Desde su primer lanzamiento, a mediados de 2020, la editorial rosarina Multiversal ha logrado —más allá de los continuos vaivenes de la industria— mantenerse a flote, actualizando su catálogo con una regularidad impulsada, en la mayoría de los casos, por la llegada de cada nueva edición de la convención de historietas Crack Bang Boom.

Por supuesto, no es la única. El evento, a lo largo de sus catorce años, se ha caracterizado por marcar agenda, obligando a un sinfín de editoriales a presentar al menos un libro nuevo en cada edición.

Desde hace un tiempo el sello comandado por Mariano Abrach se ha propuesto aumentar el ritmo y la frecuencia de sus publicaciones, trasladando al papel algunas de sus obras inicialmente pensadas y publicadas en formato web.

“Tango Pulp”, de Daniel Basilio y Willy Amaru, formó parte del lote de series encargadas de inaugurar “De Publicación Digital”, un apartado de historietas gratuito que Multiversal creó con la firme convicción de brindar espacio y difusión a numerosos trabajos de forma más ágil y económica.

La serie se transformó también en la primera de ese grupo en dar el salto desde el entorno digital hacia la edición impresa.

Tango Pulp se presenta con la siguiente sinopsis: “Vicente, bajo el nombre de Brumana Di Stéfano, es un velocista multisoporte en la virtualidad. Campeón mundial durante diez temporadas consecutivas, su fama trasciende nichos y es comparada con la de Jordan o Maradona. Pero el descubrimiento de una carrera secreta durante el Abierto de los Andes le trae visiones de una Rosario en ruinas, pasajes mentales que amenazan con separar a Brumana de Vicente para siempre”.

La obra puede adquirirse a través de la página web de la editorial (https://multiversalediciones.substack.com/), así como en librerías y comiquerías especializadas. Para más información, se puede escribir a: multiversalediciones@gmail.com.

La obra

“Tango Pulp” reúne en un único tomo los cuatro capítulos originalmente serializados de forma online entre abril y diciembre de 2024. Se presenta completamente a color, con una extensión de 96 páginas en el clásico formato de 24 x 17 cm.

Más allá de la historia, el tomo incluye material adicional orientado, principalmente, a exponer el proceso creativo de Amaru como dibujante. Hay bocetos y algunas ideas en torno al diseño de los personajes que complementan perfectamente la edición.

Como punto negativo, se extraña algún prólogo o apartado de la dupla de artistas en el que se dé cuenta del recorrido de la obra y su paso previo por la web. En contrapartida, un gran acierto: en su edición física, la obra encuentra su mejor versión.

Basilio, como guionista, siempre se ha destacado por no subestimar al lector. Esta no es la excepción. Su escritura parte de la premisa de que el lector será capaz de captar las numerosas referencias que ofrece. Y esas referencias —así como la historia misma—, con la edición física, ganan en fluidez: en la versión digital, con tanto tiempo entre un capítulo y otro, la lectura resultaba algo fragmentada.

Aquí nos presenta una historia que utiliza la ciencia ficción no solo como punto de partida, sino también como motor para plantear múltiples interrogantes.

La historia comienza con Vicente, protagonista del relato, en una ex metalúrgica que funciona como espacio de simulación: un campo de entrenamiento digital y de “complemento físico” para deportistas virtuales. Allí juega al fútbol (uno de los grandes intereses del propio Basilio), encarnando figuras del pasado como René Pontoni.

La forma en que la novela gráfica abre el telón es una declaración de intenciones. Conceptos como el plano físico y la virtualidad serán una constante a lo largo de toda la obra.

Vicente es un gran deportista virtual; también lo es Talia, una de sus amigas. Alternándose, compiten bajo el seudónimo de Brumana Di Stéfano, un corredor que ha brillado en distintas plataformas. Brumana se destaca tanto en tierra como en agua, aire, espacio e incluso mundos con leyes físicas alteradas. Su popularidad es comparable a la de los grandes íconos del siglo XX.

Durante la competición del “Abierto de los Andes”, y tras alcanzar cierta velocidad, Vicente comienza a ver píxeles… y también otras cosas. A partir de ese momento experimenta distintas visiones, entre ellas, la de una Rosario completamente destruida.

Ese es el punto de partida desde el cual “Tango Pulp” comienza a erigirse: realidades alteradas, construcciones colectivas, puentes con la infancia de los protagonistas y despedidas que nunca terminan de ser tales. Estos son apenas algunos de los temas que aborda la obra de Basilio.

En el plano gráfico, la labor de Willy Amaru es soberbia. Su gama de colores es amplia, el diseño de personajes, sólido, y el nivel de detalle en la representación de espacios y edificios emblemáticos de Rosario es notable. Resulta fácil entrar en sintonía con este mundo ficcional, al que se lo percibe profundamente rosarino. Un gran logro de la dupla creativa que, más allá de la distancia física —Amaru es oriundo de Bolivia—, parecen entenderse a la perfección.

A lo largo de sus páginas aparecen “La Favorita”, el viejo “Cine Imperial”, la estación Central Córdoba, los galpones del CEC, el Teatro El Círculo y esquinas clásicas de la ciudad. Las imágenes de Amaru son potentes: hablan de futuros devastados, como en aquella postal que cierra el capítulo inicial, donde vemos piezas de arte destrozadas en el propileo del Monumento Nacional a la Bandera. Una imagen impactante que dialoga, conceptualmente, con la Estatua de la Libertad rota y enterrada al final de El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner, 1968).

Tango Pulp es un trabajo ambicioso, que invita a detenerse y sumergirse en sus distintos niveles de lectura. Y no es difícil hacerlo: el atractivo visual obliga a recorrer cada página con atención.

Los artistas

Willy Amaru ha trabajado en proyectos de historieta, diseño e ilustración para la Fundación Konrad-Adenauer, el Gobierno Autónomo Municipal de El Alto, Radio Erbol y Aldeas Infantiles SOS, entre otras. Es coautor de los cómics Combate (Editorial Subterránea, 2022), Motelo Mama (Komik SOS, 2022), Entre dos mundos (Komik SOS, 2023) y del fanzine Sketchbook. Selecciones del 2020, entre otras publicaciones impresas y digitales.

Reconocimientos: segundo premio en pintura en el Salón Anual de la Carrera de Artes, Diseño y Urbanismo de la UMSA (2017), segunda mención en el Concurso Municipal de Historietas de La Paz (2019), primera mención (en coautoría) en la edición 2020 del mismo certamen y primer lugar en 2023.

Instagram: @will_kaparu

Daniel Basilio es autor de los libros La noche se presta para pegarle a un viejo (Casagrande, 2015), Yo Fútbol Club (Casagrande, 2019), los cómics El ciclo de Cornelio Gris (Videodromo, 2016), Übertraven (Videodromo, 2018), Motelo Mama (Komik SOS, 2022), del videojuego de RV Vakuna (Ideart/Matecocido Games, 2019), y fue director, guionista y actor de la serie Clínica de Payasos Mentales (2014).

Instagram: @danielbasiliojv

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Hoy la animación de origen japonés ha inundado cuanta plataforma de streaming existe, teniendo una fuerte presencia y éxito a nivel mundial; y un estilo característico e identificable.  Prueba de ello es la controversia existente con las imágenes generadas con IA que copian el estilo del cineasta japonés Hayao Miyasaki al frente del estudio Ghibli. La animación proveniente del país del sol naciente es sinónimo de calidad y ha conseguido despegarse del prejuicio que la asociaba o circunscribía solo al público infantil. La realidad es que no siempre fue así; particularmente en nuestro país vivió un crecimiento paulatino y sostenido a lo largo de los años, hasta su boom definitivo sobre mediados de los noventa.

En líneas generales el éxito del anime en Argentina se asocia no solo con el lanzamiento del canal de tv Magic Kids sino con la publicación de la mítica revista “Lazer” (orientada a esta temática) a cargo de la editorial Ivrea. A esto debemos sumarle la convertibilidad, cierto sentimiento de inminente fin de la industria editorial local y la apertura de importaciones que posibilitaron la llegada de numerosos “mangas” en castellano, casi todos provenientes de España.

En este tramo es menester realizar una aclaración. El término “manga” es usado en Japón para referirse a las historietas independientemente de su lugar de origen. Sin embargo, en el resto del mundo suele utilizarse, quizás como una herramienta de marketing y posicionamiento, para identificar solo a lo producido en el país oriental.

Algo similar ocurre con el “anime” que no es más ni menos que animación. Tanto anime como manga se retroalimentan, siendo los primeros, en la mayoría de los casos, versiones animadas y coloridas de la misma historia contada a lo largo de las viñetas. El estilo de ambas expresiones artísticas es similar, resultando habitual ver en las animaciones diseños y escenarios calcados de su versión manga. Existen distintos géneros, personajes estilizados, ojos grandes y, en líneas generales, narrativas alargadas ya que es común que los mangas originalmente se publiquen junto a otras historias en revistas de muchas páginas.

Respecto al desembarco y estreno de diversas producciones de anime en Argentina, podemos diferenciar dos grandes oleadas. La primera de ellas desde fines de los ochentas hasta mediados de los noventas y la segunda – y más extensa – desde allí hasta fines del año 2000. Son años que marcaron un antes y un después; y que sentaron las bases del fanatismo en nuestro país.

Primera etapa:

Si bien es cierto que series japonesas como “Kimba, el león blanco“, creación de Osamu Tezuka, y la automovilística “Meteoro” – transmitidas entre los años sesenta y setenta – dejaron una fuerte huella en la cultura popular argentina; ninguna de ellas detonó el boom del anime que llegaría años más tarde. Hasta ese momento eran producciones aisladas, dibujos animados extranjeros que gozaban de cierta reputación.

El término anime comenzó a asomarse recién entre los años 1988 y 1991 con la llegada de una gran cantidad de series animadas. Entre ellas se encontraban “Candy Candy”, “Cobra”, “Heidi”, algunas a cargo de la inmensa, TOEI Animation. Otras tendrían un denominador común, los robots gigantes o “mechas” como se los conoce actualmente. En esa línea sobresalieron dibujos como “Mazinger Z” (obra de Go Nagai), “Arbegas: el rayo custodio”, “Astroboy”, “Ironman 28” o “Voltron”. Es preciso mencionar que ninguna de ellas alcanzó la notoriedad de “Robotech”, creada y editada en los Estados Unidos por la firma Harmony Gold a partir de tres series japonesas totalmente distintas (“Macross”, “Southern Cross” y “Genesis Climber Mospeada”). Una suerte de Frankenstein que increíblemente funcionó muy bien y cuya gesta bien merecería una nota en solitario.

Sobre fines de los ochenta llegarían series norteamericanas muy exitosas (“Los Halcones Galácticos”, “Thundercats”, “Las Tortugas Ninja”) que pusieron de algún modo un freno al consumo y estreno de producciones japonesas en la televisión abierta. No obstante, algunas de ellas tendrían una segunda vida tras el nacimiento de “Cablin” y “Big Channel”, dos de los primeros canales de televisión por cable destinados 24 horas al público infantil.

La sequía solo se vio interrumpida por el estreno en 1992 de “Supercampeones”, recordada serie con el fútbol como bandera basada en el manga de Yoichi Takahashi. Las aventuras de Oliver, Benji y compañía extendieron su popularidad a álbumes de figuritas y un extenso merchandising.

En el mercado del video hogareño comenzaron a circular realizaciones, hoy de culto, como “Akira”, película de 1988 homenajeada en infinidad de ocasiones y signada como una de las mejores cintas de animación de todos los tiempos.

Segunda etapa y consolidación:

En 1994 durante la emisión del programa infantil “Top Kids” en el viejo canal ATC se transmitió por primera vez y en un brevísimo segmento “Dragon Ball”, claro que lo hizo con una traducción un poco extraña en donde Goku no se llamaba así, sino “Zero”. Se trata de una fecha clave porque estamos hablando, sin dudas, de una de las sagas animadas más importantes que apenas un tiempo después sería la encargada de desatar un fanatismo por el anime que se extiende hasta nuestros días.

Esa primera incursión de la obra de Akira Toriyama en las pantallas argentinas es cuanto menos accidentada. Su transmisión llegó de la mano de la juguetera “Jocsa” que dueña de los derechos de venta y distribución de las figuras de acción, intentaba darles una buena difusión. Lo curioso es que el merchandising que poseía no correspondía a la etapa que estaba siendo emitida por televisión sino a las versiones más adultas de los personajes. Como solución apurada decidieron emitir, imaginamos esquivando cualquier permiso legal, las primeras películas de “Dragon Ball Z”, dobladas al castellano en España.  Apenas un año más tarde y por la misma televisora, fue emitida con paso fugaz “Caballeros del Zodiaco”.

En 1995 nace el canal infantil “Magic Kids” que al perder los derechos de emisión de series animadas con su competidor “Fox Kids”, decidió nutrir su programación de aquello que tenía a mano y que le resultaba más económico. Es decir, anime.

Su primera incursión en la materia fue con “Caballeros del Zodiaco”, que esta vez con su transmisión ordenada y sin saltos de capítulos se convirtió en un verdadero éxito. La creación de Masami Kurumada caló tan bien en el público argentino que terminó aterrizando en cines con una propia película en vacaciones de invierno de 1996.

Ese mismo año el canal estrenaría “Sailor Moon” de Naoko Takeuchi, serie protagonizada por cinco adolescentes de secundaria; y apenas un año después “Dragon Ball”. Tres grandes hits que bien supo reflejar la revista “Lazer” en la portada de su primer número bajo el título de “la segunda oleada japonesa”. La publicación a cargo de Leandro Oberto fue uno de los pilares fundamentales para el crecimiento del público “otaku”, focalizando su interés en las distintas obras provenientes de Japón.

La fiebre se había desatado. Los kioscos de diarios se inundaron de publicaciones que explotaban este fenómeno como “Ran”, “Otaku”, “Nuke” y “Enciclopedia del manga y anime”. Incluso el sello Vértice consiguió la licencia oficial para la venta a través de los mismos de películas y Ovas bajo una colección que llevó por nombre “Anime: La colección de oro”.  Así vieron la luz “Akira”, “Alita” y “Ghost in the Shell”, por nombrar algunas.

Para el año 1998, el canal “Magic Kids” seguía en claro ascenso con el estreno de series como “Las guerreras mágicas” (de estudio Clamp) y “Dragon Ball Z”, consiguiendo con este último, un nivel de audiencia hasta esos momentos impensado. La buena fortuna continuó con dibujos como “Zenki”, “BTX” y “Pokémon”. Todo esto alentó al canal a producir su propio programa de televisión destinado a la materia, “El club del anime”, conducido inicialmente por Leandro Oberto y luego por Mariela Carril. Emitido los fines de semana por la mañana, en el programa vieron la luz en forma de maratón dibujos como “Ranma ½” y “Detective Conan”.

El interés se extendía a las salas de cine (se estrenaron tres películas de Dragon Ball Z en menos de dos años), eventos de comics y distintos fans club a lo largo del país. En la ciudad de Rosario, se popularizó la convención “Leyendas” (realizada a lo largo de diez años y antesala de la Crack Bang Boom) en donde comenzaron a desarrollarse los famosos “cosplays”. Entre los fandoms rosarinos se destacó “ADAM” (Asociación en defensa del anime y manga”) con fuerte vínculos son su subsidiaria en España, que organizó proyecciones y acercó a sus miembros producciones sin ninguna de las censuras que eran moneda corriente en las emisiones por tv.

Nuevos canales aparecieron siendo uno de los más célebres “Locomotion”, orientado a una animación un tanto más adulta. Allí se estrenaron verdaderos clásicos como “Neon Génesis Evangelion” y “Cowboy Bebop”.

En 1999 el desaparecido canal “The Film zone” inauguró un segmento semanal destinado al anime donde se emitieron algunos films, la mayoría de ellos, del personaje “Lupin III” (del mangaka Monkey Punch).  Un año después Cartoon Network estrenaría “Card Captor Sakura” y más tarde “Samurai X”; mientras que Fox Kids competiría con dibujos como “Digimon” y “Monster Rancher”. Por otro lado, Nickelodeon traería el anime del famoso juego de cartas ¡Yu-Gi-Oh! en el año 2002.

En televisión local, Azul tv (hoy canal 9 de Buenos Aires) tenía el programa “Azul toons”; mientras que Canal 7, en una sección del envío “Pulgas en el Siete”, emitía diariamente “Slayers”.

Mediando el 2000, Magic Kids siguió en racha con la presentación de animes de la talla de “Slam Dunk”, “Dr. Slump”, “Estás Arrestado” y “Escaflowne”.

Tras el cierre de Locomotion, en 2005 desembarcó Animax, canal en el que se emitieron series como “Fullmetal Alchemist”, “Hellsing”, “Prince of Tennis” y “Bleach”. Es a través de este mismo que en 2006 se transmitió “Death Note”, quizás el último de los estrenos fuertes antes del cambio de época y la proliferación de plataformas de streaming dedicadas íntegramente al anime como la famosa Crunchyroll.com.

¿Qué es lo que ofrece el anime?

Variedad de géneros y libertad creativa son algunas de las razones principales por las que el argentino se ha volcado hacia la animación japonesa. Las producciones escapan de la censura, expresando al mismo tiempo fuertes valores de sus personajes protagonistas. Existen clasificaciones por edad, una buena segmentación y un respeto por el público provenientes de una cultura que no considera a los dibujos animados como infantiles.

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¿Pero qué tan bien le supo a la vieja escuela del horror pasarles la antorcha a las nuevas generaciones? Si algo vende en esta industria es la nostalgia, y los íconos que incorporan entidad al género supieron actualizarse con el paso de las décadas y sus respectivas narrativas. Sin irnos más lejos, dentro de poco Scream ofrece su séptima entrega, y la tercera dentro de una diégesis muy anclada a los dogmas sociales actuales. Chucky tuvo una serie casi al mismo tiempo en que entidades como el demonio alado de Jeepers Creepers, Leatherface, Pennywise, los cenobitas de Hellraiser o los deadites de Evil Dead daban un paso al frente con nuevos capítulos de sus respectivos macroversos. Las historias no mueren, pero algo muy distinto yace entre las personas de carne y hueso que empuñan los versos iniciales de todas ellas.

El padre del género zombi, George Romero, falleció hace casi nueve años, y un estandarte del terror introspectivo como Wes Craven nos dejó más de media década atrás. John Carpenter sigue ejerciendo de compositor, pero no da indicios de abandonar el retiro en la silla del director, y el polémico Ruggero Deodato pasó a mejor vida justo después de la pandemia de COVID. Casi como si se tratase de un viejo camarada asistiendo a reuniones de veteranos, con un cúmulo de sillas vacías a su alrededor y la mirada perdida hacia el suelo, Sam Raimi sigue vigente en los estrenos comerciales, y SEND HELP es la prueba de que la escuela de los maestros se mantiene intacta, sin importar los castigos del paso del tiempo.

La desairada Linda Liddle ve su mundo derrumbarse ante panoramas laborales hostiles y un joven jefe que reniega de reconocer sus esfuerzos por escalar en la jerarquía de la oficina. Entre miradas llenas de desdén y palabras colmadas de condescendencia, tanto ella como el heredero de la empresa caen de un avión ejecutivo a una isla aparentemente desierta. Ante los peligros de la intemperie, las broncas acumuladas y la muerte acechando en la estela nocturna, las escalas de poder dan un giro absoluto.

Suena a la fantasía de un guionista primerizo, pero en realidad es la nueva obra de Sam Raimi, el maestro de la vieja escuela responsable de la trilogía de Evil Dead, Drag Me to Hell y también conocido por haber sido pionero en el cine de superhéroes con la trilogía de Spider-Man protagonizada por Tobey Maguire.

Sin embargo, aquí tenemos a un Sam muy alejado de las tomas experimentales del trepamuros, con sus enseñanzas morales y su música épica. Quien vuelve es el Sam que sabía divertirse en su juventud con actores novatos y presupuestos que harían llorar a productores de videoclips actuales. Se trata de un director con recorrido y desenvoltura, incapaz de pasar desapercibido, y fue gracias a sus enseñanzas que luego supieron extender sus alas autores de la talla de Alexandre Aja, Fede Álvarez, Rodo Sayagues, Stephen Susco y hasta el mismísimo James Wan.

¿Reconocés esos momentos en el cine de superhéroes donde la música se detiene y solo quedan audibles los golpes en seco durante una caída al vacío? ¿O esas tomas en contrapicado en el cine de horror donde se apunta hacia una puerta o un rincón oscuro para denotar peligro inminente, torciendo la perspectiva de la cámara? ¿Recordás esas veces viendo una película de terror donde el elemento de peligro choca con un héroe que, para el tramo final, consigue un arma contundente como una motosierra, un hacha o un vehículo? Todo eso proviene del imaginario de Sam y de su forma tan mordaz de retratar las desventuras de un grupo de desdichados contra un mal sobrenatural. Es su firma personal, como bien lo son el enfoque en los peligros domésticos para Miguel Ángel Vivas, las vueltas de tuerca en el género slasher para Christopher Landon o el gore desmedido para Damien Leone.

Pero en SEND HELP no tenemos nada de eso. La isla no esconde demasiados secretos y los elementos espectrales aparecen en términos oníricos. Lo que busca retratar Sam esta vez consiste en un estudio de personajes donde todos pueden ser los villanos de sus propios acompañantes en contextos de incertidumbre o los precursores de sus más esperanzados sentimientos. De ahí proviene su iniciativa por darle toques de comedia negra y trasfondo romántico a la relación carnívora entre ambos protagonistas: una mujer incapaz de afrontar la realidad y un hombre que solo puede pensar en sí mismo. Ambos tienen egos desmesurados y pueden fingir prudencia a la hora de dialogar, aunque sus instintos por lograr sus respectivas encomiendas morales permanezcan siempre al borde del colapso. Ya de por sí se demuestra con las escenas del accidente de avión que el espectador no podrá encontrar refugio en Linda ni tampoco terminar de empatizar con Bradley, porque Sam no quiere que empaticemos con nadie. Aquí solo hay carroña, vientos huracanados y rencores a punto de salir a la superficie.

Podríamos señalar que el guion se estanca en esta incertidumbre sin saber bien hacia dónde dirigirse, o esa forma tan espontánea de apurar el tramo final. Las partes más escatológicas del estilo de Raimi, como su afición a las secreciones y fluidos para incentivar el gore, así como los sustos baratos tan propios de décadas pasadas, no ayudan a disimular el óxido entre las páginas de su autor. Quizás los jóvenes guionistas y directores de la actualidad nos han mostrado que las diferentes formas que puede tomar el horror dejan en evidencia lo limitada que podría haber sido la prosa de Sam en un contexto como el de la segunda década del nuevo milenio.

Pero este servidor prefiere recordar que no estamos hablando de un novato. Puede ser que un Raimi en la actualidad no tenga los ecos que tuvo hace cuatro décadas, y también es posible que su estilo no sea para todos. Pero de no ser por Sam, ni por George, ni por John, ni por tantos otros maestros del siglo pasado, no tendríamos caminos sobre los que recorrer este maravilloso género lleno de muerte, gritos, desmembramientos, vómitos, peleas, risas, reencuentros, abrazos, desconfianzas, reivindicaciones, caídas, resurrecciones, llantos y, al menos en este caso, mucha arena para tirarle en la cara a nuestro jefe.

Lo viejo funciona… aunque se oxide.

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-¿Tu impresión de La Crack este año? Porque no es la primera vez que venís.

-No, hace mil que vengo, porque me encanta la historieta. Pero nunca se había dado de haber publicado yo, algo mío. Porque si bien ya venía trabajando desde hacía bastante tiempo en el medio, siempre había sido para afuera. Eso cambió el año pasado, que logré publicar Chamán (Primavera Revólver Casa Editorial), y bueno, vine, se dio la oportunidad de presentar el libro en el evento. Y repetí ahora, con Hotel. Entonces es un lugar conocido, pero a la vez distinto. Está bueno.

-Se entiende. El gran público te conoce por tus aportes de unitarios al proyecto de Historieta Revólver, desde que nació como revista. Contanos qué hubo, antes de eso.

-Antes había dibujado El Petiso Orejudo (Locorabia, 2016), con guión de Pablo Barbieri. Y previo a eso hice algún que otro fanzine, siempre hablando para acá, Argentina.

-Estoy pensando que nada que ver, el arte tuyo de entonces, con el estilo que estás desarrollando actualmente. Sobre todo, por lo digital, ¿no? ¿Cómo fue ese proceso?

-Dos procesos distintos, te diría. Por un lado, el dibujo. Por otro, la temática, la onda. Desde siempre, el camino a seguir por el lado del cómic, para mí, fue querer contar mis propias historias. Es más, yo no leía tantas historietas, pero cuando empecé, siendo chica, con Creepy, Vampirella, Batman, me daba cuenta de que ese era el lugar por el cual transmitir los relatos que tenía en la cabeza. Entonces, medio como que fui creciendo a nivel artístico con esa intención. A mí siempre me gustó dibujar, y si bien tuve la suerte de trabajar con muchos guionistas espectaculares, de todo tipo, sentía que seguía faltando esa fichita de contar, de la manera que yo quiero contar.

-Bien. ¿Y, qué fue lo que hizo ‘crack’, para decidirte a largarte con ese material? ¿Historieta Revólver?

-Claro. Ahí me abrieron la puerta al decirme ‘tenés algo terminado, vení que lo publicamos’. Entonces, yo tenía algo terminado y algo por terminar. Con el tiempo, se dieron las dos cosas juntas.

-¿El cambio del dibujo tradicional al digital, cómo ocurrió?

-Otro proceso de unos cuántos años de duración. Si me das a elegir, la tinta me encanta. Yo, negro, negro, negro, todo (risas). Pero, bueno, vi que había cosas que se podían solucionar desde lo digital, no quedaba otra. Acortaba tiempos, también. Yo siempre fui amante de trabajar rápido, queriendo hacer más, ¿viste? Entonces lo digital me sirvió como herramienta, en ese sentido. Pero buscándole siempre que el dibujo tenga una impronta algo más artesanal, si se quiere. Dentro de lo que es la línea fría de la compu, que no se pierda la gestualidad. Igual, es una búsqueda constante, sigo incorporando cosas permanentemente.

-Hay un género que predomina en tu trabajo desde siempre, podríamos decir, y es el terror, en sus muchas formas, las brujas, lo sobrenatural, etc. ¿De dónde viene eso?

-Eso viene de traumas de la infancia (risas). Una historia familiar, el hecho de haber crecido en una casa que todos suponíamos, estaba ‘embrujada’. Entonces, mi abuela era una contadora de historias tremenda, y nosotros, se las creíamos. Así que medio se fue dando, una cosa llevó a la otra. Y esto es lo que yo quiero contar.

-Te pregunto algo respecto de Chamán, puntualmente. ¿Cómo se te ocurrió debutar como autora integral con una trama extensa y de protagonismo coral?

-No sé, en su momento se me presentó así. Tenía un personaje principal, pero me pareció que todos los demás, le iban a dar como un contexto a ese, que iba a terminar por nutrir todas las historias. Al final, termina siendo como una sola historia, compacta. Y cada uno de los personajes tiene su rol, dentro de ese gran argumento.

-¿De dónde vino la inspiración para el guión?

-Un día me quedé dormida, creo que mirando algún documental, y tuve un sueño. Ahí se me ocurrió eso de estar en un lugar, en el medio de la montaña, atrapado. Me acuerdo que era algo medio loco, de ver pócimas y cosas por el estilo. A partir de ahí como que me dije: tengo ganas de hacer esto, de sentir el terror de esa forma, alguien que va en busca de la ‘solución mágica’ a una vida que no va para ningún lado, y en lugar de eso, termina encontrándose con el terror.

-Tiene que ver con todas las tendencias de la New Age, lo alternativo, también.

-Sí, hay una crítica ahí. No hacerse cargo de los problemas de cada uno y buscar las soluciones por afuera.

-Claro. ¿Te sorprendió la buena repercusión que tuvo, a nivel público y crítica?

-Sí, yo no dejo de asombrarme, mientras hago mi caminito (risas). Pero todo, los premios, las críticas, terminan siendo un mimo espectacular. Y me dan muchas más ganas de seguir trabajando, obviamente.

-Contaste un poco en la charla presentación de Hotel, que encarás el trabajo de autora integral escribiendo primero el guión y dibujándolo después. ¿Te das permiso para cambiar algún aspecto de ambos apartados, si se te ocurre algo que es para mejor?

-Sí, obvio. Cambio todo, hago varias versiones, incluso. He llegado a hacer cinco o seis versiones de la misma historia. Porque hasta que no considero que todo cierra como corresponde, hago ese trabajo minucioso que implica encontrar la manera de contar lo que yo quería contar, del mejor modo posible. Y hasta que no llega ese momento, ni siquiera quiero publicarla, nada. Por ahí algo otra cosa y lo retomo tiempo después. Pero sí, soy de corregir mucho. Bastante hincha-pelotas, en ese sentido (risas). Lamentablemente, porque eso me hace perder tiempo, también.

-Contame un poco sobre tus trabajos para el exterior.

-En España, más que nada, para la antología Cthulhu (Diábolo Ediciones), con Pablo Barbieri, hicimos muchos unitarios. El después se fue, yo me quedé, y seguí trabajando con otros guionistas de allá. Colaboré bastante con Maldragón Editorial, además.

-No puedo evitar preguntarte por el rol de la mujer en nuestra historieta que, durante mucho tiempo, fue cosa de hombres. ¿Cuál es tu experiencia personal en ese sentido?

-Cuando yo arranqué, con dieciséis años, en mis primeros laburos, como ayudante de Oscar Capristo, te podría decir que sí. La historieta era cosa de hombres, por las temáticas, fundamentalmente, y todo lo demás. Era laburar muy en solitario. Había algunas mujeres trabajando, pero eran muy pocas. Después se fue abriendo la cosa, por suerte. Cuando volví, impasse en el medio, empezando a dibujar El Petiso Orejudo, ya ahí, éramos muchas más dedicándonos a esto. Igual, yo veo como que todavía falta, como que no está ese espacio del todo conquistado. Sigue siendo un porcentaje muy chiquito de mujeres. Pero bueno, tampoco tiene que ser ‘la historieta feminista’, nosotras podemos escribir de todo.

-Ultima, ¿algún proyecto en el que estés trabajando y sobre el que puedas contarnos?

-Ahora con varias cosas, pero estoy trabajando en un guión para dibujar. Policial, investigación criminal, pero con un trasfondo esotérico. Tiene mucho que ver con lo local, con las leyendas de las brujas de San Juan, y arranca con una seguidilla de asesinatos sin lógica aparente. Hay un dúo protagónico, conformado por un licenciado en criminalística y una médium que lo va a ayudar en el caso, desde esa otra perspectiva.

-Buenísimo, gracias por este tiempito para charlar con nosotros, esperamos verte en la próxima edición.

-Muchas gracias, a vos. Por la entrevista.

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Así es como, a lo largo de estos seis fanzines, vemos los pensamientos, sueños y relaciones de Flora, en un estilo de narración que recuerda un poco a Persépolis (no por nada la autora se declara fan de esta obra). Márquez nos cuenta su paso por la pandemia, el padecimiento ante el accidente que sufre su perra Irma, sus charlas con su abuela, su experiencia en la CBB, sus viajes, etc. En pocas palabras, se trata tanto de historias sobre su vida cotidiana como de su recorrido en el mundo de las viñetas.

Los hechos relatados por Márquez están atravesados por sus propias sensaciones y emociones, que complementan los acontecimientos. Flora nos cuenta no solo lo que sucede, sino cómo ella lo ve y lo siente: su visión de su mundo y de las personas y seres que lo componen.

Por el lado del arte, a medida que las historias avanzan, se observa un gran progreso en el estilo artístico de Márquez. Incluso en sus diseños y en la narrativa, la autora demuestra su crecimiento como artista, llenando las páginas con cada vez más detalles en los fondos, jugando con la cantidad de viñetas en la composición de página e incluso con la presentación del diálogo y los textos de la historieta.

En síntesis, Flora Márquez relata su vida profesional y personal con una narrativa que progresa al compás de cada entrega, y con un diseño y nivel de detalle que recuerdan mucho a su obra reseñada anteriormente en esta página. Las historias se consiguen de dos formas: uniéndose al Patreon de la autora —donde, además de ver el desarrollo página por página, se puede comprar el fanzine completo— o buscando a la propia Flora en distintos eventos. Además de los fanzines, la autora vende stickers, bolsitas y hasta cerámicas.

REDES SOCIALES DE LA AUTORA

IG: https://www.instagram.com/floramarquez/?hl=es

PATREÓN: https://www.patreon.com/c/floramarquez/home?utm_source=ig&utm_medium=social&utm_content=link_in_bio

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Así se presenta La Luna en esta historieta de Flora Márquez, para comenzar a contarnos historias. Historias de hombres y mujeres, de hormigas, de seres microscópicos. Nada se le escapa al satélite terrestre, ni siquiera los sueños.

Publicada en 2019 por la editorial Maten al Mensajero, “Vasto Mundo”, de Flora Márquez, nos va presentando de a poco a un conjunto de seres. Por ejemplo, Ernesto, un artista que convive con su frustración y su perro dibujado; Ariadna, una hormiga que solo piensa en comer; Roberto, un hombre de dos caras que se refugia en sus plantas. Son solo algunos de los personajes que conoceremos a través del Lucero Nocturno, en su rol de narradora.

Pero la autora va más allá de lo superficial: explora sueños, miedos, resoluciones y deseos. La idea de que cada ser es un mundo está presente a lo largo de toda la obra, sin dejar detalles librados al azar.

La Luna no es solo un puente narrativo, sino un personaje en sí mismo. Más allá de su faceta “stalker” —alguien que espía o vigila—, también es reflexiva, empática y franca. Se abre al lector y comparte sus emociones más profundas, así como sus deseos y reflexiones.

En cuanto al arte, estuve pensando durante un tiempo a qué me remitía el dibujo de Flora, hasta que finalmente lo recordé. Durante mi infancia consumía, de a ratos, un libro de María Elena Walsh, El Reino del Revés, cuyas ilustraciones hoy me resultan totalmente psicodélicas y oníricas. El arte de Márquez me lleva directamente a ese universo, a esos dibujos realizados por Pedro Vilar, y me transmite una sensación similar. Esto no significa que la autora carezca de identidad en su trazo: por el contrario, destaca su nivel de detalle, la contraposición entre lo real y lo fantástico y el diseño de viñetas, que atrapa al lector y evita que los temas tratados —a veces complejos— se vuelvan incómodos o densos.

En pocas palabras, puedo afirmar que esta es una de las mejores historietas argentinas que leí el año pasado, es decir, en 2025. Aunque llegué algo tarde a ella, la recomiendo muchísimo: es una obra fresca y llevadera, con humor y reflexión, y con un arte que, incluso al imaginar lo más grotesco, logra resultar atractivo.

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EL LIBRO DE LA BUENA MEMORIA

Desde el Rosario (Homo Sapiens), del periodista y escritor rosarino Horacio Vargas, es una crónica de época enfocada en la entonces Villa del Rosario, partiendo de un hecho poco abordado por los historiadores: el incendio del poblado. Llevado a cabo en Enero de 1819, por orden del general porteño Juan Ramón Balcarce, tras encontrarse sitiado por las tropas del brigadier Estanislao López, el acontecimiento en cuestión se inscribe en el marco de las guerras civiles entre unitarios y federales. Este hecho condujo a su autor a la elaboración de una novela histórica de no ficción (género que apela a las herramientas del periodismo y a literatura a partir de hechos verídicos), basada en una exhaustiva investigación documental de varios años.

El volumen repasa los orígenes de su primer poblado, bajo la iniciativa de Romero de Pineda, a la vez que reivindica el actuar fundacional de Francisco Godoy y los indios calchaquíes, retomando la primera gran crónica del Rosario, escrita por Pedro Cuella, el diario de marcha de Manuel Belgrano, donde se registra el primer izamiento de la bandera nacional, y hasta destaca la influencia de José de Artigas en Santa Fe, que fue invadida por ejércitos porteños entre 1815 y 1820, tras declararse autónoma del poder central.

CUADRITOS QUE RE-HACEN HISTORIA

Sobre la base del libro de Vargas, el siempre versátil guionista uruguayo Rodolfo Santullo desarrolló doce tramas breves de carácter autoconclusivo, enfocadas en los distintos personajes y acontecimientos históricos relevados por la obra, que van de lo cotidiano a lo épico. Estos unitarios fueron gráficamente representados por notables profesionales del medio. Artistas que asumieron el reto de recrear visualmente los orígenes de la ciudad. Con mucho rigor histórico, pero también, bastante libertad creativa. Después, un acertado criterio en la utilización de la -sobria y elegante- paleta de colores, logró aunar esos diferentes estilos de dibujo (que van del realismo a lo casi-caricaturesco) en una impronta visual distintiva.

Fueron de la partida Francisco Paronzini, Licenciado en Bellas Artes por la UNR (1997), dibujante de historietas e ilustrador con una dilatada trayectoria internacional; Damián Couceiro, historietista rosarino de gran producción para EE.UU. en Marvel, IDW y BOOM! Studios; Leo Sandler, dibujante de Pintamonos, con guión de Santullo, La Pasión, con textos de Diego Cortés, entre otras; Germán Peralta Carrasoni, artista rosarino colaborador del sello Ovni Press y Libera la Bestia, en el medio local, y Marvel y DC Comics, a nivel internacional; Alejandro Aragón, prolífico lapicista bermudense con mucha obra publicada en el exterior, de EE.UU. a Grecia; Gonzalo Ruggieri, artista rosarino colaborador de Términus y Fierro, entre otras publicaciones nacionales, además de Heavy Metal y Sumerian; para el exterior, Diego Fiorucci, ilustrador, colorista y caricaturista oriundo de La Pampa, asentado en Rosario, autor del libro La magia del lápiz y el papel (Milenario Ediciones); Cristian Mallea, guionista, dibujante, profesor de literatura y docente de dibujo porteño, cofundador de La Productora en los noventa, con producción para Francia, Italia, EE.UU. y varios países latinoamericanos; Nicolás Di Mattia, ilustrador, portadista y escultor cordobés con más de dos décadas de trayectoria; Pablo Ayala, artista y docente que publicó en Alto Voltaje (Capitán Barato Ediciones), trabajando también para mercados internacionales, Carlos Barocelli, arquitecto, dibujante y diseñador rosarino, director de la Escuela de Historieta que lleva su nombre; y Eduardo Risso, multipremiado dibujante que ha colaborado con Marvel, DC e Image Comics, además de ser integrar el comité responsable de la Convención Internacional de Historieta Crack Bang Boom.

Con una gran portada a cargo del propio Barocelli, la publicación está complementada por una cuidada galería de ilustraciones, a cargo de destacadas artistas argentinas: Carina Altonaga, Laura Bittar, Vanette Kossman, Aleta Vidal, Paula Boffo, Muriel Frega, Victoria Azparren, Paula Reys, Lauri Fernández, Carla Sofía Retamal y Dolores Alcatena.

LIBRO SAPIENSAL

La importancia simbólica y cultural de este trabajo, declarado ‘de interés municipal’, tiene que ver con su intencionalidad última. Testimonial, si se quiere. Vale decir, acercar un tramo fundamental de la historia de Rosario a nuevos públicos, mediante el lenguaje del noveno arte -aquel que tan bien supo cultivar el inolvidable ‘Negro’ Roberto Fontanarrosa-, con un enfoque accesible, dinámico y visualmente atractivo. Dejando al lector la labor de completar el sentido. Asimismo, el material reviste un enorme valor didáctico, que ojalá pueda ser aprovechado, en el futuro cercano, por educadores/as santafesinos/as de los distintos ámbitos de enseñanza pública.

Una ciudad sin fecha de fundación, tal vez, pero con un invaluable patrimonio histórico, forjado a la luz de muchas historias. Algunas, pequeñas, propias del terruño; otras, más grandes, que se dan la mano con episodios destacados de la historia nacional. Todas significativas. Parte de esa génesis ciudadana, entonces, se visibiliza y retoma en las páginas de este fundamental volumen. Para seguir contándola a nuevas generaciones, esta vez, bajo la forma de viñetas. Lenguaje al que Rosario no es para nada ajena, afortunada y orgullosamente.

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Sus autores, Alejo Valdearena y Agustín Paillet, logran llevarnos a través de la Gloriosa Historia de los Cien Reinos desde dos aristas: por un lado, la versión oficial de los hechos; por el otro, lo que realmente ocurrió.

Así nos encontramos con Chestibor II, un rey sádico y paranoico que, para consolidar su dinastía, decide casar a su hija, la princesa Trea, con su sobrino, Lord Bogumir. A pesar de que la historia los recuerde de una determinada manera, el lector irá descubriendo sus verdaderas personalidades.

Trea, por ejemplo, pasó a la historia solamente por su belleza y su supuesta vulnerabilidad, cuando en realidad es una amante de las peleas cuyo verdadero sueño es recorrer el mundo. Bogumir, a quien se le atribuyen grandes dotes como guerrero, resulta ser bastante ineficaz en ese aspecto. A ellos se les suman dos viajeros, Kasimir y Miroslav, y un elfo, Rolan, personajes que la “versión oficial” pasa por alto, pero que cumplirán un rol fundamental en los verdaderos hechos.

El guion de Valdearena es uno de los grandes puntos fuertes. A pesar de lo enredado que puede sonar lo mencionado en el párrafo anterior, la narración es ágil y dinámica, y permite que los giros de la trama y el humor vayan de la mano. Es algo que ya se podía ver en quizás su obra más conocida, 4 segundos. La trama de base —una princesa que rechaza casarse— se ve potenciada por las características de los personajes, confirmando ese viejo dicho de que no importa tanto el “qué se cuenta”, sino el “cómo se cuenta”, y Valdearena cumple con creces.

El arte merece un párrafo aparte. El dibujo de Paillet es impecable. En una historia donde la personalidad de los personajes es clave, el trazo logra una expresividad totalmente acorde a lo narrado. Tanto las escenas de acción como las de humor están muy bien resueltas, y el nivel de detalle en cada viñeta es notable. Un gran laburo desde todo punto de vista.

La obra fue publicada el año pasado por Maten al Mensajero, y queda la esperanza de que esta no sea la única aventura que veamos de Trea, Bogumir, Kasimir, Miroslav y compañía, aunque eso solo el tiempo lo dirá.

En pocas palabras, La Gloriosa Historia es todo lo que su título promete, y honestamente deja ganas de más.

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El arte del fuego

144 páginas

En la Europa de transición entre la Edad Media y la Edad Moderna, Thierry Gheel, un inquieto joven, descendiente de una poderosa familia de banqueros aliada de los Fugger de Augusburgo (quienes manejaban el devenir del Imperio Germánico y al propio Carlos V), decide emprender un viaje personal en busca de un saber prohibido, recorriendo el continente. Iniciado en los secretos de la Alquimia por su malogrado tío, Zachaire, vivirá un errante periplo por las principales ciudades imperiales de aquella época cruel, plagada de contradicciones, que lo llevará a cruzarse con destacados personajes históricos, como Lutero, Paracelso y Erasmo, entre otros. Intentando dominar la transformación de los elementos, irá forjando su propio y último destino, haciendo inesperados aliados en el camino, pero también, peligrosos enemigos.

Desde una estructura divida en once capítulos de doce páginas de extensión, promedio, Néstor Barron y Marcelo Valentini pergeñan una lograda aventura que bien podría haberse publicado en los buenos tiempos de la Skorpio. Donde hasta se dan el gusto de homenajear a Edgar Allan Poe, referenciando el clásico ‘La Máscara de la Muerte Roja’, en un redondo episodio. Algo así como una variante del ‘viaje del héroe’ protagonizada, paradójicamente, por un verdadero anti-héroe, con un interesante momento de la Historia como telón de fondo. Obra consagratoria en el medio local para el talentoso lapicista porteño, quien hace gala de un estilo fuertemente cargado, barroco casi, utilizando el color como complemento esencial. En síntesis, una creativa transmutación de cuidados textos e imágenes, en viñetas de muy buena historieta.

Hotel

96 páginas

En una pequeña localidad costera, se encuentra emplazado un viejo hotel abandonado por más de seis décadas, sobre el que circula cierta leyenda urbana respecto de la presencia de fantasmas. Con el deteriorado edificio recién recuperado por una veterana empresaria inmobiliaria para ser explotado como atracción turística, un grupo de ocho desprevenidos visitantes, entre niños, mujeres y hombres, se atreverá a pasar un fin de semana en el lugar. Estas personas serán conducidas en su estadía por dos guías que saben más de lo que dicen, siendo puestas a prueba mental y físicamente, como consecuencia de inesperados y violentos acontecimientos de origen sobrenatural, que comienzan a sucederse sin lógica aparente. Ocurre que, en ocasiones, no es buena idea revivir el pasado. O ciertos oscuros pactos, incumplidos.

Tras el enorme éxito de su debut como autora integral, Carina Altonaga redobla la apuesta, para sumergir a los lectores en un thriller adulto intenso, fuertemente climático y de gran impacto visual (jugando muy bien con la paleta de colores), muy emparentado con el terror psicológico, subgénero que parece fascinarle. Los puntos en común con ‘Chamán’ también están, teniendo que ver tanto con un elenco protagónico coral, como por un entorno de acción incierto, vinculado a lo demoníaco. La novedad, entonces, tiene que ver con la incorporación de algunas secuencias de cruda violencia, y otras de cierta connotación sexual para nada explicitas, pero bastante sugerentes. Nada de esto es gratuito, sino que se justifica en función del tono y la temática de la trama, que alcanza un gran desenlace, denodadamente simbólico.

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La Crack Bang Boom de este año, hermoso evento si los hay, fue donde por fin se rompió la maldición y, para coronar perfecta esta búsqueda, la misma Paula me dedicó una firma y un dibujo en la edición de la obra de la cual les voy a hablar hoy: Sacra Besser.

Esta obra, cuyo primer volumen se editó en 2023 por Gutter Glitter —sello de la propia Paula—, cuenta con 192 páginas, arte en blanco y negro y tapa blanda a color.

Un asesinato violento será la base para presentarnos a Leah, una joven que acaba de ser dada de alta de lo que parece ser un tratamiento psiquiátrico y que emprenderá un viaje en tren junto a su padre hacia Sacra Besser, el conjunto de ciudades-estado que da nombre a la obra. Por otro lado, también se nos presenta a un grupo de religiosos que rinden pleitesía a una entidad llamada Æther, un dios “intangible”. Dos de ellos también emprenderán la travesía a bordo de este tren. Este primer volumen se centrará en dicho viaje y nos dará la posibilidad de conocer a los personajes y sus relaciones. La dinámica entre Leah y su padre, Magnus, nos permitirá profundizar en lo que aqueja a la joven, sus traumas y su inestabilidad psicológica, mientras que lo que va ocurriendo en los vagones nos permitirá conocer a este grupo religioso.

Ilustración interior del primer tomo de “Sacra Besser”.

Es para tener en cuenta la complejidad y posible extrañeza que provoca la historieta, ya que puede que no pueda leerse de forma sencilla y rápida, obligando a volver sobre las páginas o aprovechar el Códex que la autora facilita al final del primer tomo, para comprender términos y cuestiones desconocidas que la obra puede abordar.Sacra Besser: Tierra de monstruos. Un complejo, pero hermoso comienzo

A pesar de que conocemos muy poco de Sacra Besser en este primer tomo, Andrade utiliza tanto el prólogo como los diálogos de los protagonistas para presentarnos este mundo de a poco y, por qué no, generarnos expectativa para el futuro segundo tomo de la obra.

El arte es un deleite. Como acostumbra, la autora nos sumerge en un contexto sobrenatural, lleno de monstruos, situaciones extrañas, tensas y/o terroríficas que atravesarán este tren (algunos me recuerdan a Megami Tensei; no por casualidad, ya que la autora ha citado a Kazuma Kaneko, diseñador de esos videojuegos, como una de sus influencias). Se destaca el estilo cercano al manga, habitual en los trabajos de Paula, pero también es importante mencionar la excelente utilización del claroscuro, ya que la mayoría de las escenas transcurren de noche.

En fin, Sacra Besser: Tierra de monstruos es solo el principio de una travesía que, por todo lo que vuelca la autora, promete —y mucho— para el futuro.

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Ilustración interior del primer tomo de “Sacra Besser”.

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