En 2024, El peor ex imaginable, uno de los más retorcidos true crime de Netflix, impactó. Eso, al adentrarse en las profundidades más oscuras de las relaciones sentimentales que terminan en pesadillas legales y físicas. También, al exponer historias reales en las que el amor se transforma en una obsesión peligrosa, manipulación extrema y, en muchos casos, violencia explícita. A través de testimonios directos de las víctimas, grabaciones de cámaras de seguridad y recreaciones cinematográficas, la serie logró una serie de relatos terroríficos. 

Eso sin perder lo aparentemente sencillo de su premisa. A saber: qué ocurre cuando un romance cualquiera se transforma en una pesadilla de acoso, violencia y hasta un hecho criminal. Hacerlo además, describiendo paso a paso la forma en que esa transformación usualmente ocurre demasiado rápido para que la víctima pueda entender qué ocurre. O más grave todavía, protegerse de la posible amenaza. A la vez, El peor ex imaginable, con apenas cuatro episodios, logró mostrar la forma en que las apps de citas e internet, brindan oportunidad a un nuevo tipo de riesgo. El de no conocer en realidad, quién es la persona con quien se comienza una relación.

Todo lo anterior convirtió a la serie en un éxito, que regresa este 6 de mayo con nuevos episodios en una segunda temporada aún más tétrica y aterradora. De la misma manera que la primera entrega, la más reciente, se enfoca en algo más que el acto criminal propiamente dicho. También lo hace en el calvario sistémico que enfrentan las víctimas al intentar escapar de sus victimarios. Pero, en esta ocasión, la miniserie además innova. Por lo que, más allá de los relatos de acoso incesante, suplantación de identidad y planes elaborados de venganza que desafían la lógica, ahora incluye sucesos célebres. Sin embargo, no es la única novedad para los nuevos episodios, por lo que te las resumimos todas en tres razones para ver la nueva entrega. 

Nuevas historias para amantes de ‘true crime’

La segunda temporada de la serie, de nuevo producida por Blumhouse Production e ITV America, incluye ahora historias que marcaron un hito cultural. Por lo que, entre la selección, se encuentran dos en especial, que resultan inquietantes por su violencia y la forma en que la prensa las enfocó. Por un lado, se encuentra la historia del asesino Wade Wilson. Apodado el Asesino del Diablo Guapo, fue condenado por los asesinatos de Kristine Melton y Diane Ruiz en octubre de 2019 en Florida. 

Wilson inició su ola de violencia estrangulando a Melton en su propia casa tras conocerla en un bar. Poco después, secuestró a Ruiz mientras ella caminaba hacia su trabajo. Tras golpearla y estrangularla, la arrojó fuera de su vehículo y la atropelló repetidamente, según sus propias confesiones y testimonios presentados durante el juicio. El caso atrajo una atención mediática masiva debido a la perturbadora apariencia de Wilson. Este, con el rostro cubierto de tatuajes de esvásticas y calaveras. 

Otro de los casos que abarcará la segunda temporada de El peor ex imaginable será el de Geoffrey Paschel, exmiembro del reparto de 90 Day Fiancé. El actor fue sentenciado en febrero de 2022 a 18 años de prisión sin posibilidad de libertad condicional. Todo después de un brutal ataque ocurrido en junio de 2019 contra su entonces prometida, Kristen Wilson. Según el informe de la Fiscalía del Condado de Knox, Paschel la golpeó repetidamente, estrelló su cabeza contra las paredes y la mantuvo cautiva en su domicilio, impidiéndole usar su teléfono para pedir ayuda. La víctima finalmente logró escapar a la casa de un vecino después de que él se quedara dormido. Un panorama de pesadilla que la serie analizará punto a punto. 

Nuevos recursos para contar casos impactantes en 'El peor ex imaginable' 

Para la primera temporada, la serie innovó al contar las más retorcidas historias, con recreaciones animadas precisas. Algo que evitó recreaciones grotescas, exageradas o dramatizadas. Mucho peor, que la producción cayera en el conocido cliché de incluir pequeños sketchs en que se produce la historia con actores. 

Un punto que ha provocado que el género de true crime deba enfrentarse a ser verosímil o no. Mucho peor, desvirtuar en ocasiones de forma accidental los diferentes testimonios y situaciones de violencia que incluye el argumento. Por lo que El peor ex imaginable creó el precedente de narrar a través de animaciones sobrias, en combinación con entrevistas con sus protagonistas reales. El resultado fue una manera completamente nueva de profundizar en los temas más retorcidos y en los puntos de vista más duros sobre los casos que presentó. 

Para la nueva temporada, la serie incluye los mismos recursos. Pero ahora con tecnología de punta, que va desde testimonios captados en video por drones, grabaciones de cámaras corporales policiacas y mejores recreaciones animadas. A lo que habría que añadir, material inédito sobre los impactantes casos que presenta. Todo un deleite para los amantes del género y, en especial, para los que buscan producciones que rompen el molde de programas parecidos. 

Un punto de vista respetuoso para casos complicados

De nuevo con cuatro nuevos episodios de una hora de duración, la serie está enfocada en mostrar casos de la vida real. Pero priorizando la dignidad de las víctimas sobre el morbo visual. A diferencia de otras historias del género true crime que se regodean en detalles escabrosos o recreaciones sangrientas, esta producción utiliza un estilo visual sobrio. Que además se apoya en explicaciones y exposiciones minimalistas para ilustrar los momentos más violentos. 

En otras palabras: permitir que la víctima cuente su historia, con el mínimo espectáculo visual añadido. Este recurso evita la revictimización y permite que el espectador comprenda la gravedad de los hechos. Eso, sin convertir el trauma ajeno en un espectáculo puramente gráfico. Algo más que evidente en la segunda temporada, en la que la trama cede el control de la narrativa a los supervivientes y a sus familias. El relato no se construye desde la voz de un narrador omnisciente o sensacionalista, sino a través de testimonios directos que exploran no solo el crimen. También, las señales de alerta destacadas y el impacto emocional a largo plazo.

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Durante la última década, el anime se ha convertido en uno de los formatos más populares de la cultura pop. Y las razones son evidentes. No solo se trata de su capacidad para explorar en grandes historias. También, las facilidades que ofrece para hacerlo. Al no depender de las restricciones físicas de un set o de los costos prohibitivos de los efectos especiales digitales, los directores de anime pueden crear mundos oníricos. A la vez, paisajes futuristas o metáforas visuales con una expresividad única. 

Esta libertad artística se traduce en una estética donde el color, la composición y el diseño de personajes se utilizan para transmitir emociones. Todo, de una manera vibrante y detallada. Lo que convierte a cada fotograma en una obra de arte que expande la imaginación del espectador.

Además, el anime destaca por su profundidad temática y madurez narrativa. Algo que rompe con el prejuicio de que la animación es exclusiva para el público infantil. Muchas películas exploran dilemas filosóficos, traumas históricos, la soledad urbana o la compleja relación entre el ser humano y la naturaleza con una sensibilidad extraordinaria. 

Directores como Satoshi Kon o Isao Takahata han demostrado que este medio es ideal para el thriller psicológico o el realismo social, ofreciendo historias que invitan a la reflexión profunda y que conectan con las audiencias adultas a través de guiones inteligentes y personajes con una gran evolución psicológica. Pero, claro está, se trata de un ámbito que no para de crecer, lo que puede resultar en un reto insalvable para cualquiera que quiera comenzar a disfrutar del género. Si ese es tu caso, esta lista es para ti. Las 7 películas básicas del anime que debes ver si quieres comenzar en el anime. De un clásico a un hito del ciberpunk. Todo para disfrutar del formato en todo su esplendor. 

El viaje de Chihiro (Netflix)

Dirigida por el legendario Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli, es una obra cumbre del anime. Pero mucho más, una que explora en la capacidad del género para profundizar en un tipo de argumento en que la belleza alegórica se mezcla con la del guion. Todo al enfocarse en la historia de crecimiento de Chihiro. Esta, una niña de diez años que, tras entrar accidentalmente en un mundo espiritual, termina atrapada en el lugar. Eso, junto a sus padres convertidos en cerdos. 

Para rescatarlos, Chihiro se ve obligada a trabajar en una casa de baños termales regentada por la ambiciosa bruja Yubaba. En especial cuando esta le arrebata su nombre para esclavizarla. Este punto de partida sirve como una poderosa metáfora sobre la pérdida de la identidad y la transición forzada de la infancia a la madurez. Todo mientras la protagonista debe aprender a valerse por sí misma en un entorno extraño, hostil. También, regido por reglas mágicas que desafían la lógica humana convencional. Un clásico infaltable para los que quieren comenzar en el anime con buen pie. 

Akira (Para alquiler en Prime Video)

Akira, dirigida por Katsuhiro Otomo y estrenada en 1988, es la piedra angular del género cyberpunk. También, una de las obras más influyentes de la historia del cine de ciencia ficción. Ambientada en una Neo-Tokyo distópica en 2019, construida sobre las cenizas de una explosión nuclear, la trama sigue a Kaneda y Tetsuo. Estos dos miembros de una banda de motociclistas, envueltos en una conspiración militar y política. 

Cuando Tetsuo adquiere poderes psíquicos incontrolables tras un accidente, se desencadena una espiral de violencia y mutaciones. Una situación cada vez más grave que amenaza con destruir la ciudad nuevamente. La película no solo es una proeza narrativa. También, una reflexión cruda sobre el trauma de la posguerra japonesa, el miedo al poder absoluto y la deshumanización tecnológica. Todo bajo la óptica de una juventud alienada que busca su identidad en un mundo que se cae a pedazos bajo el peso de la corrupción estatal.

Your Name (Prime Video)

Your Name dirigida por Makoto Shinkai en 2016, es una obra maestra contemporánea que redefinió el alcance emocional del anime a nivel global. La historia entrelaza a nivel místico dos vidas. Por un lado, la de Mitsuha, una joven que vive en un pueblo rural soñando con la vibrante Tokio. Al otro, Taki, un estudiante de preparatoria en la gran ciudad. 

Sin explicación alguna, ambos comienzan a intercambiar cuerpos mientras duermen, dejando notas y reglas para sobrevivir en la vida del otro. Lo que comienza como una comedia ligera de enredos de identidad se transforma magistralmente en una épica romántica y metafísica sobre el destino, el tiempo y la memoria. Shinkai utiliza el concepto del “hilo rojo del destino” para explorar la conexión invisible entre dos personas, creando una narrativa donde la búsqueda del otro se convierte en una necesidad vital que desafía las leyes de la física y la tragedia.

Ghost in the Shell (Crunchyroll)

Dirigida por Mamoru Oshii en 1995, es un pilar fundamental del anime de ciencia ficción que trasciende el género. Todo, para convertirse en un tratado filosófico sobre la identidad. Ambientada en un futuro hiperconectado de 2029, la trama sigue a la Mayor Motoko Kusanagi. Esta, una agente de seguridad pública con un cuerpo totalmente cibernético que solo conserva su cerebro original, lo que ella denomina su ghost o alma.

Mientras persigue al Titiritero, un hacker capaz de intervenir mentes humanas, la mayor comienza a cuestionar si su conciencia es real o simplemente una simulación programada. Esta premisa sirve para explorar conceptos complejos sobre dónde termina la máquina y dónde empieza lo humano. Por lo que plantea dilemas existenciales en un mundo donde los recuerdos pueden ser hackeados y la carne es reemplazable, convirtiéndose en la inspiración directa para obras como The Matrix. 

La Princesa Mononoke (Netflix)

La princesa Mononoke (1997), otra joya de Hayao Miyazaki, es una epopeya histórica y fantástica que rompió los esquemas de la animación tradicional. Todo, al presentar una lucha cruda y sangrienta entre la civilización y la naturaleza. Ambientada en un Japón medieval alternativo, la historia sigue a Ashitaka, un joven príncipe maldito que viaja hacia el oeste buscando una cura. Solo para verse atrapado en una guerra total entre los humanos de la Ciudad del Hierro, liderados por la ambiciosa Lady Eboshi, y los dioses del bosque. Estos, protegidos por San, una joven humana criada por lobos. 

A diferencia de las historias clásicas de bien contra mal, Miyazaki dota a ambos bandos de razones válidas. Eboshi busca el progreso y la dignidad para los marginados, mientras que el bosque lucha por su supervivencia ante la industrialización voraz, creando un dilema ético donde la violencia parece ser la única respuesta inevitable.

Perfect Blue (Para alquiler en Prime Video)

Perfect Blue (1997), el debut como director del visionario Satoshi Kon, es un thriller psicológico perturbador. Uno, además, disecciona la fragilidad de la identidad en la era de la imagen pública. La historia sigue a Mima Kirigoe, una cantante de un grupo idol que decide abandonar la música para perseguir una carrera como actriz, una decisión que no es bien recibida por sus fans más obsesivos. 

A medida que Mima se sumerge en un papel televisivo oscuro y exigente, su realidad comienza a desmoronarse: un acosador virtual parece conocer cada uno de sus movimientos, mientras ella empieza a sufrir alucinaciones donde su “yo” del pasado la increpa por traicionarse. La película utiliza una narrativa fragmentada para que el espectador experimente la misma confusión que la protagonista. Mucho, cuando esta empieza a perder la capacidad de distinguir qué es una escena grabada, qué es un sueño y qué es un sangriento asesinato real.

Mi vecino Totoro (Netflix)

Mi vecino Totoro (1988), la obra más icónica de Hayao Miyazaki, es una oda a la infancia y una de las películas más puras y reconfortantes de la historia del cine. La trama sigue a Satsuki y Mei, dos hermanas que se mudan al campo con su padre para estar cerca del hospital donde su madre se recupera de una enfermedad. 

Lejos de ser un drama lacrimógeno, la película se enfoca en el asombro cotidiano: las niñas descubren que el bosque cercano está habitado por criaturas mágicas. Lo que incluye a los conejillos de polvo y al gran Totoro, un espíritu del bosque silencioso y protector. 

A diferencia de otras historias infantiles, aquí no hay villanos ni conflictos épicos; el enemigo es la incertidumbre de la vida, y la magia de Totoro actúa como un bálsamo emocional que permite a las niñas procesar sus miedos a través de la imaginación y la conexión con la naturaleza.

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Una de las mejores funciones de NotebookLM es esa que te permite generar resúmenes de audio basados en tus libretas. Estos suenan a un pódcast real, con dos presentadores de IA discutiendo el contenido que hayas subido. Lo que pocos saben es que son completamente personalizables, con instrucciones que puedes dar antes de que empiecen a hablar.

Los resúmenes de audio de NotebookLM son conversaciones en profundidad entre dos presentadores que repasan los temas principales de tus fuentes. Por defecto, el formato es el de una conversación animada entre dos voces que conectan ideas y analizan el material desde distintos ángulos.

Por ejemplo, puedes elegir un resumen rápido narrado por un solo locutor, un debate formal entre dos posiciones contrarias o una evaluación crítica del material. Esta última es muy útil si has subido un ensayo o un documento de diseño que quieres que analicen con ojo crítico. En inglés también puedes ajustar la duración entre tres niveles: más corto, predeterminado o más largo.

Lo que marca la diferencia es el campo de texto que aparece justo antes de generar el audio. Es pequeño, casi pasa desapercibido, pero es donde puedes escribir instrucciones específicas para los presentadores.

Si alguna vez has generado uno de estos resúmenes y te ha parecido demasiado genérico, el problema casi seguro está en que usaste la configuración por defecto. La herramienta hace lo que puede con lo que tiene, pero sin una instrucción clara, los presentadores van a repartir el tiempo entre todos los temas sin ningún criterio especial. Aquí te decimos cómo mejorarlos.

Cómo escribir prompts que funcionen en NotebookLM

La clave está en tratar ese campo como si fuera una nota que le pasas a alguien justo antes de que salga a hablar en público. Cuanto más concreto, mejor resultado.

Centra el foco en lo que te importa. Si has subido diez artículos sobre inteligencia artificial, pero solo te interesa la parte de regulación europea, díselo: "Céntrate en las implicaciones de la normativa de la UE sobre IA y deja el resto como contexto secundario". Los presentadores no van a ignorar el resto del material, pero sí van a jerarquizar la conversación alrededor de lo que les hayas indicado.

Ajusta el nivel de conocimientos de la audiencia. Una instrucción como "explica los conceptos técnicos como si el oyente no tuviera formación previa en el tema" cambia bastante el resultado. Lo mismo funciona al revés: si tú eres el único oyente y conoces bien el terreno, puedes pedir que asuman un nivel intermedio o avanzado y que no se detengan en definiciones básicas.

Cambia el tono del formato que has elegido. Si has seleccionado el debate, puedes especificar qué posiciones quieres que defiendan: "Un presentador defiende que el teletrabajo aumenta la productividad y el otro argumenta lo contrario, usando solo los datos de las fuentes". Eso es mucho más útil que un debate genérico sobre el mismo tema.

Controla la duración con un truco sencillo. La opción de ajustar la duración solo está disponible en inglés por ahora, pero hay una forma de influir en ella independientemente del idioma: genera antes un resumen del contenido con la extensión que quieras y súbelo como fuente adicional. Si el material es corto, el audio será corto. Si es extenso, los presentadores tendrán más donde tirar.

Pide estructura explícita cuando la necesites. Puedes escribir algo como "Empieza por el contexto histórico, luego pasa a los casos prácticos y cierra con una reflexión sobre el futuro". No siempre se cumple al pie de la letra, pero orienta el orden de la conversación mucho mejor que dejar que los presentadores decidan solos.

Una advertencia útil: los resúmenes de audio de NotebookLM son un reflejo de lo que has subido, no una opinión independiente. Si tus fuentes tienen lagunas, las instrucciones no las van a tapar. Lo que sí hacen es ayudarte a sacar mucho más partido al material que ya tienes.

Seguir leyendo: Uso NotebookLM y desde que aplico estos trucos, mis resúmenes de audio han mejorado

Luego de un exitoso paso por cines, la película más escandalosa del año llega a HBO. Se trata de la adaptación del clásico gótico Cumbres borrascosas, dirigida por Emerald Fennell. La cinta, luego de volverse un instantáneo éxito de taquilla y desatar polémica a escala mundial, se convirtió en una rara obra de culto. Eso, a pesar de la tormenta mediática que desató a su alrededor buena parte de las decisiones artísticas y de argumento de la producción.

De la elección de Jacob Elordi como Heathcliff, por considerarse whitewashing por gran parte de la audiencia y la crítica especializada, a la de Margot Robbie. Esta última como Cathy, a pesar de que el personaje literario es una adolescente durante la mayor parte de la trama. Eso, pasando por el punto de vista de la directora, que también adapta, sobre una trama compleja y profunda. Lo cierto es que la película dio lo suficiente que hablar para volverse un fenómeno.

Algo que la volvió un fenómeno comercial considerable para el cine de autor contemporáneo. Eso, al recaudar más de 241 millones de dólares a nivel mundial en sus primeras semanas. Su debut en el número uno de la taquilla demostró que la controversia fue la mejor herramienta de marketing. Pero además de eso, Cumbres borrascosas es una pieza rara que sorprende por varias de sus decisiones visuales y de argumento más allá de la controversia. Como las siguientes que te contamos a continuación. 

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Una visión única sobre un clásico

La versión de Cumbres borrascosas dirigida por Emerald Fennell es una de las propuestas más divisivas y audaces del cine reciente. Todo, debido a una visión estética radical y maximalista. Fennell, fiel a su estilo visto en Saltburn (2023), se aleja del realismo histórico de las adaptaciones de época convencionales. En especial, al intentar ofrecer un espectáculo visual que mezcla lo barroco con lo contemporáneo. 

Con la fotografía de Linus Sandgren, la película transforma los páramos de Yorkshire en un escenario de fantasía febril. Uno, además, en que los colores saturados, los encuadres que parecen obras de arte y un vestuario subversivo crean una atmósfera asfixiante y sensual a la vez. Por supuesto, esta estética no busca ser fiel al siglo XIX. 

En realidad, y como lo admitió la misma directora, es un intento de recrear la intensidad emocional y casi animal que la directora experimentó al leer la novela a los 14 años. Algo que convierte a la película en una experiencia sensorial que prioriza el impacto visual y el estilo vanguardista sobre la precisión académica. 

Una química extraordinaria

En segundo lugar, la película destaca por la química electrizante y provocadora de su pareja protagonista, interpretada por Margot Robbie y Jacob Elordi. Eso, aunque la elección de ambos, generó una inmensa controversia por el blanqueamiento del personaje de Heathcliff y la diferencia de edad de Robbie respecto a la Catherine literaria. 

Sin embargo, su interpretación ha sido elogiada por inyectar una energía erótica y moderna a la historia. Robbie profundiza en una Cathy salvaje y caprichosa. Al otro lado, Elordi personifica a un Heathcliff melancólico y peligroso. 

Según la propia Margot Robbie en declaraciones para Vogue, la película busca ser el Titanic de esta generación. Por lo que se enfoca en el romance épico y la tensión sexual física más que en los diálogos románticos tradicionales. Lo que resulta en una relación destructiva y magnética que sorprende por su carácter retorcido.

Un punto de vista poco común sobre temas polémicos

A pesar de las críticas, Cumbres borrascosas logró una interpretación transgresora de los argumentos de obsesión y poder del libro. Emerald Fennell no intenta hacer una adaptación literal. De hecho, elimina por completo la segunda mitad de la novela (la historia de la segunda generación) para centrarse exclusivamente en la dinámica de dependencia emocional. También, en la venganza entre los protagonistas adultos. 

De modo que la película deconstruye el ideal del amor romántico para mostrarlo como una fuerza sádica y corrosiva que destruye todo a su alrededor. Lo que le acerca más a una tragedia de terror gótico que a un drama de época. 

Con una banda sonora que incluye canciones de Charli XCX, la cinta es mucho más una obra camp y disruptiva que desafía las expectativas de los puristas de Emily Brontë. Un giro, además, que resulta sorprendente por su manera de romper cualquier expectativa acerca de cómo puede adaptarse una obra clásica. 

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Spider-Noir, la nueva serie de Prime Video que se estrena en mayo, no solo es una reinvención del universo de Spider-Man. Es además una que se adentra en la mitología del personaje para encontrar una nueva perspectiva al contar su historia. Algo que bien podría hacer de la serie uno de los grandes éxitos de temporada. En especial, en 2026, que trae consigo otro nuevo capítulo de la franquicia cinematográfica protagonizada por Tom Holland. Pero esta versión del arácnido se aleja de todo el aire juguetón y urbano que hemos conocido hasta entonces del héroe, para explorar algo audaz. Al héroe en una época distinta a la actual y en una variante sorprendente.

Protagonizada por Nicolas Cage, la trama transcurre en una versión alternativa de la Nueva York de los años 30, durante la Gran Depresión. Por lo que la historia se aleja del tono heroico tradicional para sumergirse en el género hardboiled y el cine negro clásico. En esta adaptación, seguimos a Ben Reilly (Cage), un investigador privado que intenta dejar atrás su pasado como el único superhéroe de la ciudad. Conocido simplemente como The Spider, es además una criatura extraña más cercana a un monstruo que a un héroe. Lo que brinda una visión por completo nueva y sorprendente al relato de origen del héroe de Marvel.

Spider-Noir, que ya publicó tráiler, ha dejado claro que renovará por completo el género de superhéroes. Lo que incluye que Prime Video permitirá a los espectadores elegir entre dos experiencias visuales. Por un lado, la versión denominada Blanco y negro auténtico, diseñada para emular la estética de las películas policíacas de la época, y otra en Color en tonos reales. Esta última, con una paleta de colores hipersaturada y estilizada. Con una dirección a cargo de Harry Bradbeer y un guion que promete reinventar la mitología de Spider-Man, la serie es una obra única que mezcla drama criminal, fantasía y suspenso en un Nueva York asfixiante y lleno de secretos. También, que promete sorprender a los fanáticos.

No es Peter Parker, sino una variante suya

Uno de los puntos más interesantes de Spider-Noir es que la serie utiliza el concepto del multiverso de manera novedosa. Por lo que su protagonista no es Peter Parker en el sentido convencional, sino una reinvención hard-boiled nacida en la Gran Depresión. Mientras que el Spider-Man clásico habita un mundo de colores brillantes y dilemas adolescentes, esta versión surge en una Nueva York de 1933. Una, además, sumida en la miseria, el hambre y la corrupción política extrema.

Por lo que la motivación de Ben Reilly no es solo combatir el crimen, sino luchar contra el sistema injusto de la época. Más que un superhéroe que busca salvar al mundo de invasiones alienígenas, es un justiciero callejero que se enfrenta a mafiosos, políticos corruptos y nazis. Su existencia está marcada por una atmósfera de cine negro, donde la moralidad es gris y la esperanza es un recurso escaso. Algo que define su personalidad cínica, melancólica y profundamente solitaria.

Más interesante todavía es que Spider-Noir se aleja del molde del héroe impoluto para avanzar en el terreno movedizo del antihéroe. También, la de no cuestionar el uso de la violencia y la forma en que usa sus capacidades. Más allá de Peter Parker y todos sus dilemas morales, la versión de Spider-Noir es cínica, siniestra y monstruosa. Lo que marcará un hito en la franquicia.

Una historia de origen complicada para un héroe oscuro

Spider-Man Noir fue lanzado por Marvel en febrero de 2009 y reimaginó a sus héroes en mundos de estilo pulp y cine negro. Creado por los guionistas David Hine y Fabrice Sapolsky, le dio al personaje una nueva historia de origen. Por lo que sus poderes tienen un origen místico y oscuro, alejándose de la explicación científica de la radiación.

En esta realidad, Ben es mordido por una araña que emerge de una antigua estatua de un Dios Araña. Todo, durante una investigación sobre el contrabando de antigüedades. Esta entidad le otorga habilidades similares a las de su contraparte moderna, pero con un matiz sobrenatural. Posee una fuerza sobrehumana, agilidad y el sentido arácnido, pero sus redes son orgánicas y de color negro, emergiendo de sus muñecas de forma casi instintiva.

Lo más distintivo es que este Spider-Man no tiene reparos en utilizar métodos letales. A diferencia del Peter Parker que conocemos, Spider-Noir suele portar armas de fuego de la época y no duda en herir de gravedad a sus enemigos si la situación lo requiere. Entender que es un “vigilante” en el sentido más crudo de la palabra es clave para no esperar la ligereza habitual de las películas de Marvel, ya que su mundo se rige por la ley de la jungla urbana.

Una estética inusual para una historia inquietante

En Spider-Noir la estética y el entorno visual son pilares narrativos de su historia. Todo en el mundo del personaje está diseñado para evocar las novelas de Raymond Chandler y Dashiell Hammett. Su traje no es de spandex, sino una combinación de un uniforme de aviador de la Primera Guerra Mundial, un abrigo largo de cuero, botas pesadas y una máscara con lentes tipo goggle, todo en negro absoluto.

La serie de Prime Video, que ya mostró en el primer tráiler de la producción, profundizará en esta paleta monocromática. También, en la particularidad de un mundo donde siempre parece estar lloviendo o nevando. A la vez, donde el humo de los cigarrillos y los callejones oscuros dominan la escena. Esta estética no es solo decorativa. Además, refleja la psique del personaje, un hombre que se esconde en la oscuridad porque el mundo exterior es demasiado cruel para enfrentarlo a plena luz del día.

Por otro lado, y siguiendo la idea de un homenaje total al original en papel, la serie tendrá una opción en colores de alto contraste. Una decisión estética que, además, podría brindar a Spider-Noir una segunda personalidad y enfoque a su personaje. No obstante, cualquiera que sea el punto de vista, algo es evidente: se trata de un apartado visual que celebra la identidad del personaje. También, la rareza de su mundo.

Una colección de villanos aterradores

El cómic Spider-Noir puede presumir de una galería de villanos que son una versión retorcida y macabra de los clásicos de Marvel. En este universo, personajes como el Duende Verde o el Buitre no son científicos con tecnología avanzada. En realidad, son algo más cercano a figuras grotescas y realistas vinculadas al crimen organizado. Por ejemplo, Norman Osborn es un señor del crimen conocido como El Duende, que lidera un circo de fenómenos y utiliza el terror para controlar la ciudad. Mientras que el Buitre es un caníbal que vive en las sombras.

Estos enemigos representan los miedos sociales de los años 30: la tiranía, la explotación de los débiles y la falta de escrúpulos de quienes tienen el poder. La serie explorará estas versiones Noir de los antagonistas, despojándolos de sus trajes coloridos para convertirlos en monstruos humanos que encajan perfectamente en una trama de suspense y horror detectivesco, lo que garantiza una narrativa mucho más madura y perturbadora.

Un personaje único que sorprenderá

El enfoque sobre un superhéroe muy lejos de la bondad es también una novedad al momento de explorar en el universo de Spider-Man. Además, será uno que permitirá a Nicolas Cage explorar mezcla de sabiduría cansada y excentricidad que ya demostró en Spider-Man: Un nuevo universo.

Además, alejándose de las obsesiones habituales de Spider-Man, mezcla el género de superhéroes con el neo-noir. Lo que permite ahondar en el misterio y la investigación policial tendrá tanto peso como la acción arácnida. Es una oportunidad para ver una faceta de la mitología de Spider-Man que prioriza la narrativa adulta y el estilo visual por encima del espectáculo de masas tradicional.

Seguir leyendo: Todo lo que tienes que saber sobre ‘Spider-Noir’ antes de ver la serie de Prime Video

Los AirPods son, sin duda, uno de los mejores productos de Apple. Y si bien todos los fabricantes Android ya cuentan con su alternativa, los modelos de la compañía de Cupertino continúan destacando por su calidad de audio y funciones. No obstante, los AirPods tienen un inconveniente: muchas de sus ventajas son exclusivas para los iPhone, lo que impide un correcto uso o funcionamiento en móviles de marcas como Samsung, Xiaomi, OnePlus, Nothing, Vivo, Oppo, etc.

Si bien algunos fabricantes ya están trabajando para flexibilizar esa compatibilidad, hay otros que siguen estancados y muy limitados. Por suerte, esta app lo soluciona.

Se llama LibrePods, es de código abierto y elimina por completo la barrera de utilizar unos AirPods en un dispositivo Android. No es una app nueva, pero sí ha mejorado muchísimo tras su última actualización. De hecho, para utilizarla era necesario que tu móvil tuviese una ROOM instalada, pero actualmente se puede descargar fácilmente en Google Play, sin necesidad de realizar ningún paso adicional.

Así funciona la app que hace compatibles los AirPods en Android

En concreto, la LibrePods te permite acceder a todas y cada una de las funciones que los AirPods tienen en los dispositivos Apple. Incluso la interfaz es prácticamente idéntica, lo que hace que la experiencia a la hora de usar estos auriculares en Android sea mucho más completa.

Nada más entrar a la app verás un menú de opciones muy parecido al que encontramos en los Ajustes del iPhone cuando conectamos los auriculares. Puedes ver el porcentaje de la batería, el nombre del dispositivo o acceder a los diferentes modos de cancelación de ruido, así como activar y configurar la acción al pulsar sobre el auricular izquierdo o derecho.

LibrePods también ofrece funciones adicionales para los Airpods, como la configuración del seguimiento de la cabeza o la posibilidad de ajustar algunos parámetros relacionados con la accesibilidad.

Ahora bien, no todos los móviles Android son compatibles con esta app para los AirPods. Los desarrolladores están actualizando la lista de smartphones que pueden utilizar la app basándose en las últimas actualizaciones de Android 17 o los respectivos sistemas operativos de las diferentes compañías. Por ejemplo, en el caso de los móviles Samsung, no pueden utilizarla hasta que no actualicen a One UI 9.

La app sí funciona para los móviles Pixel y algunos móviles de Oppo y OnePlus. No obstante, la mejor forma de comprobarlo es descargando LibrePods y revisando el mensaje que dice si tu móvil es o no compatible.

Seguir leyendo: Los AirPods dejan de ser exclusivos del iPhone: tu Android ahora puede controlarlos como nunca con esta app

Euphoria regresó después de cuatro años y decepcionó. Algo lamentable para una serie que, en el momento de su estreno en 2019, se consideró un hito de la televisión. Eso debido a que Sam Levinson encontró la manera de explorar en la generación Z y sus dilemas desde una perspectiva honesta, brillante y sugerente. Pero de una primera entrega histórica, la serie perdió buena parte de su impacto en la segunda, que se estrenó en 2022 y fue considerada al menos tediosa y repetitiva. 

No obstante, es la tercera, que ha cosechado críticas mixtas, debates sobre la sexualización de sus personajes y desorden de guion, la que decepcionó por completo. En especial, por llevar a cuestas un turbulento proceso de producción y los constantes retrasos de su calendario, que hicieron incierto su regreso al streaming. Todo mientras su elenco tenía éxito resonante en Hollywood y Levinson tenía que afrontar el considerable fracaso de The Idol. Al mismo tiempo que la serie continuaba en terreno de nadie, perdido el factor sorpresa de sus primeros episodios y en busca de una nueva identidad. 

Pero, a pesar de los rumores de cancelación y las filtraciones sobre guiones reescritos repetidamente, HBO mantiene su apuesta por el drama ganador del Emmy. No obstante, Euphoria además ha tenido que lidiar con múltiples escándalos, que parecen repercutir no solo en el futuro del programa, sino incluso en su solidez. Para explorar en el tema, te dejamos los cinco escándalos más complicados que rodean a Euphoria. De un fallecimiento doloroso a una óptica controversial sobre sus personajes. Todo para analizar el fenómeno de la serie, convertido en sucesivas y públicas polémicas. 

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Una muerte inesperada

El primer y más doloroso escándalo que atravesó la serie durante su período de preproducción de la tercera temporada fue el fallecimiento de Angus Cloud. Ocurrida en julio de 2023, la muerte del actor sorprendió. También, impactó directamente en la trama de la serie, en la que había llegado a ocupar un lugar de interés. Cloud, quien daba vida al entrañable traficante Fezco, no era solo un actor secundario. También era el centro moral y emocional de una de las subtramas más queridas por la audiencia.

Su química con el personaje de Lexi Howard (Maude Apatow) había dejado un cliffhanger masivo al final de la segunda temporada tras el violento tiroteo en su casa. La muerte del actor dejó a Sam Levinson ante un dilema creativo casi imposible. A saber: cómo cerrar la historia de un personaje cuya presencia era vital para el desarrollo de Rue (Zendaya) y Lexi sin que se sintiera forzado o irrespetuoso. 

Este suceso obligó a desechar meses de planificación y guiones ya avanzados. Lo que sumió a la producción en un luto profundo y en una reestructuración narrativa total. La pérdida de Cloud alteró el ADN de la serie, eliminando el puente entre el mundo criminal y el drama escolar que Fezco representaba de manera única. ¿Un dato curioso? En la serie, Fezco sigue vivo y, de hecho, en el capítulo tres, se muestra una aparente conversación entre el personaje y Rue. 

Ambiente laboral explosivo

Por otro lado, la salida de Barbie Ferreira, quien interpretaba a Kat Hernández, destapó una olla de presión sobre el ambiente laboral. Los rumores de una relación fracturada entre la actriz y Sam Levinson circularon durante meses antes de confirmarse su partida. Se reportó que Ferreira no estaba de acuerdo con la dirección que estaba tomando su personaje. Mucho más, cuando este pasó de ser un ícono de empoderamiento corporal a tener una trama secundaria casi inexistente en la segunda temporada. 

Algunos informes incluso sugirieron que Ferreira abandonó el set en varias ocasiones tras discusiones acaloradas sobre el guion. Aunque la actriz intentó suavizar la situación en entrevistas posteriores, su salida dejó un sabor amargo entre los fans. 

En particular, porque el conflicto demostró un patrón de comportamiento problemático por parte del creador hacia los personajes que no encajaban en su visión estética central. Lo que generó críticas sobre la falta de diversidad real en el desarrollo de los guiones.

Sam Levinson y el fracaso de su fórmula

Una de las polémicas más complicadas de Euphoria rodea a Sam Levinson y su reputación como showrunner. Tras el estrepitoso fracaso crítico de su otra serie, The Idol, se intensificó el escrutinio sobre su estilo de trabajo. Se le acusó de crear entornos laborales caóticos, con jornadas de rodaje excesivamente largas que superaban las 15 horas. También, la falta de guiones terminados antes de empezar a grabar. 

La controversia de The Idol, calificada por algunos como pornografía de tortura, manchó la imagen de Euphoria. Mucho más, cuando se comenzó a cuestionar si la mirada de Levinson sobre la juventud era artística o simplemente explotadora. 

Esta desconfianza se trasladó a HBO, que, según diversos reportes, tuvo que intervenir para supervisar más de cerca los guiones de la tercera temporada. Eso en un intento de equilibrar la visión provocadora del director con una estructura narrativa más coherente. A la vez, menos dependiente del choque visual o el contenido explícito innecesario.

Los conflictos entre el elenco

Otro factor que causa presión en Euphoria es que la agenda de sus estrellas protagonistas ha creado un problema logístico sin precedentes. En 2019, Zendaya era la figura principal, pero hoy ella, Jacob Elordi y Sydney Sweeney son de los actores más demandados del cine mundial. Coordinar las agendas de tres superestrellas de ese nivel se volvió una tarea titánica.

Por lo que HBO se vio forzado a permitir que el elenco buscara otros proyectos ante la falta de guiones sólidos, lo que retrasó el rodaje hasta 2025. La brecha de cuatro años entre temporadas rompe el momentum cultural y obligó a un salto temporal que muchos temen que desvirtuó la serie. Lo que la llevó a pasar de un drama adolescente a una combinación de géneros desordenados que han condenado a la tercera temporada al caos. 

Cassie y el escándalo

Por supuesto, el escándalo más reciente es el más preocupante. La sexualización del personaje de Cassie Howard, interpretado por Sydney Sweeney, se ha convertido en uno de los puntos más críticos del programa. También, de los más debatidos de Euphoria, trascendiendo la pantalla para generar una conversación real sobre la ética de la mirada masculina en la cultura contemporánea. 

Desde la primera temporada, pero con una intensidad desmedida en la segunda, Cassie fue presentada a través de una lente que priorizaba su cuerpo sobre su psicología. Las constantes escenas de desnudez, que en muchos casos no parecían justificadas por la trama sino más bien por un afán estético, pusieron a Sam Levinson bajo el foco. El escándalo creció cuando la propia Sydney Sweeney reveló en entrevistas que tuvo que solicitar al director que eliminara algunas escenas de desnudez que consideraba innecesarias, lo que sugirió que el guion original era incluso más explícito y gratuito de lo que finalmente vimos.

Este fenómeno no solo afectó la percepción del personaje, sino que alimentó un debate sobre el male gaze (la mirada masculina) en la serie. Mientras que otros personajes como Rue o Jules (Hunter Sheaffer) exploran sus traumas a través del diálogo y la acción, la mayoría de los arcos de Cassie se centran en su vulnerabilidad física. A la vez, su necesidad desesperada de validación masculina, lo que a menudo terminaba en escenas de alto contenido sexual. Algo más que obvio en la tercera temporada. 

Seguir leyendo: ‘Euphoria’: todos los escándalos que rodean a la nueva temporada

El diablo viste de Prada 2 se estrena para demostrar un punto de interés. Algunas grandes historias del cine merecen ser exploradas desde nuevos puntos de vista y desde perspectivas mucho más audaces. Que es lo que precisamente hace la cinta, con la habilidad para darle un giro inesperado a su premisa. Por lo que, además del enfrentamiento entre Miranda (Meryl Streep), Emily (Emily Blunt) y Andy (Anne Hathaway), la cinta se enfoca en un punto intrigante. A saber: capacidad para diseccionar la evolución drástica de la industria de la moda y el periodismo en la era digital. 

Claro está, desde el estreno de la película original en 2006, el mundo de las revistas impresas ha sufrido una metamorfosis radical. Eso, al tener que hacer frente al auge de las redes sociales, los influencers y la inmediatez del contenido en línea. La secuela explora cómo la icónica Miranda se adapta a un mundo donde el prestigio ya no se basa en la calidad editorial. Antes que eso, depende de métricas de interacción y algoritmos. Por lo que, más que un ejercicio de nostalgia, El diablo viste de Prada 2 es una crítica relevante sobre la supervivencia del arte. También, del criterio profesional. 

Todo, en un mercado saturado de tendencias efímeras y consumo masivo, manteniendo la esencia satírica que convirtió a la primera en un referente cultural. Eso, en el mundo de la moda. Pero no es la única película que ha logrado una combinación semejante para profundizar en temas complejos y singulares. Para analizar el punto, te dejamos cinco películas ambientadas en el mundo de la moda que amarás si disfrutaste de El diablo viste de Prada 2. Desde la reinvención de un villano de Disney hasta una rareza que combina la alta moda con una historia de fantasmas. Una selección ideal para los amantes de lo sofisticado que va más allá de la simple estética. 

Cruella (Disney+)

Empezamos con una opción que quizás te sorprenderá y es un live-action que profundiza en una de las más curiosas villanas Disney: Cruella deVil. Y como si eso no fuera suficiente, interpretada por Emma Stone. Por lo que, si lo que te fascinó de Miranda Priestly fue su autoridad gélida, Cruella es la evolución lógica. En particular, por el espectáculo visual y la rebelión punk en su argumento. 

Ambientada en el Londres de los años 70, Cruella es un homenaje a la vanguardia y al diseño de vestuario de alta costura. Para eso, la trama sigue a Estella (Stone), una joven estafadora con un talento innato para la moda, que busca hacerse un nombre. Eso, en un mundo dominado por la Baronesa von Hellman (Emma Thompson). Esta, una figura que lleva la exigencia y la crueldad de la industria a niveles casi operísticos. La rivalidad entre ambas no solo se libra con palabras mordaces, sino a través de intervenciones de moda disruptivas que roban el aliento.

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Lo que hace que esta película sea imprescindible para los fans de la moda es su capacidad para utilizar la ropa como un arma de guerra. Cada vestido es una declaración de intenciones y cada desfile es un campo de batalla. Mientras que en El diablo viste de Prada 2 veíamos el lado corporativo de las revistas, Cruella se enfoca en creación visceral. A la vez, el caos creativo de las casas de diseño. La interpretación de Emma Stone y Emma Thompson crea una química eléctrica de mentoría tóxica que resuena profundamente con la dinámica de Andy y Miranda. Pero bajo una lente mucho más estilizada, gótica y audaz que celebra la excentricidad por encima del conformismo empresarial.

El hilo invisible (para alquiler en Apple TV)

Esta obra maestra de Paul Thomas Anderson se aleja del glamour comercial para adentrarse en la obsesión casi religiosa por la confección. Ambientada en el Londres de la posguerra, el argumento se enfoca en Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis), un modisto meticuloso que viste a la realeza y a la alta sociedad. Su vida, perfectamente estructurada y controlada, se ve alterada por la llegada de Alma (Vicky Krieps), quien se convierte en su musa y amante. 

La película es un festín para los sentidos y Anderson explora la idea fascinante de la estética de la moda como metáfora del deseo. A diferencia del ritmo acelerado de Nueva York en El diablo viste de Prada 2, El hilo invisible da una mirada íntima y silenciosa al taller de costura. Un lugar en el que el silencio es ley y la elegancia es una armadura. 

La relación entre Reynolds y Alma brinda un giro oscuro a la idea de la asistente, mostrando que detrás de cada gran diseño hay una lucha de poder silenciosa pero feroz. Es una película para quienes aman la moda como arte puro y entienden que el estilo puede ser tanto una prisión como una liberación.

La modista (Movistar+)

Protagonizada por Kate Winslet, la historia nos traslada a un pequeño y polvoriento pueblo de la Australia de los años 50. En el lugar, Tilly Dunnage (Winslet) regresa tras años de trabajar en las casas de alta costura de París. Su llegada no es solo un reencuentro, sino una venganza estilística; armada con su máquina de coser Singer, transforma la apariencia de las mujeres del pueblo mientras busca respuestas sobre su pasado.

Lo que hace que esta película sea ideal para los fans de El diablo viste de Prada 2 es la representación de la moda como una herramienta de poder absoluto. En la cinta, la costura no es solo estética, sino una forma de subversión. Tilly utiliza cortes impecables, telas de seda y siluetas sofisticadas para desafiar la hipocresía de una comunidad que la desprecia. 

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El contraste visual entre el paisaje árido y los vestidos de alta gama crea una tensión única que resalta cómo el diseño puede alterar la percepción de una persona. Si Miranda Priestly usaba el estilo para imponer respeto, Tilly lo usa para desmantelar la estructura social de su entorno. Además, el desarrollo del vestuario en esta cinta te impresionará si eres amante de la moda.

La casa de Gucci (Prime Video)

Para quienes disfrutaron del drama y las traiciones de oficina en El diablo viste de Prada 2, esta cinta de Ridley Scott es la opción ideal. La película narra el ascenso y la caída de la familia Gucci, centrándose en la llegada de Patrizia Reggiani (Lady Gaga) a la familia. También, en cómo su ambición termina desencadenando una tragedia griega envuelta en cuero italiano y joyas de oro. Es el lado oscuro del imperio: lo que sucede cuando el apellido en la etiqueta se vuelve más importante que las personas que lo llevan.

El atractivo aquí reside en la escala de la industria y la política interna de las casas de lujo. Al igual que en El diablo viste de Prada 2, se explora cómo toman decisiones que valen millones de dólares en salas privadas, pero con el añadido de los lazos de sangre y la venganza personal. 

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El vestuario, que recorre varias décadas de evolución de la marca, es un personaje por derecho propio, mostrando la transición de una empresa familiar de marroquinería a un gigante global del jet set. Es una montaña rusa de exceso, ambición y estilo que demuestra que, en el mundo de la moda, la lealtad es un accesorio muy difícil de encontrar.

Personal Shopper (MUBI)

Esta es una recomendación poco convencional que encantará a quienes disfrutan del aura de exclusividad y el acceso privilegiado que la moda otorga. Kristen Stewart interpreta a Maureen, una joven que trabaja en París seleccionando ropa y joyas de alta gama para una celebridad exigente que nunca tiene tiempo. 

Aunque la película tiene elementos de suspenso y drama psicológico, la cinta está enfocada en otros puntos más sugerentes. En especial, la relación de la protagonista con los objetos de lujo, como probarse vestidos prohibidos de Chanel, manejar piezas de joyería invaluables. Por lo que captura esa soledad y alienación que a veces acompaña al trabajo en los márgenes del glamour.

Lo que conecta a Personal Shopper con el espíritu de El diablo viste de Prada 2 es la representación de la moda como un mundo de superficies que ocultan profundidades complejas. Maureen se mueve por los talleres de alta costura y las tiendas de lujo como un fantasma, lidiando con la banalidad de los recados y la trascendencia de la belleza estética. Es una mirada moderna, melancólica y muy estilizada sobre cómo consumimos la moda y cómo las prendas pueden ser una forma de identidad o un disfraz para nuestras inseguridades más profundas. Una película para quienes buscan algo más que solo desfiles: una reflexión sobre el deseo y la presencia.

Seguir leyendo: 5 películas ambientadas en el mundo de la moda que amarás si disfrutaste de ‘El diablo viste de Prada 2’

Star Wars ya está lista para poner el punto y final a la primera temporada de su nueva serie, Maul: Señor de las Sombras. Se trata del primer proyecto protagonizado por el temible Darth Maul, villano de Star Wars: Ep. I - La amenaza fantasma. El personaje es uno de los grandes favoritos de los fans y, tras más de 25 años, por fin tiene su propio título en forma de serie animada. De hecho, ya ha batido récords históricos en Disney+. Además, también cuenta con el reciente nominado al Oscar Wagner Moura como coprotagonista.

Ambientada después de los acontecimientos de Star Wars: The Clone Wars, esta aventura sigue a Maul mientras planea reconstruir su sindicato criminal en un planeta que aún no ha sido alcanzado por el Imperio. Allí se cruza con una joven padawan Jedi desencantada, que podría convertirse en la aprendiz que necesita en su incansable búsqueda de venganza.

En cuanto a dónde podrá verse, a diferencia de otros títulos, aquí no depende para nada del territorio. En Estados Unidos, España, Latinoamérica y en el resto del mundo, Maul: Señor de las Sombras está disponible únicamente en Disney+. La plataforma alberga los derechos de toda la franquicia Star Wars. Y, tal y como ocurre con el resto de proyectos de la saga galáctica, podrá verse en exclusiva en la plataforma de streaming de La Casa del Ratón. Ahora, se van a estrenar al fin sus dos últimos episodios.

Hora de estreno del final de Maul: Señor de las Sombras

Como parte de la celebración del Star Wars Day, los episodios 9 y 10 de Maul: Señor de las Sombras van a tener un horario de estreno muy diferente al habitual. Y es que, si normalmente se estrenaban a las 3:00 am ET, esta vez no va a ser así. Disney+ y Lucasfilm han decidido que el final de la nueva serie de Star Wars se estrene el 4 de mayo a las 00:00 AM hora local. Es decir, verán la luz en cada territorio de manera independiente en el momento en el que el reloj dé la medianoche y comience el Star Wars Day.

Así, por ejemplo, países como Nueva Zelanda y Australia serán los primeros en disfrutar de los dos últimos episodios de Maul: Señor de las Sombras. Y de esta forma, a España y el resto de Europa también llegarán antes que a Estados Unidos y América Latina, quienes tendrán que esperar a que sea 4 de mayo en sus respectivos países para poder verlos.

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Se trata de una estrategia muy inusual pero que servirá para dar comienzo al día de Star Wars de la mejor manera posible. En esta cita anual, la compañía siempre prepara varios eventos y situaciones para que los fans de todo el mundo pasen un día lo más galáctico posible. Por supuesto, el final de la exitosa serie será uno de los platos fuertes en este 2026.

Seguir leyendo: ¿A qué hora se estrenan los episodios 9 y 10 de ‘Maul: Señor de las Sombras’, el final de la nueva serie de ‘Star Wars’?

GitHub se ha convertido en uno de los casos más preocupantes del sector tecnológico actual. La plataforma se mantiene como la más usada por la comunidad de desarrolladores, pero desde hace algún tiempo es noticia recurrente por lo motivos menos deseados: caídas recurrentes, falta de confiabilidad, incidentes de ciberseguridad y un creciente empuje por la IA que enfada a los desarrolladores.

La situación es tal que varios proyectos de software nacidos y evolucionados de la mano de GitHub están comenzando a migrar sus repositorios de código a otras plataformas, hastiados de los problemas que aquejan a la infraestructura que pertenece a Microsoft.

Una de las últimas noticias respecto de GitHub fue el hallazgo de una vulnerabilidad crítica que permitía la ejecución de código remoto. El fallo fue encontrado por Wiz usando un modelo de inteligencia artificial no especificado, lo que obligó al desarrollo y despliegue urgente de un parche para solucionarlo.

Según reportó The Verge, la resolución de la brecha de seguridad se concretó en un lapso de 6 horas, reflejando la rapidez del equipo de trabajo de GitHub. Sin embargo, los investigadores que la descubrieron alertaron que se trató de una vulnerabilidad "sorprendentemente fácil de explotar". Un caso que, si bien puede ser (o parecer) aislado o extraordinario, no da tranquilidad cuando la plataforma cobija a millones de proyectos.

Las caídas frecuentes de GitHub, un auténtico dolor de cabeza

Una queja que se ha vuelto frecuente entre los programadores es por las caídas de GitHub. Las salidas de servicio totales o parciales se hicieron más evidentes en los últimos meses, profundizando el malestar entre desarrolladores y usuarios.

Parte de las caídas se han atribuido al plan de Microsoft para migrar GitHub a Azure, su infraestructura en la nube. Sin embargo, los fallos técnicos se vienen arrastrando desde bastante antes que se comenzara a implementar dicho cambio. Días atrás, se viralizó un gráfico que muestra cómo se degradó el porcentaje de uptime de la plataforma desde que la adquirieron los de Redmond.

GitHub pasó de estar funcionando a pleno casi el 100 % del tiempo, a sufrir caídas recurrentes con impacto visible en su funcionamiento. Lo curioso (para mal) es que las bajadas más pronunciadas en el promedio de uptime mensual fueron de menos del 0,5 %. No obstante, eso resultó suficiente para complicarle la vida a un sinfín de proyectos.

Uno de los testimonios más duros contra el presente de GitHub lo brindó Mitchell Hashimoto, desarrollador de Ghostty, un popular emulador de Terminal. A través de su blog personal, anunció que el proyecto abandonaría la plataforma a pesar de haber formado parte de la misma durante los últimos 18 años. Hashimoto remarcó que las frecuentes caídas estaban impactando de forma directa y diaria en su trabajo, y que ya no estaba dispuesto a continuar operando de esa manera.

"Este lugar ya no es apto para trabajar en serio si te bloquea durante horas al día, todos los días. Ya no es un lugar agradable para mí. Quiero estar allí, pero no me deja estar. Quiero trabajar, pero no me deja trabajar. Quiero lanzar software, pero no me deja lanzar software. Quiero que mejore, pero también quiero programar. Y ya no puedo programar con GitHub".

Mitchell Hashimoto

La partida de Hashimoto y Ghostty incluso provocó una respuesta en X de Kyle Daigle, el jefe de operaciones de GitHub. "El equipo seguirá trabajando para que GitHub sea algo a lo que puedas volver con pruebas reales, no con palabras", prometió el ejecutivo.

Microsoft y la IA, también en el punto de mira

Los problemas técnicos de GitHub también estarían relacionados con el furor por la programación con IA. El uso de agentes de inteligencia artificial para generar código de forma automatizada sería otra de las causas por las cuales la infraestructura de la plataforma estaría sobrecargada, lo que afectaría su confiabilidad y estabilidad. Asimismo, se especula con que el scrapping con IA estaría jugando su parte en esta historia.

En simultáneo, las críticas apuntan contra Microsoft por enfocar la evolución de GitHub en la adición de funciones con inteligencia artificial. Muchos programadores acusan a los de Redmond de poner toda su atención en Copilot y en descuidar otras características fundamentales como git y los pull request.

Poco tiempo atrás, de hecho, se generó una fuerte polémica porque Copilot estaba inyectando anuncios en los repositorios de GitHub. Microsoft lo atribuyó a un bug y no a una característica, pero aún así quedó en el centro de la controversia. Días atrás, en tanto, se anunció que GitHub Copilot ya no funcionará con una suscripción de tarifa plana, sino que pasará a un sistema de cobro por uso. El cambio entrará en rigor desde el 1 de junio.

Desde GitHub son conscientes del descontento de la comunidad de desarrolladores, y prometen mejorar. Sin embargo, no son muchos los que creen que la plataforma puede volver a su época dorada. Máxime, considerando que desde 2025 se ha integrado con Microsoft Core AI y ya no funciona de manera independiente.

Seguir leyendo: ¿Qué está pasando con GitHub? Las claves para entender la crisis de la plataforma para desarrolladores

Android TV es uno de los sistemas más usados en los smart TV, para bien o para mal. Si no tienes un televisor Samsung o LG, es casi un hecho que dependes de Google para navegar entre el contenido, aplicaciones y los molestos anuncios. La buena noticia es que existe una alternativa de código abierto llamada Arc Launcher, la cual puedes instalar gratis hoy mismo para retomar el control de tu televisor.

En términos generales, Arc Launcher es un fork de LtvLauncher, otro lanzador alternativo para Android TV que a su vez está basado en FLauncher. Su objetivo es ofrecer una interfaz limpia inspirada en Apple TV, sin publicidad y con un rendimiento más ágil que el de Google. A diferencia de las recomendaciones que vemos en el sistema por defecto, acá el foco está en lanzar aplicaciones rápido y sin distracciones.

En cuanto abres Arc Launcher, la pantalla de inicio ya te dice de qué va todo esto. Hay un dock en la parte inferior con tus apps favoritas y el resto de aplicaciones agrupadas debajo, organizadas en categorías que tú defines. Puedes crear secciones como Deportes, Música o lo que necesites, reordenarlas con las flechas del mando y ocultar las que no quieras ver. En la esquina superior izquierda tienes accesos directos a ajustes y WiFi; en la derecha, la hora y la fecha.

Lo que más se agradece en el uso diario es la ausencia total de anuncios y el rendimiento. Los tiempos de apertura de apps son notablemente más rápidos respecto al lanzador de Google en dispositivos de gama media, y la navegación entre elementos fluye sin los pequeños saltos que a veces aparecen en la interfaz de Google TV.

Funciones que marcan la diferencia

Dejando de lado la estética, Arc incluye algunas funciones prácticas que no están en la mayoría de lanzadores alternativos. Tiene un widget de consumo de datos en la barra de estado para que puedas ver cuántos datos llevas gastados sin tener que entrar a ajustes. También incluye un salvapantallas OLED con desplazamiento del reloj cada 30 segundos, pensado para prevenir la quema de píxeles en pantallas de ese tipo.

Otras opciones útiles son el cambio automático de fondo de pantalla según la hora del día (claro de día, oscuro de noche), soporte para banners personalizados y un sistema de color para mejorar el aspecto de la interfaz. También hay un programador de brillo experimental que ajusta la luminosidad de forma automática, aunque requiere permisos especiales vía ADB para funcionar.

Hay un punto en el que Arc Launcher no te lo pone fácil: la instalación. No está disponible en Google Play, así que tienes que descargar el APK manualmente desde su repositorio en GitHub y hacer sideload en tu dispositivo. No es complicado si tienes algo de experiencia, pero sí es una barrera para usuarios que no están acostumbrados a salirse del ecosistema oficial.

Cómo usar Arc Launcher en tu Android TV

Una vez instalado, tienes dos formas de usarlo como lanzador principal. La más sencilla es usar una app como Button Mapper para reasignar el botón de inicio del mando a Arc Launcher, sin tocar nada del sistema. La segunda opción, más completa pero también más técnica, consiste en deshabilitar el lanzador original de Google TV mediante comandos ADB desde un ordenador. Esto hace que, al pulsar el botón de inicio, el sistema te pregunte qué lanzador quieres usar por defecto. Si en algún momento quieres volver atrás, el proceso se revierte con dos comandos.

Vale la pena mencionar un detalle conocido en Chromecast con Google TV: si deshabilitas el lanzador original por ADB, el botón de YouTube del mando deja de funcionar. La solución aquí es usar Button Mapper para reasignarlo manualmente.

Arc Launcher es una opción sólida si tu dispositivo Android TV o Google TV te está dando problemas con el lanzador por defecto o simplemente quieres una experiencia más limpia y rápida. No es para todos los perfiles de usuario, pero si te manejas bien con la instalación manual, el resultado merece el tiempo invertido.

Seguir leyendo: Esta alternativa a Android TV es más rápida, no tiene anuncios y se parece a Apple TV

Cuando hablamos de juegos o videojuegos, muchos pensamos en Steam, Xbox, Nintendo o PlayStation. Sin embargo, las estadísticas dicen algo distinto. La gran mayoría de descargas de juegos se producen en dispositivos móviles. En especial, en Android. La industria del videojuego móvil cuenta con decenas de miles de títulos en Google Play y App Store para que juegues. Gratis o pagando. Aunque el modelo que más triunfa es el de los micropagos. No es de extrañar que surjan aplicaciones para jugar a juegos de Android en Windows. Incluso Google tiene la suya propia, Google Play Juegos. En inglés, Google Play Games.

Si no has oído hablar de esta plataforma, es normal. O, mejor dicho, es probable que no supieras de su compatibilidad con Windows. Google Play Games es como Google llama a su sección de juegos dentro de la tienda oficial de aplicaciones para Android, conocida como Play Store. En 2013 se separó en forma de app independiente. Y hace unos años, Google decidió lanzar una versión para PC con Windows. La idea es que puedas disfrutar de tus juegos en móviles, tabletas y ordenadores compatibles. En 2022 empezó su etapa en fase beta. Primero con invitación. Luego, solo tenías que solicitar permiso y obtenías un enlace para descargar su instalador. Y, desde septiembre de 2025, Google ofrece Google Play Juegos para PC como una opción más para que jugadores de todo el mundo disfruten de los mismos títulos en Android y en Windows.

Android y Windows no siempre se han llevado bien. Incluso hoy son dos sistemas distintos que conviven gracias a aplicaciones que permiten enviar y recibir archivos, compartir pantalla y otras funciones más o menos conseguidas. Y si hablamos de juegos de Android en Windows, hace tiempo que aplicaciones como BlueStacks o Bliss OS te permiten emular o instalar Android para jugar o instalar apps en tu PC. Incluso Google tiene su propio emulador para desarrolladores y curiosos dentro de su software Android Studio. Pero Google Play Games va más allá. Y tiene detrás la garantía de Google, que es la responsable directa de Android.

Qué es Google Play Games

Tanto en iOS como en Android, los juegos son las aplicaciones más descargadas. Y las que dan más dinero, para qué negarlo. De ahí que tanto Apple como Google intenten dar visibilidad a los juegos móviles. Google lanzó, en su día, la app Google Play Juegos como tienda de juegos separada de la Play Store para aplicaciones. Pero, en la actualidad, los juegos vuelven a estar dentro de la Play Store, aunque con su propia sección. La diferencia es que, ahora, la plataforma conocida como Google Play Games ofrece juegos para Android, pero también para ChromeOS y PC con Windows.

Así que, bajo el mismo nombre, Google Play Juegos, tenemos la plataforma de juegos de Google compatible con tres sistemas operativos distintos. De ahí que puedas jugar en PC con miles de juegos que antes solo podías jugar en móvil y tableta. Y esto tiene sus ventajas. Por un lado, tu biblioteca de juegos estará sincronizada en Android y Windows. Esa información estará vinculada a tu cuenta de Google. Y eso tiene una gran ventaja. En palabras de sus creadores, puedes “seguir donde lo dejaste, tanto si juegas con tu teléfono mientras viajas como si prefieres una pantalla más grande y mejores controles en PC. En algunos títulos de pago, una sola compra desbloquea las versiones para móviles y PC”.

Otra ventaja es que en Windows puedes cambiar entre teclado, ratón y mando de juego. En Android también es posible, pero no siempre es fácil. Y, por lo demás, con un PC puedes tener acceso a una pantalla de mayor tamaño. Y así ver tu juego en una mejor resolución. Por lo demás, según Google, el catálogo de Google Play Juegos para PC supera los 200.000 juegos. En este enlace puedes echarles un vistazo. Y con el programa de fidelización de Google, llamado Google Play Points, tendrás ocasión de obtener puntos y recompensas en Android y Windows indistintamente.

Requisitos de Google Play Juegos en Windows

Cuando hablamos de juegos en PC, es inevitable que aparezca el tema de los requisitos. Y aunque se trate de juegos de Android en Windows, también hay que tener en cuenta las especificaciones. Aunque, en este sentido, no hay que preocuparse demasiado. Los requisitos de Google Play Juegos en PC son asumibles para ordenadores actuales.

Requisitos mínimos de Google Play Games en PC:

• Windows 10 (versión de 2004 o posterior).
• Unidad de estado sólido (SSD) con 10 GB de espacio de almacenamiento disponible.
• Procesador gráfico o GPU Intel UHD Graphics 630 o similar.
• CPU de 4 núcleos físicos.
• 8 GB de RAM.
• Cuenta de administrador de Windows (para la instalación).
• Virtualización de hardware activada.

Obviamente, si los componentes de tu ordenador son mejores, obtendrás un mejor rendimiento de la aplicación y de los juegos que instales. Por ejemplo, como requisitos recomendados, Google menciona la GPU Nvidia GeForce MX450. Y que tu CPU tenga 8 núcleos. A partir de ahí, todo es mejorable.

Cómo instalar Google Play Games en PC

Para disfrutar de los juegos de Android en Windows a través de Google Play Juegos, necesitarás instalar primero la aplicación que hace de intermediaria. Para ello, entra en este enlace oficial y haz clic en el botón Empieza a jugar en PC. La descarga no es directa. En su lugar, verás un mensaje que dice que has recibido un correo electrónico. O, si no lo hiciste todavía, te pedirá que inicies sesión con tu cuenta de Google. La misma que utilizas en Gmail, Android, YouTube o en la Google Play Store.

Una vez has recibido el correo electrónico, ábrelo y pulsa en el botón Empezar. Abrirá tu navegador web y descargará el instalador de Google Play Games para Windows. Abre el instalador y sigue las instrucciones. El proceso es muy sencillo. Aunque, por si acaso, en el correo encontrarás un enlace con toda la ayuda que puedas necesitar. Lo único destacable es que, durante la instalación, el asistente te pedirá que actives la plataforma de hipervisor de Windows. Es decir, la tecnología de Microsoft que incluyen Windows 10 y Windows 11 para virtualizar. Durante la activación, tal vez tengas que reiniciar el ordenador.

Tras finalizar la instalación, solo tendrás que abrir la aplicación de Google Play Juegos que acabas de instalar. La primera vez te pedirá que inicies sesión con tu cuenta de Google, en la que tienes vinculados tus juegos para Android y demás información sobre tu perfil de juego. Por lo demás, la aplicación es prácticamente idéntica a su versión para Android, de manera que te será fácil buscar juegos e instalarlos. Incluso puedes mandar instalar juegos desde tu teléfono o tableta al ordenador compartiendo cuenta de Google.

Seguir leyendo: Tus juegos de Android en el PC: así funciona Google Play Games en Windows

Hace unos meses que AirDrop dejó de ser exclusivo de los dispositivos de la manzana. Google ha conseguido que Quick Share (la alternativa a AirDrop de Android) sea compatible con el servicio de transferencia de archivos de Apple, y desde entonces hemos visto como algunos móviles añadían la posibilidad de enviar imágenes o vídeos al iPhone sin interrupciones. Ahora, esta compatibilidad se ha aumentado y llega a otros smartphones con el sistema operativo de Google.

Hasta ahora, solo algunos móviles Pixel y smartphones de la marca Samsung podían usar el AirDrop del iPhone, Mac o iPad sin necesidad de aplicaciones adicionales y gracias a Quick Share. En concreto, los Pixel 10a, Pixel 10, Pixel 10 Pro y los Pixel 9a, Pixel 9 y Pixel 9 Pro pueden utilizar esta función. También los Galaxy S26, S26+ y Galaxy S26 Ultra, así como otros móviles Samsung que actualicen a One UI 8.5.

No obstante, durante los últimos días hay varios dispositivos de otras marcas que también han activado la compatibilidad de AirDrop a través de Quick Share. Una de ellas es Oppo, que ha compatibilizado su Find X9, también lo ha hecho Vivo con su modelo más reciente. Esta es la lista completa de móviles Android compatibles con AirDrop.

Móviles Pixel compatibles con AirDrop

• Pixel 9
• Pixel 9 Pro
• Pixel 9 Pro XL
• Pixel 9 Pro Fold
• Pixel 10
• Pixel 10 Pro
• Pixel 10 Pro XL
• Pixel 10 Pro Fold
• Pixel 10a

Smartphones Samsung compatibles

• Galaxy S26
• Galaxy S26+
• Galaxy S26 Ultra
• Galaxy Z Fold 7
• Galaxy Z Flip 7
• Galaxy S25
• Galaxy S25+
• Galaxy S25 Ultra
• Galaxy Z Fold 6
• Galaxy Z Flip 6
• Galaxy S24
• Galaxy S24+
• Galaxy S24 Ultra

Otros móviles compatibles

• Oppo Find X9 Ultra
• Vivo X300 Ultra

Cómo usar AirDrop en Android

Para usar AirDrop y compartir archivos con el iPhone u otro producto de la compañía de Cupertino, basta con acceder a Ajustes > Quick Share y activar la opción que dice ‘Compartir con dispositivos Apple’. A continuación, selecciona la foto, vídeo o archivo que quieres compartir y pulsa en el botón destinado para ello. Por último, selecciona Quick Share y pulsa sobre uno de los dispositivos Apple que aparezcan en la lista. Así de fácil.

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'Iniciar sesión con Google' es una de esas cosas que ha marcado toda una generación y la última década de Internet. Poder acceder a casi cualquier servicio, página web o app sin tener que poner tus datos manualmente y que esa cuenta se asocie directamente a tu perfil de Google es una maravilla. Deja atrás la fricción, ahorra muchísimo tiempo, agrupa procesos, en cierta medida mejora la seguridad y permite al usuario tener TODA su vida internáutica asociada a un mismo login rápido. Pues bien, puede que sea hora de dejar de utilizarlo.

No tu cuenta de Google, sino el 'Iniciar sesión con Google' que tanto te gusta. A pesar de que es un proceso que mejora la experiencia general de navegar, comprar y acceder a ciertos sitios de Internet, lo cierto es que puede ser un verdadero peligro y un dolor de cabeza. De hecho, puede que no hayas pensado en ello, pero hay verdaderas historias de terror por culpa de abusar de este inicio de sesión rápido.

Hay un refrán que describe a la perfección este problema: no pongas todos los huevos en la misma cesta. Si toda tu vida en Internet se basa en el 'Iniciar sesión con Google', lo estás haciendo, y si esa cesta se rompe, vas a tener problemas. El motivo es bastante simple: si utilizas este proceso de inicio rápido, estás confiando todos los servicios a tu cuenta de Google, y si esta falla por cualquier motivo, puedes ir olvidándote de acceder a casi cualquier servicio.

Hacer el 'Iniciar sesión con Google' tan accesible ha provocado que una gran mayoría de usuarios hayan confiado el 99% de los servicios a este proceso: apps de comida a domicilio, servicios gubernamentales, otras cuentas de correo, páginas webs de compra de ropa, Amazon, todas sus redes sociales, aplicaciones bancarias, servicios de transporte, la domótica de su casa, la línea telefónica y un larguísimo etcétera.

¿Qué pasa si tu cuenta de Google desaparece mañana? Reddit tiene la respuesta.

No abuses del 'Iniciar sesión con Google' si no quieres que tu vida en Internet se vuelva un caos

No estamos hablando de que Google como compañía vaya a desaparecer mañana, algo tan improbable que es irrisorio. No obstante, tu cuenta de Google sí se puede esfumar de un día para otro sin que puedas hacer nada. No serías la primera ni la última persona a la que le pasa. Y, si bien la solución es crearse otra nueva, si has abusado del 'Iniciar sesión con Google', podrías enfrentarte a una odisea internáutica.

Los motivos son diversos, y en la mayoría de ocasiones las apelaciones no funcionan. Un buen ejemplo es el usuario de Reddit Additional_Nose_1987, quien, tras subir una copia de seguridad con 10 años de antigüedad, vio cómo su cuenta era borrada de inmediato por contener algún tipo de imagen que violaba los términos de la gran G.

¿Tienes una película ilegal en tu Drive? ¿Envías correos con contenido ilegal? ¿Has subido imágenes a tu Google Fotos que incumplen las normas de Google? Son motivos para cerrar tu cuenta y, aunque la gran G no te impide crearte otra, perderás tu correo, tu Drive, Google Fotos y, lo que nos atañe hoy aquí, el acceso a prácticamente todos los servicios que utilizas en Internet.

Todo a lo que hayas accedido con el 'Iniciar sesión con Google' quedará automáticamente inservible si tu cuenta desaparece o te olvidas de cómo iniciar sesión. Y, aunque el acceso a ciertos programas, apps y servicios se puede recuperar, sin tu preciado correo será un verdadero infierno volver a tener el acceso a todo.

Parece poco probable que algo así vaya a ocurrirte a ti, pero los cientos y cientos de usuarios con verdaderas historias de terror cibernáutico que pululan por Reddit tampoco creían que algo así les podía pasar a ellos.

Seguir leyendo: ¿Utilizas ‘Iniciar sesión con Google’ en todos lados? Por tu bien, deberías dejar de hacerlo

Xiaomi es una de esas compañías en las que nos tenemos que fijar si buscamos una alternativa barata a un producto popular, da igual la categoría. De hecho, la compañía tiene un amplio catálogo de productos para el hogar que muchas veces compiten frente a frente con otros grandes fabricantes (no solo de smartphones) y en muchas ocasiones merecen mucho más la pena. Es el caso del nuevo Xiaomi Mijia High-Speed Water Ion Hair Dryer Pro, un secador de pelo que funciona como alternativa a la Dyson y que cuesta 3 veces menos.

Este nuevo secador de Xiaomi es la versión más potente de toda la línea que la compañía china lleva presentando durante los últimos meses. Llega con un diseño muy similar al resto de versiones, pero con múltiples novedades internas que lo hacen mucho mejor. Una de ellas es su nuevo motor de alta velocidad mejorado de 120.000 RPM y que ofrece un flujo de aire rápido de 72 metros por segundo, lo que se traduce en un secado de pelo de tan solo 30 segundos.

Por si fuera poco, el secador de pelo de Xiaomi cuenta con una función inteligente que permite adaptar la temperatura de forma manual. Esto es posible gracias a una pequeña pantalla que incluye en su mango, la cual nos permite ajustar niveles de calor de entre 30 °C y 90 °C. Incluye, además, un sensor TOF (Time-of-Flight) para una función realmente impresionante. El secador es capaz de detectar la distancia entre la salida de aire y el cuero cabelludo para calibrar automáticamente la temperatura del aire y evitar dañar el pelo.

El secador de pelo de Xiaomi tiene más funciones que ningún otro

Por otro lado, el secador de pelo de Xiaomi incluye una tecnología de hidratación de doble efecto. La compañía asegura que el dispositivo es capaz de emitir iones de agua e iones negativos para neutralizar la estática y evitar el encrespamiento del pelo.

Todo ello, además, con un diseño minimalista y muy ligero: pesa solo 405 gramos y tiene unas dimensiones de 90 × 73 × 251,6 mm (sin contar la boquilla). También tiene un soporte magnético para las boquillas, que vienen incluidas en la caja (hay una boquilla de peinado, una boquilla lisa y una boquilla de peine).

Ahora bien, ¿cuánto cuesta este nuevo secador de pelo de Xiaomi? El Xiaomi Mijia High-Speed Water Ion Hair Dryer Pro ha salido a la venta en China a un precio de 799 yuanes, que son unos 99 euros al cambio. Por el momento, no está claro si la compañía lo pondrá a la venta globalmente, o se quedará en el mercado asiático. No obstante, su coste está muy por debajo del secador Dyson Supersonic, que cuesta unos 300 euros.

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