A lo largo de la historia del cine, los documentales se han convertido en una herramienta fundamental para la memoria histórica. También, para el registro de la realidad. Todo debido a su capacidad de usar los recursos del cine para capturar eventos, culturas y testimonios que de otro modo podrían olvidarse. A diferencia del mundo de la ficción, este género cinematográfico documenta hechos verídicos con una mirada artística. Lo que permite preservar el patrimonio cultural y social de la humanidad a lo largo del tiempo. Al actuar como un archivo vivo, permite a las generaciones futuras comprender el pasado desde la perspectiva de sus propios protagonistas, salvaguardando la identidad colectiva frente al paso de los años. 

Además de su valor testimonial, el cine documental es un poderoso motor de conciencia social y debate público al visibilizar realidades marginadas o silenciadas. A través de una investigación profunda y narrativas de gran impacto emocional, los cineastas exponen injusticias, crisis humanitarias, dilemas políticos y problemáticas ambientales. Esta capacidad para incomodar al espectador y cuestionar las narrativas oficiales convierte al género en un catalizador de cambio. Uno además, capaz de movilizar a la opinión pública, inspirar el activismo y exigir rendición de cuentas a las instituciones. 

De modo que la importancia del documental radica en su capacidad para fomentar la empatía y expandir nuestra comprensión de la diversidad humana. Todo al explorar en realidades ajenas a su propio entorno. Lo que permite derribar prejuicios, acorta distancias geográficas y promueve un diálogo intercultural genuino. Al final, este formato no solo nos muestra el mundo tal como es. También desafía nuestra propia percepción de la verdad, estimulando el pensamiento crítico. Algo que le consolida como una de las formas de expresión artística más honestas y transformadoras del cine contemporáneo. Un punto que estos diez documentales históricos demuestran a cabalidad. 

Shoah (1985)

Dirigido por Claude Lanzmann, este monumental documental de más de nueve horas es considerado la obra definitiva sobre el Holocausto. El director tomó la radical decisión de no utilizar ni un solo segundo de material de archivo ni fotografías de la época. En su lugar, la película se sostiene exclusivamente sobre entrevistas minuciosas a supervivientes. Lo que incluye testigos presenciales, burócratas y antiguos verdugos nazis en los paisajes actuales donde ocurrieron las atrocidades. 

El peso de las palabras, los silencios cargados de dolor y las descripciones técnicas de los campos de exterminio logran una crudeza psicológica estremecedora. Lanzmann tardó más de una década en recopilar los testimonios, utilizando cámaras ocultas cuando fue necesario para exponer la verdad. Es una experiencia cinematográfica devastadora, un ejercicio de memoria histórica pura y una obra cumbre del cine. Una además, que desafía los límites de la representación del trauma humano, obligando al espectador a confrontar la banalidad del mal de forma directa. 

El acto de matar (2012)

El director Joshua Oppenheimer subvierte las reglas del género en este escalofriante viaje a la mente de los ejecutores del genocidio indonesio de 1965. En lugar de entrevistar a las víctimas, el cineasta desafía a los antiguos líderes de los escuadrones de la muerte. La mayoría, aún reconocidos como héroes nacionales. Por lo que el documentalista les obliga a narrar sus brutales asesinatos masivos. 

El resultado es una perturbadora catarsis psicológica donde los perpetradores, cegados por la vanidad y la impunidad, terminan procesando la culpa de sus crímenes. Todo, a través de la propia ficción que ellos mismos construyen ante la cámara. Producido por Werner Herzog y Errol Morris, este documental es un examen sociológico implacable sobre la memoria histórica y la propaganda estatal. 

Sin sol (1983)

Chris Marker consolidó el concepto del documental de ensayo con esta poética y vanguardista meditación sobre la memoria humana, el tiempo y la cultura global. Conducido por la voz en off de una mujer que lee las cartas enviadas por un ficticio camarógrafo trotamundos, el documental entrelaza varias historias. Todo a través de imágenes de la vibrante e hipertecnológica vida cotidiana de Tokio, las guerrillas de Guinea-Bisáu, Islandia y San Francisco. 

Las transiciones visuales, procesadas en ocasiones con sintetizadores de video analógicos, transforman el documental en zonas de recuerdo abstracto. Marker no busca narrar un evento específico, sino explorar cómo la humanidad registra, altera o descarta su propia historia a través de las imágenes. 

Hoop Dreams (1994)

Dirigido por Steve James, este drama de la vida real sigue a Arthur Agee y William Gates, dos adolescentes afroamericanos de los barrios marginales de Chicago. Y lo hace a lo largo de más de cinco años mientras persiguen el esquivo sueño de convertirse en jugadores profesionales de baloncesto de la NBA. Partiendo de un cortometraje de treinta minutos, la historia se transformó en una epopeya de casi tres horas. Y uno además, que utiliza el deporte como un prisma para analizar las estructuras sociales de Estados Unidos. 

El documental retrata con una honestidad desarmante el racismo institucional, la pobreza sistémica y las fallas del sistema educativo. También la presión económica que asfixia a sus familias. La cámara se vuelve invisible, capturando triunfos deportivos, lesiones devastadoras, dramas domésticos y la maduración forzada de dos jóvenes en un entorno hostil. 

Noche y niebla (1956)

Con apenas 32 minutos de duración, este cortometraje de Alain Resnais es uno de los alegatos antibélicos más poderosos y concisos de la historia del cine. Realizado apenas diez años después de la liberación de los campos de concentración nazis, el documental desconcierta. Sobre todo porque muestra imágenes poéticas a color de los terrenos de Auschwitz y Majdanek, entonces pacíficos y cubiertos de hierba. Para después mostrar el espantoso material de archivo en blanco y negro filmado en 1945. 

La sobria narración escrita por Jean Cayrol, un superviviente del campo de Mauthausen, evita el sentimentalismo barato. Todo, para enfocarse en la fría maquinaria industrial construida para el exterminio masivo. Resnais no solo documenta el horror pasado, sino que lanza una severa advertencia filosófica al presente y al futuro sobre la amnesia colectiva. También, la alarmante facilidad con la que la sociedad puede volver a caer en la indiferencia ante la barbarie. Una obra maestra breve, rigurosa y éticamente indispensable.

Man with a Movie Camera (1929)

Esta joya del cine mudo dirigida por Dziga Vértov es un manifiesto vanguardista que revolucionó el lenguaje cinematográfico para siempre. El documental captura un día cualquiera en las ciudades soviéticas de Kiev, Járkov, Moscú y Odesa. Para lo que retrata la vibrante vida urbana, las fábricas en movimiento y los ciudadanos en sus momentos de trabajo y ocio. Sin embargo, el verdadero protagonista es el propio aparato cinematográfico y el ojo humano. 

Vértov y su hermano, el camarógrafo Mikhail Kaufman, experimentaron por primera vez con técnicas que hoy son fundamentales. La doble exposición, la cámara lenta, el stop-motion, las pantallas divididas, los ángulos extremos y un montaje asociativo extremadamente rápido para la época. Al mostrar constantemente al camarógrafo dentro de las escenas, la obra deconstruye la propia ilusión del cine. 

La delgada línea azul (1988)

¿Te has preguntado de dónde proviene el género del true crime? Este podría ser el origen. Errol Morris cambió el rumbo del periodismo de investigación y del sistema judicial estadounidense con este brillante y estilizado largometraje criminal. El documental examina el caso de Randall Dale Adams, un hombre condenado a muerte por el asesinato de un oficial de policía en Dallas en 1976. Un crimen que él juraba no haber cometido. Morris introdujo innovaciones visuales que redefinieron el género, como el uso de recreaciones dramáticas cuidadosamente iluminadas y filmadas en cámara lenta. Combinado, además, con una hipnótica banda sonora original compuesta por Philip Glass. 

A través de entrevistas directas a la cámara utilizando un dispositivo de espejos que obligaba a los sujetos a mirar fijamente al espectador, Morris sorprendió. Eso, al exponer las mentiras de los testigos clave, la corrupción policial y la incompetencia de la fiscalía. El impacto del documental fue tan masivo y sus pruebas tan contundentes que el caso fue reabierto y Adams fue exonerado y liberado de prisión. Todo un año después del estreno de la película. 

Grizzly Man (2005)

Werner Herzog dirige este fascinante y trágico estudio de la naturaleza humana a través de la vida y muerte de Timothy Treadwell. Este es un ecologista aficionado que pasó trece veranos conviviendo de cerca con los osos pardos en una reserva de Alaska. Todo, hasta que fue devorado por uno de ellos en 2003 junto a su novia. Herzog construye el filme utilizando las impresionantes grabaciones de video que el propio Treadwell realizó de sí mismo y de los animales durante sus últimas estancias. 

Lejos de crear un tributo ecológico, el cineasta utiliza su característica voz en off para entablar un profundo diálogo filosófico con el metraje de Treadwell. Para lo que cuestiona su visión romántica e ingenua de la fauna. Herzog ve en la naturaleza un caos de hostilidad, indiferencia y crueldad. Por lo que transforma la película en una exploración psicológica sobre el aislamiento social, la locura, el deseo de evasión. Además de la delgada línea que separa la pasión ambiental del delirio autodestructivo. 

Nanook of the North (1922)

Dirigida por Robert Flaherty, esta producción es unánimemente reconocida como el primer largometraje documental de la historia del cine comercial. La película sigue la dura lucha diaria por la supervivencia de Nanook, un líder inuit, y su familia en el implacable y gélido entorno del Ártico canadiense. Para lo que muestra la caza de morsas, la construcción de iglús y sus costumbres ancestrales. 

Aunque la cinta sentó las bases del género al demostrar el valor de registrar culturas lejanas, también abrió un debate ético que dura hasta hoy. Años después se reveló que Flaherty escenificó numerosas secuencias y cambió el nombre real del protagonista. También pidió usar armas tradicionales que ya no utilizaba y contrató a actrices para fingir ser sus esposas. A pesar de estas manipulaciones de la realidad, su valor histórico, su belleza fotográfica todavía sorprenden. 

Bowling for Columbine (2002)

Michael Moore desató una tormenta política y mediática global con este análisis sobre la violencia armada en los Estados Unidos. Para lo que tomó como trágico punto de partida la masacre escolar de la secundaria de Columbine ocurrida en 1999. Utilizando un estilo de periodismo en el que el propio director se convierte en el conductor confrontacional de la historia, el documental usa hábilmente humor negro. También, datos duros, animaciones históricas y entrevistas memorables. Lo que incluye un tenso encuentro final con el actor y entonces presidente de la Asociación Nacional del Rifle, Charlton Heston. 

Moore evita las respuestas fáciles e indaga más allá de la simple venta de armas. Por lo que apunta sus dardos hacia la cultura del miedo alimentada por los medios de comunicación masivos, el racismo y la política exterior estadounidense. Ganador del premio Óscar, este documental revitalizó el interés comercial del público masivo por el género cinematográfico. Además de demostrar que los documentales pueden ser éxitos de taquilla capaces de polarizar debates nacionales enteros.

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Spider-Man: Brand New Day dejó claro un punto: la fatiga del cine de superhéroes no alcanza a Spidey. La cuarta entrega del superhéroe dentro del Universo Cinematográfico de Marvel no solo se ha convertido en uno de los grandes éxitos del verano. También, del cine en general e incluso de la historia de los blockbusters recientes. Dirigida por Destin Daniel Cretton, es una combinación de una aventura callejera trepidante. Pero también, una exploración emocional de su protagonista. El resultado es una cinta que sorprendió tanto a los amantes del cine de acción como a los del personaje. 

Para eso, la trama sigue a un Peter Parker (Tom Holland) completamente maduro y solitario en Nueva York. Que, además, traumatizado y angustiado, intenta equilibrar su vida universitaria. Todo, mientras el mundo entero ha olvidado su verdadera identidad tras los eventos de Spider-Man: No Way Home. Paso a paso, Peter enfrentará todo tipo de desafíos, incluyendo a Jean Grey (Sadie Sink) y sus poderes mentales. Al mismo tiempo, recibe la ayuda de Bruce Banner (Mark Ruffalo) cuando sus poderes arácnidos comiencen a sufrir una mutación inestable debido al estrés físico y mental.

Puede parecer una historia compleja y hasta enrevesada, pero lo cierto es que la cinta equilibra todos los elementos para narrar una historia conmovedora. También, con acción bien rodeada y con todo tipo de secuencias para la historia del cine de superhéroes. A lo que habría que añadir un trasfondo que incluye la agonía mental de Peter, una vez que comprobó que MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalón) le olvidaron. Por lo que la película es una combinación de factores que se alejan de las fórmulas gastadas del género. Pero además, que puede presumir de los siguientes diez elementos que la hicieron un éxito rotundo: 

Drama humano, efectos prácticos y mucho corazón

Spider-Man: Brand New Day es, ante todo, una película que prioriza el drama humano y la esencia urbana del héroe. Eso, por encima de los efectos especiales digitales. Algo que brinda a la cinta su especial personalidad, pero también una nueva dimensión que aporta interés y profundidad. Al contrario de otras historias, más interesadas en espectaculares batallas, la nueva aventura de Spider-Man pone su foco en el mundo interior de su personaje. Además, en su madurez y capacidad para la empatía.

A la vez, en su batalla privada por entender la naturaleza de sus poderes y las nuevas dimensiones que puede alcanzar. Más allá de cualquier otra cosa, Spider-Man: Brand New Day es una película sobre Peter Parker y su transformación en un hombre adulto. Un relato de crecimiento que gana en solidez y profundidad a medida que su héroe debe enfrentar el mal, el amor y la posibilidad del futuro. A la vez, claro, que a los acostumbrados villanos y peligros en el mundo de Marvel. 

Un director y un actor que trabajan de la mano

El principal artífice del éxito detrás de Spider-Man: Brand New Day es, sin duda, su director Destin Daniel Cretton. Que, de hecho, es el responsable directo de una aproximación drásticamente diferente a las cintas de Jon Watts. En lugar de dejarse arrastrar por la inercia comercial de hacer una entrega más grande, Cretton analizó una propuesta profundamente arraigada en el drama humano. Pero además, logró convencer a Tom Holland de brindar al personaje la vulnerabilidad de un hombre herido en busca de su propósito. 

Por lo que el guion explora la crudeza de la soledad absoluta y la precariedad de empezar desde cero en Nueva York. También, la dolorosa transición hacia una adultez desprovista de redes de apoyo emocional. Al despojar a Peter de la tecnología de Tony Stark (Robert Downey Jr.), la historia recupera la esencia fundamental del héroe callejero. El público conectó con este Peter Parker vulnerable. Uno que debe balancear el dolor de ser olvidado por sus seres queridos con la inquebrantable responsabilidad de seguir protegiendo a los ciudadanos comunes. 

Un apartado visual para la historia

Spider-Man: Brand New Day es además una estupenda película de acción. Algo que recae enteramente en la maestría en el diseño y ejecución de las escenas de acción urbana. Este, un terreno donde Cretton aplicó las lecciones de sus trabajos previos en el Universo Cinematográfico de Marvel. El director admitió abiertamente que se inspiró de manera directa en las dinámicas y fluidas coreografías del aclamado videojuego Marvel’s Spider-Man de Insomniac Games. 

El equipo de especialistas y dobles de acción enviaba constantemente grabaciones de sus partidas de juego. Todo, para evaluar cómo replicar de forma física esos movimientos en la pantalla grande. Esto se tradujo en secuencias de balanceo por los rascacielos de Manhattan y combates cuerpo a cuerpo. Un conjunto de secuencias con una agilidad visual electrizante que rinde homenaje a los legados de Tobey Maguire y Andrew Garfield. Los movimientos se perciben dinámicos, viscerales y físicamente demandantes. Por lo que el director aprovechó al máximo la sobresaliente capacidad de Tom Holland para realizar acrobacias físicas complejas. 

Un buen uso del universo extendido en ‘Spider-Man: Brand New Day’

El multiverso es una pieza de argumento difícil de usar. Y durante los últimos años, el Universo Cinematográfico de Marvel abusó de cameos vacíos y personajes sin sentido. Todo para interconectar la franquicia y justificar el mundo compartido. Sin embargo, en Spider-Man: Brand New Day todo es distinto. La inclusión de figuras como Frank Castle (The Punisher), interpretado por Jon Bernthal, es vital para el desarrollo del héroe. Castle no aparece como un gancho comercial, sino como el reflejo de las consecuencias extremas del aislamiento social.

De igual manera, la participación de Bruce Banner (Hulk), a cargo de Mark Ruffalo, tiene el mismo sentido. Eso, al convertirse en una ingeniosa analogía sobre los violentos cambios físicos e internos que Peter experimenta durante la trama. Al rodear al trepamuros de aliados tan complejos y moralmente grises, Cretton logra enriquecer el subtexto ético de la historia. Algo que justificó su lugar en la trama. 

Una villana de peso para ‘Spider-Man: Brand New Day’

La cinta innova además en un punto. En lugar de reciclar villanos corporativos o científicos locos, Cretton y los guionistas Chris McKenna y Erik Sommers apostaron por algo más. Eso, al introducir una versión drásticamente reinterpretada de Jean Grey, interpretada por Sadie Sink. Además, enfocada en sus habilidades psiónicas y de posesión mental. 

La genialidad del planteamiento radica en presentarla no como una destructora implacable. En realidad, el personaje es una adolescente solitaria y marginada por la sociedad. Su capacidad para manipular las mentes de la ciudad se convierte en una metáfora sobre el deseo de conexión de los jóvenes en la era moderna. Al dotar a la villana de motivaciones profundamente emocionales basadas en el trauma familiar, la película eleva el conflicto a un duelo psicológico de gran tensión. 

Una nueva sensibilidad para la saga

A pesar de formar parte de la colosal maquinaria de Marvel Studios y Sony Pictures. Destin Daniel Cretton tuvo una enorme libertad creativa. Lo que se traduce en una primera hora y media de metraje que da prioridad absoluta al realismo sucio y las conversaciones íntimas. También, al ritmo reposado propio del drama urbano tradicional. Lo que brindó a la cinta una textura orgánica muy inusual en el cine contemporáneo de superhéroes. 

Además, Cretton logra que Nueva York se sienta viva, precaria y melancólica. Eso, gracias a utilizar los silencios y los espacios cotidianos para ilustrar el peso psicológico que carga Peter Parker. Un equilibrio perfecto entre la ambición técnica de un éxito de taquilla y el corazón de una producción de autor. 

La evolución del héroe

Un detalle interesante de Spider-Man: Brand New Day es la evolución de los superpoderes de Peter. Eso hacía las telarañas orgánicas, un cambio biológico drástico que añade horror corporal a la mitología del héroe. Sometido a una inmensa presión psicológica por la soledad, el cuerpo de Peter experimenta una mutación física acelerada que altera sus habilidades tradicionales. 

Este fenómeno, inspirado en etapas controvertidas de los cómics, es aprovechado por el director para manifestar de forma externa el colapso emocional del protagonista. La aparición de las telarañas orgánicas viene acompañada de peligrosos ataques de ira incontrolable, obligando a Peter a buscar ayuda científica. Todo, para inhibir la mutación sin perder su capacidad de combatir el crimen. Esta alteración biológica añade una capa constante de suspenso a lo largo de la cinta. Lo que le brinda, además, mayor profundidad. 

Un romance complicado para Spidey

Spider-Man: Brand New Day analiza la vida de Peter de una manera nueva. Por lo que tiene un manejo inteligente del romance trágico y no resuelto con MJ. Lo que evita caer en los finales felices complacientes de la industria de Hollywood. La película evita deshacer de forma perezosa el hechizo de la entrega previa. Por el contrario, explora las complejas secuelas psicológicas de vivir en un mundo donde el amor de tu vida te mira como a un total extraño. 

A pesar de que MJ encuentra la carta explicativa de Peter y experimenta sutiles ráfagas de memoria emocional, no hay una reconciliación. Antes que eso, toma la madura y desgarradora decisión de rechazarlo debido a la inmensa distancia que impone el anonimato. Esta resolución sentimental dota a la cinta de una madurez dramática en la saga, reflejando que crecer implica aceptar pérdidas inevitables. 

Un taquillazo que afirma el éxito de la fórmula

Coproducida por Columbia Pictures y Marvel Studios, la película recaudó la asombrosa cifra de 360 millones de dólares en su debut en suelo norteamericano. Lo que superó la marca histórica de Avengers: Endgame. A nivel internacional, acumuló 932 millones de dólares durante sus primeros días en cartelera. Algo que convirtió a la cinta en el segundo arranque más rápido en cruzar la emblemática frontera de los mil millones de dólares en la historia del cine. 

Estas cifras no solo reflejan una campaña publicitaria impecable, sino también un extraordinario efecto de recomendación de boca en boca. Que además respaldó una codiciada calificación de A en CinemaScore otorgada por los espectadores. El triunfo comercial consolidó de forma indiscutible el estatus de Tom Holland como la estrella más rentable de la industria cinematográfica actual. Un giro que devolvió una inmensa solidez financiera a las franquicias de superhéroes. Lo que dejó claro es que la fatiga de superhéroes parece solo una condición sobre el gusto del público sobre sus personajes favoritos del género. 

Un gran ambiente de trabajo

Destin Daniel Cretton es ampliamente reconocido en la industria por su capacidad para fomentar rodajes amigables y divertidos. Ambientes en los que, además, el bienestar emocional del elenco y del equipo técnico se prioriza frente a las altísimas presiones logísticas de Marvel. 

Este ambiente de respeto mutuo, camaradería y paz mental previno el desgaste psicológico habitual en producciones de esta envergadura. Lo que permitió que las estrellas realizaran interpretaciones sumamente sinceras y orgánicas. La excelente sintonía humana que se respiraba detrás de las cámaras se trasladó de forma directa a la pantalla. Algo que infundió a la película autenticidad moral, una cohesión artística y un alma genuina notorias en la pantalla grande.

Seguir leyendo: ¿Se acabó la fatiga del cine de superhéroes? 10 motivos por los que ‘Spider-Man: Brand New Day» desmiente esa teoría

Apple está trabajando en una nueva función del iPhone llamada "Copiar a Windows", que podría estar disponible el próximo año. Como te habrás dado cuenta por su nombre, se trata de una característica pensada para compartir el portapapeles de un móvil con iOS directamente con un PC con el sistema operativo de Microsoft, y viceversa.

Según reporta MacRumors, el desarrollo de esta herramienta se ha dado por pedido de Microsoft, aprovechando el sistema de solicitud de interoperabilidad de la Unión Europea, enmarcado en la Ley de Mercados Digitales (DMA). Apple ya ha elaborado un plan para cumplir con lo solicitado por la firma de Redmond, de modo que la función de copiar a Windows llegaría al iPhone en algún momento de 2027 como fecha más temprana.

Eso sí, es posible que la función esté inicialmente disponible solo en la Unión Europea. Esto no está confirmado pero es la presunción principal, considerando que su incorporación no corresponde a una decisión nacida de Apple, sino de algo gestado a partir de un reclamo de Microsoft y que apunta a brindar mayor apertura al ecosistema de la manzana.

Apple prepara una función para copiar y pegar de un iPhone a un PC con Windows

Lo que han pedido los de Redmond es que sea posible copiar texto y demás contenidos compatibles desde un iPhone y pegarlo en un PC con Windows, y viceversa. Además, Microsoft ha reclamado que Apple permita concretar esta tarea sin que una app se esté ejecutando en primer plano, y sin que se deba otorgar permiso cada vez que se quiere copiar o pegar algo desde o hacia otro dispositivo.

Asimismo, se ha pedido que la función de copiar de un iPhone a un PC con Windows no sea algo que se deba activar con una aplicación en particular, sino que sea parte del sistema. De modo que debería funcionar de forma nativa a partir de alguna futura actualización de iOS.

La solicitud de Microsoft busca que Apple introduzca una herramienta similar al Portapapeles universal, pero para dispositivos fuera de su ecosistema. Tengamos en cuenta que hoy es posible copiar y pegar contenido sin mayores complicaciones entre iOS, iPadOS y macOS. Sin embargo, no sucede lo mismo si se intenta copiar desde un iPhone a un ordenador con Windows, o a la inversa.

Cuándo estaría lista

Según se reporta, Apple pretende implementar la función de copiar a Windows desde el iPhone de un modo similar a como trabajó la integración de notificaciones en relojes inteligentes de terceros. Esta última opción debutó en mayo de este año con la actualización a iOS 26.5 y permite dar permiso una única vez a dispositivos emparejados con el móvil para acceder a las notificaciones. No obstante, se encuentra disponible solamente en los países de la Unión Europea.

En el caso del portapapeles, los usuarios tendrían la posibilidad de dar permiso una única vez para permitir que lo que quieren copiar en el iPhone se pueda pegar en Windows, y viceversa. De todos modos, no te ilusiones con que esta característica se ofrezca de inmediato.

Apple indica que el desarrollo de la función se completaría recién en el otoño de 2027, así que podría debutar con alguna versión de iOS 28 hacia finales del próximo año o inicios del siguiente.

Seguir leyendo: Qué es «Copiar a Windows», la nueva función que llegará al iPhone solo para Europa

Mortal Kombat 2 se convirtió en uno de los grandes éxitos del verano. Razones sobran. No solo se trata de una adaptación notablemente fiel del conocido juego original. También, una mejora sustancial en la forma de plantear el universo en que el mejor combatiente puede salvar el mundo. Por lo que su llegada al catálogo de HBO Max son buenas noticias para todos los fanáticos de la primera película estrenada en 2021. A la vez, para los amantes de la acción.

Particularmente, porque la cinta dirigida nuevamente por Simon McQuoid y bajo la producción de New Line Cinema innova de manera inteligente. Eso, al expandir el universo cinematográfico basado en la icónica y sangrienta franquicia original. Para eso, la trama sigue a los defensores del Reino de la Tierra, quienes ahora unen fuerzas con el icónico Johnny Cage (Karl Urban). Todo, para hacer frente a la inminente y letal invasión del Mundo Exterior. Un giro de los acontecimientos que llevará a Mortal Kombat 2 a todo un nuevo trayecto a través de escenarios por completo desconocidos.

A diferencia de la primera parte, Mortal Kombat 2 se sumerge en el peligroso torneo definitivo en que el destino de la humanidad entera pende de un hilo. Lo que obliga a los campeones conocidos a superar brutales y encarnizados combates a muerte diseñados para complacer el paladar de los seguidores de la saga. Pero además, se trata de una cinta a mayor gloria de los recordados juegos. Por lo que deja a un lado cualquier intento de resultar realista para enfocar en detallar un universo rico, extraño y extravagante. Algo que brinda a la película sus puntos más altos y su interesante personalidad. Pero además, hay tres razones para verla y te las dejamos a continuación. 

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Un personaje icónico para ‘Mortal Kombat 2’

Como era de esperarse, el centro de la secuela es la crucial introducción en live action de Johnny Cage. Este, magistralmente interpretado por el reconocido actor neozelandés Karl Urban. Cage pasa de ser una figura pública egocéntrica, decadente y obsesionada con las cámaras de televisión en Hollywood a un luchador con poderes extraordinarios. Todo, mientras la película y fiel al material original, demuestra todo su carisma y también su habilidad para la pelea. 

La decisión de incluir a Johnny Cage es una decisión interesante para Mortal Kombat 2. En especial, luego que la película de 2021 recibiera críticas específicamente por hacer lo contrario. Como se recordará, la primera entrega del reboot de la saga introdujo a Cole (Lewis Tan), un personaje por completo nuevo. Algo que provocó rechazo en buena parte de los fanáticos. Particularmente, porque aunque la enigmática figura tenía poderes propios y una historia de interés, resultó deslucida en contraste con lo más conocido.

De modo que traer a la pantalla grande a uno de los grandes íconos del juego original aporta sustancia e interés a la historia. Algo además que brinda la oportunidad de seguir explorando en la historia de Johnny a medida que la franquicia crezca. Una perspectiva emocionante para todos los que disfrutaron del juego de Mortal Kombat y todavía lo hacen. 

El universo original renace con fuerza. 

Pero además de Johnny Cage, ahora otros nombres conocidos dentro de la historia que emocionarán a los fanáticos de siempre. Por lo que el conflicto se intensifica con la temible aparición del emperador Shao Kahn. Este, encarnado por el maestro de artes marciales Martyn Ford. Brindando nuevas dimensiones a la figura, la cinta relata además su contexto. Por lo que muestra cómo su régimen autoritario e invasor rompe las reglas místicas de los Dioses Antiguos. 

Además, la mitología interna de la producción expande significativamente su abanico de personajes históricos. Eso, al incorporar con éxito a guerreras queridas como Kitana (Adeline Rudolph) y Jade (Tati Gabrielle). Lo que permite tejer una red de traiciones imperiales, venganzas familiares y alianzas inesperadas. Un escenario, además, que enriquece sustancialmente la premisa argumental de solo combates. 

Otro punto interesante de la cinta es la introducción oficial al torneo interdimensional, un elemento que estuvo ausente en la entrega de 2021. La trama transporta a los espectadores directamente hacia el hostil reino de Outworld (Mundo Exterior), profundizando en su rica mitología a través de la icónica conquista de Edenia. También, la trágica caída del rey Jerrod. Visualmente, la película rinde tributo a la geografía del videojuego clásico al recrear escenarios emblemáticos. Lo más emblemático: el foso de ácido de The Deadpool o las ruinas místicas portales. Por lo que logra que el trasfondo fantástico sea mucho más interesante de lo que fue en su primera parte. 

Guiños para fanáticos en ‘Mortal Kombat 2’

Uno de los mayores atractivos y sorpresas para la audiencia de Mortal Kombat 2 fueron los guiños ocultos del cocreador original del videojuego, Ed Boon. El famoso programador realiza dos apariciones especiales memorables a lo largo del metraje de la cinta. La primera ocurre al interpretar a un camarero local en el bar que frecuenta el protagonista Johnny Cage.

Por otro lado, la segunda es una intervención que utiliza su mítica voz real para exclamar la inmortal e icónica frase de combate de Scorpion: "Ven aquí" (Get over here). Esto, durante el clímax dramático de la historia. Además, la banda sonora oficial de la película apela a la nostalgia de la cultura pop al incorporar el clásico tema musical electrónico original Techno Syndrome. Todo un deleite para fanáticos de hueso rojo que ya puedes disfrutar en HBO Max. 

Seguir leyendo: ¿No viste ‘Mortal Kombat 2’ en el cine? Te decimos dónde verla en streaming ahora mismo y te damos tres razones para hacerlo

Netflix acumula ya más de una década de producción propia, y el resultado es un catálogo tan extenso que cualquier intento de resumirlo obliga a descartar mucho. Esta selección de las mejores series de Netflix reúne veintiséis títulos sin filtro de género ni de nacionalidad, escogidos donde se cruzan dos criterios, el consenso de quienes llevan años reseñando la plataforma y la nota media de FilmAffinity.

El resultado dibuja un mapa reconocible. Hay drama de época británico y thriller coreano, animación adulta estadounidense y francesa, comedia española y adaptación literaria colombiana, además de varias miniseries de cuatro episodios que compiten de igual a igual con series de setenta. Ocho países de origen y una horquilla de notas que va del 6,0 al 8,2, porque la popularidad y la valoración crítica no siempre caminan juntas.

Gambito de dama (2020)

Género Drama, ajedrez. Nota FilmAffinity 7,6. Temporadas 1. Episodios 7.

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Gambito de dama adapta la novela de Walter Tevis y sigue a Beth Harmon desde el orfanato donde aprende a mover las piezas hasta los torneos internacionales de los años sesenta, con la Guerra Fría de telón de fondo y las adicciones como amenaza permanente. Scott Frank y Allan Scott resuelven en siete episodios lo que otras producciones estirarían durante temporadas, y consiguen que las partidas se entiendan sin explicar una sola regla. Anya Taylor-Joy sostiene el conjunto con un trabajo que le valió el Globo de Oro y el premio del sindicato de actores, mientras la miniserie se llevaba el Emmy en su categoría. Funciona como puerta de entrada a las mejores series de Netflix para quien no soporta los compromisos largos.

Creada por Scott Frank y Allan Scott. Con Anya Taylor-Joy, Bill Camp, Thomas Brodie-Sangster, Moses Ingram y Harry Melling.

The Crown (2016-2023)

Género Drama. Nota FilmAffinity 7,7. Temporadas 6. Episodios 60.

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Peter Morgan construyó The Crown como una crónica de la monarquía británica que arranca con el ascenso al trono de Isabel II y avanza década a década. Lo que podría haber quedado en reconstrucción de vestuario y protocolo funciona como un estudio sobre el poder, el deber y el precio personal de sostener una institución. Su decisión más arriesgada fue relevar al reparto completo cada dos temporadas, con Claire Foy, Olivia Colman e Imelda Staunton encarnando a la misma reina en tres etapas distintas, y la serie salió reforzada de la maniobra. Fue el primer título de la plataforma en conquistar el Emmy a mejor serie dramática y concluyó en su sexta temporada.

Creada por Peter Morgan. Con Claire Foy, Olivia Colman, Imelda Staunton, Matt Smith, Tobias Menzies y Jonathan Pryce.

Dark (2017-2020)

Género Intriga, drama, ciencia ficción. Nota FilmAffinity 7,5. Temporadas 3. Episodios 26.

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La desaparición de dos niños en un pueblo alemán rodeado de bosque destapa lo que cuatro familias han preferido callar durante décadas. A partir de ese arranque, Baran bo Odar y Jantje Friese despliegan en Dark una estructura de líneas temporales entrelazadas que exige atención sostenida y recompensa la segunda visita. No es una propuesta cómoda, y sus primeros episodios piden paciencia mientras el mapa de personajes se multiplica y los nombres empiezan a repetirse entre generaciones. A cambio ofrece algo poco frecuente entre las mejores series de Netflix, un guion que cierra todos los cabos que abrió y que sabía desde el primer capítulo hacia dónde iba. Concluyó en su tercera temporada, sin alargamientos.

Creada por Baran bo Odar y Jantje Friese. Con Louis Hofmann, Oliver Masucci, Karoline Eichhorn y Lisa Vicari.

Paquita Salas (2016)

Género Comedia. Nota FilmAffinity 7,2. Temporadas 3. Episodios 16.

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Javier Ambrossi y Javier Calvo empezaron aquí, con una representante de actores que sigue trabajando como si el mercado audiovisual español no hubiera cambiado desde los noventa. Brays Efe interpreta a Paquita sin caricatura, y ese es el motivo por el que Paquita Salas aguanta bastante más de lo que promete su formato de episodios cortos, porque debajo del chiste sobre agencias de casting hay un retrato tierno del descarte profesional. La serie nació en otra plataforma antes de que Netflix la adoptara y la ampliara, y en el trayecto ganó a Noemí Argüelles, el personaje de Yolanda Ramos que se comió buena parte de la conversación. Suma tres temporadas y una galería de secundarios reconocibles para cualquiera que creciera con la televisión española.

Creada por Javier Ambrossi y Javier Calvo. Con Brays Efe, Belén Cuesta, Lidia San José, Anna Castillo y Yolanda Ramos.

Stranger Things (2016-2025)

Género Thriller, terror, fantástico. Nota FilmAffinity 7,8. Temporadas 5. Episodios 42.

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Un niño desaparece en Hawkins, un pueblo de Indiana con un laboratorio gubernamental a las afueras, y sus amigos empiezan a buscarlo por su cuenta. Los hermanos Duffer levantaron Stranger Things como un homenaje declarado al cine de aventuras de los ochenta, con Spielberg y Stephen King entre las referencias visibles, y acertaron al confiar el peso dramático a un reparto infantil que fue creciendo en pantalla a la vez que sus personajes. El sindicato de actores premió ese trabajo colectivo. Lo que empezó como una historia de bicicletas y walkie talkies acabó siendo la producción más reconocible del catálogo, y uno de los pocos títulos de esta lista de las mejores series de Netflix que llegó a un final planificado.

Creada por Matt y Ross Duffer. Con Winona Ryder, David Harbour, Millie Bobby Brown, Finn Wolfhard, Gaten Matarazzo y Caleb McLaughlin.

Adolescencia (2025)

Género Drama, thriller. Nota FilmAffinity 7,6. Temporadas 1. Episodios 4.

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Jamie Miller tiene trece años y aparece detenido en el primer minuto, acusado de matar a una compañera de clase. Philip Barantini rueda cada uno de los cuatro capítulos en un único plano secuencia, y esa decisión formal no es un alarde, porque encadena la cámara al ritmo de los interrogatorios y no le deja al espectador ninguna salida de emergencia. El guion de Jack Thorne y Stephen Graham evita el sermón y también el retrato del monstruo, y prefiere preguntarse qué les llega a los adolescentes por la pantalla del móvil sin que nadie lo supervise. Encabeza cualquier lista de series de Netflix recomendadas para ver con hijos en casa, aunque conviene avisar de que la conversación posterior es incómoda.

Creada por Jack Thorne y Stephen Graham. Con Stephen Graham, Owen Cooper, Christine Tremarco, Ashley Walters y Erin Doherty.

Los Bridgerton (2020)

Género Romance, drama de época. Nota FilmAffinity 6,0. Temporadas 4. Episodios 32.

Tráiler en versión original subtitulada.

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La familia Bridgerton la componen ocho hermanos que se van turnando el protagonismo temporada a temporada mientras buscan matrimonio en la alta sociedad londinense de la Regencia. Chris Van Dusen adaptó las novelas de Julia Quinn con la producción de Shonda Rhimes detrás, y el resultado asume desde el primer episodio que no pretende ser fiel al periodo, sino usar su decorado para un folletín romántico de ritmo rápido y reparto diverso. La recepción crítica ha sido tibia y la nota media lo refleja, pero pocas producciones han movido tanto la conversación. Los Bridgerton ha estrenado cuatro temporadas y mantiene intacto el mismo mecanismo, con un hermano distinto en el centro cada vez.

Creada por Chris Van Dusen. Con Phoebe Dynevor, Regé-Jean Page, Golda Rosheuvel y Jonathan Bailey.

El juego del calamar (2021-2025)

Género Thriller, intriga. Nota FilmAffinity 7,0. Temporadas 3. Episodios 22.

Tráiler en versión original subtitulada.

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Cuatrocientas cincuenta y seis personas endeudadas aceptan participar en un concurso clandestino donde las pruebas son juegos infantiles y perder significa morir. Hwang Dong-hyuk escribió El juego del calamar años antes de poder rodarla, y su hallazgo fue envolver una crítica muy explícita a la deuda personal en una estética de colores primarios y geometrías escolares que resulta imposible de olvidar. El sindicato de actores estadounidense reconoció a Lee Jung-jae, a Jung Ho-yeon y al reparto completo, algo inédito para una producción hablada en coreano. Su irrupción cambió lo que la plataforma esperaba de sus mejores series de Netflix producidas fuera del ámbito anglosajón, y la historia se cerró en la tercera temporada.

Creada por Hwang Dong-hyuk. Con Lee Jung-jae, Park Hae-soo, Jung Ho-yeon, Oh Young-soo y Wi Ha-joon.

Muñeca rusa (2019)

Género Fantástico, drama. Nota FilmAffinity 6,7. Temporadas 2. Episodios 15.

Tráiler en versión original subtitulada.

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Nadia Vulvokov sale de la fiesta que se celebra en su honor en Nueva York, muere esa misma noche y despierta intacta frente al espejo del baño, otra vez al principio. Natasha Lyonne creó, escribió y protagoniza Muñeca rusa junto a Leslye Headland y Amy Poehler, y lo que en manos menos afiladas habría sido un chiste repetido durante ocho episodios se convierte en una investigación sobre el duelo y la autodestrucción, con diálogos rapidísimos y una duración de media hora que no da tregua. La segunda temporada complica el mecanismo y se aleja del bucle original. Está entre las series de Netflix recomendadas para quien prefiera ideas raras bien ejecutadas antes que presupuesto visible.

Creada por Leslye Headland, Natasha Lyonne y Amy Poehler. Con Natasha Lyonne, Charlie Barnett, Greta Lee, Elizabeth Ashley y Chloë Sevigny.

Black Mirror (2011)

Género Ciencia ficción, thriller, terror. Nota FilmAffinity 8,2. Temporadas 7. Episodios 33.

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Cada episodio de Black Mirror es una historia cerrada, con reparto propio y en algunos casos con equipo distinto, sobre lo que la tecnología nos permite hacernos unos a otros. Charlie Brooker la creó para la televisión británica con dos tandas breves antes de que la plataforma comprase la marca y le diera presupuesto, duraciones largas y repartos de primera línea. Como toda antología tiene altibajos, y buena parte de su prestigio se concentra en episodios concretos como San Junipero o USS Callister, ambos premiados con el Emmy en la categoría de telefilme. Es la más veterana de las mejores series de Netflix y también la única que puede empezarse por donde se quiera, sin orden ni continuidad.

Creada por Charlie Brooker.

BoJack Horseman (2014-2020)

Género Animación, comedia, drama. Nota FilmAffinity 8,0. Temporadas 6. Episodios 77.

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Un caballo antropomorfo que fue estrella de una telecomedia familiar en los noventa intenta volver a ser relevante encargando su biografía a una escritora fantasma. Raphael Bob-Waksberg usó ese punto de partida para levantar la primera serie de animación original de la plataforma y, sobre todo, para hablar de adicción, depresión y vacío existencial sin abandonar nunca el chiste rápido ni los juegos visuales de fondo. Esa combinación explica por qué BoJack Horseman mantiene una nota tan alta pese a no haber sido nunca un fenómeno masivo, y por qué sus capítulos más recordados son los que rompen el formato. Setenta y siete episodios de media hora repartidos en seis temporadas, con un final escrito a conciencia.

Creada por Raphael Bob-Waksberg. Con las voces de Will Arnett, Alison Brie, Amy Sedaris, Paul F. Tompkins y J.K. Simmons.

Cien años de soledad (2024)

Género Drama. Nota FilmAffinity 7,6. Temporadas 2 partes. Episodios 16.

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Siete generaciones de la familia Buendía nacen, se enamoran y se olvidan en Macondo, el pueblo que Gabriel García Márquez levantó en la novela que durante décadas se consideró imposible de filmar. La adaptación se rodó en Colombia, en español y con reparto colombiano, después de que los herederos del autor cedieran los derechos. Rodrigo García, Alex García López y Laura Mora Ortega reparten la dirección y apuestan por un tempo pausado que respeta la estructura circular del original, con el riesgo que eso supone para un espectador acostumbrado al gancho por episodio. Cien años de soledad figura entre las mejores series de Netflix habladas en castellano y está organizada en dos partes de ocho capítulos.

Con Claudio Cataño, Marco González, Susana Morales, Diego Vásquez, Marleyda Soto y Moreno Borja.

Ozark (2017-2022)

Género Thriller, drama. Nota FilmAffinity 7,4. Temporadas 4. Episodios 44.

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Marty Byrde es un asesor financiero de Chicago que blanquea dinero para un cártel mexicano y, cuando el arreglo se tuerce, propone trasladar la operación al lago de los Ozarks con su mujer y sus dos hijos como tapadera. Jason Bateman dirige varios episodios además de protagonizarla, y el tono que impone es más frío y bastante menos irónico de lo que su reparto podría sugerir. La serie tardó en encontrar público porque nunca fue una producción ruidosa, pero temporada a temporada se consolidó como una de las series de Netflix recomendadas a quien busca thriller criminal de largo recorrido. Julia Garner se come la pantalla como Ruth Langmore. Cuatro temporadas y final cerrado.

Creada por Bill Dubuque y Mark Williams. Con Jason Bateman, Laura Linney, Julia Garner y Sofia Hublitz.

Sex Education (2019-2023)

Género Comedia, adolescencia. Nota FilmAffinity 7,3. Temporadas 4. Episodios 32.

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Otis vive con una madre sexóloga que no tiene ningún filtro para hablar de nada, lo que le ha dejado un catálogo de complejos y, a la vez, un conocimiento teórico que una compañera de clase decide monetizar montando una consulta clandestina en el instituto. Laurie Nunn firmó con ese arranque una comedia que trata la educación sexual sin vergüenza y sin lección, y que reparte el foco entre un grupo amplio de personajes en lugar de concentrarlo en la pareja protagonista. Gillian Anderson equilibra el conjunto desde el papel adulto. Es una de las mejores series de Netflix para adolescentes que también funciona con público adulto, y cerró su recorrido en la cuarta temporada.

Creada por Laurie Nunn. Con Asa Butterfield, Ncuti Gatwa, Emma Mackey, Gillian Anderson y Connor Swindells.

Miércoles (2022)

Género Fantástico, terror. Nota FilmAffinity 6,6. Temporadas 2. Episodios 16.

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Alfred Gough y Miles Millar sacaron a Miércoles Addams del salón familiar y la matricularon en Nevermore, un internado para criaturas fantásticas donde tiene que lidiar con las compañeras, con un don psíquico recién despierto y con un misterio que salpica a sus padres. Tim Burton dirige varios episodios y produce, y su huella se nota más en el diseño de producción que en el guion. El motor real es Jenna Ortega, que interpreta el personaje sin parpadear y sin buscar en ningún momento la simpatía del espectador. Miércoles batió el récord de estreno de la plataforma, y su nota media, mucho más discreta que su popularidad, mide bien la distancia entre fenómeno y consenso crítico.

Creada por Alfred Gough y Miles Millar. Con Jenna Ortega, Catherine Zeta-Jones, Luis Guzmán, Christina Ricci y Emma Myers.

Unorthodox (2020)

Género Drama. Nota FilmAffinity 7,2. Temporadas 1. Episodios 4.

Tráiler en versión original subtitulada.

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Esty crece en una comunidad judía ultraortodoxa de Nueva York donde las mujeres se cubren el pelo, no acceden a la universidad y se casan por acuerdo. La serie arranca el día en que decide marcharse y coge un avión a Berlín, la ciudad donde vive la madre que también se fue en su momento. Alexa Karolinski y Anna Winger adaptan las memorias de Deborah Feldman en cuatro episodios que apenas suman tres horas, y alternan la huida con los recuerdos del matrimonio sin cargar nunca la mano contra la comunidad. Unorthodox ganó el Emmy a mejor dirección y sigue siendo una de las series de Netflix recomendadas cuando alguien pide algo breve y contenido.

Creada por Alexa Karolinski y Anna Winger. Con Shira Haas, Amit Rahav, Jeff Wilbusch, Alex Reid y Aaron Altaras.

Ripley (2024)

Género Thriller, intriga, crimen. Nota FilmAffinity 7,7. Temporadas 1. Episodios 8.

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Un millonario neoyorquino contrata a Tom Ripley, un estafador de poca monta, para viajar a Italia y convencer a su hijo de que vuelva a casa. Ripley acepta, descubre la vida que podría llevar y empieza a tejer una red de mentiras para no renunciar a ella. Steven Zaillian escribe y dirige los ocho episodios de esta adaptación de las novelas de Patricia Highsmith, y toma una decisión que la separa de todas las versiones anteriores, rodarla en blanco y negro y dejar que la arquitectura italiana ocupe el primer plano. Andrew Scott interpreta al personaje con una cortesía inquietante. Es la más morosa de las mejores series de Netflix de intriga, y ese ritmo es justamente su propuesta.

Creada por Steven Zaillian. Con Andrew Scott, Dakota Fanning, Johnny Flynn y Maurizio Lombardi.

Peaky Blinders (2013-2022)

Género Drama, thriller, mafia. Nota FilmAffinity 8,0. Temporadas 6. Episodios 36.

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Los Shelby regentan un negocio de apuestas hípicas en el Birmingham industrial que quedó después de la Primera Guerra Mundial, y su jefe, Tommy, vuelve del frente decidido a convertir la banda familiar en algo mucho mayor. Steven Knight la escribió para la televisión pública británica y la levantó con vocación de ópera, con música contemporánea sobre imágenes de 1919, planos coreografiados y un uso del vestuario que acabó generando moda. Cillian Murphy sostiene seis temporadas con un registro mínimo, y Helen McCrory y Tom Hardy aportan los contrapesos. Es una producción de licencia y no un original de la plataforma, matiz que no le quita nada al conjunto. Concluyó en su sexta temporada.

Creada por Steven Knight. Con Cillian Murphy, Sam Neill, Paul Anderson, Helen McCrory, Joe Cole y Tom Hardy.

Creedme (2019)

Género Intriga, basado en hechos reales. Nota FilmAffinity 7,4. Temporadas 1. Episodios 8.

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Marie denuncia una violación y su entorno deja de creerla porque no reacciona como se espera que reaccione una víctima. La miniserie divide el relato en dos, el desmoronamiento de la denunciante y el trabajo de dos detectives que, en otro estado y bastante después, empiezan a atar cabos. Susannah Grant, Michael Chabon y Ayelet Waldman parten de un reportaje periodístico premiado con el Pulitzer y construyen un retrato minucioso de la investigación policial que se aleja del true crime más morboso. Merritt Wever y Toni Collette componen dos formas opuestas de hacer el mismo trabajo. Creedme figura entre las mejores series de Netflix sobre el funcionamiento real de una instrucción, y se resuelve en ocho episodios.

Creada por Susannah Grant, Michael Chabon y Ayelet Waldman. Con Merritt Wever, Kaitlyn Dever, Toni Collette y Danielle Macdonald.

Kingdom (2019-2020)

Género Terror, fantástico, thriller. Nota FilmAffinity 7,2. Temporadas 2. Episodios 12.

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En la Corea de la dinastía Joseon corren rumores sobre la enfermedad del rey, y el príncipe heredero sale de palacio para averiguar qué está ocurriendo. Lo que encuentra es una plaga que devuelve a los muertos con hambre. La guionista Kim Eun-hee adapta su propio cómic y encaja el relato de infección dentro de una intriga cortesana de traiciones y linajes, de modo que la amenaza avanza a la vez por el campo y por los pasillos del poder. La ambientación histórica cambia por completo la coreografía de las persecuciones, porque aquí nadie corre con vaqueros. Es de las series de Netflix recomendadas a quien crea que el género de muertos vivientes estaba agotado.

Con Ju Ji-hoon, Bae Doona, Ryu Seung-ryong y Kim Sungkyu.

Narcos (2015-2017)

Género Drama, basado en hechos reales. Nota FilmAffinity 7,9. Temporadas 3. Episodios 30.

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Las dos primeras temporadas reconstruyen el ascenso y la caída de Pablo Escobar desde dos frentes, el del cartel de Medellín y el de los agentes de la DEA destinados en Bogotá, y la tercera cambia de objetivo hacia el cartel de Cali. Chris Brancato y sus coguionistas alternan ficción con material de archivo y voz en off, un recurso que sitúa al espectador sin frenar la acción. La primera escena invoca el realismo mágico y cada capítulo abre con un aviso sobre los límites entre lo real y lo narrado. Narcos abrió la puerta a las mejores series de Netflix rodadas en Latinoamérica y en español, y cerró su relato en la tercera temporada.

Creada por Chris Brancato, Carlo Bernard, Doug Miro y Paul Eckstein. Con Wagner Moura, Pedro Pascal, Boyd Holbrook, Damián Alcázar y Paulina Gaitán.

Arcane (2021-2024)

Género Animación, fantástico, aventuras. Nota FilmAffinity 8,2. Temporadas 2. Episodios 18.

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Dos hermanas separadas por un accidente crecen en lados opuestos de un conflicto entre la ciudad acomodada de Piltover y los subterráneos de Zaun, donde una tecnología nueva y una droga nueva alteran el equilibrio al mismo tiempo. El estudio francés Fortiche animó los dieciocho episodios con un acabado plástico que no se parece a nada del catálogo, y ese trabajo le valió el Emmy a mejor serie de animación. Que parta de un videojuego, League of Legends, no obliga a conocerlo, porque el guion se ocupa del conflicto de clase y del vínculo entre las dos protagonistas. Arcane concluyó en su segunda temporada con el relato cerrado.

Creada por Christian Linke y Alex Yee. Con las voces de Hailee Steinfeld, Ella Purnell y Kevin Alejandro.

Mi reno de peluche (2024)

Género Thriller, drama, terror. Nota FilmAffinity 7,0. Temporadas 1. Episodios 7.

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Un cómico que no levanta cabeza tiene un gesto amable con una mujer vulnerable, y de ahí nace una relación de acoso que acaba desbordando a los dos. Richard Gadd adapta aquí su propio monólogo teatral y se interpreta a sí mismo, lo que explica el tono de confesión incómoda que recorre los siete episodios y el hecho de que la serie no busque en ningún momento que el protagonista caiga bien. Jessica Gunning construye a la acosadora sin convertirla en caricatura ni en monstruo. Mi reno de peluche ganó el Globo de Oro a mejor miniserie y es de las series de Netflix recomendadas con más cautela, porque incomoda por diseño.

Creada por Richard Gadd. Con Richard Gadd, Jessica Gunning, Nava Mau y Tom Goodman-Hill.

House of Cards (2013-2018)

Género Drama, thriller, política. Nota FilmAffinity 7,9. Temporadas 6. Episodios 73.

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Francis Underwood es un congresista que se queda sin el cargo que le habían prometido y decide construir su ascenso a base de manipulación, con su mujer Claire como socia y no como acompañante. Beau Willimon adaptó la novela de Michael Dobbs y la serie británica previa, y David Fincher dirigió el arranque imponiendo una frialdad visual que marcó el estilo del conjunto. Su importancia es doble, porque fue la primera producción de una plataforma nominada al Emmy a mejor serie dramática y durante años funcionó como escaparate de las mejores series de Netflix ante la industria. Robin Wright asumió el protagonismo en la temporada final, después de que Kevin Spacey saliera de la serie.

Creada por Beau Willimon. Con Kevin Spacey, Robin Wright, Michael Kelly, Kate Mara, Molly Parker y Mahershala Ali.

La casa de papel (2017-2021)

Género Thriller, intriga, acción. Nota FilmAffinity 6,9. Temporadas 5.

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Un hombre que se hace llamar El Profesor recluta a un grupo de desconocidos sin nada que perder para encerrarse en la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre y salir de allí con más de dos mil millones de euros. Álex Pina la estrenó en televisión en abierto con resultados discretos, y fue el catálogo internacional de la plataforma el que la convirtió en un fenómeno global, con los monos rojos y Bella Ciao como iconografía reconocible en países que nunca habían visto una serie española. La casa de papel estiró la premisa a lo largo de cinco temporadas y la nota media refleja ese desgaste, aunque su primera mitad sigue siendo un ejercicio notable de tensión y planificación.

Creada por Álex Pina. Con Álvaro Morte, Úrsula Corberó, Itziar Ituño y Alba Flores.

La asistenta (2021)

Género Drama, comedia. Nota FilmAffinity 7,4. Temporadas 1. Episodios 10.

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Alex se marcha de madrugada con su hija de tres años y sin dinero, y a partir de ahí la serie cuenta con detalle casi contable lo que cuesta salir de una relación abusiva cuando no hay red debajo, entre formularios, plazos y ayudas que exigen requisitos imposibles de cumplir a la vez. Molly Smith Metzler adapta el libro autobiográfico de Stephanie Land y evita tanto el melodrama como el final redentor fácil. Margaret Qualley lleva el peso y comparte escenas con Andie MacDowell, su madre también fuera de la ficción, en un papel que complica cualquier lectura simple. La asistenta resuelve en diez episodios un relato de pobreza y trabajo doméstico que la ficción rara vez mira de frente.

Creada por Molly Smith Metzler. Con Margaret Qualley, Andie MacDowell, Billy Burke, Nick Robinson y Anika Noni Rose.

¿Por dónde empezar tu maratón por el catálogo de Netflix?

Si tienes poco tiempo, empieza por una miniserie. Adolescencia se ve en cuatro horas, no pide nada previo y deja material de sobra para pensar durante días. Si lo que quieres es justo lo contrario, una historia larga en la que instalarte durante semanas, Peaky Blinders ofrece seis temporadas con final cerrado y sin tramos de relleno evidentes.

Y si dudas entre géneros, el mejor argumento de una lista de las mejores series de Netflix tan variada como esta es que ninguna entrada exige haber visto las demás. Ozark y las miniseries de cuatro episodios conviven aquí precisamente porque el criterio ha sido la calidad y no la afinidad temática, así que puedes entrar por donde te apetezca y salir cuando quieras.

Seguir leyendo: Las mejores series de Netflix (hasta agosto 2026)

El anime clásico es la piedra angular de la industria de la animación japonesa. Eso, a pesar de que el género se reinventa con frecuencia y que, de hecho, hay una revisión frecuente de sus grandes historias. Pero lo cierto es que hay algunas producciones que sentaron las bases artísticas y narrativas que definen al medio actual. Durante las últimas décadas del siglo XX, pioneros como Osamu Tezuka revolucionaron la forma de contar historias. Todo, al demostrar que la animación no era un género exclusivo para niños ni mucho menos infantil. Y que, en realidad, el anime era una forma de analizar la animación como un medio versátil para relatos complejos y realistas.

Algo que el género ha logrado al introducir premisas poco convencionales, arquetipos de personajes profundos y una estética visual sorprendente. Todas una serie de características que, en la actualidad, resultan parte esencial de las producciones. Pero en realidad, estas primeras obras establecieron los manuales de producción y los tropos que los creadores contemporáneos siguen emulando y perfeccionando hoy en día. Mucho más, que se han vuelto un valor a seguir (y superar) como parte de lo que el anime es como arte cinematográfico. 

Por lo que los animes clásicos se convirtieron en símbolos de las posibilidades de la animación. Todo, gracias a su audacia para abordar temas maduros, filosóficos y sociales con una libertad creativa que desafiaba a la animación occidental de la época. Obras maestras que exploraron dilemas existenciales sobre la tecnología, la identidad humana y el amor. Este enfoque maduro y vanguardista elevó el estatus del anime a una forma de arte respetada, consolidando un legado cultural duradero del género. Y que podría resumirse en las diez obras que te dejamos a continuación. 

Haibane Renmei (2002)

Esta obra maestra de Yoshitoshi Abe se ambienta en una enigmática ciudad amurallada llamada Glie. En esta, habitan los Haibane, seres con pequeñas alas grises y aureolas que nacen de capullos gigantes sin recordar su pasado. La historia sigue a Rakka, una nueva integrante que intenta comprender las estrictas leyes de su pacífico pero restrictivo hogar. A diferencia de las series comerciales de fantasía, este anime opta por un ritmo pausado y una atmósfera melancólica que invita a la reflexión profunda. El relato explora con delicadeza temas complejos como la culpa, el pecado, la redención, el existencialismo y los lazos comunitarios. 

Su banda sonora minimalista complementa a la perfección un diseño visual delicadísimo que evoca melancolía pura. No encontrarás batallas épicas ni giros argumentales acelerados, sino un viaje emocional interno que deconstruye la psicología de sus personajes. Es una joya indispensable para quienes buscan una experiencia espiritual madura que se aleja del entretenimiento convencional. Y que demuestra el motivo por el cual es uno de los clásicos del anime que debes ver. 

Serial Experiments Lain (1998)

¿Buscas algo menos filosófico y más distópico? Este anime es para ti. Lain Iwakura es una adolescente solitaria que se adentra en The Wired. Esta, una red de comunicación virtual que profetizó con aterradora exactitud el internet moderno. Tras el suicidio de una compañera de clase que afirma seguir viva en la red, Lain encuentra la puerta a un horror inexplicable. Por lo que se sumerge en un laberinto cibernético que distorsiona los límites entre la realidad física. 

Este anime vanguardista desafía al espectador con una narrativa no lineal y una estética ciberpunk opresiva. Por lo que la atmósfera está repleta de cables telefónicos zumbantes, sombras densas y pantallas parpadeantes. La obra aborda con crudeza la desconexión social, la crisis de identidad, la omnipresencia tecnológica, la teología digital y la conspiración global. Su atmósfera psicológica es tan densa que exige múltiples revisiones para desentrañar sus múltiples capas de significado filosófico. Una selección ideal para los que buscan una rareza existencialista que, además, sea un clásico del anime. 

Yokohama Kaidashi Kikou (1998)

Más distopía para la lista. En un Japón futurista posapocalíptico, Alpha es una ginoide que regenta una pequeña cafetería aislada en la costa. A través de sus ojos, presenciamos la belleza tranquila del fin de los días. Pero no a través del pánico, guerras ni desesperación, sino una aceptación serena del paso del tiempo. Esta serie de ovas encarna el concepto estético japonés del mono no aware, la melancolía por la naturaleza efímera de las cosas. 

La animación, además, te cautivará. En especial, por su predilección por hermosos paisajes crepusculares, cielos inmensos y una banda sonora acústica que evoca una paz absoluta. Es un bálsamo visual que transforma el apocalipsis en un retiro contemplativo. Por lo que se enfoca en los pequeños placeres cotidianos como tomar una taza de café, tomar fotografías o conversar con los pocos vecinos que quedan. Un anime clásico imperdible que redefine la ciencia ficción. También demuestra que el fin del mundo también puede ser profundamente hermoso y reconfortante.

Tenshi no Tamago (1985)

Dirigida por el legendario Mamoru Oshii en colaboración con el artista visual Yoshitaka Amano, es una obra enigmática y poética. La trama sigue a una niña solitaria que deambula por un mundo neogótico y desolado protegiendo un gran huevo misterioso. Todo, hasta que se topa con un joven soldado que porta una cruz. Con un diálogo extremadamente escaso que apenas supera las pocas líneas, la cinta confía plenamente en su poder visual y en una banda sonora sacra. Todo, para construir su mitología. 

De modo que la cinta es una rica alegoría repleta de simbolismo religioso cristiano. Pero también, existencialismo puro y metáforas sobre la pérdida de la fe tras el diluvio universal. Sus escenarios oscuros llenos de fósiles gigantes, sombras de peces primitivos y arquitectura ruinosa crean una experiencia puramente hipnótica. 

Infinite Ryvius (1999)

A menudo descrita como una brillante adaptación de El señor de las moscas en el espacio profundo, esta serie de anime te sorprenderá. En especial, porque narra la supervivencia de casi quinientos jóvenes cadetes espaciales atrapados a bordo de una nave militar secreta tras un sabotaje terrorista. Sin adultos que los guíen ni comunicación con la Tierra, los adolescentes se ven obligados a crear su propio sistema político, económico y judicial para sobrevivir a bordo. 

Lo que sigue es un crudo, claustrofóbico y fascinante estudio psicológico sobre la fragilidad de la civilización, el abuso de poder y la sumisión social. También, de la crueldad juvenil bajo presión extrema. A diferencia del anime de mechas tradicional, las batallas espaciales son secundarias. El verdadero peligro radica en la degradación moral y mental de la tripulación dentro del cascarón metálico. 

Texhnolyze (2003)

Ubicada en Lux, una violenta ciudad subterránea en ruinas propensa al colapso social, la historia sigue a Ichise. Este, un boxeador mutilado que recibe extremidades artificiales avanzadas llamadas Texhnolyze tras enfurecer a un jefe mafioso. En este entorno brutal y nihilista, tres facciones criminales e ideológicas luchan despiadadamente por el control total del distrito. Lo anterior, mientras la humanidad parece haber perdido su propósito vital. 

Producida por el estudio Madhouse, la serie destaca por su dirección artística sombría y su paleta de colores desaturados. También, por un inicio opresivo que carece casi por completo de diálogos. La obra explora con crudeza el transhumanismo, la decadencia social, el determinismo y la inevitable extinción de la identidad humana frente a la mecanización corporal. 

Key the Metal Idol (1994)

Esta serie de quince ovas es una joya oculta del cyberpunk noventero que fusiona la robótica avanzada y el misticismo antiguo. También, el turbio mundo de la industria musical pop japonesa. Tokiko Mima, apodada Key, es una ginoide que habita en un tranquilo pueblo rural hasta que su creador fallece y le deja un mensaje póstumo. Si logra hacer diez mil amigos verdaderos, podrá convertirse en una humana real. 

Para cumplir su meta, Key se traslada a la abrumadora metrópolis de Tokio. Y una vez ahí, se ve envuelta en conspiraciones corporativas armamentísticas que buscan explotar su energía interna. La premisa destaca por su tono oscuro, su ritmo denso y una constante atmósfera de extrañeza que critica la deshumanización de los ídolos de masas. También, la explotación mediática y la alienación urbana. Un clásico terrorífico que deberías ver apenas puedas. 

Boogiepop Phantom (2000)

Cinco años después de una serie de brutales asesinatos rituales, una misteriosa columna de luz aparece en el cielo nocturno de una ciudad japonesa. Lo que provoca extraños efectos secundarios en varios estudiantes que desarrollan habilidades sobrenaturales ocultas. Al mismo tiempo, resurge la leyenda urbana de Boogiepop. Esta, una entidad espectral que personifica a la muerte y que supuestamente libera a las personas de sus peores sufrimientos. 

Utilizando una estructura narrativa fragmentada y no lineal, cada episodio adopta el punto de vista de un personaje diferente para armar un oscuro rompecabezas psicológico. El anime es famoso por su experimentación técnica, empleando un filtro sepia constante, esquinas viñeteadas oscuras y un diseño de sonido vanguardista. Este, lleno de distorsiones industriales que intensifican la paranoia colectiva. Un anime clásico para la historia. 

Shigurui (2007)

Ambientada al inicio de la era Edo, en un Japón feudal gobernado por la rigidez samurái, la trama gira en torno a un cruel torneo de artes marciales. Uno además, organizado por el desequilibrado señor Tadanaga Tokugawa, donde los guerreros combaten utilizando espadas reales en lugar de madera. Por lo que la trama sigue la encarnizada rivalidad entre Fujiki Gennosuke, un espadachín ciego de un brazo, e Irako Seigen. Este último, un genio invidente, ambos antiguos discípulos del perturbado maestro Iwamoto Kogan. 

Producida con maestría por Madhouse, la obra destaca por su realismo histórico visceral, su ritmo pausado impregnado de tensión y una violencia gráfica explícita. Que, por extraño que parezca, huye de la glorificación romántica del samurái. En su lugar, deconstruye el código del bushido, mostrando la decadencia moral, el sadismo institucionalizado y la locura que generaba el fanatismo marcial de la época.

Kemonozume (2006)

Esta fue la primera serie de televisión dirigida por el aclamado Masaaki Yuasa. Este es un autor célebre por su estilo visual elástico, experimental y libre de las ataduras de la animación comercial estándar. La historia sigue a la escuela Kifuken, un clan ancestral de samuráis dedicados a cazar en secreto a los Shokujinki. 

Estas, unas criaturas carnívoras devoradoras de hombres que pueden adoptar apariencia humana perfecta. El conflicto estalla cuando Toshihiko, el heredero del clan, se enamora perdidamente de Yuka, una joven hermosa que resulta ser una de estas criaturas mitológicas. Lo que desata una trágica odisea de romance prohibido al estilo de Romeo y Julieta. Si lo tuyo es el amor, este anime clásico es para ti. 

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La ciencia ficción vive un año especialmente boyante en el cine y las series. Algunos estrenos han devuelto la ilusión y la esperanza en los espectadores, pero también en los estudios, que vuelven a confiar ciegamente en uno de los géneros más importantes y aclamados que existen. Sin lugar a dudas, este 2026 lo encabeza Proyecto Salvación. La película de Ryan Gosling fue un bombazo en cines y pasará a la historia como uno de los grandes títulos de este tipo de producciones.

Pero lo cierto es que no es la única. Solo en la gran pantalla hemos tenido este año otros filmes de la talla de El día de la revelación, el regreso triunfal de Steven Spielberg al género de los extraterrestres. También He-Man y los Masters del Universo, que se estrelló en taquilla pero es una película estupenda de ciencia ficción y fantasía a partes iguales. O incluso Spider-Man: Brand New Day en el género de superhéroes y Hoppers en el terreno de la animación.

En lo referido a series, la ciencia ficción también está viviendo un buen año 2026. Prácticamente todas las plataformas de streaming han lanzado algún que otro título potente. Tenemos grandes ejemplos como la temporada 2 de Sugar en Apple TV, la serie de Marvel de Wonder Man en Disney+ o la reciente Star Wars Visions: La Jedi número 9, la temporada 5 de The Boys, así como el spin-off Stranger Things: Relatos del 85 en Netflix. Pero a continuación recogemos las mejores series de ciencia ficción del año.

Paradise temporada 2

Paradise se ha convertido en una de las mejores propuestas de ciencia ficción en el panorama de la series recientes. La serie nos lleva hasta una localidad tranquila entre cuyos habitantes se encuentran algunas de las personas más prominentes del mundo. Pero la calma estalla cuando se comete un impactante asesinato y da comienzo una delicada investigación. Este 2026 ha visto la luz su segunda temporada, que ha vuelto a brillar ocn una trama llena de tensión y fichajes estrella como Shailene Woodley o Thomas Doherty.

Paradise está disponible en Disney+.

X-Men 97 temporada 2

Aunque el cine de superhéroes ha provocado una irremediable fatiga en los espectadores, algunos títulos siguen resultando frescos y emocionantes. Y ese es el caso de X-Men 97, quizá el mejor estreno del género en los últimos años. La serie, secuela del clásico animado de los 90, sigue las nuevas aventuras de la Patrulla X. Numerosos villanos con poderes terribles, viajes en el tiempo y un montón de giros que, unidos a su exquisita animación, al convierten en un imprescindible para los fans de los mutantes.

X-Men 97 está disponible en Disney+.

Star Wars - Maul: Señor de las Sombras

Siguiendo con la animación Star Wars ha renacido este año de sus cenizas con una de las mejores series de ciencia ficción de 2026. Maul: Señor de las Sombras es un brutal thriller de acción en el que el mítico villano planea reconstruir su sindicato criminal en un planeta que aún no ha sido alcanzado por el Imperio. Allí se cruza con una joven Padawan Jedi desencantada que podría convertirse en la aprendiz que necesita en su incansable búsqueda de venganza.

Star Wars - Maul: Señor de las Sombras está disponible en Disney+.

Ciudad de las estrellas

Este 2026, Apple TV ha lanzado el primer spin-off de Para toda la humanidad, una de sus series más queridas ye xitosas. Se trata de Ciudad de las estrellas, un thriller político en clave de ciencia ficción que nos lleva de nuevo a los orígenes de la serie, la década de los años 70. Pero esta vez, vemos cómo se desarrolla la carrera espacial desde el punto de vista soviético a raíz de la llegada de los rusos a la luna antes que los estadounidenses. Intrigas, conspiraciones, secretos y avances científicos llenan sus capítulos, que han gustado mucho a los fans.

Ciudad de las estrellas está disponible en Apple TV.

The Boroughs

Los hermanos Duffer, responsables del fenómeno Stranger Things, han producido este año The Boroughs, una nueva serie de intriga y ciencia ficción que ha pasado más desapercibida de lo que merece, porque es bastante interesante. En una comunidad para jubilados aparentemente perfecta, un recién llegado vive un encuentro terrible que le anima a unirse a un grupo de inadaptados que pretende desentrañar el oscuro secreto que demuestra que sus años dorados son más peligrosos, y más formidables, de lo que todo el mundo piensa.

The Boroughs está disponible en Netflix.

Spider-Noir

De vuelta al mundo de los superhéroes como parte de la ciencia ficción, la mejor serie live-action estrenada este 2026 es la de Spider-Noir. Nicolas Cage se convierte en el arácnido en un proyecto que combina los elementos más típicos de este tipo de producciones con el cine negro más clásico. La historia sigue a Ben Reilly, un experimentado investigador privado en mala racha en el Nueva York de los años 30, que se ve obligado a enfrentarse a su pasado tras una tragedia profundamente personal, mientras la ciudad cuenta con un único superhéroe.

Spider-Noir está disponible en Amazon Prime Video.

The Beauty

The Beauty es el nuevo thriller de Ryan Murphy, que esta vez apuesta por el el drama, el body horror y la ciencia ficción en una serie que sorprendió para bien a principios de año. En ella, el mundo de la moda se vuelve oscuro cuando supermodelos internacionales comienzan a morir de formas espantosas y misteriosas. Los agentes del FBI Cooper Madsen y Jordan Bennett viajan a París para descubrir la verdad. A medida que profundizan en el caso, descubren una enfermedad de transmisión sexual que transforma personas comunes en iconos de perfección física, pero con consecuencias aterradoras.

The Beauty está disponible en Disney+.

Silo temporada 3

Silo ha regresado este año con su temporada 3. La querida serie distópica de Rebecca Ferguson encara su recta final antes de estrenar su cuarta y última entrega. El título nos presenta una sociedad distópica de 10.000 personas que viven bajo tierra en circunstancias misteriosas, al tiempo que se desvela una historia de origen ambientada siglos antes. En el presente, Juliette Nichols sobrevive a su «limpieza» forzada, pero regresa con pérdida de memoria mientras el silo se recupera de una rebelión y se enfrenta a una nueva y peligrosa amenaza. Mientras tanto, en el pasado, la periodista Helen Drew y el congresista Daniel Keene descubren una conspiración que los arrastra a una cadena de acontecimientos con consecuencias catastróficas e irreversibles.

Silo está disponible en Apple TV.

Para toda la humanidad temporada 5

Por último, cerramos la lista de las mejores series de ciencia ficción con la quinta temporada de Para toda la humanidad (For all mankind). Este título se ha convertido ya en uno de uso obligado para los fans del género. Y es que presenta una historia alternativa en la que los soviéticos llegaron primero a la Luna. A partir de ese momento, la carrera espacial nunca terminó. Así, cada nueva temporada se ambienta en una década diferente, con nuevos objetivos y desafíos que actualmente tienen el foco puesto en Marte.

Para toda la humanidad está disponible en Apple TV.

Seguir leyendo: Las mejores series de ciencia ficción de 2026 hasta ahora

Si tienes más de treinta años, seguramente amas este clásico. La célebre adaptación Matilda, dirigida por el polifacético Danny DeVito y estrenada en 1996, tiene mucho que celebrar este año. Y no solo haber alcanzado tres décadas como favorita indiscutible de buena parte del público. Además de haberse convertido en un ejemplo inmejorable de la forma de adaptar clásicos infantiles para nuevas audiencias. Algo que convirtió a la cinta no solo en un éxito desde su estreno. También, en una producción de culto que todavía puede presumir de tener uno de los fandoms más fieles del mundo del séptimo arte.

Razones no faltan. Esta joya del cine familiar mezcla fantasía con comedia oscura de forma magistral y de una manera tan original como para marcar un hito. Basada en la famosa novela homónima del autor británico Roald Dahl, la trama principal sigue las andanzas de Matilda (Mara Wilson), una niña excepcionalmente brillante. Una además, dotada de una inteligencia prodigiosa y una curiosidad insaciable por la lectura desde muy temprana edad. Pero a pesar de sus extraordinarias capacidades intelectuales, Matilda crece incomprendida en el seno de una familia disfuncional, frívola y deshonesta. Mucho más, al cuidado de padres negligentes que ignoran por completo su potencial y lo desprecian constantemente. 

Todo se vuelve todavía peor cuando Matilda, después de años de insistir, finalmente es inscrita en el tétrico colegio Crunchem Hall. Una institución hostil regida con puño de hierro por la tiránica directora Tronchatoro (Pam Ferris). Esta, una antigua atleta olímpica que aborrece profundamente a la infancia. Pero no todos son sinsabores. Matilda no solo encuentra el apoyo incondicional de su dulce maestra, la señorita Miel (Embeth Davidtz). También descubre que posee asombrosos poderes telequinéticos. Una capacidad que utilizará como una herramienta de justicia para defender a sus fieles compañeros y transformar radicalmente su propio destino familiar. 

Matilda contra la maldad en una película inolvidable

Detrás de las cámaras de esta emblemática producción se esconden numerosos datos curiosos de rodaje y amor por el material original. Los que, además, demuestran el enorme compromiso emocional de todo el equipo de trabajo. Uno de los aspectos más conmovedores y trágicos del rodaje involucró directamente a la joven actriz protagonista, Mara Wilson. Su madre, Suzie Wilson, fue diagnosticada con un agresivo cáncer de mama terminal durante las grabaciones de la cinta cinematográfica. En un acto de profunda empatía, bondad y solidaridad humana, Danny DeVito y su esposa Rhea Perlman, quien interpretaba a la frívola madre de Matilda en la ficción, cuidaron activamente a Mara fuera del plató. Incluso llevándola a su casa para aliviar la inmensa carga emocional de la familia. 

Además, en un gesto conmovedor y noble, DeVito llevó una copia casi terminada del largometraje al hospital antes del lamentable fallecimiento de Suzie. Lo que permitió que la madre pudiera ver la magnífica actuación de su pequeña hija antes de morir. Esta conmovedora muestra de afecto real forjó un lazo inquebrantable entre los actores que trascendió la pantalla grande. Lo que convirtió al set de filmación en un refugio seguro, tierno y lleno de amor frente a la dura realidad médica que vivían. 

Por otro lado, el propio Danny DeVito sufrió un percance físico real durante la filmación de una de las escenas más icónicas. Esta, la del recordado taller mecánico, en el que un perro adiestrado de raza bóxer, que supuestamente debía custodiar el lugar, debía morderle. Pero todo se volvió un pequeño caos cuando el animal mordió accidentalmente en una zona muy sensible. Algo que requirió asistencia médica inmediata, antibióticos y varios puntos de sutura. Todo, mientras debía dirigir y todavía culminar la toma, lo que terminó por hacer dos días después. 

Una adaptación para ‘Matilda’

Pero además de la tragedia, Matilda estuvo llena de decisiones extraordinarias para captar la atmósfera burlona y divertida del libro. El proceso de transformación física para los villanos de la historia también requirió de ingenio técnico y sacrificios memorables por parte del reparto. La impecable caracterización de la temible directora Tronchatoro, magistralmente interpretada por la actriz Pam Ferris, exigía un laborioso trabajo diario de maquillaje. Lo que abarcaba prótesis faciales, venas falsas dibujadas con precisión y vello facial artificial para endurecer drásticamente sus facciones. 

Para mantener el ambiente de terror real que requería el personaje dentro del aula, Ferris decidió conscientemente distanciarse de los niños actores entre tomas. Por lo que evitó interactuar de forma amistosa con ellos para que el miedo visible en la pantalla fuera genuino y espontáneo durante las escenas de tensión. Otra de las anécdotas más recordadas por los fanáticos y que ha pasado a la historia del cine pop involucra la famosa y extenuante escena del pastel de chocolate. Este devorado por el personaje de Bruce Bolaños, interpretado por el joven actor Jimmy Karz. 

La clásica secuencia, que en pantalla dura apenas unos pocos minutos de metraje, tardó en realidad casi dos semanas completas en filmarse. Eso, debido a la complejidad de los ángulos de cámara requeridos y la necesidad de mantener la continuidad visual del postre gigante. El director Danny DeVito era sumamente meticuloso con cada detalle, lo que obligó al joven Karz a ingerir grandes cantidades de pastel de chocolate día tras día. Eso, hasta el punto de que terminó aborreciendo por completo el sabor del dulce durante un largo período de tiempo tras finalizar el rodaje. 

De hecho, para evitar que el actor escupiera continuamente o se enfermara debido al exceso de azúcar en su organismo, hubo que tomar medidas. Por lo que el equipo de utilería médica tuvo que ocultar estratégicamente cubos de basura debajo de la mesa. Todo para que el joven actor pudiera vaciar su boca discretamente entre cada toma. Lo que terminó en una curiosa escena que llevó más de seis horas completar. 

Un legado valioso para ‘Matilda’

Hoy en día, el legado de Matilda sigue plenamente vivo en la memoria de la cultura popular contemporánea. Eso, gracias a su mensaje atemporal sobre la voluntad y el amor por los libros como herramientas de liberación personal. El largometraje de Danny DeVito demostró que el cine para niños puede abordar temas sumamente complejos y oscuros como el abuso infantil y la negligencia parental. Todo, sin perder en ningún momento el sentido del humor, la calidez humana y la fantasía mágica. 

Por supuesto, la adoración alrededor de la película no es casual. Desde las decisiones de Danny DeVito de filmar a los niños desde su punto de vista hasta captar el humor sardónico de Roald Dahl. Eso, pasando por la icónica coreografía improvisada por la pequeña protagonista al ritmo de la canción Little Bitty Pretty One. Lo cierto es que Matilda es un regalo no solo para los amantes de la obra original, sino para todos los que disfrutan de un cine infantil complejo y singular. Una lección de cine emocional y profundo que cumple 30 años de edad. 

Puedes ver Matilda en Prime Video.

Seguir leyendo: Este clásico que amas cumple treinta años y te va a sorprender su enorme influencia en el cine

Insaciable no es una película de terror sencilla de definir. Y no lo es, por tomar el body horror y transformarlo en una forma de criticar temas más mundanos, como la violencia estética y la discriminación. Pero también es un relato escalofriante que no se limita a su comentario social o solo a usar el miedo para apuntar traumas culturales. El segundo trabajo de la respetada directora y guionista Natalie Erika James es una mirada al tropo de los hungry ghosts que sorprende por su cualidad depravada. A la vez, por ser una propuesta impredecible y lo suficientemente terrorífica para sorprender a los amantes del género. 

Para eso, esta perturbadora historia sigue de cerca la trágica vida de Hana (Midori Francis), una joven estudiante de medicina sumergida en una severa crisis de dismorfia corporal. Desesperada por encajar a toda costa dentro de los destructivos e inalcanzables ideales estéticos contemporáneos, Hana toma una fatídica decisión. La de adentrarse en una peligrosa, misteriosa y macabra moda clandestina diseñada específicamente para perder peso de manera sumamente acelerada y drástica. Eso sin medir las nefastas consecuencias físicas que este método experimental provocará de forma inevitable.

Si estás pensando en la tendencia con el medicamento Ozempic, vas por buen camino. Solo que, como es de suponer, Insaciable tiene poca o ninguna relación con un medicamento en apariencia milagroso, sino con algo más retorcido. Lo que será más que evidente cuando Hana comience a consumir unas extrañas pastillas milagrosas conseguidas en el mercado negro. ¿El dato terrorífico? El ingrediente secreto y macabro resulta ser cenizas humanas reales provenientes de cadáveres que originalmente habían sido donados de forma altruista a la ciencia médica. Por lo que Hana pronto enfrentará algo más que bajar de peso. También una entidad furiosa y violenta que debe vencer.

La belleza, el miedo y lo tortuoso en ‘Insaciable’

Por lo que la cinta no solo cuenta acerca de la alarmante y sumamente rápida pérdida de peso en tiempo récord de Hana. A la vez, como le acecha un espíritu hambriento y hostil de la persona fallecida cuyas cenizas está ingiriendo diariamente. Para eso, la directora introduce un concepto visual sumamente original y aterrador. La entidad solo puede ser vista a través de los reflejos deformados en diversas superficies metálicas convexas tales como cucharas de cocina, teteras y ollas. De este modo, Insaciable transforma objetos cotidianos e inofensivos del hogar en portales de pura paranoia. Mucho más, hace que la presencia del ente se vuelva una constante amenaza psicológica que destruye sistemáticamente la cordura de Hana. 

Pero lo más interesante de Insaciable es la forma sumamente mordaz en que analiza la vuelta a la extrema delgadez de la cultura contemporánea. Un tema que la cinta explora a través de la idea de todos los límites que transgrede la obsesión con una estética poco saludable. Además de la mayoría de las veces, peligrosa, necesidad de utilizar cualquier medio para perder de peso. Utilizando los elementos más extremos del body horror, la cineasta explora con pulso firme el pozo sin fondo del autodesprecio y el narcisismo digital. También, las consecuencias físicas destructivas que la disformia y la anorexia pueden provocar.

La transformación física de Hana es, de hecho, una metáfora explícita sobre cómo los individuos están dispuestos a canibalizar su propia humanidad. A la vez, su salud e identidad con tal de recibir la efímera aprobación social de un entorno superficial. Natalie Erika James no limita su crítica a la vulnerabilidad de la protagonista, sino que extiende su mirada condenatoria hacia una industria estética voraz. Una adicción que lucra directamente con las inseguridades psicológicas de las personas. Por lo que convierte el dolor íntimo y la insatisfacción emocional en un producto de consumo de masas altamente rentable. Lo que perpetúa ciclos interminables de miseria emocional y autodestrucción física en las generaciones jóvenes actuales que consumen estos contenidos de internet hoy.

Terror desde un punto de vista novedoso en ‘Insaciable’

No obstante, Insaciable no se limita a ser un debate sobre la salud y la estética en tiempos modernos. En realidad, es también una brillante y audaz película de terror que analiza todo tipo de ideas mitológicas relacionadas con la muerte. A la vez, la degradación del cuerpo por medio de magia y otras ideas que la emparentan con cintas como la durísima La sustancia o La hermanastra fea. Lo cierto es que la cinta analiza la idea de la belleza, la codicia y la ambición, sin resultar sermoneadores o directamente debates éticos.

Antes que eso, la película logra reflexionar sobre la idea del miedo al rechazo como motor central de la larga búsqueda de Hana por aceptación. La dirección de fotografía a cargo de Charlie Sarroff emplea una paleta de colores hipersaturados y enfermizos que simulan texturas orgánicas en descomposición. Por lo que evita conscientemente cualquier intento de embellecer la extrema delgadez de la protagonista. 

Complementando esta propuesta visual, el diseño de sonido desarrollado por Robert Mackenzie junto a la partitura musical discordante de Hannah Peel crea una experiencia sensorial perturbadora. Los crujidos de huesos, las respiraciones agónicas y los sonidos viscerales de la masticación son amplificados grotescamente. Todo para generar una constante repulsión física en el espectador. Lo que convierte a Insaciable en una experiencia inquietante y sensorial, al nivel de las más altas exigencias del público amante del terror. 

Seguir leyendo: De qué va ‘Insaciable’, la terrorífica película de terror que seguro no conoces y te soprenderá

Microsoft está decidido a mejorar Windows 11. Tras años de críticas y peticiones, el gigante tecnológico aceptó que su sistema operativo no funciona como debería y delineó un plan para resolver los fallos más comunes. El problema es que este proceso no está ocurriendo a la velocidad que todos quisieran y hoy Microsoft confiesa por qué tardan tanto.

En una entrevista con Windows Central, el jefe de Diseño e Investigación para Windows y Dispositivos, Marcus Ash, explicó por qué han estirado el proceso. El directivo dijo que el motivo detrás de esta lentitud tiene que ver con el software y controladores activos, algo que la empresa considera como un pilar de su identidad como plataforma.

Ash puso como ejemplo el Panel de Control, un componente que Microsoft intenta eliminar desde hace más de una década. A pesar de que la empresa comenzó a modernizarlo desde Windows 8, todavía no consigue reemplazarlo por completo ni integrar todas las funciones en la configuración de Windows 11.

El directivo señaló que cuando un cliente depende de una función heredada del Panel de Control, la empresa debe tener extremo cuidado antes de tocar algo. Romper la compatibilidad podría dejar inutilizables herramientas que muchas empresas y usuarios todavía necesitan. Es por ello que Microsoft espera a que esa funcionalidad se adapte y opere de forma estable dentro de la app moderna de Configuración antes de retirarla por completo del Panel de Control.

Otro ejemplo tiene que ver con modernizar las interfaces antiguas. Una de las características más evidentes de Windows 11 es su falta de coherencia visual. Aunque una parte importante del sistema operativo mantiene un diseño homogéneo, existen decenas de aplicaciones y herramientas (incluido el Panel de Control) que tienen el aspecto de Windows 98.

Modernizar Windows 11 es más complejo de lo que pensabas

Ash dijo que modernizar estas interfaces no consiste simplemente en rediseñar la pantalla. Los ingenieros de Microsoft tienen que construir en paralelo las herramientas y frameworks que puedan sostener la interfaz sin perder las capacidades, rendimiento o funciones que ya existían. El jefe de diseño de Windows añadió que buena parte de este trabajo ocurre en WinUI 3 y otros frameworks internos pensados para trasladar funciones a un ritmo que los usuarios puedan digerir.

Ante la pregunta de qué se moderniza primero, Ash dijo que para decidir qué piezas de Windows merecen una renovación urgente, Microsoft utiliza datos de uso real. El equipo de ingenieros se basa en telemetría, comentarios directos de los usuarios y una evaluación honesta sobre si estas herramientas ya están listas para resistir el cambio. Este salto no será tan radical como el paso que vimos de Windows 7 a 8, sino algo gradual, en donde las interfaces heredadas se reducirán de forma progresiva.

Entre las prioridades actuales de Microsoft se encuentran el Explorador de archivos y otras aplicaciones grandes del sistema. Ash mencionó que la compañía no solo analiza un cuadro de diálogo de forma aislada, sino el recorrido completo del usuario desde que inicia una tarea hasta que la termina. En el caso del Explorador, cada acción forma parte de un flujo más amplio que la empresa necesita entender antes de tocar cualquier pieza suelta.

El directivo también dijo que su equipo ya está trabajando en cómo abordar la modernización del Editor del Registro, una de las herramientas más antiguas y temidas de Windows. Microsoft planea lanzar muchas de estas actualizaciones a lo largo de 2026.

Seguir leyendo: Microsoft revela el verdadero motivo detrás de la lentitud de Windows 11

Desde que las eSIM con datos móviles se han puesto de moda, son baratas y fáciles de configurar, no hay viaje al extranjero que haga y no compre una. Hay cientos de ellas, y hoy no te vamos a recomendar una compañía en concreto, sino un ajuste que es vital para evitar sorpresas, gastos extra o cobros de tu operadora principal. Es algo sencillo, fácil de configurar y que te llevará menos de un minuto, pero sumamente útil para que tu viaje no se convierta en un infierno.

Depende de en qué países, quedarse sin acceso a la eSIM puede ser verdaderamente dramático. Un buen ejemplo es China, donde estas tarjetas suelen tener asociada una VPN, por lo que quedarte sin datos en mitad del viaje puede ser un suplicio para volver a contratar el servicio o hacer cualquier cosa en el país.

Hoy nos centramos en esas eSIM que no son ilimitadas. Es decir, en los planes de datos en los que contratas una cifra de MB o GB concretos por día o para varios días. Si tienes una ilimitada, esta configuración no te hace falta, pues su objetivo es que no te pases del límite contratado para que no te quedes sin Internet o te cobren de más.

Si tienes pensado comprar una con 10, 20 o 50 GB, y aunque te pueda parecer mucho, mejor que te tomes 1 minuto para configurar un pequeño detalle en tu móvil.

Activa esto en tu móvil si vas a viajar con una eSIM

¿Qué es lo que te voy a recomendar? Activar un aviso en tu móvil para que este te avise cuando llegues al límite de datos de tu eSIM. Bueno, más bien cuando estés llegando a ese límite. Recuerda que siempre es mejor dejarse unos pocos MB para, en caso de que lo necesites, poder navegar para contratar otra eSIM con más datos a mitad del viaje.

¿Para qué sirve el límite? Cuando lo activas, tu móvil cuenta los datos que vas gastando, y cuando llegas a la cifra fijada, los datos se desactivan automáticamente. Esto tiene dos ventajas: te permite configurar un límite diario para gestionarte los datos y, además, es una barrera para evitar que tu eSIM o la operadora principal te cobren si te pasas.

Normalmente, los paquetes de eSIM simplemente dejan de funcionar cuando llegas al límite, pero en algunos casos podría entrar en juego tu red de datos normal y que el gasto te dé un disgusto al llegar a casa.

Por lo tanto, te voy a recomendar que establezcas un límite de uso de la eSIM un poquito por debajo del paquete que has contratado. ¿Has comprado 20 GB? Establece el límite en 19 GB.

• Entra en los ajustes de tu móvil y ve al apartado de 'Red y datos móviles'.
• Pulsa sobre 'Uso de datos' y después en 'Límite de uso de datos'.
• Configura el límite en base a la cifra que has contratado o tienes disponible en tu eSIM.
• La mayoría de móviles te permiten, además de recibir una alerta, desactivar los datos de forma automática cuando se llega a ese límite. Hazlo para evitar las sorpresas.

¿Qué pasa cuando llegas a este límite? Si te has dejado algo de margen, sabrás que te quedan solo unos pocos datos, los cuales te servirán para contratar una nueva eSIM o dejarlos solo para emergencias e ir buscando Wi-Fi para lo básico.

Seguir leyendo: Siempre viajo con eSIM, y activar este ajuste en el móvil me ha salvado de pagar mucho más en alguna ocasión

Los asistentes de IA se han convertido en un aliado siempre disponible al que preguntar cualquier cosa desde tu teléfono móvil. Aunque todavía hay que mejorar su integración con otras aplicaciones, con ChatGPT, Gemini o Claude puedes resolver cualquier duda y obtener respuestas sin salir de la app. Además, ahora puedes hablar con tu asistente. Siempre y cuando no estés en un lugar público. Pero el uso intensivo de IA tiene un precio. Gastar batería y dejar tu teléfono inutilizable a no ser que corras a cargarlo de nuevo.

La mayoría de asistentes y agentes de IA funcionan online. Es decir, tú le pides algo, la orden se envía al servidor de la app y obtienes la respuesta. Todo el trabajo se realiza a kilómetros de distancia. Pero aun así, esas aplicaciones consumen batería. A esto hay que sumar las funciones potenciadas con IA que se han integrado tanto en iOS como en Android. Muchas de ellas utilizan todo el potencial de tu teléfono móvil, de ahí que no todos los smartphones sean compatibles. Y aunque fabricantes y desarrolladores procuran optimizar el gasto de batería, es inevitable que dure menos a medida que la inteligencia artificial hace acto de presencia en casi cualquier cosa que hagas con tu dispositivo.

Está claro que no vas a dejar de usar la IA si te es útil. Pero al igual que no necesitas tener activadas todas las características de tu teléfono de gama media o alta, lo mismo sucede con la inteligencia artificial. Algunas funciones de IA las vas a necesitar a diario. Pero otras puedes desactivarlas y así ganar algo de tiempo para que la batería aguante hasta el final del día.

Gastar menos batería con la IA en tu iPhone

En iOS, la IA por defecto es Apple Intelligence. Aunque su despliegue ha sido algo accidentado, ya permite realizar muchas tareas en distintas apps de iOS relacionadas con la escritura, crear o editar imágenes o realizar consultas escritas o habladas. En cualquier caso, si no quieres quedarte sin batería antes de tiempo, puedes ponerle ciertos límites a la IA de Apple.

La opción más drástica consiste en desactivar algunas de esas funciones. Por ejemplo, las sugerencias de Siri. Con esta función, “algunas apps te indican las acciones sugeridas incluso antes de pedirlas”. No es algo que consuma mucha batería, pero si nunca has usado esta opción, prueba a desactivarla. Desde Ajustes del iPhone, ve a Siri o Apple Intelligence y Siri, luego entra en Apps y desactiva los ajustes en cada una de las aplicaciones de la lista. O solo en las que tú quieras o creas que no vas a necesitar. Aunque ten en cuenta que no todas van a gastar la misma cantidad de batería.

Una solución intermedia consiste en limitar o bloquear el tiempo de uso de las funciones de Apple Intelligence. Usando la herramienta Tiempo de uso, disponible en Ajustes. Si vas a Restricciones de contenido y privacidad, verás una opción llamada Restricciones de contenido y privacidad. Actívala y entra en Apple Intelligence y Siri. Allí podrás desactivar las siguientes funciones de Apple Intelligence:

• Herramientas de escritura
• Creación de imágenes
• Extensiones de modelos de inteligencia

Para terminar, si no quieres saber nada de Apple Intelligence, obviamente, puedes desactivar la IA de Apple al completo. Ve a Ajustes > Apple Intelligence y Siri y desactiva Apple Intelligence. Un mensaje te preguntará si estás seguro de ello. Pero, claro, perderás todas las funciones relacionadas con la IA.

Reducir el uso de batería con la IA en Android

En Android, la IA por defecto es Gemini. Y, según qué marca de teléfono utilices, tendrás más o menos funciones de Gemini en tus manos. Los Pixel y Samsung suelen estar a la cabeza. Y fabricantes como Xiaomi integran su propia IA para realizar las mismas tareas de escritura, edición y creación de imágenes, traducción en tiempo real y otras muchas opciones a las que muchos ya están acostumbrados.

Como vimos antes, la solución más eficiente para gastar menos batería consiste en desactivar Gemini. Pero tiene sus inconvenientes. Y como está tan integrado en Android, puedes desactivarlo de distintas maneras. Primero, si no quieres tener Gemini de asistente, por defecto, puedes volver al Asistente de Google, mientras puedas, desde Ajustes > Apps > Apps predeterminadas > Asistente y entrada de voz. Otra opción que puedes desactivar es la integración de Gemini con otras aplicaciones. Para ello tendrás que abrir la app de Gemini, entrar en tu perfil e ir a Aplicaciones conectadas. Verás un listado de apps. Desmarca las que quieras desligar de Gemini.

Si sueles utilizar apps como Gemini, Claude o ChatGPT, puedes limitar su ejecución en segundo plano. Tardarán más en arrancar y en ofrecerte respuestas, pero a cambio, evitarás gastar más batería de la cuenta. Según qué teléfono Android tengas, verás que en Ajustes > Batería > Uso de la batería, puedes entrar dentro de cada aplicación y dejar su consumo de batería al sistema, que suele llamarse Uso inteligente. O, directamente, No permitir.

Más trucos para gastar menos batería con la IA en Android

Como vimos en un artículo anterior, hay un componente de Android que, si no utilizas apps de IA, no vas a necesitar. Se llama AICore. Puedes desactivarlo desde Ajustes > Aplicaciones. Como cualquier otra app, pulsa el botón Forzar detención y, finalmente, Desactivar. Ahorrarás batería y también espacio en el almacenamiento. Dos soluciones en una.

Los teléfonos Android más afortunados, básicamente Pixel y algunos Samsung, integran dos funciones potenciadas con IA llamadas Now Playing y Live Translate. La primera sirve para identificar música que suena a tu alrededor. Y, la segunda, traduce en tiempo real una conversación que llegue a oídos de tu teléfono. Son muy útiles, pero pueden gastar batería al funcionar en segundo plano. Para desactivar Now Playing tendrás que ir a Ajustes > Sonido y vibración > Now Playing y desmarcar la opción Identificar canciones que suenan cerca. Y para desactivar Live Translate, tendrás que ir a Ajustes > Sistema > Traducción en vivo. 

Que quede claro que, si tu teléfono móvil ya tiene unos años, por mucho que desactives todas las funciones de IA, poco vas a ganar de batería. Hay otros elementos que consumen más batería que los asistentes inteligentes. Pero si, pese a estrenar teléfono nuevo, ves que la IA aparece entre los mayores consumidores de batería, si vas a Ajustes > Batería, con todo lo que hemos visto, podrás poner algo de orden y limitar el gasto de batería con Apple Intelligence, Gemini, Claude o ChatGPT. 

Seguir leyendo: Cómo evitar que la IA consuma toda la batería de tu móvil

La idea de que no somos dueños de los archivos digitales ha quedado demostrada una vez más. A unas semanas de que Sony anunciara que eliminaría cientos de películas de su catálogo digital, incluyendo las que compraron los usuarios, un nuevo caso vuelve a avivar el debate. En esta ocasión tiene que ver con Google, que habría borrado las películas de El Señor de los Anillos de la Play Store, afectando a varias personas.

Un usuario de Reddit denunció que Google eliminó de su biblioteca las ediciones extendidas de la trilogía de El Señor de los Anillos, pese a haberlas comprado en 2022. El afectado, identificado como ugoindownsaka1, compartió en el subreddit r/Piracy una conversación con el soporte técnico de Google en la que exponía su problema. Según el usuario, las películas que adquirió en Google Play desaparecieron sin previo aviso cuando intentó reproducirlas de nuevo.

Al contactar al soporte de Google, el agente le explicó que no existía forma de rastrear la transacción porque la compra era demasiado antigua para el sistema. La compañía añadió que la película estaba alojada en YouTube y seguía disponible en esa plataforma, por lo que debería contactar al soporte de YouTube para resolver el incidente. El usuario insistió en que la trilogía la había comprado a través de Google Play Películas y TV, pero el agente respondió que el contenido ya no formaba parte del catálogo y había sido retirado del sistema por completo.

La publicación acumuló miles de votos positivos y una ola de comentarios en los que se compartieron experiencias similares. Una de las cosas que más indignó a muchos es el hecho de que las películas de El Señor de los Anillos estén en YouTube, pero que el usuario no pueda verlas, incluso cuando ya pagó por ellas.

Google no es el único caso: Sony hizo lo mismo con más de 500 películas y series

Si bien Google discontinuó el servicio de Películas y TV a finales de enero de 2024, la compañía prometió que el contenido que compraron los usuarios permanecería en sus bibliotecas. En teoría, el usuario afectado debería poder ver la trilogía en YouTube, Android TV o Google TV. El problema es que algunos usuarios reportaron que las películas de El Señor de los Anillos desaparecieron en algunos países para ya nunca volver.

Aunque puede haber varios motivos para que los usuarios ya no puedan ver el contenido que compraron, lo más sensato en estos casos sería que las empresas emitieran un reembolso. Eso no ocurrió con Google, quien se negó a procesar la solicitud por el tiempo que había pasado. Tampoco pasó con PlayStation, que hace unas semanas informó a sus usuarios de Reino Unido que perderían acceso a cientos de películas y series de la distribuidora StudioCanal.

En el caso de Sony, la compañía atribuyó la decisión a sus acuerdos de licencia de contenido, lo que derivó en que borrara todo de la noche a la mañana. La empresa ya había hecho algo similar en 2023, cuando retiró cientos de programas de Discovery de las bibliotecas de sus usuarios, aunque después los regresó cuando firmó un nuevo acuerdo.

Casos como los de Google y Sony confirman que comprar contenido digital no equivale a poseerlo de forma permanente. Esta es una de las razones por las que muchos defienden el formato físico y se oponen a que PlayStation y otras empresas migren al formato digital para todos sus productos.

Seguir leyendo: Google borra las películas de ‘El Señor de los Anillos’ y reabre el debate sobre la propiedad digital

Si eres usuario de Netflix, Prime Video o cualquier servicio de streaming, sabrás lo complicado que es encontrar una película que te guste. Las compañías han modificado hasta el hartazgo su algoritmo, que las personas se cansan de buscar y terminan eligiendo cualquier cosa. Disney Plus no quiere que le pase esto y ya está probando un nuevo sistema de recomendaciones basado en inteligencia artificial.

La compañía confirmó que puso en marcha una fase de pruebas de una herramienta que permitirá encontrar contenido más fácil en la plataforma. Según el comunicado de prensa, los usuarios de Disney Plus podrán escribir una búsqueda en lenguaje natural o usar una consulta por voz para generar una fila de recomendaciones de películas y series. La nueva función se posicionaría como una alternativa a la forma tradicional, basada en el algoritmo del servicio.

Hasta ahora, Disney Plus ha dependido del historial de visualización para sugerir contenido, un método que funciona bien cuando tus gustos son constantes. Pero, ¿qué pasa si un día no estás de humor para ver por duodécima vez Avengers: Endgame y quieres algo nuevo? Es ahí donde entra la IA, a la que podrás describir qué es lo que buscas o simplemente decirle "no sé qué ver" para que haga su magia.

Disney explica que la personalización basada en tu comportamiento seguirá siendo un componente central de la experiencia, mientras que esta función se ajustará al contexto inmediato. La compañía seguirá los pasos de Netflix, que implementó una búsqueda conversacional en 2025 usando la tecnología de OpenAI. Amazon también llevó a cabo algo parecido en 2024 con Prime Video, cuando lanzó un rediseño que incluía recomendaciones por IA a través de sus colecciones "Hechas para ti".

Disney Plus no es el único servicio que usará la IA para recomendaciones

La herramienta de recomendaciones por IA funciona bien para plataformas con un catálogo nutrido como Netflix o Prime Video, las cuales provocan parálisis por análisis. En el caso de Disney Plus, la realidad es que no es muy complicado encontrar qué ver, ya que su listado de series o películas no es tan extenso como el de sus competidores más grandes. La plataforma tiene cinco botones que dividen el contenido en sus propiedades más exitosas (Marvel, Star Wars, Pixar, etc.) y cada uno organiza bien las películas y series por colecciones o sagas.

En donde sí parece que le sacarán provecho es en la parte deportiva. La compañía confirmó que la IA también se aplicará en ESPN, solo que en lugar de un buscador optarán por un chatbot. Esta herramienta permitirá que los aficionados hagan preguntas sobre un partido o evento para recibir respuestas personalizadas, estadísticas y recomendaciones.

Disney mencionó que la intención es que los aficionados lleguen más rápido a la información relevante sin perder la profundidad del conocimiento deportivo que caracteriza a ESPN. El sistema se alimentará de fuentes como artículos publicados, vídeos, información de ESPN Research, metadatos deportivos y más.

Las búsquedas con IA en Disney Plus y ESPN se encuentran en fase de pruebas con un número reducido de usuarios. La compañía no reveló la fecha en que se implementarán a todos sus usuarios o si se ampliarán a otros servicios como Hulu. Como ha ocurrido en otras pruebas, lo más seguro es que aparezca primero en Estados Unidos antes de un despliegue a nivel global.

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Sony está preparando un movimiento que pocos esperaban en su catálogo de auriculares. El gigante japonés está siguiendo la moda de otros fabricantes y planea relanzar una variante de los WH-1000XM4, sus auriculares más populares de esta década. La nueva versión llegaría con características muy parecidas a las del modelo de 2020, aunque con un cambio evidente en la autonomía.

De acuerdo con Dealabs, Sony está ajustando los detalles para un posible lanzamiento de los WH-1000XM4C, una versión renovada de sus auriculares más vendidos. Aunque lo más lógico en estos casos es que las marcas lancen nuevos modelos y no refritos de hace años, la realidad es que los WH-1000XM4 se distinguen por marcar la tendencia en la mayoría de auriculares inalámbricos con cancelación de ruido. Este modelo se convirtió rápidamente en uno de los más vendidos, incluso después del lanzamiento de los XM5.

Según el reporte, los WH-1000XM4C mantendrían casi intacto el ADN del modelo original. Esta variante conservaría el procesador HD Noise Cancelling QN1, soporte para Hi-Res Audio con drivers de 40 mm, tecnología DSEE Extreme y el códec LDAC. También se mantendrían funciones como el control de sonido adaptativo, que ajusta automáticamente el sonido ambiente en función del entorno y lo que estés haciendo, o la conexión multipunto para dos dispositivos simultáneos.

La única diferencia se encuentra en la autonomía, ya que los WH-1000XM4C ofrecerían 34 horas de uso con la cancelación de ruido desactivada. Esta cifra contrasta con las 38 horas del modelo original de 2020, pero existe una justificación que mencionaremos más adelante. Los nuevos auriculares serán compatibles con carga rápida, que ofrece hasta 5 horas adicionales con tan solo conectarlos 10 minutos a la corriente.

Esto costarán los nuevos Sony WH-1000XM4C

Aunque la autonomía podría decepcionar a algunos, existe una buena noticia. Los Sony WH-1000XM4C costarían 249,99 euros y se lanzarían el próximo 7 de septiembre de 2026 en colores negro, plateado y lavanda. Este modelo sería 100 euros más barato que lo que costaban los WH-1000XM4 originales, cuando se lanzaron en agosto de 2020.

El lanzamiento cerraría un año bastante movido para Sony, que hace unos meses sacó los 1000X The ColleXion para celebrar 10 años de sus auriculares con cancelación de ruido. La compañía también sumó nuevos colores para el WH-1000XM6, su modelo de tope de gama actual. Es probable que los WH-1000XM4C aterricen para recuperar terreno en la gama media, un segmento bastante competido por marcas como Anker, Edifier o JBL, así como modelos de fabricantes como Xiaomi o Nothing que quieren un pedazo del pastel.

Algunos expertos creen que este lanzamiento no tendría sentido si consideramos que los WH-1000XM5 pueden conseguirse en promoción por unos 190 euros. La realidad es que Sony y otras marcas necesitan dispositivos con precios asequibles, sobre todo en una época en la que todo ha subido de precio debido a la escasez de memoria. Sí, los WH-1000XM6 tienen un nuevo procesador con 12 micrófonos para una cancelación de ruido más precisa, pero son 200 euros más caros de lo que pagarías por unos WH-1000XM4C.

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