente e sfacciatamente maleducata.
E con quella bocca baci tua madre?, mi verrebbe da dire…

Stavolta, la ditta responsabile è la Toy ‘R’ Us, colosso del giocattolo d’oltreoceano che già avevo avuto modo di nominare su una vecchia incarnazione del blog.

L’oggetto delle nuove ondate di proteste da parte di genitori a dir poco incazzati (chiedo venia per il francesismo, ma lo faccio per meglio immedesimarmi nello spirito dell’articolo) è un terzetto di bambolotti all’apparenza innocui: tre cicciobelli in grado di ripetere, interagendo tra di loro, determinate frasi.

Il problema, però, sta proprio in quello che una delle tre (dito puntato contro quella vestita in rosa) direbbe. Uso il condizionale perché, come nel caso del topino natalizio, la questione è ancora incerta. Non tutti, per intenderci, son d’accordo sul fatto che di vera parolaccia si tratti.

Mentre alcuni genitori ne hanno, infatti, già richiesto il ritiro ed i primi video iniziano a spopolare su youtube, la Toy ‘R’ Us continua a far orecchie da mercante, sostenendo trattarsi, in realtà, di un semplice gorgoglio senza senso… In pratica, uno di quei versi insensati, tutta saliva, che ogni neonato di questo mondo sa bene come fare.

Per farsi un’idea sul pomo della discordia:

L’avete sentita o no?
Ok, Crazy Bitch! La frase incriminata.

(Per semplice esigenza di completezza tocca anche tradurre, naturalmente: Ok, brutta stronza!).

Ecco quindi la storia ripetersi. Un paio di anni fa è toccato ad un topo, oggi alle You & Me Interactive Play & Giggle Triplet Dolls (questo il nome ufficiale del trio di bambolotti).

In entrambi i casi, il polverone è stato sollevato da un apparente difetto di registrazione.

Entrambi i casi, coincidenza vuole, sotto le festività natalizie. Quando cioè, i riflettori son meglio puntati sull’industria dei giocattoli ed i suoi prodotti.

Allora il topo andò a ruba in breve tempo, lo stesso, probabilmente, accadrà a questi bambolotti.

Per il momento, però, qualora interessassero a qualcuno, sono ancora disponibili.

Costo: 39,99 dollari (al cambio: 29 euro e qualcosina) al Toy ‘R’ Us onlineshop.

Ok, Crazy Bitch!

Che adorabile motivetto natalizio.

Mr. Potato Head ed il suo amico Oscar the Orange

2011-11-30T20:41:00.000-08:00

Due tizi dall’aria poco rassicurante, lo ammetto. Quello alto, dall’espressione ambigua, una sorta di drag queen immortalata durante un momento di relax dopo uno spettacolo, altri non sarebbe che il celebre Mr. Potato, in uno dei periodi, esteticamente parlando, non tra i migliori della sua lunga e celebre esistenza.

Quell’altro, al suo fianco, probabilmente arancione per la vergogna, intento a guardar con sguardo ebete fuori dall’obiettivo, è invece l’amico Oscar l’Arancia. E mi si creda quando dico che dal vivo rende molto meglio.

Entrambi sono datati Hasbro 1970.

Durante i primi anni Sessanta, delle norme governative mirate a stabilire nuovi standard di sicurezza nell’industria del giocattolo spingevano la Hasbro ad apportare delle prime importanti modifiche a quel Mr. Potato Head che aveva fatto ufficialmente esordire il 1 maggio 1952.

Fino a quel momento, infatti, le confezioni non comprendevano il viso, dato che i vari pezzi (occhi, braccia, bocche e busto) erano stati prodotti per essere impalati in un tubero vero e proprio o, in alternativa, in qualsivoglia altro frutto o vegetale.

Proprio come voluto dall’ideatore George Lerner, si prendeva una patata dalla cucina, si acquistava il kit oggetti ed il gioco era pronto per esser giocato.

Poi ecco arrivare le norme. Oggetti taglienti e/o appuntiti diventavano fuori legge e la Hasbro si vedeva costretta a correre ai ripari introducendo, nel 1964, la testa in plastica. Quella sorta di ammaccata patata giocattolo che il mio vintage Potato così tanto (poco) orgogliosamente sfoggia sopra. Una testa già fornita di fori per accogliere i vari componenti.

La scelta, rivoluzionaria, era stata presa a causa della prospettiva che punte arrotondate e poco taglienti potessero avere una scarsa presa sul corpo molliccio di una vera patata. La stabilità, ritenevano, ne avrebbe certamente risentito.

Ma anche l’introduzione della testa in plastica avrebbe, secondo la compagnia, avuto delle conseguenze poco piacevoli: altro timore era, infatti, che, nel dover semplicemente inserire i rispettivi pezzi in fori già prestabiliti, il giocattolo potesse perdere di creatività e, quindi, di attrattiva.

Da qui la scelta d’incrementare i prodotti legati al marchio con la produzione di nuovi kit, playset e, soprattutto, personaggi. Altri personaggi da affiancare al nostro Mr. Potato.

Le prime due figure realizzate furono Pete the Pepper, un peperone verde, ed il nostro Oscar the Orange, l’unico frutto che abbia mai fatto parte dell’universo di Mr. Potato Head! Unico frutto tra un mare di vegetali e, di lì a poco, altre prelibatezze alimentari.

Ed ecco la storia di questo pezzo da poco acquistato oltreoceano. Perché ogni pezzo, dal più piccolo e all’apparenza “vuoto” al più costoso ed appariscente, ha un preciso passato da raccontare.

Anche i due strani tizi di sopra.

Per una breve (però datata) storia del noto giocattolo Mr. Potato Head, dare un’occhiata qui.

Puffi: passione da Guinness dei primati

2011-11-27T05:54:00.000-08:00

I puffi sono ritornati di moda ultimamente, anche se, in realtà, è difficile dire se abbiano mai davvero abbandonato la cresta dell’onda. E poi sono un must, per chi colleziona giocattoli vintage. E’ da più di quarant’anni, infatti, che la Schleich produce gli arcinoti pupazzetti in PVC, veri e propri oggetti di culto, con un solido mercato internazionale di compravendita e (indice di grande popolarità) un vasto numero di falsi che sono a loro volta diventati, col tempo, pezzi ricercati.

Ora, con il film uscito lo scorso settembre (devo ancora vederlo, anche se mi sono quanto meno affrettato ad acquistare Puffo Coraggioso, il nuovo smurf appositamente ideato per la pellicola), i nostri esserini blu hanno goduto di un revival, con conseguente invasione di gadget, giocattoli ed articoli di giornale. Addirittura una voce speciale all’interno del grande libro dei Guinness dei primati, con un tal Stephen Parkers, 45 anni, di Nottingham (la patria di Robin Hood, di corsa), che si è aggiudicato, con i suoi oltre mille omini blu, l’ambito titolo di più grande collezionista di puffi del mondo. Son soddisfazioni.

Peccato, però, che quella di Parker (nella foto ben mimetizzato tra i suoi tesori) non sia davvero la più grande collezione di puffi del mondo. Proprio per nulla, no.

Basta infatti restare in casa, in Lombardia (precisamente a Villasanta, in provincia di Monza), per imbattersi, per esempio, in un qualcosa di gran lunga superiore: una collezione di 2,500 prezzi.

Il collezionista? Il 33enne Gabriele Spreafico.

La stanza dei puffi di Spreafico (milano.repubblica.it)

Un’intera stanza completamente dedicata a questa puffosa passione, con ogni puffo accuratamente identificato, catalogato e posizionato. Una stanza, il cui ingresso, son certo, sarà permesso a ben pochi. In stile camera di Barbablù, per intenderci.

Per cui, Stephen Parkers un paio di ciufoli, eh

Mr Hydro

2011-11-22T04:25:00.000-08:00

Progetto Arkham Asylum: cos'è?

Altro bizzarro criminale targato anni '50, decennio certamente non avaro di stralunati personaggi avvolti in sgargianti costumi. Mr. Hydro, all'anagrafe Tim Flagg, utilizza l'acqua come mezzo per compiere le proprie malefatte.
Potrà contare su una sola apparizione... Fin'ora, almeno!

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L'isola delle bambole

2011-11-03T14:52:00.000-07:00

Robert Eugene Otto. Bambino vissuto a cavallo tra Ottocento e Novecento a Key West, cittadina della Florida.
Robert Eugene Otto. Il nome che questo bambino diede ad un bambolotto ricevuto in dono dalla nutrice.
Robert Eugene Otto. La bambola stregata più famosa al mondo.

Robert did it!

Un argomento a dir poco perfetto per festeggiare questi primi bui giorni novembrini.
Ma non occorre andar poi molto lontano per trovare qualcosa di altrettanto valido… Un po’ più giù della Florida, dritti in Messico, tra i sobborghi di Città del Messico, nei pressi del canale di Xochimilco, sul lago Teshuilo.
Lì, in un piccolo isolotto raggiungibile grazie ai caratteristici trajinera, barche dalle sgargianti decorazioni, nascosto tra gli affollati canneti, si erge un macabro santuario eretto nella seconda metà degli anni Novanta in onore di una bambina nei dintorni morta annegata.
Migliaia di inquietanti bambole, amputate, sporche e dal tempo corrose, appese a rami, cespugli e assi, osservano con sguardo minaccioso quanti riescono a trovar il necessario coraggio per far loro visita.
Ed è un altro nome, dicevamo, quello che si cela dietro ad una simile trovata. E non si tratta, stavolta, di un bambino, ma di tal Julian Santana Barrera, un vecchio e bizzarro omino che ha trascorso gran parte della propria vita come eremita su quest’isola.

Don Santana era sempre stato un tizio alquanto strano. Vendeva verdura, da lui stesso coltivata, ai mercatini e sosteneva di poter parlare letteralmente con Dio… Probabile conseguenza dell’abuso di alcool.
Poi, un bel giorno, eccolo a raccogliere bambole in giro per Asuncion, il quartiere di Xochimilco nel quale era nato e cresciuto. Le scambiava con la propria verdura, le raccoglieva dai rifiuti, per strada. Tutto ciò fino ad un mese imprecisato del 1975, quando di lui si perdeva ogni traccia. Almeno fino al 1991, quando durante dei giri d’ispezione votati alla bonifica dei canali adiacenti, la verità, come i futuri cadaveri protagonisti della nostra storia, veniva a galla.
Si scopriva così come l’uomo avesse deciso di trascorrere il resto della propria vita nei panni di eremita su quell’isolotto che presto sarebbe stato battezzato La Islede las munecas, l’isola delle bambole, e che tutti quei bambolotti a suo tempo raccolti (e che nel tempo continuerà, tramite un nipote, a raccattare sulla terraferma in cambio della solita verdura) erano stati messi a pendere, tanti grotteschi impiccati, in giro per l’isola. Un cimitero di bambole. Oggi spaventosa meta turistica.
Ma perché mai un uomo (pazzia a parte, s’intende) avrebbe dovuto impegnare le proprie forze per dar vita ad un’opera tanto strana?

Nel suo First Stop in the New World: Mexico City, sottotitolo: The capital of the 21th century, guida turistica alla città di Città del Messico, lo scrittore e giornalista David Lida racconta i retroscena della storia, come il vecchio Santana avrebbe a sua volta, infine, rivelato.
Raggiunto una prima volta l’isolotto, l’uomo avrebbe assistito alla morte di una bambina, annegata in uno dei canaletti circostanti. Poco tempo e avrebbe iniziato a sentirne la voce (l’udito, al vecchio Santana, funzionava abbastanza bene a quanto pare).
L’uomo si convinceva, allora, che quello spirito dovesse essere placato, e la pesca casuale di una prima bambola gli assicurava quale fosse la giusta strada da percorrere. Da lì, la decisione di trasferirsi definitivamente sull’isola, conscio di avere ormai una missione da compiere.
Quelle bambole stando alle sue parole, avrebbero dovuto, allo stesso tempo, anche proteggerlo da un male generico.

Ma il fascino del macabro e del misterioso non finisce certo qui, eh.
E’ il 17 aprile del 2001 quando don Julian Santana Barrera viene ritrovato galleggiare, senza vita, nello stesso canale che, molti anni prima, aveva impietosamente reclamato la vita di quella (ipotetica, bisogna ricordarlo…) bambina.

Oggi l’Isola delle Bambole è una Disneyland dell’orrore, con ogni visitatore impegnato a proseguire la missione del trapassato eremita aggiungendo bambole sempre nuove ad una collezione che cresce esponenzialmente tour dopo tour.
Il luogo perfetto per trascorrere un Halloween (magari il prossimo, eh…) immersi nella giusta atmosfera.