Chama Alternativa

Projeto "Sasha Grey as Wife" lança novo Single e Webclipe

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 25 Jun 2014 03:03:00 +0000

Criado pelo produtor Júlio Victor, o projeto "Sasha Grey as Wife" (RJ) surgiu da vontade de mostrar através da música suas múltiplas faces - tanto pessoais quanto criativas. Auto-definida como "banda de um homem só", "Sasha..." traz um mix eclético de influências como Kanye West, 30 Seconds To Mars e Emery, gerando uma proposta atípica e apresentando composições de música eletrônica baseadas completamente em samples rítmicos e cordas, sem o uso de sintetizadores ou teclados.

Em maio de 2014, o projeto lançou seu primeiro single entitulado "No Fetus", masterizado em Nashville pelo produtor Steve Corrao no estúdio Sage Audio. Com seu EP de estréia "Threeless" agendado para lançamento no fim do primeiro semestre de 2014, "Sasha Grey as Wife" lança seu segundo single, entitulado "Passenger".

"Sasha Grey As Wife apresenta a música Passenger como uma forma de externar os sentimentos produzidos pelo término de um relacionamento entre dois amigos. A sonoridade moderna e visceral é um contraponto ao WebClip feito para esta música, onde é notável a direção sutil e cinematográfica de suas imagens produzidas pelo Pandario em parceria com a fotógrafa Hannah Beatriz, guiados pelo conceito gráfico criado da capa ilustrada por Filipe Marcus."

Confira abaixo o webclipe de "Passenger":

Você pode acompanhar o projeto através dos links abaixo:

Facebook: https://www.facebook.com/sashagreyaswife

Download do single: http://migre.me/k32gD

Nobat (MG) lança clipe do single “LSD”

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 18 Jun 2014 14:23:00 +0000

Cena retirada do clipe "LSD", do Nobat

Após dois anos circulando por diversas cidades com seu primeiro álbum, “Disco Arranhado”, o cantor e compositor mineiro Nobat lançou no início deste mês o videoclipe da música “LSD”, lançada em dezembro de 2013.

Dirigido e roteirizado por Frederico Amoz, o clipe faz diversas referências às artes plásticas e ao cinema com imagens fortes que buscam retratar o absurdo. O vídeo contou com a atuação de Julia Branco, atriz e vocalista da banda Todos Os Caetanos do Mundo, e do ator Junior Morais. Além disso, teve sua direção de fotografia assinada pelo cineasta Erick Leite e foi produzido por Luísa Gontijo, do Retalho Cult.

O artista se prepara para sua próxima turnê, marcada para setembro e outubro deste ano e passará por São Paulo, Porto Alegre, Rio de Janeiro, dentre outras cidades.

Banda da Semana: Toda a Poesia da Canto Cego

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 16 Jun 2014 03:01:00 +0000

Cultivada entre idas e vindas no Complexo da Maré, a banda Canto Cego floresce no cenário carioca e traz em suas raízes uma delicada veia poética, assim como um robusto rock visceral.

Criada em 2010 por Magrão, Diogo (ex-guitarrista) e Hugo (ex-baterista), a Canto Cego começou sua história como “Veneto”. Apenas com a entrada da vocalista Roberta Dittz é que o grupo se reinventaria, trazendo para suas apresentações toda a força das performances poéticas – influenciando até mesmo o seu repertório. Ainda em outubro de 2010, a banda começou seu primeiro processo de criação, com o foco sobre a poesia e o rock somados às influências do espaço urbanizado ao qual frequentavam.

Com algumas mudanças na formação (incluindo Jorge e Henrique, ex-bateristas que empunharam com maestria as baquetas da banda), a Canto Cego se reestrutura com Rodrigo Medeiros nas guitarras e Ruth Rosa na bateria – e dá início definitivo à sua caminhada pela cena carioca. Nos últimos 4 anos, a banda fez shows no Corujão da Poesia (Ipanema), Cinerock (Nova Iguaçu), Picadeiro da Palavra (Centro), SESC Madureira, CCCG, Circo Voador (como finalista do WebFestValda). Além disso, conquistaram o segundo lugar no Festival Intercultural na lapa, e primeiro lugar no Festival da Nova Música Brasileira – premiação que rendeu a oportunidade de gravar duas faixas produzidas por Felipe Rodarte no estúdio Toca do Bando, assim como de abrir o show da banda Detonautas no palco do reinaugurado Imperator.

Proposta

Tendo como base uma relação íntima entre o rock e a poesia, a Canto Cego foge aos padrões e leva a cada palco uma apresentação única e vibrante. Afinando a veia poética, inclui em alguns shows a leitura de poesias intercalada com músicas. Enquanto algumas canções são completamente faladas, outras alternam entre a fala e o canto. Em determinadas apresentações, convida poetas e pessoas do público para a realização de intervenções no palco, criando uma mistura de composições, ambientações e improvisações. Dando ao espetáculo o ar de grandeza merecido, a banda traz à tona o formato de performance-show, onde as canções tomam forma através de atores que, ocupando o espaço do público, realizam ações referentes às composições de cada música.

Cena Carioca

Juntos das bandas Novezeronove, Folks, Drenna e Stereophant, fundaram o evento Rock Bandido junto com a hashtag #acenavivee atiçaram as redes sociais com a campanha de volta da Radio Cidade. Um espírito de grupo e de motivação de cena que vem se multiplicando e agregando novas bandas que vem surgindo de re-surgindo na cena do independente carioca. Este ano a banda volta a Toca do Bandido pra conclusão de um faixa com patrocínio da Converser Rubber Tracks, e prepara em sequência o lançamento de 3 clipes, junto com o primeiro EP.

A Banda

Roberta Dittz

Atriz e poeta, busca nas sonoridades uma forma mais intensa de comunicar os sentimentos. Estudou teatro desde os anos de escola, tendo como maior base as ações físicas e vocais. Ouve entre muitos Lenine, Concha Buika e Pantera. Se apresenta frequentemente em eventos de poesia com poetas como Tavinho Paes, o compositor Jorge Benjor e o grupo Organismo.

Rodrigo Medeiros

Produtor Cultural e Musical, Rodrigo participa de projetos musicais desde a infância quando aprendeu a tocar na guitarra do pai. Hoje, produz eventos como Samba Rock no SESC, e grava em seu home-estúdio diversas bandas de sua região. Rodrigo é atento as novidades musicais, admira a música nacional, e valoriza timbres suaves. Encontra nas cordas da guitarra o peso, mas sem perder a leveza.

Magrão

Graffiteiro e artista plástico, Magrão tocava nas bandas do colégio e dividia sua rotina dando aulas de graffiti. Procura entre os graves e arranjos de baixo algum groove e swing que, pincelados ao som simples da banda, transformam o som. É cheio de novidades melódicas quando o assunto é criação. Magrão recentemente participa de exposições artísticas e coletivos que unem a vida urbana à arte.

Ruth Rosa

Ruth aprendeu a tocar bateria nas aulas de música da igreja em que o pai ministrava. Estudou bateria e flauta transversa dos sete aos quinze anos, quando decidiu não seguir mais os desejos do pai. Desde então participou de eventos diversos nas redondezas da Maré até se fixar como baterista convidada da banda Café Frio. A integrante mais recente da Canto Cego, vindo reforçar o espírito performático da banda.

Entrevista

Vocês seguem uma “estética” muito bem definida. Explica pra gente o que é “Rock+Poesia”?

O Rock e a Poesia foi o nosso encontro, eu levava alguns poemas escritos pros ensaios e no meio dos improvisos começavam a surgir melodias. Disso surgiram as primeiras músicas coletivas da banda e percebemos que essa mistura podia dar certo. Além das próprias poesias musicadas fazíamos instrumentais com poesia falada, e isso nos rendeu alguns "números", e abriu o leque de possibilidades da banda no palco. Dentro desse universo das palavras como ponto de partida estabelecemos essa identificação. Quando as pessoas perguntam o que é Canto cego, a gente responde Rock e Poesia. Poesia porque expressar nosso cuidado com as palavras e sentidos, e Rock pelo peso, força e atitude que expressamos no palco.

Qual a importância dessa “construção” lúdica, envolvendo performances e intervenções durante as apresentações?

Sempre foi um desafio, possibilitar trocas em palco, chamar convidados, participar de eventos de poesia com poetas entrando e saindo do show, participar de eventos que envolviam outras artes, fora a música. No início a gente não ligava muito pros detalhes da performance, mas sempre foi um desejo nosso fazer as apresentações se tornarem cada vez mais vivas. E logo que começamos a investir em cuidados com figurino, maquiagem, os olhares pra gente já mudaram. Parece bobo, ou fútil atrelar essas superficialidades ao que é relevante pra banda, mas fez diferença e só fez destacar todo o carinho que a gente dedica as metáforas de cada música, a história que a gente começa a contar desde o momento que pisamos no palco. Só que é um processo que está em construção e que se transforma em cada experiência, em cada pessoa que surge no nosso caminho.

A banda tem uma presença de palco muito marcante. Isso é algo da personalidade do grupo, que surge naturalmente, ou faz parte das intervenções?

A gente sempre se cobrou muito pela performance, eu tenho mais facilidade por causa do teatro mas a banda toda comprou essa vontade de fazer diferença no palco. E sem isso, eu acredito que não faria sentido a Canto Cego, não faria sentido um show sem tentar fazer o público perceber o que você tá querendo dizer. Ao longo dos anos de banda a gente vem ganhando segurança pra arriscar, pra aprender com o próprio público, com as próprias situações, é um aprendizado que não tem muito com treinar sem ser ali na hora da apresentação. Mas é importante relembrar que é resultado de muita cobrança interna, a partir dessa cobrança que cada um foi encontrando sua identidade e verdade dentro da performance.

De que forma a banda se relaciona com o processo de criação? Como surgem as composições?

Atualmente está bem caótico, tem músicas que eu fiz no violão, tem músicas que o Rodrigo fez o instrumental e coloquei uma voz, tem músicas que do improviso fomos tirando o refrão e as estrofes até achar a estrutura completa. Tem algumas que faço com o Magrão com ele no violão e aí depois a banda junta vai reconstruindo. Nossa pesquisa ultimamente é testar vários tipos de processo pra evitar que uma música fique parecida com a outra (o que é inevitável), mas acreditamos que isso tá dando um caldo legal e evidencia nossas personalidades. As letras, até hoje, foram só minhas um pouco pelo meu hábito de escrever e de ficar horas quebrando cabeça com a métrica e os sentidos, mas também estamos sondando parceiros de outras bandas e poetas amigos pra composições novas.

Foto: Paulo Barros

A poesia é um fator marcante no trabalho de vocês. O que a poesia em si – e seu processo de criação – representa para o grupo?

Foi na poesia que me entendi como "comunicadora" (não sei outra palavra melhor), desde que comecei a frequentar eventos de poesia despertou em mim essa necessidade de escrever e dizer palavras escritas, e essa descoberta aconteceu junto com o surgimento da banda em 2010. Não podia deixar de propor isso pro grupo, e a banda entrou de cabeça na ideia. O mais bonito foi ver que o que era uma necessidade minha virou uma vontade do conjunto e isso foi fundamental pra que a gente pudesse construir a nossa identidade e explorar novos caminhos.

O som de vocês traz um mix de sensibilidade emocional e rock visceral. Qual é a sensação de transmitir isso tudo para o público de vocês?

É maravilhoso, na verdade, acredito que não nos vemos mais sem essas doses semanais de banda e público. Desde a troca de olhares do palco, como o contato depois dos shows, os amigos que ficam e surgem em cada lugar que tocamos. Ver que as pessoas se afetaram de alguma maneira é o que transforma a Canto Cego a cada dia, e que nos faz mais forte na arte de se doar ao outro. A gente sempre discute o sentido da banda existir, e todas nossas perguntas são respondidas quando tocamos e trocamos com o público.

Vocês tem um certo papel de incentivadores, tendo inclusive organizado um evento em parceira com outras bandas. Como vocês analisam a nova cena da música independente carioca (e nacional)?

Desde o ano passado que tivemos esse desejo de se unir com amigos da Novezeronove, Folks, Drenna, Ollie, Clashing Clouds, Imóvel, Innabitual, Stereophant. E desde então tudo mudou. Muito pra gente e para o conjunto, virou uma grande rede, quando um se beneficia todos ganham juntos. Não só essas bandas amigas mas ecoa pro cenário inteiro. E a gente vê várias bandas se unindo e se organizando em outros núcleos que conversam entre si. Nem consigo citar aqui todo mundo que faz parte disso, na verdade nem existe um núcleo porque é generalizado. Uma das nossas conquistas como cenário foi volta da Rádio Cidade e todo o esforço que tivemos de agitar as redes com esse pedido. A Cidade voltou, a Kiss voltou, vários canais de rock a gente observa que estão sendo criados e todo mundo ganhou com isso. A gente vê bandas antigas voltando, bandas mainstream compondo novas músicas, e principalmente bandas novas surgindo. É o rock se preparando pra daqui a pouco estar na crista da onda. Nos orgulha estar participando desse processo na cidade do Rio, e acreditamos que esse movimento, com certeza, já se espalha pelo estado e pelo Brasil.

Qual a importância da ação das bandas na construção dessa nova cena?

Depois desses anos de movimentação não temos dúvida de que as coisas só vão pra frente se as bandas se unirem cada vez mais. É difícil pra alguns perder a vaidade, porque infelizmente é do mundo ocidental esse olhar competitivo para o outro. Mas cada vez mais a gente tem provas de que tem lugar pra todo mundo, que somos realmente um coletivo. Sem dúvidas a Canto Cego não estaria tão viva se não fosse a união das bandas e todas as pessoas (nem sempre de banda) que geram novas ideias e fazem acontecer de alguma forma. Não só a Canto Cego, sei que muitas bandas tem a mesma sensação de que não seríamos visíveis sem essa soma de desejos, como diz uma música do Medulla "pra que a gente possa dividir nosso sonho de multiplicar". Cada banda que vemos fazer parte dessa entrega faz de si mais intensa, assim como fortalece o cenário por inteiro.

Para finalizar, a mesma perguntinha de sempre: quais os planos para o futuro?

Os planos são muitos, ainda bem! Queremos muito lançar um CD, mas como a grana é pouca estamos juntando e estudando as possibilidade de gravar um EP pro segundo semestre. Antes do EP, e depois desse lançamento de Nuvem Negra ainda temos mais um single pra lançar que é Maestrina, ela foi gravada pelo Pedro Garcia (baterista do Planet Hemp) há quase 1 ano e está esperando um clipe, mas ainda estamos decidindo se vamos disponibilizar ela antes do clipe. Estamos num processo intenso de composição de novas músicas, e também articulando shows pra que possamos expandir nossas fronteiras pra além do estado do Rio, e pra eventos de porte maior. Nada muito simples de se fazer, mas o que seríamos sem os desafios!?

Contato
Você pode acompanhar o trabalho da Canto Cego seguindo os links abaixo:

Facebook: www.facebook.com/cantocego
Site Oficial: http://www.cantocego.com/

Terenzi lança "Ódio Puro", primeiro vídeo da série "Tangerina Apresenta"

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 11 Jun 2014 23:56:00 +0000

Foto: Luísa Gontijo

O cantor e compositor Terenzi disponibilizou gratuitamente pela internet o “live session” da canção inédita “Ódio Puro”. O vídeo é o primeiro da série “Tangerina Apresenta”, que levará ao público canções inéditas de alguns dos principais artistas e bandas da cidade.

Com direção de Frederico Amoz, o vídeo mostra o músico belo-horizontino em um formato mais intimista, apenas voz e violão. “Ódio Puro” é a primeira canção inédita de Terenzi desde o lançamento de seu primeiro EP, em 2012.

A ação marca também o lançamento da agência cultural Tangerina. Ligada ao Retalho Cult, a agência promoverá alguns dos principais projetos musicais da cidade. “Ódio Puro” marca a nova fase do músico, que prepara novo disco para o próximo ano.

Tangerina Apresenta: Terenzi - Ódio Puro from Tangerina on Vimeo.

Luiza Brina e O Liquidificador prepara novo disco e busca financiamento coletivo

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 11 Jun 2014 03:01:00 +0000

Foto: Flávia Mara

Uma das primeiras artistas a entrar em parceria como o Chama Alternativa (há dois anos atrás, durante a primeira encarnação do site), Luiza Brina é cantora, autora, arranjadora e multi-instrumentista. Acompanhada d'O Liquidificador, grupo formado por uma grande família de 10 músicos, Luiza se prepara para o lançamento de seu segundo álbum completo, o sucessor de "A Toada Vem É Pelo Vento", de 2011.

Gravado de forma independente, "A Toada..." foi lançado em diversas cidades do país (Rio de Janeiro, São Luís, Belo Horizonte e Salvador, entre outras), assim como em uma turnê internacional realizada em Portugal, Espanha, França, Alemanha e Holanda.

Sobre Luiza Brina e o Liquidificador

Luiza Brina é integrante do grupo Graveola e o Lixo Polifônico, do Coletivo ANA (Amostra Nua de Autoras) e do Frito na Hora, além de atuar ativamente como compositora, arranjadora e instrumentista em diversos projetos da cena atual de Belo Horizonte. Suas canções tem diversas influências, passando pelas culturas populares afro-latinas, pelos cancionistas consagrados e pela música contemporânea.

O grupo – formado por instrumentistas de diferentes vivências e formações – conjuga sua diversa bagagem musical, em que o público é cúmplice de suas trocas e pode conferir a diversidade de influências em que se aventuram suas canções: do maracatu à ciranda; da salsa ao pop; do boi do Maranhão ao axé, até chegarem à rica mistura de Luiza Brina e seu Liquidificador, formado por:

Alcione Alves – percussão

Analu Braga – percussão

Christiano de Souza – percussão

Flavia Mafra – luz, cenário, câmera

João Gabriel Machala – trombone

João Paulo Prazeres – saxofone e flauta

Maria Raquel Dias – clarineta

Paula Elisa – produção

Thais Montanari – Flauta

Vanilce Peixoto – violoncelo

Campanha no Catarse

Nesta semana, o grupo lançou uma campanha no site de financiamento coletivo Catarse, a fim de arrecadar fundos para o lançamento de seu segundo disco, "Da Janela". O disco terá a produção de Chico Neves, produtor musical que iniciou sua carreira em 1978 nos estúdios da EMI-ODEON e que produziu discos de artistas como O Rappa (Lado B Lado A), Lenine (O Dia em que Faremos Contato), Skank (Maquinarama, Carrossel) , Paralamas do Sucesso (Hey Na Na), Los Hermanos (Bloco do Eu Sozinho), Ludov (Disco Paralelo), Arnaldo Antunes (Um Som , Saiba), Nando Reis (Sim Não), Jam da Silva (Dia Santo), Lucas Santtana (Eletrobemdodo), Lô Borges (Meu Filme), F.ur.t.o., Chelpa Ferro, Jorge Mautner (Bomba de Estrelas), Roberto Guima, entre outros, além de trilhas de filmes como Eu Tu Eles de Andrucha Waddington , Deus é Brasileiro de Cacá Diegues.

Você pode ajudar a campanha acessando o link abaixo: http://www.catarse.me/pt/luizabrinaeoliquidificador

Para conhecer mais sobre a banda, acompanhe o trabalho através da página deles no Facebook

Chama Entrevista: Isadora Brandelli

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 10 Jun 2014 03:53:00 +0000

Logo pra começar a conversa, a maior de todas as revelações: "sim, meu nome é mesmo Isadora hahahahhhaha". Isadora Brandelli é a autora, escritora, pintora e ilustradora por trás da página "Isadora Não Entende Nada". Sucesso no facebook, Isadora vem trilhando um caminho para o sucesso construído tão somente de amor - sentimento que, para ela, é a razão de tudo no mundo. "Pra mim, tudo que acontece no mundo, tudo que desacontece, tudo que virá a acontecer, é sempre sobre amor", diz a artista.

Semana passada publicamos um perfil sobre a Isadora (que você pode ler clicando aqui), e logo abaixo você pode ler a entrevista exclusiva que ela deu pro Chama Alternativa! :)

Quem é Isadora?

Eu nasci em Bento Gonçalves, na Serra Gaúcha e há 5 anos vim pra Porto Alegre fazer faculdade de Publicidade. Dois anos depois troquei pra faculdade de Artes e agora tô largando pra fazer arte heheheheh. Eu tenho 23 anos e olha, minha vida até agora tem sido fantástica hehe já mudei mil vezes, já recomecei mil vezes, e cada vez parece que eu tô exatamente onde eu gostaria! Mas isso são coisas. Eu tô mesmo é preocupada com as coisas do mundo. Minhas causas são os animais, o veganismo, a bicicleta, a mobilidade urbana como um todo, ahhhh, e o amor, sempre!

Quando e como começou a sua relação com arte?

Desde criança eu sempre desenhei e pintei bastante. Na minha adolescência isso parou um pouco. A relação com a arte voltou quando eu vi que não queria mais fazer publicidade e tive que pensar o que eu realmente queria fazer da vida. Mas na verdade quem deu a ideia foi uma amiga em uma mesa de bar no carnaval na praia hahaha daquela noite em diante eu tinha resolvido fazer artes. Lá de onde eu venho ninguém nunca vai pensar em fazer uma faculdade de artes. Arte não é coisa que se faça hehehe.

Quando você começou a pintar? E a escrever?

Eu passei um ano na faculdade de artes sem produzir nada meu. Eu sabia desenhar, mas não sabia imaginar, não sabia ser criativa. Teve um dia de abril 2012 que eu tinha que ir pra aula às 8h30 da manhã. Tava chovendo muito. Eu tinha uma aquarela em casa. Eu tinha um livro antigo. Eu nunca tinha usado aquarela mas aquele dia de chuva parecia bem propício. Pintei algumas paginas do livro antigo e no mesmo dia tranquei a faculdade que eu não tava curtindo e fiquei fazendo isso. Aquele parece que foi o dia em que eu aprendi a imaginar, aprendi a criar um pouco. Depois disso eu só queria fazer algo que fosse meu, era ali que eu podia falar

Sobre escrever não sei direito. Sempre gostei de escrever algumas coisas, ler outras. Sempre gostei de unir a pintura com alguma poesia também. Escrever é mais um desabafo, é organizar pensamentos e tirar de dentro o que sobra. Uma tentativa diária de usar palavras de uma forma bonita.

Seus registros do tumblr são extensos. Há quanto tempo você começou a produzir de forma mais “profissional”?

Ano passado, quando fiz a pagina, em maio de 2013, foi quando resolvi mostrar pras pessoas o que eu fazia e eu não tinha ideia de como seria o resultado. Em algum tempo as pessoas começaram a querer comprar meus trabalhos. Eu nunca entendi direito isso, mas me deixa bem feliz. Mas não consigo ver isso como algo profissional. São coisas que faço porque amo, porque tenho muitas ganas de fazer... e se alguém gostar disso, se alguém quiser fazer algo com isso, vou achar muito bacana também!!! No momento eu vivo disso e de trabalhar em um café vegano. Os dois me divertem tanto que eu ainda acho que eu não trabalho!

Você tem uma grande quantidade de trabalhos, tanto de escrita quanto de pintura. Como é o seu processo de criação?

hahahahaha não é nada fantástico. Eu pinto deitada na minha cama, jogada no sofá, sentada no chão. Eu não me preparo pra isso, mas eu fico o tempo inteiro pensando nas coisas que eu vejo ou que me contam, pensando algo que seria legal pra representar tudo isso e não é por querer, virou "algo que eu faço". Quase todo dia eu faço pelo menos um desenho novo, mas é porque acho que quanto mais eu penso nisso, mais ideias tenho. Que nem pra escrever, é sempre sobre algo que eu vivi, algo que me falaram, algo que eu vi, claro que mais enfeitado e fantasioso, mas as vezes to andando na rua e penso nas coisas rimando e escrevo no que tiver pela frente hehehe acho que eu só penso demais.

O seu trabalho possui um certo romance: entre os temas principais estão saudade, amor, paixão, solidão. Existe algum motivo em especial por essa temática? Como as ideias surgem para você? O que te inspira?

Pra mim, tudo que acontece no mundo, tudo que desacontece, tudo que virá a acontecer, é sempre sobre amor. Amor de várias formas, por várias coisas. Eu falo sobre isso porque o amor pra mim é realmente tudo. Saudade, solidão, paixão, são meras consequências da forma como a gente consegue encarar o amor. Tudo pode me inspirar. Mas geralmente são coisas pequenininhas. Se eu vejo uma borboleta ou um passarinho [que] canta bonitinho, esse vai ser um grande dia, isso vai me inspirar muito. As pessoas que eu gosto me inspiram, os dias tristes inspiram. Quando falo em inspiração, é aquele momento que eu fico tão feliz, ou tão enorme, que vai parecer que sou apaixonada por tudo. E quando sinto que não gosto de nada, me apaixono por isso também. Eu sou muito sentimental hahahaha isso é uma loucura!

Mas na verdade muito do que escrevo ou pinto são recados pra mim mesma. Entender que o amor não dói, que é preciso ter coragem, que a saudade existe e escorre de mim. Eu preciso escrever sobre o amor pra tentar viver ele de uma forma boa,de uma forma que não se enlouqueça. Pra não doer.

Você tem um estilo que mistura colagens, intervenções, pintura, aquarela e ilustrações em nanquim. Uma grande mistura que criou algo único e profundamente delicado. Como é a sua escolha de materiais e estilos na hora que criar uma peça? Quais são as suas influências?

Bah, pois é. Eu não entendo muito de tintas e coisas do tipo. Tudo que eu entendo é porque já usei e sei como a coisa funciona. Nisso de não entender eu comprei vários tipos de tintas e materiais, e pra ser bem sincera, eu uso tudo aquilo que tem a cor ou textura que eu acho que possa ficar legal, mas geralmente são misturas que um professor de arte, por exemplo, diria com certeza pra eu não fazer hahahahah eu não penso se aquilo que eu to usando vai ter uma grande duração ou não, se vai secar ou não, é sempre tão momentâneo e sincero o que eu gosto de fazer que eu acabo só me importando em fazer na hora. Se deixar pra depois já passou, já nem era mais bem aquilo hehehe

Como influência, eu gosto da arte de pessoas. De anônimos. De quem eu conheço na rua e faz arte na rua, de gente que faz coisa simples e cheia de coração. Mas tem dois artistas conhecidos que eu gosto, que é o Basquiat e o Leonilson. Mas acho que eles dois tem bastante dessa coisa simples que eu falei. E acho que eles são extremamente inteligentes e loucos por isso!

Explica pra gente: por que a fixação com animais?

hahahahha aiiii. Sabe, não sei. Eu nasci na zona rural de Bento [Gonçalves, interior do Rio Grande do Sul]. Me criei no meio do mato. Eu gosto muito de mato, pra mim o verde é a vida e a renovação de um tempo na cidade. O mato é a vida real, é de onde tudo vem. Mas basicamente todos os animais que eu desenho eu nunca tive contato. Mas eu acho eles realmente muito poéticos, eu acho lindo, eu sou apaixonada por cornos porque eles me parecem uma poesia bem escrita. São quase sempre animais selvagens, e acho que eles são muito mais simbólicos do que representações literais. E além disso que sou uma defensora da causa animal, acho que eles merecem todo meu carinho e atenção.

Qual a sua relação com a “arte”, e o que ela significa pra você? Como é ser uma artista, uma pessoa capaz de produzir obras artísticas?

Acho que eu nem consigo ter uma relação com a arte, acho que ela tá dentro de mim. Não sei ver a diferença de algo que eu pintei com o resto da minha vida. Porque eu pinto e escrevo a minha vida, então isso é só mais uma parte do meu dia normal. A parte mais feliz do meu dia normal. Arte é a forma que eu encontro de incentivar tudo que eu acredito. Uso a arte pro amor, pro veganismo, pra bicicleta, pela natureza. Tem gente que grita e mostra tudo que tá errado - o que eu acho extremamente válido - mas eu quero sempre tentar falar baixinho e mostrar o outro lado bonito. Acho que a arte é o que me cura e o que me deixa mais louca!

Como foi a parceria com o Eu Me Chamo Antônio?

Ah, foi logo que eu fiz a página. Tenho uma amiga aqui em porto alegre que conhece o Pedro e que mostrou meu trabalho pra ele. Ele veio falar comigo e depois de um tempo propôs que fizéssemos algo juntos. Fizemos duas frases. Uma que ele começou e eu terminei. A outra eu comecei e ele terminou. Depois eu fiz um desenho pra cada uma delas. Uma das frases virou camiseta da Pulselibre que foi lançada pro dia dos namorados do ano passado. Foi ótimo fazer essa parceria, até porque ele já era muito conhecido na época e eu fiquei bem chocada que ele quisesse fazer algo comigo hahahah.

Como tem sido o retorno do público em relação ao seu trabalho?

Ah, é lindo!!! As pessoas são muito fantásticas e carinhosas. Até porque tu gostar de algo é fácil, mas tu ir lá e falar que gosta é outra coisa. Muitas pessoas me mandam mensagens todos os dias e é sempre uma hora de felicidade quando vejo! Qualquer coisinha me é grande, porque tudo que faço é tirar de mim um pedaço, alguém gostar disso, vish, é muito feliz. Tem gente muito bonita no mundo!

Existem planos para o futuro? Exposições, livros?

Eu não sei direito sobre o futuro não hehehehe tem pessoas me convidando pra exposições e preciso me organizar pra isso. Eu acho legal expor, mas tambem acho meio apavorante um lugar e um dia que as pessoas vão lá me ver. É tipo o mesmo pavor que eu tenho de fazer aniversário hahhaha Mas tenho que deixar de ser medrosa.

Algumas pessoas me perguntam sobre livro, sabe, agora eu posso parecer muito despretensiosa, mas é que eu não vou muito atrás disso, eu não vejo como eu possa fazer das coisas que eu escrevo um livro, mas talvez um dia eu descubra e faça alguma coisa. Por ora fico só rabiscando pelos cantos da casa uns suspiros de amor.

Como as pessoas podem entrar em contato com você, caso queiram adquirir algum trabalho seu?

Ahh, é só mandar mensagem na página mesmo, ou no meu facebook ou me encontrar na rua e falar ou me mandando uma cartinha hahahaha. Eu só não consigo fazer encomendas de desenhos. Até já fiz um texto sobre isso na página. Várias pessoas já me pediram encomendas de coisas e eu não consigo muito dizer não, só que chega na hora de fazer, como não é algo que eu senti/pensei/exagerei, eu nunca acho o resultado final bonito e isso me dá agonia. Não é por mal, é também porque eu não quero frustrar a pessoa que queria algo bonito hehehehe

E por que a Isadora não entende nada?

Quanto mais eu estudo e me aproximo das coisas, mais longe eu fico de entender. Quanto mais se sabe, mais se sabe que tem pra saber. Eu não entendo nada porque de sentimentos, quem é que vai poder dizer? Se a gente começa a entender as coisas a gente para, se basta e logo já não sabe mais nada. Eu não quero parar, eu quero passar a vida inteira me fazendo perguntas e tendo uma resposta diferente por dia, quero aprender pra sempre, me desprender sempre e desentender do amor, pra ver se assim ele fica pertinho.

Contato

Você pode acompanhar o trabalho da Isadora seguindo os links abaixo:

Facebook: www.facebook.com/IsadoraNaoEntendeNada
Tumblr de Textos e Poesias: http://pedalandoempensamentos.tumblr.com/
Tumblr de Pinturas e Ilustrações: http://enlouqueceuosolhos.tumblr.com/

Banda da Semana: Far From Alaska e o Pé na Porta do Indie Nacional

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 09 Jun 2014 03:01:00 +0000

Criada em 2012 por figurinhas carimbadas da cena potiguar, a Far From Alaska é uma das grandes revelações do rock nacional. Trazendo um som difícil de categorizar, mistura rock pesado com elementos do grunge, country, eletrônico e progressivo. Tendo na bagagem apresentações em grandes festivais como Planeta Terra, Bananada e Grito Rock, apresenta em 2014 seu primeiro álbum completo, “modeHuman”.

Talvez pelo time de veteranos, que assinaram passagens por bandas como Talma&Gadelha, Planant, Calistoga e Venice, a notícia de lançamento do FFA foi recebida com bastante expectativa pelo público local, o que acabou rendendo uma boa visibilidade ao primeiro single, “Thievery”, lançado em setembro de 2012, e a escalação para tocar no Festival do Dosol (RN) em novembro do mesmo ano.

Far From Alaska após show no Festival Bananada 2014

Formada por Emmily Barreto (vocal), Cris Botarelli (synth, lap steel e voz), Edu Filgueira (baixo), Rafael Brasil (guitarra) e Lauro Kirsch (bateria), um dos grandes destaques da banda foi a vitória no concurso Som Pra Todos, organizado pelo Portal Terra, Banco do Brasil e Deck. O prêmio foi, nada mais, nada menos, que um show na edição 2012 do renomado Planeta Terra Festival, em São Paulo, e um contrato de distribuição com a gravadora carioca.

O primeiro EP da banda, Stereochrome, lançado em 2012, contém quatro músicas e foi gravado no Estúdio Dosol (RN), com produção de Dante Augusto (Fukai, Calistoga, The Sinks) e mixado no Estúdio Costella (SP) por Chuck Hipolitho. Já em Maio de 2014, a banda apresenta seu primeiro disco cheio, modeHuman, com 15 faixas gravadas em novembro de 2013 no estúdio Tambor (Deck), no Rio de Janeiro. O registro foi mixado por Pedro Garcia (Planet Hemp) e masterizado por Chris Hanzsek, no Hanzsek Audio (Seattle/EUA).

Com um som difícil de definir, o Far From Alaska conta com influências muito diversas, resultando em uma proposta extremamente interessante. Destaca-se a voz de Emmily, que foi eleita a segunda melhor do Festival Planeta Terra, perdendo apenas para Shirley Manson (Garbage) e ganhando de Beth Ditto (Gossip) e Bethany Consentino (Best Coast). Inquestionável é, também, o trabalho instrumental do trio Edu Filgueira (baixo), Rafael Brasil (guitarra) e Lauro Kirsh (bateria), que entregam riffs e ritmos fortes, cativantes e cheios de personalidade; assim como os teclados de Cris Botarelli, que dão um toque a mais de autenticidade ao som.

Você pode conhecer mais sobre a banda acessando os links:

Site: http://www.farfromalaska.com

Soundcloud: http://www.soundcloud.com/farfromalaska

Facebook: http://www.facebook.com/farfromalaska

Youtube: http://www.youtube.com/user/farfromalaska

Twitter: http://www.twitter.com/farfromalaska

Entrevista

Confira abaixo a entrevista feita por Paulo Schwinn, para o Portal Rock Press:

Fale um pouco sobre a história musical dos integrantes. Anteriormente ao FFA vocês tocavam em grupos da cena potiguar ou é a primeira banda de todos?

A gente já é meio macaco velho em Natal. Todos já tivemos outras bandas, inclusive entre nós. Eu (Cris) já toquei com o Lauro no Planant e com a Emmily no Talma&Gadelha. O Rafael, que também era do Calistoga, o Edu e o Lauro tocaram juntos no Venice, e por aí vai...

Sobre a participação no Planeta Terra Festival de 2012, quando chamaram a atenção de todos, inclusive de Shirley Manson (Garbage), que os elogiou publicamente. Vocês chegaram a conhecê-la pessoalmente?

Participar do Terra foi uma das tantas coisas surreais que a gente tem a sorte de viver com essa banda. Agora, de fato, esse show teve um gostinho especial por ter sido nosso segundo show ever! Quanto à Shirley, sim, a conhecemos pessoalmente. Deixamos de assistir o show do Kings of Leon pra conseguir táxi pra voltar pro hotel e no lobby demos de cara com ela. Eu não resisti e fui cumprimentá-la e pedir uma foto, aí veio o melhor: ela que puxou todo o papo. Viu nossos crachás, perguntou com quem estávamos e tudo mais. Contamos a história da banda, que era o segundo show, etc, e ela pirou (ela é uma fofa)! No dia seguinte, fiquei de tocaia no lobby esperando ela descer pro checkout e entreguei um bilhetinho carinhoso com nosso nome, pra ela nos escutar se tivesse a chance. Dois meses depois ela lembrou e aí deu no que deu.

Foto: Rubens Rodrigues

No EP Stereochrome, lançado em 2012, a gravação e a produção foram feitas em Natal/RN e a mixagem e a masterização em SP. Nesse álbum, como foi todo o processo?

A pré-produção foi toda feita aqui em Natal mesmo, ensaiando, queimando pestana em estúdio. As melodias e letras geralmente fazemos em separado, mas a idéia de como gostaríamos que soasse também nasce no ensaio. Feita essa pré, nos mandamos pro Rio de Janeiro, pro Estúdio Tambor, da Deck, e passamos uma semana lá internados, pirando nos detalhes de timbres que a gente tanto gosta. Nessa fase o Pedro Garcia esteve com a gente produzindo o trampo. Depois de gravado ele também mixou e aí mandamos pra Seattle, onde o registro foi masterizado pelo Chris Hanszek no Hanszek Audio.

ModeHumam é primeiro disco da banda - canções como a já apresentada ‘Dino Vs. Dino’ e ‘Deadmen’ mostram que a banda amplifica o Rock vigoroso que ficou evidenciado no EP. O que as pessoas que curtiram o Stereochrome podem esperar desse álbum completo?

O disco tem um conceito artístico legal que a gente espera explorar um pouco mais ainda. A capa tem um robô – quer dizer, uma ‘roboa’ – recém chegado a Terra com a missão de substituir um ser humano na sociedade e pra isso precisa aprender várias nuances das pessoas, seus relacionamentos, suas conexões sentimentais e tudo aquilo que faz da gente mais que um monte de equações lógicas e números. As músicas do disco, então, são parte de um todo, como se fossem um manual de perspectivas pra roboa assimilar. Musicalmente, é essa doidera aí, não dá pra explicar muito, é guitarra pesada, tecladinhos malucos, baixo com synth. Sinceramente também não dá pra dizer o que esperar, porque uma coisa curiosa é que cada um vê esse rock de um jeito. Já fizeram tantas associações e referências que às vezes a gente nem conhece, que cansamos de tentar enquadrar em qualquer coisa e dizer: “vocês vão ouvir rock x neste álbum”. Vamos esperar pra ver o que geral diz. A gente só espera que ouçam alto e curtam tanto quanto nós.

Foto: Rubens Rodrigues

As composições do Far From Alaska são feitas por todos ou tem alguém que é ‘o principal compositor’?

É muito difícil separar a participação de cada um no processo pra medir isso. Meio que todo mundo compõe junto, a música toma o caminho que ela escolhe quando nós cinco trabalhamos nela no estúdio. É bem livre, ela vai indo indo indo... O máximo que a gente tenta preservar é o “sentimento” inicial que gostaríamos que ela tivesse. Mais subjetivo impossível, né? Hahaha deve ser por isso que é tão problemático e suado!

Por que a preferência por compor em inglês? É um processo natural ou é também pensando em fazer uma carreira internacional?

Não foi pensado pra nada, é natural, a maioria esmagadora das bandas que escutamos cantam em inglês, nossas referências acabam falando alto nessa hora. Mas se rolar alguma coisa lá fora, poxa, não seria nada mal, né?

Vocês são todos de Natal/RN? Como a tendência é a exposição da banda crescer, pretendem se mudar para um centro musical com maior visibilidade e praticidade como São Paulo, por exemplo?

Todos moramos em Natal e o Rafael e a Emmily são daqui, mas eu sou de São Paulo, o Edu é de Mossoró (interior do RN), e o Lauro é de Cuiabá. Pretender sempre pretendemos, esperamos que um dia isso seja uma consequência natural do volume de shows e etc. É nosso sonho viver disso!

Qual a expectativa com o novo trabalho? Onde o Far From Alaska pretende chegar?

A gente então espera que tudo aconteça, mas às vezes como um sonho distante, tipo “ai, queria que chovesse dinheiro”, sabe? Uma coisa boa impossível? Mas essa é a nossa hora de trabalhar, ir atrás e fazer as coisas acontecerem, porque rola, rola melhor do que imaginamos sempre, essa banda é meio mística! E quanto a isso, só tá rolando sentimentos bons e um friozinho na barriga de otimismo. Acho que as pessoas percebem isso também, tem muita gente bacana caindo do nada na nossa vida e nos ajudando de forma que ficamos abismados (vide os dois clipes que ganhamos de presente de caras que não conhecíamos). É por essas e outras que a gente sente coragem de querer chegar onde muita gente acha que não pode. Vamos ver no que dá. Dando certo ou não, parar de viver música é que a gente não vai, então tá tudo certo!

Força Conceitual: Bent.vi lança primeiro EP, "Pó de Vidro"

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 05 Jun 2014 03:01:00 +0000

Levantar a bandeira da música autoral e conceitual foi a principal motivação para a formação da Bent.vi: Luiz Bento (Vocais e guitarras), David Dinucci (Guitarras), Lucas Caetano (Bateria) e Wallace Santos (Baixo) fizeram de Macaé, Rio de Janeiro, apenas o berço do mundo que têm a conquistar.

Numa mistura de influências do rock, noise e MPB, desde setembro de 2009 a Benti.vi busca trilhar caminhos no cenário underground norte fluminense. Criada por Luiz Bento (Vocais e guitarras), David Dinucci (Guitarras), Lucas Caetano (Bateria) e Wallace Santos (Baixo) em Macaé (RJ), a banda tem como objetivo levantar a bandeira da música autoral e conceitual. Pó de Vidro, EP de estreia da banda, foi lançado de forma independente em maio de 2014.

Capa do EP "Pó de Vidro"

Entrevista

Conversamos com a Bent.vi, e você pode conferir abaixo essa entrevista exclusiva:

Quem são os integrantes da Bent.vi?

Bento: O David, Lucas e Wallace já tocavam juntos, num power trio que eu já tinha visto em alguns festivais. Antes da Bent.vi tive outras 2 bandas, onde comecei a arriscar e esboçar letras e melodias, chegando num ponto em que eu não conseguia mais fazer cover. Fazer um trampo totalmente autoral acabou se tornando a minha maior meta musicalmente falando, fato que destoava um pouco dos objetivos dos outros companheiros das banda passadas. Fiquei um período compondo coisas sem ter uma banda de apoio, ou seja, quando eu e o David resolvemos montar a Bent.vi já tínhamos muita coisa encaminhada. O trabalho mais difícil (provavelmente levaremos a vida toda nisso) foi achar uma sonoridade que nos identificasse enquanto banda, e isso tem sido um processo contínuo, que é reflexo direto das coisas que estamos lendo, ouvindo, e as pessoas com quem nos relacionamos.

Como surgiu a banda?

Dinucci: A banda surgiu no momento em que fui ver uma apresentação solo do Bento ainda na época da antiga banda dele, em 2009, e me empolguei de cara com o material autoral. A gente estreitou os laços pela internet e começou a projetar o que viria a ser a Bent.vi.

Quais são as principais influências da banda?

Bento: Cada um escuta coisas bem diferentes, acho que isso acaba contribuindo para o som ter essa característica de desconsiderar uma necessidade de enquadramento. Eu ouço bastante MPB, e também gosto da sujeira e dos ruídos sem compromisso com uma estética polida e comercial que o universo noise sugere. O David é um rato de sons, baixa discos e mais discos por semana, o que o faz ter bastante ferramenta na hora de produzir e compor. Lucas e Wallace são os caras que não contribuem tanto com referências sonoras, mas com bastante criatividade, talento e disposição, já que são músicos que vêm de uma escola diferente, de tocar na noite, etc... As musicas, mesmo as que escrevo, acabam tendo um pouco de todos, porque os esboços são apenas caminhos e todos colocam um pouco de si nas canções.No final todos contribuem do seu modo.

Mesmo sendo uma banda com elementos do novo indie brasileira, dá pra perceber no som de vocês uns toques de O Rappa, e até Soundgarden. Qual é a proposta do trabalho de vocês?

Dinucci: Parece estranho mas eu nunca tinha reparado esse toque d'O Rappa no nosso som, até pouco tempo atrás, quando alguém comentou a mesma coisa comigo. Como Bento disse, quem mais traz referência sonoras de fora da banda somos eu e ele. Mas nossa proposta é tentar construir algo diferente. Claro que a gente entende a importância das referências nesse processo, porém nosso maior interesse é usar isso como ponto de partida pra algo novo.

Como é o processo criativo?

Dinucci: O processo de composição principal é o que começa com o Bento trazendo a música para o ensaio com melodia e letra praticamente definidas, depois com nós quatro buscando entortar aquilo da forma mais conveniente. Esse processo é mais intuitivo que racional. Dificilmente ele varia mas, por exemplo, "Espero" Bento e eu compusemos juntos 50/50 e "Eu Escolho Plantar Luz" foi mais conversada do que tocada antes de entrar no estúdio e se transformar naquilo que está no EP.

Como foi a produção do disco?

Dinucci: O disco vem sendo ruminado desde Agosto de 2013. A pré produção rolou basicamente entre o estúdio onde ensaiávamos e o boteco do Mick Jagger, lugares onde as canções tomaram corpo entre ruídos e copos.

Apesar da banda existir desde 2009, a única canção do EP da época do inicio da banda é "Espero", feita em 2010. Todas as outras nasceram ou tomaram corpo a partir do ano passado, quando a gente começou a encontrar a sonoridade que queria pro EP. “Pó de Vidro” de certa forma tem a ver com a desconstrução de uma coisa pronta que era o que a gente tinha encontrado/construído com a banda entre 2009 e 2012, em troca de algo mais nocivo e cortante.

Explica pra gente o nome "Bent.vi"?

Dinucci: Quando nós começamos a tocar o projeto, a ideia era de que fosse algo tendo como centro o Bento, que é o principal compositor da banda. Acabou não sendo. Porém nós chegamos no nome a partir dessa ideia. Bento+alguma coisa.

Quais são os projetos atuais da banda? E os planos para o futuro?

Bento: Primeiro vem divulgar o Pó de Vidro da melhor maneira que a gente puder. Depois temos vontade de produzir e gravar mais coisa logo. E tocar/trocar para/com uma galera que, assim como a gente, não enxerga tanta distancia entre quem vê e quem faz o som, mas que quer ajudar a fazer a experiência acontecer junto com quem toca.

Você pode acompanhar o trabalho da Bent.vi acessando os links:

Bandcampo: http://bentvi.bandcamp.com/

Facebook: https://www.facebook.com/bent.vimusica

Amor e Dúvida: A Arte de "Isadora Não Entende Nada"

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 04 Jun 2014 03:01:00 +0000

“Arte não é coisa que se faça”, diz Isadora. Rindo, lembra de como surgiu a ideia de ir para a faculdade de Artes. Nascida em Bento Gonçalves (RS), aos 18 anos deixou a Serra Gaúcha para estudar publicidade. Aos 20, deixou a publicidade para estudar artes. Aos 23, deixa a faculdade de artes para fazer arte. “Já mudei mil vezes, já recomecei mil vezes. E cada vez parece que eu estou exatamente onde eu gostaria!”, explica.

Se a decisão de se dedicar à sua própria produção foi repentina, a sua relação com a poesia e a pintura já é de longa data. Desde criança, Isadora sempre desenhava, pintava e escrevia, mas nega que tenha sido sempre tão natural. “Passei um ano na faculdade de artes sem produzir nada meu. Eu sabia desenhar, mas não sabia imaginar, não sabia ser criativa. Teve um dia de abril 2012 que eu tinha que ir pra aula às 8h30 da manhã. Tava chovendo muito. Eu tinha uma aquarela em casa. Eu tinha um livro antigo. Eu nunca tinha usado aquarela mas aquele dia de chuva parecia bem propício. Pintei algumas páginas do livro antigo e no mesmo dia tranquei a faculdade que eu não tava curtindo e fiquei fazendo isso”, conta. “Aquele parece que foi o dia em que eu aprendi a imaginar, aprendi a criar um pouco. Depois disso eu só queria fazer algo que fosse meu, era ali que eu podia falar.”

Nos últimos dois anos, Isadora tem produzido cada vez mais, participado de exposições (incluindo a Casa de Cultura Mário Quintana, o Instituto de Artes da UFRGS e a Galeria Experimental da IFSul) e firmado parcerias, tendo inclusive integrado um projeto com a página Eu Me Chamo Antônio. “Fizemos duas frases. Uma que ele começou e eu terminei. A outra eu comecei e ele terminou. Depois eu fiz um desenho pra cada uma delas. Uma das frases virou camiseta da Pulselibre que foi lançada pro dia dos namorados do ano passado.”

Com um trabalho permeado por um romance com a vida, “Isadora Não Entende Nada” tem uma obra emocionante, e que não se distancia das realidades da vida. “Pra mim, tudo que acontece no mundo, tudo que desacontece, tudo que virá a acontecer, é sempre sobre amor. Amor de várias formas, por várias coisas. Eu falo sobre isso porque o amor pra mim é realmente tudo. Saudade, solidão, paixão, são meras consequências da forma como a gente consegue encarar o amor”, diz Isadora.

Você pode acompanhar o trabalho da Isadora seguindo os links abaixo:

Facebook: www.facebook.com/IsadoraNaoEntendeNada

Tumblr de Textos e Poesias: http://pedalandoempensamentos.tumblr.com/

Tumblr de Pinturas e Ilustrações: http://enlouqueceuosolhos.tumblr.com/

Não esqueça: semana que vem publicaremos na íntegra a entrevista com a Isadora! Acompanhe nossa fanpage!

Chama Entrevista: Arthur Moura

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 03 Jun 2014 03:19:00 +0000

Cineasta e historiador, Arthur Moura é responsável pela criação de filmes como "De Repente: Poetas de Rua", "Prévia do Amanhã" e "UTOPIA e cidade". Com considerações sobre música, mercado e sociedade, Arthur se aprofunda no discurso cinematográfico para mostrar ao mundo suas ideias e sua forma de enxergar a sociedade.

Conversamos com ele sobre seus pensamentos e futuros projetos, e você pode conhecer um pouco mais desse artista logo abaixo.

Conte um pouco sobre você. De onde você é, onde você cresceu.

Me chamo Arthur Moura, tenho 30 anos. Nasci em Niterói, mas logo cedo fui morar em Porto Velho. Quando meus pais se separaram e eu vim morar em Niterói com a minha mãe e minhas duas irmãs. Já vivi um tempo em Goiânia também, e um período breve em Alto Paraíso (GO). Quem me criou foi minha mãe, minha avó e minha tia. Minha mãe é professora, meu pai é autônomo. Estudei no Liceu Nilo Peçanha, onde comecei a ter amigos ligados a música. Em 98, 99, existia um circuito forte do rock´n´roll, blues e metal em São Gonçalo e alguma coisa em Niterói também. Nesse tempo eu fiz parte de algumas bandas. Comecei tocando punk, depois toquei numa banda de metal e minha última banda foi a Insane, que tocava o que chamávamos new metal, com uma linguagem de rap. Já nessa época eu tocava com Wallace, do Fluxo. Eu saí da banda e montei um homestudio no meu quarto. A partir daí eu comecei a trabalhar sistematicamente com diversas áreas da produção artística.

Você estudou violão clássico durante vários anos. Como começou a sua relação com a música?

Eu diria que a minha relação com a música começou quando eu passei a conhecer música. E aí diversas pessoas contribuíram para isso. O meu primo Luis, por exemplo, foi a pessoa que me apresentou praticamente tudo do rock, metal e blues. Fora isso, o lance d´eu tocar foi uma coisa que se desenvolveu devagar. O fato é que eu tive oportunidade e condições de estudar música e isso me abriu para novas percepções. A música é um campo infinitamente vasto e o que me interessa nela é a sua construção e a produção de linguagens. Para entender o que é música é preciso investigar, produzir, compor, testar e expor. E isso faz parte de um processo ao mesmo tempo coletivo e individual. É uma relação que se abre cada vez que se arrisca mais.

Apesar de tocar em bandas de metal, você rompeu seus preconceitos e abraçou o RAP. Como foi esse processo, e o que o RAP significa pra você?

Eu realmente tinha preconceito com o rap. Eu não ficava muito confortável de estar ali tocando guitarra e um cara rimando o tempo todo. Não fazia sentido pra mim. Eu tava acostumado com outras coisas. Não sei se por ironia, mas foi o rap que de certa forma reuniu tudo aquilo que eu tinha aprendido, tanto no que diz respeito aos aspectos teóricos como práticos da música. Penso que fazer beat acima de tudo é tocar algo na batida. Claro que tem o lance de você samplear, mas as coisas ficavam mais interessantes quando eu tocava algo, mesmo de forma simples. Acho que no final é o rap que consegue ser um campo holístico. O rap significa muito pra mim e é uma pergunta difícil na verdade porque envolve tanto um caráter subjetivo como material, político e social. O rap foi uma das coisas que também formou o meu caráter, então é algo que já faz parte de mim. Eu venho tentando responder o que é o rap e eu diria que ele é uma ferramenta de luta, de enfrentamento social. Ao mesmo tempo é um campo artístico, cultural, musical. Por isso ele exerce uma função complexa, pois diz respeito a todo um conjunto de valores. E veja que agora o rap não diz respeito somente às minhas aptidões musicais, mas política. Muito do que eu aprendo tenho a oportunidade de colocar em prática no rap, e isso agora venho fazendo como um estudo. Por isso eu também passei a pesquisar e escrever sobre o assunto.

O que significa arte para você? Como você se relaciona com o processo criativo artístico?

O meu processo criativo se dá em diversas esferas. Faço música, cinema e agora literatura. Não sei fazer uma avaliação talvez muito coerente sobre tudo isso, mas vejo que pra mim é o que dá aquilo que chamamos “sentido”. Este sentido é criado de acordo com as experiências, experimentações e práticas. É a partir dessa relação que podemos nos situar no mundo, no campo social e entender melhor nossas subjetividades e aspectos do psicológico. A arte, portanto, é um canal de acesso a todo um conjunto de percepções desde o campo do sensível até outras ordens. A arte pós-moderna vai na contramão deste sentido. Ela não está necessariamente preocupa com alguma coisa. Para ela, basta existir e apresentar-se da forma mais flexível possível. Eu tento pensar a arte longe desses preceitos e valores. A arte faz parte de tudo aquilo que amplia as possibilidades de liberdade, não o contrário.

Você cursou história. Como esse período influenciou a sua forma de pensar?

Antes eu gostaria de dizer que não foi fácil entrar para a universidade pública. Não é somente uma certa dificuldade de se passar no vestibular. O vestibular é apenas um dos mecanismos que impede a grande maioria das pessoas de ter acesso ao ensino público de qualidade. De uma forma geral, a universidade pública serve a uma parcela elitizada, que desde cedo tem como meta ocupar a maioria das vagas. O estudante proletário, quando entra, é o mais vulnerável, pois encontra todo o tipo de impedimento que viabilize sua permanência. Aos pobres cabe o ensino técnico. São os que executam as ordens dos seus superiores. A universidade me apresentou um campo até então desconhecido. Foi na universidade que eu aprendi a estudar, a ler, interpretar e compreender melhor a complexidade do real. O acesso ao conhecimento faz toda a diferença. A gente aprende melhor conceitos como autonomia, liberdade, política, sociedade, poder, ética. Na universidade eu pude compreender a complexidade da luta de classes e ter um novo olhar sobre o contemporâneo. Passei e a me interessar mais pela história moderna e seus campos filosóficos. Eu sempre tive acesso a livros em casa mas aprendi a lê-los melhor. Aprendi a não ter medo do que ali se anuncia. O bom leitor tem que ter coragem pra enfrentar o desconhecido, o que ainda lhe parece estranho. A universidade também é pra mim um outro campo de lutas. Fiz parte do movimento estudantil, produzi inúmeros vídeos e dois filmes, “Prévia do Amanhã” e “UTOPIA e cidade”. Foi onde também escrevi minha monografia sobre o rap. Foi a forma que encontrei de contribuir no sentido de inserir críticas e compreender melhor o processo de formação do rap independente principalmente do Rio de Janeiro. Nesse trabalho me detive muito em compreender as relações de poder e as condições que se formaram para que mais tarde houvesse a mercantilização da cultura. A monografia se chama “Uma Liberdade Chamada Solidão”.

O seu trabalho em “Poetas de Rua” é basicamente um estudo antropológico. Como foi o processo de explorar as origens desse formato de expressão cultural?

O processo se deu de 2005 a 2009. Na verdade eu comecei a fazer uns registros esporádicos da cena, filmando batalhas e freestyles nas ruas. O que eu fiz foi um registro de parte de uma geração do rap do Rio. Essa galera são Mc´s, produtores, DJ´s, etc. Naquela época o que mais me interessava era o freestyle e todo aquele ambiente que se formava. Tem um certo debate sobre mercado, mas como essa relação só iria se fortalecer dez anos mais tarde, os comentários giravam mais em torno de uma expectativa do que algo realmente concreto. Enfim, acho que o filme carrega um pouco desse ar de improviso, até mesmo na parte técnica ou conceitual. O processo foi muito simples, na verdade. Eu busquei filmar os eventos, shows e batalhas, freestyle nas ruas, principalmente na Lapa, que àquela época era um polo onde a galera do rap se encontrava. Hoje a Lapa faz parte de um cenário muito mais amplo do hip hop, pois existe diversas rodas espalhadas pela cidade. Procurei filmar depoimentos também da galera onde eu conversava sobre independência, mercado, questões referentes à cena, etc. Filmei algo em torno de 80 horas que resultou num longa de pouco mais de uma hora.

Qual é a proposta da sequência de Poetas da Rua que você está filmando? O que você observou de diferente entre a cena de 2004, e a atual?

A minha proposta para este filme é tentar fazer uma espécie de balanço. Ao mesmo tempo eu quero compreender como se configura a cena hoje. Quais são suas questões? O que estão pensando seus atores? De que forma estão atuando? Onde? Quem são estes atores? O fato é que agora existe uma nova geração e aí surge outra questão: de que forma estão se relacionando as diferentes gerações que agora compõem o rap? O que vem a ser este mercado que se formou? Para isso estou pegando depoimento de Mc´s, cineastas, produtores, organizadores das rodas culturais, as rodas, beatmakers, etc. Essencialmente, me interessa debater questões políticas. E aí entram debates sobre, por exemplo, a importância da ocupação dos espaços públicos, questões de gênero, mercado e outras formas associativas. A cena de 2004 é muito diferente de hoje. Seus valores são outros. Suas necessidades, desejos e inserção social também se modificaram. As relações de poder ficam mais complexas. Suas prioridades são outras. E quando falo “suas”, me refiro àqueles que fazem parte da cena. “Cena”, inclusive, é um conceito que se diferencia de “movimento”. O que percebo é que os grupos se tornaram empresas, os Mc´s, empresários. O público são consumidores. É uma síntese um tanto cruel e ao primeiro olhar pode parecer reducionista ou até mesmo mesquinha. No entanto, a prática de uma parcela significativa do hip hop é baseado em preceitos éticos e morais capitalistas, o que faz com que haja um distanciamento da possibilidade da construção de um movimento popular libertário. Ao mesmo tempo em que estou produzindo o filme também estou no processo de escrever um novo trabalho, agora com uma cara mais de ensaio. Talvez eu leve este tema para o mestrado, ainda estudo a possibilidade. Neste trabalho estou desenvolvendo questões como: o hip hop e a mídia, a função do público no hip hop, a burocratização do hip hop, cinema e literatura no hip hop entre outros. Algumas publicações podem ser encontradas no meu blog www.umaliberadechamadasolidao.wordpress.com .

Qual tipo de assunto você pretende trabalhar nos seus próximos filmes?

Bom, no momento também estou produzindo um documentário longa metragem juntamente com André Queiroz, escritor, filósofo e professor da UFF, que se chama “O Povo que Falta”. Estamos tratando de temas como desterritorialização, violência de Estado, guerrilha e demais enfrentamentos sociais, memória, dentre outras questões. Estamos filmando no Brasil, Argentina, Chile, Colômbia e Peru. Quero trabalhar futuramente com algumas dessas questões, como violência de Estado, mas através de outro tipo de narrativa, que não seja propriamente um documentário. Me interessa produzir algo que traga a questão dos enfrentamentos sociais, das disputas políticas do agora trazendo uma visão da conjuntura social. Me interessa fundamentalmente o cinema político, não o cinema como uma certa representação da realidade, mas aquele que intervém, confronta e constrói.

Algum plano ou desejo para o futuro? Relacionado a trabalho ou não.

Meu plano é estar organizado de alguma forma com pessoas que também se proponham a construir arte. É preciso que pensemos formas associativas horizontais, sem líderes e que tenha na liberdade seu mais alto valor. A arte produzida de forma coletiva é infinitamente mais potente. Produzir arte de forma coletiva é também exercitar a política, é compreender melhor o que nos cerca através de trocas sem que haja relações de poder. Penso que isso cria condições materiais e imateriais para a produção artística.

Você pode acompanhar as novas produção de Arthur Moura curtindo a página da 202 Filmes no Facebook (www.facebook.com/202Filmes)

Banda da Semana: A Alegria Balcânica da Go East Orkestar

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 02 Jun 2014 03:01:00 +0000

Criada em 2010 pelas produtoras Maria Almeida e Sol Provvidente, a Go East Orkestar reúne uma variedade de músicos e públicos sob uma batuta balcânica. Criada para se apresentar nas noites cariocas, o que era originalmente um bônus da Go East Party ganhou vida própria e agora trilha seu próprio caminho – inclusive fora do país.

Tudo começou em 2007, quando a figurinista Maria e a psicomotricista Sol se conheceram e descobriram que tinham uma paixão em comum: a música típica dos Bálcãs e do leste europeu. Resolveram fazer curso de DJ e planejaram uma grande festa, a Go East!, em que tocavam esse tipo de música nas carrapetas, contratavam mulheres que faziam dança do ventre ou grupos de dança folclórica para dançar e ofereciam shots de rakija, um destilado de frutas típico do leste europeu.

A festa cresceu, apareceu e fez surgir a ideia de uma banda que tocasse ao vivo. A primeira medida foi convidar o músico Daniel Vasques para ser o maestro da orquestra. Depois, as duas colocaram anúncios nas faculdades e escolas de música. "Tivemos uma procura muito maior do que a esperada. O primeiro ensaio foi em março de 2010, na São Salvador, e no fim daquele ano fechamos a orquestra com 28 músicos. As duas primeiras apresentações foram na festa Go East, e foi um sucesso. Já na terceira apresentação, que foi na própria São Salvador, no Carnaval, reunimos mais de mil pessoas, todo mundo fantasiado, dançando na praça”, conta Maria.

Com sua concretização, a Go East Orkestar (ou GEO, como é carinhosamente chamada) é a única orquestra no Brasil a dedicar-se 100% aos ritmos balcânicos. Hoje, a Go East é uma orquestra popular carioca dedicada à pesquisa e à difusão da música tradicional do leste europeu e suas possibilidades de fusão com a música popular brasileira.

Sempre seguindo a linha das tradicionais fanfarras do sudeste europeu, a GEO apresenta uma mistura surpreendente de sons, capaz de despertar interesse até nos ouvintes mais entediados. A alegria, a festividade e o caráter popular marcam o perfil da GEO, seja em apresentações em praças públicas, cortejos ou teatros para grande ou pequeno público. Seus shows são um convite à catarse coletiva: uma grande celebração ao som de músicas instintivas, inspiradas, alegres e extremamente vigorosas.

Radoslav Miryanov e Karine Ferreira

Em seu repertório, músicas tradicionais do leste europeu, principalmente da região dos Balcãs - cheias de referencias ciganas, eslavas, turcas e judaicas -, músicas tradicionais brasileiras arranjadas no estilo folclórico do leste europeu e músicas autorais compostas pelos integrantes da GEO.

Nestes poucos anos de existência, a Go East Orkestar já se apresentou em inúmeros pontos públicos do Rio de Janeiro, em renomadas casas de show e recebeu convites para tocar em grandes festivais como o Rock in Rio. O detalhe é que um produtor do Rock in Rio viu a banda tocar justamente na São Salvador. "Os ensaios na praça viraram uma vitrine", diz Maria.

Reconhecimento Internacional

Foto: Nathan Thrall

Em 2012, a Go East Orkestar foi convidada a participar dos festivais Nisville Jazz, Dani Brazila e o 3º Festival Internacional de Brass Bands, em Guča (Sérvia). Esta incursão internacional rendeu à GEO o título de 2ª Melhor Banda de Fanfarra do mundo, assim como o documentário “Go East Orkestar, From Rio do Guča”, realizado pela diretora sérvia radicada na França Militsa Trajkovic-Petit que estreou na Semana de Culturas Estrangeiras – FICEP em setembro de 2013, em Paris (França).

Conversamos com Sol Provvidente e Maria Almeida, as idealizadoras da Go East Orkestar. Confira abaixo:

Como se desenvolve o trabalho da Go East atualmente, em relação a ensaios e a produções próprias?

Como a GEO é um grupo grande de pessoas (que estão envolvidas em várias bandas e projetos), ensaiamos quando conseguimos conciliar as agendas. Normalmente esses ensaios acontecem com 10, 12 membros da banda por vez (sendo que atualmente a GEO conta com 17 músicos).

No momento, temos 2 músicas autorais no repertório. A GEO está sempre aberta para receber produções/composições próprias, e todo mundo pode contribuir musicalmente. Por exemplo, depois que voltamos de Guča, em agosto de 2012, o pessoal voltou inspirado e começou a escrever composições próprias. Uma dessas composições já está no repertório, que é a “Živeli”, que estreou com a gente no final do ano passado e foi totalmente inspirada na experiência da banda na Sérvia, no espírito de celebração que é super presente nos Balkans.

Quais os planos da GEO para o futuro?

Queremos muito gravar um CD e um videoclipe da banda e estamos nos organizando já pra isso. Também queremos circular mais com a GEO pelo Brasil colocar a banda em turnê mesmo. O som dos Balkans é pouco conhecido no Brasil e a gente adoraria que mais pessoas tivessem acesso a essa cultura musical do Leste da Europa.

Vocês foram convidados para participar de 3 festivais no exterior: Nisville Jazz, Dani Brazila e o Festival Internacional de Brass Bands, em Guča. Como foi essa experiência?

Na realidade nós só participamos de Guča, em 2012. Em 2013 fomos convidados para participar dos três festivais, mas infelizmente não conseguimos o apoio necessário para custear parte da viagem. Vale a pena falar desses três festivais para que as pessoas conheçam um pouco sobre o que acontece musicalmente por lá:

Como foi a gravação do documentário?

A diretora do documentário, a Milica Petit-Trajoković é uma sérvia radicada na França. Ela ouviu sobre a ida da GEO pra competição em Guča por um dos membros da banda e resolveu nos acompanhar durante a viagem e o festival registrando tudo em filme e daí surgiu a idéia do documentário. Quando a banda chegou na Sérvia ela já estava lá, no aeroporto, nos aguardando e assim começaram as filmagens, num esquema meio “reality” de filmagem. O resultado saiu 1 ano e pouco mais tarde, em Setembro de 2013, quando o documentário de 52 minutos intitulado “Go East Orkestar: from Rio to Guča estreou no festival FICEP, em Paris. Em novembro do mesmo ano fizemos uma exibição do filme no Cine Jóia, no Rio. No Youtube somente o teaser está disponível, mas em breve o filme na íntegra deve estar disponível também.

Você pode acompanhar o trabalho da Go East Orkestar pelos links abaixo:

Reverbnation: http://www.reverbnation.com/goeastorkestar

Facebook: https://www.facebook.com/GoEastOrkestar

Saiba Mais:

Guča Festival
O Festival de Guča é um dos maiores e mais celebrados festivais de Brass bands do mundo. Ocorre anualmente desde de 1961 no povoado de Guča, na Sérvia, e nestes 54 anos de existência firmouse como um dos mais importantes festivais de toda a Europa. Recebe a cada edição cerca de meio milhão de pessoas vindas de todas as partes do mundo. É noticiado toda a Europa e televisionado ao vivo para todos os países da região balcânica, dada a sua importância cultural e a qualidade dos músicos que ali se apresentam. Vários documentários já foram realizados a fim de mostrar a excelência musical e o fenômeno cultural que ocorrem nessa pequena cidade no interior da Sérvia.
Durante uma semana, sempre no mês de agosto, Guča se transforma num grande palco de celebração da cultura local: Manifestações artísticas, danças populares, trajes típicos, gastronomia local, tudo pode ser experimentado num só lugar. O ponto alto do Festival é a grande competição de Brass Bands, que até 2009 era aberta somente para participação de orquestras oriundas do sudeste europeu. Grandes nomes do gênero que já se apresentaram na competição, hoje se apresentam como convidados.
Em 2010 foi criada a competição internacional com o intuito de promover o intercâmbio cultural com os países de todos os continentes, oferecendo a oportunidade dos competidores estrangeiros mostrarem a cultura musical do seu país de origem assim como viabilizar uma intensa troca entre as diversas culturas participantes durante todas as atividades propostas nos sete dias de festival.
Em 2012 foi a primeira vez que uma orquestra latino americana foi convidada para participar da competição internacional do festival de Guča. A Go East Orkestar atraiu a curiosidade e a atenção da mídia local e do público.

Nišville Jazz Festival
Festival de longa tradição na Sérvia, é o mais visitado festival de jazz do sudeste europeu. O Nišville Jazz Festival, que acontece no mês de agosto na cidade de Nis, promove o gênero musical criado no continente americano assim como as tradições da música dos Balcãs. O conceito do festival baseiase principalmente na fusão do jazz com tradições étnicas de diferentes partes do mundo, especialmente com as tradições dos Balcãs. Este fato, segundo a “Downbeat” (a mais famosa revista de jazz do mundo), resultou na apresentação da música balcânica como uma nova tendência mundial.
Há 29 anos em atividade, o Nišville cresceu o suficiente para ficar lado a lado com os maiores festivais de jazz do mundo. São quatro dias de festival, mais de cem mil espectadores a cada edição, centenas de artistas de todo o mundo e atividades que integram a população local ao Festival. Há uma atenção especial para com o público jovem: programas divertidos e ingressos baratos garantem os jovens como público permanente e crescente no festival. De certa forma, isto é tomado também como uma missão educativa, afetando diretamente o gosto musical da população jovem.
Vinte coletâneas de áudio e vídeo (“The Best of Nišville”), foram publicadas contendo partes das performances de quase todos os artistas que já passaram pelo festival. Isto não só é uma grande contribuição para a discografia de jazz dessa parte da Europa como também uma importante fonte de pesquisa, especialmente quando se trata de fusão de jazz com música étnica, para historiadores, musicólogos e para as gerações que estão por vir. O Festival tem o apoio regular das embaixadas e centros culturais da Turquia, Brasil, Estados Unidos, Alemanha, França, Holanda, Noruega, Suécia, Áustria e Suíça, cujos músicos tiveram uma participação significativa neste evento.

Dani Brazila
Trata-se de uma grande celebração da cultura brasileira na cidade de Novi Sad, na Sérvia. Um festival onde o público pode desfrutar gratuitamente um pouco daquilo que faz com que o Brasil seja um dos países mais interessantes do mundo: sua música, sua dança, produções audiovisuais, exposições, capoeira e um grande desfile de carnaval pela cidade.

Thales Silva, d'A Fase Rosa, lança seu primeiro trabalho solo, "Minimalista"

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 29 May 2014 03:05:00 +0000

Em meio ao rico cenário musical mineiro, Thales Silva, músico e compositor conhecido por sua participação na banda A Fase Rosa, vem lapidando suas canções. Seu universo musical ganhou o nome de “Minimalista”, álbum e projeto homônimos que transitam por diferentes formas assumidas na chancela da MPB, sem perder o fio condutor da composição e poesia autoral.

Acompanhado de Fernando “Feijão” Sá (bateria) e Rodrigo Magalhães (contrabaixo), Thales Silva convida o público a experimentar uma sonoridade atual e muito vinculada à cultura independente, sobretudo a brasileira, e as fontes de onde ela tem bebido. O resultado sonoro é a mistura da MPB nas suas variantes mais clássicas, como a bossa, o baião e o samba, com texturas do indie rock e da cultura pop mundial.

Sobre o álbum Minimalista

“O mínimo, o vazio e a simplicidade”. Essas foram as ambições que nortearam a criação de Minimalista, com composições mais decididas, representando um momento de leveza e mais amor do autor. O cunho político (presente nos trabalhos anteriores com A Fase Rosa) ainda está lá, porém mais atento ao horizonte e à esperança. Entre as influencias que nortearam a composição do álbum estão diversos artistas importantes para MPB, que hoje são ainda mais reconhecidos, como Gonzaguinha, Luiz Melodia, Jards Macalé e os já tradicionais Caetano Veloso e Gilberto Gil.

Composto por 11 faixas, o álbum se inicia com “Neguinha”, que fala de quando do amor, fica a amizade; “Saudade”, homenageando o Baile da Saudade e a música negra do Brasil e do mundo; “Amarelo”, um amor de verão; “Boniteza”, duas palavras, sua sonoridade e um momento para esquecer do mundo; “Não sabe”, sobre um grito em forma de pixo "amor? só de mãe, o resto é ódio..."; “Conversation”, uma conversa fictícia com Jesus Cristo sobre os resultados de um mundo criado às pressas por Deus, seu pai; “O grande espelho”, reflexões sobre ‘Os dias com ele’ de Maria Clara Escobar e outras relações que viu e vivenciou na vida; “Coisa linda”, o amor enquanto musa inspiradora; “Menino Preto”, sobre um menino assassinado pela polícia no Aglomerado da Serra; “Sara”, sobre um amor distante, encontros e desencontros, e fechando o disco “Síndrome de Estocolmo”, sobre um coração de menino e o medo do amor.

Sobre Thales Silva

Vocalista e guitarrista da A Fase Rosa, banda mineira que mistura rock e ritmos brasileiros, Thales Silva é o principal compositor de “Homens lentos”, de 2013, e do EP “O Arquiteto e o carnaval”, de 2011. Com A Fase Rosa, Thales já participou de diversos festivais, tendo se apresentado por Minas, Rio e São Paulo. Além disso, o músico é colaborador de grupos como Albert, Djambê, e O Padre dos balões, e parceiro de artistas como Leo Minax e Dudu Nicácio. Está ainda por traz do grupo Juventude Bronzeada, que traz releituras festivas de clássicos do Axé e das músicas de carnaval, tendo sido o vocalista também do primeiro Bloco Juventude Bronzeada, no carnaval de 2014.

Acesse:

Minimalista (2014)

Download: meiodesligado.com/2014/05/lancamento-exclusivo-thales-silva.html

Streaming: http://soundcloud.com/minimalistamusica

Informações: fb.com/minimalistamusica

4º Uranium Film Festival: Choque Nuclear nas Telas Brasileiras

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 28 May 2014 17:57:00 +0000

O International Uranium Film Festival teve término neste domingo, 25, e conseguiu, por mais um ano, atingir os expectadores com o choque da realidade nuclear. Do cronograma às conversas no intervalos, percebia-se o evento como um meio de chamar a atenção sobre as realidades da usinas nucleares, assim como sobre o perigo de possíveis rumores de guerras.

As informações, todas severamente impactantes, construíram um aprendizado doloroso, por diversas vezes duramente compreendido através de imagens impressionantes de pessoas afetadas por radiação. No dia 23, que contou com a presença de algumas escolas, a reação nas expressões dos alunos deixava claro o horror transmitido por essas cenas. Neste mesmo dia, a presença do Hibakusha ("pessoa afetada pela explosão") Sr. Kunihiko Bonkohara e sua descrição de como foi presenciar a bomba de Hiroshima reforçou todo aquele drama que já estava sendo descrito ao longo do Festival.

Alguns cineastas também passaram por lá. Entre eles o diretor Roberto Fernández, que foi homenageado no domingo da Premiação, e também o artista plástico Claudio Gómez, autor da exposição Retratos de Nagasaki.

Um fato que se fez notório no IUFF foi a falta de legenda em português na maior parte dos filmes, o que diminuiu o alcance do evento, já que as produções vêm de várias partes do mundo, e para a compreensão total é necessário que os expectadores entendam pelo menos espanhol e inglês. Entretanto, em relatos anteriores, a organizadora do evento Márcia Gomes de Oliveira já havia dito que essa é uma preocupação da equipe, porém falta financiamento para arcar os custos desse trabalho. Esperamos que no ano que vem esse incentivo aumente, de forma que mais pessoas possam prestigiar os trabalhos.

O Oscar Amarelo (prêmio do Festival) de melhor filme foi para o Final Picture de Michael von Hohenberg (Alemanha). Além do prêmio de melhor filme, foram entregues o Oscar Amarelo de melhor animação, este para After All de Bogna Kowalczyk (Polônia), e o de melhor curta para Yellow Cake de Joachim Tschimer (também, Alemanha).

Para mais informações sobre o evento: www.uraniumfilmfestival.org/

Por Ana Angel

“De Repente: Poetas de Rua” - O Improviso como Tradição Cultural Brasileira

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 27 May 2014 03:01:00 +0000

Com filmagens iniciadas em 2004, o documentário “De Repente: Poetas de Rua” vai fundo na busca pela origem cultural do que hoje é considerado o RAP nacional. Com foco na cena carioca, o longa teve suas filmagens realizadas ao longo de cinco anos pelo cineasta Arthur Moura – que já iniciou a produção de uma continuação para o filme.

Em pouco mais de uma hora de filme, Arthur é capaz de tirar do RAP a mítica caracterização como cultura marginal, e colocá-lo ao lado de tradições brasileiras como o Repente, a Embolada e até mesmo o Samba do Partido Alto. Em uma realidade onde o improviso é mais que uma maneira de fazer arte, mas sim uma forma de sobrevivência, a cultura “freestyle” desponta em uma congregação de influências, tanto nacionais quanto internacionais.

“O filme (Poetas de Rua) é sobre uma outra cena do rap que não costumamos muito ver em "evidência". Esse ano fiz as últimas filmagens e a edição já tá na metade. Fiz mais de 70 entrevistas com pessoas do rap, do repente, da embolada , professores de História, DJs”, diz Arthur. “Busco mostrar o improviso em si, em suas diversas formas. Mesclo shows, samba em botecos e poetas bêbados com assuntos como mercado e poesia”, completa.

Arthur Moura, no Ocupa ROTA Cine (UFRJ - FFP)

Enquanto estilo musical, o RAP é considerado de origem estadunidense. Com ícones como Tupac Shakur, é quase inevitável considerar que o estilo livre brasileiro não seja nada além de uma vertente da produção norte-americana. Em “Poetas de Rua”, o estudo antropológico realizado pelo diretor mostra uma realidade diferente. A rima, em si, constitui-se muito mais em uma tradição, sendo a música apenas uma das pontas dessa teia cultural.

Ainda no filme, é dito que a cultura poética do improviso se relaciona, por exemplo, com as tradicionais igrejas de tradição afrodescendente norte-americanas, onde o pastor se comunica através de palavras musicalizadas, poéticas e rimadas, surgidas “top of the head”, ou seja, de improviso. Essa tradição, no entanto, pode ser localizada em diversas outras expressões culturais também no Brasil. Segunda a historiadora Adriana Cavalcante, é possível rastrear a tradição do improviso (enquanto comunicação) à “poranduba”, forma de transmissão oral de contos e histórias tradicional das tribos brasileiras, assim como à própria catequização desses mesmo indígenas. Neste processo, os padres perceberam uma alta musicalidade nos nativos, fato que levou ao desenvolvimento de pequenas rimas com o objetivo de facilitar a assimilação das informações pelos índios.

Roda Cultural de Vila Isabel / Foto: Arthur Moura

“Nessa mesma época, o Cordel passa a ser o principal meio de comunicação de informação daquela região onde o jornal não era aceito porque as pessoas não sabiam ler, e isso criava até uma certa resistência àquilo que estava escrito no jornal”, diz Adriana. Segundo Gonçalo Ferreira, presidente da ABLC (Associação Brasileira de Literatura de Cordel), a literatura de cordel, fruto da tradição oral nordestina, foi em certo momento um veículo de comunicação muito mais confiável (para as grandes massas) do que os jornais. “No tempo da morte de Getúlio (Vargas), por exemplo, as pessoas se aglomeravam nas grades da estação ferroviária buscando informações oriundas das capital. Quando a locomotiva chegava trazendo os jornais, o povo se acotovelava para pegar o jornal, para pegar a notícia fresquinha sobre a morte do presidente. Aí o camponês chegava e dizia ‘rapaz, isso daí é conversa de jornal, eu não acredito! Só acredito se sair em cordel’”, afirma Gonçalo.

Sobre a continuação de “Poetas de Rua”, Arthur diz que o objetivo é “tentar fazer uma espécie de balanço”. “Quero compreender como se configura a cena hoje. Quais são suas questões? O que estão pensando seus atores? De que forma estão atuando? Onde? Quem são estes atores?”, questiona Arthur. “O fato é que agora existe uma nova geração e aí surge outra questão: de que forma estão se relacionando as diferentes gerações que agora compõem o rap? O que vem a ser este mercado que se formou? A cena de 2004 é muito diferente de hoje. Seus valores são outros. Suas necessidades, desejos e inserção social também se modificaram. As relações de poder ficam mais complexas”, afirma o diretor.

Assista abaixo ao filme “De Repente: Poetas de Rua”

Você pode acompanhar as novas produção de Arthur Moura curtindo a página da 202 Filmes no Facebook (www.facebook.com/202Filmes)

Banda da Semana: O Rock Garagem Temperado da Molho Negro

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 26 May 2014 03:01:00 +0000

Molho Negro: Raony Pinheiro, João Lemos e Augusto Oliveira

Criada em 2012 por João Lemos (voz e guitarra), Augusto Oliveira (bateria) e Raony Pinheiro (contrabaixo), a “Molho Negro” se define como “um tempero pulsante e rasgante para o rock garagem”. Contando com a efervescência tropical de Belém, terra natal do grupo, o trio traz um trabalho repleto de batidas dançantes e marcantes, além de letras que promovem uma identificação imediata, sem muita complicação.

“Descontração” é a palavra de ordem. Enquanto outros ícones do rock independente realizam trabalhos cheios de crítica social, os meninos da Molho Negro são objetivos: nada de rock cabeça! Segundo a banda, o objetivo “é ser sedutor para os quadris e fazerem todos sacudirem com o nosso som”. “A Molho Negro se preocupa em fazer as pessoas dançarem. Dançarem e se divertirem”, explica João Lemos.

Com levadas poderosas, a Molho Negro faz jus ao nome de "Rock Garagem"

Com admitidas influências de Danjo Jones, Black Rebel Motorcycle Club, The Black Keys, The Vines, Chuck Berry e Little Richard, o power trio é o rock em seu estado mais segutor: alto, pulsante, marcante e dançante. Em 2014, a banda lança seu primeiro trabalho completo, o disco "Lobo".

Gravar esse disco na nossa cidade foi uma experiência um pouco diferente da gravação do primeiro. A gente tinha um elemento muito importante dessa vez, que era o tempo. Tínhamos tempo pra fazer as coisas, ouvir, trocar de instrumento e refazer, se fosse o caso. Convidamos amigos pra participar, bagunçamos o processo todo, se não fosse o Ivan pra entender o que a gente queria, teria sido um completo desastre esse excesso de liberdade (risos). Particularmente, eu sou um cara afobado que gosta que tudo fique pronto logo, então se o primeiro disco foi gravado em fogo alto, posso dizer que esse foi em fogo médio pelo menos.

Confira o clipe de "Concurso", faixa do disco "Lobo":

O vocalista e guitarrista da Molho Negro conversou com o Chama Alternativa. Confira abaixo:

- Como surgiu a banda?

A banda surgiu no fim de 2012, quando eu e o Augusto resolvemos fazer uma banda nossa mesmo. Nós já tocávamos juntos em outras bandas, mas dessa vez queríamos algo que nós fossemos os donos. O Raony entrou na banda um pouco depois da gravação do nosso primeiro EP (“Rock!”, de 2012). Conheci o Augusto em 2006, tocávamos em outra banda juntos. O Raony é meu amigo de infância, quando precisei de um bom baixista ele foi a melhor opção.

- Vocês dizem que o objetivo é ser “sedutor para os quadris”. Qual é a proposta do som da banda?

Haha, é de um relase essa frase né? Na verdade o Molho Negro se preocupa em fazer as pessoas dançarem. Dançarem e se divertirem.

- As músicas de vocês tem títulos altamente descontraídos, dando um tom mais leve pras composições. Qual foi o motivo da escolha por um estilo mais “descomplicado”?

É um pouco natural, a gente fala das coisas que a gente vê, só que fala do nosso jeito né?

- Essa descontração vai em oposição a um movimento que vem aparecendo muito na cena independente, que são letras mais carregadas nas críticas sociais. Qual a sua opinião sobre isso?

Cada um tem que falar sobre aquilo com o que se importa, se incomoda e etc, não vejo problema algum em nenhum dos casos

- Qual é a realidade da banda agora, com o lançamento do segundo disco?

A realidade é a mesma da maioria das bandas independentes: lançar material, viajar, merchandising, festivais e etc. A parte divertida da história.

Você pode acompanhar o trabalho da Molho Negro acessando a página deles no facebook (https://www.facebook.com/molhonegro) OU ouvindo o disco completo deles no Soundcloud (https://soundcloud.com/molhonegro/sets/molho-negro-lobo-2014)

Chama Entrevista: Sirlanney Nogueira

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 23 May 2014 03:10:00 +0000

Cearense. Magra. Feminista. Artista. Mãe. De toda a longa lista de adjetivos que podem ser utilizados para explicar Sirlanney, nenhum é tão revelador quanto o seu próprio trabalho. Pintora, quadrinista e, por que não, poeta, a jovem criativa de traços e sorrisos delicados esconde por debaixo das roupas floridas um coração bruto, pulsante e cheio das dores cotidianas das vidas de todos nós.

Conversamos com a Sirlanney sobre seu trabalho, sua vida, suas ideias. Acompanhe abaixo:

- Quantos anos você tem? Ainda mora no Rio? Voltou pra faculdade?

Oi! Eu tenho 30, estou no ceará, mas meus livros e amores estão no Rio. Fico no Ceará até agosto para cuidar de problemas de saúde, do crowdfunding do meu livro e outros projetos paralelos, que seriam impossíveis de fazer no meio do trabalho de conclusão de curso, que retomo no próximo semestre.

- Você diz que faz quadrinhos para não enlouquecer (tá lá no about do tumblr, rs). Qual é a sua relação com os seus trabalhos, e como eles te afetam?

Talvez me enlouqueçam mais, viu, eu tenho que mudar aquilo. Ah, de certa forma me ajudam sim. Sem desenhar e colocar para fora aquilo que me sufoca eu vou realmente definhando. Tudo perde o sentido, como se o único sentido fosse desenhar. Eu sei que não é só isso, tem a família, os amigos, o amor, que dão o verdadeiro sentido de tudo. Mas colocando de forma prática, de repente eu estou me sentindo muito mal com alguma ideia me perturbando e doendo muito, sabe? Então eu penso: vou transformar isso em algo, seja um quadro, ou um quadrinho. Depois que vira um quadrinho, para de doer, porque atingiu outro patamar, não é mais só uma minhoca na minha cabeça. Agora pode ser uma minhoca na cabeça dos outros. Não sei, acho que tem a ver com a brevidade da vida.

- Bukowski é um autor muito cru, objetivo e “carnal”. Kerouac (como boa parte da geração beat) era algo muito próximo de um filósofo, prolífico em adjetivos e questões sobre o mundo e sobre ele mesmo. Apesar de diferentes, você registra ambos como influências. Por quê?

Ah, eu não acho tão diferente assim. Bukowski foi um beatinik fora do tempo, só isso, ou uma continuação, sei lá. Ele também é um filósofo! Ele vai falando que fez isso e aquilo, e bateu e chupou, etc, mas num momento ele vai e dá um salto, você nem percebe, mas você já está sobrevoando com ele para o outro lado, da existência e do infinito. Mas eu sofro muita influência também de Dostoievski, Julio Cotázar, Henry Miller... Esses sim, completamente diferentes uns dos outros. É importante para mim não me prender a um estilo, nacionalidade, época, etc.

- O seu trabalho não é apenas “autobiográfico”. Ele vai além, e é capaz de transmitir o quão doídas foram as situações e os pensamentos. Sejam amores ou dificuldades, a sensação de ler seus quadrinhos é sempre muito forte. Como você enxerga esse caráter visceral da sua obra?

Uau. É bom ouvir outra pessoa falando. Acho que tem a ver com meu gênio, digo, minha forma de viver, talvez eu seja mesmo intensa e visceral, isso acaba comigo. Se o leitor consegue perceber isso nos meus quadrinhos eu me sinto muito muito grata.

- O seu trabalho passou por uma clara transformação a partir de 2010. Há uma notável diferença nos traços, na escolha de cores e até de materiais. Poderia falar um pouco sobre isso?

Hahahaha eu não sabia fazer melhor. As cores eram "pobres" na minha opinião de hoje, eu entendia muito pouco de aquarela. Mas fiquei o caminho inteiro dentro do ônibus bolando aquele quadrinho, separando por quadros, o roteiro, imaginando como eu queria desenhar. Ele levou o triplo do tempo que levo hoje pra fazer uma página. Tudo é um processo, não é? Um quadrinho depois do outro. Espero que ano que vem eu tenha aprendido coisas novas também, e possa rir da Sirlanney de hoje como faço agora com a de 2011, o que é uma sacanagem.

- Você foi mãe aos 19 anos. O que isso representou pra sua vida, e pro seu trabalho?

A Luna tem uma importância absurda na minha vida, claro. É tudo o que eu sou. Talvez se eu não tivesse tido ela eu não seria mãe nunca e sou muito feliz por ser. Muitas artistas foram mães e não puderam exercer esse papel social assim como eu. Patti Smith e a quadrinista Aline Crumb foram mães aos 19 e deram pra adoção. Eu não fiz isso, mas o desejo de ser alguém e deixar algo para ela foi maior do que minha capacidade de criar, digo, de ficar em casa, renunciar ao trabalho e a busca pelo que fosse melhor. Eu era uma menina de 19 anos, seríamos duas meninas jogadas no mundo sem esperanças, cuidando da casa, a procura de maridos que cuidassem de nós. Eu fui racional ou egoísta, depende do ponto de vista. Mas isso me deu um sentido de trabalhar por alguém além de mim, uma meninazinha engraçada em quem eu coloco a culpa por querer desesperadamente "ser alguém". No fim eu só espero que ela me ame, parece que ela me ama muito.

- Como você define e enxerga o seu trabalho agora? Seus quadros, seus quadrinhos? O que você vê neles?

Eu vejo uma massa em transição. Eles me deixam satisfeita... Logo que eu acabo uma tela ou um quadrinho, eu vejo que aquilo é maior do que eu e me sinto agradecida. Mas vejo também mil possibilidades para explorar, o que me anima. Tudo que eu quero é condições para trabalhar trabalhar trabalhar e deixar essa massa mais definida, mas nunca o suficiente, senão vou ter que parar de mexer.

- Vamos falar sobre a campanha no Catarse: qual a motivação desse projeto, e o que ele representa pra você?

Esse projeto está idealizado desde o início do blog, em 2012. Eu tinha muito desejo de fazer alguma publicação, alguma coisa só minha. Tentei fazer uma história mais longa, Vingança de Odorica, e descobri que ia ser muito caro para publicar. Então conheci o projeto do Ryotiras, que comprei. E era isso, a compilação de seus webquadrinhos num livro incrível. Os amigos dos Quadrinhos Insones tinham acabado de fazer o mesmo para produzir a revista "Libre!" Então percebi que para eu ter volume até lançar a campanha do catarse ia precisar de tempo, paciência, trabalho e conquistar leitores. Em resumo eu fiz uma estratégia e confiei no meu talento, agora achei que chegou a hora. Para mim ele representa a realização de um sonho que foi acalentado por muitas noites insones. Como falo no vídeo do catarse, um primeiro passo, ou o maior passo que dei até agora. Minha própria publicação!!! Mas ele representa mais do que isso se olhar no contexto global e não só de meta pessoal. Eu faço parte de um novo mercado de uma nova era. Pessoas que com o trabalho e o esforço próprio podem se virar diretamente com o público, sem precisar de velhas empresas viciadas intermediando isso. Eu nunca fui publicada num jornal de grande porte, nunca bebi champanhe com esses magnatas, eles nunca divulgaram meu trabalho. Eu nasci da internet e estou me publicando com a ajuda da internet. Se isso der certo, é um grande dedo do meio! (ou será só algo para levar debaixo do braço quando "eles" quiserem ver meu trabalho)

Não esqueça de apoiar a campanha da Magra de Ruim no Catarse!

Para conhecer mais sobre a Sirlanney, você pode:

A) Acessar o tumblr lindo dela;

B) Acessar a fanpage da "Magra de Ruim";

C) Apoiar ela na campanha do Catarse;

D) Todas as opções acima.

Levantando a Baixada: Cineclube Buraco do Getúlio

noreply@blogger.com (Ana Carolina Carvalho) — Thu, 22 May 2014 03:01:00 +0000

Imagine uma cidade com mais de um milhão de habitantes e apenas três salas de cinema localizadas em um único shopping. Essa é a realidade de Nova Iguaçu, município da região da Baixada Fluminense do Rio de Janeiro. Esse número é extremamente pequeno se comparado, por exemplo, ao bairro de Botafogo na Zona Sul carioca, onde existem quase 40 salas para menos de cem mil habitantes. Com isso, a existência de cineclubes é não apenas um movimento de vanguarda, mas também uma ação necessária para o público da região.

É neste momento que surge o Cineclube Buraco do Getúlio, fruto da cabeça de seis amigos apaixonados por cinema e que queriam uma oportunidade de exibir seu próprio trabalho. Tendo como referência cineclubes como o “Mate com Angu” (Cineclube atuante na Baixada Fluminense fundado em 2002, ainda em atividade), o “Beco do Rato” e o “Cachaça e Cinema Clube”, realizaram ao longo de quase oito anos de existência um total de 162 sessões, com 436 filmes exibidos e 264 intervenções artísticas. Hoje, a equipe do Cineclube conta com um total de dez organizadores que trabalham de forma voluntária, com sessões recebendo uma média de 100 pessoas no Ananias Bar.

De acordo com Diego Bion (29), atual coordenador e um dos seis fundadores do Getúlio, a primeira sessão contou com equipamentos de segunda mão comprados na década de 70. “A princípio nós não tínhamos nem projetor. A gente precisava ir até a Lapa pegar um projetor emprestado com a galera do Beco do Rato ou do Observatório de Favelas na Maré”, diz Bion. Em sua primeira sessão, o Getúlio exibiu o clássico “Ilha das Flores”, de Jorge Furtado, e desde o início os idealizadores do Cineclube entenderam que somente o audiovisual seria insuficiente: foi então decidido que o Getúlio passaria abrir espaço também para outras formas de arte no intervalo dos filmes, como poesia, música, teatro e circo.

Desde então, as intervenções do “Buraco” vem mantendo o mesmo formato: são priorizados os curtas-metragens, com foco em vídeo-arte e cinema experimental (que estejam fora do circuito oficial de cinema), filmes que a grande maioria da plateia não teria assistido. A ideia é fazer com que esse circuito alternativo chegue também até a Baixada, contribuindo com a formação de um público na região.

Além do Cinema

As intervenções culturais que acontecem em todas as sessões do Buraco do Getúlio são um destaque à parte. Segundo Diego, a ideia de “buraco” implica em algo que deva ser preenchido com conteúdo, e esse preenchimento se dá através do envolvimento do público e dos atores locais. “Para o poeta o Buraco é um Sarau, para o músico o Buraco é um show, para o artista do circo o Buraco é um picadeiro, para o ator é o palco e para o cineasta é um cinema” diz Bion, que enfatiza a todo instante a ideia de coletivo e a importância do mesmo na trajetória do “Buraco”. “É muito bacana quando a gente vê diretores pedindo pra lançar filmes no Cineclube, ou bandas pedindo pra tocar, poetas para expor sua poesia, entre outros. Não digo que isso tudo seja mérito direto do Getúlio, mas de um ambiente favorável que foi se construindo na Baixada”, finaliza Diego.

Quanto ao público, Diego destaca uma diversidade dentro de uma faixa etária que vai de 20 a 35 anos. “Existe uma juventude que faz parte ou simplesmente apoia o atual cenário cultural da Baixada Fluminense e se identifica mais com o que acontece no “Buraco”. A maioria das intervenções que ocorrem no BG são realizadas pela juventude”. O cenário atual da Baixada como um todo combina perfeitamente com o crescimento do Cineclube: movimentos envolvendo poesia, saraus, música, festas e diversas outras intervenções dialoga com o público crescente do Getúlio. “Nova Iguaçu talvez esteja com a sua primeira geração de realizadores locais”, afirma Bion.

Mesmo sendo realizado em Nova Iguaçu, o público que comparece às sessões do Buraco do Getúlio vem de vários locais: vários locais: Mesquita, Nilópolis, Belford Roxo e até mesmo da abastada capital, Rio de Janeiro. Por isso Diego justifica a ideia de fazer com que o evento ocorra em Nova Iguaçu: ”escolhemos um local próximo ao Centro para facilitar o acesso, dada a dificuldade de transporte público enfrentada pelas regiões da Baixada Fluminense”, afirma. O local escolhido foi o Ananias Bar, um dos mais undergrounds de Nova Iguaçu e palco de diversas intervenções culturais, tradicionalmente frequentado por Diego e seus amigos desde a época da adolescência.

Origem

O nome “Cineclube Buraco do Getúlio” foi pensado em homenagem à passagem subterrânea Túnel Getúlio de Moura, uma das principais na cidade de Nova Iguaçu. O nome também expressa a vontade dos fundadores do BG de manterem uma referência com o local de origem, em um momento em que parte dos habitantes da Baixada ainda busca se desvencilhar da região devido ao caráter violento e abandonado imposto à Baixada pelas grandes mídias. Na contracorrente dessa ideia, o Cineclube, em conjunto com seus organizadores, interventores e plateia, vem tentando (e conseguindo) iniciar um processo de construção coletiva de um imaginário positivo sobre a Baixada Fluminense.

Buraco no Catarse

Em abril de 2014, os organizadores do Buraco do Getúlio iniciou uma campanha de financiamento coletivo junto ao Catarse. O projeto ficará no site por 45 dias, período durante o qual busca atingir o valor total através de uma campanha de doações. Atingindo 100% da meta, quem doou ganha recompensas - e o Buraco do Getúlio recebe verba para a realização de sessões até o fim de 2014. Até o fechamento desta matéria a campanha do Buraco no Catarse (#buraconocatarse) já havia conquistado R$10,887 e os organizadores se mostram otimistas quanto ao atingimento do valor total de R$13,500.

Bion conta que até então as intervenções do Cineclube aconteciam devido a investimentos dos próprios organizadores e dos artistas que iriam se apresentar, recursos esses que eram todos revertidos em aluguel de equipamentos para a exibição dos filmes. Com isso, não tem sido possível oferecer uma infraestrutura adequado ao público e aos artistas que se apresentam. “As sessões acontecem na onda do “faça você mesmo”. E depois de tanto tempo fazendo desse jeito a gente quer conseguir realizar essa atividade de uma maneira mais tranquila, proporcionando um conforto maior a todos os envolvidos como produtores, interventores e público” explica Diego.

As sessões do Buraco do Getúlio acontecem todo segundo sábado do mês às 21h no Ananias Bar em Nova Iguaçu (Rua Floresta Miranda, 48, Nova Iguaçu, RJ). Além disso, toda quarta-feira acontece uma sessão online onde algum curta é disponibilizado no blog do BG.

Contatos

Para conhecer mais sobre o projeto basta acessar os links abaixo:

http://www.buracodogetulio.blogspot.com.br/

Para ajudar com a campanha Buraco no Catarse basta acessar o link:

http://catarse.me/en/buracodogetulio

(Nem) Tudo São Flores: As Tintas Viscerais da Magra de Ruim

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 21 May 2014 03:10:00 +0000

Sirlanney, criadora do "Magra de Ruim"

Nascida e criada em Morada Nova, cidade do interior do Ceará, Sirlanney diz que desenha desde criança. "É difícil lembrar porque toda criança gosta de brincar com papel e tinta. Nas minhas memórias mais distantes, apareço criando uma relação afetiva com os lápis de cores", diz a artista. E se os traços estiveram sempre presentes na sua vida, pode-se dizer que a sua própria vida também esteve sempre presente nos seus desenhos. Com uma obra claramente autobiográfica, afirma que faz as tirinhas para narrar sua "vida, sentimentos e para não enlouquecer".

Não que enlouquecer fosse de todo mal: com a coragem de tratar de temas delicados (para todos nós) como amor, sexo, feminismo e crises pessoais, a obra de Sirlanney foge ao lugar-comum da piadinha diária usada para acalmar os ânimos e arrancar sorrisos com o canto da boca. Para ela, as dores da vida são sempre mais fortes. "Acho que tem a ver com meu gênio, digo, minha forma de viver, talvez eu seja mesmo intensa e visceral, isso acaba comigo", confessa.

Campanha no Catarse

Após 2 anos de planejamento, a "Magra de Ruim" vai finalmente ganhar as ruas em uma versão impressa - a primeira, na verdade. O livro contará com cerca de 150 páginas coloridas, reunindo seus melhores desenhos e tirinhas publicadas no seu blog (sirlanney.tumblr.com). A publicação contará com histórias inéditas, além do zine erótico "Sdds".

"Para mim ele representa a realização de um sonho que foi acalentado por muitas noites insones. Como falo no vídeo do catarse, um primeiro passo, ou o maior passo que dei até agora. Minha própria publicação!!! Mas ele representa mais do que isso se olhar no contexto global e não só de meta pessoal. Eu faço parte de um novo mercado de uma nova era. Pessoas que com o trabalho e o esforço próprio podem se virar diretamente com o público, sem precisar de velhas empresas viciadas intermediando isso", conta Sirlanney.

Apoie a campanha da Magra de Ruim no Catarse! É só clicar aqui e contribuir!

Para conhecer mais sobre a Sirlanney, você pode:

A) Acessar o tumblr lindo dela;

B) Acessar a fanpage da "Magra de Ruim";

C) Voltar aqui na sexta, quando vamos publicar uma entrevista exclusiva que fizemos com elas;

D) Todas as opções acima.

Confira abaixo alguns trabalhos da Sirlanney:

Festival Se Rasgum (PA) abre seletivas para Edição 2014

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 20 May 2014 00:59:00 +0000

As Seletivas Se Rasgum chegam mais cedo este ano, em dois dias de shows inesquecíveis e grandes descobertas. Nos dias 19 e 20 de junho, na casa oficial Hotel Gold Mar,a Se Rasgum traz os convidados Tiago Iorc (pela primeira vez em Belém) e a banda gaúcha Bidê ou Balde, que faz a sua segunda apresentação na cidade depois do show no VI Festival Se Rasgum.

Mas as novidades não acabam por aí, a Seletivas 2014 ganha ainda uma edição em Bragança, no dia 6 de julho. Em dois dias em Belém, 16 bandas paraenses concorrem a quatro vagas. E na cidade de Bragança serão 8 bandas em um dia buscando 1 vaga para a nona edição do Festival Se Rasgum, que será de 20 a 23 de agosto, em Belém.

As inscrições das duas edições iniciam dia 19 de maio e vão até 2 de junho pelo site www.serasgum.com.br/seletivas. Poderão participar bandas de todo o estado e de todos os estilos musicais. Confira no edital onde sua banda se encaixa, em Belém ou Bragança. Em 2014, as Seletivas foram contempladas pelo Programa Amazônia Cultural 2013, com apoio do Ministério da Cultura.

Seletivas Belém e Bragança

Em Belém, 16 bandas serão selecionadas e em Bragança serão 8, as duas edições da mesma maneira: através de notas dadas por um júri composto por três pessoas ligadas ao mercado musical, que escutarão todas as bandas inscritas em nosso site. Depois deste processo, teremos um júri presencial de outros três jurados que avaliarão as apresentações ao vivo, junto ao voto do público, de onde vão sair quatro bandas (artistas) de Belém, e um artista de Bragança, que farão parte da programação do 9º Festival Se Rasgum. Em todas as etapas, os jurados são pessoas ligadas ao mercado musical, como jornalistas, produtores, músicos etc.

Em Belém, após as apresentações dos selecionados da noite, quem finaliza é o artista ou banda convidada. Dia 19 será encerrado o show do cantor Tiago Iorc. E no dia 20 quem fecha as Seletivas Se Rasgum 2014 é a banda Bidê ou Balde.

Para saber mais, acesse o site do Festival Se Rasgum

Teia da Diversidade reúne destaques da diversidade cultural brasileira em Natal (RN)

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 19 May 2014 05:41:00 +0000

O que é a TEIA da Diversidade

A TEIA da Diversidade é o encontro nacional dos Pontos de Cultura e das redes da diversidade que integram o Programa Cultura Viva. Em sintonia com as estratégias e diretrizes gerais do Plano Nacional de Cultura, a TEIA Nacional da Diversidade 2014 abre um espaço para encontro, reconhecimento, convivência, reflexão, formação e divulgação de temas prioritários de grupos, coletivos, comunidades, Pontos de Cultura e iniciativas que integram o Programa Cultura Viva.

Teia Nacional 2014

A TEIA Nacional da Diversidade – 5º Encontro Nacional dos Pontos de Cultura e das redes da diversidade que integram o Programa Cultura Viva – será realizada de 19 a 24 de maio, em Natal (RN). Promovida pela Secretaria da Cidadania e Diversidade Cultural do Ministério da Cultura (SCDC/MinC) e pela Comissão Nacional de Pontos de Cultura (CNPdC), a TEIA 2014 tem o objetivo de fortalecer o exercício dos direitos culturais e promover a atuação cultural em rede.

“Desta vez teremos uma TEIA muito especial, porque irá reunir no mesmo encontro pontos de cultura e segmentos da diversidade, com a presença de instituições parcerias. A TEIA da Diversidade será um importante espaço de fortalecimento e articulação de toda a rede”, diz ministra da Cultura, Marta Suplicy.

A TEIA da Diversidade será mais abrangente do que as quatro edições anteriores da TEIA, realizadas em 2006, 2007, 2008 e 2010. Este ano, além dos Pontos e Pontões de Cultura, participam grupos do “Encontro da Diversidade”, que agrega segmentos das políticas setoriais atendidos pelo Programa Brasil Plural. Fazem parte destes segmentos grupos de Culturas Populares, Culturas Indígenas, Culturas Ciganas, LGBT, Crianças, Idosos, Juventude, Hip-Hop, Pessoas com Deficiência, Saúde Mental, Trabalhadores Urbanos, Povos de Terreiro, Quilombolas, Imigrantes, Mulheres, Trabalhadores Rurais, Mestres e Griôs.

“Queremos estimular o diálogo e a parceria entre a sociedade civil, gestores, instituições de ensino, instâncias de participação social e os diversos atores do campo cultural”, explica Márcia Rollemberg, secretária da Cidadania e da Diversidade Cultural do MinC. Segundo a gestora, a realização da TEIA da Diversidade estimula ações de valorização, políticas integradas e de promoção da cultura brasileira.

Apresentação do Afoxé Ara Won Ufu Ufu / Foto: Mario Miranda

Programação e espaços

A TEIA da Diversidade contará com Mostras Artísticas e uma Feira de Economia Solidária e Criativa protagonizadas pelos Pontos de Cultura, que levarão à Natal demonstrações da diversidade do Programa Cultura Viva por meio de apresentações artísticas, da exposição e venda de produtos artesanais.

Oficinas, Fóruns e Seminários Temáticos serão alguns dos espaços de diálogo da TEIA da Diversidade. Entre os temas, destacam-se os debates sobre o acesso a equipamentos culturais, os encontros dos Pontos de Cultura Indígenas e de Leitura.

Na área audiovisual, haverá o CineTEIA, uma mostra de produções dos Pontos de Cultura, o encontro do Grupo de Trabalho Temático e um Seminário sobre a Regionalização da Produção Audiovisual.

As atividades da TEIA da Diversidade serão realizadas na Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN), no Instituto Federal de Educação, Ciência e Tecnologia do Rio Grande do Norte (IFRN), na Praça Largo da Ribeira e no Teatro Alberto Maranhão.

A programação completa da TEIA da Diversidade está disponível no site oficial do encontro e os participantes podem inscrever-se gratuitamente nas atividades disponíveis.

Banda da Semana: O Tropicalismo Multicultural da Coutto Orchestra

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 19 May 2014 05:19:00 +0000

Foto: Divulgação

Formada em 2010 em Aracaju (SE), a Coutto Orchestra pode ser considerada a encarnação do tropicalismo. A “micro-big-band”, como se classificam, traz em seu trabalho uma fusão da “cultura DJ” com ritmos de todo o mundo como cumbia, jazz, maracatu, tango, forró, valsa e marchas dos balcãs. Neste caldeirão de onde brota a fanfarra eletrônica encontra-se de tudo, principalmente canções com batidas fortes e melodias cativantes.

Com quatro anos de estrada, a “Coutto Orchestra de Cabeça” (nome original do grupo) surgiu da necessidade: “eu não possuía banda, apenas produzia as minhas músicas em estúdio e junto com aparatos eletrônicos construía minha banda, minha ‘Orchestra de Cabeça’”, diz Alisson Coutto, idealizador do projeto. Contando hoje com diversos integrantes, o grupo se reconhece como algo concreto. “Depois de lançar o ‘Eletro Fun Farra’, decidimos retirar o ‘De Cabeça’. Vimos mais do que nunca que conseguimos sair de um projeto imaginário, e hoje nos identificamos como banda”.

Foto: Thiago Souza Ramos

Com dois EPs (“Micromúsica”, de 2010 e “Aratu Milonga”, de 2012) e um Disco lançados (“Eletro Fun Farra”, de 2013), é de se perguntar de onde surgem as influências para o trabalho multicultural do grupo. “Nas composições da 'Orchestra' sempre buscamos fundir elementos daqui (nordestinos e prioritariamente sergipanos) com os demais ritmos da aldeia global”, explica o grupo. “Ao compor não nos preocupamos em seguir uma forma ou rítmica obrigatória, o que buscamos a risca é apenas comunicar sensações”, completa.

Com um estilo batizado de “Eletrofanfarra” pelos próprios integrantes do grupo, as apresentações da Coutto Orchestra trazem os instrumentistas unindo aparatos tecnológicos à sanfona, percussões, sopros e vozes para reproduzirem melodias cativantes e batidas fortes. Com canções sem palavras, associadas a projeções e luzes, provocam uma sensação festiva e imagética, criando uma atmosfera urbana com raízes na cultura das ruas. Para o grupo, “as canções sempre surgem a partir de algum estimulo visual ou histórias que ouvimos em relatos. Algumas vezes isso se transforma em trilhas sonoras, outras, em canções quase sem palavras”.

Foto: Café com Guaraná

Atualmente a Coutto Orchestra vem ganhando destaque em importantes espaços do cenário da música brasileira com shows na Feira da Música (CE), Porto Musical (PE), Festival Quebramar (AP), BNB Instrumental (PB e PE), LAB Festival (AL), Festival de Inverno de Garanhuns (PE), Festival Quebramar (AM), Palco Giratório (SE), Verão Sergipe (SE) e participação em diversas coletâneas físicas e virtuais como Bass Culture e Beyound e Viva Brasil (BM&A), Serigy All Stars (Disco de Barro), dentre outras.

Para o grupo, tocar em tantos lugares diferentes é algo muito positivo. “A cada evento que temos a oportunidade de viajar, a banda consegue se renovar, oxigenar a pluralidade que buscamos no nosso som, é impressionante como em nossas viagens conseguimos (re)avaliar os elementos estéticos, sonoros, que compõem o nosso trabalho”, diz o grupo.

Você pode conhecer mais sobre o grupo acessando o site da Coutto Orchestra

Nobat (MG) lança videoclipe da música "Ancorar"

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 15 May 2014 22:55:00 +0000

Foto: Divulgação

Após dois anos circulando por diversas cidades com seu primeiro álbum, “Disco Arranhado”, o cantor e compositor mineiro Nobat lançou nesta quinta-feira seu terceiro videoclipe, da música “Ancorar”.

Dirigido por Jonathan Tadeu, o clipe transmite a essência do espontâneo, perceptível nos encontros noturnos de amigos por meio de um olhar que revela também solidão e ausência. A produção teve a participação de diversos artistas de Belo Horizonte (MG) como o fotógrafo e artista plástico, Frederico Amoz; o “Poeta da capital ”, Marcelo Diniz; Marcus Vinícius Evaristo, cantor e compositor da banda Aldan e outras figuras carimbadas no novo meio artístico da cidade.

O músico retorna à Sala Juvenal Dias – onde lançou seu primeiro disco - em um formato mais que inusitado: desta vez, sobe ao palco sozinho para revelar parte de seu novo repertório, bem como músicas do primeiro disco, utilizando programações e arranjos irreverentes. O show terá participações especiais de David Dines e Julia Branco (Todos Os Caetanos do Mundo).

Atualmente, Nobat trabalha na pré-produção de seu segundo álbum, que será lançado em dezembro deste ano.

Confira abaixo o clipe da música "Ancorar":

Campeonato Estadual de Skate 2014 realiza 1ª Etapa em Cabo Frio (RJ)

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 15 May 2014 03:01:00 +0000

Skate Park Allan Mesquita, em Cabo Frio (RJ)

A 1ª Etapa do Campeonato de Estadual do Rio de Janeiro, organizado pela FASERJ (Federação de Skateboard do Estado do Rio de Janeiro), foi confirmada para os dias 17 e 18 de maio, durante a inauguração oficial do Allan Mesquita Skatepark em Cabo Frio (RJ).

O evento vai abrir o calendário em grande estilo, pois será uma grande honra para os skatistas competidores da federação fazerem parte desta grande festa de inauguração organizada pela prefeitura. Além disso a competição vai ser oficial, já que contará pontos para o ranking FASERJ nas categorias Infantil, Mirim, Iniciante, Amador 1 e Feminino 1.

O ranking da FASERJ é o critério utilizado pela CBSK (Confederação Brasileira de Skate) para classificar os melhores skaters do Rio para participar do Campeonato Brasileiro que será realizado no final do ano.

Segue abaixo as informações das competições:

Vagas e Inscrições:

Infantil (até 10 anos: 15 vagas) – R$ 10,00
Mirim (de 11 a 13 anos: 30 vagas) – R$ 10,00
Iniciante (30 vagas) e Feminino 1 (10 vagas) – R$ 15,00
Amador 1 (24 vagas) – R$ 20,00

Obs.: As vagas são limitadas e deverão ser realizadas respeitando a ordem de chegada no local.

Competição de Inauguração válido como 1ª Etapa Estadual FASERJ:

Sábado 17/05 – Programação

08h00 às 09h30 – Inscrições (Pista Livre Categoria Infantil e Mirim)
09h30 às 10h00 – Cerimônia de Inauguração
10h00 às 10h20 – Bateria única de Infantil
10h20 às 10h40 – 1ª Bateria Mirim
10h40 às 11h00 – 2ª Bateria Mirim
11h00 às 11h20 – 3ª Bateria Mirim
11h20 às 12h00 – Cerimônia de Premiação Categoria Mirim e Infantil
12h00 às 14h00 – Intervalo
14h00 as 16h00 – Treino Livre Categorias: Iniciante, Amador, Feminino 1
16h00 as 16h40 – 1ª Bateria Iniciante
16h40 as 17h20 – 2ª Bateria Iniciante
17h20 as 18h00 – 3ª Bateria Iniciante
18h00 as 18h40 – Bateria única Feminino 1
18h40 as 19h10 – 1ª Bateria Amador
19h10 as 19h40 – 2ª Bateria Amador
20h10 as 20h40 – 3ª Bateria Amador
20h40 as 21h10 – Cerimonia de Premiação Iniciante, Feminino 1 e Amador 1

Via Pense Skate

8ª Virada Cultural Paulista divulga datas e atrações de 2014

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 15 May 2014 03:01:00 +0000

Os Sertões faz sua apresentação no Palco Externo da Praça David Garcia, Americana (2013) / Foto: Ronaldo de Souza – Focco Visual

A Virada Cultural Paulista realiza sua oitava edição com uma ótima notícia para o público. Neste ano, 28 municípios recebem uma das maiores festas populares do Estado de São Paulo em dois fins de semana. Isso mesmo, 24 horas de programação cultural de altíssima qualidade em duas doses: metade das cidades em 24 e 25 de maio; a outra metade em 31 de maio e 1º de junho.

Com isso, a população pode aproveitar muito mais ao curtir a programação cultural em mais de um município, escolhendo seus artistas e bandas preferidos a cada dia. E o que é melhor: tudo de graça!

Marcelo D2 no Parque da Cidade – Roberto Burle Marx, São José dos Campos / Foto: Smartclic

Em uma mistura de estilos e linguagens, o público terá acesso aos melhores espetáculos de teatro adulto e infantil, dança, circo, artes visuais e, claro, muita música, ocupando as ruas, as praças e os teatros municipais em uma grande festa popular que celebra toda a diversidade cultural paulista e brasileira.

Dos nomes mais atuais que têm despontado na cena artística aos já consagrados, a Virada segue antenada nas tendências de vanguarda do universo cultural.

Você pode conferir a programação completa no site do evento:

http://www.viradaculturalpaulista.sp.gov.br

Chama Entrevista: Rodrigo Azevedo

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 14 May 2014 03:01:00 +0000

Com suas atividades iniciadas em 2005 pelo Observatório de Favelas, a Escola Popular de Comunicação Crítica (Espocc) foi criada para fortalecer e construir a capacidade de mobilização das comunidades de espaços sociais populares. Estabelecida no conjunto de favelas da Maré, no Rio de Janeiro, seu objetivo é iniciar jovens e adultos de espaços populares em conhecimentos e vivências da teoria, metodologia e linguagens da comunicação popular, visando potencializar sua ação crítica e transformadora.

Para conhecer mais sobre a Escola, conversamos com o publicitário Rodrigo Azevendo, Professor e Coordenador de Projetos da ESPOCC. Confira a entrevista abaixo:

Como você conheceu a ESPOCC?

Eu era da área de Marketing de uma empresa do segmento de Telecom no Rio de Janeiro e fui convidado por um colega de trabalho para assumir a cadeira de criação publicitária e cultura digital, que estava vaga. Começamos a dar aulas em dupla e assim fomos parar na ESPOCC. E assim eu larguei o mercado ‘tradicional’ para ser professor e trabalhar com projetos e consultoria.

Você é gerente de projetos e professor. Como você passou a exercer essas funções, e como é o cotidiano delas?

A vaga de gerente de projetos existia no escopo da Escola como uma posição que fosse capaz de integrar a Agência Modelo, Diálogos, os alunos e projetos externos. Produzimos conteúdo para Anistia Internacional, parceria com ESPM e outros trabalhos que eram, na verdade, grandes testes para a estruturação da Diálogos. A rotina era frenética e intensa, mas maravilhosa. O aprendizado constante. Falamos de grandes profissionais juntos de alunos que são também grandes; grandes artistas plásticos, produtores de eventos, poetas, redatores, professores, articuladores políticos e sociais... tinha de tudo. Era uma misturada de conhecimento que no final resultava em campanhas e projetos brilhantes, tocantes, eu diria.

Como é o envolvimento dos alunos? Existem dificuldades?

As dificuldades para permanecerem em aulas são muitas. A necessidade de trabalhar e ter renda. Em tese, a maioria é de estudantes de territórios populares, então precisam se virar para pagar as contas e muitas das vezes manter as suas casas. Estamos falando de um curso dentro de favela, onde a polícia entra com o pé na porta, onde o tráfico senta o dedo mesmo... Então a violência é um ofensor. O transporte público de péssima qualidade e o planejamento urbano, ou a sua ausência, dificultam o acesso. À noite temos aulas a partir das 18h, chegar à altura da passarela 9 da Avenida Brasil, no horário de rush, em pleno Rio de Janeiro, é um desafio enorme.

Além disso, as turmas são plurais e intensas, então o conteúdo precisa dialogar muito com essa galera. Se chegar com coisas mornas, eles reclamam e o interesse cai. Já me peguei muito mudando apresentação e aula dois minutos antes do início da atividade porque rolou uma pesquisa nova, uma campanha interessante e queria dividir com eles algo novo, que estava acontecendo naquele momento. Agora, a criatividade da galera que passa pela Escola é surreal. Eles estão criando, inventando, discutindo e repensando tudo o tempo todo. Então no decorrer das atividades, as ideias surgem com uma naturalidade incrível. E tornar essas ideias em ações, requer muito trabalho, tudo é mega, com uma sede grande, mas acontecem.

Como você observa o desenvolvimento dos alunos durante o curso?

O que podemos perceber, acompanhando o trabalho deles, é o aumento do engajamento. A grande maioria atua em coletivos culturais, políticos ou estão em trabalhos, seja no terceiro setor ou até mesmo em empresa. Temos estudantes na direção da Central Única das Favelas (CUFA) trabalhando em emissoras como a Globo e GLOBONEWS, alguns dando aulas, outros tocando seus ateliês em favelas da Maré e por aí vai. A maioria já chega com algum trabalho ou articulação, mas percebemos que isso se amplia e fortalece ainda mais ao passarem pela ESPOCC.

Quais os projetos mais interessantes que você viu serem desenvolvidos na ESPOCC?

Sem dúvida a campanha Juventude Marcada Para Viver, que conseguiu ditar pauta ao colocar uma ação de guerrilha no largo da carioca (mais informações no na Fanpage do Projeto JMV) e repercutir a ação em todos os principais veículos do Rio de Janeiro. A campanha discutiu a morte de jovens negros nas favelas e territórios populares do Rio, um número alarmante, mas invisível no Estado e no país. E discutimos essas mortes falando de vidas, com uma campanha totalmente pensada e construída pelos alunos, em parcerias com o corpo técnico da escola e amigos, publicitários e produtores, que chegaram juntos e fizeram a coisa acontecer. A campanha teve uma linda festa no Parque Municipal de Madureira, reunimos de músicos como B Negão a pensadores e atores cariocas como o Marcus Faustini.

Alguma história interessante?

São muitas. Sem exagero, eu mudei a minha vida e o pensar no futuro quando cheguei à escola. Ainda é muito prematura, mas foi dela que saiu a decisão de dar aula, de trabalhar em algo que tenha significância e faça sentido, que tope o desafio de não viver de publicidade por publicidade, vender iphone e gerar consumo só para disputar festivais. Quero trabalhar com comunicação usando essas experiências, mas em outras pegadas. A ESPOCC é por si só uma grande história que merece ser compartilhada. Dentro dela? É história o tempo todo. E das boas.

A ESPOCC tem 3 “Perguntas Fundantes”. Você poderia tentar dar as suas respostas?

1) Os espaços populares podem construir sua própria representação sociocultural? Podem desafiar a representação dominante, que relaciona esses espaços à violência, carência e precariedade?

Eu respondo que sim, citando, por exemplo, o projeto da Roberta, aluna da escola que participa do “Mulheres de Pedra”, lá em Guaratiba, que vive de arte, cultura, hospedagem, tudo muito puro e de raiz, respeitando e ocupando aquele espaço com muito respeito ao seu entorno e história, e desafiando lógicas, como a de mercado e consumo que poderiam gerar maior renda, mas ofenderiam diretamente a proposta da atividade. Eles encontra um equilíbrio entre viver e manter a sua história e proposta.

2) A periferia pode identificar e resolver seus próprios desafios de comunicação, tornando-se protagonista e não apenas “beneficiária” destes processos?

Pode e vem fazendo isso. Desde o Mídia Ninja, que em junho deu um banho e fez escola com a sua cobertura nos protestos que sacudiram o país, diversos coletivos estão trabalhando e fazendo a informação circular de uma forma ampla e coerente nas redes sociais, seguindo muito o que aqueles caras fizeram nos protestos em todo o país. Há um desafio, porém, sair do “circulo padrão” e conseguir dividir seus conteúdos com mais pessoas, além daqueles que estão na sua volta e já são naturalmente engajadas, ligadas ou sensíveis ao conteúdo. Isso é algo difícil, mas que na hora que começar a funcionar, meu amigo, ninguém segura.

3) Essas experiências podem ser sustentáveis? É possível e desejável viver de comunicação cidadã e popular? Como o trabalho em rede pode colaborar com isso?

Aí eu confesso que é uma questão que não consigo responder. Pagar as contas no fim do mês com esse trabalho, ou só esse, é um desafio grande. É difícil. O debate de sustentabilidade precisa, muito, de discussão e desenvolvimento, até mesmo para deixar claro qual o recorte de sustentabilidade estamos falando. O Luís, que foi coordenador geral da escola, é um cara que tem maior habilidade em travar esse debate.

Qual a posição da ESPOCC em relação à ocupação da PM realizada na Maré?

Toda ocupação feita da forma que foi, com tanques e esquema de guerra, militar na sua essência, é ruim, agressiva e não faz bem para ninguém. E a ESPOCC não tem uma posição clara por não ter vivido esse momento. Estamos parados desde o término do patrocínio no fim de 2013. O Observatório de Favelas, sim, vem se posicionando em busca do diálogo, promovendo debates e encontros, e o Mariano Beltrame e Luiz Eduardo Soares são dois importantes atores nessa questão toda que estiveram na Maré para travar debates. Outro ponto é o avanço do trabalho social e de base nas favelas ocupadas. É fundamental ir além das forças militares. E, creio eu, Rodrigo, que esse seria um caminho também da ESPOCC: a defesa do diálogo, da população no centro da discussão, definindo ações, estratégias e políticas públicas que tornem a região parte integrada da cidade, com direitos e presença de serviços públicos, capazes de proporcionar segurança, de fato, e qualidade de vida aos seus moradores.

Qual a sua opinião em relação à ocupação?

Da forma que veio, não vai funcionar. Na verdade ela não é feita para funcionar. Não há um processo de ocupação estratégica que avisa que vai chegar, ou seja, deixa a porta aberta para o tráfico fugir, e que não discuta questões maiores, como o tráfico de armas, a chegada das drogas no estado e país, não pense em segurança pública como algo maior do que o uso de força militar e que não entenda ou trate a região como um campo de batalha a ser conquistado, que não faz parte do estado, isso tudo são equívocos que não vemos o estado discutir e que mostram o motivo dela não funcionar. As armas circulam, os traficantes migram e a UPP não é capaz de construir segurança, e muito menos acesso aos serviços públicos mais básicos, como transporte, e por aí vai. Aliás, esse nem é o papel dela e no estado há quem o faça. Ou se pensa de forma macro, com diálogo e construção entre diversos atores, ou teremos sempre o bang-bang que mata pobre, favelado e policial, a ponta do estado que vai pra dentro das favelas. Outro problema é a guerra às drogas. A política de combate ao consumo de drogas é equivocada, pensa somente na repressão, no ataque direto, passou do tempo de discutir regulamentação, como no Uruguai, e a investida em novas políticas públicas para essa questão, livres de preconceito e moralismo, ou hipocrisia. Aponto vários tópicos, misturo tudo, mas se pensarmos bem, todos eles se conectam e tratam da mesma coisa, segurança pública nas favelas e para as favelas, não só para os turistas e moradores de regiões que passam por essas localidades.

Você pode acompanhar todas as novidades da ESPOCC pelo site (http://www.espocc.org.br/) ou pela página no facebook (www.facebook.com/espocc).