New Rock Reviews Germany

WIR SIND UMGEZOGEN!!!

2016-08-19T14:01:00.004+02:00

Ab jetzt findet ihr uns unter www.newrockreviews.com!

EP Review: The Trikes - aLive EP

2016-03-02T07:00:00.000+01:00

Info

Bandname: The Trikes
EP Name: aLive EP
Musikrichtung: Hard/ Heavy/ Stoner Rock
Erscheinungsjahr: 2016
Label: n.A.
Herkunft: Deutschland
Kontakt: http://thetrikes.bandcamp.com/

http://www.facebook.com/thetrikes

Neulich in der Rockkantine wieder ein bisschen Deep Purple auf den Drehteller geschmissen und gestaunt, wie abwechslungsreich die Kollegen schon lange vor meiner Zeit waren. Da hab ich mich gleich gefragt, ob ich ne Gruppe kenne, welche die Ehre der, leider, mittlerweile etwas vermodernden Herren in etwa wieder aufleben lassen kann. (Ok, das Steve Morse Solo ist immer noch Highlight für mich bei jedem Purple Konzert) – Das klingt jetzt wahrscheinlich als würde ich über eine Coverband schreiben… dem ist aber nicht so! Denn das heutige Opfer meiner Rezension schreibt eigene Songs – gute Songs mit einem bekannten Flair! Und damit herzlich willkommen zurück bei New Rock Reviews!

The Trikes, so schimpft sich das Quartett aus dem beschaulichen Dresden. Wer lässige Motherfucker im leichten retroperspektivischem Aussehen erwartet, kommt hier voll auf seine Kosten! Doch die Soundgewalt ist nicht altbacken oder schlecht kopiert – NEIN! Hier wird ein vorbildliches Songwriting mit sehr angenehmer Abwechslung geboten. Teilweise fühlt man sich in die 70er versetzt und dann plötzlich wird man in die Gegenwart geholt – Aber warum schwärme ich schon wieder um den heißen Brei? Hier zählt nur nüchterne Bewertung des Hörbaren und auch wenn ich es momentan nicht bin, werde ich euch die Beleuchtung der einzelnen Titel nicht vorenthalten!

Die EP beginnt mit „Sordid Love“ – schäbige oder auch schmutzige Liebe. Tja bei dem Namen kann man sonst was denken, aber der Sound kommt von Anfang an bekannt vor – ja das Tempo, das Riffing, der Gesang, erinnern an Black Star von Deep Purple, allerdings im modernen Gewand mit fetten Nüssen ohne verspieltem Solo! Der Bass knuspert klar und deutlich durch den Song und hat eine führende Rolle inne, was mir persönlich sehr gut gefällt. Das Schlagwerk präsentiert sich abwechslungsreich, dezent, aber sehr ausgewogen. Diesen Song kann man schon als Publikumsfänger bezeichnen, da der Wiedererkennungswert einfach was hermacht. Wenn allerdings die ganze EP so klingen würde, wäre keinem geholfen. Und doch geht’s ziemlich nahtlos in „Nowhere“ über – man könnte behaupten, dass Titel Numerò Uno einfach etwas abgewandelt weiter geht, aber der Teufel liegt eben im Detail! Die Licks sind mit einem etwas seichteren Overdrive gespielt und der klar gesungene „Nowhere“ Part, macht die Sache wirklich schon nach einer Minute absolut hörbar. Wer bei „Sordid Love“ ein Solo erwartete, wird hier mit einem verzückt, welches schon fast an ZZ Top erinnert – und wieder muss ich den sauberen Bass loben, beziehungsweise auch den Mixer, welcher den Bass bei der EP so differenziert abgemischt hat. Das ist richtig gute Arbeit. Aber was wäre so eine Retro Rockgeschichte ohne einen ordentlichen Instrumentaltitel?
Da kommt auch schon „Psychedelion“ um die Ecke geschneit. Getragen von weitem Halleffekt, garniert mit Chorus und Tremolo auf der klaren Klampfe – schiebt sich die Rhythmussektion mit dichtem Klang durch das Gehirn. Die sehr abwechslungsreiche Schlagzeugarbeit wird hier zum Markenzeichen - in Kombination mit Bass, welcher von der Klangfarbe etwas an „Loosen my Strings“ von Purple erinnert, wird hier richtig gutes Songwriting geboten. Durchaus inspirativ und wieder mit dem Wiedererkennungswert einer der ganz großen Bands; wohlgemerkt ohne nach einer Kopie zu klingen. Ich bin mir hier unschlüssig, ob ich mir Gesang gewünscht hätte, letztlich entscheidet die Band wie der Song gestaltet wird und das ist auch gut so!
„Forgotten Sins“ behält erst einmal den Halleffekt bei und rutscht dann gaaaaaaanz lässig in modernes Klangbild mit reichlich verzerrtem Gesang. Treibend und eingängig schnürt der Refrain und sein „Vorspiel“ das Paket für eine Rockhymne – die Strophe und die Zwischenparts sind da beim ersten Durchlauf gewöhnungsbedürftig, aber können nach mehrmaligem Hören überzeugen, denn die Tempowechsel und verspielten kleinen Einzelheiten, wollen auch geschätzt werden.
Und kurzweilig wie die EP so ist, kommen wir auch schon zum Abschluss mit „Be Yourself“. Es startet schon fast so tief wie „Order of The Black“ von „Black Label Society“ – Das Riffing nimmt einen sofort gefangen und hier ist die Gesangsmelodie wirklich so gut, dass ich mir tatsächlich wünschte, sie wäre clean gesungen! Aber Egal; das Schlagzeug ist on spot und der Bass klebt 1A an der Rhythmusgitarre. Die Lead-Gitarre dreht zwischenzeitlich durch (auch wenn ich meine, einen Aufnahmeschnitt beim Beginn des Solo zu hören); hier geht die Post ab.
Ein abruptes Ende und die EP ist vorbei. Ich schnapp mir noch ein Bier und höre ein weiteres Mal durch die Songs… Ich sollte mich endlich Live von der Truppe überzeugen lassen, denn das könnte mal eine große Nummer werden.

Fazit: Auch wenn man etwas Altes durchleiert, kommt nicht immer tote Oma raus… ääähhhmm… nee das ist Quatsch… Egal – fahrt euch die EP laut rein und Ihr werdet nicht enttäuscht sein!

Bis bald bei New Rock Reviews sagt,

Euer Ron

Bewertung: 7 von 8 Punkten

Tracklist:

Sordid Love
Nowhere
Psychedelion
Forgotten Sins
Be Yourself

Besetzung:

Christoph Kröckel – Gitarre/ Gesang

Alexander Müller - Gitarre

Gregor Arndt - Schlagzeug

Christoph Arndt – Bass/ Hintergrundgesang

Single-Review: The #4 With a Smile - Where You Used to Be

2015-05-11T11:13:00.001+02:00

Info

Band: The #4 With a Smile

Album: Where You Used to Be (Single)

Musikrichtung: Alternative

VÖ-Datum: 8.5.2015

Label: Fat Eye Dive Records

Herkunft: Deutschland

Facebook: https://www.facebook.com/therewasnothe

Website: http://number4.bandcamp.com/

Hat sich eigentlich schon einmal jemand gefragt, ob diese komischen Idioten von New Rock Reviews, die meinen, sie würden musikalisch alles besser wissen, auch selbst Musik machen? Denn das tun sie! Zumindest zwei sind schon soweit, eine gemeinsame Single in ihrer Diskografie zu haben. Ich selbst gehöre zwar nicht dazu, nehme mir jetzt aber (mit freundlicher Genehmigung) einfach mal das Recht, über die Single herzuziehen. Tja, der Paycheck war einfach zu niedrig.

THE #4 WITH A SMILE nennt sich das Projekt meiner beiden Blog-Mitautoren Tony Marc Lampel und Ron Ruiz. Dass da schon länger was in Vorbereitung war, wusste ich bereits. An der ein oder anderen Produktion Tonys war ich auch schon direkt oder indirekt beteiligt. Diese hier ging aber komplett ohne mich über die Bühne, weshalb ich relativ neutral auf die ganze Sache schauen kann.

Als ich die Single zum ersten Mal gehört habe, ist mir wirklich kurz der Kiefer abgefallen. Dank Sekundenkleber habe ich jetzt aber doch keine Probleme mehr bei der Kommunikation mit anderen Menschen. Vielen Dank an Uhu®! Und bevor mir jetzt einige Schleichwerbung vorwerfen: Nein, ich bekomme kein Geld dafür, aber das kann sich ruhig ändern (Notiz an mich: Uhu wegen Sponsoring anschreiben).

„Where You Used to Be“ erinnert mich stark an die elektrischen Sachen von NEIL YOUNG (gerade bei den Soli), aber auch ein wenig NIRVANA schimmert hier und da durch. Über dem Schlagzeug liegt ein kleiner Hall (gut, das ist Geschmackssache), die Gitarre klingt, wie man sie in dem Musikbereich erwarten würde: ordentlich angezerrt, aber nicht so matschig wie bei vielen Metal-Bands. Der Bass hält sich leicht im Hintergrund und unterstützt den Song so optimal und der Gesang passt ideal zum doch sehr melancholischen Text. Für einen Titeltrack echt gut gelungen!

Mit „Mad Man's Cruise“ erwartet man auch musikalisch das, was der Titel verspricht. Am Anfang geht die Nummer noch leicht in Richtung VELVET UNDERGROUND, aber sobald die Strophe einsetzt wird es doch recht punkig und sorgt so für einen starken Kontrast zum Opener. Mit knapp zweieinhalb Minuten ist der Titel allerdings etwas kurz.

Natürlich darf bei den beiden auch ein wenig Akustikgitarre nicht fehlen. Und genau die bekommt man bei „Sick Sad World“. Hier gefällt mir der Umschwung von Strophe auf Refrain (akustisch auf elektrisch) sehr gut. Auch wenn ich am Anfang noch etwas skeptisch war was den Tempoumschwung angeht, ist die textliche Veränderung so doch ideal wiedergegeben. Thematisch bewegt sich das Ganze im Bereich Massentierhaltung. Jede Strophe ist einem anderen Aspekt dieses Produktionsbereichs gewidmet, während im Refrain ganz klar wird, was davon gehalten wird. Ein guter Schluss für die Single.

Fazit: Where You Used to Be ist eine Singleabkopplung des bald erscheinenden ersten Albums der Band. Ich finde, der erste Eindruck ist vielversprechend und macht wirklich Lust auf mehr. Mit anderen Worten: Bevor ihr euch bei Starbucks® demnächst einen mittleren Kaffee holt, der euch so heftig in die Blutbahn schießt, dass ihr wegen Koffeinüberschuss anfangt zu zittern und nicht mehr laufen könnt – investiert die 3€ lieber hier und kauft euch die Single! Zittern könnt ihr auch beim Warten auf das Album!

Hörtipps: „Where You Used to-“ … Pfff, das is 'ne Single, Leute! Die 15 Minuten werdet ihr ja wohl übrig haben!

Bewertung: entfällt, da Single … (*hust* 6 von 8 Punkten *hust*)

Tracklist:

1. Where You Used to Be

2. Mad Man's Cruise

3. Sick Sad World

Besetzung:

Gesang, Gitarre, Percussion: Tony Marc Lampel

Gesang, Bass: Ron Ruiz

CD-Review: Congoroo - Up There, Not Here

2014-07-23T13:05:00.004+02:00

Info

Band: Congoroo

Album: Up There, Not Here

Musikrichtung: Alternative Rock

VÖ-Datum: 25.03.2014

Label: Calyra

Herkunft: Deutschland

Facebook: https://www.facebook.com/pages/Congoroo/130494203628041

Website: www.congoroo.de

Ihren Abwechslungsreichtum hatten CONGOROO ja bereits auf ihrem ersten Album No, Monkey no!nachgewiesen. Auch auf ihrem zweiten Album Up There, Not Here hat sich bei dem Thema nichts verändert. Eins fällt aber trotzdem auf: Anders als bei der Debütplatte handelt es sich hier nicht um ein Konzeptalbum. Ob die Jungs damit noch besser werden?

Los geht’s mit „Dr.“, einem ordentlich abwechslungsreichen, coolen Rocker, der als guter Opener mehr als gerechtfertigt ist. „Safety“ versetzt mich im Intro in leichte Skatepunk-Stimmung a lá ZEBRAHEAD, was auch während der Strophe nicht aufhört. Erst der Refrain wird etwas progressiv rockiger. Ab und an geht’s auch mal in Richtung erstes LOSTPROPHETS-Album, aber der Skatepunk bleibt deutlich hörbar.

„In My Bubble“ deutet schon im Intro einen etwas ruhigeren Songverlauf an, was sich recht schnell bestätigt. Besonders nett finde ich hier den Effekt auf den ersten Worten der ersten Strophe, da man hier wirklich den Eindruck bekommt, als würde sich Sänger Matze in einer Art Blase befinden, die seine Stimme leicht abdämpft. Cooler Produktionskniff. Auch „Shadows & Lights“ beginnt etwas ruhiger, was aber nach ein paar Sekunden schnell geändert wird. Das Riffing während der Strophe ist hier besonders cool, da fällt es kaum auf, dass der Refrain doch ähnlich ruhig ist wie der des Vorgängers.

Mit „Atmosphere“ wird es etwas grooviger. Das Bassintro mit den netten Effekten untermalen den Gesang und kreieren eine coole Atmosphäre, die vom Refrain weitergetragen wird. Besonders gegen Ende geht der Song mit dem akustischen Outro schön ins Ohr. Nicht nur die Namensgebung stimmt hier; auch das Songwriting glänzt ähnlich wie auf dem Debütalbum. „Beautiful“ beginnt recht hart und hält auch in der Strophe ein gewisses Metal-Flair aufrecht. Der Refrain wird dann allerdings doch etwas poppig. Trotzdem ist der Titel einer meiner Favoriten auf der Scheibe.

Mit „I'm Not Going Home“ kommt der wohl abwechslungsreichste Song auf Up There, Not Here. Nach funkigem Intro und ebenso funkiger Strophe wird es im Refrain schön rockig. Im Mittelteil finden die Jungs sogar Gelegenheit zu Jammen und ein Saxophon einzusetzen und irgendwie bildet sich in meinem Kopf das Bild eines gewissen amerikanischen 80er Jahre-Krimis aus Miami. Das Ende wird dann schön balladesk und noch einmal mit Saxophon untermalt. „Crushing Down Like Waterfalls“ bewegt sich stark in Richtung britischer Pop-Punk; speziell die frühen YOU ME AT SIX kommen mir dabei in den Sinn. Trotzdem bewahren CONGOROO ihren eigenen Stil dabei.

Auch mit „House in the Moon“ befinden wir uns in derselben Stilrichtung. Mir als KIDS IN GLASS HOUSES-Fan kommt der Titel sogar noch mehr entgegen als der vorherige, da mich hier einiges an KIGH's Smart Casual erinnert. Zumindest bis zu dem kurzen Bruch, der mich dann doch wieder in CONGOROO-Gewässer bringt. „Paint the Sky“ ist trotz allen vorherigen Vermutungen wahrscheinlich mein absoluter Favorit. Das Intro schlägt den Gitarristen in mir einfach mal k.o. und so schnell wird der auch nicht wieder aufstehen. Die Gitarren sind hier deutlich härter, das Songwriting genau so ausgeklügelt wie schon auf dem gesamten Album und trotzdem könnte man den Titel durchaus auch im Radio laufen lassen (wenn es gute, frei empfangbare Radiosender gäbe).

„Nothings“ bildet den halb-akustischen Abschluss auf Up There, Not Here. Jedem Classic Rock-Fan wird bei der Nummer das Herz aufgehen. The 70s are back! Selbst im (dann elektrischen) Outro hauen die Jungs nochmal einen raus und machen auf VELVET UNDERGROUND. Mehr als nur ein tolles Ende für die Scheibe.

Fazit: Kaufen, kaufen, kaufen! Genau so abwechslungsreich wie das Debüt, allerdings etwas poppiger angehaucht. Daran gibt's aber nichts zu mäkeln, da es das Songwriting einfach hergibt. Trotz der etwas langen Anlaufzeit lohnt es sich besonders durch den späteren Verlauf, das Album durchzuhören. Toller Nachfolger und für jedwede Player einfach mehr als nur geeignet!

Hörtipps: „Shadows & Lights“, „Atmosphere“, „I'm Not Going Home“, „Paint the Sky“

Bewertung: 8,5 von 10 Punkten

Tracklist:

1. Dr.

2. Safety

3. In My Bubble

4. Shadows & Lights

5. Atmosphere

6. Beautiful

7. I'm Not Going Home

8. Crushing Down Like Waterfalls

9. House in the Moon

10. Paint the Sky

11. Nothings

Besetzung:

Gesang: Matze

Gitarre: Stefan

Gitarre: Max

Bass: Marcel

Drums: Gregor

CD-Review: K U T O S I S - Dream It Away

2014-07-16T13:00:00.000+02:00

Info

Band: K U T O S I S

Album: Dream It Away

Musikrichtung: Indie

Erscheinungsdatum: 30.06.2014

Label: Jealous Lovers Club

Herkunft: Wales

Facebook: www.facebook.com/KUTOSIS

Website: www.kutosis.co.uk

Ist euch eigentlich schon einmal aufgefallen, dass sich in letzter Zeit sehr viele Bands aus Wales ihren Weg in die Mitte der Musikgesellschaft bahnen? Nein? … Na ja, dann seid ihr offensichtlich keine NRR-Stammleser. Damit ihr aber nicht denkt, dass ich mir das Ganze aus den Fingern sauge – darf ich vorstellen: K U T O S I S (ja, sie schreiben sich wirklich so umständlich)! Die drei kommen aus Cardiff und haben mich vor ein paar Wochen vollkommen für sich gewonnen, was allerdings bei der Flut an guten walisischen Bands in letzter Zeit nicht allzu überraschend ist (tja, die Stammleser wissen das). Ihr zweites Album Dream It Away erschien am 30.06. und soll heute mal näher unter die Lupe kommen.

Klanglich bewegt sich die Scheibe zwischen zwei anderen Bands des Landes, die hier bereits Gegenstand von Reviews waren: THE JOY FORMIDABLE und WE ARE ANIMAL. Besonders letztere kommen produktionstechnisch und musikalisch stark zum Vorschein, was K U T O S I S aber keinesfalls zur Last gelegt werden soll. Aber auch die kürzlich hier erwähnten BLOOD RED SHOES könnten einen leichten Einfluss ausgeübt haben. Entsteht hier etwa ein neues Alternative-Genre?

Dream It Away beginnt mit „This Avalanche Is“, einem leicht verträumten und durchaus radiotauglichen Song. Dafür sorgen die hallenden Gitarren und der angenehme Backing-Gesang. Diesem netten Opener folgt „Old Judas“, der mich zum ersten Mal an die Kollegen von WE ARE ANIMAL erinnert. Die Nummer wird wie dort stark vom Bass dominiert und ist mit einigen Effektspielereien versehen.

Die erste Überraschung ist „Crystal Beach“, der vielleicht sogar noch etwas radiotauglicher ist als der „This Avalanche Is“. Die dezent im Hintergrund begleitende akustische Gitarre und kurzen E-Gitarren-Leads harmonieren gut mit dem melodiösen Gesang. Ein nettes Gesamtgebilde, das durchaus zu recht zur ersten Single wurde. „Horizons“ dagegen ist etwas alternativer und der erste Song, der andeutet zu was die drei außerdem so fähig sind. Der verzerrte Bass und die nun etwas deutlicher wahrnehmbare Gitarre – sogar mit den ersten Disharmonien – bilden wieder ein starkes Konstrukt, das vom Schlagzeug genau so unterstützt wird, wie man sich das vorstellt.

„Night Surf“ erinnert mich wieder stark an WE ARE ANIMAL, was hauptsächlich an der Spielweise und Produktion des Schlagzeugs festzumachen ist. Bei dem Song ist der Name Programm, denn während der gesamten Spielzeit kommt man sich vor, als würde man auf einer Welle surfen, die immer weiter ansteigt, bevor sie schließlich, wie der Titel selbst, kurz vor der Küste zusammenbricht. Trotz seines alternativen Intros macht „Feel Love“ einen starken Schwenk in Richtung BEADY EYE bzw. OASIS, was gerade im Refrain sehr deutlich wird. Auch hier wäre eine Singleauskopplung wieder gut begründet.

Einer meiner Favoriten des Albums ist wohl „French Canadian Girls“, der stark durch die Gitarren-Bass-Kombination dominiert wird und durch seinen Rhythmus punktet. Besonders stark ist der Teil gegen Ende, als sich der Song noch einmal nett bis zum letzten Refrain aufbäumt. Mit „Something in the River“ folgt der mit fünfeinhalb Minuten längste Track auf Dream It Away. Am Anfang noch etwas ruhiger und düster, baut sich im Verlauf doch ein recht mystischer Klang auf, der hauptsächlich auf dem verzerrten Bass und der disharmonischen Gitarre basiert und ziemlich gut ins Ohr geht.

Auch „Short Stories“ bleibt etwas ruhiger und durch seinen Refrain doch recht poppig. Die Gitarren allerdings werden im Verlauf des Albums immer schräger, was man auch hier wieder bemerkt. Mit „Fear of Flying“ legen die drei Waliser noch ein paar Effekte drauf: der Hall auf dem Gesang und der stark verzerrte Bass machen den Song viel mystischer und rücken ihn in Richtung der ersten Scheibe von THE JOY FORMIDABLE. Disharmonien dürfen natürlich auch hier nicht fehlen und der Refrain bleibt einfach im Ohr hängen.

Zum Höhepunkt – auch in Sachen „schräg“ – kommt es mit „Volcano“. Zwar fängt die Nummer ebenfalls ziemlich ruhig an, aber schon der Gesang wirkt hier für ungeübte Ohren recht gewöhnungsbedürftig. Später bauen sich die Gitarren – eben wie ein Vulkanausbruch – immer stärker bis zu einer massiven Disonanz auf, bei der man bei zu lauten Hören definitiv mit Verdacht auf Tinitus zum Ohrenarzt gehen wird.

Fazit: Textlich ist zwar bei der Band nicht allzu viel los, was an einigen Songs hörbar ist, allerdings spricht bei K U T O S I S auch eher die Musik und bei dem Songwriting braucht sich niemand zu verstecken. Mystisch, teilweise düster, aber trotzdem nicht zu depressiv läuft Dream It Away sehr gut durch. Wer das Geld und einen Plattenspieler hat, sollte sich dann auf jeden Fall auch die LP zulegen, den dieses Album ist definitiv Vinyl-geeignet.

Hörtipps: „Crystal Beach“, „French Canadian Girls“, „Something in the River“, „Volcano“.

Zu Hören gibt es die Scheibe übrigens hier: kutosis.bandcamp.com/album/dream-it-away

Bewertung: 8,5 von 10 Punkten

Tracklist:

1. This Avalanche Is

2. Old Judas

3. Crystal Beach

4. Horizons

5. Night Surf

6. Feel Love

7. French Canadian Girls

8. Something in the River

9. Short Stories

10. Fear of Flying

11. Volcano

EP-Review: I Fight Lions - Sesiwn C2

2014-05-28T13:51:00.005+02:00

Info

Bandname: I Fight Lions

EP-Titel: Sesiwn C2

Musikrichtung: Alternative Rock

Erscheinungsdatum: 19.05.2014

Label: n.a.

Herkunft: Wales

Facebook: https://www.facebook.com/ifightlions

Sie schlagen wieder zu! I FIGHT LIONS, ihres Zeichens Band meines persönlichen letztjährigen Albums des Jahres, haben erneut eine kleine Kurz-EP veröffentlicht. Produziert wurde das Ganze von Ex-KIDS IN GLASS HOUSES und THE BLACKOUT-Produzent Romesh Dodangoda, wodurch ein durchaus verändertes Klangbild entstand.

Sesiwn C2 klingt rockiger als das selbstbetitelte Debütalbum. Der Gesang ist nicht ganz so laut wie auf dem Vorgänger – eine Sache, die bei uns NRR-Schreibern damals für eine kleine Diskussion gesorgt hatte. Die Gitarren haben etwas mehr Druck, was besonders beim Intro des Openers „Geiriau Iawn Ar Goll“ auffällt. Ein leichter Hall auf dem Gesang sorgt ebenfalls für einen überraschenden Effekt. Das Songwriting nimmt sich im Vergleich zum Vorgänger ebenfalls nicht besonders viel. Es scheint als hätten die Jungs ihren Stil vorerst gefunden.

Besonders hervorheben möchte ich „Gwefr y Gwyll“ (über die Sprache habe ich ja schon in den ersten zwei Reviews genug Worte verloren, was es trotzdem nicht einfacher macht, die Titel zu buchstabieren bzw. gar auszusprechen). Die Nummer erinnert mich produktionstechnisch stark an die ein oder andere THE BLACKOUT-Produktion, auch wenn sich das musikalisch natürlich nur wenig vergleichen lässt. Was besonders hervorsticht sind der Refrain und der kleine Aufbau gegen Ende, durch den der Titel noch einmal stark an Kraft zulegt.

Der leider bereits letzte Titel der EP ist „Y Dyddiau Aur“, der recht ruhig beginnt und durch seine Struktur durchaus auch auf dem Vorgänger hätte landen können. Pluspunkt der EP ist die Produktion, die mir persönlich gut gefällt und eventuell auch im Vergleich mit dem Album besser abschneiden kann. Die musikalische Weiterentwicklung war auf einer EP nicht zu erwarten, daher fällt das Songwriting weder positiv noch negativ ins Gewicht. Die Anzahl der Titel allerdings ist ein kleines minus, da mir drei Lieder ein bisschen zu wenig sind.

Hörtipp: „Gwefr y Gwyll“

Die EP gibt es übrigens kostenlos hier: http://ifightlions.com/album/sesiwn-c2. Wenn man ein oder zwei Euro zuviel auf dem Konto hat, kann man diese allerdings auch als kleine Spende an die Jungs weiterleiten.

Bewertung: 6 von 8 Punkten

Tracklist:

1. Geiriau Iawn Ar Goll

2. Gwefr y Gwyll

3. Y Dyddiau Aur

Besetzung:

Vocals, Gitarre: Hywel Pitts

Gitarre: Dan Owen

Bass: David Thomas

Drums: Rhys Evans

CD-Review: Blood Red Shoes - Blood Red Shoes

2014-05-21T13:00:00.000+02:00

Info

Bandname: Blood Red Shoes

Albumname: Blood Red Shoes

Musikrichtung: Alternative Rock

Erscheinungsdatum: 28.02.2014

Label: Jazz Life

Herkunft: England

Facebook: www.facebook.com/bloodredshoes

Seit THE JOY FORMIDABLE mich in ihren Bann gezogen haben, finde ich es ja immer wieder erstaunlich, wie wenig Leute so viel Energie in ihre Musik übertragen können. BLOOD RED SHOES sind ein ebenso gutes Beispiel für mein Erstaunen, zumal sie nur zu zweit ähnlich viel Energie produzieren. Das neueste selbstbetitelte Album erschien Ende Februar und wird diese Woche von mir unter die Lupe genommen.

Leider kenne ich die früheren Werke der Band nicht, weshalb mir dort keine Vergleichsmöglichkeiten offen stehen und ich dadurch rein auf meinen Geschmack vertrauen werde. Aufgenommen und produziert wurde die Scheibe in Berlin, ohne Produzenten (ja, auch das ist ein Weg, den manch andere Band eventuell einmal gehen könnte).

Blood Red Shoes beginnt mit dem instrumentalen Opener „Welcome Home“, der vor Energie nur so strotzt und ordentlich mitzieht. Man merkt eigentlich schon von Anfang an nicht ein bisschen, dass es sich hierbei nur um zwei Personen handelt. „Everything All At Once“ folgt gleich im Anschluss. Treibende Strophe, Effekte auf dem Mikro (wie ich es auch schon von TJF gewohnt bin) und generell eine sehr interessante Art des Songwritings.

„An Animal“ ist der Song, der mich auf die beiden erstmals aufmerksam gemacht hat. Mir gefällt besonders das leicht punkige Riff der Strophe und der rockige Endspurt. Leider ist der Titel für meinen Geschmack etwas zu kurz, live aber dafür umso rockiger. Bei „Greysmoke“ wird erstmals der Gesangspart getauscht. Wo vorher hauptsächlich Schlagzeuger Steven Ansell gesungen hat und Gitarristin Laura-Mary Carter die Backings übernahm, dreht sich das in der Nummer zum ersten Mal um. Der Song ist etwas ruhiger, etwas mehr Indie als die beiden Vorgänger und sorgt damit für etwas Abwechslung.

Auch „Far Away“ beginnt etwas ruhiger. Der Gesang wechselt zwischen beiden hin und her und erinnert mich im Refrain stark an die erste TJF-Platte, was bei mir Punkte einbringt, da der Song trotz allem eine ganz eigene Note besitzt. „The Perfect Mess“ legt dann wieder einen Zahn zu, mehr Rock, weniger Mystik. Die Strophe geht trotzdem durch die tiefen Gitarrenklänge leicht in Richtung Doom (wobei mir besonders JEX THOTH in den Sinn kommen), auch wenn der Song um einiges schneller ist. Wieder gefällt mir das stark rockige Ende, ein Stil, mit dem sie bei mir offene Türen einzurennen scheinen.

„Behind a Wall“ ist anfangs wieder ein ruhigerer Vertreter, sorgt aber im Refrain bei mir für einen Instant-Dauerohrwurm, der nur noch von einem späteren Song getoppt wird. Bisher macht die Scheibe einen recht guten Eindruck und läuft auch ohne Probleme oder den Drang, jetzt einmal etwas anderes hören zu wollen, durch. „Stranger“ ist ein weiterer Ohrwurmkandidat. Das Intro erinnert mich an LOSTPROPHETS' „Sway“ (ja, genau; die Band, über die niemand mehr reden will/kann/darf). Generell geht es hier etwas mystischer zu, was sicher auch mit der angenehmen Stimme der Gitarristin zu tun hat und mir gut in die Ohren geht. Mein Trommelfell kann für gute vier Minuten etwas entspannen.

Der absolute Ohrwurm folgt allerdings mit „Speech Coma“, der vor Gitarreneffekten strotzt und im Refrain dafür sorgt, dass man einfach mitmachen muss. Die musikalische Explosion gegen Ende des Titels sorgt dafür, dass ich mich für diesen Song als meinen Favoriten für Blood Red Shoes festlegen kann. „Don't Get Caught“ ist im Refrain etwas härter, als ich das von den anderen Nummern bisher gewohnt bin. Sicher ein ganz guter Song, der aber nach den drei Vorgängern untergeht, auch wenn er im Mittelteil einen starken Moment hat.

„Cigarettes in the Dark“ überzeugt mich mit dem leichten Hall auf dem Schlagzeug und den netten Effekten im Hintergrund, bevor er dann im Refrain erneut leicht doomig vor sich hin groovt. Den großartigen Abschluss des Albums bildet allerdings das mystische „Tightwire“, das auf LP wahrscheinlich noch viel besser zum Nachdenken anregt als es das auf CD schafft. Nach diesem Abschluss bleibt man tatsächlich erst einmal ein paar Sekunden sitzen und lässt den Titel auf sich wirken.

Fazit: Mystisch, rockig und energiegeladen, wenn auch hier und da ein wenig zu starr. Ein gutes viertes Album, dass mich in mehreren Momenten richtig gepackt hat, aber mich trotzdem nicht davon überzeugen kann, in den grünen Bereich zu gehören.

Hörtipps: „An Animal“, „Behind a Wall“, „Stranger“, „Speech Coma“, „Tightwire“

Bewertung: 7,5 von 10 Punkten

Tracklist:

1. Welcome Home

2. Everything All At Once

3. An Animal

4. Greysmoke

5. Far Away

6. The Perfect Mess

7. Behind a Wall

8. Stranger

9. Speech Coma

10. Don't Get Caught

11. Cigarettes in the Dark

12. Tightwire

Besetzung:

Gesang, Gitarre: Laura-Mary Carter

Gesang, Drums: Steven Ansell

CD- Review: My Own Army - Too Many Faces

2014-05-14T11:32:00.000+02:00

Info

Bandname: My Own Army

Albumname: Too Many Faces

Musikrichtung: Alternative Rock

Erscheinungsdatum: 03.04.2014

Label: RVPrecords

Herkunft: Niederlande

Facebook: https://www.facebook.com/myownarmy

Holland ist ja jetzt nicht gerade bekannt für seine großen Rockbands. Sicher werden ein paar von euch schon von GOLDEN EARRING oder WITHIN TEMPTATION gehört haben, aber mir persönlich sind unsere Nachbarn noch nicht großartig musikalisch aufgefallen. Deshalb wird es Zeit, dass man mal etwas über MY OWN ARMY schreibt. Vor etwas über einem Monat haben diese ihr zweites Studioalbum Too Many Faces veröffentlicht.

Der Titelsong beginnt recht melancholisch, was einen aber genau in die generelle Album-Atmosphäre wirft. Gesanglich klingt das Ganze für mich stark nach einem Mix aus Billy Corgan (SMASHING PUMPKINS) und FUNERAL FOR A FRIEND's Matthew Davies. Trifft wahrscheinlich nicht jeden Geschmack, passt aber definitiv zur musikalischen Grundstimmung. Einziges Manko: die Gitarren klingen zu künstlich und sind mir persönlich zu leise. Da geht einiges an Power verloren. Genau dieses Manko wird bei „Painting by Numbers“ offensichtlich. Grundsätzlich rockt der Song in der Strophe und Bridge ordentlich, macht dabei aber zu wenig Druck. An Melancholie jedenfalls mangelt es auch in diesem Song nicht, was man gerade an den ruhigen Stellen im Mittelteil des Lieds merkt.

„...Open End“ ist die bisherig rockigste Nummer auf der Scheibe. Treibend in der Strophe, nicht allzu melancholisch, jedoch wieder mit dem großen Manko Gitarrenklang. Gerade im Intro und der Bridge fehlen mir außerdem an der ein oder anderen Stelle ein paar Palm Mutes, die das Konstrukt noch ein bisschen voranzutreiben könnten. Das Ende hingegen lässt mich doch noch mitnicken. „Onepager“ wiederum ist mir am Anfang viel zu depressiv, was sich auf die gesamte Strophe ausweitet. Immerhin bekommt der Gesang jetzt einen etwas rockigeren Anstrich im Refrain. Und siehe da, im Break gibt es den Beweis, dass die Gitarren doch ganz cool klingen könnten. Schade nur, dass es sich nicht über die gesamte Länge streckt.

„The Ad“ beginnt mit einem Intro, das mich stark an METALLICA's „Orion“ erinnert. Auch hier macht sich durch vertrackte Rhythmen und leicht dissonante Gitarren jedoch wieder viel Depression breit. Irgendwie fehlt mir bisher auf dem Album ein richtiger Rocker, der von vorn bis hinten einfach nur mitzieht, auch wenn „The Ad“ kurze Momente aufweist, bei denen ich mich auch kurz (sehr kurz) beim Mitwippen erwische, aber für meinen Geschmack ist der gesamte Titel viel (sehr viel) zu lang. Kommt mit „Sideshow“ jetzt etwa der ersehnte Rocker? Es deutet sich im Intro an und bestätigt sich zumindest auch in der Strophe. Der Refrain allerdings enttäuscht mich doch, aber zumindest hört sich danach das Strophenriff etwas rockiger an und der Teil danach erinnert mich an die 90er METALLICA, speziell durch die Effekte auf dem Mic gegen Ende. Meiner Meinung nach bisher die beste Nummer auf Too Many Faces.

„Friendly Fire“ rockt dann nach FOO FIGHTERS-Manier los und überzeugt mich ebenso wie der Vorgänger im Songwriting. Die Jungs können also doch nicht nur melancholisch-depressiv, sondern auch rockig. Gut zu wissen. Denn mit „Proy“ schließen die Holländer wieder etwas dem alten Albumtrott verfallen Too Many Faces ab. Wer gern an verlassene Industriegebäude und Bahnhöfe denkt, wird am Anfang dieses Songs schön in Gedanken versinken können. Mich persönlich erinnert das Ganze stark an I LIKE TRAINS. Nicht mein Ding, weil es mich doch zu sehr runter zieht, auch wenn der Song am Ende nochmal etwas rockiger wird.

Fazit: Schade, viel Drive geht durch die schlechte Produktion der Gitarren verloren. Zu leise, zu künstlich; wenn es sich in Richtung FOO FIGHTERS oder METALLICA zu Load/Reload-Zeiten entwickelt hätte (wie es vom Songwriting her spitzenmäßig für „Sideshow“ und „Friendly Fire“ geklappt hätte), wäre ich auch bereit gewesen zwei, drei Punkte mehr zu geben. Mehr „Sideshow“, mehr „Friendly Fire“, mehr Druck auf den Sechssaitern und die nächste Veröffentlichung wird auch mich überzeugen.

Hörtipps: „...Open End“, „Sideshow“, „Friendly Fire“

Bewertung: 5,5 von 10 Punkten

Tracklist:
1. Too Many Faces

2. Painting by Numbers

3. ...Open End

4. Onepager

5. The Ad

6. Sideshow

7. Friendly Fire

8. Proy

Besetzung

Vocals, Gitarre: Herman de Kok

Gitarre: Vincent Hekkert

Bass: Ferry Westdijk

Schlagzeug: Sven Spierings

Lords of Banana

2014-05-07T14:48:00.001+02:00

Vor ein paar Wochen hab ich fast eine Banane im Ganzen inhaliert. Der Grund? METALLICA haben einen neuen Song! Arbeitstitel: „Lords of Summer“. Fragt mich nicht warum. Der Song ist ja nicht mal im Sommer zum ersten Mal gespielt worden. Jetzt sehe ich euch langhaarige 80er-'tallikatzen-Fans schon wieder mit Billigbierdosen in der Hand headbangen und „Master of Puppets“ schreien.

Kürzlich habe ich ein Interview mit Käpt'n „Wah Wah“ persönlich gelesen (für alle unwissenden, es handelt sich um Kirk Hammett), der mir doch tatsächlich weiß machen wollte, dass es schon mindestens 900 Riffs für das nächste METALLICA-Werk geben soll. Dazu hätte ich ein paar Fragen:

1. Warum hat man dann bitte nicht schon früher was veröffentlicht? 6 Jahre, hallo?

2. Warum klingt „Lords of Summer“ wie ein von einem richtigen Produzenten überarbeitetes Death Magnetic? Und das schon in der Demoversion?

3. Sind die Riffs, die ich hier zu hören bekommen habe, die schlechtesten davon?

Und hier die Antworten und von wem sie gegeben wurden:

1. Mimimi. 3Dfilmtourgeldproblemezeitblablabla. (die Metallicats höchstselbst)

2. Death Magnetic war geil! Und überhaupt: Retro ist geil! (die 80er-'tallica-Fans)

3. Tja. Ich hoffe es. (Menschen mit Musikgeschmack)

Die Bandgeschichte zeigte bisher immer eine gewisse Entwicklung. Selbst in den 80ern (Hetfield wurde langsam zum Mann… okay, sehr langsam, aber er hat es noch bis zur ...And Justice for All geschafft) gab es eine Weiterentwicklung von Album zu Album. Als das dann erledigt war, hat man sich (nicht zuletzt auch durch die Einflüsse eines Jason Newsted) musikalisch anderweitig orientiert, wobei Load/Reload als bisheriger Höhepunkt zu sehen sind. Das Ganze endete, wie man ja sicher weiß, mit der Experimentierfreude um die S&M und das sehr gute Coveralbum Garage Inc. (wer hat da nicht auf ein neues Album gewartet?). Auch auf St. Anger kann man eine gewisse Evolution ausmachen, auch wenn viele Riffs anders produziert durchaus auch auf den zwei Vorgängern hätten landen können. Death Magnetic war dann so eine gewisse Midlife-Crisis/Will-wieder-jung-sein-Scheibe, die man vier Mitt-Vierzigern auch gern einmal nachsieht. Sollte sich das allerdings auf der nächsten auch andeuten (und das tut es im Moment), werde ich wohl leider eine Petition starten müssen, die die vier Herren hoffentlich wieder auf Kurs bringen würde (der Text wäre so etwas wie: „RE-RELOAD! JETZT! VERDAMMT NOCHMAL!“). Vielleicht bekomme ich ja ein paar Unterschriften zusammen. Wir werden sehen.

Bis bald,

euer Bobo

CD-Review: Divus - Aureola

2014-04-30T16:50:00.003+02:00

Info

Bandname: Divus

Albumname: Aureola

Musikrichtung: Progressive Rock / Instrumental

Erscheinungsdatum: 08.08. 2013

Label: keins

Herkunft: Schweiz

Facebook: https://www.facebook.com/divusband

Manchmal möchte man meinen, sechs Songs wären viel zu wenig für ein Album. Und dann kommen Bands wie DIVUS und beweisen einem das Gegenteil. Auf ihrem Debütalbum Aureola haben die Schweizer sechs Songs gepresst, jedoch dabei die volle CD-Länge ausgereizt. Nichts für die schnelle Raucherpause zwischendurch (auch wenn ich Nichtraucher bin), da selbst der kürzeste Titel knappe neun Minuten geht. Dieses Album könnte tatsächlich interessant werden.

Wer bei DIVUS auf Gesang wartet, tut dies vergeblich. Jedes einzelne der Lieder ist instrumental, was so natürlich nur im Prog-Rock funktionieren kann. Ob es die Band schafft, mich damit zu überzeugen, wird sich in den nächsten Zeilen herausstellen. Von der Produktion her gibt es schon mal nichts zu mäkeln. Sauber und ausgewogen, dafür gibt es für mich keinen Ansatzpunkt zur Kritik.

Aureola beginnt mit „Vates“, einem elfeinhalbminütigen Werk, dass gleich von Anfang an recht deutlich klar macht, wohin die Reise geht. Die Leads sind mit leichtem Hall versehen, wodurch die ganze Nummer einen leicht mystischen Touch bekommt. Hier und da sind ein paar ruhigere Stellen eingestreut, die den ganzen Eindruck noch bestätigen. Meiner Meinung nach ein ganz gut gelungener Anfang. Mit „Anima“ folgt dann auch schon der längste Titel des Albums. 17:42 sind nichts, was man einfach mal so zeitlich über hat. Entsprechend lang hat es auch gedauert, bis ich mich entscheiden konnte, was ich von dem Song halte. Auch hier mangelt es nicht an Abwechslung, allerdings fehlen mir dann doch ab und an mal ein oder zwei gesungene Zeilen. Der Song beginnt recht ruhig und baut sich über die ersten Minuten schön auf, bevor wieder ein wenig der Wind aus den Segeln genommen wird. Besonders in der Mitte des Songs nehmen die Jungs ein wenig Fahrt auf, was mir sehr gut gefällt und mich kurz an Bands wie PROTEST THE HERO erinnert. Die Nummer eignet sich aber definitiv hervorragend um zu entspannen.

„Awakening“ ist erneut im Längenbereich des Openers anzusiedeln und zieht gleich von Anfang an recht gut durch, auch wenn die Band sehr schnell wieder Tempo herausnimmt. Auch hier vermisse ich irgendwo den Gesang. Abwechslungsreich ist auch diese Nummer (besonders der Teil gegen Ende gefällt mir sehr), vom Sound her jedoch ähnlich wie die vorangegangenen (sprich Hall auf den Leads, stark verzerrte Rhythmusgitarren). Mit „Mosaic I“ beginnt dann ein dreiteiliges Werk mit einem sehr ruhigen Intro, das einen noch tiefer in die mystische Grundstimmung eintauchen lässt. Was ich an der Nummer unglaublich cool finde, ist das sich der Song so gut aufbaut, dass einem kaum auffällt, dass er auch fast neun Minuten lang ist. Das Beckenspiel des Schlagzeugs, die von links nach rechts wandernden, hallenden Leads und der dezent im Hintergrund gespielte Rhythmus sind hier besonders stark gemacht, bevor man dann langsam an den Ausbruch des Songs geführt wird – denkt man.

Stattdessen beginnt „Mosaic II“, in den der Vorgänger ohne Pause übergeht. Auch hier geht es recht ruhig los, allerdings etwas grooviger, sodass man doch etwas mitnickt. Der Groove bleibt auch in späteren Teilen des Songs immer aufrecht erhalten und gibt der Nummer einen sehr coolen Anstrich. Auch wenn es mir eher schwer fällt, einen bestimmten Song von Aureola herauszupicken, „Mosaic II“ wird wohl meine Lieblingsnummer. Einige Teile des Songs erinnern mich gar an ruhigere Stellen aus dem ein oder anderen AUGUST BURNS RED-Song (besonders „Creative Captivity“ kommt mir da in den Sinn). Damit trifft man natürlich immer den Geschmack eines Metalcore-Geprägten wie mich. Großartiger Song, der ebenfalls ohne Pause zu „Mosaic III“ übergeht. Auch der überzeugt mich mit ähnlichen Anleihen wie „Mosaic II“. Coole Riffs, Maiden-ähnliche Leads und ein Groove, der einen zum Mitnicken zwingt. Es scheint, als würden die Jungs gerade gegen Ende noch einmal richtig einen raus hauen wollen – und das tun sie mit Erfolg. Wenn die zweite Platte so weitergeht wie die erste aufhört, will ich mehr davon.

Fazit: Experimentierfreudig, abwechslungsreich und musikalisch einwandfrei zeigen sich DIVUS auf Aureola schon. Großer Kritikpunkt meinerseits wäre die Länge der Songs, da man hier und da doch aus einem Song zwei oder eventuell gar drei hätte machen können („Anima“), und der Gesang, der mir im ersten Teil der Scheibe tatsächlich etwas fehlt, was aber durch das tolle Songwriting in der „Mosaic“-Reihe ausgeglichen wird. Empfehlenswert ist die Platte für alle, die sich für Instrumentalwerke aussprechen und musikalisch ansprechend relaxen wollen.

Erhältlich ist die Scheibe übrigens hier: http://divusband.bandcamp.com/

Hörtipps: Besonders die „Mosaic“-Teile, aber auch „Vates“.

Bewertung: 8 von 10 Punkten

Tracklist

1. Vates

2. Anima

3. Awakening

4. Mosaic I

5. Mosaic II

6. Mosaic III

Besetzung

Gitarre: Robin

Gitarre: Aaron

Schlagzeug: Rouge

Podcast: Bruce Springsteen - High Hopes

2014-04-09T18:25:00.001+02:00

Mit "High Hopes" veröffentlichte der BOSS mittlerweile das achtzehnte Studioalbum -
aus diesem Anlass mal ein paar Gedanken zur neuen Scheibe.

Podcast: Mark Lanegan - Whiskey For The Holy Ghost

2014-03-23T16:12:00.000+01:00

Zum Jubiläum von Mark Lanegans zweitem Soloalbum "Whiskey For The Holy Ghost"!

Podcast: Interview mit Henrik Freischlader

2014-03-14T14:10:00.001+01:00

Episode 26 mit Henrik Freischlader über Alben, Amps und Anderes.

Podcast: Album des Jahres 2013

2014-01-12T12:50:00.001+01:00

Der Podcast zum Album des Jahres 2013, wieder in der Schmiede in Radebeul.

Die Platzierungen:

1. Layla Zoe - The Lily
2. Jex Thoth - Blood Moon Rise
3. David Bowie - The Next Day
4. Avenged Sevenfold - Hail To The King
5. I Fight Lions - I Fight Lions

www.schmiede-radebeul.de

Bobo, Schafe, 69...

2014-01-10T16:07:00.001+01:00

Neulich tauchte ich wieder tief ins Plattenregal. Ein Ziel hatte ich dabei nicht, doch ich war überrascht - NOFX hatte 2013 den dreißigsten Geburtstag. Schnell den Plattenspieler geladen und den ganzen Tag diesen teils sehr verrückten Mix gehört.

Von Punk über Ska, Hardcore, Metal und melancholischer Musik ist da alles zu hören. Aber die NOFX-Note geht da nicht verloren, im Gegenteil - sie wird immer ausgereifter! Wahnsinn, was diese Band noch immer für eine Entwicklung macht! Da kann man sich nur auf die Festivalsaison freuen, denn NOFX ist eine Formation, welche a) sich nicht zu Ernst nimmt und b) einen Dreck darauf gibt, mit X Millionen Dollar Heim zu fahren, dafür aber die Kohle ordentlich auf den Kopp haut. Da lohnt sich mit Sicherheit auch das eine oder andere kommende Headlinerkonzert, aber das ist nur ein Tip meinerseits!

Und mein Gott, wer nicht wenigstens eines der Coverartworks oder Albumnamen witzig findet, sollte sich besser beim Seelenklempner untersuchen lassen. Nein, nur Spaß - ist doch nach wie vor Geschmacksache.

Wer was für härtere Rockmusik übrig hat, wird aber meiner Meinung nach nicht an NOFX vorbeikommen. Und es ist immer ein Genuss auf Plattenbörsen etwas Neues zu entdecken - da freu ich mich jetzt schon drauf!

Dann will ich euch nicht weiter stören! Ich geh erst einmal Banane verdauen. Danke und bis bald,

Euer Bobo!

CD-Review: Henrik Freischlader - Night Train To Budapest

2014-01-08T20:54:00.000+01:00

Info

Bandname: Henrik Freischlader

Albumname: Night Train To Budapest

Musikrichtung: Blues, Rock

Erscheinungsjahr: 2013

Label: Cable Car Records

Herkunft: Deutschland

Facebook: www.facebook.com/HenrikFreischladerOfficial

Website: http://www.henrik-freischlader.de

HE STRIKES AGAIN!

Gerade erst die House In The Woods vom Plattenteller genommen und schon sorgt HENRIK FREISCHLADER mit Night Train To Budapest für Nachschub.

Die Scheibe beginnt in gewohnt cooler Manier mit „Point Of View“. Sehr viel Groove, einprägsame Hookline und rotzige Soli, mal wieder ein echt gekonnter Einstieg.

„Everything Is Gone“ beginnt ruhiger, etwas smoother, bäumt sich im Chorus allerdings mächtig auf und beschert durch diesen Kontrast die erste große Überraschung. Ich möchte an dieser Stelle auch auf das Solo, das ab der Hälfte auf den Hörer hereinbricht, hinweisen – grandios!

Nun könnte man eigentlich eine kleine Verschnaufpause recht gut gebrauchen und die bekommt man auch mit „Caroline“. Beruhigendes Picking, gewürzt mit schicken Leads und einem Refrain, der einem so schnell nicht mehr aus dem Ohr gehen wird, ein Problem, dass sich häufig auf diesem Album einstellt.

Darauf folgen mit „A Better Man“ und „Thinking About You“ zwei Nummern mit viel Gefühl. Erstere zeigt sich im Grundton recht rockig, mit schön rohem Gittarensound, jedoch nimmt der Refrain ein wenig Fahrt raus. Zweitere ist unverkennbar eine Bluesballade by HENRIK FREISCHLADER. Ein Song, der sich Zeit nimmt und mit vielen kleinen subtilen Effekten die Atmosphäre aufbaut. Die Leadgitarre lädt zum genießen ein und genau das will man bei so einem Song auch – diese 7 Minuten vergehen wirklich wie im Flug!

Mit „Down The Road“ begibt man sich wieder in den Groove-Modus: Es darf wieder zu sehr eingängigen Riffs gerockt werden, ein Song mit viel Charme, schönem Wechsel und das Solo! Das Solo ist episch.

Knackige Rhythmusgitarren, schöne Leadläufe – es geht gut weiter mit „Gimme All You Got“. Sehr energetischer Rocker, der durch besagte Läufe fast schon hypnotisch wirkt und ja, es ist wieder einer dieser Refrains, die einen doch recht lang begleiten werden.

Es wird ein wenig ruhiger, aber nur für zwei Songs. „If this Ain't Love“ glänzt durch seine swingende Unbekümmertheit und zieht spätestens durch seinen souligen Chorus in seinen Bann. „My Woman“ dagegen ist eine ruhige orgellastige Ballade. Mit viel Gefühl vorgetragen und mit schicken kleinen Licks seitens der Gitarre garniert, allerdings ist das Stück für eine Spielzeit von 10 Minuten ein wenig eintönig, speziell am Schlagzeug hätte ich mir mehr gewünscht.

Mit „Shame“ wird es wieder rockiger: Klasse Chorus mit tollen Backingvocals, Gitarrenläufe satt und der Umbruch im zweiten Drittel, die stop-and-go-Dynamik – so klingt ein moderner Bluesrocker!

Geschlossen wird Night Train To Budapest von „Your Loving Was So Good“, einem zähen Groover bei dem es Feedbacks hagelt und sich die Soli in die Gehörgänge schneiden. Ein wirklich intensiver Song und ein würdiger Abschluss der Platte!

Fazit:

Transparente Produktion, gutes Songwriting und eine richtig gute Performance machen Night Train To Budapest einen Pflichtkauf für Blues- bzw. Rockfans.

Wenn es um coole und groovende Musik geht, weiß man genau an wen man sich halten kann: HENRIK FREISCHLADER!

Hörtipps: „Point Of View”, “Caroline”, “Thinkin About You” und “Your Loving Was So Good”

Bewertung: 9,5 von 10 Punkten

Tracklist:

01. Point Of View

02. Everything Is Gone

03. Caroline

04. A Better Man

05. Thinking About You

06. Down The Road

07. Gimme All You Got

08. If This Ain't Love

09. My Woman

10. Shame

11. Your Loving Was So Good

Besetzung:

Vocals, Guitar, Bass, Drums: Henrik Freischlader

Keys: Moritz Fuhrhop

Für die Freunde der physischen Tonträger:

Neben einer Digipack-CD Variante erscheint Night Train To Budapest auch als sehr

schöne Gatefold-Vinyl.

Podcast: David Bowie - The Next Day

2014-01-05T19:11:00.000+01:00

Episode 24 über David Bowies The Next Day aus dem Jahr 2013.

Was ist eigentlich mit...

2014-01-03T14:47:00.001+01:00

TOOL?

Ja, es ist recht ruhig geworden um die dezent abgehobenen Freigeister. Doch abgesehen von all dem Mist, den sie sich während ihrer Hochphase auf Tournee geleistet haben, schlummert in den verworrenen Köpfen doch auch ordentliches Talent. Meiner Meinung nach wurde eben jenes Talent auf der La Te Ra Lus auf die Spitze getrieben. Songwriting jenseits von Gut und Böse und eine sphärisch, abstrakte Stimmung durch Text und Melodie, wie sie nur selten vermittelt werden, sind das Markenzeichen dieser Scheibe. Ihr Demo ist zwar ähnlich verstört, aber das beruht meines Erachtens auf dem Willen sich an Anstößigkeiten zu überschlagen.

10.000 Days dagegen ist nach La Te Ra Lus ein Album, welches zwar in die selbige Richtung schlagen sollte, allerdings an der künstlichen Produktion scheitert. Das Erdige fehlt und die Songs verbuchen weniger Variationen und intelligente Phrasen als auch Instrumentalpassagen, welche unter die Haut fahren. Steckt da vielleicht der Urian namens Erfolgsdruck dahinter? Wer weiß, wer weiß...?

Von einem Album war zwar vor mittlerweile vier Jahren die Rede, doch passiert ist da scheinbar noch nichts.

BOBO sagt: "Haltet die Ohren offen! Vielleicht sind die Jungs auf den Boden der Tatsachen zurückgekommen und tüfteln momentan doch an einer vollwertigen Platte! Ein Griff ins Plattenregal ist es allemal wieder wert."

Ciao und bis bald,

Euer Bobo

EP-Review: Ysma Unplugged - Carrots and Candles

2014-01-02T15:00:00.000+01:00

Info

Bandname: Ysma

EP-Name: Carrots and Candles (Live)

Musikrichtung: Progressive

Erscheinungsdatum: 15.01.2014

Label: keins

Herkunft: Deutschland

Facebook: www.facebook.com/YsmaBand

Heute gibt es meinerseits mal einen Ausflug in die akustische Musik. Vor etwa einem halben Jahr habe ich hier ein Review zur Debütscheibe der Münsteraner Band YSMA ein Review geschrieben. Nun haben sich die Jungs zurückgemeldet. Diesmal mit einer Live-EP. Akustisch.

Aufgenommen wurde das Ganze bei einem Livekonzert am 26. Oktober 2013 in Münster. Dabei haben sich die ursprünglich vier Jungs Hilfe von einem Pianisten und einer Cellistin geholt. Man kann sich also vorstellen, dass die Stecker erst einmal gezogen worden sind. Songtechnisch verändert sich nicht großartig viel. YSMA halten sich hier stark an die Platte. Was den Sound angeht, hatte ich ursprünglich damit gerechnet, dass einiges an Kraft verloren gehen wird. Doch wie auf dem Album heißt es auch hier wieder: an einigen Stellen geht es ruhiger und verträumter zur Sache (hier zahlen sich der ohnehin schon melancholische Klang des Cellos und die gefühlvollen Passagen am Piano besonders aus), an anderen wird so heftig in die Saiten geschlagen, dass ich mich wundern muss, wie die Gitarren heil aus diesem Konzert herausgekommen sind.

Einer meiner Album-Hörtipps wird sofort zum Beginn kredenzt. „Alan Smithee's Suicide Note“ überzeugt mich wie auf dem Album mit seinem Abwechslungsreichtum, durch das man die zehn Minuten kaum spürt. Auch der absolute Vagrant-Hit (natürlich ist das meine subjektive Meinung) darf als Akustikvariante nicht fehlen. „Urville Citizen“ finde ich dabei besonders schön umgesetzt, da hier der bereits eingangs erwähnte Umschwung von ruhig auf energisch sehr schön bemerkbar gemacht wird. Sowohl Original als auch Akustiktitel beginnen eher ruhig – wo man jedoch bei der Albumversion schnell mitbekommt, wann der Song in die Vollen geht, ist dies auch bei der hier gespielten Liveversion gut möglich. Und das trotz des Stromausfalls!

Carrots and Candles ist meinerseits nicht nur für die Kenner des Albums zu empfehlen, sondern auch für alle, denen Vagrant vorher noch nicht in die Finger geraten ist. Erhältlich sind beide Scheiben übrigens unter ysma.bandcamp.com - Carrots and Candles bis 15.01.2014 allerdings erst einmal nur als Download.

Viel Spaß beim Hören!

Hörtipps: „Urville Citizen“, aber als Klangbeispiel hier auch unten als Video eingebunden „Kindermensch“

PS: Da es sich hier um eine Livescheibe handelt, bei der sich songtechnisch nicht viel verändert hat, verzichte ich auf die Bewertung. Eine ausführliche Analyse von Vagrant, inklusive der sieben hier gespielten Tracks, erhaltet ihr unter dem Label „Ysma“ an der Seite des Blogs.

Tracklist

1. Alan Smithee's Suicide Note

2. Kindermensch

3. Clean

4. Penumbra

5. Urville Citizen

6. Cheesecake Auditory

7. Moth

Besetzung

Gitarre: Fabian Schroer

Gitarre: Daniel Kluger

Bass: Torge Dellert

Piano: Arne Timm

Cello: Anne Hagemann

Drums: Jens Milo

EP Review: Mr. Serious and the Groove Monkeys - EP 2013

2013-12-31T21:10:00.002+01:00

Info

Bandname: Mr. Serious and the Groove Monkeys
EP-Titel: EP 2013
Musikrichtung: Rock
Erscheinungsjahr: 2013
Label: n.A.
Herkunft: Deutschland
Website: www.serious-monkeys.com

OK, zugegeben: das Review hat eine Weile auf sich warten lassen, aber es war dringend nötig, die EP öfter als zehn Durchläufe durchrumpeln zu lassen!

Gleich erst einmal vorweg: auf ihrer Internetseite geben die Jungs an ein bisschen was von den RED HOT CHILI PEPPERS und AUDIOSLAVE zu haben. Das galt es für mich hier zu prüfen, denn das haben schon einige behauptet und sind schwer am Riff der Realität schiffbrüchig gegangen.

Die EP geht ohne Vorwarnung in die Offensive und verzaubert mit starkem Songwriting. Der ausgeprägte Funk-Bass geht sofort in die Vollen und sowohl die Gitarren als auch das Schlagzeug überzeugen mit sehr guter Arbeit. „Booze“ nennt sich der Opener und kann sich wirklich blicken lassen – arhytmisch und recht proggy rumpelt der erste Titel durch die Gehörgänge. Gesanglich erinnert mich die Geschichte ein bisschen an MUSE, nur, wie ich finde, mit etwas mehr schrillem Charakter. Macht jedenfalls ordentlich Spaß, auch nach mehrmaligem Hören.

„Alone“ erinnert mich vom Gesang sofort an AUDIOSLAVE – stimmlich scheint der Kollege wirklich flexibel zu sein, auch wenn ab dem Refrain wieder die Stimme in Richtung MUSE übergeht. Wirklich gut! Und der Bass schnorpst erneut sehr funky und individuell durch das Rhythmus-Wirrwarr. Die Gitarren lasse ich hier leider etwas außer Acht. Die liefern natürlich ebenfalls sehr gute Arbeit ab, aber hauptsächlich begleiten sie rhythmisch. Die Soli sind in Ordnung, da ist aber in der Musikrichtung noch mehr möglich! Am Schlagzeug wirbeln die Sticks gehörig los. Die vielen Takt- und Rhythmuswechsel sind nicht von schlechten Eltern! Weiter geht’s mit „Bug“ – abgespaced, midtempo und eher etwas mehr in die Richtung AUDIOSLAVE. Soli sind hier effektverspielter und man zieht beim Kopfnicken gleich die Oberlippe a la BILLY IDOL hoch. Auch wenn der Song nicht gleich so richtig Fahrt aufnimmt, kommen mir die vier Minuten nicht zu lang vor. Ganz nett! Das plötzliche Ende des Songs gefällt mir besonders gut, passt sich an den aufgeschaukelten Soundbrei sehr gut an.

Der folgende Song „Dream“ erinnert mich tatsächlich an die besagten RED HOT CHILI PEPPERS, smoother Groove und eher dezenter Strophenteil, der von aufbrausenden Refrain und Funkparts abgelöst wird. Meiner Meinung nach eine ordentliche Maschine – vorerst unscheinbar, aber unglaublich hypnotisierend, wenn man öfter den Durchlauf wagt.

„Carl Huso“ erinnert von der Gesangsrhythmik an ein gestrecktes „Spacelord“ von MONSTER MAGNET – könnte man als Kritikpunkt sehen, da der Song auch ähnlich aufgebaut ist. Eigentlich keine schlechte Nummer, aber die Verwandtschaft mit „Spacelord“ liegt schon als dicker Pelz auf der Zunge…

„Sundown“ bildet das Schlusslicht der EP. Das Tempo ist erneut zurückgefahren und walzend wühlt sich der Song durchs Gehirn. Den Gesang empfinde ich als recht verspielt, aber abwechslungsreich. Die Gitarrenarbeit ist dezenter gestaltet. Die Marke, welche „Booze“ gesetzt hat, wird hier nicht mehr erreicht, als wäre die Luft raus – das Empfinden folgt allerdings aus dem hintereinander weg Hören der EP.

Fazit: Die EP bietet ordentlich Abwechslung, wenn man dafür bereit ist. Die Songs sind wirklich gut und man sollte die Jungs im Ohr behalten. Die nötige Individualität für ein Album würde ich mir wünschen, denn die Band hat das Zeug sich einen eigenen Stil zu verpassen, ohne dass sie sich mit anderen Größen vergleichen müssten. Ich warte das Album ab und drücke den Jungs die Daumen, dass das Songwriting ähnlich komplex, wie bei ihren ersten beiden Titeln der EP aus der Feder tropft.

Auf ein erfolgreiches neues Jahr wünscht,

Euer Ron

Hörtipps: „Booze“, „Alone“

Bewertung: 5 von 8 Punkten

Tracklist:

1. Booze

2. Alone

3. Bug

4. Dream

5. Carl Huso

6. Sundown

Besetzung:

Marco – Gesang
Fetz – Gitarre
Tobi – Gitarre
Pogy – Bass
Sebi – Schlagzeug

CD-Review: Unparalleled Height - Rise of the Voiceless

2013-12-30T18:39:00.001+01:00

Info

Bandname: Unparalleled Height

Albumname: Rise of the Voiceless

Musikrichtung: Hard Rock / Metal

Veröffentlicht: 26.11.2013

Label: Independent

Herkunft: USA

Facebook: www.facebook.com/UnparalleledHeight

Sobald ich Bands wie BULLET FOR MY VALENTINE, AVENGED SEVENFOLD und TRVIUM in der Beschreibung einer Band auftauchen sehe, ist meine Aufmerksamkeit generell geweckt. So erging es mir dieses Mal auch mit UNPARALLELED HEIGHT, deren Debütalbum Rise of the Voiceless heute Gegenstand dieses Reviews werden soll.

Produktionstechnisch erinnert mich das Ganze an JUDAS PRIEST's Nostradamus. Über dieses Album kann man denken was man will, es geht ja hier schließlich nur um die Produktion, nicht um musikalische Vergleiche. Und ehrlich gesagt: Ich kann euch aufatmen hören.

Das Intro zu Rise of the Voiceless (The Rise“) kreiert schon mal die bei Alben dieser Art gewohnte düstere Atmosphäre. Gefolgt wird dieses Intro von „Strength Through Silence“, dem ersten richtigen, vollwertigen Song der Platte. Auch wenn ich persönlich den Gesang gewöhnungsbedürftig finde, gefällt mir die instrumentale Seite doch recht gut. Tonnenschwere, melodische Gitarren und hier und da ein paar Rhythmuswechsel erwecken einen doch recht progressiven Eindruck und manchmal erinnert mich das Riffing tatsächlich an die ein oder andere anfangs erwähnte Band (im Interlude kommen mir da zum Beispiel stark BFMV in den Sinn).

„Memories Remain“ (nein, METALLICA-Fans, schaut nochmal hin) beginnt mit einem Riff, das dir einfach nur „in-your-face“ um die Ohren fliegt (auch wenn das vielleicht beim ersten Mal Lesen nicht wirklich Sinn hat). Die einzige Kritik, die ich tatsächlich äußern muss, sind die bisher doch sehr weichgespülten Refrains, bei denen kontinuierlich das Tempo herausgenommen wird. Der Drive in der Strophe von „Spare This Soul“ allerdings lädt einfach zum Mitnicken ein. Diesmal muss ich an KILLSWITCH ENGAGE denken (vielleicht sollten die Jungs auch die noch in ihre Beschreibung einbringen).

Den ersten Höhepunkt des Albums bildet „Breaking Through“. Egal, wie lange und genau ich suche, ich finde einfach keinen Anlass zur Kritik. Selbst der Refrain ist hier nicht so nervig wie in den vorherigen Titeln, dazu der coole Groove im Intro und die (anfangs) gitarrenlose Strophe – den Track kann ich bedenkenlos empfehlen. Bei „Never Far Away“ wird (wenn man die Refrains ausnimmt“ zum ersten Mal etwas der Fuß vom Gaspedal genommen. Die akustischen Gitarren in der Strophe und der im Hintergrund leise mitspielende Synthesizer machen den Song zu einer netten Rockballade.

Aber jetzt ist auch erst einmal genug mit Balladen – sagte das Intro von „The Vision Never Dies“. Die Strophe wiederum widerspricht dem Intro heftig, denn auch hier haben wir etwas balladenhaftere Strukturen. Was ich an diesem Titel besonders mag ist die gegen Ende des Refrains (der dieses mal zugegebenermaßen sogar gut klingt) gespielte Lead, die sich gnadenlos ins Ohr bohrt. „Dethroned“ – verdammt, mein Favorit dieses Albums steht fest! Der Text (es geht um Mobbing und Fehlverhalten gegenüber Kindern), die Riffs, die Soli und der erste Breakdown des Albums (wahnsinnig gut!) bestätigen mein Gefühl.

Oder etwa doch nicht? „Steadfast Spirit“ beginnt ebenfalls ziemlich vielversprechend. Die Strophenriffs drücken höllisch, der Refrain ist so, wie ich mir auch die anderen Refrains des Albums gewünscht hätte – dynamisch und trotzdem melodiös – und ein weiterer Breakdown, der wohl zu den mächtigsten zählt, die ich dieses Jahr gehört habe (und ich habe ABR's Rescue and Restore rezensiert!) taucht auch noch auf. Großartiges Lied! „Malevolence End“ tut nicht einmal so, als würde er mir Zeit geben Luft zu holen. Mächtige Riffs, mächtige Gitarren, TRIVIUM-esque (ja, ich bin gebildet) Interludes und toller Gesang – resultiert in sechs Minuten, die einfach nur Spaß machen.

Rise of the Voiceless schließt mit einem zehnminütigen Epos (in der Kneipe nebenan höre ich ein gedämpftes, aber auch bestimmtes „45 Minuten!“ durch die Wand schallen). Von ruhig und leise zu Beginn entwickelt sich der Song über ein Nostradamus-ähnliches Interlude bis hin zu großartigen Rockstrophen und Synthesizer-Effekten, die mich an SONIC SYNDICATE's erstes Album Eden Fire denken lassen, zu einem toll geschriebenen Werk mit akustischem Ausflug gegen Ende. Ein sehr guter Abschluss für Rise of the Voiceless.

Fazit: Nimmt man auf den Titel Bezug, könnte man sagen: Das Album verhält sich revolutionär. Am Anfang wenig überzeugend, wird es gegen Ende ein so fettes Brett, dass man sich kaum noch daran erinnert, wie alles eigentlich angefangen hat (vielleicht hängt das ja mit dem Brett zusammen). UNPARALLELED HEIGHT sollte man definitiv im Auge behalten, ich jedenfalls freue mich schon auf die nächste Platte.

Hörtipps: „Breaking Thorugh“, „Dethroned“, „Steadfast Spirit“, „Malevolence End“, „Heroes Prevail“

Bewertung: 8 von 10 Punkten

Tracklist:

1. The Rise

2. Strength Through Silence

3. Memories Remain

4. Spare This Soul

5. Breaking Through

6. Never Far Away

7. The Vision Never Dies

8. Dethroned

9. Steadfast Spirit

10. Malevolence End

11. Heroes Prevail

Besetzung:

Vocals: Dave Kelly

Guitar, Vocals: Tyler James Larkin

Lead Guitar: CJ Masciantonio

Bass: James Davis

Drums: Justin Welling

Review: Avenged Sevenfold - Hail to the King

2013-12-28T16:43:00.001+01:00

Info

Bandname: Avenged Sevenfold
Albumname: Hail to the King
Musikrichtung: Rock
Erscheinungsjahr 2013
Label: Warner Bros. Records
Herkunft: USA
Facebook: www.facebook.com/avengedsevenfold
Website: www.avengedsevenfold.com/

„Know me by name, shepherd of fire!“, das nenne ich doch einen wirklich gelungenen Einstieg in ein Album. Tatsächlich kann ich an dieser Stelle auch gleich sagen, dass es sich bei dem Opener „Shepherd of Fire“ um einen meiner Favoriten auf Hail to the King handelt: Cooler Refrain, groovige Riffs, viele kleine Spielereien seitens des Schlagzeugs, ja der Song geht richtig gut rein!

Darauf folgt der Titeltrack der Scheibe. Prinzipiell ein guter Midtempo-Rocker, allerdings kein Song, der einen wirklich mitreißt – schicke Leads, gute Hookline, aber eben nichts besonderes.

Bedeutend spannender fand ich da schon eher „Doing Time“: Die Riffs sind eingängig und die Nummer ist nicht ganz so vorhersehbar – dass auch in diesem Song die Leads echt gelungen sind, sei nur am Rande erwähnt, AVENGED SEVENFOLD sind ja für mehr als solide Gitarrenarbeit bekannt.

Mit „This Means War“ liefert man eine tonnenschwere Groovebombe ab, allerdings fühlt man sich bei diesem Lied doch sehr stark an einen anderen Song erinnert, den eine, zugegeben wenig bekannte Band namens METALLICA im Jahre 1991 veröffentlichte.

„Requiem“ und „Crimson Day“ bilden die Mitte des Albums. Ersterer ist ein recht sperriger Monumentalsong mit Orchestrierung und extrem viel Pathos, zum Glück nicht das längste Lied auf der Scheibe und mein einziger großer Kritikpunkt. Zweiterer ist ein willkommener Ruhepol, nach dem anstrengenden Vorspiel. Schöne Gitarrenläufe, wuchtiger Refrain und ein echt gelungener Einsatz von Streichern, guter Song.

Ab jetzt jagt ein Hit den nächsten. „Heretic“: Gute Leads, die zum Pre-Chorus führen, coole Drums, einen Refrain, den man einfach mitsingen muss und einen Ausbruch, der seines Gleichen sucht (die Soli)!

Wer noch Energie hat kann mit „Coming Home“ noch einmal richtig das Tanzbein schwingen. Die Wucht mit der dieser Song beginnt ist einfach unglaublich, die Leads klingen ein wenig nach der Kombination Murray/Smith, die Riffs bohren sich in den Gehörgang und der Refrain sitzt ohnehin schon fest!

Der vorletzte Song – jetzt wollen es AVENGED SEVENFOLD noch mal wissen, „Planets“ beginnt schwer, sehr schwer. Hypnotisch zieht der Pre-Chorus einen in seinen Bann, der Breakdown im eigentlichen Refrain tut sein Übriges. Die Orchestrierung steht diesem Lied erstaunlich gut und bereichert es ungemein. Hier stimmt alles, wobei: 45 Minuten! Ist das zu viel verlangt?

Mit „Acid Rain“ geht das Album, etwas ruhiger aber mit viel Gefühl, zu Ende. Die gute Orchestrierung aus „Planets“ bleibt erhalten die Drums untermalen diese Ballade sehr subtil, die Leads sind wieder richtig gut und der Gesang ist einfach nur mitreißend.

Fazit:

Ein echt gelungenes Album, viele Hits, wenige Füller – so sollte das sein.
Ich lege es immer wieder gern auf und entdecke hier und da auch noch ein paar Kleinigkeiten.

Hörtipps: „Shepherd of Fire“, „Heretic“, „Coming Home“ und natürlich „Planets“!

Bewertung: 8 von 10 Punkten

Tracklist:

01 .Shepherd of Fire
02. Hail to the King
03. Doing Time
04. This Means War
05. Requiem
06. Crimson Day
07. Heretic
08. Coming Home
09. Planets
10. Acid Rain

Besetzung:

M. Shadows - Vocals
Synyster Gates - Lead Guitar
Zacky Vengeance - Rhythm Guitar
Johnny Christ - Bass
Arin Ilejay - Drums

Für die Freunde der physischen Tonträger:

Neben diversen CD Varianten, von denen nur das Box-Set einen Bonustrack enthält, ist auch eine Vinyl-LP erhältlich (ohne Bonustrack)

CD-Review: Raw Acoustic - Silence is King

2013-12-26T10:00:00.000+01:00

Info:
Bandname: Raw Acoustic
Albumname: Silence is King
Musikrichtung: acoustic Rock
Erscheinungsjahr: 2013
Label: n.A.
Herkunft: Deutschland

Webseite: Raw Acoustic

Seid gegrüßt, Ihr Propheten des Rock da draußen! Heute serviere ich euch ein Album, welches aus der guten sächsischen Küche stammt – das Menü nennt sich RAW ACOUSTIC!

Das Album eröffnet sich mit dem Titletrack „Silence is King“. Geprägt von einem etwas überschwänglichen Chorus auf den Klampfen - welcher sich aber noch als Hauptcharakteristik der Klangfarbe der Gitarren herausstellt – wird man als Hörer schnell firm mit dem Sound der Band. Die Gesangsstruktur erweist sich rhythmisch und melodisch als tendenziell hochwertig, trotz des etwas entfremdenden Halls auf der Stimme. Das Solo ist in Ordnung und gibt dem Album soweit eine gute Einleitung. Kurzweiligkeit ist die Devise!

Es folgt „Blackout“ - ein Titel, welcher mit seiner starken Gesangsrhythmik und dem Chorus(!) überzeugt. Ein richtig starker Titel, mit einer stimmlichen Gesangsleistung, welche mich von der Klangfarbe her schon an Hansi Kürsch von Blind Guardian bei einem Titel wie „Past and Future Secret“ erinnert. TOP!

„Home“ überzeugt mit sehr schöner Akkordfolge; eingängig und sehr charismatisch erschließt sich hier gefühlvoller Gesang mit ordentlichem Druck und wird vom Hall bestens unterstützt. Die Lead überzeugt mit dezenter Verzerrung und der Break lockert den Titel dann auch schön auf.

Da krempelt der folgende Titel „Myself & I“ die Stimmung etwas um, im Positiven versteht sich! Die Akkordfolge erinnert an ein schnelleres „Run to You“ von Bryan Adams und bietet sehr angenehme Klangfülle durch den Anschlag der Gitarren und gutem Gesang. Das Solo ist mit richtig fetten Nüssen gespielt und erinnert von der Verzerrung an „Road to Hell“ von Chris Rea!

„Denial“ kommt anfangs doch etwas schwermütig rüber und auch der Gesang nimmt zumindest mich etwas holprig mit, aber das Konzept auf dem der Gesang aufgebaut ist, erweist sich als gut. Das erste Solo geht wieder gut ab; die restlichen Leads erweitern subtil das Klangspektrum. Geschmacksache aber dennoch gut. Da schleicht sich dann auch schon „Excuses“ ins Gehör und es besteht beim Hören der ersten dreißig Sekunden die Gefahr den Titel mit „Silence is King“ zu verwechseln. Das ändert sich dann durch gelungene Leadpassagen. Der Titel ist etwas effektverspielt und überzeugt mit exzellentem Songwriting. Der Gesang könnte etwas variabler sein; das will ich aber nicht negativ zu Buche halten.

„Break It Down“ hebt sich mit ungewohntem Takt hervor (das ist genau das Richtige für mich!). Der Titel wirkt anspruchsvoll und ausgeklügelt, allerdings hätte ich mir bei so einer Phrase für den Titel etwas mehr Druck und „Rock“ gewünscht. Bei „Downsize“ werden die Klampfen während der Gesangspassagen zurückgefahren. Klangweite ergibt sich aus dem Hall und dem Druck im Gesang, doch der Titel kommt an sich nicht so recht aus dem Knick. Der Titel geht leider etwas unter.

„The Stalker“ hebt sich wiederum durch den Dur-Charakter ab – das Tempo ist leicht erhöht und durch den Einsatz einer Gastsängerin erweist sich der Titel als vielseitig und aufgelockert. Gegen Ende hin überzeugt der Titel mit ausgereiften Soli, welche sich an bekannten Melodien bedienen, und einer ordentlichen Portion Komplexität!

„The Grace of Man“ schließt das Album ab. Ein schwer baladesker Charakter und einem eher verbesserungswürdigem Piano, wird leider nicht so recht der Charakter des Albums widergespiegelt. Die Gesangsmelodie ist in Ordnung, aber vielleicht hätte man sich hier auch an Gastgesängen bedienen können. Der Gitarrenanschlag nervt ein wenig und somit geht der Titel etwas glanzlos unter, das ist aber Ansichtssache.

Fazit: Mich überrascht das Album mit einigen ausgezeichneten Leads, tollen Soli und schönen Akkorden. Hier und da erweist sich allerdings der Gesang als Wermutstropfen, besonders wenn man das Album mehrmals hintereinander hört. Grundsätzlich ist das aber ein gutes Album mit Höhen und Tiefen, wie auch bei anderen Alben. Ich kann meine Kaufempfehlung klar aussprechen, denn die Jungs haben tolle Arbeit geleistet und zum Glück noch das Potential sich zu steigern! Ich bin zuversichtlich und warte den nächsten Releasetermin ungeduldig ab. Nachschlag bitte!

Bis bald bei New Rock Reviews sagt,

Euer Ron

Hörtipps: „Blackout“, „Myself & I“, „The Stalker“

Bewertung: 7 von 10 Punkten

Tracklist:

Silence is King
Blackout
Home
Myself & I
Denial
Excuses
Break it Down
Downsize
The Stalker
The Grace of Man

Besetzung:

Alexander Müller – Gitarre, Gesang
Gregor Arndt – Gitarre, Gesang

CD-Review: Zelinka - Zelinka

2013-12-23T14:00:00.000+01:00

Info

Band: Zelinka

Album: Zelinka

Musikrichtung: Instrumentaler Rock/Blues/Jazz/Funk

Veröffentlicht: 2013

Label: n.a.

Herkunft: Deutschland

Facebook: https://www.facebook.com/Zelinka.Music

Vielseitigkeit ist wichtig, keine Frage. Vor Kurzem erst habe ich mir in Vorbereitung auf den Januar schon einmal meine Top 5-Alben des Jahres 2013 zusammengestellt, wobei mir deutlich aufgefallen ist, wie stark die Sprünge von einem zum nächsten sind. Und jetzt hatte ich ZELINKA auf meinem Schreibtisch liegen. Die Beschreibung: „ein kraftvolles rockjazzfunkbluesiges Instrumentalprojekt“. Wenn es den Ansprüchen gerecht wird, die sich da in meinem Kopf gebildet haben, wird sich eines meiner Top 5-Alben wohl verabschieden dürfen.

Zelinka beginnt mit dem Song „Catacomb“, einem ganz angenehm dahingroovenden Song mit vielen Pausen und Instrumentalfills. Mit fast fünf Minuten ist er mir aber doch etwas zu lang, allerdings wird das ab und an durch ein schönes Solo ausgeglichen. Und mit „Safaga“ kommt auch schon die Abwechslung! Hier sind Jazz, Funk und Rock in einem Song vereint. Als Gitarrist mit Basserfahrung klappt mir in Anbetracht der Leistung von Gitarrist Bernd Fleischer und Bassist Torsten Großmann nicht nur einmal die Kinnlade runter, wenn einmal Gitarre und Bass ein kleines Duett spielen und gegen Ende der Bass allein ein Fill loslässt, bei dem wohl jeder Bassist sein Instrument beleidigt in die Ecke stellen wird.

Weiter geht’s mit „Silent“, einer Akustiknummer, die einen klanglich in spanische Sommer versetzt. Ein bisschen verträumt und damit sehr schön geeignet ein wenig auszuspannen. Spätestens mit dem elektrischen Gitarren-Solo hören dann auch die etwas weniger zartbeseiteten Rockfans wieder hin. Einfach ein klasse Songwriting! Mit „Room No. 15“ wird’s zum ersten mal bluesig auf der Platte. Der Groove macht es mir echt schwer, während der Strophe meine Eindrücke niederzuschreiben, weil hier garantiert niemand still sitzen bleiben kann. Ein Basssolo gibt’s gratis obendrauf. Auch dieser Titel ist nur zu empfehlen.

Rockig wird es durch die stärker angezerrte Gitarre in „Toxic“. Angejazzte Rocksolo-Passagen, die einfach Spaß machen und es einem gar nicht erlauben, weg zu hören, sind hier ohne Probleme zuhauf vorzufinden. Mit „Chill Out“ bleibt es rockig, auch wenn es hier, wie der Name vermuten lässt, zu Anfang etwas gemächlicher zur Sache geht. Kurz darauf fliegt einem aber eine Lead um die Ohren, die sich einfach im Ohr festbeißt und auch nach zwei Wochen nicht verschwunden sein wird. Unbestritten großartige Gitarrenarbeit – von den Soli ganz zu schweigen – und progressiv noch dazu. Über sechs Minuten die wie im Flug vergehen.

Zurück zum Funk: „Funky Bitch“ macht schon im Namen klar auf welche Reise es mit diesem Titel geht. Wie bei „Room No. 15“ fällt es mir hier ebenfalls schwer die Beine ruhig zu halten. Auch hier gibt es ein (diesmal etwas gemächlicheres) Basssolo geboten, das viel Platz für Livespielereien hergibt. PELAGIC ZONE lassen grüßen. „The Cat“ dagegen zeigt sich erneut bluesig. Die Band macht es einem echt nicht leicht still zu sitzen. Soli gepaart mit Hard-Rock-Riffs gibt es auch noch dazu (in einem bluesigen Song!). Woher bekommt man solche Ideen? Großartig!

Hard Rock war schon mal ein gutes Stichwort, denn mit „Gipsy March“ geht es genau in diese Richtung. Mächtige Gitarren und ein Riff, das in den Achtzigern für fliegende Haarmähnen gesorgt hätte. Aber es bleibt nicht nur beim Hard Rock – es gibt sogar eine kurze Reggae-Passage! Sprachlosigkeit macht sich breit. Mit „Raindrops“ kommt Zelinka zu einem schönen, balladesken Abschluss, der dem Album mehr als gerecht wird. Viel Akustik, tolle Soli und generell nochmal eine tolle Gelegenheit zum Träumen.

Fazit: An der ein oder anderen Stelle wäre zwar etwas Gesang gar nicht so fehl am Platz gewesen, insgesamt bietet Zelinka aber mehr als nur Abwechslung. Musikalisch ist keiner der drei anzuzweifeln, auch vom Songwriting her sollte es niemanden zum Meckern verleiten, der es nicht ausdrücklich besser kann. Die Scheibe ist definitiv empfehlenswert! Eine Kollaboration mit YSMA könnte ich mir – für zukünftige Konzerte – auch durchaus gut vorstellen. Ach ja: Meine Top 5 wackelt wieder.

Hörtipps: „Safaga“, „Room No. 15“, „Funky Bitch“, „Gipsy March“, „Raindrops“

Bewertung: 9,5 von 10 Punkten

Tracklist

1. Catacomb

2. Safaga

3. Silent

4. Room No. 15

5. Toxic

6. Chill Out

7. Funky Bitch

8. The Cat

9. Gipsy March

10. Raindrops

Besetzung

Gitarre: Bern Fleischer

Bass: Torsten Großmann

Drums: Kay Rohr

Podcast: Adventsspecial Teil 4

2013-12-22T20:20:00.001+01:00

Der letzte Teil unserer weihnachtlichen Empfehlungen.